Ten Years After

Historia

La aparición en 1966 de grupos como Cream y el resurgimiento del blues más avanzado, superando la etapa inicial de rhythm and blues y configurándose en base del rock más progresivo, propiciaron la aparición de nuevas bandas inglesas en esta línea. Entre estos grupos pronto destacó Ten Years After, formada por Alvin Lee (19 de diciembre de 1944, Nottingham), guitarra; Ric Lee (20 de octubre de 1945, Cannock, Staffordshire), batería; Leo Lyons (30 de noviembre de 1944, Stanbridge, Bedforshire), bajo; y Chick Churchill (2 de enero de 1949, Molt, Flintshire), teclado.

En mayo de 1967, debutaron en el séptimo festival de jazz y blues de Windsor. Su fama se disparó entre ese año y 1969, con sus cuatro primeros álbumes: Ten Years After, Undead, Stonehenge y Ssssh. La consagración les vino en el festival de Woodstock, donde ejecutaron el tema I'm Going Home, que colocó a Alvin Lee entre los líderes de la guitarra de su tiempo. La película que se hizo sobre el memorable festival muestra una impresionante actuación de Ten Years After, con este tema de 11 minutos de duración. Participaron también en el festival de Wight de 1970, y luego publicaron los álbumes Cricklewood green y A space in time. Este último disco marcó su declive, acentuado después del gris Rocks and roll music to the world (1972). A space in time fue tal éxito en Estados Unidos que el grupo no paraba de hacer giras por todo el país, ese fue el factor que les hizo decaer, pues, según palabras de Alvin Lee, se negaban a ser una gramola andante. En 1973 apareció el doble álbum grabado en directo en esas circunstancias, y en 1974, Positive vibrations fue su último disco, aunque posteriormente se editara Goin' home!, recopilación de éxitos y de su triunfo en Woodstock.

Alvin Lee, que había grabado ya en solitario con Mylon LeFevre siguió dando conciertos en solitario y formó sucesivos grupos bajo su liderazgo.

Banda británica de blues-rock y R&B procedente de Nottingham. Estaba liderada por el espléndido guitarrista Alvin Lee (nacido el 19 de diciembre de 1944).
Con Lee como cantante y guitarra, el bajista Leo Lyons, el batería Ric Lee y el teclista Chick Churchill el grupo dio inicio a su trayectoria en 1965 haciéndose llamar The Jaybirds (previamente el proyecto se había llamado The Atomites, The Jaymen o The Jaycats).

En 1967 firmaron con la Decca y, ya con el apelativo de Ten Years After, debutaron en vinilo en Deram con el disco grande “Ten years after” (1967). Con esta grabación, producción de Gus Dudgeon y Mike Vernon en donde versionaban el tema de Al Kooper y sus Blues Project “I can’t keep from crying, sometimes”, el grupo no consiguió llamar demasiado la atención, todo lo contrario que con “Undead” (1968), un disco en vivo grabado en el Klooks Kleek, local habitual para la música blues-rock y R&B, en el que incluían una de sus temas más populares, “I’m going home”, canción escrita por en la cual se lucía Alvin con su voz y especialmente su guitarra. Por no hablar de la energía de la sección rítmica.

En el álbum (número 26 en Inglaterra), con portada psicodélica y producción de Vernon, sonaban también temas como “I may be wrong but I won’t be wrong always” o “Spider in my web”.

“Stonedhenge” (1969), con “Woman trouble” o “Going to try”, y “Ssssh” (1969), uno de sus trabajos clave con temas como “Good morning little school girl” o “I woke up this morning”, blues-rock a lo Cream, fueron sus dos últimos y exitosos trabajos (número 6 y número 4 respectivamente) en la década de los 60 que convertían a Alvin Lee en uno de los grandes de la guitarra en la historia del rock.

Poco a poco también iban conquistando el difícil mercado estadounidense, colándose el “Ssssh” en el puesto número 20 del Billboard, un lugar superado (número 14) por “Cricklewood Green” (1970), LP que incluía el single “Love like a man”, “50.000 miles beneath my brain”, corte muy similar, en fases, al “Sympathy for the devil” de los Rolling Stones, o el corte jazz-blues “Me and my baby”. En Gran Bretaña este disco alcanzó el puesto 4 en la lista de ventas.

“Watt” (1970) fue su último disco (número 5 en el Reino Unido) en la Decca antes de conseguir un contrato con Chrysalis, en donde debutarían con un sobresaliente LP, “A space in time” (1971), trabajo en el cual aparecía el single “I’d love to change the world”, tema blues-rock progresivo con sonidos acústicos y voz distorsionada.
Mientras en Inglaterra el disco fue peor recibido que los anteriores (número 36) en los Estados Unidos alcanzó sus mejores ventas (número 17).

La Decca, mientras tanto, recuperaba piezas desechadas para sacar al mercado “Alvin Lee and Company” (1972).
Después de “A space in time” Ten Years After grabarían en Chrysalis el festivo LP “Rock’n’roll music to the world” (1973), con el tema homónimo en clave boogie-rock o la vibrante “Choo Choo Mama”. Las ventas fueron tibias, al igual que las del directo “Ten Years After Recorded Live” (1973). El mismo año Alvin Lee grababa junto Mylon LeFevre el LP “On the road to freedom” (1973).

El fiasco más grande para el grupo fue “Positive vibrations” (1974), disco tras el que la banda decidió separarse. En esta época, y sin contar el anterior con LeFevre, Lee debutó en solitario con “In flight” (1974).

Años después, a finales de los años 80, Ten Years After retornarían con “Universal” (1988) y “About time” (1989). Directos, recopilatorios y el disco en estudio “Now” (2004) es el último legado de esta histórica banda.

Pagina: http://www.ten-years-after.com/

Helloween

Helloween es un grupo alemán de Heavy Metal/Power Metal clásico fundada a principios de los 80.

Historia

Primeros días: la furia del Power Metal

La banda se forma en 1978, con Kai Hansen y Piet Sielck. En aquel entonces, se llamaba Gentry. Cerca de 1981, cambia de nombre a Second Hell, y recluta al baterista Ingo Schwichtenberg y al bajista Markus Großkopf, quien a la vez tocaba en la banda Traumschiff. Luego, Sielck se va de la agrupación para convertirse en ingeniero de sonido y productor discográfico, a la vez que Second Hell cambia su nombre a Iron Fist. El guitarrista Michael Weikath, quien estaba tocando en la banda Powerfool, intenta convencer a Kai para ques e una a su banda, pero todo terminó con Weikath incorporándose a Iron Fist. Para 1984 Iron Fist cambió definitivamente de nombre a Helloween, firmó un contrato con Noise Records, y grabó dos canciones para un recopilatorio del sello, denominado "Death Metal". Los dos temas incluídos fueron "Oernst Of Life", cuya autoría pertenece a Weikath, y "Metal invaders", de Hansen. Ambos fueron incluidos en futuros álbumes de la banda.

En 1985 Helloween grabó su primer álbum, un mini-LP autotitulado que contenía 5 temas. El mini-LP tuvo muchísimo éxito, y durante este mismo año, el entonces cuarteto grabó y lanzó su primer álbum, titulado "Walls of Jericho". Sin embargo, durante el siguiente tour, llegó a ser obvio que Hansen tenía dificultades para cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo. La última aparición de Kai como cantante principal de la banda fue en 1986 con el single "Judas", que contenía la canción del mismo nombre y algunos temas en directo. Tras la dificultad de Hansen para tocar la guitarra y cantar a la vez, además de sus constantes problemas con su voz, surgió la idea de incluir a un quinto integrante. Entonces, Helloween empezó a buscar un nuevo cantante. Su primera opción era reclutar a Ralf Scheepers del grupo "Tyran Pace", sin embargo, ante su negativa, la banda terminó por reclutar a un joven de 18 años de una pequeña banda local conocida como "III Prophecy", Michael Kiske.

Alineación Clásica: La saga de los Keeper

Con el nuevo y joven cantante de 18 años, una mezcla entre el fraseo expresivo y enfático de Dio, el timbre y calidad de un Robert Plant, más el carisma y simpatía de Elvis Presley, grabaron su siguiente álbum, la primera parte del que seria considerado uno de los registros más importante del Power Metal y el Epic Rock de la historia del metal: Keeper Of The Seven Keys Part 1 en 1987. En este disco se rescata la experiencia metalera de los dos álbumes anteriores, además de contener el sonido melódico y épico que aportaba la extraordinaria voz de Michael Kiske y donde Kai Hansen pudo concentrarse exclusivamente en la composición, arreglos y ejecución de la guitarra junto a Michael Weikath. Con este trabajo y sus presentaciones en vivo, Helloween rápidamente se convirtió en la banda de mayor éxito de Europa de aquél entonces, sabiendo conquistar a un afiatado séquito de fans.

En 1988 Helloween grabó la segunda parte de su saga épica, Keeper Of The Seven Keys Part 2, el cual llegaría a ser la punta de lanza para los mercados internacionales. Este disco es considerado como uno de los pilares fundamentales en la escena del metal más melódico y experimental, y un referente para el que más tarde sería denominado Metal Progresivo. Keeper 2 llegó inclusive a un mayor éxito que su antecesor, siendo el álbum más vendido de la historia del grupo, gracias a temas clásicos como "I Want Out" o "Eagle Fly Free", con el cual Helloween se dio a conocer en los Estados Unidos y el resto del mundo.

A pesar de su éxito, Keeper 2 trajo consigo una carga pesada para "la calabaza". El descontento creciente de Kai Hansen por las presiones y los arreglos contractuales con el sello Noise Records, además del nuevo sonido (más melódico y comercial) que estaba tomando la banda por aquel entonces, a contramano del deseo de Kiske y Weikath de experimentar aun más allá del las posibilidades del Metal, llevo a Hansen a tomar la difícil decisión de abandonar la banda luego de la gira por Europa. Tras colaborar con Blind Guardian, toma la decisión junto al vocalista Ralf Scheppers de formar una nueva banda, más cerca al Power Metal, con el nombre de Gamma Ray.

Tras un receso de dos años y muchas especulaciones con respecto al futuro de la banda, Helloween decide continuar finalmente sin su ex-guitarrista, quien es sustituido por el destacado guitarrista del grupo Rampage, Roland Grapow, quien ya había acompañado a la banda durante la segunda parte de la gira del Keeper 2 por Estados Unidos. Con esta nueva alineación, y pese al enorme éxito que significo sus dos álbumes anteriores, Helloween continuaba debatiéndose ente sobrevivir y la disolución.

Kiske toma el control: el Lado Melódico del Metal

Luego de cierta inestabilidad, Michael Kiske puso como condición de su permanencia en la banda el tomar parte activa en la composición de los temas para el que sería el próximo álbum junto a Helloween. El resultado sería un álbum mucho más melódico que los anteriores: Pink Bubbles Go Ape, matizado por algunos pasajes que recordaban el antiguo derrotero de la banda en la escena del Metal. Pese al enfoque comercial del álbum, no tuvo el éxito esperado y comenzaron los problemas nuevamente con el sello discográfico y entre los mismos integrantes de la banda. Es así como Michael Weikath, decepcionado con el giro que había dado la banda, intenta reorganizar Helloween, invitando a los ensayos al vocalista de Pink Cream 69 Andi Deris quien declina la oferta ante la propuesta de reemplazar a Kiske.

