Nagual

Todo ser humano tiene la necesidad de expresar su visión del mundo, de una u otra forma. Nagual encontró en la música, mas allá del rock, un vínculo perfecto para traducir a nuestros iguales, los ideales, creencias y el cierto desequilibrio que hoy fluye en nuestra cultura".-

NAGUAL es una banda de rock independiente, que surge a principios del 2001, entre "zapadas" en el sótano de una pizzería, en el barrio de Mataderos, entre amigos.-

En la música, se respetan las ideas y las influencias de todos los que forman la banda, así es como se puede definir un Rock Fusionado con varios géneros musicales; las letras hablan de los hechos sociales; de los principios, orígenes y simpleza del hombre, manteniendo una notoria ideología y un sonido propio y contundente.

La banda se mueve por todo el circuito under, ofreciendo recitales en la Ciudad de Bs. As., y en el Interior, y recientemente realizó su primer fecha en Montevideo, también participa en ocasiones en eventos a beneficio y en fiestas de radios comunitarias.

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LCD Soundsystem

LCD Soundsystem es un grupo de música punk-funk neoyorquino formado por James Murphy y Tim Goldsworthy. En las actuaciones en vivo, se les une Nancy Whang al teclado y a los coros, Pat Mahoney a la batería, Tyler Pope al bajo y Phil Mossman a la guitarra, a la percusión y al bajo. Murphy y Goldsworthy son también conocidos como el equipo de productores The DFA, y propietarios del sello del mismo nombre.

Biografía

Los inicios

LCD Soundsystem se inicia como proyecto personal de James Murphy y Tim Goldsworthy, dos neoyorquinos admiradores de Suicide, New Order, Siouxsie and the Banshees,[1] Daft Punk y The PLOOM !!!, entre otros. En 2000, decidieron crear un sello, The DFA, para editar su propia música y la química empezó a fluir. De su laboratorio salieron singles de 12 pulgadas como Losing my edge, de ritmo persistente e irónica letra, donde resumen las últimas y enfervorecidas musicalmente décadas del siglo XX además de dejar claras sus influencias; el bailable Give it up; y el más conocido, Yeah.

La escena punk-funk neoyorquina

El sello de Murphy y Goldsworthy dio cobijo a grupos primerizos como The Rapture y The Juan MacLean, convirtiéndose rápidamente en el centro de una escena conocida como disco-punk, punk-funk o rock bailable. The Rapture y Radio 4, cuyos debuts (Echoes y Gotham, respectivamente) fueron producidos por el dúo The DFA; así como Out Hud y !!!, quienes publicaron su primer disco en el mismo año que el de LCD Soundsystem (2005), fueron las caras más destacadas del complejo poliedro que era esta escena neoyorquina. Aún sin tener ningún disco editado, el grupo fue invitado a actuar en varios festivales, entre ellos, los españoles Primavera Sound y el Festival Internacional de Benicàssim de 2004.

LCD Soundsystem: El disco

A partir de 2005, las cosas se precipitaron y llegó el primer disco de LCD Soundsystem, homónimo. Un doble CD que recopilaba los singles publicados por el grupo hasta el momento (con sus correspondientes caras B) y añadía nueve canciones nuevas a la colección. El LP, con referencias y homenajes (la mayoría implícitos) a figuras como los Beatles y Brian Eno, proporcionó al grupo tres portadas de tres de las revistas independientes más importantes de España (Go Mag, Rockdelux y Mondo Sonoro) el mes de su lanzamiento. Este éxito también quedó reflejado en el puesto 35º de los mejores discos del 2005 según la revista Rolling Stone, el 5º según Spin, el 8º según Pitchfork y el 21º según New Musical Express;[2] así como en nuevas invitaciones para tocar en festivales durante ese año, como el español SONAR. El segundo single extraído de su primer álbum, Daft Punk is playing at my house, entró en el Top 40 del Reino Unido en marzo de 2005 y fue incluido en las bandas sonoras de videojuegos como SSX on Tour y FIFA 06. Además, el grupo fue nominado a dos Grammy: al mejor disco electrónico, y a la mejor grabación dance por Daft Punk is playing at my house.

Proyectos paralelos

Durante 2006, LCD Soundsystem se dedicaron casi exclusivamente a la creación de un nuevo disco, encargo de Nike para su serie Original Run: una sesión de 45 minutos pensada para hacer footing titulada 45:33 y puesta a la venta en octubre sólo a través de iTunes. Como anécdota, la sesión no dura 45 minutos y 33 segundos como reza el título, sino 45 minutos y 58 segundos. El año también sirvió para hacer recuento de sus colaboraciones como remezcladores a través de un álbum (The DFA Remixes) dividido en dos partes, la primera lanzada a principios de 2006 y la segunda, a finales. El álbum incluye remixes de grupos como Hot Chip, Goldfrapp, Gorillaz y The Chemical Brothers.

2007: Sound of silver

Entre las actividades de 2007 cabe destacar la publicación de Sound of Silver el 20 de marzo (su segundo álbum, que se filtró en su totalidad a través de Internet en diciembre de 2006), así como una gira por Europa.

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Justice

Justice es un dúo francés de música electrónica compuesto por Gaspard Augé (n. el 21 de mayo de 1979) y Xavier De Rosnay (n. el 2 de julio de 1982). bajo el sello discografico Boombox Records,representado por el integrante principal Jamie Reynolds,de la banda britanica,Klaxons.Son el grupo más exitoso del sello Ed Banger Records, discografica comprada por Boombox Records y son representados por el director de la discográfica, Pedro Winter ("BusyP")y Jamie Reynolds (The Cat). Su marca registrada es una larga cruz luminosa que brilla durante sus shows. Es considerado un grupo controvertido entre los fanáticos de la música dance, conocidos por incorporar un fuerte influencia rock a su música e imagen.

Historia

Justice se hicieron conocidos a través del remix que hicieron en el 2003 de una "pista" del grupo Simian "Never Be Alone", creado para un concurso de remixes de la estación de radio de una universidad parisina. Ese remix hizo que el dúo fuera firmado por Ed Banger (quien lanzó el remix) y se convirtió en un himno de los clubes y en un éxito en Internet. La canción fue re-lanzada en el 2004 en el International DeeJay Gigolo Records de DJ Hell y se le dio eventualmente un lanzamiento comercial en el Reino Unido en el verano de 2006, bajo el título de "We Are Your Friends", en Ten Records, una discográfica derivada de Virgin Records.

Después del lanzamiento original de "We Are Your Friends", Justice trabajó en mezclas para varios grupos franceses (Vicarious Bliss, Scenario Rock) como también para artistas más conocidos como Britney Spears, N*E*R*D, Fatboy Slim y Daft Punk. El primer sencillo de Justice, Waters of Nazareth, fue lanzado en Ed Banger Records en Septiembre de 2005 y fue abanderado por Dj's tales como Erol Alkan, Tiga, 2 Many Dj's e Ivan Smagghe. La pista fue re-lanzada en el 2006 con mezclas adicionales.

