B. B. King

Riley B. King mejor conocido como B. B. King (Blues Boy King - Nombre tomado de un programa radial de Sonny Boy Williamson II) nacido el 16 de septiembre de 1925 en Ittabena, Misisipi, es un famoso guitarrista de blues y compositor. Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida, esta es ya una tradición que inició en los 1950s.
B. B. King es considerado como uno de los mayores virtuosos del blues que ha tenido la historia de la música.

Carrera

Años de grabación

En 1947, B.B King comenzó grabando canciones bajo contrato con Los Angeles basado en RPM Records. Muchos de las primeras grabaciones de King fueron producidas por Sam Phillips, quien luego fundó Sun Records. King fue también disc jockey en Memphis, donde se ganó el apodo de "Beale Street Blues Boy", luego abreviado B.B.

En los 1950s, B.B King se convirtió en uno de los nombres más importantes en la música R&B, con una impresionante lista de éxitos en su haber que incluía canciones como "You Know I Love You," "Woke Up This Morning," "Please Love Me," "When My Heart Beats like a Hammer," "Whole Lotta Love," "You Upset Me Baby," "Every Day I Have the Blues," "Sneakin' Around," "Ten Long Years," "Bad Luck," "Sweet Little Angel," "On My Word of Honor," y "Please Accept My Love". En 1962, King firmó con ABC-Paramount Records.

En noviembre de 1964, King grabó el legendario álbum Live at the Regal en el Teatro Regal en Chicago, Illinois.

Primero King tuvo éxito fuera del mercado del blues con la nueva versión de 1969 de la melodía de Roy Hawkins, "The Thrill Is Gone", la cual se convirtió en un éxito en las listas de éxitos de pop y R&B, lo cual fue raro para un artista R&B. También se elevó al puesto 193 en Las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos de la Rolling Stone. Ganó visibilidad en la abertura del Tour por América de 1969 de Los Rolling Stones. Los sucesos dominantes de King continuaron durante los 1970s con canciones como "To Know You Is to Love You" y "I Like to Live the Love." Entre 1951 y 1985, King apareció en la lista de éxitos de R&B de la Revista Billboard unas impresionantes 74 veces.

Corriente dominante

Los 1980s, 1990s y 2000s vieron a King grabando menos y menos, pero manteniendo una carrera muy visible y activa apareciendo en numerosos programas de televisión, fotos en las que se lo ve con más movimiento y realizando 300 noches en un año. En 1988, alcanzó a una nueva generación de fans a través del tema "When Love Comes To Town", junto a la banda Irlandesa U2 en su álbum Rattle and Hum. En 2000, King se unió con el guitarrista Eric Clapton para grabar Riding With the King.

En 2003, King se mostró en el escenario con la banda de rock Phish en New Jersey, tocando tres de sus clásicos durante 30 minutos.

En junio de 2006, King estuvo presente en la conmemoración de su primer transmisión de radio en Three Deuces Building en Greenwood, Misisipi, donde una marca oficial del Mississippi Blues Trail fue construída.

B.B King también hizo una aparición en el Crossroads Guitar Festival puesto en marcha por Eric Clapton. En el DVD él toca "Rock Me Baby" junto a Eric Clapton, Buddy Guy y Jimmie Vaughan.

Durante los años más de 100 conciertos de BB King han sido emitidos, al menos en parte, en radio y TV a muchos países.

Gira de despedida

A los 80 años, el 29 de marzo de 2006, King tocó en el Sheffield's Hallam Arena. Esta fue la primera parte de su gira por el Reino Unido y Europa. Realizó esta gira junto al ex-shredder/rockero convertido en blusero Gary Moore, con el cual King ha previamente realizado otras giras, incluyendo la canción "Since I Met You Baby". Esta gira finalizó el 4 de abril con un concierto en el Wembley Arena.

En julio, B.B. volvió a Europa y en ese momento decidió realizar su despedida en Suiza, tocando dos veces (2 y 3 de julio) en la décimo cuarta edición del mundialmente famoso Festival de Jazz de Montreux y también en Zúrich en el "Blues at Sunset" el 14 de julio. Durante su último show en Montreux en el Salón Stravinski tocó junto a Joe Sample, Randy Crawford, David Sanborn, Gladys Knight, Lella James, Earl Thomas, Stanley Clarke, John McLaughlin, Barbara Hendrix y George Duke. La Gira de despedida finalizó en Luxemburgo el 19 de septiembre de 2006 en el estadio D'Coque (telonado por Todd Sharpville).

Entre noviembre y diciembre, King tocó seis veces en Brasil.

Durante una conferencia de prensa el 29 de noviembreth en São Paulo, un periodista le preguntó a King si aquella sería la verdadera gira de despedida. Él contestó: "Uno de mis actores favoritos es un hombre de Escocia llamado Sean Connery. La mayoría de ustedes lo deben conocer como James Bond, 007. Hizo una película llamada "Never Say Never Again" (Nunca digas nunca jamás).

Vida Personal

B. B. King ha sido un piloto licenciado, un conocido jugador y es también un vegetariano, no bebedor y no fumador.[1] King ha vivido con diabetes por casi diez años y ha sido un visible portavoz en la lucha contra la diabetes, apareciendo en avisos para el manejo de productos para la diabetes.

El 26 de enero de 2007, durante una gira, King fue hospitalizado en Galveston, Texas debido a un bajo grado (100.4) de fiebre luego de un reciente ataque de influenza. Fue dado de alta el 27 de enero, tras una estadía de una noche.[2] Tuvo tiempo para terminar su gira, con su actuación el 30 de enero.

Filantropía

El Sr. King es un defensor de la educación de la música en los niños. En 2002, fue contratado como partidario oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee a los niños de escuelas públicas de todo Estados Unidos lecciones e instrumentos musicales de manera gratuita. Forma parte de la tabla de organizaciones de los directores como miembro honorario.

Curiosidades

- El Boxeador Sonny Liston fue tío de King.

- De acuerdo a una lista de la revista Rolling Stone de 2003, King es el guitarrista más grande en vida, y posicionado 3ro entre los "100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" (bajo Jimi Hendrix y Duane Allman).

- Es mencionado en la canción "Dig It" de los Beatles.

- Su cantante favorito es Frank Sinatra. En su autobiografía King habla acerca de cómo era, y es, un "Fanático de Sinatra" y cómo iba a la cama todas las noches escuchando el álbum de clásicos de Sinatra In the Wee Small Hours. King ha acreditado a Sinatra por abrirle las puertas a los artistas negros a los que no se les dio la oportunidad de tocar en lugares dominados por "blancos". Sinatra tenía a BB King en los principales lugares en los que cantaba en las Vegas durante los años 1960.

- B. B. ha hecho apariciones como invitado en numerosos programas de televisión muy populares en los Estados Unidos, incluyendo a "The Cosby Show[6]," "The Young and the Restless[6]," "Hospital General[cita requerida]," "El Principe del Rap[6]," "Plaza Sésamo," "Married... with Children[6]" y "Sanford and Son."

- King ha usado otras guitarras además de las encarnaciones de "Lucille", como una Fender Telecaster, Gibson ES-330, Gibson ES-335, Gibson ES-345, Gibson ES-5, y Gibson ES-175.

- Cada año, durante la primera semana de junio, un festival de regreso al hogar para B.B. King es celebrado en Indianola.

- Se dice que King tiene 15 hijos.

Pagina: http://www.bbking.com

Sui Generis

Formacion:

Charly García: guitarra, teclados y voz
Nito Mestre: voz, guitarra y flauta

Sui Generis surge de la fusión de dos bandas acústicas juveniles, que se hacían escuchar en los colegios de Caballito. Mientras cursaba la escuela secundaria, Charly García conoció a Carlos Alberto Mestre, «Nito». Junto a él y a Carlos Piegari, Beto Rodríguez, Juan Belia y Alejandro Correa formó Sui Generis, que, tras sufrir varias deserciones por diversos motivos (y en vísperas de un recital), quedó convertido en un dúo.

Nito Mestre recuerda esos momentos previos al show: «Pensamos que era el final de un sueño, pero estábamos obligados a subir al escenario. Ya nos habíamos gastado la plata en cerveza y no podíamos devolver el cachet del que nos contrató. Entonces juntamos coraje y salimos, él con la guitarra criolla y yo con mi flautita. Yo estaba muerto de miedo, pero Charly me daba ánimo. No sé cómo pasó, pero a la gente le encantó».

Tras grabar "Vida" (1972) al estilo folk norteamericano (muy de moda en esa época), el grupo comenzó a crecer en popularidad. Con un piano -«a la Elton John», como más tarde reconocería el propio Charly -, una flauta y una temática muy influenciada por Bob Dylan, trascendieron las fronteras de los rockeros, para instalarse como representantes de un grupo más amplio de la juventud. Su segundo disco, "Confesiones de Invierno" (1973), tenía un mejor sonido y más justeza instrumental, pero mantenía el estilo característico del grupo. Sui Generis ya estaba consolidado.

El 1974, para el tercero de sus discos, "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones", Sui Generis se transforma en un cuarteto eléctrico, ya que se suman Rinaldo Rafanelli y Juan Rodríguez, en el bajo y la batería, respectivamente. Este profundo cambio - impulsado por el hastiado García - desconcertó al público y frenó un poco el increíble éxito del grupo. De todas formas, se rescatan temas como "Las Increíbles Aventuras del Señor Tijeras" y "Pequeñas Delicias de la Vida Conyugal".

El cuarto disco de Sui Generis se iba a llamar "Ha Sido" y sería básicamente instrumental, razón por la cual Mestre perdió interés. El desgaste, la censura, las interminables giras y la diferencia de gustos entre Nito y García llevaron a disolver la agrupación. Como broche de oro realizaron dos presentaciones en el Luna Park, el 5 de setiembre de 1975, con un lleno total y gente que quedó afuera. Un éxito inesperado hasta para ellos. Las 11 mil localidades puestas en venta se agotaron dos semanas antes del show. Decidieron agregar tres mil entradas más, que también desaparecieron de las boleterías rápidamente. Así se agregó una segunda función para la misma noche. En total: 25.600 espectadores. El recital se denominó "Adiós Sui Generis" y fue acompañado de un álbum doble y una película documental, ambos con el nombre del concierto.

A mediados de diciembre de 1980, Uruguay y Chile fueron testigos de la reunión de Sui Generis. En ese entonces, aprovecharon la ocasión para presentar el material nuevo de Charly y Nito con sus respectivos conjuntos. En Montevideo, ante 16.000 personas, Nito y su banda arrancaron con "Fusia", la bella melodía de PorSuiGieco, y "Toma dos blues". A continuación entró Charly y juntos interpretaron "Confesiones de invierno",

"Mariel y el Capitán", "Natalio Ruiz", "Para quién canto yo, entonces", "El tuerto y los ciegos" y "Fabricante de mentiras". Más adelante, el resto de Serú reemplazó a la banda de Mestre, para hacer, entre otras, "No llores por mí, Argentina". Para finalizar, volvió Nito con su gente y todos rememoraron "Eiti-Leda" y "Rasguña las piedras". Una semana después, repitieron estos shows en Santiago de Chile.

En 1993, Nito publicó "Canta a Sui Generis", una recopilación que contenía los hits más importantes del dúo, pero con sonido de los '90. Con la producción de Daniel Grinbank, el disco tuvo bastante aceptación del público. García, que siempre había negado la posibilidad de reunirse con Nito para tocar juntos, reaccionó con indiferencia, aunque sólo recién de una charla entre ambos se recompuso la relación, que se había vuelto tirante. "Con Nito y el disco de Sui está todo bien. Pero me hubiera gustado que me avisara antes y no cuando el proyecto estaba terminado" (Clarín, 24/08/93). A Charly no le molestaba tanto que haya grabado el disco, sino que Grinbank fuese su productor.

Durante todo el 2000 se habló sobre el supuesto reencuentro del grupo. Y así se concretó: toda la información al respecto está disponible en BienvenidosAlTren.com, un website creado especialmente para la ocasión.

Discografía:

Vida, 1972
Confesiones de invierno, 1973
Alto en la torre (simple), 1974
Pequeñas anécdotas sobre las instituciones, 1974
Adiós Sui Generis, 1975
Antología, 1991
Adiós Sui Generis Parte 3, 1995
Sinfonía para adolescentes, 2000
Si, 2001

Pagina: http://www.suigenerisnet.com.ar
Fuente: Rock.com.ar

Fantômas

Fantômas es un grupo estadounidense de avant garde metal (heavy metal experimental).

Historia

Fantômas nació de la maqueta que hizo Mike Patton llamada Diabolik en 1998. El nombre Fantômas proviene de un anti héroe francés que cometía crímenes horrorosos: por ejemplo se metía a una perfumería de moda y cambiaba el contenido de las fragancias por ácido, así que todos morían descarnados al primer rocío de la fragancia. Era un terrorista y un genio del disfraz.

En 1999 salió su primer disco, conocido como Amenaza al mundo, aunque tiene el nombre del grupo. Este sorprendente Cd se caracteriza por la rapidez de las canciones de más o menos 1 minuto de duración, y por el hecho de que su cantante no pronuncia ni una sola palabra de ningún idioma.

Guitarras frenéticas, bajo con mucho ritmo y batería excelente son la mezcla que compone este grupo, aderezado con los sonidos experimentales de Mike Patton y su voz.

Mike escogió la portada del disco de un viejo cartel promocional de una antigua película mexicana de los años '60 llamada Fantomas Amenaza Al Mundo, que por cierto fue muy costosa, por la tinta especial que Mike mandó hacer. La música es asimilada como un cómic, rápida y directa, que cambia frenéticamente y se escucha muy bien, ya que cuando vas a cambiar de canción (si no te gusta), las páginas (que es como están descritas las canciones en el primer y cuarto álbum de la banda: Page 1, Page 2,...) ya se pasan solas.

Fantômas pronto tuvo llena su agenda para el verano y otoño de 1998 por EEUU, con inexplicables llenos, (aunque en lugares pequeños) dada lo desconocido del grupo y de su música, él publico que asistía, estaba confundido, incluso la gente gritaba por la canción “Epic”, del desaparecido Faith No More, y algunos fans de Slayer que iban atraídos por el baterista Dave Lombardo gritaban por la canción "Angel of Death". Entre el publico había cientos de camisetas de Faith No More y Slayer, era obvio que el publico esperaba música parecida a estos, pero al inicio del concierto todos ponían cara de incrédulos, por lo que estaban escuchando, Mike siempre hizo bromas de eso, como decir en un concierto ”La próxima canción es un cover de Elton John”.Una vez una persona del publico le gritó, “Cuando van a tocar el sencillo” a lo que Mike le contesto ”Donde haz estado imbécil, acabamos de tocar nuestro primer sencillo, pero no te preocupes si no lo escuchaste, pronto lo verás en MTV.”

