Charly García

Carlos Alberto García Moreno nació el 23 de octubre de 1951. Es una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina. Su debut discográfico se produjo en el año 1972, cuando participó del primer disco de Raúl Porchetto, titulado "Cristo Rock".

Mientras cursaba la escuela secundaria conoció a Carlos Alberto «Nito» Mestre. Junto a él y a Carlos Piegari, Beto Rodríguez y los hermanos Belia formó Sui Generis, que, tras sufrir varias deserciones, quedó convertido en un dúo. Al estilo folk norteamericano, muy de moda en aquella época, grabaron tres discos: "Vida" (1972), "Confesiones de Invierno" (1973) y "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones". Por diversas razones, el dúo se separa en 1975, no sin antes organizar un recital despedida, durante el cual se registró un álbum doble, "Adiós Sui Generis".

En 1976 graba un disco con PorSuiGieco, junto a los líderes del rock acústico: Raúl Porchetto, León Gieco, Nito Mestre y María Rosa Yorio.

La Máquina de Hacer Pájaros es el nombre de su siguiente banda, un proyecto novedoso que orilla el rock sinfónico. En su corta vida tuvo dos discos editados: "La Máquina de Hacer Pájaros" (1976) y "Películas" (1977).

Entre 1978 y 1982, García lidera Serú Girán, una de las bandas claves en el Rock Nacional. Con esta agrupación editó cinco discos: "Serú Girán" (1978), "La Grasa de las Capitales" (1979), "Bicicleta" (1980), "Peperina" (1981) y "No llores por mí, Argentina" (1982).

En ese mismo año comenzó su carrera como solista. Raúl de la Torre le encargó la banda de sonido de su película "Pubis Angelical". Simultáneamente, grabó "Yendo de la Cama al Living". Ayudado por la difusión que se le daba en ese momento al Rock Nacional a través de los medios de comunicación (durante la Guerra de Malvinas estaba prohibido pasar música en inglés), el disco tuvo una gran recepción en el público. Canciones antológicas surgieron de él, como por ejemplo "No bombardeen Buenos Aires",

"Inconsciente colectivo" o "Yo no quiero volverme tan loco". Para este trabajo, la banda estaba formada por Willy Iturri en batería, Gustavo Bazterrica en guitarra, Cachorro López en bajo y Andrés Calamaro en teclados. Este material fue presentado en un imponente recital - ante 25.000 personas - en el estadio de Ferrocarril Oeste, el 26 de diciembre de 1982. En la apertura del show, Charly llegó al escenario a borde de un Cadillac rosa y, en el cierre, una lluvia de proyectiles de utilería destruyó la ciudad que formaba el decorado, mientras sonaban los últimos acordes de "No bombardeen Buenos Aires".

En su siguiente trabajo como solista ("Clics Modernos", 1983), se inclinó más por el pop-rock, aunque la canción contestataria encuentra un lugar en, por ejemplo, "Los dinosaurios". Este material fue presentado los días 15, 16, 17 y 18 de diciembre en el estadio Luna Park, acompañado por Pablo Guyot (guitarra), Alfredo Toth (bajo), Willy Iturri (batería), Daniel Melingo (saxo), Fabiana Cantilo (coros) y un joven rosarino en los teclados: Fito Páez. Este disco no fue bien entendido por el público, pues incluía - por primera vez en Argentina - temas «bailables», es decir: el ritmo tomaba otra dimensión, recortando las letras, hasta entonces concepto primordial del Rock Nacional.

La trilogía esencial de García se completa con "Piano Bar" (1984), un álbum rockero que tiene en "Demoliendo Hoteles" y en "Raros peinados nuevos" a sus máximos logros.

En 1985 no grabó ningún disco (fue editada una recopilación, "Grandes Exitos"). Quedó trunco un proyecto con Luis Alberto Spinetta, del cual sobrevivieron algunos recitales y el tema "Rezo por vos" (incluído en dicho disco). Ese mismo año fue protagonista del Festival Rock & Pop, organizado por Daniel Grinbank, donde compartió el escenario con Nina Hagen, INXS y Los Abuelos de la Nada, entre otros, que se llevó a cabo a principios de noviembre en Velez.

Junto a Pedro Aznar - y no sin levantar cierta nostalgia - grabó "Tango" (1986). Este material fue presentado en la discoteca Paladium el 26 de marzo. Su difusión fue muy escasa, pese a que dio la impresión que el proyecto daba para más. Paralelamente, renovó su banda, entonces integrada por Richard Coleman (guitarra), Fernando Samalea (batería), la vuelta de Calamaro y Melingo. Esta agrupación se denominaba "Las Ligas".

En 1987 llegó "Parte de la Religión", considerado por muchos como el mejor disco del García solista. Este material fue grabado e interpretado casi en su totalidad por él, y alterna un rock fuerte con estribillos melódicos. Es, seguramente, uno de sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el contenido de las letras. Ya para los shows en vivo, en julio, la banda que lo acompañaba era nueva: Carlos García López en guitarra, Fernando Lupano en bajo, Fernando Samalea en batería, Fabián Quintiero y Alfi Martins en teclados y nuevamente Fabiana Cantilo en los coros.

El 15 de octubre de 1988, Buenos Aires tuvo el privilegio de ser la sede del cierre de la gira de Amnesty International, que deambuló por más de 50 ciudades de todo el mundo, clamando por los Derechos Humanos. Ese día, más de 80.000 personas asistieron a la cancha de River para aplaudir a grandes músicos internacionales, como Peter Gabriel, Sting y Bruce Springsteen, acompañados por los negros Tracy Chapman y Youssou N'Dour. Como representantes locales, León Gieco cantó su eterna "Sólo le pido a Dios" y "Hombres de Hierro", y Charly arremetió con "Demoliendo Hoteles", "Nos Siguen Pegando Abajo", "Los Dinosaurios" y "La Ruta del Tentempié".

Tras componer en 1988 la banda de sonido de la película "Lo Que Vendrá", de Gustavo Mosquera (en la cual también interpretó a un enfermero), trabajó en su siguiente álbum solista, "Cómo Conseguir Chicas" (1989), esencialmente un trabajo de recopilación de canciones sueltas, que García, por diversos motivos, nunca había grabado.

Para poder lanzar su siguiente disco "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990), García debió sortear un juicio por "ofensa a los símbolos patrios" ya que ese LP incluía una versión del

Himno Nacional Argentino, que, finalmente, terminó siendo autorizada por los Tribunales.

"Mi Buenos Aires Rock" fue el nombre del festival organizado por la Municipalidad que convoca a cien mil personas en la 9 de Julio, para presenciar a García, Spinetta, Fabiana Cantilo y La Portuaria. Si bien estaba pautado que cada artista tocara media hora, García actuó por más de dos horas y terminó con su versión del Himno Nacional en un escenario iluminado con luces celestes y blancas.

Ese disco mostró claramente la influencia de Prince en el estilo de García, influencia que se vería más notoriamente en "Tango 4", un disco compuesto e interpretado a dúo con Pedro Aznar. La idea era grabar un álbum con Gustavo Cerati, de Soda Stereo, que se llamaría "Tango 3". El puntapié inicial fue "No te mueras en mi casa" (incluido en "Filosofía Barata...") y continuó con

"Vampiro", de "Tango 4". Sin embargo, por causas que siempre evadieron comentar, el proyecto quedó en la nada.

El 22 de diciembre de 1991, como hacía casi nueve años, García reunió a 26.000 personas en Ferro para el recital Despedida del Año. En esa oportunidad, ingresó al escenario dentro de una ambulancia: era la forma que había elegido para burlarse de su internación en una clínica, a mediados de ese año. Las versiones periodísticas indicaban que Charly había ingresado con una fuerte sobredosis, hecho que quedaría confirmado con una publicitada relación amistosa con el Pastor Carlos Novelli (director del Programa de rehabilitación Andrés), que terminó en escándalo de acusaciones recíprocas.

La banda de músicos para ese segundo Ferro fue la misma que lo estuvo acompañando desde hacía un tiempo, ahora bautizada "Los Enfermeros". Entre los invitados, estuvieron Mercedes Sosa, Fito Páez y el dúo de rappers Illya Kuryaki & The Valderramas.

En 1992, García representó al rock argentino en Les Alumées, una muestra de la cultura porteña que se realizó en Nantes, Francia. Viajaron tangueros, obras de teatro, pintores y rockeros: Charly convocó a 6.000 personas y fue recibido por el Alcalde de la ciudad. En ese mismo año se dio lo que muchos esperaban: el reencuentro con Lebón, Aznar y Moro para revivir a Serú Girán. Con una placa en estudios ("Serú '92"), recitales en Córdoba, Rosario y dos estadios de River colmados, durante los cuales se registró otro álbum doble, el reencuentro no dio para mucho más.

1993 fue un año de silencio discográfico, pero de mucha presencia en los medios. El veraneo en Punta del Este dejó varias páginas impresas sobre escándalos que siempre lo tuvieron como protagonista. Le siguieron varias internaciones en clínicas de desintoxicación. «¿No te da miedo vivir así?», le preguntaron. «No, me gusta. Es parte de la religión. Los que tienen miedo se van antes. Lo que pasa es lo de siempre: si me tiño el pelo o si me interno, soy tapa de todos los diarios. Si me dieran la mitad de ese espacio cada vez que saco un disco, vendería millones», contestó (Clarín, 16/02/93).

Hacia octubre comenzó la gira que terminaría nuevamente en Ferro, a fines de diciembre. La banda soporte, "Los indeseables", sufrió la deserción de Carlos García López y de Hilda Lizarazu, ambos abocados a sus proyectos individuales (la García López Band y Man Ray, respectivamente). García convocó a María Gabriela Epumer (ex-Viuda e Hijas), para cumplir ambas funciones, guitarra y coros.

En julio de 1994 se lanza su muy publicitada ópera-rock "La Hija de la Lágrima". Como tal, este trabajo incluye muchos pasajes instrumentales y de virtuosismo. "La sal no sala" (junto a Juanse) y "Fax U" son los hits que sobresalen. En septiembre, "La Hija..." se presenta en diez funciones colmadas del Gran Rex.

En febrero del '95 se presentó en el Festival Internacional de la Canción, en el estadio Mundialista de Mar del Plata, junto a Paralamas, Antonio Birabent y Fabiana Cantilo. Repasó algunos de sus éxitos y adelantó material de su nuevo disco "Estaba en llamas cuando me acosté" (1995), al frente de la banda ahora bautizada "Casandra Lange". Todos los temas fueron grabados en vivo, durante la gira por los balnearios de la costa. La placa tiene solamente dos canciones propias: "15 forever", que había quedado afuera de "Tango 4", y "Te recuerdo invierno", una melodía que García compuso antes de Sui Generis. Por otra parte, incluye once covers, entre ellos: "There's a Place" y "Ticket to Ride", de Los Beatles; "Positevely 4th Street" (Bob Dylan) y "Simpathy for the Devil", de los Rolling Stones. "Sweet Dreams", de Eurythmics, es el único tema que no respeta la época: «Lo que pasa es que conocí a Annie Lennox en Nueva York cuando estaba por grabarlo y me lo cantó a capella. No podía dejarlo afuera», se justificó Charly.

Aprovechando el furor de los recitales acústicos, García se presentó en el ciclo "Unplugged" de la cadena televisiva norteamericana MTV, con un show que incluyó temas de todas sus etapas y que fue puesto en el aire para toda Latinoamérica en julio y editado en CD para fines de ese mismo año. El material fue tocado en vivo en el teatro Gran Rex, a fines del '95.

En el verano del '99 fue la gran atracción del ciclo gratuito Buenos Aires Vivo III, organizado por el gobierno porteño en Puerto Madero. Más de 150.000 personas aclamaron a García en un show dedicado a los desaparecidos y registrado en vivo para el disco "Demasiado Ego". Ese mismo año volvió a la polémica, al organizar un recital privado para el presidente Carlos Menem. Ese show quedó registrado en "Charly & Charly" un disco de edición limitada que no salió a la venta.

Tres años debieron pasar para que García regresara al disco, y al formato de canción en sus creaciones. "Influencia" (2002) tuvo en "Tu vicio" el corte difusión, pero el resto del material es bastante más interesante que esa melodía pegadiza pero superflua.

Pagina: http://www.demoliendohoteles.com.ar/

Gondwana

Gondwana es un grupo musical de reggae chileno, creado por I-Locks Labbé en 1987 en la población La Pincoya de Santiago. Poseen 5 discos, estos son Gondwana o Together, como fue lanzado en EEUU, Alabanza, Made In Jamaica , Crece y Resiliente. Por muchos años contó con la voz del carismático líder Quique Neira quién colaboró con el real éxito en Chile y el extranjero, tocando en festivales de reggae en Estados Unidos y Jamaica, cuna del movimiento. Actualmente la banda posee dos vocalistas y mantienen la fuerza que les caracteriza.

Las históricas ventas, reconocidos sencillos y más de mil conciertos en vivo avalan la trayectoria y vida del grupo nacional Gondwana. La banda de reggae más importante de la música chilena que desde su primera formación en 1987 cultiva y difunde la cultura rastafari. Desde los escenarios de la Pincoya fueron creciendo los adeptos y las historias. Algunos hitos como su recordada presentación junto a Los Pericos en 1994, hasta sus dos actuaciones en el Festival de Viña del Mar (2001 y 2003) fueron algunos manifiestos del macizo estado musical que ha fortalecido el crecimiento de Gondwana. Desde el álbum debut “Gondwana” (BMG 1998) el grupo comenzó a escribir una serie de hechos importantes para lo que se conocía como nuevo rock chileno. El primer sencillo “Changa Langa” fue la primera canción de una banda de reggae nacional que entro a las listas de popularidad. Éxito que se multiplicó con la difusión del single “Armonía de Amor”, la canción más programada del año ’99 en nuestro país. Como resultado, sólo en su primer año el álbum súpero las 70 mil copias vendidas. En el 2000 “Alabanza. Por la Fuerza de la Razón” entregó la canción “Antonia” a las radios para convertirla en el sencillo más importante de su discografía y una de las canciones más recordadas de la música chilena de las últimas décadas. El álbum, rápidamente, súpera las 90.000 copias vendidas en Chile, mientras Gondwana inicia una extensa gira de presentaciones por Estados Unidos, México y en países de Centroamérica y Europa. El tercer disco “Made in Jamaica” (2002) es el primer disco de Gondwana para el sello EMI. El álbum debutó en medio de altas expectativas comerciales tras el provisor resultado conseguido con sus primeros trabajos. Las canciones “Felicidad”, “Ignorancia” y “Nuestro sueño” repercutieron en las listas para sumar a los históricos logros de la banda. La discografía de Gondwana superaba las 200.000 copias vendidas en nuestro país. El álbum “Crece” (2004) es el primer trabajo del nuevo vocalista Kingo. La placa consolida la presencia radial de Gondwana con los sencillos “Mi Princesa”, “Give Your Love”. Con este álbum el grupo se concentró en su carrera internacional con extensas giras de conciertos en lejanos en nuevas fronteras. El quinto y más reciente trabajo “Resiliente” (2006) ha sido publicado en Chile y Argentina a través del sello Leader Music. La placa incluye 14 nuevos temas entre las que destacan las canciones “K-in” y el nuevo single “Pequeña Dama”. El álbum fue grabado y producido por el tecladista del grupo Keno Fingaman. La formación actual está integrada por el fundador Claudio I-Locks Labbé en bajo, Maxi Vargas: voz, Keno Fingaman: teclados y coros, Leo “Dread” Muñoz: percusiones y raggamuffins, Fabián Córdova: guitarra y coros, Seba Farias: batería, Ronny Alvarez: teclados, Hugo Prado: trombon, Pato Luco: trompeta y gato ramos: saxo

Gondwana ya estrenó su nuevo álbum en Argentina, México y Chile con enorme éxito. Destacan sus recientes actuaciones junto a UB40 en el festival Summer Fest y su participación en Vive Latino en el DF, México, país donde el grupo chileno completó una gira de 18 conciertos.

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Marea

Marea es un grupo de rock navarro (España) formado en 1998 por Kutxi Romero. En su discografía, hasta el año 2007, se encuentran cinco discos.

Origen

Hacia el invierno de 1997, Kutxi decide formar un grupo propio de puro Rock'n'roll, después de haber formado parte de varias bandas de punk.

Decide llamar a Alen Ayerdi -ex batería de Begira- que no duda en unirse al proyecto de Kutxi, pese a estar ocupado con otro. Contacta con Edu Beaoumont (El Piñas, que había conocido un año atrás). Piñas no había tocado anteriormente en ningún grupo, pero Kutxi -gran amigo suyo- le insiste en formar parte del grupo como bajista. Piñas accede y hace que Kutxi conozca a César Ramallo, que luego sería uno de los guitarristas de Marea. David Díaz, alias: el Kolibrí, guitarrista, entra en el grupo como refuerzo para los otro cuatro miembros del grupo.

En su origen, la banda se llamaba "La Patera", pero al ir a registrar el nombre de su banda para lanzar su primer disco titulado "Marea" se enteraron que ya existía un grupo llamado "La Patera". Al no poder convencerlos que les cedieran el nombre intercambiaron los nombres y la banda pasó a llamarse Marea y el disco La patera.

Desarrollo

Con nombre y disco, Marea inicia una pequeña gira con el grupo sevillano Reincidentes y conoce a las bandas Narco y los Porretas. Seguidamente, tocan con Buitaker, Etsaiak, Soziedad Alkoholika, La Polla y otros muchos grupos.

Tras problemas con la discográfica internacional, encuentran otra de Pamplona, llamada GOR Discos y empiezan a preparar su segundo disco: Revolcón. El día 15 de septiembre de 2000 sale a la calle Revolcón. GOR hacía campaña mientras Marea vendía su disco por numerosas emisoras de radio. Así logran hacer conocer su segundo disco.

Tras el éxito en 2001, tienen problemas con la discográfica GOR y buscan otra nueva "casa de discos".

En febrero de 2002, a las órdenes de Iñaki "Uoho" Antón -guitarra de Extremoduro y Platero y Tú-, comienzan a grabar Besos de perro, su tercer disco. Grabar en la casa de Uoho durante dos meses dio resultados óptimos a la grabación. Colaboraron: Robe ("Extremoduro") y Fito ("Platero y Tú", y "Fito & Fitipaldis"), Martín Romero, (cantante de Bhatoo y hermano de Kutxi, que ya había colaborado en el de La Patera), Arantza Mendoza y muchos más. El disco salió a la calle el día 22 de abril del 2002. Ese día Marea comenzó una gira de 8 meses en la que hicieron 81 conciertos por toda España.

Después de 5 años sin descanso se dan cuenta del desgaste y el cansancio que en ellos había provocado todo, así que deciden dar una pausa a su trayectoria como grupo y plantear el futuro de Marea. El día 28 de diciembre del 2002 se eligió como último concierto de la gira 2002. Ese día, junto a Silencio Absoluto, Fito Cabrales, Uoho, Alfredo Piedrafita, el Drogas, Martín Romero, Iker Dikers y 800 personas que llenaron la sala Artsaia, se despidieron de los escenarios temporalmente.

Deciden montar su propio estudio y empezar a componer canciones para un cuarto disco sin presiones ni normas. En todo el año 2003 compusieron 12 canciones, pero de acuerdo con su filosofía del respeto al "rokanrol" y su amor por lo que hacían. En octubre de ese año se acaba el disco y el local de ensayo. Y el 9 de diciembre del 2003 -con "El Kolibrí" produciendo el disco- y con el apoyo de Aitor Ariño, empezaron a grabar -en los Estudios Lorentzo Records de Berriz- su cuarto disco: 28.000 puñaladas.

Tras una gira, pasando por todos los puntos de España, incluyendo llenos en Madrid (Palacio de Vistalegre, y Plaza de toros de Leganés) y Barcelona (Vall D´Hebron) la banda decide tomarse un descanso. En marzo de 2005 deciden retirarse del directo, pero en abril del 2006 mediante un comunicado en su web, Kutxi anuncia la vuelta a los locales de ensayo de la banda.

Tras varios meses, Marea se vuelve a meter en el estudio de grabación, esta vez en los estudios R-5 que no son otros que el local donde ensayan, el sótano de la casa de Alen. Su último disco salió a la venta el 24 de abril de 2007 con el nombre de Las aceras están llenas de piojos (con la colaboración de Brigi Duque de Koma para la canción Nana de quebranto, entre otros) y está acompañado del directo grabado en Vall D´Hebron Barcelona durante la gira 28.000 puñaladas. También decidieron cruzar el charco e ir de gira por Sudamérica dónde se publicó un recopilatorio de los mejores temas bajo el nombre de "Secos los pies; Marea 1997-2007".

Formacion

- Kutxi Romero: Voz y letras.
- Edu Beaumont "Piñas": Bajo y voz.
- César Ramallo: Guitarra Eléctrica.
- Kolibrí Diaz: Guitarras (eléctrica y acústica).
- Alén Ayerdi: Batería, percusión y coros.

Pagina: http://www.losmarea.com/

Sade

Su nombre verdadero es Helen Folasade Adu y nació el 16 de enero de 1959 en Ibadan (Nigeria). La voz sensual con matices de jazz de Sade hizo de ella una de las estrellas más celebradas de los años 80. Con padres de origen inglés y nigeriano, Sade creció en Clacton, Essex (Inglaterra), y siendo adolescente ya escribía canciones. Mientras estudiaba arte en Londres, se incorporó a Arriva, donde conoció al guitarrista Ray St. John con quien compuso "Smooth Operator". De 1981 a 1983, Sade estuvo cantando al frente de la banda de funk Pride, que abandonó un año más tarde para formar un grupo propio con los antiguos componentes de Pride, Stewart Matthewman (saxo), Andrew Hale (teclados) y Paul Denman (bajo). El último miembro en incorporarse al grupo fue el batería Paul Cook. El conjunto tocaba regularmente en los clubes londinenses y en 1984 editó su primer single, el candencioso "Your Love Is King", que fue un éxito del Top 10 británico. Diamond life, producido por Robin Millar la introdujo en el mercado estadounidense, donde alcanzó la quinta posición en las listas de singles con "Smooth Operator", que terminó convirtiéndose en uno de los álbumes de debut más vendidos de la década. En 1985 Sade recibió además un Grammy a la Mejor artista revelación. Ese mismo año, Promise, escrito en su totalidad por los miembros del grupo, encabezó las listas del Reino Unido y EE UU y generó otros singles de éxito a ambos lados del atlántico, "The Sweetest Taboo" y "Never As Good As The First Time". En 1986 Sade también hizo su aportación musical a la banda sonora de la película de Julien Temple, Principiantes, donde le ofrecieron un papel especial como Athene Duncannon. Con el ex cantante de Wham!, Leroy Osbourne, en el grupo, Sade comenzó una gira mundial en 1988 que coincidió con la edición de su tercer álbum, una canción del cual, "Paradise", encabezó la lista de R&B en EE UU. Sade tardó un tiempo en lanzar Love Deluxe. Aunque se trataba de otro trabajo maduro, que incluía dos excelentes hits ("No Ordinary Love" y "Feel No Pain"), el caprichoso público londinense se mostró poco entusiasta. El álbum acarició por poco tiempo el Top 30 británico, mientras que en Estados Unidos llegó a vender un millón de copias y alcanzó el tercer puesto. En 1994 se editó una recopilación de grandes éxitos, mientras los hombres del grupo grababan por separado como Sweetback. En 1996, Sade dio a luz a su primer hijo. Y tras una larga espera regresó a los escenarios en noviembre de 2000 con el sencillo "By Your Side" y Lovers Rock.

