The Darkness

The Darkness fue una banda de hard rock creada en el Reino Unido por los hermanos Justin Hawkins (guitarra y voz) y Dan Hawkins (guitarra), Frankie Poullain (bajo) y Ed Graham (batería). Su primer single "I Believe in a Thing Called Love" alcanzó el número uno de las listas de ventas del Reino Unido, y su primer álbum Permission to Land, ha vendido más de cuatro millones de copias.

Han declarado estar influenciados por bandas de rock de los años 70 como AC/DC, Van Halen, Queen, T-Rex, Aerosmith y Led Zeppelin. Los tonos agudos de Hawkins se han convertido en una marca de identidad.

The Darkness ganó tres Brit Awards en 2004, incluyendo Mejor Banda, Mejor Grupo de Rock y Mejor Álbum.

La banda publicó en 2005 su segundo disco "One Way Ticket to Hell ...and Back". En mayo del 2005, Poullain abandono el grupo por diferencias musicales, siendo sustituido por Richie Edwards. En Octubre de 2006, Justin Hawkins, compositor, guitarrista y cantante, anuncia que abandona el grupo por problemas con las drogas y el alcohol, y el nuevo bajista Richie Edwards se hará cargo del micro.

Mientras, Hawkins volcará sus fuerzas en grabar un disco en solitario y hacer música para películas. En 2007 se encontró entre los seis candidatos para representar a Reino Unido en la edición del Festival de Eurovisión 2007, que tuvo lugar el 12 de mayo en Helsinki.

Historia y biografía

The Darkness (Justin Hawkins -voz y guitarra-, Dan Hawkins -guitarra-, Frankie Poullain -bajo- (ahora Richie Edwards) y Ed Graham -batería-) es la banda que ha puesto nuevamente a Londres y a todo el Reino Unido bajo el pulso del rock. La banda de Justin Hawkins ha recuperado el espíritu del rock de los 70, y con un estilo a mitad de camino entre Queen y AC/DC, se ha convertido en un auténtico fenómeno social en todo el planeta. Su disco de debut, Permission to land (2003) ha vendido más de 4 millones de copias en todo el mundo. Este grupo se ha labrado un reconocido prestigio entre los medios y el público ingleses a base de actuar en todo tipo de salas a lo largo y ancho del Reino Unido. Se dieron a conocer tras una serie de legendarios conciertos en Londres, donde demostraron, además de su buena música, su gran talento para el espectáculo. Sus recientes actuaciones en los festivales de Glastonbury y Reading fueron las más comentadas de este año.

Influenciado por los grandes del rock; de AC/DC a Thin Lizzy pasando por Queen, The Darkness demuestra con su primer álbum que el clásico formato de guitarra, bajo y batería (y un frontman espectacular como no se ha visto hace tiempo) sigue siendo capaz de emocionarnos, hacernos saltar, vibrar y confiar en el rock & roll como la música más vitalista de todas. Canciones como el primer single Growing on me, I believe in a thing called love o Get your hands off my woman entre muchas otras confirman el enorme potencial de esta banda que recupera el espíritu del mejor rock de los 70 y 80. Los miembros de The Darkness crecieron bajo la influencia de las bandas que escuchaban (Queen, Aerosmith y similares), pero pronto crearon un estilo único; sus canciones son todas himnos potenciales y resulta muy difícil no corearlas al oírlas. La esencia de The Rolling Stones, Thin Lizzy y otras grandes bandas rockeras es capturada en los himnos intensos del grupo, porque sus influencias provienen de un periodo del rock de los setenta, cuando florecieron espectaculares bandas de guitarra como AC/DC y Queen. Pero ellos entregan su música con una convincente arrogancia y un toque de ironía postmoderna.

Su sonido está enormemente influenciado por el rock clásico de los 70 y los 80, pero funciona porque lo hacen con una producción del Siglo XXI, porque nadie más ha sonado así durante mucho tiempo y porque lo hacen así sin ningún tipo de vergüenza. “Todo el mundo está muy tenso actualmente” dice Frankie, “odio la arrogancia de las bandas que piensan que sus emociones mezquinas son interesantes. Si miras a las bandas de hace 25 años, la gente tiene sonrisas en sus caras. Estamos trayendo esto de nuevo”. Una reseña de un concierto suyo señaló: “el excepcional espíritu de un grandioso y showman vocalista arquetípico vive dentro de Hawkins. Posee una fenomenal voz (en parte tipo Bon Scott, en parte Freddie Mercury y en parte Luciano Pavarotti), se jacta y posa por todo el estadio, mientras los miembros del grupo despiden energía eléctrica y ritmos vigorosos”. Otra reseña: “Verdaderas estrellas. Tan originales que pueden hacer desaparecer el aroma de apatía y de insipidez que se multiplica por nuestro país, gracias a una banda que nos dio rock con tanta fuerza que tuvimos que seguirlos”.

Permission to Land

Hace un tiempo atrás, nadie daba un peso por este grupo, a tal punto que ellos mismos tuvieron que costearse la grabación de su primer disco Permission to Land. Ahora tienen una multinacional apoyándolos y eso ciertamente ha acrecentado el mito que se está tejiendo alrededor de los hermanos Hawkins y compañía, quienes el 17 de febrero del 2004 acapararon la atención de la prensa al recibir tres estatuillas en los Brit Awards.

El disco comienza con “Black shuck”, una de las canciones más potentes del disco con un riff al más puro estilo de Angus Young. En “Growing on me”, Justin descansa un poco de los falsetes, que sólo aparecen a ratos, y resulta muy agradable escuchar como suena normalmente su voz. Luego viene el gran éxito mundial “I believe in a thing called love”, un tema pegajoso y muy entretenido, que a ratos tiene mucho de Queen. “Love is only a feeling” es una balada que tiene una melodía llena de contrastes y que se pasea por un amplio registro. Los punteos de la guitarra sobresalen mucho y eso mezclado con los coros da un resultado muy interesante. “Givin´ up”, con su cansador estribillo, y “Stuck in a rut” son los temas más débiles del disco. “Holding my own” es una clásica balada rockera. La melodía, la guitarra y los coros interactúan y se intercalan en una estructura dramática que recuerda a los mejores ejemplos del género. Una canción muy hermosa.

En suma, Permission to land, es un disco con unas armonías y un sonido muy típico del metal ochentero, guitarras que recuerdan a Kiss y AC/DC, y unos falsetes teatrales que evocan de alguna manera al incomparable Freddie Mercury.

One Way Ticket to Hell ...And Back

A diferencia de su álbum debut, mucho más excesivo y caricaturesco, este álbum se perfila como un trabajo más logrado y estructurado, pensado en cada paso de su construcción. Nos sorprende el cantante Justin Hawkins con su voz, para nada limitada, pero mucho más controlada en impulsos, ha aprendido a modularla y así controlar sus registros.

En los nuevos sonidos ahora podemos encontrar pianos y sintetizadores, o elementos menos comunes como sitares, triángulos, panderetas o un flautista peruano en la particular intro del disco.

Y es con todos estos cambios que el grupo pretende presentarse a medios y público como algo menos divertido que en su debut, y lograr así una imagen mucho más respetable, para llegar a posicionarse como una banda duradera en el tiempo.

Es decir verdad que cada uno de los temas incluidos es una gran hit en potencia. Y todo comienza con “One Way Ticket”, un específico corte con un derrumbante riff guitarrero. Y nos sorprende con el falsete operístico y muy exagerado y un estribillo simple que manifiesta la base del rock’n’roll.

El disco ha sido producido por el productor Roy Thomas Baker (Queen, The Rolling Stones, David Bowie, The Who)

La salida de Justin Hawkins

Según ha revelado el diario británico The Sun, el vocalista Justin Hawkins se ha marchado rápidamente de The Darkness tras abandonar el centro de rehabilitación para poder continuar su tratamiento contra las drogas. La banda seguirá adelante con el bajista Richie Edwards como frontman.

En una entrevista con este diario, Hawkins ha hablado sinceramente sobre su batalla con el alcohol y las drogas. Hawkins asegura haberse gastado más de 150.000 libras (unos 225.000 Euros) en cocaína a lo largo de los últimos tres años. Según Classic Rock, Hawkins le dijo a The Sun que “One way ticket to hell ...and back” (el último disco de la banda) “es, por supuesto, autobiográfico”. Hawkins comenta que “estaba consumiendo hasta cinco gramos de cocaína al día, lo que me costaba unas 1000 libras a la semana, a veces incluso más. Solía estar despierto hasta cuatro días seguidos con coca y alcohol. Afectó a cada una de mis decisiones. Todo estaba decidido en función a que debía tomar cocaína en algún momento. Pedía que fueramos los primeros en una entrega de premios para poder seguir con mis alcoholización y mi drogadicción”.

En Agosto, Hawkins canceló un festival en Dinamarca y se metió en un centro de rehabilitación. “Me metí ahí, y me deshice” ha declarado Hawkins a The Sun. Ahora Hawkins está dando los primeros pasos para su recuperación y disfrutando de una vida tranquila con su novia, Sue Whitehouse, manager de The Darkness. Respecto a su decisión de abandonar la banda, Justin ha dicho que “me siento mal por los otros chicos de la banda. Será un golpe duro. Pero es el momento para cambiar. Sería peligroso para mi recuperación seguir en la banda. No le echo la culpa a la banda de mi problema – soy un adicto. Hay gente que puede estar en bandas y mantenerse limpio, pero yo no soy uno de ellos”.

Hawkins delcaró también que tuvo en mente irse de The Darkness el año pasado antes de la gira mundial de la banda, pero que quiso seguir antes de meterse a rehabilitación. Hawkins dice que ahora se concentrará en hacer un disco en solitario y escribir música para películas.

Pagina: http://www.thedarknessrock.com/

The Pretenders

The Pretenders es un grupo anglo-americano de rock que en sus comienzos (1978) formó parte de la llamada new wave. La banda se componía originalmente de su fundadora, compositora, guitarrista y vocalista Chrissie Hynde, el guitarrista James Honeyman-Scott, el bajista Pete Farndon y el batería Martin Chambers. Las muertes de Honeyman-Scott y Farndon por consumo de drogas malograron esta formación, y los múltiples cambios de músicos en los años posteriores han dejado a Chrissie Hynde cómo único miembro permanente y referente absoluto del grupo. La actividad pública de Hynde ha trascendido el terreno musical y se ha destacado como activista en favor de diversas causas.

Estilo e influencias

Como el resto de bandas encuadradas en la new wave e inspiradas por tanto en el punk , The Pretenders reaccionaron contra los estilos predominantes en el rock durante la primera mitad de la década de 1970, caracterizados por la complejidad de los arreglos musicales y de los equipos de sonido, la exhibición del virtuosismo de los intérpretes o la edición de álbumes conceptuales. Como respuesta, The Pretenders y otras bandas retomaron el formato habitual de canción, renunciaron a la interpretación de largos solos instrumentales y, en general, adoptaron formaciones y emplearon instrumentos más tradicionales en el rock and roll.

Como inspiración acudieron, bien a fuentes alternativas de los años inmediatamente anteriores como el pub-rock —el grupo Rockpile y sus guitarristas Dave Edmunds y Billy Bremner, así como su bajista Nick Lowe, eran una influencia declarada de James Honeyman-Scott [3 —, o bien a otras comunes con sus compañeros de movimiento, como el beat británico de los años 60 incluyendo a los Beatles y, muy especialmente en su caso, a The Kinks[4 .

Sonido

El estilo de Chrissye Hynde como cantante, con reminiscencias de los conjuntos vocales pop femeninos,[5 es un sello identificativo del grupo. Está basado en constantes inflexiones de voz enfatizadas por su registro grave de contralto[4 .[6 Las sucesivas bajas y entradas de nuevos músicos, de distinta procedencia y con distinta técnica y estilos, y el cambio de productores y otros colaboradores, e incluso de modas musicales, han hecho que las grabaciones de la banda tengan la voz de Hynde como único nexo común, si se compara el sonido de sus primeros discos con los de las décadas de 1990 o 2000.

Sin embargo, la base instrumental tenía una capital importancia en los comienzos del grupo, y en sus primeras grabaciones. A la clásica formación de guitarra solista, guitarra rítmica, bajo eléctrico y batería propia de los primeros tiempos del rock and roll y del beat británico se unía el uso de instrumentos tradicionalmente asociados a esos géneros, o con un sonido que se adapta bien a algunas de sus características. El empleo de guitarras Fender Telecaster —parte inseparable de la imagen de Hynde[7 [8 — en el acompañamiento rítmico han sido una constante en su etapa más próxima a la new wave, junto a la variedad de las utilizadas por Honeyman-Scott, siempre próximas al sonido de las Rickenbacker[3 de George Harrison. El resultado estaba a medio camino entre los riffs más potentes de los grupos ingleses de la década anterior y los arreglos melódicos, con sonidos metálicos y claros —sin distorsión— del llamado jangle-pop.

Para dar forma a una canción e interpretarla, el grupo entrelazaba fragmentos musicales con facilidad y aceleraba el ritmo y la energía en el momento justo, de acuerdo con las sutiles señales que los músicos eran capaces de enviarse entre sí como resultado de sus laboriosos ensayos[3 . A diferencia de lo que es común en la producción de un disco, que es grabar las pistas de cada instrumento por separado, The Pretenders grababan los cortes en el estudio prácticamente como si actuaran en directo, mezclando después solamente las pistas de la voz y la guitarra solista[3 .

Entre las curiosidades de sus dos primeros álbumes están los cambios arbitrarios de compás -como sucede en el cambio de 7/8 a 4/4 de "Tattooed Love Boys"-. Otro factor fundamental de su éxito fue la producción a cargo de Chris Thomas, responsable, junto con el ingeniero de sonido Bill Price, del sonido del álbum de Sex Pistols Never Mind the Bollocks. Los seguidores acostumbrados a los hits del grupo en las listas norteamericanas frecuentemente ignoran hasta qué punto era enérgico y agresivo el sonido de aquellos primeros Pretenders, y el carácter desaliñado y experimental de sus primeras grabaciones.

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A su casi inmediato éxito contribuyó, sin duda, el hecho de que la banda estuviera liderada por una mujer de apariencia dura y "cuya sexualidad está totalmente en sintonía con una magnífica sensibilidad rockera".[9 Con su característico flequillo, sombra de ojos y tejanos oscuros y ajustados0 [7 resultaba atractiva a ambos sexos al tiempo que fue capaz de zafarse de muchos de los clichés asociados a las mujeres en la música pop. A diferencia de otras cantantes solistas o que encabezaban bandas coetáneas, como Pat Benatar o Deborah Harry (Blondie), adaptaba a su propia personalidad algunos de los roles tradicionalmente masculinos del rock en su papel de líder del grupo1 2 , en una trayectoria similar a la de Joan Jett.

Historia

Formación original

Chrissie Hynde (voz y guitarra rítmica) es originaria de Akron (Ohio), una ciudad de Estados Unidos célebre por sus fábricas de neumáticos. Cursó enseñanza secundaria en el instituto Firestone, y estudios superiores de Bellas Artes en la Universidad de Kent, donde experimentó con la contracultura, el hippismo, las drogas, el vegetarianismo o la mística oriental, y su primera banda de rock. Allí fue también testigo en 1970 de la masacre que tuvo lugar en esa Universidad. Hynde se mudó en 1973 a Londres, donde, tras conocer al crítico británico de rock Nick Kent, comienza a escribir en el semanario New Musical Express. Después de varios años de intentos en falso, incluyendo los grupos Masters of the Backside y The Moors Murderers, cambia definitivamente el trabajo como crítico por la carrera musical.

The Pretenders se funda en 1978, cuando la primera oleada del punk británico da sus últimos coletazos. La banda finalmente reunida por Hynde se componía de varios conocidos suyos, músicos jóvenes procedentes de Hereford, más próximos a la estética pop, y que a pesar de haber quedado al margen de la explosión del punk en 1976, estaban ansiosos por ponerse al día.

Pete Farndon (bajo y coros) fue el primero en unirse al cuarteto, al tiempo que iniciaba una relación sentimental con Hynde. Se conocieron en la primavera de 1978 en un bar de Portobello Road a través de un amigo común, y comenzaron los ensayos juntos. Farndon había iniciado su carrera en una banda de Hereford llamada Cold River Lady, a lo que siguió un discreto paso por el grupo Bushwackers, un conjunto australiano de folk-rock. Entre sus influencias musicales se cuentan a Stanley Clarke y Jeff Beck.

James (Jimmy) Honeyman-Scott (guitarra solista) y Farndon se habían conocido en los círculos musicales de Hereford, mientras el segundo tocaba en Cold River Lady y el primero en Cheeks (junto a Chambers y al ex teclista de Mott the Hoople, Verden Allen), y fue el bajista quien le reclutó para los ensayos con Hynde. Honeyman-Scott había tocado en las grabaciones y conciertos de otros artistas como Robert John Godrey, Tommy Morrison, The Hawks o Emmylou Harris' Hot Band, y por entonces trabajaba en "Buzz Music", una tienda de instrumentos musicales en Hereford. Entre sus influencias musicales, aparte de los reconocidos Rockpile, se incluyen Cream, Allman Brothers Band, Mick Ralphs (Mott the Hoople), o Elvis Costello, a los que se añadirían, ya con The Pretenders, desde Nils Lofgren hasta Chris Spedding.

Martin Chambers fue el último en incorporarse al grupo, que ni siquiera tenía un batería fijo en el momento de grabar su primer single —«Stop Your Sobbing»— en el que interviene un desconocido músico de sesión irlandés, Jerry Mackleduff, que Hynde seleccionó después de más de una decena de audiciones. Finalmente, en el verano de 1979 Farndon y Honeyman-Scott reclutarían a Chambers, que era profesor de autoescuela en Londres0 a tan sólo unas manzanas de la vivienda de Hynde.

Primeras grabaciones (1978 – 1982)

Tras firmar un contrato con la discográfica Real Records, que escuchó una maqueta de la canción "The Phone Call", el grupo pronto atrajo la atención de la crítica con el single «Stop Your Sobbing» (enero de 1979), versión de un tema compuesto en 1964 por Ray Davies para The Kinks y producido por Nick Lowe. A éste se sucedieron Kid en junio y "Brass in Pocket" en noviembre. Este último abrió al grupo el mercado estadounidense, alcanzando el puesto 14 de la lista Billboard Hot 100.

El grupo comienza comienza durante el año 1979 una gira en la que son acompañados, como teloneros, por UB40.3 En diciembre, participan en los multitudinarios Conciertos por Kampuchea durante la sesión del día 28, junto a The Specials y The Who, y la actuación se registra tanto en el doble álbum como en el film grabados con motivo del evento.

El álbum de debut, Pretenders (Sire, 1980), fue editado en enero y resultó un enorme éxito de crítica y de ventas, tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos. El disco acabaría por ser incluido entre los mejores LPs de todos los tiempos por las publicaciones VH1 (puesto 52) y Rolling Stone (puesto 155),4 y segundo mejor LP del año por la revista Melody Maker.5 El grupo inició una gira, interpretando el álbum al completo, que incluyó dos conciertos en Nueva York en mayo6 y agosto7 de 1980, y el festival de Heatwave (cerca de Toronto), en agosto de ese año.

En marzo de 1981 se editó el EP The Pretenders, que contenía los éxitos "Message of Love" y "Talk of the Town", y una versión en directo de "Precious," grabada en Central Park7 .

El segundo LP, Pretenders II se editó en agosto de 1981. La mayoría de la crítica mostró su decepción, aunque hoy en día es considerado un gran álbum. El disco, más disperso que el anterior, incluye las canciones del EP de ese mismo año, el éxito -gracias al vídeo emitido por la cadena MTV- "Day After Day", y varios temas cercanos al AOR como "The Adultress," "Birds of Paradise," o "The English Roses". Según Hynde -en Songwriters Circle, "Talk of the Town" habla de un fan que se limita a merodear en las pruebas de sonido sin decir jamás una palabra. Chrissie jamás conversó con él, pero vino a su mente durante las giras.

Muertes de James Honeyman-Scott y Pete Farndon

A finales de 1981, cuando el grupo triunfaba musicalmente, comenzaron los problemas personales. Las relaciones de Pete Farndon con el resto de sus compañeros se fueron deteriorando durante la gira mundial que siguió a Pretenders II, a causa de la adicción del bajista a la heroína. Finalizados los conciertos -el último en Bangkok, en abril de 1982 - Hynde, Honeyman-Scott y Chambers acordaron prescindir de Farndon, que se había vuelto intratable. Crissie Hynde, que esperaba ya un hijo de Ray Davies, comunicó a su ex novio Pete la decisión de expulsarle del grupo.

Sin embargo, el propio Honeyman-Scott había aprovechado la gira para consumir todo tipo de drogas y fue quien repentinamente murió el 16 de junio de 1982, tan sólo dos días después de la expulsión de Farndon. El guitarrista fue hallado muerto por paro cardíaco en casa de un amigo, a causa de una sobredosis de cocaína. Meses más tarde, y en pleno proceso de recomposición de la banda, recibirían la noticia del fallecimiento de Pete Farndon. El bajista se ahogó en la bañera tras inyectarse heroína y perder el conocimiento el 14 de abril de 1983.

Con el tiempo, la crítica ha reconocido de forma unánime la importancia de ambos músicos en el sonido de la banda y su influencia en el rock. James Honeyman-Scott dio música a las letras de Hynde con una gran variedad de sonidos de cuerda, incluyendo arpegios, potentes acordes, cambios de ritmo o efectos de pedal que serían referente de la banda8 .

El grupo sigue adelante (1983–1987)

Hynde decidió continuar con la banda. En julio de 1982, sólo unas semanas después de la muerte de Honeyman-Scott, se pone en marcha una formación de circunstancias compuesta por Hynde, Chambers, el guitarrista de Rockpile Billy Bremner y el bajista de Big Country Tony Butler para grabar un single de regreso, "Back on the Chain Gang", obsesionado con el tema de la muerte. La canción se editó en octubre y marcó un nivel nuevo de sofisticación en la banda. El tema de ll cara B del single, "My City Was Gone," donde Hynde expresa su consternación por la polución industrial y el desbocado desarrollo comercial en su estado natal, es igualmente duro; hoy es quizá más conocido como sintonía del programa The Rush Limbaugh Show.

Hynde reformó la banda, manteniendo a Chambers y añadiendo a dos músicos profesionales: Robbie McIntosh en la guitarra y Malcolm Foster en el bajo. McIntosh ya era uno de los guitarristas favoritos de James Honeyman-Scott antes de morir éste, y un candidato a entrar en la banda . Learning to Crawl, primer álbum con esta formación, se editó en enero de 1984 con una respuetuosa acogida de la crítica.

El siguiente single, en diciembre de 1983, fue "Middle of the Road", que alcanzó el Top 20 en Estados Unidos y que la MTV emitió asiduamente. Retomando en parte el afilado sonido original del grupo, la canción trataba, entre otras cosas, de la reciente maternidad de Hynde (que había tenido en enero 1983 un hijo de Jim Kerr), la presión del estrellato, y la indiferencia de las naciones ricas frente a la apremiante pobreza en el mundo. La cara B, "2000 Miles", es la adaptación de un melancólico villancico muy popular en el Reino Unido. El resto del álbum alterna rock airado ("Time the Avenger") con baladas optimistas ("Show Me", que alcanzó el Top 30 en Estados Unidos), e incluye una versión de "Thin Line Between Love and Hate" -original de The Persuaders- con Paul Carrack de teclista invitado. La gira posterior, que incorporaba un teclista, mostró con éxito un grupo en tensión centrado en la enérgica batería de Chambers. El concierto benéfico Live Aid de 1985 fue la última actuación de esta formación.

Poco después de comenzar las sesiones de grabación del álbum siguiente, con uno de los cortes ya grabado, Hynde declaró que Chambers ya no tocaba bien y le despidió, supuestamente al contratar más horas de grabación sin comunicárselo a Chambers. Dejó también marchar a Malcolm Foster y, tras un tiempo, anunció la nueva formación compuesta por Hynde, McIntosh, el bajista T.M. Stevens y el bateria Blair Cunningham (ex-Haircut 100. En relidad, el álbum Get Close no era sino el trabajo de Hynde y McIntosh, acompañados de un batallón de músicos de sesión.

Get Close se editó en 1986. El disco incluía los éxitos "Don't Get Me Wrong" (Top 10 con un popular video de homenaje a la serie de televisión Los vengadores), y "Hymn to Her" (popularmente interpretada como un himno a Dios en clave femenina, número 8 en el Reino Unido).

Otras dos canciones, "If There Was a Man" y "Where Has Everybody Gone?" se incluyeron en la banda sonora de la película de James Bond The Living Daylights, de las que el compositor John Barry hizo una adaptación instrumental en varias escenas.