La música creó tal controversia en la industria musical que la prensa de todo el mundo le pidió a Mike que definiera o diera una explicación de lo que era Fantômas, el solo contestó una inolvidable frase,”Somos una pesadilla espantosa en el puto culo de las bandas de rock”.

Después del este primer álbum, Fantômas cambió su concepto para hacer canciones con duraciones normales(más de 3 minutos) las cuáles son todas versiones de antiguas películas interpretadas por Fantômas (The godfather, Twin peaks, Vendetta). En este álbum se combinan canciones con y sin letra, dejando, como en su primer disco, el corte 13 vacío, ya que da mala suerte. Este álbum, The Director's Cut, sacado en 2001, es el más vendido de Fantômas hasta la fecha. También es el más accesible a oídos desacostumbrados. Es un descanso que Patton hizo para el grupo. Una álbum de metal hecho por Fantômas. Incluyen los raros instrumentos de siempre y los guitarrazos pasan a riffs potentes y (por primera vez) repetidos. Incluso tiene un cierto toque a Mr. Bungle, salvando las distancias.

Entre estos 2 discos, sacaron tiempo para hacer un concierto de año nuevo en 2000/01 junto a la banda de Buzz, Melvins, que posteriormente se convirtió en el Cd Millenium Masterwork (2001) "The Fantômas Melvins Big Band". Mientras Patton canta a su manera las canciones de Melvins, Lombardo y Dunn preparan el bajo y la batería para descargas potentes en menos de 2 minutos. Impresionante.

El 3º disco vuelve a cambiar a Fantômas desde abajo. En 2004 sacan Delirium Cordia, disco de una sola pista donde se puede escuhar una estupenda sesión de Noise, música esencialmente ambiental y experimental basada en una imaginaria operación quirúrgica sin anestesia. Son más de 70 minutos de coros, batería impresionante, algún guitarrazo, buen bajo y, sobre todo, ruidos made in Patton, ninguna letra desde lo más profundo de su garganta a los ruidos ambientales de sus consolas e instumentos. La primera escucha de este álbum resulta muy decepcionante en comparación con los anteriores discos.

El estilo de este disco se acerca más al noise-metal y a la música experimental, no al avant garde metal que caracterizaba sus discos anteriores. Es un disco calmadísimo, donde los guitarrazos pasan al último lugar, dando protagonismo a Dave Lombardo y Patton. El álbum crea una atmósfera oscura, esquizofrénica y fantasmagórica que ningún disco anterior había conseguido. Es otro reto superado con elegancia por este supergrupo nada conocido. Este disco te traslada a una sala quirúrgica llena de objetos, doctores, algún ordenador y silbidos oscurísimos (llegan a dar miedo).

Este disco, sorprendentemente, se compuso en la misma sesión que Suspended Animation, donde vuelven con el estilo de su primer disco, con 30 cortes (el 13 incluido), que representan los 30 días de Abril. Otra vez sin ningún tipo de mensaje político (sin letras), vuelven en 2005 con este albúm lleno de ruidos típicos de la animación y de videojuegos, dando un espectáculo mucho más trabajado que su primer disco. La duración de las canciones es más variable, ya que Patton lo llena de sus ruidos de cartoon music, según él. La primera edición viene con un póster con ilustraciones manga de cada día.

Por último, Fântomas grabó un Split-cd con Melt-Banana llamado Split 5" Vinyl / 3" , en el cuál se incluye la canción "Animali In Calore Surriscaldati Con Ipertermia Genitale". Aquí sigue con su mezcla de Avant garde Metal y la locura siempre presente de Patton. El título de la canción recuerda a los títulos del 2º disco en solitario de Mike Patton, Pranzo Oltranzista, basado en el libro futurista de Marinneti, cantado en italiano e inspirado en la comida.

Massacre

Formacion:

Bochi: bajo
Charly: batería
Fico: guitarra acústica
Pablo M: guitarra
Walas: voz

Esta banda de puro hardcore llegó al gran público en agosto de 1995, en medio del show bautizado "El nuevo Rock Argentino", que juntó a Peligrosos Gorriones, Los Brujos y Los Babasónicos en el Estadio Obras. Sin embargo, su carrera se remonta a 1987, cuando se produjo el debut discográfico con un maxi en vinilo, de cuatro temas, bajo el nombre "Massacre Palestina".

Richard se alejó de la banda y Willy tomó la voz cantante. Así llegó el primer LP, "Sol lucet omnibus", prólogo de un gran momento de popularidad, al punto que fueron invitados para telonear a The Ramones en el estadio Obras, ante casi 30.000 espectadores. Participaron también del Festival de Rock en el penal de Olmos, evento que quedó registrado en el disco "Radio Olmos".

A comienzos de 1994 la banda deja el sello independiente Tommy Gun para firmar contrato con Iguana Records, una división de BMG Argentina. "Galería desesperanza", un álbum conceptual dividido en tres partes, fue el debut para esta compañía.

A comienzos de 1996 lanzaron un EP doble titulado "L'alma occulta", grabado en Londres y "Juguetes para olvidar" a fines de ese año y producido por Flavio Cianciarullo, bajista de Los Fabulosos Cadillacs.

Para "Aerial" (1998) Federico se sumó en la guitarra acústica y Luciano reemplazó al Topo en el bajo. Esta placa fue grabada para el sello Sum Records y "Te leo al revés" fue el tema elegido como difusión.

Después de varios años sin editar, lanzan "12 nuevas patologías" (2003), una edición limitada con algunos cambios de formación.

Pagina: http://www.massacre.com.ar/

OJAS

Punk electrónico, machaque, glich hop, rock, pop, hardcore mystic. Todas estas denominaciones podrían ser correctas -y a la vez, erróneas- para descifrar la escencia musical de Ojas.
Pero, sin dudas, el concepto musical de la banda se trasluce más claramente bajo las luces del vivo. Allí, cada uno se lleva su propia fotografía del baile tribal con pulsión de rock que el grupo monta en cada show.
Así, las canciones que nacen de un corazón acústico cambian de forma y se expanden hacia paredes de sonido sustentadas en máquinas y guitarras estridentes, alimentándose de una sagrada fuente de abundancia en vías de extinción: la armonía pop.
En una atmósfera distorsionada, instrumentos como didgeridoo, xilofón, gaita y violín le aportan a su música un plus extra que los puedo encontrar surfeando el post punk de los ’90 y la violencia electrónica de hoy.

NARANJA, su primer larga duración después de dos EP’s urgentes y directos, es el resultado de un trabajo de más de seis años, curtido en sótanos, festivales, giras y cuartos de hotel. Un perfecto equilibrio entre la canción desnuda y el instinto primitivo y animal de los shows en vivo.
Grabado en los estudios del Abasto y Panda y producido por Ojas y Pablo Romero (Árbol), NARANJA cuenta con diez canciones y estará disponible en todas las disquerías del país a partir del 11 de septiembre.

El primer corte de difusión es “Giratoria”, cuyo video dirigido por Poly Acuña podrá verse en pocos días en los principales canales de música del país.

Ojas se forma en el 2001, en el Oeste del Gran Buenos Aires y editan de manera independiente dos EP "Imágenes de la Nada" y "Despegar". Hoy por el sello Iguana Records de Sony BMG editan su primer álbum completo "Naranja"
Punk electrónico, machaque, glich hop, rock, pop, hardcore mystic. Todas estas denominaciones podrían ser correctas -y a la vez, erróneas- para descifrar la esencia musical de Ojas.
Pero, sin dudas, el concepto musical de la banda se trasluce más claramente bajo las luces del vivo. Allí, cada uno se lleva su propia fotografía del baile tribal con pulsión de rock que el grupo monta en cada show.
Así, las canciones que nacen de un corazón acústico, cambian de forma y se expanden hacia paredes de sonido sustentadas en máquinas y guitarras estridentes, alimentándose de una sagrada fuente de abundancia en vías de extinción: la armonía pop.
En una atmósfera distorsionada, instrumentos como didgeridoo, xilofón, gaita y violín le aportan a su música un plus extra que los puedo encontrar surfeando el post punk de los '90 y la violencia electrónica de hoy.
NARANJA, su primer larga duración después de dos EP´s urgentes y directos, es el resultado de un trabajo de más de seis años, curtido en sótanos, festivales, giras y cuartos de hotel. Un perfecto equilibrio entre la canción desnuda y el instinto primitivo y animal de los shows en vivo.

OJAS es:
Ivan Gramático: Voz y guitarra. Pablo Retamero: Guitarra. Francisco Paterno: Batería y secuencias.
Diego Murovankin: Samplers y secuencias.
Alvaro Gilmariño: Violín, didgeridoo, flauta.
Anita Bellone: Bajo. Phias: Glich Hop.

Pagina: http://myspace.com/losojas

Supergrass

SUPERGRASS entró de lleno en el panorama musical británico en 1995, ofreciendo un pop de estilo juvenil, despreocupado y fresco. Desde entonces, sus dos primeros albumes, considerados ya auténticos clásicos, el numero 1 I should Coco (que incluía uno de los grandes éxitos de aquel verano, Alright) e In It For The Money que se publico en 1997, han conseguido llegar a ser discos de platino en Inglaterra, alcanzando además unas impresionantes ventas en el resto del mundo que superan al millón de copias cada uno.
Aunque SUPERGRASS nació en febrero de 1993, los orígenes del grupo se remontan a aquellos días en que Danny Gofey (batería) y Gaz Combes (voz y guitarra) , que entonces eran apenas unos adolescentes, crearon un cuarteto llamado The Jenifers, cuando estudiaban en la Wheatley Park Comprensive de Oxford (el bajista Mick Quinn también estudio allí). Decididos a compaginar las actividades del grupo con los estudios, The Jenifers firmaron un contrato con el sello Nude Records (al mismo tiempo que lo hizo Suede), pero solo consiguieron publicar un single antes de que aquella relación llegara al final. Poco después Gaz conoció a Mick cuando trabajaba en un restaurante de Harvester y junto a Danny, crearon otro grupo, Theodore Supergrass, aunque pronto decidieron eliminar la primera parte del nombre.
SUPERGRASS ofrecieron sus primeras actuaciones en directo frente a un rebaño de vacas que descansaban cerca de la casa de Mick, aunque después de grabar una impactante maqueta en lso estudios Sawmills de Cornwall (aun sigue siendo el estudio favorito del grupo) tuvieron la oportunidad de tocar en la Jerico Tavern, ante un numeroso grupo de ejecutivos procedentes de diversas compañías discográficas.
Su primer single Caught by The Fuzz se publico en el verano de 1994 a través de un pequeño single independiente de Oxfrod llamado Backbeta. Fue una edición limitada de tan solo 250 copias, que se vendieron rápidamente en parte gracias al apoyo incondicional que recibió el grupo por parte de John Peel, el famoso disc-jockey de la emisora Radio One. Aquel tema, basado en la detención de que fue objeto Gaz cuando tenia 15 a-os por posesión de cannabis, también se incluyo en el primer EP del grupo titulado Fierce Panda, que fue editado masivamente cuando el grupo firmo un contrato con Parlophone en octubre de 1994, consiguiendo la categoría de Single de la Semana al mismo tiempo en las revistas NME y Melody Maker, algo que no suele ocurrir con demasiada frecuencia.
A aquel tema le siguió una rápida sucesión de éxitos como Mansize Monster (numero 20 de las listas), Lenny (Top 10), Alright (n¼ 2) y Going Out (Top 5), coincidiendo con una larga serie de conciertos y participaciones en diversos festivales que les mantuvieron ocupados durante 18 meses. Entre ellos destaca especialmente su participación en eventos tan importantes como T in The Park, que tuvo lugar en Escocia, Hollywood Rocks en Rio de Janeiro, Big Day Out en Australia y el famoso Galstonbury Festival en Inglaterra. Tantas actuaciones contribuyeron a que el grupo mejorase aun más su estilo en directo y ayudo a que SUPERGRASS se convirtiera en una de las bandas mas admiradas del país sobretodo por la calidad de sus conciertos. En estados Unido incluso Steven Spielberg, gran admirador del grupo, les ofreció la oportunidad de crear una serie de televisión basada en el grupo. Estaba claro que había llegado el momento de alejarse de tanta actividad y en vez de aprovechar el enorme éxito que disfrutaban regresaron a Inglaterra en la primavera de 1995 para recargar las baterías y preparar las ideas que darían forma a su segundo álbum.
De nuevo volvieron a grabar con los estudios Sanwllas, produciendo su nuevo disco ellos mismos con la colaboración de John Cornfield, In It For the Money resulto al mismo tiempo un paso adelante un tanto oscuro pero también de corte optimista en la evolución de un grupo que aun tenia mucho que decir en el mundo del pop. En términos de imagen y sonido, resulto un enorme paso adelante.
La grabación del álbum estuvo acompañada de un montón de excelentes criticas y portadas de revistas, como NME, Melody Maker, I-D o the Big Issue. In It For The Money pronto alcanzo ventas superiores para ofrecer al grupo de su segundo disco platino (además consiguió vender un millón discos en el resto del mundo) mientras otros muchos grupos, contemporáneos de SUPERGRASS afrontaban un completo fracaso.
A lo largo de 1998, Gaz Y Mick fueron invitados a colaborar en el álbum ÒAnutha Zpne de Dr.John (intervinieron en el tema Voices In My Head) y al mismo tiempo Danny participo en el primer disco de Lodger.
SUPERGRASS publico el tema principal de su tercer álbum Pumpin On Your Stereo (numero 1 en las listas) en mayo de 1999.
La minigira que celebro SUPERGRASS para presentar el single resulto un gran éxito, con actuaciones que incluyeron su presencia en el Shepherds Bush Empire de Londres dentro del festival Five Night Stand organizado por la MTV. Las excelentes críticas que recibió el grupo volvieron a confirmar su estatus como uno de los mejores grupos ingleses en directo.

SUPERGRASS IS 10. The Best Of '94-04
SUPERGRASS EDITA NUEVO SINGLE, DVD Y ÁLBUM CONMEMORATIVO CON MOTIVO DE SU 10º ANIVERSARIO
Este año, los componentes de Supergrass celebran su 10º aniversario y han anunciado el lanzamiento de 'Supergrass is 10: The Best Of 94-04' en CD y DVD, previsto para el 7 de junio.
El CD 'Supergrass is 10' incluirá muchos de los grandes clásicos creados por la banda a lo largo de su carrera, incluidos 'Caught By The Fuzz', 'Pumping On Your Stereo', 'Richard III', 'Moving', 'Sun Hits The Sky' y 'Alright'. El álbum, compuesto por 21 cortes, incluirá también dos temas nuevos, 'Kiss Of Life' y 'Bullet'. El single 'Kiss Of Life' se editará el 24 de mayo.
El DVD 'Supergrass is 10' estará formado por dos discos. El primero constará de un documental con comentarios de la propia banda, apariciones en televisión y mucho material inédito, incluidas secuencias personales extraídas de sus comienzos con The Jennifers. El segundo estará formado por todos sus vídeos hasta la fecha, además de secuencias entre bastidores del vídeo 'Pumping On Your Stereo' y una opción de karaoke para que puedas cantar tus temas preferidos.
Los festejos del aniversario comenzarán con los 20 conciertos que integrarán su gira por Gran Bretaña, la más extensa hasta la fecha, que comenzará el 25 de abril y finalizará el 21 de mayo. De acuerdo con la ocasión, interpretarán muchos de sus grandes éxitos.
Cuando finalice la fiesta, la banda regresará al estudio para proseguir los preparativos de su quinto álbum, el siguiente tras 'Life On Other Planets', editado en el 2002.