En 1993, con la misma alineación del disco anterior, pero esta vez con influencias del pop, el jazz, el blues, y hasta el rock progresivo, lanzaron Chameleon. Este disco mostraba a la banda en una faceta más míscelánea y aun más alejada del metal que el ya comercial álbum anterior. Pese a su extraordinaria calidad y originalidad, este disco hizo que gran parte de sus fans, acostumbrados a un metal más pesado, los abandonaran. En el álbum se podían encontrar temas de gran originalidad y desarrollo musical como When The Sinner, Windmill, Step Out Of Hell, entre otros, que iban más allá del tradicional sonido metalero de las bandas de la época, mezclando los ya tradicionales arreglos metaleros junto con una orquesta de cámara, anticipando en cierta medida el sonido sinfónico y progresivo de otras bandas herederas del trabajo de Helloween de la segunda mitad de la década del 90 como Rhapsody, Stratovarius o Sonata Arctica: un sonido fresco, atrevido, lleno de pasajes que oscilaban entre un agudo sentido del humor y autocrítica, una verdadera declaración de principios sobre las creencias más intimas de cada uno de sus integrantes.

Sin embargo, la gira promocional solo sirvió para agudizar los conflictos personales entre los integrantes de la banda, hasta que finalmente el baterista Ingo Schwichtenberg cayó gravemente enfermo, (debido a una declarada esquizofrenia complicada por una dependencia a las drogas duras durante los últimos años) lo cual hizo que Weikath, cansado de su falta de compromiso hacia la banda, lo expulsara de ésta a mitad del tour.

El escaso éxito del álbum y la gira sólo hizo aumentar aún más los problemas en la banda en particular entre el guitarrista Michael Weikath y el vocalista Michael Kiske los cuales terminaron por empujar fuera a este último de la banda. El ex-vocalista, ya decepcionado de la escena musical, lanza en 1996 un disco similar a sus últimos trabajos con Helloween, esta vez en colaboración con otros grandes de la escena del Metal europeo como Kai Hansen y Adrian Smith. El disco resulta un manifiesto en contra del negocio musical de los grandes sellos discográficos, la indolencia frente a las necesidades de los demás ante nuestras propias narices y la idiotización de las masas producto de los medios de comunicación.

Weikath toma el control: La llegada de Andi Deris y el regreso al metal más duro

Helloween, ya sin Hansen, Schwichtenberg, ni Kiske, volvió con una nueva alineación en 1994 con la adición de un nuevo vocalista y amigo personal de Michael Weikath, el cantante Andi Deris, de Pink Cream 69, quien ya había sido considerado para reemplazar a Kiske dos años atrás, y el baterista Uli Kusch, de Gamma Ray. Pese a las pocas expectativas, tuvieron un relativo éxito con el lanzamiento de Master of the Rings, con un retorno a un sonido más oscuro, crudo y agresivo, más cercano al de sus primeros dos álbumes, el cual supo cautivar a una nueva audiencia de seguidores.

No obstante, la noticia del suicidio del ex-baterista Ingo Schwichtenberg, fue un golpe para la banda, los fans, y la gente relacionada con la banda. Debido a este acontecimiento, Weikath y compañía le dedicaron su segundo disco, The Time Of The Oath de 1996, inspirado en las profecías de Nostradamus. Este disco reposicionó a "la calabaza" como una de las bandas más importantes del Metal en Europa. Continuaron con la gira y lanzaron un doble directo llamado High Live.

En 1998 lanzaron Better Than Raw, para muchos, el mejor disco de la banda en la década del 90, a pesar de no estar a la altura de los Keepers. Luego llegó un álbum con versiones metaleras de clásicos del rock mundial, denominado Metal Jukebox, en 1999. En el 2000 experimentaron con The Dark Ride.

Tras la gira promocional de este último disco, Grapow y Kusch fueron expulsados de la banda debido a diferencias musicales con Weikath. En 2002, estos ex-miembros formaron la banda Masterplan. Los reemplazos para ellos en Helloween fueron encontrados rápidamente en el guitarrista Sascha Gerstner, de la banda Freedom Call, y, tras una fugaz y casi simbólica aparición en la banda del ex-baterista de Thamaritz Stephan Schlüter, el baterista Mark Cross de Metalium, quien, debido a una grave enfermedad, fue prontamente reemplazado por Stefan Schwarzmann, antes batería de Accept entre otros grupos.

Reconciliación con el pasado

A principios del 2003 Helloween lanzó el álbum Rabbit Don't Come Easy. En este nuevo álbum se mostraba una nueva tendencia más electrónica combinando un speed metal melódico con ritmos electrónicos dando forma a un nuevo estilo de música.

A mediados de 2005 llega Keeper of the Seven Keys - The Legacy, un disco que intenta plasmar lo anteriormente visto en los Keeper anteriores, pero con un estilo más cercano a lo ya visto previamente en los trabajos anteriores junto a Deris. Este nuevo disco suscitó mucha emoción por la supuesta vuelta al viejo Helloween, pero no contentó del todo a los fans, dividiéndolos entre los partidarios del viejo Helloween con Michael Kiske, y los seguidores del nuevo con Andi Deris al frente.

En 2007 se espera un nuevo disco, ya con el baterista Dani Löble, denominado Gambling with the devil.

Pagina: http://www.helloween.org/

Los Brujos

Formacion:

Lee: batería
Mala Yi: voz
Metal Lee-Chi: bajo
Rey Mental: guitarra
Robo Yi: voz
X Mental: guitarra

Desde sus inicios, a comienzos de 1988 en Turdera, este grupo fue moldeando un particular perfil estético y musical. «Nos encasillan dentro de la lista de grupos alternativos, pero ¿alternativos a que? En realidad, aunque no nos molesta que nos califiquen así, preferimos que se diga que somos un grupo que no dejamos un minuto de cambiar», aclaraba el guitarrista X Mental. La confirmación de esta afirmación se encuentra en la diversidad musical que poseen Los Brujos, con ritmos como el hip-hop, trash, funk, rap y heavy metal a lo largo de sus producciones discográficas. "Una propuesta de música beat psicodélica con mezcla de frenético hardcore", dicen. El estilo particular queda acentuado por la estética del vestuario y de los shows.

"Fin de semana salvaje" (1992) fue el debut, que tuvo en "Kanishka" al hit difusión. Contó con la producción de Daniel Melero y "está lleno de ingenuidad y frescura adolescente, no fue grabado con conciencia de disco, sin nada pensado y preparado. Los temas son casi todos de primera toma: sin buscar ni virtuosismo, ni perfeccion, y lo que reina cuando uno lo escucha es la espontaneidad..." Ese año tocaron como teloneros de Iggy Pop, en el estadio de Obras, ante 30.000 personas.

"San Cipriano" (1993) es el segundo trabajo discográfico, también producido por Melero. El hit fue "La bomba musical" y llegó a vender más de 20.000 copias. Fueron invitados a presentar el material en el show de Nirvana, en Velez. Iniciaron luego la Gira Canibal, que visitó 15 provincias y 30 ciudades del país.

En junio de 1995 se presentaron en el ciclo "Rock por una Universidad democrática", organizada por la F.U.B.A. en la Ciudad Universitaria contra la ley de educación superior. En el encuentro gratuito también participaron Juana La Loca y Los Cafres. Luego siguió el show con The Beastie Boys (en Obras) y el "Nuevo Rock Argentino" organizado por Rock & Pop, junto a Babasónicos, Peligrosos Gorriones y Massacre.

El tercer disco ("Guerra de nervios", 1995) se grabó con más de 400 horas de producción. Participaron algunos músicos invitados, como Gustavo Cerati, el propio Melero y Aitor (de Juana la Loca). «Nuestro tercer disco se llama así porque en los shows de los brujos hay mucha energia que nace desde los cuerpos de cada integrante, y en el disco se transmite ese espíritu ademas un nervio es un receptor de estímulos y la música estimula varios al mismo tiempo, produciendose de esta manera una guerra de nervios» (Mala Yi).

Robo Yi describe las distintas etapas: «Nuestros discos son como distintas películas del mismo director, que pueden distinguirse de acuerdo a la etapa que nos tocó vivir. El primer disco fue una película que remitía a historias y personajes mitológicos o ficticios. "San Cipriano" es una especie de film de terror y "Guerra de nervios" es más bien un largometraje de ciencia ficción. El próximo álbum será un western» (Télam, 13/11/95).

Los Brujos fueron la primera banda argentina en introducirse a Internet con una página personal. «Cuando nos consultaron sobre si queríamos ingresar a Internet, ni lo dudamos: es una forma más de que el grupo pueda ser conocido en las diferentes zonas de América Latina y el mundo», declaró X Mental.

«No se si somos precursores, pero sí los primeros que incurrimos en ese estilo de imagen visual, en cuanto a escenografia, vestuarios, etc. A traves de este tiempo llegamos a definir nuestro propio estilo, si le llamas precursor al que primero lo hizo, en ese sentido si somos precursores». (Metal Lee-Chi).

A comienzos de 1998 anunciaron oficialmente la separación de la banda.

Discografía:

Fin de semana salvaje, 1992
San Cipriano, 1993
Guerra de nervios, 1995

Pagina: http://www.losbrujos.com/
Fuente: Rock.com.ar

Pink Floyd

Pink Floyd,un grupo inglés de música rock, que ha trabajado los subgéneros de rock psicodélico, rock espacial, y rock progresivo. En los años 1970 fueron los segundos en ventas y los pioneros en el terreno del sonido del rock espacial.

Miembros

- Syd Barrett (compositor, vocalista y guitarrista), 1966-1969
- Roger Waters (compositor, vocalista y bajista; ocasionalmente guitarrista), 1965 en adelante
- David Gilmour (compositor, vocalista y guitarrista; ocasionalmente bajista), 1968 en adelante
- Richard Wright (tecladista, ocasionalmente compositor y vocalista), de 1965/-(su participación estuvo interrumpida de 1979 a 1987).
- Nick Mason (baterista, percusionista, ocasionalmente compositor y vocalista), de 1965/-.
- Bob Klose (guitarrista), 1965.

Formaciones

- 1º formación (1965):
- Syd Barrett (vocalista y guitarrista rítmico)
- Bob Klose (guitarrista)
- Roger Waters (bajista y vocalista)
- Nick Mason (baterista)
- Rick Wright (tecladista y vocalista)

- 2º formación (1965/1968):
- Syd Barrett (vocalista y guitarrista rítmico)
- Roger Waters (bajista y vocalista)
- Nick Mason (baterista)
- Rick Wright (tecladista y vocalista)

- 3º formación (1968)
- Syd Barrett (vocalista y guitarrista rítmico)
- Roger Waters (bajista y vocalista)
- Nick Mason (baterista)
- Rick Wright (tecladista y vocalista)
- David Gilmour (vocalista y guitarrista)

- 4º formación (Formación clásica) (1968/1981)
- David Gilmour (vocalista y guitarrista)
- Roger Waters (bajista y vocalista)
- Nick Mason (baterista)
- Rick Wright (tecladista y vocalista)

- 5º formación (1981/1985)
- David Gilmour (vocalista y guitarrista)
- Roger Waters (bajista y vocalista)
- Nick Mason (baterista)

- 6º formación (1985/1988)
- David Gilmour (vocalista y guitarrista)
- Nick Mason (baterista)

- 7º formación (1988/presente)
- David Gilmour (vocalista y guitarrista)
- Nick Mason (baterista)
- Rick Wright (tecladista y vocalista)

Historia

Orígenes

Pink Floyd nació el 5 de julio de 1964 a partir de una banda anterior que utilizó distintos nombres: Sigma 6, T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs. Luego, se apodaron The Pink Floyd Sound; luego, The Pink Floyd y finalmente sólo Pink Floyd al publicar su primer disco en 1967. El nombre proviene de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council.

Los miembros originales de Pink Floyd fueron: Syd Barrett, Bob Klose, Richard Wright, Roger Waters y Nick Mason. En un principio, la banda tenía varias carencias musicales, lo que propició la salida de Klose quien, además, tenía gustos musicales más cercanos al jazz. Su abandono dejó un cuarteto más estable en donde Syd Barrett dominaba la composición influida por el rock psicodélico y el surf, lo que se vio mejor reflejado en el primer disco de la banda.

El Principio

En 1967, después de varias sesiones instrumentales y presentaciones en vivo, principalmente en la taberna U.F.O., deciden elaborar su primer disco, The Piper at the Gates of Dawn.

En 1968, Syd Barrett, cuya salud mental se había deteriorado debido a sus experimentaciones con diversas drogas pesadas (incluido el LSD), comenzó a hacerse cada vez más impredecible, lo que afectaba las presentaciones en público del grupo. Por esto, el grupo llamó a un músico amigo de Barrett, David Gilmour, para asistirlo en guitarra y voces cuando aquél sufriera alguno de sus bloqueos mentales. Sin embargo, esta solución no resultó práctica y los demás integrantes simplemente dejaron de llevarlo a los conciertos. Barrett había compuesto la mayor parte del primer álbum del grupo The Piper at the Gates of Dawn (1967) y una pequeña parte del segundo álbum A Saucerful of Secrets (1968). Poco a poco, la figura de Barrett se hizo cada vez más ausente, hasta que finalmente dejó de participar en los trabajos con el grupo. Los demás integrantes siempre lo recordaron con afecto y llegaron a dedicarle canciones como "Wish You Were Here" y "Shine on you crazy diamond". De esta forma, empezaron a componer y liderar el grupo Gilmour y Waters. De hecho, los miembros del grupo contaron cómo les impactó la visita de un Barrett muy deteriorado durante la grabación de Shine on you crazy diamond.

La era de la experimentación

Por esos años, Pink Floyd comenzó a recibir propuestas para dedicarse a la elaboración de bandas sonoras, por su destreza y la complejidad en la composición experimental. Este estilo apuntaba a no encasillarse en vertientes o estereotipos musicales y se basaba en la gran influencia de Syd Barrett. En 1969, deciden involucrarse en un autorreconocimiento como banda y lanzan su siguiente disco doble Ummagumma (grabado entre Birmingham y Manchester). Esta obra es una mezcla de temas en vivo y experimentaciones de estudio. Cada tema fue compuesto por uno de los miembros de la banda y ocupaban la mitad de una cara de cada disco (unos 10 minutos cada uno). Desde 1969 hasta 1971, Pink Floyd exploró la faceta experimental en cada uno de sus conciertos, en los que llegaron a cambiar el ritmo de varios de sus temas. Al mismo tiempo, sumaron una mayor dosis de experimentación e improvisación con bajo, teclado, guitarra y batería. Además, la banda comenzó a usar el sonido cuadrafónico (sistema que, aparte de agregar calidad al sonido en vivo, desviaba el audio por cuatro canales diferentes). En 1970, lanzaron Atom Heart Mother, álbum en el que la banda abandonó su propuesta psicodélica para empezar a adentrarse un poco en el rock progresivo. De todos modos, y a pesar de que la fórmula fue exitosa y el éxito acompañó al álbum, la banda no quedó demasiado contenta con él. Al año siguiente, editaron Meddle (1971), un álbum en el que la banda aumentó su propuesta progresiva y demostró una maduración extraordinaria, tanto artística como musicalmente. Un álbum menos conocido, Obscured By Clouds, salió en 1972 como la banda sonora de la película La Vallée. En 1972, dejaron de montar shows experimentales y comenzó una nueva era creativa: La era Waters.

El reconocimiento y la era Waters

A pesar de que Pink Floyd editó pocos sencillos, como Arnold Layne y See Emily play, además de Point Me At The Sky (el cual no tuvo mucho éxito); cuando produjo el exitoso álbum The Dark Side of the Moon (1973), el sencillo Money fue número trece en los Estados Unidos, el disco estuvo alrededor de 14 años en la lista de los 100 principales, rompió varios récords y es uno de los más vendidos de todos los tiempos. The Dark Side of the Moon es un álbum conceptual en el que se mezclan referencias a la neurosis, la locura y la fama, y técnicamente fue una innovación al utilizar un nuevo equipo de 16 pistas en los Estudios Abbey Road con el ingeniero de sonido Alan Parsons a los mandos de la edición, constituyendo un nuevo estándar en la alta fidelidad. El álbum también es fuente de una leyenda urbana que dice que fue concebida como banda sonora alternativa de la película El Mago de Oz de 1939, versión que fue desmentida por el grupo. Existen innumerables ediciones piratas de los conciertos previos al lanzamiento del disco. De hecho, buena parte de las canciones ya eran muy conocidas antes de la salida del disco.

Wish You Were Here se publicó en 1975 como un tributo a Syd Barrett que contiene letras explícitas sobre su proceso y separación. En el álbum destacan el tema "Shine On You Crazy Diamond", básicamente instrumental y que recibió los elogios de la crítica, y "Wish You Were Here", que dio título al trabajo. Sus canciones restantes ("Have a Cigar" y "Welcome to the Machine") hacian referencias a las presiones constantes de los productores con los músicos que había empezado cuando The Dark Side of the Moon se consagró como número 1.

Por 1977, cuando se publicó Animals, Pink Floyd comenzó a recibir críticas por ser excesivamente pretenciosos y flojear en la composición, perdiendo la senda de la simplicidad del rock and roll anterior. Animals contiene largas canciones asociadas a un tema, tomado en parte de la novela Rebelión en la granja (Animal Farm) de George Orwell, que utiliza cerdos, perros y ovejas como metáfora de la sociedad contemporánea, estando más presente en la instrumentación la guitarra que en sus otros trabajos.

En 1979 se publica la ópera rock The Wall, concebida principalmente por Roger Waters, que devolvió a Pink Floyd a las listas de éxitos y que actualmente es el tercer disco más vendido en los Estados Unidos. Entre otros, el tema "Another Brick in the Wall, Part II", una crítica a la educación infantil, fue número uno en las listas y se convirtió casi en himno contra el sistema educativo (principalmente al sistema educativo inglés). Otro tema, "Comfortably Numb", que nunca se editó como sencillo, se convirtió en pieza fundamental de todas las listas y hoy en día es una de las canciones más conocidas del grupo, teniendo como curiosidad que es la única canción de sus últimos cuatro discos en la que no hay continuidad con la canción anterior ni siguiente. Con The Wall el grupo hizo una gira con un colosal montaje que incluía la construcción de un muro gigante que iba ocultando el escenario y que finalmente era destruido, todo ello siguiendo la historia de esta obra conceptual. El álbum fue coproducido por Bob Ezrin, quien fue llamado para servir como mediador entre Gilmour y Waters, debido a las continuas discusiones que se producían entre ambos. Ezrin había producido discos para Alice Cooper y Kiss. Además de como productor, Ezrin participó en la composición del tema The Trial.

El carísimo montaje de The Wall generó grandes pérdidas económicas y fue una piedra más en los engranajes de la banda, unido a que se hizo patente el liderazgo de Roger Waters, creando frecuentes conflictos con los otros miembros del grupo y llegando a provocar la salida de Richard Wright, que volvió a participar en los conciertos de la gira pero ya contratado por un salario fijo, (irónicamente esto permitió que Wright fuera el único que ganara algo de dinero).

The Wall es una obra conceptual, una opera rock con una historia completa pensada para ser llevada al cine, aunque hasta 1982 no vio la luz la película Pink Floyd: The Wall, adaptada por el propio Roger Waters, dirigida por Alan Parker y protagonizada por Bob Geldof, el líder del grupo Boomtown Rats. La película contiene notables escenas de animación realizadas por Gerald Scarfe, colaborador desde hacía tiempo de Pink Floyd, y que siguieron la misma línea de sus diseños para la carpeta del doble álbum de 1979. En la película se incluyeron temas no incluidos en el álbum original y que explican toda la historia del disco, ya que habían contado sus miembros en varias entrevistas.

En 1983 vio la luz The Final Cut álbum que retomaba trabajos no incluidos en The Wall y que mantenía su misma atmósfera, algo más "oscura" quizás. También significó la aparición de canciones relacionadas con temas de actualidad, algo impuesto por Roger Waters y que ha seguido haciendo en su carrera en solitario, como el tema "The Fletcher Memorial Home" en el que se refleja la rabia de Waters en relación a la intervención británica en la Guerra de las Malvinas. Algo más habitual en el grupo como la crítica social, pero orientado a otra de las fobias de Waters a partir de aquí, es el tema "Two Suns in the Sunset" sobre el cinismo y el miedo de la guerra nuclear. Aunque el álbum fue publicado por Pink Floyd como grupo, parece claro que ya respondía al proyecto personal de Waters y es clara la continuidad sonora, estética y temática con su posterior carrera en solitario. Quizás salvo por la estela de éxito de The Wall (que hizo que el álbum fuera bastante menos exitoso que este) y la conmoción de los seguidores del grupo ante su disolución, el tema "Not Now John" apareció durante algún tiempo en las listas de éxitos.

La ruptura con Roger Waters

Después de The Final Cut, los integrantes del grupo se separaron y comenzaron una batalla legal por los derechos del nombre de la banda, principalmente Roger Waters y David Gilmour. Mientras el primero deseaba su desaparición definitiva, para beneficiar comercial y artísticamente su carrera solista, el segundo quería continuar el trabajo con el resto de miembros. Roger Waters abandonó formalmente Pink Floyd en 1985 con el fin de apoyar su postura legal respecto a la existencia del grupo. Aún así, Waters no presentó argumentos coherentes ante el tribunal, por lo que los abogados le recomendaron que llegara a un acuerdo legal con sus ex compañeros. Finalmente, Waters cedió el nombre a David Gilmour y a Nick Mason, aunque mantuvo sus derechos sobre gran parte de la obra anterior del grupo, en especial sobre el concepto escénico teatral de The Wall.

La era Gilmour

Así, en 1987 Pink Floyd publica el álbum A Momentary Lapse of Reason sin Roger Waters, en parte rescataba el estilo del segundo álbum solista de Gilmour, About Face, prácticamente un álbum de David Gilmour disfrazado de Pink Floyd pues la contribución de Nick Mason y Richard Wright (quien volvió a la banda tan solo como músico sesionista por razones legales relacionadas con el reciente pleito con Waters) fue casi mínima, siendo estos a veces reemplazados por músicos de estudio. Los temas "Learning to Fly" y "On the Turning Away" alcanzaron el número uno en las listas mainstream rock track de billboard de los Estados Unidos y el número uno en las listas de singles británicas de Inglaterra. En 1988 fue publicado el álbum Delicate Sound of Thunder, grabado durante la gira del álbum A momentary lapse of reason. En él ya figura otra vez Rick Wright como miembro oficial de Pink Floyd.

En 1994 se publicó The Division Bell, álbum en el que se recuperaron los principios de colaboración grupal que se perdieron a finales de los setenta. Posteriormente, en 1995, es publicado un álbum doble en vivo llamado P.U.L.S.E., grabado durante la gira de 1994 del álbum The Division Bell. Pink Floyd no ha vuelto a publicar nuevo material desde entonces y aunque no están oficialmente disueltos, no hay ninguna declaración oficial sobre nuevos trabajos. Pero según una nota publicada en el Diario Clarín, de Argentina, el año pasado Gilmour afirmó que Pink Floyd jamás volvería a tocar, es decir, que estarían separados.

Después de Pink Floyd

En 2000 se publicó una recopilación en vivo de las giras 1980 y 1981 del The Wall bajo el título The Wall Live: Is there anybody out There? Se han publicado numerosas recopilaciones de la obra de Pink Floyd, de las cuales la última Echoes: The Best of Pink Floyd (2001) ha causado bastante controversia, ya que muchos temas se han ensamblado con continuidad pero en distinto orden que en sus discos originales, mientras que de otros temas como "Shine On You Crazy Diamond" y "Marooned" se han eliminado partes completas. En el 2003 se lanzó el álbum conmemorativo de los 30 años del Dark Side of the Moon el cual es el primero de los discos de la banda en ser publicado en el formato SACD (Super audio CD).

Live 8

El 2 de julio de 2005, tras una larga historia de peleas y demandas, Roger Waters se reunió con sus antiguos compañeros para una presentación de sólo 4 temas en el concierto de Live 8. El histórico concierto fue la primera presentación de Roger Waters con la banda después de 20 años de separación. Para el grupo también fue su primer concierto juntos luego de 10 años de inactividad. La BBC condujo una encuesta en la cual Pink Floyd resultó ganador como Mejor Espectáculo del Live 8 y las ventas de sus discos se elevaron en casi un mil por ciento. David Gilmour donó el excedente de las ganancias declarando que "no sería ético hacer dinero por un evento cuyos principios son la caridad y la solidaridad..." En septiembre y a tan sólo unos meses del evento fue publicada la ópera "Ça Ira" de Waters.

En la actualidad

El 2 de junio de 2006, Waters inició su World Tour Dark Side Of The Moon que seguirá hasta el 2007, pasando por Latinoamerica con montajes impresionantes en toda la gira.

El 7 de julio de 2006 Syd Barrett murió en su casa de Cambridge, debido a un cáncer pancreático.

El 28 de agosto de 2006 la emisora de radio Planet Rock hizo una encuesta preguntando sobre los 40 mejores solos de guitarra de la historia del rock, la lista estuvo encabezada por el solo final de Comfortably Numb.

Carreras en solitario

Todos los miembros de Pink Floyd han publicado discos en solitario con diverso grado de éxito comercial y de crítica, destacando los álbumes The Pros and Cons of Hitch Hiking con Eric Clapton como guitarra principal y Amused To Death, ambos de Roger Waters. También fue un hito musical la recreación que hizo Roger Waters del espectáculo The Wall, (Berlín 1990), junto a varios colaboradores, entre los que destacaron Bryan Adams, Paul Carrack, Cyndi Lauper, Van Morrison, Sinead O'Connor y Scorpions, además de La Rundfunk Coros & Orquestra del Este de Berlín y la banda Militar de las Fuerzas Sovieticas en Alemania. Concierto único con una espectacular puesta en escena delante de más de 300.000 personas donde un año antes se derribaba el Muro de Berlín, esta vez levantando entre público y artistas el aclamado The Wall de proporciones enormes, superando las giras de 1980-1981 con Pink Floyd y suponiendo la más impresionante puesta en escena de esta gran ópera rock. Después de años de retraso, Roger Waters finalmente publicó el 25 de septiembre la Ópera "Ça Ira"[1] (2005).

Nick Mason ha lanzado dos LP: Fictitious Sports y Profiles. Cabe señalar que también compuso la banda sonora del documental La Carrera Panamericana del cual participó en la carrera junto a Gilmour y Steve O'Rouke en 1992. Además publicó el libro Inside out: a personal history of Pink Floyd, una visión personal de la historia de la banda desde sus comienzos hasta la actualidad.

Richard Wright ha publicado tres obras en solitario: Wet Dream (1978), Identity (1984) y su último trabajo Broken China lanzado en 1996.

David Gilmour ha lanzado varios álbumes, siendo el más popular el primero de ellos, titulado David Gilmour (1978). Luego de la partida de Roger Waters lanzó un álbum llamado About Face (1984) a lo cual lo acompañó un VHS de la gira About Face Tour, pero sólo editado en EE.UU., ya que en Inglaterra sus ventas no eran muy buenas y destaca en su trayectoria un DVD llamado David Gilmour in Concert (2002) en el cual se refleja dos shows de su gira Unplugged en 2001 en el Meltdown y en el Royal Albert Hall. El 6 de marzo de 2006, día de su cumpleaños número 60, lanzó su tercer trabajo en solitario llamado On An Island, el cual cuenta con numerosos e importantes invitados; incluso el mismo Richard Wright toca los teclados. Desde este mismo mes David Gilmour se embarcó en una gira de presentación de su última obra por Europa y EE.UU.; en sus primeras presentaciones ha sorprendido a los fanáticos con interpretaciones de temas clásicos del grupo como "Arnold Layne", "Echoes", y "Wot's... Uh The Deal".

Datos curiosos

- La historia de Pink Floyd como tal parece haber concluido en el disco The Wall. El álbum The Final Cut fue completamente monopolizado por Roger Waters, por lo cual a veces se le considera más bien como su primer disco en solitario, mientras que el álbum A Momentary Lapse of Reason, concebido básicamente por David Gilmour, normalemente se considera mas como su tercer disco solista. Sin embargo, muchos califican al último álbum The Division Bell como un retorno a un estilo mucho más parecido al original Pink Floyd, excepto precisamente por la ausencia de Waters.

- Nick Mason es el único miembro que aparece en todas las alineaciones y todos los álbumes de Pink Floyd.
- Aunque Mason es el único miembro que aparece en todos los discos de Pink Floyd, no actuó en todos los shows. En 1995, cuando Gilmour, Wright y Billy Corgan tocaron "Wish You Were Here", Mason no asistió. De esta forma, Rick Wright es el único miembro que ha estado en todas las presentaciones en vivo.

- Pink Floyd no ha grabado un disco de estudio desde 1994 y sin embargo aún no existe una separación oficial de la banda, sino que se encuentran en stand-by. Tampoco han tocado juntos desde entonces, a excepción de Live 8 en donde se reunieron los cuatro miembros de Pink Floyd luego de 24 años sin tocar juntos. Sin embargo, en una entrevista reciente hecha a David Gilmour, éste afirmó que Pink Floyd nunca mas se uniría a tocar.

- Se dice que el tema "Echoes" de 23 minutos en el álbum Meddle, fue compuesta también con la intención de ser la banda sonora paralela del "Tercer Acto: Misión a Júpiter" de la película 2001: Una odisea del espacio.

- La pregunta (Oh by the way which one's Pink?) - (Oh por cierto, ¿cuál de ustedes es Pink?) que forma parte de la letra de "Have a cigar", del disco Wish You Were Here, fue realmente hecha a los componentes del grupo por un ejecutivo de la EMI.

- El 23 de diciembre de 1966 el grupo inauguró el UFO Club en el primer concierto con el nombre reducido y definitivo “Pink Floyd” y que a razón del cual le surgió su primer contrato con la EMI.

- El disco “The Dark Side Of The Moon” se mantuvo 740 semanas en la lista americana “Billboard” (hasta 1988) 301 semanas en la británica, y que además logró la friolera de más 23 millones de copias vendidas.

- Roger Waters, Nick Mason y Rick Wright, se habían conocido en el 65, en la escuela de arquitectura de Rojen Street.

Pagina: http://www.pinkfloyd.co.uk/

Philip Glass

Philip Glass (Baltimore, 31 de enero de 1937) es un compositor estadounidense de música minimalista. Nació en Baltimore y de niño estudió flauta en el conservatorio Peabody. Más tarde asistió a la escuela de música Julliard, donde empezó a tocar casi exclusivamente el piano.

Años de juventud

Philip Glass es nieto de inmigrantes judios originarios de Lituania. A los 15 años comenzó un curso acelerado en la Universidad de Chicago donde estudió matemáticas y filosofía. A los 19 años abtuvo su diploma y entró a la Juilliard School de Nueva York donde tuvo como profesor a Darius Milhaud. De 1963 a 1965 partió a estudar a París con Nadia Boulanger en el Conservatorio americano de Fontainebleau el análisis de composiciones de Johann Sebastian Bach (El clave bien temperado), Mozart (los conciertos para piano), y Beethoven. Glass descubre asimismo el serialismo de Pierre Boulez, pero afirmó que no le produjo « ninguna excitación ». Este periodo en Paris le sirvió para descubrir el teatro de Jean-Louis Barrault en el Odéon y la Nouvelle Vague francesa.

Encuentro con el budismo

Tras estudiar con Nadia Boulanger y trabajar con Ravi Shankar en Francia, Glass viajó en 1966 al norte de la India, principalmente por razones religiosas, donde entró en contacto con los refugiados tibetanos. Se hizo budista y conoció al Dalai Lama en 1972, así como al poeta Allen Ginsberg. Es un gran defensor de la causa tibetana. Fue su trabajo con Ravi Shankar y su percepción del ritmo aditivo en la música india, lo que le condujo a su singular estilo. Cuando volvió a casa, renunció a todas sus composiciones anteriores al estilo de Darius Milhaud y de Aaron Copland y empezó a escribir piezas austeras basadas en ritmos aditivos y con un sentido del tempo influenciado por Samuel Beckett, cuyo trabajo descubrió componiendo para obras de teatro experimentales.

En Busca de un Estilo Propio

El poco aprecio que siente hacia los intérpretes y los espacios tradicionales lo llevan a formar su propio grupo musical, el Philip Glass Ensemble, con el que empieza a tocar principalmente en galerías de arte y otros ambientes underground. Estos tiempos durísimos, que abarcaron casi la totalidad de la década de los 70, le obligaron a trabajar como taxista y reparador de electrodomésticos a la vez que componía e interpretaba.

La música de esta primera época es extremadamente repetitiva, austera y complicada para el oyente, lo que le supuso una gran incomprensión por parte de la crítica y el público. El propio Glass comentaba que cuando alguien del público se quedaba hasta el final, le invitaban a cenar. Sólo empezó a ser reconocido a partir de su colaboración con el escenógrafo, también minimalista, Robert Wilson, con quien realizó la ópera experimental Einstein on the Beach, un alegato antinuclear con libreto escrito por un psicótico donde cada elemento clásico del género operístico es renovado y alterado de modo consciente. Aún así, a pesar del relativo éxito de la obra, tiene que seguir trabajando como reparador durante un tiempo antes de poder dedicarse totalmente a la música.

Reconocimiento

La realización de nuevas óperas así como una dulcificación de su estilo a principios de los 80, que lo hizo más accesible para el gran público, hizo avanzar la fama de Glass, así como su relevancia dentro de la cultura musical alternativa. Los primeros escarceos con músicos pop (como Mike Oldfield en su LP Platinum, donde interpreta una pieza de Glass) contribuyeron a darle a conocer en círculos más amplios.

Es posible que la fama a nivel mundial y cierto status de genio le llegara a través de la película experimental Koyaanisqatsi, producida por Francis Ford Coppola.

Durante el resto de los años 80 siguió produciendo música en solitario y con su grupo pero no escatimó en colaboraciones con otros músicos, tanto pop como minoritarios o de otras culturas, y en la realización de música de cine. Desde entonces y hasta la actualidad Glass ha orquestado algunas partes instrumentales de los discos de David Bowie Low y Heroes (Low Symphony y Heroes Symphony) así como muchas películas; el biopic dirigido por Errol Morris A Brief History of Time (basado en el libro divulgativo de física de Stephen Hawking); Mishima, de Paul Schrader o Kundun, de Martin Scorsese.

Consagración

Ya en los años 90 Philip Glass adquirió fama universal. Sin embargo, esta fama no está exenta de cierta polémica ya que hay sospechas de que es incompatible el ritmo de vida que lleva, con un número elevadísimo de conciertos en todo el mundo durante todo el año, con el ingente volumen de su producción. Asimismo, su música durante todo este periodo se ha alejado cada vez más del minimalismo y de sus planteamientos personales iniciales para llegar a posturas más comerciales y llenas de clichés "glasianos", como sus característicos arpegios o transiciones tonales.

Pagina: http://www.philipglass.com/

Marian McPartland's

La pianista, compositora y directora de orquesta, Marian McPartland's estudió música en la "Guilhall School of Music de Londres. Atraída por el jazz tras escuchar a Duke Ellington en un concierto, formo parte de un cuarteto dirigido por Billy Mayerl con el que efectuó una gira de un año. Actuó después con una compañía de vaudeville con el nombre artístico de Marian Page, y con ese nombre participó en algunos programas de radio. Durante la Segunda Guerra Mundial formó parte de un grupo musical organizado por el ejercito inglés para entretener a las tropas aliadas.

Durante una gira por Alemania en 1945, recién terminada la contienda, conoció al cornetista, Jimmy McPartland con quien se casó y tomó el nombre artístico que le acompañaría durante toda la vida. En 1947 tocó el piano en una formación que hacia dixieland en Londres y con el que fue a Chicago. El grupo se llamó "Brasrail Lounge". Durante los años cincuenta grabó para los sellos Savoy y Capitol varios discos importantes, siendo el mejor el titulado: At the Hickory House
grabado en 1954 junto al bajista, Bill Crowan y el baterista, Joe Morello, instrumentistas habituales de dicho club neoyorquino. Desde 1961 trabajó como líder de su propio grupo, generalmente un trío siendo sus habituales acompañantes, el bajista: Max Wayne y el baterista, Mousey Alexander. Su carrera profesional en esos años transcurrió mayormente en el ya citado "Hickory House" de New York consiguiendo diariamente una gran audiencia de público.

En 1963 estuvo tocando ocasionalmente con Benny Goodman y durante su estancia en el grupo del clarinetista se divorcio de su marido sin renunciar a llevar artísticamente el apellido de casada. Decidió fundar su propio sello discográfico "Halcyon", con el que lógicamente se multiplicaron su grabaciones. La década de los setenta la inició con una actividad profesional frenética sobre todo en el área de New York y grabó varios discos que de manera monográfica los dedicaba a la música de los grandes del jazz en su famosa y afamada serie: "Piano Jazz". Su discografía es extensísima, sus álbumes son de una calidad muy pareja y están repartidos en los ultimos tiempos entre el sello: Concord Jazz y Jazz Alliance.

La pianista, compositora y directora de orquesta, Marian McPartland's estudió música en la "Guilhall School of Music de Londres. Atraída por el jazz tras escuchar a Duke Ellington en un concierto, formo parte de un cuarteto dirigido por Billy Mayerl con el que efectuó una gira de un año. Actuó después con una compañía de vaudeville con el nombre artístico de Marian Page, y con ese nombre participó en algunos programas de radio. Durante la Segunda Guerra Mundial formó parte de un grupo musical organizado por el ejercito inglés para entretener a las tropas aliadas.

Durante una gira por Alemania en 1945, recién terminada la contienda, conoció al cornetista, Jimmy McPartland con quien se casó y tomó el nombre artístico que le acompañaría durante toda la vida. En 1947 tocó el piano en una formación que hacia dixieland en Londres y con el que fue a Chicago. El grupo se llamó "Brasrail Lounge". Durante los años cincuenta grabó para los sellos Savoy y Capitol varios discos importantes, siendo el mejor el titulado: At the Hickory House
grabado en 1954 junto al bajista, Bill Crowan y el baterista, Joe Morello, instrumentistas habituales de dicho club neoyorquino. Desde 1961 trabajó como líder de su propio grupo, generalmente un trío siendo sus habituales acompañantes, el bajista: Max Wayne y el baterista, Mousey Alexander. Su carrera profesional en esos años transcurrió mayormente en el ya citado "Hickory House" de New York consiguiendo diariamente una gran audiencia de público.

En 1963 estuvo tocando ocasionalmente con Benny Goodman y durante su estancia en el grupo del clarinetista se divorcio de su marido sin renunciar a llevar artísticamente el apellido de casada. Decidió fundar su propio sello discográfico "Halcyon", con el que lógicamente se multiplicaron su grabaciones. La década de los setenta la inició con una actividad profesional frenética sobre todo en el área de New York y grabó varios discos que de manera monográfica los dedicaba a la música de los grandes del jazz en su famosa y afamada serie: "Piano Jazz". Su discografía es extensísima, sus álbumes son de una calidad muy pareja y están repartidos en los ultimos tiempos entre el sello: Concord Jazz y Jazz Alliance.

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My Chemical Romance

'My Chemical Romance (nombre inglés que puede traducirse al español como "Mi Romance Químico") es una banda de Nueva Jersey cuyos miembros provienen de Belleville y Kearny, Nueva Jersey y, su baterista, de Chicago. El género musical de My Chemical Romance es muy debatido, ellos tienen influencias de Queen,The Smiths, Morrissey, The Cure, Iron Maiden, The Misfits, y Black Flag. A principios de su carrera su estilo era claramente el post-hardcore, pero ahora el grupo se ha tornado más comercial por lo que ahora se le asocia más bien al rock alternativo.

El nombre del grupo viene de un libro escrito por Irvine Welsh llamado "Ecstasy: Three Tales of Chemical Romance" (en español Éxtasis). Fue sugerido por Mikey Way, bajista del grupo y hermano menor de Gerard. Su nombre es a veces abreviado como "MCR" y llamado "My Chem" por fans.

Historia

2001 a 2002: primeros años

El grupo se formó cuando Gerard Way, le propuso a su amigo de secundaria Matt Pelissier, en el año 2001, para formar una banda. Comenzaron a componer canciones juntos y se sintieron tan a gusto con su primera canción "Skylines and Turnstiles", escrita por Gerard Way mientras vivía en New York e inspirado en el atentado a las Torres Gemelas el día 11 de septiembre, que decidieron llamar al guitarrista Ray Toro para que tocara junto a ellos, pues Gerard lo conoció por medio de un amigo que tenían en común y era el mejor guitarrista que conocía. El hermano menor de Gerard, Mikey Way, se enteró de este nuevo proyecto y quiso unirse, pero nunca había tocado ningún instrumento, así que dejó sus estudios y se quedó ensayando hasta altas horas de la madrugada para aprender a tocar el bajo, tarea que consiguió en muy poco tiempo dejando a todos sorprendidos. En el invierno del 2001 grabaron un demo llamado Dreams Of Stabbing And/Or Being Stabbed, en donde se incluyeron canciones como Our Lady of Sorrows, que en ese demo se llamo "Bring More Knives".

En el 2002, firmaron con el sello independiente Eyeball Records para grabar un disco titulado I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love. La banda comenzó a grabar el disco en la misma sala con Thursday y Pencey Prep; fue entonces cuando Frank Iero se interesó por la banda y se integró a ella, dejando de lado la universidad y su anterior banda, Pencey Prep. Aunque Frank Iero se integró último en la banda, alcanzó a tocar la guitarra en dos pistas del álbum: "Early sunsets over Monroeville" y "Honey, this mirror isn't big enough for the two of us". El disco, oscuro, introspectivo y catártico, fue lanzado en julio de 2003. Gerard Way dijo que las letras eran una manera de tratar los problemas de depresión con los que había lidiado gran parte de su vida y que lo habían llevado al alcoholismo e incluso a contemplar el suicidio, como él mismo ha afirmado en varias entrevistas. Estos problemas se reflejan en títulos como "Honey, this mirror isn't big enough for the two of us", "Demolition lovers", "Drowning lessons", "Our lady of sorrows" y "Vampires will never hurt you". Después de escuchar el CD completo, Gerard dijo que el próximo no lo haría tan siniestro.

2003 a 2005: el éxito de Three Cheers for Sweet Revenge

En el 2004, My Chemical Romance firmó con Reprise/Warner. Después de un tour con Avenged Sevenfold la banda comenzó a trabajar en su segundo disco y el 8 de junio del 2004, con un estilo más maduro y consolidado, lanzaron el disco Three Cheers For Sweet Revenge, especialmente dedicado a la abuela de Gerard Way y Michael Way que murió dos semanas antes de sacar su nuevo disco. Ella les había apoyado toda la vida y le enseñó a cantar a Gerard. La primera canción del CD, Helena, está dedicada a su abuela, Elena Lee Rush. Fue el álbum más comercial, con el que se dieron a conocer en Estados Unidos, Latinoamérica, Europa y Japón. Algunas de las canciones más reconocidas son "I'm not okay", "Helena", "The ghost of you" y "Thank you for the venom".

En comparación con "I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love", el carácter del segundo álbum es un poco menos, por así decirlo, 'autodestructivo', en el sentido en que es menos melancólico, disonante y depresivo, pero conserva aún la misma agresividad y la misma fuerza tan característica del estilo único que forjaron con su primer disco.

La muerte es un elemento claramente recurrente en muchas, si no todas, las canciones de esta banda, característica presente en sus tres discos. Desde temas como "Thank you for the venom" y "Cemetery drive", que tratan de una manera franca y no muy sutil el suicidio como alternativa a una vida de miseria y depresión, hasta "The ghost of you" y "To the end" que claramente evocan escenarios fúnebres, My Chemical Romance ha destacado en sus líricas una cierta fascinación con la muerte. Como se mencionó, el origen de esta obsesión es la experiencia personal del mismo Gerard. Para su segundo álbum, la venganza toma casi igual relevancia, lo que se ve reflejado en canciones como "It's not a fashion statement, it's a deathwish" y "I'm not okay", en el mismo título del disco, e incluso en varios logos publicitarios, ropa y accesorios a la venta de la banda.

Fue durante este tiempo en el que la banda sustituyó a su ex baterista Matt Pelissier por Bob Bryar. Las razones al parecer fueron las discusiones con Ray Toro, o porque él no estaba tocando bien la batería, también posiblemente por ser acusado de quemar la furgoneta del grupo. Bob fue presentado como baterista oficial en agosto del 2004, durante un concierto en Japón.

