Ringo Starr

Richard Starkey (Liverpool, 7 de julio de 1940), más conocido como Ringo Starr, es un músico, cantante, compositor y actor británico, reconocido por ser baterista del grupo The Beatles. De los cuatro miembros del grupo, fue el último en incorporarse a la formación definitiva. Le dicen así porque siempre usa anillos, aunque en una entrevista dijo "Yo lo elegí porque es nombre de perro y los perros me agradan".

Biografía

Los primeros años

Richard Starkey nació en el seno de una familia trabajadora el 7 de julio de 1940 en el 9 de Madryn Street de Dingle, un suburbio portuario de Liverpool, Inglaterra. Sus padres, Elise Gleave y Richard Starkey, prontamente se divorciaron, quedando el joven al cuidado de su madre. Ambos se mudaron al 10 de Admiral Grove, a la vez que su madre alternaba distintos trabajos para subsistir.

Ingresó en la escuela de St. Silas, pero a los 6 años se vería obligado a abandonarla debido a una grave peritonitis. Permaneció en coma durante dos años y diez semanas en el hospital. A los trece, después de que su madre contrajera matrimonio con Harry Greaves, un resfriado se convirtió en pleuresía, lo que le obligó a ser ingresado en el Myrtle Street Hospital, donde permaneció hasta 1955.

Su ausencia del aula le dificultó el aprendizaje, por lo que a su salida apenas sabía leer y escribir. Trabajó, gracias al apoyo de su padrastro, para la British Rail de Inglaterra como mensajero, aunque a las seis semanas fue despedido por no pasar el examen médico. Poco después, Harry Greaves logró encontrarle trabajo como aprendiz de ensamblador en una compañía mecánica local llamada H. Hunt & Son.

Pese a todo, y debido al auge del skiffle, la mayor afición de Ringo era la música. Durante su estancia en el hospital, aprendió a tocar el tambor en las clases de música que se impartían. A su salida de éste, Harry Greaves le compró una batería de segunda mano. Tocó para algunas bandas locales: primero en bailes junto a Eddie Clayton y más tarde con The Darktown Skiffle Group, aunque alcanzó cierta reputación en el grupo Rory Storm & The Hurricanes, donde cambió su nombre por el de Ringo Starr (Ringo debido a los numerosos anillos que usaba, y Starr para anunciar su solo de batería como Starr Time).

En otoño de 1960, y después de numerosos conciertos en su Liverpool natal, Ringo, junto a Rory Storm and the Hurricanes, tocó en Hamburgo, Alemania, donde conoció a The Beatles. En varias ocasiones sustituyó a Pete Best a la batería debido a su ausencia, y entabló una fuerte amistad con el resto de la banda.

Con los Beatles
Artículo principal: The Beatles

En 1962, The Beatles consiguen su primer contrato discográfico con Parlophone gracias a la ayuda de Brian Epstein y George Martin. Pese a todo, a George no le gustaba el ritmo de Pete Best a la batería, por lo que propuso sustituirle por un profesional llamado Andy White. Sin embargo, el grupo se presentó en la siguiente sesión con Ringo Starr. A pesar de las reticencias, finalmente contó con el apoyo de George Martin e ingresó oficialmente en el grupo [1] .

A pesar de ser zurdo, Ringo toca una batería para diestros. Su tendencia a dirigir el ritmo con su mano izquierda contribuyó al distintivo estilo de tocar la batería de Ringo.

John Lennon dijo de Ringo:

Ringo era un estrella en su justa medida en Liverpool, antes de que le conociéramos. Por entonces era un batería profesional que cantaba y tocaba y tenía su propio espectáculo y estaba en uno de los grupos más importantes de Gran Bretaña pero especialmente de Liverpool... Ringo es un maldito buen batería [2] .

Por su parte, Steve Smith dijo de él:

Antes de Ringo, los bateristas seguían el ritmo con su habilidad y su virtuosismo. La popularidad de Ringo trajo un nuevo paradigma en la forma de que el público veía al batería. Comenzamos a ver al batería como un participante igualado en todos los aspectos de la composición. Una de las mejores cualidades de Ringo era que componía la pista de la batería con un estilo único para las canciones de los Beatles. Las partes de la batería suponían una firma tan personalizada que podías escuchar a Ringo sin el resto de la música e identificar de inmediato la canción[3] .

Muchos bateristas, entre ellos Max Weinberg, de la E Street Band, Dave Grohl, de Nirvana, Danny Carey, de Tool, Liberty deVitto de la banda de Billy Joel, Phil Collins y Mike Portnoy, han reconocido la influencia de Ringo a la hora de tocar la batería[4] .

Según Phil Collins:

"Starr es enormemente menospreciado. La pista de batería en "A Day in the Life" tiene cosas muy complejas. Puedes contratar a un buen batería hoy en día y decirle: "Quiero que lo toques como tal", sin que sepa cómo hacerlo [5] .

En su extenso estudio sobre las sesiones de grabación de The Beatles, Mark Lewisohn confirmó que Ringo era hábil y notablemente formal. Según el autor, a lo largo de ocho años de sesiones hubo menos de una docena de ocasiones en la que tuviera que interrumpirse la grabación por un error de Ringo, recayendo la mayor parte de los errores en los otros tres componentes de The Beatles[4] .

Ringo es asimismo considerado por introducir aspectos modernos en las técnicas de la batería, como es la forma de coger las baquetas por ambas manos de la misma manera, a diferencia de la forma tradicional en la que ambas eran cogidas de manera diferente, o el aspecto de emplazar el instrumento en una plataforma para hacerlo más visible de cara al público.

Existen dos canciones donde Ringo es reconocido por su labor como batería: en "Rain", por su sincronización con el bajo de Paul McCartney en la parte final, y en "She Said, She Said", por la forma de cubrir sin inconvenientes el cambio de compás de 3/4 a 4/4.

Tanto John Lennon como Paul McCartney y George Harrison han reconocido, a modo de halagos y de compañerismo, a Ringo como el mejor batería del mundo. Durante la grabación del Álbum Blanco, McCartney sustituyó a Ringo en las canciones "Back in the U.S.S.R." y "Dear Prudence" tras la salida de Ringo debido a su disgusto por las crecientes tensiones entre los miembros del grupo y por el tiempo que tenía que pasar abandonado en el estudio mientras sus compañeros no le requerían para la batería. Pasó dos semanas con el actor Peter Sellers en su yate, cerca de Grecia, donde escribió la canción "Octopus' Garden". Lennon mandó telegramas a Ringo, y Harrison llenó el estudio de flores para agasajar a Ringo en su vuelta a Londres [6] . Asimismo, el 31 de enero de 1969, un día después del último concierto ofrecido por el grupo en la azotea de Apple Studios, McCartney mandó una postal a Ringo diciendo textualmente: "Tú eres el mejor batería del mundo. De verdad", que se puede leerse en el libro de Ringo Postcards From The Boys [7] .

McCartney también tocó la batería en el tema "The Ballad of John and Yoko", grabado el 14 de abril de 1969 exclusivamente junto a John Lennon [8] . Ringo comentó en ese aspecto que tenía suerte de 'estar rodeado por tres baterías frustrados' que sólo podían tocar con un único estilo [9] .

Ringo generalmente cantó al menos una canción por cada álbum de estudio, como parte de un supuesto pacto por plasmar las voces de los cuatro miembros del grupo en cada disco. En algunos casos, Lennon o McCartney escribían las letras y la melodía especialmente para él, como en el caso de "Good Night" para el Álbum Blanco o en el de "Yellow Submarine" para Revolver. En otros casos, las melodías eran hechas a medida para el rango vocal de Ringo. Aunque algunas reseñas criticaban la voz nasal de Ringo en comparación con las voces de sus compañeros, se volcó en la interpretación de canciones de otras estrellas musicales con una voz parecida a la suya, haciendo una gran contribución al grupo. La voz de Ringo también se puede escuchar en canciones como "All Together Now", "Carry That Weight" o "The Continuing Story of Bungalow Bill".

Indudablemente, Lennon y McCartney fueron los compositores más prolíficos dentro de The Beatles. Harrison escribió, asimismo, cierta cantidad de canciones, mientras Ringo es acreditado como único compositor en los temas "Don't Pass Me By", del Álbum Blanco, y "Octopus's Garden", de Abbey Road, en la cual fue ayudado por su compañero George Harrison. Su nombre figura también en los créditos del tema "What Goes On", del álbum Rubber Soul, junto al de Lennon y McCartney, mientras las canciones "Flying", procedente de Magical Mystery Tour, y "Dig It", de Let It Be están acreditadas a Lennon, McCartney, Harrison y Starr.

De forma adicional, Ringo escribió "Taking a Trip to Carolina" (publicada en el segundo disco de Let It Be... Naked) y fue acreditado junto a los otros tres Beatles en los créditos de las canciones "12-Bar Original", "Los Paranoias", "Christmas Time (Is Here Again)", "Suzy Parker", del filme Let It Be, "Jessie's Dream", de la película Magical Mystery Tour, y la versión de "Free As A Bird" incluída en el proyecto Anthology. La película Let It Be también incluye "Jazz Piano Song", acreditada como una composición de "McCartney/Starkey".

Asimismo, cada miembro de The Beatles contribuyó a las canciones sin estar específicamente mencionado en sus créditos. Es el caso del tema "Eleanor Rigby", cuyo verso "writing the words to a sermon that no one will hear" fue una aportación de Ringo reconocida por McCartney. Por su parte, Lennon utilizó expresiones de Starr para los títulos de canciones, como es el caso de "A Hard Day's Night" y "Tomorrow Never Knows".

En el proyecto Anthology, Ringo reconoció que en la etapa previa a sus únicas dos composiciones dentro de The Beatles, solía presentar material a los otros tres miembros del grupo que ellos reconocían al instante como música de otros artistas, generalmente de Jerry Lee Lewis.

Después de los Beatles

Tras la separación oficial de The Beatles el 10 de abril de 1970, Ringo continuó una carrera en solitario que había inaugurado con el disco de versiones clásicas Sentimental Journey, publicado el 27 de marzo de 1970. Seis meses después, edita un disco con temas country titulado Beaucoups of Blues, grabado en Nashville junto al músico Peter Drake. Orquestó, además, singles de éxito con "It Don't Come Easy" y "Back Off Boogaloo", siendo este último su mayor éxito en el Reino Unido al alcanzar el puesto #2. En Estados Unidos, logró la primera posición de las listas de éxitos con los singles "Photograph", co-escrita con George Harrison, y "You're Sixteen", ambos en 1973.

En 1971, participó en The Concert for Bangladesh, organizado por George Harrison con el objetivo de recaudar fondos para los refugiados de Pakistán del Este, así como en los álbumes All Things Must Pass y Living in the Material World, de George Harrison, Plastic Ono Band de John Lennon, y el primer trabajo de Yoko Ono. Poco después hizo su debut como director con el documental Born to Boogie sobre T. Rex.

A día de hoy, Ringo es el único Beatle que no ha conseguido un primer puesto en las listas de singles británicas como artista en solitario, si bien en Estados Unidos logró dos números uno. Asimismo, es el único Beatle sin un número uno en las listas británicas de álbumes, alcanzando como puesto más alto el #7 con los discos Sentimental Journey y "Ringo". En Estados Unidos, su disco homónimo se izó hasta la segunda posición de las listas de éxitos.

