Focus

Focus es el nombre de una banda de rock holandesa, formada en 1969 por 4 músicos con formación musical clásica : el tecladista y flautista Thijs van Leer, el guitarrista Jan Akkerman, el bajista Martin Dresden, y el batería Hans Cleuver. Van Leer y Akkerman llevan el peso de la composición de las canciones, generalmente instrumentales. La banda se suele clasificar como de rock progresivo. Tuvo sus comienzos en 1969 en Amsterdam, con la conjunción del Thijs van Leer Trio y Jan Akkerman.

Historia

Inicios

En 1970 Focus fue contratado para la interpretación musical de la obra Hair (muy representativa de su época) en Holanda, como miembros principales de una orquesta de nueve músicos. En el álbum de la versión holandesa de Hair se escucha a Van Leer, Dresden, Cleuver y Akkerman juntos por primera vez. Los cuatro músicos iniciaron una gira de seis meses, y ese mismo año grabaron su álbum debut titulado Focus Plays Focus, con pistas vocales e instrumentales; House Of The King (compuesto por Akkerman en España) y Anonymous son los temas más destacados. Sin embargo, se vendieron sólo 8.000 copias del álbum; técnicamente la calidad dejaba mucho que desear. Al principio se lanzó sólo en Holanda, pero dada la creciente popularidad del grupo, para darle mayor distribución el álbum fue reeditado en Londres ese mismo año con el título In And Out Of Focus, producido por Hubert Tereggen. House of The King fue un éxito y se mantuvo varias semanas en el ranking holandés. Focus aún no tenía bien definida su orientación musical, inclinada a veces hacia el estilo más clásico del Thijs van Leer Trio, y otras a la guitarra predominante de Akkerman. Al cabo de unos pocos meses, Akkerman se rehusó a seguir con Dresden y Cleuver, decidió llamar al percusionista Pierre van der Linden (con quien había tocado en Johnny and The Cellar Rockers, The Hunters y Brainbox) y dio a elegir a Van Leer entre seguir con ellos o quedarse con su trío; Van Leer optó por seguir con Akkerman y Van der Linden. También invitaron a Cyril Havermans como bajista y vocalista. Pierre van der Linden, nacido en 1946 en Amsterdam, comenzó con percusión desde muy pequeño; inicialmente fue autodidacta pero luego tuvo la guía de Louis De Heer, percusionista de la Orquesta Sinfónica de Ópera de Holanda. Sus primeras influencias fueron Miles Davies, Elvin Jones, Charlie Parker y John Coltrane, entre otros. Por su parte, Cyril Havermans había participado en Hair e integrado los grupos Big Wheel, The Heralds y Spatial Concepts. Fue convocado principalmente por su capacidad como vocalista y compositor, más que como bajista.

Nuevos Integrantes

Con esta nueva formación, que mantuvo el nombre Focus, trabajaron en su segundo álbum, Focus II, o Moving Waves (título que tomó fuera de Holanda), grabado en abril y mayo de 1971 en Londres. Contrataron como productor a Mike Vernon (que había trabajado con Fleetwood Mac, John Mayall, Ten Years After y legendarios músicos de blues, y que continuaría como productor del grupo), apuntando al público de habla inglesa. Este aclamado álbum, un clásico del rock holandés, ejemplifica los diversos estilos musicales e influencias del grupo, e incluye el ahora legendario tema Hocus Pocus, donde Van Leer aplicó por primera vez el canto estilo tirolés. En el álbum se destacan Le Clochard y Janis, entre otros, con delicados matices que capturan la esencia de Focus. Asimismo, el álbum manifiesta una acertada combinación de clásico, rock y jazz. El lado 2 consiste en un tema conceptual, Eruption, compuesto principalmente por Van Leer, con arreglos de Akkerman y editado por Mike Vernon. Tanto el álbum como Hocus Pocus se convirtieron en un hit; el grupo ganó popularidad y apareció en la televisión británica por primera vez en noviembre de 1971. En diciembre del mismo año hubo otro cambio en la formación de Focus. Cyril Havermans dejó el grupo para seguir su carrera como solista, y fue reemplazado por Bert Ruiter en bajo y voces. Ruiter nació en 1946 en Amsterdam; comenzó con la música cuando tenía doce años. Si bien su madre, pianista, le enseñó los primeros pasos, Ruiter fue principalmente autodidacta; aprendió y se perfeccionó escuchando y tocando con otros músicos. Su primer grupo fue The Spectacles; tuvo su debut profesional a los 19 años con los Jay-Jays, que estuvieron de gira por Holanda durante un año. Junto con un guitarrista amigo creó un grupo llamado Full House, y posteriormente tocaron en teatros y clubes nocturnos en Holanda, Bélgica y Alemania durante varios meses. Antes de integrarse a Focus, Ruiter formaba parte del grupo Angelflight Railways, que tocaba en clubes de Amsterdam. Con él como nuevo integrante comenzaron a grabar su tercer álbum, Focus III. En principio tenían pensado hacer un solo álbum, pero dado que habían grabado tanto material en apenas tres semanas, decidieron lanzar un álbum doble, que trepó directamente al primer puesto en los ránkings holandeses. El tema Sylvia, de ese álbum, fue un éxito. Diversos medios especializados calificaron a Focus como “Mejor grupo extranjero”; Jan Akkerman fue considerado “Mejor guitarrista del mundo”. Ese mismo año Focus inició una gira por los Estados Unidos de costa a costa, destacada con un show en el Phillarmonic Hall de Nueva York y en la TV de ese país, lo cual hizo que se quedaran más tiempo del que habían planeado. Estaban en la cima; sus discos habían ganado enorme popularidad y eran aclamados en su tierra natal y en el exterior. En mayo de 1973 sale a la venta Focus Live At The Rainbow, grabado en vivo en el Rainbow Theatre de Londres, testimonio del poder que tenía su sonido en vivo en esa época. En 1974, Van der Linden decidió dejar Focus porque el estilo del grupo ya no era de su agrado: Bert Ruiter quería hacer de Focus un grupo más comercial, orientado al mercado de Estados Unidos. Van der Linden fue reemplazado por el percusionista escocés Colin Allen, que previamente había tocado con Stone The Crows y John Mayall. Con el nuevo integrante se terminó de grabar Hamburger Concerto, en vivo; el último de la época de esplendor del grupo. El disco recibió críticas negativas y no tuvo buenas ventas. Focus emprendió una nueva gira internacional, y a fines de 1974 se editó una recopilación de sus temas con el título Masters of Rock. En 1975 crecieron las tensiones dentro del grupo. Comenzaron a grabar el siguiente álbum, Mother Focus, en el cual Allen alcanzó a tocar sólo un tema, pues decidió dejar la banda apenas un año después de haber ingresado, debido a las tensiones internas. La grabación (realizada Los Ángeles, excepto un tema en Bruselas) fue finalizada con el percusionista de sesión David Kemper, nacido en Estados Unidos. Para muchos, este álbum ya carecía del verdadero sonido Focus, e indicaba el cambio de estilo del grupo, ahora con una orientación más funky. Debido a este cambio en la dirección musical se agravaron aún más las tensiones entre Akkerman y Van Leer, que habían comenzado tiempo atrás. Desde el principio ambos tuvieron puntos de vista opuestos, pero el respeto mutuo y su coincidencia en lo musical los habían mantenido juntos. Esta vez, sin embargo, las diferencias musicales parecían constituir la causa de un evidente alejamiento entre ambos. Akkerman se distanció abiertamente de Mother Focus; afirmó que se había grabado sólo para el mercado estadounidense; se trataba de típica música norteamericana, que nada tiene que ver con Focus”. Las críticas dieron la razón a Akkerman: sostenían que el álbum era bastante insípido y carente de la otrora magia de Focus.

La salida de Akkerman

A comienzos de 1976, Jan Akkerman dejó Focus y continuó su carrera como solista, que había iniciado en 1973. Focus hizo un paréntesis hasta 1977. Durante ese período sólo se editó una compilación con material inédito, producida por Mike Vernon, titulada Ship Of Memories. Para muchos, Focus había perdido su impacto, su espíritu y su éxito. Como reemplazo de Akkerman ingresó el guitarrista de jazz-rock belga Phillipe Catherine. Se integraron también Steve Smith en percusión (había trabajado con Jean Luc Ponty, y posteriormente en Journey), Jons Pistoor (ex de Maggie McNeal) en teclados, Eef Albers en segunda guitarra y P.J. Proby en voces. En 1978 grabaron un nuevo álbum: Focus Con Proby, que incluía antiguo material no utilizado previamente, remezclado por el productor Mike Vernon, con las voces de Proby. El álbum recibió críticas negativas.

Un largo receso

La magia ya no existía y Focus inició un largo paréntesis, que algunos consideran como el final del grupo. Thijs van Leer continuó con su carrera como solista. Inesperadamente, en 1985 Thijs van Leer y Jan Akkerman se reunieron y grabaron un álbum llamado Focus (conocido como Focus: Jan Akkerman & Thijs van Leer), con músicos invitados: Tato Gómez y Ruud Jacobs (bajo), Ustad Zamir Ahmad Khan (tabla), Sergio Castillo y Ed Starink (programación de percusión). En cierta medida, el álbum tiene sonidos típicos del antiguo Focus, con largas piezas instrumentales y teclados polifónicos, aunque ya incluyen el uso de batería electrónica, secuenciadores y otros equipos electrónicos. Si bien tuvo buenas ventas, el trabajo no recibió buenas críticas, y ambos músicos volvieron a separarse.