Pagina: http://www.supergrass.com

Sumo

Sumo fue una banda de argentina de Rock Alternativo formada en 1982.

Reseña histórica

El italiano Luca Prodan llegó a Argentina en 1982, procedente de Inglaterra, tras haber aceptado la invitación de su viejo amigo Timmy McKern. Se sintió atraído por la idea y por el paisaje, por lo cual decidió viajar hacia las sierras cordobesas que le mostraban la postal que había recibido de su ex compañero de estudios.

Años después en algunos reportajes, Luca diría que llegó a Argentina "para huir de la heroína", droga dura que ya le había costado la vida a una de sus hermanas y que a él lo tuvo en coma a fines de los '70.

"...But there's something,
something I can't forget,
'cause it's in my head,
think about it when I'm in bed.
Do you know what it is?
It's heroin..."
(fragmento de "Heroína")

En Londres había tocado la guitarra en diversos pubs de los suburbios, había asistido a infinidad de recitales de todo tipo, deslumbrándose principalmente con el reggae y el punk, había aprendido diversos oficios y llegó a trabajar de cadete en la compañía Virgin.

Una vez instalado aquí, cerca de la localidad de Nono, se dedicó a componer canciones y grabarlas en su pequeño estudio casero. El resultado le gustó tanto que pensó en conformar un grupo de rock en la Argentina, para lo cual regresó a Londres a comprar instrumentos y convencer a su amiga inglesa, Stephanie Nuttal, de ser su baterista.

Al regresar se trasladó a una vieja casona en Hurlingham (provincia de Buenos Aires), lugar donde conocería a los músicos que luego integrarían la banda. Stephanie llegó en octubre de 1981 y formaron Sumo junto a Germán Daffunchio (cuñado de Timmy) en guitarra y Alejandro Sokol (un amigo de Germán) en Bajo. El debut fue en el pub "Caroline" de El Palomar (el barrio de los hermanos Mollo y los primeros ensayos de Sumo), en febrero de 1982. En la primera época, muchas veces los integrantes de la banda salían a tocar por Buenos Aires con sus bandas paralelas: la Hurlingham Reggae Band y Sumito. Su primer actuación importante se llevó a cabo en el Festival Rock del Sol a la Luna, el 20 de marzo de 1982, del cual participaron Riff, Juan Carlos Baglietto, Orions, Memphis La Blusera y Los Violadores, entre otros. A este evento asistieron alrededor de 20.000 personas. Unos meses después, presa de la intolerancia y la paranoia propia de la época de Guerra de Malvinas, Stephanie regresa a sus tierras. A raíz de esto Alejandro Sokol se ubicó tras los parches y el bajo lo tomó un vecino, Diego Arnedo. Además, la familia se agrandó al ingresar Ricardo Mollo, guitarrista proveniente de la agrupación M.A.M., y el saxofonista Roberto Petinatto, por ese entonces redactor en la revista Expreso Imaginario, a través de la cual había conocido a Prodan.

Hacia fines de 1983 Luca realiza un viaje a Europa, pasando por Túnez a visitar a su hermano Andrea, hecho que hizo pensar a muchos que Sumo estaba llegando a su fin. Pero no. Luca volvió, y con más fuerzas que nunca. Durante 1984 realizaron una gran serie de shows, entre los cuales se destaca el brindado en el Auditorio Buenos Aires, que marcaría el debut de Alberto Superman Troglio en batería ocupando el lugar abandonado por Sokol. La banda en ese momento lideraba el movimiento underground, junto con Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

"En un principio, eran casi todos temas míos, cuando yo tocaba la guitarra. Después la cosa fue cambiando, entró una onda mucho más reggae, nos desdoblamos en la Hurlingham Reggae Band (que era únicamente reggae) y Sumo, por su parte, se puso más pesado. Y Fargo -que hoy es el guitarrista de los Redonditos de Ricota- era el violero de la Hurlingham. Después se unieron los dos grupos otra vez, Fargo se fue con Patricio Rey, yo me fui a Europa, y cuando volví con Sumo comenzamos a hacer temas de la Hurlingham... Ahora Sumo es medio reggae y medio pesado. En fin: medio raro"
(Luca Prodan, por Gloria Guerrero para Revista Humor)

El debut discográfico llegó en 1985, tras haber sido vistos en vivo por un productor de la CBS. La placa se llamó "Divididos por la felicidad", en referencia a uno de los grupos preferidos de Luca, Joy Division. Este trabajo vio la luz en formato de disco, tras una legendaria edición independiente en casette. La presentación del disco tuvo lugar en el teatro Astros, los días 10 y 11 de mayo de 1985, reuniendo 1.300 personas por show. Este primer trabajo vendió 15.000 copias e incluyó el hit "La rubia tarada" (titulado originalmente "Una noche en New York City"), así como "Mejor no hablar de ciertas cosas" con letra del Indio Solari, cantante de los Redonditos de Ricota. El domingo 13 de octubre de 1985 se presentaron en el Festival Rock & Pop que se llevó a cabo en el estadio de Vélez Sarsfield. Junto a ellos estuvieron Nina Hagen, John Mayall, INXS, Los Abuelos de la Nada, La Torre, Fito Páez y Miguel Mateos/ZAS.

En 1986 participaron de la segunda edición del Festival Chateau Rock, que se realizó en la provincia de Córdoba. Esa misma noche actuaron Metrópoli, GIT y Virus. Entre marzo y abril del mismo año grabaron su segundo disco, "Llegando los monos", también para el sello CBS. La placa fue presentada en vivo en el estadio Obras Sanitarias el 9 de agosto de 1986. Unos días después, ofrecieron un show en Uruguay, durante un festival en la ciudad de Montevideo ante unas 25.000 personas. En octubre, se presentó el trabajo "Sumo en video", que tenía una duración de 50 minutos y documentaba el show presentación de "Llegando los monos". Volvieron al estadio de Av. Libertador el día 15 de noviembre de 1986, sólo que en esta oportunidad compartieron escenario con el grupo brasileño Os Paralamas Do Sucesso, que realizaba su primera visita a Buenos Aires. Los tiempos del underground le habían cedido el paso a los de masividad. Sobre esto una vez Luca reflexionó: "el under como movimiento no existe". En el mes de diciembre, Sumo comenzó los trabajos de grabación de la que sería su tercer placa, "After Chabon", en los Estudios Panda de Buenos Aires.

En el verano de 1987 tomaron parte del Festival Rock in Bali en Mar del Plata. La nueva placa se editó durante ese año, pero la adicción de Luca por la heroína había cambiado por la ginebra, con lo cual su salud estaba muy deteriorada. De este disco se destacan temas como "Mañana en el abasto", "Hello Frank" y "Lo quiero ya", entre otros. Presentaron "After Chabon" en el estadio Obras Sanitarias el 10 de octubre ante más de 4.000 personas. Como invitados aparecieron en escena Tito Fargo, Semilla Bucciarelli, Andrés Calamaro y el mimo Geniol.

El 14 de noviembre de 1987 actuaron en el Coloquio Internacional de Telecomunicaciones que se llevó a cabo en la ciudad de Argel, Argelia. La misma fue poco difundida, pero no por eso menos importante. La última actuación del grupo, con Luca a la cabeza, se realizó el 20 de diciembre de 1987 en la cancha del Club Atlético Los Andes, junto a Los Violadores. Mollo recordó más tarde que esa noche, ante poco más de 500 personas, momentos antes de ejecutar una poderosa versión de "Fuck You", Luca dijo: "ahí va la última". Así fue. Dos días después, el 22 de diciembre lo encontraron muerto en la casa de una amiga, ubicada en la calle Alsina al 400, a causa de un paro cardíaco. Tenía 34 años (muchos creen que tenía 37, pero en realidad no fue así, ya que Luca nació en 1953 y murió en 1987) y una cirrosis irreversible, causada por su adorada ginebra.

"...Basta! Me voy, rumbo a la puerta
y después al boliche a la esquina
a tomar una ginebra con gente despierta.
¡Esta si que es Argentina!"
(fragmento de "La rubia tarada")

Petinatto, Arnedo, Daffunchio y Mollo, se presentaron en una nueva edición del Festival Chateau Rock, durante el verano de 1988. Esta actuación del grupo se tituló "Homenaje a Luca Prodan" e interpretaron temas como: "Gaitas", "Nextweek", "Los viejos vinagres", "Mejor no hablar de ciertas cosas" y "Heroine", entre otros. Para cantar este último tema subió la novia de Luca al escenario. Esta fue la primer actuación sin Luca y la última de Sumo. Finalmente, en 1989 a través del sello CBS se editó una placa titulada "Fiebre" que incluyó temas inéditos, algunos de ellos iban a integrar una nueva producción de la banda.

La muerte de Luca (22/12/87), inició el fin del rock nacional post-Malvinas de la década de los '80, ya que un año después habrían desaparecido otras dos importantes luminarias del rock argentino: Miguel Abuelo (26 de marzo de 1988) y Federico Moura (21 de diciembre de 1988). Todavía se pueden encontrar en las paredes de Bs. As. pintadas que claman: "LUCA NOT DEAD".

"Luces calientes atraviesan mi mente
luces calientes atraviesan mi mente.
Te veo a vos
te veo a vos.
Mentira mentira mentira mentira
adonde fuiste adonde fuiste
mentira mentira mentira mentira
adonde fuiste adonde fuiste...
(Fragmento de "El ojo blindado")

Lo que siguió

Los distintos restos de la banda dieron origen a nuevas agrupaciones, destacándose Divididos y Las Pelotas. Hay una teoría, que aparentemente es otra leyenda urbana, que dice que el nombre de estas bandas surgió de un reportaje a Luca. El periodista le preguntaba si veía en un futuro a los miembros de Sumo divididos, a lo que el cantante habría respondido con una expresión ciertamente rockera: "¿Divididos?, ¡Divididos las pelotas!".

El 12 de Abril de 2007, a 20 años de la separación de la mítica banda, todos los miembros sobrevivientes de la última formación se juntaron a tocar durante el Quilmes Rock Festival en el estadio de River Plate. Interpretaron Crua chan, Divididos por la felicidad y Debedé. Con Marcelo Rodríguez "Gillespie" en trompeta como invitado.

Fue histórico, sí. Por donde se lo mire. Anoche Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Germán Daffunchio, Roberto Pettinato, Alejandro Sokol y Alberto Supermán Troglio, más el espíritu de Luca Prodan sobrevolando River, es decir Sumo completísimo, cerró la primera noche del Quilmes Rock.

Fue el reencuentro después de aquella triste noche de hace 20 años cuando los mismos Sumo sobrevivientes dijeron adiós en el Chateau Rock, unos días después de la muerte de Luca. Aquella noche en que, casi a tientas, Mollo y Pettinato se alternaron en la voz líder del grupo mientras Claudia, la rubia, lloraba a un costado del escenario abrazando la campera del pelado, su novio, que se había ido.

Esta vez fue una fiesta como debía ser.

Una fiesta de seis viejos amigos y 35 mil chicos que no habían nacido o eran muy pequeños cuando existía Sumo.

Una fiesta cuyas luces seguramente llegaron hasta el cementerio de Avellaneda, allá lejos, donde descansa Luca Prodan de su agitada vida, en un parquecito al costado de todo, bajo una piedra de Córdoba y una grotesca figura de yeso que intenta recordar su pelada pero que sólo llega a lucir como la cabeza de un muñeco de baja calidad.

Qué bueno que haya sido así.

La crónica dice que los ex Sumo tocaron tres temas de la banda cuando el set de Divididos, cierre de la velada, estaba concluyendo

Todo empezó cuando, ante la mirada cómplice de Arnedo, Mollo jugueteó con un riff de Sumo que la multitud reconoció, y sin vueltas presentó a Pettinatto -otra vez con el overol naranja, el legendario-, Sokol y Daffunchio.

Después aumentó la emoción de todos cuando invitó a "un baterista escocés" que se quería sumar al festejo, y apareció el pequeño Troglio, vestido con una pollerita y su legendaria remera con el logo de Superman.

Pagina: http://www.sumo.com.ar

Maná

Maná es una banda de rock mexicano rock latino fundado en 1986. Hasta el momento ha vendido unas 22 millones de copias a nivel mundial.

Historia

Sombrero Verde

La historia de Sombrero Verde comienza en 1978, cuando un grupo de jóvenes de Guadalajara decidieron reunirse para tocar varios covers de grupos a los cuales admiraban; como The Beatles o Led Zeppelin. Estaba formado por José Fernando (Fher) Olvera en la voz, Gustavo Orozco (guitarra eléctrica) y los hermanos Calleros: Juan Diego (bajo), Ulises (guitarra eléctrica) y Abraham (batería). Inicialmente se hacían llamar The Green Hat Spies, que rápidamente se acortó a Green Hat, pero pronto asumieron sus raices latinas, cambiando su nombre a Sombrero Verde (traducción exacta de Green Hat) y su repertorio a español.

En 1981 logran sacar al mercado su primer disco: Sombrero Verde, con Ariola; Vampiro, Profesor, Long time y Despiértate fueron sencillos de este disco. Luego en 1983 sacan A Tiempo de Rock con Fonovisa; Laura, Hechos nada más y Me voy al mar los sencillos del disco. Estos dos discos tuvieron un éxito escaso que no dejaron conforme a la banda.

Maná

Luego de un cambio de integrantes (Abraham sale y entra el baterísta Alejandro González; a la vez se va Gustavo, dejando al grupo como un cuarteto) y de nombre (de Sombrero Verde a Maná), en 1986, firman con la compañía discográfica Polygram, y graban un nuevo disco titulado MANÁ. De este trabajo se desprendieron los sencillos: Robot, Mentirosa y Mueve tus caderas. Tuvo éxito en algunas ciudades de México, pero a pesar de representar un avance respecto a su época como Sombrero Verde no obtuvo éxito en el mercado musical nacional, aunque alcanzó disco de oro.

En 1989 lanzan Falta Amor, ahora con WEA, que los da a conocer por América Latina. Pero el éxito del álbum no fue inmediato. El primer sencillo del álbum fue con el mismo nombre, Falta Amor. Fher invitó a Alejandro Lora de la legendaria banda El Tri a cantar un dueto con el en Falta Amor. Algo considerado muy raro en el mundo del rock urbano en español.