En 1971, fundó junto a Robin Cruikshank una compañía de muebles. Entre los diseños exclusivos de Ringo figuraban mesas con flores en forma de corazón que incluían pétalos ajustables.[10]

Su álbum de 1973 Ringo supone el mayor éxito comercial de su carrera. Producido por Richard Perry y con la colaboración por separado de los otros tres miembros de The Beatles, Ringo se convierte en el Beatle más exitoso. Su siguiente álbum, Goodnight Vienna, mantendrá el listón de su predecesor y se convertirá en otro éxito del artista. Éxitos y notables temas de ambos discos son "Photograph" y "You're Sixteen", que alcanzan el primer puesto en las listas de éxitos estadounidenses, así como "I'm The Greatest", compuesta por John Lennon, "Only You (And You Alone)" y "No No Song". A finales de 1975, estos temas, junto a a otros éxitos anteriores, serán recopilados en el álbum Blast From Your Past, que supone la última publicación bajo el sello Apple Records.

La carrera musical de Ringo comenzó a disminuir posteriormente en relación a su impacto comercial, si bien continuó grabando discos y reteniendo la presencia de celebridades musicales. A mediados de los años 70 firmó un contrato con Atlantic Records, publicando en 1976 Ringo's Rotogravure. A pesar de convertirse en un éxito menor, el álbum alcanzó buenos niveles de ventas. El siguiente álbum de estudio, Ringo the 4th, fue un fracaso comercial, por lo que pronto tendría que firmar un nuevo contrato con Portrait Records. Su comienzo en la discográfica fue prometedor: 1978 vio la edición de Bad Boy y de un especial de televisión titulado Ognir Rats ('Ringo Starr' al revés). Tristemente, ambos resultaron un fracaso, por lo que Ringo no volvió a publicar un álbum bajo el sello Portrait.

En 1975, Starr fundó su propia compañía discográfica, llamada Ring O'Records, publicando cuatro discos entre 1975 y 1978: Startling Music, de David Hentschel; Graham Bonnet, de Graham Bonnet, Restless, de Rab Noakes, y The Whale, de John Tavener, así como dieciséis singles de artistas como Bobby Keys, Carl Grossman, Colonel Doug Bogie, David Hentschel, Graham Bonnet, Suzanne, Johnny Warman, Stormer, Rab Noakes y Dirk & Stig.

En 1980, George Harrison escribió "All Those Years Ago" para el álbum de Ringo Can't Fight Lightning, publicado posteriormente como Stop and Smell the Roses. Sin embargo, y tras el asesinato de John Lennon el 8 de diciembre de 1980 en Nueva York, Harrison publicó la canción en su disco Somewhere in England, con la colaboración de Paul, Linda McCartney y Ringo Starr en el tema.

Stop and Smell the Roses fue un álbum bien recibido por la crítica, si bien supuso un fracaso comercial. La composición de Harrison "Wrack My Brain" supuso la última entrada, hasta la fecha, de Ringo entre los primeros cuarenta puestos de las listas de éxitos. Accidentalmente, Lennon tenía preparados dos temas para el álbum Stop and Smell the Roses: "Nobody Told Me" y "Life Begins At 40". Sin embargo, tras el asesinato de Lennon, Ringo no se sentía a gusto grabando las canciones, de modo que fueron entregadas a Yoko Ono para posteriormente ser publicadas en el álbum póstumo de Lennon Milk and Honey.

El 27 de abril de 1981 contrae matrimonio con Barbara Bach, actriz principal en la película de 007 La espía que me amó. En 1983 edita el álbum Old Wave, producido por Joe Walsh, el cual únicamente verá la luz en Alemania, Canadá, Australia, Brasil, México, Japón, Nueva Zelanda y Holanda.

En 1984, Starr trabaja como narrador de la serie infantil de televisión Thomas the Tank Engine and Friends. En un principio se sintió inseguro en su nueva faceta al no haber leído los libros del reverendo Awdry. Sin embargo, cambió de opinión y tomó parte de la serie, narrando las primeras dos temporadas. Además, Ringo representó el papel de Mr. Conductor en el programa Shining Time Station, haciendo su debut en 1989.

Dentro del campo de la música, su problema con el alcohol le apartará relativamente de los estudios de grabación hasta finalizar su rehabilitación a comienzos de 1989. Un año antes, graba junto a George Harrison el tema "When We Was Fab", del álbum Cloud Nine. A comienzos de 1989, tras colaborar junto a Harrison y a Jeff Lynne en el tema de Tom Petty "I Won't Back Down", Ringo organizó una serie de conciertos bajo el nombre de Ringo Starr and His All-Starr Band, reuniendo en el grupo a conocidos músicos de distintas décadas. El formato de los conciertos consistía en una selección de canciones interpretadas por Ringo, tanto de su carrera en solitario como de su etapa en The Beatles, alternadas con temas de los músicos que lo acompañaban mientras Ringo regresaba a la batería. La novena gira de la All-Starr Band tuvo lugar en el verano de 2006.

El éxito de su primera gira animó a Ringo a trabajar en un nuevo álbum de estudio, Time Takes Time, finalmente publicado en 1992. Recibió una sustancial promoción al tiempo que el single "Weight Of The World" fue notablemente radiado. Los críticos consideraron Time Takes Time, producido por Phil Ramone, Don Was, Jeff Lynne y Peter Asher, como el mejor trabajo discográfico de Ringo desde su disco homónimo. Asimismo, para su grabación contó con la colaboración de Brian Wilson y Harry Nilsson.

En 1997, tras el éxito del proyecto Anthology que rescata el legado musical de The Beatles para acercarlo a un público más joven, Ringo es invitado por Paul McCartney para participar en dos canciones del álbum Flaming Pie. En él, el tema "Little Willow" es dedicado a la primera esposa de Ringo, Maureen Starkey, fallecida a causa de un cáncer. La grabación de "Beautiful Night" incluye a Ringo en la batería, mientras al día siguiente ambos grabaron una tema improvisado titulado "I Really Love You", acreditado a McCartney/Starkey.

1998 vio la publicación de dos álbumes bajo el sello discográfico Mercury. El álbum de estudio Vertical Man, que recibió buenas reseñas por parte de los críticos musicales, supuso el inicio de una relación laboral con Mark Hudson, productor de los siguientes cuatro álbumes, junto a la banda The Roundheads. De forma adicional, varios artistas invitados se unieron en la grabación de cierto número de canciones, incluyendo entre ellos a George Martin, Paul McCartney y George Harrison. Asimismo, The Roundheads y Joe Walsh se unieron a Ringo en su aparición en el programa VH1 Storytellers, que fue publicado posteriormente como álbum bajo el mismo título. A lo largo del concierto, alternó las canciones con detalles y anécdotas sobre su composición.

En 2001, Starr y Harrison fueron invitados a la grabación del álbum Zoom de Electric Light Orchestra, tocando en dos temas. A finales del mismo año, Ringo sufrió una fuerte conmoción por la pérdida de su compañero y amigo George Harrison el 29 de noviembre a causa de un cáncer de garganta.

En 2002, Ringo fue admitido en el Percussive Hall of Fame, que incluye a celebridades como Buddy Rich, William F. Ludwig, Sr. y su hijo.

El 29 de noviembre de 2002, Ringo interpreta las canciones "Photograph" y "Honey Don't" en el concierto homenaje a George celebrado en el Royal Albert Hall, al cumplirse el primer aniversario de la muerte de Harrison. Según palabras de la web oficial, "Ringo cautivó a todos con una interpretación de "Photograph" que parecía resumir el sentimiento general." La canción incluye los versos "Every time I see your face / it reminds me of the places we used to go / But all I've got is a photograph / and I realize you're not coming back anymore", que, en palabras de Ringo, tenían un significado diferente tras el fallecimiento de Harrison.

Un año después, Starr graba para el sello independiente Koch Records y publica Ringo Rama, avalado por la crítica como el mejor disco de su carrera musical. En él incluye el tributo a George Harrison "Never Without You" y aparecen Billy Preston, Eric Clapton, David Gilmour y Willie Nelson como artistas invitados. En 2005, publica Choose Love, que incluye la colaboración de Billy Preston y Chrissie Hynde.

El mismo año, Ringo anuncia públicamente la realización de un cómic de manos de Stan Lee para producir un nuevo superhéroe basado en la personalidad de Starr. Asimismo, en septiembre, el Ayuntamiento de Liverpool anuncia el derribo de la casa de nacimiento de Starr por no tener 'significado histórico' [1], a pesar del indulto concedido en julio [2]. Posteriormente, el Ayuntamiento anunció la desestructuración del edificio ladrillo a ladrillo para preservarlo.

A mediados de 2006, Ringo se embarca en su novena gira con la All-Starr Band, con Sheila E. en la percusión, el bajista Hamish Stuart y Edgar Winter como incorporaciones. El día de su sexagésimo sexto cumpleaños, el 7 de julio de 2006, la gira recala en Florida. Poco después, participa en el álbum de duetos de Jerry Lee Lewis, Last Man Standing, cantando el tema de Chuck Berry "Sweet Little Sixteen".

En junio de 2007 era de esperar la publicación del nuevo álbum de estudio de Ringo, titulado provisionalmente Liverpool 8 y producido por David Stewart y Mark Hudson. Sin embargo, su publicación ha sido aplazada hasta comienzos de 2008 debido a un enfrentamiento entre Hudson y Starr que provocó cierto distanciamiento entre ambos. Bruce Grakal, compañero de gira de Ringo, declaró a la prensa que la relación laboral entre Hudson y Starr estaba rota y que no volverían a trabajar juntos, debido al cese del primero como director musical de la última gira para hacer un programa televisivo [3].

El 26 de junio de 2007, Ringo participó en el programa de la CNN Larry King Live junto a Paul McCartney, Yoko Ono, Olivia Harrison y el fundador del Cirque du Soleil Guy Laliberté para la promoción del espectáculo circense "Love" que se desarrolla en Las Vegas, Nevada. El 28 de agosto de 2007, coincidiendo con la edición en formato digital de sus cuatro primeros álbumes editados bajo el sello EMI, se publica el recopilatorio Photograph: The Very Best of Ringo.

¿Caballero del Imperio británico?

En diciembre de 2006, el columnista de The Times Daniel Finkelstein dio comienzo a una campaña [11] para solicitar el título de Sir para Ringo [12] . Si bien supone un intento para probar el recién introducido sistema de peticiones en la web del Gobierno británico, Finkelstein admite que "él (en referencia a Ringo) merece el título" y parte de las siguientes razones sin respuesta por las cuales debe ser investido Caballero:

1. The Beatles no son sólo un grupo de música pop, sino que cambiaron la cultura popular.
2. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Tom Jones es Caballero.
3. ¿Han oído la batería del álbum Abbey Road?
4. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Cliff Richard es Caballero.
5. The Beatles son un símbolo de la creatividad del país que es reconocida en cualquier parte del planeta.
6. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Errol Brown, de Hot Chocolate, es Miembro también.
7. Antes de que Ringo se uniera al grupo no había nada.
8. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Gerry Marsden de Gerry and the Pacemakers es Miembro también.
9. ¿Han visto la película Help!?
10. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Jeffrey Archer es noble.

La petición fue generalizada a los periódicos The Sun[13] y Canada National Post[14] , recibiendo un total de 1887 firmas. Aún así, el propio Ringo declaró que no tiene interés en dar promoción a la Familia Real británica y que no está interesado en ser Caballero, según declaró en una entrevista publicada en la edición deluxe de Ringo Rama:

Entrevistador: Al final de la canción [en referencia a "Elizabeth Reigns"], ¿cuál es tu opinión acerca de la Reina y compañía?. Al final dices, "Bien, ahí viene mi título de Caballero."
Starr: "Ahí viene mi título de Caballero." Sí, creo que se eso ya es pasado.
Entrevistador: ¿Te molesta no recibir el título?
Starr: No, no quiero ser un Caballero, prefiero ser un duque o un príncipe. Así que si me proponen eso, me lo pensaría seriamente.

Premios y reconocimiento

El 12 de junio de 1965, Ringo y el resto de The Beatles fueron reconocidos como Miembros de la Orden del Imperio Británico, recibiendo una insignia de manos de la Reina Isabel II en su investidura en el Palacio de Buckingham el 26 de octubre.

En 1970, The Beatles ganaron el Premio de la Academia del Cine por la mejor Canción Original del filme Let It Be. Cada Beatle recibió un Oscar.

Figura, además, como miembro de The Beatles en el Rock and Roll Hall of Fame desde 1988. Desde entonces, Lennon en 1994, McCartney en 1999 y Harrison en 2004 fueron inducidos como reconocimiento a sus carreras en solitario. Pese a todo, el 5 de septiembre de 2007 fue anunciado su inclusión en la votación para figurar como miembro del Rock and Roll Hall of Fame por su carrera musical en solitario.

El asteroide (4150) Starr, descubierto el 31 de agosto de 1984 por B. A. Skiff en la Estación Anderson Mesa del Observatorio de Lowell, fue nombrado como tal en su honor [15].

Pagina: http://www.ringostarr.com/

Zero 7

Zero 7 es un grupo de música electrónica, procedentes del Reino Unido se les asocia específicamente de la corriente denominada Downtempo.

Historia

Zero 7 está formado por Henry Binns y por Sam Hardaker, ambos amigos desde adolescentes, ingenieros de sonido y nacidos al norte de Londres.

Cuando terminaron la escuela consiguieron un trabajo de chicos de los recados en un estudio de grabación, donde veían cómo trabajaban los grupos que estaban del otro lado del vidrio y aprendieron a grabar discos. Esta experiencia fue la que los llevó años después a instalar un estudio propio, del tamaño de un cuarto de lavado.

Nigel Godrich, mago detrás de la cortina de discos de bandas como Radiohead, Beck o Travis, les dio la oportunidad de remezclar el tema Climbing Up the Walls de Radiohead, que aparece en el álbum OK Computer de 1997.

La primera versión que produjeron del tema les fue devuelta porque Radiohead no quedó satisfecho con el resultado. Esto les impactó tanto que se concentraron en darle un mejor acabado. Su trabajo con Climbing Up the Walls de Radiohead fue suficiente para que el grupo y el productor guiñaran el ojo y levantaran los pulgares; en ese instante nació Zero 7, nombre de un club nocturno en Honduras. A partir de ese trabajo les llamaron para hacer otros remixes de bandas como Lambchop o Lenny Kravitz.

En 1999, Zero 7 lanzó su primer EP oportunamente llamado EP1, del cual solo fueron hechas unas cuantas copias y lograron venderlas en pocos días. Un destino similar le esperaba a su segundo EP, llamado EP2.

Primer LP: Simple Things

En el 2001 firmaron contrato con la discográfica Ultimate Dilemma. Su primer álbum, Simple Things, apareció a mediados del año 2001 y es a menudo es descrito como una mezcla entre Air y Portishead. En este álbum participan Mozez, Sia Furler y Sophie Barker como vocalistas. El disco es un manifiesto a favor de los pequeños detalles, a partir de canciones que recuerdan instantes cotidianos: perder el tiempo en una fila, pasear al perro en un día soleado, el momento en que un extraño nos sonríe, una visita solitaria al supermercado, o conducir en la ciudad cuando es de noche. Simple Things sugiere desde su título hacia dónde apunta su concepto: la reunión de las cosas sencillas más allá de los estereotipos.

Pagina: http://www.zero7.co.uk/

Lifehouse

Lifehouse es un grupo musical de rock melódico de los Estados Unidos

Los componentes actuales son el cantante, compositor y guitarrista Jason Wade, el baterista Rick Woolstenhulme, y el bajista Bryce Soderberg, última incorporación a la banda.

Historia de la Banda

Llegaron al éxito en el año 2000 con el single "Hanging by a Moment", contenido en su primer álbum, "No Name Face". El single ganó ese mismo año el premio Billboard Music Award como el éxito más sonado del año, batiendo los números 1 de Janet Jackson y Alicia Keys. El segundo single del álbum fue "Sick Cycle Carousel". En el año 2002, Lifehouse lanzó su segundo completo, el álbum titulado "Stanley Climbfall", cuyos temas "Spin" y "Take Me Away" lograron un inesperado éxito y aceptación; no alcanzando, de cualquier modo, el logrado por "Hanging by a Moment". En el año 2005 la banda sacó a la venta su tercer disco, titulado "Lifehouse". Este álbum hizo su presentación en la aparición del grupo en el capítulo "Spirit", de la cuarta temporada de la serie Smallville. En este capítulo la banda norteamericana tocó cuatro canciones del nuevo disco, lo que le sirvió como plataforma de lanzamiento. El single "You and Me", primero del tercer disco, rompió todos los records de ventas de la propia banda y ha sido declarado por variedad de expertos, como la mejor canción del año 2005. El segundo single del álbum es "Blind". Ahora en 2007 sacan a la venta su cuarto album "who we are" fue un exito rotundo con su single first time, unos de los discos mas descargados de la internet. Who we are refleja como fueron los chicos a principios de su carrera musical en el sub-urban de LA (CALIFORNIA)

Pagina: http://www.lifehousemusic.com/

Miguel Botafogo

Miguel "Botafogo" Vilanova nació el 7 de Febrero de 1956. Comenzó a tocar la guitarra clásica a los 9 años y a los 12 tuvo su primer guitarra eléctrica. Su debut profesional fue a los 17 años con Pappo's Blues. A partir de allí participó en Engranaje, Avalancha (graba un single), Carolina y Studebaker.

Entre 1977 y 1984 se radicó en Madrid (España) donde integró, entre otros, el grupo Cucharada (graban el disco El limpiabotas que quería ser torero); Joaquín Sabina (graban Viceversa); Antonio Flores (graban Antonio, Al caer el sol, y la música para la película Colegas); Mariscal Romero (graban Zumo de radio). Asimismo tocó, junto a Pappo, Micky, Ramoncín, Kevin Ayers, Whisky David y Ciro Fogliata.

A su vuelta a la Argentina forma Durazno de Gala (graban siete discos). Paralelamente integró las bandas de Rinaldo Rafanelli, Miguel Cantilo, Vitico, Pappo's Blues, Las Blacanblus, Los Guarros y Javier Calamaro.

En 1995 Botafogo emprende su carrera solista, que ya cuenta con cuatro producciones discográficas editadas por Distribuidora Belgrano Norte - "Trío" (1995), "Botafogo y Amigos" (1997), Cambios (1998), Solo-Acústico (1999).

Tanto con Pappo, con Durazno de Gala, o Botafogo solista, realizó actuaciones como soporte de B. B. King (en sus presentaciones en la Argentina 1991,1992, 1993, 1994, y 1995), James Cotton (1993), Guns & Roses (1993), Carlos Santana (1993), Buddy Guy (1995), Scott Henderson (1998) y de Jeff Beck (1998). Grabó junto a Taj Mahal (1994). Actuó como músico de Deacon Jones y de Johnny Rivers (en el canal 13 para Badia y Compañía). Participó en zapadas en vivo con músicos de blues que visitaran nuestro país como Hubert Sumlin y Larry Mc Cray.

En Julio - Agosto de 1997 Botafogo viaja a los Estados Unidos, invitado por el armoniquista Bruce Ewan, presentándose en Twist & Shouts de Washington, compartiendo el escenario con la Carey Bell Chicago Blues Band. Anunciado como el Gran Bluesman Argentino y acompañado por Iko - Iko Rhythm & Blues Band, mostró su talento en Miami, más exactamente en Tabacco Road. Terminó su estadía en un lugar mítico del Blues: Chicago donde se presentó en Legends el club de Blues de Buddy Guy, y finalmente en Blues Etcétera.

A mediados del '99 encara una gira por Japón. Acompañado por el bajista Gustavo Gregorio, el australiano Alan Tilsley en guitarra rítmica y el japonés Hideo Ono en batería, se presentan en las ciudades de Tokio, Osaka, Kyoto, Nakamura, Kochi, Takamatsu, Nagoya y Tokushima. De regreso, realiza una escala para registrar "Live in Hollywood" en Jacks Sugar Shack de Hollywood Boulevard, en Los Angeles, el 14 de julio de ese año. Botafogo estuvo acompañado por el organista Deacon Jones, arquetipo del bluesman norteamericano. La banda la completaron Paul Eckman en bajo y el baterista argentino Fabián Jolivet.

A comienzos del 2000 regresó a Oriente para encarar una segunda gira por Japón, visitando las ciudades anteriores más Fukuchiyama, Kumamoto, Hiroshima, Matsuyama y Kochi. Precisamente en ésta ciudad, ubicada en la isla de Shikoku, graba "En vivo en Japón", con 18 temas entre los cuales se destacan dos, cantados por el propio Botafogo en japonés.

Después de cuatro años sin editar un nuevo trabajo, presentó "Don Vilanova", un disco de 16 temas, 12 de los cuales son de su propia autoría. Con la producción artística de Botafogo y Andrés Vilanova, quien también es responsable de las baterías, cuenta con la participación de Germán Weidemer en teclados, Cristina Dall y Laila Vilanova en piano, José Balé en percusión, Miguel A. Talarita en Trompeta, Martín Laurino en Trombón, Dante Medina en saxo y Fabricio Rodríguez en armónica.

Pagina: http://www.lacasadelblues.com.ar/botafogo/
Fuente: Rock.com.ar

DragonForce

DragonForce es una banda de estilo Power Metal. Fue formada en el año 1999, en Londres, Inglaterra

Historia

Formada el año 1999 a partir de los remanentes de una banda de Power Metal llamada Demoniac y de otras agrupaciones, tomaron en un principio el nombre de "DragonHeart", que tuvieron que cambiar posteriormente debido a la existencia de de una banda brasileña llamada de la misma manera y que también tocaba Power Metal.

Bajo el nombre de DragonHeart sólo sacaron un Demo llamado Valley of the Damned que un tiempo después, ya bajo el nombre de Dragonforce, sacaron como disco completo. Este demo fue publicado en una página de internet donde se convirtieron en éxito rotundo captando la atención inmediata de Noise Record.

Han tocado en compañía de bandas como Distorción, a quienes les cancelaron en su gira 2006 en Finlandia, donde fueron teloneros de Stratovarius junto con Metal Church, por acusaciones de satanismo. Esto mismo les sucedió a DragonForce en Italia. se espera que hagan un disco de heavy thrash juntos.

Este grupo se diferencia de las otras bandas de Power Metal por la velocidad de sus temas, sus solos rápidos, la influencia de los sonidos del teclado (semejantes a los videojuegos antiguos) y el uso del blast beat en la batería, lo que le da un sello inconfundible a esta banda.

La voz de ZP Theart es perfecta para el estilo que maneja la banda y así logran un power metal único que sobrepasa muchas fronteras.

Comenzaron con su gira por Rusia el 2007, luego en Norteamerica. Dragonforce ha demostrado ser una banda consagrada al metal, cosa que es muy favorable para ellos ya que prometen algo nuevo y contemporáneo. Su último disco, Inhuman Rampage, obtuvo muy buen recibimiento por sus seguidores, en marzo se publica la edición especial de este disco con un dvd. El sencillo Through the Fire and Flames aparece en el videojuego Guitar Hero III como un tema jugable, quizá el más difícil de la serie entera de Guitar Hero.

Categoría musical

Se puede añadir que, la mezcla única de tipos y técnicas que combina este grupo lo hace un emblema en su categoría; Power Metal, Speed Power Metal y Speed Epic Power Metal.

Sin embargo, ellos mismos le han llamado "Power Metal Extremo" a lo que tocan. Este estilo está influenciado por música de videojuegos, por lo tanto a veces lo han llamado "video game metal"[1]. Se caracteriza por el énfasis en armonías con ambas guitarras (por lo cual Kirk Hammet ha dicho que son los guitarristas más rápidos que ha visto[2]),letras con naturaleza épica o fantástica, ruidos y sonidos de videojuegos, gran uso del teclado y de Blast beats en la batería.

