Indio Solari

El Indio Solari es un personaje que se fue construyendo a través del tiempo con el ascenso irresistible de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Más allá de ser el cantante y el "jugador dominante" del proyecto grupal, los seguidores de Patricio Rey depositaron en su figura toda clase de proyecciones personales. Al no jugar el juego de la prensa y la exposición pública, prefiriendo el mayor anonimato posible, el Indio Solari se fue convirtiendo en lo que la gente necesitara que fuese.

En el 2001, con el estallido económico y social de la Argentina, la sociedad entre el Indio Solari y Skay, sustento de Los Redonditos de Ricota, dejó de existir por diferencias entre ambos. Pero fue recién en 2004 donde el Indio volvió a asomar su pelada, tirando pistas de que estaba trabajando en un proyecto solista.

El tesoro de los inocentes (bingo fuel) se editó a finales de 2004, y el Indio dio una serie de entrevistas, rompiendo su habitual silencio público.

Juan Luis Guerra

Juan Luis Guerra Seijas nació en Santo Domingo, República Dominicana, el 7 de junio de 1957, es hijo del basquetbolista Gilberto Guerra y de Olga Seijas (ambos fallecidos). En sus años infantiles, Guerra solía animar las veladas escolares como cantante, con canciones sentimentales. Al concluir el bachillerato, cursa durante un año Filosofía y Literatura en la Universidad Autónoma de Santo Domingo, luego decide que la música es su vocación y se cambia al Conservatorio Nacional de Música donde terminó sus estudios. Guerra era un gran admirador en ese momento de Los Beatles. 'Casa de Teatro', el punto de expresión artístico de la juventud capitaleña de ese entonces, se convirtió en el primer espacio donde Juan Luis Guerra se presentó como cantautor.

Al concluir sus estudios en el Conservatorio de Santo Domingo, Guerra decide estudiar composición y arreglos en el Berklee College of Music en Boston, Estados Unidos. A este viaje se iba con muchas expectativas y una carta que, a petición de una amiga, debía entregar a la estudiante de diseño Nora Vega, quien se convirtió después en su esposa e inspiradora de sus temas. La pareja tiene 2 hijos, Jean Gabriel Guerra y Paulina Guerra.

Después de volver a su país, trabaja haciendo música para pautas publicitarias destinadas a la TV dominicana (jingles). Durante esta labor, entra en contacto con la cantante Maridalia Hernández, Mariela Mercado y Roger Zayas-Bazán quienes le acompañaban regularmente en las grabaciones. Así forma su grupo Grupo 440 y graba su primer álbum, Soplando (1984). Este album según el propio Juan Luis "es una fusión de merengue tradicional con jazz unido a una vocalización al estilo (del grupo vocal estadounidense) Manhattan Transfer. "Era algo muy suave, no bailable". Aunque este disco LP tuvo muy escasas ventas por no apelar a las masas, Warner Music lo relanzó en 1991 bajo el título "El Original 4.40". Hoy en día es considerado un album de colección.

En 1985, tras una actuación, el empresario discográfico dominicano Bienvenido Rodríguez hace firmar a Juan Luis Guerra su primer contrato para su disquera Karen Records. Esta situación también representa un giro radical en su estilo musical, orientándose al merengue en su versión comercial y dándose a conocer la agrupación como Juan Luis Guerra y 4.40. En esta nueva etapa graba los álbumes, Mudanza y Acarreo (1985) y Mientras mas lo Pienso...Tu (1987). Como consecuencia de su labor, Guerra y sus acompañantes comienzan a obtener reconocimientos. En 1988, se estrena como compositor para otros artistas como su compatriota Tati Salas para quien compuso el tema De tu boca con el cual participó en el ya desparecido Festival de la OTI quedando entre los 3 primeros lugares. También destacan las composiciones realizadas para los artistas mexicanos Emmanuel (No he podido verte, grabada en 1990) y Luis Miguel (Hasta que me olvides de 1993 y Te necesito de 2003).

En 1989 durante la grabación de su álbum Ojalá Que Llueva Café, los constantes cambios en los vocalistas de la agrupación lo llevan a convertirse en la principal figura de su grupo. Este álbum representa el inicio de la consagración internacional de Guerra, pues obtuvo ventas tales que se colocó en el primer puesto en muchos países de América Latina, siendo los temás más promocionados la canción que da título al disco, Visa para un sueño y la canción venezolana Woman del Callao dada a conocer previamente por el grupo Un Solo Pueblo.

En 1990, en medio de muchas expectativas, Guerra presentó su siguiente álbum, Bachata Rosa (su primer álbum editado en CD) y el más exitoso de su carrera desde el punto de vista comercial vendiendo hasta ese entonces unas 5 millones de copias y valiéndole alcanzar en ese momento la cumbre de su popularidad. Su éxito le hizo llenar estadios y coliseos a capacidad en diferentes escenarios de Latinoamérica y Europa. Gracias a este disco, Juan Luis Guerra obtiene su primer premio Grammy, lo cual le vale ser uno de los presentadores de la emisión de ese año, junto a la cantante canadiense Celine Dion. En este álbum, Guerra da a conocer el ritmo popular de la Bachata hasta entonces, limitado al territorio dominicano. La mayoría de las canciones de ese disco son hoy clásicos de la música latina. "Burbujas de Amor", "Estrellitas y Duendes" y "La bilirrubina" entre otros, le dieron la vuelta al mundo.

En 1991 en convenio con la disquera transnacional Polygram Records (hoy llamada Universal Music) incursiona brevemente en el mercado brasileño con el álbum Romance Rosa que contiene 4 temas de su CD anterior versionados al idioma portugués por el letrista brasileño Aloysio Reis y temas en español de su discos anteriores con Karen Records. Al mismo tiempo, vuelve a componer para otro artista: el mexicano Emmanuel para quien escribe el tema No he podido verte y orquesta la canción tradicional domincana Jarro Pichao. Ambas aparecieron en su álbum Vida (1991).

Guerra llego a ser una figura controvertida en la República Dominicana después de sacar el siguiente álbum, Areito (1992). A propósito del V Centenario del descubrimiento de américa. Con el tema "El costo de la vida" se manifiesta sobre las pobres condiciones de vida de muchos en América Latina, y algunos de sus compatriotas sintieron que él no era la persona mas apropiada para opinar, alegando que Guerra nunca padeció la pobreza. En dicho álbum, Guerra, además de temas en cierto modo, contestarios, como Si de aquí saliera petróleo (con la participación del panameño Rubén Blades) experimenta con músicos de la Orquesta Filarmónica de Nueva York para producir el sentimental tema "Cuando te beso" en dos versiones, además de ser respaldado por la agrupación American Boy Choir (Niños Cantores Estadounidenses) en el tema "Naboria Daca Mayanimacaná", único escrito en el lenguaje de la desaparecida etnia Taína. Algunos opinan que a partir de allí, comenzó la nostalgización de la música de Guerra ya que los temas alegres que antes le caracterizaban, no estaban presentes en su nuevos discos con la frecuencia de antes. Pero esto no impidió que Guerra continuara su agitada rutina de conciertos. Apoyado en las ventas de unas 2 millones de copias, la gira "Areito" en 1993 mantuvo su popularidad en Latinoamérica y lo consolidó en Europa realizando un inmensa gira por toda España y presentánose en plazas como Portugal y Holanda donde llenó a capacidad el popular Ahoy. En ese momento, se notaba que la música lo era todo para Guerra quizás por encima de su propia familia. Guerra mencionó más tarde que para ese entonces solía tomar pastillas para dormir y tenía un vacio de paz que no lo llenaban todos los lauros que había recibido. Las continuas giras, menciona él, a veces no le daban tiempo para saber en que pais estaba.

Antes de la salida de Areito, el músico dominicano Manuel Tejada se propuso hacerle un homenaje a Juan Luis Guerra recopilando 15 de sus conocidos éxitos en ese tiempo, y grabándolos con integrantes de la Orquesta Filármónica de Santo Domingo y coristas y músicos que habían trabajado previamente con Guerra. Este álbum, salíó a la venta en Mayo de 1992 bajo el título de La Música de Juan Luis Guerra.

Su siguiente álbum Fogaraté (1994), tuvo como punta de lanza el tema "La cosquillita" rescatando el merengue rápido folklórico conocido como Perico Ripiao al lado del acordeonista Francisco Ulloa y su conjunto. Además fusionó el merengue con el Soukus de Suráfrica ("Fogaraté, "El beso de la ciguatera"), compartiendo en el album con el mejor guitarrista del El Congo, Diblo Dibala. Este disco presentó el primer tema de Guerra cantado completamente en inglés, la hermosa "July 19th". El album tuvo una respuesta comercial limitada, buena para la mayoría de los artistas pero no estuvo regida por el alto standard establecido por Guerra en sus 3 previos álbumes. Varios factores incidieron en esto, la tendencia innovadora de Guerra, nunca atado a recetas comerciales, la baja promocional de su disquera y el creciente deseo de Juan Luis de tomarse un largo descanso. Durante la corrida del album, Guerra sólo hizo 2 conciertos (Rep. Dominicana y Puerto Rico en 1995). Antes se le vió promocionando en México y participando como invitado en el Festival de San Remo, Italia.

En 1995, Guerra se retira temporalmente de los escenarios trás su concierto de San Juan Puerto Rico en junio de 1995 y emprende una nueva faceta: funda una emisora de radio llamada Viva FM y un canal de televisión, Mango TV, mediante los cuales se proponía difundir los mejores talentos musicales de su país. Coincidiendo con la adhesión de Guerra a la religión protestante, el canal televisivo fue rentado en 2003 a una red protestante estadounidense dándosele un giro religioso a su programación.

Ese año sale a la venta la compilación "Grandes Exitos de Juan Luis Guerra y 4.40" obteniendo gran respuesta en ventas.

Después de 4 años de silencio discográfico y saliendo de lo que muchos pensaban era un retiro definitivo, Guerra presenta el disco Ni es lo Mismo ni es Igual (1998) con el cual obtuvo en el año 2000 tres premios en la primera emisión de Latin Grammy Awards (Premios Grammy Latinos). Con éste album Juan Luis colocó consecutivamente los temas "Mi PC" y "Palomita Blanca" en el lugar #1 del conocido "Hot Latin Tracks" de la revista Billboard. No obstante fue "El Niágara en bicicleta" el tema más popular de ése album.

En los próximos años Guerra se limita a hacer lo que llama mini-giras, esporádicos conciertos en diversos paises reintegrándose gradualmente a los escenarios pero siendo claro en que nunca volverá a someterse al intenso calendario que quizás precipitó su salida del mundo artístico en el pico de su popularidad.

En el 2001, sale a la venta la compilación "Colección Romántica", lo mejor de las baladas y bachatas de Juan Luis incluyendo 4 versiones de sus propios temas, destacándose "Quisiera" (grabada originalmente a ritmo de salsa) versión soft-rock y la balada "Tú" (originalmente en merengue) que estuvo sonando en la radio.

En Agosto de 2004, luego de 6 años de no producir un álbum de estudio, sale a la luz el disco "Para Tí". Este album, dedicado completamente a Dios, es la forma de Juan Luis agradecer todo lo bueno que ha recibido de El, trás su conversión al evangelio (aprox. 1996). Este disco cuyas ventas rondan el millón de copias, recibió varios premios billboard y el Grammy Latino en las categorías "Mejor Album Cristiano" y "Mejor Canción Tropical" por el éxito "Las avispas".

Tras la sálida del disco Guerra organizó su gira de conciertos más extensa desde el Tour Areito en 1993, a esta le llamó "Tour 20 Años" y celebró durante el 2004, 2005 y principios del 2006, los 20 años de creación del grupo visitando: Aruba, Curazao, Puerto Rico, Venezuela, Colombia, Panamá, Ecuador, Estados Unidos, España, Holanda, Dinamarca, Italia, Santo Domingo y Chile en lo que fueron 28 exitosos conciertos.

En el 2005 recibió el Premio "Billboard Espíritu de Esperanza" por la labor filantrópica al frente de la fundación que lleva su nombre.

En febrero del 2006 fué invitado especial y cantó en la apertura del concierto de la legendaria agrupación The Rolling Stones en San Juan, Puerto Rico. También en febrero, Guerra cantó por 3ra vez en su carrera en el Festival de Viña del Mar en Chile donde recibió La Antorcha de Oro, premio de la audiencia por su memorable actuación. En marzo dió los últimos 3 conciertos de ésta gira visitando Bogotá y Cali en Colombia y el Hard Rock Live de Hollywood, Fl. en Estados Unidos. En Abril recibió un homenaje por la sociedad de cantautores BMI donde fué declarado Icono de la Música. Ese mismo mes participó en vivo junto al cantante británico Sting en el tema "fragile" para cerrar el concierto de éste último en Altos de Chavón, Rep. Dominicana. En Mayo, junto a Alejandro Sanz, Carlos Vives y otros artistas se unió a la causa de Juanes en el concierto Colombia sin Minas, efectuado con éxito en la ciudad de Los Angeles.

En la segunda mitad del 2006, Guerra ocupó los primeros lugares de popularidad en la radio con sendos temas a dúo con Diego Torres (Abriendo Caminos) y Maná (Bendita tu luz). Su colaboración con Maná se convirtió en un super éxito ocupando la posición #1 del Hot Latin Tracks de Billboard. Juan Luis participó además en el video del tema y cantó en vivo con el grupo en los premios Grammy Latinos celebrados en Nueva York y en los Premios Principales celebrados en España.

El 2007 ha sido un año fructífero para Juan Luis. En febrero recibió el galardón a la Excelencia en los Premios Lo Nuestro como un reconocimiento de su aporte a la música latina, a la que ha contribuido con grandes innovaciones a través de su lírica y composición. Guerra recibió el premio de manos del grupo Maná.

En marzo lanzó su más reciente producción "La llave de mi corazón" bajo la disquera EMI Televisa. Este nuevo disco, según el propio Guerra, es el más romántico que ha hecho y cuenta, aparte de mambo, con merengues, bachatas, salsas, baladas, y merengue folk. Además incluye 2 canciones en inglés, una de ellas es "Something good", una Bachata-nova (Bachata y Bossa nova) a duo con la vocalista italiana Chiara Chivello y la otra es "Medicine for my soul" versión en inglés de "La llave ..". Con esto, Guerra se propone hacer el 'crossover' hacia el público anglo-parlante.

El disco le ha valido a Juan Luis 6 nominaciones al premio Grammy Latino 2007, siendo líder en ese renglón. El album ha sido certificado oro y platino en varios paises y se han promocionado oficialmente 3 temas, "La llave de mi corazón" que fue #1 en el Hot Latin Tracks 4 semanas consecutivas, la bachata "Que me des tu cariño" que tuvo su pico en el #2 del Hot Latin Tracks y el más reciente, el merengue "la travesía" que está escalando posiciones en la radio. Los 3 temas cuentan con excelentes videoclips que le han servido de apoyo.

Guerra ha dedicado todo este año a promocionar el disco, visitando Estados Unidos, Puerto Rico, Colombia, España, México, Argentina, Chile, Brasil y Venezuela presentando las canciones del disco y haciendo entrevistas para medios escritos, radio y TV.

El último cuatrimestre del año se espera sea uno muy especial para Guerra. Aparte de las nominaciones al Grammy Latino a celebrarse en noviembre de éste año, Juan Luis ha sido seleccionado Persona del Año por la Academia Latina de la Grabación (LARAS) y recibirá un homenaje un dia antes de los Premios. Parte de ese homenaje incluye la interpretación en vivo de sus temas por varios de los más reconocidos artistas latinos.

Celebrando los logros de su artista, la disquera espera lanzar una edición especial del disco el 2 de octubre que incluye material inédito y un DVD de como se grabó el album "La llave de mi corazón". También se espera en noviembre la edición portuguesa del disco que incluye duetos con las cantantes brasileñas Daniela Mercury y Tânia Mara. La gira de conciertos, titulada "La travesía" comenzará el próximo año en Estados Unidos.

Pagina: http://www.juanluisguerra.com.do/

The Donnas

The Donnas Es el nombre de una banda de rock femenina.

Miembros

- Brett Anderson - 30 Mayo 1979 - Voz
- Allison Robertson - 26 Agosto 1979 - Guitarra
- Maya Ford - 8 Enero 1979 - Bajo
- Torry Castellano - 8 Enero 1979 - Batería

Historia

Hasta el lanzamiento en el 2004 de su disco Gold Medal la banda usaba seudónimos. Cada miembro era conocido como Donna seguido por la primera letra de su apellido (ej. Brett era conocida como Donna A). Ellas decidieron mostrar sus nombres artísticos prioritariamente antes de lanzar The Gold Medal para presentar una imagen apropiada para el sonido más maduro que había adoptado el nuevo álbum.

Todas nacieron en 1979. Como mejores amigas, ellas formaron en su octavo año una obra para su colegio llamada "Day on the Green". Eran la única banda femenina en el pueblo de Palo Alto, siendo relativamente desconocidas hasta que terminaron su secundaria. Elaboraban música por sí mismas y practicaban en el garage de Torry todos los días durante la secundaria. A veces han sido descritas como una banda de punk pero ellas niegan alguna afiliación con tal movimiento.

Experimentaron diferentes estilos musicales y también varios nombres para su banda (Screen, Ragady Anne, y The Electrocutes) antes de decidirse por The Donnas. Trabajaron con el productor Darin Raffaelli en sus primeros dos discos.

El primero, simplemente llamado "The Donnas", fue escrito en su totalidad por Raffaelli y lanzado por su propia marca Superteem, (más tarde sería re-lanzado nuevamente en Lookout! Records).

Las chicas se tomaron una semana libre en su año mayor de secundaria para hacer un tour por Japón y experimentar con el "riot grrrl" (movimiento punk rock feminista) mientras se hacían llamar The Electrocutes.

En el 2002, The Donnas lanzaron Spend the Night. El álbum fuen su éxito principal, más que nada por su single "Take it Off"· En el verano del 2003 tocaron en el escenario principal en Lollapalooza y al año siguiente lanzaron su sexto álbum titulado Gold Medal.

Algunas de sus influencias incluyen KISS, L7, Bikini Kill, Shonen Knife, The Muffs, R.E.M., The Ramones, y Bratmobile.

En el Año 2007 para resumir su historia lanzan Bichin un gran disco con buenos temas como "wasted", "Better Off Dancing", "Love You Till It Hurts" y cerrando con broche de oro "When The Show Is Over". Unas mijitas ricas al 100%. Totalmente recomendado para los gustosos de la buena musica

Pagina: http://www.thedonnas.com/

Los Cafres

Formación inicial:

Gonzalo Albornoz: bajo
Guillermo Bonetto: voz
Hugo Lobo: trompeta
Sebastián Paradisi: batería y percusión
Sergio Colombo: saxo tenor
Tomás Pearson: guitarra

El término cafre proviene del adjetivo árabe kafir, en primera instancia infiel y que luego fue variando su significado hacia "brutal en el más alto grado". En éstos términos se identifica esta banda de reggae, que se originó a fines de 1987, en pleno furor de Los Pericos, pero que recién logró trascender hacia 1994, con la edición del primer disco, "Frecuencia cafre".

Roberto "El Robba" Razul y Adrián Canedo, primer bajista y baterista de la banda, respectivamente, se encontraban en la feria del Parque Rivadavia con Guillermo Bonetto. Allí buscaban discos y cassettes de reggae, pero de a poco se fueron juntando para tocar. Ya para el segundo ensayo El Robba trajo al guitarrista Gustavo "Tendón" Pilati y también se sumaron Ariel Müller en teclados, Eduardo "Equard" Pretalis en percusión y los vientos de Los Auténticos Decadentes: Chiflo en saxo y Capanga en trompeta.

El debut tuvo lugar en "Funk", un exótico pub ubicado en Santa Fe y Pueyrredón. Muchos shows debían cancelarse por la superposición de fechas (Bonetto tocaba también con Los Pericos). Por ese entonces, la formación era inestable y participaban Rosana y Leonora Bonetto (hermanas de Guillermo) en los coros. Eran constantes las invitaciones a músicos de otras bandas, como Juanchi Baleiron (Los Pericos) o Sergio Rotman (Los Fabulosos Cadillacs).

Participaron del Primer Festival de Reggae en La Manzana de las Luces, "Jah Pic-Nic", junto a Boombo Klat, Zimbabwe Reggae Band y Todos Al Obelisco. En agosto de 1989, Los Cafres cerraron la primera etapa de la banda, en un recital del popular Centro Parakultural. La falta de lugares para tocar y las pocas perspectivas en las compañías discográficas sellaron el destino. Los integrantes de la banda se radicaron en distintos países (Bonetto e Illobre en Canadá; El Robba y Pilatti en Chile) y no fue hasta 1992 que se volvieron a juntar.

Gonzalo Albornoz reemplazó a El Robba en el bajo y el debut de esta nueva etapa fue en la discoteca The Roxy, en noviembre. Durante 1993 Los Cafres recorrieron los sótanos y pubs de Buenos Aires, pero además compartieron por primera vez el escenario con bandas extranjeras del género. En abril actuaron con Inner Circle en la ciudad de Paraná y en septiembre se presentaron por primera vez en el Estadio Obras, abriendo la edición argentina del Reggae Sunsplash Festival, tocando antes de Pablo Moses, Gregory Isaacs y Juddy Mowatt.

El año 1994 comenzó con la grabación del primer álbum de la banda, "Frecuencia cafre", durante el mes de enero en los estudios Del Cielito, y su mezcla en febrero en los estudios Tuff Gong de Kingston, Jamaica, a cargo de Errol Brown. En marzo actuaron con Jimmy Cliff en el teatro Gran Rex y al mes siguiente junto a Los Fabulosos Cadillacs en Obras, noche en la que se produjo el debut de Tomás Pearson en guitarra, liberando de esa función a Bonetto.

Durante el '95 se presentaron dos veces en Obras: junto a Alpha Blondy & The Solar System en abril y teloneando a Blach Uhuru y Yellowman en agosto. Ese invierno dieron forma a "Instinto", la segunda placa y luego a su versión dub, "Instinto Dub". Estos álbumes impulsaron aún más la popularidad del grupo. Una de las mayores preocupaciones de la banda fue la de no emparentarse con un ritmo superficial y sin conenido. Bonetto relata: «el disco tiene una propuesta más bailable que el anterior, pero no por eso más pasatista. El espíritu de resistencia y lucha contra la opresión se mantiene, pero con un toque argentino» (Télam, 6/12/95).

Durante el año 2000 Los Cafres estuvieron grabando su nuevo disco, "Espejitos": «el nombre Espejitos me gustó porque tiene relación con el tema "Pirata Colón" que forma parte de este disco. Los espejitos representan el síndrome de la traición y están incluso más vigentes que antes», explicaba Guillermo. La formación en ese momento de Los Cafres fue Guillermo Bonetto (voz), Claudio Illobre (teclados), Gonzalo Albornoz (bajo), Tomás Pearson (guitarra), Sergio Colombo (saxo), Sebastián "Sebolla" Paradisi (batería) y Hugo Lobo (trompeta).

"Vivo a lo Cafre" es el primer álbum en vivo de la banda, que tiene el subtítulo "15 años de Reggae Roots". Grabado en Hangar el 19 de octubre del 2002, se trata de una placa doble con 30 temas y más de 2 horas y media de los éxitos de la banda.

"Quién da más" (2004) resultó un trampolín de popularidad. El tema "Si el amor se cae" se escuchó en todas las radios del país y los posicionó como la banda reggae más popular. "Luna Park" es la edición en CD y DVD de un show registrado en ése escenario, en el cual repasa los clásicos de toda su carrera.

El siguiente trabajo discográfico llegó a fines de 2007, con "Barrilete" y "Hombre simple", dos discos independientes pero "artísticamente complementarios".

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Sin Espina

Formacion:

Gastón Martínez: guitarra y voz
Hernán Sarubbi: batería
Sucho Sarubbi: bajo

Sin Espina es un trío que se formó en el año 1997, integrado por Gastón Martínez en guitarra y voz, Hernán Sarubbi en batería y coros y Gastón Sarubbi en bajo y coros.

En 1998 editaron su primer trabajo discográfico, con cinco canciones clásicas de su repertorio. En el 2002 lanzaron "Sin Espina II", de once tracks, editado en forma independiente.

En el 2004 grabaron "Vendehumo" bajo las órdenes de Mariano Sagasta y con la producción artística de Sebastián Pietra y la banda. El material fue presentado oficialmente en septiembre de 2005 en El Marquee.

Pagina: http://www.sinespina.com.ar/

Estela Raval

Nació bajo el signo de Tauro un 19 de Mayo ,en Buenos Aires ,Argentina en el seno de una humilde familia de inmigrantes italianos; nadie podia imaginar entonces que una estrella de la canción estaba naciendo y que la música romántica coronaba ese dia a una de sus mas grandes intérpretes. Palma Nicolina Ravallo ,su verdadero nombre ; vivió su niñez rodeada del amor de sus padres y de sus 8 hermanos ,era la menor de la familia ,fué muy destacada en los estudios,cariñosa y amaba todo lo que fuera música ; sin duda alguna habia nacido para el arte.
Desde los 4 años de edad ya se subia a una mesa para cantar demostrando a todos su precoz talento y apoyada por sus padres y sus hermanos realiza estudios de canto ,baile y declamación.
Se inicia profesionalmente a los 12 años de edad junto a su hermano Manuel Ravallo "Colorado", quien tocaba el bandoneón mientras ella cantaba y bailaba folklore vestida de gaucho.
Empezaba a dar sus primeros pasos en el mundo del arte ,cuando vino una perdida familiar muy grande...la muerte de su padre ... esto imprime un cambio total en la vida de Estela ... " Mi padre era mi mejor admirador ,para el cantaba y bailaba ,el era un aficionado de la música y precisamente fué el quien me puso el nombre de Estela ,porque decia que yo iba a dejar una estela de éxitos en la vida ,no entendia entonces que eso podría llegar a ser una hermosa realidad " lamento mucho que no haya podido ver mis logros ,pero antes de morir me dijo ...tu padre Francisco ,cada vez que actues ,estará siempre viendo y aplaudiendo tus actuaciones, por eso cada vez que salgo a escena evoco su nombre y como soy muy católica siempre rezo una oración antes de salir al escenario" .

Luego de superar esta dura etapa ,Estela juto a su cuñada y concuñada forman el trio "Las Palomitas" que luego fuera cambiado por "Las Alondras" al existir un grupo con el mismo nombre ,este era un conjunto lírico integrado por una rubia ( Estela ) una pelirroja y una morena ,cantaban en castellano y portuguez. Con este trio Estela hizo su primera gira por sudamerica, permaneciendo un año en el Brasil. Al regreso a Buenos Aires de dicha gira ,es cuando conoceria a quien luego seria su esposo ,Ricardo Romero... Lo recuerdo como si fuera hoy ... comenta Estela ... fué un 28 de Diciembre de 1950 "dia de los santos inocentes ", estabamos con una de las chicas del trio paseando y disfrutando de nuestro regreso por las calles de Buenos Aires ,cuando de casualidad entramos a tomar un refresco a la entonces confiteria "Ruca " ,de donde salia música de fiesta ,ahi se solian realizar diferentes eventos,como despedidas de soltero y cosas por el estilo ,alli se encontraba trabajando Ricardo,quien era trompetista de la orquesta de Jazz "Los Colegiales ", yo era amiga del baterista y este me presentó a Romero, nos hicimos buenos amigos y luego de algunas saliditas llegamos a ser novios .... Ricardo Romero era un excelente músico y trompetista ,por lo que fué solicitado para integrar el conjunto que secundaria las actuaciones de la estrella cubana "Maria Antonieta Pons" . Mientras tanto en 1953 ,Estela se integra como Lady Crooner a la orquesta del reconocido maestro Raúl Fortunato con quien grabó el tema " Solito contigo ".

Estela y Ricardo sostuvieron un romance de 4 años como novios para finalmente contraer matrimonio el dia 5 de Enero de 1954 ,fué una boda muy sencilla, que concluyó con una luna de miel en Mar del Plata. Por aquel entonces lejos estaban de imaginar que el destino de ambos ,estaria ligado para siempre en lo afectivo y lo profesional. Ricardo dejó la orquesta de los Colegiales ,para integrarse como trompetista junto con Estela a la orquesta de Raúl Fortunato.Por ese año Estela también grabó otros temas como " Canario triste " junto a Bob Sullivan y "Que se yo " con Ricardo Romero ,quien también grabó el tema "Me lo dijo Adela" . Entre otros temas de esta época de Estela destacaron "Ave Maria no Morro","Estambul" "Tristeza del Herrero ", "El trencito ", "Canario Rojo (con la orquesta de Luis Gouvea y sus Kings Serenaders). En 1955 Estela fué premiada como la mejor cantante de Jazz del año por su labor con la orquesta de Fortunato, dejando registrados con el temas como "Señor Arenero ", "chi chi chi ", "Las lavanderas de Portugal ", "Mis manos ", "Es pecado mentir " y junto con Ricardo Romero "Cosita buena " y "El aguacero ". Ambos alternaban los trabajos en la orquesta con presentaciones como numero vivo en los intervalos del cine "Metro",llegando a ser muy reconocidos en el ambiente artistico.

En ese mismo año pasaron a integrar la orquesta del trompetista Tullio Gallo, formando luego con este mismo y el trombotista Jorge Pataro el cuarteto vocal "Los 4 Bemoles ",grabando algunos temas para la Columbia Argentina y realizando una gira por los países limítrofes ,luego Pataro seria reemplazado por Amado Brancolini. Entre los éxitos con este conjunto se recuerdan " Dos Pimpollos ", "Marcelino ", "Quiero un hipopotamo para Navidad "," Isla de capri ", " Bésame ", " Muchachita de Portugal "," Buen dia tristeza ", " Rock mambo " y una nueva versión de "Ave Maria no morro". Como solista Estela también grabó algunos temas con el maestro Lucio Milena como "....". Ricardo Romero siempre se dijo "He tenido la suerte de casarme con una mujer que posee una hermosa voz , es como una bella pintura a la que agregandole el marco adecuado haria de ella un hermoso cuadro "... Al regreso de la gira con "Los 4 Bemoles ',paseando por las calles de Buenos Aires divisaron frente a ellos un enorme cartel que anunciaba la presentacion de "Los Platters " ( Los Plateros ) en Buenos Aires lo que sirvió de inspiración para llegar al numero exacto y formar el grupo vocal latinoamericano mas famoso de todos los tiempos "LOS CINCO LATINOS ", con ellos Estela y Ricardo verian cristalizados todos sus sueños de cantarle al mundo , lo demás es otra historia.

Pagina: http://estelaraval.homestead.com/

Papa Roach

Papa Roach es una banda estadounidense de post-hardcore creada en 1993 y que se dio a conocer internacionalmente en el año 2000 con su álbum debut Infest.

Historia

Originarios de Vacaville, en el Sur de California, la banda se formó en 1993 por los amigos de primaria Jacoby Shaddix cantando (Coby Dick), Dave Bucker (batería) y Will James (bajos). Jerry Horton (guitarra) se unió poco después. El cuarteto se nombró en honor al abuelo de Shaddix y adoptó la cucaracha en símbolo de durabilidad y longevidad.

Sus influencias son bandas como Faith No More y Rage Against The Machine. En 1994 debutaron con el EP publicado por ellos mismos Potatoes for Christmas y que en 1995 le seguiria el EP Caca Bonita, un cassette azul con dos demos. En 1996 Tobin Esperance se unió a la banda reemplazando a James. Su segundo álbum Old Friends From Young Years, reflejó una influencia de hip-hop, con Coby Dick rapeando versos enteros en las canciones. El álbum logró un éxito local y el apoyo de bandas como Incubus y Suicidal Tendencies, quienes la ayudaron a introducirse en una gran audiencia. Los siguientes EPs 5 Tracks Deep (1998) y Let'Em Know (1999) fueron publicados antes de que la banda firmara con el sello discográfico Dreamworks. En el año 2000, el álbum Infest los catapultó a la fama, consagrandose con récords de venta y llevando a la banda a ser reconocida internacionalmente con sencillos como "Last Resort", "Between Angels and Insects" y "Broken Home". Luego de la tragedia del 11 de septiembre Papa Roach lanzó un disco titulado "Lovehatetragedy" en el 2002, el cual reunía varias experiencias de vida del cantante sumada a la gran tragedia que estaba viviendo EEUU en esos momentos, sin embargo el álbum fue calificado como un fracaso comparado con el éxito del anterior. En este disco se notó un perfil más depresivo y furioso. En el año 2004, Papa Roach realizó el álbum "Getting Away With Murder", su segundo sencillo "Scars" tuvo un gran éxito y el álbum vendió 1 millón de copias alcanzando el estado platino. Hay una versión en español de la cancion "Scars", titulada "Heridas". En Noviembre del 2005, realizaron un DVD en vivo llamado "Live And Murderous In Chicago". En 2006 lanzaron su nuevo y último álbum de estudio: "The Paramour Sessions", titulado de esa forma por el lugar donde fue grabado, The Paramour Mansion.

Miembros

- Jacoby Shaddix - Voz
- Jerry Horton – Guitarra / Coros
- Tobin Esperance – Bajo y guitarra / Coros
- Dave Buckner – Batería / Coros

Curiosidades

- El nombre de la banda se debe al abuelo de Shaddix, Howard William Roatch quien se suicido en 2006.
- Shaddix trabaja en el proyecto paralelo Fight the Sky
- La banda sale tocando "Take Me" en un episodio de Power Rangers: Dino trueno.
- Se escucha el tema Last Resort en un episodio de Cold Case
- Shaddix tiene muchos apodos: John Doe, en Fight Th Sky. Coby Dick en los comienzos de la banda. Jonny Vodka durante el 2002 y el 2003. Dakota Gold desde Getting Away With Murder hasta The Parramour Sessions.
- Jacoby le escribio la cancion "Walking through barbwire" a su perro que murió.
- En la pelìcula El único "The one" el soundtrack completo es de Papa Roach.
- Shaddix tiene un tatuaje con las palabras "Born with nothing, Die with everything".
- Actualmente Shaddix presenta el programa Scarred, de MTV. En la presentacion suena el tema Alive(N´ Out Of Control)
- El single "To be Loved" es usado actualmente como presentación del Programa Raw de la Wwe

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Los Gardelitos

Los Gardelitos es el nombre de una banda argentina de rock, oriunda de Bajo Flores. La agrupación se caracterizaba por la solidaridad y los recitales a beneficio que ofrecían frecuentemente en los barrios humildes de Capital Federal.

Historia

La formación original fue Korneta,Eli, Jorge Rossi y Bruno (ver sección Integrantes). En 1998 graban su primer CD oficial, "Gardeliando", que contiene canciones ya antes publicadas en "Rock sudaka", un demo editado dos años antes (ver sección Discografía).

En 1999, luego de firmar un contrato con una multinacional, publican "Fiesta sudaka". La convocatoria de la banda crece con el tiempo, y una semana antes de presentar "En tierra de sueños" en Cemento, muere Korneta Suarez, el líder de la banda. Eli, lejos de suspender el recital programado, toma la conducción de la banda casi improvisadamente y sube al escenario el 25 de mayo de 2004, en lo que sería la primer presentación oficial de la banda sin Korneta.

De ahí en adelante, Los Gardelitos empiezan a llevar cada vez más gente y tocan en lugares como Republica Cromañon, El Teatro y otras partes del país. En enero de 2006 se presentan en los festivales masivos "Gesell Rock" y "Cosquin Rock". En abril del mismo año tocan en el Estadio de All Boys para más de 10.000 personas. El 6 de mayo de 2006, en el estadio Atenas de La Plata, la banda anuncia la llegada al reconocido Estadio obras (el mismo que fuese en su momento considerado "El Templo del Rock").

De los recitales brindados el 23 de junio y 24 de junio, junto a invitados como Willy Crook, y una orquesta de cuerdas, la banda graba su primer CD en vivo, "Ahora es nuestra la ciudad", publicado a principios de noviembre del mismo año. Los Gardelitos hacen finalmente una tercera presentación, el domingo 25 de junio con invitados como Pity de Intoxicados y Chizzo de La Renga.

El 25 de mayo de 2007,LOS GARDELITOS tocan en el estadio auxiliar de ferro carril oeste en Caballito. En el mismo había casi mas de 10.000 personas que saltaron y le hicieron el aguante como siempre a el Ely Suarez con cantitos como korneta no se murio, esta tocando con pappo para los pibes de cromañon. Después del recital, Ely Suarez ( hijo del inolvidable korneta suarez ) hizo una entrevista y adelanto que saldria a la venta un DVD de Los gardelitos para fin de año.

Integrantes

- Horacio Alé: Batería;
- Martín Alé: Bajo;
- Elias Suarez: Arreglos Voz y guitarra (hijo de Korneta).

Ex integrantes

- Jorge Rossi: Bajo (actual bajista de intoxicados);
- Bruno Suárez: Batería (hijo de Korneta).
- Korneta Suarez: Voz y guitarra letras y musica

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Steve Morse

Steve J. Morse (Hamilton, Ohio, 28 de julio de 1954), Guitarrista desde 1994 de Deep Purple, grupo británico de Hard Rock de 1968 pioneros del Heavy Metal.Antes de unirse a dicho grupo, estuvo en Dixie Dregs y también tuvo una notable carrera como solista. Después de haber pasado por Dixie Dregs y Kansas se unió a Dave LaRue, (bajo) y Van Romaine (batería) para formar su propia banda: La Steve Morse Band. Aunque sigue siendo el guitarrista de Deep Purple también participa en Living Loud junto con antiguos músicos de Ozzy Osbourne y que se dedican a hacer versiones de éste, a parte de temas propios. El estilo Morse pasa por el Hard Rock, Heavy Metal y el Jazz fusion y, por supuesto, está dentro del círculo de los guitarristas virtuosos. Llegó a reemplazar al mismísimo Joe Satriani y a el mítico Ritchie Blackmore durante la gira de Deep Purple.

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The Cranberries

The Cranberries es una banda irlandesa de Indie, que apareció en la escena musical a principios de 1990, alcanzando gran popularidad.

Historia

En 1989 varios jóvenes se unieron con el propósito de formar un grupo: Noel Hogan (guitarra), su hermano Mike Hogan (bajo), Fergal Lawler (batería) y Niall Quinn (vocal). El grupo no poseía nada nuevo en lo que se refiere a originalidad, con guitarras punk-pop y canciones más o menos amables y lineales con letras cómicas compuestas por su líder Niall, quien además tenía un gusto extravagante para componer y nombrar temas, como “My Grandma drowned in a fountain in Lourdes” (Mi abuela se ahogó en una fuente en Lourdes), “I was always all ways” (Siempre tuve todas las formas) y “Drop me down a big stair” (Tírame de una gran escalera). Aquella primigenia banda fue llamada originalmente The Cranberry Saw Us' (El arándano nos vio).

Los hermanos Hogan son de un pueblecito cercano a Limerick llamado Moycross (pegado al río Moy). Allí acabaron la educación obligatoria y comenzaron a ayudar a sus padres en la panadería que regentaban. De adolescentes, los fines de semana solían ir a conciertos. En una de aquellas noches conocieron a un chico llamado Fergal Lawler, que compartía sus gustos musicales. Fergal (Limerick, 4 de marzo de 1971) se había criado en Parteen, otro pueblecillo de la zona, donde ejercía de peluquero en la peluquería de su tío. Por su lado, Niall Quinn aceptó formar parte del grupo y ser su líder aunque él en realidad lo que mejor dominaba era la batería, la cual tocaba en otro grupo que se llamaba The Hitchers. Por aquel entonces Mike, Noel y Fergal rondaban los 16 años.

Cuando Niall Quinn dejó la banda, Dolores O'Riordan audicionó y ganó el rol de vocalista de la banda, escribiendo la letra de Linger. Su voz es el elemento distintivo del sonido de la banda.

"The Cranberry Saw Us" dejaron de existir en el momento que Dolores entró a formar parte del grupo, y pasó a llamarse "The Cranberries". Dolores tomó parte directamente del repertorio musical de Noel, y empezó a componer letras para las melodías. Dolores no tenía ninguna influencia de bandas modernas y se acercaba más a la música tradicional irlandesa, mientras que los componentes del grupo eran más cercanos a la música del sello independiente 4AD, influidos por bandas como Cocteau Twins o The Sundays. The Cranberries fue fichado por una pequeña discográfica de Limerick, Xeric records. El grupo grabó sus primeros demos y tuvieron bastante éxito localmente, pero las comparaciones eran odiosas con grupos como Cocteau Twins o The Sundays. Su primer EP Uncertain EP fue un auténtico fiasco; la prensa musical independiente, tanto inglesa como irlandesa, y el público se alejó del grupo.

En 1992 rompieron con su discográfica y firmaron con Island Records, que contaba en sus filas a PJ Harvey y U2. El grupo empezó a grabar su primer álbum, producido por Stephen Street(Morrissey y Blur). El 1 de marzo de 1993 se publica el primer álbum de The Cranberries Everybody Else Is Doing It, So Why Can´t We?(Todo el mundo lo hace. ¿Por qué nosotros no podemos?). Musicalmente el disco fusiona el pop-rock tradicional inglés de finales de los 80, con el folk y los ambientes místicos irlandeses. Líricamente sus letras expresan un punto de vista ingenuo, donde Dolores abandona el mundo terrenal para adentrarse hacia un mundo idealista lleno de esperanza y sueños. En el disco predominan canciones amables, afectuosas y afable para el oído, canciones que aportan la placidez para poder dejarse escuchar. El disco apenas tuvo acogida entre el público. Su sonido a pesar de traer un aire fresco entre diferentes corrientes provenientes de America como el grunge y el pop, se le comparó con el shoegazers de aquellos momentos por la ensoñación de sus canciones y poco más. The Cranberries habían pasado de moda y ahora todas las miradas se ponían sobre PJ Harvey y Suede.

The Cranberries fue de gira por Estados Unidos teloneando a Suede y a The Matt Johnson. La gira sería suspendida por la escasa acogida de estas bandas entre el público estadounidense, que iban a ver a ese nuevo grupo salido de Irlanda. The Cranberries habían triunfado en EEUU sin quererlo. Se publicó el disco en Estados Unidos y pronto tuvieron un enorme éxito entre el ambiente independiente de las universidades norteamericanas vendiendo más de un millón y medio de discos. Se reeditaría el disco en Reino Unido, donde tuvo una enorme acogida y de allí al resto de Europa. Durante todo el año participaron en festivales de música por Estados Unidos y Europa. El 14 de enero de 1994 actuaron el el mítico concierto del Astoria 2, donde el repertorio de canciones traían algunas nuevas canciones como Zombie y Empty.

La personalidad de las canciones se debe a que Dolores pertenece a ese grupo de cantantes que durante los 80 y 90 hicieron de su interpretación vocal, un instrumento que rompen con los moldes de las reglas vocales melódicas y haciéndose totalmente protagonistas de la canción. A diferencia de Elizabeth Frazer o Björk, Dolores posee una voz sobrecogedora que pasa del más mínimo susurro al grito en tan solo un instante, enfrascando su voz entre las cuerdas y el bajo de los hermanos Hogan, y dejando constante que su voz es un instrumento más dentro de la canción y del disco. En la actualidad, el grupo se ha desecho o como ellos dicen " un descanso " pero todos sus fans desean que algun dia vuelvan, y nos vuelvan a enamorar con sus canciones, y voz de la que ahora es solista...Dolores O'Riordan

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