Maná recorrió el país con este disco, sin embargo, fue más de un año después de su lanzamiento que el single el medio-tiempo Rayando El Sol arrasó, logrando 10 Discos de Oro, cinco de Platino, dos de Doble Platino y uno de Triple Platino; y alcanzando casi el millón de copias.

Este disco le permitió al grupo mexicano meterse en el mercado latino, y ser una banda referente del rock en español. La gira comenzada en 1989, pasó por varios lugares de Centroamérica. En estas ocasiones, Fher Olivera tuvo el gusto de conocer a Sebastián Trepode, todo un referente, de la música latina e intimo amigo de Ricardo Arjona. Juntos realizaron una nueva versión de Rayando el sol.

En 1992 sacan al mercado Donde Jugarán Los Niños. En este disco se integran a la alineación de Maná el César López "Vampiro" (en sustitución de Ulises, que sale del cuarteto para convertirse en manager del grupo) e Ivan González en los teclados, obteniendo premios por ventas en la mayoría de los países de Latinoamérica. De este álbum se han vendió cuatro millones de copias y colocó ocho sencillos en las listas de popularidad.

A finales de 1994 "Vampiro" e Iván se separan de la banda. Ese año, como trío, se edita Maná En Vivo, álbum que recoge momentos de la gira de promoción de Dónde Jugarán Los Niños. En esta gira reclutan como tecladista a Juan Carlos Toribio, quien ha sido musico invitado de maná a partir de esa gira.

En 1995 reclutaron a Sergio Vallín, desde entonces con la guitarra, y lanzan Cuando Los Ángeles Lloran con éxitos de la talla de Como un perro enloquecido, Hundido en un rincón, No ha parado de llover, Selva negra,El reloj cu cu y Cuando los ángeles lloran. También en ese año, graban la canción "Tonto en la lluvia" para el disco Encomium, que es un tributo a la banda inglesa Led Zeppelin. Esta versión en español de la canción "Fool in the rain" (Page/Plant/Jones) aparece solo en la primera versión del disco, ya que fue eliminada de las posteriores reediciones.

En 1997 sale Sueños Líquidos, lanzado en 26 países. En el muelle de San Blas, Hechicera, Clavado en un bar y Como dueles en los labios hicieron retumbar las radios. Al poco tiempo Maná gana premios por ventas en casi todos estos países, incluyendo España y Estados Unidos. Sueños Líquidos vende seis millones de copias en todo el mundo.

En 1999 se graba para la cadena MTV el Unplugged, que definitivamente los consagra en EE.UU tocando algunos temas sociales como Desapariciones tema de Ruben Blades,Se me olvido otra vez tema de Juan Gabriel y Te solte la rienda tema de Jose Alfredo Jimenez teniendo un éxito profundo an la radio y en el 2000 colaboran con Carlos Santana en su álbum multiplatino Supernatural, con la canción Corazón Espinado.

Tres años pasaron para que Maná saque al mercado en 2002 Revolución de Amor. Este álbum tuvo como singles destacados: Angel de Amor, Eres mi religión y Mariposa traicionera. De igual modo, contó con la participación de Carlos Santana y su guitarra en Justicia, Tierra y Libertad y también con la de Rubén Blades en Sabanas Frías. Por último, se debe destacar también que el guitarrista del grupo, Sergio Vallin, debutó como cantante en la canción ¿Por que te vas?. El disco resulta ser menos exitoso en comparación a su predecesor. Luego el cantante italiano Zucchero invita a Maná a grabar la canción Baila Morena, Maná le devuelve la invitación al cantante italiano al invitarlo a participar en la canción Eres mi religión pero ahora en italiano, que luego fue incluida en una edición especial del disco Revolución de Amor. En la gira de Revolución de Amor consiguen a Fernando Vallín como guitarrista invitado desde 2002.

A finales del 2003 lanzan los recopilatorios Esenciales en tres versiones: Sol, Luna y Eclipse, que incluyen los temas más exitosos y otras colaboraciones de la banda, como por ejemplo la versión de Fool In The Rain, canción original de Led Zeppelin, incluida en un tributo al legendario grupo inglés. También se encuentra en la compilación la canción inédita Té llevaré al cielo, que se convirtió en todo un éxito.

En el 2004 salió a la venta el DVD llamado Acceso Total, el cual incluye una mezcla de imágenes de varios conciertos y otras escenas.

En febrero de 2006, Maná empezó a grabar Amar es combatir, el cual fue lanzado el 22 de agosto de 2006, alcanzando el número 4 en el "Top 200 Albums" de la revista Billboard en los Estados Unidos, record solamente alcanzado para una producción enteramente en español por el álbum Fijación Oral, Vol 1 de Shakira. El primer sencillo en sonar de este disco, en Julio de 2006, fue Labios Compartidos. Rápidamente se colocó en el número 1 de las distintas radio emisoras, principalmente en las zonas latinas de Estados Unidos. El segundo sencillo fue Bendita tu luz (a dúo con Juan Luis Guerra). El tercer sencillo del álbum, estrenado el 24 de Enero del 2007 es Manda una señal', por fin su cuarto sencillo de este mismo CD es "Ojala Pudiera Borrarte". Otras canciones destacadas son Tu me salvaste o El Rey Tiburón. En Febrero ganan el Grammy e incian el tour por diversos países iniciando con 2 conciertos en San Diego y 4 en Los Angeles para así empezar con 6 sold out. El 27 de Marzo, la banda vuelve a editar el disco de Amar es Combatir pero ahora en edición limitada que contiene un DVD.

Su última gira mundial "Amar es combatir" comenzó en España el 15 de junio de 2007 en Zaragoza. Recorrió 17 ciudades españolas. El broche se puso en el concierto final, el día 12 de julio de 2007, en el Estadio Heliodoro Rodríguez López de Santa Cruz de Tenerife, con una despedida inimaginable con más de 45.000 personas, y que ya forma parte de los encuentros mágicos con su público. Después, pusieron rumbo al continente americano, donde tras una parada en el mes de agosto reanudan su gira por los Estados Unidos donde se convierten en la primera agrupación latina en llenar cuatro fechas consecutivas en el Staples Center de Los Ángeles ya que están agotadas sus localidades. Además que en Febrero del 2008 dentro del Tour regresarán a México para dar una larga serie de conciertos, además que prepararán el nuevo disco.

Expresiones políticas y sociales de la Banda Maná

En septiembre de 1995 la banda creó la fundación Selva Negra, que se encarga de proteger la ecología de América.

El 29 de marzo de 2007, el Canal 4 de Puerto Rico (WAPA), reportó que los integrantes de Maná expresaron su apoyo público a la causa de la independencia de Puerto Rico. Luego de anunciar dicha noticia, el Canal 4 (WAPA), transmitió una entrevista mediante la cual Maná confirmo lo reportado anteriormente, al ser entrevistados por el periodista puertorriqueño Rafael Lenín López. A saber, a través de las imágenes transmitidas, se ve cuando un integrante de Maná apoyó —a nombre de todos los integrantes del grupo musical— el ideal independentista puertorriqueño.

En abril de 2007, el vocalista del grupo, Fher Olvera, destacó que Maná no está ni a favor ni en contra de la despenalización del aborto, sin embargo "ya era hora de hacer algo al respecto" debido al retraso en la educación sexual en México y que "la iglesia siempre se ha rehusado a las iniciativas anticonceptivas y de educación sexual", por lo que "era tiempo de dar una cachetada grande a los conservadores para que se pongan a trabajar en la educación sexual" y que se tomó la decisión ya que "que es una práctica que ha existido siempre, pero que mancilla a la mujer". También criticó que el ex-presidente mexicano Vicente Fox Quesada no hiciera algo al respecto durante su mandato y que le dijeron que "debían poner condones en los antros (discotecas) como ponen extintores y no le tomó importancia a la idea" a fin evitar embarazos no planeados. Dichas declaraciones fueron consideradas por algunos medios de difusión como "alabanzas a la despenalización del aborto" en México. Sin embargo, el grupo musical consideró indignante que la controversia dividiera a la población mexicana, asegurando que antes de caer en esa solución debería haber una cultura de prevención con mejor educación sexual y acceso a los anticonceptivos.

La canción Cuando los Angeles Lloran está dedicada a Chico Mendes, humilde cauchero convertido en baluarte internacional de la defensa del medio ambiente.

Pagina: http://www.mana.com.mx

Control Machete

Control Machete es un grupo de Hip Hop mexicano originario de Monterrey, integrado por el scratcher y teclista Toy Hernández y los raperos Pato y Fermín. Combinan cultura y música del norte de México con hip hop, formaron parte del movimiento musical denominado Avanzada Regia.

Discografía e Historia

Bajo la producción de Jason Roberts, y con influencias de Cypress Hill grabaron su primer disco Mucho Barato considerado precursor del Hip Hop mexicano ya que lo llevó fuera del underground a un nivel más popular. Desde entonces el Hip Hop no es solo para los aficionados del género, sino que se convierte en un estilo de masas.[cita requerida]

Su sencillo "¿Comprendes, Mendez?" Les trajo popularidad inmediata y sonó intensamente durante mucho tiempo siendo su canción más conocida.

Éxitos

Control Machete logró en solo seis meses vender 400.000 unidades de su disco Mucho Barato tanto en México como a lo largo de Latinoamérica. Su capacidad de convocatoria fue (y es) tal que se han presentado ante multitudes de 10.000 personas en España con gran éxito,[cita requerida], efectuando conciertos a lo largo de Sudamérica presentándose ante una audiencia total estimada en más de 300.000 personas.

Es tal el impacto que Control Machete generó, que fueron ellos los encargados de abrir el concierto del multigalardonado músico alternativo David Bowie en el Autódromo Hermanos Rodriguez ante más de 40.000 espectadores.

Más tarde, Control Machete se enfrentaría al reto más grande de su carrera entrando de lleno a las ligas mayores al ser el grupo de apertura oficial de la gira más importante del año en México: Pop Mart, del grupo Irlandés U2.

Y por si fuera poco fueron los encargados de abrir el concierto de 50 cent que ofrecio en México en el Palacio de los Deportes en marzo del 2004.

Fueron invitados a participar en varias recopilaciones, destacando el disco de tributo a José José (BMG, 1998), donde interpretaban Amnesia. Participaron en Outlandos D'Americas (EMI, 1998) el disco que rinde homenaje a The Police. Control Machete, participo en una gira Nacional junto a Molotov en el recordado Tour "Molochete" teniendo gran aceptación en Mexico.

En 2001 uno de los integrantes, Fermin IV, dejó el grupo para continuar su carrera como solista de música cristiana, llegando a convertirse en el Pástor de la Congregación "Semilla de Mostaza" en Monterrey México, ha sido de influencia para que muchos jóvenes abandonen las pandillas y sigan su ejemplo, ademas es vocalista de la agrupación con el mismo nombre.

Actualmente Control Machete se encuentra en un receso, y sin un regreso próximo, pero a pesar de ello en la edición 2006 del Vive Latino Pato se presentó e interpretó algunos de los éxitos de la banda acompañado de Luis Fara y Boscop Benavente de Quiero Club en el Escenario Verde.

En el 2007 un grupo de musica electronica de nombre No Somos Machos Pero Somos Muchos utilizando aparatos para samplear, realizo la versión cumbia del tema ¿Comprendes Mendez? bajo el nombre de El Sabor del Control.

Integrantes

- Antonio Hernández (DJ Toy)
- Patricio Elizalde (Pato)
- Fermín Caballero (Fermín IV)

Pagina: http://www.controlmachete.tv

Babasonicos

Babasónicos es una banda de rock de Argentina, formada a comienzos de los años ’90. En un comienzo parte del “Nuevo Rock argentino”, movimiento compuesto por otras bandas como Peligrosos Gorriones y Los Brujos a comienzos de los ‘90, su sonido pasó del rock sónico de sus primeros discos a un pop con matices de electro. “Babasonicos” es un juego de palabras entre Sai Baba, el gurú indio, y los Supersónicos.

El líder y cantante, Adrián “Dárgelos” Rodríguez, y el tecladista Diego “Uma-T” Tuñón quisieron crear un sonido New wave que no siguiera la escena musical Argentina ya establecida. A Adrián y a Diego se les uniría el hermano de Dárgelos, Diego “Uma” Rodríguez (guitarrista y voces), Diego “Panza” Castellano (baterista), Mariano “Roger” Domínguez (guitarrista) y Gabriel “Gabo” Manelli (bajista).

El primer álbum de Babasonicos, Pasto (1992) contaba con el hit “D-generación”, su primer gran éxito, y con la colaboración de Gustavo Cerati y Daniel Melero. También en 1992 actuaron como teloneros para Soda Stereo.

Para su segundo disco, Trance Zomba (1994), incorporaron a un DJ: “DJ Peggyn”, que se convertiría en un miembro de la banda hasta Miami (1999). También en 1994 telonearon a Depeche Mode en su presentación en el estadio Velez Sarfield.

Luego de salir de la ola de bandas del “Nuevo rock argentino” de finales de los ’80 y comienzos de los ’90, Babasonicos se convirtió en el grupo insignia del movimiento under de “rock sónico”. En 1998 un single nuevo, "Desfachatados", fue incluido en un CD, junto a otros músicos internacionales, en beneficio de los refugiados de Kosovo. También en el '98 el grupo colaboró con Ian Brown, ex Stone Roses, en una canción con su nombre en el álbum de Ian Golden Greats (1999).

Luego de lanzar Miami en 1999, la banda concluye su relación con Sony Music (su discográfica hasta el momento), así que edita varios materiales a través de su propio sello: Bultaco Records. Babasonicos lanza "Vórtice Marxista" (compuesto por lados B de sus primeros tres discos), "Vedette" (lados B de Babasónica), "Babasónica Electrónica" (remixes de Babasónica hechos por el grupo y por otros artistas) y "Groncho" (lados B de Miami). Para grabar su siguiente disco se asocian con Pop Art Music.

A pesar de que la banda había mezclado varios estilos con experimentación en sus primeros discos, Miami ya marca una transición que se concreta con su siguiente disco. Luego de grabar Jessico (2001) –el primer gran álbum argentino de la década, según los críticos-, Babasonicos comienza una nueva carrera como una banda de pop más típica. Algunos ven esto como una “traición” a su pasado más experimental, y que Babasonicos se había convertido en una banda mainstream común. En el 2002 el grupo se embarca en una gira por EEUU y México.

Sus últimos discos, Infame (2003) y Anoche (2005) confirman su posición de banda de rock alternativo y una de las más populares de la Argentina. En 2006 la banda realizó una gira por Chile, Colombia, Ecuador, México y España. En el 2007 continuó con sus giras y realizó una en conjunta a la banda Zoé, recorriendo EEUU y México.