Para la gira de Get Close, la banda se reforzó con la incorporación del teclista Bernie Worrell, ex-P-Funk y Talking Heads. Sin embargo, la formación pasó por muchos problemas; dos músicos fueron despedidos, McIntosh finalmente se marchó, y el guitarrista Johnny Marr, ex-Smiths, le sustituyó para los últimos conciertos en 1987. Para entonces, estaba claro que Pretenders tenía de banda sólo el nombre, y éste era ya el mero vehículo de Chrissie Hynde.

Años 90

La actividad musical de Crissie Hynde sufrió un parón hasta 1990, cuando contrata nuevos músicos de sesión, incluidos Billy Bremner y Blair Cunningham para una sola ocasión, y edita Packed! con una pésima acogida general. Hynde es la única persona cuya imagen aparece por todo el álbum, y es el único miembro oficial del grupo. En Canadá, el principal single, "Never Do That", entra en la lista de los 40 más vendidos, llegando al puesto 26. Sin embargo no funcionó tan bien en otros mercados, llegando al 81 en el Reino Unido y sin llegar a entrar en la lista Hot 100 de Estados Unidos (aunque sí lo hizo en las listas de Modern Rock y Mainstream Rock en los puestos 4 y 5 respectivamente).

Para 1993, Hynde había formado equipo con el guitarrista Adam Seymour (ex-Katydids) para formar una nueva versión de Pretenders. Juntos seleccionaron a una serie de músicos de sesión para grabar Last of the Independents (Sire, 1994), incluyendo al bajista Andy Rourke (ex-Smiths). Pero para el final de las sesiones de grabación y la gira posterior, la formación oficial ya estaba compuesta por Hynde, Seymour, el bajista Andy Hobson y de nuevo el batería Martin Chambers. Esta formación aguantó -quizá sorprendentemente- durante más de una década sin cambios, aunque Hobson fuese sustituido con frecuencia por bajistas de sesión en muchas de las grabaciones del grupo. Algunas de ellas saldrían a la luz ya en 1993, manteniendo a la banda en candelero, como una versión del clásico de Jimi Hendrix "Bold As Love" para el popular álbum de homenaje a Hendrix "Stone Free", u otra del clásico de 10cc "I'm Not In Love" para el film "Una proposición indecente".

Cuando en 1994 se editó Last of the Independents, se encontró con un razonable éxito comercial y se convirtió en disco de oro en Estados Unidos. El principal single, "Night In My Veins" fue un hit menor en Estados Unidos, alcanzó la zona media de las listas en el Reino Unido y fue Top 10 en Canadá. El segundo single era la balada central del álbum "I'll Stand by You". La canción recibió una difusión importante, y fue Top 10 en Estados Unidos y el Reino Unido, y Top 20 en Canadá. Hynde, quizá en busca de material de éxito, compuso buena parte del álbum con el equipo de fabricantes de hits Billy Steinberg y Tom Kelly. Esta colaboración generó cierta controversia, ya que Crissie Hynde jamás había accedido a trabajar con semejantes equipos en el pasado. Hynde recalcó, sucintamente, que todos ellos eran buenos compositores, y que escribían buenas canciones, y punto.

A continuación, la banda salió de gira haciendo pequeñas actuaciones en Estados Unidos, incluyendo a veces un cuarteto de cuerda, y Hynde señalando nostálgicamente que algunos pasajes de violín eran "una excelente transcripción de un solo de guitarra de James Honeyman-Scott". Algunos de esos arreglos se conservan en el álbum en vivo The Isle of View (1995) y el correspondiente DVD, mezclados en los estudios Jacob Street, y que a veces muestran una interpretación más sofisticada y sutil de la que se aprecia en los álbumes originales. Damon Alburn (Blur) toca el piano en la grabación donde también interviene el Duke String Quartet.

Con el tiempo, Crissie Hynde se ha ido centrando progresivamente en el activismo político, apoyando con sus declaraciones al movimiento ecologista y la dieta vegetariana, y sus puntos de vista políticos y sociales infiltran muchos de las célebres composiciones del grupo.

En junio de 1989, durante una conferencia de Greenpeace en Londres, a la pregunta de qué había hecho ella para salvar el medio ambiente, Hynde replicó "ataqué McDonald's con bombas incendiarias". Al día siguiente, un restaurante McDonald's de Milton Keynes (Buckinghamshire) sufrió un ataque real de ese tipo. Aunque no hubo heridos, McDonald's amenazó con emprender acciones legales contra Hynde, que acordó por escrito no hacer públicas declaraciones explosivas contra la cadena de hamburgueserías.

Sus apariciones en la edición de 1999 del Festival de Lilith fueron enérgicas e inspiradas, incluyendo enfrentamientos entre la políticamente incorrecta Hynde y los organizadores del festival. Aunque a veces estridente, Hynde se dado a veces el gusto de frustrar expectativas ajenas, llegando a decir con displicencia que no era un icono feminista y que de hecho era simplemente "como cualquier chica a la que le gusta hablar de maquillaje en los lavabos femeninos".

Viva el Amor se editó en 1999[5 , al igual que su colaboración com Tom Jones en el álbum Reload.

Década de 2000

The Pretenders graban junto con Emmylou Harris el disco Return of the Grievous Angel: A Tribute to Gram Parsons, interpretando la canción "She". A continuación editan la recopilación Greatest Hits (2000). En 2002 sale Loose Screw en Artemis Records, con un modesto éxito comercial. Era la primera vez que un disco de la banda se editaba a través de una compañía distinta de la WEA. La revista Rolling Stone destacó su "refinamiento, melodías elegantes y despliegues vocales", mientras que Blender lo calificó de "pop ingenioso y cáustico, con destellos de brillantez".

I know that the Pretenders have looked like a tribute band for the last 20 years. ... And we’re paying tribute to James Honeyman Scott and Pete Farndon, without whom we wouldn’t be here. And on the other hand, without us, they might have been here, but that’s the way it works in rock 'n' roll. Sé que durante los últimos 20 años The Pretenders ha parecido una imitación de sí mismos... y estamos rindiendo homenaje a James Honeyman Scott y Pete Farndon, sin los cuales no estaríamos aquí. Por el contrario, aún sin nosotros, ellos deberían haber estado aquí, pero así son las cosas en el rock and roll9

Tras su entrada en el Hall of Fame, The Pretenders siguió su gira como cuarteto (Hynde, Seymour, Hobson y Chambers). En 2006, Hobson fue reemplazado por Nick Wilkinson,0 lo que supuso el primer cambio de la formación en 13 años. Poco después, Seymour dejó el grupo y fue reemplazado por James Walbourne. Ese mismo año, Rhino Records edita la colección "Pirate Radio 1979-2005" -compuesta por cuatro discos y un DVD- que abarca la carrera completa del grupo. También se editan las versiones remasterizadas de los dos primeros álbumes, que incluyen temas antes inéditos. En 2007 Rhino remasteriza tanto "Learning To Crawl" como "Get Close", de nuevo con temas extra, aunqe se venden como discos separados. La formación del grupo en 2008 sigue integrada por Hynde, Chambers, Wilkinson y Walbourne.

El álbum Break up the Concrete se edita en Shangri-La Music el 7 de octubre de 2008. Por primera vez en 22 años el grupo vuelve a entrar en el Top 40 de los Estados Unidos. Se le describe como de influencias rockabilly. Incluye los temas Boots of Chinese Plastic, Don't Cut Your Hair, Love's a Mystery, The Last Ride, y Almost Perfect.1 Acompañan a Hynde James Walbourne (guitarra), Eric Heywood (Pedal steel guitar), Nick Wilkinson (bajo) y el legendario batería Jim Keltner (sólo en el álbum). Tanto Martin Chambers como Chrissie Hynde explicaron que con este último cambio pretendían "ser leales a la música", para continuar diciendo que Keltner y Chambers son buenos amigos y se respetan mutuamente. Chambers retomó los tambores en la gira del grupo. Interpretaron varias actuaciones extraordinarias en los últimos meses de 2008, incluyendo un par de conciertos benéficos navideños.

La gira "Break Up - The Concrete Tour" comenzó en enero de 2009 y recorrerá hasta el mes de marzo la mayor parte de Estados Unidos. Se espera que durante el año se anunciarán el resto de conciertos. Como teloneros han seleccionado a un joven grupo llamado American Bang que se define a sí mismo como "rock de garaje al estilo pollo frito del Sur".

Pagina: http://www.thepretenders.com/

The Vines

The Vines es una banda australiana de Garage Rock que emergió junto a la nueva camada de rockeros alternativos como The Strokes, The Hives y The White Stripes en 2002.

Historia

Inicios

La versión original de The Vines se encontraba en los suburbios de Sydney, a mediados de los 1990s, donde Craig Nicholls, Patrick Matthews y David Oliffe se encontraron mientras estaban trabajando en un local de McDonald's. Decidieron formar una banda con Nicholls en guitarra y canto, Matthews en el Bajo y canto y Olliffe para la Batería. El grupo tocaba covers de Nirvana en eventos locales, cuando desarrollaron su propio sonido a partir del cuarto tema que Nicholls grabó. La banda decidió llamarse The Vines porque el padre de Nicholls tocaba en otro grupo que se llamaba The Vynes, donde interpretaban covers de Elvis Presley.

Highly Evolved

Su single debut no interesó mucho en su tierra nativa, pero sin embargo, firmaron con Capitol Records en el Reino Unido. Desarrollaron Highly Evolved con Rob Schnapf, que había trabajado con Foo Fighters, Beck y Elliott Smith. El single "Highly Evolved" obtuvo tan buena crítica que New Musical Express lo denominó el single de la semana en marzo de 2002. Además, el single Highly Evolved alcanzó el puesto #32 en el chart de singles en el Reino Unido y figuró en los 100 mejores singles según ARIAnet, de Australia.

El lanzamiento del álbum obtuvo un éxito más crítico cuando la banda apareció en la tapa de la revista Rolling Stone y NME. El álbum debutó en el puesto número #3 en los charts de álbumes en Reino Unido, el puesto #5 en los charts de álbumes de ARIAnet y el #11 de los 100 álbumes más pedidos según el Billboard estadounidense. La banda logró una buena notoriedad tocando en The Late Show with David Letterman y en los MTV Video Music Awards. Otros singles del álbum fueron lanzados, incluyendo "Get Free" que alcanzó el puesto #24 en Reino Unido y el puesto #44 en Australia, mientras Get Free estaba también siendo #5 en el top 100 del Triple J asutraliano de 2002. Un tercer single, "Outtathaway", también apareció en Reino Unido como #20, y en Australia como #38. Un cuarto single titulado "Homesick" se lanzó también en Australia, logrando el puesto #50. Se estima que Highly Evolved vendió 1.5 millones de álbumes en todo el mundo con la distribución de Capitol Records.

El éxito tan inmediato sumió la banda en una gran tensión, que provocó la salida de Olliffe, a quien no le gustaba salir de gira. El grupo agregó al guitarrista Ryan Griffiths y al baterista Hamish Rosser. Además de la marcha de Olliffe, Nicholls y Matthews tuvieron una pelea grave tras una actuación en Boston a finales del año 2002.

En mayo de 2003, el grupo fue al estudio en Woodstock, New York, nuevamente con Rob Schnapf en producción. Mientras Craig Nicholls había hablado sobre tener un álbum muy producido, él le contó en marzo de 2004 a la edición autraliana de la revista Rolling Stone, que el grupo decidió aplicar la filosofía del menos-es-más. Dice Criag: "Yo quise que fuese - en mis pensamientos - algo grandioso, con grandes ideas y esta visión sobre las cosas. Pero a la misma vez, eso no significa que algo no pueda ser especial si es precisamente simple. Porque yo pienso que las canciones son lo más importante".

Winning Days

Su segundo álbum, Winning Days, fue lanzado a la venta el 29 de marzo de 2004 y debutó con la posición #7 en Australia, #23 en Estados Unidos y #32 en Reino Unido.

"Ride" fue el primer single fuera del álbum , llegando al puesto #25 en el Reino Unido y el #44 en Australia. The Vines recientemente habían finalizado su gira llamada "Australian Invasion" con Jet y The Living End, que había empezado el 11 de marzo de 2004 en Houston, Texas. Un segundo single fuera de álbum, llamado "Winning Days" fue lanzado en Australia (allí no apareció en los charts) y en el Reino unido (donde obtuvo la posición #42). Se especuló sobre que "Animal Machine" debía ser el otro single para los Estados Unidos, pero sin embargo, finalmente no hubo otro single para este país a parte de "Ride".

Tiempos difíciles

Después del término del tour Winning Days, la banda se encontró con etapas duras. Winning Days no había tenido el mismo éxito en los escenarios que Highly Evolved y había conseguido una tibia, recepción por parte de crítica y público. El cantante principal, Craig Nicholls, se estaba volviendo cada vez más errático y no le permitieron hacer entrevistas a los medios después de varias malas experiencias en el tour por América.

A finales de mayo del 2004, Craig agredió a un cámara en Sydney, y en consecuencia se le presentaron cargos.

Padecimiento de un talentoso músico

El 19 de noviembre de 2004, durante el juicio en su contra por agredir a un camarógrafo durante un concierto, se reveló que Craig padece de síndrome de Asperger, una forma de autismo, detectable en la persona por poseer comportamientos insensibles, antisociales y ser un poco agresiva. The Vines podrían no volver emprender una gran gira de nuevo, por la condición en que está Craig, a pesar de que ha estado en tratamiento desde que se le diagnosticó, pero se ha especulado que darán alguna que otra actuación ocasional en conciertos, según varios diarios y entrevistas.

Vision Valley

A mediados de 2005, el grupo informó que estaban trabajando en un nuevo tercer álbum de estudio. En noviembre, Andy Kelly, el manager de la banda, anunció que habían grabado todas las canciones que estarían para el próximo álbum. La mezcla y masterización de las pistas comenzó en enero de 2006. Antes de esto, en noviembre de 2005, se supo que una de las canciones del álbum había sido descartada. Aunque la canción estaba, todavía no tenía título y no estaba completa. Andy Kelly pidió que se descartara la canción, y efectivamente fue eliminada de la lista. El baterista Hamish Rosser también emitió un comunicado pidiendo a los fans que no se distribuyera la canción por internet.

El tercer, y esperado álbum de la banda fue lanzado en abril de 2006. El 1 en Australia, el 3 mundialmente y el 4 finalmente en los Estados Unidos. El álbum fue producido por Wayne Connoll y el primer corte de difusión fue Don't Listen to The Radio.

El álbum fue una desilusión comercial, especialmente en Estados Unidos, donde debutó en la posición #136, 113 puestos menos de lo que hizo Winning Days.

- "Don't Listen to The Radio" fue lanzada como primer single del álbum y estuvo como descarga digital el 7 de marzo en iTunes.

- "Gross Out" estuvo lista para descargas digitales el 18 de marzo y fue la primera canción del álbum que se coló en internet.

- "Anysound" fue el segundo single oficial del álbum, el videoclip fue realizado por animaciones de computadora, como muñecos de plastilina.

- "Dope Train" fue el 3er single para la radio, y el 4to del álbum, fue lanzado a principios de 2007. El video fue hecho con recortes de otros videos grabados por la banda en su gira por el Big Day Out 2007.

Volviendo al camino......

Durante 2006 y 2007, la banda ha estado participando en varias pequeñas giras y conciertos en varios festivales musicales en su natal Australia (tal y como el Big Day Out), también han anunciado que están preparando algunas canciones para su próximo álbum, posiblemente lanzado antes de finalizar 2007, en el cual la banda ha estado trabajando desde el mes de Abril, casi que de incógnito, debido a que su contrato con Capitol Records venció en 2006, lo que le dejo a la banda la gran libertad de elegir la dirección artística del álbum. La banda se encuentra ahora en Los Ángeles, California, grabando su cuarto álbum (bajo la producción de Rob Schnapf, quien trabajo con ellos en "Highly Evolved" y "Winning Days"), el cual se espera sea lanzado a partir de abril de 2008, a pesar de que la banda planeaba hacerlo a finales de 2007, pero no pudieron ya que se encontraban sin disquera, y solo comenzaron las grabaciones hasta noviembre de 2007 cuando firmaron un contrato con Ivy League Records.

Melodía (2008 - Presente)

Después de firmar con Ivy League Records y abandonar a Capitol Records, The Vines regresaron al estudio a mediados de noviembre de 2007, con el productor de Highly Evolved y Winning Days, Rob Schnapf, en Los Ángeles para comenzar la grabación de su cuarto álbum de estudio, Melodía.

Las grabaciones del bajo y la batería fueron incluidas en las 15 canciones en el cuarto álbum que fue completado en diciembre de 2007, durante un truco de grabación de 5 días. En marzo de 2008, NME divulgó que el cuarto álbum de estudio de The Vines había sido completado durante la semana que comienza el 3 de marzo de 2008, con una tentativa fecha de salida en junio de 2008 para Australia. El líder de la banda, Craig Nicholls declaro que cinco de los estudios principales de los Estados Unidos habían entrado en su estudio de grabación para escuchar el álbum. Agrego diciendo les gustó lo que oyeron. No menciono cual de los estudios fue.

En una entrevista el 25 de marzo de 2008, Craig Nicholls declaro a la revista Guitar World magazine que el grupo hará una pequeña gira europea antes del volver al estudio para terminar el álbum en 2008. Mencionó también que la gira se llamaría " Braindead 08 Tour".

En una entrevista en los Premios MTV de Australia, Nicholls dijo que su siguiente álbum probablemente sería lanzado el 12 de julio de 2008.

El primer sencillo para el álbum, "He’s A Rocker", se hizo disponible en su página en MySpace a principios de Junio.

En la mañana del 23 de mayo de 2008, se anunciaba que el nuevo álbum de la banda seria lanzado el 12 de julio, titulado Melodía, lanzado a través del sello alternativo Ivy League Records en Australia, Cooking Vinyl en el Reino Unido y BMG en Japón. El sencillo "He’s A Rocker" se puso en disponibilidad en la tienda itunes el 3 de junio con dos canciones extra. Considerando sus apariciones recientes en Estados Unidos en pequeños lugares en el South By South West y las entrevistas recientes dadas por la banda, causaron grandes expectativas para una posible gira europea al mismo tiempo del lanzamiento del álbum.

A pesar de las críticas y recibimiento mezclados entre buenas y malas opiniones, el álbum encabezó el ranking Indie de ventas en Australia, haciéndose de un puesto 12 en el ranking oficial de la ARIA durante su primera semana. Para promocionar el álbum, solo en Australia, fueron posteriormente lanzados como sencillos "MerryGoRound" (solo para la radio) y "Get Out".

Durante el tour de soporte para el nuevo álbum en Octubre del mismo año, el estado mental de Nicholls comenzó a deteriorarse peligrosamente, obligando a la banda a cancelar una de sus presentaciones, posteriormente cancelando las restantes del tour, además de las apariciones en el Big Day Out y Homebake y un segundo tour en Japón, debido a recomendaciones psiquiátricas dadas para Nicholls, por lo cual es incierto cuando la banda retomará actividades, aunque se especula que comenzarán a trabajar en un nuevo álbum durante mediados de 2009.

Pagina: http://www.thevines.com/

Basshunter

Basshunter es el nombre artístico del músico y DJ sueco Jonas Erik Altberg, nacido el 22 de diciembre de 1984 en Halmstad, Suecia. Basshunter clasifica su propia música como eurodance, aunque también es clasificada por otros expertos como eurotrance o Hands Up!. Basshunter es dirigido por el antiguo agente de Warner Music Henrik Uhlman, y en Estados Unidos es representado por Mayar Zokaei.

Se hizo famoso con sus canciones "Boten Anna" y "Vi sitter i Ventrilo och spelar DotA". Altberg fue diagnosticado con el síndrome de Tourette. Cuenta que le costó mucho superarse siendo consciente de su condición.

Además, Basshunter es un gran Jugador de DotA y pertenece al clan AnL.

Biografía

Jonas Altberg nació el 22 de diciembre de 1984 en Halmstad, Suecia. Vivió con sus padres y su hermano pequeño cerca de Tylösand, una famosa playa de Suecia.

Carrera profesional

1999-2004: Los comienzos

Jonas Altberg empezó a producir música en 1999 bajo el nombre artístico de Basshunter con el programa Fruity Loops, y lanzó su primer álbum, The Bassmachine en 2004 a través de su propia página web. Su interés en la música aumentaba conforme Albert progresaba en sus temas. Después de que varias canciones fueran propagadas por internet, empezó a recibir llamadas de clubes que querían contratarlo como Dj.

2004-2006: Primer álbum discográfico

En abril de 2006 firmó su primer contrato con Warner Music, lanzando su primer sencillo, "Boten Anna". En Escandinavia, la canción se convirtió en un éxito sin precedentes y fue la primera canción en idioma sueco en llegar al número uno de la lista de éxitos Dutch Top 40. Su álbum debut con la compañía discográfica, LOL <(^^,)>, se colocó en las listas de toda Europa, lanzándolo a la vanguardia de la música dance. Cuando Basshunter alcanzó los 50.000 amigos en MySpace, lo celebró lanzando "Beer in the Bar - MySpace Edit" y chateando vía webcam con sus fans.[cita requerida]

2007-presente: El salto a la fama

El año 2007 fue una preparación para darse a conocer mundialmente. En este año firmó un contrato con la compañía discográfica Hard2Beat y grabó el que sería su álbum más exitoso, Now You're Gone - The Album, lanzado en verano de 2008. Fue producido por él y Scott Simons, con un estilo predominantemente eurodance. El sencillo Now You're Gone, que utiliza la misma melodía que Boten Anna, fue presentado antes que el álbum y alcanzó el número uno en Irlanda, Estados Unidos y Reino Unido. Desde que Hard2Beat colgó el video en YouTube, ha sido visto más 60 millones de veces, recibiendo varios honores, entre los que se encuentran: el tercer video más comentado en el Reino Unido, el segundo video musical más visto en el Reino Unido y globalmente, el #33 en reproducciones.[cita requerida] Al éxito de Now You're Gone, le siguieron el de All I Ever Wanted, que utiliza la melodía de Vi sitter i Ventrilo och spelar DotA, número uno en Irlanda y número dos en el Reino Unido, y Angel In The Night, top 10 en Irlanda

El éxito del álbum ha producido su nominación en las categorías de mejor artista electrónico y artista del año en los premios BT Music Awards.

Pagina: http://www.basshunter.se/

The Fireman

The Fireman es el nombre dado al grupo de música electrónica creado por el músico británico Paul McCartney y el productor y miembro de Killing Joke Youth.

A pesar del espíritu experimental de Paul McCartney tanto dentro del grupo The Beatles como a lo largo de su carrera en solitario, el verdadero precedente a la formación de The Fireman tuvo lugar con la remezcla del tema "Hope of Deliverance", del álbum de 1993 Off the Ground, con el que se introdujo en la música dance.

En 1993, The Fireman publicó su primer álbum de estudio, Strawberries Oceans Ships Forest, seguido cinco años después por la publicación de Rushes. En ambos trabajos no figuran los nombres de los dos componentes del grupo, lo cual contribuyó a su escasa recepción crítica y comercial. En 2000, Youth también tomó parte del proyecto en solitario de McCartney Liverpool Sound Collage a petición de Peter Blake para una exposición artística.

En junio de 2008, McCartney cedió el tema "Lifelong Passion (Sail Away)" a una cena benéfica de la organización Adopt-a-Minefiled, con el fin de recaudar fondos destinados a la eliminación de minas antipersona. El tema sirvió de precedente para la publicación del tercer álbum de The Fireman, Electric Arguments, el 25 de noviembre de 2008, el primero en el que Paul McCartney aportó voces para complementar las grabaciones previamente instrumentales de los dos anteriores álbumes de estudio.

Pagina: http://www.thefiremanmusic.com/

Dave Matthews Band

Dave Matthews Band (también conocidos por el acrónimo DMB) es una banda de rock y jazz rock formada en el año 1991 en Charlottesville, Virginia, por el cantante, compositor y guitarrista Dave Matthews.

Son miembros de la banda el saxofonista LeRoi Moore (ya fallecido), el bajista Stefan Lessard, el violinista Boyd Tinsley y el baterista Carter Beauford. Desde 1998 hasta mayo de 2008 la banda contó con la presencia del teclista Butch Taylor durante las presentaciones en vivo y en el año 2005 se integró el trompetista Rashawn Ross, aunque ambos músicos no están incluidos entre los miembros oficiales del grupo.

De acuerdo a la RIAA, Dave Matthews Band vendió alrededor de 31 millones de unidades solo en los Estados Unidos, lo que los coloca entre los 100 artistas más vendidos de la historia.

Historia

En noviembre de 1990 David John Matthews trabajaba como bartender en el bar Miller's, de Charlottesville en Virginia, lugar donde conoció al abogado Ross Hoffman, quien era dueño de un estudio de grabación. Matthews, un tanto reacio a tocar en vivo, fue convencido por Hoffman para completar algunas canciones que tenía inconclusas y grabar un demo.

