Kaleidoscope

Una de las bandas más inventivas y versátiles de la psicodelia estadounidense de los años 60. No confundir con el grupo coetáneo y homónimo británico, quienes también practicaban psicodelia y que firmaron el gran disco "Tangerine Dream", los Kaleidoscope americanos sobresalían por sus heterogénos y ricos postulados sonoros que, imbuidos en la lisergia dela época, combinaban elementos musicales provenientes del pop, rock, blues, folk, raga, jug band, country, cabaret y psicodelia.

Creados en 1966, Kaleidoscope (llamados en principio The Baghdad Blues Band) estaban compuestos por David Lindley, un talentoso multiinstrumentista que había formado parte de bandas como The Mad Mountain Ramblers o The Rodents; Chris Darrow, músico de múltiples recursos proveniente de grupos bluegrass, como The Dry City Scat Band, en el que también estuvo Lindley; Solomon Feldthouse, un instrumentista versado en música oriental, que dominaba, además de la guitarra, el saz, el dobro, el ouz o el dulcimer: Chester Crill, otro meritorio instrumentista era un personaje gustoso de adoptar múltiples personalidades, ya que firmaba con distintos seudónimos, como Fenrus Epp, Max Buda o Templeton Parceley; John Vidican, por último, ocupaba el puesto de percusionista y batería.

Estos sonidos eclécticos producían una música original e imaginativa, aunque poco proclive a la comercialidad, lo que al final terminó socavando los cimientos del grupo, que pasó a ocupar el calificativo de banda de culto con el tiempo, acumulando múltiples seguidores de su mixtura entre música tradicional, rock y elementos étnicos.

Uno de esos admiradores fue el mismísimo Jimmy Page, que calificó a Kaleidoscope como "su grupo favorito de todos los tiempos".

En 1967 firmaron con Epic Records y publicaron su primer sencillo, "Please/Elevator Man". "Please", un estupendo tema, deudor de los Byrds, se incluyó en su Lp debut, "Side Trips" (1967), producido por Barry Friedman (representante de Buffalo Springfield y productor de la Paul Butterfly Blues Band), desplegaba su atractiva mezcolanza de sonidos, en cautivadores canciones como "If the night", "Keep your mind open" o "Pulsating dream". La apertura del album, "Egyptian Gardens", ejemplifica a la perfección su atracción por los sonidos orientales.

"A beacon from Mars" (1968) fue su segundo album, en el que incluían dos temas en vivo de extensa duración, "Taxim" y el homónimo "A beacon from Mars", pues a diferencia de sus canciones en vinilo (que rara vez superaban los tres minutos), en directo solían realizar improvisaciones que alargaban las piezas.

Sus conciertos también resultaban muy singulares, ya que mientras interpretaban temas de sabor oriental aparecían bailarinas ejecutando la danza del vientre o cuando introducían una guitarra española, saltaban al escenario bailarines de flamenco.
Como sencillo de este segundo Lp, publicaron uno de los mejores cortes del disco, "I found out".


Después de la grabación de este disco se produjeron dos bajas en la formación original, Chris Darrow y John Vidican dejaron el grupo, siendo reemplazados por el bajista Stuart Brotman y el batería Paul Lagos. Darrow se uniría a la Nitty Gritty Dirt Band.

"Incredible Kaleidoscope" (1968) fue su tercer trabajo, inferior a los dos primeros, aunque nada desdeñable, con buenos temas como "Lie to me", "Seven Ate-Sweet" o el single "Let the good love flow".

Su siguiente album sería "Bernice"" (1970), un Lp en el que se incorporaron dos nuevos nombres, el bajista Ron Johnson y el cantante y guistarrista Jeff Kaplan, quien fallecería a causa de una sobredosis pocos meses después de su unión a la banda.

El disco supuso un fracaso a nivel comercial y artísticamente resultó ser su peor trabajo hasta el momento, lo que provocó la disolución del grupo, convirtiéndose Lindley en un prestigioso músico de sesión, al igual que el antiguo miembro de la banda, Chris Darrow.

A mediados de los años 70, los miembros originales, sin la figura esencial de David Lindley, retomarían Kaleidoscope y publicarían el Lp "When Scopes Collide" (1977), el album menos logrado de la discografía de la formación californiana, que sería continuado en 1991 por su último disco en estudio, "Greetings from Kartoonistan..(We ain't dead yet)".

María Elena Walsh

María Elena Walsh (Ramos Mejía, 1 de febrero de 1930) es una autora, compositora y cantante argentina.

Célebre por su literatura infantil, creó personajes conmovedores, como Manuelita la Tortuga, que inspiró la película “Manuelita” (1999), dirigida por Manuel García Ferré. Sus temas fueron musicalizados por personalidades como Mercedes Sosa y Joan Manuel Serrat y trascendieron las fronteras argentinas. María Elena Walsh nació en el barrio de Ramos Mejía, en Buenos Aires, el 1º de febrero de 1930.

Su papá era un ferroviario inglés que tocaba el piano y cantaba canciones de su tierra; su madre era una argentina descendiente de andaluces y amante de la naturaleza. Fue criada en un gran caserón, con patios, gallinero, rosales, gatos, limoneros, naranjos y una higuera. En ese ambiente emanaba mayor libertad respecto de la tradicional educación de clase media de la época. Tímida y rebelde, leía mucho de adolescente y publicó su primer poema a los 15 años en la revista “El Hogar”. Poco después escribió en el diario “La Nación”.

Un año antes de finalizar sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes publicó su primer libro (en 1947), “Otoño imperdonable”, que recibió el segundo premio Municipal de Poesía y fue alabado por la crítica y por los más importantes escritores hispanoamericanos. A partir de allí su vida dio un vuelco: empezó a frecuentar círculos literarios y universitarios y escribía ensayos. En el año 1949 viajó a Estados Unidos, invitada por Juan Ramón Jiménez.

En los años ’50 publicó “Baladas con Angel” y se autoexilió en París, junto con Leda Valladares. Ambas formaron el dúo Leda y María: actuaron en varias ciudades como intérpretes de música folclórica, recibieron premios, el aplauso del público y grabaron el disco “Le Chant du Monde”. Por esa época comenzó a escribir versos para niños. Sus canciones y textos infantiles trascendieron lo didáctico y lo tradicional: generación tras generación sus temas son cantados por miles de niños argentinos.

Realizó además recitales unipersonales para adultos. En 1962 estrenó en el Teatro San Martín “Canciones para mirar”, que luego grabó con CBS. Al año siguiente estrenó “Doña Disparate y Bambuco”, representada muchas temporadas en Argentina, América y Europa. En los años ‘60 publicó,entre otros, los libros “El reino del revés”, "Cuentopos de Gulubú", “Hecho a mano” y “Juguemos en el mundo”. En los ’70 volvió al país y en 1971 María Herminia Avellaneda la dirigió en el filme “Juguemos en el Mundo”. También escribió guiones para televisión y los libros “Tutú Maramba”, "Canciones para mirar", “Zoo Loco”, “Dailan Kifki” y “Novios de Antaño”. En 1985 fue nombrada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires y, en 1990, Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional de Córdoba y Personalidad Ilustre de la Provincia de Buenos Aires. En 1994 apareció la recopilación completa de sus canciones para niños y adultos y, en 1997, “Manuelita ¿dónde vas?”.

María Elena Walsh es una verdadera juglar de nuestros tiempos, cuando recita y canta sus versos, pero también, cuando denuncia subliminalmente diversas cuestiones sociales. Toda su rebeldía, su desencanto, su oposición, su amor a la naturaleza y a los niños han quedado reflejados en numerosos poemas, novelas, cuentos, canciones, ensayos y artículos periodísticos.

Pagina: http://www.me.gov.ar/efeme/mewalsh/

Los Lonely Boys

Los Lonely Boys son un grupo americano-mexicano de San Angelo, Texas cuyo estilo es Tex-mex rock con elementos de blues, soul, country y tejano. La banda está integrada por tres hermanos: Henry, Jojo y Ringo Garza. Ellos han seguido los pasos de su padre quien también tenía una banda formada por sus hermanos llamada The Falcones, los cuales tocaron en el sureste de Texas en la décadas de 1970 y 1980.

Henry, Jojo y Ringo cantaban de respaldo para su padre en su carrera de solista en la década de 1990. Luego, los hijos crearon su propio grupo, separándose de su padre. Grabaron su primer álbum en el 2003; las sesiones de grabación fueron realizadas en el estudio de Willie Nelson en Pedernales, el álbum fue adquirido posteriormente por Epic records para su distribución en marzo de 2004.

Su sencillo “Heaven” (cielo) alcanzó el puesto número 16 en la lista billboard 100. El grupo ganó un premio Grammy en la categoría de mejor actuación como grupo o dúo en el 2005. Durante ese mismo año grabaron un sencillo junto a Carlos Santana llamado I don’t wanna lose your love (no quiero perder tu amor). Tocaron junto Willie Nelson, Los Rolling Stones, Tim Mc Graw, Carlos Santana, Ronnie Milsap entre otros.

Pagina: http://www.loslonelyboys.com/

Mary Chapin Carpenter

Mary Chapin Carpenter (nacida el 21 de febrero de 1958) es una cantante americana de country y folk. Pasó varios años cantando en clubs de Washington, D.C. antes de firmar a finales de los años 80 con Columbia Records, y ser lanzada como cantante de country.

Ha ganado 5 premios Grammy, y es la única artista que ha recibido cuatro Grammys consecutivos en la categoría de mejor interpretación vocal femenina de country [1] . En 2005 había vendido más de 12 millones de discos.

Pagina: http://www.marychapincarpenter.com/

Jacula

Jacula (1969-1973) fue una banda experimental underground de rock progresivo experimental italiana, de naturaleza claramente ocultista, cuyo nombre se le debe a una historieta erótica italiana de la época con la vampiresa Jacula (historieta) como protagonista. Conformada por el organista Charles Tiring, la violinista Doris Norton, el vocalista Antonio Bartoccetti y el médium Franz Parthenzy, esta banda fue principalmente ideada por el dueto musical Bartocetti -Norton (quienes eran novios), que luego también formaría agrupaciones como Dietro Noi Deserto, Invisible Force y que culminaría en la contemporánea Antonius Rex. Sus discos tuvieron poca difusión (la primera edición del primer LP, In Cauda Semper Stat Venenum, contó con menos de 310 copias) y hoy en día son considerados una banda de culto.

Música

La música de Jacula tiene un trasfondo fuertemente ocultista, lo que se nota claramente en la inclusión de un ícono de tales creencias (Franz Parthenzy), quién, junto a Bartocetti, escribía las letras y se encargaba de la guía del grupo. Su propuesta es muy particular en el contexto musical de aquellos años, con bandas como Pink Floyd o Genesis liderando la escena progresiva y fundando los cimientos del rock progresivo actual, comparable solo con la de la banda Devil Doll.

En el primer disco, In Cauda Semper Stat Venenum (una expresión en latín que significa "El veneno siempre está al final") de 1969, el órgano tiene un papel fundamental y casi único en la dinámica de la producción, que se completa con las letras ocultistas en latín. Su principal característica es una música siniestra y tenebrosa con pasajes de órgano propio de las iglesias de Europa antigua. De este vinilo se hicieron tan sólo entre 299 y 310 copias (hay mucha imprecisión en torno al grupo, véase la sección Leyendas). Su segundo disco, Tardo Pede in Magiam Versus , su última y más conocida producción de 1973, está influenciada más bien por otras bandas de la escena underground italiana, como Le Orme, usando la voz de Doris Norton y un ambiente musical más parecido a lo que es el grueso del progresivo, sin dejar de lado (ni en segundo plano) la naturaleza ocultista de la banda ni los órganos con sonoridad de iglesia.

Leyendas

Un halo de misterios y leyendas se crearon en torno a la agrupación, de los cuales algunos parecen tener cierta base y otros simplemente son creados a partir, seguramente, de la música del grupo (oscura y ocultista).

Entre estos hechos difíciles de comprobar se encuentran:

- El primer disco fue grabado en un castillo en inglaterra, lo cual es poco probable pero no se puede negar, ya que el mismo sello que ha republicado la producción comenta primero esta hipótesis (seguramente de marketing debido a la baja producción original) y luego que fue grabada en los estudios del sello inglés "Gnome Records".
- El organista Charles Tiring, de 81 años, estaba casado con una hermosa joven de 18 años, debido a un pacto con el diablo
- El organista Charles Tiring tocaba en una iglesia italiana y, luego de hacer un pacto con el diablo, robó el órgano de la mismísima iglesia y se marchó.
- El primer disco se distribuyó directamente a sectas y clanes ocultistas y satánicos europeos, motivo de la baja cantidad de copias.

Discografía

Su corta discografía, debido a ser una agrupación más que nada experimental, cuenta con:

- In Cauda Semper Stat Venenum, 1969
- Tardo Pede In Magiam Versus, 1973

Ambos discos cuentan con una carátula muy parecida (una en blanco y negro y la otra a color), la de un hombre cadavérico cubierto por una capa con gorro en un cementerio, bebiendo al lado de un esqueleto profanado.

Hace pocos años se vendían en Internet (específicamente Ebay) vinilos que clamaban ser la versión original del primer LP de la banda, grabado en un castillo inglés, con menos de 310 copias. El sello italiano Black Widow ha reeditado y republicado en formato vinilo y digipack el primer trabajo, mientras que el segundo disco fue más vendido y del cual existen más copias.

Joe Lynn Turner

Joe Lynn Turner, JLT, (nacido el 2 de agosto de 1951 en Hackensack, New Jersey) fue el cantante del grupo Fandango y de dos grupos de hard rock: Rainbow (1980-1984) y Deep Purple (1989-1992). También es letrista y ha colaborado con los guitarristas Yngwie J. Malmsteen y Ritchie Blackmore.

Se unió a Glenn Hughes bajo el nombre de Hughes Turner Project y con el guitarrista búlgaro Nikolo Kotzev y su banda Brazen Abbot.

Actualmente está trabajando en Over The Rainbow, una gira por europa con los antiguos miembros de Rainbow a excepcion de Ritchie Blackmore, al que sustituye su propio hijo Jürgen Blackmore. Si Over The Rainbow es bien acogido por los fans,Joe Lynn Turner y el grupo Rainbow seguiran trabajando en el grupo e incluso puede que publiquen un nuevo álbum.

Editaron cuatro albums con el sello RCA Records entre 1977 y 1980. Fandango era una combinación de R&B, pop, rock sureño y blues, con reminiscencias de artistas como Steely Dan y los Allman Brothers. El trabajo de Joe en Fandango llamó la atención del renombrado guitarrista de Deep Purlpe, Ritchie Blackmore, que estaba en la búsqueda de un cantante para su banda Rainbow.

En 1980, JLT recibió una llamada de teléfono de un asistente de Blackmore. Luego del "llamado del destino" Joe se encontró con Blackmore en un estudio de grabación en Long Island, NY. Para el final de la audición Joe ya estaba escribiendo y grabando con Rainbow como su nuevo vocalista.

Rainbow siempre fue popular alrededor del mundo, pero Blackmore quería conquistar el mercado de los Estados Unidos. Y con Turner a bordo como su nuevo frontman, eso fue exactamente lo que hicieron. Con JLT, Ritchie encontró un cantante versátil con una veta comercial, un cantante que tenía la habilidad musical de adaptarse a una balada, como también material de rock más pesado.

Rainbow editó tres albums con JLT: Difficult to Cure, Straight Between the Eyes y Bent out of Shape. Los discos dieron frutos para las radios tales como Can´t Happen Here, I Surrender y Jealous Lover. Stone Cold, editado en 1982 ayudó a Rainbow a alcanzar el Top 40 de singles en Estados Unidos por primera vez! Un año más tarde el grupo duplicó el suceso con la hipnótica Street of Dreams.

En lo más alto de la carrera de Rainbow en 1984, Ritchie Blackmore disuelve su grupo para reformar Deep Purple con Roger Glover (que también estaba enrolado en Rainbow).

Libre para seguir con otros asuntos musicales JLT editó su primer registro solista en 1985, Rescue You, producido por Roy Thomas Baker (Queen, The Cars). Al mismo tiempo Michael Bolton introdujo a Turner en el negocio de cantar jingles para la TV y Radio. A través de los años JLT se ha convertido en uno de los más importantes cantantes sesionistas en demanda. Su voz ha aparecido en publicidades para Budweiser, Domino´s Pizza y Gadetorade (por nombrar solo algunas). Turner además ha co- escrito canciones para muchos otros álbumes de diversa gama de artistas, desde Cher a Billy Joel.

En 1988 JLT se une al virtuoso guitarrista Yngwie Malmsteen y graba Oddyssey. El álbum produjo el éxito de Radio/Mtv, Heaven Tonight. Esto ayudó a JLT para retornar a la "visibilidad" que había tenido cuando estaba en Rainbow. La unión Malmsteen/Turner llevó a la banda hasta Rusia para 10 shows con localidades agotadas. Los resultados aparecieron en la continuación de Oddyssey: Live in Leningrad (en vivo en Leningrado).

En 1990 JLT se reunió con sus compañeros de Rainbow: Blackmore y Glover, en Deep Purple. Slaves and Masters fue editado ese año. Su primer single - la gema AOR, King of Dreams recibió una gran difusión en radios y la Mtv. Deep Purple recorrió el mundo para promover el album. Con JLT como cantante la banda pudo resucitar en concierto clásicos como Burn y Hush, canciones que no habían sido tocado en vivo desde que habían sido editadas.

Las grabaciones para un album que diera continuación a Slaves and Masters habían empezado, pero debido a políticas internas de la banda, Deep Purple decidió volver a llamar al vocalista, Ian Gillan.

Después de tomarse un tiempo para reorganizarse de la separación, Joe editó su grabación más personal e intimista, Nothing Changed aclamado por la critica y los fans. Mientras tanto manteniéndose ocupado con trabajos de sesión JLT se comprometió con proyectos paralelos como Brazen Abbot y Mother´s Army. Además ayudó con su voz camaleónica para temas en una inmensa colección de albums tributo. En 1997, JLT grabó la primera de dos de su propia grabación de tributos: Undercover donde da homenaje a sus raíces de rock and roll, versiones actuales de artistas como Bad Company y Marvin Gaye.

Lo más notable es su reciente trabajo con el ex-bajista/vocalista de Deep Purple, Glenn Hughes. Luego de que JLT le pidiera a Glenn su colaboración para su gira en Japón del album Holy Man formaron el Hughes Turner Project (HTP). Lanzaron tres albums y estuvieron de gira promocional en Japón y Europa.

Pagina: http://www.joelynnturner.com/
En Argentina: http://www.joelynnturner.8k.com/

Hot Tuna

Biografía

Hot Tuna comenzó como una aventura musical de los miembros de Jefferson Airplane Jack Casady y Jorma Kaukonen a comienzos de los 70. Ambos eran amigos de infancia en Washington D.C.. Tras el Instituto los padres de Jorma, trabajadores al servicio del Gobierno tuvieron que trasladarse a Filipinas pero él regresó a San Francisco cuando afloraba la psicodelia y fundó Jefferson Airplane en 1965. Al poco se añadiría al grupo el bajista Jack Casady que ayudaría al masivo éxtio del grupo.

Originalmente quisieron llamar a su grupo "Hot Shit" (Mierda Caliente) pero los ejecutivs de RCA les convencieron para buscar un nombre menos ofensivo. El grupo empezó a tomar forma en 1969, cuando Casady y Kaukonen eran todavía miembros de Airplane; de hecho sus primeras actuaciones fueron encajadas entre las de Jefferson airplane. El grupo fue completado con el instrumentista de armonica Will Scarlet y alguna intervención ocasional de otros miembros de Airplane como Marty Balin y Spencer Dryden. Debutaron en 1970 con un disco de blues tradicional y ragtime grabado en vivo en el New Orleans House de Berkeley. En los años siguientes llegarían los más rockeros First Pull Up, Then Pull Down, junto al violinista Papa John Creach y el baterista Sammy Piazza. El tercer álbum, Burgers vendría después sin Scarlet en 1972. David Crosby les hizo coros en el tema Highway Song de dicho álbum.

Con la aparición en 1974 de The Phosphorescent Rat dejaron de lado el sonido acústico y Papa John Creach abandonó el grupo por continuar con Airplane; Casady Y Kaukonen dieron por finiquitado Jefferson Airplane y el sonido de Hot Tuna se hizo más eléctrico derivando hacia una banda de heavy rock. Esto sería notorio en los siguientes álbumes America's Choice(1975), Yellow Fever(1975) y Hoppkov(1976) con la adición del baterista Bob Steeler. Esta época de trío es referida en la historia de la banda como los años alborotados. Aclamada la banda por su capacidad para improvisar durante horas y horas (hasta 6 en alguna ocasión) en jam sessions.

La edición de un doble en directo titulado Double Douse en 1977 y la recopilación Final Vinyl en 1978 marcó el fin de grupo. Casady y Kaukonen inciaron sus experiencias en solitario en la nuevas bandas SVT y Vital Parts. Para entonces Kaukonen ya había sacado un disco en solitario titulado Jorma.

En 1984 ambos retornaron a sus raíces: Casady se unió a su compañero Marty Balin y Paul Kantner en la K.B.C. Band y Kaukonen volvió al blues acústico de sus años iniciales. A partir de 1986 hicieron alguna sesión de reunificación de los Tuna toncando juntos en varias ocasiones, reforzándose en 1990 con el multinstrumentista y cantante Michael Falzarano. Publicaron una recopilación de material de estudio inédito de la última década así como un directo titulado Live at Sweetheart en 1992.

En 1997 publicarían Splashdown Two y en 1999 And Furthurmore. En los años venideros Hot Tuna continuó tocando varios shows en directo con diversas configuraciones. Un recopilatorio de los años en RCA vería la luz en el 2006: Keep on Truckin'. En ese mismo año también aparecerían en el festival de Merlefest, el mayor festival acústico de EE.UU.

Pagina: http://www.hottuna.com/

Kudsi Erguner

Kudsi Erguner (nacido en Diyarbakir, Turquía, en 1952) es un músico turco. Se le considera un maestro en las tradiciones Mevlevíes y sufies, y es uno de los intérpretes más famosos de la flauta turca ney.

Biografía

De niño, Kudsi y su padre, Ulvi Erguner, interpretaron danzas hipnóticas y espirituales típicas de la tradición sufí-Mevleví en ceremonias derviches. Comenzó su carrera musical en Radio Estambul en 1969. Durante varias décadas, ha investigado los orígenes de la música otomana, que también ha enseñado, interpretado y grabado.

En la década de los setenta se trasladó a París, donde, a comienzos de la década de los ochenta, fundó el Instituto Mevlana, dedicado al estudio y la enseñanza de la música clásica sufí. Junto con el Kudsi Erguner Emsemble desarrolló profundos conocimientos sobre la diversidad de su cultura: el grupo transmite auténticas, y a menudo improvisadas formas de expresión clásica de la cultura otomana, así como un amplio repertorio de piezas clásicas y modernas que se remontan al siglo XIII.

La Deambulante

La Deambulante comienza a consolidarse en el año 2005 en la Escuela Popular de Musica.

Anibal "Chusa" Vecchio , Martin Vecchio , Leandro Leone y Juan "Richo" Montenegro durante este año comparten varios escenarios y la banda graba su primer demo de estudio.

En el año 2006 La Deambulante se forma como proyecto solido tras el ingreso a la banda de Ignacio Piana (Bateria) y Sebastian Murena (Guitarra)
Durante el 2006 la banda comienza la busqueda de un estilo propio sumergiendose en las ramas de la fusion musical nutriendose de jazz, blues, latin, candombe y rock.

La convocatoria crece considerablamente y graban el demo en vivo "Andemos Vivos"
Durante el 2007 la banda realiza gran cantidad de presentaciones y se produce la salida de Richo y el ingreso de Astor Barrientos a la formacion.

En el verano del 2008 La Deambulante realiza su primer gira en la costa en busqueda de aun mas oidos sedientos y la grabacion de su ultimo Demo "Necios"

En el verano del 2009 La Deambulante realiza su segunda gira en la Costa Atlantica llevando su musica a nuevos lugares.

Fiel a sus sensaciones, La Deambulante busca llevar su palabra y musica a todo aquel que se permita escucharlos.

A mediados de ese año presentaron "Bailando tiempos", el primer disco de la banda, grabado en el estudio El Hornero, mezclado y masterizado en los Estudios El Pie bajo las órdenes de Norberto Hegoburu.

Pagina: http://ladeambulante.com.ar/

Jaime Sin Tierra

Biografía

La historia de Jaime Sin Tierra se remonta a principios de 1996, en la ciudad de Buenos Aires. En mayo de ese año empezaron a tocar en vivo y en diciembre editaron un demo en cassette, grabado en una computadora, al igual que su segundo demo titulado Vacío, editado en mayo de 1997. En diciembre de 1997, cargados con sus propios equipos de grabación, se recluyeron en un campo de Chascomús para grabar su primer disco, que con el titulo de «El avión ya se estrelló y yo sigo volando» , fue editado por el sello Ultrapop en mayo de 1998. En agosto de 1999 editan «Caja Negra», con remixes, demos y temas en vivo provenientes de su primer disco.

Participan en los tributos a The Cure «Into a sea of Cure» (junto a bandas argentinas) con el tema Plainsong y «Pinkpigs» (junto a bandas de todo el mundo) con el tema Snakepit y en el tributo a Charly García con «Ojos de videotape». Desde Octubre a Abril del 2000 estuvieron grabando en su propio estudio Sin Tierrita Records su tercer disco, «Autochocador» -considerado por la revista Los Inrockuptibles como uno de los 5 discos imprescindibles del 2001-, que fue editado en Argentina por su propio sello Discos Sin Tierra y en España a través del sello Everlasting Records.

Tras la participación de la banda en el festival Primavera Alternativa junto a Sonic Youth y Sean Lennon, el baterista Lucas Cordiviola dejó el grupo y fue reemplazado por Javier Diz. Con esta ultima formación siguieron presentándose en vivo en varios lugares, incluyendo La Trastienda, el Centro Cultural San Martín, el Centro Cultural Recoleta, Cemento y el Buenos Aires Hot Festival, junto a Oasis y Neil Young. En septiembre del 2001 compartieron escenario con los neoyorquinos Luna.
Luego de la partida del guitarrista, Sebastián Kramer, a principios del 2002, la banda se concentró en la grabación de «…lo que va a encandilar es el día», su nuevo disco que verá la luz a fines de agosto. Para fin de año se espera además el lanzamiento de un nuevo EP con nuevas canciones. Jaime Sin Tierra también está actualmente trabajando en la producción de un disco en el que bandas de la escena local y otras del exterior remixarán sus canciones.

Pagina: http://www.myspace.com/jaimesintierra

Howlin' Wolf

Chester Arthur Burnett (White Station,10 de junio de 1910 - Hines, 10 de enero de 1976), conocido como Howlin' Wolf fue un músico afroamericano, cantante de blues, guitarrista y tocador de armónica.

Con una voz y una presencia física características, Burnett se colocó entre los principales artistas del blues eléctrico; el músico y crítico musical Cub Koda declaró, "nadie puede igualar a Howlin 'Wolf en su singular capacidad para el rock."

Con sus 1,98 m de estatura y cerca de 136 kg de peso, fue una figura imponente con una de las voces más memorables entre todos los cantantes de blues "clásicos" en el Chicago de los años 50. Su voz ha sido comparada con "el sonido de las máquinas pesadas que operan en un camino de grava". Junto con su contemporáneo y rival profesional Muddy Waters, formaron los dos pilares del Chicago blues.

Biografía

Comienzos

Hijo de plantadores de algodón, Howlin' Wolf trabajó de granjero en la década de los 30, siendo uno de los pioneros entre los negros que emigraron en los años 40 a Chicago, aunque siempre mantuvo sus raíces. . Sirvió durante la Segunda Guerra Mundial en el ejército norteamericano.

Carrera

En 1948 formó una banda que incluía guitarristas como Willie Johnson y M. T. Murphy, el tocador de armónica Junior Parker, un pianista llamado Destruction y el tambor Willie Steele, y en 1951 comenzó a actuar en radio en West Memphis, Arkansas.

Su álbum de 1962 Rockin' Chair Album es uno de los más famosos discos de blues, conocido por la ilustración de su cubierta con una mecedora. Este álbum contenía "Wang Dang Doodle," "Goin' Down Slow," "Spoonful" y "The Red Rooster", canciones que sirvieron de base a los repertorios de las bandas inglesas y americanas enamoradas de los blues de Chicago. En 1965 apareció en el show televisivo Shindig junto con los Rolling Stones. Wolf dio varios conciertos en Chicago en 1972, grabados por la discográfica Chess en su álbum Live and Cookin y en 1973 produjo su último álbum The Back Door Wolf. Tuvo especial resonancia su álbum "London Sessions", grabado en Londres junto a una super-banda de estrellas británicas (Eric Clapton, Stevie Winwood, Charlie Watts, Bill Wyman) y su inseparable Hubert Sumlin.

El inimitable estilo abrasivo de Howlin´ Wolf ha imposibilitado cualquier imitación. Dotado de una técnica musical rudimentaria (tanto en la armónica como en la guitarra slide), su peculiar sentido del tempo y sus aullidos (como en la célebre "Smokestack Lightning") confirieron siempre a sus interpretaciones un vigor inigualable.

El rock psicodélico de los sesenta tuvo en Howlin' Wolf a uno de sus máximos inspiradores. Jimi Hendrix comenzó su actuación en el festival de Monterrey, en 1967, (su primera aparición al nivel de las grandes estrellas) con una frenética versión de un clásico de Howlin' Wolf, "Killing floor". Los Cream convirtieron en éxito otra de las grandes piezas de Howlin' Wolf (aunque compuesta por Willie Dixon), la febril "Spoonful", y también legaron una recordada recreación de "Sittin' on the top of the world". Los Doors versionaron "Back door Man" y los Rolling Stones tuvieron unos de sus hits más tempranos con la inefable "Little red rooster". El estilo vocal de John Fogerty, cantante de Creedence Clearwater Revival, debe también mucho a Howlin´ Wolf, lo que se hace patente en canciones del grupo como "The Graveyard Train" entre otras.

Howlin' Wolf murió de cáncer en el Hospital de Veteranos de Hines, Illinois, el 10 de enero de 1976.

Pagina: http://www.howlinwolf.com/

Marc Bolan

Marc Bolan, pseudónimo de Marc Feld (30 de septiembre de 1947 - 16 de septiembre de 1977), cantante de rock, una de las figuras más populares del glam rock de los años 70. El falso apellido Bolan es la contracción de su admirado BOb dyLAN (BO-LAN)

Vida

Primeros Años

Nació en Hackney, al este de Londres el 30 de septiembre de 1947, siendo el hijo de un camionero. Luego de que su familia viviera en Hackney, esta se trasladó a Wimbledon, en el suroeste de Londres.

Sus primeras influencias musicales fueron Gene Vincent y Chuck Berry. Él llegó a ser mod, pasando por distintos bares de Soho.

John's Children

Tras grabar varios discos bajo el nombre de Toby Tyler (sonando muy folk, como sus admirados Donovan y Bob Dylan), ingresa a la banda proto punk y mod John's Children, la cual pareció esperanzadora, ya que era aclamada por sus recitales y vendió algunas grabaciones. Una de sus primeras gran canciones sería "Desdemona" de 1967, escrita por el mismo Bolan, la cual fue vetada por la BBC por sus letras controvertidas.

Junto al percusionista Steve Peregine Took fundó, en 1967, la banda Tyrannosaurus Rex, luego llamada T. Rex. Bajo este nombre grabaron tres álbumes: My People Were Fair and Had Sky in Their Hair But Now They're Content to Wear Stars on Their Brows (1968), Prophets, Seers and Sages, The Angels of the Ages (1968) y Unicorn (1969). A comienzos de los años 70 la formación original se separó y Bolan se unió a Mickey Finn para formar T.Rex. Sus éxitos más recordados son canciones como Children of the Revolution, Ride a White Swan, Hot Love y Get it on, ambas nº 1 en el Reino Unido. A mediados de los años 70, la popularidad de Marc Bolan descendió pese a que T. Rex continuó sacando discos a la venta. Falleció el 16 de septiembre de 1977 en un accidente de coche en Londres, contando 29 años (irónicamente, Bolan adoraba los coches, como se puede observar en canciones como Cadillac o Get it On, pero a la vez les tenía miedo y nunca se sacó el carné de conducir). La banda desapareció en 1978.

Su nombre, Bolan es en homenaje a Bob Dylan.

En el principio fue el glitter, albor en destello frío y cegador, con Marc Bolan aparece la luz, pero ya no es luz iluminadora, como pudiera ser la que emana de la densa sabiduría de las bandas rockeras legendarias, sino brillo puro, puro brillo, sin moraleja existencia ni hondura espiritual.

El glamour en todo su superfluo esplendor nace dentro del rock hegemónico con Marc Bolan y su grupo Tyrannosaurus Rex, llamado después simplemente T- Rex. Es gracias a T- Rex que el Glam- Rock tuvo lugar en el mundo.

Marc Bolan y compañía aparecen en 1967 en Londres, T- Rex surge como Fanes, en fulgor prístino, dando paso a la develación fashionista del leopardo y el cuero rojo envolviendo el cuerpo que se mueve al ritmo de melodías duras y dulces a la vez.

La banda comenzó a editar discos desde finales de los 60´s, sin embargo su apogeo fue hasta el primer lustro de los 70´s. Con Marc Bolan se levanta una nueva estética dentro del Rock.

Ante la proliferación del rock progresivo T- Rex opta por traer frescura al Rock, retomando el Rock & Roll clásico, en un acto que no es pura retrospección, sino apropiación creadora, incorporando más decibelios, dándole más velocidad, tornándolo ácido y cínico a través de letras con obvia referencia a una sexualidad ambigua vivida salvajemente, así como a una vida superflua y sin sentido que se padece gozosamente. A principios de los 70´s el Glam – Rock, aún exclusivo de T-Rex, era también llamado Gay -Rock, ambos términos se usaban de forma indistinta. El motivo se debía a la actitud de Bolan.

Bolan, con miras en la figura de Warhol, aspiraba a ser una estrella de la cultura Pop, pero difería del estereotipo de Rockstar en pose de macho inflexible, por ello Bolan hacía gala de una ambigüedad sexual que se enfatizaba en su manera de vestir y de actuar sobre el escenario. Bolan vestía ropas con texturas de leopardo, cebra o cuero, se adorna con boas de plumas, botas plateadas de plataforma, mostrando la enorme influencia recibida por parte del travestismo neoyorquino.

T. Rex tuvo altas y bajas en los 70´s, a principios de la década la banda tuvo una serie de éxitos tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, ejemplo de ello son las canciones Debora, I love to boogie, Ride a white swan, Children of the revolution, Baby Strange, Mad Donna, Get i ton, Hot love,Teenage Dream, etc. Las cuales permitieron a la banda hacer varias giras que continuarían la difusión del Glam, logrando además dar paso a todo un movimiento cultural del cual injustamente no vendría a ser Marc Bolan el abanderado, sino el Delgado Duque Blanco: David Bowie, quien a pesar de todo nunca negó la influencia y admiración hacia el fundador de T. Rex.

En la segunda mitad de los 70´s la popularidad de la banda decayó fuertemente y se hundió en un relativo olvido tras la trágica muerte de Bolan. El lider de T. Rex sufrió un accidente automovilístico 16 de septiembre de 1977 en las calles de Londres. La influencia de Marc Bolan y T. Rex ha modelado la historia del rock de manera definitoria. Quizá David Bowie no habría sido la gran figura del Rock de no haber conocido a Marc Bolan. T. Rex ha influenciado incluso el cine, el de Almodóvar en los 80´s es un ejemplo de ello, así como clásicos de la talla de “The Rocky horror picture show”. Después del boom del Glam en el primer lustro de los setentas esta corriente se diversificó, se transformó y fue asimilado tanto por bandas posteriores a T. Rex como por bandas de previa existencia al Glam de Bolan. Iggy Pop, Roxy Music, The New York Dolls, Queen, Elton John, Alice Cooper, Siouxie and the Banshees, The human league, han aceptado una gran influencia de Bolan.

Marc Bolan como lider espiritual de T. Rex y el Glam en general ha sido piedra angular de un modo diferente de asirse al Rock como forma de ver la vida, donde el desafío de la existencia no se asume de manera desoladora sino glamourosa.

Bandas influenciadas por Marc Bolan & T-REX

La influencia de T. Rex es tan transversal que entre sus fans confesos se puede encontrar desde números como Def Leppard, Danzig, Fantomas o Guns n’ Roses (cosa de mirar a Slash, pelo y gorro, para concluir), hasta Chumbawamba(!), pasando por Oasis, Suede, Soulwax, Morrissey, Yo La Tengo, The Replacements, y la lista es larga. Y no es casualiad: en menos de diez años de vida (desde 1968 a 1977, considerando la época de dúo, Tyrannosaurus Rex), Bolan y compañía editaron doce discos(dos de los cuales, ‘The Slider’ y ‘Electric Warrior’ son considerados “indispensables” por la prensa especializada) y trabajaron con Elton John, Ringo Starr, David Bowie y Tony Visconti.

Aclaro que la inclusión de ‘Cigarettes & Alcohol’(de Oasis, que comienza en modo de homenaje a ‘Get it On’) y ‘Panic’(1986) de The Smiths (que, dicen, usa el mismo riff que ‘Metal Guru’, de ‘The Slider’ (1972)), responde a que se trata de tributos reconocidos y no a plagios.Para eso, ya tenemos a nuestro querido Gustavo Cerati (que, al fin y al cabo, ha escrito canciones buenas, “copión” y todo).Con todo, el mito de Bolan sigue vivo, casi treinta años

Pagina: http://www.marc-bolan.org/

Ryan Adams

David Ryan Adams (5 de noviembre de 1974, Jacksonville, Carolina del Norte) músico de un estilo que ha venido a ser llamado Alt-Country/Rock. A los 16 años abandonó el instituto para trabajar en una zapatería y comenzar a escribir música. Formó una banda llamada Whiskeytown en 1994 la cual se separaría en 1999. Adams publicó su primer disco en solitario en el año 2000, lleva por título Heartbreaker.

Es un artista prolífico que ha publicado ocho discos y numerosos Eps entre el 2000 y el 2005. También ha producido un álbum a Jesse Malin, ha contribuido con Beth Orton, the Walflowers o Counting Crows. Mantuvo relaciones sentimentales con Winona Ryder, Alanis Morissette (con la que aún mantiene una buena amistad), Beth Orton, Leona Naes, Carrie Hamilton y Parker Posey (musa del cine independiente norteamericano). Ha colaborado con otros músicos de renombre como Elton John, Willie Nelson o Toots and the Maytals. Publicó un disco de punk grabado con Jesse Malin con el nombre de the Finger.

El 11 de Febrero del 2009, Ryan Adams se comprometió con su intermitente novia, la actriz y cantante pop Mandy Moore.

Pagina: http://www.ryan-adams.com/

Gonzalo Aloras

Historia

Gonzalo Aloras nace en la ciudad de Rosario el 4 de octubre de 1974 en medio de una familia ligada al Arte. Desde muy chico sus inclinaciones son siempre artísticas. Comienza por el dibujo de historietas y la escritura de reflexiones en revistas escolares; luego incorpora transversalmente la filosofía a sus actividades de adolescencia a través de cursos y grupos de investigación.

Durante la década del 90 es una de las voces cantantes del rock local en el trío Mortadela Rancia con quien registra el disco Ciudad Paranoia (1994) y participa en numerosas bandas y grabaciones rosarinas (Macaferri y Asoc, Graffiti, Vandera, Fabian Gallardo, Coki & The Killer Burritos, Los Divinos, Abrepuertas, etc).

Cursa los estudios de Realizador Audiovisual en la Escuela de Cine de Rosario en la que se desempeñara más tarde como docente.

Ya en su etapa solista, graba y edita Algo Vuela (2000/2004) , un disco en el que participan Fito Páez, Charly García, Claudio Cardone, Guillermo Vadalá, entre otros músicos junto a los cuales también compartirá escenario.

Algo Vuela es presentado internacionalmente con pequeñas actuaciones en España (donde recibe la mención de Fnac a la mejor auto-producción) Colombia, Chile, EEUU, México, Uruguay y otras ciudades de Latinoamérica.

En el 2005 edita su primer simple virtual llamado Visión y recibe el premio MUSI al mejor artista pop rosarino, realizando allá su primer presentación a dúo junto a Litto Nebbia con quien comenzará de esta manera, una serie de proyectos musicales (ver Celebración del rock argentino/ Melopea ).

Forma parte de la banda de Fito Páez y participa en sus discos como intérprete y arreglador del año 1999 al año 2006. También es co-protagonista y productor musical en el film De quién es el portaligas del mismo director. La banda sonora del film De quién es el portaligas, es editada en el 2008 por Sony/BMG y recibe la nominación al premio Cóndor de Plata y Clarín, como mejor música de cine.

Es invitado por Juanse a formar parte de su banda solista y a grabar el primer dvd en vivo de esta formación especial, del líder de Ratones Paranoicos.

Edita Superhéroes , a fines del 2008, un homenaje a sus tres grandes maestros: Litto Nebbia, Charly García y Luis Alberto Spinetta, con versiones de estos autores en guitarra acústica y piano de cola.

Sigue trabajando en lo que será su próximo disco de canciones propias a editarse en el 2009. En este trabajo participarán Spinetta, Nebbia, Páez, Juanse, J. Malosetti , F. Fattoruso y F. Samalea entre otros.

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John Mayer

John Clayton Mayer (16 de octubre de 1977) es un cantante, compositor y guitarrista estadounidense ganador de varios Premios Grammy. Nació en Connecticut, luego se mudó a Boston, Massachussets donde estudió en el Berklee College of Music por un tiempo antes de mudarse a Atlanta, Georgia en 1998. Sus primeros discos de estudio, Room for Squares y Heavier Things lograron vender una gran cantidad de copias, su disco más reciente es Continuum, lanzado el 12 de Septiembre de 2006.

Otros intereses de John son la comedia, el diseño y la escritura. Ha escrito varios artículos para revistas, el más notable el de la revista Esquire. Además, tiene una fundación llamada Back to you y fomenta la concienciación sobre el calentamiento global.

Primeros años

Nació en Bridgeport, Connecticut, y se crió en Fairfield, Connecticut. Es el segundo de tres hijos. Creció siendo amigo de la futura estrella del tenis James Blake. Cursó secundaria en Fairfield High School (ahora Fairfield Warde High School). Mayer escuchaba música pop, pero su inspiración para tocar la guitarra comenzó a los 13 años. Cuando su padre, el director del Bridgeport High School, le lleva un CD de Stevie Ray Vaughan, John descubre la música blues y aprende a tocar la guitarra. Después de dos años de práctica, empieza a tocar en bares. Cuando Mayer tenía 17 años sufrió un trastorno del ritmo cardíaco, por lo que estuvo en el hospital un fin de semana. Expresa el trauma del accidente en sus primeras canciones. Después de este incidente ha sufrido varios ataques de pánico, que han sido controlados. Después de graduarse de la preparatoria, trabajó en una gasolinera durante 15 meses hasta que ahorró lo suficiente para comprar su primera guitarra profesional.

A la edad de 19 años, Mayer asistió a Berklee College of Music en Boston, Massachusetts. Después de dos semestres decide mudarse a Atlanta, Georgia. Con su amigo y baterista, Clay Cook, forman una banda llamada LoFi masters, y logran tocar en varios locales. Después de la separación de este grupo, Mayer comienza una carrera en solitario. Con la ayuda del productor Glenn Matullo, John Mayer lanza su primer disco titulado Inside Wants Out.

Evolución musical y primeros éxitos

Dos años después de publicar el álbum independiente Inside Wants Out, Mayer lanza al mercado en 2001 su primer disco de estudio titulado Room for Squares. En 2002, Room for Squares logra varias canciones en la radio, incluyendo No such thing, Your body is a wonderland y la última titulada Why Georgia. En 2003 John ganó un Grammy a la Mejor canción Pop masculina por Your body is a wonderland.

En 2003, Mayer lanza su tercer álbum, Heavier Things, y su primer sencillo fue Bigger than my body pero el mayor éxito fue su segundo sencillo titulado Daughters, lo que hizo que Mayer ganará el Grammy a la Canción del año en el 2005. Para este premio competía con artistas como Alicia Keys y Kanye West. Dedicó este premio a su abuela, Annie Hoffman, quien murió en mayo del 2004.

En 2004, John trabajó junto al artista y cantante de Hip Hop, Kanye West, juntos trabajaron con el rapero Common , tanto la colaboración con Kanye West y con Common fueron alabadas por artistas del rap como Jay-z y Nelly.

Durante este tiempo, Mayer comenzó a cambiar en sus intereses musicales. En 2005 hizo varias colaboraciones con varios artistas del blues incluyendo, Buddy Guy, B.B King, Eric Clapton y el artista del jazz, John Scofield. También hizo una gira con el legendario pianista de jazz, Herbie Hancock, lo que incluyó un concierto en el Bonnaroo Music Festival en Manchester Tennessee.

Con el tiempo, Mayer ha obtenido una reputación de cantante y compositor sensible y meticuloso. También ha estado acompañado por un guitarrista infuenciado por los gustos de Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Buddy Guy, Freddie King y B.B King. Mayer ha trabajado con muy importantes artistas del blues, incluyendo a Clapton (Back Home, Crossroads Guitar Festival), Guy (Bring 'Em In), Scofield (That's What I Say) y King (80).

El 2008, junto a Fall Out Boy, lanzaron el cover de Beat It canción de Michael Jackson, el rey del pop. Esta canción esta disponible el el dvd de Fall Out Boy Live In Phoenix. Mayer también grabo la canción When it Rains con Paramore para su Disco Riot!.

John Mayer Trio

En la primavera del mismo año, Mayer formó el John Mayer Trio, con el baterista Steve Jordan y el bajista Pino Palladino. El Trio formaba una combinación de música blues y rock. En 2005, el trío lanzó a la venta el disco en vivo llamado TRY!. El primer sencillo del disco fue Who did you think I was?

John Mayer Trio se tomó un receso a mediados de 2006. John declaró el final del grupo en el Tempe Music Festival en Marzo de 2006. El 12 de septiembre, anunció que el trio tenía planes de volver a trabajar en un álbum nuevo.

Continuum

El último álbum de John Mayer titulado Continuum fue lanzado el 9 de septiembre de 2006 en Australia, En Filipinas el 11 de septiembre, el 12 de septiembre en EUA y el 16 de Octubre (cumpleaños de John) en el Reino Unido. El disco fue producido por él mismo, con la ayuda del baterista de John Mayer Trio, Steve Jordan. Mayer describe el álbum como una combinación de la música pop y del sentimiento, el sonido y la sensibilidad de la música blues. Dos de las canciones que conforman TRY!, repiten en este disco: la funky "Vultures" y la balada "Gravity". John ha dicho sobre su tercer álbum de estudio: En toda trílogia, el tercer álbum es el que lo cambia todo.

El primer sencillo de Continuum es Waiting on the world to change, hizo su estreno en un programa de radio llamado The Ron and Fez Show y se puede escuchar en su página web [1].El sencillo fue el tercero más descargado de la semana en la iTunes Store el 11 de julio de 2006, debutó como el #25 en la lista Billboard Hot 100 Chart. El 23 de agosto de 2006, Mayer estrenó el álbum entero en la radio de Los Ángeles estación Star 98.7, dando un comentario a cada canción. El 22 de septiembre de 2006, John hizo una aparición en CSI tocando en vivo las versiones de Waiting on the world to change y otra canción del álbum Continuum Slow dancing in a burning room.

Últimamente la canción Waiting on the world to change es la música de las promociones de la serie de drama de de la cadena americana ABC Cinco Hermanos, cuyas protagonistas son Sally Field y Calista Flockhart.

En los Grammy de 2007, John Mayer estuvo nominado a 5 categorías, de las que ganó dos: Mejor canción Pop masculina y Mejor álbum Pop

En la premiacion Grammy 2008, John Mayer fue nominado a mejor cantante pop con su sencillo SAY (soundtrack de la pelicula The Bucket List) y gano su unica nominacion del 2008 (dvs)

Vida personal

Mayer tiene un gran número de tatuajes, tiene el brazo izquierdo completamente cubierto por un tatuaje de estilo japonés, también tiene tatuado un 77 (su fecha de nacimiento) y las palabras Home y Life.

El es colector ávido de relojes y posee piezas que cuestan en los decenas de miles de dólares. Mayer también tiene una colección extensa de zapatillas de deporte, estimada (en 2006) en más de 200 pares.

Mayer mantuvo una breve relación en 2002 con Jennifer Love Hewitt, en 2006, bromeó diciendo que nunca llegaron a mantener relaciones sexuales, de lo que se disculpó más adelante con ella por dichos comentarios. A pesar de rumores, Mayer no salió con Heidi Klum en 2003. Mayer tuvo una relación con Jessica Simpson durante cerca de nueve meses, comenzando en el verano de 2006. Las rumores comenzaron en agosto de ese año con un artículo de la revista People, pero el mayor revuelo fue cuando Mayer y Simpson asistieron a la fiesta del Año Nuevo de Christina Aguilera juntos en Nueva York. En la alfombra roja de los Grammy de 2007, le preguntaron a Mayer sobre su relación con Simpson, respondiendo él en japonés para esquivar la pregunta. A pesar de que algunas traducciones inicialmente estuvieron en conflicto, él dijo, Jessica es una mujer encantadora, y estoy contento de estar con ella. Sin embargo, la pareja terminó en mayo de 2007. El comenzó a salir con la actriz Minka Kelly en septiembre de 2007. Durante 2008 y comienzos de 2009 mantuvo una relación con la actriz Jennifer Aniston.

Mayer divide su tiempo entre su hogar en los suburbios de Los Ángeles (con su compañero de cuarto e ingeniero del sonido, Chad Franscoviak) y su apartamento en New York City de SoHo.

Pagina: http://www.johnmayer.com/

Johnny Winter

John Dawson "Johnny" Winter (Beaumont, 23 de febrero de 1944), guitarrista estadounidense de blues y de rock. Winter se convirtió en una estrella del blues eléctrico a finales de los años sesenta y para el festival de Woodstock ya era una leyenda. Durante la última etapa de Muddy Waters produjo sus 3 últimos discos.

Carrera musical

Primeros Años

Desde muy temprano Winter mostraba una fuerte atracción a la música; a la edad de 4 años en su ciudad natal se mostraba tocando el clarinete, hasta la edad de 8 cuando fue forzado a dejarlo por ordenes de su ortodoncista debido a un problema de maloclusión producido por el instrumento. Fue entonces cuando empezó a aprender a tocar el ukelele de su padre pero, a pesar del talento que mostraba con el instrumento, fue su mismo padre quien le motivo a dejarlo y cambiarlo por la guitarra a la edad de 11 años. [1] En ese entonces Winter se aficiono a un programa de radio denominado "The Big Bopper of "Chantilly Lace" que daba un recorrido por el mundo del Blues, presentado por un dj local llamado J.P. Richardson[1] .

A sus 14 y ya empapado de Blues con una larga colección de discos que había ido recopilando, forma "Johnny and the Jammers" su primera banda junto a su hermano Edgar. Pasó su temprana juventud grabando temas para disqueras de proyección regional y presentándose en los bares buscando ser escuchado y obtener una reputación dentro del mundo del blues, debido a su colaboración usual con bluemen locales como Clarence Garlow o Calvin Johnson.[2] Incluso llego a tocar, en 1962, ante B.B. King con la guitarra de éste en una visita a un famoso local de Beaumont.[1] Durante este tiempo formaría un trió “The Cyrstaliers and It and Them” que intentaría hacerse un espacio en los clubes locales, también visitaría otras ciudades satélite del Blues como chicago persiguiendo escuchando a otros artistas y captar la esencia del genero.

Estrellato

Su descubrimiento a nivel nacional llegó a través de un artículo en la revista Rolling Stone, en 1968, lo que le valió un contrato con un propietario de un club neoyorkino y una grabación con Columbia. Su disco de debut oficial, Johnny Winter publicado en 1969, año en el que tambien tocaría en distintas presentaciones y festivales incluyendo el de Woodstock.

Más tarde formó una banda con antiguos componentes de The McCoys, se llamó Johnny Winter And. Consiguió buenas ventas entre 1969 y 1970 con los álbumes “Second Winter” y “Johnny Winter”, respectivamente, Durante este tiempo Winter sufrió de una fuerte adicción a la heroína, de la que se sobrepondría rápidamente y grabaría en 1973 Still Alive and Well. Sus discos se hicieron cada vez más orientados al blues duro, a finales de los setenta produjo también varios álbumes de Muddy Waters con quien consiguiera un par de Premios Grammy, entre otras colaboraciones.

1980

En los ochenta, luego de una larga pausa grabó tres discos para el sello de blues Alligator. El primero en 1984 contenía relanzamientos de viejos temas R&B y conto con la ayuda de la “Albert Collins Icebrakers Band”, compañeros de disquera, logrando su segunda nominación a los premios Grammy. En 1986 lanza “Third Degree”, un disco que comparte con antiguos compañeros de gira. Alternativamente mantiene sus habituales giras en distintos locales, ofreciendo conciertos y colaborando con otros artistas.

1990

Marca su regreso a los estudios con una nueva nominación a los Grammy gracias a su álbum “Let Me In”. Vuelve al año siguiente con “Hey, Where's Your Brother? “, también nominado al los premios Grammy. Ese mismo año sale también a la venta el recopilatorio “Scorchin' Blues” mientras continua de gira, también colaboraría en 1996 con su hermano en el disco “The Real Deal” manteniendo sus giras; en 1998 producto del trabajo en vivo sale a la venta “Live In NYC '97” disco que recopila 5 años de concierto, las canciones fueron escogidas por sus seguidores a manera de tributo , año en el que también se cumplían 30 años de su llegada al estrellato.

2000

Winter regresó en 2004 con su primer álbum en ocho años: I'm a Bluesman con el que logró de nuevo una excelente critica y otra nominación a los Grammy. Winter continua maravillando con su peculiar estilo a sus seguidores manteniendo sus giras, aunque en últimos años se ha visto afectado de salud y se ve obligado a realizar las presentaciones sentado, producto de un problema de Síndrome Túnel Carpiano asi como problemas en la cadera. Aun así mantiene en pie su vida artística, para mayo de 2009 se prevé el lanzamiento de un nuevo recopilatorio denominado “The Johnny Winter Anthology” distribuido por Sony Music Entertainment.

Pagina: http://www.johnnywinter.net/

Mike Stern

Mike Stern (* 10 de enero de 1953 en Boston) es un guitarrista norteamericano de jazz que ha trabajado con músicos como Miles Davis, Stan Getz, Jaco Pastorius, Joe Henderson, Jim Hall, Pat Martino, Tom Harrell, Arturo Sandoval, Tiger Okoshi, Michael Brecker, Bob Berg, David Sanborn, Steps Ahead y los Brecker Brothers.

Graduado en el Berklee College de Boston, se orientó hacia el jazz desde su formación. Se unió a Blood, Sweat & Tears durante una gira en 1977 y participó en dos de sus discos: More than Ever y Brand New Day. Desde entonces ha trabajado con multitud de músicos, destacando su colaboración con Miles Davis desde 1981 hasta 1983.

Su primer álbum de estudio, Upside Downside, salió al mercado en 1986 en el sello Atlantic Records, y contó con la colaboración de Jaco Pastorius, David Sanborn y Bob Berg. Su segundo trabajo, titulado Time in Place, fue publicado en 1988 e incluye a Peter Erskine en la batería, Jim Beard en el teclado, Jeff Andrews en el bajo, Don Alias en la percusión y Don Grolnick al órgano. A este disco le siguió Jigsaw un año después, cuando formó un grupo con Berg, Dennis Chambers y Lincoln Goines que duró hasta 1992. En 1993 grabó su mejor disco, Standards (And Other Songs), que le valió para ser proclamado como Mejor guitarrista del año por la revista Guitar Player. Recibió dos nominaciones a los premios Grammy en 1994 y 1996 por los discos Is What It Is y Between the Lines.

Pagina: http://www.mikestern.org/

La Sonora de Bruno Alberto

La Sonora de Bruno Alberto estaba liderada por Daniel "Tuerto" Wirzt, hermano del cantante, compositor, mimo y conductor de televisión Manuel Wirzt.La banda editó en 1987 "Perez-Troika", su primer disco, el cual contenía temas como "Tu tienes que entregármelo", "Yo llevo la pala" (¿hace falta decir de que habla?), "El play boy de la grasada total" y el increíble "Tirá la goma". Este último tema, es sin duda el primer registro (y tal vez el nacimiento) del concepto de "tirar la goma" tal como lo conocemos hoy en día...

Su segundo trabajo saldría recién en 1991. "Cuando debute" contaba con canciones como "Tereso", "Marijuana", "Me llora el nene" y el super hit "La canoa" (la de "y ahora, y ahora, se me hunde la canoa").
"La canoa" fue sin duda el éxito que le dio popularidad a la banda y le permitió permanecer en la memoria popular, ya que (aunque muchos no lo saben) la melodía del tema es una de las más cantadas en las canchas y manifestaciones (es aquella que dice "y ahora, y ahora, que nos chupen bien las...."). Ejemplos de esto sobran: la cantan en Argentina, Uruguay, México y Honduras, por citar solo a algunos paises.
Fue en esa época en donde firmaron un contrato con Tinelli, se convierten en la banda estable de "Ritmo de la noche", y son contratados por Sony.

La Muerte de Daniel Wirtz

El baterista Daniel Wirtz, que tocó con Fito Páez, Luis Alberto Spinetta y Juan Carlos Baglietto, entre otros, falleció el viernes pasado víctima de un cáncer de cerebro. Wirtz, apodado "El Tuerto", hermano del cantante y conductor televisivo Manuel, participó en discos como Ciudad de pobres corazones, de Páez, y Spinetta y los socios del desierto. El músico, que tenía 49 años y estaba casado con Virginia Querejeta, con quien tenía dos hijos -Brenda y Bruno-, fue enterrado en su San Nicolás natal, en una ceremonia a la que asistieron sus hermanos Manuel y Javier y sus suegros Marta y Francisco, además de amigos.

Daniel comenzó su carrera en Irreal, la primera banda que lideró Juan Carlos Baglietto y que también integraban Sergio Sainz, en bajo; Juan Chianelli, en teclados; Piraña Fegúndez, en percusión y flauta y Beto Corradini, en guitarra. Ya instalado en Buenos Aires junto a los miembros de la denominada Trova Rosarina que desembarcó aquí hacia 1982, pasó a militar en la agrupación que acompañaba a Fito, con quien grabó en sus tres primeros discos: Del 63 (1983), Giros (1985) y Ciudad de Pobres Corazones (1987). También participó en el álbum doble La La La que Fito y Spinetta grabaron y presentaron durante 1986.

Por aquellos días, Wirtz creo La sonora de Bruno Alberto, con la que grabó canciones de humor y doble sentido y registró con su hermano Manuel En funcionamiento (1987) y Mala Información (1989).

Posteriormente integró la banda de Lito Vitale, para sumarse en los 90 al grupo de apoyo de Luis Alberto Spinetta, con quien grabó la banda de sonido de la película Fuego Gris (1994), Los socios del desierto (1997), Estrilicia: MTV Unplugged (1997), Los ojos (1999) y Silver Sorgo (2001).

Hilda Lizarazu

Hilda María del Pilar Lizarazu (nacida el 12 de octubre 1963 en Curuzú Cuatiá, Corrientes) es una cantautora y compositora de rock and roll y fotógrafa argentina.

Biografía

Hilda Lizarazu nació en Curuzú Cuatiá, en la provincia de Corrientes. Durante su niñez vivió en Nueva York. En su adolescencia vivió en la Ciudad de Buenos Aires, realizando sus estudios secundarios en el colegio Dámaso Centeno del barrio de Caballito, al que también habían concurrido Charly García y Nito Mestre.

Se inició como cantante a comienzos de la década del 80, integrando diversos grupos. Luego integró Los Twist y Suéter. Fue corista de Charly García entre 1987 y 1993.

Entre 1988 y 1999 fue la principal vocalista y teclista del grupo Man Ray, junto al guitarrista Tito Losavio, con quien formó pareja durante cinco años. Abondonó Man Ray después del disco Larga Distancia (1999) y se fue a vivir a Sinsacate, un pequeño pueblo en el norte de la provincia de Córdoba a modo de "retiro espiritual". En este período fue elaborado su primer disco solista Gabinete de Curiosidades, que vio la luz en 2004 y fue ganador del premio Carlos Gardel en la categoría "Mejor disco pop de cantante femenina".

Gabinete de Curiosidades fue editado por PopArt Discos y producido por ella misma. Cuenta con las colaboraciones de Miguel Botafogo, Roque Narvaja, Ciro Fogliatta, Black Amaya, Leo García, Fernando Lupano y Gringui Herrera, entre otros.

En el 2005 Lizarazu realizó una serie de shows: el ciclo Elegante Sport en el Club del Vino, donde presentó junto Charly García, León Gieco, Fabiana Cantilo y Ricardo Mollo nuevas canciones y versiones renovadas de sus temas clásicos. Poco después formó parte del ciclo Noche de Divas en el Cabaret del Faena Hotel. También presentó su álbum debut en el teatro ND/Ateneo y en La Trastienda.

Participó como artista invitada en el disco Inconsciente Colectivo de Fabiana Cantilo, BH+ de Bahiano, La tranquilidad después de la paliza junto a Francisco Bochatón, y Clásicos de Miguel Cantilo.

Además, protagonizó un rol de policía experto en la película Geisha Gang Bang (1995).

En 2007 editó a través de Leader Music su segundo disco, Hormonal, producido nuevamente por ella junto a Federico Melioli y Lito Castro. El primer corte de difusión fue D10S.

Actualmente el grupo está conformado por Hilda Lizarazu, Federico Melioli, Lito Castro, Amílcar Vázquez y Claudio Salas.

Fotógrafa

Paralelamente a su carrera como música (aunque postergada por ésta última), Hilda Lizarazu también se ha dedicado a la fotografía, destacándose sus trabajos relacionados con el mundo del rock, aunque no limitados a ellos. En la década del 80 trabajó para la revista Humor, retratando a los músicos más importantes del rock argentino. El hecho de haberle puesto el nombre del fotógrafo Man Ray a la banda formada con su pareja de entonces, Tito Lovasio, tiene que ver con esta pasíón de Lizarazu.

Pagina: http://www.lizarazu.com.ar/