Integrantes de la banda

- ZP Theart (Sudafricano) – Voces y coros
- Herman Li (Hongkonés) – Guitarras y coros
- Sam Totman (Inglés) – Guitarras y coros
- Vadim Pruzhanov (Ucraniano) – Teclados, piano y coros
- Dave Mackintosh (Inglés) – Batería y coros
- Frédéric Leclercq (Francés) - Bajo y coros

Discografía

- Valley of the Damned (2003)
- Sonic Firestorm (2004)
- Inhuman Rampage (2006)

Pagina: http://www.dragonforce.com/

Julieta Venegas

Julieta Venegas Percevault (n. Tijuana, Baja California, México[1] [2] - 24 de noviembre de 1970) es una compositora y cantante mexicana, que se crió y creció en Tijuana, Baja California, México. En los últimos años de su relativamente larga carrera musical, ha logrado posicionarse como una de las cantautoras más destacadas dentro del Pop Latino.

Biografía

Hija de fotógrafos, a los ocho años de edad comienza a estudiar piano clásico como un pasatiempo. Tras demostrar un gran interés por la música y con el sueño de convertirse en directora de orquesta, continúa con estudios de teoría musical, practicando piano y violoncello (Escuela de Música del Noroeste, Tijuana; Southwestern College, San Diego).

Combinando sus estudios de preparatoria con su formación musical, es invitada a unirse al grupo de reggae/ska Chantaje, el cual posteriormente se convertiría en Tijuana No. Durante su participación en la banda, y en colaboración con Alex Zúñiga, compone la canción "Pobre de ti", que se convertiría en la más popular de la agrupación.

"Sirenas del corazón", de Edward Coward sería la primer obra teatral que Julieta Venegas musicalizaría. Después de colaborar con diferentes grupos, Julieta se instala en la Ciudad de México. En 1995 es invitada a componer la música de la obra teatral "Calígula probablemente" de Francisco Franco.

Tras formar otro grupo llamado "Lula", Julieta aprende a tocar el acordeón y empieza a componer en él las que se convertirían después en canciones de su primer disco, Aquí. Poco después de desintegrarse el grupo, Julieta comienza a presentarse en vivo como solista. En este periodo, comienza (con la participación de Fratta y Rafa González) un nuevo proyecto más personal llamado "La Milagrosa" (tomado de un libro del mismo nombre por Carmen Boullosa), un seudónimo con el que la gente comenzaría a reconocer a Julieta. Esta confusión semántica llevó a Julieta a lanzar Aquí simplemente como un álbum de “Julieta Venegas”. Durante el desarrollo de este proyecto, Julieta tiene una participación vocal en el disco "Acústico desliz" de Fratta, en el cual también toman parte Ely Guerra y Rita Guerrero.

Con el apoyo de BMG, Julieta finalmente graba su primer disco solista bajo la producción de Gustavo Santaolalla. Editado en 1997, "Aquí" coloca a Julieta Venegas como una propuesta inédita en el ámbito de la música popular en México.

Tras darse a conocer a nivel internacional, Julieta recibe un gran número de invitaciones a colaborar con diferentes músicos e intérpretes latinoamericanos. Como ejemplos de estos podemos citar a Sasha Sökol, Enanitos Verdes, Sr González, Los Tres, Liquits, Cartel de Santa, Eugenia León y Enrique Bunbury.

En 1998, participa en la gira “De diva voz” junto a Ely Guerra y Aurora y la Academia, presentándose en diferentes localidades de México y Estados Unidos. Poco después, se presenta en la gira “Calaveras y diablitos” al lado de Aterciopelados y Los Fabulosos Cadillacs en España. A la vez que colabora en el disco "Tributo a José José" en donde interpreta la canción "El Triste". La participación en festivales internacionales aumentaría el año siguiente, al presentarse Julieta en el Festival “Midem Américas” (en Miami), “Generación Ñ” (en España), “Rock Al Parque de Bogotá” (en Colombia) y Festival “El Hatillo” (en Venezuela).

En 1999, aparece en la versión para México del video “Infinito” de Bunbury.

En el año 2000, Nacho Mastretta la invita a participar en su disco “Luna de miel”, que consiste en doce canciones interpretadas por doce vocalistas femeninas de diferentes países. Posteriormente, también contribuye con tres canciones a la banda sonora de ‘‘En el país de No Pasa Nada’’.

Poco después, Julieta Venegas escribe y graba para la cinta Amores perros el tema “Amores perros me van a matar”. La producción de esta canción corrió a cargo de Emmanuel del Real y Quique Rángel (de Café Tacuba), quienes también participarían en su próximo álbum, Bueninvento.

‘’Bueninvento’’, producido también por Gustavo Santaolalla y Joe Chicarelli, es lanzado en septiembre del 2000. Trece de los catorce temas son de la autoría de Julieta Venegas.

En este mismo año, participa en el “Arezzo Wave Love” en Italia, donde cantó una versión de la canción “Amores perros...” en italiano.

En 2002, el cantautor Víctor Manuel la llama ofreciéndole participar en un disco homenaje a Joaquín Sabina junto con otras mujeres. Canta "Corre dijo la tortuga".

A finales del 2003, lanza el álbum Sí, que hasta la fecha es el de mayor éxito comercial, permitiéndole abarcar un mercado más amplio. Ha vendido más de medio millón de copias.

En 2004 colabora en el disco "Neruda en el corazón" junto con artistas de la talla de Serrat, Pablo Milanés o Ana Belén. Se encarga de poner música al poema "A callarse".

Julieta participó, junto con Paulina Rubio, en la canción "Nada fue un error" del argentino Coti. En 2006 viaja hacia Buenos Aires donde realiza durante aproximadamente 3 meses la grabación del álbum Limón y Sal; su primer single fue Me voy.

En junio de 2006 participa en España en el festival MTV Day junto a Amaral y Keane, entre otros, y dos días más tarde el de la celebración del cuarenta aniversario de la radiofórmula Los 40 Principales, donde cantó Me voy y Nada fue un error junto a Coti. Ha participado en la serie Yo soy Bea. También participó en la serie Sos mi vida en la televisión argentina.

Controversia en sus declaraciones

En mayo de 2007 se declaró a favor de la ley en México, D.F. que despenalizó el aborto antes de las 12 semanas de embarazo lo cual originó controvesia entre ambos bandos de la sociedad mexicana: “Estoy totalmente de acuerdo en que se haya despenalizado el aborto, porque es un tema de salud. Las mujeres tienen derecho a elegir para sus vidas... es un gran paso”. Esta declaración se sumó a otros músicos de opinión semejante.

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Jimmy Eat World

Jimmy Eat World es una banda estadounidense de rock alternativo formada en 1994 en Mesa, Arizona.

Historia

Jimmy Eat World lo formaron en sus inicios Jim Adkins, Zach Lind (amigos desde la guardería) Tom Linton y Mitch Porter. El nombre de la banda no hace referencia a Jim Adkins, sino a uno de los hermanos de Tom Linton. Éste y sus hermanos menores, Jimmy y Ed, estaban siempre peleándose cuando eran pequeños. Jimmy, que era alto y fuerte, siempre solía ganar. Su hermano Ed dibujó a Jimmy comiéndose el mundo en referencia a un capítulo de la serie de dibujos animados Tiny Toon.[1]

Comienzos

La banda se formó en 1994 poco después del “boom” musical de Seattle y de las apariciones de grupos fundamentales dentro del panorama indie y alternativo como Fugazi o Sunny Day Real Estate. Su sonido original era un sonido muy agresivo, muy influenciados por el punk rock o el emocore que acababa de surgir.

En sus inicios, los jóvenes componentes del grupo grabaron One, Two, Three, Four para la discográfica local Wooden Blue Records. Era un EP que constaba de cuatro temas. En 1994 también participaron en un recopilatorio de la discográfica con un tema, "Carbon Scoring" y en este mismo año esta misma discográfica les edita su primer disco, autotitulado Jimmy Eat World. Jimmy Eat World es sobre todo un grupo que se ha labrado su nombre a base de giras y conciertos. Sus primeras giras las hicieron con grupos dentro del mismo panorama indie y alternativo como Mineral, Christie Front Drive, Sense Field o Jejune. En 1995, Wooden Blue Records lanza un split de la banda con Christie Front Drive. Otros dos splits más, uno con Emery y otro con Blueprint hasta que Capitol Records se fija en ellos y les propone grabar un disco con ellos. Mitch Porter decide abandonar la banda y Rick Burch le sustituye en el bajo. Static Prevails va tomando forma con unos cuantos pre-lanzamientos en forma de EP´s e incluso Capitol les edita un split con la banda de ska-punk Less Than Jake antes de grabar y lanzar definitivamente Static Prevails, en 1996.

Este disco fue muy aceptado por la crítica y el público, siendo uno de los grupos mas pinchados en las emisoras de radio universitarias. Desde 1996 con su Static Prevails la banda no paró de recorrerse los Estados Unidos y de hacer splits con bandas amigas anteriormente citadas como Sense Field y Mineral y otro con la banda de San Diego, Jejune. Mark Trombino, productor también de los primeros discos de blink-182 (amigos, por cierto, de Jimmy Eat World) produjo Static Prevails y también lo haría en 1999 con uno de los discos más importantes de la banda, Clarity. Quizá el álbum que marcaría el antes y el después de la banda, musicalmente hablando. Hasta entonces la banda había mezclado ritmos rápidos y pegadizos con melodías mas indie y sentimentales. Pero Clarity es el disco que se pueda llamar “emo” en la discografía de la banda. Rápidamente Clarity superó en la primera semana la mitad de las ventas globales de Static Prevails teniendo en "Lucky Denver Mint" (banda sonora de “Nunca me han besado”, de Drew Barrymore) su principal estrella en las emisoras de radio del país. El batería Zach Lind aseguró que "Capitol organizó la banda sonora de esa película. Eso nos permitió incluir «Lucky Denver Mint» en la película y tener algo de atención por parte de las radios, pero nunca diría que se trataba de un hit single, en ningún sentido. Los hits no son importantes para nosotros. Nosotros hacemos lo que hacemos y si a la gente le gusta, pues tanto mejor. Por eso tampoco entiendo que la gente intente meternos en el saco del emo cuando solamente somos un grupo de rock" [2] . Pero la relación con Capitol era cada vez peor. La banda, en un gran estado de madurez y desengaño, dejaba notar las rencillas que tenían con la discográfica en las letras de Clarity. Poco después, Jimmy Eat World y Capitol Records se separan.

En 2000 publican con la discográfica Big Wheel Recreation Singles un disco de singles, caras b, rarezas y canciones que no había sido editadas anteriormente. Un año más tarde graban también con esta misma discográfica un split con la banda Jebediah.

Bleed American y el éxito internacional

Sería en 2001 cuando Jimmy Eat World lograse la fama mundial gracias a su disco Bleed American, de DreamWorks. Co-producido con Mark Trombino, Bleed American fue un éxito internacional gracias en parte a temas como "The Middle", "Sweetness" o "A Praise Chorus". La banda abandonó, en cierto modo, el emo de Clarity para apostar por un nuevo emo, más pop o comercial pero con sus señas de identidad emo o indies aún patentes. Poco después del lanzamiento de Bleed American, con los atentados del 11 de septiembre del World Trade Center, la banda renombró el título de su álbum a simplemente Jimmy Eat World, para no herir la sensibilidad suya propia y de sus compatriotas americanos.

Futures

Después de una larga y agotadora gira en apoyo de Bleed American, la banda volvió al trabajo en 2004 para comenzar la grabación de su nuevo álbum. Al inicio, la banda se juntó con Trombino, pero la colaboración duró poco. Entonces Gil Norton, que había trabajado con Foo Fighters y Pixies entre otros, sería su nuevo productor. Futures fue lanzado en octubre del 2004, con el single "Pain" que logró un moderado éxito en las radios alternativas. (Para entonces, Dreamworks había sido adquirido por el sello mayor Interscope Records.) Tras algunos meses sacaron "Work" y el track que le da el nombre al disco como singles. Habiendo ya una gira propia por los EE.UU. y otra con Taking Back Sunday, la banda firmó para la gira del verano y otoño del 2005 con Green Day. En septiembre del 2005, la banda lanzó el EP Stay on My Side Tonight, que contiene las versiones modificadas de los demos grabados con el productor Mark Trombino que no se utilizaron para el álbum.

Chase This Light

Después de su gira, Jimmy Eat World regresó a Tempe y empezó a trabajar en el material para un sexto álbum. Este álbum fue producido por la misma banda, Chris Testa, y el legendario Butch Vig (Nirvana, The Smashing Pumpkins, Sonic Youth). John Fields también coprodujo la grabación. Algunas de las canciones en el álbum, titulado Chase This Light, incluyen "Carry You", "Big Casino", y la canción "Chase This Light". "Carry You" se originó como una pista del proyecto secundario de Jim Adkins Go Big Casino. "Chase This Light" fue lanzado en los Estados Unidos el 16 de octubre del 2007, debutando En el # 5 en el Billboard 200. Algunas de las canciones pueden escucharse en la web oficial del grupo.

Miembros

- Jim Adkins - vocalista principal, guitarra
- Tom Linton - vocalista de fondo (coros), guitarra
- Rick Burch - bajo
- Zach Lind - batería

Pagina: http://www.jimmyeatworld.com/

Fruta Deliciosa

La historia de la banda rosarina comienza en 1996 con la reunión de sus tres primeros integrantes [Lucas, Edu y Tute]. La agrupación, unida por el objetivo de crear canciones propias, experimenta con varios géneros, entre ellos el grunge, el punk y el hard rock, con múltiples influencias del amplio movimiento del rock nacional.

A principios de 2000, con la incorporación de un nuevo integrante (Franco) se produce el verdadero nacimiento de la banda, la cual es bautizada en alusión a una de las primeras canciones compuestas por la renovada formación. Impulsados por las influencias ska y reggae del flamante guitarrista, los ritmos se enriquecen, las distorsiones se tranquilizan y las melodías armonizan; cambios que quedan plasmados en un primer demo, el que presentan en vivo a fines de ese año.

Apenas un mes después, inician su gira a Bariloche donde reali-zan varias presentaciones y se consolida el cuarteto. Finalizada la temporada turística, deciden explorar nuevos ritmos y armo-nías, para lo cual convocan a dos músicos experimentados, en-cargados de la percusión [Fabricio De Vita] y de los teclados [Ariel Migliorelli].

En 2002 el grupo graba un nuevo demo y compone temas para programas de radio. Se inicia una activa etapa en la carrera musical de la banda que se caracteriza por numerosas presentaciones en diversos escenarios del circuito rosarino. Simultáneamente se producen cambios en la formación, incorporándose un nuevo tecladista [Mono] y más tarde un nuevo percusionista [Pato].

A mediados de 2004, Fruta Deliciosa es seleccionada para participar en Rosario es el Rockanrol, junto a los grupos y solistas más representativos de la ciudad.

Poco después y luego de varios meses de preparación, la agru-pación presenta en vivo su primer larga duración, titulado “Fruta Deliciosa”. En las radios empieza a sonar con fuerza el tema “Quiero dinero”.

El crecimiento de la banda es acompañado por nuevas expectativas y necesidades y por eso incorporan un cuerpo de vientos [Gabriel "Pajarito" Ambrosio en trompeta, Cristián Acuña en saxo, Lucas Bertoli en trombón y Natalia Stravalaci en saxo] que les permite experimentar con nuevas estructuras melódicas y extender sus horizontes musicales.

Para fines de 2004, son invitados a participar en el Litoral Mystic de Santa Fe, junto a bandas de la capital provincial y de Buenos Aires. En el verano, realizan una gira por la Costa Atlántica Argentina, actuando en Mar del Plata y San Bernardo, con distintas agrupaciones argentinas.

De regreso en Rosario y durante 2005 y 2006, comparten esce-narios con Cafres, Karamelo Santo, Kapanga, Catupecu Machu y Dancing Mood, en diferentes auditorios de Rosario y alrededores. También actúan en vivo en varios programas de radio y televisión locales y son galardonados con los premios Onda de Plata 2005 y 2006. Un nuevo cambio se produce en el grupo, en esta ocasión en la formación del cuerpo de vientos que se mantiene actualmente [Juanpi, Franco y Marcos].

Posteriormente, participan en la gira Tosh Meets Marley World Tour, un tributo a “Bob Marley & The Wailers” y a “Peter Tosh”, junto a Junior Marvin, vocalista y guitarrista de Bob Marley, y Fully Fullwood bajista de Peter Tosh.

Recientemente, presentan “Siempreverde”, su segundo larga duración, una producción discográfica que seguramente revolucionará la historia de la banda.

Pagina: http://www.frutadeliciosa.com.ar/

Faith Hill

Audrey Faith Perry McGraw, conocida mundialmente como Faith Hill (n. 21 de septiembre de 1967, Jackson, Mississippi) es una cantante estadounidense de música country.

Biografía

Primeros años

Aunque nació en Jackson, pasa sus años de juventud en los alrededores del pueblo de Star, en Mississippi en el seno de una familia adoptiva. Desde pequeña comenzó a cantar, primero en su entorno y luego en una banda de música local a los 17 años.

A los 19 años se muda a Nashville para desarrollar su carrera de cantante. Recién llegada a la ciudad se instala en un pequeño apartamento y empieza a buscar trabajo puerta a puerta sin mucha fortuna. Encuentra trabajo como vendedora de productos de publicidad para estrellas de música country y como secretaria. En estos tiempos compagina su trabajo con su faceta artística cantando con un grupo de gospel llamado The Steeles. Tras un tiempo en la ciudad mientras trabajaba como secretaria en una compañía musical y es descubierta cantando por un directivo de la compañía, Gary Morris, éste le ayuda a editar una maqueta para esta empresa musical. Gracias a la maqueta conoce a Gary Burr, compositor que le ayuda en su carrera con la grabación y producción de una maqueta completa[1] .

Finalmente consigue trabajo para cantar en diferentes espectáculos publicitarios, es gracias a este trabajo cuando empieza a mejorar sus actuaciones y su faceta como cantante perfeccionando su voz. Es en una de estas representaciones mientras cantaba en un club cuando un representante y cazatalentos de Warner la escucha y no duda en ofrecerle un contrato con la discográfica.

Dos años después de estar en Nashville se casa con un ejecutivo y productor de la industria musical, Dan Hill, el 23 de julio de 1988 (se divorciará seis años más tarde de él, en 1994). Su descubrimiento como cantante sucede por casualidad y es llamada para hacer unas pruebas. Así en 1993 lanza su primer álbum que lleva el nombre de Take Me as I Am, con Scott Hendricks como productor.

1993–1997

El álbum debut de la artista fue 'Take Me as I Am' en 1993; el disco funciona bien en su salida y empieza a escalar puestos dentro de las listas de ventas de música country gracias en gran medida al éxito del single "Wild One", versión de una canción de Erma Franklin . Una versión de la canción Piece of my heart, confirma el éxito del disco y consigue llegar hasta los primeros puestos de las listas de música country en Estados Unidos en 1994.

La grabación del segundo álbum tuvo que ser retrasada debido a un problema en sus cuerdas vocales. It Matters to Me, su segundo álbum de estudio, sale finalmente en 1995 a la venta convirtiéndose en otro éxito. La canción que lleva el mismo título que el álbum se coloca de nuevo en el número uno de la lista de música country consiguiendo de esta forma su cuarto número uno.

Hill, en este momento de su carrera, inicia la gira denominada Spontaneous Combustion Tour en compañía del cantante de country Tim McGraw. La relación con Tim provoca que rompa el contrato con el que había sido su productor y novio hasta ese momento, Scott Hendricks. Una vez terminada la gira conjunta con McGraw, Hill se casa con él (23 de julio de 1988) matrimonio que todavía hoy perdura (año 2007)[2] . De este matrimonio nacen tres hijas, Gracie Katherine (n. 1997), Maggie Elizabeth (n. 1998) y Audrey Caroline (n. 6 de diciembre de 2001), las cuáles salen cantando en al final del vídeomusical de McGraw "Fly Away (Last Dollar)".

En esta época es cuando conoce a su madre biológica.

1998–2004

En 1998 Hill lanza al mercado un nuevo álbum, Faith. Este álbum tiene la particularidad de tener un estilo más orientado hacia la música pop abandonando de esta forma el estilo country que había marcado toda su carrera hasta ese momento. El single perteneciente a este álbum "This Kiss" llega a ser el número #1 en la lista de éxitos de música country, y también llega al número #7 en las listas de música pop.

Este giro hacía la música pop hace que la popularidad de Hill crezca dentro del gran público, convirtiéndose en una imagen conocida fuera del mundo de la música country. Este crecimiento de popularidad hace que empiece a firmar contratos de publicidad, entre los que cabe destacar la firma de un contrato como modelo de cosméticos CoverGirl que quería explotar además de su faceta musical su faceta como mujer de gran atractivo físico.

En pleno momento de éxito lanza su siguiente álbum de estudio llamado Faith. Este álbum lanzado en 2000 sigue manteniendo un estilo pop lo que le convierte en uno de los álbumes más vendidos del año 2000. La canción "Breathe", incluida en el disco escala hasta llegar al número #1 de las listas de música pop. "The way you love me", otro single perteneciente al disco alcanza el top ten de la lista, llegando hasta el sexto puesto de la misma, convirtiéndose además en uno de los singles con más permanencia en las listas de Billboard Hot 100 con cincuenta y siete semanas. Este álbum fue premiado con varios premios de los que destacan tres premios Grammy, incluyendo el premio al mejor álbum de country.

En este año 2000, la gira de este disco, se convierte en un gran acontecimiento. La gira denominada Soul2Soul, en compañíañ de su marido Tim McGrawe, se convierte en una de las giras de con mayor éxito y ganancia del año 2000.

En navidad de este mismo año lanza al mercado la canción "Where Are You Christmas?", incluida dentro de la película El Grinch.

Por los días de fiesta ella había contribuido "donde está usted Navidad?" a la película cómo el Grinch robó Navidad después del escritor de la canción, Mariah Carey, no podía registrarla. Este evangelio- la canción condimentada llegó a ser muy popular en los formatos del día de fiesta del todo-Navidad-todo-$$$-TIEMPO que las estaciones de radio americanas adoptaron en el 2000s.

En el verano del año 2001 graba "There You'll Be" para la banda sonora de la película Pearl Harbor. En septiembre canta "There Will Come a Day" en el concierto benéfico America: A Tribute to Heroes organizado por George Clooney en favor de las víctimas de los atentados del 11 de septiembre de 2001. Tras este concierto, a finales de año edita su primer álbum recopilatorio denominado There You'll Be que llega a vender más de un millón de copias en todo el mundo llegando al top 30 en Italia y al puesto sexto en la lista de éxitos de UK

En 2002, Hill lanza un nuevo álbum denominado Cry, llegando directamente al número uno de la lista Billboard y de la lista country. Hace su primera aparición como artista musical invitada en el programa Saturday Night Live. Este álbum vendió tres millones de copias en todo el mundo y consiguió un premio Gramy.