Si se analiza la trayectoria de esta ex estudiante de diseño de moda y modelo, Helen Folasade Adu, parece que el lapso entre álbumes de estudio incrementó exponencialmente. Ocho años después de LOVE DELUXE, los componentes originales del grupo de Sade se volvieron a juntar y atraparon otra vez en este trabajo la magia de su desaparecida formación. Las voces de LOVERS ROCK son inequívocamente sensuales y hechizantes. El guitarrista Stuart Matthewman evita el crujiente sonido eléctrico que le caracterizaba en LOVE DELUXE, a excepción de "Somebody Already Broke My Heart", que disimula unas elegantes y discretas pinceladas de percusión en los coros. Desde una perspectiva instrumental, LOVERS ROCK se inclina ligeramente hacia lo electrónico, pero tecnológicamente no sofoca la atmósfera y la belleza simple de la música. No es de extrañar que en el centro sigan luciendo las melodías dulces, a menudo de una tristeza profunda, de una vocalista pop como no las hay..

En la década de los 80, Sade fue una gran estrella. Gracias a su lángida mezcolanza de jazz, soul, una onda de salón nocturno y a su aspecto relajado y refinado a medio camino entre Audrey Hepburn y Lena Horne, Sade (que a su vez dio nombre al grupo) ha vendido millones de álbumes y ha hecho una música tan idiosincrásica e icónica, sin dejar por ello de ser accesible, que el epíteto Sadesco forma parte del léxico pop. Ahora, tras ocho años de maternidad y algunos paréntesis (publicó su último álbum en el 92, Love Deluxe ), esta cantante nigeriano-británica ha vuelto con el exquisito Lovers Rock. Tal vez el mejor calificativo sea que suena como un disco de Sade. A pesar de su ir y venir de los escenarios y de un ambiente creativo que hoy día está más interesado en los éxitos rápidos que en lo clásico, un montón de grandes productores darían lo que fuera por trabajar con ella. En cualquier caso, Sade y su grupo (los principales miembros de su grupo de la década de los 80, entre los que se encuentra el guitarrista y saxofonista Stuart Matthewman, que ha producido álbumes para Maxwell), junto con su inseparable productor, Mike Pela, han decidido seguir en sus trece y hacer caso omiso del consejo de los chicos del estudio de enfrente (oh, Shar-day ... ¿has escuchado a ese tal Dre?). O quizás sólo estén haciendo la única clase de álbum que saben hacer. Independientemente de sus motivaciones, la cantante ha hecho mucho más que un disco porque sí: está claro que cuando alguien se toma tanto tiempo el flujo de dinero no es un factor a tener en cuenta. Lovers' Rock está entre los mejores álbumes del año, mientras Sade, utilizando con destreza ese inconfundible instrumento volátil y vulnerable que es su voz, modela odas gentiles e insinuantes al amor y a la pérdida. El primer single es la melodía delicada, casi country, "By Your Side", que rinde escaso tributo a la devoción eterna. El "You think I'd leave you down when you're down on your knees, I wouldn't do that" (Crees que dejaré que te hundas cuando ya estés de rodillas, yo nunca lo haría), de la voz suavemente entonada de Sade, y ese tema de querer que tu amante sepa que confías en él para recoger más tarde los pedazos de esa confianza traicionada, es una constante en el álbum. Musicalmente, Lovers Rock es sencillo (guitarra, bajo, batería, algo de teclados) y carece claramente de florituras. El principal empuje rítmico es el profundo dar y tomar de la mezcla. (No es de extrañar, teniendo en cuenta que el título del álbum está inspirado en un estilo de reggae). En piezas como "Slave Song", la línea del bajo entra y sale, resonando en torno a estribillos del estilo "Gracias a Dios que soy tan fuerte". En el enérgico tema a medio tempo "Every Word", el canto rasta también entra y sale en la mezcla, con una voz perceptiblemente dolida mediante la que Sade se lamenta de que "All of your slick moves, they were once innocent moves". (Todos tus movimientos trabajados fueron en su día movimientos inocentes). Son cuestiones emotivas y evocadoras, y para cada verso como "You came along when I needed a savior" (Tú llegaste cuando necesitaba que alguien me salvara), de la musitante "Somebody Almost Broke My Heart". Hay otro igual de apasionado "How could you have done that to us?" (¿Cómo has podido hacernos algo así?), de "Every Word". Simple y romántico, femenino y universal, Sade ha vuelto y su regreso es bienvenido e estimulante: es positivo que los buenos artistas no sólo sobrevivan, sino que además mejoren con el tiempo.

Pagina: http://www.sade.com/

The Police

The Police es una agrupación inglesa de soft rock y New Wave. Se formó en 1977 y se separó en 1985. En el momento de su separación, era el grupo más popular y con más ventas del mundo[sin referencias].

The Police se reunió para la entrega de los premios Grammy en febrero del 2007 e interpretó Roxanne. Este año se embarcan en una gira mundial que los llevará a tocar en más de 20 países, 21 años después de su último concierto [1] [2] .

Formacion:

- Sting (Gordon Matthew Sumner) (Wallsend, Inglaterra, 1951), bajo y principal vocalista
- Andy Summers (Blackpool, Inglaterra, 1942), guitarra
- Stewart Copeland (Alyxandria, Estados Unidos, 1952), batería
- Henri Padovani ex-miembro (1977), guitarra

Canciones más conocidas

Algunos de los mayores éxitos comerciales de la banda fueron las siguientes canciones:

- Roxanne
- Can't Stand Losing You
- Every Breath You Take
- Message in a Bottle
- Walking on the Moon
- So Lonely
- Every little thing she does is magic
- De Do Do Do, De Da Da Da[3]

Estilo

Su estilo pasó del pop-punk de sus inicios (Outlandos d´amour) al reggae blanco que practicaron en Reggatta de Blanc, explotando su éxito en todo el mundo con su LP (Zenyatta Mondatta) al cual le seguiría Ghost in the Machine. Terminaron su carrera con un disco reconocido por la crítica como una de sus mejores producciones: Synchronicity, en la cual se encuentra uno de sus tema más conocidos, Every Breath You Take.

Liderados por Gordon Matthew Summer, más conocido como Sting (nombre que significa "aguijón" en inglés, y que deriva de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, en plan avispa, ya que el bajista siempre llevaba puesto en su juventud), Police fue uno de los conjuntos británicos con mayor éxito comercial en los años 70 y 80 gracias a su impetuoso pop-rock nuevaolero enriquecido por algunas dosis de reggae y un talento instrumental y compositivo bastante notable.

Historia

Primeros Años

El trío, además del cantante y bajista Sting (nacido el 2 de octubre de 1951 en Tyne and Wear), estaba compuesto por el batería Stewart Copeland (nacido el 16 de julio de 1952 en la localidad estadounidense de Alexandría) y el guitarrista Henry Padovani, quien pronto sería sustituido por el experimentado Andy Summers (nacido el 31 de diciembre de 1942 en Lancashire), un músico que ya contaba con un largo recorrido en la música rock, pues había estado en bandas como The Animals o Zoot Money. También había tocado con Kevin Ayers o Neil Sedaka.

En 1977, tras foguearse en distintas formaciones inglesas de jazz y rock progresivo, el terceto dio inicio a su andadura musical en la escena punk con el apoyo de su representante Miles Copeland, el hermano de Stewart. Su debut se produjo con el single “Fall out”, canción compuesta por Stewart que fue editada en el sello independiente IRS. El tema recogió una notable resonancia, hecho que llegó a oídos de los altos directivos de A&M, con la que comenzaron a grabar en 1978.

Allí publicaron el sencillo “Roxanne”, tema escrito por Sting, el alma de la banda, que en su primera edición no consiguió llamar la atención. La canción se incluyó en su primer disco grande, “Outlandos D’Amour” (1978), sin duda uno de sus mejores trabajos y el más enérgico e inmediato, en donde sonaban clásicos como el citado “Roxanne”, “So lonely” o “Can’t stand losing you”. Además otras piezas menos conocidas como “Next to you” o “Born in the 50’s” formaban parte de un LP extraordinario.

Llegada a la fama

Este brillante inicio de su discografía se confirmaría con discos que copaban las listas de ventas de toda Europa como “Regatta de Blanc” (1979), LP con temas excelentes como “Message in a bottle” o “Walking on the moon”, y “Zenyatta Mondatta” (1980), el álbum que coronó a la banda también en los Estados Unidos (número 5 en en el Billboard) gracias a canciones como “Don’t stand so close to me” o “De do do do, de da da da”. Estos dos últimos discos fueron co-producidos con la banda por Nigel Gray, quien había ocupado puesto de ingeniero de sonido de su debut.

Traspasados los años 80, The Police fue abandonado su condición new wave-reggae para centrarse en su vertiente más pop. Así sucede en “Ghost in the machine” (1981), un disco producido por Hugh Padgham que incluye los singles “Spirits in the material world”, “Invisible sun” y “Every little thing she does is magic”. El éxito permanecía invariable en el viejo continente, alcanzando el número 2 en los Estados Unidos.

Disolución

Finalmente, las tensiones y egos entre los distintos componentes provocaron la disolución final del trío.

Sting inició una carrera en solitario llena de triunfos comerciales en donde había lugar para el pop con ínfulas jazz, soul o AOR.

Copeland tendió, entre otros proyectos, hacia la composición de bandas sonoras. Cuando todavía militaba en The Police editó varios Ep´s bajo el seudónimo Klark Kent, y después de la separación de Police formó parte de conjuntos como Animal Logic o el más reciente Oysterhead, junto al bajista y cantante de Primus, Les Claypool el guitarrista Trey Anasthasio de phish. Colaboró también tocando la batería en algunas piezas del álbum So de Peter Gabriel.

Por su parte, Summers colaboró con grupos de rock progresivo y jazz.

Reunión

A comienzos del 2007 luego de una serie de rumores que sugerían una posible reunión del grupo como conmemoración de los 30 años de su primer single, la banda se reúne para tocar en los Grammys, abriendo la ceremonia al grito de "Somos The Police, y estamos de vuelta" para continuar tocando Roxanne.

En los meses siguientes The Police anunció una gira mundial, rememorando los viejos éxitos de la banda. La gira comenzó en Vancouver a finales de mayo, y deberá terminar el 28 de Junio de 2008 en Manchester, Inglaterra.

Aún no es claro si la banda planea seguir su carrera musical grabando nuevos discos, o si la gira es una despedida definitiva. Ninguna de las dos posibilidades ha sido desmentida por los miembros.

Pagina: http://www.thepolicefile.com/

Popa Chubby

Como Ted Horowitz, Popa Chubby es un auténtico hijo de la Gran Manzana neoyorquina, donde nació en 1960, creciendo en el vecindario que hizo famoso Robert DeNiro en la película Historias del Bronx. Sus padres tenían una tienda de golosinas en la esquina de la calle 181 con la Avenida Arthur y sus primeros recuerdos se remontan a cuando escuchaba en el tocadiscos los éxitos soul y R&B de principio de los 60 (su adolescencia giraría en torno a esto), lo que le causó una impresión imborrable. De esta manera, las influencias musicales de Otis Redding, Wilson Pickett, Aretha Franklin y Marvin Gaye permanecen hasta la actualidad en la música de Popa.

A la tierna edad de seis años, eligió la batería y se convirtió en un especialista en mamporrearla. Sus padres eran grandes fans del jazz y del R&B y tenían una gran colección de discos de 78 r.p.m. y LPs. Popa se pasaría horas y horas repitiendo una y otra vez las secciones que a él más le gustaban. Cuando tenía siete años, su padre le llevó a ver un concierto de oldies en el Madison Square Garden. Mientras se conseguía acercar al escenario, vio a un músico atravesar el escenario mientras tocaba su Gibson 335 como quien toca una campanilla; era Chuck Berry, que pasó a convertirse en el ídolo de Popa. La inesperada muerte de su padre, cuando sólo tenía nueve años, dejó a Ted viviendo con sus conservadores abuelos italianos. Su historia de amor con la batería quedó en una pausa indefinida.

Los 70 llegaron y Popa empezó a escuchar el blues rock que estaba por todas partes. Johnny Winter, Foghat, Led Zeppelin y los Rolling Stones estaban en la radio y en las tiendas de discos y Popa, que era un solitario, llenaba su soledad haciendo sonar una y otra vez todas esas canciones en una gramola de un dólar.

A los 16 años tuvo su primera guitarra y ya nunca la dejaría. Sus dedos sangraban tratando de copiar a los músicos que veía actuar y que a su vez interpretaban los éxitos de otros rockeros reconocidos. A finales de los 70, el punk rock apareció en escena y Popa respondió a un anuncio en el Village Voice que pedía un guitarrista. Fue contratado por el intérprete y artista de efectos especiales japonés Screaming Mad George y tocó en varias actuaciones en el CBGB de Nueva York. Allí conoció al padrino del punk rock, Richard Hell, quien estaba reformando su banda, The Voidoids, en ese momento. Popa fue contratado para hacer una gira mundial. Durante todo ese tiempo, estuvo preparando el terreno con vistas a poder colaborar en los discos de Albert B.B. y especialmente de Freddie King.

“Cuando escuché por primera vez a Freddie King, mi mundo cambió del todo” –nos cuenta. Confiesa que entonces pensaba: “Tío, eso es lo que quiero hacer cuando sea mayor”.

Con la década de los 80 sobre él, Popa tocaba todos y cada uno de los estilos musicales que podía, una gran educación que le permitía vivir dedicándose a la música. En 1984 conoció al cantante y compositor Pierce Turner, quien acababa de firmar con RCA Records. Pierce y Chubby compartían su pasión por Otis Redding y Jimmy Hendrix. Chubby fue contratado para hacer una gira mundial y se le pidió que contribuyera con su guitarra en el álbum de Pierce, The sky and the ground. Popa trabajó con Pierce durante todos los años 80 y durante todo ese tiempo intentó tocar el blues que a él le gustaba.

En 1990 nació la Popa Chubby Band. El nombre fue cogido de una improvisada sesión con Bernie Worell, uno de los miembros fundadores del rock psicodélico de los 70 y del grupo de R&B Parliament-Funkadelic. “Él estaba cantando una canción llamada Popa Chubby y me la achacó a mí” –recuerda. El nombre, según él, captaba la esencia de lo que su música había llegado a representar: Popa Chubby significa básicamente “excitarse”, y justo el sentido de su música es el de la emoción.

Tiempo antes de que estuviera tocando por todos los clubes de Nueva York, Popa consiguió convertirse en la banda residente del ahora desaparecido Many´s Car Wash. Allí pudo ser colaborador y telonero de muchos de los grandes músicos que llegaban a la ciudad. La combinación de experiencias al colaborar con esa variedad de artistas le ayudaron a formarse una visión de lo que él ahora llama “New York City Blues”.

En 1991 entró en el National Blues Talent Search patrocinado por la emisora de radio de Long Beach Klon. Animó a un buen número de bandas a traer sus títulos a Nueva York y fue recompensado con un número de apertura en el Festival de Blues de Long Beach. Popa pronto empezó a ir de gira por el país y editó dos álbumes independientes con su propio sello.

En 1994 firmó un contrato con el recientemente restructurado sello O-keh (Sony Music). Al principio estuvo reticente a firmar con ellos, pero fue la satisfacción de trabajar con Tom Dowd, arreglista y productor por muchísimo tiempo de Atlantic Records y cuyos trabajos con Aretha Franklin, Ray Charles y Wilson Ticket, entre otros, son legendarias, lo que finalmente le convenció. Booty and The Beast se editó en 1994 y el single, Sweet godness of love and beer pronto recorrió el país y se convirtió en un éxito del verano de costa a costa.

Diferencias creativas le dejaron sin agente en 1996, así que empezó a lanzar álbumes en su propio sello. Siguiendo el consejo de Dowd, fue a Europa, donde sus dos primeros CDs fueron lanzados a modo de colección por el sello francés Dixiefrog. El álbum fue un éxito inmediato y le permitió estar de gira de manera continuada. La energía y sus dotes de showman en sus actuaciones le valieron buenas críticas y reconocimiento internacional y, de hecho, se ha convertido en una gran estrella en Europa, donde aparece en las portadas de revistas de guitarra y poco a poco ha ido llenando recintos de mayor capacidad.

El innovador intérprete y productor hizo una serie de trabajos para Dixiefrog, sus propios discos y otros para artistas de la Gran Manzana fueron grabados bajo su producción. En el proceso, él mismo encabezó un subgénero del blues en la ciudad de Nueva York. El sonido de Nueva York es tan complejo como la propia ciudad, abarcando una enorme variedad de estilos callejeros, desde el hip hop, el punk, el rock o el R&B, hasta un adulterado formato de blues. “Nueva York es un crisol de culturas musicales y sociales y el New York city Blues es una amalgama de todos esos estilos”, explica Chubby.

La música de Popa Chubby, forjada en la dureza de Nueva York, lleva al blues a su edad de oro, donde se codea con sus primos contemporáneos como el rock, el rap y el hip hop. Con su agudeza, sus arreglos de guitarra, su increíble voz y su gran habilidad como compositor, Popa Chubby combina con mucho arte el purismo del blues con elementos modernos más urbanos de la música popular de hoy en día.

En mayo de 2000, Dixiefrog lanzó How´d a White Boy Get the Blues? en Europa, donde ha vendido más de 60.000 copias y aún está escalando puestos. Buscando un sello doméstico que supiera entender su particular aportación al blues, Popa llevó el álbum a Blind Pig Records, que lanzó este disco con carácter blues-rock en agosto de 2001. Éste contenía guitarras acústicas y eléctricas, loops de baterías y efectos electrónicos para mostrar lo muy unidos que el blues, el hip hop y el R&B pueden estar. El New York Post publicó: “El sonido de las guitarras en este CD es fantástico; la quintaesencia de lo que el blues de la ciudad de Nueva York es. No hay una mala canción en él”.

El último CD de Popa, Cuvi, Stealing the Devil´s Guitar, se lanzó con Dixiefrog Records en febrero de 2006. Las 13 canciones de este disco presentan un viaje a través del auténtico blues en vivo de Chubby, que scribe sobre la vida y desde el primer corte realiza un camino hacia la parte que él mejor conoce del blues. Musicalmente, este disco es el más variado en texturas hasta la fecha, con sonidos de guitarras acústicas y eléctricas, mandolinas, sitares y una gran dosis de blues-rock duro, mientras que el rap urbano en el tema Smugglers Game tiene sabores de Oriente Medio y transporta al oyente a una travesía por exóticas fronteras.

Pagina: http://www.popachubby.com/

Buena Vista Social Club

Buena Vista Social Club, es un club en La Habana. También es el título de un álbum de música cubana producida por Ry Cooder y un documental de Wim Wenders.

La Habana.- Buena Vista Social Club (o mejor dicho Club Social Buena Vista) era una sociedad habanera para personas de raza negra, muy famosa en las primeras décadas del siglo XX, a la cual le dedicaron dos piezas musicales Arsenio Rodríguez (Buena Vista en guaguancó) e Israel López "Cachao" (Club Social Buena Vista). Inspirado en ese título, Juan de Marcos González conformó una orquesta llamada Afro Cuba All Stars y grabó tres discos, uno de ellos titulado Buena Vista Social Club, la llama que estalló y logró un Grammy en la categoría de música tradicional en 1998.

Un triunfo que sirvió para que el éxito se regara como pólvora e impulsara el renacimiento del son y la trova tradicional de fin del milenio, como uno de los fenómenos más destacados del siglo.

Comencemos con el salón Club Social Buena Vista. Antes de los cambios sociales operados en 1959 en Cuba, existían sociedades de diferentes etnias: negra, española, china y otros grupos. En la primera de éstas, algunas de las más famosas fueron Unión Fraternal, Las Aguilas, Marianao Social, Atenas, Antillas, Isora, Jóvenes del vals y Club Social Buena Vista, fundada en 1932 en el barrio habanero de Buena Vista.

Se encontraba a unos mil metros de lo que sería después el cabaret Tropicana. En 1939 (cuando se inaugura éste) se traslada hacia el antiguo barrio de Alturas de Almendares. Su sede era una residencia de unos 15 metros de largo por 20 metros de ancho, con un patio de unos 10 metros de largo por 15 de ancho.

Se bailaba tanto en la sala como en el patio. La orquesta se instalaba en la sala, donde bailaban los asociados, y, en el patio se colocaban dos cantinas de cervezas Polar y Tropical.

Por el día se habilitaba un ring de boxeo, para entrenamiento, se jugaba al dominó y a las barajas. Se brindaban cursos de costura y otras facilidades a las muchachas. El presidente de la sociedad era Julio Dueñas y la directiva la componían: Travieso, Periquito, Regijo, Marino, Gustavo y Curbelo, como dice la canción de Arsenio Rodríguez.

Los asociados pagaban una mensualidad, un directivo velaba por el comportamiento, sobre todo que las parejas no se estrecharan demasiado al bailar el danzón "en un ladrillito". Era obligado vestir traje o guayabera, zapatos de dos tonos. Las mujeres, impecables.

A los bailes asistían las agrupaciones más gustadas, de esa etnia: Los conjuntos de Arsenio Rodríguez, René Alvarez y Los Astros, Chocolate, Modelo —en los 50—, Chapottín. Las orquesta Ideal, Neno González, Pedrito Calvo, Charanga de Orestes López, Cheo Belén Puig, Típica de Aniceto Díaz, Orquesta Elegante con Cheo Marquetti, Típica de Silvio Contreras, Armando Valdespí, Eliseo Grenet, Estanislao Servía, Arcaño y sus Maravillas.

Club Social Buena Vista ofrecía bailes muy populares; algunos salones más aristocráticos contrataban orquestas más refinadas. Por el Buena Vista...pasaba el tranvía y cerca se encontraba el Crucero de la Playa, en las calles 31 y 42.

