James

James es un famoso grupo de rock alternativo de Manchester, Inglaterra, formado en 1981. Tras una creciente lucha durante los años 80, llegaron a convertirse en una de las actuaciones más fuertemente exitosas de los años 90, marcando una serie de singles de éxito durante la década, incluyendo "Sit Down" y "Laid". Después de la marcha de su cantante Tim Booth en 2001, el grupo se volvió inactivo, aunque no se confirmó la separación oficialmente. En enero de 2007, el grupo anunció que volvía para tocar en algunos conciertos y que habían estado escribiendo nuevo material. Se lanzó una nueva web, confirmando 5 fechas iniciales en Reino Unido en abril. La propia web de Tim Booth también confirmó la vuelta. El 16 de marzo, James tocó en un concierto secreto de vuelta en Hoxton Square Bar & Kitchen, ante un público de solo 250 personas.

Historia

Los Años 80

James se formó en 1981 en Whalley Range, Manchester, cuando el entusiasta de la música Paul Gilberston, inspirado por los grupos post-punk de la época, convenció a su mejor amigo Jim Glennie para que se comprase un bajo e hiciese un grupo con el. Ensayando regularmente en la habitación de Glennie con los otros músicos que estuviesen disponibles, su composición se hizo sólida con la adquisición de Gavan Whelan en la batería, cuyo sonido en el tambor, frenético, variable y casi tribal dio a su música un perfil diferencial de los estilos de guitarra y bajo ásperos de Gilberston y Glennie. Dieron una serie de conciertos bajo los nombres de Venereal y The Disasters y, más tarde, Volume Distorsion (firmando con las iniciales), antes de llamarse Model Team International, entonces acortado a Model Team.

Tocaron casi espontáneamente, improvisando con el material que salió de las jam session, haciendo de teloneros de The Fall en uno de sus primeros conciertos. Vocalistas y otros músicos pasaron rápidamente por su formación, hasta que el grupo encontró a Tim Booth, un estudiante en la discoteca en la que se habían colado. Fascinado por el salvaje estilo de baile mevleví de Booth, Gilberston le invitó a la cabaña escultista del grupo en Withington para unirse a este como bailarín. Tras aceptar la invitación, Booth fue rápidamente propuesto tanto para cantante como para compositor.

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Esperanza Spalding

Esperanza Spalding, contrabajista, cantante y compositora, pertenece a esa camada de artistas que se les huele el talento. Se ha presentado en festivales y conciertos en diferentes partes del mundo, con comentarios sobresalientes de parte de los más afamados músicos y críticos musicales de todo el orbe.

Natural de Boston, esta artista norteamericana, de origen mexicano por parte de la madre, emprende su carrera musical desde muy pequeña (seis años) tocando el violín influenciada por la madre, pero fue uno de sus profesores, de aquellos tutores que nunca quedan en el olvido, el que intuyo lo que podría explorar la niña de aquel entonces con el contrabajo. Y acertó.

Curiosamente, Spalding fue descubierta por el pianista y productor musical Pablo Valero, quien pertenece al sello español Ayva Música. Sello que la acoge en la actualidad.

Junjo (2006), es el primer logro de esta excelente contrabajista. Nueve temas de las mejores melodías actuales del jazz, son los que dibujan el viaje musical, un repertorio fascinante. Adapta con suntuosas versiones, canciones de artistas como Chick Korea («Hampty Dumpty») y Egberto Gismonti («Loro»), y en lo restante –que es la gran mayoría- Spalding compone y realiza arreglos como si se tratara de una artista veterana. Elogio aparte es el buen acompasamiento entre el contrabajo y el canto/susurro de su voz, donde lo realiza de forma impecable. Un talento que sorprende.

En este transitar sonoro, Spalding es escoltada por dos reconocidos músicos cubanos: El pianista Aruán Ortiz y el baterista Francisco Mela.

Con tan solo 23 años, Esperanza Spalding , contrabajista, cantante y compositora, pertenece a esa camada de artistas que destila talento. Se ha presentado en festivales y conciertos en diferentes países; ha tocado con Michel Camilo, Stanley Clarke, Pat Metheny, Richard Bona y Dave Samuels, entre otros; y ha cautivado con su belleza afro a los amantes del género. Nacida y criada en Oregon, estudió en Berklee –donde hoy es profesora-, y cimentó su carrera desde Nueva York. "Esperanza", su nuevo disco, será presentado en La Trastienda el 25 de octubre; en Mar del Plata el 26 y en Neuqué el 28.

"Comencé tocando el violín a los cinco años, pero no me sentía tan cómoda como cuando tomé por primera vez un contrabajo. No sé, no puedo explicarlo, rápidamente lo sentí como algo natural y creo que definitivamente tiene que ver con el sonido tan particular del contrabajo", dice la afrojazzista. Aquí la conocimos en 2007 cuando, junto al mítico baterista Horacio "El Negro" Hernández, acompañó el debut en Buenos Aires de Niño Josele, el guitarrista que descubrió la afinidad entre la guitarra flamenca y los sonidos del jazz de Bill Evans, un tributo que comenzó en el Village Vanguard de New York y en el que el contrabajo y la voz de Esperanza fueron esenciales para introducirse en las melodías del genial pianista.

¿Qué recordás de tu primera visita a Buenos Aires?
Es difícil ponerse a pensar en todos los lugares en dónde estuve... pero recuerdo que Buenos Aires es una gran ciudad y tiene una audiencia maravillosa. He estado en muchos lugares tocando para distintos públicos y el argentino tiene una sensibilidad especial. Recuerdo que me impresionó mucho cuando estuve con Josele en aquel teatro, un lugar maravilloso. Conocí a Niño Josele por un músico español, un gran arreglador. No sé por qué, pero tuvimos onda enseguida y me sumé a su trabajo sobre Bill Evans. Lo acompañé en su debut en el Village Vanguard (en New York) y luego estuvimos en Miami y en Buenos Aires, y también en Montevideo. Fueron conciertos muy especiales para mí. Además, el tango ha sido una gran influencia en mí cuando era joven e intentaba escribir música. El ritmo y la melodía me han inspirado incluso a bailar tango lunes y viernes en la semana. Mi trompetista en Berklee era argentino. Oí mucha música argentina en su casa. Esa creo que es la razón de mi gusto por esta clase de música típica.

¿Cómo es la gira que te traerá a la Argentina?
Este disco me está dando muchas alegrías. Ya lo he presentado en muchos lugares, bueno en New York claro y en otras ciudades de Estados Unidos (Boston, San Francisco). Lo voy a presentar en varios países de Europa, en España, (ahora estoy en Copenhague), Alemania, Suecia y luego volveré a Estados Unidos antes de ir para Sudamérica, para allá digamos. Iremos como cuarteto con Leo Genovese en piano, que es un gran músico argentino, con Ricardo Vogt en guitarra y Pedro Ito en batería. Son músicos de un muy alto nivel y también tenemos muy buena relación afuera del escenario. Uno a veces elige músicos para compartir una banda por motivos que van más allá de lo profesional. En este caso se dan ambas cosas.

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San Telmo Lounge

A fines del año 2001, tras realizar estudios musicales en Nueva York, Martín Delgado regresa a la Argentina con la idea de experimentar en la fusión de la música electrónica, el tango, y el jazz. Con esta premisa, elabora varios demos en su pequeño estudio y decide buscar la colaboración de otros músicos para formar San Telmo Lounge. Durante el año 2002, conoce en Rosario al productor de música electrónica Juan Manuel Aguirre quién se suma a San Telmo Lounge como integrante estable a cargo de la producción electrónica y más adelante, se consolida el grupo con el ingreso del bandoneonista Pablo Gaitan. En septiembre de 2003, presentan con éxito su primer EP «McDougall Tango» ( Epsa Music 0400-02 ) cuyo inicial lanzamiento los posicionó en el panorama musical nacional e internacional, como referentes de esta creciente tendencia que fusiona el tango con la electrónica. En su primer álbum: «Madrugada en Backcelonia», se encargan de reafirmar las inumerables posibilidades que el tango tiene para nutrirse de géneros como la electrónica, el jazz, e incluso el rock, sin caer en formulas repetidas, y con interminable delicadeza, para lograr una atmósfera cautivante y potente al mismo tiempo.

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Black Joe Lewis & The Honeybears

¿Cómo definiros su sonido? ¿Cómo presentaros a este nuevo grupo? Buscando en la red opiniones cualificadas me he econtrado con una diversidad de pareceres. Por ejemplo, nuestro amigo juslisen.musiq la considera como un sonido atrapado en un "bucle soul-funky atemporal", otros afirman que es "garage-soul", en cambio también los hay convencidos de que es "blues & rock 'n roll" o "hard blues-funk" e incluso hay quien entiende que es música punk-soul.

Seguro que todos tienen su parte de razón, pero la verdad es que no resulta fácil definir esa combinación única de agresividad, energía y un sentimiento desgarrador. Lo único cierto es que los ocho miembros del grupo liderados por el incontenible Joe Lewis irrumpen en la escena musical desde Austin (Texas) con su disco de debut "Tell 'Em What Your Name Is" editado por el sello Lost Highway y con su sonido decididamente retro parecen dispuestos a conquistar el resto del mundo.

En mi opinión la influencia más evidente es la de James Brown. Si no me crees te invito a escuchar el track "I'm Broke" y comprenderas inmediatamente a qué me refiero. También asoman influencias de la vieja escuela soul como Wilson Pickett, Joe Tex u Otis Redding entre otros. Sin embargo, no nos conviene confiarnos y cuando todo parece estar más o menos etiquetado nos pueden sorprender con influencias blues y ritmos de New Orleans... maravillosamente esquizofrénico.

La voz de Joe se muestra perfecta porque es capaz de enviarnos una corriente inacabable de energía, sólo nos queda la duda de saber como se desenvuelve técnicamente en baladas porque en los temas del disco (todos compuestos por el propio Joe) no tiene posibilidades de explorar los rangos que admiten sus cuerdas vocales. Afortunadamente el productor Jim Eno ha sido capaz de integrar perfectamente la sección rítmica en vivo del grupo The Honeybears con la intensidad vocal de Joe, en la que destaca el excelente resultado final conjunto y no la gloria individual de ninguno de ellos.