Hill llegado este momento de su carrera se empezó a interesar por otras facetas artísticas de las que destaca la de actriz, consiguiendo el papel de mujer de Mel Gibson en la película Cuando éramos Soldados de 2002 pero finalmente el papel se le da a Madeleine Stowe que la reemplaza. En 2004 actúa en la película El club de las mujeres perfectas con Nicole Kidman, Matthew Broderick y Glenn Close[2]

2005 y 2006

En el año 2005 tras los malos resultados tanto de ventas como de crítica de su anterior álbum Cry decide retornar a sus raíces musicales, así en 2005 edita un álbum de música country al que llama "Mississippi Girl", siendo la primera canción extraída del álbum Fireflies. Este trabajo que retorna musicalmente hablando a sus orígenes la catapulta de nuevo hacia lo más alto de las listas otra vez, llegando hasta el número uno en las listas de ventas. El siguiente single sacado del álbum, "Like We Never Loved At All", cantado en dueto con su marido McGraw, llega también a lo más alto de la lista y gana el premio grammy a la mejor colaboración country. El tercer single del disco, "The Lucky One", sacado en febrero de 2006 llega a su vez al puesto número cinco de la lista Billboard de música country.

En abril de 2006, Hill y su marido, Tim McGraw se embarcan de nuevo en otra gira conjunta denominada Soul2Soul II Tour 2006. Esta gira se convierte en la mayor gira de música country con un coste total de $89 millones de dólares. La banda de Faith en esta gira estaba compuesta por los siguientes músicos:

- Faith Hill - Voz y guitarra acústica
- Jerry McPherson - Guitarras
- Pat Buchanan - Guitarras
- Jimmy Nichols - Teclados
- Paul Bushnell - Bajo
- Paul Leim - Batería
- Crystal Taliefero, Perry Coleman, y Wendy Moten en los coros
- Bob Minner y Denny Hemingson

El cuarto single del disco iba a ser "Stealing Kisses", pero fue sustituido finalmente por "Sunshine & Summertime" que se convirtió en el cuarto single del álbum Fireflies el cuál se empezó a escuchar en las radios a principios de junio de 2006. Este cuarto single fue bien acogido por el público llegando hasta el puesto número siete de la lista Billboard de singles de música country.

"Stealing Kisses" que no había salido como cuarto single del disco finalmente se convierte en el quinto single en salir del álbum. El vídeo, dirigido por Sophie Muller (quien había dirigido ya otro vídeo musical de la artista llamado "Like We Never Loved At All") fue rodado en Nueva Jersey en primavera de 2006. Este single no llega a funcionar tan bien como los anteriores llegando en su primera semana en la lista al puesto 58 de la lista Billboard de singles de música country obteniendo su mejor posición al llegar al número 36.

El álbum Fireflies vendió finalmente dos millones de copias en los Estados Unidos y tres en todo el mundo consiguiendo ser doble disco de platino en enero de 2006.

En junio de 2006 fue nombrada por la revista Country Weekly como la cantante de country más atractiva[3] . En 2005 fue seleccionada en el puesto número 29 de la lista de FHM de las Cien mujeres más guapas del mundo. En 2006 fue seleccionada en el puesto número 48 de la lista de FHM de las Cien mujeres más guapas del mundo.[2]

2007

En este año Faith Hill tiene varios proyectos entre los que destaca la intención de editar dos álbumes durante el año.

El primer álbum, cuya salida a la venta está prevista para el verano, es un álbum recopilatorio que abarcará los grandes éxitos de su carrera. El otro proyecto que tiene previsto para este año es la edición de un nuevo álbum de estudio el cuál está previsto que salga a la venta para finales de año coincidiendo con la época navideña.

Ha grabado un single llamado "Sleeping with the Telephone" en el que ella canta a dueto con Reba McEntire que aparecerá en el álbum Duetos, el cuál tiene prevista su salida para mediados de 2007.

Otro proyecto previsto por ella para este año es una colaboración en el nuevo álbum de su marido Tim McGraw que se llama Let It Go. En este disco canta dos canciones a dueto con él, "I Need You" y "Shotgun Rider". Ambas canciones fueron cantadas en la gira que compartieron en el año 2006 denominada Soul2Soul II Tour 2006, además han anunciado a su vez que ambos comenzarán una nueva gira denominada Soul2Soul II Tour. Soul2Soul 2007 tiene prevista su comienzo en Junio y durará tres meses acabando en agosto de este mismo año. Uno de sus actuaciones será dentro de los conciertos Live Earth el 7 de julio de 2007.

Hasta el año 2007 ha vendido más de 11 millones de álbumes en todo el mundo durante toda su carrera. y ha ganado varias veces el premio Grammy.

Pagina: http://www.faithhill.com/

Hole

Hole fue una banda de rock alternativo/grunge formada en Los Ángeles en 1989. La banda, fundada por Courtney Love, Eric Erlandson (guitarra eléctrica) y Lisa Roberts, se separó en 2002. Lisa Roberts (bajista) abandonó el proyecto al poco de comenzar. La banda tuvo durante un periodo una alineación de tres guitarras, siendo el tercero Errol Stewert, pero el primer álbum fue realizado únicamente por Love, Erlandson, la bajista Jill Emery y la baterista Caroline Rue. Emery y Rue abandonaron la banda en 1992, siendo reemplazadas por Leslie Hardy y Patty Schemel respectivamente. Hardy abandonó también tras grabar una única canción: el single Beautiful Son, y fue reemplazada por Kristen Pfaff en 1993. Kristen Pfaff murió de sobredosis en 1994, y Melissa Auf der Maur tomó su lugar desde 1995 hasta la disolución de la banda. En 1998 Schemel dejó también la banda, y Samantha Maloney entró como baterista. Según el recuento de "Vh1's countdown of the 100 Greatest Hard Rock Bands" Hole figura en el número 77.

Introducción

Hole ha publicado un total de tres álbumes oficiales: Pretty on the Inside, Live Through This y Celebrity Skin. Cada uno de los cuales muestra un sonido y un estilo distintivo. El primer álbum puede describirse como el menos pulido, y está fuertemente influenciado por el punk. La banda experimenta con afinaciones alternativas, y los solos de guitarra son caóticos y resultan distorsionados. La mayor parte de las canciones (en la música y en la letra) tratan de reflejar el título del álbum: áspero, brutal y violento en la apariencia exterior, pero con una base melódica. El segundo álbum tiene un estilo más parecido al Power pop, aunque aún influenciado con toques más punk. Las canciones y las guitarras son menos abstractos, pero de igual manera adquieren gran fuerza de su aparente simplicidad. El tercer álbum es más claramente Power pop, y puede verse presente el deseo subyacente de crear de la nada una obra perdurable. El estilo de Erlandson con la guitarra es innovador y complejo, y las letras de Love son profundas y sofisticadas en todo el álbum. Se acredita a Hole el haber establecido un puente entre el punk y el pop, creando una conexión entre ambos estilos. Habiendo desafiado la estética indie/underground mediante esta conexión al pop, puede verse a Hole como uno de esos grupos que han hecho una gran contribución al canon del rock.

Historia

Primeros años y Live Through This

Después de haber publicado algunos singles con Sympathy for the Record Industry y con Sub Pop, Hole publicó su primer álbum Pretty on the Inside con Caroline Records, el cual fue bien recibido por los críticos de música alternativa. Hole hizo entonces un tour por norteamérica y Europa con el fin de promocionar el disco.

A raíz del éxito del álbum y del interés de la prensa por Courtney Love y su marido, Kurt Cobain, Hole firmó un contrato de 8 álbumes con Geffen Records. En 1993, entraron al estudio de grabación para grabar su debut con una de las firmas grandes. El resultado fue el álbum Live Through This, que incluía canciones exitosas como "Doll Parts," "Violet," y "Miss World".

Casi inmediatamente antes de que el álbum saliera a la venta, la última canción "Rock Star", fue sustituida por "Olympia".Se creía entonces que esto se debía a que algunas partes de la letra: "How would you like to be Nirvana? / So much fun to be Nirvana / Barrel of laughs to be Nirvana / I'd rather die", no parecían apropiadas dado el reciente suicidio de Cobain, sin embargo, fue posteriormente revelado que la banda y la discográfica ya habían rechazado la canción porque no encajaba con el resto del disco. Como la decisión de retirar "Rock Star" fue tan tardía, la caratula del álbum ya estaba hecha, por lo que "Olympia" figura como "Rock Star" en ella.

Live Through This fue publicado en abril de 1994, una semana después del suicidio del marido de Love, el cantante de Nirvana, Kurt Cobain. Dos meses después, la bajista de Hole, Kristen Pfaff murió de una sobredosis. El 1 de septiembre de 1994, Hole tocó por primera vez después de reformar el grupo, dedicándoselo a Kristen. El grupo, con Melissa Auf der Maur ahora en el bajo realizó una gira extensiva durante 1994 - 1995. Una de sus apariciones más importantes durante esos años fue el MTV Unplugged, en el día de San Valentín de 1995.

My Body, the Hand Grenade

Tres años después del éxito de Live Through This, Hole publicó un álbum que contenía sus primeros singles, y caras-b, así como grabaciones más recientes. La portada de este disco mostraba a uno de los vestidos de babydoll de Courtney en una vitrina de museo. El lado interior de la carátula mostraba un coche destrozado, y en el lado opuesto, una imagen de Ana Bolena en la que no se ve la cabeza de ésta. La grabación comienza con las primeras canciones de Hole, y canciones que fueron grabadas pero no aparecieron en Live Through This, y termina con algunos directos, incluyendo el MTV Unplugged de San Valentín.

Una de las canciones grabadas para Live Through This, pero que aparecieron en este álbum es "Old Age". Los detractores de Courtney Love creyeron que las canciones de este álbum habían sido escritas por Kurt Cobain. Fue revelado que "Old Age" fue escrita por Kurt Cobain para las sesiones de Nevermind en 1990 o 1991, pero que después se la regaló a Hole, y Love reescribió las letras. El bajista de Nirvana, Krist Novoselic ha confirmado en una entrevista con el periódico musical del Rino Unido Melody Maker en 1997 que "Old Age" es, de hecho, "una canción de Nirvana". La canción incompleta de Nirvana apareció en With The Lights Out y en la compilación Sliver: The Best of the Box.

Otra de las canciones de "My Body the Hand Grenade" es "20 Years in the Dakota," que, entre otros temas, trata de las dificultades de encontró Yoko Ono por ser la esposa de John Lennon. El título e la canción refiere al edificio de apartamentos frente al cual Lennon fue asesinado. La misma Courtney Love ha sido en ocasiones comparada a Yoko Ono dada la idea generalizada de que Ono apartó a Lennon del resto de los Beatles, como Love supuestamente apartó a Cobain de Nirvana

Las sesiones de Nueva Orleans

Hubo muchos intentos de crear un tercer disco, uno de los cuales fue en Nueva Orleans. Entrevistas con Erlandson han confirmado la autenticidad de esta sesión, pero ningún demo ha aparecido de ella. Se cree que entre las posibles canciones se encontraba una de las primeras versiones de "Awful". A raíz de esto surgió el rumor de que durante estas sesiones habían completado un álbum, y que la grabación maestra fue robada en un avión, pero esto fue negado por Erlandson.

Celebrity Skin y disolución del grupo

El tercer álbum de Hole contenía un sonido completamente nuevo para la banda, pues era de un estilo más pop. Celebrity Skin fue un éxito para la crítica, y se vendió moderadamente bien. El grupo entoncs consistía en Courtney Love, Eric Erlandson, Patty Schemel y Melissa Auf Der Maur, aunque en entrevistas posteriores Love aseguró que en la percusión Schemel fue en realidad reemplazada por otro músico.

Cuando los periodistas preguntaron por el significado del álbum, Love decidió no ofrecer ninguna explicación acerca de las letras. Por ejemplo, en 1998, en una entrevista con la revista SPIN: "I won't talk about it because it's none of your business...because you will never know." Años después, en 2005, comentó a la periodista Phoebe O'Reilly, acerca de Celebrity Skin: "I did not want to make the widow record. I still haven't made the widow record."