Los 90

En 1990 Focus participó en dos programas de TV holandeses, con su antigua formación: Bert Ruiter, Pierre van der Linden, Jan Akkerman and Thijs van Leer, presentando temas clásicos del grupo. En 1993, Van Leer y Akkerman aparecieron juntos en el tradicional "North Sea Jazz Festival" de Holanda. En 1998, Thijs van Leer intentó reagrupar nuevamente a Focus, esta vez con los ya conocidos Bert Ruiter y Hans Cleuver, y Menno Gootjes en guitarra, pero antes de comenzar la gira se separaron por problemas entre Ruiter y Van Leer.

Pagina: http://www.focus-officialhomepage.com/

Vetamadre

Vetamadre es un cuarteto que se forma en el '96 como continuación de Veta Madre. Se consolidaron en el '97 con la incorporación de Julio Breshnev en guitarras y voz.

La banda reconoce influencias de Radiohead, Coldplay, The Cure, Pink Floyd, Live y de los locales Divididos.

"Ruido del mundo" es el primer disco oficial de la banda. Previamente habían registrado algunas canciones, pero en formato de demo y con una formación diferente.

En el 2002 lanzaron el disco "Libérenme", con doce temas más directos y crudos que el material anterior. Para registrar el disco, la banda invitó a Ricardo Mollo (guitarra en "Libérenme") y a Diego Arnedo (bajo en "Casi todo"), ambos de Divididos. "Ser humano" fue el tema elegido para difusión, y para el cual produjeron un videoclip.

Para la edición de "Veratravés", el tercer disco, firmaron con la compañía PopArt. El material había sido anticipado en vivo en el Festival Quilmes Rock, el mismo día que Las Pelotas, Molotov y Carajo. Ricardo Mollo también fue invitado en el tema "Lluvia cósmica".

Formacion:

Federico "Pete" Colella: batería
Julio Breshnev: guitarras y voz
Marcelo "Coca" Monte: bajo
Martín Dejean: sintetizadores y coros

Pagina: http://www.vetamadre.com/

John Frusciante

John Anthony Frusciante (5 de marzo de 1970, Nueva York, NY, Estados Unidos) es un guitarrista, cantante, compositor y productor estadounidense, que forma parte de la banda de funk rock Red Hot Chili Peppers. Frusciante ha desarrollado una activa carrera musical en solitario, ya que ha editado nueve álbumes y ha colaborado con artistas como Josh Klinghoffer y Joe Lally bajo el nombre de Ataxia. Al contrario que con su carrera en Red Hot Chili Peppers, sus trabajos en solitario tienden hacia el rock experimental, la música ambient, la new wave y la música electrónica.

Frusciante se unió a Red Hot Chili Peppers en 1988, después de la muerte de sobredosis de Hillel Slovak. Su primera aparición fue en el álbum de 1989 Mother's Milk, para después grabar el clásico Blood Sugar Sex Magik, que se convirtió en un auténtico éxito. La repentina fama y las constantes giras hicieron que Frusciante abandonase la formación en 1992, y se recluyó en su casa para volverse adicto a la heroína y grabar una serie de discos en solitario. Ya en 1998, el guitarrista completó con éxito un proceso de rehabilitación que le permitió regresar a los Red Hot Chili Peppers el mismo año y grabar con ellos el disco Californication. Desde entonces, ha permanecido como miembro estable de la formación y uno de sus principales compositores. Fue elegido por la revista Rolling Stone en el puesto número 18 de la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.

Biografía

Primeros años

Frusciante nació en Queens, el 5 de marzo de 1970. Su padre, John Frusciante Sr., era pianista y juez, y su madre, Gail Frusciante, era una vocalista que dejó su carrera musical para cuidar de su hijo. La familia Frusciante se trasladó a Tucson, Arizona, y posteriormente a Florida, donde su padre ejerce actualmente la profesión de juez. Cuando sus padres se separaron, Frusciante y su madre se mudaron a Santa Monica, California. Un año después, se trasladaron nuevamente, esta vez a Mar Vista, en el extrarradio de Los Ángeles, con el padrastro de John. Según éste, el nuevo novio de su madre le «apoyaba», y le «hacía sentir bien». Ya en su adolescencia, Frusciante entró en contacto con la juventud angelina inmersa en el punk rock. A los nueve años, comenzó a escuchar a The Germs, y a los diez ya sabía tocar en su guitarra casi todas las canciones del álbum (Gl), y comenzó a recibir clases de guitarra. A los once años comenzó a descubrir a guitarristas como Jeff Beck, Jimmy Page o Jimi Hendrix, y poco después escuchó por primera vez a Frank Zappa. Durante su adolescencia llegaba a tocar quince horas al día tocando sus temas. A los dieciséis años, Frusciante dejó el instituto para dedicarse a la música, y se mudó al centro de Los Ángeles para mejorar sus técnicas musicales.

Red Hot Chili Peppers (88-92)

Cuando Frusciante tenía quince años, vio por primera vez a los Red Hot Chili Peppers en concierto, y se convirtió en seguidor de su carrera, de tal manera que se aprendió las partes de bajo y guitarra de los tres primeros discos de la banda. Al frecuentar los conciertos de la banda, Frusciante se hizo amigo del guitarrista Hillel Slovak, con quien habló después del último concierto que daría el guitarrista israelí: «Hillel me preguntó, -¿Te seguirían gustando los Chilis si se convirtiesen tan populares como para tocar en el LA Forum?- Yo dije, -No. Lo arruinaría todo. Eso es lo bueno de la banda, que la audiencia no se siente diferente con respecto a ella en absoluto.- Existía realmente esta vibración en sus conciertos, nada de la frustración que recorre la audiencia cuando todo el mundo está saltando y el resto no pueden levantarse del sitio. Ni siquiera veía los conciertos. Me sentía parte de la banda, y creo que el resto del público también.»

Frusciante se hizo amigo del antiguo batería de Dead Kennedys, D.H. Peligro, en 1988. Improvisaron varias veces juntos, y Peligro invitó a su amigo Flea (bajista de los Red Hot Chili Peppers) a improvisar con ellos. Frusciante y Flea contactaron de tal manera que Flea dijo después que fue la primera vez que había tocado el riff de bajo de la canción «Nobody Weird Like Me» (presente en el disco Mother's Milk, por aquel entonces aún sin componer). Alrededor de ese tiempo, Frusciante iba también a realizar algunas audiciones para ingresar en la banda de Frank Zappa, pero abandonó la idea cuando se enteró de que los integrantes de la banda de Zappa no podían consumir drogas de ningún tipo. En una entrevista, Frusciante dijo: «Me di cuenta de que quería ser una estrella del rock, tomar drogas y estar con chicas, y que no sería capaz de hacer eso en la banda de Zappa».

En 1988, Hillel Slovak murió de sobredosis de heroína, y el batería de Red Hot Chili Peppers, Jack Irons, dejó la banda al no ser capaz de asimilar la muerte de su amigo. Los restantes integrantes de la formación, el bajista Flea y el vocalista Anthony Kiedis, decidieron continuar con su carrera y contrataron a D.H. Peligro como batería y a DeWayne "Blackbyrd" McKnight como guitarrista, ex miembro de Parliament Funkadelic. Sin embargo, McKnight no acababa de convencer al dúo Flea-Kiedis, y decidieron buscar un sustituto. A Flea le vino a la mente aquella improvisación con John Frusciante, y rápidamente decidieron someterle a una audición y, posteriormente, aceptarlo en el seno de la banda como un reemplazo perfecto de McKnight, ya que, según Kiedis y Flea, John tocaba y se movía como Hillel Slovak sobre el escenario. Frusciante, que estaba a punto de unirse a la banda de punk Thelonius Monster, aceptó sin dudar.

Poco después de la llegada de Frusciante al grupo, D.H. Peligro, quien comenzaba a abusar en gran medida de las drogas, fue despedido, y poco después la llegada de Chad Smith para cubrir su hueco hizo que los Red Hot Chili Peppers comenzasen a componer su siguiente disco, Mother's Milk, en 1989. Durante las sesiones de grabación, Frusciante quiso emular al fallecido Slovak en lugar de centrarse en su propio estilo, algo en lo que no estaba de acuerdo el productor del disco, Michael Beinhorn, quien quería que su guitarra sonase en un tono de heavy metal poco común. Esto ocasionó diversos enfrentamientos entre Frusciante y Beinhorn, aunque al final acabó venciendo el punto de vista del productor.

