Los Gatos

Formacion:
Alfredo Toth: bajo
Ciro Fogliatta: teclados
Kay Galiffi: guitarra
Litto Nebbia: voz, armónica y pandereta
Oscar Moro: batería

Banda heredera de Los Gatos Salvajes, tiene origen en 1967 y alcanza un repertorio de 50 temas. Ya en Buenos Aires se presentan cotidianamente en La Cueva, reducto rockero por excelencia. Recuerda Litto Nebbia: «Para llenar toda la noche, de las diez a las cuatro, teníamos un repertorio de más de 100 canciones, además de lo que se improvisaba en el momento. Tocábamos mucha música de relleno, rock, blues, todo tipo de cosa y, entre medio de todo eso, tocábamos canciones mías que estábamos ensayando con la idea a grabar un disco algún día» (V.Pintos, pág 75). El primer simple que logran grabar "La Balsa" / "Ayer Nomás" fue un éxito impredecible: vendió más de 200.000 placas. Lo habían grabado el 19 de junio de 1967 y salió a la venta el 3 de julio.

Con esta misma formación editan los dos primeros LPs: "Los Gatos" (1967) y "Viento dile a la lluvia" (1968). Previamente, se editó como simple un adelanto del segundo LP: "Viento dile a la lluvia", que alcazó a vender cerca de 100.000 copias.

Esta banda, si bien aún con inocencia y timidez, comenzó a delinear un lenguaje propio para el rock argentino. «Ninguno de nosotros se dio cuenta en ese momento de que éramos el nacimiento de un movimiento», reconoce Oscar Moro. «Había mucha bohemia y lo que queríamos de corazón era hacer lo que planeábamos. Jamás pensamos que el tema podía pegar tanto y que íbamos a ser uno de los grupos pilares del rock de acá. No nos dábamos cuenta, lo vivíamos de otra manera; nunca pensamos que se podría convertir en algo tan grande» (Pintos, pág 151).

En septiembre de 1968 salieron de gira por Sudamérica: Paraguay, Bolivia, Uruguay y el Festival de la Canción de Río de Janeiro. Allí presentaron "Seremos amigos", el tema que daría nombre al tercer disco (1968), más moderno, rozando casi con lo psicodélico.

A comienzos de 1969 la banda se separó momentáneamente. Durante nueve meses, todos los integrantes de la banda, con excepción de Nebbia, viajaron por Estados Unidos, conociendo la música local, escuchando a los "grandes del momento" y llegando, incluso, a grabar un simple con un cantante norteamericano, que quedó inédito. En el interín, Nebbia inició su carrera solista, filmando la película "El extraño de pelo largo" y lanzando su primer LP.

Los Gatos retomarían el camino al año siguiente con "Beat Nº1", con Pappo en el lugar de Kay. En este álbum se notan claramente los dos estilos: el melódico de Litto (en "Sueña y corre") y el rockero que imponía Pappo ("Hogar").

"Rock de la mujer podrida" era el título para el siguiente LP, pero por problemas de la censura sería cambiado por "Rock de la mujer perdida" (1970). Este, el último, será el álbum más rockero y, para muchos, el mejor.

A mediados de 1970 Pappo ya abandonó la agrupación para formar su propia banda. Nebbia pasará a tocar el bajo y Toth ocupará el lugar del guitarrista alejado. "Le estamos sacando otro sonido al conjunto", anticipaban. Sin embargo la suerte ya estaba echada: un simple de baja repercusión y una serie de recitales signaron el adios definitivo a este grupo clave de la música nacional. A partir de ese momento, Litto Nebbia continuaría su carrera como solista.

Con motivo de cumplirse los cuarenta años de aquél debut, la banda volvió a reunirse. Realizó shows en Rosario y en Buenos Aires, y editó un disco en vivo con esas presentaciones.

Nirvana

Nirvana fue una célebre banda estadounidense de rock, procedente de Aberdeen, Washington. Con el éxito del sencillo "Smells Like Teen Spirit", del álbum Nevermind, Nirvana escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era punk underground y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como "grunge". Otras bandas de la escena musical de Seattle como Alice in Chains, Pearl Jam y Soundgarden también obtuvieron popularidad y, como resultado, el rock alternativo se convirtió en un género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de 1990.

Como líder de la banda, Kurt Cobain se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como "la voz de una generación", y a Nirvana como la "banda símbolo" de la "Generación X" [1]. Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio In Utero. Aunque la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum, buena parte de su audiencia alabó el interior "oscuro" de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.

La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, "You Know You're Right", un demo nunca terminado que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. Desde su debut, la banda ha vendido más de 50 millones de álbumes a nivel mundial[2], incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en los Estados Unidos[2][3]. Su música continúa siendo emitida por estaciones de radio de todo el mundo.

Historia

Primeros Años - Primer Álbum: Bleach

Kurt Cobain y Krist Novoselic se conocieron en 1985. Ambos eran seguidores de The Melvins y frecuentemente se les veía en el local de ensayo de la banda[4]. Cobain incluso había tocado con ellos en algunas ocasiones el año anterior. Después de un par de intentos fallidos de formar grupos –primero como The Sellouts, una banda que versionaba canciones de Creedence Clearwater Revival (con Cobain en batería, Novoselic en guitarra y voces y Steve Newman en bajo) y luego como Fecal Matter (con Matt Lukin en batería), el dúo reclutó al baterista Aaron Burckhard, creando así la primera encarnación de lo que se convertiría posteriormente en Nirvana. En los meses iniciales, Cobain y Novoselic trabajaron con varios baterías, entre ellos Dale Crover de The Melvins, que tocaría en sus primeras demos. Al mismo tiempo, la banda pasó por varios nombres, incluyendo Skid Row, Pen Cap Chew y Ted Ed Fred, antes de llamarse Nirvana, en febrero de 1988. Un par de meses más tarde, finalmente encontraron a un batería "permanente", Chad Channing, por medio de un aviso colocado en un periódico de Seattle que rezaba "banda de punk rock con influencias de Aerosmith, Led Zeppelin, Black Sabbath, Black Flag, Scratch Acid y Butthole Surfers busca baterista".

En 1988 firmaron un contrato con la discográfica independiente Sub Pop, por medio de la cual fue lanzado su primer álbum, Bleach. Bleach estaba influenciado principalmente por The Melvins, Mudhoney, y el rock clásico de los años 70 de Black Sabbath y Led Zeppelin. Novoselic comentó en una entrevista, en 2001, con la revista Rolling Stone que habían escuchado en medio de una gira, álbumes de The Smithereens y de la banda de black metal Celtic Frost, y también dijo que la combinación pudo servir como influencia [5]. Bleach se convirtió en un álbum favorito de las estaciones universitarias de radio de Estados Unidos, pero aún no ofrecía muchas pistas sobre en qué se iba a convertir la banda dos años más tarde.

Aunque no participó en el álbum, Jason Everman fue incluido en los créditos como segundo guitarrista, en agradecimiento por pagar las sesiones de grabación: una suma de 606,17 dólares. Al acabar el álbum, Everman permaneció brevemente en la banda como segundo guitarrista, pero salió al finalizar la primera gira por los Estados Unidos.

A comienzos de los 90, Nirvana empezó a trabajar con el productor Butch Vig para grabar el segundo álbum de estudio, titulado provisionalmente Sheep[6]. Durante las sesiones, Kurt y Krist coincidieron en que Chad no era el batería que necesitaban, y en un acuerdo mutuo éste dejó la banda después de finalizadas las sesiones. Después de estar unas semanas con Dale Crover, contrataron al batería de Mudhoney Dan Peters, con quien grabarían la canción "Sliver". Posteriormente el mismo año, Buzz Osborne de The Melvins les presentó a Dave Grohl, quien buscaba un nuevo grupo debido a la ruptura de la banda de hardcore punk en la que militaba, Scream, procedente de Washington, DC.

Éxito comercial: Nevermind

Siguiendo recomendaciones de Kim Gordon, integrante de Sonic Youth, David Geffen contrató a Nirvana para DGC Records en 1990 a un costo de 287.000 dólares (y 75.000 dólares a Sub Pop, más un dos por ciento de los beneficios de los discos). La banda empezó a grabar su primer álbum con una gran compañía discográfica. El resultado, Nevermind, es ahora considerado un clásico.

Para el álbum, la banda decidió continuar trabajando con Vig, pero en vez de seguir grabando en el estudio propiedad de Vig en Madison, Wisconsin, como en 1990, decidieron ir a los estudios "Sound City" en Los Ángeles. Durante dos meses, trabajaron en gran variedad de canciones. Algunas de ellas, incluyendo "In Bloom" y "Breed" llevaban ya tiempo en su repertorio, mientras que canciones como "On a Plain" y "Stay Away" no estaban todavía terminadas, y hubo que escribir sus letras en medio del proceso de grabación.

Después que se completaran las sesiones de grabación, Vig y la banda aguardaron el resultado de las mezclas. No quedaron sin embargo satisfechos con los primeros resultados, por lo que decidieron buscar a alguien para que mejorara las mezclas. Pidieron a Gary Gersh, de Geffen, que les diera una lista de posibles seleccionados. La lista contenía varios nombres familiares, como Scott Litt (conocido por trabajar con R.E.M.) y Ed Stasium (conocido por su trabajo con The Smithereens). Sin embargo, Cobain temía que trabajar con productores conocidos hiciese que el álbum sonara como la música de esas bandas. Decidió escoger al último nombre de la lista, junto al nombre 'Slayer': Andy Wallace. (Wallace co-produjo el álbum de Slayer Seasons in the Abyss).

Wallace llevó el álbum a una altura completamente diferente, añadiendo capas de reverberación y "trucos" de estudio para que no fuera tan "oscuro". Pocos meses después del lanzamiento del álbum, Cobain se quejó en la prensa, alegando que Wallace había hecho el sonido de Nevermind demasiado "ligero", olvidando que la banda había escogido a Wallace y que había participado en el proceso de grabación y mezcla [7]. Aunque la banda estuviera decepcionada con el sonido del álbum, Wallace había hecho "desaparecer" con éxito sus raíces indie y creado un rock "amigable" a listas y radios que otros intentarían imitar durante la siguiente década.

Inicialmente, la expectativa de ventas para Nevermind no superaba las 500.000 copias. Sin embargo, el álbum recibió certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. "Smells Like Teen Spirit" recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard, inspirando a un puñado de imitadores y llevando al sonido grunge y alternativo a los listados. La popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a Nevermind. El 11 de enero de 1992, con 12 millones de copias vendidas, el álbum alcanzó la cima del listado de álbumes de Billboard, quitando del primer lugar a Dangerous de Michael Jackson[8], un hecho considerado símbolo de la subida de la música alternativa sobre el pop. Además, la llegada de Nevermind ayudó a la entrada en las listas de varios álbumes de grunge como "Ten" de Pearl Jam y "Badmotorfinger" de Soundgarden[9]. Alegando cansancio (en buena parte por algunos problemas de voz que Cobain sufrió), y después de un corto tour junto a Pearl Jam y Red Hot Chili Peppers por la costa este estadounidense, y de uno por Australia y Japón, la banda decidió no embarcarse en una gira en la primavera de 1992 por Estados Unidos para promocionar Nevermind (pese a hacer presentaciones promocionales en el popular programa Saturday Night Live y en MTV)[10], optando por hacer varias actuaciones posteriormente ese mismo año.

