Davis Coen

Davis Coen 2009, la nueva realización, Magnolia land (Magnolia Tierra) se registró a principios de 2007 y mediados de 2008 en el Delta Recording Service, en Como, Mississippi. Las sesiones fueron supervisadas por titular del estudio, Jimbo Mathus, quien también tocó bajo y guitarra eléctrica en muchos de los estudios, esencialmente cortes grabados en directo. con músicos de la talla del baterista Kinney Kimbrough o el bajista Justin Showah (ambos actualmente en la banda de gira Afrissippi).

Magnolia land, es el primer álbum de Coen que ha dejado estilo del Piamonte en su guitarra acústica . Ahora a pasado de Carolina del Norte al Mississippi, muestra todo su talento para los arreglos cargados eléctricamente, arraigados profundamente en el entorno musical de la actualidad en todo el país y cerca de las colinas de Memphis, donde las sesiones de grabación se llevaron a cabo.
El álbum de 12 pistas grabadas por Coen, tienen características medio-originales, y el resto de blues tradicional, con algunas interpretaciones de los clásicos del artista como Howlin 'Wolf's "Natchez Burning"' y Muddy Waters' 'You Gonna Miss Me.'

Coen, quien es oriundo de Carolina del Sur, ha recorrido la mitad del sureste y sur de EE.UU. extensamente desde su adolescencia con pequeñas combos, compartiendo concierto de apertura de blues clásico de los artistas como James Cotton, Junior Wells, Koko Taylor, Big Jack Johnson, Bobby Rush, David "Honeyboy" Edwards, Ford Modelo T, Eddie Kirkland, y John Mayall y The Bluesbreakers. Las actuaciones recientes han sido incluidas en el DVD documental sobre Hill Country Blues de la gran Jesse Mae Hemphill.

Pagina: http://www.daviscoen.com/
Fuente: bluesetcargentina.blogspot.com

Edward Simon

Nacido en 1969, en una pequeña villa costera de Cardón, estado Falcón, Venezuela, Edward agradece a su padre, Hadsy Simon, haberlo estimulado a desarrollar su pasión por la música, y haberlo apoyado, así como a sus hermanos Marlon y Michael, en el proceso hasta convertirse en músicos profesionales.

Cuando Edward tenía ocho años, su padre llevó a casa algunos instrumentos de percusión y un órgano eléctrico. El hermano mayor, Marlon, ahora baterista y percusionista, se sintió atraído por los timbales, y

Edward se interesó por el órgano. Por su parte, Michael, aún muy pequeño, se dedicaría más tarde a la trompeta y a la composición. Hadsy, que cantaba y tocaba la guitarra, invitaba a los amigos los fines de semana para que la familia contara con una audiencia ante la que actuar.

Al principio, las preferencias de Simon se centraron en los instrumentos electrónicos y en la música folklórica de su Latinoamérica natal. Su interés por el jazz se despertó al ver un video de Chick Corea, en concierto con Stan Getz y Dizzy Gillespie, tocando en la Casa Blanca de los Estados Unidos de América (EUA). Con sólo 12 años, la experiencia de escuchar aquellas improvisaciones y armonías tan intrincadas lo impactaron profundamente, con lo cual estableció su primer contacto con la tradición y las raíces del jazz y surgió su amor por tal estilo. A los 15 años, Edward inició sus estudios de música clásica en la Universidad de Artes de Filadelfia, EUA, bajo la tutela de la concertista de piano Susan Starr. Ser adolescente y vivir solo en la Norte América urbana suponía todo un reto para Simon. Reto que logró superar concentrándose intensamente en el estudio. Así comenzó a descubrir algunos de los gigantes del jazz: Bill Evans, Herbie Hancock, Thelonious Monk y Bud Powell. Entre los no pianistas, la influencia más notable fue la de Miles Davis, cuyo empleo del silencio le impresionó profundamente y a la larga llegó a inspirar su sensibilidad minimalista. La habilidad de Edward Simon para combinar ritmos afrocaribeños, boleros y temas populares de su tierra natal con armonías propias del jazz lo confirman como un talento único para trascender géneros.

En 1988, Edward irrumpe en la escena del jazz como componente del trío liderado por el contrabajista Charles Fambrough. Su inteligente actuación le dio fama de intérprete reflexivo y rítmicamente astuto, lo que llegó a oídos de renombrados músicos como Greg Osby, Kevin Eubanks y Bobby Watson, quienes lo contratan. Estuvo cinco años con la banda Horizon, de Watson, mientras abría tiempo en su agenda para tocar con grandes figuras del jazz latino como Jerry Gonzales, Herbie Mann y Paquito D’Rivera. En 1994, el prolífico compositor y trompetista Terence Blanchard llama a Edward para que ocupe el puesto de pianista en su banda. Fueron sus antecedentes latinos y su pasión por las ‘músicas del mundo’ lo que más atrajo la admiración e interés de su nuevo líder. “Ed contribuyó decisivamente a definir el sonido de la banda”, afirma Blanchard. “Aportó una perspectiva más amplia, lo que posibilitó enriquecer con nuevos contrastes todo lo que hicimos durante los casi ocho años de trabajo conjunto”.

En 2001, Edward comienza a aparecer en escena junto a John Patitucci, quien luego lo acompañará al bajo en sus discompactos El Proceso (2003) y Unicity (2006). Antes había presentado al público varias producciones, como Beauty Within (1994), Edward Simon (1995) y La Bikina (1998), álbumes con elementos jazzísticos, pero siempre profundamente enraizados en sus orígenes latinos.

El Proceso resultó el primero de sus trabajos en los que, como líder de banda, Ed presenta un jazz sin etiquetas. Como parte de su estrecha colaboración con el saxofonista y compositor David Binney, Edward ha grabado dos discos a dúo, primero Afinidad (2001) y luego Fiestas de agosto (2003), y en 2004 lanza otra grabación a dúo con Luciana Souza, vocalista nominada a los premios Grammy. En 2005, Ed edita Simplicitas, un proyecto más íntimo y personal, que cuenta con la adaptación de canciones populares venezolanas al lenguaje jazzístico, entre otros planteamientos. Acaba de lanzar al mercado la última de sus producciones, Unicity.

Pagina: http://www.edwardsimon.com

John Parricelli

Parricelli es un músico de formación clásica que se ha dedicado fundamentalmente a la música jazz, empezando su carrera en 1982. Junto con muchos otros músicos, fundó la banda Loose Tubes, con la que grabó tres álbumes y obtuvo gran reconocimiento en la escena jazz inglesa. En 1987, se convirtió en el primer grupo de jazz en tocar en el festival anual de música clásica de la BBC en el Royal Albert Hall. En 1990 Loose Tubes se disuelve, aunque sus múltiples miembros siguen trabajando en la música y colaborando frecuentemente entre sí.

Al margen de Loose Tubes, el trabajo de Parricelli se ha centrado en las colaboraciones y los trabajos de sesión. Por nombrar algunos, ha trabajado con Norma Winstone, Annie Whitehead, su compañero en Loose Tubes Julian Argüelles, Iain Ballamy, o, recientemente, el trompetista canadiense Kenny Wheeler. En 2003 grabó un disco con Andy Sheppard, P.S.

Centrándonos en su trabajo con Mike Oldfield, encontramos a Parricelli en la espectacular puesta de largo de Tubular Bells II en el castillo de Edimburgo, para mí el último gran concierto de Oldfield, además del último donde le veo disfrutar realmente y entregarse al cien por cien. Para esta premiere tuvo la manifiesta intención de elegir a músicos fuera del ámbito del rock, ya que quería gente de formación clásica, que leyera partituras, para darle otro estilo al directo (de ahí también la presencia del director). De alguna manera quiso alejarse del estilo de sus anteriores giras ochenteras, con un pequeño grupo rockero, donde cabía la improvisación y todo parecía estar menos estudiado. La premiere de Tubular Bells II pierde la frescura de esas giras, pero por otro lado recrea a la perfección la música del disco. Parricelli, como el resto de los guitarristas, ofrece un trabajo meticulosamente profesional, no sólo con su instrumento principal, la guitarra acústica, sino también con la mandolina y el banjo en diferentes temas.

Para acabar la magnífica The Bell en directo, donde Parricelli toca la mandolina e inicia los compases finales del tema con la acústica.

Ana Popovic

Reconocida como una de las mejores guitarristas europeas, la serbia Ana Popovic está en camino a ser una superestrella. Llegó al blues y al rock en Belgrado, antigua Yugoslavia, gracias a la colección de discos de su padre. Años después se trasladó a Holanda, donde estudió música y empezó a construir su reputación, por medio de discos muy aclamados y extensos conciertos, lo cual le valió que en 2003 fuera la primera artista europea no británica en recibir una nominación en los Blues Music Awards, entregados en Estados Unidos, como Mejor Nuevo Artista.

Su estilo ecléctico sirvió para que en 2007 firmara contrato con el sello Eclecto Groove y grabara “Still Making History”, el cual se mantuvo durante 19 semanas en los listados Blues de Billboard, alcanzando la tercera posición.

Luego de dos años de gira por Estados Unidos y algunos países europeos, Ana volvió a los estudios de grabación y ahora presenta “Blind For Love”, trabajo en el que nos ofrece una mezcla de blues, rock, jazz, funk y gospel, demostrando que posee una visión adelantada, con un estilo único además de tener una evolución en su forma de componer.

La música de Ana Popovic, originaria de Belgrado, demuestra que el blues puede pisar fuera de su territorio y traspasar sus límites y que tiene encanto para la audiencia de todas las edades. Cada uno de sus dos CD´s grabados en Ruf Records, “Hush” (2001) y “Comfort to the soul” (2003), presentan aparentemente una mezcla de blues, jazz, funk, soul y world music. A la edad de 28 años, ella estaba preparada para destacar en la escena del blues europeos , y es una de las pocas artistas europeas que han sido nominadas para el W.C. Handy Award en U.S.A. (Mejor artista nueva en su debut en 2003).

Hace poco llegó a mis manos una noticia que llamó mi atención: “Ana Popovic, la guitarrista ‘más deseada’ llega este año a Cazorla”.

¿La más deseada?

Para ser sinceros, nunca había oído su nombre, no me sonaba su cara y casi ignoraba la existencia de su música; pero al leer con detenimiento la reseña sobre ella sentí una tremenda curiosidad… ¿Quién es Ana Popovic?

Curioseando un poco puede llegar fácilmente a su página web: www.anapopovic.com; demostrándome a mí misma que mi incultura musical llegaba más lejos de lo que creía, pues goza de una amplia representación en web y de un importante nombre entre guitarristas y bluseros.

Escuchando un poco su música, enseguida quedé impresionada. Lo cierto es que un pequeño orgullo recorrió mi cuerpo, ¿era una chica la que tocaba? Nunca había oído nada parecido. Hay que escucharla.

A los que, como yo antes, no conozcan a esta peculiar cantante y guitarrista originaria de Belgrado, les hablaré un poco de ella:

Aunque entre las mujeres esté mal eso de hablar sobre la edad..., aquí este dato tiene cierto mérito. Diré que esta virtuosa blusera de la guitarra nació en 1976 y, tras más de doce años dedicados a la música, con sólo 31 años, ha llegado casi al nivel de muchas viejas glorias.

Siguiendo los pasos de papá

El interés por la música le viene de familia, concretamente de su padre, que tocaba la guitarra, e inconscientemente le fue inculcando el gusto por el blues y el soul. Tan inconscientemente, que no fue hasta los 15 años cuando Ana cogió por primera vez una de sus guitarras. La pasión, de la que entonces era una niña, por el instrumento creció tanto, que el aprendizaje era fugaz. Es aquí cuando su padre se da cuenta el virtuosismo de su hija va más allá de sus propias habilidades como profesor. Tanto, que la familia de Ana hace lo imposible por conseguir que reciba clases particulares de guitarra.

Entre 1995-96 forma con su amigo y guitarrista, Rade Popovic, su primera banda: Hush, y pronto empiezan a realizar pequeñas actuaciones.

Lo cierto es que, en los inicios de su carrera, ser una chica supuso para Ana estar en un segundo plano, ya que, desgraciadamente, los buenos guitarristas por excelencia casi siempre fueron hombres; pero esta situación cambia pronto.

En los dos años posteriores la banda de Ana empieza a tener fama, tanto es así que en 1998 ya hace apariciones regulares en TV y en distintos shows.

Tras la caída del régimen, Ana Popovic ve un nuevo mundo por conquistar más allá de sus fronteras y empieza a actuar con su banda en Grecia y en Hungría, llegando a grabar su primer álbum: Home Twon.

Corazón blusero

A pesar del éxito musical evidente del que gozó desde el principio, el sueño de Ana Popovic, curiosamente, era llegar a ser diseñadora gráfica, como su padre, por lo que decide estudiar la carrera. Pero, por alguna extraña razón, unas semanas antes de comenzar el curso piensa en probar suerte y mandar una cinta a un conservatorio de Holanda, donde es directamente seleccionada para estudiar. La decisión fue sencilla: aunque deseaba estudiar la carrera de su padre, su corazón ya era blusero.

En Holanda no se dedica sólo a estudiar y forma una nueva banda que, rápidamente, se hace popular en la cultura blues holandesa y alemana. Tras terminar sus estudios en el conservatorio, consigue un contrato discográfico en Alemania con Ruf Records y, en octubre de 2000, se va a Memphis para grabar su segundo CD, al que titula igual que su primera banda: Hush. Este disco fue producido por Jin Gaines, que ha trabajado para Santana y Stevie Ray Vaughan, y fue lanzado a principios de 2001.

Ese mismo año, Ana se une a varios artistas incluyendo: Bernard Allison, Eric Burdon, Walter Trout, Popa Chubby, Jimmy Thackery, Taj Mahal y Buddy Miles, para grabar un CD tributo a Jimi Hendrix, titulado: Blue Haze. Su contribución en este disco es una versión del clásico de Hendrix ‘Belly Button Window’. Un año después, forma parte del tour europeo que rinde tributo a Jimi Hendrix. Ese mismo año organiza otra gira con su banda europea, y se va por primera vez de tour a EE.UU. Tras esta gira, llega el reconocimiento y recibe tres nominaciones para los premios Blues Awards en Francia: mejor cantante, mejor guitarrista y mejor álbum.

Llegan los patrocinios

En 2003 vuelve a Memphis para grabar su tercer disco: Comfort to the soul. La mitad de este álbum está producido y mezclado por Jim Gaines, la otra parte por David Z. Este nuevo CD, que ofrece su particular visión de la música, mezclando blues, con rock, sould y jazz, lleva a Ana a recibir una nominación a los prestigiosos WC Handy Awards en Memphis, a la mejor artista de 2003. Convirtiéndose así en la única europea continental jamás nominada en esta categoría y en la primera artista europea en tocar en este show.

Este año también supone el patrocinio de Fender y Cuerdas DR Hand Made, reflejo de su éxito como guitarrista.

Ana Popovic se caracteriza por ofrecer buenos directos y su fama internacional sigue creciendo. En 2004, vuelve a EEUU con tres giras y hace conciertos en Canadá. Ese mismo año gana el premio “Jazz a Juan Revelation 2004” en Juan Le Pins, Francia. El premio muestra el reconocimiento a sus habilidades en el género del jazz, de gran influencia en su música. Es entonces cuando empieza un contrato de patrocinio de una nueva marca, la de los amplificadores: Mesa Boogie y, más delante, de las guitarras Ovation.

Actualmente...

El año pasado Ana fue invitada al legendario Blues Cruise 2006, convirtiéndose una vez más en la primera artista europea llamada para actuar en este prestigioso crucero, donde acude con su banda original.

En julio recibió la sexta nominación en el Leaving Blues Awards 2006, seleccionada en categorías de mejor DVD de Blues, mejor intérprete en directo, mejor artista femenina de blues y guitarrista más destacado.

El pasado mes de noviembre, tras 13 semanas de tour por EE.UU, Ana firmó un contrato discográfico con Delta Groove Productions y viajó por primera vez a Los Ángeles para grabar su primer disco con ellos, que saldrá a la venta este año bajo el nombre: “Still Making History”.

Recientemente, como ya he comentado antes, el Festival de Bluescazorla anunció orgulloso que formará parte de su cartel, con una actuación que seguro que dejará con la boca abierta a más de uno, para que ya nadie tenga que preguntarse quién es Ana Popovic. Yo sólo aseguro que, si tengo la oportunidad, no dejaré de ir a verla y gozar con su música; porque esta chica seguirá “haciendo historia”.

Pagina: http://www.anapopovic.com
Fuentes: www.ispmusica.com, historiasdelblues.wordpress.com

Dead Boys

Dead Boys fue un grupo Estadounidense de Punk Rock, formado en Cleveland hacia 1976.

Historia: Formación del grupo

Frente del CBGB, desaparecido club de Nueva York donde se presentaron bandas como Dead Boys, The Ramones, The Dictators y Blondie, icono del desarrollo del Punk Rock y el New Wave.

El guitarrista Cheetah Chrome, y batería Johnny Blitz -junto a quienes posteriormente formarían Pere Ubu, David Thomas y Peter Laughnerl- formaban parte de la banda protopunk Rocket From The Thombs. El grupo resultó demasiado art-rock para Blitz y Chrome, y acabaron abandonando la banda. En el verano de 1975 conocieron a Stiv Bators, y a sus dos amigos: el guitarrista Jimmy Zero y bajista Jeff Magnum, quienes buscaban realizar versiones de canciones de Iggy Pop, de quien eran seguidores.

Inicialmente, se llaman Frankenstein. Ese mismo año inician su primera gira. Bajo ese nombre sólo llegan a realizar cuatro giras locales y una demo titulada Eve Of The Dead Boys, que contenía tres de las canciones que más tarde se convertirían en clásicos de su repertorio: "Sonic Reducer", "High Tension Wire" y "Down In Flames". Debido a la dificultad de tocar en el conservador circuito de clubs de Cleveland, se disuelven tan sólo tres meses después.

Traslado a Nueva York y primer disco

En la semana santa de 1976, Stiv se muda a Nueva York, invitado por Johnny Thunders, que en esta época se encontraba plenamente involucrado en su segunda banda, The Heartbreakers. Seducido por el ambiente de Nueva York, Stiv anima al resto de sus compañeros de Frankenstein a mudarse a la ciudad. El grupo se refunda en 1976 bajo el nombre de Dead Boys, tomado de su tema "Down in Flames" ("Dead Boy, running scared").

Ya instalados en Nueva York, ciudad en la que Stiv compartió piso con Johnny Thunders (New York Dolls, The Heartbreakers) y con Michael Monroe (Hanoi Rocks), el grupo empezó a ganar popularidad en la escena neoyorkina. Su primera actuación, fue en julio de 1976, en el mítico club CBGB, conocido como unos puntales de la expansión del Punk rock americano de su época. Apadrinados por Joey Ramone (The Ramones), quien vio potencial en el grupo, sus viscerales e iconoclastas actuaciones, que intentaban reflejar las frustraciones de la juventud de la época, capturaron la atención del público. Stiv se contorsionaba, se autolesionaba (llegando en alguna ocasión a tener que ser hospitalizado por los cortes que se infringía), y su actitud escénica se correspondía con la crudeza e inmediatez de su música. Su lema era "Fuck art, let's rock!" ("Que se joda el arte, vamos a rockear").

The Dead Boys comenzaron a actuar regularmente en el CBGB y a frecuentar los ambientes Punk neoyorquinos. Telonean a The Damned en tres ocasiones, dejando una fuerte impresión en crítica y público. Conocen a Seymour Stein, quien ya había fichado a The Ramones a través de Hilly Kristal, el dueño del CBGB; Stein se siente impactado por el potencial del grupo y seguidamente fichan para Sire Records.

En 1977, el año que es conocido por la gran explosión del Punk inglés, graban su álbum de debut, Young, Loud and Snotty, producido por Genya Ravan. Su canción bandera, y primer corte del disco, "Sonic Reducer" es reconocida como uno de los temas más emblemáticos del Punk rock, elevándolo a la categoría de Himno de este género musical.

Segundo disco: "We Have Come For Your Children". Disolución

A finales de 1977, la banda acomete una exitosa gira que les llevaría, junto a The Damned, por Inglaterra. Tras regresar a EEUU, comienzan a grabar en Ohio las demos de lo que sería su nuevo álbum, grabado en Miami, en los Criteria Studios. El disco fue titulado "We Have Come For Your Children" ("Hemos venido a por vuestros hijos"); se publicó en 1978, y le siguió una gira de cuatro meses por EEUU.

El disco fue producido por Felix Pappalardi (ex-Mountain), pero la relación entre Pappalardi y el grupo no funcionó, ya que el productor no estaba habituado al tipo de rock interpretado por el grupo y a la manera de producirlo; ello repercutió en un sonido de inferior calidad al de su primer álbum, y no consiguió capturar por entero la intensidad de la banda. El disco contiene, si embargo, algunos de los clásicos del grupo, como "3rd Generation Nation", "I won't look back", o la famosa "Ain't it fun", versioneada más tarde en 1993 por Guns N' Roses con Michael Monroe (Hanoi Rocks) a las voces.

La gira por EEUU estuvo salpicada de problemas; el grupo se queda sin dinero y debe regresar a Cleveland. El batería Johnny Blitz fue ingresado entonces en cuidados intensivos, padeciendo graves heridas.

Sire Records se encontraba presionando al grupo para modificar su imagen y acercar su sonido a los patrones del Punk inglés que estaba triunfando en esos años, a lo cual se negaba la banda. Al mismo tiempo que Blitz estaba ingresado en el hospital, Sire decide no renovar su contrato con el grupo. Unos meses después de la separación, el grupo tuvo que reunirse para grabar un disco en directo, resultado de sus obligaciones contractuales con Sire; fue la útima reunión de los Dead Boys. Para vengarse, Bators cantó lejos del micro, para asegurarse de que Sire no podría editarlo sin su colaboración; el resultado fue material impublicable. Cuando se publicó finalmente a través de Bomp! Records, bajo el título "Night of the living Dead Boys", las voces habían sido regrabadas por Stiv. El disco publicado en Bomp!, incluía un tema nuevo, "Detention Home", un descarte de su segundo LP, "We have come for your children".

Trayectoria Post-disolución

Bators integró entonces el grupo Lords of The New Church, con Brian James (ex-The Damned) y Dave Tregunna (ex-Sham 69), enfocando su estilo hacia un Post punk menos agresivo y más oscuro, con letras más intelectuales y muy trabajadas; la banda se convertiría en una de las formaciones básicas y más influyentes del rock siniestro y el Post punk, siendo muy recordados temas como "Russian Roulette" o "Dance with me". Asimismo grabó varios discos en solitario, algunos de los cuales se editaron en vida, y otros lo hicieron póstumamente. Su disco en solitario "Disconnected", en el que jugó con melodías de Bubble-gum y Pop con una fuerte influencia de los años 50 y 60, es considerado un clásico del Power Pop.

The Dead Boys se reunieron para varios conciertos durante los 80. Reeditaron su primer álbum, bajo el título de "Younger, Louder and Snottier" en 1989, a partir de un casete con demos sin producción, atribuidas a un joven Bob Clearmountain, asistente de estudio en aquella época.

Stiv Bators fallece en París, en 1990, atropellado por un coche. Inicialmente pareció no sufrir daño alguno, pero fallecería en su casa por heridas internas. Se encontraba en la ciudad francesa grabando el que sería su último trabajo, póstumamente titulado "Last race".

Influencia musical y cultural

En julio de 1997 Bomp! reedita "Younger, Louder & Snottier", los remixes de su primer álbum, y considera el proyecto de editar una grabación inédita en vivo. Se encuentra también en negociaciones para adquirir los derechos de su segundo álbum, "We Have Come For Your Children", aquejado actualmente de un déficit de apoyo discográfico con respecto a su primer trabajo, con el propósito de remezclarlo con el guitarrista Cheetah Chrome.

The Dead Boys todavía son una influencia reconocible para bandas modernas como D-Generation, y su influencia es reconocible en nuevas bandas Punk; son a menudo citados y recordados en la prensa musical. Formaron parte del núcleo de la escena punk americana, junto com The Ramones, Johnny Thunders & The Heartbreakers y Televisión. Habían absorbido lo que había ocurrido en inglaterra ( The Sex Pistols y The Damned) y en EEUU (The Stooges), y lo llevaron un paso más allá, en términos de nihilismo, masoquismo, desesperación, vulgaridad y violencia.

Varios grupos han realizado versiones y homenajes a la banda, entre ellos, Pearl Jam, que acostumbra a interpretar en directo el himno "Sonic Reducer"; Michael Monroe (Hanoi Rocks), que fue su compañero de piso en Nueva York, y es un reconocido admirador de su persona y obra, sin que prácticamente pierda ocasión de recordar su memoria en sus entrevistas, acostumbrando a versionear en su carrera en solitario varios temas de la banda, entre ellos "What love is", de su primer disco, y la ya citada versión de Guns N' Roses con el propio Mike Monroe.

Los Dead Boys son recordados hoy en día como uno de los puntales del Punk Rock, por sus salvajes actuaciones en vivo, y por la característica personalidad de su líder Stiv Bators, quien es una influencia básica en el punk rock, el post punk, el rock siniestro y el power pop.

Pagina: http://www.myspace.com/deadboysmusic

Manu Codjia

Manu Codjia está entre los sidemen más activos en la escena del jazz francés, y uno de los guitarristas más originales que tocan jazz en cualquier parte. Su ejecución claramente debida a Bill Frisell, pero también a Allan Holdsworth, Tommy Bolin en Billy Cobham's Spectrum (Atlántic, 1973), y a una multitud de otras influencias que constantemente le generan nuevas ideas en varios niveles al mismo tiempo: melódica y dinámicamente, y en el uso de la tecnología. Cuando él se sienta a tocar la música de alguien, la sesión queda marcada por una señal indeleble de su identidad musical.

Considerando esta extrovertida efervescencia de su manera de tocar, es quizás sorprendente que haya sido tan paciente en realizar sus propias grabaciones solistas. Este, su segundo álbum, viene dos años después de su debut, "Songlines" (Bee Jazz, 2007).

Además, este disco autotitulado, se mueve sólo ligeramente del concepto musical de su precursor. Otra vez, la guitarra eléctrica es complementada por el bajo acústico y la batería (Jerome Regard y Philippe García sustituyen a Francois Moutin y Daniel Humair, elenco de all stars de la escena francesa, que apoyó a Codjia en su primer disco). El impecable ambiente del estudio de grabación La Buissonne, con el ingeniero Gerard de Haro otra vez en los mandos, asegura el cristalino equilibrio abrasador de la guitarra eléctrica y el apacible contrabajo. Para bronca de los fanáticos del iPod, Codjia otra vez complace su inclinación de partir sus composiciones en dos partes (al igual que los Isley Brothers).

Lo nuevo esta vez es la inclusión de bronces en un puñado de pistas. Geoffrey Tamisier es un trompetista en la línea de Don Cherry/Lester Bowie, expresivo e iconoclasta. La presencia de Tamisier pone a la ejecución de Codjia en una nueva luz. ¿Es esto cómo Codjia -que viene de algo como más populista y virtuoso- ve su ejecución de guitarra? El trompetista es acompañado por el trombonista Gueorgui Kornazov. Por cierto: el bronce añade un nuevo color a la paleta de Codjia.

Las composiciones tienden a ser reservadas, no demasiado accesibles: de un estilo coral gregoriano en "Sea Horse" a un lúgubre canto fúnebre en "Procession Song", muchas canciones revelan más creatividad en la improvisación individual y colectiva que en las notas escritas. "Bugsteps" -¿es el dibujo de Codjia contrastando a "Giant Steps" de John Coltrane?- usa una línea complicada parecida a un mecanismo melódico como base para un solo de guitarra típicamente diestro y con el grupo crescendo y diminuendo.

Prácticamente cada tema ofrece un solo de Codjia entre competente e impresionante. Además también presenta a un dinámico y engranado grupo para este fino segundo disco.

Pagina: http://www.myspace.com/manucodjia
Fuente: http://musicaquecuelga.blogspot.com
Fuente para la reseña: Jeff Dayton-Johnson para www.allaboutjazz.com -
Traducción: La Bestia Políglota!

Manfred Mann's Earth Band

El grupo MANFRED MANN, que tomó su nombre de su líder y teclista, parecía estar bien ubicado en la línea de salida de la explosión beat británica después de que '5-4-3-2-1' se convirtiera en la sintonía de Ready Steady Go!, programa pionero sobre listas de éxitos en la TV del Reino Unido. Sus mayores éxitos de ese año, 1964, 'Doo wah diddy diddy' y 'Sha la la', habían sido grabados por los EXCITERS y las SHIRELLES, respectivamente. Tras ciertas convulsiones en la formación (el vocalista y armónica Paul JONES abandonó siendo sustituido por Mike D'ABO y Jack BRUCE ocupó brevemente el puesto de bajo) fue el gran 'The mighty Quinn' el que por fin les mereció un número uno en el Reino Unido en 1968. Manfred (el hombre) volvió al ataque con el rock progresivo de su nuevo grupo, MANFRED MANN'S EARTH BAND, que se hizo famoso una vez más con una versión, esta vez del histórico 'Blinded by the light' de Bruce SPRINGSTEEN .

Mann tomó a conciencia la decisión de apartarse del formato de “canción pop de tres minutos” que hacia con su anterior grupo. El estilo de The Earth Band fue, desde la perspectiva del pop, casi deliberadamente contrario, pero combinando un acercamiento al rock progresivo con el oído afilado de Manfred par alas melodías.

La formación de la Earth Band fue relativamente informal; originalmente Mick Rogers se hacia cargo de la primera guitarra y voz, pero luego sería reemplazado por Chris Thompson en las voces y Dave Flett en guitarra. En un principio se hacia cargo de la batería Chris Slade, quien luego formaría parte de AC/DC y Asia en una larga y variada carrera que puede resumirse con su salida de AC/DC aún siendo (según los propios miembros del grupo) el mejor músico de la banda. De forma similar Colin Pattenden, un bajista de gran técnica, luego de dejar la Earth Band se convirtió en consultor de sonido, llevando adelante su propia compañía de diseño e instalación de sistemas de sonido.

Había mucho en la Earth Band que era potencialmente exitoso, pero las contrariedades entre el acercamiento musical de la banda y el perfeccionismo de Mann hicieron que con frecuencia los álbumes se lanzaran con diferentes listas de temas o en versiones alternativas en los diferentes países.

Este es otro de esos grupos que no hacen rock progresivo (al menos no en el estricto sentido de la palabra), pero debido a su calidad musical y tendencia principal, es bueno mencionar y considerar.

MANFRED MANN'S EARTH BAND (MMEB) es un proyecto tipo APP o PLP en el que hay un líder, un genio creativo, y “la banda” son músicos que están ahí para interpretar la creatividad de un compositor principalmete. Uno en quien Manfred se ha apoyado consiguiendo grandes temas es Bruce SPRINGSTEEN por ejemplo. MMEB también es un grupo en el que a pesar de la fabricación de éxitos (no olvidemos que se trata de un grupo de tendencia popular), un manejo progresivo en los teclados y un soporte de importancia en la guitarra, le dan a su sonido una estética cercana al género que nos ocupa, por lo que resulta interesante para quienes disfrutamos de este género. Un gran disco progresivo de este grupo es "Solar Fire", bastante recomendable para incursionar en lo que esta banda hace.

Pagina: http://www.manfredmann.co.uk/

Stevie Wonder

Stevie Wonder (nacido el 13 de mayo de 1950), es un cantante, compositor, productor discográfico, músico y activista social estadounidense. Wonder ha grabado más de 30 éxitos de ventas, ha recibido 24 premios Grammy (un récord para un artista vivo), entre ellos uno por logros en su vida, y ha sido incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los compositores famosos.

Ciego desde la infancia, Wonder se ha convertido en uno de los más exitosos y reconocidos artistas en la Motown, con más de 100 millones de discos vendidos. Ha grabado diversos discos y sencillos que fueron aclamados por la crítica; también ha escrito y producido para otros artistas. Wonder toca diversos instrumentos como la batería, bajo, congas, y, más notablemente el piano, la armónica y el teclado. Los críticos refieren que la alta calidad y versatilidad de su trabajo indica todo el genio musical de Stevie.

Biografía y carrera de música: Infancia

Stevland Judkins nació prematuramente en Saginaw (Míchigan). La causa más probable de su ceguera fue la retinopatía del prematuro, que se produce al aportar oxígeno en la incubadora, necesario para salvar la vida de los niños prematuros que nacen con pulmones inmaduros; pero ese oxígeno puede causar un crecimiento exagerado de los vasos, que produce desprendimiento de retina y ceguera. Sus padres murieron cuando era niño. Fue adoptado y recibió un nuevo nombre Steveland Morris. Aprendió desde muy pequeño a tocar gran cantidad de instrumentos, destacando con el piano, la flauta dulce, las congas y la armónica.

Años sesenta

En 1962, a los 11 años, Morris fue traído a Motown por Ronnie White de The Miracles, y Berry Gordy, presidente de la discográfica, contrató a Morris para Tamla-Motown nombrándolo Little Stevie Wonder, a causa de su virtusismo. A los trece años de edad, el pequeño Stevie Wonder tuvo su primer éxito importante, Fingertips (Pt. 2), un sencillo de 1963 grabado en vivo en uno de los conciertos de los artistas de la Motown. La canción, que presentaba a Wonder como vocalista, con las congas y la armónica y a un joven Marvin Gaye en la batería, fue un éxito en los Estados Unidos y lanzó a Stevie al reconocimiento del público. Demostrando que de «pequeño» no tenía nada, Wonder obtuvo otros éxitos musicales a mediados de los años sesenta, incluyendo Uptight (Everything's Alright), With a Child's Heart, y Blowin' in the Wind, de Bob Dylan, una de las primeras canciones que reflejó la conciencia social de Wonder. También empezó a trabajar en el departamento de compositores de Motown, escribiendo canciones para sí mismo y para otros artistas.

Hacia 1970, Wonder había alcanzado más éxitos importantes, como My cherie amour y Signed, sealed, delivered. Además de ser una de las primeras canciones en las que Wonder hace de compositor y productor, Signed, sealed, delivered fue uno de los principales escaparates para su grupo de respaldo Wonderlove, un trío que incluyó a Minnie Riperton, Deniece Williams, Lynda Laurence, y Syreeta Wright, con quien Wonder se casó el 14 de setiembre de 1970. Wonder y Wright se divorciaron 18 meses después, pero continuaron sus colaboraciones en proyectos musicales.

Además de Marvin Gaye, Stevie Wonder fue una de las pocas estrellas de Motown en refutar los métodos de operación de la discográfica: artistas, compositores, y productores eran usualmente mantenidos dentro de cooperativas especiales y carecían de control creativo alguno. Wonder discutió con Berry Gordy sobre el control creativo varias veces. Como respuesta, Motown lanzó un disco con el nombre de Eivets Rednow («Stevie Wonder» escrito al revés) a espaldas de Stevie Wonder. Las discusiones continuaron y, Wonder dejó que su contrato con Motown expirara, abandonando la discográfica en su 21 cumpleaños en 1971. El disco final que precedió su salida fue Where I’m coming from, lanzamiento al que Gordy se opuso fuertemente.

Años setenta

Esta es la época más gloriosa de Stevie quien abandonó definitivamente la coletilla de «pequeño Stevie» cuando se casó con Syreeta Wright, que trabajaba en el departamento de distribución de la Motown, y que colaboraría en la composición de algunos de los temas de los primeros discos de Stevie de los años setenta. Su matrimonio no duró mucho, pero ambos continuaron cultivando una buena amistad hasta la muerte de Syreeta en 2006. Tras divorciarse de Syreeta, Stevie se volvió a casar con otro miembro de la Motown, Yolanda Simmons, con la que tiene 2 hijos, Aisha Zakiya y Keita Sawandi.

En 1972 Stevie conoció a Johanan Vigoda, un abogado que consiguió que el artista firmara un contrato millonario, concediéndole al mismo tiempo una libertad creativa inimaginable en aquellos momentos dentro de una compañía tan férrea como era la Motown. El primer disco que Stevie grabó bajo esta nueva política fue Music of my Mind, en el que el cantante se hacía cargo, por primera vez en la historia, de la grabación de prácticamente todos los instrumentos del disco, además de ejercer las tareas de producción, composición y arreglista.

En el verano de 1973, Stevie sufrió un accidente de tráfico que lo mantuvo en coma durante varios días y a consecuencia del cual el músico perdió el sentido del olfato, pero a pesar de este incidente, el resto de la década resultó gloriosa: de 1974 a 1977 Wonder ganó 14 Grammys incluyendo tres «discos del año» seguidos por Innervisions, Fullfillingness first finale y Songs in the Key of Life, para muchos uno de los mejores discos de la historia. Fue un periodo muy rico en creatividad y premios para Stevie, precursor en el empleo de sintetizadores y fuente de inspiración para los músicos venideros y de la época.

La década acaba con una banda sonora para el falso documental The secret life of plants, que a pesar de no cosechar el inmenso éxito comercial del disco anterior, obtuvo el disco de platino.

Años ochenta

La década empieza con un nuevo trabajo, Hotter Than July, que recibe los ochenta a ritmo de reggae con el hit Master Blaster, y que abre a Wonder a una audiencia más amplia. El artista inicia una lucha para conseguir que la fecha de nacimiento de Martin Luther King fuese declarado un día festivo en Estados Unidos. Efectúa colaboraciones importantes como Ebony and ivory, junto a Paul McCartney o Just good friends, junto a Michael Jackson, y recibe un nuevo Grammy por We are the world. Publica un grandes éxitos, Musiquarium, en 1982, con cuatro temas inéditos y en 1984 lanza The woman in red, para la banda sonora de la misma película, consiguiendo un Óscar por la canción I just call to say I love you. Publica además los discos In Square Circle y Characters. La década acaba con la inclusión del artista en el Rock and Roll Hall of Fame en 1989.

Años noventa

Después de publicar la banda sonora de la película de Spike Lee Jungle Fever, Wonder se dedica a actividades benéficas, retirándose parcialmente de los escenarios. Recibe el premio Grammy a toda una vida y graba, en 1996 Conversation Peace, un nuevo disco que le reporta dos Grammys. Además de sus colaboraciones con Luciano Pavarotti y de su participación en la banda sonora de la película de Disney Mulan, Wonder inicia una gira mundial que culmina con la grabación de un doble disco recopilatorio grabado en directo y editado por Motown.

Década actual

Hubo que esperar diez años para una nueva publicación, que finalmente vio la luz en 2005 con el nombre de A Time to Love. El fallecimiento de personas cercanas y queridas para el artista como Syreeta Wright (su ex mujer y colaboradora en los años setenta), su madre Lula Mae Hardaway, su hermano Larry Hardaway, Ray Charles, Gerald Levert, Luther Vandross, significan un período triste para Stevie Wonder. Como nota positiva, Stevie recibe la notificación por parte de la Industry Association of America (RIAA) del certificado de 10 millones de unidades vendidas del mítico doble LP Songs in the Key of Life, siendo elegido dicho disco también para formar parte de Library of Congress (la Biblioteca del Congreso estadounidense).

La lista del 2003 de la revista Rolling Stone con los 500 discos más grandes de toda la historia incluyó cuatro de Stevie Wonder, además en el 2008 la misma revista le consideró uno de los diez mejores cantantes de todos los tiempos.

En 2006 grabó junto a Andrea Bocelli, Canciones desafinadas – Canzoni stonate. En 2007 realizó su primera gira en diez años por los Estados Unidos, que continúa al año siguiente por Europa, Canadá y Australia.

Durante la campaña presidencial estadounidense de las elecciones de 2008, Stevie manifestó su apoyo al candidato demócrata Barack Obama.

El 23 de febrero de 2009 recibió el Gershwin Prize otorgado por la librería del congreso de los EE.UU. por su contribución a la música y expansión de la cultura en general. En marzo de ese mismo año publicó su primer DVD oficial, su título Live at Last, con el contenido de su concierto celebrado en octubre del año anterior en Londres.

En la ceremonia de entrega de los premios Gammy's 2009 actuó junto a los Jonas Brothers, interpretando Burnin' up y Superstition.

Actualmente comparte su vida con la diseñadora de moda Kai Milla, que le ha dado dos hijos más, el último nacido en el 2005, el mismo dia de su cumpleaños. En total, Wonder es padre de diez hijos.

Entre sus futuros proyectos discográficos se cuentan The Gospel Inspired by Lula, un disco de gospel en homenaje a su madre fallecida en el 2006, y otro titulado Through the Eyes of Wonder.

Pagina: http://www.steviewonder.net/

Drive-By Truckers

Drive-By Truckers es una banda de rock/country alternativo (ellos mismos se definen como una bandad de psychobilly), de Athens, Georgia (Estados Unidos), aunque cuatro de sus cinco miembros son naturales de Alabama. Su música es muy característica debido al uso de tres guitarristas además del bajo y la batería. Sus letras a menudo tratan sobre vagabundos y criminales tratando de sobrevivir en ciudades económicamente deprimidas.

Historia

Drive-By Truckers fue cofundado por Patterson Hood (hijo del mítico bajista David Hood) y su viejo amigo Mike Cooley en Athens en el año 1996, procedentes de familias de tradición musical cercanas a los míticos estudios de grabación "FAME Recordings" ubicados en el area de Muscle Shoals de Alabama. Ambos habían tocado en once bandas con anterioridad a la formación de los "Truckers", comenzando en el mundo de la música profesional en un proyecto llamado "Adam´s House Cat, dónde grabaron tres álbumes todavía no realizados: "Town Burned Down", "Trains of Thought" y "Ep".

Hood y Cooley, acompañados de un grupo cambiante de músicos, lanzaron los dos primeros discos de los Drive-By Truckers: Ganstabilly (1998) y Pizza Deliverance (1999). Posteriormente se embarcaron en una gira por todo Estados Unidos que quedó reflejada en el disco en directo Alabama Ass-Whuppin' (2000). Antes de que la mayoría de los grupos sacasen partido de las posibilidades de Internet, Drive-By Truckers ya disponían de su propia página web entretenida e informativa lo que, acompañado de sus constantes giras, les proporcionó una gran base de fans tanto dentro como fuera de la red.

Después de tres años en la carretera decidieron emprender su proyecto más ambicioso, el disco Southern Rock Opera (2001), en el que habían empezado a trabajar entre gira y gira, y la grabación de "Pizza Deliverance". Se trata de un disco doble, que narra la trayectoria ascendente y posterior caída del grupo Lynyrd Skynyrd como metáfora de la debacle cultural del Sur de los Estados Unidos durante la década de los 70, y en el que muestran sus influencias musicales de la época y dónde aparece el referente a Neil Young, quien ha dejado marca en el sonido de la banda desde sus inicios.

Southern Rock Opera fue inicialmente lanzado por el propio sello de los Drive-By Truckers en septiembre de 2001, cosechando alabanzas de crítica y público. Para cubrir la nueva demanda causada, entre otras razones, por la favorable reseña (4 estrellas sobre 5) de la revista Rolling Stone, el disco fue relanzado por Mercury Records/Lost Highway Records en julio del año siguiente. Poco después, Drive-By Truckers fueron declarados Grupo del Año por la revista No Depression.

Antes de el grupo pudiese grabar una continuación de Southern Rock Opera se encontraron con la dificultad de haberse quedado con sólo dos guitarristas tras la marcha de Rob Malone. Para cubrir su lugar finalmente ficharon al guitarrista y compositor Jason Isbell, también natural de Alabama. A pesar de estar en la mitad de la veintena cuando se unió a los Drive-By Truckers, Isbell ha demostrado estar igualmente dotado para lo composición como Hood o Cooley.

Tras cambiar de compañía a New West Records, Drive-By Truckers pudo grabar por fin la continuación de Southern Rock Opera. El resultado fue Decoration Day (2003), que como su predecesor fue ampliamente aclamado. El álbum es un disco conceptual en el que los personajes de las canciones se enfrentan a duras decisiones como por ejemplo bodas, incesto, rupturas, venganzas, asesinatos o suicidios.

Después de varios años como productor y bajista de la banda, Earl Hicks deja Drive-By Truckers a finales de 2003. Fue reemplazado por la bajista de estudio Shonna Tucker, quien había colaborado anteriormente en el disco Decoration Day.

Un colaborador de la banda durante mucho tiempo, John Neff, ha colaborado en los álbumes de estudio y es también un habitual de las actuaciones en directo.

En el año 2004 lanzaron un nuevo disco, The Dirty South que, como Southern Rock Opera. explora la naturaleza oscura del Sur de los Estado Unidos.

A pesar de estar de gira casi sin descanso durante 2004 y 2005, los Drive-By Truckers consiguieron de alguna manera encontrar tiempo para grabar otro disco de estudio, A Blessing and a Curse, lanzado el 18 de abril de 2006. Este nuevo disco demostró la capacidad del grupo para adentrarse en nuevos territorios, y puede interpretarse como un intento de la banda para sacarse de encima la etiqueta de rock sureño atribuida al grupo por críticos, fans y detractores desde el lanzamiento de Southern Rock Opera. Este disco suena ya menos a Skynyrd, y recuerda más a grupos británicos de rock de principios de los 70 como The Rolling Stones o The Faces.

Pagina: http://www.drivebytruckers.com/

Boston

Boston es un grupo de Adult oriented rock de Estados Unidos formado en los años setenta y que es liderado por el virtuoso músico Tom Scholz.

Historia

El grupo Boston se crea a mediados de 1969 por el ingeniero del MIT Tom Scholz como guitarrista y principal compositor, además del vocalista Brad Delp, el guitarrista Barry Goudreau y el batería Jim Masdea. Tras unos inicios algo inciertos, en el cual grabaron varias demos, el batería Jim Masdea deja el grupo y es reemplazado por Sib Hashian, mientras que el bajista Fran Sheehan se incorpora a las filas del grupo. Es así como, en 1976, y gracias a las composiciones ingeniosas de Scholz, el grupo publica ese mismo año su primer álbum titulado simplemente "Boston", saltando de inmediato a los primeros puestos de las listas de éxitos con el clásico "More Than a Feeling" y con "Peace Of Mind". El trabajo de Scholz se puede ver, asimismo, en la enigmática "Hitch a Ride", una de las piezas más completas del disco. La voz de Delp es, además, un total acierto y se nota cierta innovación en el sonido del grupo en comparación de otras bandas de la época.

Para 1978, el grupo lanza su segundo álbum titulado "Don't Look Back", el cual es de notable menor calidad que su antecesor y no deja muy satisfecho a Scholz, que acusa a la compañía discográfica de haberlo presionado para publicar este material; a pesar de esto, el disco alcanza ventas que le llevan al disco de platino y la canción que da título al disco se convierte en un éxito comercial. Tras ello, comienza un litigio legal entre la compañía y el grupo, que durará años, y que retrasará el siguiente álbum de Boston durante ocho años. El guitarrista Gary Phil sustituye a Guodreau y Fran Sheehan deja también al grupo. Scholz financia sus grabaciones vendiendo equipo, debido al asunto entre CBS y Boston. En 1982 el batería Sib Hashian deja al grupo.

En 1986 se lanza, por fin, "Third Stage" y la canción "Amanda" llega inmediatamente a las listas de popularidad; esta canción es de un sonido muy distinto a las anteriores, una balada muy de los años ochenta acertada por Scholz y la gran voz de Delp. El álbum alcanza disco de platino. Delp deja Boston en 1990 y es sustituido por Fran Cosmo.

El siguiente álbum de Boston no aparece hasta 1994; titulado "Walk On", retoma ciertos sonidos de Hard Rock de los inicios del grupo. Los arreglos de la canción que titula al disco (dividida en tres segmentos) son considerados excesivos por algunos, pero la canción es una de las mejores piezas compuestas y arregladas por el ingenioso Scholz. Delp regresa al grupo ese mismo año.

El siguiente trabajo del grupo es "Corporate America" lanzado en 2002, ya con algunas tendencias pop y otras buenas canciones. Es de resaltar la participación de Fran Cosmo y su hijo Anthony, además de que entra Kimberley Dahme en el bajo y en algunos arreglos vocales. Jeff Neal (batería) completa una la extensa alineación de este álbum.

Fran Cosmo y su hijo dejaron al grupo a principios de 2006 para formar su propia banda, dejando en ese momento a Brad Delp como única voz del grupo. Se especuló sobre una posible reunión con Barry Goudreau durante este periodo.

Una de las aportaciones de Tom Scholz es la tecnología "Rockman", que fue utilizada por Def Leppard en su álbum "Hysteria".

El 9 de marzo de 2007, una de las mejores voces en la historia del rock, Brad Delp, se suicidó inhalando monóxido de carbono. Fue hallado en su casa muerto en el baño con su cabeza encima de una almohada con una nota pegada en el cuello de su camisa con un clip que decía: "soy un alma solitaria". Pruebas de toxicología mostraron que se envenenó respirando monóxido de carbono y también hallaron otra nota en la puerta de su casa diciendo: "Cuando encuentren esta nota, ya estaré muerto, o si no, mi plan B es asfixiarme en mi coche".

El sustituto de Brad Delp fue nada menos que el cantante del grupo de Rock Cristiano Stryper, Michael Sweet, quien participó en el último Tour de Boston.

Después de que Brad Delp nos dejara el pasado 9 de marzo de 2007. La "banda" tiene nuevo cantante, Tommy DeCarlo. El nuevo cantante, fue descubierto por casualidad por la mujer de Scholz cantando Karaoke con una canción de Boston por YouTube.

Se ha rumorado que Boston lanzará un nuevo disco en 2009.

Pagina: http://www.bandboston.com/

Fats Domino

Antoine Dominique Domino (Nueva Orleans, Luisiana, 26 de febrero de 1928), mejor conocido como Fats Domino, es un cantante, compositor y pianista clásico del R&B y rock and roll afroamericano de los Estados Unidos. Durante los años 1950 y comienzo de los 60 fue el cantante de color que más discos vendió. Domino es también un pianista individualista con influencias del estilo boogie-woogie. Su éxito sirvió de impulso para los artistas de Nueva Orleans, llegando a influir en lugares tan insospechados como Jamaica (el ska jamaicano posee influencias de su música). La personalidad afable de Domino y su rico acento se suman a su encanto natural.

Biografía: Comienzos

Antoine nació en el seno de una familia numerosa con varios miembros músicos. Su padre era violinista y su tío Harry actuó como trompetista de jazz en las orquestas de Oscar Celestin y Kid Ory. A la edad de 6 años aprendió a tocar el piano y más tarde empezaría con actuaciones en público acompañado de Billy Diamond, un bajista que le bautizaría como Fats (Grasas).

En estos primeros años alternaba la música con diferentes trabajos. Fue vendedor de helados y más tarde trabajó en una fábrica de somieres. En esta empresa sufrió un importante accidente laboral al caérsele encima una pila de somieres. Como resultado se le lastimaron las manos hasta tal punto que los médicos le comunicaron que no podría volver a tocar más el piano. Domino no se resignó a ello y, tras una larga lucha para su rehabilitación, consiguió regresar nuevamente a los escenarios.

Carrera

Fue descubierto en 1948 en el Hideway Club por Lew Chudd de Imperial Records cuando cobraba tres dólares por semana. Su verdadera carrera comenzó en 1949 con el tema "The Fat Man", que compuso junto con Dave Bartholomew, a quien conoció en la Imperial, y que es considerado por algunos como la primera grabación de un rock and roll. La grabación, basada en el tema "Junker's Blues" de Champion Jack Dupree, fue un enorme éxito, vendiendo alrededor de un millón de copias y llegando al segundo puesto en la lista de Billboard R&B Charts. Hasta nuestras fechas (2006), Domino ha vendido más de 110 millones de discos.

Después de esta afortunada grabación, Domino lanzó una serie de nuevos éxitos con el productor y el co-escritor Dave Bartholomew, el saxofonista Alvin "Red" Tyler y el batería Earl Palmer. Otros músicos notables y de muchos años en la banda de Domino eran saxofonistas: Reggie Houston, Lee Allen y Fred Kemp quién era también el líder responsable de la mencionada banda. Domino finalmente atravesó la corriente principal del pop con "Ain't That a Shame" (1955) que fue un éxito en los Top Ten, aunque Pat Boone llegaría al número 1 con una versión de esta canción.

Su primer álbum, Carry on Rockin', lo lanzó en noviembre de 1956 bajo el sello de Imperial, para ser posteriormente reeditado como Rock and Rollin' with Fats Domino al año siguiente. Domino lanzó una serie sin precedente de 35 sencillos que entrarían en los Top 40, incluyendo "Whole Lotta Loving", "Blue Monday" y una versión funky de la vieja balada "Blueberry Hill".

Después de que se trasladara a la ABC-Paramount en 1963, la brillante carrera de grabaciones tocó fondo aunque Domino siguió actuando en conciertos en vivo. Aunque permaneció en activo durante décadas, Domino sólo conseguiría un nuevo éxito en 1968, una versión de "Lady Madonna" de los Beatles, escrita originalmente por John Lennon y Paul McCartney emulando el estilo de Domino.

En los años 1980, Domino decidía no abandonar más a Nueva Orleans. Tenía una cómoda renta de sus derechos de autor y además estaba su aversión para viajar y su idea de que comida como la de su tierra no la había en ninguna parte. Como artista afamado, su inclusión en el Rock and Roll Hall of Fame y una invitación a la Casa Blanca no podría ser una excepción. Domino vive en una mansión rodeado de una vecindad de clase obrera en Lower 9th Ward, donde se le puede ver con su Cadillac de color rosa brillante. Realiza apariciones anuales en el New Orleans Jazz & Heritage Festival y otros acontecimientos locales, demostrando en todo momento que su talento no ha disminuido.

Su carrera discográfica es envidiable: Lleva vendidos cerca de 70 millones de discos con más de 90 sencillos y más de 25 elepés grabados, habiendo obtenido 21 discos de oro.

Cuando el huracán Katrina se acercaba a Nueva Orleans en agosto de 2005, Domino decidió permanecer en el estado con su familia, debido a la precaria salud de su esposa. Su casa, estaba situada en el distrito de Lower 9th Ward de Nueva Orleans, una zona que sufrió una gran inundación. El 1 de septiembre, su agente Al Embry comunicó que no había oído a Dominó desde que comenzaron los efectos del huracán. Más tarde, en ese mismo día, la CNN divulgaba que había sido rescatado en helicóptero por el servicio de guardacostas. Su hija, la cantante de gospel Karen Domino White, lo identificaba por una foto mostrada en la CNN. La famila Domino había sido trasladada al refugio de Baton Rouge. El Washington Post divulgó que el viernes, 2 de septiembre, los Domino en un apartamento, regresando a su hogar el 15 de octubre. Parece ser que su casa fue saqueada durante la ausencia: de sus 21 discos de oro, solamente quedaban tres.

Negocios

Su carrera ha sido producida y dirigida desde los años 1980 por el productor de música y medios audiovisuales Roberto G. Vernon. Desde entonces, las ganancias de Domino se han incrementado en un 500%.

Desde 1995, Vernon y Domino han sido socios (con otras muchas compañías, como por ejemplo la Dick Clark Productions) en la Bobkat Music Trust. Bobkat Music es un grupo de espectáculos que dirige las carreras de distintos artistas, algunos ya fallecidos, como el propio Fats Domino, Elvis Presley, Paul Shaffer, Jerry Lee Lewis o Randy Pringle entre otros. Bobkat Music es el distribuidor oficial de los derechos de grabación de "Fats Domino and Friends".

Anécdotas

El nombre artístico del cantante Chubby Checker es un juego de palabras con la forma de vestir, el apellido y el físico de Fats Domino (chubby significa rechoncho y checker juego de damas). Otro juego de palabras es el nombre del conjunto alemán de música gospel Fetz Domino, en el que se mezcla el alemán y el Latín

En los años 70, en la popular sitcom "Happy Days" (Los días felices), escrita en los años 50, el protagonista Richie Cunningham, representado por Ron Howard, cantaba a menudo "I found my thrill..." ("encontré mi emoción..." la primera estrofa de "Blueberry Hill") en referencia a las chicas bonitas que había conquistado o deseaba conquistar.

En el año 2005 fue una de las víctimas del huracán Kathrina. Aunque no murió, le toco desplazarse de la ciudad que tanto quería: Nueva Orleans.

Pagina: http://www.fatsonline.nl/

Dokken

Dokken fue una de las bandas estadounidenses de hard rock/heavy metal más exitosas de la década de los años 1980, que combinando la voz característica de Don Dokken y la energética y virtuosa guitarra de George Lynch, supieron crear canciones con intensos riffs como "Kiss Of Death" y "Power", baladas como “Alone Again”, que convirtieron a los discos del grupo en los más vendidos del estilo. LP's como el "Tooth and Nail" y "Under Lock and Key" aún son considerados clásicos y aparecieron en el momento preciso; el auge del Heavy era enorme y sus primeros videos promocionales contaron con todo el apoyo de MTV.

Historia

Inicios

La historia de Dokken comienza a finales de los 70's, cuando el guitarrista George Lynch y el baterista Mick Brown se juntaron con Don Dokken como vocalista y Jim Monanteras como bajista temporal para formar Xciter y grabar Back in the Streets con Carerre Records. En 1978 Juan Croucier remplazó a Jim Monanteras en el bajo, el mismo año que la banda publicaba los singles: "Hard Rock Woman" y "Paris is Burning". En 1981 Don parte a Alemania y cambia el nombre del grupo a Dokken, entonces graban su primer álbum llamado "Breaking The Chains" en 1982. El disco se hace bastante popular en Europa, pero no así en Estados Unidos.

Después de un tour por Alemania, en el que lograron una gran amistad con la banda local Scorpions, consiguen un contrato con Elektra Records, que re-editó "Breaking the Chains" en 1983, y Jeff Pilson se integra como el primer bajista oficial sustituyendo a Juan Croucier que dejó la banda en 1982 para unirse a Ratt.

Reconocimiento

1984 fue el año en el que debutó realmente Dokken, pues se publicó el 13 de Septiembre el álbum "Tooth And Nail", que se convierte en un suceso con los singles “Into The Fire”, “Just Got Lucky” y la ya mencionada “Alone Again”, vendiendo más de un millón de copias sólo en Estados Unidos y alcanzando el puesto #49 en las listas de éxitos. Después de salir de gira con Scorpions, en 1985 graban el Lp "Under Lock And Key", publicado el 9 de Noviembre, que logra un éxito similar al del disco anterior con temas como “In My Dreams” (#24), "The Hunter" (#25) e “It's Not Love”.

Después de una exitosa gira una vez más con Scorpions en 1986, vuelven al estudio para grabar Dream Warriors, un tema elaborado para la banda sonora de "Pesadilla en Elm Street 3: Los Guerreros del Sueño". La canción más tarde se publicó como un single de su disco Back for Attack el 10 de Febrero de 1987 y con un videoclip con los actores de la película que posiblemente fue su video más conocido. Además el escultor Steve Fiorilla realizó una guitarra con forma de esqueleto para esta realización. Hubo un período de casi medio año antes de volver al estudio para grabar "Back For The Attack", el cual vio la luz el 27 de Noviembre de 1987, y se convirtió en poco tiempo en su tercer Disco de Platino, con temas como "Burning Like a Flame" (#20) y "Heaven Sent".

Conflictos internos

Dokken se pasó una temporada haciendo gigantescas presentaciones junto a Van Halen en el marco del US Monsters Of Rock. El álbum siguiente fue la compilación en vivo, "Beast From The East", publicada el 16 de Noviembre de 1988. De este álbum salió el sencillo "Walk Away". Así mismo, este fue el último material que realizaron juntos antes de que rompieran relaciones Don Dokken y George Lynch por diferencias musicales. Lynch quería poder en el grupo, lo cual llegó al punto de convertirse en una situación insoportable. Incluso, Lynch argumentó en algún momento que no quería participar en una banda que tuviese el apellido del vocalista y que esto lo hacía sentirse desplazado. El guitarrista renunció a la banda y se fue junto con Mick "Wild" Brown para formar Lynch Mob y grabar así dos álbumes: Wicked Sensation en 1990 y Lynch Mob 1992.

Luego de disolverse, Don Dokken también comienza su carrera como solista, editando con una super banda el álbum "Up From The Ashes" en 1990. Jeff Pilson dirigió la banda War and Peace.

Reunión

La banda se reunió en 1993, pero no llegaron a publicar un nuevo trabajo hasta 1995 donde gracias a la magia del famoso John Kalodner firmaron con Columbia Records para publicar "Dysfunctional", que no logró tener mucha repercusión y a la larga se entendería casi como un disco solista de Don Dokken. Al año siguiente con CMC Records graban el disco acústico en vivo "One Live Night" y en 1997, el larga duración en estudio "Shadowlife", (ahora era el turno de plasmar todas las ideas solistas de George Lynch) que tampoco encuentra una respuesta positiva en el público.

En 1998, George Lynch se va de la banda por segunda vez, tras un violento altercado con Don Dokken, para reunirse con Lynch Mob, y es reemplazado por el guitarrista Reb Beach de la banda Winger, otro virtuoso. En 1999 sale al mercado "Erase The Slate", que lentamente se ha convertido en un disco más y más requerido por los fans. Al poco tiempo la banda lanzó "Live From The Sun" en 2000, que captura el sonido en vivo en el Sun Theater de Anaheim (California), y que muestra las capacidades técnicas del nuevo integrante Reb Beach. En 2001, Beach fue reemplazado por John Norum (Ex-Guitarrista de Europe), y Jeff Pilson fue sustituido por el bajista Barry Sparks. En 2002 se publicó el álbum Long Way Home. Ese mismo año fueron protagonistas en el Metal Edge Rockfest 2002.

En 2004, John Norum dejó la banda para volver con Europe y fue reemplazado por Jon Levin (Ex-guitarrista de Doro en Force Majeure), y publicaron entonces su álbum Hell to Pay.

Dokken mostró un sólido rendimiento en la gira "Power to the People", junto a Poison, Cinderella y Slaughter; y a diferencia de las anteriores bandas, se nota la política del grupo de no querer vivir de la nostalgia y seguir produciendo Hard Rock Melódico con elaboradas armonías vocales. Aún así, los directos los siguen basando en sus grandes clásicos de los 80, añadiendo alguna canción del nuevo disco que en ese momento estén promocionando. El tema "Too high to fly" suele ir en la mitad de los conciertos y se alarga más de 10 minutos, haciendo, en algunas ocasiones, que la gente desconecte del mismo. A la mayoría de los fans les gustaría que esta canción la dejaran a un lado y tocasen en su lugar algunas canciones de sus tranbajos más recientes o canciones que casi nunca han tocado en directo como "Prisoner", "Heartles heart" o "Cry of the Gypsy". Actualmente la banda realiza alguna gira con bandas del que reflejan el estilo de los 80's como Great White,y acaba de publicar el pasado 13 de Mayo de 2007 un concierto en directo de 1981, llamado "From Conception". Además están trabajando en nuevas canciones que se convertirán en su décimo disco en estudio, posiblemente se llamará "Lighting Strikes Again" debido a una continuidad en su álbum "Under Lock and Key".

Su último álbum confirma el título de "Lighting Strikes Again" y ha salido a la venta en el segundo trimestre de 2008.

Pagina: http://www.dokken.net/

Brian May

Brian Harold May CBE nació el 19 de julio de 1947 en Hampton, Richmond upon Thames, una pequeña ciudad al suroeste de Londres. Es conocido mundialmente por haber sido guitarrista, vocalista y tecladista ocasional de la exitosa banda británica Queen.

Es considerado uno de los guitarristas más grandes de la historia. Compuso muchos de los grandes éxitos de Queen, y utiliza una guitarra eléctrica hecha por él mismo, llamada Red Special. En abril de 2007, fue electo rector honorífico de la Universidad John Moores.

Influenciado por:Jimi Hendrix,Jimmy Page,Jeff Beck,The Shadows,The Ventures,Eric Clapton Influenció a: Eddie Van Halen, Joe Satriani, Slash,Richie Sambora,C.C. DeVille,Mick Mars, John Petrucci, Chris Impelliteri,George Lynch,Jake E Lee, Steve Vai, Kirk Hammett, Nuno Bettencourt,Phil Campbell,Phil Collen,Reb Beach, Dave Murray , Adrian Smith,Glenn Tipton,Alex Skolnick,Jeffrey Dunn,Scott Ian,Kerry King, Thom Yorke,Chris Poland, Marty Friedman,Yngwie J. Malmsteen, Paul Gilbert,Michael Angelo Batio,Jason Becker.

Queen

Antes de formar la exitosísima banda Queen, Brian y Roger Taylor tocaban en una banda llamada Smile. Freddie Mercury había llegado a Londres, y junto a John Deacon (quien se unió más tarde), formarían una de las mejores bandas de la historia del Rock.

El sonido característico de la Red Special, la guitarra eléctrica que May armó a los 16 años con ayuda de su padre, es único y dotado de gran cuerpo y feedback. Impulsor de la "guitarra-orquestación", llamada así por el uso de varias guitarras que se escuchaban simultáneamente e imitando diferentes voces logrando así frases contrapuntísticas en toda la extensión musical. Ésta fue reverenciada por su bella complejidad armónica con la que lograba crear atmósferas y líneas melódicas llenando cada rincón de su música sin necesidad de sintetizadores, hasta "The Game", en 1980, y la cual se deja ver principalmente en los primeros discos de Queen tal como "A Night at the Opera", en 1975.

Junto a Freddie Mercury, ha formado uno de los mejores duetos de la historia del Rock And Roll siendo parte de Queen, tal como Jimmy Page y Robert Plant de Led Zeppelin, David Lee Roth y Eddie Van Halen de Van Halen o Bon Scott y Angus Young de AC/DC.

Sus solos de guitarra y riffs históricos estaban dotados de armonía, lo que Freddie hacía con la voz se puede decir que Brian lo hacía con su "Red Special", mencionada arriba. Sus mejores solos y riffs de guitarra son: The Invisible Man, I Want It All, Bohemian Rhapsody, Innuendo, Hammer To Fall, Princes Of The Universe, We Will Rock You, Was It All Worth It, Headlong, We Are The Champions, Tear It Up, Stone Cold Crazy, Killer Queen,It's a Hard Life, etc.

May es conocido por rasguear las cuerdas con una moneda británica de seis peniques. Según él, con ella logra un sonido mucho más metálico y con más cuerpo. Muchos éxitos de Queen fueron compuestos por él (We Will Rock You, I Want It All, Save Me, Who Wants To Live Forever, Tie Your Mother Down, Hammer to Fall, White Queen (As It Began), The Show Must Go On, Now I'm Here, o No One But You (Only the Good Die Young) entre otros).

Carrera solista

Ha hecho cuatro álbumes en solitario: Star Fleet Project (Mini LP) en 1983 donde colaboró, entre otros, Eddie Van Halen, Back To The Light en 1992, de gran éxito a nivel europeo que lo llevó a una gira mundial, Live At The Brixton Academy en 1994 y Another World en 1998, ilustrando dicho álbum con fotos tomadas en la isla de El Hierro (Canarias). En 1986, colaboró con el cantante español Ramoncín en la canción "Como un susurro". En 2007 colaboró con un nuevo solo de guitarra en una versión de Too much love will kill you en el álbum Constante Contradicción, primero del grupo madrileño Momo (liderado por Jose Luis Cortés "Momo" protagonista del musical producido por Queen: We Will Rock You, en su versión española).

Doctorado

Se licenció en Física y Astronomía en el Imperial College de Londres en 1968 y pocos meses antes pasó un tiempo en la isla de Tenerife (Canarias) estudiando distintos fenómenos astronómicos desde Izaña en las Cañadas del Teide, escribió en equipo dos trabajos sobre sus investigaciones y resultados, que se publicaron en Monthly Notices of the Royal Astronomic Society. Tras graduarse comenzó a trabajar en su tesis.

En el año 2006, tras varios años alejado de los escenarios decidió culminar su doctorado en astrofísica y el 23 de agosto de 2007 aprobó el examen de doctorado en el Imperial College con su tesis titulada "Radial velocities in the zodiacal dust cloud" (Velocidad radial en la nube de polvo zodiacal), grado que le fue otorgado oficialmente en mayo de 2008. El 19 de julio de 2007 fue nombrado Rector honorífico de la Universidad John Moores (LJMU) de Liverpool.

Red Special

La historia de ésta guitarra comenzó en 1963, cuando Brian May, con tan sólo 16 años, se dio cuenta que con su guitarra acústica no podía interpretar las canciones que escuchaba en la radio y trataba de emular. Así que decidió cambiar su guitarra acústica por una eléctrica, pero en esa época el joven Brian no disponía del dinero para comprarse las caras Gibson Les Paul Dorada, Fender Stratocaster, que había en el mercado. Así que con la ayuda de su padre, Harold May (Ingeniero electrónico), decidió embarcarse en un difícil proyecto: fabricarse su propia guitarra, trabajo que comenzó en agosto del ´63 en un dormitorio de su casa convertido en taller. Para la elección del material, Brian tuvo que buscar minuciosamente. Por ejemplo, para el mástil utilizaron la madera de una chimenea que un amigo de la familia iba a tirar. La madera era pura caoba, pero estaba vieja y algo apolillada, pero Brian logró darle forma a mano. Lo más impresionante es que la primera que el hizo con ayuda de su padre es la que actualmente tiene (fue el primer estilo)

Brian continuó buscando el sonido que él perseguía. Tras muchos experimentos, descubrió que tocando con una moneda de seis peniques como púa conseguía un sonido puro y limpio. Y usando esa moneda es como Brian ha tocado en todos los discos y todos los recitales de Queen, convirtiendo su guitarra en legendaria y a él en uno de los mejores guitarristas del mundo y de la historia.

Equipamiento

Además de la Red Special también usó una Burns Double Six (en Long Away), una Gibson Les Paul (de repuesto), una Gibson Flying V (para el Hot Space Tour), una Fender Telecaster (Crazy Little Thing Called Love), Stratocaster (para Play The Game), una IbanezJS (para Nothing But Blue), una Greco BM90 (para una promo), una acústica Tokai (en algunas grabaciones), una Parker Fly (Mother Love) y una Jackson Randy Rhoads en el video de Princes of the Universe.

También ha utilizado una Ovation y una Guild acústicas, las cuales utilizó también en vivo. Además, ha hecho uso varias veces de réplicas de su Red Special original (vídeo de We Will Rock You), fabricadas por Burns.

Actualidad

Al día de hoy, Brian se encuentra trabajando en el proyecto post-Queen, Queen + Paul Rodgers, que ha juntado a May y Taylor con Paul Rodgers, ex cantante de Free y Bad Company. Con esta banda realizaron un exitoso tour llamado The Return of The Champions (El regreso de los campeones) en el año 2005.

El 15 de septiembre de 2008, salió a la venta el primer disco de estudio de Queen+PR, titulado The Cosmos Rocks, y es el segundo bajo el nombre de Queen desde la muerte de Freddie Mercury, después de Made in Heaven. El álbum contiene catorce canciones nuevas, incluyendo el exitoso single Say It's Not True y el nuevo corte C-Lebrity.

A fines de 2008 finalizó el Tour Mundial The Cosmos Rocks, que los llevó por Europa, Asia, América del norte, y fue motivo del retorno de May y Taylor a tocar en escenarios de Sudamérica.

Pagina: http://www.brianmay.com/

Insulina Rock

Insulina Rock nace, en principio ( año 1995 ), con una estructura de banda clásica de rock ( guitarra, bajo, batería y voz ) inclinada en conceptos influenciados por diferentes estilos del rock nacional de aquellos años.

Con el correr del tiempo, en la búsqueda de su identidad, comienzan a surgir los primeros temas, iniciando así su concepto musical, su estilo particular.

De la riqueza poética y compromiso de sus letras, a la diversidad musical en su genero, sobre las bases de un rock temperamental; se define su perfil.

La idea de una formación se va plasmada al conjugar la misma pasión por la música entre varios compañeros de curso.

En un principio fue variando el nombre que identifica al grupo hasta decantar en Insulina Rock.

Se trataba, en esos tiempos, de una estructura instrumental clásica de rock (guitarra, bajo, batería y voz); inclinada en conceptos influenciados por diferentes estilos del rock nacional que sonaban por aquellos años.

Comenzaban a surgir los temas y el concepto musical; y con ellos el estilo particular del grupo.

De aquellos comienzos marcamos temas como ESTOY CANSADO y MALVINAS como muestras de un acercamiento a la identidad propia.

Así, dentro del marco escolar, se desarrollaron las primeras apariciones en vivo, tocando para ese ámbito.

Luego, se dieron cita los recitales en bares y/o pubs en diferentes puntos de la ciudad de Rosario; a lo que más tarde llegarían las presentaciones en ciudades como San Lorenzo, Granadero Baigorria, Funes, Roldan y Villa Gobernador Gálvez.

Con el transcurso de los años fue variando la formación con cambio de músicos y adoptando nuevos estilos musicales.

La consolidación del grupo se establece a partir del año 1998 con la Grabación de un Demo en Salas de Ensayos, del cual surgieron los temas más relevantes y un ordenamiento a nivel formación.

Para año 1999 Insulina Rock, junto con otras bandas de la ciudad, participa del Compilado de las bandas más sobresalientes de la ciudad de Rosario de ese año. Disco denominado “Tour de Fin de Siglo”, el cual hoy en día se puede conseguir en cualquier cadena de disquerias de la Zona.

Un evento relevante para ese año fue la participación en el Programa “De 12 a 14” (Noticiero de Canal 3 de Rosario) (el programa más visto de televisión abierta de la región). En vivo desde el balneario “La Florida” presentando el tema incluido en el compilado: CANCION PARA UN MUNDO LOCO.

Y como era de esperarse, la madurez que reflejaban estas presentaciones en vivo, sumado a la incorporación de nuevos conceptos dieron como resultado un numero importante de temas, material que a futuro decantaría en la primera producción discográfica.

Siguiendo con la experiencia relacionada a medios, INSULINA participo de Rock al Máximo. Programa de cable en el cual promocionaban bandas locales y de ciudades vecinas. Filmaciones de recitales en vivo en diferentes encuentros, eventos que afirmaron aun más la difusión del grupo.

Lo mejor del año 2000 fue la asistencia en el denominado Jueves en Banda. Festival organizado por la Secretaría de Cultura de Rosario; en el cual, además de seguir marcando un paso maduro, se establecen relaciones con otras bandas en el circuito de la ciudad de Rosario.

Para el año 2001 consolida su formación estableciendo la idea de grupo, la cual se conserva hasta la actualidad:

Luego de una notoria difusión a nivel local- regional llegaría el turno de probar suerte en otros lugares.

Fue así que por intermedio de Marcelo “Tommy” Moya (Coordinador de V8, Horcas, Hermética, Almafuerte), el grupo participo de una serie de Festivales de Rock en Capital Federal. Con la fortuna de repetir estas apariciones en varias oportunidades.

Para el año 2002 se volvió a llevar a cabo la Grabación de 2 Demos, los cuales fueron la antesala del PRIMER DISCO.

A nivel circuito local, las presentaciones del grupo eran frecuentes en pubs como GARCIA, etc.y las primeras incursiones en vivo en Boliches.

A nivel medios, la FM Red TL 105. Emisora de Rock donde hasta el día de hoy difunden nuestro material discográfico; así como también programas de Rock de LT3 en Rosario; FM Milenium de F.L. Beltran; FM Horizonte de San Lorenzo, etc.

El año 2003 marca un punto de inflexión para la banda. La Grabación de la primera producción discográfica denominada “Con el Rock Curo”.

Disco grabado, mezclado y masterizado entre los meses de Julio y Septiembre de ese año, le da forma al concepto de la banda.

Con temas como Erratica Luna, Nobleza Obliga y Faraón donde se acentúa la calidad poética en las letras, pasando por Ancianalgia y Malvinas, hasta Canción para un Mundo Loco, quizás el tema que más satisfacciones les trajo a la banda, “Con el Rock Curo” es esencialmente la marca registrada de INSULINA.

La creación de este disco no solo fue un objetivo cumplido, sino también la carta de presentación de un estilo autentico.

De mas esta decir que todos lo temas del disco fueron registrados según lo estipulado por SADAIC.

Durante el año 2004 continúan las apariciones en el circuito local y de Capital Federal; se continúan componiendo nuevos temas, sé reversionan otros.

En el 2005 la banda apuesta a algo sumamente relevante. La Filmación del Primer Video Clip. El Tema: “Canción Para un Mundo Loco”.

Recientemente galardonado con la MENCIÓN ESPECIAL en el FESTIVAL NACIONAL DE ESCUELAS DE CINE Y MEDIOS “PROMETEO 2005”, llevado a cabo el pasado 18, 19 y 20 de Noviembre.

En la actualidad, Insulina Rock sigue presentándose en vivo en los distintos bares de la ciudad de Rosario y alrededores, se están componiendo nuevos temas que se suman a su basto repertorio, y fundamentalmente se mantiene intacta la pasión y la convicción por lo que se hace. Buena Música...

Formación:

Juan Pablo Martín (Pipón) – Bajo
Juan Manuel Sesan (Teti) – 1° Guitarra y voces
Marcos Martinelli (Paque) – Batería
David ( El Loco ) Gimeno – Voz
Javier Correa (El Pibe) – 2° Guitarra y voces

Pagina: http://www.insulinarock.com.ar/

Gorillaz

Gorillaz es un grupo virtual formado por el cantante Damon Albarn, y Jamie Hewlett, dibujante inglés creador de cómics como Tank Girl y Los Freebies, y otros artistas que han colaborado en sus proyectos. El grupo, en su formato virtual, esta compuesto por 2D, Murdoc Niccals, Noodle, Russel Hobbs y la eventual aparición de Del, el fantasma del mejor amigo de Russel Hobbs que vive en su cuerpo, y producido por Dan "the Automator" Nakamura el mismo lúcido productor de Lovage, proyecto trip hop en el que participa Mike Patton.

Su primer álbum, “Gorillaz” (2001), vendió más de 6 millones de copias en todo el mundo y les valió una entrada en el libro Guinnes de los récords como la banda virtual más exitosa.[1] Su segundo álbum de estudio “Demon Days” fue lanzado en el 2005.

Historia

Otros proyectos

En 2008 se lanzo el documental Bananaz, siendo bien recibido en los festivales de peliculas.

En Noviembre del 2008, se confirma un Tercer Album de Gorillaz, que saldra a finales del 2009, e incluiria una opera como Monkey, Journey to the West. En Febrero del 2009 se publican demos del futuro disco, y Jamie afirma que dará una nueva perspectiva a todos los personajes.

Miembros de la banda

- Stuart Tusspot (2D) - (nacido el 23 de mayo de 1978 (entró con 23 años ahora tiene 31 años) en Crawley, Reino Unido) - vocalista, teclado. Como anteriormente mencionado, es ciego de ambos ojos, causado por "Murdoc"; es el más guapo de los integrantes, posee una cabellera envidiable la cual cuida con especial atención. Aunque es ciego puede ver perfectamente, lamentablemente se le puede describir como un tipo sin mucho cerebro; es de caracter amable e ingenuo y no duda en ayudar a quien lo necesita. Le fascinan los zombies, los asesinos y el graffitti. Es un excelente teclista y productor (tiene una obsesión con el teclado) y tiene una voz angelical lo que le da mucho éxito con las mujeres (incluso con Noodle). En un principio es odiado por Murdoc (al que irónicamente admira), pero cada vez se irán llevando mejor. Sufre de migraña. Sus influencias son Phill Oakey y Lucio Fulci.
- Murdoc Niccals - (nacido el 6 de junio de 1966 (entró con 34 años ahora tiene 43 años) en Stoke-on-Trent Inglaterra, Reino Unido) - bajo. Aunque su aspecto es bastante rudo y sombrío, es un tipo agradable y hablador, le encanta ser el centro de atención. Aun así es sádico, agresivo, malvado, completamente macabro y casi nunca admite cuando se equivoca. Aunque es de Inglaterra, sus familiares son Mexicanos. Su dios único: Satanás (se considera el Anticristo). Su hobby: torturar gatos. Está negado a cualquier actividad ligada a la higiene personal. Es adicto al tabaco. Ama el peligro y le gusta ir a altas velocidades. Desde un principio su único interés fue el dinero, pero en realidad aprecia a su banda. Odia a 2D al cual considera homosexual y siempre molesta o tortura. También odia que la gente piense que 2D es el líder. Sus influencias son Black Sabbath, Dub, J Andrew Anderson y Dennis Willson.
- Russell Hobbs - (nacido el 3 de junio de 1975 (entró con 25 años ahora tiene 34 años) en Nueva York, Estados Unidos) - batería, instrumentos de percusión. Es el más diplomático, educado, amable y culto de los Gorillaz. Se le considera el alma de la banda, por ser el más centrado y tranquilo. Se dice que sin él los Gorillaz no podrían sobrevivir. Russel es también quien le da el toque de hip hop a las composiciones. Ama la comida y es el gordinflón de la banda. No le agrada que Murdoc abuse de los demás, es un experto baterista y un gran amigo pero de carácter muy fuerte cuando se necesita. Tiene un cerdo como mascota y muy buena relación con Noodle, y no odia a 2D como algunos creen. Sus influencias son Frrakhan, Chaka Khan, Tupac Shakur.
- Noodle - (nacida el 31 de octubre de 1990 (entró con 10 años ahora tiene 18 años) en Osaka, Japón) - guitarra eléctrica, vocalista. Es la guitarrista y única representante del sexo femenino en el grupo. Es una niña muy precoz y especialista en artes marciales. Le encanta Pokemon, escuchar la radio, bailar en su habitación con la música a todo volumen, el J-Pop, los cascos y los gorros. Después del primer álbum de Gorillaz ella se vuelve la mente maestra de la banda. Tiene un mono llamado Mike como mascota y es la mejor amiga de Russel. Odia que invadan su cuarto, a excepción de 2D, pues está muy enamorada de él, y Murdoc no la soporta. Sus influencias son Loa Zi y Richie Zambora.

Miembros adicionales

- Del - vocalista: Una descripción fantasmal de Del Tha Funkee Homosapien y el fantasma azul que aparece en canciones como "Clint Eastwood", "Rock the House, y en los Gorillaz Bites de "Jump The Gut". Fue separado de Russel en el 2003 con un año posterior de recuperación.

- Paula Cracker - guitarra eléctrica: Ex-novia de 2D y ex-integrante de la banda (es la guitarrista original de Gorillaz). Se dice que está internada en un manicomio donde planea vengarse de Noodle, la niña que le arrebató el puesto en la banda.

Artistas detrás de la banda virtual

Gorillaz fue creado por Damon Albarn —cantante de Blur—, Jamie Hewlett —dibujante inglés creador de Tank Girl— y el productor Dan “The Automator” Nakamura. Damon Albarn da voz a 2D, mientras que el resto de voces pertenecen a muchos otros artistas que colaboran con la banda; los más importantes de los cuales son: Miho Hatori (de Cibo Matto), Tina Weymouth y Chriz Frantz (de Talking Heads), Kid Koala (de Coldcut), Ibrahim Ferrer (integrante del Buenavista Social Club).

- Personas reales detrás de Noodle:

- Miho Hatori, Tina Weymouth y Rosie Wilson (vocalistas)

- Haruka Kuroda (actriz que da su voz en las entrevistas)

- Simon Katz, Simon Tong y Damon Albarn (instrumental, guitarra)

- Personas reales detrás de 2D:

- Damon Albarn (instrumental y vocalista)

- Nelson De Freitas (da su voz en las entrevistas)

- Personas reales detrás de Murdoc:

- Phil Cornwell

- Jamie Hewlett (ocasionalmente)

- Personas reales detrás de Russel:

- Remi Kabaka.

Estilo musical y evolución

Definida como Dark Pop Zombie Hip-hop por sus creadores, la música de Gorillaz pertenece en su amplia mayoría a Nakamura, aunque se nota la influencia musical de Blur en casi todo el disco gracias a Damon Albarn.

El abanico de estilos musicales de la banda es amplio y va desde el hip-hop americano más antiguo (Gorillaz ha cogido los beats típicos de la música negra de finales de siglo XX y le ha añadido melodías pop), el breakbeat, brit-pop (melodías pegajosas y guitarras poderosas; influencia de Damon Albarn), ambient, música latina, reggae, punk (Gorillaz ha sabido captar algunos momentos de los primeros discos de la banda de Strummer y Cía. También se han quedado con la rebeldía y el gamberrismo, dos características importantísimas en la imagen y la música del grupo), trip hop y el rock indie entre otros.

Curiosidades

- Fue el primer grupo en hacer videos con dibujos animados virtuales.
- El vocalista 2D de frente tiene dos circulos negros como ojos, pero de perfil se ve claramente que tiene el iris y la pupila

Discografía

- Gorillaz (26 de enero de 2001) - #3 UK, #14 US
- Demon Days (23 de mayo de 2005) - #1 UK, #6 US

Compilaciones

- G-Sides (11 de marzo de 2002) - #65 UK, #84 US
- Laika Come Home (1 de julio de 2002) - #156 US
- D-Sides (5 de noviembre de 2007)

El misterio de los Kong Studios

La historia de Gorillaz se ha desarrollado envuelta de misterios en los Kong Studios hogar de la banda el cual puede ser visitado mediante la página web oficial. En un principio, los Kong Studios tenían la apariencia de un gran edificio que disponía de un cine, varios corredores, más de 50 habitaciones, un vestíbulo, un parking, un estudio de música, etc., además de 40 actividades interactivas como juegos, discos, videos, etc. Durante mucho tiempo se han tenido muchas dudas acerca de los Kong Studios, por eso se han tenido en cuenta los siguientes sucesos:

Fase uno

En un principio estuvo presente al momento en que se lanzo el primer DVD "Celebrity Take Down" en el que encontraríamos los vídeos, los sencillos, conciertos, extras y demás. Pero también un nuevo misterio: la aparición de zombies en el edificio, lo cual daría la explicación de por qué los Kong Studios estaban desiertos a excepción de Gorillaz. La web se cerró temporalmente cuando la banda se separó pero aún se podía ingresar en el foro para poner dudas y suposiciones. Tiempo después la página se reabriría con algunos cambios (Cambios de Vocalista y un sin fin de cosas ...)

Fase dos

Después de que los Kong Studios reabrieran, la gente se dio cuenta del gran cambio de los Kong Studios: estos se veían mucho más reales, siniestros y embrujados; y se habían añadido nuevas secciones como el Hell Hole (agujero del infierno) y el cuarto de Brian. En un principio esto sólo fue un preámbulo al nuevo álbum de Gorillaz "Demon Days" con sus nuevas canciones y además se vio el videoclip de la canción "Rock It", que representaba la enfermedad Zombie en los Kong Studios y un nuevo punto de vista a Gorillaz. Además de eso, después se vieron los sencillos "Feel Good Inc"., "Dare", "Dirty Harry" y "El Mañana". Este último causó más polémica ya que en este video se ve la supuesta muerte de Noodle cuando el Gobierno Japonés la encuentra. A continuación, en los Kong Studios, la habitación de Noodle se comenzó a destruir poco a poco, aparecieron cajas de Fed-Ex en el edificio y el pequeño agujero del Hell Hole se fue agrandando. Después de esto, 2D apareció en su cuarto aparentamente dormido, pero en realidad era un nuevo juego en el que haríamos rejuvenecer a Murdoc intercambiando sus órganos con los de 2D, que actualmente sigue inconsciente en su cama. Más tarde veríamos a un Murdoc rejuvenecido salir del Hell Hole pidiendo almas. En el cuarto de Brian se escucharía un mensaje de auxilio de Noodle y habría un juego en el que ayudamos a Russel a hacer un ejército de super animales. Más adelante explotó una bomba sobre los Kong Studios que destrozó todo por completo pero lo dejó todavía accesible. Se podían ver trailers de “Slow Boat to Hades” y “Rise of the Ogre“. Actualmente, al exterior de los Kong Studios hay una X marcada en el suelo junto con una pala de 2D esto es solamente un nuevo juego y un letrero donde indica que el edificio de los Kong Studios se vende.

Más tarde, en una entrevista Murdoc explicó que Noodle fue atrapada por unos demonios que salían del nuevo álbum de Russel y la llevaron al Hades, al Séptimo círculo del Infierno (lo que explica el mensaje de auxílio en la radio de Russel). También dijo: "Todo esto tiene que ver con el contrato que firmé con el diablo hace un tiempo; ése que hizo que Gorillaz fuera un éxito en primer lugar. Él estaba enojado por un pago tardío de mi alma, u otra estupidez". Murdoc debe ir a recuperarla, y mientras Noodle sufre atada a una roca empujada sobre una colina por el resto de la eternidad donde una manada de buitres esperan para devorarla. En noviembre de 2008 Noodle es rescatada exitosamente.

Gorillaz Bitez

Los Gorillaz Bitez son historias alternas sobre la vida normal de la banda:

Fase Uno

Gorillaz Jump the gut (El Gran Salto alto):

Noodle y Del (El espíritu dentro de Russel) apuestan a que si 2D puede o no saltar con una bicicleta por encima de Russell mientras está dormido.

Del: Cuando suelte el freno, hombre. Va a ser... como... un especialista en bicicleta , volando a través de dos pulgadas de tropas de tierra de plástico alemán.

Noodle: Ok Del, veré tus mil... y subo cinco mil más (en japonés).

Del: vale...esa es una apuesta que vas a perder.

Del: Nunca va a lograr ese salto! Russel ha estado comiendo catering de taxi todo el día y ahora mismo se ha vuelto más gordo!

Del y Noodle: WHOA!

Russel: Ow!

Del: WHOAAAAAAA!

2D: Ow!

Russel: Si sigues haciendo esto, hombre, te voy a saltar la próxima vez que estés durmiendo!!! y no creo que ninguno de los dos lo consiga, entendido?

Gorillaz Hey! Our toys have arrived! (¡Hey! Nuestros Juguetes Han Llegado!):

Las figuras de acción de Gorillaz llegan y 2D se da cuenta de que lo único que hace su figura de acción es mover su cabeza y Russel y Murdoc lo molestan por eso.

2D: Estas figuras de acción son inútiles! mi cabeza no se mueve así.

Russel: Claro que lo hace D mira!!!

2D:*blum*blum*

Murdoc: Russ, Russ! repítelo! Hahaha!

2D: *blum*

Gorillaz Game of Death (Juego de Muerte):

Murdoc y 2D juegan videojuegos de lucha usando a Russel y a Noodle como luchadores, pero Russel no puede competir con Noodle y Murdoc quiere la revancha.

Noodle: puñetazo! patada! patada! patada! codazo, codazo, codazo! ven grandullón…

Russel: es tiempo de la derrota... de acuerdo, te lo voy a demostrar . Empecemos!

Murdoc: Ow! Ow! Ow! Uh, mi control esta roto!

2D: bueno, siempre dices lo mismo.

Murdoc: Aw! el personaje de Russel es basura!

2D: Ha, siempre dices eso también.

Murdoc: el mejor de tres?

Russel: Oh hombre!

Gorillaz Campamento del Tibet:

2D y un grupo de gente se encuentran en la calle en un campamento de meditación del Tibet como medida de protesta.

The eel (La Anguila):

2D cuida a la anguila de Russel pero para calmarla la golpea con un mazo y hace tanto ruido que Murdoc se enfurece y trata de eliminar a la anguila.

Murdoc: Por el amor de Satan, mi cabeza! Awwwww! de donde vienen esos golpes…parar esos golpes!

2D: es esta anguila. Russel me pidió que la noqueara, porque la va a cocinar para…

Murdoc: deja de golpear!!!DEJA DE GOLPEAR!!!

2D: no la puedo coger! esta resbalosa! no la puedo matar!

Murdoc: no la puedes matar, que quieres decir con que no la puedes matar? yo te enseñare a matar una anguila coges la maldita cosa y derrites su cara!

2D: No-no-no! No-no! NO!

Murdoc: derretir su cara! DERRETIR SU CARA! Hahaarg!..

Russel: Vosotros escoria. donde esta mi anguila? donde esta mi anguila? donde esta mi anguila?

Murdoc: no se siente muy bien, se siente enferma. Heehee.. (juego de palabras en inglés)

Prueba de Vestuario:

Murdoc intenta hacer un video musical haciendo que la banda se vista con ropas diferentes pero Russel no le agrada mucho el nuevo vestuario.

Murdoc: esperad, esperad! oh si, eso es, oh esto se va a ver genial!.

Russel: Oh hombre, donde conseguiste ese disfraz? No puedes ir disfrazado como un maldito nazi, estúpido.

Murdoc: porque no? , quiero decir, si es lo suficientemente bueno para Lemmy, Keith Richards, and Leonard Nimoy, entonces es suficientemente bueno para mi! Har, har!

Russel: bueno, no eres ellos.

Murdoc: NI ELLOS! quiero decir, de quien fue esta idea?

Russel: fue tuya!!! nunca hubiese elegido este disfraz, tengo un aprecio por la ropa fina…hmm..trajes de bailarina y cosas así. tal vez unos zapatos de Diamante. como Dorothy del mago de oz.

Murdoc: bueno, porque nadie me dijo a MI de que es mierda?!

Fase Dos

Gorillaz on Set:

Murdoc y compañía charlan en la torre del Feel Good Inc. sobre este video. A Murdoc le cae excremento de cuervo en la cara y 2D le dice que eso da buena suerte.

Gorillaz Talent Quest (Busca Talento):

Murdoc, 2D, Noodle, Russel buscan talento para crear sus nuevos videos de Gorillaz del álbum Demon Days en su programa de "Search For a Star" donde recibirán los videos de los fans.

Pero ahora después de haber creado todos sus trabajos increíblemente Damon Albarn dijo no más Gorillaz, así que "Gorillaz" ya no más, en su lugar formo una banda llamada The Good, the Bad and the Queen.

Pero resulta que Jamie, junto a una entrevista en CBC News cuando lo entrevistaban acerca de Monkey Journey to the west, explico que ya están trabajando en un nuevo álbum de Gorillaz. El título es desconocido hasta ahora y no se sabe nada al respecto, salvo que Jamie comentó que quiere rediseñar los personajes completamente.

Pagina: http://www.gorillaz.com/