El siguiente álbum de la banda fue Blood Sugar Sex Magik, y el segundo con Frusciante en sus filas. El productor del disco, Rick Rubin, pensó que la grabación del trabajo tenía que llevarse a cabo en un lugar poco frecuente, por lo que la banda se trasladó a una vieja mansión de Hollywood. Durante las sesiones de grabación, Kiedis, Frusciante y Flea se aislaron en la mansión y comenzaron a fumar grandes cantidades de marihuana, especialmente Flea y Frusciante. Alrededor de esta época, Frusciante inició un proyecto con Anthony Kiedis y Stephen Perkins, batería de Jane's Addiction, llamado The Three Amoebas. Aunque grabaron entre diez y quince horas de música, nada de esto fue publicado nunca.

Blood Sugar Sex Magik fue un auténtico éxito desde su publicación el 24 de septiembre de 1991. El disco alcanzó el tercer lugar de la lista del Billboard 200 y vendió más de siete millones de copias sólo en los Estados Unidos. El inesperado éxito del trabajo convirtió a los Red Hot Chili Peppers en superestrellas, y Frusciante comenzó a sentirse incómodo con su nuevo estatus. Poco después de la edición del álbum, comenzó a disgustarle la amplia popularidad de la banda. Kiedis escribió en su autobiografía, titulada Scar Tissue, que él y Frusciante solían mantener acaloradas discusiones después de los conciertos. En opinión de Kiedis: John diría, «somos demasiado populares. No necesito estar a este nivel de éxito. Sólo estaría orgulloso de estar tocando esta música en los clubes en los que tocabais vosotros hace dos años». Frusciante diría después que el aumento de popularidad de la banda fue «demasiado alto, demasiado lejos, demasiado pronto. Todo parecía estar pasando a la vez y yo no pude hacerle frente». También comenzó a creer que el destino lo estaba alejando de la banda. Cuando los Chili Peppers comenzaron su gira mundial, Frusciante se convenció de que no podría hacerlo durante la misma, por lo que tenía que hacerlo ahora. Frusciante admitió una vez que había sido un placer vivir en una existencia hedonista; sin embargo, «a los veinte años comencé a portarme bien y a mirar la música como una forma artística de expresión en vez de una forma de ligarse a un montón de chicas. Para equilibrarme, tenía que ser muy modesto, muy antiestrella de rock». En otra entrevista, el guitarrista expresó: «No era un buen momento, no congeniábamos como personas, no es divertido estar en una banda con la que no disfrutas. Yo no toco para ganarme la vida, yo hago música porque amo hacerla y paso de estar con gente que no ama hacer música conmigo». Frusciante se negó a salir a escena en una actuación en el Club Quattro de Tokio, el 7 de mayo de 1992, diciendo que había dejado la banda. Al final, sus compañeros consiguieron convencerle de que tocase en aquel concierto, pero al día siguiente partió para California. Cuando el mánager de la banda le preguntó cómo podía explicar a los fans su repentina marcha, Frusciante respondió: «Díganles que me volví loco».

Adicción a las drogas (92-97)

Frusciante desarrolló una fuerte adicción a las drogas durante sus cuatro años como miembro de los Red Hot Chili Peppers. A parte de sus altas dosis de marihuana, el guitarrista se volvió adicto a la heroína. Regresó a su casa en California y cayó en una profunda depresión, al sentir que no podría nunca más escribir o tocar música, y que su vida estaba acabada. En un largo periodo de tiempo, se centró en la pintura y en la producción de cuatro canciones grabadas durante las sesiones de Blood Sugar Sex Magik. Para poder afrontar su depresión, comenzó a consumir aún más heroína, y su vida se vio amenazada por su adicción. Según Frusciante, su decisión de tomar heroína para curar su depresión fue clara: «Estaba muy triste, y estaba muy contento cuando tomaba drogas; por lo tanto, tenía que tomar drogas todo el rato. Nunca me sentí culpable, siempre estuve muy orgulloso de ser un adicto». El propio guitarrista explicó que su inspiración musical provenía de sus charlas con espíritus en forma de voces, ondas o cuerpos astrales. En sus propias declaraciones dijo: «Oh, es de donde viene mi música, de cuando yo formaba parte del espacio exterior. Mi música es una representación de seres de otras dimensiones que aparecen en mi cuerpo, me hablan y me dan ideas».

Frusciante publicó su primer disco en solitario, Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt, el 8 de marzo de 1994. La mayoría de las canciones del álbum fueron grabadas cuando estaba ligado a la heroína en su apartamento de Hollywood. El disco fue grabado parcialmente durante las sesiones de Blood Sugar Sex Magik, y fue publicado a través de American Recordings.

Un artículo publicado en el periódico New Times de Los Ángeles describió a Frusciante como un despojo humano y un esqueleto cubierto de piel, quien, al límite de su adicción, estaba cerca de morir por una infección sanguínea. Sus brazos estaban marcados por inyectarse mal cocaína y heroína, dejando abscesos permanentes. Permaneció los tres años siguientes encerrado en su casa de Hollywood, cuyas paredes estaban cubiertas de grafitis. Durante esta época, Johnny Depp y Gibby Haynes, amigos suyos, fueron a su casa y grabaron el documental Stuff, resaltando su escuálido estado. Además, su casa fue destruida por un incendio que quemó toda su colección de guitarras e hirió a Frusciante después de escapar. Su ex compañero Anthony Kiedis fue quien le prestó el dinero suficiente para que Frusciante se pudiese comprar otra guitarra.

En 1997, el segundo álbum de Frusciante, Smile from the Streets You Hold, salió a la luz. En esta grabación se muestra el delicado estado de salud del guitarrista, quien tose durante parte de la grabación. El disco sirvió para recaudar dinero para costearse su adicción, aunque fue retirado del mercado en 1999 con su petición. El guitarrista ha declarado que tiene intención de volver a publicar el álbum en un futuro.

Rehabilitación y vuelta a los Red Hot (97-02)

A finales de 1997, después de más de cinco años de adicción, John Frusciante dejó de usar heroina radicalmente, pero no fue capaz de doblegar su adicción a la cocaína y al alcohol. En enero de 1998, después de ser convencido por su amigo Bob Forrest, vocalista de Thelonius Monster, Frusciante ingresó en una clínica de rehabilitación en Pasadena, llamada Las Encinas. Después de su ingreso, se le diagnosticó una infección bucal potencialmente letal, que sólo podía ser curada reemplazando todos sus dientes por una dentadura postiza. Recibió también injertos de piel en sus brazos llenos de pus a causa de las inyecciones de heroína, y un mes después, Frusciante salió de Las Encinas para reingresar a la sociedad.

Después de recuperarse de su grave estado de salud, Frusciante comenzó una nueva vida marcada por la espiritualidad y el ascetismo. Después de practicar yoga y vipassana, descubrió el efecto de la autodisciplina en el cuerpo, y comenzó una vida más saludable y armoniosa. Además, para no distraerse de su actividad musical y seguir con su vida espiritual, decidió abstenerse de la vida sexual: «Estoy muy bien sin ella». Sin embargo, Frusciante se halla inmerso en una relación amorosa con la cantante Emily Kokal, de quien dice que le ha sacado de sus crisis. Todos estos cambios le llevaron a cambiar completamente su actitud hacia las drogas: «No necesito tomar drogas. Me siento mucho mejor ahora a causa del ímpetu que una persona puede tener cuando se dedica a algo que realmente ama. Ni siquiera considero tomarlas, es una estupidez. Entre mi dedicación en intentar ser un mejor músico y mi dieta sana y la práctica del yoga, me siento mucho mejor que hace unos pocos años tomando drogas. En este momento soy la persona más feliz del mundo. Esas cosas no me joden en absoluto, y estoy muy orgulloso de ellas, no sabes bien qué orgulloso estoy. Es una cosa tan bonita ser capaz de afrontar la vida, afrontarse a si mismo, sin esconderse detrás de las drogas; sin tener que tener ira hacia las personas que te aman. Hay personas que se asustan al perder algo, pero tú no pierdes nada con ninguna otra razón que si te abandonas a ti mismo».

A pesar de su experiencia como un adicto, Frusciante no ve su empleo de drogas como un periodo oscuro en su vida. Considera que fue un periodo de renacimiento, durante el cual se encontró a sí mismo y clarificó su mente. Además, en otra entrevista, el guitarrista dijo: «Tarde o temprano, los estupefacientes te hacen retroceder, te deprimen. No necesito las drogas porque he comprobado que lo que esas sustancias te dan, también lo puedes lograr sin ellas». Durante 2008 Frusciante dejó de practicar yoga debido a sus problemas de espalda, pero se propuso continuar intentando meditar diariamente.

A comienzos de 1998, los Red Hot Chili Peppers despidieron a su guitarrista Dave Navarro y estuvieron a punto de disolverse. Flea le dijo a Anthony Kiedis que la única manera de seguir con la banda era que John Frusciante volviese a ella. Con el guitarrista libre de adicciones y malestares, Kiedis y Flea pensaron que era el momento idóneo para pedirle que volviese. Cuando Flea llegó a casa del guitarrista y le pidió que regresase a la banda, Frusciante dijo llorando que nada le haría más feliz en el mundo. Con la alineación de los Red Hot completa, la banda comenzó a trabajar en su siguiente trabajo, Californication, editado en 1999. Con Frusciante volvió una pieza clave en el sonido de la banda, así como una inyección de moral y un gran impacto en la forma de composición de sus obras. Frusciante ha dicho en varias entrevistas que su álbum favorito es Californication.

Durante la gira de Californication, el guitarrista continuó escribiendo canciones, la mayoría editadas en el álbum en solitario To Record Only Water for Ten Days de 2001. Este trabajo fue una marcada separación con respecto a sus antecesores, al centrarse en el vanguardismo y con abundantes monólogos interiores. Sin embargo, las letras, al igual que sus trabajos anteriores, son crípticas. El estilo se separa también del rock alternativo de Californication, con influencias de la música new wave y la música electrónica. En lugar de enfocar su trabajo en la guitarra, se centró en los sintetizadores, pieza clave en esta grabación.

En 2001, Frusciante comenzó a grabar su cuarto álbum con los Red Hot Chili Peppers, By the Way. Esa época está considerada por él mismo como una de las más felices de su vida. Disfrutaba la oportunidad que le daba el álbum de «escribir mejores canciones». Mientras estaba escribiendo By the Way, Frusciante compuso también la mayoría de las canciones presentes en su siguiente álbum, Shadows Collide with People, así como la banda sonora de la película The Brown Bunny. Frusciante quería emular en By the Way a Johnny Marr, Anthony Partridge y John McGeoch. El álbum marcó un cambio de mentalidad en Frusciante, hacia una concepción mejor formada de un grupo musical. By the Way fue lanzado el 9 de julio de 2002.

Grabaciones de 2004 y Stadium Arcadium

Frusciante escribió una serie de canciones durante y después de la gira By the Way. En febrero de 2004, empezó un proyecto con Joe Lally (de Fugazi) y Josh Klinghoffer llamado Ataxia. En dos semanas, el grupo grabó aproximadamente 90 minutos de música. Después de dos días de grabaciones en el estudio, la banda tocó dos conciertos en el Knitting Factory de Hollywood, y pasaron dos días más en el estudio antes de disolverse. Más tarde, aún en 2004, aparecieron cinco canciones de Frusciante en la banda sonora de la película The Brown Bunny.

Shadows Collide with People, el cuarto álbum en solitario de Frusciante, salió al mercado el 24 de febrero de 2004. En el álbum se pueden escuchar apariciones de amigos del guitarrista, como Josh Klinghoffer, Omar Rodríguez-López, Flea y Chad Smith. En junio de 2004, Frusciante anunció que editaría seis discos en un periodo de seis meses: The Will to Death, Automatic Writing (bajo el nombre de Ataxia), DC EP, Inside of Emptiness, A Sphere in the Heart of Silence y Curtains. Con la edición de Curtains, Frusciante realizó su primer vídeo musical de 2004, para la canción «The Past Recedes». Frusciante quería grabar estas canciones en formato casete de manera rápida y evitando los estudios modernos y las grabaciones ayudadas por ordenadores.

A comienzos de 2005, el guitarrista entró en el estudio para grabar su quinto álbum con los Red Hot Chili Peppers, Stadium Arcadium, en el que domina su guitarra en la mayoría de las canciones, realizando también los coros. En los arreglos del disco, Frusciante utilizó una amplia gama de sonidos, que van desde los escuchados en Blood Sugar Sex Magik hasta los de By the Way. Varios críticos, e incluso el propio Frusciante, notaron la influencia de Jimi Hendrix en la mayoría de los solos del disco. Además, expandió la cantidad de efectos de su guitarra y empleó otros instrumentos, como el sintetizador y el melotrón.

Frusciante comenzó a trabajar con su amigo Omar Rodríguez-López y su banda The Mars Volta, contribuyendo en los coros y tocando los instrumentos electrónicos en el disco De-Loused in the Comatorium. También contribuyó con los solos del disco Frances the Mute, y en su disco Amputechture tocando la guitarra en siete de las ocho canciones del trabajo. Por su parte, Omar Rodriguez ha trabajado en varios trabajos en solitario de Frusciante.

El 29 de mayo de 2007, Ataxia editó su segundo y último álbum de estudio, AW II.

Estilo musical

El estilo musical de Frusciante ha evolucionado a lo largo de su carrera musical. Aunque ya a comienzos de la década de 1990 los críticos comenzaron a reconocer su trabajo, no fue hasta la publicación de Stadium Arcadium cuando la crítica y el público comenzaron a alabar su estilo en las seis cuerdas. Frusciante atribuye esto a un cambio de enfoque, declarando que en el álbum había elegido un acercamiento a los patrones rítmicos inspirados en la complejidad de los trabajos de Jimi Hendrix o Eddie Van Halen. En grabaciones precedentes, sin embargo, Frusciante se centraba más en la influencia de los grupos de punk underground y músicos de new wave. Generalmente, su sonido está definido como una conjunción de los mejores guitarristas de la historia del rock. Todas las guitarras con las que ha ido de gira y grabado fueron fabricadas antes de 1970. Su instrumento más utilizado es una guitarra Fender Stratocaster Sunburst de 1962 que ha utilizado en todos los álbumes de los Red Hot desde su vuelta en 1998, aunque utiliza una distinta según crea que encaje mejor con la estructura de la canción que tenga que grabar. El instrumento más preciado de Frusciante es una guitarra Gretsch White Falcon de 1955, que usó dos veces por concierto durante la gira By the Way. Desde entonces, ha eliminado la White Falcon de su repertorio, diciendo que «no hay lugar para ella».

Frusciante utiliza una variedad vocal en sus álbumes en solitario que van desde los chillidos de los discos Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt y Smile from the Streets You Hold hasta estilos más convencionales presentes en el resto de las grabaciones del guitarrista. Con los Red Hot Chili Peppers, utiliza una voz en falsetto en los coros de las canciones, que empleó por primera vez en Blood Sugar Sex Magik. Según sus declaraciones, disfruta con su papel de corista en la banda, y cree que los coros son una forma real de arte. A pesar de su labor con los Red Hot Chili Peppers, Frusciante cree que su trabajo en solitario debe permanecer separado de su trabajo con la banda. Dentro de él, Frusciante reconoce que su anterior uso de drogas aumentó su inspiración: «Sí, pero no es el único modo de conectar con este mundo, hay otras maneras, como la meditación, el yoga y la purificación del cuerpo. Cuidándote, haciendo ejercicio, puedes conseguir conexión con seres de otras dimensiones, hay que mantener la mente abierta y el cuerpo saludable. El placer que siento bebiendo hierbas, cava y valeriana, es mejor que el que he sentido nunca tomando drogas, que es como meter una química innecesaria en mi cuerpo».

Técnica

La técnica guitarrera de Frusciante está centrada en la emotividad y la melodía más que en el virtuosismo. Aunque algunos elementos de su virtuosismo pueden apreciarse en algunas de sus grabaciones, el propio Frusciante declaró que intenta que salgan lo mínimo a relucir. Piensa que la forma de tocar la guitarra no ha evolucionado mucho desde los años '60, especialmente desde la retirada de Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, y considera que los mejores guitarristas de esa década han quedado imbatibles. Durante su época de adolescencia, muchos guitarristas del mainstream elegían centrarse en la velocidad. A causa de esto, cree que muchos guitarristas de punk y new wave han sido pasados por alto. Esta es la razón por la cual Frusciante prefiere centrarse en sus capacidades melódicas inspiradas en guitarristas como Matthew Ashman de Bow Wow Wow y Bernard Sumner de Joy Division. Frusciante cree que el estilo de estos músicos no ha sido desarrollado al máximo por haber sido dejados de lado, razón por la cual prefiere partir desde esa dirección. Sin embargo, se considera fan de guitarristas técnicos como Steve Vai o Randy Rhoads, pero intenta reprimir el deseo de imitarles: «La gente cree que por tocar más rápido y por crear nuevas técnicas puedes progresar adelante, pero entonces se dan cuenta de que emocionalmente no han progresado en absoluto. No transmiten nada a la gente que está escuchando y dicen que están donde Hendrix estaba hace tres décadas. Algo parecido le pasó a Vai en los '80». Creyendo que enfocarse sólo en tonos claros es negativo, Frusciante desarrolló su propio estilo que él mismo llamó como "sucio". Como resultado, cree que es bueno «maltratar» a la guitarra y probar varias formas de distorsión en los solos. Dice también que intenta romper tantos límites estilísticos como puede, con el fin de expandir sus horizontes musicales. Frusciante afirmó que muchas obras de los guitarristas contemporáneos sufren de una falta de originalidad, y que muchos de sus contemporáneos siguen las reglas sin arriesgarse.

A lo largo de los años, Frusciante ha variado su forma de componer álbumes. En sus primeras grabaciones, dejaba que las imperfecciones entraran en el disco. Sin embargo, en posteriores álbumes como Shadows Collide with People se posicionó en la postura contraria: «Sólo quería que todo fuese perfecto. No quería nada fuera de sitio, o fuera de tiempo, o cualquier cosa no intencionada». Frusciante ve la composición como un desarrollo progresivo: «Si una canción quiere venir hacia mí, siempre estoy dispuesto a recibirla, pero no trabajo en eso». Muchas canciones en solitario fueron escritas inicialmente con una guitarra acústica o una guitarra eléctrica sin amplificar. Frusciante cultiva una atmósfera propicia para componer al estar constantemente escuchando la música de otros y absorbiendo su influencia creativa. También prefiere grabar sus composiciones en casetes o cualquier otro equipamiento primitivo, siguiendo la línea de los artistas de lo-fi, ya que cree que el uso de material de grabación antiguo sirve para acelerar el proceso de grabación, y que las nuevas tecnologías aplicadas a la grabación dan sólo una ilusión de eficiencia. Frusciante intenta acortar lo máximo posible el proceso de grabación, porque cree que la música «viene viva cuando la creas rápido». También le satisface el reto de grabar algo en unas pocas tomas, afirmando que cuando los músicos son incapaces de sobrellevar la presión de tener que grabar algo rápidamente, a veces se frustran o se ahogan en el perfeccionismo.

Influencias

Aunque Slovak y Hendrix fueron quizá las mayores influencias de John Frusciante antes de unirse a los Red Hot, otras formaciones que dejaron su impronta en Frusciante fueron Captain Beefheart, The Residents, The Velvet Underground, Neu! o Kraftwerk. A su vez, el propio Frusciante acredita como influencias para aprender a tocar la guitarra a Greg Ginn, Pat Smear o Joe Strummer, entre otros. En sus años de adolescente, comenzó a fijarse en Jimi Hendrix y Led Zeppelin, así como en bandas menos conocidas como Public Image Ltd., Siouxsie & the Banshees y The Smiths. A Frusciante también le agradan músicos como Leadbelly o Robert Johnson, quienes fueron una notable influencia para la composición de Blood Sugar Sex Magik. En Californication y By the Way, Frusciante extrajo la técnica de crear texturas tonales a través de varios patrones del guitarrista de post punk Vini Reilly de The Durutti Column y bandas como Fugazi o The Cure. Sin embargo, durante la grabación de Stadium Arcadium Frusciante se apartó del new wave y se concentró en emular músicos más espectaculares como Jimi Hendrix o Eddie Van Halen. En sus dos primeros álbumes en solitario, Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt y Smile from the Streets You Hold, se aprecia claramente la influencia de las composiciones en solitario del ex miembro de Pink Floyd, Syd Barrett, quien también pasó por un proceso de adicción a las drogas y depresión después de dejar su antigua banda, y de quien se considera admirador. Con su reciente trabajo en solitario, Frusciante ha citado la música electrónica como mayor influencia, entre la que se encuentran Ekkehard Ehlers, Peter Rehberg y Christian Fennesz. Sus intereses están en constante cambio, ya que cree que, sin cambio, no tendría ningún interés en tocar: «Estoy siempre tomando inspiración de diferentes clases de música, y voy a cada nuevo proyecto con una idea preconcebida de qué géneros son los que voy a mezclar».1

Pagina: http://www.johnfrusciante.com/

Panda

Historia

Formación (1996-1999)El grupo lo formaron cuatro amigos de Monterrey, Nuevo León, que no tenían mucho que hacer con su tiempo libre. Solían tocar covers (canciones de otras bandas) en ese entonces, hasta que se dieron cuenta de que tenían talento para realizar sus propias canciones inspirados en todo lo concerniente a su juventud, amigos, buenos momentos, fiestas y amor. Armaron un repertorio de varias canciones con las cuales grabaron un demo (Demo 1997). Con este "Demo" concursaron para abrirle un concierto a Caifanes organizado por Juan Ramón Palacios, principal promotor del Rock Regio en México. A raíz de ese concierto vinieron cosas buenas para Panda y fue entonces cuando obtuvieron un contrato con una disquera independiente llamada "Movic Records". Sin embargo, el baterista David Castillo decide salir de la banda, siendo reemplazado por Jorge Vazquez.

Arroz con leche y La revancha del príncipe charro (2000-2004)En el año 2001, sale a las tiendas su primer álbum titulado "Arroz con leche". El álbum pasó casi desapercibido por la gente y los medios de comunicación. No fue hasta el 2002 con su segundo álbum "La revancha del príncipe charro" Que saltaron a la fama, ya que en él ofrecían una mezcla cómica de rock / pop. Despues decidieron rematerializar su disco "arroz con leche" el cual contenia un VCD con los videos de sus sencillos.

Después de varias giras de presentación de su segundo álbum, por México y Estados Unidos, Panda toma un descanso para componer su tercer disco. Fue entonces cuando Jorge Garza, conocido como Ongi, decide dejar la banda por cuestiones personales. En su lugar entró Arturo Arredondo.

Para ti con desprecio y Amantes sunt amentes (2005-2007)Su tercer álbum "Para ti con desprecio", en este disco la banda abandonó el estilo rock pop que los caracterizaba. En el 2005 fueron nominados a una de las lenguas de los "MTV Video Music Awards Latinoamérica", en la categoría de mejor grupo de rock, consiguiendo el premio.

A principios del 2006, Panda graba el tema "No te deseo el bien, pero tampoco el mal" que fue parte de la banda sonora de la película Un Mundo Maravilloso. El 2 de octubre de 2006, se lanzó el cuarto álbum titulado Amantes Sunt Amentes (Amantes Son Lunaticos); del cual su primer sencillo es "Narcisista por Excelencia" y que fue lanzado septiembre del mismo año. Con este CD, estuvieron en los Premios MTV Latinoamérica 2006 el 19 de octubre de dicho año, y ganó 3 lenguas como mejor grupo de alternativo, mejor grupo o duo, y como artista revelación; tocando "Narcisista por excelencia" en vivo. El 14 de febrero del 2007 debuta su segundo single "Los malaventurados no lloran" en MTV.

El 25 y 26 de noviembre de 2006 la banda grabó su primer DVD en vivo desde el Auditorio Nacional de México. En los 100 mas Pedidos de MTV del 2006, transmitidos en la última semana del año, su canción "Disculpa los malos pensamientos" obtuvo el primer puesto. En ese mismo año se publica su canción "Si esto fuese realidad" para la serie mexicana "Skimo", producida por Nickelodeon.[6]

En febrero de 2007 la banda participa en el CD Tributo al más grande, compilación de éxitos de la banda regiomontana Bronco con la cual Panda participa en la canción "Oro", así mismo el vocalista José Madero interpreta junto con Guadalupe Esparza y Luis del grupo "Tolidos", la canción "Amigo Bronco".

El dia 20 de septiembre del 2007, la banda saca una canción titulada Nunca nadie nos podrá parar (Gracias). La intención de la banda era darle gracias y agradecer el apoyo de los fans hacia la banda. La letra significa mucho para los fans, puesto que habla de todo el apoyo que han obtenido y sin ese apoyo la banda no hubiera logrado el exito que tiene hoy en día.

En Los Premios MTV Latinoamérica, Panda fue nominado a las categorías "Mejor grupo u dúo" y "Video del año" por el video Los malaventurados no lloran) y a "Mejor artista alternativo", ganando esta última categoría.

La banda lanzó al mercado el 30 de noviembre de 2007 lo que sería su álbum en vivo Sinfonía Soledad, el cual cuenta con los temas de "Nunca nadie nos podrá parar (Gracias)" y "No te deseo el bien, pero tampoco te deseo el mal".

En Los 100 + pedidos de MTV Latinoamérica del 2007, PXNDX quedó en la posición # 2 con el video de Los malaventurados no lloran.

Sinfonia SoledadEste disco es lanzado al mercado el 30 de Noviembre del 2007, el cual es un concierto que ofreció la Banda en el Auditorio Nacional. En dicho material se incluyen las canciones "Nunca nadie nos podra parar (Gracias)" y "No te deseo el mal pero tampoco el bien" y una recopilación de sus más grandes éxitos. El concierto contó con la participación de la llamada "Sinfonica Soledad", una orquesta sinfónica y un amigo de la banda Marcelo Treviño, con lo cual resaltan al acompañar los solos del bajo. En el DVD incluido se presenta todo el concierto.

ControversiaEn 2005, la revista mexicana R&R[7] , publicó en uno de sus artículos que algunas de las canciones de Panda, principalmente de su álbum Para ti con desprecio, tenían cierta similitud con canciones de otros grupos de géneros similares, tal es el caso de My Chemical Romance y Fall Out Boy. Por su parte, la banda manifestó que "a dos personas se les puede ocurrir lo mismo", haciendo referencia que dos personas pueden ocurrírseles la misma canción.

Con la salida de su cuarto disco "Amantes Sunt Amentes" y con el crecimiento de popularidad de la banda en otros países, sus integrantes "no rehuyen al tema", pero prefieren "ya pasar a otra página". Ricardo Treviño, bajista de la banda señaló que "Hay gente que dice: Amas u odias a Panda. Yo creo que son más los que nos aman que los que nos odian , entonces ¿para qué debatir esas cosas?”[8] .

Integrantes:

Alineación Pre-Panda (1996)

José Madero (Pepe)- Voz principal, y Guitarra Secundaria.
Jorge Garza (Ongi) - Guitarra principal, Voz Secundaria.
Ricardo Treviño (Rix / Riki...) - Bajo y Coros.
David Castillo (Chunky) - Batería.

Alineación Original (1997 - 2004)

José Madero (Pepe)- Voz Principal, y Guitarra Secundaria.
Jorge Garza (Ongi)- Guitarra Principal, Voz Secundaria.
Ricardo Treviño (Rix)- Bajo y Coros
Jorge Vazquez (Kross) - Batería

Alineación Actual (2005 - Actualmente)

José Madero (Pepe) - Voz Principal, Guitarra Secundaria y Moog.
Ricardo Treviño (Rix)- Bajo y Coros.
Arturo Arredondo (R2D2) -Guitarra Principal, y Voz Secundaria.
Jorge Vazquez (Kross)- Batería.

Pagina: http://www.pandalandia.com/

Alika y la Nueva Alianza

Alika y la Nueva Alianza nace en el año 2000 como proyecto paralelo de una de las integrantes del grupo de rap argentino "Actitud María Marta". Esta banda se hace conocida en 1995 al participar de soporte de un concierto de Fito Páez, y luego participa activamente en diversos festivales de derechos humanos con un estilo crítico y de alto impacto (por el contenido de sus letras). El primer trabajo discográfico de Alika se graba en Chile en el año 2001, y lleva por nombre “No dejes que te paren”. En la producción , participan los mismos músicos de Actitud Maria Marta: Sista Angela, Boomer, Pensativo, Kayo Dread, DJ Patois y Polidread. Grabado con recursos mínimos, sale a la venta de manera independiente, y al principio solo se consigue en las presentaciones en vivo. El segundo álbum llega en el año 2003, bajo el título de “Sin intermediarios”, y Alika logra una mayor difusión (en parte, gracias al video clip del tema “Enemigos”). Con una marcada tendencia hacia el roots, edita el tercer álbum, “Razón-meditación-acción”, en el cual también colaboran numerosos invitados (argentinos y chilenos) de la escena reggae, como Princesa Vale, Sista Angela, Pensativo, Rancho Mac e Isar Lee. Alika y la Nueva Alianza lleva su música frecuentemente por escenarios de Latinoamérica y también colabora en discos de otros músicos del género (como Raíces y Cultura de Panamá).

Pagina: http://www.alika.com.ar/

Asesinos Cereales

Asesinos Cereales es el nombre de una banda Punk Ska oriunda de Villa Bosch y San Martín, provincia de Buenos Aires, Argentina. Tuvo su origen en 1999 a partir de la disolución de varias bandas de punk rock de la escena local de ese momento: "Bajo Presión", "Hating Hate" y "Alteración".

Historia

El nombre del grupo surge queriendo utilizar la palabra "Cereales" como parte del mismo y luego de varias ideas surgió "Asesinos Cereales", asociándolo con "Seriales". Inmediatamente se registró este nombre y comenzaron a tocar con el mismo.

Durante los primeros meses, Asesinos Cereales participó en shows con bandas amigas, y se presentaron en varios lugares de Capital Federal y Gran Buenos Aires.

Inicialmente la banda estaba influenciada más que nada por música Punk Rock, pero luego con la evolución de los músicos y el descubrimiento de nuevos horizontes comenzaron a probar algunas bases de Ska y la participación de trompetas y saxo en algunos temas.

A mediados de 2002 Asesinos Cereales participó de un concurso a nivel nacional llamado "Rock en obras", desarrollado en el Estadio Obras Sanitarias en la ciudad de Buenos Aires. La banda quedo preseleccionada entre más de 2000 participantes, y luego de competir con otras 7 bandas que de diferentes estilos musicales clasificó para la final.

En el verano de 2003 se presentaron en ciudades de la Costa Atlántica compartiendo escenario con Expulsados en Miramar, y realizando un par de presentaciones en San Bernardo.

En los últimos años, Asesinos Cereales participó en gran cantidad de shows en distintas zonas de Capital Federal, provincia de Buenos Aires y en el interior de Argentina.

Entre los shows más destacados de la banda se encuentran los compartidos con Cadena perpetua, Bulldog, El Otro Yo, Dos Minutos, Expulsados, Doble Fuerza, Los Muertos, Infierno 18, Slam Up!, Shaila, Topos, Cuentos Borgeanos, Nativo, Árbol, Kapanga, Ska-P, y MAD entre otros.

También son muy recordadas las participaciones en el "Tributo a Ramones realizado en Hangar en el mes de abril del 2003; y la fecha que compartieron con Ska-P (España) en el mismo lugar ante 4000 personas.

Mediando el año 2004, Asesinos Cereales terminó de grabar su primer producción discográfica titulada "Rompecabezas", la cual contiene 12 temas de Punk-Ska. El mismo fue producido por Juan Pablo Fallucca y se grabó entre enero y mayo de 2004 en los estudio "La piecita" de Munro.

A fines de octubre de 2004 "Rompecabezas" es editado por 4K Records y distribuido por Universal.

Para el año 2007 se prevé el lanzamiento de su disco llamado "Sin Fronteras". El día 21 de julio de 2007, Asesinos Cereales se presentó en el Casino de Asunción, Paraguay junto con otras bandas de Ska y Punk.

Pagina: http://www.asesinoscereales.com.ar/

Caetano Veloso

1942:
Caetano Veloso nació en Bahia (Brasil), región pintorescamente denominada ‘Santo Amaro da Purificacao’. Antes de que cumpliese un año su familia se muda a la región rural de Salvador, y es allí donde, por primera vez, Caetano Veloso se enamora de la música. Frente al deseo de la mayoría de los padres brasileños de que sus hijos se conviertan en profesionales de carrera, el niño Caetano ya sabía lo que sería de mayor: artista. Pronto ansía emular a su colega compositor Dorival Caymmi, que logra viajar a Río de Janeiro, sede del apogeo musical. De momento Veloso depura el tiempo entre la poesía y la música esperando que llegue su turno. Sin embargo, sucederá antes de lo que se imaginaba.

1965:
En la capital la cantante Nara Leao brilla en el musical “Opinion”, donde interpreta la canción cumbre del espectáculo, “Carcara”, compuesta por Joao do Vale. El cartel de “no hay entradas” se cuelga a diario, pero el infortunio está por llegar. Leao abandona el show y éste se encuentra en peligro de desaparecer si no se encuentra una sustituta de garantías. Entre todos los nombres de candidatas apuestan por la recomendación de la propia Leao, que no es otra que Maria Bethania, casualmente la hermana de Caetano Veloso (que acompaña a Bethania a Río de Janeiro con un equipaje reducido a sus canciones y sueños).

Gracias a la poderosa voz de su hermana, Caetano consigue grabar sus primeras canciones que, inevitablemente, suponen sus primeros éxitos.

1966:
Veloso gana el premio de Mejor Letrista con la composición “Um Dia” en el Festival de TV-Record. Esto le permite firmar su primer contrato con el sello Philips. Junto con Gal Costa graba su primer álbum, “Domingo”, cuya pieza central se titula “Coracao Vagabundo”, dedicada a la chica que se convertiría en su esposa: Dedé.

1967:
Sus apariciones frecuentes en el programa de TV “Esta Noite Se Improvisa” le convierten en un personaje cada vez más popular. Su canción “Alegria” logra el cuarto premio en el III Festival de TV-Record. Pero en sí el hito está en que es la primera vez que una pieza premiada contiene un acompañamiento de guitarras eléctricas. Esto le catapulta a la máxima popularidad. Se casa con Dedé en una ceremonia hippie que marca época y crea escuela en Brasil.

1968:
Por razones meramente políticas Caetano Veloso se ve obligado a exiliarse (pasa un tiempo en la cárcel con Gilberto Gil acusados de ser los máximos alentadores tropicalistas). Pero antes de emigrar a Londres, Veloso y Gilberto Gil actúan en el teatro Castro Alves en Salvador, la ciudad donde vivió su niñez. El concierto se graba en directo y se publica un álbum, “Barra 69”. Desde la capital británica Veloso envía sus composiciones a Elis Regina (“Nao Tenha Medo”), a Gal Costa (“London London” y “Voce Nao Entende Nada”), a Erasmo Carlos (“De Noite Na Cama”) y a Roberto Carlos (“Dois e Dois”). Él mismo publica un single que se convierte en un gran éxito, “Irene Rír” y consigue grabar su primer trabajo en inglés. Comienza a actuar en diferentes países europeos.

1972:
Después de realizar algún que otro viaje aislado para visitar a sus padres, Caetano regresa a Brasil definitivamente. Comienza a aparecer en diferentes festivales de Rio, São Paulo y se recorre todo el país actuando fundamentalmente en universidades. Graba el álbum “Transa” y produce el nuevo trabajo de su hermana Bethania, “Drama - Anjo Exterminado”, el cual contiene muchas canciones suyas. En noviembre la ciudad de Salvador acoge un concierto histórico: “Caetano e Chico Buarque ao Vivo na Bahia”, que se publica en un álbum en directo. Caetano tiene su primer hijo: Moreno.