Con sus rítmicas guitarras, la sobresaliente sección de metales, ese penetrante bajo y ese hombre que exuda energía por todos los poros al frente de todo, cada tema es un crouch directo al estómago por su endiablado ritmo y esa envidiable capacidad que tiene para describir la vida tal y como es a través de sus letras. Así se siente uno escuchando "Gunpowder", "Sugarfoot" o "Master Sold My Baby" por poner algún ejemplo. En definitiva, buena música de la de siempre, mezcla de blues, rock 'n roll, funk y soul que te dejará sin palabras, que te hará mover el esqueleto sin quererlo y que para lo bueno o lo malo nunca, nunca te dejará indiferente.

Pagina: http://www.blackjoelewis.com/
Fuente: http://musicasoul.blogspot.com/

Diane Schuur

La cantante, Diane Schuur, (Seattle, 1953) comenzó desde pequeña a interesarse por el jazz escuchando tocar el piano a George Shearing y Duke Ellington, que la ayudaron a perfeccionar su estilo en la ejecución del piano, a la vez que se fijaba en la manera de interpretar de Dinah Washington y Sarah Vaughan, para mejorar su propio estilo.

En 1985, firma un fructífero contrato con la discográfica "GRP" que abarca todo el grueso de la carrera profesional de la cantante. Entre 1985 y 1997, fecha en que rompe con GRP y firma con "Concord Jazz" la cantante graba once espléndidos álbumes con los que ha sido varias veces candidata y ganadora a los premios "Grammy". Diane Schuur, obtuvo tal distinción de forma consecutiva los años 1987 y 1988 como Mejor Vocalista de Jazz por los discos "Tímeles" (GRP, 1986) y "Diane Schuur and The Count Basie Orchestra", para el mismo sello en 1987. También estuvo a las puertas de lograrlo nuevamente con los álbumes "Pure Schuur" (GRP, 1991); y Love Songs (GRP, 1993).

Uno de los discos más destacados de su dilatada carrera artística, grabado junto al cantante y guitarrista de blues B.B. King, titulado "Heart to Heart", (GRP, 1994), la situó en una posición de privilegio en las listas del Billboard estadounidense y proyectó aún más su carrera internacional. Curiosamente, el talento natural de Diane Schuur, ha encontrado en Europa el reconocimiento que no ha conseguido en Estados Unidos, donde parece incapaz de codearse con las grandes vocalistas del momento. Diane Schuur tocó en España en el marco del "Circuito Jazzatlantico" 2003 en el Auditorio de Tenerife.

Pagina: http://www.dianeschuur.com/

Fall Out Boy

Fall Out Boy, comúnmente abreviado "FOB", es una banda de rock alternativo de Chicago, Illinois (EE. UU.), que se formó en el 2001. La banda consta de cuatro miembros: Patrick Stump (cantante principal, guitarra rítmica y compositor principal), Pete Wentz (cantante secundario, bajista y escritor principal), Joe Trohman (guitarrista principal) y Andrew Hurley (batería).

Fall Out Boy ha ganado varios premios y ha sido reconocido por su mayor debut: el álbum From Under the Cork Tree. Lanzado en 2005, el álbum alcanzó la categoría de Doble Platino por vender más de 70.000 copias en su primera semana. Para hacer publicidad del álbum, Fall Out Boy participó en tours de 2005 al 2006 en Estados Unidos, Canadá, Japón y Europa.

En febrero de 2007 lanzaron su nuevo álbum titulado Infinity on High y consiguieron una mejor posición en las listas, llegando al número 1 en la Billboard 200 y vendiendo más de 260.000 copias en su primera semana. El sencillo principal, This Ain't a Scene, It's an Arms Race, alcanzó el número 1 en la Pop 100 y el 2 en la Billboard Hot 100. Para promocionar el álbum, la banda tocó en el concierto de Live Earth el 7 de julio de 2007 y en otros tours como el "Honda Civic Tour" y los MTV Video Music Awards el 9 de septiembre del mismo año. En diciembre de 2008 lanzaron su material más reciente, Folie à deux.

Historia

Primeros años

Fall Out Boy fue formado a principios de 2001 por Joseph Trohman y Pete Wentz. Los dos habían tocado en varias bandas del área de Chicago y decidieron que querían iniciar una banda más parecida a las que escuchaban en su infancia y adolescencia, tales como Green Day, Descendents, The Village People y The Smiths. Trohman conoció a Patrick Stump en una tienda de libros. Trohman se presentó a sí mismo cuando lo escuchó hablando sobre la banda Neurosis, en la cual tenían un interés mutuo. Stump hizo una audición para ser baterista, pero, en cuanto se descubrieron sus talentos para cantar, se convirtió en la voz principal del grupo. Otros dos músicos de Chicago fueron contratados: T.J. Raccine tocando la guitarra y un baterista conocido sólo como Mike. El siguiente año, la banda lanzó un demo hecho por ellos mismos, al que le siguió el lanzamiento del EP Split el 28 de mayo de 2002, en el cual participó Project Rocket de Uprising Records. El grupo lanzó su primer álbum (a veces considerado como un EP), titulado Fall Out Boy's Evenning Out With Your Girlfriend, también de Uprising Records, en 2003. La banda no tuvo nombre durante los dos primeros conciertos. Al final del segundo, le pidieron al público que gritaran ideas, y un miembro de la audiencia dio la idea de Fall Out Boy (en referencia al compañero del "Hombre Radioactivo" en la caricatura de Los Simpson, Fallout Boy).

Éxito independiente

Después del lanzamiento de su primer álbum, Andy Hurley, que pertenecía antiguamente a la banda Racetraitor, se unió a la banda y fue entonces cuando Stump empezó a tocar la guitarra, mientras que T.J. Raccine y Mike abandonaron Fall Out Boy. Durante ese tiempo, tocaron en shows locales y en lugares como The Knights of Colombus Hall en Arlington Heights (Illinois), donde grabaron su primer video: Dead On Arrival. El mismo año, después de tocar para Fueled by Ramen, lanzaron su segundo álbum, ya mucho más extenso, titulado Take This To Your Grave, el 6 de mayo de 2005. La banda recibió un adelanto de Island Records para grabar sus propias canciones, pero no llegó sino hasta después de su siguiente álbum. Con una mejor financiación en sus manos, el álbum Take This To Your Grave se grabó en los Smart Studios en Madison (Wisconsin) con Sean O'Keefe como productor.

Con los videos de los sencillos Grand Theft Autumn / Where Is Your Boy Tonight y Saturday, el álbum se vendió muy bien y alcanzó la categoría de Oro. A mediados de 2003, la banda tocó para Island Records, que es una parte mayoritaria del sello The Island Def Jam Music Group, junto con Def Jam Records. Esto fue después de que los integrantes anunciaron que lanzarían un nuevo álbum. Mientras grababan su siguiente disco, lanzaron un EP acústico titulado My Heart Will Always Be the B-Side to My Tongue para Fuel by Ramen el 18 de mayo de 2004. Se clasificó en el número 153 del Billboard Top 200, que fue su primera entrada a una tabla. El set de dos discos incluía un DVD con videos, canciones acústicas y una galería de fotos.

Grandes éxitos

El 3 de mayo de 2005, Fall Out Boy lanzó su mayor éxito hasta su momento, From Under the Cork Tree, el cual llegó al número 9 en la Billboard 200 y vendió cerca de 70.000 copias en su primera semana. El álbum alcanzó la categoría de Doble Platino por vender más de 2,5 millones de copias solamente en los EE. UU. El mismo año, la estabilidad de la banda se vio seriamente amenazada por el discutido intento fallido de suicidio del bajista, Pete Wentz, al ingerir una sobredosis del sedante Ativan. La canción 7 Minutes In Heaven está basada en su intento de suicidio.

El primer sencillo del álbum, Sugar, We're Goin' Down, llegó al número 8 en la Billboard Hot 100, al 6 en la Pop 100 y al 3 en la lista de rock moderno. El video llegó al primer puesto en MTVs TRL, y fue retirado el 26 de agosto de 2005. El video ganó un MTV2 Award en los MTV Video Music Awards de 2005, despertando gran interés por la banda y un repentino crecimiento de las ventas. La banda fue nominada a "Mejor Artista Nuevo" en los Premios Grammy de 2006.

El segundo sencillo del álbum, Dance, Dance, se convirtió en su segunda canción en entrar en el Top 10 cuando estuvo en el número 9 en la Hot 100. Llegó al 6 en la Pop 100, y después se convirtió en la canción mejor calificada al llegar al número 2 en la lista de Rock Moderno. El video se estrenó en TRL el 11 de octubre de 2005, y pronto llegó al número 1. Lo retiraron el 17 de enero de 2006. El tercer sencillo del álbum, A Little Less Sixteen Candles, A Little More "Touch Me", fue mucho menos popular que los dos anteriores, pero aun así logró estar en el número 65 de la Hot 100, y el video llegó dos veces al 1 en TRL, siendo retirado el 6 de junio de 2006.

La banda dirigió el Nintendo Fusion Tour en otoño de 2005, al que se unieron The Starting Line, Motion City Soundtrack, Boys Night Out y Panic! At The Disco, alrededor de 31 ciudades. Debido al éxito conseguido desde los MTV Video Music Awards, Fall Out Boy dirigió el Black Clouds and Underdogs tour en un evento pop punk en el cual participaron The All American Rejects, Hawthorne Heights y From First to Last. En la mitad del tour participaron October Fall y The Hush Sound. Tocaron en 53 fechas a través de EE. UU., Canadá y Reino Unido.

Infinity on High

El siguiente álbum de Fall Out Boy se titula Infinity on High, y fue lanzado el 6 de febrero de 2007. El sencillo principal, This Ain't a Scene, It's an Arms Race, logró llegar a los American Music Awards de 2006. Su video llegó el martes 19 de diciembre de 2006 a MTV. En la primera semana de ventas, Infinity on High llegó al número 1 en la Billboard 200, vendiendo más de 260.000 copias.