En febrero del 92, al finalizar el tour por el Pacífico, Cobain se casó con Courtney Love en Hawaii. En agosto, Love dio luz a una hija, Frances Bean. Días después del nacimiento, Nirvana tocó uno de sus conciertos más conocidos, como uno de los actos centrales del Festival de Reading en Inglaterra. Cobain entró al escenario en una silla de ruedas y con una peluca, parodiando los rumores sobre su estado mental, luego se paró y se unió a Novoselic y Grohl, tocando uno de los conciertos más variados de la banda, añadiendo a la lista canciones que aún no habían sido lanzadas y versiones de 'The Money Will Roll Right In' de Fang, 'D-7' de The Wipers, Novoselic cantó a manera de introducción de Smells Like Teen Spirit, "More than a Feeling" de Boston (que se asemeja al riff de 'Teen Spirit') y también tocaron una versión estilo Jimi Hendrix de The Star-Spangled Banner[11][12]. En medio del concierto, Cobain relató al público sobre el reciente nacimiento de su hija, y logró que la gente gritara "¡Te amamos, Courtney!" al unísono. Grohl confesó, en 2005 en el programa radial Loveline, que la banda creía que el concierto sería un completo desastre, por todo lo que había pasado en los meses anteriores y que no habían ensayado desde junio. Sin embargo, el directo terminó siendo uno de los más memorables de sus carreras.

Un par de semanas más tarde, Nirvana hizo otra presentación memorable en los MTV Video Music Awards de 1992. Cobain creyó que con el éxito, la cadena musical le permitiría tocar su nueva canción, "Rape Me". Los ejecutivos de MTV, que preferían el éxito "Smells Like Teen Spirit", estaban aterrorizados, pensando que era una canción en contra de ellos (debido a que "Rape" no sólo significa "violar" en inglés, también significa "esclavizar"), y dejaron que la banda tocara su sencillo "Lithium". Al comienzo de la actuación, Cobain tocó y cantó las primeras notas de "Rape Me", lo cual le dio un buen susto a MTV, que terminó cuando la banda comenzó a tocar "Lithium". Cuando entraban a la parte final de la canción, Novoselic estaba frustrado porque el amplificador de su bajo dejó de funcionar y, para dar un "aire dramático", lo lanzó al aire. Para su infortunio, el bajo cayó en su frente y lo dejó dolorido. Cuando terminó la canción y mientras Cobain estaba haciendo la "clásica" destrucción de intrumentos que se hacía al final de casi cada presentación, Grohl se acercó al micrófono y empezó a gritar "¡Hi, Axl!", refiriéndose al vocalista de Guns N' Roses Axl Rose, con el cual la banda y Courtney habían tenido un altercado previo a la presentación de la banda [13].

En diciembre de ese mismo año lanzan Incesticide, una colección de lados b y rarezas. Varias de las sesiones radiales de la banda en la BBC y material temprano no lanzado empezó a circular por medio de los círculos ilegales de venta de música. Entonces el álbum sirvió para frenar a los involucrados en el negocio, que incluía a seguidores que grababan conciertos sin autorización. El álbum contuvo canciones favoritas de seguidores como "Sliver", "Dive", "Been a Son" y "Aneurysm", así como algunas versiones de canciones de The Vaselines, una banda que resultó popular como resultado de las versiones que hizo Nirvana.

Trabajo experimental: In Utero

Para In Utero, la banda escogió trabajar con el productor Steve Albini, conocido por su trabajo en Surfer Rosa de Pixies. Las sesiones con Albini fueron productivas y notablemente rápidas: la versión inicial del álbum fue grabada y mezclada en 2 semanas, lejos de los meses de grabación y mezcla en Nevermind. La grabación se hizo en los estudios "Pachyderm", en Minnesota.

Usar a Albini como productor fue una jugada deliberada por parte de Nirvana para darle al álbum un sonido menos "artificial", como si la banda hubiera querido alienar o distanciarse de su nueva audiencia que le prestó poca o nula atención a las bandas alternativas, oscuras, o experimentales que Nirvana intentó apoyar (como es el caso de The Jesus Lizard). Por ejemplo, una de las canciones del álbum, llamada irónicamente "Radio Friendly Unit Shifter", mostraba prolongados periodos de ruido de feedback o "retroalimentación". (En la industria musical, un álbum "amigable a la radio" ("radio friendly") es descrito como un álbum "ideal": capaz de alta rotación radial y de vender varias copias, o "unidades"). Sin embargo, Cobain insistió que el sonido de Albini era simplemente el que Nirvana quería, una grabación "natural", sin muchas capas de "trucos" de estudio.

Después de su lanzamiento, los seguidores pensaron que la banda quería esta "distorsionada obra maestra". En realidad, la banda no estaba contenta con algunos aspectos de las mezclas de Albini. Específicamente, pensaron que los niveles del bajo eran muy graves[14], y Cobain sintió que "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" no sonaban "perfectas". El productor por largo tiempo de R.E.M., Scott Litt, fue llamado para ayudar a mezclar estas dos canciones, con Cobain adicionando instrumentación y vocales. Litt también mezcló "Pennyroyal Tea", pero la versión de Albini fue usada en el álbum. (DGC planeó posteriormente lanzar la mezcla de Litt como un sencillo)

Con In Utero, la banda también se enfrentó a la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estanterías, alegando que títulos de canciones como "Rape Me" y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy "controvertidos" para cadenas "orientadas a la familia". Entonces la banda aceptó cambiar el arte del álbum, lanzando una versión "limpia", que también cambiaba el nombre de "Rape Me" por "Waif Me". Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de "Pennyroyal Tea", la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (especialmente en el centro de los Estados Unidos) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenas de almacenes como Kmart[15].

Aunque "Heart-Shaped Box" tuvo buena aceptación por parte de las emisoras alternativas y mainstream, e In Utero debutó en el número 1 en la lista de álbumes de Billboard, el álbum no gozó del mismo éxito de Nevermind. Cuando la banda se embarcó en la gira estadounidense de In Utero, la primera desde el éxito de "Smells Like Teen Spirit", regularmente tocó en auditorios a medio llenar, principalmente por la falta de gira para la promoción de Nevermind y por el nuevo y "retador" lanzamiento. (Para la gira promocional de In Utero, la banda añadió a Pat Smear de la banda de punk rock The Germs como el segundo guitarrista.)

En noviembre de 1993, el grupo decide detenerse en la gira y graba una aparición en MTV Unplugged. Las sesiones revelan la profundidad de las composiciones de Cobain, que frecuentemente estaban "enterradas" bajo el "agresivo" sonido de la banda. La selección de canciones también demostró el gran interés musical de Cobain por su selección de canciones originales de David Bowie, The Vaselines, Meat Puppets (que acompañó en las tres canciones suyas que la banda versionó), y del cantante de folk estadounidense Leadbelly. Éste se convirtió en uno de los momentos más importantes de la banda, que sería amplificada por la tragedia que se avecinaba.

La muerte de Cobain

A comienzos de 1994, la banda se embarcó en una gira por Europa. Aunque el tour comenzó bien, los conciertos gradualmente declinaron, con la imagen de un Cobain aburrido y distraído durante los conciertos, particularmente durante el paso por Italia. Después del directo en Terminal Eins en Munich, Alemania, el 1 de marzo, Cobain fue diagnosticado con bronquitis y laringitis severa. El espectáculo de la noche siguiente fue cancelado. En la mañana del 4 de marzo, en Roma, Cobain fue encontrado inconsciente por Courtney Love y fue llevado a un hospital. Un médico declaró en una rueda de prensa que el cantante reaccionó a una combinación de Rohypnol y alcohol. El resto del tour fue cancelado, incluyendo una visita planeada (después de 2 años sin ir) al Reino Unido.

En las semanas posteriores, la adicción a la heroína de Cobain reapareció. Una reunión fue organizada por familiares y amigos de Kurt Cobain y convencieron a éste para entrar en rehabilitación. Con menos de una semana en rehabilitación, Cobain escapo del centro de rehabilitación y voló hacia Seattle. Una semana más tarde, el viernes 8 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto por un electricista en su casa de Seattle.

Después de la muerte de Cobain

Lanzamientos

Varios álbumes han sido lanzados desde la muerte de Cobain. El primero salió en noviembre de 1994 con la presentación grabada un año atrás en MTV Unplugged, bajo el título de MTV Unplugged in New York. Este álbum contuvo las apariciones de los miembros de Meat Puppets, así como las versiones de canciones de Leadbelly, The Vaselines y David Bowie.

Dos semanas después del lanzamiento de Unplugged in New York, una compilación de vídeo llamada Live! Tonight! Sold Out!!, fue lanzado. Cobain había compilado una parte significativa del video, que documentaba buena parte del tour promocional de Nevermind. Material "memorable" del vídeo incluía un infame incidente con un guardia de seguridad en un club de Texas en Octubre de 1991, así como la versión de "Aneurysm", con los miembros del grupo vestidos de mujer, en el festival Hollywood Rock en Río de Janeiro, Brasil en Enero de 1993.

La intención original era la de lanzar Unplugged in New York como disco doble, junto a un disco de material eléctrico en vivo para balancear el contenido acústico. Sin embargo, los dos miembros restantes de la banda, estaban emocionalmente afectados para compilar el álbum eléctrico, al pasar tan poco tiempo desde la muerte de Cobain [17]. El álbum, una compilación de grabaciones de conciertos de Nirvana, finalmente fue lanzado en Octubre de 1996, titulado From the Muddy Banks of the Wishkah.

En agosto de 1997, el sitio web de noticias musicales Wall of Sound reportó que Grohl y Novoselic estaban organizando un box set de rarezas de Nirvana [18]. Cuatro años más tarde, el sello discográfico de la banda anunció que el box set estaba completo y sería lanzado en septiembre para conmemorar el décimo aniversario del lanzamiento de Nevermind. Sin embargo, poco antes de la fecha de lanzamiento, Courtney Love detuvo el lanzamiento y demandó a Grohl y a Novoselic, alegando que "estaban secuestrando el legado de Nirvana para sus intereses personales". Lo que siguió fue una larga batalla legal sobre quién era el dueño de la música de Nirvana que duró más de un año [19].

Buena parte de la batalla legal se centró en una canción no lanzada, "You Know You're Right", la grabación final de estudio de la banda. Grohl y Novoselic querían incluirla en el box set, intentando lanzar todas las rarezas de una vez. Love, sin embargo, alegó que la canción era más importante que una "rareza", y que debía ser incluida en una compilación de "grandes éxitos". Después de más de un año de enfrentamientos públicos y legales, las partes firmaron un acuerdo, acordando el lanzamiento inmediato del álbum de "grandes éxitos", incluyendo esta canción, bajo el título de Nirvana. A cambio, Love estuvo de acuerdo en donar demos en casete grabados por Cobain para el uso en el box set.

Los seguidores de la banda tuvieron el primer contacto con "You Know You're Right" a comienzos de 1995 cuando Love tocó una versión de la canción con su banda Hole en MTV Unplugged bajo el título de "You've Got No Right". Una versión temprana de la canción tocada por Nirvana en su concierto el 23 de octubre de 1993 en el Aragon Ballroom de Chicago salió a la luz pública en los círculos de compra y venta de casetes de Nirvana unos pocos meses después. En los años posteriores, los rumores de la existencia de una versión de estudio de la canción empezaron a circular y creció hasta alcanzar proporciones casi "míticas". Para los seguidores, la primera confirmación real de la existencia de esta versión apareció noviembre de 2001 cuando Access Hollywood difundió un clip de diez segundos como parte de una entrevista con Love. En mayo de 2002, varios clips de mayor duración aparecieron en la Internet por medio de una fuente desconocida, que anunció que planearía lanzar la canción completa. Sin embargo, la fuente declinó sus intenciones, temiendo acciones legales. Cuando la batalla legal estaba a punto de ser finalizada en septiembre de 2002, la canción completa apareció por este medio, días antes del anuncio del lanzamiento de Nirvana. Inclusive si la versión de estudio era un "borrador" con letras sin terminar, a los seguidores e inclusive a los no seguidores de la banda les gustó la canción, convirtiéndola en una de las canciones más rotadas en la radio alternativa entre 2002 y 2003.

Nirvana fue lanzado el 29 de octubre de 2002. Junto a "You Know You're Right", el álbum contuvo éxitos de sus tres álbumes de estudio, así como mezclas y grabaciones de canciones familiares. Después de su lanzamiento, varios seguidores de largo tiempo se quejaron sobre la selección de canciones, justificando que la versión alterna de "Been a Son" (del EP Blew) no era la versión preferida de la banda, y que faltaban canciones como "Sappy" (originalmente lanzada en la compilación No Alternative como "Verse Chorus Verse"), que había recibido significante rotación en los Estados Unidos después de la muerte de Cobain. Los seguidores fuera de los Estados Unidos cuestionaron la inclusión de la versión Unplugged de "All Apologies" (en vez de lanzar la versión del sencillo, incluida en In Utero) y la versión de Bleach de "About a Girl" (cuando la versión Unplugged fue un sencillo muy popular en 1994). También, con un tiempo de duración de menos de cincuenta minutos, había ciertamente suficiente espacio para incluir otros éxitos, como "Love Buzz", "Drain You", "Aneurysm", y "Where Did You Sleep Last Night?" (que sería posteriormente incluida en algunos lanzamientos no estadounidenses del álbum).

En noviembre de 2004 finalmente se lanzó el box set, titulado With the Lights Out. Éste contenía una vasta compilación de demos de Cobain, grabaciones de ensayos y rarezas, y canciones en vivo grabadas durante toda la historia de la banda. Seguidores de largo tiempo de la banda tuvieron la oportunidad de escuchar las grabaciones de demos jamás terminados como "Old Age" y "Verse Chorus Verse" (una canción diferente a "Sappy"), grabados en las sesiones de Nevermind. Otra canción notable en el box set fue un demo acústico de una canción llamada "Do Re Mi", grabada por Cobain en su habitación. La canción demostró que inclusive en sus dramáticos días finales, Kurt todavía tenía ese "don" para la melodía que había demostrado años atrás en canciones como "About a Girl".

Una compilación de "lo mejor del box set" titulada Sliver: The Best of the Box fue lanzada en otoño de 2005. El CD compiló diecinueve canciones del box set junto a tres canciones no lanzadas, incluyendo una versión de la canción "Spank Thru" del demo de 1985 Fecal Matter. De acuerdo a Rolling Stone, Frances Bean Cobain coloboró en la selección del título y de la portada [20]. El año siguiente vio el lanzamiento de la edición en DVD de Live! Tonight! Sold Out!! con mejoras en la calidad de imagen y material inédito nunca antes visto.

En una entrevista en el 2002 con Jim DeRogatis[21], Courtney Love describió los innumerables casetes de ensayos, demos y grabaciones en la habitación que habían quedado después de la muerte de Cobain. Por ejemplo, una versión de cuatro pistas de "Do Re Mi" fue aparentemente grabada con Kurt en batería, Pat Smear en la guitarra, y Eric Erlandson en el bajo, una semana antes de su muerte. Se espera que cualquier canción de este archivo que no haya sido lanzada vea la luz algún día no muy lejano.

Proyectos post-Nirvana

En los años posteriores a la disolución de Nirvana, sus dos miembros vivos siguieron activos. Después de la muerte de Cobain, Grohl grabó una serie de demos que finalmente se convirtieron en el álbum debut de los Foo Fighters. Además, Grohl ha participado como baterista para bandas y artistas como Tom Petty and the Heartbreakers, Mike Watt, Queens of the Stone Age, Tenacious D, Nine Inch Nails, Garbage, Cat Power y Killing Joke, además de participar como guitarrista en el álbum Heathen de David Bowie. También grabó un álbum de canciones de metal con varios de sus cantantes favoritos de metal de inicios de los 80s bajo el nombre Probot.

Posterior al fin de Nirvana, Novoselic formó Sweet 75. Más recientemente, fundó Eyes Adrift con Curt Kirkwood (ex-Meat Puppets) y Bud Gaugh (ex-Sublime). También tocó en la banda No WTO Combo con Kim Thayil de Soundgarden y Jello Biafra de Dead Kennedys, que se presentó coincidencialmente en una de las fechas en que se realizaba la reunión de la OMC de 1999. Otras colaboraciones de Novoselic incluyen tocar en una canción junto a Johnny Cash para el álbum tributo a Willie Nelson de 1996 Twisted Willie, así como tocar el piano en "Against the 70s" para el álbum de Mike Watt Ball-Hog or Tugboat? (en el que también participó Grohl, y varios músicos de grunge y rock alternativo como Eddie Vedder de Pearl Jam, Flea de Red Hot Chili Peppers y Thurston Moore de Sonic Youth).

Más significativamente, Novoselic se ha convertido en un activista político, fundando el comité de acción política JAMPAC para apoyar los derechos de músicos. En 2004, lanzó un libro titulado Of Grunge and Government: Let's Fix This Broken Democracy (Del Grunge y el gobierno: Reparemos esta democracia rota), que cubría su pasado musical y su carrera política. Durante la campaña presidencial en Estados Unidos de 2004, Grohl y Novoselic aparecieron en escena para apoyar la campaña de John Kerry.

Aunque Nirvana llegó a un repentino final después de su último concierto en Munich, los miembros restantes (incluyendo a Pat Smear) ofrecieron una despedida a los seguidores de la banda. Al final de la presentación de Foo Fighters en el festival Bumbershoot de 1997 en Seattle, Grohl saltó hacia la batería, con Novoselic entrando con el bajo en mano. El trío (Grohl, Novoselic y Smear) entusiasmó al público con versiones de "Purple Rain" de Prince y "Communication Breakdown" de Led Zeppelin. La corta actuación sirvió como un agradecimiento a Seattle y a todos los que apoyaron a Nirvana durante su corta pero inolvidable carrera.

Licenciamiento

A finales de marzo de 2006, la revista Rolling Stone publicó un artículo en el cual afirmaba que Courtney Love tenía un acuerdo con Larry Mestel, ex-presidente de Virgin Records y actual jefe de Primary Wave Music Publishing, para vender el 25 por ciento del catálogo de canciones de la banda (del cual ella poseía un 98 por ciento)[22]. Love declaró, ante los temores de varios seguidores que la música de "una banda declaradamente anticorporativa" fuera "expuesta a la sobrecomercialización", que "se mantendría el espíritu de Nirvana". Previamente se especuló que la compañía Elevation Partners, de la cual forma parte Bono, el cantante de U2, compraría parte de los derechos[23].tambien se dice que la banda había compuesto un albun que nombraria "I'm happy, I´m want to suicide" que nunca fue editado.

Miembros

- Kurt Cobain †- voz, guitarra
- Krist Novoselic - Bajo
- Dave Grohl - batería (1990-1994)
- Chad Channing - batería (1988-1990)
- Dale Crover - batería (1985, 1987-1988, 1990)
- Dave Foster - batería (1988)
- Aaron Burckhard - batería (1987-1988)
- Dan Peters - batería (1990)

Pagina: http://www.todonirvana.com

The Misfits

The Misfits es una banda de punk rock pionera del subgénero horror punk formada en 1977 en Lodi (Nueva Jersey) por Glenn Danzig, Jerry Only y Manny Martínez. A lo largo del tiempo el grupo se ha caracterizado por componer canciones basadas en películas de terror y ciencia ficción. La banda, que tomó su nombre de la última película realizada por Marilyn Monroe, se disolvió en 1983 y se volvió a formar en 1995 ya sin Glenn Danzig como líder creativo.

Historia

La apariencia y forma de actuar de The Misfits tanto por su imagen terrorífica como por su actitud agresiva dentro y fuera del escenario, han sido sus características distintiva en la escena hardcore punk. A lo largo de su carrera, el grupo ha pasado por dos etapas claramente definidas, la primera con el vocalista Glenn Danzig hasta 1983 y la segunda, desde 1995, primero con el vocalista Michale Graves y luego incorporando a tres integrantes de los principales grupos de punk rock de la primera ola: Marky Ramone (The Ramones) en la batería, Dez Cadena (Black Flag) en la guitarra y Jerry Only el único que ha tocado en todos los álbumes del grupo, como vocalista y bajista.

La banda fue formada en el año 1977 en los Estados Unidos. La primera etapa de Misfits duró 6 años, desde 1977 hasta 1983, y culminó debido a diferencias entre Glenn Danzig y los otros integrantes de la banda (Jerry Only y su hermano el guitarrista Doyle Wolfgang von Frankenstein). Ellos dos fueron los encargados de la llamada "resurrección" de Misfits en su segunda etapa, que se comenzó a idear a fines de los años 1980 pero debido a problemas legales con Danzig la vuelta del grupo se concretó recién en 1995 con un nuevo vocalista, Michale Graves, y baterista Dr. Chud. Sin embargo, esta etapa duró solo cinco años hasta que en el año 2000 nuevas diferencias surgieron entre los integrantes de la banda generando la salida de ella en primer lugar de Graves y Dr. Chud y luego de Doyle. Desde 2005, Misfits ya no cuenta con Marky Ramone en la batería lugar que ocupa otro veterano de la vieja escuela punk como lo es el colombiano ROBO que ya había tocado anteriormente en Misfits entre los años 1982 y 1983 cuando grabó el disco Earth A.D. En 2007 la banda celebra su 30° aniversario con una serie de recitales por Europa y los Estados Unidos.

Misfits ha influenciado, entre otros, a grupos como Metallica (que realizó covers de "Last Caress" y "Green Hell"), Pantera, Guns n' Roses, Green Day, NOFX y aiden (que realizó el cover de la canción "die, die my darling"), My Chemical Romance (que versionó el tema "Astro Zombies" del álbum Walk Among Us).

Pagina: http://www.misfits.com

RIFF

Formacion:

Boff Serafine: guitarra
Pappo: guitarra y voz
Vitico: bajo
Juan García Haymmes: voz
Michel Peyronel: batería y voz

«Algo nuevo se estaba gestando, de eso no cabían dudas. Las palabras "heavy-metal" comenzaban a escucharse cada vez más, los conciertos metálicos comenzaban a poblarse de chicos vestidos como motociclistas, o mejor dicho, con sus ropas y accesorios: camperas de cuero, botas, jeans, cinturones y las infaltables tachas y cadenas (...) Tampoco faltaban los cuernitos hechos con la mano ni toda una parafernalia de referencias satánicas. Todo esto le daba casi un aire místico y ceremonial a los conciertos y, al mismo tiempo, iba delineando las características de lo que se venía: música fuerte, violenta, agresiva, acorde para acompañar los tiempos que se vivían.» (F.Blumetti / C.Parise, págs 36-37).

El 14 de noviembre de 1980 se realizó un recital titulado "Adiós Pappo's Blues, Bienvenido Riff". Nacía así esta banda sucesora del primer grupo de Pappo, que cambiaría el panorama del rock pesado.

El primer álbum ("Ruedas de metal", 1981) fue grabado ya sin Haymmes y contó con una amplia difusión, no solamente en radios, sino también a través de ATC. Si bien ya habían tocado junto a Plus, su primer show propio en Obras tuvo lugar en diciembre de 1981, en la presentación de "Macadam...", el segundo disco. Ya para entonces el pelo largo, las ropas de cuero y las tachas eran distintivos de la banda, así como la agresividad hacia el resto de los músicos. Allí comenzó la violencia que caracterizó a este grupo.

El creciente éxito y el gran despliegue escénico se fueron acentuando en 1982: se presentaron nuevamente en Obras, participaron del Festival B.A.Rock y en la película allí registrada y grabaron la tercera placa, "Contenidos", con los populares temas "Susy Cadillac" y "La pantalla del mundo nuevo". En La Falda '83 realizaron uno de sus mejores shows, según las crónicas de la época.

En marzo de 1983 se incorporó Danny Peyronel, tecladista hermano de Michel, que provenía de Estados Unidos. La primera actuación como cuarteto tuvo lugar en abril, en el estadio Obras, donde se aprovechó para registrar un álbum doble en vivo, luego titulado "En acción". En esos conciertos se registraron unos de los incidentes más violentos que se recuerden en el rock argentino: los periódicos lo calificaron de "escándalo" y los detenidos superaron los 150. Allí comenzó a hacerse referencia a Riff como "la banda maldita", y todo el heavy-metal se lo consideró violento por naturaleza. «Sólo bastó que yo sacara una cadena en el escenario; lo hice porque venía de otros países donde no existía la represión. Una forma de luchar contra esa represión era, para mí, pegar cadenazos. Rompía guitarras, armaba un quilombo infernal en el escenario y el público empezó a venir a ver», declaró Pappo. Michel Peyronel completa: «La filosofía básica de Riff no incita a la violencia, sino a la dureza. La juventud tiene toda una energía terrible que no se puede negar. Son formas de divertirse, de pasarla bien».

Intentando cambiar su imagen, se organizó un recital en la cancha de Ferro, con Los Violadores como soporte, denominado "Riff termina el año sin cadenas". Ese 17 de diciembre también se registraron incidentes, que obligaron incluso a terminar el show antes de lo previsto. Las críticas volvieron a incrementarse, al punto de tornar imposible cualquier presentación de la banda sin asociarla con la violencia. Danny Peyronel retornó a Estados Unidos, Boff comenzó a ensayar con el grupo Boxer y Pappo retomó su carrera solista, al igual que Michel. Sin anunciarlo oficialmente, Riff estaba virtualmente disuelto.

En 1985 se concretó el retorno de la banda, con Pappo, Vitico, Juan Antonio Ferreira, «JAF» (guitarra y voz) y Oscar Moro (batería). Sin variar demasiado su estilo característico, grabaron el disco "VII" y lo presentaron en Obras, sin la repercusión de otras épocas. Realizaron una serie de shows en pubs y discotecas, ya con Jota Morelli en batería, para entrar en una etapa de peleas internas que culminaron con una nueva disolución del grupo.

Con presentaciones en Obras, Riff renació nuevamente en julio de 1990. «Es que Riff se va y vuelve cuando quiere», explicaba Michel.

A mediados del 2004, previo a un show en Córdoba, Pappo, Vitico y Michel dejaron entrever que continuarían con esos encuentros, para celebrar el 25º aniversario de la banda.

Pappo

Norberto Anibal Napolitano nació el 10 de Marzo de 1950; sus propias palabras crean una cierta incertidumbre sobre el lugar en dónde fue: "Me acuerdo de muy chiquito en Santa Isabel, en Santa Fe. Es un pueblito donde creo que nací; ahí o en Buenos Aires, no se dónde nací, creo que en Buenos Aires, pero estuve en los dos lugares.".

Es el más chico de los hermanos. Carlos, que falleció antes de que el naciera es el que le sigue en edad y Liliana, la mayor, es concertista de piano de alto nivel. "Yo dormía en la pieza donde ella estudiaba cuando era chica, así que imaginate a las 9 de la mañana, con dos almohadas tapándome los oídos, tratando de dormir. Pero eso me ayudó, inconscientemente...".

De chico, en la escuela, aprendía folklore; fue ahí cuando Norberto mostró su gusto por la guitarra; aunque esos dedos pedían más, mucho más... Un día, cuando tenía unos 14 años, escuchó por la radio a Little Richard, eso fue lo que le despertó el sentimiento que llevaba adentro. "Me compré una Los Buitres (Pappo es el tercero de izquierda a derecha)guitarra eléctrica, un equipo, y cantaba los temas de Little Richard y me cagaba de risa.". Intentó varias bandas: Su primer banda de barrio fue "Los Buitres", que formó a los 16 años junto a Miguel A. Laise en batería (su primo tapicero), Tito Milanesa en voz y guitarra (Alberto La Rosa) y Beto en Bajo y Voz (Humberto E. Marinucci). Más tarde armaría "Engranaje", junto a Tito Milanesa en voz, Pino en batería, Bocón en guitarra y Beto en bajo, más tarde se irían Pino y Beto.

Los Abuelos de la Nada (Pappo es el primero de izquierda a derecha) A mediados de 1967, el ya conocido Pappo, habitué de las noches de La Cueva 2, es convocado por Miguel Abuelo, para integrar su grupo "Los Abuelos de la Nada" (también oriunda de La Paternal). Empiezan los ensayos y graban su primer simple, "Diana Divaga" y "Tema en flú sobre el planeta", aunque la historia cuenta que Pappo sólo participó en la tapa del simple, y en la presentación con la prensa, y que las guitarras las grabó Claudio Gabis, porque ese día Pappo no había ido al estudio. Pero el grupo no congeniaba, y Miguel Abuelo los abandona, dejándolo a Pappo al frente de todo. Tal es así que en el segundo simple de Los Abuelos, Pappo aparece cantando un blues de su autoría, "En la estación".

Manal: Medina, Martínez y Gabis Llega el verano y el grupo se va para Mar del Plata, ya que tocarían en el boliche "Mandioca", donde casualmente también se presentaba "Manal", aquel grupo de Blues en castellano, integrado por Javier Martínez, Alejandro Medina y Claudio Gabis. Es así que Manal le propone a Pappo ser el invitado permanente todo la temporada, a lo que Pappo responde con un "sí" rotundo, ya que pasaría de ser el admirador número uno, a ser integrante de la banda. A mediados de 1968 Carlos Bisso lo convoca para "Conexión Nº 5", un grupo que hacía covers de temas extranjeros. Además graba un tema para el compilado "Pidamos Peras a Mandioca", de Mandioca, la discográfica independiente que lideraba Jorge Álvarez, que se llama "Nunca lo sabrán"; lo acompañan Spinetta en segunda guitarra, Edelmiro Molinari en bajo, Rodolfo García en batería (Todos integrantes de Almendra) y Pomo en pandereta. También graba el bajo en "El Oso", el conocido tema del primer disco de Moris, "30 minutos de vida".

1969 es el año en que Pappo sale del anonimato. "Los Gatos", luego de un año de separación, deciden volver a grabar; pero Kay Galiffi, el violero original, se había casado e ido a vivir a Brasil. Es por eso que Litto Nebbia, recomendado por el manager de Los Gatos, Jorge López, decide conocer a ese pibe que siempre subía a tocar a La Cueva 2. Se encuentran y Litto le entrega la lista de temas. Pappo acepta de inmediato.

Afiche del show de Los Gatos El resto de los integrantes de Los Gatos habían viajado a Estados Unidos, para comprar equipos. Al bajar del avión, los reciben Litto y el nuevo violero de la banda, es así que Alfredo Toth, bajista de la banda, le entrega una Les Paul, para que toque en el próximo show, el 28 de Noviembre en el Gran Rex.

Los Gatos: Beat Nº1 Con su nuevo violero Los Gatos graban Beat Nº 1. En el disco el sonido se sigue manteniendo más bien melódico, pero eso duraría muy poco...

En 1970 graban "Rock de la mujer perdida", que en un primer momento se llamaría "Rock de la mujer podrida", pero se consideraba que el nombre era demasiado "fuerte" para la época. El disco suena mucho más "pesado" que el anterior. Rock de la mujer perdida, Los Gatos El tema que da nombre a la placa es un rockanrol en dónde indudablemente sobresale el sonido de la guitarra. Salen de gira por España y son éxito. Pero llega el momento en que Pappo debe partir para concretar nuevos proyectos. "...fue muy bueno, hasta que yo empecé a poner mucha presión para que tocáramos rock. Ciro y Moro estaban más o menos de acuerdo, pero el más duro era Litto, que era el que mandaba; y si el que manda quiere seguir con una línea melódica, tiene razón...".

Pagina: http://www.elsitiodepappo.com.ar

2 minutos

Formación inicial:

El Indio: guitarra
Marcelo: batería
Papa: bajo
Luis Aguirre: guitarra y voz
Wálter Mosca Velásquez: guitarra y voz

Los integrantes de Dos Minutos se juntaron en 1987 y comenzaron a tocar en el '89, en plena hiperinflación: «en esas circunstancias empezamos nosotros, Alfonsín dejaba el gobierno, asumía Menem y debutábamos la noche en que la gente salìa a saquear mercados para poder comer...».

Ya habían grabado los temas "Ya no sos igual" y "Arrebato" en un álbum independiente junto a otras bandas.

"Valentín Alsina" (1994) es el título del primer disco, en homenaje a su ciudad de origen. El hit: "Ya no sos igual", una alusión a un kiosquero vecino que, de casualidad, se enteraron que también era oficial de la Policía Federal. Ni ellos ni la compañía discográfica esperaban el suceso: 50.000 copias vendidas y aclamados como "Banda Revelación" por el Suplemento Sí de Clarín. El debut grande de la banda se produjo al telonear a Motorhead en Velez, ante 45.000 espectadores.

Cultores del punk argentino, son considerados como los seguidores de Los Violadores y Attaque 77 y fueron la primera banda argentina de punk que actuó en Estados Unidos, durante su gira americana de 1995. Allí llenaron el mítico CBGB, el club neoyorquino que disparó el punk de Ramones, Television y Patti Smith veinte años antes. Telonearon a los Ramones en su despedida mundial, en marzo del '96, en el estadio de River.

El tercer disco fue publicado a mediados de 1997, mientras duraban los festejos por los 10 años de la banda. "Gatillo fácil" fue el corte difusión y los tema destacados, "Qué yeta" y "Recuerdos en la arena". El álbum vendió 15.000 copias en un mes, lo que llevó a la discográfica a renovarles el contrato.

"Superocho" fue editado en 2004, con 16 canciones registradas en los Estudios El Pie que mantienen el mismo estilo que siempre los caracterizó.

"Un mundo de sensaciones" fue grabado en el 2006 con la producción de Juanchi Baleiron (Pericos). Con un sonido más pulcro, la banda estaba integrada por Pablo (guitarra y voz), Monti (batería), Papa (bajo), Pedro (guitarra y voz) y Mosca (voz). Entre los invitados se detacan Sebastián Teysera (La Vela Puerca), Diego Blanco y Juanchi (Pericos) y Claudio O'Connor. El primer corte fue "Aeropuerto".

Pagina: http://www.2minutosweb.com.ar

Michael Bublé

Michael Bublé es un cantante de jazz y actor canadiense nacido el 9 de septiembre de 1975 en Burnaby, Columbia Británica.

Vida

Bublé nació en el día noveno de Septiembre 1975 en un suburbio de Canada, Vancouver. Es de esencia italiana. Creció escuchando la música que su abuelo, una parte importante de su vida, tenía; pirncipalmente jazz. Su pareja actual es Emily Blunt

Biografía

Su álbum homónimo de 2003 se ubicó entre los diez más vendidos de Canadá, el Reino Unido y Australia. Su álbum y vídeo en vivo Come Fly With Me (2004) estuvo entre las listas de vídeo música de Billboard, y alcanzó ubicarse entre los 40 primeros lugares en Australia. Logra éxito comercial en los Estados Unidos con It's Time.

El género musical de Michael Bublé es el denominado Swing moderno, con influencias de artistas como Frank Sinatra. Michael Bublé tiene pocas canciones suyas(HOME[http://www.goear.com/listen.php?v=69d46ef), dedicándose esencialmente a los "covers" como en "I've got you under my skin" de Frank Sinatra, o el clásico de Nina Simone "feeling good".

Pagina: http://www.michaelbuble.com

Los Twist

Formacion:

Daniel Melingo: guitarra
Eduardo Cano: bajo
Fabiana Cantilo: coros
Gonzalo Palacios: vientos
Pipo Cipolatti: guitarra y voz
Polo Corbella: batería

Esta banda surgió a mediados de 1982 como precursora de la música "divertida", con letras humorísticas y melodías bailables, sin por eso abandonar la seriedad de las composiciones. Ante una mayoría de grupos que cantaban canciones de protesta, Los Twist irrumpieron como la novedad, basados en la creatividad imprevisible de la dupla Cipolatti-Melingo.

Con la producción de Charly García, editaron "La dicha en movimiento" (1983), con Andrés Calamaro como tecladista invitado. Los hits fueron "Pensé que se trataba de cieguitos", "Jugando hula-hula" y "Ritmo colocado", aunque todos los temas del disco son clásicos del género.

«En tres días hicimos todo. - relata García - Les pedí que tocaran todo el repertorio de corrido, un tema atrás del otro. Una vez que terminaron, les dije "váyanse". Ahí lo mezclé, llamé a los que hacían falta. Yo puse un tecladito, alguna viola. Fabi cantó divina. Les censuré un par de cosas: en el último tema metían algo de chilenos, judíos. Eran medio heavies, por eso lo saqué» ("Corazones en llamas", C.Lejbowicz/L.Ramos).

"Cachetazo al vicio" (1984) salió cuando el éxito del primer disco aún no se había aplacado. Era el mejor momento de la banda cuando Fabiana Cantilo les anuncia la decisión de abandonarlos. El golpe fue duro de superar y hasta puso en jaque la continuidad del grupo. A fines de 1985 lanzan el tercer LP ("La máquina del tiempo"), con Hilda Lizarazu (voz), Camilo Iezzi (bajo) y Pablo Guadalupe (batería). La sátira era una constante de sus canciones, pero ya el efecto provocado no era el mismo.

Tras un período de inactividad, el regreso se produce en 1988, con Cipolatti, Fabiana Cantilo, Daniel Melingo, Rolo Rossini, Tito Losavio y Camilo Iezzi.

Poco más adelante, Cipolatti incursionó en la televisión. Tuvo participación en los programas "De Cuarta", "Videoscopio" y "Sin Red", pero fue la conducción junto a Mario Pergolini de "La TV Ataca" lo que lo terminó de convertir en un personaje masivo. Esos años de pantalla fueron aprovechados para fomentar las presentaciones de la banda, con "El estudiante", hit del álbum "Cataratas musicales" (1991). Telefé le ofreció tener su propio programa ("Boro Boro"), que terminó en un desilucionante fracaso.

En homenaje a Antonio Rattín, ídolo "centre-half" de Boca en la década de los '60, bautizaron su siguiente álbum "Con el 5 en la espalda" (1994). Presentaron el videoclip "Invasión" sin Rossini ni Losavio. "Explosión '96" (1995) fue casi un trabajo solista de Cipolatti, que incluye remixes de los viejos hits de la banda.

Eric Clapton

Eric Clapton Shaw Ripley, Reino Unido, 30 de marzo de 1945 (62 años). Guitarrista de blues. Apodado "slowhand" (mano lenta), Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes en la era del rock. Su estilo musical sufrió múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado en el blues. Este músico es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, como son el blues-rock con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds, rock-blues-jazz fusión con Cream, y también como solista. También ha tocado con "Derek and the Dominos" y "Blind Faith" y colaboró con The Beatles en la grabación del álbum The Beatles como solista en la canción "While my Guitar Gently Weeps". Su guitarra eléctrica favorita y más utilizada es la Fender Stratocaster, también tiene preferencia por Fender en otros tipos de guitarras.

En sus últimos trabajos rinde tributo a Robert Johnson, bluesman al que siempre ha considerado como la mayor influencia musical en su carrera.

Carrera y vida privada

Juventud de Clapton

Eric Clapton nació en The Green, Ripley, Surrey, Reino Unido, como hijo ilegítimo de Patricia Molly Clapton, de 16 años, y Edward Walter Fryer, un piloto canadiense de 24 años. Su padre regresó al lado de su esposa en Canadá antes de que Eric naciera. El niño creció con sus abuelos en la creencia de que eran sus padres, y de que su madre era su hermana. Años después su madre se casó con otro soldado canadiense y se mudó a Canadá, dejando a Eric con sus abuelos. Cuando éste tenía nueve años descubrió la verdad, siendo este un momento decisivo en su vida.

El día en que cumplía 13 años, recibió como regalo una guitarra, que él solo aprendió a tocar. A la edad de 17 formó su primer grupo, The Roosters.

El joven músico creció oyendo grabaciones de blues de Chicago y de grandes guitarristas de este género, como B.B. King y Freddie Kroover.

Salto a la Fama

En 1964 su nombre empezó a sonar como miembro de The Yardbirds, un grupo de rock and roll con influencias del blues. Ahí, Clapton rápidamente se volvió uno de los guitarristas más populares en la escena musical inglesa. Sin embargo, el músico seguía fuertemente comprometido con el blues, por lo que renegaba del nuevo rumbo pop de The Yardbirds, en parte porque "For your love" fue escrita por el autor pop Graham Gouldman, que había escrito hits para el grupo adolescente "Herman's Hermits" y el grupo pop "The Hollies". Varias veces se negó a tocar esta canción y renunció al grupo tan pronto como el sencillo fue grabado.

Después de varios meses de práctica, Clapton se unió a John Mayall & the Bluesbreakers. Su ejecución tuvo una gran influencia en el primer álbum de este grupo, además de inspirar una efímera ola de grafitis que lo deificaban con el eslogan "Clapton is God".

En 1966 Clapton forma lo que es reconocido como el primer supergrupo de la historia del rock: Cream, con el bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker. Aunque sólo estuvieron juntos un par de años, su influencia fue enorme, con temas tan conocidos como "Sunshine of your Love", "White Room" y el clásico "Crossroads". Las presentaciones en vivo de Cream, con sus largas improvisaciones, sirvieron como modelo para muchos grupos tanto de hard rock como de rock progresivo en los 60's y 70's.

Tras la separación de Cream, Clapton formo otro supergrupo, Blind Faith, nuevamente con Baker y con el músico prodigio Steve Winwood y el bajista de Family, Rick Greich. El grupo sólo editó un disco, pero el éxito que tuvo es patente de la gran popularidad de Clapton en todo el mundo.

Etapa Solista

Después de Blind Faith, Clapton se enfoca principalmente en su carrera solista, aunque eventualmente se integra a otros proyectos fugaces como Delaney & Bonnie o Derek and the Dominos. Con este último produce uno de sus más grandes éxitos, "Layla" (dedicada a Patty Boyd, entonces esposa de su amigo George Harrison).

Clapton se mantiene prácticamente inactivo durante 1971 y 1972, debido a una seria adicción a la cocaína. Pete Townshend, de The Who, le ayuda a superarla y a organizar un concierto de regreso en el Rainbow Theatre de Londres en 1973. En los siguientes años sendas versiones de "Cocaine" y "After Midnight", originales de J.J. Cale, y otra versión de "I Shot the Sheriff", de Bob Marley, le llevan de nuevo al éxito.

La carrera de Clapton parece debilitarse en los años 80's, pese a una exitosa presentación en el concierto multitudinario Live Aid. La edición de "Crossroads" en 1988, uno de los primeros paquetes recopilatorios en el entonces nuevo formato compact disc, revitaliza su carrera.

En 1991 la tragedia golpea a Clapton, al morir su hijo Conor, de cuatro años, al caer del piso 53 de un edificio en Manhattan. En memoria de él, Clapton escribe "Tears in Heaven" (Lágrimas en el cielo), canción que se convierte en un éxito masivo.

En ese mismo año, Clapton incentiva a su amigo George Harrison para que salieran juntos de gira a Japón, siendo el ex-beatle la estrella principal y acompañado de Clapton y sus músicos. Las fabulosas presentaciones que dieron juntos no solo ayudaron a afianzar su amistad, sino a reivindicar la fama de ambos y su calidad como fascinantes músicos.

El siguiente año, la grabación del concierto MTV Unplugged de Clapton se convierte en la más exitosa de su carrera, ganando seis premios Grammy. Clapton sigue metiendo temas en las listas de popularidad como "Pretending", "Change the World" y "My Father's Eyes".

Clapton se mantiene activo como uno de los instrumentistas más respetados y reconocidos de la escena musical contemporánea.

Pagina: http://www.ericclapton.com

Cazuza

Agenor de Miranda Araújo Neto, más conocido como Cazuza, (Río de Janeiro, 4 de abril de 1958 — Río de Janeiro, 7 de julio de 1990) fue un compositor y cantante brasileño.

Biografia

Hijo del productor fonográfico João Araújo y de la ama de casa Maria Lúcia Araújo, Cazuza siempre tuvo contacto con la música. Influenciado desde pequeño por los fuertes valores de la música brasileña. Prefería los temas dramáticos y melancólicas, como los de Cartola, Lupicínio Rodrigues, Dolores Duran, y Maysa.

Comenzó a escribir letras y poemas alrededor del año 1965. En 1974, en unas vacaciones en Londres, conoció la música de Led Zeppelin, Janis Joplin, y de los Rolling Stones, grupo del que se convirtió en fan.

Cazuza ingresó a la universidad en 1978, pero abandono su carrera de periodismo apenas tres semanas después, para trabajar con su padre en Som Livre. Luego fue a San Francisco, donde tuvo contacto con la literatura, que más tarde influiría mucho en su carrera.

En 1980 volvió a Río de Janeiro, donde trabajó con el grupo teatral Asdrúbal Trouxe o Trombone. Allí, fue observado por el entonces novato cantautor Léo Jaime, que lo presentó a una banda de rock que buscaba un vocalista; Barão Vermelho. Con Barão Vermelho, que tuvo un gran éxito con el tema Bete Balanço, Cazuza inició su carrera como cantante. En 1985, Cazuza se presentó en el Rock in Rio con Barão Vermelho. En ese período, Caetano Veloso declaró que Cazuza era el gran poeta de su generación. En ese mismo año Cazuza se infectó con el virus del SIDA, precipitando su deseo de dejar la banda con el fin de obtener más libertad para componer y expresarse tanto músical como poéticamente.

Luego de su ida de la banda, sus temas comenzaron a diversificarse, incorporando elementos de Blues como en Blues da Piedade, Só as mães são felizes y Balada da Esplanada, que estuvo basada en un poema homónimo de Oswald de Andrade, mostrando letras intimidantes, como en Só se for a Dois, también dejándose influir por la música Pop brasileña, con interpretaciones de temas de distintos artistas como O Mundo é um Moinho (Cartola), Cavalos Calados (Raul Seixas) y Essa Cara (Caetano Veloso).

Al contrario de lo que normalmente sucede cuando un artista deja la banda que lo hizo famoso, la carrera solista de Cazuza tuvo más éxito del que había obtenido con su ex-banda. Exagerado, O Tempo não Pára, e Ideología fueron sus grandes éxitos, que lo convirtieron en una gran influencia para los músicos brasileños posteriores.

En 1989, admitió públicamente por primera vez que tenía el virus del SIDA y lanzó su último álbum: Burguesía. Murió en Río de Janeiro en 1990 a los 32 años como consecuencia de su enfermedad.

Dos características fundamentales de su obra, especialmente en su etapa como solista, fueron:

- Una postura activa frente a la vida, no apenas viviendo, describiendo y sufriendo con los hechos que pasaban en su vida personal sino también haciéndoles frente (en contraste con varios artistas del mismo período con un espíritu más romántico), fuesen acontecimientos sentimentales (Obrigado, O Mundo é um Moinho, Exagerado) o políticos (Burguesía);
- Intimismo e individualismo, en el sentido de no expresarse en función de o considerando las opiniones ajenas a su entorno sino sobre las bases de sus creencias, deseos e impresiones y escribiendo en un lenguaje coloquial que generaba cierta intimidad entre el cantante y sus seguidores.

En 2004, se lanzó la película biográfica Cazuza - O Tempo Não Pára, dirigida por Sandra Werneck.

Artistas que lo influenciaron

Entre los diversos artistas relacionados a Cazuza, pueden mencionarse a Simone, Léo Jaime, Lobão -tanto por la amistad entre ambos como la mutua influencia de sus respectivos bagajes musicales-, Cássia Eller, Arnaldo Antunes, Renato Russo y Rita Lee.

Pagina: http://www.cazuza.com.br

Battles

Junten a los guitarristas Ian Williams (ex-Don Caballero, ex-Storm & Tress) y Dave Konopka (ex-Lynx), a Tyondai Braxton (multiinstrumentista hijo del gran Anthony Braxton, vanguardista compositor y saxofonista, todo un mito del free jazz) y al batería John Stanier (ex-Helmet, Tomahawk) en un mismo grupo. ¿Qué obtienen? Un equipo bien engrasado, la suma de los talentos de cuatro personalidades muy marcadas dedicadas a propulsar el rock hacia el futuro.

Tras publicar entre 2004 una serie de tres EPs -“Tras”, “Ep C”, y “B Ep”- en sellos como Cold Sweat, Monitor o Dim Mak, el buque insignia del inteligent techno de los noventa, Warp Records, se fijaba a mediados de 2005 en ellos y decidía reeditar en un único CD -“Ep C/B” (Warp, 06)- dos de aquellos discos. Este “Mirrored”, en la calle desde el pasado 14 de mayo, es por tanto su primer álbum propiamente dicho, también la primera de sus grabaciones que incorpora voces.

A nadie debería extrañarle su adscripción a un sello con tanta solera electrónica; por muy física -y abierta a la improvisación- que sea su música en directo, el arsenal tecnológico y la precisión metronómica en su ejecución sitúa a Battles más cerca de algunos proyectos electrónicos contemporáneos que de la mayoría de grupos de rock al uso. Música compleja y mecánica, sí, pero también humana y orgánica. Música de su tiempo, producto de la era digital y la sociedad de la sobreinformación. Rock de silicio.

Si eres de los que piensan que tres acordes son más que suficientes para escribir una -una y otra vez la misma- canción, deberías mirar a otro sitio.

Para los que hayan elegido seguir leyendo… Battles, experimentales y vanguardistas, pueden sonar a… lo que quieran: afrobeat pasado de anfetamina, guitarras congoleñas, los 7 Enanitos silbando, coros fantasiosos, post-rock a lo Tortoise, algo de hard-rock, ritmos que son pura adrenalina en “Race In”; una voz como inflada de helio (tratada, también en directo, a través de pedales y laptop) enrareciendo la cadencia glam rock (piensa en T.Rex o The Gliter Band tocando con Papa Pitufo al frente) de “Atlas”, canción en realidad inspirada (lo han dicho ellos, y es fácil dar crédito a sus palabras fijándose en la cambiante base rítmica que aparece desnuda al final del tema) en el schaffel, ese ritmo-textura tan habitual de las producciones surgidas de la penúltima escuela minimal (techno) de Colonia; histriónica opera-rock cargada de humor y sobrada de recursos en “Ddiamond”; post-rock a lo Tristeza y math-rock geométrico abierto por imaginativas armonías vocales en “Tonto”; digi-soul-pop a lo Timbaland (si este cambiara la mesa de mezclas de su estudio por el trabajo con músicos en un local de ensayo) en “Leyendecker”; psicodelia expansiva y multicolor de aires circenses en “Rainbow” (título más que apropiado); sonidos selváticos y viajes cerebrales en “Bad Trails”, entre las montañas rusas de Mercury Rev, los Pink Floid más planeadores y el ambient; el espíritu del Africa negra pasado por el filtro de Steve Reich en “Prismism”; duelos de guitarras, armonios, un ritmo que es puro drum’n’bass y, para cerrar, timbres propios del Aphex Twin más burlón en “Snare Hunger”; asma, cenefas de guitarra (un tanto prog-rock a veces, sí) y adrenalina rítmica (los DJs deberían atreverse a pinchar esto en los clubs de baile) en “Tij”…

Versátiles, mutantes, torcidos, cándidos y alucinados, pero también cada vez más lejos de ser ese cúmulo de excesos masturbatorios progresivos en el que podrían haberse convertido, Battles han girado la cara hacia una nueva noción de psicodelia que les permite explorar un rango más amplio de sonidos y emociones.

Y aunque cuanto más al grano van, mejor les queda, los pequeños dislates instrumentales que asoman de cuando en cuando, o momentos en los que no son capaces de mantener el tono (algunas partes de “Tonto”, la poco más que anecdótica “Prismism”, “Race Out”) no nos parecen razones para echar a bajo un disco ambicioso y brillante que lejos de buscar el aplauso fácil de las mayorías se esfuerza en recontextualizar elementos de épocas y estéticas diversas para generar un espacio sonoro nuevo y propio.

No es un disco redondo, no es ninguna obra maestra, pero me da a mí en la nariz que dentro de unos años más de una nueva banda estará alabando el valor inventivo de “Mirrored”. Quien no quiera esperar a entonces, que se asome ahora.

Pagina: http://www.bttls.com

Cienfuegos

Formacion:

Diego Aloe: guitarra
Fernando Ricciardi: bateria
Hernán Bazzano: guitarra y voz
Martín Aloe: bajo y voz
Sergio Rotman: saxo y coros

Historia:

Se podría decir que los integrantes de CIENFUEGOS se conocen desde siempre.

Primero, durante el amanecer punk en Buenos Aires, bajo el nombre de "Los Marginados" o "Día D"; compartieron escenario con Los Violadores, Los Laxantes y Los Baraja.

Luego, durante los hiperinflacionados fines de los ochenta, con el Parakultural de la calle Venezuela como altar... Los Pillos y Harry... los pocos que estaban allí todavía se acuerdan...

Sergio Rotman y Fernando Ricciardi con Los Fabulosos Cadillacs desde 1985 giraron por Argentina y el mundo hasta que en marzo del 97, Rotman decidió que LFC era demasiado...

Un par de años antes, coincidiendo con el regreso de Martín Aloé de España donde tocaba junto a Daniel Melingo y Willy Crook en Lions in Love, CIENFUEGOS tomaba forma,"el mundo ya está listo para oirnos".

Un disco autofinanciado ve la luz en diciembre del 96.

Dos videos, "Llega el Dolor" y "La Eternidad", tuvieron amplia difusión.

En Cemento junto a Todos Tus Muertos primero y Attaque 77, después.

En "Buenos Aires no duerme" junto a Caballeros de la Quema.

Tal vez viste a CIENFUEGOS en alguno de estos conciertos (si es que lees esto en Buenos Aires), o en cualquier antro underground despues de las 2 AM, durante el '96 y el '97.

1998 trae nuevo disco...NS/NC (no sabe, no contesta).

Producido por CIENFUEGOS, Ricardo Mollo o Gamexane, según los temas, parece afianzar un sonido y un estilo difícil de definir...

Primero fue "Querés saber lo que es estar muerto?" rotando en canales de música y radios, de rock y de "las otras". Luego el video de "Once in a lifetime", cover de la banda neoyorkina Talking Heads. Un puñado de conciertos inolvidables para terminar elegido entre uno de los cinco mejores discos del año... bastante bien para un grupo que estuvo suspendido en el tiempo por diez años!

A menos de once meses de la edición de NS/NC, tenemos nuevo disco: "HACIA EL COSMOS". Trae trece nuevos títulos originales más una versión de "Love will tear us apart", el clásico de la banda inglesa Joy Division. En total catorce canciones para sacudir tu cerebro y tu modorra espiritual.

Es esto punk-rock?

O sólo rock?.

A alguien le importa aún las definiciones?.

Ven a CIENFUEGOS.

Siempre te queda algo por aprender.


Los orígenes de Cienfuegos se remontan a 1983, cuando compartían escenarios con Los Violadores y Los Laxantes (agrupación que integraban miembros de Todos tus Muertos) en los albores del punk en Buenos Aires. A pesar del viaje de Martín Aloe a España para integrar los "Lions in Love" y de la participación en Los Fabulosos Cadillacs de Sergio Rotman y Fernando Ricciardi, Cienfuegos siempre se las rebuscó para mantenerse vivo.

En 1994 Aloe regresa definitivamente de España y Rotman se aleja de los Cadillacs (en el mejor momento de esta banda), y le dan un impulso definitivo a Cienfuegos.

El disco debut impactó por el estilo descarnado de su música y con una estética particular difícil de definir, pero encarnando un espíritu punk de fin de siglo que se haría presente en los dos videos de esta producción, "Llega el Dolor" y "La Eternidad".

"NS / NC", la segunda placa, es mucho más introspectivo e incluye un cover de "One in a lifetime", de los Talking Heads.

Discografía:

Cienfuegos, 1997
NS/NC, 1998
Hacia el cosmos, 1999
Veinticincoseis dosmilcuatro, 2005

Pagina: http://www.100fuegos.com.ar

Yann Tiersen

Yann Tiersen (n. Brest, 23 de junio de 1970), músico y compositor francés.

Biografía

Yann Tiersen nació el 23 de junio de 1970 en la ciudad de Brest, Francia. Durante su infancia cursó en diversos conservatorios de Rennes, Nantes y Boulogne entre otros. Estudió violín, piano y más tarde composición, aunque no se limitó solamente a estos instrumentos ya que también posee gran técnica en el acordeón y el toy piano, convirtiéndose en un multi-instrumentista virtuoso. Otro instrumento a destacar es la guitarra eléctrica, que ha convertido en el instrumento principal de sus conciertos, pese a no alcanzar con ella el virtuosismo que alcanza con los otros instrumentos.

Desarrolló su juventud influenciado por el rock y la chanson (llegando a tener un grupo de rock en la adolescencia), y por la música clásica influenciado por sus estudios en conservatorio. Esta característica mezcla es base esencial para una comprensión adecuada de su música, llegando a compaginar e incluso unir el rock instrumental con partituras más clásicas durante toda su carrera.

En 1995 publicó su primer álbum bajo el sello Sine Terra Firme (más tarde renombrado como Ici d'Ailleurs), titulado La valse des monstres. La facultad multi-instrumentista de Yann Tiersen se ve reflejada en el producto de su disco, 17 piezas totalmente instrumentales con multitud de matices, sonidos e instrumentos. Un año más tarde publicó Rue des cascades, disco que incluye su primera canción vocal (que da título al álbum) con la colaboración de la cantante Claire Pichet. Al año siguiente, en 1998, este tema se convertiría en el principal de la banda sonora de la película La Vida Soñada de los Ángeles de Erick Zonca.

Antes de publicar su nuevo disco, realizó varias colaboraciones con distintos músicos de su país, siendo la más destacable el álbum homónimo con Bästard, en el que Tiersen junto al grupo francés Bästard se aleja de sus normativas tradicionales y se adentra en el nebuloso mundo del post-rock y la experimentación. La colaboración con Claire Pichet se volvió a repetir en Le phare (1998), su tercer disco que contó además con un nuevo invitado: Dominique A, siendo este uno de los discos más completos y con mejores críticas en el panorama independiente europeo.

Más tarde, durante el verano de 1999 presentó su álbum Tout est calme, esta vez dotando a su música de un aspecto más roquero, al verse acompañado de sus amigos del grupo The Married Monk, liderado por Christian Quermalet. Y en ese mismo año, llegó otro álbum titulado Black Session, grabado el 9 de diciembre durante un concierto rodeado de músicos consagrados de su país como Neil Hannon, Noir Désir, Les Têtes Raides o Mathieu Boogaerts.

En 2001 publicó L’Absente, el que tal vez ha sido su disco más producido, tanto por la cantidad de invitados como por la cantidad de instrumentos que complementan cada canción. Más cercano a la nueva canción francesa, dentro de los invitados se encuentran: The Vienna Symphony Orchestra, Lisa Germano, Neil Hannon (de The Divine Comedy), Dominique A, Françoiz Breut, Les Têtes Raides, Sacha Toorop (de Zoop Hopop), Natacha Regnier, Christian Quermalet (de The Married Monk), Marc Sens, Christine Ott y un cuarteto de cuerdas. El mismo año publicó el disco que probablemente le trajo la mayor cantidad de ovaciones por parte de los medios: La banda sonora de Le fabuleux destin d'Amelie Poulain, que a pesar de que tiene algunos temas nuevos, en mayor parte es integrada por viejas composiciones de sus tres primeros álbumes. Con esta banda sonora conseguiría el reconocimiento del público a nivel mundial.

En 2002, junto a una orquesta y una serie de artistas invitados (entre los cuales estaban Dominique A. y Christian Quermalet) publicó C'etait ici, que compila sus mejores temas en directo en un doble álbum.

Después de una multitudinaria gira en el año 2003, Yann Tiersen volvió a las colaboraciones, esta vez con la roquera americana Shannon Wright con quien compuso en sólo 20 días un disco de título homónimo en el que el rock independiente de Shannon se funde con la instrumentación particular de Tiersen en un total de 10 temas.

Tras L'absente pasarían 5 años sin publicar disco propio hasta que en el año 2005 viera la luz Les Retrouvailles (Los Reencuentros), compuesto y grabado en la isla de Ouessant, lugar de refugio e inspiración de Tiersen. En este disco cuenta con la colaboración nuevamente de Dominique A., además de Miossec, Stuart Staples (de Tindersticks), Liz Fraser (de Cocteau Twins) y Jane Birkin. A este disco le complementa un DVD que salió al mercado oficialmente el 12 de julio con el título de La traversée, película realizada por Aurélie du Boys y en el que se puede ver toda la realización de este último álbum que presentaría en concierto durante todo el año de 2005 y 2006 con un radical cambio en su música en directo, con mayor cantidad de arreglos y cercano al post-rock que siempre ha admirado. Este nuevo sonido quedó recogido en en el próximo álbum en directo de Yann Tiersen, titulado On Tour que se editó oficialmente el 13 de noviembre de 2006, acompañado nuevamente de una película musical realizada por Aurelié du Boys que acompañó al músico bretón durante la gira. Gran parte de las grabaciones, pertenecientes tanto a la película como al álbum, son de sus conciertos en España y particularmente en Madrid, ciudad donde tocó 2 veces en un año durante la presentación de Les Retrouvailles.

La composición de sus temas comprende la manipulación de variados instrumentos, entre los cuales cabe destacar el piano de juguete (llamado toy-piano), el acordeón, el violonchelo, el banjo, el clavicordio y la melódica entre otros.

Películas como La Vie Rêvée des Anges (1998, Erick Zonca), Alice et Martin (1998, André Téchiné), Qui Plume la Lune? (1999, Christine Carrière) y Good bye, Lenin! (2003, Wolfgang Becker), han sido musicalizadas por Yann Tiersen, que anteriormente trabajó en la música dentro del mundo del teatro.

Pagina: http://www.yanntiersen.com

Travis

Travis es una banda escocesa de Britpop originaria de Glasgow, compuesta por Francis Healy, Andrew Dunlop, Douglas Payne y Neil Primrose. Travis ha sido galardonado dos veces con el premio al álbum del año en los Brit Awards, y a menudo se les da el crédito de ser la banda que preparó el camino para otras bandas británicas como Coldplay y Keane. El grupo ha lanzado cinco álbumes de estudio, empezando con Good Feeling en 1997. Su último álbum de estudio, su primero desde 12 Memories (2003), y The Boy With No Name, producido por Nigel Godrich, salió a la luz en Mayo de 2007.

Historia

Uno o más wikipedistas están trabajando actualmente en extender este artículo. Es posible que, a causa de ello, haya lagunas de contenido o deficiencias de formato. Por favor, antes de realizar correcciones mayores o reescrituras, contacta con ellos en su página de usuario o la página de discusión del artículo para poder coordinar la redacción.

Formación y primeros años (1990-1995)

La banda que se convertiría en Travis (inicialmente llamada "Running Red", y luego, "Glass Onion") fue inicialmente formada por los hermanos Chris y Geoff Martyn. Andy Dunlop, un amigo de la escuela, fue puesto en la guitarra, seguido de Neil Primrose en la batería. La formación de la banda estuvo completada por una vocalista, y la banda entonces cambió su nombre a "Glass Onion" ("Glass Onion" es el nombre de una canción de The Beatles escrita y cantada por John Lennon). Después de la despedida de su cantante, la banda audicionó para un nuevo vocalista. Primero conoció a Fran Healy, un estudiante de arte,y lo invitó a las audiciones. Healy se incorporó a la banda el mismo día en que entró a la Escuela de Arte de Glasgow, en el otoño de 1991. Luego de dos años Healy se retiró de la Escuela de Arte para seguir a tiempo completo su carrera como músico. Las primeras canciones escritas por Healy se inspiraron en canciones de Joni Mitchell. Con los hermanos Chris y Geoff Martyn en el bajo y en los teclados, en 1993, la banda lanzó "The Glass Onion EP". Se hicieron 500 copias y hoy en día se pueden encontrar a más de £1000 cada una. Después del lanzamiento de su primer EP, la banda cambió de nombre nuevamente, llamándose definitivamente "Travis" - después del papel de Harry Dean Stanton en la película "París, Texas".

Good Feeling (1996-1998)

En octubre de 1996, Travis grabo su EP "All I Want to Do Is Rock" seguido por su primer álbum: "Good Feeling". "Good Feeling" presentó a Travis de forma fresca y entretenida, con canciones emblemáticas del disco como "All I Want to Do Is Rock", "More Than Us", "U16 Girls" o "Tied to the 90s" entre otras. La banda ganó notable popularidad con la salida de este disco, logró captar la atención de numerosos oyentes británicos y de artistas que estaban en su auge en ese entonces, como el guitarrista de la banda inglesa Oasis, Noel Gallagher, que invitó a la banda a unirse a su gira con el papel de teloneros.

The Man Who (1999-2000)

Dos años más tarde, en 1999, *Travis volvería a la escena musical con su segundo álbum, The Man Who. Alabado por la crítica, el disco llevó sobre sí mismo varios éxitos de ventas, como: "Writing to Reach You", "Driftwood", "Why Does It Always Rain On Me?" (éste llegó a estar en el número 1 de las canciones populares británicas) y "Turn". Este es el primer trabajo del grupo escocés el que incluye la primera canción que tocaron juntos: "All I Want To Do Is Rock".Este disco contenía singles tan famosos como "Why does it always rain on me?" (que podríamos decir que fue su primer single famoso) o "Turn".

The Invisible Band (2001-2002)

El título del siguiente álbum de Travis, The Invisible Band (2001), nuevamente producido por Nigel Godrich, refleja el genuino pensamiento de la banda sobre su música - la canción - es más importante que la banda detrás de ella. Apareciendo canciones como "Sing" (la canción más emitida en las radios británicas ese verano), "Side", "Flowers in the Window", "Indefinitely", "Pipe Dreams" y "The Cage", y grabado en los Ocean Ways Studios en Los Ángeles, el álbum se posicionó número 1 en las listas británicas.

12 Memories y Singles (2003-2005)

A diferencia de su antecesor Good Feeling, The Man Who manifiesta una evolución musical importante, dejando la inmadurez y simplicidad de las canciones de su primer álbum por sonidos más suaves y rebuscados y letras más maduras. Travis fue influenciado principalmente por Oasis, Radiohead y The Beatles para la realización de este disco, que amplió su popularidad en el Reino Unido al ser un álbum con gran cantidad de copias vendidas.

En el 2000, como lanzamiento intermedio entre 'The Man Who' y el próximo disco de Travis, la banda lanzó el sencillo "Coming Around", que muestra a un Travis con su sonido intacto respecto a su trabajo anterior. Este sencillo fue únicamente lanzado en el Reino Unido.

En el 2001, tras terminar la gira en la que se presentó 'The Man Who', Travis volvió al estudio a trabajar en lo que sería su tercer álbum, 'The Invisible Band' (cuyo nombre hace referencia a que, aun teniendo éxitos en los medios británicos, Travis siguió siendo una banda "desconocida"). Este disco es una continuación de su trabajo discográfico anterior, con algunos toques interesantes de optimismo y naturalidad en sus melodías y en sus letras. Se destacaron canciones como "Sing", "Side", "Flowers in the window", "Safe", "Follow the Light" o "Pipe Dreams". En este disco Travis se arriesga a utilizar una instrumentación más variada (por ejemplo: usar el banjo en dos canciones) y otros sonidos más relacionados con la naturaleza. El éxito principal de este disco, sin duda alguna, fue la canción "Sing", primer sencillo del mismo, que recorrió varios países situándose en las primeras posiciones en las listas de algunos de ellos, pero sin conseguir el mismo éxito que 'Why Does It Always Rain On Me?'. El disco fue duramente criticado por la prensa británica, ya que no presentaba cambios considerables en cuanto a su sonido y sonaba de forma muy parecida a su antecesor 'The Man Who'. Esto le dio la oportunidad a bandas nuevas en ese entonces para darse a conocer, como Coldplay u otras, notablemente influenciadas por el cuarteto escocés. Aún así, 'The Invisible Band' tuvo un éxito comercial, llegando a la primer posición de las listas británicas, con sencillos como "Sing", "Side" y "Flowers in the Window". Tras la gira en la que Travis presentó su tercer álbum, la banda entró en un estado de cansancio ya que durante 6 años no había parado sus presentaciones en vivo y grabaciones. Se planeaba la cercana salida del que habría sido el cuarto sencillo de 'The Invisible Band', "Pipe Dreams", cuando el accidente de uno de los miembros de la banda hizo abandonar dichos planes. El batería de la banda, Neil Primrose, fue encontrado en una piscina de un hotel de Francia, con tres vértebras del cuello rotas. El estado de Primrose era grave, los informes médicos indicaban que el baterista se quedaría paralítico de por vida. El vocalista de la banda, Fran Healy, admitió ante los medios que la banda desaparecería si Primrose no se recuperaba del accidente. Como buena noticia para la banda, tras su operación, Primrose fue evolucionando favorablemente y poco tiempo después volvió a realizar ensayos. Después de un tiempo, en el 2002, la banda decidió alejarse de la ciudad para reflexionar sobre su estado actual y reivindicarse como tal. En efecto, el accidente de Primrose produjo que la banda renovara su sonido y dejara atrás el sonido de 'The Man Who'. El producto de este estado de aislamiento y de meses de grabación en estudios diferentes pero que conservaban dicho estado, fue su cuarto trabajo discográfico, "12 Memories" (2003). Artísticamente, este álbum es para algunos la principal "competencia" para el álbum 'The Man Who', ya que este también es una evolución importante en el sonido de la banda. Entre las canciones más destacadas del disco se encuentran: "Re-Offender", "Quicksand", "The Beautiful Occupation", "How Many Hearts", "Happy to Hang Around" o "Peace the Fuck Out". El disco presenta un sonido más moderno y más eléctrico que los anteriores (incluyendo 'Good Feeling'), así como también un sonido más oscuro y depresivo acompañado de letras que acentúan este estado de ánimo (claramente influenciado por el accidente de Primrose). También es el primer disco en el cual Travis presenta su posición ante la guerra y sobre el estado del mundo en ese entonces. Canciones como "The Beautiful Occupation" o "Peace the Fuck Out" son un ejemplo de la influencia que la guerra produjo en el vocalista de la banda, Fran Healy, así como también lo hizo en sus otros integrantes. Aún siendo este disco un gran paso para la banda escocesa (artísticamente), el disco no tuvo el mismo éxito comercial que sus antecesores 'The Man Who' y 'The Invisible Band', llegando a alcanzar el puesto 4 en las listas de discos británicas. Los sencillos extraídos del álbum '12 Memories' fueron: "Re-Offender", "The Beautiful Occupation" y "Love Will Come Through". '12 Memories' es importante en la historia de Travis ya que le dio popularidad suficiente como para visitar lugares en los que nunca habían estado (por ejemplo, el concierto que dieron Palacio de los Deportes de la Ciudad de México, el 7 de febrero 2004).

En el 2005, Travis cierra una etapa musical sacando a la venta su quinto disco, "Singles", un compilado de todos los sencillos lanzados hasta el momento. El disco, además, cuenta con dos canciones nuevas: "Walking in the Sun" que fue lanzada como sencillo antes de la salida de 'Singles', y una canción adicional llamada 'The Distance', que no sería lanzada como sencillo y en la cual el bajista Douglas Payne toma el lugar de vocalista. 'Walking in the Sun' aparenta ser un regreso de Travis al sonido de 'The Man Who' y 'The Invisible Band'. 'The Distance' es una gran canción en el disco, totalmente a la altura de los mismos sencillos, y también muestra el regreso de Travis a su antiguo sonido. Esta recopilación fue criticada de forma negativa y positiva por la prensa, ya que algunos opinan que muestra la pérdida de creatividad en Travis y otros creen que únicamente es un cd dirigido a los fans y a aquel que quiere conocer a la banda.

The Boy With No Name (2007-presente)

El 7 de mayo de 2007, salió a la luz el quinto álbum de estudio de Travis, The Boy With No Name. Su primer single es Closer, que ya posee video clip. Este nuevo trabajo se grabó en los estudios Rak de Londres, con Nigel Godrich en la producción y contiene un dueto con la cantante escocesa KT Tunstall y otro con Brian Eno. La presentación del disco en España será los días 5 de Octubre en Madrid y el 6 de Octubre en Zaragoza (FIZ:Festival Independiente de Zaragoza)

Pagina: http://www.travisonline.com

John Fogerty

Sin dudas, el suyo es uno de los nombres más exitosos de la historia de la música. John Cameron Fogerty fue el lider indiscutido de Creedence Clearwater Revival. Tras su alejamiento de la banda en 1972, atravesó un infierno legal, producto de malos contratos firmados con el sello Fantasy. A través de la etiqueta editó Blue Ridge Rangers, un experimento country.

Años más tarde consiguió liberarse a medias de Fantasy y editó John Fogerty, álbum que contenía un gran clásico ("Almost Saturday Night"), pero que carecía de magia. Hoodoo, en cambio, no llegó a editarse de común acuerdo entre Fogerty y Warner, por lo que permaneció inédito. Después de eso, Fogerty se llamó a silencio por ¡diez años!

Su resurrección se produce en 1985, con el álbum Centerfield, con el que vuelve a los primeros planos. Más batallas legales enturbian el lanzamiento de Eye of the Zombie, lo que lo deja mudo otra década más.

Pero en 1993 Fogerty toma revancha con Blue Moon Swamp, un álbum que regenera el toque mágico de Creedence en un contexto contemporáneo.

Más dedicado a su vida familiar y a la creación silenciosa, Fogerty logra con Deja Vu (all over again) una buena entrada al nuevo milenio.

Pagina: http://www.johnfogerty.com

A Perfect Circle

A Perfect Circle es un grupo de rock alternativo y alternative metal, procedente de los Estados Unidos, California.

Historia

La banda surgió cuando el guitarrista Billy Howerdel conoce a Maynard James Keenan, cuando Howerdel tenía la posición de técnico en guitarras en la banda Tool, durante la grabación del álbum Ænima. Howerdel le entregó unos demos al vocalista de Tool, Maynard James Keenan, quien se propuso a sí mismo como vocalista.

Se dice que el proyecto original de Billy Howerdel, suponía temas muy largos, suficientemente largos como para ser la banda sonora completa de una película, además de tener una voz femenina.

Posteriormente se les unieron Paz Lenchantin, Josh Freese y Troy Van Leeuwen y grabaron su primer álbum Une Cascade De Prénoms Pour Une Mer De Noms, francés para "una cascada de apellidos para un mar de nombres", simplificado en el conocido "Mer De Noms", donde la mayoría de los tracks poseen nombres personales, como "Magdalena", "Judith", "Rose", "Thomas", "Orestes", etc.

Durante un tiempo de descanso, se separaron Paz Lenchantin (yéndose a Zwan) y Troy Van Leeuwen (a Queens of the Stone Age), y entonces se les unieron Jeordie White, también conocido como Twiggy Ramirez, debido a su posición en la banda Marilyn Manson, y James Iha, guitarrista de la desmembrada banda The Smashing Pumpkins.

Con la nueva formación sale el álbum Thirteenth Step, con un sonido considerado más tranquilo, para el 2 de noviembre de 2004, coincidiendo con las elecciones presidenciales en EE.UU., se lanza el álbum eMOTIVE, con versiones de paz, guerra, libertad, etc., y junto a este álbum, se lanzó también el paquete aMOTION, que incluye un DVD con presentaciones en vivo y todos los videos de la banda, así como también se incluye un CD de remezclas.

En este paquete, se menciona la formación de A Perfect Circle de la siguiente manera: Maynard James Keenan, Billy Howerdel, Josh Freese, Danny Lohner (de Nine Inch Nails), Paz Lenchantin, Troy van Leeuwen, Jeordie White, James Iha y Tim Alexander.

Pagina: http://www.aperfectcircle.com