En comienzos del 2005 la banda se unió al primer Taste of Chaos tour, y luego fueron teloneros de Green Day en su tour American Idiot. Después iniciaron un tour con Alkaline Trio y Reggie and the Full Effect por todo Estados Unidos. A finales de ese año, se unieron con The Used para hacer un tributo a la canción "Under pressure", originalmente de la muy conocida banda Queen junto con David Bowie, y así recoger fondos para los damnificados del tsunami que azotó las costas de Indonesia, India, Malasia, Tailandia, algunas otras islas cercanas y algunos países africanos ese mismo año. La canción fue incluida como Bonus Track en el álbum In Love and Death de The Used que salio en septiembre de 2004.

Inicios del 2006: Life on The Murder Scene

El 21 de marzo del 2006, Life on the Murder Scene fue lanzado. El primer DVD incluye la historia de la banda, y el segundo trae los videos músicales, la fabricación de sus videos y presentaciones en vivos. Una desautorizada biografía DVD Things That Make You Go MMM! también fue lanzada, el 27 de junio de 2006. Este DVD no ofrece ningún clip ni presentaciones en vivo de la banda, sino que contiene entrevistas con los que conocían la banda mucho antes de su renombre mundial. La banda comenzó a grabar su tercer álbum del estudio el 10 de abril de 2006 con Rob Cavallo, productor de muchos de los álbumes de Green Day. Se pensaba que el nombre del álbum podría ser The Rise and Fall of My Chemical Romance, pero en una entrevista con la revista inglesa Kerrang!, Gerard dijo que “nunca era el título del álbum, solo fue una broma”. El 3 de agosto del 2006, la banda terminó sus videos para los dos primeros singles de su tercer disco, "Welcome to the black parade" y "Famous last words", para ser lanzados el 26 de septiembre de 2006 y el 22 de enero de 2007. Los videos fueron dirigidos por Samuel Bayer, director de los videos de Nirvana y Green Day. Durante la grabación de Famous last words, Bob Bryar y Gerard Way resultaron heridos: Gerard se rasgó los ligamentos de los tobillos y a Bryar una quemadura en la pierna que le provocó una infección que requirió supervisión constante en el hospital; por esto la banda se vio forzada para cancelar un par de conciertos.

Finales del 2006: The Black Parade

El 22 de agosto de 2006, llegando en ataúdes, la banda dio un avance del tercer disco en el Hammersmith Palais de Londres. El nombre del álbum fue anunciado y 20 personas vestidas de negro y encapuchadas desfilaron alrededor de Hammersmith, seguidos por un grupo de fans con un anuncio que decía The Black Parade. Después fue anunciado que "My Chemical Romance no podría tocar, pero serían sustituidos por The Black Parade". Entonces las canciones "House of wolves", "The end." y "Dead!" empezaron a sonar. Luego la banda tocó las canciones "I don't love you" y "Cancer". El 2 de septiembre del 2006, la canción "Welcome to the black parade" fue puesta en su Myspace y en su Purevolume, unas semanas antes de que fuera lanzado su video.

El 11 de octubre la banda apareció con las caras maquilladas blancas, mientras un grupo tocaba los tambores. También fue mostrado el nuevo logo de la banda y su nuevo look; tocaron Welcome to the black parade. El 23 de octubre la banda lanzó mundialmente su tercer disco de estudio, The Black Parade. Dijeron que "The Black Parade" es algo así como un alter-ego, como una nueva banda, lo que se notó en el cambio de look de los miembros, especialmente el de Gerard, dando la apariencia de ser un paciente de quimioterapia, esto a raíz de una de las canciones del CD: "Cancer". Mencionaron incluso que este era el álbum por que querían ser recordados.

Este disco es el más comercial del grupo, lo que antaño produjo comparaciones con los CD de Green Day, a pesar de ser obras bastante diferentes. Sin embargo, en canciones como Welcome to the black parade o House of wolves, sigue estando ese estilo "oscuro" tan característico del grupo. Pese a llevar un menor tiempo en venta, este álbum se ha convertido posiblemente en el más popular de los tres.

2007: Tour mundial

Mientras se lanzaba el single Famous last words, la banda participó en el Big Day Out en Nueva Zelanda y Australia desde el 19 de enero hasta el 4 de febrero, tocando junto a grupos como Muse, Tool, The Killers y Jet.

En un recuento del año 2006, My Chemical Romance y su vocalista Gerard Way fueron premiados en diversas categorías por la revista Kerrang!, incluyendo también a su álbum The Black Parade entre los 4 mejores. Asimismo, la revista Rolling Stone le asignó la 20ª posición al CD, en su lista de los 50 mejores álbumes.

A principios de este año, la banda tocó "Famous last words" en la lista 'top de ventas de Pontiac' en su edición especial de año nuevo en MTV, siendo la primera aparición de Gerard con su pelo restituido en negro.

Tiempo después, la banda comenzó el Tour Mundial The Black Parade en Mánchester, New Hampshire. Durante este tour la banda integró a James Dewees de Reggie and the Full Effect, para tocar el teclado/sintetizador. Durante el tour, la banda ha sido teloneada por los grupos Rise Against, Thursday, y finalmente por Muse.

Unas semanas después y en pleno periodo de conciertos, se informó que Mikey Way dejaría temporalmente la banda, para pasar su luna de miel con su esposa, Alicia Simmons Way. Durante este tiempo será reemplazado por Matt Cortéz, un técnico, amigo de la banda. Durante la tercera manga del Tour Mundial The Black Parade, esta vez en compañía de Muse, la banda debió suspender algunos conciertos porque los integrantes se intoxicaron luego de comer comida envenenada, siendo cancelados seis shows.

El día 30 de mayo también lanzaron en latinoamérica el sencillo titulado "Teenagers", cuyo video puede ser visto en la página oficial de la banda.

La banda es parte del tour Projekt Revolution, encabezado por Linkin Park, junto a bandas como Placebo, Mindless Self Indulgence, Saosin, Taking Back Sunday y HIM.

En entrevistas con Gerard Way, se ha sabido que la banda trabaja en su próximo disco. [1]

En el concierto del 4 de octubre de 2007 en Monterrey, México en el Auditorio coca-cola, el grupo deleitó a los fan regios con una exelente entrada sorpresa, en la cual Way tomó el rol del Paciente. El grupo tocó las 13 canciónes de "The Black Parade" de las cuales destacarón "Welcome To The Black Parade", "Sleep", "Mama" y "Famous Last Words" estàs dos ùltimas con un espctaculo de fuego y pirotecnia muy bien realizado. Luego de un breve rezeso con la psita "Blood" El grupo continuó con 8 de sus temas de "Sweet Revenge" y “Headfirst For Halos” (del disco I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love) cuyo cierre fue la canción que los hicierá famosos en tierras latinas, "Helena" fue recitada impresionatemente por todo el auditorio, para sorpresa del grupo, quiénes se fasinaron por la aceptación del público regiomontano, quien inclusive gritaba Heaven Help Us canción que way no cantó, pero si se pusó la melodía luego de la pista Blood. Al final Way Expresó en perfecto español "GRACIAS MÉXICO" "GRACIAS MONTERREY".

El 7 del mismo mes tendrán una presentacion en el Palacio de los Deportes, en la Ciudad de México.En el cual dicho concierto ha causado gran revuelo entre la gran cantidad de fanaticos que ha logrado la banda en el pueblo mexicano.

Géneros disputados e influencias

El grupo ha sido descrito como un hibrido entre goth, glam, metal y punk. [2]. Su música también ha sido catalogada como rock alternativo, emo punk, screamo, emocore, punk rock, pop punk, post-hardcore y [[Punk Revival]. Pero la banda se describe a sí misma solo como rock o "pop peligroso y violento". Tambien My Chemical Romance ha dicho que no son emo, en una entrevista reciente, Gerard Way, catalogo al emo como una pila de mierda. My Chemical Romance ha dicho que sus mayores influencias han sido Green Day, Queen, Thursday, Iron Maiden, The Misfits, Smashing Pumpkins, Black Flag, y Morrissey/The Smiths.[3] Geoff Rickly, el cantante de Thursday, también los ha comparado con Ink & Dagger.

Aunque realmente no se pueden poner en un sólo subgénero del rock, pues los tres albumes de la banda tienen elementos muy diferentes entre sí, que los distinguen a cada uno.

Crítica

Base de fans

My Chemical Romance fue alabado inicialmente como una banda underground. Estaba entre las primeras bandas que solo ofrecían su música a través de PureVolume y Myspace estableciendo una red social, en donde MCR logró obtener su primeros 100.000 fans. La banda actualmente tiene muchos más fans, ayudado parcialmente por el sonido más escuchado de su segundo álbum, Three Cheers For Sweet Revenge. MCR es criticado por sus fans más underground, ya que dicen que ahora las banda solamente atrae posers. Mayoritariamente los fans son participant's de foros en internet.

A raíz del concierto relizado en Monterrey, México Way pudo observar que entre el público había niños y adultos, lo cual, en cierto modo, le causo una especie de "Felicidad". Inclusive saludo a una pequeña niña de no mas de 4 años, quien era cargada por su padre. Afortunadamente o Desafortunadamente (Según el punto de vista de los fans) Way no cantó sus temas más acidos.

Imagen

Mucha música de My Chemical Romance está basada en películas de horror, y sus fotos y logos son algo sangrientos (este último punto fue abolido en 2006). Debido a esto, MCR ha sido criticado a menudo, catalogándosele como emo. La banda Guttermouth supuestamente fue expulsada del Warped Tour en el 2004 por insultar a MCR, indicando que el grupo es preferido más por su ropa y dinero, que por sus méritos artísticos. Esto fue negado por Guttermouth.

My Chemical Romance ha sido reconocido en tierras regias, cómo uno de los grupos con mayor creatividad de espectaculo, esto se debió a las buenas criticas realizadas por los medios, los cuales al igual que los Fans se deslumbrarón con el espectaculo mostrado durante el concierto. Además algunos de los fans que convivieron directamente con el grupo (Entre ellos padres de familia) afirmán que Way, Ray, Mike, Frank y Bob son sencillos, respetuosos, y sobre todo excelentes personas, con un talento asombroso y una dedicación sorprendente.

A botellazos

My Chemical Romance tocó la primera mitad del 2006 en los Festivales de Reading y Leeds, siendo la presentación más grande en el Reino Unido. En Alternative Press dijeron que la banda siguió a Slayer y no fueron recibidos con gusto por la muchedumbre: muchas personas tiraron botellas, tocino, mandarinas, pelotas de golf y botellas con orina mientras la banda tocaba. Entonces Gerard presentó la canción "Thank you for the venom" ("Gracias por el veneno") de la siguiente forma:

«Esta canción se llama "gracias por todas las botellas, gracias por toda la orina, gracias por todas las pelotas de golf, gracias por las manzanas, gracias por toda la mierda pegajosa"».[4]

En el Download Festival 2007 la banda sufrio el abucheo y lanzamiento de botellas y basura de parte del publico, igual suerte paso la banda Panic! At The Disco y el rapero 50 Cent.[5]

Controversia con Kasabian

En noviembre de 2006 My Chemical Romance tuvo un fuerte intercambio de opiniones con la banda británica Kasabian, particularmente los músicos ingleses calificaron, en una entrevista a The Sun, a los miembros de My Chemical Romance de "payasos", por diferentes razones.

El cantante de Kasabian Tom Meighan afirmó: "Es como música de ventrílocuos. Es rara y oscura. No tienen nada positivo que decir. La única buena noticia es que no durará. Esos payasos no estarán por aquí mucho tiempo."

A lo que le siguió la crítica del guitarrista Serge Pizzorno: “No te puedes sentir identificado con eso. Nosotros proponemos paz y amor, desparramamos armonías y tenemos respeto por la gente. Pero estos tipos son lo opuesto absoluto. Es triste.”

Marilyn Manson

En junio de 2007, Brian Warner, líder y alma mater de Marilyn Manson, en una entrevista del periódico London Paper, criticó a la banda afirmando que "My Chemical Romance está haciendo una versión triste, penosa y superficial de lo que hice” y surgió el rumor de que la cancion "Mutilation is the most sincere form of flattery" de su disco Eat Me, Drink Me estaba dedicada al vocalista de My Chemical Romance, Gerard Way.

Ante este rumor y en respuesta, el guitarrista Frank Iero comentó: "Eso me sorprende. Es que cada vez que nos encontramos en persona Marilyn fue todo sonrisas y lindas caras. Habriamos preferido que nos diga esas cosas en la cara. Y sobretodo no entiendo porqué nos ve como una amenaza. ¡En fondo no tenemos el nombre de una actriz famosa o de un asesino loco!"

Y también Gerard Way respondio diciendo que se le hacía raro que "recién saca su álbum nuevo y los insulta para ganar popularidad"

Sin embargo, el 17 de septiembre del 2007 durante una entrevista en México por el canal de música Telehit, durante el programa de Revolver 45 que conduce Claudio Rodríguez y Medellín, Manson desmintió que dicha canción de su más reciente album fuera dedicada "expresamente" a MCR, puntualizando que es una critica a aquellas personas "que viven o copian" a los demás.

MCRmy

MCRmy (pronunciado MC-army en inglés) es el Street Team publicitario de My Chemical Romance, quienes tienen la labor de invitar a sus amigos a las presentaciones de la banda, convencer a sus conocidos de comprar mercancía y artículos de la banda, llamar a las radios para pedir sus canciones, pegar afiches de la banda, participar en foros dedicados a la banda o publicar boletines sobre ellos y mantener sitios creados para la banda. Los miembros también organizan desfiles en las calles, tras el lanzamiento de The Black Parade.

Originalmente el street team fue llamado "Unleash the Bats" o "UTB", frase sacada de una canción del primer disco I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love. Después de un tiempo se pasó a llamar MCRmy, refiriéndose a ellos como "Soldados de MCRmy". El Street Team fue comenzado por Warner Music.

Relación con The Used

The Used ha tenido una gran relación artística con MCR, sobre todo cuando las dos bandas hicieron un cover de la canción "Under Pressure" de Queen y David Bowie. Bert también canta en la canción "You know what they do to guys like us in prison" de MCR. Algunos dicen que The Used solamente tiene esta relación con MCR para tener más fama a nivel internacional. Actualmente al parecer las dos bandas han discutido porque The Used incluyó la canción "Under pressure" en su disco In Love and Death.

Pagina: http://www.mychemicalromance.com/

Dancing mood

Formacion:

Mariano: bajo
Matías: teclados
Sam: guitarra
U-Niko: guitarra
El Natty Combo: saxo tenor
Ezequiel "Peri" Rodríguez: armónica
Fabián Silva: trombón
Hugo Lobo: trompeta y Flugel Horn
Mariano Rosatti: batería
Martino Gesualdi: trombón
Rubén Mederson: saxo alto y soprano

Dancing Mood es una orquesta de once músicos estables, catorce músicos invitados y grandes clásicos de la raíz del reggae y otros estilos, adaptada en forma instrumental al ska jamaiquino.

Se formaron en marzo del 2000, por iniciativa del trompetista Hugo Lobo (quien tocó junto a bandas como Satélite Kingston, Riddim, Nuevas Raíces, 2 Minutos, Viejas Locas y Los Cafres, entre otros).

Junto a otros músicos cesionistas que también tocan en otros grupos simultáneamente, como Abed Nego, Un Kuartito o Intoxicados, por ejemplo, decidieron juntarse a ensayar, salir a tocar en vivo y al poco tiempo comenzar a preparar lo que fue su primer disco oficial autogestionado.

Este trabajo fue grabado y mezclado en los estudios Pinto Records, durante diciembre del 2000. Contiene trece temas, cuatro con voces invitadas (Mimi Maura, Fidel Nadal, Guillermo Bonetto y Pety de Riddim) y el resto instrumentales.

El nombre del grupo significa algo así como "baile alegre o baile de moda" y proviene de un tema del cantante jamaiquino Delroy Wilson.

Para el tercer disco "Dancing groove" (2004), ampliaron el espectro sonoro, con versiones de temas de Dizzy Gillespie, The Skatalites, Burt Bacharach, Charlie Parker y Don Drummond, entre otros. Las voces invitadas estuvieron a cargo de Fidel Nadal, Mimi Acevedo Midnérely (Mimi Maura) y Karen Fleitas (Actitud María Marta).

Discografía:

20 minutos, 2001
Volumen 2, 2002
Dancing Groove, 2004
Groovin' high, 2006

Pagina: http://www.dancingmood.com/

Convido

El proyecto CONVIDO comenzó a gestarse en el mes de julio de 2006. Nicolás Ferreiros se reunió con Ari Vazquez y Pablo "Poyo" San Martín y juntos comenzaron la búsqueda de bateristas y guitarristas. Llegaron a su formación actual con la incorporación de Mariela Acosta (baterista recomendada por Andrea Alvarez) y Tomás Brugués (guitarrista).
Musicalmente, los temas son compuestos por CONVIDO. Las letras son compuestas en su mayoría por Ari Vazquez con algunas participaciones de los demás integrantes de la banda.

MUTAR es el nombre de la primer producción discográfica independiente de CONVIDO y cuenta con 10 temas propios. Grabación: parches, platos, cuerdas gruesas, aullidos y fantasias en Studio Rec. Primeras guitarras, percusión, solo y teclas de Felipe Barrozo (Intoxicados) en lo de Francisco Valverde. Diego Lebedinsky en coros. Mezcla: Sebastian Busto y los cinco dedos en Studio Rec.

A menos de un año de haberse reunido la banda sacó Mutar, un disco que suma nuevos rocanroles a la movida porteña. "Creemos en la canción, la que escuchamos ayer, la que escucharemos mañana".
Ciudad.com
CONVIDO. "No queremos sus almas, les ofrecemos las nuestras, ‘...y por ahí tu mirada nos convence de algo’".
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"El sistema nos propone una cosa, elegimos otra. Con la cabeza en la tierra y los pies en el cielo (seguramente pataleando) les damos la bienvenida. No queremos sus almas, les ofrecemos las nuestras, '...y por ahí tu mirada nos convence de algo'. En eso estamos; buscando hacer lo que nos hace bien; buscando transmitir algo, lo que tengan ganas de darnos, quien sabe en que lugar del espiral nos encontremos. Inquietos, latentes, alertas y constantes, insistimos. Creemos en la canción, la que escuchamos ayer, la que escucharemos mañana. Creemos en lo que hacemos. Le pese a quién le pese. Nos exigen mute, elegimos mutar. Las cosas por su nombre."

Así se presenta el proyecto Convido, banda que llega para estrenar sus rocanroles en las frías noches de Buenos Aires y que comenzó a gestarse casi un año atrás, en el mes de julio de 2006. Nicolás Ferreirós, ex bajista de Pier, se reunió con Ari Vázquez y Pablo "Poyo" San Martín y juntos comenzaron la búsqueda de bateristas y guitarristas. Llegaron a su formación actual con la incorporación de Mariela Acosta (baterista recomendada por Andrea Álvarez) y Tomás Brugués (guitarrista).

Mutar es el nombre de su primer producción discográfica independiente. Fue grabada y mezclada en Studios Rec con la asistencia de Sebastián Bustos. El disco contó con la participación especial de Felipe Barrozo (Intoxicados) en guitarras, percusión y piano (grabado en lo de Francisco Valverde) y con los coros del poeta suburbano Diego Lebedinsky.

Pagina: http://www.convido.com.ar/

Collective Soul

Collective Soul es una banda de rock alternativo proveniente de Georgia, Estados Unidos, y una de las bandas denominadas post-grunge más importantes surgidas en los años 90, tras la muerte de Kurt Cobain, junto con otras como Bush, Live o Foo Fighters.

Su estilo está enmarcado dentro del rock alternativo, y también experimentan sonidos grunge y hard-rock mezclados con pop y folk; lo que le da el carácter a la banda. Su música se caracteriza por los riffs pesados y sus pegadizas melodías. Las principales influencias de la banda incluyen a Elvis Presley, Elton John, The Cars y The Beatles, como también muchas bandas new wave de los años 80.

Collective Soul tuvo su primer gran éxito a finales del año 1993, con el single "Shine", que fue muy difundido en MTV y las radios de todo el mundo, ayudando a la banda a ganar popularidad y vender millones de discos.

Historia

Inicios de la banda
(1993)

El cantante, guitarrista y compositor, Ed Roland, cuyos padres le prohibieron escuchar música, fundó la banda a mediados de los 1980 después de abandonar la Escuela de Música Berklee College of Music debido a falta de dinero. Antes de que apareciera Shine, Collective Soul ya tenía historia, pero se circunscribía a Stockbridge, una localidad de Georgia de la que son originarios todos los miembros del grupo. Ed Roland llevaba la música en la sangre, pero su familia, de estricto orden religioso, no veía en ello ninguna ventaja. Su padre, sacerdote, pensaba que esas cosas del rock y el pop no eran nada positivas para un niño que iba a cumplir los diez años. Era inevitable que, por la radio o la televisión, apareciera algún tema clásico de Elvis o de Jerry Lee Lewis, pero, en lo posible, ese tipo de sonido no visitaría la casa de los Roland. El disco que descubrió a Ed que quería ser músico fue un recopilatorio con los grandes éxitos de Elton John. Desde que lo escuchó tuvo muy claro que, si tenía que irse de casa para cumplir su sueño, se marcharía. Y lo hizo. Se fue a Boston a estudiar en el Berklee College of Music, probablemente el sitio más adecuado para afianzar sus sueños. Su decisión tuvo dos consecuencias importantes: la primera fue que su familia rebajó sus estrictos niveles de control y permitió a su hermano Dean tener más acceso a la música; la segunda, que Ed ya no trabajaría nunca en otra cosa que no estuviera relacionada con este mundo.

Cuando volvió a Stockbridge, el mayor de los hermanos Roland comenzó a trabajar en un pequeño estudio que, como mejor oferta para sus clientes, podía proporcionar grabaciones en veinticuatro pistas. El estudio era propiedad del padre de Will, un amigo al que ya había conocido en los tiempos en los que Ed y Dean cantaban en el coro de la iglesia de su religioso padre. Will, por su parte, tenía gran amistad con Ross desde que ambos coincidieran en los Boy Scouts, asociación en la que Shane tocaba junto a ellos en la banda de música. Desde muy jóvenes todos se reunían en la casa de Will para escuchar aquellos discos que los hermanos Roland no podían disponer.