This Ain't a Scene, It's an Arms Race llegó al número 2 en la lista de sencillos del Reino Unido el 4 de febrero de 2007, convirtiéndola en su canción más exitosa en el Reino Unido. El single también llegó al número 2 en la U.S. Hot 100 y al 1 en la U.S. Pop 100. Un sencillo digital, The Carpal Tunnel Of Love, fue lanzado un día antes que el disco mediante internet, y llegó al 81 por el número de ventas digitales en los EE. UU. Thnks fr th Mmrs fue lanzado el 9 de abril de 2007, llegando al 11 en la Billboard Hot 100 y al 12 en la lista de singles del Reino Unido.La canción de "The Take Over, The Breaks Over" fue escrita por Ryan Ross guitarrista y co-vocalista de la banda Panic at the disco también en la grabación del CD Infinity on High ayudó tocando la guitarra en esa misma canción.

Fall Out Boy encabezó el Honda Civic Tour. El plan en los EE.UU. era comenzar el tour el 18 de abril y terminarlo el 11 de junio; sin embargo, debido a problemas con el calendario, se pospuso hasta el 11 de mayo y terminó el 2 de julio en Anaheim (California). Hubo tours en el Reino Unido que terminaron en África para así ayudar a Invisible Children Inc.. Los integrantes de Fall Out Boy trabajaron con Reverb, una organización ambientalista, para el tour. Fall Out Boy tocó el 9 de septiembre de 2007 en los MTV Video Music Awards.

Para mostrar su versatilidad, Fall Out Boy trabajó con Kanye West, Timbaland e hizo tours con Paul Wall. West fue el productor y protagonista del remix This Ain't a Scene, It's an Arms Race. También ayudaron a Timbaland con su nuevo álbum, especialmente en la canción One & Only. Stump cantó en varias canciones de Gym Class Heroes. También es el vocalista de la canción "Everything is Alright", de Motion City Soundtrack.

Patrick Stump y Brendon Urie (Vocalista de Panic at the Disco) colaboraron en la canción "One Of Those Nights" de The Cab. Stump también produjo el segundo álbum de Cobra Starship ("¡Viva La Cobra!"), para el cual también escribió varias canciones. La banda encabezó el tour Young Wild Things junto con Gym Class Heroes, Plain White T's, y Cute is What We Aim For, el cual comenzó en Octubre con un show al que se le acabaron las entradas, en Columbus, Ohio.

Live In Phoenix

Un CD y DVD de material en vivo grabado el 22 de junio de 2007, en el concierto en el Cricket Wireless Pavilion de Phoenix fue lanzado el 1 de abril de 2008. El álbum contiene una canción nueva grabada junto con el guitarrista John Mayer, Beat It; un cover de la canción de Michael Jackson del mismo nombre. La canción debutó por primera vez en el sitio web de Pete Wentz, y el 25 de marzo se convirtió en un exitoso sencillo. Poco después de su lanzamiento, debutó en el #22 de la tabla Billboard Hot 100 y tiempo después ascendió al número 19.

Folie à deux

El 18 de agosto de 2008 se informó que el nuevo álbum, titulado Folie à deux (Que en francés literalmente significa "La locura compartida de dos") sería lanzado el 4 de noviembre de 2008, fecha que coincide con las elecciones presidenciales de los EE. UU. Fall Out Boy filtró varias canciones a Internet en algo conocido como "Mixtape", donde se pudieron escuchar las bases iniciales de ciertas canciones que se encontraron en el álbum. Se confirmó también que el sencillo principal sería llamado I Don't Care.

El 25 de septiembre de 2008 fue estrenado exclusivamente en iTunes el video del primer sencillo "I Don't Care", sin embargo, en un principio el video solo estuvo disponible para su compra, y una previsualización de 30 segundos gratuita. A pesar de todo, el video está ahora disponible en el canal oficial de Fall Out Boy en Youtube. El video fue dirigido por Alan Ferguson.

El día 7 de octubre, se lanzó por medio de iTunes el segundo sencillo del disco, titulado "Headfirst Slide into Cooperstown on a Bad Bet" (Antes llamado "Does Your Husband Know?"), por medio de compras digitales únicamente. También se anunció que "What a Catch, Donnie" sería el tercer sencillo y "America's suitehearts" el cuarto.

El 13 de octubre de 2008, la banda anunció mediante su página oficial, que debido a problemas con la anterior fecha de lanzamiento del disco (La cual coincidía con las elecciones presidenciales de los EE.UU.), la fecha fue pospuesta al 16 de diciembre del mismo año. Sin embargo también anunciaron que debido a este hecho, el álbum contendría mejoras antes no planeadas.

El día siguiente, 14 de octubre, lanzaron el tercer sencillo, "What a Catch, Donnie", el cual incluye fases de piano como Patrick Stump había anunciado previamente, y colaboraciones de otros cantantes, tales como Gabe Saporta, Brendon Urie, Elvis Costello, etc. Dichos colaboradores cantaron ciertas partes de canciones anteriores de Fall Out Boy, tales como Thnks Fr Th Mmrs, Dance, Dance, e incluso su anterior sencillo, Headfirst Slide into Cooperstown on a Bad Bet.

El 2 de diciembre fue lanzado el cuarto y último sencillo del álbum, titulado "America's Suitehearts" (Antes "America's Sweethearts"). El video del sencillo muestra los efectos de los medios y las estrellas de cine actual en la gente ordinaria, y muestra a cuatro personajes (Representados por los integrantes de Fall Out Boy mismos) mencionados en otras canciones del disco, tales como Mr. Benzedrine (De 20 Dollar Nose Bleed) por Patrick Stump, Donnie, the Catcher (De What a Catch, Donnie) por Andy Hurley, The Luckiest Man Horse Shoe Crab (De The (Shipped) Gold Standard) por Joe Trohman, y Mr. Sandman (De Headfirst Slide into Cooperstown on a Bad Bet) por Pete Wentz.

Otros proyectos

El 18 de marzo, se reveló que Fall Out Boy tocaría un concierto en la Antártida para entrar en el Libro Guinness de los récords como la única banda en la historia que ha tocado en los seis continentes en menos de 9 meses. La banda tocó el 23 de marzo en Santiago de Chile, pero tiempo después, el grupo notó que las condiciones climáticas en la Antártica no les dejarían tocar después de todo.

En mayo de 2008, Pete Wentz anunció que él conduciría FNMTV, un nuevo show de MTV. El título, originalmente "F'N MTV", fue después cambiado a "FNMTV" y se propuso el 13 de junio del mismo año como fecha de lanzamiento. Wentz colaboró en una entrevista con AbsolutePunk.net a principios de junio y explicó que FNMTV consistiría en premieres de videos musicales, conciertos en vivo sin nada de "playback", participación interactiva por parte de la audiencia, y videos clásicos. "Serán sólo premieres mundiales, así que será la primera vez que veas un video en TV. Por ejemplo, este video de Snoop Dogg sobre una canción country junto con Willie Nelson, y será la primera vez que lo veas en TV," explicó.

Por el momento, Patrick Stump se encuentra en post-producción de un film corto producido por Paul Klinke y Tobin Nageotte de thirtysevenclick. El film se titula "Moustachette" y es protagonizado por Stump y Ryan Key de la banda Yellowcard. Stump escribió, dirigió, y produjo ejecutivamente. La trama trata sobre la caza ilegal de pingüinos en América del Sur. Patrick ya había tomado el rol de Marty Dreshler en un episodio de Ley y el Orden titulado "Oscuridad".

La banda colaboró con el rapero T.I. para el nuevo álbum de este, en una canción titulada Out in the Cold. Pete Wentz destacó el estilo de la canción, algo parecido a The Nightmare Before Christmas. "Después de oír de la oportunidad de colaborar con alguien como T.I., pensamos, '¿Qué tan asombroso sería mandarle material con cuerdas y una introducción al estilo Danny Elfman que Patrick inventaría?' Acerca de la letra, puedes tomarlo acerca de un amigo, un amante, e incluso un fan".

El 24 de octubre de 2008 se anunció mediante la página oficial que Fall Out Boy intentaría romper otro récord mundial, para establecer el mayor número de entrevistas a dúos en menos de 24 horas. La entrevista fue hecha al cantante principal de la banda y al bajista, Patrick Stump y Pete Wentz respectivamente, el 31 de octubre, y tomó lugar desde las 3:00 a.m. a través de la mayoría de los 50 estados. El anterior récord fue establecido en mayo del mismo año, con 57 estaciones en 24 horas.

El primero de noviembre se anunció en los medios de Nueva York que Fall Out Boy rompió el record a más entrevistas hechas a dúos en menos de 24 horas. Establecieron 72 estaciones a través de la mayoría de los 50 estados, comenzando a las 3:00 a.m. Como parte de una broma hecha a los fans, Patrick Stump mencionó que al terminar, Pete y él supusieron que podrían haber hecho muchas más entrevistas.

Controversia

Aunque el baterista Andy Hurley es vegetariano y ha hecho promociones para PETA, Fall Out Boy ha recibido críticas de grupos de derechos de animales por el uso de chimpancés, un orangután y un mono para el video de su sencillo Thnks fr th Mmrs. Para contradecir a estos grupos, el bajista Pete Wentz llevó un chimpancé a los premios Kerrang!.

Apoyo ambientalista

Fall Out Boy ha anunciado que son oficialmente miembros de Invisible Children Inc., organización que apoya a los niños de regiones en conflicto en África, donde se grabó el video del sencillo I'm Like A Lawyer With The Way I'm Always Trying To Get You Off (Me & You), que trata sobre dicho tema. También la banda tocó el 7 de julio de 2007 en Live Earth.

Estilo musical

Aun siendo ampliamente considerada una banda pop punk rock, Fall Out Boy es constantemente descrito como emo y se cita aThe Get Up Kids como influencia. Pete Wentz fue entrevistado para un artículo retrospectivo en Prensa Alternativa cuando The Get Up Kids se desintegró en el 2005, y declaró que "Fall Out Boy no sería una banda si no fuera por The Get Up Kids".