La avenida 31 cuenta con 12 pistas, extremadamente ancha para aquellos tiempos. Parte de ellas se llenaban de público que desde la calle disfrutaba el baile. Muchos eran blancos que no podían entrar.

En 1995, el director del grupo Sierra Maestra, Juan de Marcos González viaja a Londres con el fin de promover el disco Dundumbanza. Conversa con el presidente de la World Music, Nick Gold, “le expongo la idea de producir un disco con un “ven tú” (una selección All Stars de la vieja guardia) de algunos músicos consagrados y algo olvidados y rescatar el sonido de las grandes big bands de jazz afrolatino como Machito y los afrocubans.

"Coincidentemente ellos andaban en la misma frecuencia. Nick abraza la idea, sabiendo que en Cuba está el gran yacimiento rítmico con figuras legendarias”.

Rápidamente Juan de Marcos organiza en La Habana, a su regreso, una nueva orquesta, la Afro Cuban All Stars. Entre algunas de las muchas figuras se encontraban Compay Segundo, Ibrahím Ferrer, Manuel Licea (Puntillita), José Antonio (Maceo), Pío Leyva, Raúl Planas. Músicos de la talla del Guajiro Mirabal, Javier Zalba, Orlando López (Cachaíto), Rubén González, Miguel Angá.

Se graban en 1996 tres discos, entre ellos Buena Vista Social Club y A toda Cuba le gusta. Ambos son nominados. Finalmente el primero —que estaba tocado por la magia— se alza con el Grammy 1998 en la categoría de música tradicional.

Comienza la leyenda, la popularidad, la fama mundial. Le sigue el documental Buena Vista Social Club, de Wim Wenders. Los discos escalan el top de la revista Billboard, en Estados Unidos. Los contratan para los salones y teatros más prestigiosos del planeta viajan por los cinco continentes, desde la Tierra Santa a las Murallas de China, de Australia a la Patagonia.

Desde todo el mundo visitan a La Habana fotógrafos, cineastas, periodistas, guionistas, investigadores, cronistas, musicólogos, investigadores, todos los interesados en la música cubana. Cuba vuelve a ponerse en el mapa musical mundial, en el que siempre estuvo. Anteriormente había surgido en La Habana el boom de la salsa cubana. Cuba rompía el bloqueo musical impuesto por la industria de la música y el disco.

Esta es la verdadera historia del Buena Vista Social Club, aunque todavía falta el antecedente que lleva capítulo aparte y la historia de cada integrante de la orquesta Afro Cuban All Stars.

Integrantes

Ry Cooder

Guitarrista, cincuentón, californiano, es un conocido bluesman. Trabajó como solista en sesiones especiales con los Rolling Stones. De amplia discografía que incluye varias bandas sonoras. Acompañó a Win Wenders en el memorable soundtrack de París-Texas –desoladora película, desoladora música, extraño film, extraña música; resulta obvio lo sintonizados que estaban ambos creadores–. Se vuelven a juntar en 1996 para hacer El fin de la violencia. Cooder ya conocía aquello de hacer "música exótica", y uno de sus experimentos ganó un Grammy en 1995. Esto fue por su trabajo con Alí Farka Toure, donde experimenta todo lo que puede caber dentro de una composición de blues incorporándole lo desconocido y hermoso de la música africana de Farka Toure. Luego, decide hacer Buena Vista Social Club, el disco con el que ha conseguido más reconocimiento.

Compay Segundo

Curiosos nombres los de Francisco Repilado, el personaje más querido de toda esta historia. Este santiaguero se dio a conocer con el famoso Dúo Los compadres, el siempre competidor del Trío Matamoros desde los años cuarenta. Sus noventa y tres años lo colocan en la cima, tanto por su arte, como por su demostración de vitalidad. El eterno joven, Compay, sonríe, habla de su nueva novia, habla de amor con picardía, como si tuviera veinte años. Como lo bueno, no dura por siempre lamentablemente, muere en el año 2003

Ibrahim Ferrer

Otro de Santiago, nacido en 1927, es el caso más conmovedor del proceso. Cuando habían pasado dos años de Buena Vista, Ry Cooder decide ponerlo de solista con el álbum Buena Vista Social Club presents Ibrahim Ferrer. En el diario El País de Madrid, se dejan leer las siguientes frases del propio Ferrer: "Es un sueño de juventud realizado a los 70 años. He logrado lo que siempre yo anhelaba, que mi nombre saliera en la portada de un disco. Yo me conformo con eso". Es que Ferrer había sido llamado por Cooder para participar como el protagonista de la segunda entrega de Buena Vista. Este ejemplar es uno de los mejores discos grabados en 1999, según muchas revistas especializadas, más una venta millonaria. La nueva historia de Ferrer comenzó en 1996 cuando "Juan de Marcos se apareció porque me necesitaba para una grabación. Yo le dije que no quería cantar más. Estaba desilusionado. Me dijo, 'mire la única persona que me falta es usted. Además, vaya, se va a ganar 50 dólares. ¿Cuánto? Bueno, pues ya..."

Rubén González

Con sus 81 años, es una estrella del piano, casi ¿o tal vez más? que cuando tocó con Arsenio Rodríguez en los cuarenta; incluso antes que Lili Martínez, para muchos el más influyente pianista cubano. Participó en varias de las grandes orquestas, como en la de los hermanos Castro y en la del inventor del cha cha chá, Enrique Jorrín. Hizo una pasantía por Panamá y llegó a tocar con la Billo's Caracas Boys. Pianista de las Estrellas Areíto. Otro promotor del boom, Juan de Marcos González, le produjo un CD como solista Introducing... Rubén González uno de los del trío inicial de Buena Vista... Más adelnate se reeditó un LP de 1963, donde la estrella es Pucho Escalante, pero la maestría de sus manos y el actual momento de gloria, lo transforman en el solista de esa grabación de aquel importante Noneto de jazz.

Eliades Ochoa

Desde niño tomó las calles, una guitarra y un sombrero. Luego dejó la calle. Se quedó con sombrero y guitarra. Es uno de los más jóvenes del grupo. Acompaña a Compay Segundo en el tema emblema del suceso, Chan Chan. Proviene de Santiago, pasó por la mítica Casa de la Trova. Tiene una potente voz que acompaña con su extraña guitarra. Se incorpora al Cuarteto Patria, fundado en 1939 cuando Ochoa tenía apenas siete años de edad, en 1978. Es uno de los solistas con más actividad después de Buena Vista... Grabó un disco con el ídolo africano Manu Dibango. Recientemente editó un disco con la discográfica Virgin, donde destaca el tema y el video del tema Píntate los labios María.

Omara Portuondo

Se le hizo propaganda durante la Revolución. Ella y Elena Burke trataban de demostrar que Celia Cruz no era la única que tenía azúcar. Valía la pena, las dos primeras señoras provenían del cuarteto mujeril Las Aídas, fundado en 1952. Ahora, en estos tiempos, Omara, con sus setenta años, es la única mujer de este sabroso asunto. Y, siguiendo la experiencia de Ibrahim Ferrer con su disco solista, World Circuit acaba de sacar el tercero de la saga con ella como protagonista: Buena Vista Social Club Presents... Omara Portuondo, grabado entre diciembre de 1999 y febrero del 2000 en los mismos Estudios Egrem de La Habana y logrando los niveles de calidad de los anteriores y el mismo sonido entre añejo y vanguardista. Está producido por Nick Gold y Jerry Boys, pero esta vez no interviene Ry Cooder.

Cachaíto López

Bajista, todo un maestro al tocar el son, que combina curiosamente con la academia. Interpreta tanto a Bach como a Matamoros, al igual que su padre Orestes, maestro de las cuerdas con arco, supuesto inventor del mambo y hermano de Cachao. Ahora, Cachaíto, sobrino de Cachao, quien comenzó a tocar profesionalmente desde los 13 años, se le reconoce, a los 67, como uno de los mejores instrumentistas de este hermoso instrumento.

Juan de Marcos González

Tiene la batuta de A Toda Cuba le Gusta, disco de Afro Cuban All Stars, competidor también en el Grammy de 1997. En 1999 editó, Distinto, diferente, el segundo de la agrupación, con ventas millonarias y una gira exitosa. Juan de Marcos es miembro director del grupo cubano Sierra Maestra. Toca además el tres. Es el alma de estos proyectos; les ha facilitado las cosas a Ry Cooder y Nick Gold.

Manuel "Puntillita" Licea

Tiene 73 años y fue famoso en los años cincuenta cantando nada más y nada menos que con la Orquesta de Julio Cueva y La Sonora Matancera. Ha aparecido en casi todos los discos de esta onda del sello World Circuit.

Amadito Valdés

Timbalero y habanero de 54 años, hijo de músico del mismo nombre. Tocó en la orquesta gigante de Benny Moré, con Chico O´Farril y las Estrellas de Areíto. Tiene mucha actividad en Estados Unidos. Aprendió directamente de Walfredo de los Reyes y con Guillermo Barreto, el timbalero mayor de Cuba.

Pío Leyva

Tiene 85 años y seguramente todos lo habíamos oído mucho antes sin percatarnos, ya que fue cantante de las orquestas de los hermanos Castro, de Bebo Valdés, Noro Morales, de la Billo's Caracas Boys, de las Estrellas Areíto. Se le conoce en Cuba como El Montunero y ha compuesto varias de las canciones que todo el Caribe ha bailado por mucho tiempo. Participa también en los dos CD de Afro Cuban All Stars.

Barbarito Torres

Toca el exótico laúd cubano, desde los diez años, como si fuera un tres, pero el instrumento medieval tiene tradición en la música guajira cubana. Tiene un CD, Habana Café de 1999 que funciona bastante bien, sobre todo cuando participan los veteranos invitados.

Manuel Guajiro Mirabal

Excelso trompetista de 65 años. No podía faltar una trompeta en estas sesiones. En varios temas su instrumento es el único viento y su ejecución intachable.

Aguaje Ramos

Es uno de los trombonistas de moda en Cuba, además dirige Buena Vista en los conciertos en vivo y poco a poco va ganando notoriedad. Es director musical acompañando a Demetrio Muñiz del disco Buena Vista Social Club Presents... Omara Portuondo.

The Verve

The Verve es una banda británica de rock y britpop, creada en Wigan, Inglaterra en 1989.

Formada originalmente por el vocalista Richard Ashcroft, el guitarrista Nick McCabe, el bajista Simon Jones y el baterista Peter Salisbury, Simon Tong se incorporó posteriormente como guitarrista.

Fue uno de los grupos británicos más importantes de la década de los 90, a pesar de las discusiones internas, problemas de salud, adicciones a las drogas y diversos pleitos judiciales que afectaron a sus integrantes.

En 1997, después de su lanzamiento más exitoso, surgieron problemas creativos entre Ashcroft y McCabe que llevaron a la separación en 1999.

En 2007, ocho años después de su ruptura, volvieron a reunirse para grabar un nuevo álbum y comenzar una gira por el Reino Unido.

Historia

Formación y primer EP (1989 - 1992)

The Verve (originalmente llamada Verve) se formó en la ciudad de Wigan en 1989. Liderada por el cantante Richard Ashcroft, comenzó a tener cierto renombre a principios de 1991 por su habilidad para cautivar audiencias con sus aptitudes y texturas musicales.

Dado que los miembros compartían gustos por The Beatles, Pink Floyd, Funkadelic, el Krautrock y la psicodelia, firmaron con Hut Records y su primer EP, Verve EP, se convirtió en un gran éxito, impresionando a la audiencia por el trabajo de guitarra etérea de Nick McCabe y su rock espacial psicodélico.

El álbum, con la portada del diseñador Brian Cannon, fue publicado en el otoño de 1992, y del mismo se desprendieron los sencillos All in the mind, She's a superstar y Gravity grave.

Primer álbum (1993-1994)

El primer álbum, A storm in heaven[1] , se editó en 1993 bajo la tutela del productor de britpop John Leckie, con éxito para la crítica, aunque el público no lo secundó.

Su segundo sencillo, Slide away, llegó al primer puesto de las listas de indie rock. Debido al éxito obtenido, ganaron un lugar en el festival de rock alternativo Lollapalooza, en 1994.

La gira tuvo un saldo negativo, ya que Ashcroft tuvo que ser hospitalizado a causa de la deshidratación que le produjo una sobredosis de éxtasis, y Salisbury fue arrestado por destrozar una habitación de hotel en Kansas.

Después de la gira, la discográfica de jazz Verve demandó a la banda por infringir el copyright y los forzó a cambiar el nombre a The Verve.

Segundo álbum y primera ruptura (1995-1996)

El caos continuó durante las sesiones de grabación del siguiente álbum, A northern soul[2] , aunque comenzaron en forma exitosa. Incluso McCabe se refirió a las tres primeras semanas de grabación como "las más felices de su vida".

No obstante, el abuso de las drogas y la relación turbulenta entre Ashcroft y McCabe comenzaban a desgastar al grupo. Ashcroft describió posteriormente la experiencia como "Cuatro meses intensos, locos. Realmente fuera de control. De una forma genial, pero también de una forma terrible. Como sólo la buena música, las drogas malas y las emociones mezcladas pueden hacerlo".

Dejaron el sonido neo-psicodélico de A storm in heaven y se centraron en un rock alternativo más convencional. Los sencillos This is music, On your own y History llegaron al top 40 de las listas británicas. El estilo de los dos últimos fue particularmente novedoso, ya que se trataba de baladas.

A lo largo de este periodo, el guitarrista de Oasis y amigo de Ashcroft, Noel Gallagher, escribió la canción Cast no shadow[3] inspirada en el atormentado vocalista, incluyendo una broma interna sobre que Ashcroft estaba tan delgado que no hacía sombra. La obra se puede encontrar en el álbum (What's the Story) Morning Glory?. Ashcroft le devolvió la gentileza con la canción Northern soul.

Debido a los problemas internos y el hecho que las ventas no resultaron tan buenas como se esperaba, se separaron momentáneamente tres meses después de la publicación del álbum.

Éxito mundial (1996-1998)

Ashcroft intentó reunir a todos los integrantes unas pocas semanas después de la disolución, pero McCabe rechazó la invitación. Lo sustituyó Simon Tong, un antiguo compañero de colegio en Wigan, como guitarra solista durante la gira.

Ashcroft, Jones, Salisbury, y Tong siguieron adelante y comenzaron a escribir canciones para el nuevo álbum, con lo que todo 1996 estuvo dedicado a las sesiones de grabación.

En 1997, Nick McCabe volvió a sumarse sin que Tong se marchara. En un momento crucial para ellos, con la formación al completo, pasaron por un proceso de grabación "espiritual" (es decir, con drogas) hasta acabar uno de los discos clásicos del britpop, Urban hymns[4] .

Por primera vez en su carrera, The Verve experimentó éxito comercial, no sólo en el Reino Unido, sino también en los EEUU y en gran parte del mundo.

El primer sencillo, Bitter sweet symphony, entró en las listas británicas en el segundo lugar, y llegó al duodécimo puesto en los Estados Unidos.

También alcanzaron el Top Ten con los éxitos Lucky man y The drugs don’t work, logrando este último el primer puesto en el Reino Unido.

Ese mismo año Urban hymns obtendría el galardón de Mejor álbum del año en los Brit Awards 1998. The Verve obtendría así mismo el premio a Mejor grupo del año, superando a bandas como Radiohead y Oasis.

Controversia y ruptura (1999)

Si bien la letra de Bitter sweet symphony[5] , fue escrita en su totalidad por Ashcroft, al día de hoy se acredita también a Mick Jagger y Keith Richards. Esto se debe a que la canción utiliza un riff similar a The last time, canción de los Rolling Stones. The Verve originalmente había negociado la utilización de este riff, pero la compañía que poseía los derechos argumentó que lo utilizó "más de lo estipulado". El problema llegó a instancias legales y The Verve se vió obligado a compartir los derechos de autor.

Sin embargo, y teniendo en cuenta el éxito obtenido por la canción, una nueva instancia judicial obligó a The Verve a ceder el 100% de los derechos.[6] En una entrevista, Ashcroft dijo: "esta es la mejor canción que Jagger y Richards han escrito en los últimos 20 años".[7]

Ya en plena gira, el bajista Simon Jones perdió el conocimiento en el escenario. Además Nick McCabe abandonó la gira inesperadamente y decidió que no podía tolerar la vida de constantes viajes.

Continuaron con el guitarrista de estudio B.J. Cole, pero la fuerza que tenían desde su retorno se desvanecía. Después de ser cabeza de cartel en algunos festivales, guardaron silencio. Entonces comenzaron a correr rumores de que se separarían definitivamente, y finalmente, en abril de 1999, la ruptura se hizo oficial.

Actividades después de la ruptura (1999-2007)

Simon Jones y Simon Tong comenzaron a formar un nuevo grupo, The Shining , con el ex guitarrista de The Stone Roses John Squire, aunque nunca acabó de conformarse en su totalidad. Tong también sustituyó a Graham Coxon en alguna de las giras de Blur y ha sido guitarrista adicional para Gorillaz.

Nick McCabe se ha mantenido alejado de la escena musical excepto por un par de trabajos con John Martyn y The Music.

Peter Salisbury ha trabajado con Richard Ashcroft, además de unirse a la gira británica 2004 de Black Rebel Motorcycle Club, cuando su baterista tuvo que abandonarlos a causa del alcohol y las drogas. Además, tiene su propia banda en Stockport, Inglaterra, y una tienda dedicada a la venta especializada de baterías y otros instrumentos de percusión.

Richard Ashcroft ya había estado trabajando en su primer álbum en solitario previo a la ruptura, y desde entonces ha seguido su carrera solista, llegando a lanzar tres álbumes.

Regreso y nuevo álbum (2007)

En 2007, ocho años después de su separación, The Verve volvió a reunirse para grabar un nuevo álbum. Este hecho fue anunciado en un comunicado por Richard Ashcroft, líder y vocalista.[8]

Con la presencia de sus cuatro integrantes originales (Richard Ashcroft, Nick McCabe, Simon Jones y Peter Salisbury) y la ausencia de Simon Tong, comenzaron a grabar en el mes de junio nuevo material en un estudio de Londres.

Además del nuevo álbum, tienen ya confirmados seis conciertos en el Reino Unido[9] , en las ciudades de Glasgow, Blackpool y Londres.

Pagina: http://www.theverve.co.uk/

Gary Moore

Gary Moore nació el 4 de abril de 1952 en la ciudad de Belfast, Irlanda del Norte. Es uno de los guitarristas más reconocidos del mundo, sacando a relucir sus dotes en la banda Thin Lizzy. Recientemente acaba de editar "The Platinum Collection", el cual viene en 3 discos.

Vida profesional

Gary comenzó tocando en una banda llamada The Boys, pero al poco tiempo, con dieciséis años de edad, decidió formar Skid Row ( no confundir con Skid Row, banda glam/heavy rock), acompañado por Brendan Shields (bajo), Noel Bridgeman (batería) y Phil Lynott (voz). Éste último es quien formaría más tarde la banda Thin Lizzy, mientras que él grababa junto a Peter Green, guitarrista de Fleetwood Mac.

Antes de comenzar su carrera solista, grabó tres discos con Skid Row. Poco después de que grabara el primero de éstos, Grinding Stone en 1973, ya había sido invitado a reemplazar a Eric Bell en Thin Lizzy, banda que llego a formar durante un corto lapso antes de lanzarse como solista. En 1975 se crea Colosseum II, y al mismo tiempo Gary se vuelve a unir a Thin Lizzy. El primer álbum que graba con ellos es Black Rose en 1979. A mediados de una gira por américa, Moore vuelve a dejar la banda y forma G-Force. El Parisienne Walkways de Back on the Streets, llegaría a ser top ten de la listas del Reino Unido.

Durante la década del 80' vive una época más tranquila, pasándose al pop, momento en el que consigue su mayor popularidad en Inglaterra con su LP Empty Rooms en 1985. También colabora con Phil Lynott en "Out in the Fields".

Gary siempre estuvo influenciado por la música celta. El álbum After the War lo depositó en las listas de éxito, de la mano de Still Got the Blues. Dejando de lado el hard rock, se vuelve más intimista y da un pronunciado giro hacia el blues, con un tono más instrumental y grandes arreglos vocales. Lo más importante de su carrera llegaría con After Hours, contando nada menos que con la colaboración de B.B. King y Albert Collins, álbum que lo coloca como uno de los músicos de blues más importantes de la historia.

Actualmente lanza "Close As You Get", una obra que lo acerca nuevamente al Blues, que además incluye clásicas versiones para temas de Sonny Boy Williamson y Chuck Berry, quien además, termina tocando un tema acústico 'Sundown' que demuestra el lado más intimista y blusero del guitarrista irlandés.

Pagina: http://www.gary-moore.com/

Catupecu Machu

Formacion:

Fernando Ruiz Díaz: guitarra y voz
Javier Herrlein: batería
Martín Macabre González: teclados y sintetizadores
Sebastián Cáceres: bajo

Catupecu Machu se formó como power trío en el barrio de Villa Luro, en 1995. Debutaron en vivo en el Teatro Arlequines y luego encararon su primera gira por el interior del país. De esta época se destaca su participación en el festival "Nuevo Rock" de Córdoba (1997), elegidos como la revelación por la prensa, y el show en el festival "Monsters of Rock" (1998). Su primer contrato discográfico lo consiguieron para la edición de "Dale!"

Luego de "A morir" (álbum grabado en vivo), en el 2000 editaron "Cuentos decapitados" a través de EMI-Odeon, un disco que los encontró mas maduros musicalmente, mostrando también una gran evolución en las letras de las canciones. Este trabajo fue el que los catapultó al éxito masivo, con temas como "Y lo que quiero es que pises sin el suelo", "Entero o a pedazos" y "Eso vive". El videoclip de "Y lo que quiero es que pises sin el suelo", dirigido por Gianfranco Quatrini, obtuvo el premio MTV al Mejor Video Latino del año 2001, elegido por los televidentes. Y gracias a este lauro lograron editar el disco en Puerto Rico y Estados Unidos.

En diciembre del 2001 lograron, por fin, debutar en Obras, con un show que incluyó dos escenarios, con pasarelas que se metían en el medio del público, tres cambios de escenografía, los clásicos fuegos artificiales y dos arpas que disparaban sonidos. "Es una banda muy auténtica y original, no es una sucursal de ningún grupo de afuera ni de acá", comentaba Fernando Ruiz Díaz previamente a ese concierto. "Lo que tiene de bueno Catupecu, a diferencia de otras bandas, es que es popular y a la vez pretencioso y a nosotros nos gusta que sea así".

En medio de un alto nivel de popularidad, Miguel "Abril" Sosa decidió abandonar la banda para dedicarse por completo a su proyecto Cuentos Borgeanos. El baterista fue reemplazado por Javier Herrlein, un viejo conocido de la banda, quien había colaborado con ellos en temas como "La polca" en el acordeón y tocaba la batería antes que la banda tuviera nombre.

En febrero del 2002 participaron del Festival Cosquín Rock. En octubre de ese mismo año, lanzaron "Cuadros dentro de cuadros", el cuarto disco, que experimenta con sonidos generados por computadoras y mostrando una vez mas una mutación en la banda de los hermanos Ruiz Díaz.

"Eso Vive", también de 2002, fue un DVD en formato 5.1 y sonido surround, filmado con catorce cámaras en vivo en el Estadio Obras de Buenos Aires.

En noviembre de 2003 se presentaron ante 60.000 personas en el festival Rock al Parque de Bogotá (Colombia). En esa gira tocaron también en el D.F., Guadalajara y Puebla (México); San Juan de Puerto Rico y Miami (Estados Unidos).

"El número imperfecto" de 2004 regresa al sonido de "Cuentos decapitados", manteniendo las innovaciones electrónicas de "Cuadros dentro de cuadros", apoyadas gracias a la incorporación del tecladista Martín Macabre.

El 31 de marzo de 2006, Gabriel se accidentó con su automóvil en Palermo: sufrió fractura de cráneo con pérdida de masa encefálica y contusión pulmonar. Lo acompañaba César Andino, líder de Cabezones, que resultó con graves fracturas en sus dos piernas. Los primeros comentarios no fueron alentadores: "tiene muy pocas chances de sobrevivir, hay que esperar lo peor", dijo el ministro de Salud porteño. Sin embargo, luego de seis meses internado en el Hospital Fernández de Capital Federal, Gaby fue trasladado a una clínica de recuperación, en Escobar.

La banda siguió adelante. De hecho, en abril de '06 se presentaron en vivo en el Estadio Obras al aire libre, con varios bajistas invitados en un show muy emotivo. Zeta Bossio, ex-Soda Stereo los acompañó en varios shows subsiguientes.

En septiembre '07 debutó oficialmente como nuevo bajista Sebastián Cáceres, un músico que los acompañaba como técnico de escenario. "Laberintos entre aristas y dialectos" es un álbum doble dividido en capítulos: "Tratado de la materia en estudio", que incluye diversos registros en varios estudios de Buenos Aires y "Registro de la materia en concierto", que contiene tomas realizadas en vivo en un show especial realizado en septiembre de 2005. Este trabajo cuenta con varias colaboraciones, entre ellas la de Zeta Bossio.

Discografía:

Dale!, 1997
A morir, 1998
Cuentos decapitados, 2000
Cuadros dentro de cuadros, 2002
El número imperfecto, 2004
Laberintos entre aristas y dialectos, 2007

Pagina: http://www.catupecumachu.com/
Fuente: Rock.com.ar

Rata Blanca

Rata Blanca es una banda argentina de Heavy metal en castellano, y hard rock formada en 1986.

Historia

Primera etapa (1986-1993)

La banda fue fundada por Walter Giardino tras su partida de V8 en 1986. Viendo que el panorama de la música pesada en Argentina estaba en sus peores momentos y no había propuestas que respondiesen a sus intereses musicales, decide grabar un demo con temas de su autoría para presentarlo al exterior. La grabación tuvo lugar en los Estudios Buenos Aires; los músicos que participaron junto a Walter Giardino fueron: Gustavo Rowek, Rodolfo Cava y Yulie Ruth de Alakrán. Grabaron cuatro temas "Chico Callejero", "Gente del Sur", "Rompe el Hechizo" y "La Bruja Blanca", tres de los cuales se incluyeron luego en el primer álbum de Rata Blanca. El resultado les gustó tanto a los músicos que decidieron intentar una vez más la formación de una banda en Argentina. Surgieron algunos problemas para mantener una formación estable, y rodolfo cava con yurie ruth abandonan el proyecto.En su lugar ingresan Saúl Blanch, un representante del rock duro de los 70s,ex-Plus ,guillermo sanchez en el bajo y sergio berdichevsky como segundo guitarrista. Al principio la banda iba a tener un estilo mucho mas duro, como accept contaba giardino ,pero con la llegada de blanch el sonido debió adaptarse a la voz del cantante. Los primeros dos años de Rata Blanca fueron de ensayo antes de su debut un 15 de Agosto de 1987 en el teatro "Luz y Fuerza" en Buenos Aires ante 600 personas que colmaron la capacidad del lugar.

El 19 de septiembre de ese mismo año se produjo la segunda presentación; en esta ocasión en el Teatro Lasalle. Nuevamente un lleno total y mucha expectativa.Hubo algunas personas que le recordaron el nombre de su anterior banda a giardino,pero la cuestión no se hizo mayor. Luego de este show, Saúl Blanch se alejaría de la banda. Según sus propias palabras, veía que el grupo tenía buenas intenciones, que las ideas valían, pero la cosa distaba mucho de estar armada. En su momento las presentaciones se hacían a pulmón y no dejaban ganancias, y trataban de conseguir todo a pagar mas tarde.

El 2 de enero de 1988 hicieron su tercera presentación en el Teatro Fénix del barrio de Flores, introduciendo al nuevo vocalista Carlos Périgo. Este cantante platense era poseedor de una voz interesante, aunque mucho mas cruda que el estilo de la banda. De su paso por Rata Blanca quedó la coautoría de "Un camino nuevo", rebautizado como "Días duros" para el segundo álbum de la banda.

La banda consiguió un contrato con Polygram, para grabar su primer disco. El mismo fue grabado en Buenos Aires Records, anteriormente llamados Estudios Buenos Aires, el mismo lugar en donde años atrás habían grabado el demo que dio origen a la banda. Ya tenían registradas todas las bases y las guitarras, pero no tenían las voces por un problema con su nuevo cantante Shito Molina, el cual sufrió algunos inconvenientes que lo dejaron prácticamente sin voz. Ante la desesperación por cumplir con las fechas de grabación, Walter llamó a Saúl Blanch, ya que era el único que conocía los temas a la perfección y estaba capacitado para cantarlos.

En Octubre de 1988 salió a la venta el primer álbum de Rata Blanca, homónimo, superando las expectativas y agotando sucesivas ediciones (20.000 copias en los primeros 7 meses ). El tema de difusión "El sueño de la gitana" prendió entre el público no metálico, mientras que "Chico Callejero" sería el himno de los primeros años de la banda.

En 1989 el tecladista Hugo Bistolfi se unió a la banda .Y Saúl Blanch se fue alegando "falta de democracia a la hora de las decisiones".Fue reemplazado por Adrián Barilari, quien se reveló como el cantante más apto para la propuesta del grupo a través de los años. Así, sería el siguiente disco, titulado "Magos, Espadas y Rosas" el que les daría un reconocimiento desmesurado para lo que la escena metalera de entonces había conocido, ya que su éxito trascendió el entorno heavy de revistas tradicionales como Revista Metal y Madhouse o el único programa radial grande de entonces, la Heavy Rock & Pop y pasó a una suerte de difusión masiva que llegó a los grandes canales de televisión y a un público totalmente heterodoxo. Hasta la fecha el disco supera el millón de copias vendidas.

En la cumbre de su popularidad (1991) llegaron a tocar en el estadio de Velez Sarsfield como acto principal, con Attaque 77 como soporte, ante 30.000 personas, algo que ninguna banda metalera argentina logró antes o después, poniéndole fin a la gira "Por el camino del Sol", una de las giras que más dinero recaudó y más gente movilizó en Argentina. Durante aquellos días se desató una polémica entre los metaleros, porque la convocatoria de Rata Blanca había trascendido largamente la capacidad de los lugares acostubrados por las bandas metaleras, así que el grupo decidió tocar en escenarios no tradicionales que eran repudiados por los heavies. Según explica César Fuentes Rodríguez en el libreto interno de "La Leyenda Continúa": En la cresta de la ola surgió un polémico contrato para recorrer el recelado circuito de bailantas. Para entonces, el público de Rata era muy heterogéneo, y las críticas arreciaron principalmente desde el sector rockero, que de algún modo sintió que perdía de vista a sus ídolos. La situación minó la credibilidad del grupo entre los más pesados, pero fue un revés injusto si tenemos en cuenta que nunca hizo más que presentar sus propios temas apenas en sitios poco ortodoxos, precisamente en la época en que ya había desbordado por mucho los límites naturales de alcance en vivo para cualquier banda de heavy metal autóctona. Debieron pasar años para que la gran mayoría de los que se distanciaron reconociesen que su reacción había sido errónea.

El siguiente álbum, "Guerrero del Arco Iris",(que ya era doble platino antes de salir a las ventas), en homenaje al barco de Greenpeace, salió a través de BMG. El tema que da titulo a la placa se convirtió en un clásico infaltable hasta hoy día en los conciertos. Siguiendo el ejemplo de sus ídolos de Deep Purple, decidieron mezclar rock y música clásica y tocaron tres noches en el Teatro Ópera con la Orquesta de Cámara Solistas Bach ,en 1992. Sea que el mercado local les quedaba chico o que el extranjero estaba por descubrir, hicieron su primera gira internacional (por latinoamerica ,españa ,y portugal) y aprovecharon para grabar en México el EP "El Libro Oculto". El disco es mucha mas duro y menos melódico que los anteriores,y los medios de comunicación ya no toman en cuenta a la banda. Para esta época el bache de popularidad en argentina se hizo sentir en su presentación del disco en obras ,ante escaso publico ,y esto produjo que giardino les dijera a los presentes "ustedes son el verdadero publico de rata".También el disco recibió críticas por seguir la línea no solo de Rainbow sino también de Ozzy Osbourne y Black Sabbath.

Poco después Adrián Barilari sale de la banda junto con Hugo Bistolfi, ya que giardino quería llevar el sonido hacia un terreno mas heavy aun. Estos forman el grupo Alianza, con el cual llegarían a editar tres discos y despues isaac fue el mejor ...

Segunda etapa (1994-1997)

A falta del vocalista emblemático fue reclutado el ex-Alakrán Mario Ian, quien dió continuación a la banda contribuyendo no sólo con las voces sino también con las letras de varias canciones. El sonido que obtuvieron en el disco "Entre el cielo y el infierno" demuestra la incursión hacia un marcado endurecimiento en su sonido, aquí destacan canciones como "Bajo Control" y "Jerusalem". Aunque dentro de un período menos representativo y con menos popularidad en Argentina, la banda se movió mucho por el exterior de habla hispana, sobre todo España, el resto de Sudamérica, Sur de Estados Unidos y México. También por Brasil y Portugal..

En 1996 sale al publico "En vivo Buenos Aires", que abarca algunos temas en vivo sustraídos de recitales de 1992.

No contento con el nuevo estilo, Giardino vuelve a cambiar el rumbo, Mario Ian se va de la banda y en su reemplazo ingresó Gabriel Marian en las voces y Javier Retamozo en los teclados. VII es probablemente su trabajo menos aceptado por sus seguidores, y a su vez contó con muy poca promoción. Posee muchas influencias del heavy metal moderno, lo cual representa junto con el disco anterior, (entre el cielo y el infierno), un claro despegue de las raíces tradicionales de la banda. También recibieron críticas ya que coquetearon con el sonido punk en el tema "La Historia de un Muchacho".