Quizá como una reacción a toda la especulación anterior sobre el supuesto de que Kurt Cobain era el verdadero autor de las canciones del segundo álbum de Hole, Celebrity Skin lista de forma específica las contribuciones de cada músico al realizar el disco, especificando la autoría de cada canción. Love participó en todas las letras, mientras que Erlandson y Michael Beinhorn, participaron en cada una de las canciones, junto a Billy Corgan, de The Smashing Pumpkins (además de Melissa Auf Der Maur, Patty Schemel, Jordon Zadorozny, de Blinker the Star, Charlotte Caffey de The Go Go's, los cuales participaron de una forma más leve en las canciones) Billy Corgan se ofreció a ayudar con las letras y deconstruir las canciones en el piano, pero acabó figurando como coautor en cinco de las canciones de Celebrity Skin.

A pesar de esto, el álbum recibió controversias sobre a quién acreditar su autoría, específicamente, al peso de las contribuciones de Corgan. Poco tiempo después de salir el álbum, Corgan apareció en Howard Stern, diciendo que había compuesto el riff de la canción "Celebrity Skin" (que fue un éxito), mientras que las ventas del último álbum de su banda habían sido más bien pobres. Courtney respondió en una entrevista en SPIN: "He's crazy...he thinks I stole his mojo." La disputa privada fue corta, y Corgan y Love mantienen todavía su amistad y su relación profesional, trabajando juntos, de hecho, en el segundo álbum de Love en solitario. Corgan también tocó el bajo en una de las canciones preparadas para Celebrity Skin, "Be A Man", que finalmente no apareció en el álbum final, pero que figuró en la banda sonora de Any Given Sunday en 1999, y que es la última canción en la que participó el grupo antes de desintegrarse.

Love y Erlandson desmantelaron Hole oficialmente a través de un mensaje en la página oficial del grupo en 2002. Después de la ruptura, los cuatro músicos comenzaron otros proyectos. Auf der Maur se unió a The Smashing Pumpkins y después grabó un disco Auf Der Maur e hizo una gira con él; Erlandson continuó trabajando como productor y como músico de sesiones de grabación; Maloney se fue de gira con Mötley Crüe, Scarling., y los Eagles of Death Metal, y es, en la actualidad, miembro de Peaches (junto a uno de los guitarristas que acompañó a Courtney en el tour de America's Sweetheart); y Love comenzó una carrera en solitario, lanzando en 2004 el álbum America's Sweetheart.

Miembros

- Courtney Love - vocalista, guitarra 1989-2002
- Eric Erlandson - guitarra 1989-2002
- Melissa Auf der Maur - bajo, coros 1994-1999
- Samantha Maloney - batería 1998-2002
- Patty Schemel - batería 1993-1998
- Caroline Rue - batería 1989-1992
- Jill Emery - bajo 1989-1992
- Kristen Pfaff - bajo, coros 1993-1994
- Leslie Hardy - bajo, 1992

Pagina: http://holeband.sites.uol.com.br/

The Fugees

Fugees es una banda estadounidense de hip-hop principalmente, pero que fusionaban también el soul, el reggae y ritmos caribeños. Esta agrupación se hizo popular a mediados de los noventa.

Los miembros de este grupo eran Wyclef Jean, Lauryn Hill y Pras Michel. El nombre The Fugees deriva de la palabra “Refugee” ya que Wyclef y Pras eran haitianos, mientas que Hill del sur de New Jersey.

En 1994, el trio lanzó su primer LP “Blunted on Reality”, con el que colocaron 2 canciones dentro del circuito “underground” americanos. Estos temas fueron "Nappy Heads" (Mona Lisa) y "Vocab". Sin embargo, el álbum no llegó a conseguir el éxito que esperaban.

Dos años más tarde, aparece uno de sus mayores éxitos, el álbum “The Score”. En este disco se incluyeron versiones de canciones conocidas, como "No Woman No Cry" de Bob Marley, y "Killing Me Softly (With His Song)" de Roberta Flack, “Ready or Not Here I Come (Can't Hide From Love)” de los Delfonics. También en 1996, aparece un disco recopilatorio titulado “Refugee Camp - Bootleg Versions”.

Con el material “The Score”, The Fugees ganan dos premios Grammy en 1997, como “Mejor Album Rap” y Mejor Grupo R&B por la canción "Killing Me Softly With His Song".

En 1997, con la banda en la cumbre de su popularidad, deciden trabajar por separado. Por un lado, Lauryn Hill lanza su aclamado y muy premiado álbum “The Miseducation of Lauryn Hill”, mientras que Jean se vuelve productor de varios artistas incluyendo Canibus, Destiny's Child y Carlos Santana, entre otros. También graba su álbum debut como solista “The Carnaval”. Finalmente, Michel, junto a Mya y Ol' Dirty Bastard, graban el single "Ghetto Supastar" para la banda sonora de la película “Bulworth”. Todos los miembros de la agrupación obtuvieron notables éxitos en sus trabajos independientes.

En el 2003, aparece un disco recopilatorio de los mejores éxitos de The Fugees, bajo el titulo de “Fugees - Greatest Hits”.

En Septiembre del 2004, los 3 Fugees se reunen para tocar en un concierto en la ciudad de Nueva York. En esta aparición, contaron con la presencia de varias celebridades del hip-hop (Kanye West, Mos Def, Jill Scott, Erykah Badu, The Roots, Talib Kweli, Common, Big Daddy Kane, Dead Prez, Cody ChestnuTT, John Legend, entre otros). El concierto fue todo un éxito, e incluyó la canción "Killing Me Softly" cantada por Lauryn Hill a cappella.

En el 2005, aparecieron en la entrega de los premios “BET Music Awards”, para abrir el show con una presentación de 12 minutos.

A fines de ese mismo año, se lanzó el single "Take It Easy" por Internet, y llegó a alcanzar el puesto número 40 en la lista Billboard. De esta manera, The Fugees se embarca en una gira europea que dura dos meses y con la que recorren Finlandia, Austria, Noruega, Alemania, Italia, Francia, Inglaterra, Bélgica, Dinamarca, Suecia, Suiza y Slovaquia.

A inicios del 2006, la agrupación aparece en una presentación en Hollywood. Ese mismo año se dio a conocer un single llamado "Foxy".

Para el 2007, pretenden lanzar un nuevo material llamado “New Heavy”

Pagina: http://www.sonymusic.com/artists/Fugees/

No Doubt

No Doubt es un grupo de Soft Rock de Anaheim, California, (EEUU). Su música estuvo en sus inicios profundamente influenciada por el pop rock y el ska, evolucionando posteriormente más hacia el Soft Rock. También reciben influencia de los estilos reagge jamaicanos, habiendo actuado en múltiples ocasiones con artistas jamaicanos como Lady Saw. Sus éxitos más notables son «Just A Girl», «Hella Good», «Hey Baby», «It's My Life» (versionando a Talk Talk), <>, <>, <> y su más conocido «Don't Speak».

Historia

Eric Stefani formó No Doubt en Anaheim, California, con su amigo John Spence en noviembre de 1986, la hermana menor de Erick, Gwen Stefani ese mismo año empezó a participar en el grupo como co-vocalista; así de a poco fueron grabando demos y mostrándolos por Orange County, así Tony Kanal llegó al grupo y se integró como bajista. Un poco más tarde se convertiría en el novio de Gwen.

En 1987, John Spence se suicidó, dejando a Gwen como vocalista y a pesar del duro golpe que significó esta muerte siguieron con el proyecto de grupo. En 1988 y 1989, se integraron dos nuevos miembros: Tom Dumont a la guitarra y Adrian Young en la batería.

No Doubt (Albúm)

En 1991 recibieronn la oferta de Interscope Record para grabar su primer disco homónimo en 1992. El primer sencillo y el único de este álbum es Trapped in a Box. Entre trabajos normales, —Gwen y Tony trabajaban en un negocio; Adrian, el baterista era camarero, y Tom tenía una tienda en la que alquilaba instrumentos musicales— y la facultad —Gwen estudió arte; Tom, música, y Adrian y Tony estudiaron psicología— consiguieron grabar este álbum con tan solo 13.000$ de presupuesto.

El álbum no tuvo el éxito esperado pese a los comentarios que el presidente de la discográfica decía: «Stefani sería una estrella en 5 años». Razón no le faltaba, salvo que esto no se dio en cinco años. Tras el desafortunado desastre de este primer disco, la discográfica perdió un poco de fe en el grupo y retiró todo apoyo financiero con el resultado apreciable de que no se promocionó algún sencillo más, no hubo gira de conciertos y ni siquiera había presupuesto para grabar otras canciones.

No Doubt no pensaba quedarse en casa y realizó la gira bajo su organización y dinero. Viajaron por todo el país con una camioneta de sitio en sitio. Mientras esto duraba rápidamente compusieron diez canciones nuevas, las cuales se aprecian en su segundo álbum The Beacon Street Collection, el cual al no ser distribuido por la discográfica, ya que se negaba a promocionar y dar dinero al grupo, se vendió después de estas funciones y conciertos que daban independientemente. Las copias de este nuevo disco fueron vendidos con rapidez vertiginosa: 1000 copias en solo 2 semanas.

Tragic Kingdom

1993 Interscope observó el hecho y decidió volver a firmar el contrato con el grupo. Tras esto, durante 2 años y medio, se pusieron en marcha a preparar el siguiente disco: Tragic Kingdom el cual se grabó en 11 estudios diferentes. Antes de terminar este álbum, en 1994, Eric Stefani abandonó el grupo porque no le gustó como estaba llevándose la dirección y decidió comenzar una carrera de animación de dibujos animados en la serie «Los Simpsons». La relación que Tony y Gwen habían mantenido durante siete años se rompió. No fueron años fáciles y se demostró en las letras de sus nuevas canciones.

Tragic Kingdom se lanzó el 10 de octubre de 1995. El álbum es un cóctel de estilos musicales que ahora son vinculados directamente con No Doubt: ska, reggae, pop, new wave, rock de guitarra y música dance. Al principio del lanzamiento, este nuevo álbum tampoco triunfo directamente. En 1996 entró en el puesto 175 de Billboard 200. Las cosas cambiaron tras el lanzamiento del primer sencillo del disco, Just A Girl, que entró en el puesto 10. En verano el disco se convirtió en doble platino y Gwen Stefani era él no va más. Muchas de las chicas adolescentes de entonces llevaban melena rubia platina y bhindis indios entre ceja y ceja como Gwen.

El segundo sencillo de Tragic Kingdom, Spiderwebs, llegó también a los puestos más altos del ranking, pero no todo era éxito. El problema se formó cuando tras la publicación de la revista estadounidense Spin, en cuya portada iba la noticia del reciente éxito de No Doubt. Los editores decidieron sacar en la portada solo a Gwen, cosa que no sentó bien al resto del grupo. Entre discusiones y tensiones se lanzó el siguiente sencillo, probablemente el más conocido por todo el mundo: Don't Speak.

Las letras y la música, cantaban como la relación de Tony y Gwen se había acabado, mientras que el videoclip nos muestra el éxito de una cantante, con el resto de su grupo totalmente ignorado. Poco a poco las tensiones se calmaron y fue recobrándose estabilidad en el grupo.

Gracias a Don't Speak se consiguió que el álbum permaneciera nueve semanas en el número uno además de 36 semanas en el Top 10. Se vendieron más de 16 millones de copias, de las cuales 10 millones fueron vendidas en EE.UU. Esto no es un hecho normal, solo 45 artistas más comparten este logro y el premio Diamond que se le entrega a quien lo consigue.

Durante la gira Live In The Tragic Kingdom, que se hacía al tiempo que el grupo Bush, Gwen conoció a Gavin Rossdale, líder del grupo y actual marido de ella (con el que ha tenido un bebé recientemente: Kingston James McGregor Rossdale). Además de emparejar a Gwen, esta gira consiguió posicionar a No Doubt como uno de los grupos con mejor actuación en vivo.

The Beacon Street Collection

En 1997 y después de Tragic Kingdom, se relanzó el álbum original The Beacon Street Collection, el cual se puede diferenciar de la versión lanzada entre 1993-1995, gracias a un sello rojo que lleva impreso en la carátula en la que está escrito: Reissue of No Doubt's Independent 1995 Release [Reedición del Lanzamiento Independiente de No Doubt en 1995]. La letras de las canciones en ciertos casos son muy buenas. Cabe destacar canciones como: Open The Gate, Blue In The Face, Stricken, By The Way, Greener Pastures y That's Just Me. Cualquiera de estas podría conformar el repertorio de grandes éxitos. Esta vez la distribución fue mucho más sencilla y el disco fue accesible a todo el mundo, no solo a las personas que iban a esas giras improvisadas del primer álbum.

Return Of Saturn

Después de tres años sin movimientos, el 11 de abril de 2000 vio la luz Return of Saturn, el cuarto álbum del grupo. Este apareció en segundo puesto tras su lanzamiento en Billboard 200. El título de este disco se debe a que 29 años (lo que tarda Saturno en dar una vuelta completa al sistema solar), primeros de vida de un ser humano, es el tiempo necesario para entenderse a uno mismo. Este álbum recibió muy buena crítica hasta de aquellos a quienes no les gusta esta música, gracias a sencillos como Ex-Girlfriend. Otros sencillos lanzados en este álbum fueron Simple Kind Of Life, Bathwater, del que existe un remix lanzado en 2004, y New, que forma parte de la banda sonora de la película Go.

Rock Steady

Después de Return of Saturn, llegó Rock Steady, que fue lanzado al año siguiente, el 11 de diciembre de 2001. Un álbum con 13 canciones; sencillos Hella Good, Hey Baby con Bounty Killer (ambos con un gran éxito y el segundo galardonado en los Grammy a La Mejor Canción Pop), Underneath It All con Lady Saw (por la que se llevaron el Grammy en la misma categoría que Hey Baby) y Running. El videoclip de esta última, es un resumen de todo lo vivido por la banda durante sus comienzos en 1992. Nos hace una retrospectiva en la que podemos ver a Gwen con 16 años. De este álbum está disponible Rock Steady Live, DVD con el concierto en vivo, en el que cantan sus nuevas canciones y también éxitos y buenas canciones pasadas del grupo.

The Singles 1992-2003

En 2003, No Doubt se separó o al menos se tomó una pausa muy larga, ya que existen rumores del posible regreso del grupo al panorama musical. Para este año, No Doubt, lanza The Singles 1992-2003, un recopilatorio de todos los sencillos lanzados desde 1992. Además incluye un «bonus track», Girls Get Bass In The Back remix de Hey Baby. También tiene la versión del grupo de la canción de Talk Talk: "It's My Life", la cual tuvo éxito considerable.

Boom Box / Everything In Time

Lanzaron Boom Box, una edición especial con 2 discos compactos y 2 DVDs: The Singles 1992 - 2003 (con todos sus sencillos), The Videos 1992 - 2003 (DVD videográfico del grupo), Everything in Time (con todos los remixes y otras versiones de canciones de No Doubt) y Live In The Tragic Kingdom (DVD con el concierto en directo de la gira de Tragic Kingdom).

A parte de Boom Box, se lanzó el disco Everything In Time en 2004 por separado para aquellas personas que no deseaban volver a comprar todo el material que incluía el Boom Box. Después de todo esto, no ha vuelto a haber actividad en el grupo. Como se ha escrito antes, se rumoreaba que después del embarazo de Gwen, la banda volvería a los estudios.

Gwen ha sacado su último disco The Sweet Escape y no se sabe con seguridad si lo siguiente será un nuevo disco de No Doubt. En los últimos tiempos se ha sabido que No Doubt volverá a los estudios a fines de 2007, por lo que el nuevo trabajo estará disponible ya a fines de 2008 (fuente M. Josúe Cardoso).

Pagina: http://www.nodoubt.com/

Buckcherry

Buckcherry se forman en Los Angeles en 1995. La banda graba dos álbumes entre 1999 y 2001 antes de disolverse en Verano de 2002. En 2005, Josh Todd (voz) y Keith Nelson (guitarra) agrupan una nueva banda bajo el nombre de Buckcherry y publican un nuevo disco en Abril de 2006 titulado 15.

Historia

Buckcherry se forma después de que Josh Todd conociera al guitarrista Keith Nelson a través de su tatuador habitual y después de descubrir su afición común por AC/DC. Ambos graban algunas demos antes de que el bajista Jonathan Brightman y el batería Devon Glenn se les unieran. Buscando hacerse un hueco en la escena local la banda toca en los clubs de Hollywood donde conocen a un travestido que se hace llamar Buck Cherry.

Ya con el nombre de Buckcherry el grupo firma con DreamWorks Records y publican su primer álbum, homónimo, en 1999. El disco es bien recibido por la crítica y por los fans consiguiendo ser Disco de Oro de ventas en un espacio corto de tiempo. El disco está producido por Terry Date (Soundgarden, Mother Love Bone, Pantera,...) y en él colabora el mismísimo Steve Jones (ex-Sex Pistols). "Lit Up", "Check Your Head", y "For The Movies" consiguieron entrar en los charts de singles.

Con la adición de un nuevo guitarrista, Yogi, Buckcherry se lanza a la carretera para promocionar su disco de debut antes de volver a los estudios en 2000 para preparar el siguiente, Time Bomb. El segundo álbum del grupo decepciona a gran parte de la crítica y se lo hacen pagar con una pobre entrada en los charts. Sin embargo, los fans acogen el nuevo trabajo con los brazos abiertos apreciando la combinación de crudeza del primer disco con la mejor producción de éste, y el protagonismo de las letras de Todd. Las preferidas para los fans serán la balada "You", la sleazy "Porno Star" y sobre todo el nuevo single "Ridin'".

En la Primavera, Buckcherry gira con AC/DC pero poco después, una nota en la website de Buckcherry anuncia que Brightman ya no está en la banda, sin más explicaciones. En los meses siguientes expulsan a Yogi y Devon, pero Todd y Nelson insisten en que Buckcherry todavía existe y que ellos están trabajando en el material para su tercer disco. Durante las sesiones, inesperadamente Josh Todd deja el grupo en Julio de 2002 firmando así el acta de defunción de Buckcherry.

En un concierto tributo al fallecido Randy Castillo, Josh Todd y Keith Nelson se suman a Slash, Duff McKagan y Matt Sorum en el escenario y tocan algunos temas. Entonces se especula sobre una nueva banda con esa misma formación, más aún cuando Todd le pone nombre, The Project, y anuncia que llevan un mes en los estudios habiendo grabado ya 10 nuevos temas. Cuando Slash presenta a Scott Weiland como nuevo vocalista del proyecto, Josh Todd es inmediatamente apartado aunque el grupo recuperaría un tema de Nelson para el debut de Velvet Revolver.

Todd no tarda en crear su propia compañía con Todd Meagher (TODD Entertainment, LLC), y publica el álbum You Made Me y en 2004 Todd se hace con todos los derechos legales del nombre de Buckcherry.

Reclutando nuevos miembros, Todd y Nelson entran de nuevo en los estudios de grabación para terminar el tercer disco de Buckcherry titulado 15, que será publicado primero en Japón a finales de 2005 y editado para el resto del mundo ya en Abril de 2006.

Sin embargo no tardarían en llegarle los problemas. El 11 de Septiembre de ese mismo año se presenta una demanda contra la banda, la discográfica y otras compañías relacionadas. El motivo es una chica que asegura tenía sólo 16 años cuando actuó en topless durante la filmación de un video promocional. Sin embargo, quedaron absueltos ya que como confirmaron los testigos, aquella chica falsificó su identificación. Sin embargo, el video fue finalmente censurado por la aparición de la menor en topless.

Entre juicios, actuaciones y filmación de vídeos promocionales, la banda se pasa el 2007 preparando su cuarto álbum.

Miembros

Formación original

- Josh Todd (voz) 1995-2002;2005-
- Keith Nelson (guitarra) 1995-2002;2005-
- Jonathan Brightman (bajo) 1995-2001
- Devon Glenn (batería) 1995-2002

Otros miembros

- Yogi (guitarra) 1999-2002
- Stevie D. (guitarra) 2005-
- Jimmy Ashhurst (bajo) 2005-
- Xavier Muriel (batería) 2005-

Pagina: http://www.buckcherry.com/

Los Palmeras

Los Palmeras es un grupo de cumbia santafesina originaria de Santa Fe, República Argentina.

Inicios

Comenzó en el año 1972 bajo el nombre de "Sexteto Palmeras". En ese entonces integraban la banda Cezlav Popowicz (Voz), Osvaldo Zabala (Acordeón), Raul Alberto Gomez (Bajo), Gilberto Donnet (timbales), Carlos Zalazar (Tumbadoras). Durante el mismo año se une Marcos Camino (acordeón) reemplazando a Osvaldo Zabala, quien se convierte luego en director del grupo. Poco tiempo después pasan a llamarse "Grupo Palmeras", aunque la gente lo llamaba "Los Palmeras", nombre que adoptaron y utilizan hasta la actualidad. Sus dos primeros discos, "Los Palmeras" y "Te regalaré mi amor" fueron grabados con la voz de Cezlav Popowicz, bajo el sello de la discográfica "MRG".

Discos de oro

En 1978 Cezlav se separa del grupo, y su lugar lo ocupa Ruben Deicas. En el mismo año se grabo el tercer disco del grupo, el primero con la voz de Rubén, y se tituló "Morenita Cumbiambera". El cuarto disco fue "Mi Linda Santa Fe" en 1978. Su primer disco de oro fue "Cumbia y Luna", en 1983, seguido de varios más. Actualmente cuentan con 39 discos publicados.

Premios

El primer "Disco de Oro" fue por su trabajo "Cumbia y Luna". Luego lo ganaron nuevamente con los discos "Fiesta en la selva", "Por siempre", "Corazón no me preguntes", "Cálida Expresión", y "Loquito por ti". En 1993 ganan un Disco de Oro por "Ayer, hoy y siempre" y otro por "Tropibaile Santafecino". En 1997 ganan disco de oro con "Un toque diferente", "El sonido original", "Irremplazables" y un disco de platino con "Voló la paloma". En 1999 y 2000 ganan el premio "Clave de Sol" como Mejor Grupo del Interior del País. En 2006 ganan el premio Carlos Gardel por el Mejor Álbum con "Un Sentimiento". Entre sus exitos se encuentran "El bombom asesino" "la chica de rojo" "Así no te amara jamas" y hasta hicieron un cover del grupo de rock argentino Patricio Rey y los Redonditos de Ricota "La gran bestia pop".

Estilo

Su estilo se basa en el de la cumbia colombiana, que fue introducido a la Argentina por grupos como "El Cuarteto Imperial", quienes trataban temas sobre Colombia en sus canciones, mientras que Los Palmeras tomaron el ritmo de dicha musica para cantar sobre temas propios de Santa Fe. Cuando el estilo fue introducido al país, tuvo una gran aceptación, y más específicamente en Santa Fe, provincia caracterizada por dicho género. Actualmente, sus integrantes son: Rubén Deicas (Voz), Marcos Camino (Acordeón y Coros), Jorge Grenon (Teclados y Guitarra), Walter Enrique (Tumbadoras), Carlos Martínez (Timbales y Percusión), Carlos Gonzalez (Bajo y Coros)

Pagina: http://www.lospalmeras.net/