Los cinco tenían sus experiencias musicales allá donde eran posibles. Ed fue el que más avanzó al pasarse muchas de horas trabajando en el "Reel to Reel Studios", grabando maquetas para grupos y aprendiendo a manejar todos esos artefactos llenos de luces y botones que caracterizan cualquier estudio de grabación. Junto a sus amigos y compañeros, irían grabando sus composiciones a lo largo de los días, "Aquellos demos formarían luego Hints, Allegations and Things Left Unsaid" comenta Ross. Se grabáron a lo largo de cuatro años a partir de 1991. Esas canciones fueron el comienzo de Collective Soul. Ed, Shane y Ross, junto con otros amigos, trataron de ponerlas en directo, pero cuando las compañías iban dando sus negativas una tras otra, la cosa se desinfló y todo se acabó. Todo fue algo transitorio; llegó el éxito de "Shine" y todo volvió a empezar de nuevo. A los grupos famosos de Georgia, entre los que se encontraban R.E.M. y The Black Crowes, había que añadir, a partir de entonces, el nombre de este quinteto.

El salto al éxito
(1993-1995)

Con su pop-rock melódico y pegadizo y sus guitarras ligeramente distorsionadas, Collective Soul saltaron desde Stockbridge, Georgia, al tope de la música de los años 1990. La banda no consiguió despertar el interés de ningún sello, y un desanimado Roland abandonó todo en 1992 para realizar un demo con la esperanza de conseguir trabajo. El demo de "Shine" llamó la atención de varias estaciones de radio alternativas y de Atlantic Records, Roland apresuradamente armó una nueva versión de los Collective Soul con su hermano Dean en guitarra, Ross Childress en guitarra principal, Will Turpin en bajo y el baterista original Shane Evans.

"Shine" se convirtió en un éxito ineludible de MTV y de las radios durante 1994; ayudó a que el debut de la banda, Hints, Allegations, and Things Left Unsaid (1993), vendiera más de un millón de copias. Con este álbum debut, se vieron sobre el escenario de Woodstock 1994. Después llegó un maratón de conciertos con Aerosmith, el reconocimiento de la crítica y un inesperado éxito que se vio reflejado en las listas de éxitos de todo el mundo, gracias a "Shine" y "Breathe", principalmente; el disco también contenía canciones de gran nivel como "Love Lifted Me", "Burning Bridges" o "Goodnight, Good Guy".

Tras esa locura en la que se vieron envueltos, el grupo consiguió entrar en el estudio para grabar su nuevo disco, una impresionante colección de canciones apoyadas sobre el sonido de las guitarras. La banda consideró ese segundo trabajo como su álbum debut, para subrayar ese hecho lo titularon sencillamente "Collective Soul" (1995), y la recepción del disco fue tan positiva que estuvo 76 semanas en listas americanas y produjo éxitos como "Gel", "December" y "The World I Know", este ultimo consiguió varios Nº1 en los charts. Con su nuevo disco en la calle, se embarcaron en una gira de ocho semanas como teloneros de Van Halen en EE.UU., siguieron por Europa. Comenzó la carrera internacional del grupo. El disco permitía comprobar que lo ofrecido en el primer disco podía tener continuación. Buenas canciones, en la órbita del pop-rock americano, llenaban un álbum simpático en el que se apreciaba personalidad y carisma. El disco fue grabado muy deprisa, con un enorme interés por parte de la compañía y de la misma banda para que el álbum no dejara que se apagara la llama que se había encendido con "Shine". El álbum terminaría superando las tres millones de copias vendidas.

Tras veinte meses en carretera, el quinteto se moría por componer nuevas canciones y grabar demos sin fechas límite agobiándolos: "El estado de ánimo era perfecto", dice Eddie (que con éste disco ha logrado salir de una larga crisis tanto personal como profesional), "Las canciones sonaban de maravilla así que seguimos grabando y sin darnos cuenta ya teníamos veinte grabadas". Con otro impulso creativo más (y la ayuda de los venerables The Memphis Horns) le dieron los toques finales al disco en los estudios "House of Blues" de Memphis.

La consolidación y la culminación de una etapa en Atlantic Records
(1997-2001)

Disciplined Breakdown, el tercer álbum de la banda, fue lanzado en 1997; "Precious Declarations" y "Listen", fueron los singles elegidos, que se convertirían en verdaderos "hits" de la banda. Una más que digna continuación que consolidaba lo ya ofrecido. Se mostró una clara maduración tanto de la banda como del sonido. Lo que sí consiguió Disciplined Breakdown fue marcar diferencias entre Collective Soul y otros grupos de su estilo. "Otras bandas tienen "el" sonido y todo lo que hacen suena así. Componen como pueden. Nosotros podemos hacer canciones de rock como podemos hacer baladas. Siempre que utilizamos un instrumento lo hacemos intentando que la canción suene como nosotros deseamos, sin restricción". Eso es precisamente lo que lleva a la banda a usar con frecuencia cosas tan pintorescas como elementos y formaciones de cuerda. "No creo" comenta Ross "que eso sea tan distintivo de nuestro estilo. Nosotros somos un grupo de guitarras y nos gusta, prioritariamente, el sonido de las guitarras. Ahora bien: si una canción nos pide cuerdas, teclados u otra cosa... entonces lo grabamos".

Al año siguiente, en 1998, "She Said" se convierte en soundtrack de la película Scream 2, consiguiendo una significativa difusión en las radios.

En 1999 lanzaron Dosage, tuvo buena muy buena aceptación; con éxitos como "Heavy", en el que le hacen honor al título de la canción y además no pierden la melodía propia de la banda; melodía que se ve mas reflejada en "Run", en la que emplean guirarras acusticas, como es constumbre en los discos de las banda, y unos acertados arreglos de guitarra electrica. El disco fue grabado en un plazo de seis meses, lo que convierte a Dosage en la primera macroproducción de Collective Soul. "Con todo el proceso han sido casi ocho los meses que hemos estado trabajando en él. Es la primera vez que hemos tenido tiempo y eso nos ha servido de mucho. Mientras grabábamos seguíamos componiendo y al final nos juntamos con casi treinta canciones. Además nos hemos divertido y todo se ha hecho sin restricciones de ningún tipo". Dice Ross. "El mundo es muy grande y Estados Unidos también es muy grande. Hay espacio para todo, incluido el Rock 'n' Roll. Los jóvenes de quince años parecen más abiertos a cosas como el hip-hop, pero siempre hay base para todo tipo de estilos y no creo que ninguno se termine muriendo. Eso es bueno porque te dejar ser como realmente eres a la hora de tocar tu música" comenta Ross, se muestra reacio también a aceptar que el Rock sólo le puede gustar a gente de una determinada clase o edad. "Nosotros queremos a todo el mundo, a cualquier tipo de gente. No tenemos por qué tocar sólo para un sector del público, ya que en nuestros conciertos vemos a personas que van con sus hijos de seis años. Eso es lo divertido. Eso es el Rock 'n' Roll. Es lo grande de esto".

Sin tomarse un descanso, editan en el año siguiente Blender, considerado un "paso en falso" por la critica más objetiva, este disco pierde muchas de las características que venia mostrando la banda hasta el momento, como los "riffs" característicos de sus tres guitarras; el disco tiende a un sonido más comercial de las banda, aunque esto no se vio reflejado en la cantidad de copias vendidas. Cuenta con algunas destacadas interpretaciones como "Why Pt. 2" y "Perfect Day" (interpretado junto a Elton John como invitado de lujo).

Con más de 8 millones de discos vendidos a lo largo de su carrera, Collective Soul decide cerrar una etapa, en el año 2001 editan el recopilatorio 7even Year Itch - Greatest Hits (1994-2001), que recoge lo principales éxitos como "Shine", "The World I Know", "Listen", "Run", etc. Y cuenta con dos nuevas grabaciones "Next Homecoming" y "Energy" (esta fue considerada por parte de la critica como "de perfecta composición melodica", a pesar de esto no consiguió ningún tipo de éxito al no tratarse de un single promocional.), además contiene "She Said", el soundtrack de la película Scream 2. Este fue su ultimo lanzamiento con Atlantic Records, luego firmarían con una nueva discográfica.

Una nueva etapa
(2004-)

En el año 2004, tras cuatro años de silencio editan Youth, el sexto disco de estudio de la banda, lanzado por El Music Group, sello discografico fundado por la banda ese mismo año. Youth se trata de una colección de once temas que parecen volver a ponerlos en esa senda de riffs pegadizos de guitarra rítmica y coros constantes de Ed Roland, su líder y voz. El primer single, "Counting the Days", así parece confirmarlo: un tema poderoso, "pegajoso" desde el primer instante gracias a un insistente fondo de guitarra y esos versos repetidos en eco tan característicos de la banda. Con "Better Now" y "How Do You Love?", intentan continuar con las misma línea, las de sus inicios pero sin dejar de crecer como banda ni perder la sincronización casi perfecta que hay entre los músicos.

En mayo de 2005, lanzan un EP de 8 canciones, titulado From the Ground Up, el cual cuanta con versiones acusticas de algunas de las canciones favoritas de la banda, y además incluye una canción nueva titulada "Youth".

Durante este período, el baterista Shane Evans abandona Collective Soul. Es sustituido por el baterista de sesion Ryan Hoyle, quien se encargó de tocar con la banda durante la gira. Más tarde, Hoyle fue incluido dentro de la formación oficial de la banda, como el baterista, anunciado en la página oficial de Collective Soul.

El septimo álbum de la banda, Afterwords, lanzado en agosto de 2007, fue co-producido por Anthony J. Resta (Duran Duran, Shawn Mullins, Satellite Party). La banda hizo un trato con la compañía Target Corporation, haciendola la exclusiva distribuidora de las ventas fisicas (CD) de Afterwords. Es álbum también esta disponible en forma digital en iTunes. El primer sensillo fue "Hollywood", lanzado en mayo. Afterwords debutó en el número 25 en el "Billboard Comprehensive Albums Chart" y en el nº5 en "iTunes digital Albums Chart".

La banda tuvo una participación en The Tonight Show con Jay Leno a finales de agosto de 2007, para promocionar el álbum, en donde tocaron "Hollywood". A principios de septiembre la banda salio de gira junto a Live y Counting Crows, la gira se llamó "Triple Play Tour".

Pagina: http://www.collectivesoul.com/

Charlie Watts

Charles Robert Watts (Wembley, Inglaterra, 2 de junio de 1941), mejor conocido como Charlie Watts es un músico y baterista famoso por ser integrante de los The Rolling Stones grupo al que se unió en 1962 y con el cual, a 45 años de su llegada, sigue tocando, grabando y haciendo giras.

Watts es un típico baterista de jazz y confeso admirador de Charlie Parker. Su juventud fue muy tranquila a comparación de sus compañeros de banda. Aunque no estuvo totalmente limpio ya que en 1985 fue detenido por posesión de heroína.

Charile estudió en Tyler´s Croft secundary Moderm School y Harrow School of Arts. Se casó con Shirley Ann Shepherd y tiene una hija llamada Seraphina.

En el año 2004 se le detectó cáncer de garganta. Su tratamiento se basó en 6 semanas de quimioterapia hasta que volvió para grabar el disco A Bigger Bang de los Rolling Stones lanzado en 2005.

Ese mismo año, casi pierde la vida de nuevo, esta vez por un accidente automovilístico en Francia.