Los principales compositores de canciones de Fall Out Boy son Patrick Stump (melodía) y Pete Wentz (letras), aunque tradicionalmente se le da crédito a toda la banda por las canciones. Los álbums Take This To Your Grave y From Under the Cork Tree son ambos considerados como estilos pop punk y punk rock, y el siguiente álbum, Infinity on High, protagoniza un amplio rango de sonidos instrumentales, incluyendo orquesta y coro ("Thnks fr th Mmrs", "You're Crashing, But You're Not Wave") y una lenta balada de piano ("Golden"). La banda muestra signos de experimentación, trabajando con productores de hip hop, incluyendo Jay-Z, Timbaland, Lil Wayne y Kanye West, y han sido influenciados también por la música R&B. En general, el grupo muestra directamente música pop punk, con Patrick Stump convirtiéndose en productor aparte de su trabajo en la banda, y están también cercanamente conectados con el hardcore punk, siendo evidente en su uso de la voz grave en ciertas canciones ("The Carpal Tunnel of Love", "I Slept with Someone in Fall Out Boy and all I got was This Stupid Song written About Me") y su anteriormente involucramiento en la escena musical hardcore de Chicago. Sin embargo, una parte central del estilo musical de Fall Out Boy se basa en las letras de la banda, escritas principalmente por el bajista Pete Wentz, quien usa constantemente la ironía, el sarcasmo, y otras formas literarias para narrar historias personales.

Pagina: http://www.falloutboyrock.com/

Faith Hill

Audrey Faith Perry McGraw, conocida mundialmente como Faith Hill (n. 21 de septiembre de 1967, Jackson, Mississippi) es una cantante estadounidense de música country.

Biografía

Primeros años

Aunque nació en Jackson, pasa sus años de juventud en los alrededores del pueblo de Star, en Mississippi en el seno de una familia adoptiva. Desde pequeña comenzó a cantar, primero en su entorno y luego en una banda de música local a los 17 años.

A los 19 años se muda a Nashville para desarrollar su carrera de cantante. Recién llegada a la ciudad se instala en un pequeño apartamento y empieza a buscar trabajo puerta a puerta sin mucha fortuna. Encuentra trabajo como vendedora de productos de publicidad para estrellas de música country y como secretaria. En estos tiempos compagina su trabajo con su faceta artística cantando con un grupo de gospel llamado The Steeles. Tras un tiempo en la ciudad mientras trabajaba como secretaria en una compañía musical y es descubierta cantando por un directivo de la compañía, Gary Morris, éste le ayuda a editar una maqueta para esta empresa musical. Gracias a la maqueta conoce a Gary Burr, compositor que le ayuda en su carrera con la grabación y producción de una maqueta completa.[1]

Finalmente consigue trabajo para cantar en diferentes espectáculos publicitarios, es gracias a este trabajo cuando empieza a mejorar sus actuaciones y su faceta como cantante perfeccionando su voz. Es en una de estas representaciones mientras cantaba en un club cuando un representante y cazatalentos de Warner la escucha y no duda en ofrecerle un contrato con la discográfica.

Dos años después de estar en Nashville se casa con un ejecutivo y productor de la industria musical, Dan Hill, el 23 de julio de 1988 (se divorciará seis años más tarde de él, en 1994). Su descubrimiento como cantante sucede por casualidad y es llamada para hacer unas pruebas. Así en 1993 lanza su primer álbum que lleva el nombre de Take Me as I Am, con Scott Hendricks como productor.

1993–1997

El álbum debut de la artista fue 'Take Me as I Am' en 1993; el disco funciona bien en su salida y empieza a escalar puestos dentro de las listas de ventas de música country gracias en gran medida al éxito del single "Wild One", versión de una canción de Erma Franklin . Una versión de la canción Piece of my heart, confirma el éxito del disco y consigue llegar hasta los primeros puestos de las listas de música country en Estados Unidos en 1994.

La grabación del segundo álbum tuvo que ser retrasada debido a un problema en sus cuerdas vocales. It Matters to Me, su segundo álbum de estudio, sale finalmente en 1995 a la venta convirtiéndose en otro éxito. La canción que lleva el mismo título que el álbum se coloca de nuevo en el número uno de la lista de música country consiguiendo de esta forma su cuarto número uno.

Hill, en este momento de su carrera, inicia la gira denominada Spontaneous Combustion Tour en compañía del cantante de country Tim McGraw. La relación con Tim provoca que rompa el contrato con el que había sido su productor y novio hasta ese momento, Scott Hendricks. Una vez terminada la gira conjunta con McGraw, Hill se casa con él (23 de julio de 1988) matrimonio que todavía hoy perdura (año 2007).[2] De este matrimonio nacen tres hijas, Gracie Katherine (n. 1997), Maggie Elizabeth (n. 1998) y Audrey Caroline (n. 6 de diciembre de 2001), las cuáles salen cantando en al final del vídeomusical de McGraw "Fly Away (Last Dollar)".

1998–2004

En 1998 Hill lanza al mercado un nuevo álbum, Faith. Este álbum tiene la particularidad de tener un estilo más orientado hacia la música pop abandonando de esta forma el estilo country que había marcado toda su carrera hasta ese momento. El single perteneciente a este álbum "This Kiss" llega a ser el número #1 en la lista de éxitos de música country, y también llega al número #7 en las listas de música pop.

Este giro hacía la música pop hace que la popularidad de Hill crezca dentro del gran público, convirtiéndose en una imagen conocida fuera del mundo de la música country. Este crecimiento de popularidad hace que empiece a firmar contratos de publicidad, entre los que cabe destacar la firma de un contrato como modelo de cosméticos CoverGirl que quería explotar además de su faceta musical su faceta como mujer de gran atractivo físico.

En pleno momento de éxito lanza su siguiente álbum de estudio llamado Breathe. Este álbum lanzado en 1999 sigue manteniendo un estilo pop lo que le convierte en uno de los álbumes más vendidos del año 2000. La canción "Breathe", incluida en el disco escala hasta llegar al número #1 de las listas de música pop. "The way you love me", otro single perteneciente al disco alcanza el top ten de la lista, llegando hasta el sexto puesto de la misma, convirtiéndose además en uno de los singles con más permanencia en las listas de Billboard Hot 100 con cincuenta y siete semanas. Este álbum fue premiado con varios premios de los que destacan tres premios Grammy, incluyendo el premio al mejor álbum de country.

En este año 2000, la gira de este disco, se convierte en un gran acontecimiento. La gira denominada Soul2Soul, en compañíañ de su marido Tim McGrawe, se convierte en una de las giras de con mayor éxito y ganancia del año 2000.

En navidad de este mismo año lanza al mercado la canción "Where Are You Christmas?", incluida dentro de la película El Grinch.

Por los días de fiesta ella había contribuido "donde está usted Navidad?" a la película cómo el Grinch robó Navidad después del escritor de la canción, Mariah Carey, no podía registrarla. Este evangelio- la canción condimentada llegó a ser muy popular en los formatos del día de fiesta del todo-Navidad-todo-$$$-TIEMPO que las estaciones de radio americanas adoptaron en el 2000s.

En el verano del año 2001 graba "There You'll Be" para la banda sonora de la película Pearl Harbor. En septiembre canta "There Will Come a Day" en el concierto benéfico America: A Tribute to Heroes organizado por George Clooney en favor de las víctimas de los atentados del 11 de septiembre de 2001. Tras este concierto, a finales de año edita su primer álbum recopilatorio denominado There You'll Be que llega a vender más de un millón de copias en todo el mundo llegando al top 30 en Italia y al puesto sexto en la lista de éxitos de UK

En 2002, Hill lanza un nuevo álbum denominado Cry, llegando directamente al número uno de la lista Billboard y de la lista country. Hace su primera aparición como artista musical invitada en el programa Saturday Night Live. Este álbum vendió tres millones de copias en todo el mundo y consiguió un premio Gramy.

Hill llegado este momento de su carrera se empezó a interesar por otras facetas artísticas de las que destaca la de actriz, consiguiendo el papel de mujer de Mel Gibson en la película Cuando éramos Soldados de 2002 pero finalmente el papel se le da a Madeleine Stowe que la reemplaza. En 2004 actúa en la película Las mujeres perfectas con Nicole Kidman, Matthew Broderick y Glenn Close.[2]

2005 y 2006

En el año 2005 tras los malos resultados tanto de ventas como de crítica de su anterior álbum Cry decide retornar a sus raíces musicales, así en 2005 edita un álbum de música country al que llama "Mississippi Girl", siendo la primera canción extraída del álbum Fireflies. Este trabajo que retorna musicalmente hablando a sus orígenes la catapulta de nuevo hacia lo más alto de las listas otra vez, llegando hasta el número uno en las listas de ventas. El siguiente single sacado del álbum, "Like We Never Loved At All", cantado en dueto con su marido McGraw, llega también a lo más alto de la lista y gana el premio grammy a la mejor colaboración country. El tercer single del disco, "The Lucky One", sacado en febrero de 2006 llega a su vez al puesto número cinco de la lista Billboard de música country.

En abril de 2006, Hill y su marido, Tim McGraw se embarcan de nuevo en otra gira conjunta denominada Soul2Soul II Tour 2006. Esta gira se convierte en la mayor gira de música country con un coste total de $89 millones de dólares. La banda de Faith en esta gira estaba compuesta por los siguientes músicos:

- Faith Hill - Voz y guitarra acústica
- Jerry McPherson - Guitarras
- Pat Buchanan - Guitarras
- Jimmy Nichols - Teclados
- Paul Bushnell - Bajo
- Paul Leim - Batería
- Crystal Taliefero, Perry Coleman, y Wendy Moten en los coros
- Bob Minner y Denny Hemingson

El cuarto single del disco iba a ser "Stealing Kisses", pero fue sustituido finalmente por "Sunshine & Summertime" que se convirtió en el cuarto single del álbum Fireflies el cuál se empezó a escuchar en las radios a principios de junio de 2006. Este cuarto single fue bien acogido por el público llegando hasta el puesto número siete de la lista Billboard de singles de música country.
Faith Hill cantando en un concierto en apoyo al ejército americano.

"Stealing Kisses" que no había salido como cuarto single del disco finalmente se convierte en el quinto single en salir del álbum. El vídeo, dirigido por Sophie Muller (quien había dirigido ya otro vídeo musical de la artista llamado "Like We Never Loved At All") fue rodado en Nueva Jersey en primavera de 2006. Este single no llega a funcionar tan bien como los anteriores llegando en su primera semana en la lista al puesto 58 de la lista Billboard de singles de música country obteniendo su mejor posición al llegar al número 36.

El álbum Fireflies vendió finalmente dos millones de copias en los Estados Unidos y tres en todo el mundo consiguiendo ser doble disco de platino en enero de 2006.

En junio de 2006 fue nombrada por la revista Country Weekly como la cantante de country más atractiva[3] En 2005 fue seleccionada en el puesto número 29 de la lista de FHM de las Cien mujeres más guapas del mundo. En 2006 fue seleccionada en el puesto número 48 de la lista de FHM de las Cien mujeres más guapas del mundo.[2]

2007

En este año Faith Hill tiene varios proyectos entre los que destaca la intención de editar dos álbumes durante el año.

El primer álbum, cuya salida a la venta está prevista para el verano, es un álbum recopilatorio que abarcará los grandes éxitos de su carrera. El otro proyecto que tiene previsto para este año es la edición de un nuevo álbum de estudio el cuál está previsto que salga a la venta para finales de año coincidiendo con la época navideña.

Ha grabado un single llamado "Sleeping with the Telephone" en el que ella canta a dueto con Reba McEntire que aparecerá en el álbum Duetos, el cuál tiene prevista su salida para mediados de 2007.

Otro proyecto previsto por ella para este año es una colaboración en el nuevo álbum de su marido Tim McGraw que se llama Let It Go. En este disco canta dos canciones a dueto con él, "I Need You" y "Shotgun Rider". Ambas canciones fueron cantadas en la gira que compartieron en el año 2006 denominada Soul2Soul II Tour 2006, además han anunciado a su vez que ambos comenzarán una nueva gira denominada Soul2Soul II Tour. Soul2Soul 2007 tiene prevista su comienzo en Junio y durará tres meses acabando en agosto de este mismo año. Uno de sus actuaciones será dentro de los conciertos Live Earth el 7 de julio de 2007.

Hasta el año 2007 ha vendido más de 11 millones de álbumes en todo el mundo durante toda su carrera. y ha ganado varias veces el premio Grammy.

Pagina: http://www.faithhill.com/

Béla Fleck

Béla Fleck es un músico de jazz considerado uno de los más versátiles intérpretes de banjo por trabajos que demuestran su capacidad de realizar desde jazz tradicional hasta progresivo. Fleck nació el 10 de Julio de 1958 en Nueva York y recibió el nombre de Béla en homenaje a Béla Bartók. Comenzó a tocar el banjo cuando era sólo un adolescente. Asistió a la High School of Music and Art de Nueva York, donde trabajó en la adaptación del bebop al banjo. A finales de 1989 formó The Flecktones, banda que lanzó su primer álbum en 1990.

Béla Fleck es uno de los grandes intérpretes del banjo y el más importante de la escena jazzística, uno de los que han demostrado su validez para tocar muy diversos estilos. No es frecuente escuchar conjuntos de jazz contemporáneos que incluyan a un intérprete del banjo, y aunque él no ha creado tendencia, al menos ha asegurado la presencia del instrumento en algunos de los más importantes festivales de jazz, en los que es un habitual. Nacido el 10 de Julio de 1958, en Nueva York, descubrió el banjo a los 15 años, tras escuchar a Flatt & Scruffs, Eric Weissberg y Steve Mandell, y ya durante sus estudios en la High School of Music and Art de Nueva York trató de adaptarlo a la interpretación del bebop, influenciado por músicos como Chick Corea, Charlie Parker, John Coltrane, The Allman Brothers o Aretha Franklin. Tras su graduación, formó parte de The Tasty Licks y, posteriormente, de Spectrum. En 1979 debutó en solitario con Crossing the tracks, para el sello Rounder. Durante los 80, además de integrar el grupo New Grass Revival, grabó varios trabajos para Rounder, entre ellos Deviation (1984), Inroads (1986) Daybreak o Places (1988 ), y antes de acabar la década creó Strengh in Numbers, con el que grabó The Telluride Sessions (1989). Ese fue el detonante de su participación en el especial de Lonesome Pine Special, un programa de la PBS, que le permitió contar con algunos de los mejores músicos para formar The Flecktones, cuya formación original era: Howard Levy (piano, harmónica y ocarina), Victor Lemonte Wooten (bajo) y Roy “Future Man” Wooten (drumitar, una mezcla de batería electrónica con disposición de guitarra).

Béla Fleck & The Flecktones editaron un primer álbum homónimo, en 1990, seguido de Flight of the cosmic hippo, un año después. UFO tofu (1993), Three Flew over the cuckoo’s nest (1993), Tales from the acoustic planet (1995), Left of cool (1998 ), Tales from the acoustic planet 2: The bluegrass sessions (1999) y Outbound (2000) fueron sus siguientes trabajos. Ya en el tercer milenio llegan a las tiendas Perpetual motion (2001), Live at the Quick (2002), Little worlds (2003), el directo con el bajista Edgar Meyer Music for two (2004), The Hidden land (2006), de nuevo con The Flecktones y The enchantment (2007), con Chick Corea.

Paginas:
http://www.belafleck.com/
http://www.flecktones.com/

Flora Purim

Flora Purim nació en Rio un 6 de marzo de 1942; hija de un emigrante ruso que tocaba el violín y de una pianista, desde pequeña le gustó cantar, tocar el piano y el violín, y fué influenciada por las cantantes brasileñas y de jazz, como Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan.

Influenciada por los cantantes tradicionales de Brasil y las improvisaciones de jazz americano divas como Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan, Flora Purim fue una de las cantantes más aventureras de la década de 1970. Después de reunirse y casarse con su marido, el percusionista Airto Moreira, en su nativo Brasil, Purim se trasladó con él a los EE.UU. a fines de los años 60. Aunque trabajó con Stan Getz y pianista Duke Pearson antes de la década que terminó, no fue hasta su incorporación a Chick Corea, Joe Farrell, Stanley Clarke, Moreira y en el original Volver a la eternidad en 1972 que dio a conocer en los Estados Unidos. Purim mostró una considerable promesa para siempre en clásicos como "500 Miles High" y "ligero como una pluma" y vivió hasta que se lanzó como solista en 1973 con la mariposa de sueños. Que van desde excelente a passably decente, de Purim del Hito de las fechas de mediados a fines de los 70 mantiene su muy visible en el mundo del jazz. Purim creció la labor de la irregular y desigual en la década de 1980, y ella no era la frecuencia de grabación (aunque ella lo hizo para ofrecer un álbum Vírgenes y tres con Moreira Concord para la etiqueta de cruce). Purim no registró muy a menudo en los primeros a mediados de los años 90, bien, pero ella sigue siendo muy apreciada en los círculos de jazz brasileño. ~ Alex Henderson, All Music Guide

En 1967 viajó a Estados Unidos para estudiar música en California. Cinco años mas tarde, se casó con el percusionista Airto Moreira.
Trabajó con artistas como Stan Getz y Gil Evans. En 1972 fué integrante del famoso grupo de fusión Return to Forever, junto con Chick Corea, Joe Farrell, Stanley Clarke, y Airto Moreira.

En 1973 emprendió su carrera en solitario con el disco "Butterfly Dreams", al que siguieron una magnífica serie de seis discos para el sello Milestone y de los que caben destacar "500 Miles High" y "Encounter".

De todas formas, ya había obtenido un enorme éxito y reconocimiento con "Light As A Feather" y "Return to Forever", en los que su voz y la flauta de Joe Farrell conseguían una adaptación perfecta, dejando unos preciosos temas para la historia del jazz que influyeron en el devenir de la fusión y del jazz latino.
Pero también le persiguió la desgracia en estos años y fué encarcelada unos meses y condenada a 12 años de libertad condicional, acusada de tráfico de drogas. Este hecho fué protestado por la clase artística y la crítica la reconoció como mejor cantante de jazz cuatro años consecutivos (de 1974 a 1977).

Colaboró mucho con otros artista que la reclamaban por sus dotes de improvisación y su voz. En los ochenta grabó poco pero tuvo una intensa carrera en directo con su marido y acompañada muchas veces del saxo y flauta Joe Farrell, con el que grabaron "Three-Way Mirror" en 1985, poco antes de que Farrell muriera. En los 90 y 2000 volvió a grabar otra serie en la que destaca "Perpetual Emotion" con arreglos de Gil Evans. Se reedita su primera obra grabada en 1964 titulada "Flora é MPM" y en el 2005 nos deja "Flora's Song".

Pagina: http://www.florapurim.com/

Titanic

Noruega sorprendió al mundo cuando el rock produjo uno de los mejores nuevas bandas de principios de los años setenta. Después de todo, fue un momento de gran competencia en el escenario ya superpobladas. La mayoría de los grupos peso pesado de la época, provenía de América y el Reino Unido. 'Led Zeppelin', 'Santana', 'Sly & the Family Stone', 'Sí', 'profundas Purple', la lista es interminable. A pesar de esta abrumadora posición dominante, por ejemplo, fue la desesperada por el hambre "en directo" la música para satisfacer la demanda local más que muchos países comenzaron a cultivar sus propios artistas locales. Como musical mejorado, no pasó mucho tiempo antes de que los jóvenes fueron excelentes grupos de rock de juego en toda Europa.

Una de las mejores fue "Titanic" de la capital noruega Oslo. Gozan de una respuesta alentadora cuando navegó por primera vez en el horizonte en 1971. Sin embargo, había tenido que luchar duro para crear una reputación. Esto no se debe necesariamente a su entrada de un pequeño país. Es cierto que Noruega hasta la fecha no tiene mucho de la impresión en la escena pop. Pero los aficionados no se rock'n'roll preocupado de las fronteras nacionales. Si son buenas, que fueron aceptadas, y no importa de donde vienes. El problema es la edad-una edad de contraer la cantidad de exposición y promoción. "Titanic" había que ganar el reconocimiento más allá de sus fronteras si llegara a ser un éxito económico. Que necesitaban para convencer al resto del mundo que pueden competir, tanto en términos de su música y su imagen. Afortunadamente, tuvieron suerte algunas pausas para ayudarles en su camino.

Las cinco piezas fue formado originalmente en 1969, e incluyó Kjell Asperud (percusión, voz). Janne deja (guitarra, voz), John Lorck (batería) y Kenny Aas (órgano y bajo). Ellos ensayado duro, escribió algunas buenas canciones, y así 'Titanic' finalmente se convirtió en una de las primeras bandas Noruego para disfrutar de éxito en los dos registros de Inglaterra y Alemania. También contratados Inglés cantante, Roy Robinson, quien ayudó a dar su música un llamamiento internacional. Roy escribió la mayoría de las letras que cantó en Inglés, en una sucesión de álbumes y singles multa.

Los críticos y los fanáticos quedaron impresionados por canciones tales como "Underbird ',' confusión 'y la composición dinámica de grupo,' Sultana '. 'Titanic' se emocionan cuando 'Sultana', jugado en el estilo de Santana, fue un éxito en Inglaterra.

Se disparó a Número 5 en el Reino Unido en la tabla de singles de septiembre de 1971. También fue un éxito en casa en Noruega, donde su álbum, "Mar Wolf ', llegamos a la número 7 en las cartas nacionales.

'Titanic' ahora se embarcó en una apretada agenda de conciertos. Su gran avance fue cuando tocaron en el Festival de Cannes en Francia. Ellos fueron invitados a jugar antes de la proyección de la gala de 1969 "Woodstock" película. El grupo también actúa en el Aix-en-Provence Festival. Tal fue la respuesta entusiasta salvajemente en estos dos conciertos que la banda decidió establecerse en el sur de Francia. Al mismo tiempo, "Titanic" la reputación se extendió a Alemania, donde gozan de un éxito con 'Santa Fe', que llegó a número 36 en los gráficos. La buena noticia acerca de 'Titanic' también transmitirse a través de los océanos.

Afortunadamente, no había icebergs en el camino para detener su avance hacia el oeste.

Se trata de un homenaje a la banda musical de la credibilidad que se firmaron a Colombia y, a continuación, uno de los más prestigiosos de América, las compañías disqueras. Fue en el momento en que la etiqueta se encuentra en la vanguardia musical contemporánea de desarrollo, y tenían una increíble lista de artistas. Titanic fueron debidamente incluidas en uno de los grandes de la Columbia-venta "de toma de muestras de" álbumes, que celebró tanto el éxito de la etiqueta y el poder de la música rock. Se trataba de una 3-LP conjunto denominado "La Música Popular", compuesto por 40 grandes artistas como 'Santana', 'Barry Mann', 'Bob Dylan', 'Johnny Winter', 'El Byrds y de la Sangre, sudor y lágrimas ". También hay varias pistas de menos conocer a bandas de la nueva "firma" un impulso. "La contribución de Titanic, 'Underbird', de su" Mar Wolf 'álbum se dio el primer lugar. Trajo el sonido de la banda a un público mucho más amplio. La pista de relieve todas las mejores características del grupo y se mostró fuerte en la percusión y con una potente guitarra y el órgano de primera línea.

Habiendo hecho una gran impresión con el "Lobo del Mar" de material, la banda pasó a registrar, al menos, dos más discos para CBS, incluidas las del 1975 "Balada De Un Perdedor Rock'n'Roll". Esto tuvo más bien las canciones co-escritas por Roy Robinson.

Aunque el grupo no puntuación más afectados individuales, que continuó trabajando constantemente durante los años setenta. En sus últimos años, que recorrió extensamente en toda África, donde su sonido funky polyrhythmic y garra fase acto fue muy apreciada.

Así como disfrutar de visitas y ganar más de dos aficionados y la crítica, la banda del gran logro fue la piedra que muestran cómo podría romper las barreras nacionales y que se conviertan en verdaderos "músicas del mundo". En el análisis final, "Titanic" fueron los ganadores rock!

En 1984 "Titanic" realizó dos conciertos de despedida en Chile para el festival 'Viña del Mar ", cerca de Santiago. Delante de 80'000 personas, y con una audiencia televisiva estimada de 400'000'000, que era un fantástico clímax al final de una era.

Pagina: http://www.titanic-rock.com

Tears for Fears

Tears for Fears es una banda musical de Soft-Rock y New wave fundada por Curt Smith y Roland Orzabal en 1981. Su estilo es muy variado y evidente en cada una de sus producciones musicales que se han mantenido vigentes. Sus principales influencias musicales han sido The Beatles, Human League y Duran Duran, aunque también han llegado a sonar con similitud con Supertramp y Spandau Ballet. Canciones como "Everybody Wants to Rule the World", "Shout" y Sowing the Seeds of Love" convirtieron a Tears for Fears en uno de los grupos más importantes de los años '80, y en uno de los grupos más reconocidos a nivel mundial.

Tears for Fears ha sido un grupo con ideas concretas que han ido plasmando a lo largo de su historia en letras que tienen que ver con la humanidad y sus problemáticas, los trastornos psicosociales, el amor por la vida entre otros incluyendo tendencias políticas propias de momentos específicos. Tienden al uso de instrumentos electrónicos, en un estilo Synth Pop. Han incurrido también en el estilo de rock progresivo y jazz, logrando grandes baladas como "Woman in Chains".

Sus estilos van del Soft-Rock, al New Wave hasta un ligero toque de Jazz en su producción "The Seeds of Love" de 1989, producciones "Elemental" (1993) y "Raoul and The Kings of Spain" (1995).

Siempre fueron un grupo más ambicioso y destacado que el resto de la oleada de bandas que surgieron a finales de la década de los 70´s y principios de los 80's como Duran Duran, Depeche Mode entre otros. Las ventas de sus primeras 3 producciones (1983-1989) han superado las 20 millones de copias alrededor del mundo y fueron considerados el mejor grupo musical de 1985 gracias a temas como "Everybody Wants to Rule the World" y "Shout", ganándose un puesto entre las bandas más destacadas de la música de los 80s y 90s. Precisamente es el disco "Songs from the Big Chair" el éxito más grande que tuvieron en su carrera, y que los consagraría a mediados de la década de los 80s.

Origen

Roland Orzabal y Curt Smith, fundadores de esta banda inglesa se conocieron en su ciudad natal Bath, Inglaterra a principios de la década de los años setenta cuando estudiaban en el mismo colegio. Desde que descubrieron el uno al otro su afinidad por la música y las propuestas similares en conceptos y proyecciones decidieron formar un grupo llamado Tears for Fears en 1981, aunque como antecedente Roland Orzabal y Curt Smith ya habían formado una banda a finales de los años setenta, "Graduate", que tras la estela del primer sonido "ska" de "The Specials", "The Selecter", "Madness", "The Akrylykz" o "Bad Manners" no tuvo mayor consideración, si exceptuamos el tema "Elvis should play Ska". Anteriormente, formaron parte de la banda "Neon".

En el año 2003 Roland Orzabal y Curt Smith decidieron regresar a trabajar juntos en la nueva producción de la banda que había sido liderada solamente por Orzabal cuando Smith decidió alejarse de Tears for Fears en 1991.

Para el 2004 sacaron su producción "Everybody Loves a Happy Ending" retornando a su sonido característico de influencia post Beatles, haciendo un sonido interesante y que los ha vuelto a colocar en la escena musical. En la cual estaba su famosa canción Closest Thing to Heaven, uno de sus mayores éxitos el cual ha sido de vital importancia en la vida y las decisiones diarias, tomadas por sus seguidores, una canción que habla de la vida, del dolor, de toda la injusticia diaria, los grandes problemas, pero también de la superación, de que siempre se puede, no te rindas en algún momento saldrá el sol.

Miembros:

- Roland Orzabal - Vocal, guitarra
- Curt Smith - Vocal, bajo
- Ian Stanley - Teclados
- Manny Elias - Batería

Discografía:

- The Hurting (1983)
- Cape Fear - Manchester '85 (1985)
- Songs from the Big Chair (1985)
- The Seeds of Love (1989)
- Tears Roll Down (Greatest Hits 82-92) (1992, grandes éxitos de 1982-1992)
- Elemental (1993)
- Raoul and the Kings of Spain (1995)
- Saturnine Martial & Lunatic (1996)
- Shout: The Very Best of Tears for Fears (2001)
- Everybody Loves a Happy Ending (2004)

Pagina: http://www.tearsforfears.net/

Scott Henderson

Scott Henderson

Scott Henderson (West Palm Beach, Florida, 26 de agosto de 1954), es un guitarrista de jazz fusion y blues estadounidense.

Estilo

Scott Henderson es un guitarrista muy versátil que se desenvuelve magistalmente como compositor e intérprete entre el jazz, el blues, el rock, o el funk, todo dentro del marco de la fusión eléctrica.

Es también muy reconocido por su carrera solista de blues, con temas originales y donde podemos observar su particular estilo de composición (con disonancias propias de la fusíon experimental) su depurada técnica que demuestra en arriesgadas improvisaciones que van desde lo más calmo hasta lo más visceral o su gran cuota de originalidad y sonido único.

Su estilo al tocar es rápidamente reconocible, ya que la calidad de interpretación, la forma en la composición e improvisación de sus solos o sus frecuentes experimentaciones con efectos conforman un estilo claramente definido.

Según él mismo reconoce, está cansado de tener que buscar la palanca cuando tiene que usarla, así que decidió mantenerla en su mano y tocar con ella, para usarla cuando la necesitara, pero con una sonoridad de Slide Guitar. El mismo afirma que ama el estilo Slide, y utiliza la palanca para ese efecto.

Entre sus influencias directas podemos citar a Stevie Ray Vaughan, Allan Holdsworth, Led Zeppelin, James Brown, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Ritchie Blackmore, Albert King y Buddy Guy, aunque empezó a tocar Jazz escuchando Weather Report, Chick Corea y la Mahavishnu Orchestra.

Scott Henderson afirma que desarrolló mucho su técnica y oído transcribiendo innumerables solos de reconocidos músicos de jazz, como Miles Davis, Joe Henderson, Freddy Hubbard o Wayne Shorter, entre muchos otros.

Carrera

Ha colaborado con artistas que han requerido de él, como Chick Corea Elektric Band o Joe Zawinul, Jean-Luc Ponty y Jeff Berlin, entre muchos otros. Fue el líder y co-compositor junto a Gary Willis, de la banda de fusión Tribal Tech (1985 - 2001), por muchos considerada la natural sucesora de Weather Report, con la cuál exploraron muchas sonoridades, estilos e improvisación de alto riesgo, desde sus inicios, nunca cediendo a la presión comercial de la época (80´s,) donde otros exponentes se acercaron al smooth jazz, corriente que según las propias palabras de Henderson: "Es "jazz" para la gente que no le gusta realmente el jazz". Siempre fiel a sus principios, no sucumbió a las tentaciones de hacer algo más fácil y comercial y siguió siempre explorando, manteniendo vivo el espíritu del jazz y llevando a la fusión siempre un paso más allá.

Tiene su banda solista de blues, llamada "Scott Henderson Blues Band" con la cual ha editado tres discos desde el 94 y un disco doble en vivo el 2005. Junto con el bajista Victor Wooten y el baterista Steve Smith formaron "Vital Tech Tones", la cual saco 2 discos.

Ha editado 2 videos: el primero, "Fusion Improvisation", está más destinado a la técnica, la creación de escalas, modos y otros conceptos sobre ellas. El segundo, "Melodic Phrasing", está destinado al fraseo y a "como pensar la música más inteligentemente".

También ha publicado un libro sobre acordes, donde según el "muestra la importancia de los acordes a los guitarristas"., y por medio de un sistema de colores, se pueden encontrar los tipos de acordes y su tónica.

Actualmente tiene sus "Open Councelings" en el MI (Musician´s Institute) de Los Angeles California, a decir verdad es un gran músico y sin duda uno de los mejores guitarristas del mundo, ya que ha inovado por completo el estilo de tocar la guitarra demostrándolo firmemente en sus composiciones, sin duda un genio.

Equipamiento

Guitarras

Henderson tiene dos guitarras modelo stratocaster de "Suhr Guitars" customizadas: una para jazz y otra para blues. La guitarra de jazz tiene micrófonos Seymore Duncan '59 double humbucking para el puente y el mango, y la de blues no. Ambas tienen Gotoh 1088 bridge.

Estas guitarras son "custom made" por John Suhr.

Efectos

- Compresor CS-2 de Boss
- Fultone Octafuzz
- Chorus CE-2 Boss
- TS 808 Tube Screamer
- Voodoo 1
- Chorus Arion
- Freddy fuzz (a veces lo reemplaza con un Seek Wah)
- Boss SE-70
- Jamman de Lexicon (para loops)
- Freddy Fuzz y el TS 808 Tube Screamer (para distorsión)

Amplificación

Posee un equipo OD 100, hecho especialmente para él, con dos canales: el canal uno tiene un sonido más similar al Fender, y el canal dos es uno que se asemeja al Marshall. Este último lo utiliza generalmente para distorsión, aunque a veces lo combina con el efecto OctaFuzz, cerrando el Bost del canal.

El seteo de los canales depende de los micrófonos que utilice en las guitarras:

- En estudio utiliza el canal 2 sin pedales con: ganancia 6, bajos 4, medios 7, agudos 3, presencia 10, volumen 6.
- Para los micrófonos con simple bobina setea la ganancia en 7, bajos en 2, medios en 8, agudos en 6, presencia en 5, volumen en 7 y el boost abierto.
- Para los micrófonos humbuckers setea:

El canal 1: Ganancia 8, bajos 2, medios 4, agudos 3, presencia 5, volumen 6 y el boost abierto.
El canal 2: Ganancia 6, bajos 2, medios 8, agudos 3, presencia 5, volumen 7 y el boost abierto.

Pagina: http://www.scotthenderson.net/

Santa Esquina

Integrantes:

- Alejandro "Garganta" Sánchez Brondo (Voz y Guitarra)
- Facundo "Fafa" Viale (Bajo)
- Leandro "Gringa" Sánchez (Batería)
- Lucas Ruffini (Saxo)

Biografia:

Banda oriunda del noroeste de la ciudad de Córdoba, formada a fines del 2003. En sus comienzos, era un "power trío" formado por Alejandro Sánchez Brondo en guitarra y vos, Daniel Menoyo en bajo y Leandro Sánchez en batería. Juntos comienzan a rodar recién en mayo del 2004, tocando con frecuencia en el circuito under de la ciudad de Córdoba. En Julio de ese año graban su primer demo llamado "Hurbano predador". En el 2005, realizan un demo de 5 canciones llamado "Santa Esquina" para participar en el Pre-Cosquín Rock. Si bien la banda no logra el objetivo de ganar y llegar a tocar en dicho festival, el evento le abrió las puertas para tocar en el Parador San Roque (camping ubicado al lado del complejo del Cosquín Rock) el día de Charly García, recital en el cual debuta el cuarto miembro de la banda, Laura Ibaceta en saxo.

El 2005 continuó con un par de presentaciones en distintos pubs y teloneando a bandas importantes de Bs. As., y en septiembre sale el primer disco de manera independiente "La Resistencia de los Sin Fé".

En el 2006 tocan en la Comuna San Roque junto a La Renga y el Tri de Máxico. Luego, Laura y "el pelado" se alejan de la banda y llegan en su lugar Facundo "fafa" Viale en Bajo y Matías "Mato" Britos en saxo.

En septiembre de 2007 "Mato" se aleja de la banda y en su lugar ingresa Lucas Ruffini.

En mayo del 2008 graban su segundo disco "Crónicas de Alkatraz del Sur", en los Estudios 440 y cuenta con 12 temas.

Pagina: http://www.santaesquina.com.ar/

Joe Bonamassa

Joe ha sido todo un niño prodigio. Empezó a tocar la guitarra a los 4 años. A los siete ya consiguió un más que aceptable nivel y a los 8 empezó a tocar blues con la madurez de un veterano.

Durante sus años de aprendizaje, influyeron guitarristas como Stevie Ray Vaughn y maestros del blues como Duke Robillard, Danny Gatton, Robben Ford y, por descontado, Eric Clapton.

A los 10 años, empezó a desarrollar sus habilidades en directo en su entorno más cercano. Cuando tenía 12 años se le presentó la oportunidad de abrir una actuación donde intervenía el mismísimo B. B. King, quien tuvo palabras de elogio para, el por aquel entonces, prometedor adolescente.

En los siguientes años, dedicó largas horas a perfeccionar su estilo, se trasladó a California y fue encontrando a los músicos que formarían parte de su primer proyecto. Curiosamente, sus compañeros de banda en aquellos momentos llevaban todos ilustres apellidos, Berry Oakley Jr. (hijo del legendario bajista de los Allman Brothers); Waylon Krieger, hijo de Robby Krieger, guitarrista de The Doors y Erin Davis, hijo de Miles Davis, que se encargaba de la batería.

El grupo se denominó Bloodline y editó un álbum homónimo a través de EMI que contó con la intervención especial del guitarrista de Allman Brothers, Warren Haynes.

Pagina: http://www.jbonamassa.com/

Intense Mosh

Muchas son las bandas que poblaron el movimiento under a principios de los '90, pero una de las que mas me impacto desde que los conoci fueron INTENSE MOSH. ¿Por que?, porque traían una propuesta (no inventaron nada nuevo) fresca donde habia un coctel de estilos mas que explosivo. Mezclaban hardcore, thrash, punk y hasta death metal. Todo acompañado por letras con mucho humor negro, graciosas y con contenido social. Con el correr de los años la banda se gano su merecido lugar y un merecido respeto en la escena "alternativa" y llego a participar de grandes eventos.
Es practicamente imposible conseguir algo de ellos en la web, asi que no quedo otra que revolver cosas viejas y esto es lo poco pero que conseguimos pero vale la pena ponerlo para recordar a esta gran banda.

INTENSE MOSH es una banda que se forma y tiene su base en la ciudad de Rosario (provincia de Santa Fe) desde principios de 1990. Fue formada por Jose (voz), Mateo (guitarra), Fernando (bajo), Martin (bateria) e Ignacio (guitarra). Su musica es una fusion de hardcore, thrash, death, grindcore y todas las nuevas corrientes alternativas, pero se la puede denominar como: Grind-H.C.
Su nombre esta puesto porque demuestra la energia de la juventud y porque es lo que sucede frecuentemente en sus recitales. Su ideologia principal es la deversion ya que quieren pasarla bien haciendo musica, sus letras son de corte social, ecologicas, juveniles y con el toque caracteristico de humor de la banda.

Luego de mucho ensayo, en marzo de 1991 entran a grabar su primera produccion independiente, un demo tape que consta de 6 temas y fue editado por el sello del fanzine Pinhead bajo el nombre de Brewed In Rosario, de esta manera la banda es aceptada masivamente en el underground local logrando muy buenas ventas del cassette.

Su debut en vivo se produce en diciembre de 1991 en un pub de Rosario junto a otras bandas alcanzando gran repercucion entre el publico presente. Desde ese dia la banda se presenta en innumerables oportunidades, en mayo de 1992 tocan por primera vez en Capital Federal, junto a 3 bandas capitalinas en Zona Cyborg.
El 9 de julio tocan como soporte de Hermetica, en su visita a Rosario, ante 1.000 personas. Tambien tocaron a lo largo de su carrera con bandas como A.N.I.M.A.L., Logos, Gatos Sucios, 2 Minutos, Attaque 77y participaron de muchos festivales del Buenos Aires Hardcore tanto en Rosario como tambien en Buenos Aires; comprtiendo escenario con D.A.J, B.O.D., E.D.O. y bandas de su ciudad como Entre La Basura, A Punto, Anhorexia, etc.

Lograron gran recepcion del publico en Cordoba, Rio Cuarto, San Francisco, Santa Fe, Neuquen, San Pedro, Rosario, Capital Federal; presentando en dichas opotunidades material de Dulce Y Cariñoso, su segunda produccion en kct, editada tambien por Pinhead Recs. Con la que superan ampliamente las expectativas vendiendo alrededor de 1.400 copias distribuyendolo tambien por muchas ciudades del mundo. La misma fue presentada en Buenos Aires, tocando junto a Sick Of It All y D.A.J. en Stadium ante 3.000 personas, saliendo muy bien parados.
No hubo lugar donde no dejara su huella y su poderio, grandes festivales a beneficio incluidos.
A finales de 1995 entran a los estudios Godzila a grabar su demorado disco debut, demora producida por la gran actividad en vivo de la banda y las ocupaciones paralelas de los musicos. El mismo fue mezclado y producido artisticamente por por Juan Jose Burgos y masterizado por Mario Breuer y Bruno Opitz en Soundesigner de Capital Federal.

Mientras se produce la salida de Ignacio de la banda y en su lugar ingresa Guillermo (ex-Entre La Basura). El disco es editado a fines de 1996 bajo el nombre de 17 Susurros En Tus Oidos Volumen 2 por el sello Pinhead Recs. El mismo contiene 17 temas (entre los que se encuentran muchos nuevos y algunos clasicos que bien merecian estar) letras por demas elocuentes y energia que desborda por todos lados siguen siendo marca registrada de la banda.

Varios estilos amalgamados, hacen que sus presentaciones tengan gran colorido y variedad de publico, sobre todo en Rosario donde sus shows terminan siempre con un caos generalizado.

Luego de la edicion del CD la banda siguio su actividad en vivo pero ya no volvio a Buenos Aires, se baso mas en el interior y su ciudad natal, de un dia para el otro se dejo de saber de ellos y tiempo despues se supo que la banda ya no existia, una lastima.
INTENSE MOSH mas alla de ser una banda de musica pesada nunca dejo de lado el sentido del humor y eso no lo logran todas las bandas, por eso ellos decian: "las letras pueden ofenderle o caerle mal a mucha gente, que no sabe interpretarlas correctamente. Intense Mosh detesta el facismo y el racismo".

Del único que se tuvo noticias vinculadas a la música fue es Mateo, quien con su banda ZAQUEO editó en 2001 “Si Hay Miseria, Que No Se Note” con la que se ha presentado regularmente en vivo en Rosario. Del resto… ni noticias.

Formacion Original:

Voz : Jose Miguel
Guitarra : Mateo
Guitarra : Ignacio
Bajo : Fernando
Bateria : Martin


Discografia:
- Brewed in Rosario – 1991 (Demo)
- Dulce y Cariñoso – 1993
- 17 Susurros en tus oidos -Volumen 2 – 1996

Paginas:
http://www.metal-archives.com/band.php?id=37158
http://www.myspace.com/intensemosh

Goldfinger

Goldfinger es una banda de música rock punk y ska punk formada en Los Ángeles, California, en 1994.

Biografía

La banda fue fundada por John Feldmann en voz y guitarra, Simon Williams en bajo, Darrin Pfeiffer en batería, Charlie Paulson en guitarra. Luego firmar contrato con un sello discográfico importante, ellos lanzarían un EP titulado Richter. La mayoría de las canciones en Richter son versiones demo de las canciones incluidas en su álbum debut, Goldfinger, el cual fue lanzado en 1996 y fue un hit en las radios estudiantiles. Su más importante single fue "Here in Your Bedroom". Aunque su segundo álbum, Hang-Ups, fue menos exitoso, la banda siguió manteniendo una gran cantidad de fanáticos devotos en la comunidad hardcore. Su tercer LP de estudio fue Stomping Ground, el cual se vendió poco en los Estados Unidos pero fue un hit modesto en algunos países Europeos, gracias a un cover de 99 Red Balloons, cantado en parte en Alemán. Open Your Eyes lanzado en el 2002 fue el primero de sus albums bajo un nuevo sello discográfico, Jive/Zomba.

John Feldmann ha producido discos para bandas tales como Mest, The Used (cuyo vocalista Bert McCracken cantó algunas canciones como invitado en 'Open Your Eyes' y 'Ocean Size') y Story of the Year. El también produjo el single de Good Charlotte "The Anthem", el cual originalmente fue llamado "Oracle of Elcaro". Desde el comienzo de la banda, Feldmann se ha convertido en vegetariano y apoyado los derechos de los animales, como puede verse brevemente en el vídeo musical de "Open Your Eyes". A comienzos del 2005, lanzaron su primer álbum para su nuevo sello discográfico, Maverick Records, titulado "Disconnection Notice". Este incluyó el single "Wasted". El CD recibió menor aceptación en comparación con los antiguos albums de Goldfinger. Los antiguos miembros de la banda incluyen al bajista fundador Simon Williams, el cual dejó la banda luego de Hang-Ups, y Brian Arthur, el cual dejó la banda luego de Disconnection Notice.

"99 Red Balloons" también fue incluida en Not Another Teen Movie junto con Eurotrip, y su cover "More Today Than Yesterday" de Spiral Starecase sonó durante los creditos de cierre de The Waterboy. "Superman" también fue incluida en la comedia Kingpin y la primera versión del videojuego Tony Hawk Pro Skater.

La canción de Goldfinger "I Want" de Disconnection Notice está incluida en Burnout Revenge para los sistemas Playstation 2, Xbox, y Xbox 360, y la canción "My Everything" está incluida en "SSX On Tour" también producido por EA games.

En el 2006 la revista Alternative Press listó el álbum autotitulado Goldfinger como "uno de los 10 albums que formaron el 2006" junto con No Doubt, Weezer entre otros.

Luego de la partida del guitarrista Brian Arthur, Goldfinger anunció que su antiguo guitarrista Charlie Paulson volvería. En un articulo publicado en su página en MySpace ellos han vuelto a su antiguo logotipo. Un nuevo álbum está siendo grabado (en el cual Paulson declaró que sonará como la "vieja escuela Goldfinger") pero debido a lesiones de rodilla relacionadas con la gira y un posible cáncer de su hijo Julian, Feldmann sería incapaz de realizar la gira para este álbum hasta el 2008. Como tal, el lanzamiento no ocurrirá hasta entonces. El nuevo álbum será lanzado bajo un sello independiente Side One Dummy.

Para apoyar a los fans hasta el lanzamiento de un nuevo álbum, Goldfinger está grabando un EP en directo incluyendo dos canciones nuevas, a ser lanzadas en iTunes.

Pagina: http://www.goldfingermusic.com/

David Sylvian

David Sylvian, llamado originalmente David Alan Batt, es un reconocido músico británico que tiene un amplio un repertorio de diversos géneros, como el glam, synthpop, new romantic, new wave, progresivo, experimental, jazz, ambient y al psicodélico similar al de los años sesenta. Él es cantante, guitarrista, teclista y compositor. Se hizo conocido a fines de los años setenta y comienzos de los ochenta con la banda Japan, con la cual empezó a experimentar con la música.

Biografía

Nació en Beckenham, Kent, Inglaterra el 23 de febrero de 1958. Es el segundo hijo de un obrero constructor y una ama de casa. Un año después nacería su hermano Steve, quien compartiría con él los gustos por la música y llegaría a ser famoso como él.

Formación de Japan

En 1969 comenzó a estudiar en la escuela secundaria de Catford (Catford Secondary School), donde conoció a Anthony Michaelides (luego Mick Karn) y Richard Barbieri. Junto al primero, compartían gustos por el glam rock, al extremo de querer aparecer en la escuela con la apariencia de alguno de sus representantes, lo cual llegó a hacer pero fue golpeado por los demás alumnos. En 1974, aún en el colegio, forma, junto con Michaelides y su hermano menor Steve, una banda que haría giras por Londres, para así también ganar dinero.

En 1976, Sylvian y los otros, ya con Barbieri incluido, firma contrato con Hansa Records. Se graban demos, hasta que a finales de 1977, el grupo graba su primer álbum.

Pagina: http://www.davidsylvian.com/

Danilo Rea

Uno de los mejores pianistas del jazz italiano, tiene una sólida preparación académica debido a que consiguió el diploma en el conservatorio de música "S.Cecilia" de Roma. Entre las colaboraciones en discos y conciertos, recordemos la con Chet Baker, Lee Konitz, Steve Grossman, Bob Berg, Michael Breker, Billy Cobam, Aldo Romano, Dave Liebman, Joe Lovano etc. Colaboró, entre otros, con el quinteto de Giovanni Tommaso "Lingomania" (Top jazz 1987). Celebró conciertos en Francia, Inglaterra, EEUU, India, Senegal, China. Con el baterista Roberto Gatto grabó "Improvvisi" (Gala Records). En la actualidad es co-líder del trío "DOCTOR 3" (con Enzo Pietropaoli y Fabrizio Sferra), uno de los grupos italianos más afamados. Sus ejecuciones también se extienden al repertorio clásico; de ellas recordemos su participación, como solista, en la obra de Roberto De Simone "Requiem per PierPaolo Pasolini", en el teatro San Carlo de Nápoles, dirigida por Zoltan Pesko, e in ensamble en el teatro "Rossini" de Pesaro durante el "Rossini Opera Festival", en el ámbito del proyecto "Rossini mon amour"; también destaca su ejecución en dúo con Roberto Gatto durante una reseña de jazz en el Teatro dell’Opera de Roma, y en el Auditorium Parco Della Musica de Roma con el proyecto "Lirico".

Pagina: http://www.myspace.com/danilorea