El prolífico trabajo de remezclas del dúo continuó, ya que hicieron mezclas para Franz Ferdinand, Mystery Jets, Soulwax y Mr. Oizo.

Justice ganó el premio a Mejor Video en los MTV Europe Music Awards 2006, por Justice vs. Simian "We Are Your Friends". Augé y De Rosnay no estuvieron presentes en la ceremonia y el premio fue aceptado por el director del video Jérémie Rozan y el director de arte So_Me.

So_Me fue interrumpido por el rapero norteamericano Kanye West, quien subió al escenario arguyendo que debía haber sido él el ganador del premio.

El álbum debut de Justice, titulado "†", fue lanzado en Ed Banger Records en Junio 11, 2007 (Junio 10 en EE.UU.). El álbum fue precedido por por el EP de D.A.N.C.E. en Mayo 28, que presentó las pistas de "B.E.A.T." y "Phantom".

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Julian Lennon

John Charles Julian Lennon, nació el 8 de abril de 1963, en Liverpool, Inglaterra. Cantante, compositor y músico. Hijo único del matrimonio conformado por el Beatle John Lennon y Cynthia Powell y medio hermano de Sean Lennon. El nombre de Julian viene a ser un homenaje a la madre de John, Julia.

Brian Epstein, mánager de The Beatles y padrino de Julian, sugirió a John ocultar su matrimonio y paternidad por un tiempo para no afectar la popularidad del grupo. Fue así que Julian vivió alejado de los medios y de la publicidad de la Beatlemanía. A raíz de ello, Julian vivió su infancia con un padre ausente, por lo que se muestra frío al referirse a John, a su medio hermano Sean y en especial a Yoko Ono.

Julian inspiró ciertas composiciones musicales de The Beatles, como la conocida canción Lucy in the Sky with Diamonds, a partir de un dibujo que él había hecho; inspiró a Paul McCartney en la canción Hey Jude y John escribió Good Night, cantada por Ringo Starr.

El debut musical de Julian fue a temprana edad, a los 10 años, tocando la batería en la canción Ya-Ya del álbum Walls and Bridges de John Lennon. Su carrera artística se hizo popular con el debut de su disco Valotte y con la canción Too late for Goodbyes en 1984. Luego del gran éxito, hubo tiempos de ventas bajas y Julian recurrió al alcohol y drogas. Mantiene muy buenas relaciones con los ex integrantes de The Beatles, en especial con Paul McCartney, quien para el lanzamiento del disco debut de Julian, le envió un telegrama deseándole suerte. Incluso, Julian ha admitido que prefiere el trabajo musical de Paul McCartney al de su padre.

Su voz, aspecto y estilo musical son muy similares a los de John Lennon, por lo que se especuló alguna vez con el retorno de The Beatles con él como integrante, lo que nunca sucedió.

En su MySpace se pueden escuchar tres nuevas canciones y una versión nueva de la canción Saltwater. Julian lanzó un álbum al año pasado (2007) llamado Conscious ("Consciente").

Julian Lennon es también el productor del documental llamado "WhaleDreamers" que trata acerca de una tribu aborigen de Australia y de su relación especial con las ballenas. Este documental también trata acerca de muchos asuntos del medio ambiente. Esta película ha recibido muchos premios y fue presentada en la Fiesta Cinematográfica de Cannes 2007.

Soledad Pastorutti

Soledad Pastorutti más conocida como La Sole (* Casilda, provincia de Santa Fe (Argentina); 12 de octubre de 1980), es una famosa cantante de expresión folclórica argentina.

Biografía

Soledad Pastorutti es oriunda de Arequito, pequeño pueblo de unos 7.000 habitantes ubicado al sur de la provincia de Santa Fe. Nació el 12 de octubre de 1980 -al igual que muchos arequitenses- en la vecina ciudad de Casilda.

Desde niña, compartió la pasión de su padre por la música folclórica argentina. Ya en su preadolescencia, acompañada por músicos de su pueblo y alrededores, desembarca en distintos escenarios de peñas folclóricas del interior del país.

En el verano de 1995, llega a la ciudad de Cosquín -donde se realiza uno de los más importantes festivales de música folclórica-. La repercusión que tuvo en las peñas que circundan al escenario mayor hizo que la gente pidiera un lugar para ella en el mismo. La noticia corrió y Arequito estuvo expectante ante la inminente presentación de Soledad, aunque, debido a una disposición municipal de esa ciudad -la cual no permitía que menores de edad sean expuestos en televisión pasada la medianoche- su presentación se frustró.

Su actuación del sábado 4 de noviembre de 1995 en la Fiesta Nacional de la Flor (realizada en la ciudad de Escobar, provincia de Buenos Aires) marca el inicio de su carrera como cantante profesional.

En 1996, un año después de la frustrada actuación en Cosquín y con apenas 15 años, Soledad vuelve a esa ciudad y esta vez sí se presenta junto a su hermana Natalia en el Festival de la Canción Cosquín. El éxito de esa actuación, en la cual Soledad se consagró como revelación del festival y recibe el premio “Cosquín de Oro” y que además, fue televisada en vivo para todo el país, marca un antes y un después de Soledad para la música popular argentina. La Argentina folclórica habló durante semanas del “Huracán de Arequito”, tal como fuera bautizada por los medios periodísticos.

Soledad firmó con la discográfica Sony Music, la cual edita su primer álbum oficial, “Poncho al Viento”. Este trabajo que la compañía consideró de venta regular y que no contó en un comienzo con una gran campaña de marketing, marcó un hito en la industria discográfica argentina, al provocar una explosión de ventas que supero la barrera de las 800 mil unidades en muy poco tiempo.

Su vida se convierte en una gran gira por el país, llegando en 1997 a cantar en 181 pueblos y ciudades del la Argentina. Edita su segundo álbum, “La Sole” y los ecos de su voz comenzaron a llegar a Buenos Aires. Sus dos álbumes trepan en las listas de ventas a tal punto que ambos compiten y se alternan en el primer puesto de ventas. Soledad finaliza el año llenando diez veces el teatro Gran Rex, la sala teatral más importante de Buenos Aires.

Ya en 1998 duplica la cantidad de presentaciones en Buenos Aires realizando más de veinte conciertos, nuevamente en el teatro Gran Rex. Se convierte en la representante Argentina seleccionada por Sony Music para componer una canción (“Los sueños de todo el mundo”), e incluirla en el álbum editado a nivel internacional con motivo de la realización del Campeonato mundial de Fútbol. También acompañó oficialmente al Seleccionado Argentino a Francia.

Luego del mundial, recibió en Madrid (España) una distinción de Sony Music Internacional por haber alcanzado 1.000.000 de unidades vendidas con sus dos primeros álbumes. En su regreso al país, Sony Music Argentina la reconoce públicamente como la artista que produjo las mayores ventas en menor tiempo de la historia de la compañía, tomando en cuenta a todos los artistas, de todos los géneros musicales.

Aquellos conciertos en el teatro Gran Rex se convirtieron en su primer álbum en vivo, editándose a finales de año bajo el título de “A mi Gente”. Muchas discotecas y radios FM pasaban canciones de Soledad, produciendo una revolución musical ya que se trataba de un género relegado de esos ámbitos.

Durante los primeros meses de 1999 Soledad se sumerge en la filmación de “La Edad del Sol”, su primer experiencia en el cine. El guión de la película gira en torno a una historia que cuenta como un viaje de egresados, donde uno de los jóvenes es una muy famosa artista (Soledad), se complica de forma sorpresiva. La película fue catalogada por los críticos y expertos en cine como un fracaso total. Sólo tuvo una efímera acojida entre los seguidores de la cantante Soledad.

El productor cubano Emilio Estéfan, viaja a la Argentina para conocer a Soledad y sería luego el productor artístico de su cuarto álbum, “Yo sí Quiero a mi país”, editado durante el mismo año (1999). Este álbum, grabado en Miami, acerca a Soledad a ritmos de distintos lugares de Latinoamérica. En consecuencia, trasciende fronteras, llevando consigo la música popular argentina de gira por Uruguay, Paraguay, Chile, Perú, México, Estados Unidos y España, entre otros países.

El nuevo milenio encuentra a Soledad cantando en numerosos escenarios argentinos y llegando por primera vez, como invitada gracias a su exitoso paso por el Festival Chileno de Olmué, al prestigioso y difícil Festival de Viña del Mar (también en Chile), donde le otorgaron uno de los premios del festival, la "Gaviota de Plata".

A mediados de año vuelve a presentarse en la ciudad de Buenos Aires, tras casi dos años de ausencia, y colma en tres oportunidades la capacidad del Estadio Luna Park.

En el mes de agosto actuó durante cuatro noches en el Festival Folclórico de Martigues (Francia), donde fue declarada revelación. Las críticas de los diarios franceses hablaron de la posible llegada del “Fenómeno Soledad” a Europa, cosa que nunca sucedió ni sucederá.

A su regreso de Francia, se embarca en la grabación de su quinto álbum, “Soledad”, que salió a la venta a mediados del mes de octubre de 2000. Entre el final de la grabación y la publicación del álbum, Soledad se presentó en el “Barbican Center” de Londres ante 1800 espectadores en el marco del Festival de Cine y Música Argentina de la capital inglesa.

En el 2001 Soledad convoca Alejandro Lerner como productor artístico de “Libre”, el álbum discográfico editado ese año. “Libre” llegó a los principales medios radiales de la mano de “Tren del Cielo”, cuyo video clip fue uno de los más rotados en la televisión argentina. La presentación de la obra se realiza en el teatro Gran Rex, de la ciudad de Buenos Aires.

La primera etapa de "Libre" fue coronada con una nueva invitación al Festival Internacional de Viña del Mar a principios de 2002, donde su actuación fue reconocida como una de las más importantes esa noche, recibiendo la codiciada “Antorcha de Plata”. Soledad realiza shows en Argentina, Bolivia, Brasil, Canadá, Chile, Costa Rica, Perú y Uruguay.

En Octubre de 2002 Sony Music decide relanzar “Libre” con nuevo arte y un bonus track.

Soledad decide finalizar el año homenajeando a Horacio Guarany, uno de loa cantautores más influyentes en sus inicios y uno de los referentes de la música popular argentina. Realizan juntos un único show en el estadio Luna Park de Buenos Aires, recorriendo las canciones cumbres de sus repertorios. Este suceso musical argentino, se convierte en el álbum en vivo “Sole y Horacio juntos por única vez”.

En abril de 2003, Soledad participa del Festival Argentino en Miami (Estados Unidos) y también realiza shows en Los Ángeles y West Palm Beach.

Debuta como actriz de televisión en la tira diaria “Rincón de Luz”. Trabajar en esta tira la ayuda a Soledad a trascender fronteras, volviéndose minimamente conocida en Israel, no por su música sino por su "actuación" en Rincón de Luz. A pesar tiempo que le insumieron las grabaciones de la tira televisiva, continúa realizando shows en Argentina, Chile y Uruguay. Esto le dio a la cantante cierto reconocimiento internacional, pero no llego a superar las espectativas, pues no logró la internacionalización esperada como la que obtuvieron Romina Yan y Grecia Colmenares, anteriores protagonistas de la tira Chiquititas.

Junto a Pablo Santos (bajista y director musical de su banda), produce artísticamente “Adonde Vayas”, álbum que cuenta con 7 canciones de su autoría.

En enero de 2004 la actuación de Soledad en el festival de la ciudad cordobesa de Jesús María fue record de público. “Rincón de Luz”, la tira televisiva grabada y emitida en la Argentina durante el 2003 llega a distintos países e incluso, en Abril, llegó a ser presentada como show musical en 7 oportunidades en el Estadio “Nokia” (con capacidad de 10.000 personas) de Tel-Aviv (Israel).

Luego de la gira con el elenco de “Rincón de Luz”, Soledad presenta “Adonde vayas” con 3 conciertos en el estadio Luna Park de Buenos Aires. La respuesta del público obligó a presentar el álbum con la misma puesta en escena en las ciudades de Rosario (Santa Fe), Córdoba y Santiago (Chile).

En Chile participó del Festival de Punta Arenas, donde fue galardonada con los premios “Ñandú” (otorgado por artistas) y “Ovejero” (otorgado por el público).

Al igual que a comienzos de 2004, Soledad vuelve a obtener un récord de público con su recital en la “Exposición Rural de Palermo” (la exposición rural más importante de Argentina, la que se realiza todos los años en la capital del país). El día de su presentación se contabilizaron 153.600 personas en el predio.

Participa como actriz en los programas de mayor audiencia de la televisión argentina por ese entonces, “Los Roldán” y “Pensionados” y además, condujo “El Llamado Final”, reality show emitido por Canal 13.

El grupo mexicano “Elefante”, autores e intérpretes originales de la canción “Adonde Vayas”, convocó a Soledad para cantar en “Píntame de Azul”, canción incluida en el álbum lanzado en Octubre de 2004 en México.

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Secret Garden

Secret Garden es un grupo de música irlandés-noruego. Se caracteriza por hacer música instrumental, o como algunos le han llamado neo-clásica, con sonidos new age.

Está formado por la violinista Fionnuala Sherry y el compositor Rolf Løvland, nominado a un Grammy en 2004 por una composición para Josh Groban. En 1995 ganaron el Festival de Eurovisión por Noruega con el tema Nocturne. Ha sido la primera y la última vez que una pieza principalmente instrumental ha ganado el Festival de Eurovisión. "Nocturne" incluía una parte cantada en noruego (interpretada en el festival por la cantante Gunnhild Tvinnereim), para asegurar la adecuación de la canción a las normas. Además Rolf Løvland también fue coautor de la canción "La det swinge" que hizo conseguir la victoria de Noruega en el Festival de Eurovisión de 1985

Ser los ganadores en Eurovisión, ayudó al éxito de su primer álbum, Songs from a Secret Garden. Vendió un millón de copias en todo el mundo, fue disco de platino en Noruega, doble platino en Hong Kong y Corea, oro en Irlanda y Nueva Zelanda y permaneció 101 semanas en el Billboard New Age Charts de Estados Unidos. Desde entonces tiene nueve álbumes en el mercado y han actuado por todo el globo. Han estado dos veces nominados para los World Music Awards de Mónaco. Han actuado en los Premios Nobel de la Paz y han vendido más de 4 millones de discos, medio millón en China.

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Robert Palmer

Robert Allen Palmer (19 de enero de 1949 – 26 de septiembre de 2003), nacido en Batley, Yorkshire, fue un cantante inglés. Era conocido por su presentación en ropa formal y elegante, su emotiva voz y la mezcla equilibrada de estilos musicales en sus albums, combinando soul, jazz, rock and roll, reggae, blues, e incluso canto tirolés. Además son famosos sus video clips con su banda coreografica de bellas mujeres-maniquíes.

1964-1973: Primeras bandas

Hijo de un militar británico destinado en Malta, Palmer se fue con su familia a Scarborough, Yorkshire en 1959. Influenciado desde niño por el blues, el soul y el jazz, Robert Palmer juntó su primera banda, The Mandrakes, a la edad de 15 años cuando aún estaba en el instituto de chicos de Scarborough. Su primera y principal ruptura vino con la salida del cantante Jess Roden de la banda The Alan Bown Set en 1969, después de que invitaran a Palmer a Londres para que cantara su single "Gypsy Girl". Las voces del álbum The Alan Bown!, originalmente grabadas por Roden, fueron re-grabadas por Palmer tras el éxito del single.

En 1970, Palmer juntó Dada, banda de 12-piece jazz-rock fusion, con el destacado cantante Elkie Brooks. La banda duró un año, después Brooks y Palmer formarían el críticamente alabado pero comercialmente fracasado grupo de rythm and blues Vinegar Joe, en el que Palmer cantaba y tocaba la guitarra rítmica. Lanzaron tres albums grabados por la compañía Island Records: Vinegar Joe (1972), Rock 'n' Roll Gypsies (1972), y Six Star General (1973).

1974-1984: Temprana carrera en solitario

Basándose en su look joven, su fuerte presencia y su emotiva voz, Island Records, firmó con Palmer un contrato en solitario. Su primer álbum Sneakin' Sally Through the Alley grabado en Nueva Orleans, Luisiana en 1974, estaba fuertemente influido por la música de Little Feat y la fusión funk de The Meters, quienes acturaron como banda de apoyo con el productor/guitarrista Lowell George, de Little Feat. Su primer single era una versión del tema "Sailin' Shoes" de Little Feat. Aunque con éxito moderado en el Reino Unido, tanto el álbum como el single alcanzaron el Top 100 en Estados Unidos.

Posteriormente se traslada con su mujer de Londres a Nueva York, y lanza el álbum Pressure Drop en 1975 (con el famoso bajista de Motown Records James Jamerson). Éste es un álbum influido por su interés en el reggae y la música rock. Giró con Little Feat en la promoción de este álbum.

Sin embargo, con el fracaso del siguiente álbum Some People Can Do What They Like, Palmer decidió mudarse a Las Bahamas; tras esto, su "estilo de vida emigrante" recibía más atención por parte de los diarios británicos que su propia música.

En 1978, lanzó Double Fun, una colección de rock caribeño influenciado, incluyendo una versión sincopada de "You Really Got Me". El álbum alcanzó el Top 50 en la revista estadounidense Billboard magazine y llegó al Top 20 de los singles con "Every Kinda People" de Andy Fraser. Con su mezcla de instrumentos caribeños, violines y buena letra, "Every Kinda People" se convirtió en una de las más queridas canciones de Palmer, versionada múltiples veces por otros artistas (incluyendo Chaka Demus y Pliers, Randy Crawford y Amy Grant) y citada por fans de la música y grupos esperituales por su mensaje positivo.

El siguiente álbum de Palmer fue una novedad artística, concentrándose en una dirección más rockera. Secrets, de 1979, produjo su segundo Top 20 de singles con "Bad Case of Loving You (Doctor, Doctor)", de Moon Martin, que junto con el single "Every Kinda People" formó una de sus canciones más reconocidas.

En los años 1980 Palmer experimentó un aumento de su éxito comercial. El álbum Clues, producido por Palmer junto con Chris Franz y Gary Numan, generó hits en ambos lados del Atlántico, primero con el single "Johnny and Mary" y después con "Looking for Clues". Los pegadizos videos musicales que mezclaban los estilos synth pop y new wave le permitieron llegar a una audiencia más joven. Este éxito fue repetido en 1982 con el lanzamiento de Some Guys Have All the Luck.

En 1983 Palmer experimenta con percusión techno, sampling y más instrumentos de la música de las islas que descubrió en Bahamas (incluyendo caribeños) en su atrevido álbum Pride.

"You Are In My System" era un ejemplo de la pasión de Palmer por las versiones de Rhythm and Blues. El introdujo la canción en el álbum Pride una vez que el resto de canciones ya estaban acabadas. Escuchando la canción en un club de Paris, Palmer se apresuró en volver a su hogar en Las Bahamas, donde la banda reconvocada (incluido Frank, el co-compositor) tocó junta el tema.

1985-1995: Power Station

1985 fue un año fundamental para Palmer. Tras el parón de Duran Duran, su guitarrista Andy Taylor y su bajista John Taylor se juntaron con el batería Tony Thompson y Palmer para formar la banda Power Station. Su álbum homónimo, grabado en su mayor parte en el estudio de Nueva York (Avatar Studios) por el cual la banda fue nombrada, alcanzó el Top 20 en el Reino Unido y en Estados Unidos, y supuso dos hit con los singles "Some Like It Hot" y una versión de la canción "Get It On" de la banda T. Rex.

En 1985 Palmer también grabó el álbum Riptide, con Thompson y Andy Taylor tocando algunas canciones y el productor de Power Station Bernard Edwars, quien trabajó con Thompson en la banda CHIC, para agarrar las riendas de la banda.

Riptide produjo un número 1 con el single "Addicted to Love", que estaba acompañado por un memorable y muy pariodado vídeo musical, dirigido por Terence Donovan, en el que Palmer es rodeado por una bandada de "mujeres músico". Los singles "Hyperactive" y su versión de la canción de Cherrelle "I Didn't Mean to Turn You On" también se realizaron bien. Otra canción, "Trick Bag", fue escrita por una de sus mayores influencias, el artista de jazz de Nueva Orleadns Earl King. En 1987, ganó el premio Grammy al mejor cantante masculino de rock por su canción "Addicted to Love".

En 1987, Palmer se trasladó a Lugano, Suiza y montó su propio estudio de grabación. Produciendo Heavy Nova en 1989, Palmer de nuevo volvió a la experimentación, esta vez con ritmos de bossa nova, rock duro y baladas de soul blanco. Repitió lo que anteriormente pasó con "Addicted to Love" en el vídeo de "Simply Irresistible", de nuevo Palmer con una trupe de "mujeres músico". La balada "She Makes My Day" también resultó ser un éxito. En 1989, ganó su segundo premio Grammy al mejor cantante de rock masculino por "Simply Irresistible", que sería posteriormente incluida en el musical de Tony-winning "Contact". La revista Rolling Stone votó a Palmer como la estrella de rock mejor vestida de 1990

Palmer colaboró con UB40 en su siguiente álbum Don't Explain. Lanzado en 1990, presentó el éxito de Bob Dylan "I'll Be Your Baby Tonight" y la versión de Marvin Gaye "Mercy Mercy Me". A lo largo de los 90 Palmer se aventuró más en diverso material, como el álbum de 1992 Ridin'High, un tributo a la era de Tin Pan Alley

En 1994, Palmer lanza el álbum tropical Honey, que aunque no consigue gran difusión en Estados Unidos, obtiene éxito en el Reino Unido con los singles "Girl U Want", "Know By Now" y "You Blow Me Away".

En 1995, Palmer se reúne con otros miembros de The Power Station para grabar un segundo álbum. El Bajista John Taylor eventualmente salía del proyecto debido a problemas personales, y era reemplazado por Bernard Edwards. Palmer y el resto de la banda completaron el álbum Living In Fear (Lanzado en 1996), y justo habían empezado a girar cuando Edwards murió de una neumonía.

1996-2003: Último trabajo en solitario y blues

Los siguientes años Palmer hizo más giras y más trabajos; el siguiente lanzamiento de nuevo material fue Rhythm and Blues (1999), que contenía una mezcla de canciones influyentes de Little Fear, rock y pop. Palmer lanzó un single de éste álbum llamado True Love que resultó tener poca importancia en el Reino Unido.

Su último lanzamiento, Drive (2003), fue señalado como el álbum más sentido de su carrera. Inspirado por una colaboración previa con Carl Carton en un disco tributo a Robert Johnson, en Drive hace versiones de quince estandars de blues, más la canción original "Lucky". A su vez hizo giras a pequeña escala, la mayoría alrededor del circuito de casinos.

Muerte

Palmer, quien tenía su hogar establecido en Lugano, Suiza en los últimos 15 años, murió en París en el año 2003 a causa de un ataque al corazón a la edad de 54 años. Fue enterrado en el cementerio de Lugano

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Joe Vasconcellos

La ruta de vida de Joe Vasconcellos se asemeja a la bitácora de un marino que recorre puertos, ciudades y vive en permanente movimiento. Nacido en Chile, hijo de madre chilena y padre brasileño, Joe Vasconcellos partió de niño a Brasil, país donde transcurrió su infancia, para luego desplazarse a tierras tan dispares como Ecuador, Japón e Italia. Fueron las labores diplomáticas de su padre las que motivaron estos viajes, e Italia, el lugar donde siendo adolescente, Joe Vasconcellos se acercó a la música. Ingresó primero al Conservatorio Nicolo Paganini y colaboró luego, con distintos artistas. Previamente asumió otras labores. “Dentro de las cosas que hice en Génova, fui DJ: hice programas de música brasileña y trabajé en discotecas. Además toqué en transatlánticos, hice dos cruceros increíbles. También toqué guitarra en un grupo al que le pusimos Génova Río. Tocábamos en un teatro-cabaret muy frecuentado, un lugar donde Iban desde estibadores hasta gente famosa. Ese fue mi primer trabajo como músico”.

De su incial interés por la trompeta, hacia el Oboe, del Oboe a la guitarra y de las cuerdas a la percusión, Joe Vasconcellos descubrió en los tambores su pasión: se acercó entonces al fascinante universo de “los cueros”. Tal interés lo llevó a descubrir músicos cubanos, suceso que despertó en el la necesidad de regresar al continente para estudiar y conocer a fondo el área donde anhelaba especializarse.
De regreso en Chile, un por entonces veinteañero Vasconcellos, pronto fue invitado a sumarse a Congreso, seminal grupo chileno de jazz-rock, cuya carrera se encontraba en suspenso y que reapareció con él como cantante y percusionista.

Dos discos grabó Vasconcellos junto a Congreso: “Ha llegado carta” y “Viaje por la Cresta del mundo”, elepé este último al cual aportó “Hijo del sol luminoso”, pieza clave del repertorio de la banda y que alude al encuentro con el ancestro y la raíz del Ser Americano. Un tema que ha trascendido como un clásico de la música popular chilena y que refleja lo que el conjunto entregaba a su público en dicha época. En pleno régimen militar, Congreso brindaba poesía y esperanza, un respiro y una mirada optimista en cuanto al Chile que vendría. “Congreso significaba lucha, resistir en un lugar, resistencia cultural. Éramos los reyes de la metáfora, para sobrevivir, pero la gente que entendía nuestro mensaje, lo entendía muy bien. Era un grupo de una calidad altísima y me siento orgulloso de haber sido integrante”.
Después de esa enriquecedora experiencia, Vasconcellos toma una decisión: dejar la banda y viajar con el objetivo de medirse y perfeccionarse. “Dejé Congreso en un momento en que se me ofreció irme con mis tambores a Brasil y me pareció que no podía dejar pasar la oportunidad. Quería ir a probarme, saber cuánto medía en el universo de los grandes percusionistas”.

El viaje resultó fructífero. En Brasil profundizó sus estudios de percusión y tocó con importantes artistas, entre ellos, Maria Creuza. Sin embargo su mirada siguió siempre atenta a Chile. “Como músico de María Creuza tuve la oportunidad de viajar a Chile varias veces y me di cuenta que había una efervescencia tremenda en 1989. Llegaba la alegría y aunque tenía contactos en Estados Unidos y España, mi corazón me decía que tenía que venirme acá”
A principios de los 90 y antes de regresar, compuso y grabó “Esto es solo una canción”, un álbum registrado en Brasil, pero cuyas piezas evocan añoranza hacia Chile.

El debut fue bien comentado. Vasconcellos decidió entonces establecerse definitivamente en Chile, país que se encontraba retomando su democracia y en 1992 lanza “Verde Cerca”, para muchos, su mejor álbum. Y es que este es el disco que definió su estilo musical. El CD abrió un espectro para fusiones poco experimentadas y que fueron muy bien recibidas por un Chile sediento de baile y movimiento de caderas. Cumbia y Samba- Reggae, afro-rock, raíces, modernidad y urbanidad, el álbum presentó el beat latino que hacía falta.

“Toque” (1995) fue su sucesor, con una gran producción a cargo del argentino Guido Nisenson. El ritmo brasilero, el pop latino y el blues a la chilena de Vasconcellos se apoderaron del dial y llevan al músico por todo Chile.

“Transformación” (1997) siguió el camino de la exploración por los ritmos del continente y las temáticas ecologistas y contingentes, pero incluyó además nuevos elementos, experimentos electrónicos e interesantes colaboraciones y donde participó el poeta mapuche Leonel Lienlaf, quién recitó en mapudungún – lengua originaria de esta etnia chilena – en el tema que dio nombre al disco.

Para entonces Vasconcellos suena en radios y recorre el país. De esta forma se concibió “Vivo” ( 1999), un CD que registró fielmente la comunión entre el artista y su público y resumió las canciones más importantes de su carrera. Este trabajo llevó a Joe Vasconcellos al Festival de Viña del Mar (2000) donde su presentación marcó un hito, por la recepción eufórica del público.
Y llegó la necesidad de realizar una pausa en su carrera que le permitió recobrar cierta tranquilidad y acercarse al cine. De esta forma compone y aporta canciones para las películas chilenas “Taxi para Tres” y “Ogú y Mampato Rapa Nui”, y posteriormente, “Cachimba”.

En el 2003 editó “En Paz”, donde el músico se dio el lujo de convocar a importantes artistas chilenos e internacionales, entre ellos Lunwisga Plaatjies, la sudafricana cantante de Amampondo, cuya participación fue definida por el músico como “una bendición”. Dicho intercambio inauguró una serie de otras colaboraciones y trabajos orientados a la proyección internacional de su trabajo.

Durante ese periodo, se edita en Perú su primer Grandes Éxitos “Dejando Huellas” (2004), trabajo que lo lleva a tocar en el país vecino, graba junto al dominicano Chichi Peralta y realiza sus primeras incursiones en Estados Unidos, donde realiza giras en festivales de World Music, circuito internacional que lo recibe con los brazos abiertos.

El 2005 edita “Banzai” su primer disco independiente, CD para el cual retoma el trabajo con el productor Guido Nisenson y convoca a una banda de lujo. Comprometido con la fundación Oceana e incorporando temáticas referidas a la preservación de los mares y océanos del mundo, el disco lo lleva nuevamente a Estados Unidos, así como también a Suecia y España, país este último donde – mediante un convenio establecido entre la Sociedad Chilena del Derecho de Autor y la SGAE – “Banzai” es editado y el artista realiza un trabajo de promoción orientado a reforzar su presencia en dicho mercado.

Actualmente se prepara para editar un nuevo disco que será lanzado simultáneamente en Chile y España. El noveno disco en su carrera: “Un día nueve, número que para mí tiene muchos significados, nació mi noveno trabajo, “DESTINO”. La reciente pérdida de mi viejo me hizo analizar mi vida de un modo retrospectivo. Chile, mi familia, las “cirandas” de San Juan en Brasil, mi infancia marcada por una realidad latinoamericana, mi mamá enamorada de la cultura española y mis posteriores viajes por el mundo, conforman todo ello un DESTINO, esa cosa mágica que no se puede explicar. Este disco lo considero libre, ecléctico y nada liviano, forma un universo común, pues parte de la cumbia sin ser un disco de cumbias y sabe a flamenco sin ser un disco flamenco. Procuro letras con sentimiento, de doble lectura, todo un legado en sus canciones. Libertad como modo de expresión, grito ante hechos trágicos, ante la hipocresía y el día a día. Posee, al mismo tiempo, el espíritu de hacerlo con alegría, no importa lo que estés diciendo, estás disfrutando de la poesía, la música y la vida”.
Y es que ese es Joe Vasconcellos: un artista con 35 años de carrera, maduro y a la vez, plenamente actual; un músico que sabe combinar como pocos, su amplia experiencia con una energía inagotable. Esa capacidad para fundir raíces y modernidad, lo conecta directamente con el presente, y hace que sus canciones suenen sabrosas y vitales, orgánicas y urgentes. La necesidad de trasmitir su verdad artística y compartir su mensaje humanista y ecologista, lo llevan a buscar continuamente nuevas formas de trabajar y relacionarse con distintos actores que le permiten llevar ese latido esencial a los distintos rincones de Chile y el mundo, donde pueda encontrarse con devotos del tambor y de estas músicas. Crear, renovarse, generar instancias de encuentro, son sus actuales motivaciones, las aspiraciones que lo mantienen vigente y vivo: su más importante desafío.

Pagina: http://www.joevasconcellos.com/

Joe Satriani

Joe "Satch" Satriani es un guitarrista instrumental de rock. Ha recibido 13 nominaciones a los Premios Grammy y ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo.

Satriani está considerado por muchos expertos como uno de los guitarristas más técnicos del rock. Según éstos ha conseguido dominar casi todas las técnicas de ejecución de su instrumento, incluyendo tapping a dos manos, sweep picking, volume swells, tap harmonics, etc. Además es reconocido como un gran profesor de guitarra, entre cuyos alumnos se incluyen Steve Vai, Riff Raff (Halcon), David Bryson (Counting Crows), Kirk Hammett (Metallica), Larry LaLonde (Primus, ex-Possessed), Charlie Hunter, Kevin Cadogen (Third Eye Blind), Alex Scolnick (Testament), el ex-Megadeth, Marty Friedman y Reb Beach (Winger) entre otros.

Historia

Joe Satriani nació el 15 de julio de 1956 en Westbury, New York. Se decidió por la guitarra tras escuchar a Jimi Hendrix. Durante los '70 Satriani se mudó a Berkeley, California persiguiendo una carrera como músico. Fue inspirado por músicos como Allan Holdsworth y Lennie Tristano. Cuando su amigo y antiguo alumno Steve Vai alcanzó la fama tocando con David Lee Roth en 1986, Vai alabó a Satriani en multitud de entrevistas a revistas de guitarra.

Su segundo álbum editado en 1987 y llamado "Surfing with the alien" se considera como el mejor álbum de guitarra instrumental del rock, conteniendo temas como "Always with me, always with you" o "Midnight", según los lectores de la edición española de la revista "Guitarra Total".

En 1989, la canción de Satriani "One Big Rush" (originalmente lanzada como "Flying in a Blue Dream") fue incluida en la banda sonora de Say Anything. En 1994, Satriani ingresa en Deep Purple sustituyendo a Ritchie Blackmore durante la gira de la banda.

En 1996, Satriani forma el G3, una gira de conciertos de tres guitarristas instrumentales de rock -- originalmente Satriani, Steve Vai, y Eric Johnson.

Satriani es criticado habitualmente por la "esterilidad" de su música. Al momento de crear es muy variado y utiliza todo lo que sabe con tal de expresar lo que quiere. Este adjetivo es causado por su música sencilla, donde muchos encuentran clichés en exceso y pocos cambios armónicos. La aparente perfección de su técnica como guitarrista hace que a veces sea descrita como robótica. Por otro lado sus defensores argumentan el hecho de que muy pocos guitarristas pueden alcanzar esta técnica y profundizar con éxito en los más simples estilos como el blues y el rock and roll. En comparación con otros virtuosos contemporáneos, como Yngwie Malmsteen, Paul Gilbert o John Petrucci, Satriani es más lírico.

Satriani ha creado la serie de guitarras Ibanez JS, el amplificador Peavey JSX y el pedal de distorsión SATCHURATOR de la linea Vox.

Pagina: http://www.satriani.com/

P.O.D.

Payable On Death o mejor conocido con sus iniciales P.O.D. es un grupo estadounidense de rapcore/nu metal cuyo nombre significa Pagable al morir (basado en las creencias cristianas del grupo).

Historia

Directamente desde San Diego, California, P.O.D. trajo una fresca mezcla de rock duro, rap, ritmo latino y reggae, y sus creencias a la escena del rock después de formarse en 1991.

El guitarrista Marcos Curiel y el baterista Noah "Wuv" Bernardo formaron la banda, reclutando al primo rapero de Wuv, Sonny Sandoval. El año siguiente la adición de Traa Daniels de Cleveland, Ohio hizo que la banda estuviese completa.

Después de tener todo listo, empezaron a tocar en cualquier parte que los contratara de los cafés a los auditorios. Inicialmente P.O.D. fue estrictamente una sensación subterránea, vendiendo tres EPs caseros en su propio sello, distribuidos por Tooth and Nail y Rescue Records -- Snuff the Punk, Brown y Live, ahora propiedad de flyingleaprecords.net.

Para 1998, con la banda vendiendo más de 40.000 copias de sus lanzamientos hechos por ellos mismos, los sellos importantes empezaron a tomarlos en cuenta y Atlantic finalmente contrató a la banda.

Después de un lanzamiento independiente final, The Warriors EP en 1998, P.O.D. dio el salto a las ligas mayores con The Fundamental Elements Of Southtown, un título de homenaje a sus compañeros de San Diego. El álbum, producido por Howard Benson, creó verdadero revuelo con lo que P.O.D. logró varios premios en los Premios Musicales de San Diego 1999.

El resto del mundo también estaba sintiéndolo. El álbum llegó a ser platino con ventas de 1 millón de copias y la banda logró un espacio en la muy influyente gira OzzFest. También ganó exposición en cines, con "School Of Hard Knocks" incluida en la banda sonora Little Nicky de Adam Sandler.

Todos eso, sin embargo, era sólo un comienzo de las cosas por venir. Su segundo álbum en un sello grande, Satellite lanzado el fatídico 11 de septiembre de 2001, puso a la banda en órbita estelar gracias al himno rockero "Alive." La canción logró volverse un impacto Top 10 en las estaciones de radio de la corriente principal y de Rock moderno.

Una pista siguiente, "Boom" no funcionó tan bien, pero "Youth Of the Nation" marcó el segundo impacto Top 10 Rock en la corriente principal de la banda, y la letra de la canción incluso ingresó al Salón de la Fama del Rock 'n' Roll.

Extrañamente, hubo poca celebración en el campamento de P.O.D. Luego de un tiempo de vacaciones en febrero de 2003 la banda anunció que Marcos se había separado amistosamente de la banda para seguir su propia visión musical.

Con Satellite alcanzando ventas de más de 6 millones de copias, la banda reclutó al nuevo guitarrista Jason Truby como reemplazo y grabó una pista para la banda sonora The Matrix Reloaded, "Sleeping Awake."

La banda resurgió con un nuevo álbum, Payable On Death a finales de 2003 y tempranamente cosechó éxitos como ser certificado Oro por la RIAA a sólo 4 semanas de salir a la venta y obtener el #1 en TRL de MTV con el vídeo para "Will You" en su semana de estreno. Luego con la siguiente pista "Change The World" salió un vídeo grabado en diferentes lugares mostrando unión entre diferentes culturas del mundo, excepto porque el sello nunca lo envió a MTV y no hizo mucho por este disco por renovación dentro de la empresa con todo esto Payable On Death solo logro vender 1.000.000 copias.

El 15 de noviembre del 2005 los rockeros sacaron su segundo "Warriors EP" un mini disco con 7 canciones entre ellas demos y canciones nuevas. En 11 de noviembre se embarcaron en La gira nacional “Fall Brawl”, que también incluye a Taproot obtiendo regulares resultados de el público.

El 24 de enero de 2006 se lanzaron 2 versiones del disco "Testify"¨este disco habla acerca de su fe Cristiana tras su conversión, una ilimitada y una limitada, con canciones inéditas y con bonustrack donde se incluían vídeos y otras cosas. El vídeo del primer single, "Goodbye For Now", alcanzó el puesto número #1 en TRL de MTV obteniendo así un nuevo record con #4TRL en MTV. P.O.D. hizo presentaciones en shows como Wrestlemania 22 de la WWE, en donde cantaron una canción de presentación al luchador Rey Mysterio. En abril comenzaron una nueva gira llamada: The Warriors Tour 2 que cuenta con bandas Pillar, The Chariot, Maylene y The Sons Of Disaster.

El 21 de noviembre de 2006 lanzaron el disco de recopilación de todos sus años en el sello Atlantic Records, llamado "Greatest Hit: The Atlantic Years". Donde, además de poner temas ya concidos, sacan un nuevo tema llamado "Going In Blind".

El 20 de diciembre anunciaron el regreso de Marcos Curiel al grupo que fue anunciado por su sitio. Jason Truby se despidió del grupo para buscar a su familia. Se ha hablado de un nuevo y muy esperado lanzamiento en el 2007 de su nuevo álbum, sin embargo saldrá a la venta hasta el 8 de abril del 2008 con el título "When Angels and Serpents dance".

Pagina: http://www.payableondeath.com/

The B-52's

The B-52's son una banda de New Wave y Rock formada en la ciudad de Athens, Georgia, un importante centro de rock alternativo. El nombre de la banda viene del avión Boeing B-52, bombarderos usados por la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, pero también se refiere al peinado apodado B-52 por su semejanza con la nariz del avión, aunque otra teoría refiere a que el origen del nombre de la banda no esta relacionada con el famoso bombardero americano, sino con un sueño que tuvo Ricky Wilson donde figuraba una banda con el nombre B-52's. Durante los primeros años de la banda, las cantantes Cindy Wilson y Kate Pierson solían llevar estos peinados.

Historia

Wilson y Pierson formaron la banda con el baterista Keith Strickland, el guitarrista Ricky Wilson (hermano mayor de Cindy) y el vocalista Fred Schnaider, luego de una noche en un restaurante chino, y tocaron por primera vez en 1977, en una fiesta del día de San Valentín, para algunos amigos. La música de B-52's está marcada por las voces de Wilson y Pierson, y el tono generalmente monótono (o directamente hablado) de la voz de Schneider. El sonido "new wave" de la banda era una combinación de dance y música de surf, junto con los extraños sonidos de guitarra de Ricky Wilson. También eran distinguibles por su vestuario. Durante el tour "Mesopotamia", las famosas pelucas de la banda fueron encomendadas al cuidado de Jackie Slayton, artista de Athens y amiga de la banda.

Su primer single, "Rock Lobster", grabado en 1978 por DB Records, fue un éxito underground, que llevó a los B-52's a tocar en lugares com CBGB en Nueva York. El lado B de este single era "52 Girls". Se lanzaron dos versiones de este single en el Reino Unido, que tenían como lado B "Running Around". Su primer álbum, "The B-52's", incluía versiones regrabadas de "Rock Lobster" y "52 Girls", junto con seis temas originales y una nueva versión del clásico de Petula Clark "Downtown". El álbum tuvo un éxito inesperado, especialmente en Australia, donde llegó a ser disco de platino. "Rock Lobster" le dio a la banda su primer entrada en el listado Billboard Hot 100. Su siguiente álbum, "Wild Planet", alcanzó el Top 20 en el Billboard 200 en 1980, y obtuvo el disco de oro. "Private Idaho" fue su segunda entrada en el ranking Hot 100; en esta época, los B-52's tocaron en Saturday Night Live y también se presentaron el festival Heatwave en agosto de 1980. "Party Mix!" fue su álbum siguiente, un álbum con remixes que incluía temas de sus dos primeros discos y los presentaba en forma extendida.

A pesar de que las sesiones de grabación con David Byrne (de Talking Heads) fallaron, las grabaciones fueron lanzadas como el disco "Mesopotamia" ("Party Mix!" y "Mesopotamia" luego serían unidos y lanzados juntos en un solo CD). El álbum "Whammy!" en 1983 llevó a la banda hacia música más electrónica y hacia la experimentación con caja de ritmos. Así, "Legal Tender" se convirtió en su tercera entrada a los rakings. Luego de las primeras ediciones de "Whammy!", problemas legales con Yoko Ono sobre copyright, llevaron a reemplazar la canción "Don´t worry" en las nuevas ediciones con "Moon 83", una variación de su tema "There's a Moon in the Sky (Called the Moon)" de su primer álbum. Ricky Wilson, guitarrista de la banda, falleció de SIDA en 1985.

Uno de los puntos más altos de la carrera de la banda, fue su participación en el "Rock-in-Rio" festival de 1985, en Rio de Janeiro, Brasil. En 1989, lanzaron el álbum "Cosmic Thing" (ultimo disco con la participación de Rick Wilson) donde entre otros se destaca el super conocido tema "Love Shack" posicionando la banda nuevamente en el puesto nº 1 de los USA y tornandose un éxito mundial.

En los años '90 fueron elegidos para elaborar la banda sonora de la película Los Picapiedra (1994), con su tema principal Meet the Flinstones (en el videoclip se lee Meat the Flintstones). Aparecen en el largometraje con sus respectivos atuendos prehistóricos, cantando el tema The Bedrock Twitch.

Últimamente la banda esta enfocada en muchas labores de apoyo a ONG's asociadas a los temas de salud y preservación ambiental.

El 25 de marzo de 2008 fue lanzado el más reciente trabajo discográfico de la banda bajo el nombre de "Funplex", este es el primer álbum de estudio de "The B-52's" después de 16 años.

Pagina: http://www.theb52s.com/

James Blunt

James Blunt, nacido como James Hillier Blount el 22 de febrero de 1974 (34 años), es un músico británico cuyo álbum, "Back to Bedlam", y más concretamente el primer sencillo del mismo, "You're Beautiful", le dieron fama en 2005. Su estilo es una mezcla de jazz y soul del norte.

Recientemente una famosa radio británica "vetó" el tema de You´re Beautiful por "hartazgo de la audiencia". Seguramente debido, entre otras cosas, a la incomprensión del sentido dual de la letra. La canción trata supuestamente el tema del amor a primera vista. Pero en el fondo toca otro tema diferente, de ahí el video y el intento de huir de la vida.

Con tan sólo 2 discos en el mercado (2004 y 2007) ha conseguido vender más de 17 millones de copias en sólo 3 años.

Carrera musical

Con el primer debut de James Blunt en el Reino Unido, "You're Beautiful" publicado en mayo de 2005, obtuvo éxito a nivel mundial, siendo número uno en Gran Bretaña varias semanas, por encima de Coldplay, y en multitud de países como: España, Alemania, Italia, Estados Unidos y Argentina.

Su segundo sencillo "High" fue elegido para un anuncio publicitario de Vodafone en Italia, lo que le catapultó a la fama, alcanzando con dicha canción el Top 10. Asímismo, fue elegida para el anuncio de las noticias de Antena 3. Su tercer sencillo, "Wisemen", se quedó en el puesto 44º.

Con su cuarto sencillo "Goodbye my lover" continúa sacando partido a canciones melancólicas con letras tristes y cautivadoras.

En el 2006 sacó su nuevo álbum "Chasing Time: the Bedlam Sessions"; el cual es un cd+dvd. Este incluye grandes de sus temas como "You're beautiful", "High", "Tears and Rain" o "Goodbye my lover", que también figuran en su primer CD. Además en el dvd (en vivo desde los estudios de la BBC) y también en el cd aparece una nueva canción: "Where is my mind", que es un cover de Pixies. Por otra parte en el cd aparecen canciones como "Sugar Coated", "Where is my mind" (ya mencionada), y "Fall at your Feet"; algunas de las cuales figuraban en sus singles.

Existen canciones que no son de James, pero si cantadas por él, y otras que no están en ningunos de sus cds (inéditas), o que están en alguno de sus singles, como: Alright Tonight, Breathe, Chocolate, Close your eyes (En el single "Goodbye my lover"), Dancing days, Don't go, Fall at your feet (Original de Crowded House, en el single "You're beautiful"), Here we go again, I really want you, I want you (Original de Bob Dylan), If there's any justice (Original de Lemar), In a little while (Original de U2, en el single "High"), In flowers, Rocky Racoon (Original de Los Beatles), Same mistake, Sugar-coated (En el primer single de "High"), y Where is my mind (Original de Pixies).

Pagina: http://www.jamesblunt.com/