1975:
Salen al mercado dos nuevas entregas de Caetano, “Joia” y “Qualquer Coisa”, que contienen muchas canciones de los Beatles. Un año después se junta con Gilberto Gil y Gal Costa, así como con su hermana Bethania y se autodenominan Grupo Ballano, nombre bajo el que recorren Brasil con su espectáculo “Doces Bárbaros”. Como ya empieza a ser costumbre, de esta gira nace un álbum. Pero, además, es la primera vez que también se filma el acontecimiento en una película.

1978:
Aparece una antología de todas las canciones que Caetano ha compuesto anualmente expresamente para cada Festival de Rio de Janeiro. Él y Bethania actúan por primera vez solos. En un principio se trataba de un concierto único en Salvador, pero el éxito les permite comenzar una gira por todo el país. Los críticos califican el encuentro (publicado en otro álbum) como la cúspide de la creatividad, talento y sensibilidad, lo que ayuda para que “Caetano&Bethania” se convierta en un best-seller. Caetano es ya una estrella mundial y su música se disfruta regularmente en el Olimpia Theatre de Francia o en Argentina. Sus discos se venden por toda Europa, Latinoamérica, Estados Unidos, Israel y Australia.

1980:
Aparece una recopilación titulada “Brasil” con canciones de Caetano, João Gilberto, Maria Bethania y Gilberto Gil. El álbum triunfa alrededor del mundo y en Brasil es considerado una antología de su historia musical.

1981:
Caetano publica “Outras Palabras”, su primer trabajo que logra un disco de oro y el trofeo Vinicius de Moraes, en la categoría de mejor cantante. El famoso periodista brasileño Liuz Carlos Maciel escribió sobre Caetano: “Puede ser comparado con John Lennon y Bob Dylan en cuanto a la influencia que ha ejercido sobre su generación”.

1983:
El año más internacional de Caetano hasta entonces. Entrevista a Mick Jagger durante la inauguración del programa de TV “Internacional Connection”. Actúa en París, en Israel y, por primera vez, en los Estados Unidos. Las entradas para sus tres conciertos en Nueva York se agotan con mucha antelación. Y Robert Palmer, crítico musical del New York Times, califica a Veloso como “el ganador. Quien ha traído los nuevos ritmos de Brasil”. Después de celebrar su 41 cumpleaños regresa a Europa acompañado de Gal Costa, Gilberto Gil, Joao Gilberto y otros artistas para celebrar un macroconcierto en Roma, denominado “Bahia de Todos os Sambas”. Caetano consigue su tercer disco de oro por “Uns” y “Queixa”, y su álbum “Voce e Linda” se convierte en el mayor éxito radiofónico. El primer compact disc brasileño se publica en Alemania para su distribución mundial y contiene la canción de Caetano “Queixa”.

1985:
Caetano actúa tres noches en Lisboa (6.000 asistentes cada día) y una en Madrid (8.000), junto con su hermana. Un año después dirige su primera película, “Cinema Falado”, que se paseará por festivales cinematográficos en el 87. En este mismo año actúa en España, Portugal y Nueva York, y comienza a preparar su 21º álbum, “Caetano”.

1992:
Es el año de “Circulado Vivo”, para muchos su obra maestra, salpicada de bosanova y tango. Sus conciertos consiguientes son los más bellos que jamás haya ofrecido y se editan en video.

1993:
“Tropicalia 2”, un disco en directo con Gilberto Gil, celebra sus 25 años de amistad y otros tantos del nacimiento del movimiento.

1994:
Caetano sorprende con un disco enteramente cantado en español titulado “Fina Estampa”, el más popular en los países hispanohablantes por razones obvias (sin desdeñar su indudable magia y calidad). Es la primera vez que interpreta canciones ajenas, clásicos de la música latina que Caetano solía escuchar durante su infancia. Es su trabajo que más copias ha vendido fuera de Brasil.

1995:
El proyecto “Fina Estampa” se completa con “Fina Estampa ao Vivo”, una grabación en directo arropada por la compañía de una orquesta sinfónica (dirigida por Jacques Morelembaum, personaje ‘oculto’ pero clave en los discos de Caetano) grabada en el Teatro Metropolitan de Río de Janeiro. Incluye cinco canciones de antiguos álbumes de Caetano más piezas clásicas de los años cuarenta y de la historia de la música latina -la esencia de la obra.

1996-2000:
El cine atrapa a Caetano después de su fructífera escapada latina ( en 1996, 97 y 99, por dos veces, edita sendas bandas sonoras). Debe reseñarse específicamente su homenaje a Fellini en “Omaggio a Federico e Guilietta”, grabado en directo, en el que Veloso explora las partituras de Nino Rota, el compositor favorito del legendario director de cine italiano. Pero en 1998 marca un hito en su discografía con “Livro”, uno de sus mejores álbumes. Similar en estilo y producción al extravagante tecno-pop de “Estrangeiro” (1989), “Livro” culmina esos devaneos conectándolos íntimamente con los ritmos brasileños más ancestrales. Consigue un disco audible para oídos poco educados y para los que tienen costra de bosanova. Así, logra aunar público, crítica y búsquedas estilísticas en una de sus obras cúspide, lo que es decir mucho en la extensa despensa de Caetano.

2000-2002:
El año 2000 fue otro año agitado para CV: le invitaron al acontecimiento del año " Pavarotti and friends" y a finales de año publica "Noites do Norte". El álbum fue recibido de nuevo con entusiasmo por el público y los críticos que elogian la capacidad del artista por mantener su creatividad en constante renovación. Después de un corto descanso, Caetano comenzó una extensa gira en junio del 2001 por todo el mundo: "Noites do Norte"- El tour- le llevó por todo Brasil, Francia, Portugal, Alemania y Argentina. En Italia, además, dio un concierto privado para celebrar el 80 cumpleaños de Michelangelo Antonioni y recibió de éste, el premio "Antonioni" creado por el prestigioso director para honrar a las personalidades que más contribuyen al mundo del arte.

Caetano Veloso participa en la película "Hable con ella" de su amigo Pedro Almodóvar. La versión de "Cucurrucucú Paloma" toma nueva dimension entre las manos de estos dos genios. Esta versión queda incluida en el último disco de Caetano Veloso: Freequency (Gran Vía Musical) edita ''Lo Mejor de Caetano Veloso" en España, la recopilación definitiva de toda la trayectoria de este mito y genio de Bahía.

2002-2004:
Después de dar conciertos por todo el mundo durante dos años, al principio con la banda de Noites Do Norte y posteriormente en solitario, publica en el 2004 la versión anglosajona del Fina Stampa, A Foreign Sound, sus canciones preferidas del otro lado del océano.

Pagina: http://www.caetanoveloso.com.br/

Antonio Birabent

La trayectoria de Antonio Birabent se ha consolidado por diferentes caminos artisticos y expresivos si bien la musica siempre ha sido su base y su esencia. Desde la grabación de su primer disco en 1993 hasta el 2005 ha compuesto, producido y registrado nueve discos. Sus primeras composiciones datan de fines de los '80, cuando volvió a vivir a la Argentina despues de una larga etapa en España. En el año 1990 formó parte de la banda de su padre, Moris, como guitarrista, y posteriormente inició su carrera solista (su caso es prácticamente excepcional en el rock argentino ya que nunca tuvo un grupo con el que llegara a ser conocido, siempre se mostro como solista), al principio en pequeños shows y a partir de 1993 (con el estreno de la película "Tango Feroz" y la grabación de "Todo este tiempo") para un público más masivo.

Pero además Antonio ha participado como actor en peliculas ("Tango Feroz", "El Impostor", "Lisboa", "Sabes nadar", "Stephany o Pequeños Milagros") prestigiosas series de television ("Verdad-Consecuencia", "Por ese palpitar" o "Epitafios") y se ha desempeñado como conductor de dos programas que hicieron historia en el rock argentino ("Rocanrol" y "La Cueva") y actualmente en un programa radial.

Su nombre trascendió en la escena del rock a poco de nacer: un amigo de su padre, nada menos que Litto Nebbia, le había dedicado un tema de Los Gatos, "Antonio". Gran debut para un chico cuyo crecimiento no sería fácil. Porque Antonio, siendo un niño, tuvo que cambiar de barrio, de ciudad y de país, en el 76, cuando su padre armó las valijas porque aquí se había hecho la noche, y toda la familia Birabent se instaló en Madrid. Allí Antonio pasó por el colegio, tuvo su primera novia y su primera guitarra, y también insinuó allí sus primeras canciones. Hasta que entrados los 80, siempre de la mano de sus padres, volvió a su Buenos Aires natal.

Mientras componía y cantaba y formaba un par de bandas que nunca salieron de las salas de ensayo, escribía en el diario El Cronista y Clarín (sobre musica y sobre Buenos Aires, su gran pasión) y comenzo a conducir en TV en el ciclo Rocanrol, que arrancó por América y siguió en cable. Y a mediados de aquel decisivo año 93, con El oso que había cantado en la película Tango Feroz sonando en las radios, Antonio tomó la decisión que venía madurando y dejó las demas actividades de lado para dedicarse de lleno a la música.

Tomó una sala de ensayo en los legendarios estudios TNT, contigua a la que tenía Moris, y con el entusiasmo de los debutantes comenzó a definir los temas que estarían en el repertorio de su primer álbum. Y en diciembre de ese mismo año grabó su primer disco, "Todo este tiempo", producido por el chileno (radicado en Europa) Carlos Narea, y acompañado por su banda. Tuvo además dos invitados famosos y de lujo: Andrés Calamaro en órgano, en "Soñando por mí", y Fito Páez en piano y órgano en "Tan frágil".

El disco salió en marzo del '94 saltó a las bateas. Ese debut fue auspicioso. Las radios eligieron "Salgo a caminar", "Yo nunca te dije" y "A mí la lluvia". Las ventas de "odo este tiempo" llegaron a las 30 mil unidades, con lo cual ganó un disco de oro que jamás recibió y además su nombre trascendió incluso fuera de las fronteras argentinas, a través de la rotación de sus videos. Por eso no extrañó que tuviera la oportunidad de hacer un segundo disco. En esa obra, "Morir y matar" (editado en el '95) contó con la producción de un experimentado Cachorro López y con otro famoso como invitado: León Gieco cantó con él en "Siete vidas". Este segundo disco presentó otros temas interesantes, como el difundido "Vi-Viví", donde aparecen rastros de su pasado madrileño: "Y al final de todo, solo estás vos, y si quieres digo tú y te lo digo en español: con tu sexo y tu pasión, ¡oye, niña, me alucinas mogollón!". También se destacaban "Hay pibes", "Oasis", "El juego", "Tres de Amor" y la version de "Across the Universe" junto al stickista Guillermo Cides. El disco ya preanunciaba su contacto con las máquinas y una busqueda artístita distinta. Pero la repercusión comercial fue menor que en la vez anterior: el disco vendió 12 mil unidades. Y eso, para una compañía multinacional con mayores aspiraciones y requerida de éxitos instantáneos, era poco. Tambien para esa compañía participa en varios discos entre los que se destacan el homenaje a Sumo y a Carlos Gardel en el Teatro Cervantes (con "Ojos de terciopelo" y "Melodia de arrabal", respectivamente).

En 1996 se le presentó la oportunidad de incursionar en la actuación en TV (en esa epoca estudiaba teatro junto al actor Julio Chávez). Así, Antonio asumió uno de los principales roles del ciclo "Verdad Consecuencia", y lo hizo con mucho éxito. Tal es así, que muchos dudaron de que volviera a la música. Dudaron muchos, pero él no. Durante los dos años de trabajo en la tele siguio experimentando con la y ampliando su círculo artístico. De hecho, durante los años 96 y 97 piensa y graba el disco "Azar" y lo produce junto a Luis Volcoff y Andres Fogwill. Convencido de que publicar discos por una compañía multinacional no era lo más conveniente, decidió armar una compañia propia (Sitos Laterales) con la que graba y presenta el disco en su propia casa. "Azar" fue un disco de canciones llenas de texturas sonoras, en el que se relacionó con la canción electrónica. "Son canciones ambientales, de living contemporáneo, y de búsqueda", dijo al presentar el disco en junio de 1998. "Siempre fui amante de las máquinas, para mí son elementos totalmente artísticos. Además es una música que hoy interesa: Masive Attack, Portishead, Tricky. Y Gustavo Cerati, que es un gran referente musical argentino. Está en una búsqueda sonora con la que estoy hermanado."

"A mi modo, siempre corrí por un camino alternativo", le dijo Birabent a la revista Rolling Stone. "Me fui de lugares que muchos pagarían por ocupar. Y me dediqué a no lucrar con el privilegio de pertenecer. No le temo a las contradicciones. Me gusta la musica en si, puede ser un tango o un rock furioso".

Las canciones de "Azar" son relajadas y muy intimistas. Quizá presintiendo qué vendría poco después, cantó "Madrid": "Ya no puedo recordar lo que hice ese día, si fui o si volví, si tenía expectativa. Hoy te vuelvo a imaginar en Madrid o en cualquier otro sitio". "Linterna" es otro tema clave de este disco introspectivo, porque allí hay pistas para entender por qué llegó a esa instancia creativa: "Ayer salí a caminar y me sentí iluminado, una linterna bajó del cielo y se durmió en mi mano. Ahora ya no salgo más, la diversión (diversidad) está en mi cuarto, con la linterna ilumino el techo y Neptuno".

Con "Azar" bajo el brazo -literalmente-, Birabent se fue a Madrid para filmar la pelicula "Lisboa". Y él sabía que también para cantar. Desde setiembre del 98 vuelve a ser madrileño durante un tiempo. Como lo era cuando niño, en los días en que su papá, Moris, les descubría a los españoles que era posible cantar buen rock en castellano. Le fue bien como actor y como músico: "Lisboa", el film que protagonizó nada menos que junto a Federico Luppi y Carmen Maura y "Azar", el disco en el que hizo una experiencia ligada a la canción tecno, fue editado allí y se convirtio en un referente para buena parte de la escena independiente y de la prensa especializada.

Mientras ultima detalles para entrar en los estudios de grabación a registrar un vuevo album ("Anatomia") edita un extended play de cinco canciones, cuatro extraídas de Azar -dos de ellas en versiones inéditas, una, "Linterna", a dúo con Javier Alvarez, y otra, "Madrid", interpretada por Carlos Jean, figura de la nueva música electrónica madrileña. Completa el disco "Demasiadas mañanas" (One Too Morning) de Bob Dylan, versionada por Antonio junto a Nacho Mastretta.

La aparición de "Azar" y de "Ep" en España fue responsabilidad de Subterfuge Records, sello que produjo la incorporación de dos bonus tracks al disco conocido en la Argentina. Los agregados fueron una versión de "I'm Waiting For The Man" y un remix del tema "Madrid" hecho por Big Toxic, technomaster español que ha compuesto música para los espectáculos de la Fura dels Baus y que fue convocado para remezclar a Nich in Nails. Birabent y Big Toxic estrenaron el remix en vivo, durante un show celebrado en la sala El Sol de la capital española. También el diseño del disco argentino fue modificado. Allí Antonio perdió el Antonio y se llamó solo Birabent. En el librillo de esta nueva edición, Birabent: "Los aviones y los planes entre España y Argentina me persiguen hace más de veinte años. azar, que empezó en Buenos Aires y ahora continúa su viaje aquí, es la prueba sonora de este turismo constante, sentimental, melancólico y fabuloso".

El elegido como primer corte, "Linterna", empezó a sonar rápido en las radios madrileñas, mientras el disco conseguía sus primeras críticas. Tomás Fernando Flores, prestigioso conductor de programas radiales de vanguardia, escribió en El Mundo: "En su primer disco en España, Birabent da lecciones de nueva sensibilidad, del manejo de todos los artificios musicales contemporáneos para hacer canciones emocionantes. Temas increíbles, repletos de detalles, de alquimia sentimental. Asi como Moris nos enseño a cantar rock en español, ahora Antonio hace lo propio con la cancion moderna".

"Anatomía" (2000) fue presentado primero en España y luego en Argentina. Grabado en Buenos Aires, Villa Gesell, Madrid y Barcelona durante mediados del '99, contiene trece temas e incluye en la edición argentina un bonus track del tema de Sandro "Porque yo te amo". Es un disco poético, con menciones al mundo oriental y una continuación en algun sentido del camino sonoro iniciado con "Azar". Se destacan los temas "A descansar", "Nada Bueno", "Princesa oriental", "Desliz" y la canción que da título al álbum. Participan músicos españoles como Mastretta y argentinos como Claudio Gabis y Tito Fargo, además de Leo García, Moris, y un trío de chicas formado por Josi Palmas, Guillermina Casey y Mariana Melero. El material fue presentado en julio de ese año en el Club del Vino.

"Cardinal" es su séptima producción discográfica y marcó su debut con el sello multinacional Virgin Records. Cuenta con la participación de tres invitados: Gustavo Cerati, Deborah De Corral y León Gieco. El melancólico "Hoy" fue el primer corte de difusión. En este disco Antonio muestra una cancionística muy heterogénea: cuerdas, máquinas, oboes, guitarras acústicas y distorsión. "Cardinal" oscila de la furia de "Aminoacido" al clima folclórico y litoraleño en "Rio en espiral", que terminó sumando a su repertorio Mercedes Sosa. Este disco lo puso nuevamente en contacto con público en todo el país, ya que en un año y medio realizó mas de setenta shows.

Su disco "Buenos Aires" (nuevamente en la independencia discográfica) fue editado originalmente en noviembre de 2003 y reeditado un año despues con el agregado de la canción "La Academia de la Nada" (cortina del programa radial de Roberto Pettinato) y los videos de las canciones "Bienvenida seas" y "Montevideo". Fue una vuelta al rock, a las canciones directas, claras y guitarreras sin perder por eso su estilo descriptivo y su particular vocabulario en las letras. Vuelve a estar Tito Fargo como invitado y también su amigo el pianista Lolo Micucci.

"Tiempo y espacio" fue su noveno disco, producido junto a Ezequiel Araujo y Leha y contó con la participación de Moris, Flavio Ciancarullo y Pity Alvarez.

Pagina: http://www.birabent.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar