Attaque 77

Esta banda se inició como un grupo de amigos que se juntaban para tocar sus canciones favoritas, casi todas ellas de Los Ramones y composiciones propias, con el mismo estilo punk y letras con contenidos "proletarios" (obreros de fábricas, trabajadores sacrificados, etc).

Poco a poco fueron incorporando otras influencias: Sex Pistols, Clash, Damned... el punk inglés del '77. A mediados de 1987 lograron una presentación en "Metamorfosis", un pub del Abasto, por el cual desfilaban bluseros y algunos dark. Ocho temas fueron suficientes para que el encargado del lugar los echara, alegando la minoría de edad de Federico.

De vez en cuando los ensayos eran grabados en cassettes convencionales, para repartir entre los amigos. Por casualidad, una copia dio en manos de un integrante del grupo "Descontrol", que estaba preparando una presentación en Cemento y necesitaba una banda soporte. La aceptación fue inmediata.

En 1988 continuaron presentándose en pubs, hasta que juntaron el dinero suficiente para grabar en un estudio profesional. Registraron algunos temas sin saber que, en la sala de al lado, los responsables del flamante sello "Radio Trípoli" estaban preparando el disco "Invasión 88", un compilado de grupos punks locales. Sergio Fassinelli, director de la discográfica, los invitó a grabar con ellos, y así fue como quedaron registradas las canciones "Brigada anti-disturbios" y "Sola en la cancha".

Sin dudas, éstos fueron los temas destacados de ese LP, por lo que la discográfica les ofreció grabar un larga duración. Danio y Leiva renunciaron al proyecto y se incorporó Chito De Cecco, baterista de Los Siete Delfines. Ahora como cuarteto (Ciro en bajo, Mariano Martínez en guitarra, Federico Pertusi en voz), grabaron "Dulce Navidad" (1989). El proyecto inicial era grabar un lado del disco en vivo, para rescatar plenamente la energía de la banda, pero finalmente el productor, Michel Peyronel, seleccionó todo material de estudios.

Luego de esta primera placa se produjo el alejamiento definitivo de Federico Pertusi. Ciro, entonces, fue el vocalista (ya había cantado "Sola en la cancha") y Adrián "Chino" Vera se incorporó como bajista.

Con esta formación editaron el segundo disco, "El cielo puede esperar" (1990), cuyos mejores temas son "Más de un millón" y "Tiempo para estar". Aunque, sin dudas, el gran impulso hacia la popularidad fue su hit "Hacelo por mí", cortina del programa homónimo de TV que conducía Mario Pergolini, hecho que incluso los lleva a firmar un gran contrato con una discográfica multinacional.

Dos funciones en Obras (noviembre de 1991) sirvieron para registrar un álbum en vivo, "Rabioso! La pesadilla recién comienza". Para fines ese año telonearon en Velez a Rata Blanca.

"Angeles caídos" fue grabado en medio de una gira nacional que abarcó 30 shows en 4 meses. Las letras mantienen la temática de los problemas cotidianos: la falta de trabajo, los jubilados... "queremos que sepan que, si bien ahora estamos teniendo éxito, no nos hemos vuelto insensibles ni nos olvidamos de dónde venimos". Luciano Scaglione reemplazó a Vera para antes de las presentaciones del disco en Obras.

El éxito dentro del reducido ambiente punk continuó con "Todo está al revés" (1994) y su presentación en Obras. En mayo telonearon a Motorhead en Velez.

En 1995 participaron del álbum "Fuck You", un homenaje a Sumo, interpretando el tema "Pinini Reggae" y hacia fin de año presentaron "Amén", su sexto disco. En él, el grupo abandona por momentos el punk-rock para incursionar en el reggae, en "Tres pájaros negros" y "Redemption song", de Bob Marley. «Ahora se nos abrió la cabeza -reconoce Scaglione- pero siempre fuimos fanáticos de Marley y en la sala de ensayo sacábamos cosas en ese estilo, pero no nos animábamos a tocarlas en vivo» (El Expreso Diario, 2/11/95). El '96 comenzó con una invitación para telonear a Ramones, en su despedida mundial, en el estadio de River.

En mayo y junio del '97 compartieron una gira con El Otro Yo por 23 ciudades del interior de Argentina. Festejaron la primera década de vida con dos shows en Cemento, para luego viajar a Estados Unidos a grabar "Un día perfecto", el noveno disco de la banda. La placa trabaja un poco mejor sobre los arreglos, las voces y los coros, destacados por ellos mismos como los más débiles del grupo.

En octubre participaron del show en homenaje a los veinte años de las Madres de Plaza de Mayo, junto a León Gieco, Divididos, Las Pelotas, La Renga, Los Piojos, Todos Tus Muertos, A.N.I.M.A.L., Actitud María Marta, entre otros.

La gira continuó por la Costa Atlántica en el verano del '98, otra vez el Interior y también algunos países de Latinoamérica. Regresaron a Estados Unidos para grabar "Otras canciones", lanzado en diciembre y consiguiendo vender más de 20.000 copias en diez días.

El video "No me arrepiento de este amor", un clásico de la bailantera Gilda en versión punk, llega a los primeros puestos en los canales musicales. En mayo del '99 van a Brasil por primera vez y luego de vuelta a España donde relizaron 12 shows.

El nuevo milenio los agarró en gira por la Costa, para luego viajar a España y producir la décima placa "Radio insomnio", mezclado en Estados Unidos. El 30 de septiembre presentaron el disco en Obras.

Los días 21 y 28 de abril del 2001 graban en Obras lo que sería "Trapos", el tan reclamado álbum en vivo. La escenografía fue confeccionada con más de cien banderas que mandaron los fanáticos del grupo. El corte difusión fue "Hacelo por mí".

Su presentación en el Festival Cosquín Rock 2002 fue un éxito, ante las 17.000 personas presentes, con Los Piojos, El Otro Yo y Divididos.

"Amateur" (2002) es un disco de "rarezas", con material recopilado, editado y masterizado en el estudio de BMG Argentina.

Una nueva gira por San Pablo, Curitiba, Recife, Rio de Janeiro y Belo Horizonte consolida su presencia en Brasil. Y luego más viajes: tres meses por Europa. Los días 18, 19 y 25 de octubre festejaron los 15 años de la banda con tres funciones en el Estadio Obras. Luego de la presentación y un video que repasó la historia del grupo con la voz en off de Marcelo Araujo, la banda fue tocando temas de sus diferentes discos, en algunos casos a solas y en otros acompañados de músicos invitados.

"Antihumano" es el décimo disco de estudio de Attaque 77, con invitados tan disímiles como Gustavo Cordera, Alfredo Casero, Mimi Maura o Juanchi Baleirón, entre otros. La producción estuvo a cargo de Mariano Martínez y el arte del disco es obra de Rocambole, el artista creador de la imagen de los Redonditos de Ricota.

El 2007 fue el año del vigésimo aniversario de la banda y la actividad fue intensa. "Karmagedon" salió a la calle en marzo, con el videoclip de "Buenos Aires en llamas", se presentaron en el Quilmes Rock y fueron nominado para los Premios Grammy Latinoamericanos, como mejor álbum.

Luego de muchos rumores, Ciro anunció su alejamiento de la banda en marzo de 2009, tras 21 años de carrera. Attaque continuó trabajando como trío: Martínez en guitarra y voz, Scaglione en bajo y voz y De Cecco en batería y coros

Discografía:

Dulce Navidad, 1989
El cielo puede esperar, 1990
Rabioso! La pesadilla recién comienza, 1991
89-92, 1992
Angeles caídos, 1992
Todo está al revés, 1994
Amén, 1995
Un día perfecto, 1997
Otras canciones, 1998
Radio insomnio, 2000
Trapos, 2001
Amateur, 2002
Antihumano, 2003
Obras cumbres, 2005
Pirotecnia autorizada (EP), 2006
Karmagedon, 2007

Formacion:

Leonardo De Cecco: batería
Luciano Scaglione: bajo
Mariano Martínez: guitarra y voz

Ex integrantes:

Demián Ciro Pertusi: guitarra y voz
Martín Tucán Bosa: teclados

Pagina: http://www.soydea77aque.com/
Fuente: Rock.com.ar

Lisa Germano

Lisa Germano nacida el 27 de junio de 1958 es una cantante y compositora americana, multi-instrumentista que ha publicado siete álbumes caracterizados por su profundo estilo vocal, sus letras intimistas y el sonido de su inconfundible violín. En 1994, su álbum Geek the Girl recibió excelentes críticas, siendo incluso candidato al mejor álbum de los 90 por la revista musical Spin. También es conocida como artista invitada o músico de sesión por varios artistas como John Mellencamp, Simple Minds, David Bowie, Neil Finn, Sheryl Crow, Jewel y Eels en más de setenta discos.

Biografía

Lisa Ruth Germano nació en Mishawaka, Indiana, fue una de seis hermanos nacidos en el seno de una familia católica Italo-americana. Sus padres, profesores y músicos animaron a sus hijos a que desde edad temprana aprendieran a tocar algún instrumento musical. A los siete años compuso su primera pieza musical para piano, una ópera de 15 minutos. Más tarde aprendería a tocar el violín, un instrumento que finalmente la conduciría hacia su carrera profesional en el mundo musical.

Debutó profesionalmente como violinista en la banda de John Mellencamp, primero con una aparición en su primer álbum The Lonesome Jubilee, para más tarde empezar a trabajar e ir de gira juntos durante siete años. En esa época, las giras y las sesiones de grabación con Simple Minds e Indigo Girls motivaron a Germano a realizar sus propios proyectos.

En 1991 Germano publicó su primer álbum en solitario, el Lo-fi, On the Way Down From the Moon Palace en su propia discográfica, Major Bill Records. Al no conseguir una gran distribución y promoción, las ventas fueron bajas, pero el álbum ayudó a que la discográfica Capital Records se fijara en ella, con la que firmó un contrato en 1992. Su principal álbum, Happiness fue publicado en 1993, aunque justo antes de su publicación, y debido a una reorganización del personal de Capitol, sus principales benefactores se desvincularon de la discográfica. Al darse cuenta de que su álbum no iba a obtener el nivel de promoción que esperaba, Germano consiguió con éxito recuperar los derechos de autor de su álbum y más tarde, en ese mismo año, firmó un contrato con la discográfica británica independiente 4AD Records, quiénes en esa época tenían un acuerdo de producción y distribución con la Warner Bros Records en EEUU.

Pagina: http://www.lisagermano.com/

Lady GaGa

Stefani Joanne Angelina Germanotta (nacida el 28 de marzo de 1986) es una cantante, compositora y tecladista estadounidense, mejor conocida por su nombre artístico Lady GaGa. En sus comienzos en Interscope records trabajó como compositora para artistas consagrados como Akon. Durante este perído, comenzó a introducir su música en locales de Nueva York. Tras el reconocimiento por parte de Akon de la talentosa voz de GaGa, éste le propuso que se uniese a su sello discográfico Kon live distribution, con lo que GaGa comenzó a trabajar en nuevo material para su álbum debut.

Stefani comenzó a trabajar con un colectivo llamado "Haus of Gaga" en 2008 y lanzó su álbum debut llamado The fame, en el que ella explicó que trata sobre "cómo cualquier persona puede sentirse famosa". El álbum alcanzó la posición máxima en países como Reino Unido y Canadá y al mismo tiempo le acompañaron buenas críticas. Hasta la fecha, el álbum ha generado varios números uno internacionales como Just dance (nominado como Mejor grabación de música dance en la 51 Edición de los Premios Grammy) y Poker face. Tras realizar colaboraciones de apoyo con New kids on the block y Pussycat dolls, GaGa comenzó su propio tour llamado The fame ball tour.

GaGa se ha visto influenciada por la moda y ha sido apreciada por su sentido del estilo provocador y su influencia sobre otras celebridades. Musicalmente, se ha inspirado en el estilo glam de rockeros como David Bowie o Queen así como cantantes pop como Michael Jackson y Madonna.

Su primer espectáculo oficial promocional para The fame, fue en el certamen de elección y coronación de Miss Universo 200 presentando la canción Just dance.

Biografía

1986–2004: Infancia y educación

Stefani Joanne Angelina Germanotta nació en Yonkers (Nueva York) siendo sus padres italoestadounidenses. Su padre, Joseph Germanotta, es un empresario de internet y su madre, Cynthia, trabaja como asistenta de telecomunicaciones. A la edad de once años, GaGa fue admitida en la Academia Juilliard en Manhattan, pero en vez de ir éste último ingresó en la escuela católica y privada Convento del Sagrado Corazón. Habiendo aprendido a tocar el piano con cuatro años, Lady GaGa escribió su primera balada con el piano a los trece años y comenzó a participar en noches de micro abierto a los catorce años. Con diecisiete años, consiguió ingresar prematuramente en la Escuela de Arte Tisch de la Universidad de Nueva York. Allí estudió música y mejoró sus habilidades como compositora componiendo ensayos e investigaciones sobre diferentes temas como el arte, la religión o la poítica . Más tarde Gaga abandonó la escuela.

2005–2007: Inicios de su carrera

GaGa firmó con Def Jam Recordings cuando tenía diecinueve años, depués de que L. A. Reid, productor musical, la escuchase por los pasillos de su oficina. Sin embargo, GaGa afirma que nunca llegó a reunirse con Reid y tras tres meses tuvo que abandonar el sello discográfico. Volvió a la casa de sus padres y cmenzó a actuar en un club del barrio neoyorkino Lower East Side, con grupos como Mackin Pulsifer y SGBand. Queriendo diferenciarse de la escena común del rock and roll, eligió enfocarse en la música pop. Al mismo tiempo, comenzó a tomar drogas y a participar en actuaciones de tipo burlesque; GaGa dijo que su padre "simplemente no lo entendía" y estuvo unos meses sin poder mirarla a la cara. Un día, el productor musical Rob Fusari, quien ayudó a GaGa a componer alguna de sus primeras canciones, comparó su estilo vocal con el de Freddie Mercury. Rob, además la apodó con el mote de GaGa, que proviene de la canción del grupo Queen, "Radio Ga Ga". A partir de ese momento comenzó a usar su mote como nombre artístico siendo conocida a partir de enconces como Lady GaGa.

A lo largo de 2007, GaGa colaboró en con la artista performance Lady Starlight, quien la ayudó a crear los trajes de su espectáculo. La pareja comenzó a actuar en locales del centro como Mercury lounge, Bitter end y Rockwood music hall, con su espectáuclo de performance en directo, conocido como "Lady Gaga and the Starlight revue" y anunciado como "El espectáculo rock definitivo del pop burlesque", su espectáculo consitía en varios actos homenaje lo-fi a la década de los setenta. En agosto de 2007, GaGa y Starlight fueron invitadas a participar en el festival musical estadounidense Lollapalooza. El show fue aclamado por la crítica y su actuación recibió comentarios muy positivos. El espectáculo se centró en el vanguardismo y en la música dance y electónica, GaGa encontró su estilo musical cuando incorporó el genéro pop y el vintage glam rock de David Bowie y Queen en el espectáculo.

Durante este período comenzó a escribir para artistas del sello discográfico Konvict, que pertenece al músico Akon, como Fergie, Pussycat dolls, Britney Spears y New kids on the block. Tras haberla oído cantar una referencia vocal para uno de sus temas, Akon pensó que GaGa podía ser también una buena cantante, por lo que convenció a Jimmy Iovine presidente de Interescope records para contratarla conjuntamente en su propio sello Kon live distribution, más tarde calificarían a GaGa como su "jugador estrella". Tras su acuerdo con Akon, GaGa comenzó a trabajar en su propio material, exclusivo para su álbum debut, con el productor RedOne. Teniendo ya una sólida selección de electro-galam, inspirado en David Bowie y el grupo Queen, GaGa quiso mezclar sus ritmos reto dance con melodías urbanas, coros pop y además quiso mantener un estilo rock and roll. La primera canción que produjo fue una canción de pop bastardo para Mötley Crüe llamada Girls, girls, girls y la canción T.N.T para AC/DC.

2008–Presente: The fame

En 2008, Lady GaGa se trasladó a Los Ángeles, para trabajar estrechamente con su sello de discográfico con el fin de terminar su álbum debut The fame. GaGa dijo que combinó gran cantidad de géneros musicales en el álbum, "desde la batería y percusión de Def Leppard a los tambores del heavy metal en música urban". Comenzó a trabajar con un coletivo llamado Haus of Gaga, que colaboró con ella en su vestuario, su escenografía y en su sonido. The fame recibió críticas positivas; de acuerdo con la puntuación de Metacritic, el disco ha obtenido una puntuación de 71 sobre 100. Times online describió el álbum como "una fantástica mezcla entre las drámaticas baladas de David Bowie, números a medio tiempo inspirados en Queen y canciones dance creadas con base de sintetizador que se burlan de los cazafortunas". The fame llegó al número uno en Austria, Reino Unido, Canadá e Irlanda, y al número cuatro en Australia y Estados Unidos; las ventas mundiales del disco en julio de 2009 ascendían a 3 millones de copias.

Orientación sexual

Desde el principio de su carrera hubo rumores sobre la verdadera orientación sexual de Lady Gaga. En la edición n° 1080 del 11 de junio de 2009 de la revista Rolling Stone, GaGa admitió su bisexualidad. Al poco tiempo surgieron rumores sobre un supuesto "hermafroditismo" de la cantante, los cuales resultaron ser completamente falsos.

El nombre artístico

Su nombre "Lady GaGa", de acuerdo a una entrevista con Ron Slomowicz, surgió como una referencia a la canción "Radio Ga Ga" de la banda inglesa Queen, a la cantante no le gustaba mucho su nombre por lo que se lo cambió legalmente, e hizo que sus padres y todo el mundo la llamaran Lady GaGa

Pagina: http://www.ladygaga.com/

Dana Fuchs

Dana Fuchs hace su debut en cine en Across the Universe. En teatro en la Ciudad de Nueva, York, Fuchs protagonizó el éxito fuera de Broadway “Love, Janis”, sobre la vida de Janis Joplin.

La menor de seis hermanos músicos, Dana Fuchs se crió en un pequeño pueblo rural de Florida rodeada de música. Llegó a la Ciudad de Nueva York sola y sin dinero a los 19 años, donde se unió al guitarrista Jon Diamond para formar Dana Fuchs Band. En un año, la banda actuaba en los mejores clubs de blues de Nueva York, compartiendo a menudo el escenario con John Popper, James Cotton y Taj Mahal.

Dana Fuchs empezó a escribir sus propias canciones de rock y se convirtió en un clásico en la escena del rock compartiendo actuaciones nacionales con Little Feat, Marianne Faithfull y Etta James. A través de estas actuaciones fue reconocida por los productores de “Love, Janis”, que la contrataron después de escuchar su interpretación de “Piece of My Heart”. Sus canciones (que ella escribe e interpreta) han sido presentadas en la película Sherrybaby.

Las canciones de Dana Fuchs podrán oírse en el próximo CD y DVD “Dana Fuchs Live From NYC”, así como en su CD debut “Lonely For A Lifetime”, que fue publicado con una entusiasta respuesta de los fans y la prensa.

Pagina: http://www.danafuchs.com/

Leonard Cohen

Leonard Norman Cohen, poeta, novelista y cantante canadiense, nació el 21 de septiembre de 1934 en Montreal.

Biografía

Cohen es el músico de la sempiterna tristeza, el cantante de la voz cada vez más ronca, el poeta romántico, sarcástico, comprometido. Su influencia musical, estilística y literaria ha perdurado -pese a la lacra del puntual fracaso comercial- desde el comienzo de su carrera en los años sesenta hasta hoy, dejándose ver no sólo en creadores sino también en oyentes, porque Leonard Cohen es siempre un músico que cala hasta lo más hondo.

Nació el veintiuno de Septiembre de 1934 en Montreal al amparo de una acomodada famila judía practicante. Estudió en una escuela judía, pero con el tiempo adquirirá una religión propia, abstracta, sin renunciar del todo a sus raíces. Así escribirá en Beautiful Losers:

Qué es un santo?. Es aquel que ha alcanzado una remota posibilidad humana. Es imposible decir lo que constituye esta posibilidad. Sin duda tiene algo que ver con la energía del amor. El contacto con esta energía provoca una especie de equilibrio en medio del caos de la existencia. Un santo no disuelve este caos; si lo hiciese, el mundo habría cambiado hace mucho tiempo. Yo no creo que un santo pueda disolver el caos del mundo, ni siquiera para sí mismo, porque hay algo de arrogante y belicoso en esta concepción de un ser humano poniendo él solo el universo en orden.

A los dieciseis años ingresa en la universidad de McGill, en Montreal, para estudiar literatura inglesa. Será al final de sus estudios, en 1956, cuando publique su primer libro de poesía, Let us compare Mythologies, dedicado a su padre. Esta publicación marcará el inicio de una etapa como escritor, discreta pero no malograda. Se traslada unos meses a la Columbia Graduate School, que abandonará tras unos meses al recibir una beca de Ottawa para marchar a vivir a una pequeña casa de pescadores en la isla de Hydra. En 1961 publica un nuevo libro de poesía, The spice box of Earth, y dos años después su primera novela, The favourite game. Su carrera literaria continúa, en progresión creciente con los libros de poemas Flowers of Hitler (1964) y Parasites of Heaven (1966), hasta alcanzar su clímax literario con la novela Beautiful Losers (también de 1966).

Leonard Cohen, convertido en trovador de voz peculiar, guitarra en mano, lanzará en 1968 sin mucha pretensión musical The songs of Leonard Cohen, álbum que le reportará el éxito con la canción Suzanne. Comienza así la primera etapa como músico de Leonard Cohen, cuyos únicos elementos serán su guitarra, tranquila y melódica, su voz y sus textos poéticos. Este conjunto harán del de Cohen un sonido cargado de pesadumbre y oscuridad. Corrían tiempos de rocanrol, en los que la música se asociaba con el satanismo. En pleno auge de Bob Dylan o los Rolling Stones, Cohen se ciñe a su estilo de cantautor de guitarra discreta y lenta, y utiliza en sus textos la religión como cura para unas heridas de índole amorosa. Todo esto es interpretado con una voz única que con el tiempo se irá rompiendo más y más hasta límites insospechados. En esta línea aparecerá al año siguiente Songs of a room (1969). Dos años después aparece el fantástico Songs of love and hate (1971), abierto con Avalanche, canción de gran influencia en posteriores cantautores, y otros grandes temas como Last year's man, la veloz Diamonds in the mine y, en contraposición a esta última, la depresiva Famous Blue Raincoat. Cierra esta primera etapa New Skin for the old ceremony (1974), tras la edición en 1973 del directo Live Songs. En 1975, el primer recopilatorio de Leonard Cohen servirá de puente para su siguiente disco.

En 1977 aparece Death of ladies man, título destrozado en nuestro país por el mero hecho de traducirlo literalmente al español como "La muerte de un mujeriego". Lejos de la imágen indeseable del título hispano el disco es elegante y destaca en la discografía de Cohen. Introduce sonidos orquestales y adquieren más presencia las percusiones, dándole así al álbum un sonido totalmente diferente a los anteriores. Para Recent Songs (1979) recurre a ritmos de cadencia más blusera y vuelve a su sencillez instrumental, esta vez con la presencia de violín y saxo acompañando su voz, ahora algo más grave y ronca. A partir de este momento los discos de Cohen aparecen con cuentagotas.

No vuleve a haber material de estudio hasta 1985, cuando edita Various Positions, abierto con la magistral Dance me to the end of love y en el que también se incluye Hallelujah. Este álbum hará de transición hacia la nueva música del canadiense, en la que abundará el uso de sonidos sintéticos, y su voz llega a ese límite entre la ronquera y la pérdida de la voz. El clímax de su carrera músical llega en 1988 con I'm your man. Disco en el que me detengo:

- First we take Manhattan: Abre el disco un tema mordaz, crítica al sistema empresarial y en especial a su anterior compañía discográfica, Sony, que lo abandonó tras veinte años de relación comercial. Abren la canción los versos "Me condenaron a veinte años de hastío por intentar cambiar el sistema desde dentro". Enrique Morente, en su álbum Omega (1996), interpreta entre otras, esta canción de Cohen adaptada al español.
- Ain't no cure for love: El tema en esta canción es la rendición absoluta y placentera al amor. Cohen hace guiños a la religión y llena el tema de un romaticismo espiritual.
- Everybody knows: Es una crítica social algo mordaz que habla sobre hechos innegables (todos saben que la guerra acabó / todos saben que los buenos perdieron). Repite sin cesar el título "todos saben".
- I'm your man: Cohen se rinde ante la mujer ofreciendo además un abanico mimético que le llevará a meterse en cualquier pellejo (y si quieres cualquier tipo de amor me pondré una máscara para tí). Esta temática aparece en autores españoles como Joaquín Sabina en La del pirata cojo (Física y química, 1992)
- Take this waltz: Basada en el Pequeño vals vienés del Poeta en Nueva York (1929 - 1930) de Lorca, jamás se ha hecho mejor adaptación del poema a la música, e incluso las que se hicieron en español, quizá en exceso contaminadas por el trabajo de Cohen, sonaban en exceso forzadas. Lo intentaron Enrique Morente en Omega (1996) y Ana Belén en Lorquiana (1998). Cohen es devoto de García Lorca hasta el punto de llamar a su hija Lorca Cohen.
- Jazz police: La canción más siniestra del disco, de tonos oscuros y percusión marcada. En este tema toman gran presencia los coros de la siempre fiel a Cohen Jennifer Warnes.
- I can't forget: En esta canción vemos a un Leonard Cohen desorientado por un periodo de transicón, de adaptación a la reciente ruptura del amor. Empieza por caerse de la cama y en medio de la confusión declara "No puedo olvidar, no puedo olvidar, pero no recuerdo a quién".
- Tower of song: Vuelve el tema a ser su condición de cantante, como en First we take Manhattan. Esta vez el tema suena más oscuro, como un lamento por la soledad del autor incomprendido. "Pago cada día el alquiler en la Torre de la Canción".

En 1992 sale The Future, un disco en la línea de Cohen, no tan sintético como I'm your man (1988). En esta época encontramos al Canadiense agotado por el éxito y, tras una relación con Rebeca de Mornay, se recluye en Los Ángeles en un monasterio Zen, donde llega a ser ordenado monje. Leonard Cohen desaparece por completo en su retiro absoluto.

Cuando parecía que su carrera había terminado para siempre y habiendo publicado un par de álbumes recopilatorios y en directo, en 2001 sale un nuevo disco llamado Ten New Songs. Cohen, discreto, retórico, con la voz cada vez más apagada, grabó este disco tras abandonar su retiro Zen en la primavera de 1999. En 2004 publicó Dear Heather, confirmando que ya no es lo que era. Actualmente reside y trabaja en L.A. y se rumorea que el próximo año pubicará nuevo disco y nuevo libro (en todo momento siguió escribiendo y publicando con cierta regularidad salvo en la época del retiro) . La obra de Leonard Cohen es un manual del cantautor, siempre abierto a la renovación, a la exploración de sonidos, manteniendo su esencia personal en toda su obra, y nunca influenciado por los números de las discográficas, sólo por la necesidad creativa del artista.

Leonard Cohen nació en una familia judía de clase media de ascendencia polaca en Montreal y creció en Westmount. Su padre, Nathan Cohen, era propietario de una tienda de corte y confección y falleció cuando el joven poeta contaba nueve años. Según la tradición familiar, los Cohen descienden de los Kohanim. "Fui querido como un mesías", contó Cohen a Richard Golstein en 1967, "y se me decía que descendía de Aarón". En su adolescencia aprendió guitarra; formará luego un grupo de inspiración country-folk, los Buckskin Boys.

En 1951, Leonard Cohen ingresó en la Universidad McGill de Montreal. Su primer poemario, Let Us Compare Mythologies, apareció en 1956 editado por las McGill Poetry Series, aunque sólo era un estudiante de primer ciclo.

En 1961, The Spice Box of Earth le hizo célebre en los círculos de poesía canadiense. Después se instaló en la isla de Hydra, en Grecia, y publicó Flowers for Hitler (Flores para Hitler) en 1964, y las novelas The Favourite Game (1963) y Beautiful Losers (1966).

The Favourite Game es la novela de aprendizaje o bildungsroman autobiográfico de un joven que busca su identidad en la escritura. Por el contrario, Beautiful Losers, que puede quizá considerarse también una novela de aprendizaje, no conduce al éxito del personaje principal («AntiBildungsroman»), ya que de un modo postmoderno muy contemporáneo destruye la identidad de los personajes principales combinando lo sagrado con lo profano, la religión y la sexualidad en una lengua rica y lírica, pero a pesar de todo cruda.

Cohen se instaló en los Estados Unidos y comenzó a cantar en los festivales folk. En 1966, Judy Collins hizo de su canción Suzanne un gran éxito. Esta canción se refiere a Suzanne Verdal, la vieja esposa de un amigo íntimo, el escultor Armand Vaillancourt. John H. Hammond hizo firmar a Leonard Cohen con Columbia Records. El primer álbum, Songs of Leonard Cohen, salió a la venta en 1967 y contiene una versión de Suzanne. Será bien recibido por la crítica. En 1977, Death of a Ladies' Man es producido por Phil Spector, lejos del minimalismo habitual del artista. Recent Songs, más clásico, sale a la luz en 1979, y en 1984 Various Positions, un álbum muy espiritual que contiene el célebre Hallelujah. Columbia rehúsa lanzar el álbum en los Estados Unidos, donde Cohen ha tenido siempre un éxito mucho menor que en Europa y Canadá. En 1986 aparece en un episodio de Dos policías en Miami. En 1988, I'm Your Man marca un cambio en su trayectoria en cuanto a escritura y composición. Los sintetizadores están muy presentes y la escritura se ha vuelto mucho más comprometida y adopta tintas de humor negro.

En 1994, después de la promoción de su álbum The Future, Leonard Cohen se retira a un monasterio budista en Mount Baldy, un centro de meditación zen cerca de Los Angeles. En 1996, Cohen es ordenado monje budista zen, como Jikan Dharma con el significativo nombre de «El silencioso». Parte finalmente de Mount Baldy en la primavera de 1999. Durante este periodo no produjo ninguna canción, pero volvió a componer después, lo que condujo a su álbum Ten New Songs en 2001, muy influido por Sharon Robinson, y Dear Heather en 2004. Dear Heather es el fruto de la colaboración de Cohen con la cantante de jazz Anjani Thomas.

En 2005, Leonard Cohen denuncia ante la justicia a su antigua representante, Kelley Lynch, por desvío de fondos (5 millones de dólares). En marzo de 2006, Cohen obtiene sentencia a su favor, pero Lynch ignora la sentencia y se da a la fuga. En 2006, Cohen hace aparecer un nuevo libro de poemas, Book of Longing; además de coescribir el disco de Anjani Thomas Blue Alert. Paralelamente se estrena el documental Leonard Cohen: I'm Your Man. Se trata de una semblanza que recoge entrevistas recientes realizadas para las necesidades de este filme, y actuaciones en vivo de diversos artistas (Nick Cave, Rufus Wainwright, Jarvis Cocker) para un concierto en su homenaje. Hace su primera aparición pública en una librería de Toronto el 13 de mayo de 2006, cantando So Long, Marianne y Hey, That's No Way To Say Goodbye, acompañado por The Barenaked Ladies y Ron Sexsmith. En 2007 Philip Glass musicaliza su Book of Longing y ofrece el primer texto de la obra recitado por el propio Leonard Cohen el 1 de junio de 2007 en Toronto, en el Luminato Festival.

Leonard Cohen reside actualmente en el barrio portugués de Montreal, su ciudad natal. En 2008 volvió a la escena, con 73 años, para una gira mundial, siendo recibido con entusiasmo por crítica y público a pesar del elevado precio de las localidades, ocasionado por sus desastres financieros (la fuga de su representante con todos sus ahorros). En 2009 se pone a la venta Live in London, que recoge la grabación de uno de los conciertos de esta gira.

El 18 de setiembre de 2009 tuvo un desvanecimiento durante un concierto en Valencia.

Temas

Conocido especialmente por su faceta de cantautor, sus letras son muy emotivas y líricamente complejas; ha vivido en Montreal, Londres, Grecia, Nueva York y Los Ángeles. Sus tres ejes temáticos predominantes, el amor, la religión y las relaciones de pareja, deben más a los juegos de palabras y metáforas poéticas que a las convenciones de la música folk. Cohen canta con una voz peculiarmente grave, ha influido en muchos otros cantautores y sus canciones han sido interpretadas por muchos otros artistas. A causa del pesimismo que irradia su música, la prensa lo ha considerado "el depresivo no químico más poderoso del mundo".

Los temas recurrentes en la obra de Cohen son el amor y el sexo, la religión, la depresión psicológica, y la música en sí; aunque también ha abordado otros asuntos políticos, lo ha hecho a veces de modo ambiguo.

El amor y el sexo son temas habituales en la música popular; la experiencia de Cohen como novelista y poeta le dota de una sensibilidad especial para tratarlos. Suzanne, probablemente la primera canción de Cohen que atrajo la atención de públicos amplios, mezcla cierto tipo de amor con la meditación religiosa, mezcla que igualmente se produce en Joan of Arc. Famous Blue Raincoat ofrece el punto de vista de un hombre cuyo matrimonio se ha roto debido a la infidelidad de su esposa con un amigo de él. La canción está escrita en forma de carta a ese amigo, al que escribe: “Supongo que te echo de menos, supongo que te perdono. Debes saber que tu enemigo está dormido y que su mujer es libre” (“I guess that I miss you/ I guess I forgive you… Know your enemy is sleeping/ And his woman is free”), mientras que en Everybody Knows toca varios temas entre ellos retoma su sentido espiritual y trata posiblemente en una estrofa de la cruda realidad del SIDA aunque no directamente. En Sisters of Mercy evoca el amor auténtico (agape más que eros) que encuentra en una habitación de hotel con dos mujeres de Edmonton y Chelsea Hotel #2 describe su aventura con Janis Joplin de un modo bastante poco sentimental.

Pagina: http://www.leonardcohen.com/

Milli Vanilli

Milli Vanilli fue un dúo alemán compuesto por Fabrice "Fab" Morvan (14 de mayo 1966) y Rob Pilatus (8 de junio de 1965 - 2 de abril de 1998) que se formó en Alemania a mediados de los 80. En un principio, ambos integrantes eran bailarines acompañantes de Sabrina Salerno. El productor alemán Frank Farian se fijó en ellos y lanzó su carrera como grupo musical. Entre sus éxitos cabe señalar Girl you know it's true, editada en 1988.

En 1990 se les concedió el Premio Grammy al artista revelación. En un concierto en la ciudad nortemericana de Bristol tuvieron un problema con el playback, la gente comenzó a sospechar. Poco después, en noviembre de ese mismo año el productor e inventor del grupo Frank Farian admitió que en realidad Fab y Rob no eran los que cantaban: la implicación de ambos con su música se limitó a ofrecer su imagen en la cubierta de los discos y en los escenarios. Su música estaba pregrabada en sus vídeos musicales y sus conciertos. Tras haber conquistado a medio mundo con su música, ellos entregaron el Grammy conseguido, lo que provoco que el duo no pudiera seguir con su musica con el mismo nombre, MILLI VANILLI.

En 1991, el mismo productor quiso relanzar a los cantantes que realmente cantaban las canciones del grupo, con el nombre de The Real Milli Vanilli, pero el intento (plasmado en el disco Moment of Truth) cayó en el fracaso. En 1993 la pareja original volvió a probar suerte, esta vez sí interpretando sus canciones, esta vez como Rob & Fab, pero el éxito no les acompañó en esta ocasión. En 1998, Rob Pilatus murió por sobredosis en Frankfurt.

Universal Pictures tiene previsto llevar su historia al cine.

La sola mención del nombre de este dúo del pop todavía provoca reacciones fuertes entre quienes creyeron que lo que oían y veían era exactamente lo mismo. A pesar del tiempo transcurrido desde su desaparición Milli Vanilli sigue siendo sinónimo de farza, fraude y estafa mercadológica.

Rob Pilatus y Fabrice Morvan, las caras del dúo, resultaron ser modelos que se limitaban a mover los labios mientras sonaba una pista interpretada por cantantes profesionales de estudio. Fue por eso que se convirtieron en los primeros artistas en ser despojados de un Grammy y se llevaron consigo a muchos otros artistas del dance pop que, involuntariamente, quedaron bajo la sombra de la duda.

El dance pop quedó revelado como un género superficial, mecánico y artificial que se construía para satisfacer necesidades de mercado basadas estrictamente en la apariencia. En realidad, esta percepción no está muy lejos de la realidad en el tanto en que muchos artistas reducen su talento a una cara bonita.

Sin embargo, Milli Vanilli no fue el único grupo que usó esa técnica de mercadeo propia de finales de los ochenta, mucho menos el único grupo europeo que lo hacía, pero si fue el que se convirtió en el más importante y notorio de todos los que salieron y quizás los que mejor hicieron el truco.

El tema de doblar la voz nunca fue extraño a la música pop. De hecho hay antecedentes que datan de la época de la música chicle de los 60 y los combos de los 50. Lo que pasó es que Milli Vanilli se ganó un nombre, se creó una fama, se convirtió en un fenómeno y no hubo un solo medio de comunicación que tolerara aceptar que le habían engañado tan inteligentemente como lo hicieron Rob y Fabrice junto a sus productores.

La historia terminó mal en todo sentido, luego de la desaparición de la banda Rob Pilatus entró en una profunda depresión que terminó con su muerte por sobredosis en 1998, diez años después del debut del dúo.

A pesar de todo lo anterior el dúo vendió más de 30 millones de sencillos, 14 millones de álbumes y fue uno de los espectáculos más importantes de finales de los 80 e inicios de los 90.

Milli Vanilli fue el producto de una idea del productor alemán Frank Farian, quien antes produjo al grupo de disco europeo Boney M. La idea de Farian era unir elementos del dance pop europeo con otros del rap norteamericano. Para ello armó un grupo de músicos de estudio y cantantes que incluyó al rapero Charles Shaw y a dos jóvenes cantantes norteamericanos que radicaban en Alemania, Johnny Davis y Brad Howell; junto a ellos estaban las mellizas Jodie y Linda Rocco. Lo que le hacía falta era imagen de manera que la gente se enamorara del proyecto, fue cuando decidió contratar a dos antiguos bailadores de Breakdance: Rob Pilatus y Fabrice Morvan que harían las de “grupo” en los videos, conciertos, entrevistas y demás presentaciones públicas.

Pilatus nació en Nueva York en 1965 pero creció en un orfanato de Munich luego de que sus padres (un soldado norteamericano y una nudista alemana) lo dieran en adopción. Por su parte Morvan nació en 1966 en la isla de Guadalupe, vivió un tiempo en Miami y luego se mudó con su madre a Paris. Ambos eran grandes bailarines y su apariencia exótica con largas extensiones era exactamente lo que Farian estaba buscando para su proyecto.

El álbum debut de Milli Vanilli fue “All Or Nothing” y se puso a la venta a mediados de 1988 con Rob y Fabrice al frente y sin una sola mención de quienes eran los cantantes. El disco tuvo un éxito inmediato y llamó la atención de Arista Records que firmó al grupo, remezcló algunas de las pistas, agregó otras, rebautizó al LP como “Girl You Know It's True” y lo puso a la venta en Estados Unidos a inicos de 1989.

La canción que le daba el nombre al álbum llegó a ser número dos dentro de las 100 más calientes y fue certificada como platino. Pero mayor fue el éxito de los tres sencillos que le siguieron: "Baby Don't Forget My Number", "Girl I'm Gonna Miss You" y "Blame It On The Rain". Todos fueron número uno. Después vino “Al or Nothing” que estuvo entre las cinco primeras a inicios de 1990.

El pico de popularidad de Milli Vanilli terminó con el premio Grammy al mejor artista en febrero de 1990.

El éxito y la fama se le empezó a subir a la cabeza al dúo, particularmente a Pilatus, quien empezó a tener fuertes cambios de carácter y un comportamiento errático, además de volverse adicto a la cocaína. En una entrevista con la revista Time comparó a Milli Vanilli y particularmente a él con Bob Dylan, Elvis Presley, Paul McCartney y Mick Jagger lo que le valió todo tipo de burlas.

Ese mismo año, durante un concierto que fue grabado por MTV la pista musical de “Girl, You Know It's True” se trabó y empezó a repetir "Girl, you know it's..." una y otra vez. En realidad a la gente que estaba ahí ni le importó, pero la gente de la prensa empezó a cuestionar a Rob y a Fabrice en las críticas a su presentación.

Para agravar las cosas, el disco lanzado en Estados Unidos sí le daba los créditos de la voz a Morva y a Pilatus, lo que generaba más presión dentro del grupo, sobre todo por parte de Rob y Fabrice que querían cantar en el próximo disco. Eso le llenó la paciencia a Farian.

La presión interna y externa fue tal que Farian le confesó a la prensa el 12 de noviembre de 1990 que Morvan y Pilatus no eran los cantantes de las canciones que los habían hecho famosos. La prensa reaccionó con una dureza implacable que provocó que el Comité de los Grammys decidiera retirar el premio. El premio que no fue retirado fue el de los “American Music Awards” debido a que los organizadores estimaron que ellos habían ganado por decisión de los consumidores.

De la misma manera, Arista Records canceló el contrato y borró el disco y sus cintas master de su catálogo, además de cancelar cualquier otra publicación del LP.

A raíz del escándalo en Estados Unidos se presentaron 26 demandas contra Pilatus, Morvan y Arista. Al final, lo que obtuvo la gente no fue dinero en efectivo sino crédito para comprar otros discos de la casa grabadora.

El segundo disco de Milli Vanilli estaba listo para salir cuando estalló el escándalo. Fue entonces cuando Farian decidió cambiar las fotos de las portadas por las de los verdaderos cantantes. De paso le cambió el nombre al dúo como “The Real Milli Vanilli” (Los Verdaderos Milli Vanilli). Sin embargo, dado que el cambio se hizo muy sobre la hora, el diseñador gráfico olvidó cambiar el nombre de los artistas en el lomo del disco y aún en él puede leerse el nombre viejo.

En Estados Unidos el disco se llamó “Keep On Running” (igual que el sencillo que se usaría para promoverlo) y en Europa fue “The Moment of Truth”. Aunque se extrajeron tres sencillos, el disco fue un fracaso.

El grupo fue reformado incluyendo a Horton como la cara más visible y en 1992 RCA firmó un contrato con un grupo llamado Try'N'B. El disco incluyó canciones de los Real Milly Vanilly y vendió bastante mejor bajo el nombre de este grupo que del anterior.

Por su parte Morvan y pilatus se mudaron a Los Ángeles y firmaron con Joss Etertainment Group para grabar un disco bajo el nombre de Rob & Fab. Casi todas las canciones del disco fueron escritas por Kenny Taylor y Fabrice Morvan, mientras los dos ex Milly Vanilly cantaban. La disquera no tenía el músculo para sacar el disco fuera de Estados Unidos, el mercado más ácido para el grupo. Sumado a eso la falta de publicidad, mala distribución y el arrastre del escándalo terminaron de hundir al disco.

Con los años pasó mucha agua debajo del puente y Farian también tuvo que pagar su cuota de fracasos. En 1997 se puso de acuerdo con Morvan y Pilatus para producir un disco de Milli Vanilli en los que ellos serían las voces. “Back and in Attack” contó con el apoyo de los cantantes originales con el fin de ayudar a recapturar la fama tan rápidamente perdida.

Sin embargo, Pilatus se enfrentó a muchos problemas durante la producción. Nuevamente volvió a las drogas, robó y fue a parar a la cárcel por tres meses. Farian pagó para que Pilatus fuera seis meses a una clínica a desintoxicarse y a rehabilitarse, además de un tiquete de regreso a Alemania.

Justo antes de la gira de promoción del disco, Pilatus fue encontrado muerto en un hotel de Frankfurt luego de intoxicarse con píldoras y alcohol.

Desde entonces Morvan se dedicó a la música, además de ser presentador de radio y de haber lanzado en 2003 su disco “Love Revolution”.

Reflexionando sobre la muerte de Rob, Fabrice dice en su sitio web: “Milli Vanilli no fue una desgracia, la única desgracia fue la forma en que murió Rob: solo, destruido internamente por un rápido ascenso y una caída precipitada”. Y termina diciendo: “Siento un gran dolor al escuchar la noticia sobre mi amigo y hermano Rob. Siempre será una parte de mí . Crecimos juntos luchando y triunfando. Lo único que queríamos era una oportunidad para cantar y actuar.”

Mike Zito

La pasión musical de Mike Zito ha sido alimentada por su amor por la guitarra y por los íconos legendarios que lo cautivaron cuando joven, como Eddie Van Halen, Eric Clapton, Jimi Hendrix y Stevie Ray Vaughan. Todo eso llegó gracias a su trabajo como vendedor de discos en una tienda en su natal San Luis, Misuri.

Después de cuatro trabajos independientes, el año pasado Zito grabó “Today”, su primer álbum con el sello Eclecto Groove y este año regresa con “Pearl River”, en el cual hace una visita a sus raíces musicales, haciendo énfasis en las letras. Este nuevo trabajo es otro acierto de Mike Zito, quien se rodeó de invitados especiales como Cyril Neville y Reese Wynans (ex Double Trouble) para lograr un sonido blues con sabor a Nueva Orleáns, funk y el viejo rock’n’roll.

Desde EUA nos llega este trabajo de blues al más puro estilo eléctrico del guitarrista Mike Zito. Editado por el sello Eclecto groove (Subsello de Delta Groove) 13 canciones componen este cd en el que encontramos temas "salvajes de guitarra" como es "Dirty blonde" con el que abre el cd, pasando por "baladas fronterizas" como sería "Pearl River" tema que da título al cd y que está compuesto e interpretado a medias con Cyril Neville.

Encontramos también buenas versiones de clásicos como "Eyesight to the blind" de Sonny Boy Williamson donde le acompaña a la harmónica magistralmente Randy Chortkoff. Otra canción en este caso en acústico con la colaboración de Anders Osborne a la guitarra y voz es "One step at a time" una excelente balada. Gratamente es la colaboración en el tema "Shoes blues" a la voz de la cantante femenina Susan Cowsill acompañado por excelentes solos de Mike.

Otra canción con un ritmo Zydeco (gracias a la colaboración del gran) Johnny Sansone es el tema "Dead of night". Muy buena es tambien la versión del "Sugar sweet" de Mel London.

Personalmente no me canso de oir la versión de "All last night" del gran George "Harmonica" Smith donde bajo una gran guitarra cuenta con la presencia del gran harmonicista Lynwood Slim.

Un total de 13 canciones recomendables para los amantes del blues de buena calidad. Un nombre más para la fonoteca del buen blues.

Pagina: http://www.mikezito.com/
Fuentes:
historiasdelblues.wordpress.com
borntobebadradiosantboi.blogspot.com

Mortadela Rancia

Mortadela Rancia fue el primer grupo que integró Gonzalo Aloras en su Rosario natal, allá por el año 1992. Dos años mas tarde graban "Ciudad Paranoia", disco que sería distribuido recién en 1998 por Polygram.

Cuando el disco llegó a oídos de Fito Paéz, este inmediatamente lo llamó a Gonzalo Aloras para integrar su banda, primero como tecladista y luego como guitarrista.

Mortadela Rancia se disuelve ese mismo año.

En el '99 fueron invitados por Fito Páez para tocar como teloneros en el Teatro Astengo.

Mimi Maura

Midnerely Acevedo nació en Puerto Rico. Creció entre el continente en Estados Unidos y la isla. Su padre cantaba y componía cuando ella era niña y asi aprendio a cantar: escuchando a su padre y los discos que su padre escuchaba.

A los catorce se estableció en San Juan y en esta epoca comenzó a tocar con distintas bandas locales y a realizar conciertos. Una banda de heavy metal de chicas en formación descubrió su increible voz y la convocó para ser su cantante.

Asi Alarma, la banda mas famosa del rock latino integrada sólo por mujeres conto a Mimi como su voz. Llegaron a presentarse en New York en SOB's y en Los Angeles para el festival de la revista La Banda Elastica. En Puerto Rico compartieron escenario con Dos Minutos, Fito Paez y Los Fabulosos Cadillacs.

Sin embargo en la historia de Mimi ocurriria algo imprevisto, y tambien simple, se enamoro de un músico argentino (Sergio Rotman) y decidió marcharse hacia el sur, hacia las pampas.

Aqui Mimi tuvo su primer hijo, Leroy, y participó en algunas canciones que grabo Cienfuegos. Ademas le puso su voz al "Calaveras y Diablitos" de Los Fabulosos Cadillacs.

Unidos por el amor al ska, al calipso, al reggae, Sergio y Mimi formaron una banda junto a los amigos de siempre: Martin Aloe y Fernando Ricciardi, bajista de Cienfuegos y baterista de Cienfuegos y Los Fabulosos Cadillacs respectivamente. Pronto se pegaron al proyecto Mario Siperman y Toto Rotblat de Los Fabulosos Cadillacs en teclados y percusión y tambien los músicos Maneco y Jason en guitarra y trompeta.

Asi protagonizaron algunas noches porteñas en el ciclo Molotov del Centro Cultural Ricardo Rojas, en Unione y Benevolenza junto a Riddim, en el Teatro Luz y Fuerza junto a Cienfuegos, en Cemento junto a Lumumba y en el Santo abriendo para Los Fabulosos Cadillacs.

El primer disco de Mimi Maura salio a fines de 1999. El 2000 trajo muchos mas shows, cambio de integrantes y noches inolvidables en el Dorado, el Club del Vino y tantos otros bares.

Por Mario Siperman entro Dante y por Jason, Hugo Lobo y Sergio Colombo.

La banda paso con gracia e hidalguia por Obras, abriendo para Los Fabulosos Cadillacs en tres ocasiones, y por el escenario de la Fiesta Primavera Alternativa junto a Sonic Youth, Sean Lennon y 100 bandas locales.

Con viajes esporadicos a su Puerto Rico natal, su recorrido en vivo transito desde las transnoches de El Dorado al Club del Vino para desembarcar por primera vez en Junio del 2001 en una Trastienda abarrotada, experiencia que repetiria dos meses despues superando su propia marca de 1500 entradas vendidas, el record absoluto del lugar.

Los números, una hazaña para la epoca de crisis, revelan mas de 5000 discos vendidos, y dos Trastiendas en el plazo de cuatro meses a lleno total, 1500 entradas efectivas cada vez, desde una estructura independiente y sin apoyatura publicitaria.

Los fans de Mimi Maura fueron creciendo incluso entre bandas consagradas como los Fabulosos Cadillacs y Divididos que la convocaron para ser soporte en sus shows.

La experiencia indica que cada vez que Mimi toca hay que sacar las sillas para moverse al ritmo ondulante de su voz, y abrir el corazon sin timidez. Los lugares se agrandan sin sillas y ademas de mas gente, cabe mas emoción.

En los albores de un siglo nuevo, Mimi aparece en la escena porteña dándose la libertad de cantar y recrear canciones con cadencias de otras epocas, y lugares, dando la pauta de otros posibles ritmos de vivir, y sentir, siempre trasmitidos por su voz sensual y misteriosa.

Una banda solida y creativa protagoniza con enorme solvencia y sutileza el segundo disco de Mimi "Raices de Pasión", muchas de cuyas canciones vienen tocandose en vivo en los shows, continuan una historia que recien comienza y que va por mas. Estan todos invitados a ser parte de ella.

Pagina: http://www.mimimaura.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar