Cielo Razzo

Formacion:
Cristián Narváez: bajo
Diego "Pájaro" Almirón: guitarra y coros
Fernando Aime: guitarra
Javier Robledo: batería y coros
Juan Pablo Bruno: percusión
Pablo "Polilla" Pino: voz y armónica

Esta banda se formó en el año 1993, en la ciudad de Rosario. La primera formación estable estaba compuesta por Gabriel Uroz en batería, Pablo Pino (Polilla) en voz, Fernando Aime (Nano) y Claudio Artaza en guitarras y Cristian Narváez (Narvi) en bajo. Ese mismo año "Pipi" Martínez reemplaza a Artaza y Pablo Largo Caruso hace lo propio con Uroz. Luego, se incorpora "Gato" Alessi.

Con el paso del tiempo fueron intensificando las presentaciones en vivo, y grabaron varios demos. Germán Neve se hizo cargo de la guitarra por aproximadamente dos años, y tras su alejamiento, la banda permaneció separada por varios meses.

Nano, Polilla, Largo y Narvi volvieron a tocar juntos, por el simple placer de tocar. Así, casi sin darse cuenta, Cielo Razzo estaba otra vez en carrera. El Pájaro Diego Almirón se sumó en los ensayos y debutó en vivo en un show en Fata Morgana, a lleno total. Y algo similar ocurrió con el percusionista Juan Pablo Bruno.

Así, se llegó a grabar "Buenas", el disco debut de la banda.

En el verano del 2003 se presentaron en el San Pedro Rock, con artistas de la talla de Bersuit, León Gieco, Attaque77 y la Mississippi. Para ese momento, la banda estaba integrada Pablo Pino (voz), Diego Almirón (guitarra), Cristián Narváez (bajo), Fernando Aime (guitarra), Pablo Caruso (batería) y Juan Pablo Bruno (percusión).

Pero el destino les jugó una mala pasada: en abril de ese año murieron en un accidente "Largo" y Claudio (el escenógrafo de la banda). Pasaron dos meses de conmoción, pero retornaron a los escenarios para continuar con el sueño que habían iniciado juntos. Javier Robledo se incorporó como nuevo baterista.

En noviembre del 2003 presentaron "Código de barras", la segunda placa de la banda. Justamente, un código de barras era el tatuaje de Largo.

Durante el 2004 encararon una extensa gira que los llevó a 84 presentaciones, que culminó en septiembre con el show gratuito en el Parque Alem de Rosario, ante unos 17.000 espectadores. El 20 de noviembre compartieron escenario con León Gieco y Luis A.Spinetta, entre otros, en el ciere del 3º Congreso Internacional de la Lengua Española en Rosario, ante 70.000 personas.

El año 2005 fue dedicado a "Marea", el tercer disco. Fue registrado en el estudio Circo Beat de Buenos Aires, desde febrero, con Carlos Altolaguirre como técnico de grabación, Claudio Romandini en mezcla y Mario Breuer en masterización. El nuevo material fue presentado en Rosario y luego en Buenos Aires, en el Teatro. Previamente, habían tocado en el Gesell Rock y en el Cosquín Rock.

El material que integra "Audiografía" (editado en formato CD y DVD) fue registrado en vivo el 27 de mayo de 2006 en el Estadio Obras, en su primera presentación en ese escenario.

Pagina: http://www.cielorazzo.com/
Fuente: Rock.com.ar

All Saints

All Saints es un grupo femenino, que publicaron su primer disco en el año 1997. El grupo consiste en cuatro chicas, dos de ellas las fundadoras de la banda Melanie Blatt y Shaznay Lewis, y Nicole Appleton y Natalie Appleton, integradas más tarde en el grupo.

Biografía

Melanie y Shaznay comenzaron su carrera musical cantando como coros en el ZTT Recording Studios en All Saints Road, Londres. En 1993, Melanie, Shaznay, y la tercera miembra original llamada Simone Rainford decidieron formar un grupo musical y grabar un disco juntas. Según Simone, pensaron en llamarle al grupo Spice, pero pero decidieron que eso no era buena idea, y decidieron llamarse All Saints 1.9.7.5., nombre de la calle donde se conocieron y el año de sus nacimientos. Fueron contratadas por ZTT Records UK.

En 1994, All Saints 1.9.7.5. actuaron por primera vez en el Touch Magazine en el Notting Hill Carnival. Las tres grabaron tres canciones, pero fracasaron. Además, Melanie y Simone tuvieron conflictos en cuanto a la dirección del grupo que causó serias tensiones en la banda.

En el verano de 1995, Simone Rainford dejó el grupo y ZTT Records despidió al grupo. A pesar de todo, Malanie y Shaznay decidieron continuar y buscar reemplazamiento para Simone. Después de muchas audiciones, el padre de Melanie conoció a Nicole Appleton, quién conoció a Melanie días después en el Sylvia Young Theatre School. Shaznay apoyó a Appleton para que se uniese al grupo. Su hermana Natalie Appleton fue la última en intergrarse al grupo, despuñes de que diese a luz a su hija Rachel dos años antes, y no quería dejar su maternidad al margen. Pero, los padres de Nicole y Natalie le ofrecieron ayuda para criar a su bebé, para que pudiese seguir con su carrera musical.

All Saints

Después de formarse como nuevo grupo musical en Mayo de 1996, las cuatro conocieron a Karl Gordon, miembro de la banda Outlaw Posse, con quién grabaron un demo "I Know Where It's At". El siguiente paso fue buscar un nuevo contrato musical, pero muchas de las discográficas inglesas querían llevarlas a convertirse en un duplicado de las Spice Girls. Afortunadamente, el demo consiguió entrar en London Records, donde John Benson cerró el contrato de las chicas en Noviembre del 1996.

En 1997, "I Know Where It's At", su single-debut, debutó en el #4 de las Listas de Ventas Inglesas. El siguiente single, "Never Ever", fue el comienzo de la consagración como grupo en el mundo de la música, vendiendo más de 1,000,000 de singles sólo en el Reino Unido, y más de 1,000,000 en el resto del mundo. El single ganó 2 Premios Brit en 1998, por el Mejor Single y el Mejor VideoClip. Otros premios son: "Artista Revelación en los MTV Europe Music Awards", Poco después, "All Saints" sería su álbum-debut, del que vendieron más de 5,000,000 de discos en todo el mundo. Su tercer single, "Pure Shores", fue un éxito en las listas de ventas de todo el mundo, debido a que fue usado para la película de Leonardo DiCaprio "La Playa" ["The Beach"], convirtiéndose en el segundo Best-Selling Single del 2000.

Durante toda su carrera musical, la banda anotó cinco #1 singles. Después de publicar su segundo disco "Saints And Sinners", el grupo decidió separarse en 2001, después de numerosas especulaciones y rumores.

Carreras en Solitario

Nicole y Natalie formaron el dúo "Appleton", con el que grabaron un sólo disco con la discográfica inglesa "Concept Records UK", antes de Polydor Records, pero debido al fracaso de su disco, se marcharon a Concept, donde publicaron su último single "Everything Eventually". Su primer y último álbum fue "Evetything's Eventual", que llegó al #9 en el Reino Unido, vendiendo menos de 80,000 copias, y menos de 100,000 en todo el mundo, siendo insuficientes para Polydor que las despidió.

Melanie Blatt publicó sólo dos singles, con muy poco éxito en el Reino Unido, que fueron "Do Me Wrong", llegando al #18 y siendo despedida de London Records, y "See Me", banda sonora para la película "Robots", fracasando en el Reino Unido, llegando al #82.

Shaznay Lewis publicó a través de London Records su álbum-debut "Open", que fracasó en el Reino Unido, debutando en su primera semana en el #22, pero bajando en su segunda semana al #57. Sus dos singles publicados fueron "Never Felt Like This Before", que llegó al #8 en UK, y "You", llegando al #56 en UK.

El Regreso de All Saints

El 24 de Enero del 2006 fue anunciado el regreso del grupo. All Saints firmó un conteato multimillonario con Parlophone Records UK, discográfica de, entre otros, de Kylie Minogue o Jamelia. Casi un año después, el 13 de Noviembre del 2006 publicaron su tercer álbum "Studio 1".

El primer single escogido fue "Rock Steady", publicado el 6 de Noviembre del 2006. El single fue "aireado" por primera vez en el programa Inglés de Radio "The Chris Moyles Show", de la BBC Radio 1 el 21 de Septiembre del 2006. NME anunció que la banda haría una gira extensiva por toda Europa para promocionar el disco y su regreso.

Después de que se separasen por el 2001, el grupo actuó el single "Rock Steady" en el famoso y existoso programa de la ITV 1 "Ant & Dec's Saturday Takeaway" el 21 de Octubre del 2006. Además, han participado en el Mobile Phone Company 3, en el programa "3FrontRoom", programa sobre actuaciones de grupos famosos.

El single "Rock Steady" debutó en las Listas de Singles del Reino Unido como #3, siendo un gran éxito. Además, el single tuvo un éxito muy moderado en las listas de Europa, pero un teniendo un gran éxito en las listas de Asia, llegando incluso al #1 en China o en Israel.

Después del #3 en el Reino Unido, el grupo esperaba que el disco "Studio 1" tuviese el mismo éxito, y que conquistase el UK Top 10. Pero nada de eso ocurrió. El disco sólo llegó al #40 en el Reino Unido, después de caer al #75 en su segunda semana. En el Reino Unido el disco ha vendido menos de 40,000 copias, siendo un fracaso total para el grupo. En Europa, el disco fue publicado el 20 de Noviembre, siendo también un fracaso muy importante, destacando el #73 de Suiza o el #89 de Alemania. En Asia, el disco disfrutó de un moderado éxito, llegando al #30 en Israel, al #24 en China o al #57 en Japón.

El segundo single y el último de "Studio 1" fue "Chick Fit", single que nunca se puso a la venta en formato CD en el Reino Unido, pero sí de forma Digital. El single entró en una decepcionante posición #256 en el UK Singles Chart, conforme a las ventas en las Descargas. Debido a esto, All Saints y Parlophone rompieron de mutuo acuerdo el contrato, pudiéndose llevar los derechos de "Studio 1" para poderlo publicarlo de nuevo, o publicar nuevos singles promocionales. En Rumanía, el single fue publicado, llegando al #64 en las Listas de Ventas, y en Asia, el single sólo fue publicado en Israel, China y Japón, publicándose el 12 de Marzo de 2007, y llegando al Top 40 en ambos países.

Durante los últimos días de Febrero, se ha rumoreado la posible marcha del grupo de Parlophone, debido a la escasa promoción que la discográfica ha hecho del disco y de los singles, y podrían conseguir un nuevo contrato en Polydor Records, discográfica de cantantes y grupos tan exitosos como son Sophie Ellis-Bextor, Nelly Furtado, Take That o Girls Aloud.

Pagina: http://www.allsaintsofficial.com/

Norah Jones

Geethali Norah Jones Shankar (nacida el 30 de marzo de 1979) mejor conocida como Norah Jones es una cantante y pianista estadounidense. Su voz cálida e íntima, su sencillez y un enorme talento ha enamorado a medio mundo y con su primer disco “Come Away With me” ha conseguido vender más de 20 millones de copias y 8 premios Grammy y hasta la fecha la cantante lleva más de 35 millones de copias vendidas en todo el mundo. Su música combina elementos de jazz, soul y country.

Biografía

Sus primeros acordes

El 30 de marzo de 1979, un año después de romperse la relación entre el maestro indio del sitar, Ravi Shankar, y la enfermera Sue Jones, nació la pequeña Norah.

Norah y su madre vivieron en Nueva York hasta que la niña cumplió cuatro años. Entonces se mudaron a Grapevine (cerca de Dallas, Texas), donde vivió hasta los veinte. En su casa nunca faltaron discos de los clásicos del blues y del jazz: Billie Holiday, Etta James, Aretha Franklin, Ray Charles, Bill Evans, Joni Mitchell... A la influencia musical materna hay que sumar la que recibió de su abuela, una apasionada del recio country de los outlaws, desde Hank Williams a Willie Nelson.

Norah empezó a estudiar canto y se sumó al coro de la iglesia para cantar gospel, al tiempo que iniciaba las clases de piano y saxofón (a los siete). Estaba lejos de ser una alumna modelo: era bastante vaga y dejó el estudio varias veces. Sin el esfuerzo de su madre, su abuela, y sus profesores Renetta Frisque y Julie Bonk, probablemente hubiese abandonado el camino musical.

Cuando creció se matriculó en una escuela de artes y nunca faltaba en las actuaciones para cumpleaños y concursos musicales. Su primer contacto con el jazz lo tuvo en Dallas, al ingresar en su adolescencia en el Instituto Broker T. Washirable. En 1996 y 1997 ganó varios premios de interpretación y composición para estudiantes. Al finalizar el instituto entró en la Universidad de North Texas, donde estudió piano y teoría en el programa de jazz. Allí se especializó en teclado de jazz y formó su primer grupo. De ahí pasó a tocar el piano y cantar regularmente en un restaurante italiano.

En la gran manzana

Con veinte años cumplidos, Norah volvió a Nueva York para unas breves vacaciones y ya no quiso volver a Texas, para disgusto de su madre. Poco antes había tomado contacto con un grupo de músicos de aquella ciudad y quedó prendada. Una vez en “La gran manzana”, pronto hizo pie en el fértil circuito de garitos de conciertos de Greenwich Village y colaboró con diversas bandas. Durante dos años se ganó la vida cantando en salones de jazz, almuerzos y happy hours, muchas veces ante menos de quince personas y cobrando sólo de las propinas que les daban los parroquianos. Sin embargo, en esa época supo que quería vivir de cantar en vivo y que iba a hacer todo lo posible por lograrlo. Abandonó la universidad, empezó a escribir sus propias canciones, formó parte del combo de funk fusion, Wax Poetic, y finalmente montó su propio grupo con el bajista Lee Alexander, el guitarrista y compositor de Don’t Know Why, Jesse Harris, y el baterista Dan Rieser. Por esa época se estabilizó como cantante en el club nocturno The Living Room.

El principio del “boom”

En uno de esos conciertos la escuchó Shell White, miembro de la discográfica EMI, una noche del año 2000. Le gustó lo que oía y le pidió un demo con sus canciones. Éste se lo llevó a su amigo Bruce Lundvall, director de Blue Note, el reputado sello de jazz. Y acertó, porque esa compañía estaba en la búsqueda de nuevos artistas.

La propuesta de Norah no podía ser más tentadora: una voz joven y sugerente, plena de cálida sensualidad, cantando casi como si desvelara algún íntimo secreto. Lundvall la contrató con haber escuchado apenas tres canciones de ese cassette y le encargó al productor Craig Street que trabajara el material de Norah y la rodeara con instrumentistas de lujo. El resultado, mucho más pop que la versión final, no convenció a nadie y Lundvall le encargó a su productor estrella, Arif Mardin, una nueva versión, que se concentrara en la voz. El paquete estaba listo y Come Away With Me, su debut discográfico, salió a la venta en febrero de 2002, sin campañas masivas, ni un hit agresivo sonando en todas las radios. Sin embargo, el boca a boca hizo su trabajo y el disco se empezó a vender cada vez más. Para el otoño ya había sobrepasado el millón de copias vendidas y todos estaban maravillados. También se convirtió en platino en Holanda, Australia, Portugal y Hong Kong; doble platino en Gran Bretaña, Irlanda y Singapur; y quíntuple platino en Nueva Zelanda. El total de ventas alrededor del mundo sobrepasa los 18 millones de copias. Además, fue la gran triunfadora de la 45 edición de los Grammy entregados en 2003, con sus ocho estatuillas ganadas, incluidas mejor álbum, canción, disco del año y mejor artista novel, siendo la gran sorpresa de la noche ya que le arrebato prácticamente 3 estatuillas de la mano a Eminem, incluido el de disco del año, ya que según las apuestas favorecían a Eminem.

Dos años después de la publicación de su álbum de début, "Come Away with Me", Norah Jones regresa con "Feels Like Home".La cantante-pianista-compositora vuelve a hacer equipo con el productor Arif Mardin, el ingeniero de sonido Jay Newland y su grupo habitual en directo. Nos ofrece un conjunto de canciones compuestas por ella, los miembros de su grupo y por el cantante y compositor Richard Julian. Jones también hace versiones de varias canciones incluyendo "Be Here To Love Me" de Townes Van Zandt y "Melancholia" de Duke Ellington, canción para la que ella escribió las letras y la re-tituló con el nombre de "Don’t Miss You At All".

En 2007, saca su tercer álbum de estudio, Not Too Late.

Colaboraciones

The Little Willies

The Little Willies es una banda formada el 2003, con Norah Jones en las voces y el piano, Richard Julian en las voces, Jim Campilongo en la guitarra, Lee Alexander en el bajo y Dan Rieser en la percusión. Hasta el momento han sacado un disco, The Little Willies

Peeping Tom

Peeping Tom es un álbum colaborativo de Mike Patton, lanzado el 2006. Jones apareció en la canción número 10, "Sucker".

El Madmo

El 12 de mayo de 2006, Norah Jones (disfrazada con una peluca rubia, mucho maquillaje, mallas y pantalones muy cortos) apareció en una banda llamada "El Madmo" como teloneros de Pela. Consistía de "El" (Daru Oda de Handsome Band) "Maddie" (Norah Jones) y "Mo".

Discografía

- First Sessions (EP) (2001)
- Come Away With Me (2002)
- Feels Like Home (2004)
- Not Too Late (2007)

Pagina: http://www.norahjones.com/

Pez

Pez fue formado en diciembre de 1993 por Ariel Minimal en guitarra y voz junto a los hermanos Barbieri (Poli en batería y Alez en bajo). El proyecto es un trío de rock duro y experimental que en 1994 comienza a foguearse en vivo en el circuito porteño. En octubre de ese año registra su primer obra, titulada Cabeza, editado por el sello Discos Milagrosos y recibido con buenas críticas por parte de los principales medios de comunicación.

En septiembre de 1995 la banda cambia de formación ingresando Iris Auteri en bajo y Franco Salvador en batería. En febrero de 1996 registran su segundo disco, Quemado, recibiendo esta vez críticas excepcionales de la prensa especializada.
En esta obra el grupo deja ver la vocación de cambio que tendrían sus discos entre sí, incorporando una variedad de texturas y matices, que incluyen el tango (graban una versión de Muralla China, de Astor Piazzolla), la bossa nova, el rock progresivo y la psicodelia. Para esto recurren a una gran cantidad de invitados, que aportan distintos timbres e instrumentos al trío. Presentando este disco la banda comienza a intensificar sus presentaciones en vivo y su difusión en los medios.

En septiembre de 1996, Ariel Minimal es convocado por Los Fabulosos Cadillacs para integrarse al grupo como guitarrista. Esta noticia causa gran repercusión en la prensa de rock, generándose así una mayor atención sobre la continuidad de Pez.
Ese año también ingresa Fósforo en el bajo y graban I’m not Down de The Clash para el disco Buenos Aires City Rockers - Tributo a The Clash (incluyendo a Gastón Vandam como segunda guitarra).
Durante este período, la banda gira por el interior de la Argentina junto a Los Fabulosos Cadillacs, lo que colabora a abrir nuevas plazas donde mostrar su música fuera de Buenos Aires.

Durante junio de 1998 el grupo, ya desvinculado de su anterior sello, decide encarar su tercera producción de forma independiente y registra su nuevo disco, llamado simplemente Pez. La orientación musical vuelve a cambiar: se trata de una obra rápida y urgente de un trío que se acerca a la canción punk rock desde una perspectiva elaborada.
Este disco es debidamente presentado en Buenos Aires y actúan en el festival Buenos Aires Vivo para más de 60.000 personas. El disco es nuevamente bien recibido por los medios gráficos más importantes como las revistas Rolling Stone, Madhouse, Los Inrockuptibles y los diarios Clarín, La Nación y Página/12 entre otros, recibiendo en algunos casos la mejor calificación que otorga cada medio.

Ya en el año 2000, Pez decide crear un sello discográfico propio, Azione Artigianale editando el cuarto disco, Frágilinvencible, que es cubierto por los medios más prestigiosos con la mejor aceptación que un artista puede recibir de la prensa. En este disco el trío muestra su música con fuerte raíz en el viejo rock nacional e incorpora nuevos instrumentos y matices. Mostrando este material en vivo, y consolidando sus presentaciones fuera de la capital (La Plata, Mar del Plata, Mendoza, Córdoba, Rosario y Corrientes, entre otras ciudades), logran agregar una fuerte repercusión en el interior del país a la ya conseguida en Buenos Aires. Durante este año, la banda decide incorporar dos nuevos integrantes: Pablo Puntoriero en saxo barítono, tenor y flauta traversa (quien se encontraba tocando con Los Fabulosos Cadillacs) y Juan Salese en teclados.

El ahora quinteto registra a principios de 2001 su quinto álbum, Convivencia Sagrada, donde suman
aproximaciones al jazz y a la música rioplatense a su ya extenso bagaje musical, y realizan la primera de sus presentaciones en el legendario festival Cosquín Rock, donde son considerados “banda revelación”. Con este disco, el grupo continúa sumando público y buenas críticas por parte de la prensa.

En el año 2002 se edita El sol detrás del sol, su sexto trabajo, esta vez un disco calmo, que los muestra cercanos a la canción tradicional sin abandonar su sonido propio. Pero al poco tiempo, la formación vuelve a variar, reduciéndose momentáneamente al trío de guitarra, bajo y batería. Este período es marcado por su cada vez más importante convocatoria en escenarios porteños y del interior.

Ya en el año 2003, Pez incorpora a Leopoldo Limeres en piano eléctrico y Ernesto Romeo en sintetizadores y teclados, formación que es estrenada en el festival Quilmes Rock 2003 en Buenos Aires con excelente aceptación ante varios miles de personas. Hacia fin de este año, Pez festeja una década de vida estrenando en el cine Cosmos un documental -Hay lo que hay / Pez en imágenes- dirigido por Ezequiel Muñoz, que muestra toda su historia hasta el presente. También se realiza un show conmemorativo en La Trastienda, donde repasan su historia discográfica y en el que desfilan los músicos de sus encarnaciones anteriores.

A comienzos de 2004 Pez graba y edita su séptimo disco, Folklore, donde logra una marcada maduración en lo musical, que es reflejada en las críticas obtenidas de la prensa especializada. También realizan un video clip del tema Maldición, difundido por canales de música como MTV, Much Music, Rock&Pop TV, etc. Este mismo año el grupo encara su primer show íntegramente acústico (a sala colmada con más de 1000 personas en el Centro Cultural San Martín) y logra consolidar sus presentaciones en prestigiosos escenarios porteños (Quilmes Rock 2004, La Trastienda, ND Ateneo).

Luego de una nueva presentación en el Cosquín Rock 2005 en febrero,comienza a registrar sus conciertos en La Trastienda y ND/Ateneo y edita su octavo disco, en vivo, el doble Para las almas sensibles.
Luego de esto realiza su primera salida fuera de la Argentina tocando junto a La Hermana Menor en Montevideo, Uruguay.
Durante este año, además de tocar bastante en Buenos Aires y alrededores, consolida sus visitas a distintas ciudades del interior del país.

Empezando el 2006 la formación vuelve a cambiar: sale Ernesto Romeo y Pepo Limeres se hace cargo también de los sintetizadores. Mientras Pez adelanta sus nuevos temas en base a este cuarteto en las localidades donde suele hacerlo, llegan a nuevas ciudades: San Luis en Cuyo (también vuelven a Mendoza después de varios años) y, en el norte, Salta y Tucumán.

A mediados de año entra a estudio a grabar Hoy, su noveno álbum, que editan unos meses después. Aquí plasman en trece temas un nuevo giro dentro de su dirección musical: la búsqueda de la simpleza, el reposo, la calma, cierta economía en lo sonoro, alejarse de la distorsión y profundizar el formato canción. El disco es presentado oficialmente en Buenos Aires en el teatro ND/Ateneo.

El año 2007 los encuentra -más precisamente en febrero- presentándose en vivo ante más de 20.000 personas en el Escenario Planetario dentro de un ciclo gratuito organizado por el gobierno de la ciudad de Buenos Aires, junto a Massacre y Cienfuegos. Luego siguen presentándose en los habituales espacios donde suelen hacerlo (Ciudad de Buenos Aires, conurbano bonaerense y La Plata) y, mientras planifican llevar las presentaciones de su nuevo disco al interior del país, preparan nuevas composiciones para lo que en algún momento conformará un nuevo álbum.

Pagina: http://www.pezapesta.com.ar/

Barry White

Cantante colonense (Galveston, Texas, 12 de septiembre de 1944 - Los Ángeles, California, 4 de julio de 2003) caracterizado por su voz profunda y romántica.

Se crió en el ghetto negro de la ciudad de Los Ángeles. Fue un adolescente alocado y estuvo en la cárcel por robar neumáticos y partes de autos. En prisión decidió cambiar de vida y de amigos.

Tuvo grandes éxitos como intérprete de baladas románticas en los años 60. En 1969 creó el trío Love Unlimited. Este título lo tomaría posteriormente para darle nombre a su grupo de acompañamiento, la Love Unlimited Orchestra.

En los años 70 obtuvo sus mayores satisfacciones imponiendo un nuevo estilo soul orquestal que, al lado de suaves melodías sinfónicas trazadas con violines, incluía arreglos rítmicos amplificados, constituyendo el ingrediente indispensable para el surgimiento de la Disco Music y de la moda del sonido difuminado de las grandes orquestas exitosas de la década, como las de MSFB, Electric Light, Van McKoy, Ben Murphy, Sal Soul, etc.

Barry era un artista completo: cantante, compositor, arreglista, director de orquesta y ejecutante musical. A eso debe añadirse la faceta de patrocinador de otros grupos musicales. Por eso lo apodaban "The Maestro", y es reconocido como un genio de la música. A menudo hacía una sensual introducción hablada a sus temas con una voz gruesa, profunda y varonil. En algún momento de su carrera resultó ser el artista mejor pagado del mundo.

Regresó de nuevo a la fama 30 años más tarde con sus apariciones en la serie de televisión Ally McBeal y en la serie de animación Los Simpson.

Barry White fue la inspiración para el personaje de Chef de South Park

En el año 2000 ganó dos grammys en los apartados de mejor música tradicional y en rhythm and blues por Staying Power.

Murió en el Centro Médico Cedars-Sinai, en Los Ángeles, a los 58 años. Padecía problemas de riñón a causa de su alta presión sanguínea y estaba a la espera de un trasplante.

Algunas de sus baladas más conocidas son I can't get enough of your love, Babe (No puedo tener suficiente amor tuyo, nena) (1974), You're the first, the last, my everything (Eres el primero, el último, mi todo) (1974). También caben destacar canciones que fueron grandes éxitos como: "Let the music play" (Dejen sonar la música), "What am I gonna do with you?" (¿Qué voy a hacer contigo?), "You see the trouble with me" (Ves un problema conmigo), "It´s ecstasy when you lay down next to me" 1977 (Es un éxtasis cuando te acuestas cerca de mí), "Just the way you are" 1978 (excelente versión de la exitosa canción de Billy Joel), "Your sweetness is my weakness (Tu dulzura es mi debilidad), "Sha la la means I love you" (Sha la la significa te amo), entre otras. Y aparte de todo esto Barry White destacó en la producción de muchos temas instrumentales, en algunos casos componiéndolos, como por ejemplo su famoso "Love´s theme" (Tema de amor), "Forever in love" (Enamorado por siempre), "Rhapsody in white" (Rapsodia blanca), Barry´s theme (Tema de Barry). Caben destacar otros temas instrumentales como: "Midnight and you" (La medianoche y tú), "What a groove" (Qué disfrute), "Satin Soul" (Alma de satín), así como también las versiones instrumentales de algunas de sus canciones como "Never never gonna give you up" (Nunca, nunca renunciaré a ti) (1973), entre otras.

Syd Barrett

Roger Keith Barrett (* Cambridge, Inglaterra, 6 de enero de 1946 - † Cambridge, Inglaterra, 7 de julio de 2006), conocido como Syd Barrett, fue uno de los fundadores del grupo de rock psicodélico Pink Floyd.

Fue el líder como cantante, guitarrista y compositor de la banda en su primer y exitoso álbum The Piper at the Gates of Dawn (1967). A medida que la fama de Pink Floyd crecía, su abuso de drogas psicoactivas (especialmente LSD) fue afectándole cada vez más, llegando a incapacitarlo para actuar en conciertos o asumir cualquier responsabilidad como parte del grupo. Sólo dos años después de la fundación de Pink Floyd, Syd dejó la banda e intentó una breve carrera en solitario que fructificó en dos álbumes, tras los cuales se retiró, recluyéndose desde entonces en la casa de sus padres. Pink Floyd sobrevivió a su pérdida, pero la enfermedad mental de Syd tuvo un profundo efecto en las letras de sus nuevos líderes, Roger Waters, y el sustituto con la guitarra de Syd, David Gilmour, alcanzando bajo su batuta sus mayores éxitos (Dark Side of the Moon, Wish You Were Here y The Wall) con temas muchas veces inspirados en la desintegración de su antiguo líder.

Biografía

Infancia y juventud

Su padre murió cuando tenía 12 años, lo que marcó su personalidad. Desde niño sintió debilidad por el arte, en concreto, por la pintura y la música. A la edad de 15 años, tuvo su primera guitarra eléctrica, fabricó su propio amplificador e inició su primera experiencia musical tocando en un grupo: Geoff Mott and the Mottoes.

Inició sus estudios de secundaria en la Cambridge High School, donde conoció a Roger Waters, dos años mayor que él, lo que no impidió que surgiese una buena amistad entre ambos. Allí también conoció a David Gilmour, quien le enseñó a tocar los primeros acordes de guitarra y que más tarde le sustituiría en la banda. Roger Waters, consciente del talento de Syd Barrett, le invitó a unirse al grupo The Abdabs, formado por Roger Waters, Rick Wright, Nick Mason y Bob Klose. Éste último se sentía más cercano al jazz, por lo cual tuvo problemas con Syd, que prefería el blues, lo que finalmente llevó a Klose a dejar la banda.

Triunfo con Pink Floyd

Fue entonces cuando Syd Barrett propuso un nuevo nombre para la banda: The Pink Floyd Sound, en memoria de dos viejos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council. En el Thompsan Private Record Company, un estudio de grabación situado en el sótano de una casa en Hemel Hampstead, la banda grabó sus dos primeras canciones: "Lucy Leave" (una versión de "Gloria") y otra versión de Slim Harpo, llamado "I'm a King Bee".

El debut en vivo del grupo se produjo en el Roundhouse, el 15 de octubre de 1966. Syd Barrett tenía talento para componer. Lo hacía desde los 16 años, cuando compuso "Effervescing Elephant" y lo continuó en canciones como "Interestellar Overdrive", lo que facilitó que la banda empezara a ganarse su reputación como grupo "experimental", lejano y distinto a lo que era la escena musical por aquella época.

En 1967 el grupo firmó un contrato con la compañía discográfica EMI, que publicó su primer single: "Arnold Layne", compuesto por Syd Barrett, canción que hacía referencia a un suceso ocurrido en un colegio mayor femenino en el que habían robado ropa interior femenina. El segundo single de la banda "See Emily Play”" supuso un enorme éxito, lo que originó la entrada del grupo en los estudios Abbey Road para grabar lo que sería su primer LP: The Piper at the Gates of Dawn. Para muchos críticos, nunca una banda avanzó tanto en su primer trabajo, referente por excelencia de la psicodelia británica. Todos los temas fueron compuestos por Syd Barrett, excepto "Take Up Thy Stethoscope & Walk", por Roger Waters, pero esta composición pasa inadvertida al lado de temas como "Astronomy Domine", "Interstellar Overdrive", "The Gnome" o "Flaming",en los que Syd Barrett dejaba un sello en la historia de la música que nadie ha podido igualar.

Problemas con las drogas y salida de Pink Floyd

Para entonces, sus problemas con las drogas, en especial el LSD, eran patentes, arruinando algunas actuaciones del grupo con episodios lamentables, como el famoso colapso que sufrió en una entrevista para una cadena norteamericana. Fue Roger Waters quien decidió tomar las riendas del grupo y le propuso permanecer en la banda sólo como compositor, llamando a David Gilmour, para sustituirle en las actuaciones en directo. La idea era tener un grupo de 5 miembros y que Syd participara con ellos sólo en las grabaciones y ocasionalmente en los conciertos que él quisiera, pero el mánager del grupo decidió que esto no era "rentable".[cita requerida]

En el año 1968 Pink Floyd, grabó y editó su segundo trabajo: A Saucerful of Secrets, una continuación del primer trabajo de la banda, incluyendo como último tema del álbum la canción "Jugband Blues", compuesta por Syd Barret, el canto del cisne de un artista irrepetible, grabado y producido por Philip Burgos, quien en años anteriores fue gran amigo y mentor de otros grandes artistas de la talla de Jimi Hendrix.

En 1975 el álbum Wish You Were Here ("Ojalá estuvieras aquí") fue un homenaje del grupo a su fundador, que para entonces se mantenía en un cerrado ostracismo, alejado de la prensa y de la escena del rock. Cuando el grupo se encontraba grabando el álbum y estaban terminando las mezclas, la banda vio a un tipo gordo en la sala de grabación al que nadie conocía. Cuando se acercaron, vieron que era Syd, totalmente irreconocible, con el cabello muy corto y las cejas afeitadas (tal como se ve al personaje de Pink en la película "Pink Floyd - The Wall").

Carrera en solitario y ocaso definitivo

En 1969, Syd Barrett se puso en contacto con EMI y propuso la idea de grabar algunas canciones que había compuesto. La discográfica dudó en aceptar la petición del músico en un principio, pero el éxito de Pink Floyd fue razón suficiente para rescatar al fundador. Primero habló con Malcolm Jones para que fuese su productor y después de unas sesiones entró David Gilmour. De esta tentativa, surgió su primer disco en solitario: The Madcap Laughs, producido por David Gilmour, Roger Waters y Malcolm Jones y con colaboraciones de The Soft Machine. Un disco que hay que "exprimir" y asimilar, no apto para mentes cerradas, pero distinto a lo que cualquier otro artista de la época hubiera hecho, caótico, depresivo, incoherente, brillante. Carente de mayores arreglos, Gilmour tuvo la idea de publicar los temas en bruto. Por ello, en la mayoría de las canciones se escucha tan sólo la voz de Barrett y su Fender Telecaster. Cabe destacar de este trabajo canciones como "Dark Globe", "Here I Go" , "Octupus" (el mejor tema del Lp), "Golden Hair" (un poema de James Joyce), "Feel" (mezcla de bohemia e incoherencia) o "If It's In You" (con su voz desentonando sobre una melodía que cautiva al oyente). Muchas canciones, según señala Malcolm Jones en su libro "The Making of The Madcap Laughs", que Barrett había grabado con gran entusiasmo, quedaron fuera del álbum al entrar Gilmour en la producción, entre ellas joyas como "Opel" y "Bob Dylan Blues".

En el año 1970, había compuesto nuevos temas y David Gilmour produjo el disco Barrett, al que se unió Richard Wright. Y aunque Barrett no dejó de brillar en sus composiciones, éstas fueron más arregladas musicalmente, quitándole la magia propia del álbum anterior. Destacan canciones como "Baby Lemonade", "Dominoes", "Waving my Arms in the Air" o "Effervescing Elephant".

Después de este último trabajo Barrett hizo ambiguas y ocasionales presentaciones en vivo, de las que se guardan grabaciones de muy mala calidad. Intentó una nueva banda en 1972 llamada "Stars", con la que fracasó en su primera presentación en vivo, de la que no se guarda grabación alguna. En 1974, a petición de muchas personalidades del rock, como David Bowie, regresó a los estudios Abbey Road en una sesión de cuatro días, que dejó grabaciones carentes de voz con secuencias de acordes y blues, ninguna con título, excepto una llamada "If You Go". Años más tarde, se publicó The Peel Sessions (con cinco temas que grabó con David Gilmour en el bajo, para la BBC en febrero de 1970) y Opel álbum recopilatorio con catorce canciones dejadas de lado en las sesiones de 1969 y 1970. En 1993 EMI publicó Crazy Diamond-The Complete Syd Barrett una atractiva caja con tres CD's: The Madcap Laughs, Barrett y Opel, cada uno con media docena de temas extra y un librito con información y fotos. Durante su largo retiro vivió en casa de sus padres, alejado de cualquier intento de volver a los escenarios o componer nuevas canciones. Tras permanecer alrededor de veinte años en el más absoluto anonimato, época durante la cual se desencadenaron cientos de rumores, como que se había hecho rico regentando una plantación ilegal de setas alucinógenas, una publicación musical inglesa le entrevistó en casa de sus padres en Cambridge (pese a la oposición de su madre) para descubrir que decía no recordar al grupo Pink Floyd ni a sus antiguos amigos, por increíble que parezca.

Aunque al principio se especuló equivocadamente que fue debido a complicaciones de su diabetes, el 7 de julio del 2006, el atormentado genio falleció a los 60 años, como consecuencia de un cáncer pancreático.

A los pocos días de su fallecimiento, David Gilmour y Roger Waters, en representación del grupo, hicieron un comunicado conjunto que expresaba la consternación de la banda por la muerte de Syd.

Pagina: http://www.sydbarrett.net/

Yawning Man

Yawning Man se crea a mediados de los 80, y actualmente está formado por Alfredo Hernandez - batería (ex-Kyuss, ex-Queens of the Stone Age); Mario Lalli - bajo (Fatso Jetson, Orquesta del Desierto, Across the River) y Gary Arce - guitarras (The Sort of Quartet, Oddio Gasser).
Yawning Man es una mezcla melancólica de rock espacial acústico y algunos elementos de surf, así como guitarras con estilos del medio este americano. Su sonido es característico del desierto, y todavía hoy se sigue intentando imitar.

Si obviamos su transmutación temporal bajo el nombre de The Sort Of Quartet para el sello SST, "Rock Formations" (Alone Records) supone la primera referencia oficial de YAWNING MAN, el mítico trío semi-instrumental formado a mediados de los 80 en el desierto californiano del Mojave y actualmente compuesto por Alfredo Hernández (batería, ex- KYUSS, QUEENS OF THE STONE AGE), Mario Lalli (bajo, FATSO JETSON, ORQUESTA DEL DESIERTO) y Gary Arce (guitarras, ODDIO GASSER, THE SORT OF QUARTET, TEN EAST) .

En palabras del METAL HAMMER, "diez nuevos temas grabados a finales de 2004 que se sitúan estilísticamente donde Brant Bjork (KYUSS, FU MANCHU) lo dejaron con su primer álbum, "Jalamanta" ( donde colaboraron Marin y Gary). Rock instrumental, himnos desérticos, de los autores del célebre "Catamarán" de KYUSS. "
O en las del portal STONERROCK.COM: "La música de Yawning Man suena como una mezcla melancólica de guitarras acústicas espaciales con elementos de música surf y del estilo guitarrero del este. Yawning Man han sido la máxima influencia en la música desértica creando un sonido que todavía hoy nadie ha conseguido duplicar".

Para colmo de los placeres para los seguidores del trío, ALONE RECORDS anuncia que editará en breve un doble CD con todas sus primeras demos y grabaciones desde los años 80, acompañado de un extenso libreto con toda la historia de una banda que incluso ha sido homenajeada por los propios Kyuss. Además, la version LP de "Rock Formations" estará disponible antes de la inminente gira del grupo este mismo mes de Junio.

Kenny G

Kenny G (inicial tomada de su apellido Gorelick) comenzó a tocar en la banda de su escuela de Seattle (Washington), su ciudad natal. En 1976, cuando tenía 17 años inició su carrera profesional con la Barry White's Love Unlimited Orchestra. Después grabó con Cold, Bold & Together (un grupo funk de Seattle) y, tras graduarse en la Universidad de Washington, trabajó en 1979 con Jeff Lorber Fusion, grupo con el que publicó dos discos. Cuando acompañaba en su ciudad los bolos locales de artistas como Johnny Mathis, todavía le llamaban Kenny Gorelick.

El legendario Clive Davis (presidente de Arista e impulsor de talentos) se fijó el peculiar sonido de su saxo y con semejante padrino, la grabación de su primer disco no se hizo esperar. En 1982 se publicó el álbum Kenny G en el que el artista tocaba saxos soprano y tenor, flauta, sintetizadores y mini moog, además de escribir los arreglos de las canciones. Sus dos siguientes discos consiguieron ser Platino, pero fue en 1986 con el álbum Duetones cuando comenzó el despegue al vender cinco millones de discos. Kenny G se había convertido en un fenómeno a escala internacional.

En 1992, Breathless marcó el cénit de la carrera del saxofonista con 15 millones de álbumes vendidos. Un récord en la historia de la música instrumental al que siguió otro en la historia de los discos navideños porque en 1994, Miracles: The Holiday Album vendió 13 millones de ejemplares. El saxo de Kenny G convertía en oro todo lo que tocaba. Los éxitos continuaron en la década siguiente, incluído un álbum con estandars de jazz hasta su penúltimo álbum en 2004: At Last... The Duets Album.

Decir saxo es decir Kenny G. Desde que en 1982 publicó su primer álbum, el particular y acariciante sonido de su saxo soprano ha ocupado los primeros puestos tanto en listas de pop como de jazz contemporáneo y new age, ha vendido más de 75 millones de álbumes, singles y vídeos y ha llegado a toda clase de públicos. Kenny G marca una época en la música de fusión y es pionero en consolidar una estética de jazz amable, sustituyendo la improvisación por líneas melódicas líricas y sencillas y enriqueciendo su música con la colaboración de grandes cantantes y músicos de los estilos más diversos.

En 2006 llega llega The Essential Kenny G que, además de ofrecer 30 temas y más de 155 minutos de música, tiene el atractivo de que ha sido el propio saxofonista el que ha seleccionado el repertorio. Sería estúpido pensar que ha elegido sus peores canciones.

Pagina: http://www.kennyg.com/

Muddy Waters

McKinley MorganField (4 de abril de 1915 - 30 de abril de 1983), más conocido como Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense generalmente considerado el Padre del Blues de Chicago.

Nacido en Rolling Fork, Misisipi. Fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Misisipi por Alan Lomax para la biblioteca del congreso en 1940. Más tarde se mudó a Chicago, Illinois, donde cambio de guitarra acústica a guitarra eléctrica, volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época.

La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del "cuello de botella". Su primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y vocales, apoyado por un doble bajo. Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues.

Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Blues de Chicago. Hasta B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago". Todas sus bandas fueron un quién-es-quién de los grandes del Blues de Chicago: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Carey Bell en la armónica, Willie Dixon en el bajo, Otis Spann, Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra entre otros.

Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente buenas. Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: "I've Got My Mojo Working", "Hoochie Coochie Man", "She's Nineteen Years Old" y "Rolling and Tumbling" son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de covers por bandas de diferentes géneros.

Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.

Sus tours en Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, la primera vez una banda amplificada haciendo Hard-Rock se escuchó allí (Uno de los críticos presentes señaló se retiró al baño a escribir su crítica ya que la música estaba demasiado alta). Los Rolling Stones se nombraron de esa manera por la canción de Waters de 1950: "Rollin´ Stone", también conocida como "Catfish Blues". El gran hit de Led Zeppelin "Whole Lotta Love" esta basado en la canción de Muddy Waters "You Need Love" que fue escrita por Willie Dixon, que escribió algunas de las canciones más famosas: "I Just Want to Make Love to You," "I'm your Hoochie Coochie Man," y "I'm Ready."

Otras canciones características de Muddy Waters son "Long Distance Call," "Mannish Boy," y el himno del rock/blues "I've Got My Mojo Working" (Compuesta originalmente por Preston Foster).

Muddy Waters murió en Westmont, Illinois a los 68 años de edad, y fue enterrado en cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago.

Pagina: http://www.muddywaters.com/
Ver tambien Blues

R.E.M.

R.E.M. es una influyente banda estadounidense surgida en 1980 en el Estado de Georgia, EE.UU., pionera del denominado rock alternativo e inspiración de bandas de desarrollo posterior.

En la década de los 70, plena era punk, un estudiante de arte llamado Michael Stipe conoce a un coleccionista de LP´s de los años 60 llamado Peter Buck. Ambos se unen a dos músicos experimentados, Mike Mills y Bill Berry, y comienzan a tocar en pubs locales en la ciudad de Athens. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, "Chronic Town", con la discográfica I.R.S. Records. Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a todo el país.

A principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcados como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo, lanzaron los álbums más exitosos de la banda: Out of Time (1991) y Automatic for the People (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. Monster, el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vió estropeada por emergencias medicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. firmó nuevamente con Warner Bros.. A fines de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como unicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la proxima decada con variadas criticas y exitos comeriales. En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.

Biografía

Formación (1980-82)

R.E.M. se formó en Athens, un pequeño pueblo universitario en el sur del estado de Georgia, Estados Unidos. Descubriendo que tenían gustos musicales similares, el vocalista Michael Stipe (nacido el 4 de enero en Decatur, Georgia) y el guitarrista Peter Buck (nacido el 6 de diciembre de 1956 en Berkeley, California) empezaron a trabajar juntos, y con el tiempo conocieron al bajista Mike Mills (nacido el 17 de diciembre de 1958 en Orange County, California) y al batería Bill Berry (nacido el 31 de julio de 1958 en Duluth, Minnesota). En abril del año 1980 la banda debutó bajo el nombre de Twisted Kites en la fiesta de cumpleaños de su amiga Kathleen O'Brien. Para el verano del mismo año, la banda ya eligió el nombre que emplearía en las siguientes décadas: R.E.M.. Este nombre fue elegido aleatoriamente con la ayuda de un diccionario, y en realidad designa una fase del sueño (Rapid Eye Movement, en inglés), que es aquella en la que ocurren los ensueños más profundos. En esta misma época, la banda conoció a Jefferson Holt, quien se convertiría en el mánager del grupo después de haber visto la primera actuación de la banda fuera de su estado (Georgia), concretamente, en Carolina del Norte. Más tarde, los miembros de la banda dejaron la universidad, con la firme intención de concentrarse en su carrera musical.

En el siguiente año y medio, la banda hizo una gira por todo el sur de su país, tocando una gran variedad de versiones. En este período, Peter Buck comenzó a desarrollar su distintivo estilo al mismo tiempo que Stipe comenzó a escribir sus primeras letras, muy enigmáticas y crípticas. En el verano de 1981, el grupo grabó su primer single, "Radio Free Europe", producido por Mitch Easter, que incluía como cara B la canción "Sitting Still". El single fue publicado por el sello discográfico Hib-Tone Records (en realidad, el estudio casero de un amigo del grupo), del que apenas se editaron 1.000 copias. El sencillo se convirtió en un éxito inmediato en las radios independientes que tenían una gran influencia en colegios y escuelas de todo el sur. Las letras indescifrables de Stipe y su distintiva voz hicieron del sonido de R.E.M. un sonido único e inimitable en los tiempos que corrían.

1982-1989

Gracias a la favorable respuesta que obtuvo el single "Radio Free Europe", sellos discográficos independientes de mayor tamaño comenzaron a interesarse en la banda. Así, R.E.M. firmaron un contrato con I.R.S. Records, sello bajo el cual publicaron su primer EP, Chronic Town (así como sus primeros cinco álbumes de estudio). Para promocionar la grabación, la banda se fue a California y, una vez allí, grabó un videoclip para la canción "Wolves, Lower". No obstante, Michael Stipe no quedó contento con el resultado y optaron por no utilizar el vídeo para promocionar el EP.

El primer álbum de estudio, Murmur, fue lanzado en el año 1983. El disco debut obtuvo un gran apoyo por parte de la crítica, sin ir más lejos, la revista musical Rolling Stone declaró a Murmur el mejor álbum del año 1983, y, aún hoy en día la gran mayoría de los críticos consideran a Murmur uno de los mejores álbumes de los años ochenta. Por otra parte, el álbum también obtuvo un considerable éxito comercial, llegando al puesto número 36 en la lista de álbumes de Estados Unidos (Billboard 200). El primer single del disco fue "Radio Free Europe", que fue regrabado. También se encontraban en el mismo disco "Sitting Still" (anteriormente grabada como cara b del single "Radio Free Europe" Hib-Tone) y "Talk About The Passion", que fue lanzado como single en el año 1988. Gracias al gran éxito obtenido con el álbum debut, R.E.M. llegaron a hacer su primera aparición en la televisión, en el programa "Late Night With David Letterman", donde tocaron la canción "So. Central Rain" (que después aparecería en su segundo álbum de estudio), si bien no tenía título cuando el grupo actuó en el programa ya mentado.

Su segundo álbum de estudio, Reckoning, se publicó en el año 1984, después de haber sido grabado en un tiempo récord (sólo en doce días). De la misma manera que en el anterior trabajo, Stipe continuó escribiendo letras ambiguas y casi indescifrables. El primer single fue el ya mencionado "So. Central Rain", y como segundo single la banda optó por "(Don't Go Back To) Rockville", canción compuesta por Mike Mills. Si bien el álbum fue criticado por ser demasiado poco comercial por parte de las radios principales (mainstream), las radios independientes acogieron cálidamente el álbum.

Para el tercer álbum, Fables Of The Reconstruction, la banda decidió cambiar el rumbo de manera drástica. Para ello, el grupo optó por viajar a Londres, justo a tiempo para disfrutar de un frío y húmedo invierno. Las sesiones en el estudio se convirtieron en mucho más complicadas de lo que la banda había previsto. Surgieron grandes tensiones, que más tarde la banda consideró fruto del frío al que tan poco estaban acostumbrados y la morriña, y la banda estuvo a punto de romper. Estas circunstancias tan tristes y oscuras que rodearon las sesiones de grabación, a la postre proporcionaron al álbum una identidad propia, un álbum muy oscuro que difería mucho de sus anteriores trabajos. En cuanto a las letras del trabajo, Stipe comenzó a escribir unas letras más comprensibles y se centró en las fábulas e historias de la mitología sureña. Según Michael, en una entrevista que concedió en el año 1985, se inspiró en "la idea de ancianos sentados alrededor del fuego y contando leyendas y fábulas a sus nietos".

Para su cuarto álbum la banda quedó poco satisfecha con Fables of the Reconstruction y cambiaron a un rumbo un poco más alegre y pop, de aquí nació Lifes Rich Pageant. Este álbum tuvo buena respuesta con sus sencillos Fall On Me y Superman (canción de R.E.M.), que se convirtieron en éxitos en la lista US Mainstream Rock llegando al #5 y #17, respectivamente

Tras el ligero éxito de Lifes Rich Pageant, R.E.M. lanzó el álbum Document. Éste se convirtió en su primer disco de platino y el mejor hasta la fecha llegando al número #10 en el Billboard 200 y en el #28 en la lista del Reino Unido. Aunque The One I Love y Finest Worksong se convirtieron en éxitos, el favorito de los fans se convirtió su canción apocalíptica It's the End of the Eorld as we Know It (And I Feel Fine). Este gran éxito les consiguió un contrato con la Warner Bros., el contrato más caro de ese tiempo, ya que su contrato con la I.R.S. había terminado.

Su sexto álbum, Green se convirtió en un gran éxito con sus sencillos Stand, Orange Crush y Pop Song 89 y sus canciones como Turn You Inside Out. Después de este LP, la banda se fué de gira

1990-1999

En la década de los noventa la banda crece sobremanera y, con el disco "Out Of Time" (1991) que vendió más de 10 millones de copias y en especial el single "Losing My Religion" (cuyo vídeo fue muy criticado por la iglesia católica), R.E.M. alcanza el estatus de banda de culto en todo el mundo, por delante de grupos como U2 o Nirvana en las listas de ventas. Otros singles extraídos del disco fueron "Shinny Happy People", donde cantaban con Kate Pierson, la vocalista de The B-52's, "Low", "Near Wild Heaven" y "Radio Song" donde colaboraba el rapero KRS-One. Tras la publicación del disco, Peter Holsapple abandonó el grupo.

Un año después, en 1992, R.E.M. lanza un disco más oscuro y con letras más sórdidas, "Automatic for the People", considerado como el mejor disco del grupo hasta el momento. Numerosos singles salieron de este disco: "Drive", "Everybody Hurts", "Man on the Moon", "The Sidewinder Sleeps Tonite", "Nighstswimming" y "Find The River".

En 1994, R.E.M. lanza "Monster", un disco mucho más guitarrero y estridente que los anteriores. Su éxito coincide con las muertes de dos grandes amigos de Michael Stipe, el líder de Nirvana, Kurt Cobain, para quién estaba escrito el tema "Let Me In" y el actor River Phoenix a quien está dedicado el disco. Con "Monster" el grupo trata con su característica polémica temas como el acoso de los medios de comunicación o el sexo. "King Of Comedy" es prueba de ello. También colaboran con el tema "Revolution" en la BSO de la película Batman & Robin donde también está incluida "Hold me, Thrill Me, Kiss Me" de U2

Tras el disco, vino una larga gira de 130 conciertos por los cinco continentes a los que se incorporó Scott McCaughey de manera definitiva hasta la actualidad y Nathan December, como guitarristas adicionales. En España dieron 3 conciertos, que abrieron la gira europea en Febrero de 1995. Aparte de eso, la gira no estuvo exenta de problemas de salud para sus miembros ya que Mike Mills sufrió un ataque de apendicitis por el que se tuvieron que cancelar, entre otros, los conciertos de Madrid y Zaragoza de Julio. Pero seguramente por lo que será recordado este Tour es por el aneurisma cerebral que sufrió el batería Bill Berry durante el concierto que estaba dando el grupo en Laussanne (Suiza), que estuvo a punto de acabar con su vida. Berry abandona el grupo dos años después y con él se pierde parte del espíritu de la banda. La marcha de Bill Berry afecta a la música de R.E.M., que comienza a entrar en una etapa delicada.

El último disco con Bill Berry fue "New Adventures in Hi-Fi" (1996) donde se mezclaron temas en directo con temas grabados en estudio y donde destacó "E-Bow the letter" grabado con Patti Smith y que fue el primer single del LP. Le siguieron "Wake-Up Bomb", "Electrolite", "Bittersweet Me" y "How The West Was Won And Where It Got Us".

En 1998 lanzan "Up". Bill Berry es sustituido por Joey Waronker al que se unió también Ken Stringfellow como teclista. El disco mucho más melódico y sensible destaca por la gran cantidad de electrónica que se usó para su producción. "Daysleeper" fue el primer single al que siguieron "Lotus", "At My Most Beautiful" y "Suspicion".

El siglo XX se fue a dormir, como dijeron en "Electrolite", con "The Great Beyond", una canción compuesta para la película-homenaje a Andy Kaufman, que tomó el nombre de la canción de R.E.M., "Man on the Moon".

2000-presente

2001 es el año elegido para lanzar "Reveal". Este álbum vio la luz en el mes de mayo, tras una larga grabación que llevó al grupo desde Miami a Vancouver pasando por Irlanda e incluso Israel. Combina los sonidos electrónicos que ya aparecían en "Up" con el pop de siempre. Los singles que salieron del álbum fueron "Imitation of Life", "All the way to Reno" y "I'll Take The Rain". Tras la publicación del disco, el grupo decidió no hacer gira. Tan sólo se limitaron a unos pocos conciertos de presentación por Europa donde destacó el concierto ofrecido en Colonia. En España estuvieron actuando para Canal+.

Y en 2003, Warner decide lanzar el recopilatorio "In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003", que recoge los mejores éxitos del grupo en su etapa con la discográfica californiana. Bill Rieflin, se incorpora al grupo en sustitución de Joey Waronker. El recopilatorio salío a la venta en formato simple y doble con un CD extra que contenía abundante material publicado como caras B. Tras esto se embarcaron en un Tour de 55 conciertos.

Su último disco de estudio salió en 2004 bajo el título "Around The Sun", muy influenciado políticamente y cargado de críticas a la política del gobierno americano actual. Como antesala de ese lanzamiento, el grupo, junto a gente de la talla de Bruce Springsteen, participó en la gira "Vote for change" (Vota por el cambio), en claro apoyo al demócrata John Kerry. "Leaving New York", fue el primer single del disco al que siguieron "Aftermath", "Electron Blue" y "Wanderlust". También se incluyó "Final Straw", una canción contra la guerra de Irak que publicaron en su web oficial unos meses antes en formato demo. Tras el lanzamiento del disco, el grupo se embarcó en un Tour mundial de más de 113 conciertos. Fruto de esta gira, se lanzó un DVD en directo en Octubre de 2007 llamado 'Live' con el concierto del 12 de Febrero en The Point, Dublin. El DVD fue producido por Blue Leach

En la primavera de 2007 está previsto que salga su nuevo disco de estudio, producido por Jacknife Lee

R.E.M. ha logrado alcanzar el estatus de banda leyenda del rock, y un puesto entre los mejores grupos de la historia. Además, su ciudad de origen Athens les ha guardado un rincón en el hall de la fama de Georgia.

Miembros oficiales

- Michael Stipe — voz (1980-actualidad)
- Peter Buck — guitarra, mandolina, banjo (1980-actualidad)
- Mike Mills — bajo, voz, teclados (1980-actualidad)

Ex-Miembros

- Bill Berry — batería (1980-1997)

Miembros no oficiales

- Scott McCaughey — 2da guitarra, coros, teclados, sintetizadores, piano, bajo (1994-actualidad)
- Bill Rieflin — batería (2003-actualidad)
- Ken Stringfellow — bajo, sintetizadores, piano, coros, guitarra, teclados (1998-2007)
- Joey Waronker — batería (1998-2002)
- Peter Holsapple - 2da guitarra, teclado, piano (1989-1991)
- Nathan December - guitarra (1995)
- Barrett Martin — batería
- Buren Fowler — guitarra

Curiosidades

- Su canción titulada "Stand" fue la primera canción que sonó en Marte. Esto ocurrió el 30 de marzo de 2004 gracias a la máquina de la NASA Opportunity para comprobar la existencia de vida inteligente en el planeta rojo.
- Han grabado 2 Unpluggeds para la MTV, uno en 1991 y otro en 2001.
- Participaron en "Barrio Sésamo", gracias a una versión de "Shiny Happy People": "Furry Happy Monsters".
- Siempre componen la música antes que la letra. La excepción es "Nightswimming" (1992), para la cual Stipe llevó la letra y se propusieron dos melodías. Se eligió la del solo de piano de Mike Mills, que él mismo interpreta.
- Scott McCaughey es líder de la banda Young Fresh Fellows y de The Minus 5 donde comparte formación con Peter Buck y, ocasionalmente Ken Stringfellow y Bill Rieflin.
- Bill Rieflin, es el baterista oficial de la banda desde 2003. Ha sido miembro de Ministry, Blackouts, Vagaries, Pigface, Ruby, KMFDM, Swans y Slow Music.
- Joey Waronker, el segundo batería de R.E.M., es miembro habitual de la banda de Beck razón por la cual dejó su puesto a Bill Rieflin en 2003.
- Ken Stringfellow es miembro de la mítica banda The Posies, White Flag e incluso ha formado parte de los nuevos Big Star. Tiene además 3 discos en solitario: "This Sound Like Goodbye" (1997), "Touched" (2001) y "Soft Commands" (2004)
- "Everybody hurts" se convirtió hace unos años en la tercera mejor canción de la Historia según la prestigiosa Virgin. Sólo pudieron con ella U2 y The Beatles.
- La serie "Friends" contó en su banda sonora con el tema "It's A Free World Baby" de R.E.M. que fue cara-B del single de Drive y se encuentra recogido tanto en el recopilatorio The Automatic Box como en el segundo disco de la edición limitada de In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003. En la primera temporada de la serie también aparecen "Shiny Happy People" y "What's The Frecuency, Kenneth?".
- La canción "Departure" menciona a San Sebastián ya que fue escrita en el trayecto de avión que unía Singapur con la capital donostiarra durante el Monster Tour en 1994.
- En el episodio Homer the Moe de la serie Los Simpson aparece la banda tocando en el bar que Homer monto en su garaje.

Discografía Oficial
Álbumes de estudio

- Murmur (1983)
- Reckoning (1984)
- Fables of the Reconstruction (1985)
- Lifes Rich Pageant (1986)
- Document (1987)
- Green (1988)
- Out Of Time (1991)
- Automatic For The People (1992)
- Monster (1994)
- New Adventures In Hi-Fi (1996)
- Up (1998)
- Reveal (2001)
- Around The Sun (2004)

EPs

- Chronic Town (1982)

Recopilaciones

- Dead Letter Office (1987)
- Eponymous (1988)
- The Best of R.E.M. (1991)
- R.E.M.: Singles Collected (1994)
- R.E.M.: In the Attic (1997)
- In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003 (2003)
- And I Feel Fine... The Best of the I.R.S. Years 1982-1987 (2006)

DVDs

- Succumbs (1987)
- Tourfilm (1990)
- Pop Screen (1991)
- This Film Is On (1991)
- Pararell (1995)
- Road Movie (1996)
- In View (2003)
- Perfect Square (2004)
- When The Light Is Mine (2006)
- R.E.M. Live (2007)

Pagina: http://www.remhq.com/

Blues

El Blues es un estilo musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. En Estados Unidos se desarrolló en las comunidades afroamericanas, a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo. La utilización de las notas de blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este estilo. El blues influyó en la música popular estadounidense y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, hip-hop, música country y canciones pop.

Etimología

La frase the blues hace referencia a los blue devils, indicando espíritus caídos, depresión y tristeza. Una de las primeras referencias a "the blues" puede encontrarse en la farsa de 1798 "Blue Devils, a farce in one act" [1] , de George Colman. Posteriormente, durante el Siglo XIX, esta frase fue usada eufemísticamente para hacer referencia al delirium tremens y a la policía.

A pesar de que la frase, en la música afroamericana, pueda tener un significado más antiguo se atestiguó que en 1912, en Memphis, Tennessee el músico W. C. Handy ya utilizaba (en su tema "Memphis Blues" [2] [3] ) la frase 'the blues' para referirse a un estado de ánimo depresivo [4] .

Características principales

Orígenes culturales

Los estilos asociados al blues comparten un pequeño número de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las características personales de cada artista que lo interpreta [5] . Sin embargo, existen una serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno.

Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud con el blues, se corresponde con los gritos de llamada y respuesta, los cuales se definieron como "expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la formalidad de cualquier estructura musical" [6] . Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de "canciones de un sólo interprete con contenido emocional" [7] . El blues, hoy en día, puede definirse como un estilo musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra [8] .

Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada y respuesta y la utilización de las notas de blues, pueden encontrarse en las raíces de la música africana; Sylviane Diouf señala algunas características determinantes del blues, como son el uso de melisma y una entonación nasal, que pueden sugerir la conexión entre la música del África Occidental y el blues [9] . El etnomusicólogo Gerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos elementos del blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de África.

"Los instrumentos de cuerda (los preferidos por los esclavos procedentes de las regiones musulmanas de África), estaban generalmente permitidos ya que los dueños de los esclavos consideraban que dichos instrumentos se asemejaban a otros instrumentos europeos, como el violín. Debido a ello, aquellos esclavos que eran capaces de tocar un banjo, u otro instrumento de cuerda, podían hacerlo con mayor libertad. Este tipo de música solitaria de esclavo muestra elementos de un estilo árabe-islámico basado en la huella que el Islam ha impreso durante siglos en África Occidental"
Gehard Kubik [10]

Kubik también apuntó que la técnica 'Mississippi' de tocar la guitarra, mediante una cuchilla afilada (utilizada por W.C. Handy), corresponde a un tipo de técnica musical similar usada en ciertas culturas del África central y occidental. El diddley bow, el cual se piensa que fue muy común en todo el sur del continente americano durante los primeros años del Siglo XX, es una derivación de un instrumento africano, el cual es muy probable que ayudara en la transferencia de técnicas en los primeros comienzos del blues.

La música blues adoptó más adelante elementos del "ethiopian airs", "minstrel shows" y espirituales negros, incluyendo instrumentación y acompañamiento armónico [11] . El estilo también está relacionado con el ragtime, el cual se desarrolló por la misma época, aunque el blues "preservó mejor los patrones melódicos de la música africana" [12] .

Canciones blues de este período, como las de Leadbelly o las de Henry Thomas muestran una amplia variedad de estructuras, convirtiéndose en las más habituales las formas musicales de doce, ocho o dieciséis compases, basadas en los acordes tónicos, subdominantes y dominantes [13] . Las raíces de la que hoy en día se conoce como la estructura blues de doce compases, están documentadas en la historia oral y en las partituras de las comunidades afroamericanas que habitaban las regiones del Bajo Misisipi, en la calle Beale de Memphis y en las bandas blancas de Nueva Orleans.

Letras

La forma original de las letras de blues consistió, probablemente, en una única línea repetida tres veces. Más adelante, la estructura actual, basada en una única repetición de una línea seguida por una línea final, se convirtió en estándar [14] . Estas líneas solían ser cantadas siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica que a una melodía.

Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una narración la cual solía transmitir mediante la voz del cantante sus penas personales en un mundo de cruda realidad: "un amor perdido, la crueldad de los agentes de policía, la opresión de los blancos y los tiempos difíciles" [15] . Gran parte de los blues más antiguos contienen letras más realistas a diferencia de la mayoría de la música popular que se grababa por aquellos tiempos; por ejemplo, la canción "Down in the Alley" de Memphis Minnie, trata sobre una prostituta que mantiene relaciones sexuales con un hombre en un callejón.

Este tipo de música se denominó "gut-bucket" blues, un término que hacia referencia a un instrumento musical casero (con forma de bajo) fabricado a partir de un cubo de metal el cual era utilizado para limpiar los intestinos de los cerdos para preparar chinchulín (un tipo de comida que se asociaba con la esclavitud). Las canciones "gut-bucket" blues solían ser depresivas y trataban acerca de las relaciones ásperas y difíciles, de la mala suerte y de los malos tiempos; debido a este tipo de canciones, y a las calles donde se interpretaban, la música blues adquirió mala reputación, llegando a ser criticada por feligreses y predicadores.

A pesar de que el blues solía asociarse con miseria y opresión, también puede adquirir tintes cómicos o humorísticos, y en muchos casos, connotaciones sexuales:

Rebecca, Rebecca, get your big legs off of me,
Rebecca, Rebecca, get your big legs off of me,
It may be sending you baby, but it's worrying the hell out of me.

Original en inglés

Rebecca, Rebecca, quita tus grandes piernas de encima mio,
Rebecca, Rebecca, quita tus grandes piernas de encima mio,
Puede estar mandándote cariño, pero me está preocupando como un demonio.

Traducción al español

El autor Ed Morales afirma que la mitología Yoruba jugó un papel importante en los primeros blues, citando el tema "Cross Road Blues" del músico Robert Johnson como una 'referencia finamente velada a Eleggua, el Orisha encargado de los caminos' [16] . Sin embargo, algunos artistas prolíficos de blues, como Son House o Skip James tuvieron en su repertorio varias canciones religiosas o espirituales. Reverend Gary Davis y Blind Willie Johnson son algunos ejemplos de artistas que suelen categorizarse por su música como "músicos de blues", a pesar de que las letras de sus canciones corresponden claramente a espirituales.

Estilo musical

Durante las primeras décadas del Siglo XX, la música blues no estaba claramente definida en términos de progresión de acordes. Había una gran cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho compases, como "How Long Blues", "Trouble in Mind", y "Key to the Highway" del músico Big Bill Broonzy. También se podían encontrar temas blues con estructura de dieciséis compases, como en el tema instrumental de Ray Charles "Sweet 16 Bars" y el tema de Herbie Hancock "Watermelon Man". También podían encontrarse estructuras de compases menos frecuentes, como la progresión de nueve compases del tema de Howlin' Wolf "Sitting on top of the World". El desarrollo básico de una composición blues de doce compases se refleja en el estándar de progresión armónica de doce compases, en un compás de 4/4 o (raramente) en un compás de 2/4. Los temas blues lentos suelen tocarse en un compás de 12/8 (4 golpes por medición con 3 subdivisiones por golpe).

Hacia la década de 1930, el blues con una estructura de doce compases se estandarizó. Los acordes blues asociados a una estructura blues de doce compases suelen estar compuestos normalmente por tres acordes distintos, los cuales son tocados a través de un esquema de doce compases:
I I o IV I I
IV IV I I
V IV I I o V

Una tonalidad de Fa, los acordes serían los siguientes:
Fa Fa o Sib Fa Fa
Sib Sib Fa Fa
Do Sib Fa Fa o Do


En el ejemplo anterior, Fa es el acorde tónico y Sib es el acorde subdominante. La mayoría del tiempo cada acorde es tocado dentro de la estructura de 'séptima dominante'. Frecuentemente, el último acorde suele ser el 'turnaround' dominante (en los ejemplos anteriores corresponde a V o Do).

Las letras de los temas blues generalmente terminan en el último golpe del décimo compás o en el primer golpe del undécimo compás, siendo los dos últimos compases un momento de ruptura instrumental; la armonía de estos compases de 'ruptura', el turnaround, puede ser extremadamente compleja, consistiendo algunas veces en notas sueltas que modifican el análisis del tema por completo. El golpe final, al contrario que los anteriores, suele estar casi siempre posicionado firmemente en la 'séptima dominante', para proveer de tensión al siguiente verso del tema.
Partitura musical de "Saint Louis Blues" (1914)
Partitura musical de "Saint Louis Blues" (1914)

Melódicamente, la música blues está marcada por el uso de terceras, quintas y séptimas disminuidas (las llamadas notas de blues) de la escala mayor correspondiente [17] . Estos tonos de las escalas pueden reemplazar los tonos naturales de las escalas o añadirse a las mismas escalas, como es el caso de la escala pentatónica menor de blues, donde las 'terceras' reemplazan a las terceras naturales, las 'séptimas' a las séptimas naturales y las quintas se añaden entre las cuartas y las quintas naturales. Mientras que la progresión armónica de la estructura de doce compases ha sido utilizada durante siglos, uno de los aspectos más revolucionarios del blues fue el uso frecuente de las terceras, las séptimas e incluso de las quintas en la melodía, junto con el 'crushing' (tocar dos notas adyacentes al mismo tiempo, por ejemplo como las 'segundas disminuidas') y el 'sliding' (similar a las 'notas de gracia') [18] .

Mientras que un músico clásico suele tocar una 'nota de gracia' distintivamente, un cantante de blues, o un armonicista, tocará 'glissando', "golpeando las dos notas para soltar a continuación la 'nota de gracia'". En las progresiones de acordes del blues, los acordes tónicos, subdominantes y dominantes suelen tocarse como séptimas dominantes, siendo la séptima menor un componente importante de la escala. El blues suele tocarse ocasionalmente en una escala menor, diferenciándose ésta de la escala menor tradicional en el uso ocasional de la quinta en la tónica (cantada por el músico o por el instrumentalista principal con la quinta justa en la armonía).

- El tema de Janis Joplin, "Ball and Chain", acompañada por Big Brother and the Holding Company, muestra un ejemplo de esta técnica.
- El blues en escalas menores suele estar estructurado en dieciséis compases en vez de doce, al estilo de la música gospel, como puede comprobarse en el tema "St. James Infirmary Blues" y en el tema de Trixie Smith "My Man Rocks Me".
- Algunas veces, se utiliza una escala Dórica para los blues de escalas menores, siendo la nota menor la tercera y séptima pero la mayor correspondiendo a la sexta.

Los shuffles de blues refuerzan el rítmo y el patrón de llamada y respuesta, formando un efecto repetitivo denominado groove. Los shuffles más simples, ampliamente utilizados en el blues eléctrico, el rock and roll o en el bepop inicial de post-guerra, consistían en un riff de tres notas de las cuerdas graves de la guitarra; el efecto groove se creaba cuando se interpretaba este riff con el bajo y la batería. Así mismo, el walking bass era otro dispositivo que permitía crear efectos groove.

El ritmo 'Shuffle' suele vocalizarse como "dow, da dow, da dow, da" o "dump, da dump, da dump, da" [19] y consiste en ocho notas. Un ejemplo de esto puede encontrarse en la siguiente tablatura que muestra los primeros cuatro compases de una progresión blues en Mi: [20] [21]

Mi7 La7 Mi7 Mi7
Mi |-------------------|-------------------|-------------------|-------------------|
Si |-------------------|-------------------|-------------------|-------------------|
Sol |-------------------|-------------------|-------------------|-------------------|
Re |-------------------|2--2-4--4-2--2-4--4|-------------------|-------------------|
La |2--2-4--4-2--2-4--4|0--0-0--0-0--0-0--0|2--2-4--4-2--2-4--4|2--2-4--4-2--2-4--4|
Mi |0--0-0--0-0--0-0--0|-------------------|0--0-0--0-0--0-0--0|0--0-0--0-0--0-0--0|

El blues en el jazz difiere en gran medida del blues en otro tipo de estilos musicales (como el rock and roll, el rythm and blues, el soul o el funk). El jazz blues suele tocarse en el acorde V a través de los compáses 9 y 10, enfatizando la estructura tónica del blues tradicional (resolución tónica sobre el subdominante). Esta cadencia final de acordes V-I conlleva por sí misma un gran número de variaciones, siendo la más básica de ellas la progresión de acordes ii-V-I en los compases 9, 10 y 11. A partir de este punto, tanto la aproximación dominante (acordes ii-V) y la resolución (acorde I) pueden alterarse y sustituirse casi indefinidamente, incluyendo por ejemplo el prescindir completamente del acorde I (compases 9-12: ii | V | iii, iv | ii, V |). En este caso, los compases 11 y 12 funcionan como una extensión del 'turn-around' para el siguiente coro.

Historia de los distintos géneros del blues

Orígenes

El blues ha evolucionado de una música vocal sin acompañamiento, interpretada por trabajadores negros pobres, a una gran variedad de estilos y subgéneros, con variedades regionales a lo largo de todo Estados Unidos y, posteriormente, de Europa y África. Las estructuras musicales y los estilos que están considerados hoy día como el 'blues', así como en la música 'country' moderna, nacieron en las mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el Siglo XIX. Pueden encontrarse grabaciones de blues y de country que se remontan a la década de 1920, periodo en el que la industria discográfica creó categorías de marketing denominadas "música racial" y "música hillbilly" para vender canciones a los negros y a los blancos, respectivamente.

En aquel periodo, no existía una distinción musical clara entre los estilos blues y country, excepto por la raza del intérprete e incluso en determinadas ocasiones este detalle solía estar documentado incorrectamente por las compañías discográficas [22].

Mientras que el blues emergía de la cultura afroamericana, algunos músicos de blues ya eran conocidos a nivel mundial. Algunos estudios sitúan el origen del espiritual 'negro' en la exposición que tuvieron los esclavos al gospel, originario de Hébridas, de sus amos. El economista e historiador afroamericano Thomas Sowell, indica que la población sureña, negra y ex-esclava se disgregó entre sus vecinos "redneck" escoceses/irlandeses. Sin embargo, los descubrimientos de Kubik y otros estudiosos muestran claramente la esencia africana de muchos aspectos vitales en la expresión del blues.

Los motivos sociales y económicos del inicio del blues no se conocen en su totalidad [23] . La primera aparición del blues no está bien definida y suele datarse entre 1870 y 1900, en un periodo que coincide con la emancipación de los esclavos y la transición de la esclavitud hacia la agricultura a pequeña escala en el sur de los Estados Unidos.

Algunos investigadores asocian el desarrollo del blues en los primeros años del Siglo XX como un movimiento desde un grupo de interpretaciones hacia un estilo más individualizado, argumentando que el desarrollo del blues está asociado con la nueva condición de libertad de los esclavos. Según Lawrence Levine [24] "había una relación directa entre el énfasis ideológico nacional sobre el individuo, la popularidad de las enseñanzas de Booker T. Washington y el auge del blues". Levine indica que "psicológicamente, socialmente y económicamente, los negros fueron disgregados culturalmente de tal manera que hubiera sido imposible durante la esclavitud, y es sorprendentemente complicado que su música secular reflejara este hecho al igual que hizo su música religiosa".

Blues de pre-guerra

La industria americana de publicación de partituras produjo una gran cantidad de música ragtime. Hacia 1912, esta industria publicó tres composiciones asociadas al blues, precipitando la adopción de elementos de blues por parte del Tin Pan Alley: "Baby Seals' Blues" de "Baby" F. Seals (con arreglos de Artie Matthews), "Dallas Blues" de Hart Wand y "Memphis Blues" de W. C. Handy [25] .

Handy fue un músico, compositor y arreglista bien formado que ayudó a popularizar el blues transcribiendo y orquestándolo en casi cualquier estilo sinfónico, con grupos y cantantes. Se convirtió en un compositor famoso y prolífico, denominándose él mismo como "El padre del blues"; sin embargo, sus composiciones pueden definirse como una mezcla de ragtime con jazz (mezcla facilitada por el uso del ritmo latino Habanera, el cual estaba presente desde hace tiempo en el ragtime) [26] [27] . Uno de principales temas de Handy fue "St. Louis Blues".

En la década de 1920, el blues se convirtió en un elemento principal de la cultura afroamericana y de la música popular americana, llegando incluso a la audiencia blanca a través de los arreglos de Handy y las interpretaciones de cantantes femeninas clásicas de blues. El blues evolucionó de interpretaciones informales en bares a una forma de entretenimiento en teatros. Los espectáculos de blues estaban organizados por la 'Theater Owners Bookers Association' en clubes como el Cotton Club y en "juke joints" como los que se podían encontrar en la calle Beale de Memphis; debido a ésta evolución, se marcó el camino hacia una importante diversificación de estilos y a una distinción aún más clara entre el blues y el jazz. Fue en este periodo en el cual compañías discográficas, como la American Record Corporation, 'Okeh Records' y 'Paramount Records', comenzaron a grabar música afroamericana.

Mientras la industria discográfica crecía, intérpretes de country blues como Charlie Patton, Leadbelly, Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson, Son House o Blind Blake adquirieron notoriedad en las comunidades afroamericanas. Jefferson fue uno de los pocos intérpretes de country blues que llegó a grabar prolíficamente y puede que fuera el primero en grabar con la técnica de slide guitar, técnica que se convertiría en un elemento importante del Delta blues [28] . En la década de 1920, las primeras grabaciones de blues se englobaron en dos categorías: un blues tradicional y rural (country blues) y un blues más 'pulido' y urbano.

Los intérpretes de country blues solían improvisar, unas veces sin acompañamiento y otras haciendo uso de un bajo o una guitarra. En los primeros años del Siglo XX existía una gran variedad de estilos regionales en el country blues; el 'Mississippi Delta Blues' era un estilo de profundas raíces con voces apasionadas acompañadas de slide guitar. Robert Johnson, [29] el cual grabó muy pocas canciones, combinó elementos tanto del blues urbano como del rural. Junto a Robert Johnson, intérpretes influyentes de este estilo fueron sus predecesores Charlie Patton y Son House. Cantantes como Blind Willie McTell y Blind Boy Fuller interpretaron la "delicada y lírica" tradición sureña del Piedmont blues, estilo que utilizaba una técnica muy elaborada de tocar la guitarra sin púa. Georgia también tuvo una tradición temprana hacia los slides [30] .

El Memphis blues, el cual se desarrolló durante la década de 1920 y 1930 alrededor de Memphis, Tennessee, estuvo influenciado por bandas como 'Memphis Jug Band' o Gus Cannon's Jug Stompers. Intérpretes como Frank Stokes, Sleepy John Estes, Robert Wilkins, Joe McCoy o Memphis Minnie (famosa esta última por su virtuosismo a la hora de tocar la guitarra) utilizaron una gran variedad de instrumentos atípicos como el mirlitón, el violín o la mandolina. El pianista Memphis Slim inició su carrera en Memphis, pero su estilo tranquilo y distintivo era mucho más suave y ya contenía algunos elementos del swing. Gran parte de los músicos blues que vivían en Memphis se trasladaron a Chicago en los últimos años de la década de 1930 y en los inicios de la década de 1940, formando parte del movimiento de blues urbano que uniría la música country con el blues eléctrico.
Bessie Smith fue una cantante famosa en los inicios del blues.
Bessie Smith fue una cantante famosa en los inicios del blues.

Los estilos urbanos del blues estaban más codificados y elaborados [31] . El blues clásico femenino y las cantantes blues de vaudeville, fueron famosas en la década de 1920, destacando intérpretes como Mamie Smith, Gertrude "Ma" Rainey, Bessie Smith y Victoria Spivey. Mamie Smith, la cual era más una intérprete de vaudeville que una artista del blues, fue la primera afroamericana en grabar un blues en 1920; su "Crazy Blues" vendió 75.000 copias en el primer mes [32] .

Ma Rainey, denominada la "Madre del blues", y Bessie Smith cantaban "... cada canción alrededor de tonos centrales, quizás para proyectar sus voces más fácilmente hacia el fondo de la habitación." Smith hubiera "... cantado una canción en una afinación inusual, y su calidad como artista hubiera mezclado y estirado las notas gracias a su bello y poderoso 'contralto' para acomodarse a la interpretación de una forma inigualable" [33] . Entre los intérpretes masculinos de blues urbano se incluían músicos negros populares del momento como Tampa Red (denominado ocasionalmente como el "Mago de la Guitarra"), Big Bill Broonzy y Leroy Carr, tomando este último la decisión inusual de acompañarse a si mismo con un piano. [34]
Una típica línea de bajo boogie-woogie
Una típica línea de bajo boogie-woogie

El boogie-woogie fue otro de los estilos importantes de blues urbano en la década de 1930 y los primeros años de la década de 1940. Mientras que el estilo suele asociarse con un único piano, el boogie-woogie solía interpretarse con cantantes como acompañamiento en algunas bandas de música. Este estilo estaba caracterizado por una figura en forma de bajo, un ostinato o riff y un cambio de nivel en la mano izquierda, elaborando cada acorde y creando ornamentos con la mano derecha. El boogie-woogie fue desarrollado principalmente por el músico de Chicago Jimmy Yancey y por el trío de boogie-Woogie (Albert Ammons, Pete Johnson y Meade Lux Lewis). Los intérpretes de este estilo en Chicago incluían a Clarence "Pine Top" Smith y Earl Hines, el cual "enlazó los ritmos de la mano izquierda de los pianistas del ragtime con las figuras melódicas similares a las que interpretaba Louis Armstrong con la mano derecha" [35] .

En la década de 1940 comenzó a desarrollarse el estilo jump blues, el cual estuvo influenciado por la música big band, utilizando el saxofón u otros instrumentos de viento, además de la guitarra, en las secciones rítmicas para crear un sonido 'jazzero' y desacompasado con voces claramente marcadas. Las melodías jump blues de Louis Jordan y Big Joe Turner, de Kansas City, influenciaron el desarrollo de posteriores estilos como el rock and roll y el rhythm and blues [36] . Tanto el estilo suave de Louisiana de Professor Longhair como el más reciente de Dr. John, mezclaron el ritmo clásico con los estilos del blues.

Blues inicial de post-guerra

Tras la Segunda Guerra Mundial, y en la década de 1950, los afroamericanos se trasladaron a las ciudades del norte de Estados Unidos y nuevos estilos musicales (como el blues eléctrico), se hicieron populares en ciudades como Chicago, Detroit y Kansas City. El blues eléctrico utilizaba guitarras amplificadas eléctricamente, bajos eléctricos, baterías y armónicas. Chicago se convirtió en el centro de este estilo en los primeros años de la década de 1950.

El Chicago blues está influenciado, en gran parte, por el estilo del Delta Blues, debido a la migración de intérpretes desde el estado de Misisipi. Howlin' Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon y Jimmy Reed nacieron en Misisipi y se trasladaron a Chicago durante la 'Gran Migración afroamericana'. Su estilo estaba caracterizado por el uso de la guitarra eléctrica, la slide guitar, la armónica y una sección rítmica de bajo y batería. J. T. Brown, el cual tocó en las bandas de Elmore James o J. B. Lenoir, también utilizó saxofones, pero de forma 'secundaria' en vez de utilizarlos como instrumentos principales.

Little Walter y Sonny Boy Williamson II, famosos armonicistas (denominados 'harp' en el argot de los músicos de blues), pertenecen a la etapa inicial del Chicago blues. Otros armonicistas como Big Walter Horton también desempeñaron un papel importante en aquella etapa. Muddy Waters y Elmore James eran conocidos por su uso innovador de la slide guitar eléctrica. B. B. King y Freddie King, no utilizaban la slide guitar pero fueron guitarristas influyentes en el estilo del Chicago blues. Howlin' Wolf y Muddy Waters también eran conocidos por sus voces profundas y graves.

El bajista y compositor Willie Dixon desempeñó un papel importante en la escena del Chicago blues; compuso y escribió muchos temas de blues estándar de aquel periodo, como "Hoochie Coochie Man", "I Just Want to Make Love to You" (ambos compuestos para Muddy Waters), "Wang Dang Doodle" compuesto para Koko Taylor y "Back Door Man" compuesto para Howlin' Wolf. La mayoría de los artistas del Chicago blues grabaron sus discos para el sello discográfico de Chicago Chess Records.

En la década de 1950, el blues tenía una gran influencia en la música popular americana de masas. Mientras que músicos populares como Bo Diddley y Chuck Berry estuvieron influenciados por el Chicago blues, su estilo entusiasta a la hora de tocar se diferenciaba claramente de los aspectos melancólicos del blues. Precisamente, la forma de tocar de Diddley y Berry fue uno de los factores de influencia en la transición del blues al rock and roll. Elvis Presley y Bill Haley estuvieron más influenciados por el jump blues y el boogie-woogie, popularizando ambos el rock and roll dentro del segmento de población blanca de aquellos tiempos. El Chicago blues también influenció la música 'zydeco' de Louisiana, en la cual Clifton Chenier utilizaba acentuaciones blues. Los músicos del estilo 'zydeco' utilizaban guitarras eléctricas y arreglos 'cajún' basados en los estándares blues.

Otros artistas de blues, como T-Bone Walker y John Lee Hooker, no estuvieron influenciados directamente por el estilo de Chicago. Nacido en Dallas, T-Bone Walker suele asociarse con el West Coast blues, el cual es más suave que el Chicago blues y ofrece una transición entre el Chicago blues, el jump blues y el swing, con cierta influencia en las guitarras del jazz. El blues de John Lee Hooker es más 'personal', basado en su voz profunda y en el único acompañamiento de una guitarra eléctrica; a pesar de no estar influenciado directamente por el boogie-woogie, su estilo suele denominarse "guitar boogie". Su primer éxito "Boogie Chillen" alcanzó el número 1 en las listas de R&B en 1949.[37]

Hacia finales de la década de 1950, el swamp blues se desarrolló cerca de Baton Rouge, con intérpretes como Slim Harpo, Sam Myers y Jerry McCain. Este estilo tenía un ritmo más lento y utilizaba la armónica de forma más simplificada que las interpretaciones realizadas por artistas del Chicago blues tales como Little Walter o Muddy Waters. Algunas canciones de este género son "Scratch my Back", "She's Tough" y "King Bee".

Blues en las décadas de 1960 y 1970

Al principio de la década de 1960, los géneros musicales influenciados por la música afroamericana, como el rock and roll y el soul, ya formaban parte de la música popular americana. Los intérpretes caucásicos habían llevado la música afroamericana a nuevas audiencias, tanto en los Estados Unidos como al resto del mundo. En Inglaterra, las bandas de músicos emulaban a las leyendas del blues americanas, desempeñando el blues inglés un papel importante a lo largo de la década de la
Una leyenda del Blues, B.B. King, con su guitarra, "Lucille"
Una leyenda del Blues, B.B. King, con su guitarra, "Lucille"

Intérpretes de blues, como John Lee Hooker y Muddy Waters, siguieron tocando para sus admiradores entusiastas, inspirando a nuevos artistas en el campo del blues tradicional, como el músico nacido en Nueva York Taj Mahal. John Lee Hooker mezcló su estilo de blues con elementos del rock y empezó a tocar con jóvenes músicos blancos, creando un estilo musical que puede escucharse en el disco de 1971 "Endless Boogie". La técnica virtuosa de B.B. King le valió el apodo de 'Rey del Blues'. A diferencia del estilo de Chicago, la banda de King utilizaba soporte de viento (en forma de saxofón, trompeta y trombón), en vez de utilizar únicamente la slide guitar y la armónica. El cantante de Tennessee, Bobby "Blue" Bland, al igual que B.B. King, también mezcló los géneros musicales del blues y del rythm and blues.

La música de los movimientos por 'los derechos civiles' y por 'la libertad de expresión' en los Estados Unidos, pedían el resurgir del interés por las raíces de la música americana y por los inicios de la música afroamericana. Festivales de música, como el 'Newport Folk Festival', llevaron el blues tradicional a nuevas audiencias, e hicieron que resurgiera el interés por el blues acústico de pre-guerra y por las grabaciones de intérpretes como Son House, Mississippi John Hurt, Skip James y Reverend Gary Davis; muchas de estas grabaciones fueron reeditadas, entre otras, por la compañía discográfica Yazoo Records. J.B. Lenoir, perteneciente al movimiento del Chicago blues de la década de 1950, grabó varios vinilos utilizando guitarras acústicas contando con el acompañamiento ocasional de Willie Dixon al bajo acústico o a la batería; sus canciones hablaban de problemas políticos como el racismo o la Guerra de Vietnam, lo cual no era muy usual por aquella época. La grabación de su tema "Alabama blues" dice lo siguiente:

I never will go back to Alabama, that is not the place for me (2x)
You know they killed my sister and my brother,
and the whole world let them peoples go down there free
Original en inglés

Nunca volveré a Alabama, ese no es el lugar para mi (2x)
Sabes que mataron a mi hermana y a mi hermano,
y el mundo entero los dejo ir libres
Traducción al español

El interés de las audiencias caucásicas por el blues durante la década de 1960 se incrementó debido al movimiento liderado por el grupo 'Paul Butterfield Blues Band' y por el blues británico. Este estilo se desarrolló en Inglaterra, promovido principalmente por Alexis Korner, donde grupos como Fleetwood Mac, John Mayall & the Bluesbreakers, The Rolling Stones, The Yardbirds y Cream interpretaron canciones clásicas de blues de los estilos Delta blues y Chicago blues.

Los músicos británicos de blues de los primeros años de la década de 1960 inspiraron, a su vez, a un número de intérpretes americanos de 'blues-rock', incluyendo a Canned Heat, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band y Ry Cooder. Gran parte de los primeros éxitos del grupo británico Led Zeppelin fueron tributos a canciones tradicionales de blues. Un intérprete de 'blues-rock', Jimi Hendrix, fue una rareza en su campo por aquellos tiempos: un negro que tocaba 'rock psicodélico'; Hendrix fue un guitarrista virtuoso y un pionero en el uso de la distorsión y el 'feedback' en su música [38] . A través de éstos y de otros artistas, la música blues influenció el desarrollo de la música rock.

En los últimos años de la década de 1960, el West Coast blues emergió en Chicago con Magic Sam, Magic Slim y Otis Rush; su principal característica fue el basarse en un soporte rítmico otorgado por una guitarra rítmica, un bajo eléctrico y batería. Albert King, Buddy Guy y Luther Allison fueron componentes de este estilo, el cual estaba dominado por una guitarra eléctrica principal amplificada.

Blues desde la década de 1980 hasta hoy

Desde la década de 1980 se ha experimentado un resurgir en el interés del blues por parte de cierto sector de la población afroamericana, principalmente en la zona de Jackson y en otras regiones del 'sur profundo'. El soul blues, denominado comúnmente soul sureño, tuvo un éxito inesperado gracias a dos grabaciones del sello discográfico Malaco asentado en Jackson: el tema de Z. Z. Hill "Down Home Blues" (1982) y el tema de Little Milton "The Blues is Alright" (1984). Intérpretes afroamericanos contemporáneos que trabajaron por este resurgir incluyen a Bobby Rush, Denise LaSalle, Sir Charles Jones, Bettye LaVette, Marvin Sease, Peggy Scott-Adams, Billy "Soul" Bonds, T.K. Soul, Mel Waiters y Willie Clayton. La 'red de cadenas de radio de blues americana', fundada por Rip Daniels (un ciudadano negro de Misisipi), emitió soul blues en sus emisiones y contó con la presencia de personalidades de la radio como Duane "DDT" Tanner y Nikki deMarks.

Desde 1980, el blues ha continuado tanto en su forma tradicional como dando paso a nuevos estilos. El Texas blues nació con la utilización de guitarras tanto para roles rítmicos como en solitario. A diferencia del West Coast blues, el estilo tejano está influenciado principalmente por el movimiento rock-blues británico. Artistas de renombre del Texas blues son Stevie Ray Vaughan, The Fabulous Thunderbirds y ZZ Top. La década de 1980 también vio el renacer de la popularidad de John Lee Hooker, realizando colaboraciones con Carlos Santana, Miles Davis, Robert Cray y Bonnie Raitt. Eric Clapton, famoso por sus actuaciones con los Blues Breakers y Cream, regresó en la década de 1990 con su disco MTV Unplugged, en el cual interpretó varios temas blues con una guitarra acústica.

En las décadas de 1980 y 1990, comenzaron a distribuirse publicaciones de blues como Living Blues y Blues Revue, formándose asociaciones de blues en las principales ciudades, festivales de blues al aire libre y [39] aumentando el número de clubes nocturnos y edificios asociados al blues. [40]

En la década de 1990, los intérpretes de blues exploraron un amplio rango de géneros musicales, como puede verse en las nominaciones para los premios anuales 'Blues Music Awards', denominados con anterioridad 'W. C. Handy Awards' [41] , o en las nominaciones para los premios Grammy en las categorías de "Mejor disco de blues contemporáneo" y "Mejor disco de blues tradicional". La música blues contemporánea está representada por varios sellos discográficos como Alligator Records, 'Blind Pig Records', MCA, Delmark Records, 'Delta Groove Music', NorthernBlues Music y Vanguard Records, siendo algunos de los más famosos por haber redescubierto y remasterizado rarezas del blues Arhoolie Records, Smithsonian Folkways Recordings, Yazoo Records y 'Document Records' [42] .

Hoy en día, los jóvenes artistas de blues están explorando todos los aspectos de este género musical, desde el clásico Delta blues hasta el blues más orientado al rock; artistas que nacieron a partir de la década de 1970 como Shemekia Copeland, Johnny Lang, Corey Harris, John Mayer, Susan Tedeschi y North Mississippi Allstars han desarrollado sus propios estilos [43] .

Repercusión musical

Los estilos musicales del blues, sus estructuras, melodías y la escala blues han influenciado a muchos otros estilos musicales como el rock and roll, jazz y la música pop. Artistas renombrados del jazz, folk o rock and roll como Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis, Bob Dylan y The White Stripes tienen en su haber varias grabaciones importantes de blues. La escala blues suele utilizarse en canciones populares como la del músico Harold Arlen "Blues in the Night", baladas blues como "Since I Fell for You" y "Please Send Me Someone to Love" e incluso en trabajos de orquesta como las obras de George Gershwin "Rhapsody in Blue" y "Concerto in F".

La escala blues está presente en gran parte de la música popular moderna, especialmente la progresión de 'terceras' utilizada en la música rock (por ejemplo en el tema "A Hard Day's Night" de The Beatles). Las estructuras blues se utilizan en cabeceras de series de televisión como el éxito "Turn Me Loose" del teen idol Fabian en la serie Batman, en temas country como los interpretados por Jimmie Rodgers e incluso en temas famosos de guitarristas o vocalistas como el de Tracy Chapman "Give Me One Reason".

El blues puede bailarse como un tipo de swing, sin patrones fijos de movimiento y centrándose en la sensualidad, el contacto corporal y la improvisación. La mayoría de los movimientos de baile del blues están inspirados en la música blues tradicional. A pesar de que el baile de blues suele realizarse con temas blues, éste puede realizarse con cualquier música que tenga un ritmo lento de 4/4.

El origen del rhythm and blues puede seguirse hasta los espirituales y el blues. Musicalmente, los espirituales fueron descendientes de la tradición coral de Nueva Inglaterra, en particular de los himnos de Isaac Watts y la mezcla de ritmos africanos junto con patrones musicales de llamada y respuesta. Los espirituales, o cánticos religiosos, de las comunidades afroamericanas, están más y mejor documentados que los blues "low-down" (o blues 'depresivos'). El canto espiritual se desarrolló debido a que las comunidades afroamericanas podían llegar así a reunir a más personas en sus reuniones, las cuales eran denominadas encuentros en el campo.

Los primeros bluesmen country, además de estar influenciados por el canto espiritual, intepretaron música country y blues urbano; algunos de estos músicos inclúyen a Skip James, Charlie Patton y Georgia Tom Dorsey. Dorsey ayudó a popularizar la música gospel, estilo que se desarrolló en la década de 1930 gracias al grupo 'Golden Gate Quartet'. En la década de 1950, la música soul (con artistas como Sam Cooke, Ray Charles y James Brown) ya utilizaba elementos del gospel y del blues. En las década de 1960 y 1970, el gospel y el blues se fusionaron en la música soul blues. El estilo funk de la década de 1970 tuvo grandes influencias del soul; así mismo, el funk puede considerarse como el antecesor del hip hop y del rythm and blues contemporáneo.
Duke Ellington, a pesar de ser un artista de jazz, utilizó las estructuras blues de forma extensiva.
Duke Ellington, a pesar de ser un artista de jazz, utilizó las estructuras blues de forma extensiva.

Antes de la Segunda Guerra Mundial, las fronteras entre el jazz y el blues no estaban claras. Generalmente, el jazz utilizaba estructuras armónicas distintas a la estructura de doce compases asociada al blues, sin embargo, el estilo jump blues de la década de 1940 juntó ambos estilos. Tras la Segunda Guerra Mundial, el blues tuvo una gran influencia en el jazz: clásicos del bebop, como el tema de Charlie Parker "Now's the Time", utilizaron las estructuras blues con la escala pentatónica y las notas blues.

El bebop marcó un gran cambio en el papel del jazz, convirtiéndolo de un estilo musical popular para bailar a un estilo de "alto grado", "menos accesible y cerebral música para los músicos". La audiencia para ambos estilos, jazz y blues, se dividió y la distinción entre ambos estilos quedo claramente definida. Los artistas que se mueven entre la frontera del jazz y el blues se engloban dentro del subgénero denominado jazz blues.

La estructura de doce compases y la escala blues fueron una gran influencia para el rock and roll. Un claro ejemplo de ello es el tema de Elvis Presley "Hound Dog" (un tema blues transformado en una canción rock and roll), el cual mantiene una estructura de doce compases (tanto en armonía como en letra) y una melodía centrada en la 'tercera' de la tónica (además de en la 'séptima' de la subdominante).

Muchos de los primeros temas de rock and roll están basados en el blues: "Johnny B. Goode", "Blue Suede Shoes", "Whole Lotta' Shakin' Going On", "Tutti-Frutti", "Shake, Rattle, and Roll", "What'd I Say" y "Long Tall Sally"; así mismo, gran parte de estos temas retuvieron la temática sexual y los innuendos de la música blues e incluso el argumento de la canción "Hound Dog" contiene referencias sexuales escondidas entre la letra y dobles sentidos en algunas de sus palabras. Algunos ejemplos de esta temática son:

Got a gal named Sue, knows just what to do
("Tutti Frutti" de Little Richard). Original en inglés

Tengo una chica llamada Sue, simplemente sabe lo que hay que hacer
Traducción al español

See the girl with the red dress on, she knows how to do it all night long
("What I'd say" de Ray Charles). Original en inglés

Mira la chica con el vestido rojo, sabe como hacerlo durante toda la noche
Traducción al español

Posteriormente, un rock 'blanco' más maduro, tomó prestada la estructura y los armónicos del blues, a pesar de haber menos creatividad armónica y franqueza sexual (por ejemplo el tema de Bill Haley "Rock Around the Clock"). Gran parte de los músicos blancos que tocaron temas de artistas negros cambiaban ciertas palabras de las letras: un ejemplo corresponde al cambio que introdujo Pat Boone, en su interpretación del tema "Tutti Frutti", modificando la letra original ("Tutti frutti, loose booty . . . a wop bop a lu bop, a good Goddamn") por una versión más moderada.

Repercusión social

Al igual que el jazz, el rock and roll, el heavy metal y el hip hop, el blues ha sido acusado de ser la "música del Diablo" y de incitar a la violencia y a todo tipo de comportamientos delictivos [44] . Durante la década de 1920 (periodo en el cual la audiencia blanca comenzó a interesarse por la música blues) este estilo gozaba de mala reputación [45] , siendo W.C. Handy el primer músico en mejorar la imagen del blues ante el resto de los estadounidenses que no eran negros.

Hoy en día, el blues es uno de los principales componentes de la cultura afroamericana y de la herencia cultural americana en general, reflejándose dicha importancia no sólo en estudios universitarios [46] sino también en películas como Sounder [47] , The Blues Brothers [48] , Crossroads [49] y O Brother, Where Art Thou? [50] (película en la que aparece caracterizado, con ciertas licencias, el guitarrista de blues Robert Johnson). Las películas de The Blues Brothers, en las cuales se entremezclan varios estilos musicales relacionados con el blues como el rhythm & blues o el zydeco, han tenido un gran impacto en la imagen de la música blues (a pesar de que la música de la película más famosa, la primera, es rhythm and blues principalmente); así mismo, dichas películas promocionaron la canción de blues tradicional "Sweet Home Chicago", valiéndose de la versión más conocida atribuida a Robert Johnson, al estatus de himno no oficial de la ciudad de Chicago.

En el año 2003, Martin Scorsese realizó un esfuerzo importante para promocionar el blues, solicitando a directores de cine famosos, como Clint Eastwood y Wim Wenders, que participaran en una serie de películas denominadas The Blues [51] . Scorsese también participó en un tributo a los artistas más importantes del blues a través de la edición de varios discos compactos de música.