En 1991, después de grabar «Recently», «The Song That Jane Likes», «I’ll Back You Up», y «The Best Of What’s Around», Dave Matthews se contactó con los músicos de jazz LeRoi Moore y Carter Beauford para grabar otro demo, ambos aceptaron la propuesta de Matthews y comenzaron a trabajar juntos en sus tiempos libres.

John D’earth, un músico local y director de la orquesta de la Universidad de Virginia que había tocado junto a Moore con anterioridad, recomendó para la banda a un joven bajista de 16 años, alumno suyo en el Tandem Friends School, colegio en el cual D’earth daba clases de música. Stefan Lessard, el joven en cuestión, aceptó colaborar en la grabación del nuevo demo.

Peter Griesar, empleado en el mismo bar que Dave, que también formaría durante algún tiempo parte de la banda, sería el siguiente en unírseles como teclista, una vez en que el bar había quedado vacío debido a una inspección y la banda lo utilizó para practicar. La última vez que Peter estaría en un show con ellos sería en marzo de 1993. Boyd Tinsley fue el último en unirse a la banda. No contaba con mucho tiempo para ella ya que manejaba otras también. Aun así confirmó su participación al grabar junto con el resto de la banda, menos Peter, el demo. Boyd tendría tiempo completo para la DMB tan solo a mediados de 1992. Desde ahí empezarían con los trabajos más serios. Un miembro no reconocido de la banda lo fue Butch Tylor, quien hace de teclista, desde que Peter abandonó la banda.

El primer demo, que constaba de las canciones The Song That Jane Likes, Recently, y Triping Billies, estaría listo a principios de 1991, con la participación de todos los integrantes, excepto Peter. Boyd, sin embargo, solo participaría en Triping Billies.

Gira por Sudamérica

En el año 2008, la banda realizó el "Dave Matthews Band South American Tour", gira durante la cual llevaron a cabo cuatro conciertos, tres de ellos en Brasil y el restante en Argentina. Durante estas presentaciones la banda contó con la participación de Jeff Coffin, saxofonista de Béla Fleck and the Flecktones, quien remplazó a LeRoi Moore, fallecido poco tiempo antes de comenzar este tour, además de Tim Reynolds en guitarra eléctrica y Rashawn Ross en la trompeta.

Brasil

Realizaron una presentación en Manaus el día 26 de septiembre, la segunda fue en Sao Paulo el 28 de septiembre y la tercera y última realizada en ese país fue la de Río de Janeiro, el 30 de septiembre.

Argentina

La presentación de Dave Matthews Band en la Argentina, primera de la banda en ese país, se realizó el día viernes 3 de octubre de 2008 en el Club Ciudad de Buenos Aires, en el marco del Pepsi Music Festival que en esa edición contó con la participación de 160 bandas, entre ellas Nine Inch Nails, The Cult, Stone Temple Pilots, The Hives, Mötley Crüe y músicos uruguayos como El Cuarteto de Nos y argentinos como Fito Páez y Babasónicos.

En dicha oportunidad la banda actuó ante 12000 personas que los ovacionaron. Al comienzo del segundo tema, un corte de energía dejó sin sonido a la banda, quienes a pesar de no poder ser oídos por medio de los altavoces siguieron tocando hasta que el audio retornó. Durante esos minutos Dave Matthews bajó del escenario y se dirigió a saludar al público que estaba ubicado en cercanías del vallado de seguridad.

El desperfecto técnico llevó a quienes presenciaban el show a entonar, como muestra de descontento ante la situación, un canto que reiterada e irónicamente decía “Coca Cola, Coca Cola” en alusión a la marca rival de la empresa auspiciante del evento.

Pagina: http://www.davematthewsband.com/

Girlschool

Girlschool es una banda británica de heavy metal conformada solo por mujeres, originarias del movimiento NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal).

Disfrutaron algún éxito comercial a inicios de los ochenta, aunque en la actualidad tienen una sólida base de fanáticos y son la inspiración de muchas bandas de rock conformadas solo por mujeres.

Biografía

En Diciembre de 1978, lanzaron su primer sencillo, "Take it all away", que causó interés en el equipo de Motörhead, lo que hizo que Girlschool acompañara a dicha agrupación en la gira de su disco Overkill, en 1979. Su primer álbum vio la luz al año siguiente, y se tituló Demolition. De él se desprendieron los exitosos singles "Emergency" y "Race with the Devil". Este éxito comercial las llevó a girar con bandas como Uriah Heep y Black Sabbath.

En 1981 se reunieron de nuevo con Motörhead, para grabar el sencillo "Please Don’t Touch", que hizo parte del disco Hit and Run, y las llevó a salir nuevamente de gira, esta vez con Rush.

A partir de ese momento, empezaron a presentarse algunos cambios en la alineación. En 1983 lanzaron el disco Play Dirty, que tuvo buena acogida en los Estados Unidos.

Después vinieron dos discos más, Running Wild de 1985 y Girlschool de 1992, acompañados de su respectiva gira.

Actualidad

En el 2000 se lanzó el álbum Not that Innocent. Desde entonces han hecho presentaciones en festivales y giras, con artistas como Alice Cooper, Twisted Sister, y girando nuevamente con Motörhead.

Por seis años, la vocalista y guitarrista Kelly Johnson luchó contra el cáncer antes de su muerte, el 15 de julio de 2007.

Pagina: http://www.girlschool.co.uk/

Gipsy Kings

Los Gipsy Kings (Reyes gitanos en inglés) son una formación musical francesa de rumba catalana, una mezcla entre flamenco, pop y varias tradiciones de canción ligera. Las dos familias de sus integrantes huyeron de Cataluña durante la guerra civil de España, como muchas otras, para instalarse en Francia.

Sus primeros singles fueron "Djobi Djoba" y "Bamboleo", muy populares en Francia a pesar de las críticas de los puristas del flamenco. Su álbum Gipsy Kings tuvo éxito en varios países de Europa, especialmente en Francia e Inglaterra. En 1989, Gipsy Kings obtuvo reconocimiento en Estados Unidos y aguantó cuarenta semanas en las listas de éxitos, cosa que muy pocos álbumes en español habían hecho. Otros álbumes son Estrellas, Mosaique, Love & Liberte y Este mundo. Su adaptación de la canción "Hotel California" fue parte de la banda sonora original de la película El Gran Lebowski.

Los miembros de Gipsy Kings pertenecen a dos familias emparentadas: los Reyes y los Baliardo, estos últimos emparentados con el artista flamenco Manitas de Plata. Sus nombres son:

Pagina: http://www.gipsykings.com/

Gov't Mule

Gov't Mule (Government of the Mule) es una banda de blues/rock/fusión/jam nacida en principio en 1994 como un proyecto a parte de The Allman Brothers Band, pero sigue activa aún. Como muchas "jam bands", es bastante conocida en circuitos concierteros porque está continuamente girando.

En 1997, debido a que los Allman Brothers estaban parados discográficamente, Warren Haynes (voz y guitarra) y Allen Woody (bajo) lo dejaron para concentrar todo su tiempo en Gov't Mule, junto con el baterista Mat Abts.

Con la repentina muerte de Allen Woody en el año 2000, la banda empezó a contar con numerosos bajistas invitados durante sus giras, culminando con la salida de su 2º disco de estudio, grabado con múltiple bajistas.

Finalmente se unieron el teclista Danny Louis y el bajista Andy Hess, y los cuatro continúan aun de gira y grabando algún que otro disco.

Pagina: http://www.mule.net/

Graham Bonnet

Graham Bonnet (23 de diciembre de 1947, Lincolnshire, Inglaterra), es un vocalista de Rock que ha pertenecido a bandas como Rainbow, Michael Schenker Group, Impellitteri y Alcatrazz.

Carrera

En 1979 es elegido por Ritchie Blackmore para reemplazar a Ronnie James Dio en la banda Rainbow, para el disco Down to Earth, que alcanzó dos grandes éxitos para la agrupación, las canciones All Night Long y Since You Been Gone. Su experiencia en Rainbow fue bastante corta. Luego, inicia su carrera como solista, sacando al mercado el disco Line Up en 1981.

Más tarde se une a la agrupación de Michael Schenker, donde aparece solamente en el disco Assault Attack. Luego forma Alcatrazz junto al virtuoso guitarrista sueco Yngwie Malmsteen. La banda logró reconocimiento, especialmente en oriente.

Bonnet también ha pertenecido a las bandas Blackthrone (junto a Bob Kulick), Pretty Maids e Impellitteri, alternando estas colaboraciones con algunos trabajos en solitario.

Graham Bonnet tuvo una carrera intermitente. Su primer hit fue con el dúo The Marbles en 1968, con el single “Only One Woman”, el cual llegó al puesto número 5 en el Ranking Inglés de Singles.

Bonnet se dedicó entonces a hacer jingles publicitarios. En 1974 apareció en cine en la comedia británica Three For All como cantante de ‘Billy Beethoven’, una banda de ficción, acompañado de varias notables personalidades de la comedia inglesa y de su entonces compañera Adrienne Posta, sin embargo las líneas de su personaje se limitaban a solo dos palabras.

En 1977 lanzó su álbum debut, el cual fue disco de oro en Australia. El single, “It’s All Over Now Baby Blue”, un cover de la canción de Bob Dylan, también alcanzó el top 5 en Australia en 1977, y el año siguiente el single “Warm Ride”, escrito por los Bee Gees, y que había quedado de las sesiones de Saturday Night Fever, alcanzó el número uno allí.

Elegido por Ritchie Blackmore para reemplazar a Ronnie James Dio en las filas de Rainbow, cantó en el álbum Down To Earth, el cual tuvo dos hit singles en 1980; “Since You Been Gone” y “All Night Long”. Bonnet también estuvo con el grupo encabezando la inauguración del festival Monsters Of Rock en el Parque Donington, en Castle Donington.

El tiempo de Bonnet con Rainbow fue corto, y deja la banda para retomar su carrera solista, lanzando el álbum Line Up en 1981, acompañado del productor John Eden. Para la grabación de Line Up Bonnet reunió varios músicos de rock bien conocidos incluyendo a Jon Lord tecladista de Deep Purple y Whitesnake, Cozy Powell baterista de Whitesnake y Rainbow, Francis Rossi Guitarrista de Status Quo, Micky Moody guitarrista de Whitesnake y al bajista Gary Twigg. En esta época Bonnet cantó en un aviso de Jeans Levi´s (la canción se llamaba “This Eyes”), sin embargo nunca ha sido editada.

Tentado por un ofrecimiento de Michael Schenker ex guitarrista de UFO, Bonnet se une a Michael Schenker Group para el álbum Assault Attack. Bonnet por entonces co-funda Alcatrazz, con Gary Shea (bajo) y Jimmy Waldo (teclados) de la banda New England, Jan Uvena baterista de Alice Cooper y el guitarrista sueco Yngwie Malmsteen. La banda tuvo un gran suceso en Japón con No Parole From Rock N’ Roll en 1983, Live Sentence, Disturbing The Peace con el nuevo guitarrista Steve Vai (ex Frank Zappa) y Dangerous Games con Danny Johnson en guitarra. El último álbum incluía un remake de “Only One Woman” de The Marbles.

Alcatrazz se separó en 1987. Bonnet volvió a formar Alcatrazz recientemente con tres nuevos musicos. Shea, Uvena y Waldo también se han reunido como Alcatrazz.

Los proyectos de Bonnet posteriores a Alcatrazz han sido de corta vida e incluyen Blackthorne (trabajando con Bob Kulick ex guitarrista de Balance), algunos coros para Pretty Maid banda danesa de heavy metal en su disco Future World y numerosas sesiones para Forcefield, apareciendo en To Ozz And Back y en Let The Wild Run Free. En 1988 el cantante se unió a Impellitteri, para su álbum Stand In Line.

En una aparición en la adaptación musical de Wind In The Willows de Eddie Hardin y Pete York, presentada en vivo en Alemania en 1991, se lo puede ver a Bonnet cantando en seis de las canciones acompañado por Jon Lord, Don Airey y Ray Fenwick entre otros. Fenwick y Airey también tuvieron una participación importante en el álbum de 1991 de Bonnet como solista Here Comes The Night que incluye varios covers como así también canciones escritas por su esposa Jo Eime, y otro remake de “Only One Woman” de The Marbles.

En 1997 lanzó Underground, un nuevo álbum solista, que lo llevó a reencontrarse con sus fans de Japón. The Day I Went Mad de 1999 presentaba al guitarrista Slash, de Deff Leppard al guitarrista Vivian Campbell, Bruce Kulick y al guitarrista Mario Parga.

Bonnet contribuyó con sus voces en el 2000 para la banda japonesa Anthem en su disco Heavy Metal Anthem, el cual incluía nuevas versiones de los clásicos de la banda. Bonnet volvió a juntarse con Impellitteri en el 2000 para su álbum System X. Mientras tanto su álbum de 1999 editado en Japón tuvo su lanzamiento en Inglaterra en el año 2001.

Al final del 2001, Bonnet hizo un tour solista por Inglaterra. Su banda incluía al tecladista Don Airey, al bajista Chris Childs y al baterista Harry James de Thunder y al guitarrista Dario Mollo.

A principios del 2004 Bonnet se unió al guitarrista Dario Mollo en su nuevo proyecto Elektric Zoo, girando por Europa durante el mes de Abril. Manteniendo la conexión italiana, el cantante también participó junto a Matteo Filippini en su proyecto Moonstone, en el tema “Not Dead Yet”.

En el 2006 Bonnet contribuyó con las voces en el álbum Welcome To America de Taz Taylor. El siguiente año estuvo de gira por Inglaterra con Taylor. Un alcohólico en recuperación, Bonnet mostró en escena durante esta gira que ha estado sobrio desde 2004.

Pagina: http://www.bonnetrocks.com/

La Mississippi

Comenzaron tocando blues y cantando en inglés bajo el nombre "Mississippi Blues Band". Editaron el primer disco, "Mbugi" ("endiabladamente bueno" en congoleño, 1993) que fue muy bien recibido: 20.000 copias vendidas. Pero se dieron cuenta de que «cantábamos en inglés, pero tocábamos en castellano», explica Tordó. Acortaron su nombre a simplemente La Mississippi y entonaron en "porteño".

En el segundo álbum, "Bagayo" (1995), se atrevieron a abrirse un poco más, a salir de la ortodoxia del blues, para incursionar en historias verdaderas, cercanas y, principalmente, contadas en castellano. Este LP incluye el poema "Nocturno a mi barrio", de Aníbal Troilo. Ese año participaron del Blues Festival, organizado en Obras, junto a glorias como Jeff Healey y Paul Rodgers.

Con el cuarto álbum, "Cara y ceca" (1997), la Mississippi festejó los nueve años de vida incursionando en otros ritmos latinos y litoraleños, más algún toque de jazz. «Este disco -asegura Tapia- nos ayudó a colocarnos bien dentro de la cultura del rock nacional, porque resulta evidente que se plasmó la idea de hacer un blues con indentidad argentina».

Hacia finales del 2001, el sello Quatro K Records editó "Bit Hippie", un trabajo de estudio que resume «la combinación Mississippi + micrófonos de más de 30 años + tecnología digital, corazón valvular y vinos de primera línea», según lo explicó Ricardo Tapia.

"Sietevidas" fue editado por Quatro K Records en el 2003. Luego de recorrer el interior del país y varias plazas del Gran Buenos Aires, La Mississippi presentó el material en La Trastienda, en julio de 2004. Los shows marcaron el debut de del nuevo tecladista, Gastón Picazo (de sólo 22 años), quien reemplazó a Miguel "Chucky” De Ipola, que emigró a Los Piojos.

"Buenos Aires Blues" (2005) es un material grabado en forma de demo, con canciones propias y covers cantados en castellano y en inglés. Los primeros 6 temas de la placa habían sido grabados en mayo de 1992 con la idea de conseguir algún contrato discográfico (que luego firmarían con Del Cielito Records) y los otros dos corresponden a tomas de los años '89 y '91, encontrados en los archivos caseros de la banda.

Discografía:

Mbugi, 1991
Bagayo, 1995
Classic, 1996
Cara y ceca, 1997
Palacio de pulgas, 1999
Yo estuve ahi - En vivo, 2000
Bit Hippie, 2001
Sietevidas, 2003
Buenos Aires Blues, 2005
Amor y paz, 2006

Formación:

Claudio Cannavo: bajo eléctrico, coros
Gastón Picazo: piano y teclados
Gustavo Ginoi: guitarra eléctrica y coros
Juan Carlos Tordó: batería, percusión y coros
Marcelo Zeta Yeyati: saxo tenor y flauta
Ricardo Tapia: voz, armónica y guitarra

Ex integrantes:

Eduardo Introcaso: saxo alto
Miguel Chucky De Ipola: teclados

Pagina: http://www.lamississippi.com.ar/

Grace Jones

Jones destaca por su sofisticada imagen y una apariencia perturbadoramente andrógina que a finales de los años 70 y principios de los 80 cuestionaba agresivamente tanto los estereotipos raciales como los sexuales y de género asociados al cuerpo de una mujer negra.

Vida personal

Grace Mendoza nació en 1948 en Jamaica y con pocos años se trasladó a Syracuse (Nueva York), donde estudió teatro en la Syracuse University. Posteriormente inició su carrera como modelo contratada por la agencia Wihelmina, pero su físico no encajaba bien en el mercado estadounidense así que la agencia pronto la envió a Europa donde el mundo de la moda se rindió a sus pies. Su particular androginia (en muchas ocasiones se rumoreó falsamente que era una mujer transexual) la ayudó a hacerse un nombre en las pasarelas de París copando las portadas de revistas como Elle o Vogue.

A finales de los setenta, comenzó a frecuentar locales como la mítica discoteca Studio 54, donde entabló amistad con Andy Warhol y se convirtió en una estrella de la noche neoyorquina.

Durante los años ochenta mantuvo una relación sentimental con el diseñador y creativo francés Jean Paul Goude. Su único hijo, Paulo, es fruto de esa relación. Más adelante estuvo en pareja con el actor Dolph Lundgren.

Carrera musical

Su carrera musical se inició en plena fiebre de la música disco, con una imagen extremadamente elaborada. Sus primeros managers en el mundo de la música fueron Simon y Eileen Berlin, quienes contrataron al diseñador Richard Berstein (por sugerencia de amigos comunes como Andy Warhol y el agente de prensa John Carmen) para crear impactantes primeros planos que salieron en las portadas de sus primeros sencillos en la firma Beam Junction y los tres primeros álbumes en la Island.

Jones alcanza enormes éxitos en la comunidad gay como su ambiguo I Need A Man. Su marido Jean Paul Goude relató que la vio por primera vez fue cantando Necesito un hombre en una discoteca gay: «Una mujer que parecía un hombre, cantando 'necesito un hombre' para un público enfervorecido de hombres gays».

Grace Jones pronto se vio convertida en una de las figuras centrales de la música disco y firme sucesora de la reina indiscutible del género, Donna Summer. En 1977 grabó su primer álbum, Portfolio, un trabajo orientado hacia la música disco que incluía una particular versión del clásico francés La vie en rose. En 1978 grabó su segundo trabajo, Fame y en poco tiempo logró convertirse en musa de la cultura gay, realizando en 1979 su propio show en directo, Queen of the Gay Discos.

Con el declive del estilo disco, Grace dio un giro radical a su carrera al iniciar una acertadísima colaboración creativa con Sadkin y Blackwell en Island Records creando un sonido muy único que se apoyaba en el dub reggae. Las míticas sesiones de los estudios Compass Point darían paso a verdaderas joyas musicales como el innovador Warm Leatherette o la que se considera su obra cumbre Nightclubbing. En 1981 su creciente estrellato se confirmó cuando ganó un premio Grammy por el innovador video musical A One Man Show (también conocido como State of Grace) que dirigió su marido Jean Paul Goude basándose en el innovador espectáculo que Grace llevó a Londres y Nueva York.

Su siguiente trabajo, Living My Life, continuó en la línea de dub-reggae aportándole considerables éxitos como Nipple To The Bottle, The Apple Stretching y My Jamaican Guy, esta última escrita por ella y muy sampleada a lo largo de los años.

A mediados de los 80, abandono la que había ido su discográfica de toda la vida para trabajar junto a Trevor Horn en el collage conceptual-musical Slave to the Rhythm (1986), un nuevo cambio de dirección que la llevaría hacia la música R&B y hip-hop. El extraordinariamente bien recibido álbum consistía en varias remezclas de la canción que daba nombre al mismo intercaladas con samplers, especialmente la voz de su marido Jean Paul Goude relatando su biografía.

El siguiente año abandonó definitivamente el sello Island y grabó con Nile Rodgers Inside Story (1986) para el sello Manhattan, un álbum que le proporcionó su último éxito en el US Hot 100 hasta la fecha: I'm Not Perfect (But I'm Perfect For You), aunque tuvo una acogida pobre.

En 1989 publicó en el sello Columbia el que hasta la fecha es su último trabajo, Bulletproof Heart. Un peculiar canto del cisne que le dio el número 1 en la lista US club hit: Love on Top of Love - Killer Kiss. Producido por David Cole y Robert Clivilles de C+C Music Factory, este álbum se adentraba más aún en los ritmos R&B y hip-hop.

Desafortunadamente, el que habría sido su nuevo disco se vio truncado por desacuerdos con el productor, el músico de Bristol Tricky, en cuya discográfica Durban Poison debería haber salido. En una entrevista concedida para la revista Mirror de Montreal Grace Jones declaró que el álbum iba a ser «techno y jungle con muchos remixes dance».

Para el verano de 2008 tiene prevista la publicación de un nuevo disco llamado Hurricane, el que sería su primer disco en 19 años.

Carrera cinematográfica

En 1973 debutó como actriz en la película Gordon's War, pero su debut en grandes producciones llegó en Conan el destructor (John Milius, 1984), donde encarnaba a la brutal guerrera Zula. Su agresividad en el plató fue tal que Arnold Schwarzenegger, protagonista de la película, se quejó en repetidas ocasiones de su exceso de dureza y la dificultad de trabajar con alguien tan agresivo.

En 1985 intervino en una película de la saga de James Bond, Panorama para matar y pese a que para muchos sigue siendo la chica bond menos sexy de la historia, su particular físico encajó perfectamente como la malvada y letal May Day.

Poco después su carrera se estancó en largometrajes de escasa entidad como Vamps (1986), una producción de vampiros destinada al público juvenil o la comedia Siesta (1987). También en esta época protagonizó el anuncio de la nueva versión del Citroën CX, el llamado Serie 2, donde se identificaba la personalidad de Jones con la del propio coche, como quedaba reflejado en el eslogan final «la bestia salvaje», además de ofrecer un concepto visual vanguardista.

El resto de su carrera actoral, a excepción de su rol secundario en la fracasada comedia de Eddie Murphy Boomerang, el príncipe de las mujeres (1992), ha transcurrido en títulos destinados a la televisión y el vídeo tan poco memorables como Cyber Bandits (1995), La isla de McCinsey (1998) o Palmer's Pick Up (1999).

En los últimos años ha intervenido como actriz en diversas series o miniseries como Shaka Zulu: The Citacel (2001).

Carácter provocador

Su fuerte personalidad también le ha pasado factura en muchas ocasiones. La más sonada fue en 1981, un polémico episodio en la televisión británica en el que abofeteó en directo al presentador Russell Harty porque le había dado la espalda para hablar con otro invitado. También en 1998 la expulsaron de una actuación en Disneylandia tras enseñar uno de sus pechos.

En la televisión chilena, no fue menor su manera de llamar la atención, en el programa “Vamos a Ver” conducido por Raúl Matas, que se transmití­a en Televisión Nacional de Chile (TVN). Grace hizo la gracia de comerse unas plantas que formaban parte de la escenografía.

En una encuesta de la revista "Men's Health", los lectores masculinos declararon a Grace Jones (junto a Hillary Clinton, RuPaul y, por supuesto, "mi madre") la mujer que más les asustaba.

Apareció en la revista Playboy en septiembre de 1987.

Pagina: http://www.theworldofgracejones.com/

Ian Anderson

Ian Scott Anderson (nacido el 10 de agosto de 1947 en Dunfermline, Fife, Escocia) es un cantante, compositor, flautista y guitarrista escocés, conocido por ser el líder de la banda de rock Jethro Tull.

Como flautista, Anderson es autodidacta y su estilo fue inspirado por el también flautista Roland Kirk. Sobresalen sus solos en "My God" (Aqualung), Bursting Out y "Bouree" (Living in the Past). Además de la flauta, toca otros instrumentos (ha empleado, por ejemplo, el bajo en el álbum Stormwatch, de Jethro Tull). La lista de instrumentos que ha tocado con su banda es amplia: incluye flauta, guitarras acústicas y eléctricas, bajo, saxofón, órgano Hammond, batería, teclados, trombón, gaita escocesa, gran variedad de silbatos (flautines) y violín.

Como compositor, Anderson se caracteriza por sus (frecuentemente cínicas) canciones sobre Dios, el cristianismo, la Navidad y el solsticio de invierno, especialmente en los álbumes de su banda, Jethro Tull, Aqualung y The Jethro Tull Christmas Album.

Biografía

Inicios

Hijo de un director de hotel, pasó la mayor parte de su infancia en Edimburgo, cuya influencia ha dominado su carrera musical desde entonces.

Su familia se mudó a Blackpool en el Noroeste de Inglaterra en 1959, donde cursó estudios secundarios antes de estudiar Bellas Artes.

Siendo un adolescente, trabajó como dependiente en unos almacenes de la cadena Lewis en Blackpool, siendo más tarde vendedor de una nueva sección. Más tarde diría que el leer ejemplares de las publicaciones musicales Melody Maker y News Musical Express le dio la inspiración para tocar en un grupo.

En 1963 formó The Blades con sus compañeros de estudios Barriemore Barlow (batería), John Evan (teclados), Jeffrey Hammond (bajo) y Michael Stephens a la guitarra. Fue una banda de soul y blues con Anderson a las voces y la armónica.

Para 1965 el grupo se había convertido en The John Evan Band con una formación mayor. Se disolvió en dos años cuando Anderson tuvo que moverse a Luton. Allí conoció al baterista Clive Bunker y el guitarrista Mick Abrahams procedentes de McGregor's Engine. Junto con Glenn Cornick, un bajista que había conocido a través de John Evan, creó el primer germen de que sería su grupo para los siguientes 40 años: Jethro Tull.

Para entonces, ya había abandonado su idea de tocar la guitarra eléctrica. Se decantó por la flauta tras varias semanas de pruebas; pensó que podía tocarla bien dentro de un estilo blues y rock. Con esa incipiente afición grabaría su primer disco con Jethro Tull, el álbum This Was. No por ello abandonó la guitarra clásica siendo uno de los pocos rockeros en darle vida propia al instrumento de cuerdas de nylon. En su dilatada carrera musical iría añadiendo nuevos instrumentos tales como la mandolina, el saxofón, los teclados u otros más.

Su famosa pose de tocar sobre una pierna vino por accidente: había estado tocando sobre una pierna la armónica para poder sujetar con la otra el pie del micrófono y un periodista le describió por error como el flautista que tocaba sobre una pierna en el Marquee londinense. Decidió aprovechar esa fama aunque con cierta dificultad al principio. Más tarde se sorprendería al ver imágenes de varios iconos divinos tocando la flauta sobre una pierna como Krishna y Kokopelli.

Carrera musical

Aun a pesar de haber publicado un pequeño número de aclamados discos y de haber hecho innumerables apariciones con otros artistas, siempre se le ha identificado como el líder de Jethro Tull.

Su imagen, fuera de dudas, ha estado ligada a dicha formación con la que ha sido estandarte de la cultura rock. Habiendo tomado inspiración en el folclore inglés también ha aparecido a veces como astronauta, pirata o vagabundo, amén de sus clásicos juglares medievales, escudero inglés o campesino escocés.

Como flautista Anderson es autodidacto: su estilo, que a menudo se basa en gran parte de fluttertonguing, y ocasionalmente cánticos y tarareos mientras toca, fue influenciado por Roland Kirk. En el 2003 grabó un tema llamado Griminelli's Lament en honor a su amigo, el flautista italiano Andrea Griminelli.

En 1990 comenzó a trabajar con flautas de bambú. Usaba técnicas de sobre-soplo y tapado de agujeros para producir notas arrastradas y otras expresivas técnicas con éste instrumento.

No conformándose sólo con la flauta también toca guitarra, bajo, bouzouki, balalaika, saxofón, armónica y una gran variedad de whistles. Ha grabado canciones en las cuales toca todos los instrumentos así como ejerce de ingeniero de sonido y productor (Another Christmas Song en 1988). Su primera ocasión en la que así lo hizo fue Locomotive Breath. Plasmó en la práctica sus ideas sobre la canción antes de expresárselas al resto de la banda, convirtiéndose en uno de los temas más representativos de sus directos.

El estilo de su música mezcla folk, jazz, blues, rock y pop. Sus letras son, a menudo, complejas, llenas de trabalenguas, ácidas críticas sobre la sociedad y la religión, o alegorías a la fantasía y/o la vida campestre o medieval.

En 1993 Ian Anderson produciría y participaría en un álbum de Yes titulado Symphonic Of Yes Music, un disco de grandes éxitos de la banda, con diversos arreglos orquestales de marcado estilo progresivo. En este disco colaborarían también los teclistas David Palmer (ex miembro de Jethro Tull), Julian Colbeck y Alan Parson, y el bajista Tim Harries, junto a The London Symphonic Orchestra y The English Chamber Orchestra.

Negocios

Anderson es dueño de cuarenta y tres granjas de salmón, muchas de ellas en Chile (Sudamérica) y de una isla, aunque vendió la mayor parte de sus intereses a fines de los años 90. Como anécdota, Anderson nunca realizó la prueba de conducción para obtener su licencia.

El cantante ha sobrevivido a una peligrosa trombosis venosa profunda, sufrida tras un vuelo en avión en precarias condiciones de espacio y ha realizado frecuentes declaraciones para que se tome conciencia sobre los peligros para la salud que puede provocar la sobreexplotación comercial de las líneas aéreas.

Igualmente, su voz se ha visto resentida en los últimos años por distintos problemas en la garganta, por lo que en sus conciertos prohíbe totalmente que se fume durante las actuaciones de su banda, sobre todo si estas se realizan en una sala cerrada.

También realiza periódicas donaciones a asociaciones en defensa de los animales, especialmente a sociedades protectoras de gatos.

Familia

Entre los años 1970 y 1974 estuvo casado con Jennie Franks, una fotógrafa cuyo trabajo sobre los vagabundos de las calles de Londres influyó de gran manera en la temática del disco Aqualung, al grado de aparecer como co-autora del tema principal.Aqualung.

Se volvió a casar con Shona Learoyd en 1976. Ella había estudiado ballet durante 10 años y Ian la conoció en la oficina de prensa de Chrysalis Records. Más tarde se implicaría en los efectos especiales de la banda en directo. Establecieron su residencia en una granja del siglo XVI en el estado de Buckinghamshire, Inglaterra. Actualmente viven en Wiltshire, tienen dos hijos: James Anderson, músico también y Gael, que trabaja en la industria cinematográfica y está casada con el actor Andrew Lincoln.

Orden del Imperio Británico

En diciembre de 2007, la reina Isabel II de Inglaterra, en reconocimiento a sus servicios al mundo de la música, otorgó a Ian Anderson la Orden del Imperio Británico en calidad de Oficial (OBE) (Officer of the British Empire).

Pagina: http://www.iananderson.com/

Fricción

Biografía

Fricción nació de la necesidad de cada integrante de zapar temas de sus respectivos grupos. Fue como la "segunda banda" u ocupación de los integrantes. Fueron elegidos "Banda Revelación" en el año 1986 por el suplemente Si! del Diario Clarín. En ese mismo año, Gustavo Cerati, que en esta banda se limitaba más como instrumentista que como compositor, rol que llevaba en Soda Stereo, produjo el primer CD de la banda, llamado Consumación o Consumo, en este disco se sumó la participación de Gonzalo Palacios en saxo y Celsa Mel Gowland en coros. Se destacan los temas "Perdiendo el Contacto", "Autos" y "Arquitectura Moderna", con Cerati como guitarrista invitado. Dieron recitales en La Falda (festival), y en los teatros Santa María entre otros.

Había problemas en el cronograma de recitales de Gustavo, debido a que formaba Soda Stereo, y tenía gran cantidad de conciertos. Al mismo tiempo, Coleman, Basso y Samalea fueron llamados para acompañar a la banda soporte de Charly García, Las Ligas.

En el año 1987 Fricción ya contaba con una nueva formación, ingresaron Daniel Castro, Eddie Nogueira y Ulises Butrón, grabaron su segundo disco Para Terminar del año 1988, que incluye el tema "Héroes" de David Bowie. Este disco no tuvo difusión, debido a que la compañía discográfica cerró, lo que llevo a la lenta disolución del grupo.

Actualmente, Richard Coleman tiene una banda llamada Los 7 Delfines (Página NO oficial de Los 7 Delfines) y toca junto a Gustavo Cerati, y Fernando Samalea en el disco "Ahí vamos" de Gustavo Cerati, formando así las 3/4 partes de Fricción.

Exodus

Exodus es un grupo de thrash metal formado en 1980 en San Francisco, California, por Kirk Hammett, Nick Menza, George Nichy y Gary Holt. En 1983 Kirk Hammett fue a formar parte de Metallica y fue reemplazado por Loyd Pice. Rob McKillop fue reclutado como bajista. Poco antes del lanzamiento de Pleasures Of The Flesh en 1987, Paul Baloff se fue de la banda y fue reemplazado por Steve "Zetro" Souza.

Exodus se escindió en 1992, recomponiéndose en 1996 con el nuevo bajista Jack Gibson. Luego de una gira mundial que incluyó el regreso del vocalista Paul Baloff, la banda volvió a disolverse hasta septiembre del 2001, fecha en que la banda se reforma incluyendo nuevamente en las voces a Steve Souza. En el año 2003 es editado Tempo of the Damned, un disco que fue cálidamente recibido por la crítica y los fans, el disco fue dedicado a la memoria de Paul Baloff , quien falleció en el año 2002 por un ataque al corazón. Posteriormente la banda inicia una gira mundial relativamente exitosa, pero esta formación prueba ser demasiado inestable y posteriormente a la cancelación de varias fechas programadas en el tour, la banda anuncia la partida de Steve Souza, Rick Hunolt y Tom Hunting, siendo suplantados por Rob Dukes (el técnico de guitarras de Gary Holt en una de sus giras), Lee Altus (ex-Heathen) y Paul Bostaph (Ex-Slayer, Ex-Forbidden), respectivamente. A finales del 2005, la renovada banda publica Shovel Headed Kill Machine, el cual, según Gary Holt, es una secuela del anterior Tempo of the Damned. En mayo de 2007 retornó a la banda el baterista Tom Hunting. El 23 de octubre de 2007 salió el disco "The Atrocity Exhibition... Exhibit A", la primera de dos partes, de la cual se espera que salga su continuación "The Atrocity Exhibition... Exhibit B" a mediados de 2008

Pagina: http://www.exodusattack.com/

In This Moment

In This Moment es una banda de Metalcore estadounidense formada en el 2005. Su primer álbum es Beautiful Tragedy, que fue anunciado el 20 de marzo de 2007 con Century Media Records. El sonido del álbum cae sobre el lado melódico del espectro metalcore, con el cual la cantante Maria Brink utiliza ambos sonidos como los gritos y los sonidos muy limpios, un canto emotivo.

Historia

En 2005, la cantante María Brink y el guitarrista Chris Howorth se encontraron por algunos amigos comunes. Después de haberse enterado, el encuentro allí era mucho en común entre ellos, ellos comenzaron a escribir canciones juntos. Poco tiempo después ellos reclutaron la ayuda del baterista de Los Angeles Jeff Fabb. A mediados de 2005, la banda incluyó el Borde, Howorth, Fabb, guitarrista Blake Bunzel, y el bajista Josh Newell. La banda registró demostraciones y los fijó sobre MySpace, con la cual dieron a conocer algunas canciones de su nuevo álbum como "Ashes", "This Moment","Prayers".

así como un cover de Slayer del "post". Durante el verano de 2005, Newell salió de la banda para centrarse en su otro proyecto, Ketaset, así como su trabajo de ingeniería de sonido. Productor Pascual Romero (actualmente en Tinhorn) fue el bajista durante un tiempo antes de amigo de la banda de Jesse Landry fue aprovechado para redondear el grupo permanentemente.

A finales del año en este momento había generado un fanbase comercialización a través de Internet y hágalo usted viajar. Esto despertó un interés por parte de los medios de Century Media Records, y un contrato discográfico en todo el mundo siguieron. La banda lanzó su álbum debut Beautiful Tragedy el 20 de marzo de 2007, con el respaldo de los sencillos "Ashes" y el título pista "Beautiful Tragedy".

La banda lanzó su segundo álbum titulado The Dream del 30 de septiembre de 2008, junto con el single "Forever". El álbum marcó el debut de la banda en el Billboard Top 200, con lo que debutó en el número 70 en su primera semana después de su lanzamiento. El álbum incluyó unas canciones menos pesadas, con una mayor atención a las voces limpias.

La canción "Forever" ha sido lanzado como un descargable para el seguimiento de Harmonix "Rock Band" juegos.

La banda estará en el Warped Tour 2009 line-up, presente en el Ernie Ball Etapa. También han sido confirmados para presentarse en la Download de 2009 en Donington Festival de Reino Unido.

El segundo corte "The Dream" es un cover de Blondie llamado Call Me. La tapa aparecerá en una próxima edición especial del disco para que coincida con el Warped Tour, que incluirá temas inéditos y actuaciones acústicas.

Miembros:

- Maria Brink - Vocales
- Chris Howorth - Guitarrista
- Blake Bunzel - Guitarrista
- Jesse Landry - Bajo
- Jeff Fabb - Baterista

Pagina: http://www.myspace.com/inthismoment

Invisible

Carlos Alberto Machi Rufino: bajo
Héctor "Pomo" Lorenzo: batería
Luis Alberto Spinetta: guitarra y voz

Tras la disolución de Pescado Rabioso y de grabar "Artaud" como solista, Luis Alberto Spinetta funda Invisible, con la base rítmica de Pappo's Blues. La primera presentación fue en el teatro Astral, en noviembre de 1973. Pocos meses después editan el primer simple y el primer álbum.

Invisible se recluyó cada vez más en sus ensayos y abandonó las presentaciones en lugares chicos: sólo aparecían en grandes teatros o estadios, nunca en festivales. Tras un largo silencio, anticiparon "Durazno sangrando" (1975) en el teatro Coliseo.

Un cover de "Amor en primavera", el tema de Tanguito, fue casi la única señal de vida de Invisible hasta el tercer y último disco, "El jardín de los presentes" (1976), que tiene en el tema homónimo no sólo su canción principal, sino también un clásico del Rock Nacional. Este material tiene una influencia del tango-rock, que estaba en auge. Para su presentación en vivo (última de la banda) convocaron al bandoneonista Rodolfo Mederos.

Enya

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Lamb of God

Lamb of God es una banda de heavy metal formada en Richmond, Virginia, Estados Unidos. Comenzó en 1990 conocida como Burn the Priest y lanzaron en 1998 el álbum debut homónimo con Legion Records. Poco después del lanzamiento del álbum cambian su nombre a Lamb of God. La banda está formada por el vocalista Randy Blythe, los guitarristas Mark Morton y Willie Adler, el bajista John Campbell, y el baterista Chris Adler, y forma parte la New Wave of American Heavy Metal. Desde su formación y hasta febrero de 2009, la banda ha editado seis álbumes de estudio, un álbum en directo y tres DVD. Lamb of God ha figurado dos veces en el festival Ozzfest y formó parte de la gira The Unholy Alliance Tour emprendida por la banda Slayer en 2006. También han aparecido en los festivales Download, Gigantour y Soundwave.

Biografia

Formación y "Burn the Priest"

En 1990 el guitarrista Mark Morton, el baterista Chris Adler y el bajista John Campbell formaron una banda llamada Burn The Priest. Los miembros de la banda se conocían todos unos a otros de la facultad a la que asistían todos en la Virginia Commonwealth University de Richmond, Virginia. Morton dejó la banda poco después de la formación para graduarse en su máster. Adler y Campbell sustituyeron a Morton con Abe Spear. Durante los siguientes cinco años la banda ensayaba en casa de Adler y por Virginia. En 1995 editaron una demo homónima. Tras la demos, Burn The Priest grabó sendos álbumes compartidos con Zed y Agents Of Satan. Después de las primeras tres demos, el grupo incorporó a Randy Blythe a su formación.

En 1997 Morton volvió al grupo. Al año siguiente la banda publicó su primer álbum de larga duración homónimo, Burn The Priest, mediante Legion Records. El álbum fue producido por Steve Austin, vocalista y guitarrista de Today Is The Day. Spear dejó la banda, dejando una vacante para un guitarrista. El hermano de Adler, Willie Adler, pasó a ser el segundo guitarrista del grupo un año después, y se firmó un contrato con Prosthetic Records. Después de que a la banda se le prohibiera en determinados sitios (algunos propietarios de salas de concierto creían que la banda poseía un nombre malvado), Burn The Priest cambió su nombre a Lamb of God.

New American Gospel y As the Palaces Burn (2000–2003)

Con nombre y discográfica nuevos la banda editó su segundo álbum, New American Gospel, en septiembre de 2000. Patrick Kennedy de Allmusic comparó a la banda con Pantera, declarando que “los sellos esenciales del metal post-Pantera abundan en el álbum debut de Lamb Of God. New American Gospel proporciona un poderoso roble sobre el que se mantiene la valiente fe en el metal americano, tendiendo con eficacia un puente entre la insistencia de sargento instructror sobre la técnica de los 90 y el decidido enfoque en la construcción de riffs de la vieja escuela”. Chris Adler comentó: “Éste es un disco clásico. Hicimos venir juntos todos los elementos para hacer uno de los más fuertes, aunque contagiosos, discos de nuestra carrera. Fue difícil contenernos – ni siquiera entendimos en ese momento lo que habíamos creado”.

Lamb Of God salió de gira durante dos años antes de lanzar su tercer álbum de estudio As The Palaces Burn, el 6 de mayo de 2003. Kirk Miller de la revista Rolling Stone dio al álbum tres de cinco estrellas y escribió que “al contrario que muchos de sus extralimitados contemporáneos influenciados por Slipknot, Lamb Of God ofrece un asalto de metal meticulosamente manufacturado”. Fue votado álbum número 1 por las revistas Revolver Magazine y Metal Hammer. El grupo estuvo de gira en el primer tour Headbangers Ball, donde grabaron un DVD que incluía actuaciones en vivo y un documental, titulado Terrors and Hubris. El DVD fue un éxito, debutando en el número 31 de la lista Billboard Top Music Videos.

Ashes of the Wake (2004–2005)

Lamb Of God publicó el álbum Ashes of the Wake en agosto de 2004, debutando en el número 37 del Billboard 200, y vendiendo más de 37000 copias la primera semana. Epic Records, la nueva discográfica de la banda, distribuyó el disco. En este trabajo, se ve claramente el estilo sonoro de Lamb of God, empezando a situarse como uno de los grupos de metal (independientemente del género) que mejor suenan. Johnny Loftus de Allmusic elogió el disco diciendo que “con el género atascado por atontados de PVC e impersonalizadores de Alice In Chains, Lamb Of God equilibra la ecuación de poder, rabia, tradición y elaboración. [Lamb Of God] elimina el relleno”. En la canción que da título al álbum figuran los ex guitarristas de Testament y Megadeth Alex Skolnick y Chris Poland, respectivamente. La banda promocionó Ashes of the Wake con una extensa gira, figurando por segunda vez en el Ozzfest de 2004, y en festival Sounds of the Underground de 2005. La banda fue premiada en segundo lugar por el mejor álbum en la Revolver Magazine, por detrás el álbum Leviathan de Mastodon, y por el mejor vídeo gracias al video clip de la canción Now you have something toodie for. Durante el tour la banda grabó y público una actuación en vivo bajo el nombre de Killadelphia. El lanzamiento estuvo disponible en DVD y CD. El DVD fue certificado platino por la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos en 2007.

Sacrament (2005–2007)

En agosto de 2006 Lamb Of God publicó su quinto álbum de estudio, Sacrament. El álbum debutó en el número 8 del Billboard 200, y alcanzó cerca de 65.000 copias vendidas en la primera semana a la venta, casi doblando los resultados del anterior álbum. El disco recibió en general críticas positivas, como la de Cosmo Lee de Stylus Magazine declarando que “Sacrament tiene las canciones más memorables de la banda hasta la fecha. Musicalmente, no hay grasa. La banda toca con precisión láser y se mueve fluidamente entre riffs y transiciones. Ed Thompson de IGN se refirió a Sacrament: “uno de los mejores álbumes de metal de 2006”. Jon Pareles de Blender lo denominó “un torrente constante”. La banda figuró en grandes festivales para promocionar el álbum, incluyendo The Unholy Alliance con Slayer, Mastodon, Children of Bodom y Thine Eyes Bleed; Gigantour taloneando a Megadeth; escenario principal de Ozzfest; una aparación en el festival Download, y una gira exclusiva con Killswitch Engage, Soilwork, y Devildriver, donde Killswitch Engage y Lamb of God compartieron cabeza de cartel alternadamente en los shows. Con Sacrament, Lamb of God se confirma como uno de los mejores sonidos de Metal (independientemente del género) actuales. Lamb of God estuvo nominado a la mejor interpretación metal en los premios Grammy de 2007 por Redneck, pero perdió frente a Eyes of the Insane de Slayer.

En diciembre de 2007 el grupo reeditó el álbum como Sacrament: Deluxe Producer Edition en un formato de disco doble. El formato contenía todas las canciones originales de Sacrament en el primer disco, y el segundo disco era un CD-ROM que contenía todas las pistas de guitarra, bajo, voz y batería en formato de mp3 a 192kbps, permitiendo al comprador producir su propia intrepretación de las canciones. Blythe declaró, “a veces tienes que hacer algo especial para que los chicos incluso compren un álbum en lugar de descargarlo”. La banda tomó un descanso para escribir nuevo material durante 2008 y preparar una nueva grabación para su lanzamiento, programado para 2009. La banda negoció con una nueva discográfica para distribuir los discos fuera de los Estados Unidos. Chris Adler declaró que Epic Records en los Estados Unidos “no podrían ser más perfectos”, pero deseaba un sello diferente para lanzamientos internacionales. La banda firmó un acuerdo con Roadrunner el 1 de mayo de 2008 para la distribución en el resto del mundo.

Walk with Me in Hell y Wrath (2008-presente)

El 1 de mayo de 2008, Lamb of God anunció vía MySpace que su nuevo DVD, Walk with Me in Hell, sería publicado el de 1 de julio de 2008. El DVD es un disco doble y tiene cerca de 5 horas de metraje, conteniendo el documental homónimo y múltiples actuaciones en vivo extra de la gira Sacrament World Tour.Al final del documental Walk with Me in Hell los miembros declararon que estaban más entusiasmados que nunca con para componer el nuevo material. En agosto de 2008 se anuncio que la banda había comenzado a trabajar en la continuación de Sacrament, y que el lanzamiento estaba programado para febrero de 2009. Josh Wilbur fue nombrado como productor del disco. El grupo también estuvo de gira como teloneros de Metallica empezando en diciembre de 2008. El proceso de grabación estuvo disponible online a través de la web del grupo, con webcams instaladas en el estudio (específicamente en la salas de batería y de mezclas).

El nuevo disco llamado Wrath fue publicado el 24 de febrero de 2009 en los EE.UU. a través de Epic Records y el 23 de febrero de 2009 mediante Roadrunner Records. El baterista Chris Adler fue citado diciendo “este álbum va a sorprender a mucha gente. Normalmente las bandas que llegan donde estamos nosotros en nuestra carrera empiezan a aflojar, oler las rosas y vomitar. Nosotros elegimos un camino diferente. Nadie quiere oir a otro miembro de un grupo haciendo promoción de un nuevo disco. Wrath no lo necesita. Hemos llegado a nuestro apogeo y el 24 de febrero lo vais a sentir”. Wrath debutó en el número 2 del Billboard 200, vendiendo más de 68.000 copias en la primera semana. Empezando el 2 de abril de 2009, Lamb of God se embarcará en la gira No Fear No Energy Tour encabezada por ellos mismos con Children of Bodom y As I Lay Dying como teloneros principales, y God Forbid y Municipal Waste rotando en algunas aperturas de conciertos.

Estilo Musical

Lamb of God se formó como una banda instrumental, Burn the Priest, e incorporando un vocalista al unirse Randy Blythe al grupo. Después de alcanzar el éxito con el lanzamiento en 2004 del álbum Ashes of the Wake, la banda a menudo ha sido asociada con términos tales como “líderes” de la New Wave of American Heavy Metal, y “pure American metal”.

Burn the Priest y los tempranos Lamb of God han sido etiquetados[¿por quien?] como thrash metal, death metal y hardcore punk o grindcore híbrido con fuertes elementos de groove metal, que a menudo conecta al grupo con la influyente banda Pantera. Otra conexión entre Pantera y Lamb of God es el hecho de que ambos son grupos altamente influyentes del Sur de los EE.UU. (Texas y Virginia, respectivamente). Junto con Mastodon, de Georgia, Lamb of God podría estar contribuyendo actualmente a reforzar una reciente tradición de grandes bandas de metal del sur de los Estados Unidos, la cual fue apadrinada por los propios Pantera. Burn the Priest y Lamb of God incluyen death growls característicos del death metal, y a veces letras difíciles de descifrar al oído. El estilo es considerado[¿por quien?] como una variación entre varios géneros diferentes, incluyendo harcore punk, thrash metal, e incluso poseyendo influencias de sludge metal.

New American Gospel continúa con un estilo similar a Burn the Priest, con una fuerte producción enfocada en el "Twin" (doble bombo) de la batería. Aquí, Allmusic consideró que la banda tendía con éxito un puente entre la tendencia de los 90 a la técnica y en enfoque del metal reciente en la construcción de riffs y que toca un estilo de heavy metal descrito no como contrario a Meshuggah, sin algunos de sus componentes de math metal. En As the Palaces Burn se vio cómo las composiciones se enfocaban más en lo que algunos han llamado riffs “memorables”. En Ashes of the Wake continuaron con la progresión de As the Palaces Burn con solos de guitarra más frecuentes.

Sacrament, editado en 2005, fue descrito por los críticos como más técnico, considerando especialmente la interpretación vocal. De nuevo, el grupo experimentó con más melodías y solos de guitarra, aunque, se le ha reprochado a menudo por la similitud de las canciones dentro de sus álbumes en algunas críticas.

Debido a la variedad de las influencias, los elementos estilísticos y cambios a lo largo de la carrera de Lamb of God, la prensa ha elegido varios géneros y términos para describir su música. Han sido etiquetados como grupo de metalcore y groove metal. Campbell, el bajista, en el DVD Walk With Me in Hell, dice que Lamb of God es una banda punk que toca heavy metal”, mientras que Chris Adler se refiere a Sacrament como álbum de speed metal.

Miembros:

- Randy Blythe - vocales (1995-)
- Mark Morton - guitarra (1990-)
- Willie Adler - guitarra (1999-)
- John Campbell - bajo (1990-)
- Chris Adler- batería (1990-)

Pagina: http://www.lamb-of-god.com/

Planxty

Cuando cuatro músicos se encuentran en una misma encrucijada y disfrutan a tope cuando tocan juntos, es una circunstania muy especial que hay que aprovechar al máximo. ¿Y cómo se disfruta más?. Pues haciendo una propuesta en común que les permita que aquello que les hace sentir bien dure lo máximo posible.

De ésta manera nace Planxty, el primer "Supergrupo" irlandés.

¿Y qué puede pasar entonces?. Puede ocurrir que una nueva historia se esté empezando a escribir y que el suceso acabe siendo único y premonitorio de un tiempo que estaría por llegar.

Planxty acabará siendo uno de los grupos más importantes e influyentes de Irlanda, que trajo un nuevo estilo, innovación y devolvió la frescura que nunca debió perder a la música irlandesa y además sería el hilo conductor directo a las muchas historias musicales irlandesas durante las décadas que siguieron.

Andy Irvine,Donal Lunny, Christy Moore y Liam O'Flynn forman Planxty justo después de la publicación del disco "Prosperous" de Christy Moore, unas sesiones quizás poco ensayadas pero en cualquier caso, fué donde coincideron estos cuatro genios. Una mezcla explosiva de guitarra y bodhran (Christy Moore), bouzouki (Donal Lunny) y mandolina (Andy Irvine) combinada con la uilleann de Liam O'Flynn, algo de flauta y por supuesto las voces de de Andy y Chrsty, dieron un nuevo giro a la forma de oir y entender la música tradicional irlandesa en los años setenta combinando el sonido más tradicional con los sonidos de los nuevos tiempos, donde el rock´n roll hacía estragos y añicos las viejas tradiciones musicales de todo el mundo.

Hay que decir que las cuerdas ( guitarra, mandolina y bouzouki) no eran instrumentos propios de ésta música donde lo fundamental era el fiddle, el bodhrann, el whistle y la gaita irlandesa, sustituida después por la uilleann y que como toda musica tradicional el objetivo principal era el acompañamiento para el baile.

Con todo, conquistaron en poco más de tres meses a toda Irlanda, yendo como teloneros de Donovan, al que acabaron quitando todo el protagonismo. La gente se quedaba conmocionada ante aquella forma de interpretar las viejas baladas tradicionales.Un público acostumbrado
a grupos acartonados como los Clancy, incluso Dubliners olían a maestros de escuela. Pero Planxty hacían todo aquello más accesible, su generación era la del rock´n roll y ellos lo hacían sin electricidad pero con pasión juvenil.

Por tanto, nuevos ingredientes que producían un sonido único y precursor donde todas las bandas actuales tanto británicas como del resto del mundo beben o han tenido su primer referente. Por destacar algunos de los influenciados podríamos citar a, The Bothy Band, The Clancy Brothers o los cantautores Bob Dylan o Ewan MacColl

Antes de que se me olvide hay que reseñar que Donal Lunny también toca la guitarra y el sintetizador, así como Andy Irvine, además de la mandolina tambien es guitarrista y bouzoukista, por lo que las posibilidades de las combinaciones de instrumentos entre ellos era inagotable.

Planxty es una palabra irlandesa que se utiliza para honrar o agradecer algo a alguien aunque también parece ser que el nombre quizás se lo pusieron por un viejo ritmo del arpista ciego O´Carolan del siglo XVII.

Discografía

Enseguida vino un primer disco, un single:
"The Cliffs of Dooneen" (1972) de gran aceptación por la crítica editado con Polydor Records. La conexión que había entre los cuatro empezaba a dar sus frutos. Mientras tanto seguian disfrutando viajando y dando conciertos por Irlanda, las islas británicas y toda Europa.
Ese mismo año editaron también el LP "Planxty" producido por Phil Coulter y otro single: "Three drunken maidens"

En 1973 editan "The well below the valley" también producido por Phil Coulter

A partir de aqui, el grupo comienza a moverse y en 1974, con el trabajo "Cold blow and the rainy night" aparece por primera vez un elemento nuevo, Johnny Moynihan (bouzouki, fiddle, tin whistle y voz)

Lunny fué substituido por Johnny Moynihan y Moore se fué siendo substituido por otro cantautor/compositor de gran talento, Paul Brady, aunque seguirían participando en las grabaciones, y en el caso de Lunny, produciendolas también.

Entre 1975 y 1979 el grupo sufre un paro en su actividad que casi les hace desaparecer. Mientras tanto se edita
"The Planxty collection", una recopilación de sus discos anteriores y cuya fecha ni siquiera lo tiene claro Tara Music, asi que yo menos.

en 1979 graban un nuevo disco: "After the break" producido por Donal Lunny. (Johnny Moynihan había abandonado el quinteto emprendiéndo un nuevo camino con De Dannan) En éste nuevo trabajo ya cuentan con Matt Molloy que a su vez había dejado a The Bothy Band (flauta y whistle) y que le da un nuevo aire a la formación

1980: "The woman I loved so well", nuevo álbum producido por Donal Lunny y Brian Masterson y con nuevos componentes: Noel Hill (concertina) Tony Linnane (fiddle) y Bill Whelan (teclados), acompañan a Christy Moore(vocals,guitar y bodhran),Donal Lunny(synthesizer, bouzouki y voz), Liam O'Flynn (uileann pipes y whistle,Andy Irvine (bouzouki,mandolina,harmonica y voz) y Matt Molly (flauta).

En 1981 sale un maxi-sigle llamado "Timedance", que parece ser editado para Eurovisión por Wea del cual no tengo ninguna referencia más.

En 1982, editan el que sería el último larga duración: "Words & Music", producido también po Lunny donde, además de Moore, Lunny, O'Flynn y Andy Irvine, participan Bill Whelan (teclados), James Kelly (fiddle), Nollaig Casey (fiddle) y Eoghan O'Neill (bajo eléctrico).

2004, año del reencuentro discográfico de los principales artífices de Planxty ( Irvine, Lunny, Moore y O'Flynn)
Se comenta que "Live 2004" es un disco innecesario aunque lleno de esplendor, de alquimia interpretativa entre cuatro músicos que respiran al unísono y se dejan oler mutuamente sin reservas.

Esta vieja reunión de amigos permite apreciar el progreso individual. La sonoridad de 2004 es tan brillante de comienzo a fin que los viejos aficionados a Planxty, que recuerden algún directo antiguo, se sorprenderán. Se puede escuchar el aullido de la audiencia cuando Liam arranca en la obertura "The Starting Gate" con la gaita irlandesa que cubre todo un mundo de sonido y emoción. Luego Christy canta "The Good Ship Kangoroo", Irvine destila "Arthur McBride" y Christy de Nuevo se desborda en "Little Musgrave" una balada antigua de terribles consecuencias que se extiende a los nueve minutos y que es la mejor prueba del esplendor duradero de Planxty. No faltan "The Blacksmith", "West Coast of Clare", las piezas balcanicas de Andy Irvine y el climax del concierto en el puente que media entre "Raggle Tagle Giypsy" y "Tabhair Dom Do Lamh", cuando la entrada de Liam O´Flynn y su gaita orquesta levantan esta música a las alturas.

La posición de los cuatro en el presente es variada. Christy Moore, tras sufrir un infarto hace unos años ha decelerado y apenas ofrece conciertos encadenados, pero su voz airada y tierna a intervalos, mantiene las virtrudes antiguas. Liam O´Flynn, el gaitero, es una institución en la isla y en todo el mundo "celta". Disfruta dando recitales con el poeta Nobel Seamus Heaney. Donal Lunny ha producido 150 trabajos ajenos. Su actividad es imparable y sus discos propios mantienen el espíritu de Planxty y la Bothey Band.( Se rumorea que anda retirado en Japón donde contrajo matrimonio). Andy Irvine, es parte del supergrupo Patrick Street. Muy crítico con la industria musical ,autoedita sus propios discos y es aún capaz de hechizar a una audiencia en solitario como hizo en Bilbo hace unos años en el ciclo Musiketan.

Pagina: http://www.planxty.ie/

Wilco

Wilco es un aclamado grupo de rock estadounidense, conocido en sus inicios por sus raíces country, y que en la actualidad se ha consolidado como una de las referencias básicas de la escena alternativa norteamericana.

Historia

Jeff Tweedy, el principal compositor y cantante de la banda, fue miembro del grupo seminal de los años 1980 y 1990 Uncle Tupelo. Tweedy compartía la tarea de componer y cantar con su compañero de grupo Jay Farrar, que dejó Uncle Tupelo y formó Son Volt. Tweedy formó Wilco con los restantes miembros de Tupelo (el bajista John Stirratt, el batería Ken Coomer y violinista Max Johnston. El nombre de la banda viene de la abreviatura utilizada en el argot militar "We´ll accomplished", algo así como "Nosotros cumpliremos" en castellano.

Wilco ha ido ganando popularidad desde su primer lanzamiento, el álbum A.M. de 1995, que es el único de los discos de la banda que todavía se parece al sonido de Uncle Tupelo. El disco contó con la producción de Brian Paulson y el trabajo de guitarra solista de Brian Henneman. Alcanzó el número 27 en la lista de descubrimientos de Billboardy y el 34 en la Pazz & Jop Critics Poll de The Village Voice de 1995.

Más tarde se unió al grupo el multi-instrumentista Jay Bennett, lo que expandió su ya rico sonido, añadiendo más música electrónica y de teclado, además de incorporar también la fuerza de una segunda guitarra. En 1996 lanzaron el doble álbum Being There, que obtuvo buenas críticas (alcanzó el puesto 14 en la Pazz & Jop Critics Poll de 1996) y un devoto grupo de fans, pero unas ventas mediocres, llegando al número 73 en la lista de álbumes de Billboard. La canción «Outtasite (Out Of Mind)» entró en el top 40 de música rock.

En la primavera de 1995, Nora, hija de Woody Guthrie, había entrado en contacto con el cantante y compositor Billy Bragg para escribir música para una selección de letras de Guthrie. Su padre había dejado unos miles de letras escritas entre 1939 y 1967; ninguna de ellas tenía música, aparte de unas vagas notaciones sobre el estilo. Bragg entraría en contacto más tarde con Wilco, pidiéndoles que también participasen en el proyecto. Wilco aceptó y, además de grabar con Bragg en Inglaterra, tuvieron una buena cantidad de canciones para finalizar.

Más que recrear las melodías con el estilo de Guthrie, Bragg y Wilco crearon música nueva, contemporánea para las letras. Lo que parecía una empresa arriesgada sorprendió a todo el mundo; el resultado, publicado en 1998 con el nombre de Mermaid Avenue, recibió elogios unánimes. El álbum ganó una nominación a los Grammy como mejor álbum de folk contemporáneo y se colocó en el número cuatro de la Pazz & Jop Critics Poll de 1998, justo por detrás de Live 1966 de Bob Dylan.

En 1999, la banda publicó Summerteeth, mostrando una evolución desde el country al rock eléctrico. Canciones como «Can't Stand It» y «I'm Always In Love» demostraron el gran cambio en su sonido. Reprise, su compañía de discos, tenía grandes expectativas, pero el álbum sólo alcanzó un decepcionante número 78 en la lista de álbums de Billboard. A pesar de todo, obtuvo el favor de la crítica y alcanzó el número 8 en la Pazz & Jop Critics Poll de 1999. Sumerteeth también significó un nuevo enfoque en la creación de sonidos de estudio que fueran añadidos como efectos a la grabación en vivo. La fascinación por estos sonidos crecería en posteriores discos del grupo.

La banda regresó a sus raíces country con el calurosamente acogido Mermaid Avenue Vol. II, una especie de secuela del proyecto original. Muchas de las pistas eran descartes de las primeras sesiones de Mermaid Avenue, pero también se añadieron algunas canciones más, incluyendo «Someday Some Morning Sometime», que adelantaba las líneas de su próximo trabajo. Mermaid Avenue Vol. II llegaría al puesto 32 en la Pazz & Jop's Critics Poll de 2000.

Mucha gente de la industria de la música considera el siguiente álbum de la banda, Yankee Hotel Foxtrot, uno de los mejores discos de 2002, además de una obra destacada en términos de innovación. Lo que empezó siendo un disco que continuaba el camino musical emprendido con Summerteeth se transformó en un monstruo que atraería muchos elogios y muchos problemas.

Glenn Kotche reemplazó a Coomer (que más tarde se uniría al grupo Swag) en la batería e introdujo una forma de tocar las canciones más musical y con más improvisaciones. También se incorporó al grupo el multi-instrumentista Leroy Bach para que pudieran duplicar mejor en directo los complicados arreglos de estudio.

La producción parecía marchar bien, aunque había conflictos importantes entre Bennet y sus compañeros de grupo. La situación estalló cuando se le pidió a Jim O'Rourke, de Sonic Youth, que remezclara el álbum a pesar de las objeciones de Bennet. En contra de la creencia popular, O'Rourke no añadió ruidos vanguardistas en la mezcla sino que eliminó algunos de los que habían grabado Wilco.

Bennet no estaba satisfecho con la participación de O'Rourke y fue despedido de la banda al poco tiempo de acabar el álbum. Bennet más tarde comenzó un proyecto con su colaborador durante largo tiempo Edward Burch y lanzó The Palace at 4 A.M. el mismo día que Yankee Hotel Foxtrot fue publicado finalmente. Este proceso se registró en la película I am trying to break your heart.

La situación empeoró cuando Reprise Records, la compañía de la banda y una subsidiaria de Time Warner, rechazó el disco. Así se inició una larga búsqueda para encontrar una nueva casa para el grupo. Mientras tanto, Wilco permitió la descarga del disco de su sitio web tras comprar las cintas de grabación por 50.000 dólares estadounidenses. Irónicamente, la banda acabó fichando por Nonesuch Records, otra subsidiaria de Time Warner, y el disco se lanzó en la primavera de 2002.

Tras ser publicado, Yankee Hotel Foxtrot llegó al número 12 en la lista de álbumes de Billboard, siendo la posición más alta que ha alcanzado ningún disco del grupo hasta la fecha (2005). El disco vendería más de 500.000 copias y sigue siendo el más vendido del grupo hasta la fecha.

Algunos fans rechazaron los ruidos de muchas de las pistas del disco, pero la banda atrajo nuevos seguidores que apreciaban la nueva dirección. A pesar de las dudas de Reprise sobre su viabilidad comercial, canciones como «Heavy Metal Drummer» y «Jesus, etc.» se convirtieron en habituales de las emisoras de radio de rock progresivos y alternativo. Todavía más impresionante es que Yankee Hotel Foxtrot llegó al número uno de la Pazz & Jop Critics Poll de 2002, consiguiendo 2328 puntos en 201 votos. El segundo lugar lo obtuvo el disco Sea Change de Beck, con 1506 puntos en 139 votos.

El director de cine Sam Jones, que hizo la fotografía de portada para Yankee Hotel Foxtrot, capturó gran parte de esa época en película y a partir de ese material publicó el documental en blanco y negro I Am Trying To Break Your Heart. Una escena ya clásica incluye una ácida disputa entre Tweedy y Bennett sobre el principio de la canción «Heavy Metal Drummer», que acabó con Tweedy corriendo al servicio a vomitar (debido a las migrañas crónicas que ha padecido desde su juventud). El DVD contiene la película con metraje y comentarios extras, además de otros extractos de actuaciones en vivo.

En 2004, Bach abandonó el grupo, dejando a Wilco como sexteto, incluyendo ahora al aclamado guitarrista de jazz Nels Cline y también a Pat Sansone, miembro del proyecto secundario de Stirratt The Autumn Defense.

El siguiente álbum de Wilco, A Ghost Is Born se lanzó el 22 de junio de 2004, una fecha que fue retrasada para que Tweedy entrase en una clínica de rehabilitación para su adición a los calmantes para sus migrañas. Este evento también tuvo como consecuencia que no fuesen cabeza del cartel ese mismo año del Coachella Valley Music and Arts Festival en Indio, California. Elogiado por los críticos, A Ghost Is Born fue el primer disco de Wilco en entrar entre los diez primeros puestos de las listas de álbumes de Estados Unidos, comenzado en el octavo puesto. Con el disco Wilco ganó, en 2005, su primer Grammy por Grabación y disco de música alternativa. Además, también obtuvo el décimotercer puesto en la Pazz & Jop Critics Poll de 2004.

En noviembre de 2005 la banda editó un doble disco en directo, Kicking Television grabado entre el 4 y el 7 de mayo de ese año en el Vic Theater de Chicago. La grabación es un documento preciso del sonido del grupo en directo en su formato como sexteto.

Durante los últimos meses de 2006, Wilco se consagra a la grabación de la esperadísima continuación de A ghost in born. El nuevo álbum se llama Sky blue sky y se edita el 15 de mayo de 2007. Acerca de este lanzamiento, el baterista Glenn Kotche ha afirmado que muchos de los temas han sido compuestos colectivamente en el estudio, a diferencia de las grabaciones anteriores a las que Jeff Tweedy llegaba con canciones estructuradas para que la banda hiciera la instrumentación de acompañamiento. El álbum se aleja del estilo de sus dos últimos álbumes, abandonando la garra y la visceralidad de estos y adoptando tiempos más tranquilos a través de los cuales repasa los grandes movimientos musicales norteamericanos, como el jazz, blues, country, soul, pero sin faltar a su propia identidad musical.

Estilo musical e influencias

El estilo musical de Wilco se suele categorizar como rock alternativo y country alternativo. A pesar de grabar con una discográfica multinacional a lo largo de toda su carrera, también se les asocia con el indie rock. En Wilco se atisban influencias de bandas de un amplio abanico de géneros musicales, pero fundamentalmente de la música creada entre los años 1966 y 1974. El disco Paris 1919, de John Cale, es considerado por la banda como un referente musical. Según el propio Jeff Tweedy:

La banda se apoya también en otros artistas de aquella época, entre los que se encuentran John Lennon, Neil Young, y Brian Wilson. Para su trigésimo cuarto cumpleaños, Tweedy recibió una clase privada de guitarra de Richard Lloyd, del grupo Television—Tweedy era un gran fan del grupo y estaba particularmente interesado en los arreglos de guitarra, que quería incluir en su música. Uncle Tupelo estaba inspirado por bandas como Jason & the Scorchers y The Minutemen, influenciando el disco de Wilco A.M.. Tweedy y O'Rourke disfrutaban de artistas de free jazz como Ornette Coleman, Albert Ayler, y Derek Bailey; también escuchaban jazz de artistas de primera línea, tales como Miles Davis y John Coltrane. La estructura de las letras de las canciones de Wilco estaba dictada por la literatura clásica y el cadavre exquis —un ejercicio donde los miembros de la banda se turnaban escribiendo líneas en una máquina de escribir, pero conociendo solamente la última frase escrita. Entre los libros que la banda cita como influencias estilísticas se encuentran En el Corazón del País, de William H. Gass, Trópico de Cáncer, de Henry Miller, y el libro de Harold Bloom La Ansiedad de Influir: Una Teoría de Poesía.

Los críticos han definido a Wilco como "los Radiohead americanos" porque ambas formaciones tienen un catálogo estilísticamente diverso. Rolling Stone nombró a Wilco "una de las bandas americanas más consistentemente interesantes" y "los principales impresionistas del rock americano".

A pesar de ser aclamados por la crítica, la influencia de Wilco en bandas modernas de rock ha sido limitada. Algunas de las bandas que sí se han sentido influenciadas por Wilco son Switchfoot, Derek Webb (de Caedmon's Call) y Grace Potter and the Nocturnals. El grupo inglés de indie rock, Cherry Ghost, tomó su nombre de la letra de la canción "Theologians" (de A Ghost Is Born) —el cantante principal, Simon Aldred, es un autoproclamado "fan incondicional de Wilco".

Pagina: http://www.wilcoworld.net/

Wishbone Ash

Wishbone Ash es una banda británica de rock que alcanzó fama a inicios y mediados de los años setentas con sus exitosos discos Wishbone Ash (1970), Argus (1972), There's the Rub (1974) y New England (1976). Son famosos por haber ideado y popularizado el término "guitarras gemelas", que más tarde emplearían bandas de heavy metal como Iron Maiden y Judas Priest.

Historia

La banda se formó en Devon en 1969, de las cenizas del grupo The Empty Vessels, en el que se encontraban Martin Turner (bajo/voz) y Steve Upton (batería y percusión), la formación original fue completada por los guitarristas/vocalistas Andy Powell y Ted Turner. En 1974, Ted Turner dejó la banda y fue reemplazado por Laurie Wisefield.

Luego de las recurrentes entradas y salidas de miembros (entre los que se encontraban músicos que habían pertenecido a bandas como King Crimson, Trapeze y Uriah Heep), la banda se disolvió en 1985. Sin embargo, en 1987, los miembros originales se reunieron para lanzar algunos discos, hasta 1990, cuando Steve Upton se alejó de la formación. Tras nuevos abandonos, Andy Powell decidió formar una nueva versión de la banda, donde Powell llevaría a Wishbone Ash a convertirse en una aventura personal de negocios, dando cabida a muchos músicos de sesión, obviando cualquier tipo de democracia de grupo.

Pagina: http://wishboneash.com/

Omar Rodríguez López

Omar Alfredo Rodríguez-López (nacido el 1 de septiembre de 1975 en Bayamón, Puerto Rico) es un multi-instrumentalista compositor, la primera guitarra y productor del grupo de rock progresivo y psicodélico The Mars Volta.

Biografía

Rodríguez-López creció en El Paso, Texas. Después de irse de Texas antes de los 18 años, viajó por América. Durante este tiempo vio que su vida no iba a ningún lado, entonces llamó a su amigo Cedric Bixler-Zavala quien le sugirió que regresara a El Paso. Con ayuda de Bixler-Zavala, pudo regresar a El Paso donde se unió a At The Drive-In como guitarrista y vocalista de respaldo. Después de firmar un contrato con Flipside y grabar Acrobatic Tenement pasó a ser el guitarrista oficial.

Rodríguez-López ha pasado la mayoría de su carrera trabajando, y a menudo viviendo, con su gran amigo, Cedric Bixler-Zavala. Ambos tocaron juntos en la banda de post-hardcore At the Drive-In. Mientras pertenecían a dicha banda, formaron una banda dub reggae llamada De Facto. En el 2001, ambos dejaron At the Drive-In, de la cual eran integrantes desde 1993, en "interrupción indefinida" para formar la banda "The Mars Volta". Además, Cedric aparece en el disco A Manual Dexterity: Soundtrack Volume 1 de Rodríguez-López, banda sonora de la película, del mismo nombre, de Rodríguez-López. La fecha de lanzamiento de esta película ha sido pospuesta indefinidamente.

Como guitarrista, Rodríguez-López es conocido por su estilo experimental, creativo y atonal, caracterizado por acordes inusuales y progresiones complejas y cambios frecuentes de compás, solos altamente elaborados e improvisados y experimentación sin descanso. Rodríguez-López dice saber muy poco de teoría musical, aunque las melodías en los solos del primer álbum de "The Mars Volta" De-loused in the Comatorium demuestran una significativa habilidad y variedad.

Rodríguez-López es un guitarrista visionario y moderno en términos de innovación y experimentación. Su estilo muestra una gran semejanza al guitarrista de King Crimson, Robert Fripp, y a John Frusciante ya que dichos guitarristas usan armonías atonales y tritonales. Parece ser que Fripp tiene una considerable influencia en Rodríguez-López. Sin embargo, Rodríguez ha dicho que sus principales influencias artísticas no han sido musicales, a excepción de su gurú, el pianista de salsa Larry Harlow. Rodríguez cita al comediante Lenny Bruce, el director de cine Werner Herzog, el antropólogo Carlos Castañeda y Matias Dulbecco como cuatro influencias importantes. El hecho de que estas personas no sean músicos resalta el acercamiento no convencional de Rodríguez a su medio, diferenciándolo de otros guitarristas de esta era y pasadas.

Rodríguez-López está nombrado por toda la música escuchada en el lanzamiento del 2005 de The Mars Volta, Frances the Mute. Recientemente también ha terminado de producir el siguiente álbum de la banda de Los Ángeles Radio Vago.

Pagina: http://www.myspace.com/omarrodriguezquintet

Bad Company

Bad Company es un supergrupo inglés de hard rock fundado en 1973, siendo integrado por ex-miembros de la banda Free (Paul Rodgers, Simon Kirke), Mick Ralphs (ex-Mott the Hoople) y Boz Burrell (ex-King Crimson). Bad Company fue representado por Peter Grant, quien también guió a Led Zeppelin por éxitos masivos. La banda disfrutó de gran popularidad durante los '70.

Inicialmente se inspiraron en la película clásica del oeste homónima (Bad Company, 1972) protagonizada por Barry Brown y Jeff Bridges, y que dio lugar al nombre de la banda y a su primer éxito en 1973. Entonces pasaron a ser uno de las primeras superbandas de los años 70. La banda se reformó en 1986 con el ex vocalista de Ted Nugent Brian Howe en el lugar de Rodgers y Steve Price reemplazando a Boz Burrell en el bajo. Con Howe como vocalista, el sonido de Bad Company adquirio un estilo similar a Foreigner, con menos blues y más glam-rock, logrando llegar a un mercado mucho más amplio. Debido a tensiones internas entre los integrantes de la banda, Brian Howe deja la banda en 1994. Durante los años 90, la banda siguió adelante con diversos músicos y con el batería Simon Kirke como único componente original. La formación, en el año 2003, incluye a Mick Ralphs y a Simon Kirke, además de a Dave Colwell (teclados), Rick Wills (bajo), y Robert Hart (vocalista).

Historia

La época original con Paul Rodgers (1973–1982)

El cantante Paul Rodgers estaba tan fanatizado de la película Bad Company que después de esto decidió llamar así a su banda. La película fue también propuesta para el álbum homónimo de la banda y el posterior sencillo.

El álbum debut de 1974 llamado Bad Company fue un éxito internacional, junto al grupo considerado como uno de los primeros supergrupos de los '70. Bad Company consistía en cuatro músicos de sesión: dos miembros fundadores de Free, el cantante Paul Rodgers y el baterista Simon Kirke; el fundador de Mott the Hoople, el guitarrista Mick Ralphs; y el bajista de King Crimson, Boz Burrell. El grupo fue representado por Peter Grant, quien también representaba a Led Zeppelin a la fecha y estaría a cargo de Bad Company hasta 1982, cuando Swan Song Records desapareció. El álbum alcanzó el puesto #1 en el ranking Billboard's Pop Albums (Norteamérica) e incluyó dos sencillos que superaron el puesto 20 en las listas, "Can't Get Enough" en el #5 en 1974 y "Movin' On" en el #19 a principios de 1975. En 1975, el álbum Straight Shooter dio al grupo otro puesto #1 en el ranking Billboard's Pop Albums. El álbum también lanzó dos exitosos sencillos, "Good Lovin' Gone Bad" en el #36 y la balada "Feel Like Makin' Love" en el #10.

A finales de 1975, Paul Kossoff (ex guitarrista de Free) se unió a Bad Company y sus ex-compañeros de Free, Paul Rodgers y Simon Kirke, sobre el escenario por dos noches para interpretar el éxito de Free "All Right Now". Bad Company programó una gira por Inglaterra junto a la nueva banda de Kossoff, Back Street Crawler, para promocionar el nuevo álbum de Bad Company Run With the Pack. El comienzo de esta gira de doble cabecera fue programado para el 25 de abril de 1976, pero tuvo que ser cancelada debido a la muerte de Paul Kossoff, ocurrida el 19 de marzo de 1976.

Run With the Pack fue el primer álbum de Bad Company en obtener disco de platino. Al tercer millón de copias vendidas, alcanzó el puesto #5 en el ranking Billboard y presentó el éxito "Young Blood" que llegó al puesto #20 en las listas populares.

Burnin' Sky de 1977 es considerado el peor de los primeros cuatro álbumes, logrando un decepcionante puesto #15 y había sido el álbum de Bad Company menos vendido a la fecha. El disco tuvo sólo un sencillo que llegó a tener puesto en un ranking: la canción que da título al álbum, "Burnin' Sky", la cual alcanzó el puesto #78 en las listas populares. Desolation Angels de 1979 estuvo mejor que su antecesor y dio a la banda su primer platino Top 5 por venta de álbumes desde el álbum de 1976 Run With the Pack. Desolation Angels enriqueció el sonido del grupo con sintetizadores y cuerdas. El álbum alcanzó el puesto #3 en los rankings Billboard y nuevamente tuvo dos sencillos en las listas: "Rock 'n' Roll Fantasy" en el puesto #13 y "Gone Gone Gone" en el puesto #56.

A finales de la década de los '70, en la banda creció el desencanto por tocar en grandes estadios. Adicionalmente, Peter Grant perdió interés en el grupo, y generalmente en la representación, después de que el baterista de Led Zeppelin, John Bonham, murió el 25 de septiembre de 1980. En palabras de Simon Kirke: "Peter era en definitiva el pegamento que nos mantuvo a todos unidos y en su ausencia nos separamos". Se conoció también que Paul Rodgers —quien posee cinturón negro en artes marciales— estuvo involucrado en un altercado y agresión física con Boz Burrell y Mick Ralphs.

Bad Company finalizó una pausa de tres años con el lanzamiento del nuevo álbum de estudio Rough Diamonds en 1982. Este sería el sexto y último LP con la formación original hasta la grabación de cuatro nuevas canciones en 1998. En ventas fue el peor de los álbumes de Bad Company con Paul Rodgers como líder. El álbum alcanzó el puesto #26 y presentó "Electricland" (#74), que alcanzó el puesto #2 en la lista Hot Mainstream Rock Tracks recientemente creada.

Después del lanzamiento de Rough Diamonds, la banda se separó. Mick Ralphs dijo: "Paul quiso una separación y la verdad es que todos necesitábamos parar. Bad Company había sido mayor que todos nosotros y para continuar habríamos destruido a alguien o algo. Desde un punto de vista financiero, era la peor cosa por hacer, pero el instinto de Paul fue absolutamente correcto".

A pesar de ser famosos por sus presentaciones en vivo y llenar estadios por casi una década, Bad Company no publicó oficialmente un álbum de presentaciones en vivo hasta el año 2006 cuando se lanzó el álbum Live in Albuquerque 1976. Las grabaciones fueron hechas por Mick Ralphs, quien regularmente registraba los conciertos de la banda, utilizándolos como una herramienta para perfeccionar su repertorio y presentaciones. Grabaciones aficionadas de conciertos en vivo de Bad Company también están disponibles, incluyendo "Boblingen Live" (1974), "Live in Japan" (1975) y "Shooting Star Live at the L.A. Forum" (1975).

La época con Brian Howe (1986–1994)

En 1986, Mick Ralphs y Simon Kirke decidieron reunirse para un nuevo proyecto. Su casa discográfica, Atlantic Records, sin embargo, les insistió que debían continuar con el nombre Bad Company, pero Paul Rodgers estaba trabajando junto a Jimmy Page (ex guitarrista de Led Zeppelin) con un nuevo supergrupo llamado The Firm. Entonces los dos miembros restantes reclutaron a Brian Howe, ex vocalista de Ted Nugent, como el nuevo cantante, Steve Price como el nuevo bajista y Greg Dechert (ex-Uriah Heep) como tecladista. El estilo vocal de Howe trajo más sonido pop-rock a la banda, en contraste con el estilo más blusero de Rodgers. La banda llamó al productor de Foreigner, Keith Olsen para producir el álbum inicial de la nueva formación, Fame and Fortune de 1986. Reflejando el estilo musical de mediados de los '80, el álbum fue apoyado por teclados, a diferencia de los álbumes previos de Bad Company, y sólo tuvo un modesto éxito comercial, bordeando los Top 100. El sencillo "This Love" logró alcanzar el puesto #85 en las listas de sencillos.

Boz Burrell, el bajista original de Bad Company, aceptó reunirse con la banda y su nombre fue acreditado en el álbum Fame and Fortune, aunque no tocó en él. Burrell participó en la gira del álbum y dejó la banda nuevamente. Price luego retornó. En 1987, Dechert fue excluido de la formación y la banda decidió no incluir teclados en su sonido. Salieron de gira ese año teloneando a Deep Purple.

Para el siguiente álbum de la etapa Howe, Dangerous Age de 1988, la banda reemplazó a Olsen por el productor Terry Thomas, quien se hizo cargo de la mayoría de los teclados e hizo retornar a la banda a un sonido de guitarra trabajada. Thomas también agregó pequeñas dosis de teclados tanto como guitarras rítmicas y coros y escribió la mayor parte de las canciones con la banda. Dangerous Age comenzó mejor que su antecesor, presentando varios videos en MTV y los éxitos "No Smoke Without A Fire" (#4), "One Night" (#9) y "Shake It Up" (#9, también #89 en las listas de sencillos). El álbum obtuvo disco de oro y llegó al Top 60. Para la gira de Dangerous Age, la banda fue apoyada por Larry Oakes (teclados, guitarra), quien también había tocado con Foreigner por un corto período. Price y Oakes se retiraron al término de la gira.

Después de la gira Dangerous Age, durante la cual la banda viajó separadamente de Brian Howe ya que los restantes miembros no podían tolerar su comportamiento, se propusieron encontrar un reemplazante para él. Sin embargo, Howe, esperanzado en comenzar una carrera solista, estaba imposibilitado para asegurar un contrato de grabación y eventualmente la banda fue obligada a permitirle regresar como resultado de la presión para producir un nuevo álbum por influencias externas.

El siguiente álbum de la banda, Holy Water de 1990, también producido por Thomas, fue un enorme éxito en cuanto a críticas y ventas, logrando el Top 40 y disco de platino por vender más de un millón de copias. Holy Water fue el primer álbum de la banda bajo la etiqueta Atco Records, subsidiaria de Atlantic. El álbum presentó los sencillos "If You Needed Somebody" (#16), "Holy Water" (#89) y "Walk Through Fire" (#28). El sencillo "Holy Water" llegó al puesto #1 por dos semanas en las listas AOR con "If You Needed Somebody" logrando el puesto #2. El álbum recibió una significativa emisión radial (cinco canciones hicieron las listas AOR en todo) y permitió realizar videos de varios de sus éxitos. Felix Krish tocó el bajo en el álbum de estudio mientras Paul Cullen fue reclutado para las presentaciones en vivo. Mick Ralphs, quien estaba cuidando asuntos personales y familiares, se excluyó de la mayor parte de la gira Holy Water, aunque estuvo presente en el álbum. Ralphs fue reemplazado en la gira y los videos por el ex guitarrista de Crawler, Geoffrey Whitehorn. Ralphs retornó durante la parte final de la gira y Whitehorn se integró a Procol Harum donde aún toca hasta el día de hoy. Por aquel entonces también se unió el ex guitarrista de ASAP, Dave "Bucket" Colwell como segundo guitarrista. Muchas de las fechas de esta gira fueron exitosas y presentaron a Damn Yankees como co-protagonistas. La gira fue una de las más rentables de 1991, un año que vio muchas otras actuaciones de rock enfrentando una recesión en cuanto a cantidad de público debido a los altos precios de las entradas para los conciertos y una crisis económica.

El último álbum de estudio de la era Howe, Here Comes Trouble de 1992, presentó el éxito de Top 40 "How About That" (#38) y "This Could Be The One" (#87). El álbum obtuvo disco de oro, pero la fórmula fue disminuyéndose. Antes de comenzar la gira de promoción de Here Comes Trouble, la banda agregó al bajista Rick Wills (ex-Foreigner, ex-Roxy Music y ex-Small Faces) y Dave "Bucket" Colwell, un recomendado de Ralphs, ahora como miembro estable. La banda grabó un álbum en vivo, What You Hear Is What You Get: The Best of Bad Company durante la gira Here Comes Trouble. El disco, publicado en 1993, presentó versiones en vivo de éxitos pertenecientes a las etapas de Rodgers y Howe en la banda, aunque no vendió mucho.

Howe dejó la banda en 1994. En cuanto a su salida de la banda, Howe afirmó: "Dejar Bad Company no fue una decisión difícil. Había llegado el punto donde nadie estaba contribuyendo en nada para componer y, francamente, la banda se estaba volviendo muy, muy poco rigurosa en vivo. Yo simplemente, junto con Terry Thomas, nos cansamos de hacer todo el trabajo y luego debido a esto no conseguir nada excepto resentimientos de parte de Mick y Simon".

La época con Robert Hart (1995–1997)

Después de la salida de Howe, los miembros restantes invitaron al ex vocalista de Distance, Robert Hart, para hacerse cargo de la voz principal. Al contrario de Howe (quien tenía un estilo diferente y un rango alto), Hart era más cercano en la voz y un imitador de Rodgers. La nueva formación publicó Company of Strangers en 1995 bajo el sello EastWest Records y llegó al puesto #159 en las listas de álbumes. Produjo el éxito AOR "Down And Dirty" (#17). Stories Told & Untold (Historias Contadas e Inéditas) fue publicado en octubre de 1996 y fue un éxito comercial. El álbum contiene regrabaciones de siete grandes éxitos de Bad Company (historias "contadas"), y siete canciones nuevas (historias "inéditas"). Muchas de estas fueron grabadas en Nashville y presentaron apariciones de estrellas country invitadas como Vince Gill... pero la nueva formación fue un fracaso comercial en ventas de discos y en gira.

La segunda época con Paul Rodgers (1998–2002)

Durante su ausencia de Bad Company, Rodgers estuvo involucrado en varios proyectos. Su álbum debut como solista, Cut Loose, fue lanzado en octubre de 1983, y Muddy Water Blues: A Tribute to Muddy Waters batió récords de venta en 1993. También participaría en dos proyectos de bandas: The Firm, con Jimmy Page de Led Zeppelin, y The Law con el ex baterista de The Who, Kenney Jones.

En 1998, Paul Rodgers y Simon Kirke estuvieron discutiendo el lanzamiento de una extensa compilación con una biografía y fotografías para los fans. Rodgers decidió que el álbum incluiría cuatro nuevas canciones. Finalmente, se reunió con Kirke y los miembros restantes (Mick Ralphs y Boz Burrell) en el estudio para grabar estas cuatro canciones nuevas. La reunión fue corta, pero produjo un Top 20 con "Hey Hey" (#15). La segunda canción nueva, "Hammer of Love" llegó al puesto #23. Las nuevas canciones aparecieron en el álbum compilatorio llamado The Original Bad Company Anthology, el cual logró el puesto #189. Muchos fans se sintieron defraudados con el listado de canciones, el cual descartó temas considerados como favoritos, aunque aparecieron bastantes rarezas. La reunión de la banda los llevó a salir de gira el verano de 1999 por sólo 30 fechas en Estados Unidos. Los conciertos fueron satisfactorios. Al año siguiente, Ralphs anunció que se retiraba de las presentaciones en vivo y Burrell dejó nuevamente la banda, llevando la reunión a su fin.

Paul Rodgers nuevamente se unió a Simon Kirke en 2001 para una nueva gira por Estados Unidos, la cual incluyó fechas junto a Styx y Billy Squier como invitado especial. Rick Wills y Dave Colwell reemplazaron a los retirados Boz Burrell y Mick Ralphs. La gira resultó en grandes ganancias para la banda y luego se desplazaron a Inglaterra. Completaron algunas fechas en la costa oeste de Estados Unidos para grabar un nuevo álbum en vivo y DVD llamados Merchants of Cool, los cuales estrenaban la canción "Joe Fabulous", logrando el puesto #1 en la radio y el Top 20 en Mainstream Rock Radio en Estados Unidos, durante su semana de debut. La gira promocional de Merchants of Cool en 2002 nuevamente presentó a Kirke y Rodgers como los únicos miembros originales de la banda. Colwell fue el guitarrista principal y Jaz Lochrie, quien había tocado en vivo y grabado con Paul Rodgers desde 1995 en adelante, se hizo cargo del bajo. Como artistas invitados en los conciertos incluyeron a Slash (guitarrista fundador de Guns N' Roses) y Neal Schon (guitarrista de Journey). Después de la gira 2002, Bad Company pasó a inactividad nuevamente y Paul Rodgers retornó a su carrera solista.

Miembros:

- Paul Rodgers - Vocalista, Piano
- Mick Ralphs - Guitarra
- Boz Burrell - Bajo
- Simon Kirke - Percusión

Pagina: http://www.badcompany.com/

K.d. lang

Kathryn Dawn Lang (nacida el 2 de noviembre de 1961), más conocida como k.d. lang (sin mayúsculas), es una cantante canadiense de pop y country ganadora de varios premios Grammy.

En 1996 fue nombrada Oficial de la Orden de Canadá como reconocimiento a su trabajo, y también ese mismo año salió del armario públicamente. Desde entonces, es una férrea activista de los derechos LGBT.

Actualmente tiene una extensa carrera musical con varios discos a sus espaldas. Aparte de su carrera musical ha participado en películas como Salmonberries (2003) y ha participado en bandas sonoras como Even Cowgirls Get The Blues.

Actualmente k.d lang junto a artistas tan dispares como Prince, Björk, Annie Lennox o Elvis Costello rinden homenaje a la legendaria cantautora canadiense en un álbum que verá la luz el próximo 24 de abril. A tribute to Joni Mitchell también incluye versiones de Caetano Veloso, k.d. lang y Brad Mehldau.

Katheryn Dawn Lang nació el 2 de noviembre de 1961 en Canadá. Creció en un pueblo pequeño llamado Consort. Cursando sus estudios medios (secundaria) sobresalió en música, aprendiendo a tocar guitarra y piano. En su ciudad natal hizo varias grabaciones que recibieron buenas criticas.

Influenciada por la música de Patsy Cline, Lang se inscribió en el Red Deer College para estudiar música. Estudiando en esta escuela, protagonizo una producción teatral basada en la vida de Cline. Después de graduarse se mudó a Edmonton, donde formó una banda The Reclines.

En 1983 lang grabó un single llamado “Friday dance Promenade” y un año después grabó un álbum completo. Los singles de este álbum se tocaron mucho en Canadá y la reputación de lang creció mucho. Fue tan exitosa que en 1985 le fue otorgado el premio Juno a la Mujer más prometedora.

Lang firmó un contrato en 1986 con un productor norteamericano en Nashville y recibo muy buenas criticas por su álbum, Angel with a Lariat, de 1987.

k.d. lang ganó un Grammy como Mejor actuación vocal femenina por su álbum de 1989, Absolute Torch and Twang.

Además de su talento musical, k.d. lang, quien es lesbiana públicamente ha defendido causas lésbicas. Además sus posturas vegetarianas por los derechos de los animales incluyen una campaña llamada “Meat Stinks” (La Carne Apesta) que ha creado mucha controversia, sobre todo en su ciudad natal.

El álbum Ingenue de 1992, contiene su canción más popular, “Constant Craving” que tuvo millones de ventas, muy buena crítica y el Grammy por Mejor actuación pop femenina.

En 1993 protagonizó un filme llamado Salmonberries, que tuvo críticas bastante pobres. En la banda sonora de Even Cowgirls Get the Blues, contribuyó con la mayor parte de la música. Además cantó “Surrender” para la banda sonora de “El mañana nunca muere”.

Se hizo Oficial de la Orden de Canadá en 1996 y en 2003 ganó su cuarto Grammy, por Mejor álbum pop tradicional por su colaboración con Tonny Bennett.

Pagina: http://www.kdlang.com/

Caribou

Cuarto largo para Caribou, aunque oficialmente, y más en el terreno de la electrónica donde el alias es el sonido, es su segundo LP tras haberse cambiado el nombre de Manitoba por causas legales. El canadiense Daniel Snaith vuelve a retorcer lo hecho hasta ahora, vuelve a reformularse evitando repetir un sonido en cualquiera de sus canciones. Si en unos comienzos con Start Breaking My Heart (01) Manitoba veía la frontera del ambient y el downtempo próxima a su música, cada referencia nueva ha ido eliminando esos campos. En el caso del downtempo se mantuvo más la estela, pero con Andorra ha habido el stop definitivo; desprenderse del calificativo de lento para pasar a un dinamismo puro, alegría, y gozo en cada tema.

En apariencia es lo que transmite Snaith con su nuevo trabajo, evitar caer en melodías reiteradas en unas bases suaves siendo sustituidas por un conglomerado de instrumentos que él mismo toca. No hay que olvidar su formación matemática, su padre es una eminente figura dentro de este campo, y su hermana va camino de ello, casualmente Snaith se licenció hace unos años de la misma rama, siendo la música un fiel reflejo de este campo. Inicialmente las cifras que la discográfica suministra son de 670 canciones compuestas para Andorra, de las cuales sólo nueve han pasado a formar parte del disco, verdad o mentira (¿es acaso relevante?) la elección del esqueleto del trabajo es perfecta. Bien podríamos hablar desde el inicio hasta el final, nada hace que caiga la escucha en un comienzo soberbio para aburrirse con un final de relleno como en muchos casos pasa. Aquí vemos la mezcla entre grandes temas y otros más simples y anodinos, dejando el último puesto, la nota final, a la mejor canción del largo. Con “Niobe” Caribou puede optar sin duda a una de las mejores canciones de electrónica del año, sus casi nueve minutos son la ensoñación llevada a la canción, entre un tímido inicio y una voz, deja paso a un juego de subidas y bajadas que vuelven loco a cualquiera. Pero antes de quitarse el sombrero ante él “After Hours” se ha quedado por el camino, alegre como ninguna sabiendo conservar un halo oscuro a su vez; “She's The One” bebe del pop californiano electrificándolo, labor para la que se ayuda de Jeremy Greenspan (Junior Boys); las restantes mantienen el nivel, con un inicio del trabajo pegadizo (“Melody Day” adrenalina pura) y en la recta final más lento con “Sundialing” la cual atrapa y no deja libre.

Un gran trabajo, ya que el pabellón estaba muy arriba tras The Milk of human kindness (2005) pero Andorra ha sabido mantenerse firme, sin necesidad de superarlo al ser sonidos diferentes. 28 años cuenta Snaith, dos grandes obras a sus espaldas ya, y lo que le queda…

Pagina: http://www.caribou.fm/

Pet Shop Boys

Pet Shop Boys es un dúo de synth pop procedente de Reino Unido. Sus integrantes son Neil Francis Tennant (n. 10 de julio de 1954), vocalista, teclista y ocasionalmente guitarrista del dúo y Christopher Sean Lowe (n. 4 de octubre de 1959) teclista y en ocasiones vocalista.

Hasta ahora Pet Shop Boys han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo.[cita requerida] Desde 1986, 40 de sus singles han alcanzado el Top 20 y 22 en Top 10 en Reino Unido, además de cuatro número uno: "West End Girls, "It's a Sin", "Always on My Mind" y "Heart".

Pet Shop Boys es considerado como el mejor dúo en toda la historia de la musica Pop, superando a bandas insignes como Erasure, Eurythmics, Hall and Oates, Modern Talking, Simon & Garfunkel entre otros, no solo por los exitos obtenidos tanto en ventas y puestos en los charts de mayor prestigio del mundo, sino que tambien por su alto nivel compositivo y vanguardista en cada uno de sus discos y presentaciones en vivo. Cabe destacar que Pet Shop Boys, no tan solo componen para si mismos, sino que colaboran frecuentemente con otros artistas tanto en la produccion, composición y remezcla de temas. Hasta el momento, el dúo ha editado 2 bandas sonoras y 10 discos de estudio, siendo el ultimo, Yes, producido por Xenomania en Marzo del 2009 y que ha recibido los elogios por parte de la critica especializada y a su vez, los primeros puestos de ventas en el Reino Unido y Europa.[cita requerida]

Historia

Inicios

Neil Tennant y Chris Lowe se conocieron en una tienda de artículos electrónicos en King's Road, en Chelsea, Londres el 18 de agosto de 1981.[5] Esto sucedió debido a que Neil, luego de la compra de un piano electrónico, no sabia como enchufarlo a una fuente de potencia, y entonces se dirigió a la mencionada tienda para adquirir un plug especial para el equipo. Ahí fue que se encontró con Lowe. Como tenían en común su afición a la música (incluso Tennant escribía como crítico musical en Smash Hits, una revista musical que dejo de existir en 2006),[6] decidieron escribir juntos, a pesar de la disparidad de gustos artísticos entre ellos: a Neil le gustaba la música clásica y a Chris el dance. Originalmente pensaban llamarse West End, debido a su gusto por el centro londinense, pero luego cambiaron a su nombre actual recordando a un amigo de ambos que trabajaba en una tienda de mascotas. A Tennant, particularmente, le gustó mucho este nombre porque sonaba como el de un grupo de Rap.

Please

Su primer álbum fue "Please", nombre que, según el dúo, al pedirlo en una tienda, se oyera algo como: 'Can I have the Pet Shop Boys album, please?' (¿Podría darme el álbum de los Pet Shop Boys, por favor?); el cual fue lanzado el 23 de marzo de 1986, alcanzando la ubicación número 3 en el Album Chart británico. Desde que fue editado el 28 de octubre del año anterior, "West End Girls" (el cual llegó al primer lugar de las listas en 9 países, UK y USA incluidos), fue su credencial para el público. Recientemente "West End Girls" fue elegida por una encuesta telefónica de la BBC, como la mejor canción de la década entre 1984 y 1994. Generalmente esta canción es nominada a toda clase de encuesta ochentera que hay en la TV británica, muchas veces resultando vencedora. Tal fue el éxito de la canción en su época, que sirvió para que obtuvieran sus primeros premios a nivel global.

Como dato podríamos agregar que la primera versión de este tema se trató del primer sencillo del grupo editado el 9 de abril de 1984, bajo la producción del célebre multi instrumentista, Bobby "O" Orlando (The Flirts, Ronnie Griffith, Oh Romeo, Divine, Waterfront Home, entre otros), en el sello Epic Records. El cual tuvo suceso en las discos de Los Ángeles, Belgica, España, y Francia que solo alcanzó el número 121 del chart británico.

Luego saldría como single, "Love Comes Quickly", que alcanzó el puesto #19 en las listas británicas y un triste número 62 en la Billboard, siendo una verdadera decepción para el dúo, quienes veían a esta canción como su favorita del álbum.

"Opportunities (Let´s Make Lots Of Money)", fue el tercer single de su trabajo y alcanzó el #11 y #10 en UK y USA respectivamente. Cabe destacar que en la versión del álbum “Please”, Opportunities (Let´s Make Lots Of Money) se presentaba con una versión bastante mas renovada a manos del productor Stephen Hague (O.M.D.,The Communards, Jimmy Summerville, New Order, Erasure entre otros), que modificó la primera versión en formato single donde fue producida por J.J.Jeckzalic y Nicholas Froome (Art of Noise) en 1985, además de ser remezclada por Ron Dean Miller y The Latin Rascals, siendo esta de menor calidad que su sucesora. La versión remix contó con la primera colaboración con el grupo del extraordinario Shep Pettibone, logrando de esta manera el número 1 en la lista Hot Dance de la revista Billboard.

Su primera gira estaba prevista para 1986, pero se postergó a 1989, dada la reticencia inicial del dúo a aparecer en público. Al tiempo, su single "Suburbia" llegaba al nº8 de las listas de éxitos británicosy al 70 del otro lado del Atlántico, esta vez producida por Julian Mendelsohn (Hall & Oates, Frankie Goes To Hollywood, entre otros), siendo esta la primera participación de este productor con ellos. Dicho tema se inspiró en la película de Penelope Spheeris, que narra las revueltas juveniles en las metrópolis industrializadas. El video se grabó en parte en la ciudad de Los Ángeles, aprovechando un viaje que realizaron motivo de una nominación de los MTV Awards.

Actually

En 1987 llegaría una época de éxitos sin precedentes en su historia, con temas como "It's a Sin" (Es pecado). Esta canción recibió críticas, pero también elogios como los de War Cry, revista del Ejército de Salvación, que le dio su visto bueno acerca del concepto de pecado en la modernidad. El 7 de septiembre del mismo año, sale su álbum Actually, que para muchos críticos es uno de sus mejores trabajos. El destino de sus canciones habían adquirido un rumbo distinto al que existía en Please y esta vez apuntaban a la serie de políticas instauradas en la era “Thatcher”. Esta sería la época en la cual, el dúo adquiriría mayor fama a nivel mundial y eso quedaría demostrado en el buen desempeño que tuvieron sus singles en los listados.

En horabuena "Always on my Mind", que llegaría a ser No. 1 en varios países, no fue incluido en Actually sino en su siguiente trabajo, en donde aparecería como un larga duración. Hasta esa fecha, la versión más conocida de la canción era la de Elvis Presley en 1972, totalmente distinta a la que el dúo lanzó ese año. Décadas más tarde, el diario The Telegraph consideró que la versión de los Pet Shop Boys sería el segundo mejor cover en toda la historia de la música, solamente antecedida por Jimmy Hendrix.

Incluida en el álbum Actually fue la mítica canción What Have I Done to Deserve This? a dúo con Dusty Springfield editada como single unas semanas antes de la publicación del álbum, canción que siempre ha sido muy estimada por los componentes del dúo ya que Dusty Springfield ha sido siempre un referente musical para ambos. Así mismo también forma parte del álbum la canción It Couldn´t Happen Here, la única canción pop co-escrita con el genio de las bandas sonoras Ennio Morricone, aunque su participación fuera de una forma indirecta, ya que les hizo llegar unas líneas orquestales desechadas de sus trabajos a partir de las cuales los Pet Shop Boys compusieron la canción. En esta misma época, el dúo decide rodar una película que llevó el nombre de esta canción en cuestión, y que trataba acerca de la propia vida de los integrantes del dúo, bajo la visión bastante peculiar del director Jack Bond. En el film participaron actores británicos de gran trayectoria como Joss Ackland y Neil Dickson, pero aun así, parte de la crítica especializada destrozó la película, y otro sector la elevó a tal punto que ganó un Gold Jury Award en el Houston Film Festival Awards. Escenas de la cinta aparecen en el video del single Always on my Mind

Introspective

El álbum Introspective, editado en 1988, muestra una clara influencia de la cultura house e incluye canciones de peso, como Left to my own devices, Domino Dancing, It´s Alright y I'm not scared canción que fue grabada también por el grupo Eighth Wonder (Patsy Kensit), y I want a Dog (Remezclada por Frankie Knuckles, siendo esta la primera producción de estilo música house para un grupo exitoso), anteriormente utilizada como lado b del Hit Single, Rent en 1987. Por primera vez, el dúo graba canciones para un álbum de estudio sobre los 6 minutos de duración y que están dedicada principalmente para los Djs y para los coleccionistas de vinilos de 12 pulgadas.

Left to my own devices es considerada por los fanáticos como la “Bohemian Rhapsody” de los Pet Shop Boys por la gran calidad orquestal y musical del tema en la cual se conjugan los beats con una elegante pieza de gran factura. En la versión del álbum se puede apreciar la ambientación totalmente teatral de la canción donde incluso se escucha cantar a una soprano, todo esto bajo la producción del genio de Trevor Horn y Stephen Lipson. Domino Dancing, otro de los temas de más alto impacto de Introspective, tiene claras influencias latinas y fue toda una sorpresa para los fans escuchar por primera vez al dúo navegar en esas aguas. Para ello, recurrieron a la ayuda de Lewis Martineé, un productor que en ese tiempo estaba bastante de moda por consagrar a varios artistas ochenteros (Exposé, etc.) y que le supo dar los ritmos necesarios que el dúo necesitaba en ese entonces. La canción esta inspirada en un colaborador de los Pet Shop Boys que cuando jugaba dominó con Chris Lowe, siempre le ganaba y se ponía a bailar para celebrar sus triunfos. Para 1989 hicieron dúos con Dusty Springfield y Liza Minnelli, que fueron editados en discos como Scandal (Banda sonora original del film), Reputation y Results incluidas otras canciones. De esta manera, Pet Shop Boys no solamente se comenzaba a consagrar como un grupo que hacía un pop inteligente y que daba resultados, sino que también desarrollaban una faceta como colaboradores y productores musicales que los harían ganar un gran prestigio dentro de la industria musical. El dúo sería sindicado como los responsables del nuevo respiro musical que tuvo Liza Minnelli a fines de los 80’ y principios de los 90’ tras una seguidilla de malos resultados por parte de la cantante-actriz. En ese mismo año inicia su primer ciclo de conciertos, que les lleva a Gran Bretaña, Japón y Hong Kong.

Behaviour

En 1990 sale su álbum Behaviour, un disco de atmósfera más intimista, en el que se puede descubrir a Pet Shop Boys en estado puro, contó en la producción con la colaboración de Harold Faltermeyer, y fue grabado en Alemania.Inicialmente no tuvo una gran acogida por parte del público, y el dúo debe enfrentarse a su primera crisis de ventas, pero con el paso del tiempo se acabaría convirtiendo en una pieza de culto, no solo para sus fans, sino que para el público en general. Usualmente Behaviour aparece en las listas de los mejores álbumes de los 90’s e incluso es frecuente encontrarlo en distintas encuestas de Internet. Lo presentan en 1991 en una gira mundial que les lleva a Japón, Estados Unidos y Europa. Ofrecen conciertos en Barcelona, Madrid y Vigo que causan un gran impacto por su sofisticada puesta en escena teatral, apoyada en un amplio equipo de actores y bailarines. Esta gira llevaría el nombre de Perfomance, que sería reconocida y alabada por la prensa de aquel entonces por la temática teatral que combinaba el sexo, la religión, los vicios y una autocrítica descarnada a sus propias vidas, obviamente ambientadas en el transcurso de las canciones que interpretaba el dúo. La puesta en escena, no solo combinaba a artistas venidos desde el ballet clásico, sino que a cantantes de gran nivel, conociéndose así a Sylvia Mason-James, la más grande colaboradora en la historia del dúo a nivel vocal. En paralelo, Tennant y Lowe se enrolan en el grupo Electronic, junto a Bernard Sumner (New Order) y Johnny Marr (The Smiths), aunque tantos egos juntos solo dieron para tres singles, y ya para la edición del primer álbum, el grupo ya era dúo, solo con Sumner y Marr. Tennant colaboró de manera solitaria en Getting away With it y Dissappointed, canciones que a la larga, son las más recordadas de este provisorio dúo que luego editó dos albums más. En esta época fue primera vez que se rumoreaba acerca de la separación de los Pet Shop Boys debido a una supuesta depresión que tendría Chris Lowe por a la muerte de un amigo, producto del SIDA, enfermedad que se estaba propagando a gran escala en ese entonces, pero la rápida vinculación de Lowe a Electronic para colaborar en conjunto con su compañero Neil Tennant en la canción The Patience of a Saint, sirvió para despejar las dudas de ese momento.

Very

En 1993, viajan a Rusia para inaugurar el canal MTV Rusia, presentando su versión del tema Go West, original de Village People.

Tras haber editado 'Discography', su primer grandes éxitos, que incluyó sus primeros quince sencillos más tres nuevas canciones, también disponibles como singles (Dj Culture, Where the streets have no name/I can't take my eyes off you y Was it worth it?); Pet Shop Boys lanza Very, un regreso al pop electrónico más eufórico y fastuoso, que es considerado por la gran mayoría de los fans como el mejor álbum del dúo ya que no solo contenía ritmos totalmente bailables y enérgicos, sino que cualquiera de sus temas podría haber sido single. Very se convirtió en una maquina de fabricar sencillos y de escalar rápidamente a los primeros lugares de los charts. Los niveles de venta se dispararon y por primera vez, el dúo consigue llegar al #1 en la venta de discos en UK . La promoción del disco no solo contaba con el especial diseño de la caja (muy parecido a los esbozos de Lego), sino que también contenía carátulas alternativas y con distintos colores. La imagen del dúo también cambió, ya no eran el dúo correcto y parco que apenas se movían en sus videos, sino que adoptaron trajes coloridos, sombreros con forma de conos, como si hubiesen sido extraídos de dibujos animados, con los que se disfrazaban en las presentaciones en vivo y en sus propios clips.

Los videos promocionales de los sencillos de Very se caracterizaron por presentar animación 3D a cargo de Howard Greenhaugh, quien sería el responsable de muchos de los videoclips que sucederían a Very.

Debido al éxito de Very, Pet Shop Boys decide lanzar una versión limitada, llamada Very Relentless, que contaba con un nuevo CD de 6 temas, en los cuales la participación de Chris Lowe en la composición de los temas resultaba mas que evidente.

Para 1994 realizan una gira, el Discovery Tour, que les lleva a Australia, Singapur, Brasil, Argentina, Chile y Colombia, países en los cuales, causaron un gran impacto debido a la sexy puesta en escena, muy subida de tono para un público que no estaba acostumbrado a un show de esas características.

Alternative

En 1995 lanzan Alternative, un doble CD que contiene todas las caras B de singles publicados hasta ese momento. Verdaderas piezas de colección para los fans son los llamados Lados B, debido a la gran calidad de sus canciones, ya que muchas veces son de mejor calidad de los lados A, pero por decisión propia, los relegan muchas veces a permanecer casi en el anonimato. Ejemplos de ello son Paninaro, Was that what it was?, In The Night, Shameless, Miserablism y We All Feel Better in the Dark entre otros; temas que hubiesen servido para que cualquier artista se hubiese consagrado. Para promocionar este compilado, lanzan una nueva versión de su cara B, Paninaro ’95, decisión que les costó precisar porque estaban en la disyuntiva de promocionar el compilado con Shameless.

Bilingual

Un año después, en 1996, Bilingual experimenta con ritmos brasileños y consigue otros tres temas en el Top 10 británico: Before, A Red Letter Day y Se a vida é (That's The Way Life Is), una atrevida fusión de samba y pop electrónico. Al contrario de lo esperado no realizan ninguna gira de este álbum, sino una serie de conciertos en un mismo lugar (como si de una obra de teatro se tratase) el Savoy Theatre de Londres. De ello saldrá a la venta el VHS-DVD Somewhere. La génesis de Bilingual se generó tras la gira Discovery, en la cual recorrieron por primera vez, países de sudamérica, con los que se empaparon de sus ritmos latinos, en especial, de Brasil, en la cual, Bilingual demuestra claros signos de ritmos provenientes del pueblo carioca, como el bossa nova y batucadas. Pese a esto último el tema -que luego fue editado como sencillo-, "Single Bilingual" fue influenciado por la banda argentina Los Fabulosos Cádillacs, con su hit "Matador". Bilingual, en UK y países europeos, recibió fuertes críticas y no tuvo la buena aceptación que habían tenido sus discos anteriores, debido a la repentina experimentación con ritmos más bien desconocidos en ese lado del planeta. En cambio, el éxito del disco en Sudamerica fue rotundo, así como también cada uno de los singles que salieron al mercado, llegando a obtener los primeros puestos en las listas radiales. Este álbum se lo puede considerar como avant-garde, dado que años después a finales de esa década, invadaría en todo el mundo la llamada "latinmania". La era Bilingual es una de las más productivas de caras B en la historia de Pet Shop Boys, destacando en calidad y variedad de ritmos, en las que resaltan canciones como Betrayed, The Truck-Drive and his mate y Hit and Miss entre otros. Tras el lanzamiento de este disco, el dúo decide llevar al mercado una edición especial llamada "Bilingual Especial Edition", en la cual se incluían las 12 canciones originales de Bilingual, más un nuevo disco de remezclas, incluyendo dos nuevas canciones llamadas "The Boy who couldn't keep his clothes on" y "Somewhere", original del músico Stephen Sondheim y que fue lanzada posteriormente como single alcanzando el Top 9 en UK.

Nightlife

Tras la publicación de este álbum (Bilingual) se meten de lleno en la producción de un musical Closer to Heaven de lo que se resentirá su próximo álbum Nightlife (publicado en 1999) un paseo musical por los distintos ámbitos de la vida nocturna y sus historias, editado tanto en CD como en Minidisc. Tras la publicación del álbum una nueva gira mundial entre 1999 y el 2000 que incluye un escenario diseñado por la prestigiosa arquitecta angloiraquí Zaha Hadid, y nuevas remezclas de sus canciones más conocidas. Más tarde, la gira sería grabada para ser comercializada como “Montage, The Nightlife Tour”, que reunía las visitas que se hicieron a los países, más un material adicional que adjuntaba los tres respectivos clips de los singles del último álbum y el video de For Your Own Good que aparece al ver el concierto de forma completa. Para la confección de este nuevo álbum de estudio, los Pet Shop Boys contaron con la ayuda y colaboración de diversos artistas reconocidos en el ámbito musical como el productor escocés Craig Armstrong (The Only One, Closer to Heaven), el Dj David Morales (New York City Boy, I Don’t know what you want but i can’t give it any more), la cantante Kylie Minogue (interpretando In Denial) y Rollo, sí el hermano de Dido, (For your Own Good). La propuesta visual fue nuevamente lo que más destacaría en esta época ya que el dúo volvería a cambiar de imagen, adoptando un look mas nocturno y underground, incorporando elementos new wave, punk y orientales. El destacado director Pedro Rommanyl, estuvo a cargo de los clips, quienes fueron alabados por la gran estética y meticulosidad de su trabajo. El video I don’t know what you want but i can’t give it any more ganó un premio al mejor video internacional en los premios Viva Comets Awards, en Alemania En este nuevo álbum, se puede ver al dúo recorriendo una serie de sonidos mas ligado a las discotecas, al techno de moda y al mundo nocturno, pero sin dejar de lado ese sello que los ha caracterizado durante años. New York City Boy fue el tema más recordado en esa era, y pegó bastante en las discotecas de UK y americanas. El video de este hit, fue nuevamente dirigido por Howard Greenhaugh, quien recreó de forma notable el popular Studio 54. Mención aparte tienen las baladas dentro el álbum como por ejemplo The Only One y You Only Tell Me You Love Me When You’re Drunk, la cual se convirtió en el mayor éxito de Nightlife.

Closer To Heaven

Por fin en el mes de mayo de 2001 (concretamente el día 31) y tras varios años de trabajo, se estrena en el Arts Theatre de Londres el musical Closer to Heaven (popularizado también como el primer musical del siglo XXI) co-escrito con Jonathan Harvey, autor teatral de gran prestigio. Inicialmente no es el éxito esperado más que nada por las terribles críticas que recibe el musical, aun así las representaciones se realizaron a lo largo de nueve meses con un resultado de público más que notable. Para ello, el dúo también grabo un CD con cada uno de los temas que presentaron en su show. En este disco, el dúo solo se aprecia instrumentalmente ya que los temas son interpretados por otros artistas como Francis Barber, Billie Trix o Shell, entre otros. El disco tuvo buena acogida por la critica musical y se puede escuchar a los Pet Shop Boys recorrer sonidos que se pasean por el Trip-Hop (K-Hole), Hip-Hop (Out of my system), el pop (Nine out of Ten), el dance (It’s just my little tribute to Caligula, Darling) entre variados estilos. Ese mismo año publican de nuevo sus álbumes Please, Actually, Introspective, Behaviour, Very y Bilingual completamente remasterizados y empaquetados en unas cajas especiales con numerosos detalles para sus fans, incluyendo un segundo CD en todas las cajas con temas contemporáneos a cada disco (remezclas, caras B, colaboraciones,...), más un libreto que contiene todas las letras comentadas por los propios Neil Tennant y Chris Lowe. La decisión fue tomada en agradecimiento a sus fans, debido a que la BBC decidió realizar un concurso telefónico en la que elegirían al grupo más importante de los 80’s, siendo los Pet Shop Boys elegidos con más del 80% de las preferencias.

Release

En 2002, el dúo lanza su álbum Release, considerado por los fans como un impasse en la carrera musical del grupo debido a que en este álbum experimentan con composiciones que no son puramente electrónicas, sino que asistimos a la presencia de otros instrumentos electro-acústicos como guitarras y percusiones. Pese a las criticas de sus fans más acérrimos por la nueva declaración de principios de Pet Shop Boys: “Estamos totalmente distanciados de las canciones bailables porque, en su mayoría perdieron el apego a crear una serie de emociones adultas en el oyente. Ya no nos interesa ese estilo”, la critica elogiaba al nuevo trabajo del dúo londinense, a tal punto que fueron nominados a un premio Grammy. Release no estuvo exenta de polémicas: El video Home and dry, dirigido por Wolfang Tillmans fue premiado por la cadena MTV, pese a la ira de los fanáticos quienes consideran a este como el peor video debido a la sencillez y carencia de temática en el video. Por otra parte, su segundo sencillo I Get Along, se vio envuelta en una controversia debido a que hacia una alusión a una conversación “ficticia”, en la cual, Tony Blair debió dejar fuera a su hombre fuerte y amigo, Peter Mandelson. Por lo mismo, Mandelson se reunió con el grupo para hablar sobre este asunto y evitar ir a la corte. En el video, en los instantes finales, aparecen imágenes de lo que sería el nuevo video del dúo y próximo single: E-Mail, cosa que nunca sucedió. El tercer sencillo, London, solo fue editado en Alemania donde rotó con relativo éxito. Por si esto fuera poco, The Night I Fell in Love, tema que también esta incluido en el álbum, recrea una relación homosexual en la cual un chico se enamora de su estrella pop favorita. Aquí son nombrados dos tipos: Stan (nombre con el cual se identifica al rapero estadounidense Eminem) y Dre (alusivo a Dr. Dre, afamado productor musical del genero hip-hop y además mentor y maestro de Eminem). El asunto no cayo muy bien a ambos artistas y dedicaron parte de la canción Can I Bitch?, en la cual se vengaron del dúo inglés. A finales del 2003 combaten la frialdad generada con Release con una doble antología de éxitos, PopArt, que les lleva a realizar, en el verano del 2004, una mini-gira basada en sus canciones más conocidas. El 'tour' les lleva al festival de Benicàssim y a las fiestas grandes de Bilbao. En el álbum fueron consideradas solo las canciones que llegaron al Top #20 del UK Chart, estrenando dos nuevas canciones que también cumplieron esos requisitos: Miracles y Flamboyant. Este lanzamiento fue acompañado con la edición limitada PopArtMix, en la cual, la dupla integrada por Tennant y Lowe escogió los 10 mejores mixes de sus temas, realizados por prestigiosos Djs a nivel global.

Battleship Potemkin

En 2004 trabajan en la banda sonora del filme ruso El Acorazado Potemkin de Eisenstein (1925), puesto en escena por primera vez en un concierto multitudinario en la plaza de Trafalgar, de Londres, el 12 de septiembre de 2004, en colaboración con la Orquesta Sinfónica de Dresde a cargo del director Torsten Rach. La realización del evento se debió a las conversaciones que tuvieron encargados del gobierno británico con el dúo, ya que necesitaban buscar imperiosamente un grupo pop capaz de realizar un evento de tales magnitudes. Un motivo de trasfondo en este show según la dupla, fue una manera de protestar contra la invasión de Iraq de 2003 ya que la cinta contiene tintes bélicos que fueron bastante impactantes para su época (1923). El disco consiguiente sale a la venta en septiembre de 2005, bajo la autoría de “Tennant – Lowe” ya que comercialmente no pudieron utilizar el nombre de “Pet Shop Boys” en el mercado de música clásica.

Fundamental

La edición de su nuevo disco de estudio, Fundamental, producido por Trevor Horn, fue lanzado el 22 de mayo del 2006, tras postergarlo por un año debido a motivos laborales, en conjunto con su nuevo éxito "I'm with Stupid", editado el 8 de mayo del mismo año y que alcanzó el número 8 en las listas británicas. En el video, la dupla humorística integrada por Matt Lucas y David Walliams, populares por la serie Little Britain, interpretan a Chris Lowe y a Neil Tennant en una parodia, donde hacen un resumen cómico de su carrera. El segundo single, "Minimal", sólo llegó al 19, a pesar de ser considerado superior a su predecesor. Esta mala posición se atribuye en parte a problemas de distribución durante la semana de lanzamiento. En verano de ese año actuaron en varios festivales, contabilizándose hasta seis conciertos en España, uno de ellos en La Granja de San Ildefonso de Segovia donde realizaron un magnífico concierto con gran asistencia de público del El Acorazado Potemkin, lanzando posteriormente en otoño un tour mundial que comenzó en Estados Unidos. En octubre se publicó el tercer sencillo de Fundamental, "Numb", junto con el primer disco en directo del grupo, Concrete, que recoge la actuación que dieron en Mayo en el Mermaid Theatre de Londres junto con la BBC Concert Orchestra y con invitados especiales como Rufus Wainwright, Frances Barber y Robbie Williams. Numb, el tercer sencillo de Fundamental, es el segundo sencillo en toda la historia de la dupla que no alcanzó el top #20 en el UK Chart y nuevamente se atribuyó a la no distribución del single por parte de la discográfica. Una molestia que se evidenciaba en el propio sitio web de Pet Shop Boys, donde llamaban a denunciar si es que el single no llegaba a su destino. Casi al mismo tiempo de estos dos lanzamientos (Concrete y Numb) han publicado Catalogue, un libro que recoge todo el material gráfico publicado por el grupo, en su mayoría diseñado por Mark Farrow y A Life in Pop, un documental de dos horas sobre la historia del grupo que incluye los últimos vídeos de la banda. Una vez finalizada la gira en Sudamérica y Australia realizada en los meses de Marzo y Abril de 2007 (cuya primera parada curiosamente fue el día 5 de Enero en Madrid) se embarcaron en una nueva gira europea que pasó por Alemania, Francia, Reino Unido entre otros países y evidentemente por España. Al inicio de la gira europea publicaron el DVD Cubism grabación del concierto ofrecido el 14 de Noviembre del 2006 en el Auditorio Nacional de México D.F. En Octubre de este mismo año (2007) se publicó Disco 4, el cuarto álbum de la serie Disco que iniciaron en 1986, seguido de Disco 2 en 1994 y Disco 3 en 2003. Se trata de álbumes dedicados básicamente a nuevas remezclas de sus propios temas, aunque en Disco 4 dan preferencia a las remezclas realizadas para otros artistas, como Madonna, David Bowie, Yoko Ono o Rammstein entre otros. De este disco lanzaron el remix de Integral para promocionar el disco, eso si, la cantidad de ejemplares fue limitada a unas cuantas copias para la venta y para ser distribuidas en las discotecas de Europa y Norteamérica. El video de esta canción, cuya temática es la protesta a los IQ card, una nueva ley que identificará a los ciudadanos británicos a través de números, marca una verdadera vanguardia en tecnología ya que incorpora un sistema similar a los IQ card en la cual, al tomar fotos al video clip con teléfonos móviles adaptados a esta tecnología, se pueden descifrar más de 150 páginas relacionadas con el tema.

Yes

Yes es el décimo álbum de estudio, cuya grabación se llevó a cabo durante 2008 bajo la producción de los propios Pet Shop Boys en conjunto con Brian Higgins y el equipo de producción Xenomania. Xenomania es coautor de tres de las canciones de esta nueva grabación. El guitarrista Johnny Marr (The Smiths, Electronic) y Owen Pallett, también aparecen dentro de los créditos.

Su lanzamiento en el Reino Unido está programado para el próximo 23 de marzo de 2009. El primer sencillo "Love, etc." se dió a conocer el 16 de marzo de 2009.

Actualmente han comenzado el "Pandemonium Tour", Una Gira de talla mundial promocionando este álbum de estudio.

Imagen

Una de las características mas elocuentes con la que se puede identificar a Pet Shop Boys es la imagen que han sabido mantener por años y que se ha ido renovando a través del tiempo. Si bien, en un comienzo, en las primeras presentaciones no poseían un look muy definido, cuando empezaron a adquirir mayor fama internacional y mayor protagonismo en la televisión, el dúo adoptó una imagen más bien marcada a como son sus personalidades individuales. Neil Tennant siempre vestido de manera elegante y sobria, mientras que su compañero Chris Lowe usaba atuendos que iban más acorde a la moda callejera, con su eterna gorra de béisbol y gafas oscuras. Ya con la decisión tomada de los roles que cada uno de los integrantes iba a cumplir en Pet Shop Boys, Neil Tennant tomó las riendas del grupo y sería la cabeza visible de este, mientras Lowe pasaba a un segundo plano, mas silencioso y casi desapercibido. Más aún, según las propias palabras de Tennant, Tom Watkins, el primer manager del dúo, quería echar a Lowe ya que creía que no aportaba en nada a la agrupación. Con el tiempo y dependiendo del disco que promocionaban, iban a tomar un look acorde a este, por ejemplo, en Very, su imagen iba a cambiar radicalmente, adoptando una imagen más infantil y caricaturesca, para muchos ridícula, en la cual utilizaban trajes, conos, gafas y pelucas coloridas, dependiendo de la canción, siendo los más recordados, los extraterrestres que aparecían en el video Can you forgive her?, atuendo que también usan muchos fanáticos en sus recitales. Mucho más tarde, en 1999 y promocionando su álbum Nightlife, la dupla adquiere una imagen mucho más fresca y jovial, acorde a los estándares nocturnos que ellos conciben, eso si, incorporando elementos orientales, del punk y el new wave. Fue así como la prensa alemana los llamó “The samurais in autumn”, frase que después llegó a ser una de las canciones del álbum Release. Para el 2006 y celebrando el lanzamiento de Fundamental, Pet Shop Boys, volvió a lucir una nueva imagen, eso si, esta vez incorporaron trajes oscuros que recuerdan a la Inglaterra del siglo XVIII, contrastando enormemente con el neón y la luminosidad con que presentaron su última gira.

Caras B

Otra de las características destacables de este dúo inglés son la gran factura y calidad de las caras B que acompañan a sus singles promocionales. Si bien, los Pet Shop Boys han declarado que estas canciones son sus favoritas entre todas las demás, podemos encontrar aquí, la verdadera esencia musical de estos británicos, que en reiteradas oportunidades para muchos críticos de música, no pueden explicarse cómo dejan fuera de los álbumes de estudio a canciones que superan en cuanto a ritmo y calidad a sus caras A. El primer compilado de lados B fue editado en 1995, se tituló Alternative y reunía a todos los temas entre los años 1985-1995. Paradójicamente, una gran cantidad de estos temas ya habían sonado bastante en las radioemisoras en su primera edición como caras B, entre las que destacan In The Night, Paninaro, Shameless, Miserablism, We all feel better in the dark, e incluso, algunas llegaron a tener una muy alta ubicación en charts de algunos países. Hasta el momento, la dupla no ha anunciado planes de un “Alternative 2”, que reúna las canciones editadas después del último compilado que nuevamente reuniría canciones de gran nivel que podrían haber integrado algún álbum de estudio como es el caso de I didn’t get where I’m today donde colabora el ex Smith, Johnny Marr. En la última gira de Pet Shop Boys, Fundamental Tour, específicamente en su paso por Sudamérica y Oceanía, el dúo utilizó dos caras B en su tracklist: Paninaro y We’re the Pet Shop Boys.

Colaboraciones

Desde los primeros años en los cuales, Pet Shop Boys, adquirió notoriedad mundial, comenzaron a colaborar con prestigiosos artistas ya consagrados como es el caso de Liza Minelli, a quien le produjeron 7 de sus canciones de su álbum Results y también a su amiga, la ya fallecida Dusty Springfield. Más tarde vendría el turno de Boy George con la conocida canción que iría en el Soundtrack de la Película “The Crying Game”, tema del mismo nombre. Electronics, Pete Burns, Eighth Wonder, Blur, Suede, Cicero, Kylie Minogue, Fat Les 2000, Robbie Williams, Myu, David Bowie, Peter Rauhofer, The Killers, Yoko Ono, Superchumbo, DJ Fresh, Rufus Wainwright, Rammstein, Madonna, Atomizer, Alcazar, Bloodhood Gang, Kiki Kokova, Tina Turner y el ex futbolista del Arsenal de Inglaterra Ian Brown son algunos de los artistas a los cuales la dupla ha aportando tanto como compositores, producción, vocalización o remezclando, trabajo que últimamente le ha traído bastantes y buenos dividendos, llegando al #1 de los charts más prestigiosos de música bailable.

Actualidad

Además del nuevo álbum "Yes" arriba mencionado, los Pet Shop Boys también han estado trabajando en colaboración con la artista visual y musical, Sam Taylor-Wood, con quien grabaron un cover del tema "I’m love with a german film star", que recientemente alcanzaron el número uno del "UK top 40 Dance Singles Chart". Sin embargo, el trabajo de la dupla no queda allí, ya que pretenden componer un ballet clásico de manera paralela a la producción de su décimo álbum de estudio. Asimismo, el 18 de febrero de 2009 recibieron la distinción por su colaboracion a la música britanica, en la ceremonia brindada en los "Brit Awards", en cual cerraron la noche junto con invitados de la talla de Lady Gaga y Brandon Flowers (cantante de "The Killers").

Influencia en el medio musical

El dúo tuvo gran éxito en Estados Unidos en la segunda mitad de los 80s, con éxitos como "West End Girls" que alcanzó el número uno en los charts. Su último sencillo que entró en el Top 40, "Domino Dancing", alcanzó el número 18 en los charts norteamericanos en 1988. Desde entonces, el grupo ha gozado de culto y éxito en los clubes estadounidenses, además de ocupar el cuarto lugar en la lista de artistas más exitosos en los "dance charts", tan solo detrás de Madonna, Donna Summer y Janet Jackson, con ocho números uno en el "Billboard Dance charts". Además, el dúo británico ha realizado cuatro giras mundiales, en 1991, 1999-2000, 2002 y 2006-2007. Durante cada gira, presentan un gran número de conciertos en Estados Unidos principalmente, además de múltiples presentaciones en el resto del mundo.

Su más reciente álbum de estudio, Fundamental, fue lanzado bajo el sello discográfico Parlophone el 22 de mayo de 2006. Este alcanzó el puesto número 5 en Reino Unido y en el resto de Europa el numeral 2. El primer sencillo del álbum, "I'm With Stupid" fue lanzado en Reino Undio el 8 de mayo de 2006, alcanzado el puesto número 8 en los charts británicos de sencillos. En diciembre, el dúo fue nominado para dos premios Grammy en las categorías "Mejor Grabación Dance" ("I'm With Stupid") y "Mejor Album Dance/Electrónico" (Fundamental).

En 2003, el libro Billboard's Hot Dance/Disco 1974-2003 aparecían como el cuarto grupo con más éxito en las listas de éxitos de música disco y de baile de Estados Unidos, tras Madonna, Janet Jackson y Donna Summer. En octubre de 2005, una banda tributo sueca llamada West End Girls obtuvo el número tres en las listas de éxitos de su país con una versión de "Domino Dancing". En enero de 2006 publicaron su versión de "West End Girls", y su disco se publicó en junio. Pet Shop Boys también tienen una banda tributo en Birmingham, llamada Pet Shop Noise, que actúan en el Reino Unido desde hace varios años. El disco de Madonna "Confessions on a Dance Floor", publicado en noviembre de 2005, incluye una canción llamada "Jump", que tiene muchos parecidos con "West End Girls". En una entrevista en Popjustice con Stuart Price, el productor del disco de Madonna, dijo que "Jump" está totalmente inspirada por Chris Lowe. Parece ser que durante la grabación del disco, Madonna dijo "Pet Shop Boys! I fucking love them!" ("¡Pet Shop Boys! ¡Me encantan!"). Pet Shop Boys remezclaron "Sorry", el segundo single del disco. Este remix se ha convertido en uno de los preferidos por los fans de Madonna, ya que en su última gira ha estado usando esta versión en lugar de la que aparece en su disco. La historia entre Madonna y Pet Shop Boys se remonta a 1988 con la canción "Heart". Fue compuesta por el dúo con la idea de ofrecérsela a Madonna para que la cantara ella, pero no se atrevieron a llamarla para proponérselo y la grabaron ellos mismos, en dicho video del éxito interviene el famoso actor Ian Mckellen (X-Men, El Señor De Los Anillos, entre otros), como "vampiro enamorado". La canción fue número uno en las listas británicas. Más tarde, en 1991, incluyeron una referencia irónica a Madonna en la canción "DJ Culture", tras el divorcio de Madonna y Sean Penn. Tennant escribe, "Like Liz before Betty / She after Sean / suddenly you're missing / then you're reborn" ("Como Liz antes de Betty / Ella después de Sean / de repente estás perdido / y entonces renaces"). Tennant se refiere a la 'reinvención' por la que Madonna estaba pasando en esa época. Madonna también homenajeó a Pet Shop Boys en la gala de los Brit Awards de 2006, al nombrarlos como uno de los artistas británicos que influyeron en su música durante su discurso tras haberle sido entregado el premio a la mejor artista internacional por Neil Tennant. El dibujante de cómics americano Thomas K. Dye, conocido por crear el web-cómic satírico Newshounds, comenzó intentando hacer un libro de cómics llamado The Boy Shop Pets, al que le puso este nombre porque los protagonistas eran animales. Fue escrito entre noviembre de 1991 y enero de 1992. El popular libro Record de Guinness del año 2008, nombró a los Pet Shop Boys como el dúo más exitoso de todos los tiempos, estableciendo 42 hits en la cima de los charts de más renombre. Esta no es primera vez que la dupla aparece en sus registros. Antes lo habían hecho por registrar la canción con el título más largo del mundo y que figuró dentro del Top #20 UK Chart; el tema fue I don’t know what you want but I can’t give it any more, del mencionado álbum Nightlife El artista Robbie Williams, el grupo británico Keane, Scissor Sisters, The Killers y la cantante Kylie Minogue, también han mencionado a Pet Shop Boys frecuentemente como influencias. La canción del grupo americano Guns N'Roses "November Rain" está inspirada en "My october symphony", según Axl Rose, líder del grupo. Los cantantes George Michael y Elton John también han declarado su admiración por la dupla inglesa, en especial este último, quien ha grabado en conjunto In Private, del disco Fundamentalism y anteriormente ya había hecho duplas para la TV inglesa con el tema Believe/Song for a Guy. Recientemente, el periódico inglés The Telegraph colocó, en el lugar número 18, a Pet Shop Boys en un conteo de los mejores compositores ingleses.

Pagina: http://www.petshopboys.co.uk/

Richard Cheese

Richard Cheese es el nombre artístico de Mark Jonathan Davis, un conocido comediante que actúa en Las Vegas. En la ciudad que ha visto florecer a Frank Sinatra y otros famosos crooners como el hoy muy popular Michael Bublé se puede disfrutar de las versiones satíricas de este artista. Es algo así como una mezcla de Frank Sinatra y Kurt Cobain.

A pesar de que sus versiones son satíricas y provocadoras, su estilo musical es cuidado y cuenta con arreglos muy trabajados.

Cuenta con seis álbumes en el mercado, que no han tenido distribución fuera de EEUU, por lo que en Europa, el resto de America y otras zonas del mundo sólo es famoso gracias a las redes P2P y por su página web. Por U$S4000 afirma actuar en reuniones, bodas, bautismos y comuniones.

Historia

Su primer disco Lounge Against the Machine es una parodia del grupo de metal-hip hop Rage Against The Machine. Se especializa en hacer versiones de grupos populares de rock aunque ha llegado a versionear grupos de Hip hop como Cypress Hill, especialmente aquellas canciones con letras ofensivas, usando un estilo lounge. Incluso cuando las letras no son todo lo satíricas o provocadoras, no duda en cambiarlas para adaptarlas a su estilo. Ejemplo de ello es la versión de "We are the world" de Stevie Wonder en la que en vez de la original "somos el mundo, somos los niños" canta "somos el mundo, mantenga a Michael Jackson lejos de los niños", o al iniciar el tema "Rape Me"(Viólame) de Nirvana, comenta: "Here is one for the ladies" (Acá va una para las damas), así como también cuenta la historia de Star Wars en otro de sus temas.

Covers

Entre los grupos versionados por Cheese se encuentran Nirvana, The Offspring, Radiohead, Weezer, Madonna, White Stripes, U2, Outkast, Coldplay, Depeche Mode, Pink Floyd, Oasis, Metallica, Prodigy, Beck, Rage Against The Machine, Slipknot, Linkin' Park, Limp Bizkit, System of a Down, Guns n' Roses, Britney Spears, Green Day, Cypress Hill, Nine Inch Nails, Mystikal, Led Zeppelin, la banda sonora de Star Wars, Stevie Wonder, Van Halen, Korn y Beastie Boys.

Retiro

El 31 de julio de 2007, Richard Cheese lanzó su séptimo álbum llamado Dick At Nite,que incluye temas de series de television.

En el sitio web del artista se anuncia su retiro debido a problemas en la garganta. La gira 2008-2009 será la despedida de los escenarios de este cantante.

Pagina: http://www.richardcheese.com/

Alberto Pérez

Alberto Pérez es un cantautor, compositor, guitarrista y director de orquesta español nacido en Sigüenza (Guadalajara, España).

Biografía

A los 6 años formó parte de la escolanía de la Sagrada Familia de Sigüenza, su localidad natal. A los dieciséis formó un grupo de pop.

Alberto Pérez conoció a Javier Krahe en Sigüenza, municipio donde veraneaba el segundo, gracias al hermano de Krahe, Jorge.

En 1980, Alberto Pérez se incorpora al espectáculo que llevaban a cabo su amigo Javier Krahe y Joaquín Sabina en el sótano del bar La Mandrágora, situado en la Cava Baja del barrio de La Latina en Madrid. En 1981 graban el disco que lleva el mismo nombre del bar donde realizaban su espectáculo, La Mandrágora. Pérez era una pieza importante en las actuaciones del trío, pero en 1982 se separa de sus dos compañeros.

Alberto aportaba la faceta romántica y sentida del espectáculo y su dominio de la guitarra y de la improvisación vocal.

Estudioso de los diferentes estilos de la canción latinoamericana (también da conferencias y hace programas de radio sobre el tema) ha interpretado en solitario una amplia selección de canciones de siempre, olvidadas hasta ese momento, a las que aplica su personal e inconfundible estilo, además de componer sus propias canciones.

Participó en la banda sonora de El viaje a ninguna parte, de Fernando Fernán Gómez en 1986.

Realizó un programa en Radio 3, Corazón loco, durante más de 2 años.

Discografía

Algunos de sus discos son: La Mandrágora (CBS, 1981), Amar y vivir (Ariola, 1984), Sobre la pista (RCA, 1990), Tiempo de baile (Avizor Records, 1999). En estos 2 últimos discos colaboró como letrista Chicho Sánchez Ferlosio.

Estelares

Estelares es una banda juninense-platense de Rock/Pop formada por Manuel Moretti (voz y guitarra), Víctor Bertamoni (guitarra), Pablo Silvera (bajo) y Carlos Sánchez (batería).

Historia

Manuel Moretti nació en Junin, provincia de Buenos Aires. A finales de los años '80 tocaba en un grupo llamado Licuados Corazones dentro del cual, cantaba, tocaba la guitarra e interpretaba canciones propias. El estilo de la banda era algo extraño, con aires de un rock seudo pesado. Ya para ese entonces, Manuel tenía bajo la manga, buenas canciones al estilo de En la habitación, Camas separadas y América.

Víctor Bertamoni también nacido en Junin, tocaba en grupos de esa misma ciudad (Academia de la intuición, El cuerpo limitado y Café Tokio).

Pablo Silvera tocaba en Bar 39 (junto a Coda de Peligrosos Gorriones).

Inicios

En el año 1991, Manuel y Víctor se unen junto a los hermanos Muttinelli para formar el grupo Peregrinos, tocando no más de 20 veces juntos. En la ciudad de La Plata lograron (por su buena música) hacerse de un razonable publico rioplatense, teniendo en cuenta que en el año 1992 participaron en el concurso La Plata Rock obteniendo el 1er premio (concurso en el que participaba además Peligrosos Gorriones). Luego del concurso, meses más tarde, una serie de conflictos musicales dividieron al grupo.

Manuel y Victor siguieron tocando juntos bajo el mismo nombre (Peregrinos) pero pronto, problemas con los anteriores integrantes de la banda, no conformes con que el uso del nombre de la banda, convencieron a estos dos astronautas de que ya era hora de buscar nuevos horizontes y estilos.

A mediados de 1994, en La Plata, los juninenses Manuel Moretti y Víctor Bertamoni se unieron con Pablo Silvera formando el grupo Estelares. Ese mismo año el grupo toca alternativamente en la capital bonaerense y en la capital federal, donde comparte cartel con el grupo brasileño Os Paralamas.

En 1995, Estelares se transforma en cuarteto, con la incorporación del baterista Luciano Mutinelli. Al año siguiente el sello Del Cielito Records publica su debut discográfico: Extraño Lugar. Las canciones son precisas, la explotación de las características de cada instrumento es acorde a la propuesta musical y la expresiva voz de Manuel Moretti transmite pasionales sensaciones rioplatenses. Canciones pop estructuradas clásicamente, pero con interludios, cadencias, fraseos y ritmos propios de otras músicas populares (tango, valsecito criollo) y letras que “narran” sucesos universalmente singulares. Extraño Lugar también es editado en España, a través del sello Plan B. El librillo del disco fue diseñada por Rocambole (diseñador de la gráfica de Los Redondos) por lo que tiene muy buen estilo.

En 1998, Estelares reaparece en las bateas con Amantes Suicidas. El sonido es un tanto más crudo, con una notoria tensión entre el pop y el rock. El disco no tuvo mucha distribución, ni difusión popular, siendo uno de los problemas de ello, el cierre del estudio de grabación donde se había realizado el disco (Cierre del Cielito Records).

2000 - 2009

En el año 2000, Estelares graba un demo de 7 temas titulado íntimamente como Demo verde. Estas siete canciones son demos que la banda tenía pensado sacar a la venta en un disco a mediados del 2000, pero que por alguna maldita desgracia no pudo realizarse. Fue producido por Sebastian Escofet y Estelares en forma independiente y no se consigue en disquerías por no haber sido editado ni distribuido por ninguna compañía discográfica. Tengamos siempre en cuenta que por las canciones que lo componen, este fue el inminente predecesor de Ardimos.

En el 2001 se realiza en compilado Difusión que reúne temas de sus 2 discos (Extraño lugar y Amantes suicidas perdidos en el tiempo, por su salida de catalogo discográfico) y 2 temas inéditos que formaron parte del Demo verde. Este es realizado por la banda en forma independiente y se realiza para distribuir material de la banda a los periodistas y en las radios del país durante sus viajes. También en el 2001 se arma el disco Compilado que son los mismos tema del disco 'Difusión' y este es realizado para distribuir en los lugares donde la banda hace sus presentaciones.

Noviembre de 2003. Con baterista nuevo (Carlos Sánchez), luego de cinco años Estelares edita su tercer LP a través de Discos PopArt. Catorce temas propios y un cover (“Birds”, de Neil Young, que cierra el disco). Entre los músicos invitados figuran Andrés Calamaro (en "Moneda corriente", un tema con destino de hit), Hilda Lizarazu (que puso su voz limpísima en "I’m lucky man"), Gabriel Carámbula (guitarra en "Bienvenida", "Estrella", "Patinar" y "Birds") y el propio Juanchi Baleirón.

Si en Amantes Suicidas ya estaban presentes las ganas de rockear, en Ardimos el planteo se plasma satisfactoriamente y sin tensiones. Y en esto tiene que ver su productor Juanchi Baleirón (guitarrista de Los Pericos).

Ardimos llevó al grupo a presentarse en el escenario principal del Quilmes Rock y en la última edición del festival de Cosquín Rock y fue presentado oficialmente el en el Teatro ND Ateneo de Capital Federal. Ese mismo año, Estelares actuó junto a Miranda y Adicta, Divididos, Los Pericos y Café Tacuba, Turf y Juana La Loca.

Estelares consiguió algo más que un puñado de temas agradables gracias a una combinación que incluyó, según el vocalista Manuel Moretti, "Los fraseos tangueros, la parte melódica que meto como letrista, las influencias rockeras que traemos individualmente y, por sobre todo, la claridad de Los Beatles que nos une a todos".

Manuel, oriundo de Junin y radicado en La Plata desde su adolescencia, contó que el perfil tanguero de sus gustos y de lo que late en Estelares "Se deba quizás a que tanto con Bertamoni como con Silvera tocamos bastante tiempo en un grupo de guitarras de tango".

En la primera mitad del 2007, Estelares consagra el hit "Aire" como el más representativo de su carrera llegando al número uno por 2 semanas consecutivas, sin duda un gran clásico de la temporada en el genero pop latino. A finales de 2007, se conoce el segundo tema difusión, "Un día perfecto", con gran éxito también. Al año siguiente, se presenta "Ella dijo", tema que fue grabado con Jorge Serrano.

El comienzo del 2009 llega con muchas expectativas para los seguidores de la banda ya que será este año en el que editarán el quinto disco en el mes de Junio. Para el mismo se espera versiones de algunas demos conocidas por mucha gente gracias a una página de fans que estuvo difundiéndolas durante unos años y hoy día son accesibles a través de distintos medios, como por ejemplo Ares o Taringa. Finalmente, el 27 de mayo de 2009, se presentó el nuevo cd de Estelares titulado "Una temporada en el amor". Incluye 14 canciones, entre las cuales se encuentra "Cristal", el primer corte difusión, "Hoteles", "Autobuses" y "Un viaje a Irlanda". El disco fue presentado en Musimundo, con un mini recital de 5 temas.

Pagina: http://www.losestelares.com.ar/