Etapa actual (1998-2007)

La banda se disolvió en 1998 y Walter decidió llevar a cabo un proyecto solista llamado Walter Giardino Temple, donde después de varios cambios de músicos el sonido obtenido era semejante al de Rata Blanca. Giardino no estaba conforme con los músicos un musico de mucho mas alta calidad capas de impresionar a grandes como malmsteen,batio,steve vai etc. a pesar de todo, estos terminaron por abandonarlo y formar una banda bajo el nombre de Quemar (banda). Casi sin proponérselo, Giardino y Barilari empezaron a tocar juntos de nuevo y el público respondió de manera entusiasta. De la noche a la mañana Rata Blanca volvió a unirse. Ocurrió en el 2000. Rowek y Berdichevsky no fueron de la partida, prefirieron mantener su proyecto Nativo.

La banda se vuelve a reunir en el 2000, dando conciertos por toda América. La vuelta llega con la publicación de "Grandes Canciones", un recopilatorio que vendió 15.000 copias , el cual incluye una versión acústica de "Mujer Amante", que sonó en las radios nuevamente. El regreso se consolidó con el álbum "El camino del fuego" (que hoy día alcanzo el disco de oro) en el cual se destacaron "Volviendo a casa", "la canción del guerrero" y "En nombre de Dios". La alineación ya incluía a Adrián Barilari, Hugo Bistolfi, Guillermo Sánchez y el baterista Fernando Scarcella. Para entonces, Walter Giardino se radicó en Madrid, pero eso no le impidió a la banda continuar presentándose en Argentina con un éxito recuperado. En el año 2003 realizan 2 conciertos en el teatro Luna Park, reuniendo a 23.000 personas entre las 2 funciones (15.000 en la primera y 8000 en la segunda). Estos conciertos quedaron registrados en el disco Poder vivo.

En el 2005 apareció "La llave de la puerta secreta" (disco platino en ventas), con clásicos como el tema que dio título al álbum y la balada "Aún estás en mis sueños". Fue presentado en una gira por Argentina, España y Latinoamérica.

Actualmente la banda se encuentra grabando su doceavo disco en la Argentina, mientras a su vez concretan una exitosa gira por España.[1]

Integrantes

Integrantes actuales

- Walter Giardino - guitarra
- Adrián Barilari - voz
- Guillermo Sánchez - bajo
- Fernando Scarcella - batería
- Hugo Bistolfi - teclados

Integrantes originales

- Rodolfo Cava: vocalista
- Walter Giardino: guitarra
- Yulie Ruth: bajo
- Gustavo Rowek: batería

Otros Integrantes

- Mario Ian: vocalista
- Gabriel Marian: vocalista
- Javier Retamozo: teclados
- Saúl Blanch: cantante
- Sergio Berdichevsky: guitarra rítmica
- Shito Molina: vocalista
- Miguel De Ipola: tecladista

Discografía

- Rata Blanca - 1988
- Magos, Espadas y Rosas - 1990
- Guerrero del Arco Iris - 1992
- El Libro Oculto - 1993
- Entre el cielo y el infierno - 1994
- En vivo en Buenos Aires (en vivo, con la Orquesta de Cámara Solistas Bach) - 1996
- Rata Blanca VII - 1997
- Grandes Canciones (recopilatorio) - 2000
- La Leyenda Continúa (tributo con la participación de todos los integrantes de la historia de Rata Blanca) - 2001
- El camino del fuego - 2002
- Poder vivo (en vivo) - 2003
- La llave de la puerta secreta - 2005

Pagina: http://www.rataweb.com.ar/

Ariel Rot

Ariel Rot, (Buenos Aires; 19 de abril de 1960); guitarrista, cantante, compositor y productor musical argentino de pop-rock.
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Biografía

Ariel Rot nació en Buenos Aires el 19 de abril de 1960 y desde pequeño vivió rodeado de artistas. Sin ir más lejos su hermana, Cecilia Roth, es una conocida actriz. Su ex-cuñado (ex-esposo de su hermana actriz) es Fito Páez. Su madre es Dina Roth, cantante de música sefardí que ha editado numerosos discos.

En el año 1976 emigró junto con su familia a España al estar perseguida por la dictadura argentina, y ya allí se juntó con el grupo que un tiempo después pasaría a ser conocido como Tequila, dedicado a la juventud, con conocidas canciones como Salta o Rock & Roll en la plaza del pueblo, que lo lanzarían a la fama. El grupo lo formaban junto a Ariel, Alejo Stivel, Felipe Lipe, Manolo Iglesias y Julián Infante, que lo acompañaría después en Los Rodríguez. Y entabla una estrecha amistad con Sergio Makaroff que fue compositor en esta época de temas como El Ahorcado, Todo se mueve y el Rock del Ascensor y que es uno de los letristas fijos en sus dicos en solitario.

Tras la disolución del grupo, en 1983, comienza una corta carrera en solitario, un áspero periplo entre la adicción a las drogas y la incomprensión. A esta época pertenecen los discos Debajo del puente (1984) y Vértigo (1985).

Tras este período poco conocido del cantante y tras acompañar a Andrés Calamaro en dos de sus discos en solitario (Por mirarte y Nadie sale vivo de aquí) se juntó con él, su viejo amigo Infante, y Germán Vilella para formar el conocido grupo de rock Los Rodríguez, en el que permaneció gran parte de la década de los 90 (1990-1996).

Tras la ruptura del grupo retomó su carrera en solitario que sigue hasta hoy en día. De esta etapa destacan discos como Hablando solo, Cenizas en el aire, Lo siento Frank, Ahora piden tu cabeza y el último editado hasta la fecha, Dúos, tríos y otras perversiones, con el que Ariel celebra sus treinta años de carrera musical, interpretando algunos de sus mejores temas junto a artistas como Fito Cabrales, Fito Páez, Amaral, Pereza y Andrés Calamaro, entre otros.

Entre las canciones que Rot ha compuesto en su vasta carrera se pueden destacar Mucho mejor o Me estás atrapando otra vez para Los Rodríguez, o Vicios caros, Cenizas en el aire y Gustos sencillos (dedicada a su hijo) de su etapa en solitario.

Entre las colaboraciones de Ariel Rot con otros artistas se destaca el tema de Extremoduro Volando solo incluído en el disco "Deltoya".

Discografía

Tequila

- Matrícula de honor (1978)
- Rock and Roll (1979)
- Viva Tequila (1980)
- Confidencial (1981)

Primera etapa en solitario

- Debajo del puente (1984)
- Vértigo (1985)

Los Rodríguez

- Buena suerte (1991)
- Disco pirata (Directo 1992)
- Sin documentos (1993)
- Palabras más, palabras menos (1995)
- Hasta luego (Recopilatorio 1996)
- Para no olvidar (Recopilatorio 2002)

Segunda etapa en solitario

- Hablando solo (1997)
- Cenizas en el aire (2000)
- En vivo mucho mejor (2001)
- Lo siento Frank (2003)
- Acústico (2003)
- Ahora piden tu cabeza (2005)
- Dúos, tríos y otras perversiones (2007)
- Etiqueta Negra (Recopilatorio 2007)

Pagina: http://www.arielrot.com/

Niños con Bombas

Todo el mundo sabe que el 1998 es el año de "El Niño". Y ahora, 10 meses después del lanzamiento de "De Tiempo En El Momento De La Explosión", GRITA! orgullosamente presenta su nuevo álbum (con 14 canciones), "también estará lanzando un nuevo disco de NIÑOS CON BOMBAS en el junio de 1998, llamado, "El Niño". El disco es verdaderamente especial con muchisimas canciones que destacan como "Lee Mi Poesia", "Ballenas Haciendo El Amor", "Ton Ego Nest Pas Toi" y muchas más!

"El Niño" Producido por Thies Mynter, El científico/Teclista/programador de la banda electrónica Alemana STELLA. Thies vivió con Niños por tres meses en Berlín, y fue ingeniero de NIÑOS CON BOMBAS para sus shows en vivo. Trajo su magia electrónica, su Tonos atmosféricos y su visión a la música de NIÑOS y de acuerdo con Daniel "Resalto el sonido Rock de una manera muy elegante y muy latino" El nuevo álbum fue grabado en cinco días y dos semana después, Thies y la banda experimentaron con una cantidad de música de fondo Loops ,y guitarras. Cuando el disco fue terminado, lo escucharon y quedaron como "Puta! que bomba, como una explosión!" Como solo una banda llamada NIÑOS CON BOMBAS puede, Música latina que viene de su sangre con sonidos alemanes en la mente; NIÑOS CON BOMBAS Son una banda para terminar los 90’s y te transportan en un viaje inconsciente a la comunicación y el sonido.

Los que conocen su primer lanzamiento, el EP de 7 canciones, "De Tiempo En El Momento De La Explosión" ya saben que la marca de NCB es un sonido lleno con influencias Latinas mezcladas con tonalidades jazzeadas- Energia Punk...que ha explotado en Europa y Latinoamerica y está ya muy bien conocido por su calidad en Norteamerica.

NIÑOS CON BOMBAS, un trío establecido en Hamburgo, Alemania, personifica la ética multi-cultural de GRITA! con miembros de Chile, Brasil y Alemania, Cantando en Español, Portugués, Ingles, y Alemán, con un poco de Francés para mas emoción. Ellos cantan sobre la pubertad y la fama por experiencia propia; Han volado mucho, pero no son "voladores" Su Jazz-Punk-Teñido de Ska entrega melodías memorables en un paquete verdaderamente único de sofisticada y cruda energía que solo una banda con personalidades completamente diferentes puede ofrecer.

La historia de NIÑOS CON BOMBAS empieza en Santiago De Chile, donde su cantante y guitarrista Daniel Puente, Y su ex banda, Pinochet Boys, una banda infame de Punk Rock, agarro la atención de una gran cantidad de fanes, pero de las autoridades también, terminando en la cárcel en varias ocasiones. Después de una odisea de dos años viajando por São Paulo, Madrid, Londres, Y terminando en Berlín, Daniel vio al bajista y Biólogo graduado Alex Menck tocando en una horrible banda, en un horrible y vacío bar de Berlín, tocando una horrible versión de un tema de los Rolling Stones. Después de intercambiar números de teléfono, Daniel llamo a Alex un año después (!),Se encontraron de nuevo y empezaron a escribir canciones. Una semana antes de su primer show, conocieron al baterista Alemán Norman Jankowsky, quien venia de la banda de metal Seven Seals. rápidos y Precisos , el era el complemento perfecto, Y NIÑOS CON BOMBAS nació; el levemente introvertido líder chileno (Daniel), Y el latín lover Brasileño (Alex), Con la visión necesaria de calmar al insoportable pero sexy alemán (Norman) en movimientos hiper-activos.

"En de Tiempo En El Momento De La Explosión", Temas como "Postcard" revela su estilo explosivo y variado que hacen único al sonido de NIÑOS , cuando vuelan por jazz Latino cuando pegan a las cuerdas con un monstruoso riff de guitarra en un abrir y serrar de ojos. Líricamente, NIÑOS CON BOMBAS son divertidos y van al punto (Y ahora deseo que yo, sea Hip y Hype, quiero estar en esta escena solo para romperla, moverla, lamerla, y exprimirla también. E visto la cara antes, soy yo famoso queriendo mas, otra bomba explota, esta derritiendo, esta hirviendo ,se esta dañando, y pateando….De ‘Anarco Salsa’.

Formacion:
Daniel Puente - Guitar-Vocals
Alex José Menck - Bass-Vocals
Norman Jankowsky - Percussion
Trillian - Other Sounds

Pagina: http://www.freibank.com/ninos/index.html