Discografía

- Pasto (1992)
- Trance Zomba (1994)
- Dopádromo (1996)
- Babasónica (1997)
- Miami (1999)
- Jessico (2001)
- Infame (2003)
- Anoche (2005)

Pagina: http://www.babasonicos.com

Javier Malosetti

Hijo de un exquisito músico de jazz, Javier Malosetti se destaca como bajista de diversas bandas y en su carrera solista.

Fue miembro estable del grupo de Luis Alberto Spinetta, con quien grabó los discos "Don Lucero", "Exactas" y "Pelusón of Milk", y tocó con Dino Saluzzi, Lito Vitale, Jaime Ross y Baby López Furst, entre muchos otros.

En 1993 grabó su primer disco solista, excelentemente criticado y hasta calificado como "revelación" en varios medios.

Luego de muchas giras acompañando a distintos artistas, en el 2001 editó su segundo trabajo en solitario, "Spaguetti Boogie", para el cual el encasillamiento no es precisamente una buena opción: «Con este disco me gustaría zafar de las bateas del jazz. No sé si es fácil, porque algunos me siguen viendo como un músico de jazz que histeriquea con el rock, pero eso es injusto. Soy un músico de ningún estilo. Y no coqueto: yo me curto todos los estilos».

En el 2003 volvió al formato de trío para la gira de su disco "Malosetti vivo", al tiempo que continuó tocando con Spinetta.

Al año siguiente dejó la banda de Spinetta para dedicarse full time a "Onyx", su nuevo trabajo.


Discografía

Javier Malosetti, 1993
Spaguetti Boogie, 2000
Villa, 2002
Malosetti vivo, 2003
Onyx, 2004
Niño, 2006

Pagina: http://www.malosetti.com.ar
Fuente: Rock.com.ar

Enrique Bunbury

Biografía

Enrique: Nacido el 11 de agosto de 1967 en Zaragoza Enrique Ortiz de Landázuri Izardui, más conocido en el mundo artístico como Enrique Bunbury, comenzó su andadura musical a la temprana edad de los 12 años cuando pudo comprarse la que sería su primera guitarra con cinco mil pesetas que había logrado ahorrar. Con dicha guitarra entró en 1980 en el grupo zaragozano Apocalipsis.
Entre 1981 y 1983 cantó y tocó la batería en un nuevo grupo: Rebel Waitz, con los que particpó en el concurso municipal de rock de Zaragoza en 1982. Bunbury se vio obligado a cantar porque en la banda no había nadie que lo hiciera, aunque la voz de Bunbury en esos comienzos no se puede decir que fuera un deshecho de virtudes sino más bien todo lo contrario. A los 14 años ya había compuesto el tema Maldito duende y a los 16 años inicia sus contactos con el mundo del cabaret, relación que se manifestaría con posterioridad en sus trabajos en solitario. Bunbury con un carnet de identidad falsificado entraba en locales de Zaragoza como el Oasis o el Plata y disfrutaba de la música de salón, las coplas e incluso algún que otro strip tease.
En 1984 entró en un nuevo grupo: Proceso Entrópico, en el que pasó a tocar el bajo y seguía cantando. En 1985 nueva banda: Zumo de vidrio donde continúa tocando el bajo. En 1986, increible, pero vuelve a cambiar de banda: La censura de los cuentos donde continúa con el bajo y vuelta otra vez a cantar. También en 1986 canta para el grupo Tres años de pena, pero entonces Bunbury ya le ha tomado el punto a lo de las voces y el público comienza a darse cuenta y a apreciar ese tan peculiar estilo.
En 1987 toca la guitarra en un grupo zaragozano de cierto renombre Niños de Brasil y aparece en el CD. Del amor y del odio. A Bunbury sin embargo ya le llevaba rondando por la cabeza formar su propia banda junto a su amigo Juan Valdivia y por fin en 1987 el sueño ve la luz cuando alcanzan la que sería la definitiva formación de los Héroes del Silencio. La banda le cae en gracia a Gustavo Montesano, miembro de Olé Olé, quien logra que el grupo firmase por la multinacional discográfica EMI. En este mismo año graban su primer mini-Lp. Héroes de leyenda que supone un hito dentro del panorama nacional al llegar a vender en un trabajo de debut más de 30.000 copias. Su primera actuación en Madrid tiene lugar durante el Festival San Isidro de 1987. Luego vendrían El mar no cesa (1988) que vende más de 150.000 copias. Bunbury ha sido siempre un culo inquieto y aprovecha los ratos libres entre actuaciones y grabaciones de discos para viajar y visitar lugares tan distintos entre si como la India, Nepal, México, Cuba y resto de países de Latinoamérica. Su último grandescubrimiento es el oriente próximo y el mundo árabe (países como Túnez, Marruecos o Jordania fascinan al músico zaragozano). Además aprovecha estos viajes para empaparse de la cultura local, sobre todo en lo que a música se refiere, y así no pierde oportunidad de aprender a tocar la sgira bereberen Marrakech, el sitar en Benarés o los bongos en Cuba. La obra cumbre de los Héroes seguramente sea Senderos de traición (1990) que vende más de 400.000 copias. El 26 de septiembre de 1991 los Héroes graban en las Rozas (Madrid) Senda ´91, un disco en directo que contiene ocho temas.
En 1992 produce el Cd. Sueños en blanco y negro del grupo zaragozano Las Novias y con los Héroes graba El espíritu del vino.
En 1993 colabora en los coros del Cd. El cielo lo sabe de sus paisanos de Distrito 14. También tiene gira de El Espíritu y El Vino con los Héroes.
En 1994 vuelve a grabar con los Héroes Héroes del silencio y también en 1994 crea el sello independiente "A la inversa records" compañía que se encarga de editar los discos un Cd. Recopilatorio titulado Zaragoza vive en el que aparecen 22 grupos zaragozanos o Todo/Nada sigue igual de los zaragozanos Las Novias. A finales de 1995 graba con los Héroes del Silencio Avalancha. En 1996 produce el Cd. Titulado El Imperio de los sentidos de una de sus ex bandas, Niños del Brasil y una maqueta de los también zaragozanos, Amaral, titulado Lo que quiero oir de tu boca. Bunbury también colabora en los coros del Cd. La pipa de la Paz de Aterciopelados, grupo que teloneó a los propios Héroes del Silencio durante su gira nacional en 1996.

Despedida de Heroes
El 10 de junio en el anfiteatro Universal de Los Angeles se despidieron de USA con la gira de Avalancha. Esta gira no sólo les sirve para despedirse de su legión de seguidores sino también para grabar un segundo trabajo en directo Para siempre que permite apreciar el grado de madurez y crecimiento que había alcanzado la banda aragonesa. Al finalizar su última gira con Héroes del Silencio no se toma demasiado tiempo en para a reflexionar sobre lo logrado hasta ese momento e inmediatamente comienza a trabajar en las canciones del que sería su primer álbum en solitario Radical Sonora. Así coincidiendo con la fecha de sus cumpleaños, el 11 de agosto de 1997, sale a la venta el adelanto de su nuevo álbum Radical Sonora, el single titulado Salomé. Este primer trabajo en solitario está producido por Phil Manzaneda y coproducido por el propio Bunbury. Un trabajo con aires electrónicos y visitas a la música tecno-rock, textos directos y brisas provenientes del Magreb, que los muy partidarios de Héroes no llegan a entender. La gira de presentación de este trabajo comienza el 6 de febrero de 1998 en el pabellón Príncipe Felipe de Zaragoza y tras visitar algunas capitales españolas como Valencia o Barcelona comienza una gira internacional que le lleva a Portugal, gran parte de Latinoamérica (México, Argentina, Colombia, Ecuador, Panamá, Guatemala.), EE.UU., regreso a Europa para actuar en Alemania (donde los Héroes lacanzaron una importante repercusión en sus días), Suiza y de nuevo en casa más trabajo siendo teloneado en algunos conciertos por Estereocéano, Manta Ray o IPD.

Cabaret ambulante
El segundo trabajo en solitario lleva por título Pequeño cabaret ambulante (Chrysalis, 2000) que es un álbum grabado en directo en México D.F. con letras desnudas y personales envueltas en músicas porteñas: mexicana, bonaerense, árabe. y que nos plantea un acercamiento a ritmos que están, en este momento, un tanto pasados de moda, sobre todo entre el público más juvenil, como la música de cabaret, la copla, el tango, la ranchera y otros ritmos ancestrales. Bunbury, ya desde antes de su época de Héroes, ha estado muy ligado al mundo de la copla y el cabaret aunque debemos trasladarnos a México D.F. para encontrar la que es su sala de cabaret favorito, el local de Paquita la del Barrio quien lo instaló debajo de su propia casa para la gente pobre, un lugar, donde en palabras del propio Bunbury, "puedes disfrutar de una cena económica mientras disfrutas del espectáculo. Incluso a veces la propia Paquita baja y canta". Las colaboraciones en este trabajo son de auténtico lujo tanto en la producción, en la composición de los temas (Copi) o simples apoyos de otros artistas (como Andrés Calamaro.). El 10 de octubre de 1999 comienza en Zaragoza la gira de presentación de Pequeño. La aceptación de este nuevo trabajo tanto por la crítica como por el público enn general es mucho mayor que en su primer trabajo, lo que claramente se refleja en las ventas y así en febrero del 2000 recibe en Madrid su primer disco de platino por ventas superiores a los cien mil ejemplares. Además con este trabajo Bunbury demuestra que es de entre los artistas españoles uno de los que mejor cuida a sus seguidores y así por ejemplo el single que recoge el tema Infinito contiene nuevos temas de regalo como Luna, Un hombre en el espacio (que cuenta con la colaboración de uno de los productores de moda como Big Toxic), una versión del Watchin´the weels de John Lennon o el tango Confesión grabado en directo en Buenos Aires, el single de la canción Viento en las velas que incluye un total de ocho grabaciones, con maquetas, remezclas y recreaciones de éxitos de Sting o Tom Waits o incluso el single de El extranjero que incluye temas como El jinete (que recuerda mucho a su anterior etapa en los Héroes), la adaptación de un bolero como Voy a perder la cabeza por tu amor o Luna (ya recogido en Infinito) que recoge sonidos más propios de su anterior Lp. Radical Sonora.

2002 es el año de Flamingo's, que como él mismo ha dicho en más de una ocasión es un disco de canciones. Enrique siempre se ha mostrado un artista muy comprometido y la última guerra en la que se ha involucrado es la lucha contra la piratería.

Finaliza el 2003 con un nuevo proyecto musical, Bushido, grupo formado junto a Shuarma (Elefantes), Carlos Ann y Morti (El Fantástico Hombre Bala), cuyo disco homónimo sale en 2004.

2004 también es el año de un nuevo disco en solitario El viaje a ninguna parte.

Rock en Ñ"

En la gira realizada por EEUU en el verano del 2000, organizada por la SGAE y titulada "Rock en Ñ", donde recorrió Nueva York, Chicago, Los Angeles y México D.F. compartió escenario con otros músicos como Julieta Venegas, Santiago Auserón o Mastretta, se reunieron en sus conciertos muchos músicos hispanos que lo idolatran. Pero no sólo acuden chicos sino también chicas las cuales no sólo disfrutan de la música sino que toman al asalto el escenario (Joe´s Bar de Chicago) o incluso le arrojan prendas (un body y un sostén en México D.F. .y es que hay cosas que nunca cambiarán). En el concierto de México D.F. quedó patente el gran recuerdo que Héroes habían dejado en anteriores actuaciones por aquellas tierras cuando en el concierto organizado en el Teatro Metropolitan anunció que acababa de llegar Pedro Andreu, antiguo batería de los Héroes, con le que interpretó una canción en versión acústica y durante la cual paredes y techos del recinto no estallaron de purito milagrito. En octubre del 2000 sale a la venta el nuevo disco de los barceloneses Los Elefantes que cuenta con la producción del propio Bunbury y en el que se encuentra una versión de Bambino (artista al que el propio Bunbury idolatra) titulada Se me va. Bunbury también aparece en un disco homenaje a Sergie Gainsburg con una versión de Requiem por un cabrón y en el disco homenaje a Triana para el que graba una versión del famoso tema Necesito. Con el disco Canciones 84-96, que aparece en el mes de noviembre, se cumple el contrato que los Héroes del Silencio tenían con la discográfica EMI, contrato que obligaba a los maños a sacar cuatro discos tras su separación: Para siempre (1996, disco en directo), Rarezas (1998, que recoge temas inéditos), La Edición del milenio (1999) y finalmente Canciones 84-96 (2000), trabajo que aparentemente pone punto y final a los Héroes del Silencio. Bunbury afirma que sigue haciendo discos por insatisfacción pues considera que ninguno de los trabajos realizados hasta la fecha se pueden calificar de "bueno". Del próximo proyecto que ya le anda rondando por la mente adelanta que tendrá que ver con el blues del Mississippi, la sobriedad de la música árabe y el drama del tango bonaerense.

HEROES DEL SILENCIO

Héroes del silencio se formó en la ciudad de Zaragoza a mediados de la década de los ochenta, dándose a conocer de inmediato por toda la región. Fue el momento en el que Enrique Bunbury entra a formar parte del grupo de Juan Valdivia y su hermano, Zumo de Vidrio.

Debido a su rápido éxito, pronto fichan por la discográfica EMI y, a finales de 1987, el grupo presenta su primer mini-álbum, titulado 'Héroe de leyenda'.

Tras este mini disco, se presentan se presentan en Madrid, en el Festival de San Isidro, donde dan a conocer la fuerza de sus canciones y su calidad en directo.

En 1988 publican su primer álbum, 'El mar no cesa', con el que alcanzan el disco de platino en muy poco tiempo.

En 1990 editan su segundo disco, titulado 'Senderos de traición'. Precisamente, el tema que dio título al disco fue número uno en las listas españolas. El disco vendió más de 400.000 copias solo en España.

Al año siguiente participan en el festival de Berlín, junto a un elenco de artistas. Durante ese año y el siguiente, dan giras por toda Europa, promocionando su disco y cosechando grandes triunfos.

En 1993 publican 'El espíritu del vino', que llegó a ser número uno en numerosas países, entre los que destacan España, México, Alemania y Suiza.

En 1994 realizan giras por Latinoamérica y participan en vídeos promocionales de la MTV. En 1995 marchan a Inglaterra para preparar su nuevo trabajo. El resultado será 'Avalancha', un álbum grabado en Los Angeles.

Tras la gira mundial de Avalancha, Heroes del Silencio sacan un disco titulado 'Parasiempre', que a la postre resultaría ser el último disco del grupo, ya que la formación se disolvió tras este trabajo.

Pagina: http://www.enriquebunbury.com

Frank Sinatra

Francis Albert Sinatra (n. 12 de diciembre de 1915 - m. 14 de mayo de 1998), mejor conocido como Frank Sinatra, fue un cantante y actor estadounidense.

El repertorio de Sinatra está basado en la obra de los más importantes compositores populares estadounidenses (Cole Porter, Sammy Cahn, George Gershwin ...) y su estilo sintetizó, en sus orígenes, quince años de influencias mutuas entre la música de inspiración jazzística y la música de orientación pop que empezaba a difundirse a través de la radio.[1]

Su categoría artística radica en su capacidad interpretativa para transmitir las emociones y sentimientos implícitos en las letras de las canciones.[2]

En Sinatra, cualquier tipo de consideración vocal e, incluso, musical, resultan secundarias respecto de la que es su misión principal: contar una historia de la forma más expresiva posible..[3]

Técnicamente, se caracteriza por su cuidada precisión en el fraseo y su dominio del control de la respiración. El rango de su voz está próximo al de un Barítono.[4]

A Sinatra se le reconoce históricamente el haber sido el primer cantante que hace un uso consciente de los medios de amplificación del sonido con el objeto de situar su voz no ya solo por encima de las orquestas (dominadoras de la música popular estadounidense de principios del siglo XX), sino de aproximarla a la intimidad del oído del oyente.[5]

La popularidad de Sinatra fue prácticamente constante a lo largo de toda su vida; no obstante, fueron los años cuarenta y cincuenta los más exitosos, siendo esta última década la considerada como su etapa de mayor calidad artística debido a su producción discográfica para la compañía Capitol.

Como actor, Sinatra fue un artista de tipo intuitivo, reacio a someterse a los ensayos y repeticiones habituales en una grabación, por lo que sus interpretaciones suelen ser emocionalmente intensas al tiempo que irregulares. La importancia en su vida de su trabajo actoral es capital: fue, precisamente, a través de su papel en De aquí a la eternidad como logró salir de un bache personal y artístico en el tránsito de los años cuarenta a los cincuenta para encumbrarse en lo más alto de la popularidad, ganando por su interpretación el Oscar al mejor actor secundario.

A lo largo de su carrera profesional grabó más de 1300 canciones y recibió multitud de premios y homenajes, como por ejemplo 10 Grammys, el Premio de la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación y la Medalla de la Libertad del gobierno estadounidense.

Reseña biográfica

1915-1939

Nacido en una familia de inmigrantes italianos, su madre, Natalie Della Agravantes, “Dolly” (de familia genovesa), era portavoz de distrito del Partido Demócrata y su padre, Anthony Martin Sinatra (de familia siciliana), bombero por el día y propietario de una taberna por la noche. Se casaron el 14 de febrero de 1913, con la oposición de la familia de ella.

Dolly dio a luz a su único hijo el 12 de diciembre de 1915, en un parto traumático que casi acaba con la vida del niño y al que los fórceps empleados le dejaron una cicatriz bien visible detrás de su oreja izquierda y un tímpano perforado. La madre quedó imposibilitada para poder tener más hijos. Curiosamente, Dolly, además de en su labor política, trabajaría como comadrona (practicando, también, abortos ilegales que en varias ocasiones la llevarían a la cárcel)[6]. Tras recuperarse los dos, Francis Albert fue bautizado en abril de 1916.

Sinatra destacó como amistad influyente en sus primeros años la de una anciana mujer judía, Mrs. Golden, a la que consideraba casi como una madre (su verdadera madre se ausentaba con frecuencia del hogar por su constante actividad socio-política); de esa mujer, el cantante habría aprendido yídish, idioma que conocía mejor que el italiano.

Durante su infancia y adolescencia en su barrio de clase media, Frank desarrolla dos facetas características de su futura personalidad adulta: un carácter fanfarrón y revoltoso (como han recordado sus maestros y a lo que le ayudó su afición por el boxeo, que le venía de su padre quien había sido boxeador profesional) y su afición por la música, entonando canciones alrededor de un ukelele. La mezcla de ambos rasgos llevó a Frank a intentar imitar a los grandes cantantes del momento (Bing Crosby, su principal modelo, Al Jolson...) tanto en el estilo como en la forma de vestir. Por esta época, Frank empezó a asociar su forma física con sus cualidades vocales: el atletismo y, sobre todo, la natación pasaron a formar parte de sus aficiones favoritas.

Sinatra fue un estudiante completamente desinteresado, haciendo novillos constantemente. Abandonó el instituto A.J.Demarest High School en 1931 sin graduarse y encontró trabajo de vendedor de periódicos en el Jersey Observer con su padrino.

A la que sería su mujer, Nancy Barbato, con la que se casó en 1938, la conoció en 1932. Fue junto con ella que en 1933 vio actuar en directo a Bing Crosby (a quien conocería personalmente diez años después, en septiembre de 1943), en la que sería su última aparición sobre un escenario.

Su vida fue por aquella época muy poco disciplinada: vida de pandillero que le llevó a varios encontronazos con la policía y a algunos trabajos menores (camionero, recadero, cronista deportivo en un periódico...) que le proporcionaban ingresos suficientes para ahorrar para ropa y para un futuro coche.

Frank comenzó a cantar en bares. Sin embargo, fue su participación en el programa de radio Major Bowes Amateur Hour lo que más le ayudó. Frank se presentó acompañando al trío de canto Three Flashes, aunque para aquella ocasión se hicieron llamar “Hoboken Four”. El grupo ganó el primer premio, lo que hizo que se fuera de gira, patrocinados y dirigidos por el programa. Por desavenencias con el resto de compañeros, a los tres meses abandonó la gira y regresó a casa. Fue en esa época cuando Sinatra empezó a esforzarse en sonar diferente de Crosby, aun cuando lo admirase enormemente, y en principio simplemente con la idea de no ser uno más del montón.

Básicamente, el primer problema técnico al que tuvo que hacer frente Sinatra fue el de su falta de potencia en la voz: no sabía proyectarla. Pero su experiencia radiofónica le enseñó que gracias al micrófono podía hacerse oír cómo y dónde quisiera. En este sentido, Sinatra consiguió convertir ese aparato en su principal aliado musical a través del medio que le sirvió para hacerse popular por todo el país en un periodo de tiempo realmente breve: la radio.

Poco a poco fue haciendo cada vez más y más conciertos. En 1939, un trabajo como vocalista con la orquesta de Harry Arden le permitió salir en antena todas las noches por una radio de Nueva York desde sus interpretaciones en distintos bares y restaurantes de carretera. Su talento fue pronto reconocido por el famoso trompetista de la orquesta de Benny Goodman, Harry James, que estaba formando su propio grupo.

Dado que el protagonismo en la orquesta lo tenía James, Sinatra hubo de desarrollar su dotes de autopropagandista para llamar la atención de críticos y espectadores. Por esta época, el cantante desarrolló al completo una de su características personales más relevantes como artista: su absoluta confianza en sí mismo y en su talento.

Poco a poco, los fans empezaron a acercarse a los teatros donde actuaba la orquesta de James con Sinatra como vocalista. A pesar del éxito popular, la orquesta tuvo problemas financieros serios y estuvo a punto de disolverse. Fueron meses duros para Sinatra y para su mujer, quien le seguía en la gira, aun estando ya embarazada.

1940-1953

Sinatra terminó por ser contratado por Tommy Dorsey, que buscaba un vocalista para sustituir a Jack Leonard. Las palabras de Sinatra sobre la influencia de Dorsey en su estilo son significativas: "lo aprendí todo sobre la dinámica, el fraseo y el estilo por la forma en que tocaba su trompeta. Tommy Dorsey fue para mí un verdadero maestro tanto en la música como en el negocio, en todos los aspectos."

El primer número 1 de Sinatra en la revista Billboard lo consiguió en 1940 con su interpretación con Dorsey de I'll never smile again. La repercusión del tema fue tan grande que puede considerarse el punto de partida de la carrera de Sinatra como fenómeno social. Varias canciones más fueron también grandes éxitos de ventas.

Pero simultáneamente a su éxito popular, llegó también la atención periodística (con fuertes críticas sobre su calidad como vocalista) y las disputas con Tommy Dorsey por la fama, que fueron las que provocaron que Sinatra se marchase de su orquesta en 1942, en una salida nada amistosa: Dorsey negoció una rescisión de contrato que le garantizaba una tercera parte de los beneficios futuros del cantante en régimen vitalicio; no fue hasta varios años después que Sinatra consiguiese eliminar esa cláusula de rescisión.[7]

En 1941 participó por primera vez como actor en la película Las Vegas nights de Ralph Murphy, actuando junto con la orquesta de Dorsey.

El 30 de diciembre de 1942 tuvo lugar uno de los momentos en la vida de Frank Sinatra que contribuyeron a la creación del mito; el propio cantante señaló de ese día que fue 'cuando se armó la de Dios'. Subido al escenario del Paramount, en Nueva York, como estrella invitada de una gala en que Benny Goodman era la estrella, estalló una histeria colectiva entre las espectadoras que daría mucho que hablar. A partir de ahí, Sinatra se convirtió en un fenómeno de quinceañeras, de las que tenía que escapar en las circunstancias más inverosímiles. Casi un año después, el 12 de octubre de 1943, su nueva actuación en el Paramount colapsó por completo las calles colindantes al teatro, con cerca de 40.000 fans. Los clubes de fans y los contratos se multiplicaron: programa de radio, contrato cinematográfico de la RKO y portada de la revista Life. A finales de 1943, Frank Sinatra, que había firmado un contrato con Columbia Records, ganaba un millón de dólares al año.

En 1944 comienza su éxito como fenómeno radiofónico con el programa El show de Frank Sinatra, que de una u otra manera, en una u otra cadena, se mantendría en antena durante catorce años. Paralelamente, expresa su admiración y su apoyo a Franklin D. Roosevelt y realiza una generosa aportación al partido demócrata. Es el comienzo de un continuado interés por la política comprometida, más allá de ideologías, por cuanto también llegaría a ser buen amigo de los Reagan. En este sentido, Sinatra estaba convirtiéndose en un acérrimo defensor de las causas sociales. Dejó una impronta significativa al respecto en una de sus primeras películas, una especie de cortometraje en torno al tema de la tolerancia titulado The House I live In, que le valió un Óscar especial en 1945.

No obstante, y a pesar de las buenas críticas que solía recibir, las primeras incursiones de Sinatra en el cine no fueron cómodas: sus tendencias políticas y la problemática vida sentimental del cantante le granjearon numerosas reticencias entre la prensa y el público.

Cuando sus escarceos amorosos (se le relacionó con Lana Turner y Marilyn Maxwell) salieron a la luz pública, sus admiradores se quedaron perplejos ya que la maquinaria publicitaria que acompañaba a Sinatra intentaba sistemáticamente ofrecer una imagen de él como feliz hombre casado y con hijos. Este giro en la apreciación popular provocó que hacia 1949 Sinatra empezase a entrar en declive. El cantante había pasado a ocupar el quinto puesto en la encuesta de popularidad de Downbeat. En 1950, su asesor de prensa George Evans muere de un infarto y, sobre todo, en febrero de ese año, tras corroborarse la relación de Sinatra con Ava Gardner, Nancy se separa de él. Además, el 2 de mayo se vio obligado a cancelar todas sus galas tras sufrir un grave problema faríngeo en una actuación. Por su parte, sin su asesor de prensa, los amoríos de Sinatra se convirtieron en escándalos pregonados por los medios de comunicación. Los periodistas lo acechaban continuamente.

El 1 de noviembre de 1951, Sinatra obtuvo el divorcio de Nancy, y al día siguiente él y Ava solicitaron la licencia de matrimonio en Filadelfia. Se casaron el 7 de noviembre. La relación estuvo caracterizada por sus numerosas separaciones y reconciliaciones en público. En 1953 Ava Gardner se quedó embarazada. Abortó intencionadamente, y ya era la segunda vez, por no sentirse preparada. La pareja se divorciaría en 1957.

Hacia 1951 la carrera de Sinatra pasaba por serias dificultades: su popularidad había descendido, sus películas no tenían éxito y su música se había quedado anticuada. Con Mitch Miller, de la Columbia Records, a menudo se veía limitado a grabar canciones de calidad discutible. Nadie las compraba. Cuando el contrato de Sinatra con la Columbia expiró, no se lo renovaron y ninguna otra casa discográfica de renombre quiso contratarlo.

1954-1959

Sinatra peleó y se sacrificó económicamente para obtener un papel en la película de Fred Zinnemann De aquí a la eternidad. No sólo obtuvo el papel sino que recibió un Óscar por él en 1954 en la categoría de mejor actor secundario. Además, la película fue un éxito en taquilla.

De, inmediato empezaron a lloverle ofertas para interpretar papeles en cine y televisión e intervenir en apariciones estelares. Artísticamente, tuvo un gran éxito de crítica con su interpretación en Suddenly; por lo demás, empezó a alternar papeles dramáticos con musicales, como por ejemplo Ellos y ellas con Marlon Brando y Alta sociedad con Bing Crosby. En poco más de dos años, entre 1955 y 1957 Sinatra llegó a protagonizar once películas.

En 1956 fundó una productora, Kent Productions, que respaldaría sus proyectos cinematográficos.

Musicalmente, Alan Livingston, de la joven Capitol Records, anunció en una reunión de 1953 la contratación de Sinatra, algo que fue recibido entre el personal de Capitol con desaprobación, pues se consideraba al cantante como un artista acabado. Sin embargo, apoyado por el nuevo director de orquesta y arreglista Nelson Riddle, que supo adaptar las canciones al estilo interpretativo de Sinatra, la carrera del cantante en Capitol se convirtió en un éxito absoluto, devolviéndole al primer plano del mundo de la música.

En 1954 se empezó a consolidar también su amistad con Sammy Davis, Jr., a raíz del accidente que le provocó la pérdida del ojo izquierdo; Sinatra lo tomó bajo su protección y le defendió de cuanta discriminación por motivos raciales le pudiese afectar.

Por estos años, el actor Humphrey Bogart tenía un grupo de amigos íntimos a los que él y su esposa Lauren Bacall se referían como Rat Pack (pandilla de ratas). Sinatra, al que se había nombrado líder de la pandilla, Dean Martin, Peter Lawford, Sammy Davis, Jr., Judy Garland y su marido, Sid Luft, David Niven y su esposa, Hjordis, y otras estrellas formaron parte, en un momento u otro, del mencionado grupo. Un grupo de estrellas contestatarias a las que les gustaba beber, ir de juerga y meterse en líos.

En agosto de 1955 fue portada de la revista Time; el artículo que trataba de él apuntaba que "en la actualidad, es lo mejor del mundo del espectáculo...A punto de cumplir los cuarenta, ha encaminado una segunda carrera que promete ser incluso más brillante que la primera." La producción de Sinatra a mediados de los años cincuenta abarca varios discos y películas memorables, así como unos ingresos que se han cifrado en casi cuatro millones de dólares al año.

En 1957 la cadena ABC empezó a emitir The Frank Sinatra Show, un espacio dotado con un gran presupuesto, que incluía un espectáculo musical de una hora de duración y una representación dramática de media hora.

Sus relaciones amorosas durante estos años incluyen a Judy Garland, Kim Novak y Lauren Bacall, a quien llegaría a pedir el matrimonio en 1958 para finalmente romper él mismo el compromiso.

A finales de los cincuenta, Sinatra empezó a querer liberarse a toda costa de su contrato de grabación con la Capitol: creía que ponía muchos obstáculos a su forma de grabar discos; él quería hacerlo a su manera, quería seleccionar sus propias melodías, grabar cuando quisiese, programar el lanzamiento de sus discos para las fechas en que consideraba que debían estar en las tiendas, e incluso adelantarse a los demás artistas. Sin embargo, tenía claro que nunca podría llevar a cabo esas actividades mientras siguiese trabajando para un sello que no le pertenecía. Finalmente, el cantante firmó un acuerdo mediante el cual terminaría su contrato con la Capitol y empezaría con su propia compañía, la Reprise, simultáneamente.

1960-1972
Frank Sinatra (derecha) con Eleanor Roosevelt (1960)
Frank Sinatra (derecha) con Eleanor Roosevelt (1960)

En 1960, Sinatra ganó unos veinte millones de dólares con sus productoras de cine y televisión (Essex, Kent y Dorchester), sus cuatro empresas discográficas, sus intereses en el juego en Las Vegas y Lake Tahoe, sus acciones en radio y sus muchas inversiones inmobiliarias; anunció también la formación de su discográfica Reprise, con la que grabaría profusamente durante los años siguientes.

La noche del 19 de enero de 1961 fue, en lo personal, una de las más importantes de su vida al producir con enorme éxito la gala inaugural de la presidencia de Kennedy.

En ese mismo año, se inició la relación sentimental entre Sinatra y Marilyn Monroe (amigos desde hacía años) que, debido al proceso autodestructivo al que se fue sometiendo la actriz, terminó pronto por derivar en una relación de dependencia anímica de ésta hacia el cantante.

En febrero de 1962, Sinatra anunció que iba a casarse con Juliet Prowse, actriz, bailarina y cantante de veintiséis años de edad, a la que había conocido en agosto de 1959 y con la que había estado saliendo desde hacía diez meses. Sin embargo, el compromiso, por razones no aclaradas, terminó por romperse.
Sinatra junto a Laurence Harvey en "The Manchurian Candidate"
Sinatra junto a Laurence Harvey en "The Manchurian Candidate"

En marzo, se grabó el famoso programa de televisión donde Sinatra y Elvis Presley aparecieron juntos. Frank pagó 100.000 dólares a Elvis por diez minutos de actuación, que incluía una canción cantada a dúo por los dos.

En el verano de 1962, el cantante inició una gira de conciertos por Europa: la llamada gira mundial a beneficio de los niños supuso que Sinatra visitase diversos hospitales infantiles y centros de atención a los jóvenes en varios países. En diez semanas, financió personalmente treinta conciertos y recaudó más de un millón de dólares.

A la vuelta de la gira, la vida de Marilyn Monroe empezó a deteriorarse. Del 27 al 29 de julio, una semana antes de su muerte, estuvo alojada en el Cal-Neva Lodge, un complejo residencal que era en parte de Sinatra.

A finales de 1963 sus relaciones con la mafia conllevaron que el Consejo de Control del Juego del Estado de Nevada presentara cargos contra Sinatra por haber alojado en Cal-Neva al mafioso Sam Giancana; para evitarse problemas, él mismo anunció que renunciaba a su licencia de juego y a Cal-Neva, lo que también significaba la pérdida de su participación del nueve por ciento en los intereses del casino Sands de Las Vegas, lugar de reunión y actuación habitual del Rat Pack.

El 8 de diciembre de 1963, tres hombres, Barry Keenan, Joe Amsler y John Irwin secuestraron a Frank Sinatra, Jr., hijo del cantante y cantante él mismo. El secuestro duró cincuenta y cuatro horas y se resolvió debido a las desavenencias que surgieron entre los propios secuestradores, detenidos dos días más tarde.

En octubre de 1964, durante el rodaje de El coronel Von Ryan, conoce a Mia Farrow, de 19 años de edad, que estaba trabajando en el rodaje de la serie de televisión Peyton Place. Se casaron dos años después, el 19 de julio de 1966, y trece meses más tarde terminaron sus trámites de divorcio.

En el verano de 1965, Sinatra inició una gira de conciertos por seis ciudades con la orquesta de Count Basie. La gira fue un éxito espectacular, logrando la recaudación de un total de 600.000 dólares.

En enero de 1969, fallece su padre, Martin, como consecuencia de un aneurisma aórtico. Por esa época, Sinatra empezó a tener problemas con su mano derecha: una disfunción conocida como enfermedad de Dupuytren, que consiste en una disminución del tejido muscular de la mano. En 1970 tendría que someterse a una intervención quirúrgica.

Ese mismo año, el 17 de febrero, Sinatra tuvo que declarar bajo juramento ante la Comisión Investigadora del Estado de Nueva Jersey, que le había enviado una citación para que compareciera ante ellos y respondiera a ciertas preguntas sobre su relación con los bajos fondos. Negó cualquier vínculo con ellos.

El 9 de julio anunció públicamente su apoyo al republicano Ronald Reagan, que aspiraba a un segundo mandato en el Estado de California.

El 13 de junio de 1971 celebró su concierto de despedida del mundo de la música en el Los Ángeles Music Center.

El 18 de julio de 1972 hubo de declarar ante la Comisión investigadora sobre el crimen, que había estado investigando la influencia del crimen organizado sobre los deportes y las carreras de caballos. El House Select Committee on Crime quería interrogar a Sinatra acerca de una inversión de 55.000 dólares en Berkshire Downs en Hancock (Massachusetts) diez años atrás.

Durante el año, Sinatra conoció a Barbara Marx, que estaba casada con Zeppo Marx, con la que finalmente se casaría.

1973-1998
Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood
Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood

En junio de 1973 Sinatra volvió a los estudios de grabación con el productor-arreglista Don Costa y el arreglista Gordon Jenkins para grabar Ol'Blue Eyes Is Back, disco que salió al mercado junto a un especial televisivo del mismo título con Gene Kelly, que se emitió el 18 de noviembre de 1973.

En julio de 1974 inició una gira por Extremo Oriente, cinco países de Europa y Australia. A finales de año, su relación con Bárbara terminaba. Tras algunos intentos de entablar una relación estable con otras mujeres, entre las que estaba Jacqueline Kennedy, Sinatra y Bárbara se volvieron a unir.

El 1 de abril de 1976 Sinatra actuó en el "Westchester Premier Theater"; tras la actuación, se realizó una sesión fotográfica de la que surgirían las famosas fotos en las que el cantante aparece con varias figuras del crimen organizado, incluyendo a Jimmy Fratianno y Carlo Gambino.

Contrajo finalmente matrimonio con Barbara Marx el 11 de julio de 1976 en Sunnylands (una finca de Walter Annenberg en Palm Springs).

El 9 de enero de 1977, la madre de Sinatra, Dolly, falleció tras un accidente de avión en San Gorgonio Mountain, en California del Sur. La muerte de su madre tuvo un profundo efecto en Sinatra, quien regresaría al catolicismo de su juventud.

Durante ese año Sinatra produjo y actuó en su primera película para televisión, Contract On Cherry Street.

En Las Vegas, celebrando sus cuarenta años como artista y sus sesenta y cuatro años de edad, fue galardonado con el premioGrammy Trustees Award durante una fiesta espcial en el "Caesar's Palace".

Durante la década de los ochenta, Sinatra se mostró muy activo en cuanto a conciertos. Fue especialmente memorable el dado en el estadio de fútbol de Maracaná ante 175.000 personas. Pulverizó un récord que había durado noventa años en el Carnegie Hall, donde debía actuar durante dos semanas, al poner el cartel de no hay entradas en un solo día.

Durante la campaña presidencial de 1980, apoyó incansablemente a Ronald Reagan, consiguió recaudar más de 250.000 dólares, asistió a la Convención Republicana de Detroit, durante la que se nominó a Reagan, y cuando éste fue elegido presidente, le nombraron director de la gala inaugural celebrada el 19 de enero de 1981 en el Capitol Center de Maryland.

En 1980 estrena su última película, El primer pecado mortal.

En 1981 Sinatra declaró el 11 de febrero en los despachos del Ayuntamiento de Las Vegas con el objeto de que se le concediera una licencia de juego, la cual le fue concedida.

En diciembre de 1987, Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr. dieron una rueda de prensa en Beverly Hills para anunciar públicamente una gira por todo el país. Las entradas se agotaron en cada una de la veinticinco ciudades que integraban la gira mucho antes de la fecha del concierto; la gira tuvo que realizarse en su mayor parte sin Martin, que no pudo resistir la reciente pérdida de su hijo.

En 1989, junto con Davis y Liza Minnelli emprendió una gira mundial, aparte de seguir con numerosas actuaciones musicales individuales. A finales del años, a Sammy Davis Jr. se le diagnosticó un cáncer de garganta, que finalmente lo mataría el 16 de mayo de 1990; el 24 de enero había muerto Ava Gardner.

No obstante estas desgracias y su edad, el programa de las giras de Sinatra entre 1991 y finales de 1994 era extraordinario. Actuaba prácticamente todas las semanas para públicos entusiastas de todo el mundo; su fortuna en 1991 ascendía, según Forbes, a 26 millones de dólares.

En 1990 empezó la gira de las bodas de diamante de Sinatra, con Steve Lawrence y Eydie Gorme, que se prolongaría a lo largo de todo 1991, agotándose siempre las localidades. La memoria del cantante, no obstante, empezaba a fallar y las cataratas que había desarrollado en los dos ojos le impedían leer correctamente las cuatro pantallas situadas al borde del escenario.

1993 sería el año en que volvería a hallarse en lo más alto de las listas con su primer álbum en diez años, Duets, que se compone de trece canciones grabadas a dúo con algunos de los cantantes más populares del momento. Sinatra nunca estuvo en el estudio con ninguno de sus compañeros, pues sus respectivas partes se grabaron por separado. El disco fue un gran éxito y se vendieron millones de copias, alcanzando el número 1 en el Billboard. Un año más tarde, saldría Duets II.

En 1994 Sinatra recibió un premio como leyenda por toda una vida profesional en la entrega de los Grammy.

El 25 de febrero de 1995, ofreció el que iba a ser su último concierto en el Desert Springs Resort and Spa del hotel Marriott, para una fiesta privada de unas mil doscientas personas en el último día del torneo de golf Frank Sinatra Desert Classic. A finales de año, Dean Martin moría y el cantante se sumió en una profunda depresión.

La noticia de los tres ingresos del cantante en el hospital, uno en noviembre de 1996 (mes de su última aparición pública en el baile benéfico del Carousel en Los Ángeles) y dos en enero de 1997, apareció en titulares de prensa y reportajes de todo el mundo.

A finales de abril de 1997 el Congreso de Estados Unidos votó conceder a Sinatra la Medalla de Oro del Congreso a propuesta del diputado demócrata de Nueva York, José E. Serrano.

Murió el 14 de mayo de 1998 a sus 82 años, a consecuencia de un ataque al corazón.

Relevancia pública y aspectos polémicos

Vida privada

La inmensa popularidad de Sinatra, ya desde los mismos inicios de su carrera artística durante los años 40, condicionaron por completo su vida, tanto en el ámbito privado como en el ámbito público. En primer lugar, transtornó su vida familiar.

Sinatra se había casado en 1939 con Nancy Barbastro. Los continuos viajes del cantante posibilitaron su infidelidad casi desde el comienzo del matrimonio, aun cuando llegaron a tener tres hijos (Nancy, Frank y Tina). Aunque Sinatra intentó mantener una imagen pública a través de los medio de hombre familiar, la situación se hizo tan insostenible para ella que en San Valentín de 1950 Nancy anuncia su decisión de separarse definitivamente de él, debido a que sale a la luz la relación que mantenían su marido y Ava Gardner. La anulación del matrimonio llegaría el 31 de octubre de 1951, y poco después La Voz y El animal más bello se casaron. Su luna de miel la hicieron en Cuba, hospedándose en el hotel nacional de la Habana. A pesar de esta ruptura y de las razones para la misma, a lo largo de los años ella jamás le hizo el más mínimo reproche público a Sinatra. A su vez, Sinatra jamás le dio la espalda a ella ni a sus hijos.

Frank siempre la llamó su "sweetheart" (mi vida) y confió en ella totalmente. "Ella es la única mujer que me comprende", decía a sus amigos. Nunca dejó de quererla, pero nunca volvió con ella.[8]

Su relación con Ava Gardner, la que mejor materializa sus relaciones sentimentales públicas, fue extraordinariamente problemática. Profundamente enamorados uno del otro, con una carga erótica muy palpable, el choque de caracteres destruyó la relación. Sinatra sufrió en sus propias carnes lo mismo que había sufrido su mujer Nancy por sus infidelidades: Ava Gardner no solo era una actriz inmensamente popular sino que su belleza y deseo sexual eran harto conocidos: plagada de celos, peleas violentas, borracheras de uno y del otro, e incluso intentos de suicidio por parte de Sinatra, la relación se fue al traste con dos abortos de ella por el medio. El 27 de octubre de 1953 decidieron separarse, provocando una tercera intentona de suicidio que fue impedida por un amigo del cantante.

Al divorciarse de Ava encontró un gran apoyo en Marilyn Monroe, que también se había separado de su marido Joe DiMaggio. Se hicieron muy amigos e incluso Monroe se fue a casa de Sinatra a vivir un tiempo cuando ya su suicidio andaba cerca.

El magnetismo de Sinatra se materializó públicamente en la formación espontánea de un grupo de amigos al que Lauren Bacall, denominó “Rat Pack” o también “Clan Sinatra”. Esta banda estaba compuesto por multitud de actores y actrices, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford, Joey Bishop, Shirley MacLaine, David Niven, Humphrey Bogart, quien diría:“ Nos admirábamos mutuamente y no necesitábamos nada más”.

Eran famosas las fiestas y orgías de este grupo, siempre acompañadas de mucho alcohol, drogas y prostitutas. Frank era el “Pack master”, por lo que era admirado y respetado por el resto de “Packers”.

Se casó por tercera vez con la actriz Mia Farrow en 1966, pero el enlace solo duraría 2 años, así que se casó una cuarta y última vez con Barbara Marx (ex-mujer de Zeppo Marx) en 1976.

Relaciones con la mafia

Uno de los aspectos de la vida de Sinatra más criticados y que más problemas le dio en vida (llegó a testificar en una comisión de la Cámara de Representantes al respecto el día 18 de julio de 1972) fue el de sus relaciones con la mafia. Los datos al respecto son los siguientes: en primer lugar, las relaciones de Sinatra con la Mafia fueron ciertas (fue amigo, por ejemplo, del mafioso Sam Giancana); segundo, Sinatra no fue un mafioso (no se ha podido presentar ninguna prueba de que hubiese estado involucrado en ninguna actividad ilegal en colaboración con delincuentes); tercero, sus relaciones con la mafia fueron una consecuencia de su proyección como cantante, algo que le llevó a contactar con quienes dominaban las grandes salas de conciertos de EEUU y a valerse de su apoyo (llegó a trabajar para Giancana en numerosos clubes nocturnos).

Sinatra y Kennedy

El senador John F. Kennedy, candidato a la presidencia de los Estados Unidos, era admirador del Rat Pack y de Sinatra, quien se metió de lleno en la campaña electoral de Kennedy en 1959 cuando se decidió por vez primera que Kennedy presentaría su candidatura a presidente. Sinatra se comprometió porque sentía gran respeto por su política. Joseph P. Kennedy, padre del candidato, le pidió a Sinatra que actuara en una serie de conciertos con el fin de recaudar fondos para la campaña. También quería que Sinatra se pusiese en contacto con sus amigos influyentes del mundo del espectáculo para lograr el apoyo de éstos a Kennedy. Le sugirió que grabase un tema para la campaña y acordaron realizar una nueva versión de la canción High Hopes.

Como devoto [[Partido Demócrata de los Estados Unidos|demócrata, Sinatra hizo campaña a favor de Kennedy de manera incansable, recaudando fondos en conciertos y cobrando antiguos favores.

La relación de Sinatra con los Kennedy entró en conflicto en marzo de 1960, cuando Frank decidió contratar a Albert Maltz para que escribiera el guión de The Execution of Private Slovik, la historia del único soldado estadounidense ejecutado por deserción desde la guerra civil, que Sinatra pensaba dirigir y producir. Maltz estaba en la lista negra por ser uno de los diez de Hollywood que se habían negado a cooperar con el Comité de Actividades Antiamericanas. La polémica contrarió a Joseph P. Kennedy, sobre todo cuando los cardenales de Nueva York y Boston le comentaron que el apoyo de Sinatra a Maltz podría dañar la carrera de su hijo en los sectores católicos. Sinatra tuvo que despedir a Maltz y continuó su campaña por los Kennedy mediante actuaciones, donaciones y también contratando un detective privado para descubrir asuntos turbios de Richard Nixon.

John F. Kennedy intentó distanciarse de Sinatra después de ser nominado pero, como le comentó Pierre Salinger (jefe de prensa de Kennedy) a un votante, Sinatra y sus amigos habían ayudado al Partido Demócrata a recaudar 1.300.000 dólares para eliminar el déficit de la campaña, y ésa había sido una ayuda inestimable. En este sentido, una vez elegido presidente, se le pidió a Sinatra y a Peter Lawford que produjeran el baile preinaugural del mandato presidencial.

Carrera musical

El primer registro sonoro que existe de Sinatra es del 8 de septiembre de 1935 en una grabación radiofónica de la canción titulada Shine (en la versión de los Mills Brothers) con el grupo vocal al que pertenecía, los Hoboken Four, que participaba en el popular programa Major Bowes Amateur Hour.

La carrera musical de Sinatra se puede dividir en tres etapas:

* la primera etapa sería la de los años 40, en la que se produce su evolución de cantante de orquesta (de las de Harry James y Tommy Dorsey) a cantante solista para Columbia, habitualmente con una orquesta dirigida por Axel Stordahl.

Sobre el arranque de su carrera musical, la crítica ha dicho:

Sinatra, al igual que otros coetáneos, estaba sustituyendo el carácter sincopado del jazz de Nueva Orleans por un modo de cantar acorde con el compás de cuatro tiempos de la era del Swing; pero en otro sentido, (...) se hacía eco del estilo belcantista italiano, que había quedado arrinconado tanto en el mundo del canto lírico, a causa de las tendencias veristas, como en el mundo de la canción popular, surgido en la opereta y el vodevil. Con la ayuda del micrófono, y tras la enseñanza pionera de Crosby, Sinatra recuperó un modo sutil de cantar, sin estridencias, respetando el texto, atento a las inflexiones, con sentido del rubato, vocalizando con gran cuidado y evitando cubrir las notas más agudas para preservar la naturalidad de la emisión.[9]

* la segunda etapa, la más elogiada, es su época como cantante para Capitol, que abarca la década de los 50; fue un periodo fundamental en su vida en todos los aspectos y supuso su consagración absoluta como número uno de la canción popular. La importancia de la colaboración de arreglistas como Nelson Riddle y otros fue esencial para transformar el sonido de Sinatra en uno más moderno alejado del de su época anterior.
* la tercer etapa, y última, es la de su salida de Capitol para gestionar una compañía discográfica propia, Reprise. Esta etapa está marcada por su supervivencia como artista en medio del surgimiento y consolidación del rock and roll.

Vocalista de la orquesta de Harry James (1939)

Frank Sinatra grabó en 1939 diez canciones con la orquesta del trompetista Harry James para Brunswick y Columbia: "From the Bottom of My Heart" (grabada para Brunswick el 13 de julio en la que sería su primera grabación en un estudio), "Melancholy Mood", "My Buddy", "It's Funny to Everyone but Me", "All or Nothing At All", "On a Little Street in Singapur", "Ciribiribin", "The Hucklebuck", "Our Love" y "Castle Rock".

Al igual que ocurriría con la orquesta de Tommy Dorsey, el vocalista es, en estos casos, un elemento más de la orquesta, en la que, de sobresalir alguien, ése era su líder, en ambos casos los trompetistas que daban nombre a la misma. Lo normal en estas canciones es que, tras una introducción trompetística del tema, Sinatra entraba con la letra y luego iba alternando con las intervenciones de la orquesta.

La voz de Sinatra en estas interpretaciones es, como corresponde a su edad, muy limpia. Su especial cualidad para la perfección en el fraseo es ya manifiesta. Las interpretaciones son, sin embargo, poco proclives a exhibiciones técnicas, pues el vocalista estaba obligado a ajustarse al tono de la música orquestal, un tono muy suave y pausado, muy melódico, al servicio del baile en pareja. Las letras, por lo demás, son muy sencillas.

No obstante lo anterior, muchos de estos temas llegaron a ser enormemente populares. Los múltiples recopilatorios que se editan de la obra de Sinatra incluyen sistemáticamente canciones de esta etapa como Melancholy Mood o All or Nothing At All.

La importancia para Sinatra de esta etapa con Harry James ha sido caracterizada en los siguientes términos:

"Durante los seis meses que pasó con Harry," ha explicado Louise Tobin, "Frank aprendió más sobre la música que en todos los años de su vida hasta ese momento." (...) Si Dorsey le habría de sugerir el método para frasear las canciones, James le proporcionó un modelo de cómo presentarlas con un envoltorio emocional. También de James, Sinatra podría haber aprendido a mezclar la ternura del pop con la invectiva de raíz blusística, a swinguear y a relacionarse con la orquesta, a personalizar una melodía y a hipnotizar a la audiencia.[10]

Vocalista de la orquesta de Tommy Dorsey (1940-1942)

Sinatra se unió a Tommy Dorsey en enero de 1940, tras haberle fracasado a este la sustitución de su cantante Jack Leonard por el barítono Allan DeWitt. La primera grabación de Sinatra con la orquesta de Tommy Dorsey es del 1 de febrero de 1940 para el sello Victor (su primera actuación registrada es del 25 de enero en Rockford, Illinois) y la última de enero de 1942.

Si Sinatra tuvo alguna influencia continuada y subyacente a la hora de crear su propio estilo, ésta fue la de Tommy Dorsey (su dominio, por ejemplo, en el control de la respiración era proverbial, por lo que Sinatra intentó emularlo con la voz).

Dorsey (...) fue una inspiración para Sinatra: su presencia, perfeccionismo musical y perspicacia para los negocios fueron cualidades que él mismo desarrollaría. (...) Y el virtuosismo melódico de Dorsey, su tono limpio y su pulcro fraseo fueron importantes influencias en la evolución del inicial estilo vocal de Sinatra.[11]

Su etapa con Dorsey supone un cambio importante para Sinatra. Respecto de la orquesta de Harry James, muy vinculada a un swing directamente encaminado a un público joven, la orquesta de Dorsey es más pausada: su repertorio son las baladas y el toque de la orquesta es relajado y preciso. Consecuentemente, el vocalista consigue situarse en un primer plano, si no absoluto, cuando menos ya no como simple acompañamiento de la orquesta, como ocurría con Harry James. Dicho de otra forma, con la orquesta de Tommy Dorsey es cuando Frank Sinatra se convierte definitivamente en un vocalista, con unas características propias y bien definidas, que ya nunca le abandonarían: fraseo preciso e interpretación subjetiva de las letras. Dorsey transmitió al joven cantante

el concepto de interpretar una melodía de tal manera que pudiese ser inmediatamente reconocida, al tiempo que estuviese tan personalizada que sonase como una creación hecha por o para el intérprete.[12]

Por lo demás, el color de la voz se había tranformado a una tonalidad más oscura y la agresividad interpretativa había dejado paso a una rendición de las canciones mucho más controlada.

Responsables directos de este protagonismo de Sinatra lo tiene los arreglistas, fundamentales de aquí en lo sucesivo en la carrera de Sinatra: Axel Stordahl, Sy Oliver, Paul Weston, etc.

No obstante, el principal factor que propicio la proyección de Sinatra a una popularidad nacional fue la regular intervención de la orquesta de Dorsey en programas de radio. Un espectáculo semanal de la NBC llamado Fame and Fortune, que estuvo en antena de octubre de 1940 a abril de 1941 y que presentaba a la orquesta tocando temas de compositores aficionados, fue escuchado por millones de personas.

En mayo de 1941, Sinatra había desplazado a Crosby en la lista de los mejores cantantes masculinos de las revistas Billboard y Down Beat.

Canciones populares de esta etapa son I'll Never Smile Again (el mayor éxito), Fools Rush In, Stardust, Everything Happens To Me, This Love of Mine, I'll Be Seeing You, This Is The Beginning of The End, East of The Sun, Without a Song, Blue Skies, Violets For Your Furs, The Night We Called It A Day, The Song Is You y Night And Day (clásico este último de Cole Porter que Sinatra grabaría en multitud de ocasiones).

La etapa COLUMBIA (1943-1952)

Las grabaciones de Frank Sinatra para la compañía discográfica Columbia suponen su consolidación como intérprete: la calidad del material sobre el que trabaja y el momento excepcional por el que pasaba su voz, convierten a este periodo en un rival de la etapa Capitol para muchos aficionados.

El logro básico de Sinatra en este periodo consiste en haberse convertido en el representante por antonomasia de la interpretación de la música popular estadounidense y, consecuentemente, en una figura de una influencia extraordinaria en el ámbito de la canción internacional.

Es característico de esta etapa el uso de varios violines en la orquesta, en contraposición a su etapa anterior de cantante de orquestas de baile donde eran menos usados. Idea de su arreglista Axel Stordahl, el uso de las cuerdas ayudó a crear una atmósfera más sensual que rompía con su anterior estilo.

El estilo y tono es un progresión del de la etapa anterior: Sinatra es un cantante melódico especializado en letras románticas, interpretadas con la suficiente expresividad y atención como para hacer de esas canciones algo propio.

La etapa CAPITOL

El Sinatra de Capitol tiene un sentido del ritmo apenas anunciado antes, un swing que ha sabido desembarazarse de convenciones retórica y que puede adoptar un gran ímpetu sin renunciar al cuidado del fraseo y la dinámica. (...) El estudio obsesivo de Mabel Mercer y sobre todo de Billie Holiday, a quien viene siguiendo desde finales de los treinta, le han facultado además para la interpretación de baladas verosímiles en toda su gama emocional.[13]

Los discos de Frank Sinatra para la discográfica Capitol constituyen la parte más valorada por crítica y público de su producción músical. Se trata, además de recopilatorios y de un disco navideño, de un conjunto de 15 álbumes originales realizados entre 1953 y 1961.

El trabajo de Sinatra para Capitol se materializó en la explotación de las posibilidades del relativamente nuevo formato del LP, creando álbumes conceptuales a partir de la agrupación de canciones vinculadas bien por el tena bien por el tono (relajado, swingueante, romántico, etc.), utilizando para ello el corpus de las grandes canciones populares de los años 30 y 40.

Sinatra aprovechó al máximo las posibilidades del LP, imbuyendo a la sucesión de canciones de un argumento coherente y superior. (...) En buena parte se le debe la definitiva consolidación del repertorio estándar.[14]

A pesar de contar con productores propios de la casa discográfica, Sinatra se comportó durante todas las grabaciones como el auténtico productor, tomando continuamente decisiones sobre las tomas más adecuadas para ser finalmente incorporadas a los discos y sugiriendo a los arreglistas posibles mejoras en su trabajo.

Con todo, el gran artífice de la consolidación de Sinatra durante este etapa fue el arreglista y director orquestal Neslon Riddle, responsable de la creación de un nuevo sonido y estilo para el cantante. Otros arreglistas importantes fueron Gordon Jenkins y Billy May.

La etapa REPRISE

La etapa de los años Reprise, de 1961 a 1991, coinciden con numerosos problemas para Sinatra en distintos ámbitos: musical (con la irrupción demoledora de los Beatles y del pop en general), política (con sus relaciones con Kennedy), personales (problemas legales en Las Vegas, el secuestro de su hijo...) además de con su constante actividad cinematográfica y musical. Esta variada y compleja problemática biográfica se refleja de alguna manera en su carrera musical de estos años.

La discografía de esta última etapa ha recibido una desigual consideración por parte de la crítica. Básicamente, en comparación con sus anteriores dos etapas, la etapa Reprise se caracteriza por la variedad de estilos ensayados, que dan lugar a una sucesión de álbumes de dificil consideración homogénea:

-en primer lugar, están los discos que intentan conectar con el nuevo gusto del consumidor de música, ya sea con una música que retoma la orquestación swing para aproximarse al pop del momento: por ejemplo, Ring-A- Ding Ding! (1961), ya con canciones con una letra y una música que, aunque de factura clásica, intentan sonar un poco más modernas que la de la etapa Capitol: Strangers in the Night (1966).
-en segundo lugar, discos planteados desde un punto de vista clásico, que los conecta directamente con la etapa Capitol: por ejemplo, I Remember Tommy (1961), All Alone (1962) y sus colaboraciones con Count Basie, Duke Ellington y Antonio Carlos Jobim.
-en tercer lugar, discos que se podrían llamar experimentales, en el sentido de planificados al margen de toda moda y toda tradición: por ejemplo, Moonlight Sinatra (1966), Watertown (1970) y Trilogy (1980).

El resultado va de éxitos incontestables tanto en lo comercial como en lo especializado como Septembers Of My Years, 1965, al extraordinario e inesperado éxito comercial de sus dos discos de Duets, vilipendiados por la prensa especializada, pasando por canciones como "My Way" y "Strangers in the Night" que pasaron a convertirse en temas clásicos en el repertorio del cantante.

Pagina: http://www.franksinatra.com