Béla Fleck

Béla Fleck es un músico de jazz considerado uno de los más versátiles intérpretes de banjo por trabajos que demuestran su capacidad de realizar desde jazz tradicional hasta progresivo. Fleck nació el 10 de Julio de 1958 en Nueva York y recibió el nombre de Béla en homenaje a Béla Bartók. Comenzó a tocar el banjo cuando era sólo un adolescente. Asistió a la High School of Music and Art de Nueva York, donde trabajó en la adaptación del bebop al banjo. A finales de 1989 formó The Flecktones, banda que lanzó su primer álbum en 1990.

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Coldplay

Coldplay es una banda inglesa. Formada en el año 1996 en Londres, está conformada por el vocalista, tecladista y guitarrista Chris Martin, el guitarrista Jon Buckland, el bajista Guy Berryman y el baterista Will Champion. Coldplay consiguió reconocimiento internacional con el lanzamiento de su single Yellow en el año 2000, seguido por el éxito de su álbum debut, Parachutes.

Por sus primeros trabajos, Coldplay fue a menudo comparado con Jeff Buckley y Radiohead[1] , así como también con U2[2] y Travis. Desde el lanzamiento del álbum debut de la banda, Parachutes, Coldplay ha tomado diversas influencias, incluyendo a Echo and the Bunnymen[3] y George Harrison[4] en A Rush of Blood to the Head (2002) y a Johnny Cash y Kraftwerk en X&Y, el último CD de la banda[5] .

Coldplay ha apoyado activamente a varias organizaciones, como a Oxfam, en su campaña Make Trade Fair, y a Amnistía Internacional. También se ha hecho presente en varias obras de caridad como Band Aid, Live 8 y el Teenage Cancer Trust[6] .

Historia

Formación y primeros años (1996-1999)

Los miembros de la banda se conocieron en la Universidad de Londres en septiembre de 1996. Chris Martin y Jon Buckland fueron los primeros integrantes de la banda. Ellos estuvieron planeando hacer una banda en todo lo que quedaba del año. Chris pensó al principio en hacer una banda como 'N Sync llamada Pectoralz. Entonces, Guy Berryman cumplió los requisitos y se unió a la banda ese año. Para 1997, Coldplay tocaba en pequeños clubes en Camden. Deseando tener más libertad creativa, Chris decidió hablarle a su amigo Phil Harvey para que trabajara como manager de la banda. Éste ayudó a la banda a obtener fondos para grabar su primer álbum. Harvey trabajó con la banda hasta la realización del álbum debut Parachutes.

Para el 8 de enero de 1998, Coldplay completó su formación, al unirse Will Champion. Él sabía tocar el piano, la guitarra y el bajo, y aunque no sabía tocar la batería, aprendió rápidamente. Para ese entonces, tocaban bajo el nombre de "Starfish"[7] . Tomaron el nombre Coldplay de un amigo mutuo, Tim Rice-Oxley. Tim decidió no utilizar más aquel nombre ya que éste era muy deprimente. Al mismo tiempo se le ofreció a Tim ser el pianista de Coldplay, pero él lo rechazó porque estaba comprometido con Keane[8] .

El 18 de mayo de 1998 la banda grabó 500 copias del EP Safety, los cuales mayoritariamente fueron regaladas a compañías disqueras, familiares y amigos, y sólo 50 copias salieron a la venta. En diciembre, Coldplay firma con la discográfica Fierce Panda. El resultado fue el lanzamiento del EP Brothers and Sisters, que fue rápidamente grabado en cuatro días de febrero de 1999. El lanzamiento oficial fue en abril, con sólo 2.500 copias. El interés en la banda fue creciendo lentamente a través del Reino Unido, ayudado por su rotación en la BBC Radio 1 por el DJ Steve Lamacq.

En la primavera de 1999, Coldplay firma un contrato por cinco discos con la discográfica Parlophone. Después de hacer su primera aparición en el Festival de Glastonbury, la banda fue a los estudios para grabar su tercer EP titulado The Blue Room. Este disco fue lanzado en octubre con 5.000 copias puestas a disposición para el público.

Las grabaciones del EP The Blue Room fueron complicadas. Martin echó a Champion de la banda, pero luego se reconciliarían, debido a que esto ocasionó que Martin (un autoproclamado no bebedor ni fumador) empezara a beber alcohol. Luego de esto la banda empezó a trabajar en sus diferencias y poner una serie de reglas que mantendrían al grupo unido. Primero, la banda declaró que serían uno para todos y todos para uno; Coldplay sería una democracia, y las ganancias serían repartidas de igual manera entre sus integrantes, tomando el ejemplo de bandas como a-ha, U2 y R.E.M.. Segundo, en la banda no podría haber nadie que consumiera drogas.

Parachutes (1999-2000)

En noviembre del año 1999, Coldplay focalizó sus esfuerzos en su álbum debut. La banda pasó el Año Nuevo completando las canciones "Yellow" y "Everything's Not Lost". Ellos también tocaron en el Carling Premier Tour de la NME. Después de lanzar tres EPs sin ninguna canción exitosa, Coldplay marcó su primer sencillo Top 40, "Shiver". Lanzado en marzo de 2000, el sencillo ocupó un modesto #35 y marcó la primera aparición para la banda en MTV. Junio del año 2000 fue un momento crucial en la historia de Coldplay. La banda se embarcó en su primera gira importante, que incluiría un triunfante regreso a Glastonbury. Más notablemente, la banda lanzó el exitoso sencillo "Yellow". La canción se ubicó #4 en el UK Singles Chart y puso a la banda en el consciente de la gente.

Coldplay lanzó su primer álbum de larga duración llamado Parachutes, lanzado en Julio del 2000, que debutó #1 en el Reino Unido. Junto con muy buenas críticas, Parachutes fue a veces criticado por parecerse con los discos The Bends y OK Computer, ambos de Radiohead. "Yellow" y "Trouble" ganaron popularidad en la radio en los dos lados del Atlántico. Parlophone originalmente predijo ventas de 40.000 unidades de Parachutes; pero para Navidad, solamente en el Reino Unido habían vendido ya 1.6 millones de copias. Parachutes fue nominado para el Mercury Music Prize en septiembre de 2000.

Habiendo tenido éxito en Europa, Coldplay se embarcó a Norteamérica. Parachutes fue lanzado en Noviembre de 2000. La banda empezó una gira por clubes de Estados Unidos, comenzando con un show en Vancúver, Canadá, gira que fue compartido con apariciones en diversos programas de televisión como Saturday Night Live y Late Night with Conan O'Brien. El álbum tuvo un modesto éxito, y fue certificado con disco de doble platino en los Estados Unidos. También recibió buenas críticas por parte de los críticos estadounidenses, ganando el Grammy al Mejor Álbum Alternativo en el 2002.

A Rush of Blood to the Head (2001-2004)

Coldplay regresó a los estudios de grabación en Octubre de 2001 para trabajar en un segundo álbum. Con mucha anticipación, lanzaron su segundo álbum en agosto del 2002: A Rush of Blood to the Head.

La canción inaugural del álbum, "Politik", fue escrita días después de los Atentados del 11 de septiembre de 2001. El álbum generó sencillos populares, como "In My Place", "The Scientist" y "Clocks".

Coldplay salió de gira durante Junio de 2002 a Septiembre de 2003, visitando los cinco continentes, incluyendo apariciones en los festivales de Glastonbury, V2003 y Rock Werchter. Muchos de sus actos tenían un sofisticado sistema de luces y pantallas individualizadas como en el Elevation Tour de U2. Aprovechando la gira, grabaron un CD y DVD en vivo, Live 2003, en Sydney, Australia. Una nueva canción llamada "Moses", se puede encontrar en esa compilación.

En noviembre de 2003, ellos fueron nombrados por los lectores de la revista Rolling Stone como mejor artista y banda del año. Al mismo tiempo Coldplay hacía un cover de la canción de The Pretenders "2000 Miles", que se podía bajar desde su sitio oficial. Fue la canción más bajada de internet del año en el Reino Unido, y las ganancias por ello fueron destinadas a algunas campañas de caridad. A Rush Of Blood To The Head ganó dos premios Grammy en el 2003, y en los premios Grammy del 2004, Coldplay ganó con su canción "Clocks", el premio de Grabación del Año. El álbum fue también nombrado en la lista de los mejores 500 álbumes de la historia, hecha por la revista Rolling Stones, ocupando la posición número 473.

X&Y (2004-2006)

Durante el 2004, Coldplay se tomó un descanso para trabajar en su tercer álbum. En mayo, Coldplay les hizo una broma a sus fans con una nueva canción y un video en su página oficial para celebrar el nacimiento de Apple, la hija de Chris Martin con su esposa, la actriz estadounidense Gwyneth Paltrow. El famoso productor George Martin presentó este promo como Coldplay y su productor Ken Nelson actuando como The Nappies, un satírico conjunto de rap/glam rock. Chris Martin dijo que la música había sido inspirada por Jay-Z. El tercer álbum de Coldplay, X&Y, fue lanzado el 6 de junio de 2005 en el Reino Unido. El álbum se convirtió en el más vendido del año 2005, alcanzando ventas por sobre los 8.3 millones de copias en el mundo entero. El primer sencillo del álbum, "Speed of Sound", hizo su aparición comercial en la red y en la radio el 18 de abril y fue lanzado en CD el 23 de mayo de 2005. El álbum debutó como número uno en 28 países a lo largo del mundo y fue la segunda venta más rápida de álbumes en la historia del Reino Unido. Dos singles más fueron lanzados ese año: "Fix You" en septiembre y "Talk" en diciembre. En mayo de 2006 la banda lanzó "The Hardest Part" en varios países fuera del Reino Unido. A pesar del éxito comercial, la reacción de los críticos de música hacia X&Y no fueron tan buenas ni tan unánimes como los dichos hacia A Rush of Blood to the Head.

En febrero de 2006, Coldplay ganó los Brit Awards al mejor álbum y al mejor single. En su discurso de agradecimiento, el vocalista Chris Martin levantó algunos rumores sobre la separación de la banda cuando dijo: "Este (premio) significa mucho para nosotros, especialmente ahora. Irán a ser muchos años antes de que nos vean de nuevo". Luego, estas declaraciones fueron desmentidas por la discográfica del grupo[9] .

Próximo álbum de estudio

Actualmente la banda está escribiendo material para su cuarto álbum de estudio. A principios de diciembre de 2006 fue anunciado en Billboard.com que el próximo álbum sería lanzado a finales de 2007 [sin referencias]. Coldplay ha negado esto a través de la sección Preguntas y Respuestas de su sitio web oficial.

El 26 de enero de 2007, durante una entrevista en el programa Front Row de BBC Radio 4, Brian Eno reveló que él sería el productor del cuarto álbum de Coldplay. Esto fue confirmado por la banda a través de la sección Preguntas y Respuestas de su web oficial.

El 1 de mayo de 2007 Coldplay.com "cerró" temporalmente. Al acceder al sitio, aparecía una nota sobre una imagen del antiguo sitio web, la que decía «Estamos trabajando en un nuevo sitio. Estará disponible muy pronto. Afectuosamente, Coldplay».

El 18 de Junio de 2007 Coldplay.com volvió a estar en línea. Esta nueva página contiene datos escritos a mano por la banda, fotos, videos, y tiene datos históricos de la banda desde el '98, en la cual dan a conocer toda su historia y el primer nombre de la banda.

Paulatinamente en la página web han ido apareciendo notas en las que se revelan detalles y anuncios sobre el nuevo disco, cuyo nombre será Prospekt. De momento se sabe que este disco será de corta duración, no más allá de unos 45 minutos, y estará compuesto por un setlist de 9 temas. Además se incluiría una canción de "influencia hispánica". Dicha influencia deriva del Latin American Tour, gira que Coldplay efectuó durante los primeros meses del 2007 a lo largo de Chile, Argentina, Brasil y México.

Activismo social y político

A pesar de la gran popularidad de Coldplay en todo el mundo, la banda se ha mantenido al margen de utilizar sus canciones en avisos publicitarios. En el pasado, Coldplay rechazó multimillonarios contratos de Gatorade, Coca-Cola light y GAP, quienes querían utilizar las canciones Yellow, Trouble y Don't Panic respectivamente. De acuerdo a Chris Martin, "no seríamos capaces de vivir con nosotros mismos si vendiéramos los significados de las canciones de ese modo"[10] .

Coldplay apoya a Amnistía Internacional; el vocalista Chris Martin es una de las celebridades que apoya al "comercio justo", siendo partícipe de la campaña Make Trade Fair de Oxfam hasta su disolución, después del concierto Live 8 (en el cual Coldplay participó) y la reunión del G-8 en Gleneagles, Escocia. Martin ha ido en viajes con Oxfam, para ver las condiciones de personas en hambruna, ha aparecido en sus campañas publicitarias, y es conocido por usar en su puño el logo de "Make Trade Fair" durante apariciones públicas, incluyendo los conciertos de la banda que lidera.

Además, Martin se opuso a la invasión a Iraq y apoyó en las elecciones presidenciales estadounidenses de 2004 al candidato demócrata John Kerry.

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Pedro Guerra

Pedro Manuel Guerra Mansito (* 2 de junio de 1966) es un cantautor español canario.

Biografía

Nace en Güímar, Tenerife, hijo de Pedro Guerra Cabrera, primer presidente del Parlamento de Canarias, y de Lourdes Mansito Pérez, el 2 de junio de 1966.

Simultaneará sus estudios en el colegio y el instituto con los de música en la filial de Arafo del Conservatorio Superior de Música de Tenerife, pasando a la sede principal del mismo en Santa Cruz de Tenerife para estudiar guitarra, instrumento que cursará hasta cuarto curso junto al de solfeo.

Inicios en Tenerife

Con 16 años comienza sus actuaciones públicas en diferentes fiestas populares de la isla. Su primera actuación de importancia tuvo lugar en las fiestas patronales de Güímar junto con otros grupos canarios importantes como Taburiente y Los Sabandeños, y el cantautor Luis Eduardo Aute. Ya desde esta época contará con la colaboración ocasional del teclista Luis Fernández.

A los 18 de años de edad se muda a la ciudad universitaria de La Laguna, donde se incorpora a su vida músical. Allí conoce a muchos otros cantautores entre los que se encuentran Andrés Molina, Rogelio Botanz y Marisa Delgado. Es precisamente junto a estos tres músicos con los que Pedro Guerra forma Taller Canario de Canción en 1985. Marisa abandonaría el grupo un año después quedando el trío que es más conocido.

La primera experiencia discográfica de Pedro Guerra tiene lugar en 1985, gracias a una iniciativa del Gobierno de Canarias y del Centro de la Cultura Popular Canaria. Participa en los temas Entre nieblas, Acuérdate de mí, Cathaysa y Endecha del álbum Nueva Canción Canaria editado por estas dos instituciones. Pedro Guerra, en aquel entonces conocido como Pedro Manuel, se convertirá en uno de los mayores referentes de la nueva generación de Nueva Canción Canaria, caracterizada por una fuerte reivindicación tanto social como nacionalista e internacionalista, y por el uso de sonoridades del folclore canario, fusionadas con música moderna, música latina y música norteafricana.

Discografía con Taller

Taller Canario de Canción (conocido más adelante como "Taller" a secas) se convertirá en uno de los grupos fundamentales de la Nueva Canción Canaria, que renacerá a mediados de los 80 tras la "crisis" sufrida a inicios de esta década.

La primera grabación de Taller aparece editada en el ya mencionado disco Nueva Canción Canaria (1985); se trata del tema Endecha.

Con Taller grabará los discos Trapera (1987), Identidad (1988) (tras el cual el grupo realizará una gira junto a Marisa por Cuba, Venezuela, Nicaragua, Madrid y el País Vasco), A por todas (1989, contando con la colaboración de Silvio Rodríguez en la canción Encubrimiento de América), Rap a duras penas (1991, con las colaboraciones de Joaquín Sabina en Con pinta de tipo que busca heroína, Luis Morera de Taburiente en Berlín 90, Natxo de Felipe de Oskorri en Garaldea, Luis Eduardo Aute en Sobre la luna y Cecilia Todd en A que cantar).

Durante esta época también colaborará en discos y compondrá para otros artistas como Lito, Marisa o Mestisay.

Tras su marcha del grupo, Taller editará otros dos discos: Y ahora qué (1994), donde se incluye un tema compuesto por Pedro Guerra (Nadie sabe); y Castillos de arena (1999), donde el propio Pedro Guerra vuelve a colaborar cantando en un tema y haciendo los coros en otros dos.

Su carrera en solitario

En 1993 se tralada a Madrid para iniciar su carrera en solitario. Allí se hace frecuente de salas como Libertad 8, Teatro Alfil y actuará en multitud de locales por toda España.

Simultáneamente colabora con otros artistas como músico y compositor, entre los que se cuenta Ana Belén, Víctor Manuel, Joaquín Sabina, Javier Álvarez, Paloma San Basilio, Amistades Peligrosas y el grupo Cómplices.

En 1995 publica su primer disco en solitario, Golosinas, grabado en directo y en el que se incluiría la canción Contamíname, que compusiera para Ana Belén.

Con su segundo disco alcanzaría instalarse en lo más alto de las listas de éxitos de las radiofórmulas. Fue en 1997 gracias a Tan cerca de mí.

Es un autor de lo más prolífico y los discos se suceden. Por su disco Mararía (1998) fue nominado por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España y premio a la Mejor Banda Sonora de Obra Cinematográfica de los Premios de la Música que anualmente otorgan la Sociedad General de Autores y Editores (S.G.A.E.) y la Sociedad de Artistas, Intérpretes o Ejecutantes (A.I.E.).

En (1999) sale a la luz Raíz, disco donde recupera sonoridades propias de la música canaria, así como temas de tipo social (incluyéndose un poema del subcomandante Marcos). También contará con la colaboración en las percusiones canarias del antiguo componente de Taller, Rogelio Botanz (que también participó en el disco Mararía)

Ofrenda (2001) es un canto al mestizaje, fusionando elementos musicales de muy diversos orígenes.

En el año (2001) el Auditorio Alfredo Krauss de Las Palmas de Gran Canaria le encargará una obra para ser estrenada a finales de ese año. Pedro Guerra realiza un trabajo que gira en torno a la temática de la mujer y la discriminación que esta sufre en todo el mundo; en dicho trabajo fusionará de nuevo el folclore canario con sonidos actuales (rock, rap, etc.) y arreglos orquestales. En el año (2002) publica un disco con el resultado de dicho trabajo, y que llevará por título Hijas de Eva, contando con la colaboración de Silvio Rodríguez y Fito Páez.

En el 2003 realizará una gira con el poeta Ángel González de la que saldrá el disco La palabra en el aire, en el que el poeta recita, y Pedro Guerra canta poemas musicados.

Bolsillos (2004) es una obra con sonidos más sencillos, sin demasiadas estridencias, y temas comprometidos. También es un disco donde el artista echa una mirada hacia atrás, hacia su juventud. También en 2004 participa en el disco colectivo "Neruda en el corazón" que celebra el centenario de Pablo Neruda.

En las elecciones al Parlamento Europeo del 2005 hizo campaña por Izquierda Unida.

Tras un parón de dos años, en la actualidad Pedro está inmerso en la grabación de su próximo disco que saldrá a la luz en Febrero de 2008.

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Cabeza de Chola

CABEZA DE CHOLA es una banda de reggae y ska, nacida en Hurlingham.
Durante pleno circo menemista, la banda emprende camino hacia la grabacion de su primer disco-demo: "Rey Burro". Esta placa conto con la produccion artstica de Tito Fargo y con la ayuda incondicional de numerosos personajes del medio vernaculo.
Esta experiencia posibilito que en el 2000 la banda grabara su primer CD larga duracion: PARA VOLAR, que fue realizado por Silly Records en el estudio Los Angeles de Nono, Traslasierra (Pcia. de Cordoba), producido nuevamentre por Tito Fargo y distribudo por DBN. La placa conto con invitados de la talla de Diego Arnedo, Alejandro Sokol y German Dafuncchio.
PARA VOLAR fue elegido por la revista Rolling Stone como uno de los 10 mejores discos Reggae del 2001.
Lamentablemente y debido a la crisis económica del año 2001, DBN no realizó ningún tipo de apoyo del lanzamiento y todos los esfuerzos de la banda se vieron traicionados por la situación.
El armazon musical de CABEZA DE CHOLA se afianza en la natural comunion de estilos, lejos de la crispacion ritmica y permeable a la riqueza del folclore caribeno, el rock anglosajon y, en menor medida, iberoamericano.
Representa una oferta diferente en cuestion de contenido musical de la que ofrece el producto de masas. La hibridacion cultural, la periferia como lugar en donde se mezcla lo moderno con lo tradicional, donde encuentra expresion la nueva realidad: Latinoamerica en tiempos de globalizacion.
Con espiritu festivo, espontaneamente simpatico, sin animo de militancia beligerante pero con el afan de testimoniar la realidad.
La relevancia del mensaje va a depender del receptor y lo que se desencadena en este a partir de asociaciones y sensaciones.

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Los Twist

Esta banda surgió a mediados de 1982 como precursora de la música "divertida", con letras humorísticas y melodías bailables, sin por eso abandonar la seriedad de las composiciones. Ante una mayoría de grupos que cantaban canciones de protesta, Los Twist irrumpieron como la novedad, basados en la creatividad imprevisible de la dupla Cipolatti-Melingo.

Con la producción de Charly García, editaron "La dicha en movimiento" (1983), con Andrés Calamaro como tecladista invitado. Los hits fueron "Pensé que se trataba de cieguitos", "Jugando hula-hula" y "Ritmo colocado", aunque todos los temas del disco son clásicos del género.

«En tres días hicimos todo. - relata García - Les pedí que tocaran todo el repertorio de corrido, un tema atrás del otro. Una vez que terminaron, les dije "váyanse". Ahí lo mezclé, llamé a los que hacían falta. Yo puse un tecladito, alguna viola. Fabi cantó divina. Les censuré un par de cosas: en el último tema metían algo de chilenos, judíos. Eran medio heavies, por eso lo saqué» ("Corazones en llamas", C.Lejbowicz/L.Ramos).

"Cachetazo al vicio" (1984) salió cuando el éxito del primer disco aún no se había aplacado. Era el mejor momento de la banda cuando Fabiana Cantilo les anuncia la decisión de abandonarlos. El golpe fue duro de superar y hasta puso en jaque la continuidad del grupo. A fines de 1985 lanzan el tercer LP ("La máquina del tiempo"), con Hilda Lizarazu (voz), Camilo Iezzi (bajo) y Pablo Guadalupe (batería). La sátira era una constante de sus canciones, pero ya el efecto provocado no era el mismo.

Tras un período de inactividad, el regreso se produce en 1988, con Cipolatti, Fabiana Cantilo, Daniel Melingo, Rolo Rossini, Tito Losavio y Camilo Iezzi.

Poco más adelante, Cipolatti incursionó en la televisión. Tuvo participación en los programas "De Cuarta", "Videoscopio" y "Sin Red", pero fue la conducción junto a Mario Pergolini de "La TV Ataca" lo que lo terminó de convertir en un personaje masivo. Esos años de pantalla fueron aprovechados para fomentar las presentaciones de la banda, con "El estudiante", hit del álbum "Cataratas musicales" (1991). Telefé le ofreció tener su propio programa ("Boro Boro"), que terminó en un desilucionante fracaso.

En homenaje a Antonio Rattín, ídolo "centre-half" de Boca en la década de los '60, bautizaron su siguiente álbum "Con el 5 en la espalda" (1994). Presentaron el videoclip "Invasión" sin Rossini ni Losavio. "Explosión '96" (1995) fue casi un trabajo solista de Cipolatti, que incluye remixes de los viejos hits de la banda.

Formacion:

Daniel Melingo: guitarra
Eduardo Cano: bajo
Fabiana Cantilo: coros
Gonzalo Palacios: vientos
Pipo Cipolatti: guitarra y voz
Polo Corbella: batería

Fuente: Rock.com.ar

Dream Theater

Dream Theater es una banda estadounidense de metal progresivo, iniciada por tres estudiantes de Berklee en 1985. En sus veinte años, se ha convertido en la banda de metal progresivo más exitosa después de la época de oro del rock progresivo a mediados de los años 1970, a pesar de ser relativamente desconocidos en los círculos mainstream del pop y del rock. Sus dos álbumes con más ventas son Images and Words de 1992, que les mereció un disco de oro y es consistentemente reconocido como un lanzamiento germinatorio del metal progresivo, a pesar de que sólo alcanzó el número 61 en la cartelera Billboard 200; y Octavarium de 2005, que alcanzó el número 36 en la cartelera Billboard 200.

La banda es bien conocida por la capacidad técnica de cada instrumentista, y ha recibido numerosos premios de revistas especializadas. Los músicos son altamente respetados por muchos de los nombres más grandes del rock y del metal, lo que ha propiciado colaboraciones entre los miembros de Dream Theater y muchos otros músicos bien conocidos. En un famoso ejemplo, Portnoy ha recibido 23 premios de la revista Modern Drummer y John Petrucci fue nombrado el tercer guitarrista en la gira G3 con Steve Vai y Joe Satriani, y su compañero Mike Portnoy fue invitado especial como batería. Petrucci sigue así los pasos de Eric Johnson, Robert Fripp, Yngwie Malmsteen y otros guitarristas influyentes.

Dream Theater también es notable por su versatilidad musical y los muchos géneros diferentes que su propia música incorpora, lo que ha hecho posible para ellos realizar espectáculos con un rango de actos muy diverso. Algunos de sus más notables compañeros de gira incluyen a Deep Purple, Emerson, Lake & Palmer, Iron Maiden, Joe Satriani, King's X, Marillion, Megadeth, In Flames, Pain of Salvation, Porcupine Tree, Queensrÿche, Spock's Beard, Fear Factory, Enchant, Symphony X, y Yes. En el 2005, Dream Theater hizo gira por Estados Unidos con el festival Gigantour, junto a Megadeth.

Historia

1985 - 1990

Dream Theater fue formado en septiembre de 1985. La alineación inicial contaba con el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung, el baterista Mike Portnoy, Kevin Moore en los teclados y el vocalista Chris Collins.

El nombre de la banda proviene de un teatro en la ciudad natal de Mike Portnoy llamado así. El padre de Portnoy sugirió bautizar al grupo de esta manera luego de algunos problemas legales con el nombre original del grupo, Majesty.

En noviembre de 1986, después de algunos meses escribiendo y tocando juntos, Chris Collins dejó la banda por diferencias creativas con los otros miembros. Después de un año intentando encontrar un reemplazo, Charlie Dominici, quien era mucho mayor y más experimentado que cualquiera en la banda, superó la audición para entrar en el grupo.

En 1988 Dream Theater firmó su primer contrato de grabación con Mechanic Records, una división de MCA.

En 1989 lanzarían su primer álbum, When Dream and Day Unite, con Charlie Dominici como vocalista. Temas a destacar de este disco son A Fortune In Lies, la instrumental The Ytse Jam y Only a Matter of Time.

1991 - 1994

Dos años más tarde, se unió el vocalista canadiense Kevin James LaBrie quien, para evitar confusión con el teclista Kevin Moore, empezó a utilizar su segundo nombre, James. En 1992 lanzaron su segundo álbum Images and Words, que les catapultó a la fama debido a la gran acogida del público japonés (siempre muy implicado con la banda) y a la emisión en la cadena MTV del videoclip promocional de Pull me Under. Algunos temas destacados en este disco son Pull me Under, Take the Time y Metropolis part 1: The Miracle and the Sleeper. Como curiosidad cabe señalar que en el momento de grabar Metropolis la banda la nombró como "parte 1" a manera de chiste, pero tuvo una gran recepción por parte de los fans, quienes no paraban de preguntar por la segunda parte. Parte que no llegó hasta 1999 con el disco Metropolis part 2: Scenes from a Memory.

En 1993 la banda grabó el directo Live at the Marquee, primer álbum en directo de la banda, grabado en el Marquee club de Londres. Posiblemente el título sea un homenaje a Live at the Marquee de la banda King Crimson.

En 1994 saldría Awake, álbum en el que la banda experimenta con un sonido algo más fuerte con respecto a los anteriores y que es considerado por muchos como uno de los mejores discos de Dream Theater. Muchos fans y parte de la crítica destacan la entrega del vocalista James LaBrie en esta producción. Temas a destacar de este disco son el ciclo A Mind Beside Itself formado por Erotomania, Voices y The Silent Man; Lie , la psicodélica Space-Dye Vest, compuesta por Kevin Moore y "The Mirror" uno de los temas más pesados de la banda. En esta época, Kevin Moore dejaría la banda por diferencias musicales con sus compañeros, y sería sustituido por Derek Sherinian.

1995 - 1998

En 1995 la banda grabaría A Change of Seasons, lanzado en Estados Unidos como EP, con algo menos de una hora de música. Esta grabación contiene una canción original de 23 minutos que la banda por razones comerciales no pudo incluir en Images and Words y algunas canciones versionadas de artistas como Elton John, Deep Purple, Led Zeppelin, Queen, Journey y Pink Floyd.

Algunos cambios sucedieron en EastWest, y el contacto principal de Dream Theater con la disquera fue despedido. Como resultado, la nueva gente en la compañía no estaba totalmente acostumbrada a la relación que Dream Theater tenía previamente con EastWest, y presionaron a la banda para escribir un álbum que fuese accesible a las personas más allá de su base de fans de metal progresivo.

En 1997 se publicaría Falling into Infinity, álbum de tinte más comercial que refleja las presiones a las que la banda estaba siendo sometida por la discográfica, y por la cual la banda estuvo a punto de romperse. Los temas You Not Me y Hollow Years, los que la discográfica deseaba lanzar como sencillos, no lograron fuerte impacto en la radio o en las carteleras. A pesar de todo, el álbum contiene sonidos más progresivos como Hell's Kitchen.

En esta época Mike Portnoy y John Petrucci participaron en el proyecto Liquid Tension Experiment, durante el cual mantuvieron conversaciones con el teclista Jordan Rudess, a quién lograron convertir en el nuevo teclista de la banda, aportando su enorme creatividad y estilo propio a la formación.

1999 - 2001

En 1999 la banda lanzó Metropolis, Pt. 2: Scenes From A Memory, disco que fue considerado por la crítica como "una de las obras maestras del rock progresivo" y que según Mike Portnoy es el trabajo del que está "más orgulloso". Es un disco conceptual.

Una gira mundial masiva fue lo siguiente, con más de un año de duración, y presentándose en más países de los que habían visitado jamás.

Los conciertos, que eran mucho más grandes que cualquier cosa que la banda había intentado antes, reflejaban el aspecto teatral del álbum. Interpretaron Scenes From a Memory de principio a fin, con una pantalla de vídeo que la pared de fondo del escenario mostrando un acompañante narrativo de la historia del álbum. Aparte de interpretar el álbum entero, la banda también interpretó un segundo set con otros temas Dream Theater, y algunas nuevas interpretaciones de material más viejo de Dream Theater.

La banda atrajo la atención de los medios con su álbum en vivo Live Scenes From New York (3 CD). Anteriormente, Dream Theater había utilizado en la carátula de Live at the Marquee un corazón en llamas. Para hacer referencia al lugar del concierto, la carátula original utilizaba una manzana con el paisaje neoyorquino, incluido el World Trade Center, en llamas. El álbum fue lanzado el 11 de septiembre de 2001, una escalofriante coincidencia con los tristemente célebres ataques terroristas ocurridos ese día. Las copias que habían salido al mercado tuvieron que ser recogidas para cambiar el diseño, así que la carátula original se volvió un artículo de coleccionistas.

2002 en adelante

En 2002 se lanza Six Degrees of Inner Turbulence, disco que marca el comienzo de una nueva etapa en la banda en lo que al aspecto musical se refiere. Este álbum contiene 2 CDs; el primero de ellos con canciones como The Glass Prison, con una línea musical similar a Metallica en ...And Justice For All y Misunderstood, un tema de corte psicodélico. El segundo CD contiene la obra conceptual Six Degrees of Inner Turbulence de 42 minutos de duración que trata acerca de las perturbaciones de la mente humana, tales como la depresión y la locura. Para muchos fans el segundo CD es uno de los más destacados trabajos de la banda.

En 2003 llegó Train of Thought, con un sonido mucho más pesado que el de los trabajos anteriores de la banda, pero sin alejarse de su virtuosismo característico. Temas destacables de este trabajo son This Dying Soul, Endless Sacrifice y el doble tema instrumental formado por Vacant y Stream of Consciousness. Este CD creó una especie de "cisma" entre los seguidores de la banda más "pesados" y los más "progresivos", aunque según palabras de Mike Portnoy el estilo de Dream Theater es una mezcla de ambos componentes.

En 2005 se lanza Octavarium, octavo disco en estudio de la banda, que incluye 8 temas. En él la banda toma un estilo mucho menos instrumental, realzando la composición de las letras. El sonido del disco es bastante "pesado", pero no tanto como Train Of Thought. El estilo de las canciones es bastante variado; desde baladas como The Answer Lies Within hasta canciones con un estilo quizá más cercano al anterior trabajo como Panic Attack. Destaca el recuerdo de la banda a las víctimas del 11 de septiembre con Sacrificed Sons y la fantástica composición de la canción que da título al disco, con 24 minutos de duración.

En 2006 la banda lanza el trabajo en directo SCORE, grabado el 1 de abril de ese mismo año en el Radio City Music Hall de Nueva York. Es un álbum conmemorativo del aniversario número 20 de la banda, editado en formato DVD doble y CD triple. En el concierto la banda compartió tarima por primera vez con una orquesta sinfónica completa para la interpretación de más de 90 minutos de música de Dream Theater.

En 2007 la banda lanza Systematic Chaos el cual contiene variados tipos de tema que van desde los sonidos pesados del álbum Train Of Thought en "The Dark Eternal Night" hasta metal sinfonico como "The Ministry of the Lost Souls", y por ultimo el tema de larga duracion "In the Presence of the Enemies" divido en 2 partes.

Notas

- Dream Theater es posiblemente la primera banda en crear un meta álbum. El sonido de estática de fonógrafo al final del Finally Free en Scenes from a Memory es el mismo sonido al principio de The Glass Prison en su álbum siguiente, Six Degrees of Inner Turbulence. El último acorde que hace fade out al final de Six Degrees of Inner Turbulence es el mismo acorde que hace fade in hacia As I Am en el siguiente álbum, Train of Thought. La nota de piano tocada al final de In the Name of God en Train of Thought es la misma nota de piano que abre The Root of All Evil en su siguiente álbum, Octavarium. A su vez, los minutos finales de la canción Octavarium en Octavarium son iguales a los del inicio de la misma canción. Esto se refiere a dos puntos: la idea de girar en círculos (de eso trata la canción Octavarium; además, la tercera sección de la canción se llama "Full Circle") y el fin del meta álbum, pues el siguiente álbum, Systematic Chaos, no comienza con el final de Octavarium

- Las tres secciones de The Glass Prison en Six Degrees of Inner Turbulence, las dos secciones de This Dying Soul en Train of Thought, las dos secciones de The Root of All Evil en Octavarium y las dos de Repetance en Systematic Chaos componen los primeros nueve movimientos de una suite de doce movimientos con letras por Mike Portnoy haciendo una crónica de su experiencia con los doce pasos del programa de Alcohólicos Anónimos de Bill Wilsons. El concepto de una meta canción también se usa en: el riff corto que inicia This Dying Soul es el mismo riff corto que termina The Glass Prison, y el motivo rítmico con un acorde ruidoso característico que termina This Dying Soul construye el intro de The Root of All Evil, con la canción entrando exactamente en el minuto 1:00. El coro de This Dying Soul también aparece una vez en The Root of All Evil. Portnoy ha declarado su deseos de interpretar los doce movimientos en sucesión una vez que la suite sea completada, y cada pista hasta ahora ha sido dedicada a Wilson. Las canciones también están relacionadas líricamente y musicalmente a The Mirror y Lie en Awake, de las cuales The Mirror también trata explícitamente con el alcoholismo de Portnoy.

- Dream Theater usa con frecuencia una técnica de composición en donde las secciones de la canción son expandidas cada vez que son usadas. Un ejemplo de ello es 6:00 del álbum Awake. Después del intro, casi interpretan el coro, pero se retiran y saltan al verso (minuto 1:33). La siguiente vez en la que debería venir el coro, lo tocan, pero sólo una parte (minuto 2:11). La canción continúa por un rato, y cuando vuelve al coro, lo tocan completo (minuto 4:41). Esta técnica también puede encontrarse en Peruvian Skies, Blind Faith, Endless Sacrifice, entre otras.

- Dream Theater también usa citas musicales (que es tomar un tema musical, manipulándolo y poniéndolo en otro contexto musical), una técnica hecha famosa por Charles Ives.

- El tema de Wait for Sleep es citado luego en Learning to Live (minuto 8:11) y también dos veces en Just Let Me Breathe (minutos 3:39 y 5:21)
- El tema de Learning to Live es citado en Another Day (minuto 2:53)
- El tema de Space-Dye Vest es usado varias veces en el álbum Awake.
- El coro de The Silent Man y Voices en el álbum Awake están construidos a partir de secciones musicales de Erotomanía del mismo álbum. Esto se debe a que las 3 canciones son realmente secciones de una canción más larga llamada A mind beside itself.
- Una de las melodías y líneas de Metropolis Pt 1 (The Miracle and the Sleeper) es repetida en el segundo coro de Home de Metropolis Pt 2: Scenes from a Memory, con sólo una palabra cambiada. Adicionalmente, algunas de las letras de Metropolis Pt 1 son recitadas en Home. Esencialmente, el álbum entero Scenes From A Memory es una cita completa musical / lírica / conceptual de Metropolis Pt 1, y The Dance of Eternity está de hecho construida con variaciones de los elementos musicales que construyen la pista original.
- Trozos de cada canción del álbum Octavarium se usan en la sección IV de la canción Octavarium.
- Citas musicales de temas que no pertenecen a Dream Theater:
- Jingle Bells es citada en Octavarium (minuto 17:47)
- El himno de la guerra civil americana Battle Hymn of the Republic es citado en el fondo de In the Name of God (minuto 12:56)
- Citas líricas de temas que no pertenecen a Dream Theater:
- La tercera sección de la canción Octavarium, llamada Full Circle es la oda de Mike Portnoy al rock progresivo, y las letras consisten en juegos de palabras que enlistan sus canciones favoritas, bandas, y más, como Day Tripper, Lucy in the Sky with Diamonds, Get Back de The Beatles, Supper's Ready y Cinema Show de Genesis, Careful With That Axe Eugene de Pink Floyd y Machine Messiah de Yes, así como My Generation (The Who), Show Me The Way (Peter Frampton), Light My Fire (The Doors), y Gabba Gabba Hey (The Ramones)

- Six Degrees of Inner Turbulence, el sexto álbum en estudio de la banda, contiene seis canciones y contiene una referencia al número seis en su título. Train of Thought, el séptimo álbum en estudio de la banda, contiene siete canciones. El número siete se usa en escritura leet como la letra T, así que el título podría se escrito '7rain of 7hought'; sin embargo, no está claro si esto fue intencional. Octavarium, el octavo álbum en estudio de la banda, contiene ocho canciones y su título es derivado de octo, una palabra en latín que significa ocho, así como el término musical de una octava, que es la distancia entre una nota y ella misma en un registro más alto o más bajo, que son ocho notas hacia arriba o hacia abajo en casi cualquier escala diatónica. La pista que le da nombre al disco también tiene 24 minuto de largo, que es un múltiplo de 8, y el cuarto movimiento (8/2) de la canción está compuesta de 8 secciones, todas subiendo paso a paso en intervalos simples. El diseño de la carátula incluye varias referencias al número 8, por ejemplo un grupo de rectángulos blancos y triángulos negros, indicando una octava en un piano.

- La canción Octavarium originalmente terminaba con una flauta que interpretaba la misma melodía que mucho antes en la canción, pero fue cambiado a la misma nota de piano en que comienza el álbum Octavarium. En algún punto entre la producción del álbum y la impresión de los CDs, se decidió hacer el cambio al final de la canción, para enfatizar el motivo circular que existe a través del álbum (la primera versión con la flauta al final se coló y está circulando en Internet). Mike Portnoy hizo notar que eso terminó con el estrés de tener que conectar el final de cada álbum con el inicio del siguiente, como se menciona arriba. Así que, el noveno álbum de Dream Theater no comenzará con el final de Octavarium.

- El doblaje en inglés del especial de Dragonball Z, The History of Trunks tiene muchas pistas de Scenes from a Memory, incluyendo Regression, Overture 1928, Beyond This Life, Through Her Eyes, Home, y The Dance of Eternity. De estas, sólo Through her Eyes and Home fueron publicadas en la banda sonora oficial para ese lanzamiento. Notablemente, durante su transmisión al aire en Cartoon Network, estas canciones y otras fueron remplazadas por varios temas musicales de Funimation.

Reputación de conciertos

Setlist rotante

A lo largo de su carrera, los espectáculos en vivo Dream Theater se han ido volviendo gradualmente más grandes, más largos, más diversos y menos restrictivos. El ejemplo más obvio de ello es su política de setlist rotante. Cada noche de cada gira tiene su setlist ideado por Portnoy usando un proceso meticuloso que asegura que es completamente único. Factores como los setlists de ciudades previas son tomados en cuenta para asegurar que las personas que ven a Dream Theater múltiples veces en la misma área no vean las mismas canciones interpretadas dos veces, e incluso el setlist de la última vez que la banda estuvo en una ciudad en particular se toma en cuenta para el beneficio de los fans que ven a la banda en giras sucesivas. [1]

Para que eso sea posible, la banda se prepara para tocar la mayor parte de su repertorio en cualquier presentación, dependiendo de lo que Portnoy decida programar para esa noche. Este proceso también requiere el empleo de un sistema de iluminación muy complejo que utiliza iluminación pre-configurada sobre la base de canciones individuales.

Duración

La duración es otro elemento único de los conciertos de Dream Theater. Los conciertos de sus giras mundiales, desde Six Degrees of Inner Turbulence, han sido del tipo "Evening with..." ("Una noche con..."), en el que la banda actúa al menos tres horas con un descanso y ningún "telonero". El espectáculo grabado para Live Scenes From New York tuvo una duración de casi cuatro horas (LaBrie graciosamente se disculpó después del espectáculo por el "set tan corto"), y resultó en la casi hospitalización de Portnoy [2] . Con el anuncio del nuevo lanzamiento, Systematic Chaos, se ha publicado que durante este nuevo tour, Chaos in Motion World Tour 2007/2008, no se hará el famoso "An evening with...". La banda dice que ya es momento de parar con los shows diarios desde 3 a 4 horas. Se dice que compartirá el escenario con bandas como Queensrÿche entre otras.

Humor, informalidad e improvisación

También hay un monto significativo de humor, informalidad, e improvisación asociado a un concierto de Dream Theater. En la parte media de A Change of Seasons es bastante común que temas como el de las Grandes Ligas de Béisbol y Los Simpsons sean citados, y Rudess rutinariamente modifica su sección de solo en esta canción y otras, con frecuencia interpretando la sección ragtime de When The Water Breaks de Liquid Tension Experiment 2. Otras citas incluyen a Mary Had a Little Lamb durante Endless Sacrifice en el Gigantour, un corte inspirado en un calíope entre los versos de Under a Glass Moon, y la marcha turca en un concierto en Estambul. En la gira 20th Anniversary World Tour Rudess incluso lanzó una pequeña cita del tema Twinkle, Twinkle, Little Star en un corte durante Endless Sacrifice. Durante la interpretación de As I Am en Bangkok en enero del 2006, Rudess tocó una escala mayor muy torpe, al estilo de un principiante, hacia adelante y hacia atrás varias veces antes del corte instrumental.

No es extraño que un miembro de la audiencia sea escogido al azar para tocar en el escenario (de lo que se puede apreciar un ejemplo en el solo de batería de Portnoy en el DVD Live at Budokan). También ha habido muchas improvisaciones del "Happy Birthday" cuando un miembro de la banda o del equipo cumple años en una fecha en la que hay concierto, lo que normalmente termina en un pastel de cumpleaños siendo arrojado al sujeto.

Estructura impredecible

Tal vez el ejemplo más extremo de la estructura impredecible de los conciertos de Dream Theater es que durante el tiempo en que Derek Sherinian estuvo en la banda, en algunos espectáculos los miembros de la banda intercambiarían instrumentos y tocarían como la banda ficticia "Nightmare Cinema" (el opuesto aproximado de "Dream Theater"). Generalmente versionaban Perfect Strangers de Deep Purple, y en una ocasión, Suicide Solution de Ozzy Osbourne.

Similarmente en algunos espectáculos Sherinian, Petrucci y Portnoy tomarían el escenario juntos, bajo el nombre "Nicky Lemons and the Migraine Brothers". Sherinian, usando una bufanda de plumas y anteojos bohemios oscuros, interpretaría una canción de pop-punk titulada "I Don't Like You" con Petrucci y Portnoy respaldando.

Asistencia del público

Los fans de Dream Theater suelen abarrotar cada plaza donde la banda se presenta. La audiencia generalmente está formada de un número de espectadores que varía entre 4000 y 10000, y esa cantidad es habitualmente dictada por el espacio físico. El concierto que ha contado con la audiencia más numerosa ha sido el efectuado en la Pista Atlética del Estadio Nacional en Santiago de Chile, el 6 de diciembre de 2005, durante la gira promocional del álbum Octavarium, que contó con una asistencia de 22000 personas. El hecho fue mencionado la misma noche del concierto por Mike Portnoy y a través de su sitio web, y fue mencionado también por Jordan Rudess en su saludo navideño de 2005 a todos los fans. El concierto grabado en el Radio City Music Hall de New York en abril de 2006 tuvo una asistencia de 6000 personas.

Logo e imágenes

Al principio de su carrera, Dream Theater adoptó un logo y un wordmark personalizado (conocido como el símbolo Majesty) que han aparecido en la gran mayoría de su material promocional desde entonces, con al menos una de las marcas oficiales apareciendo en la carátula de cada lanzamiento hasta la fecha, con la excepción de Once in a LIVEtime (ver explicación más abajo). Incluso después de que la banda desechó el nombre Majesty, el símbolo continuó siendo su marca oficial, y es visto por la comunidad de fans de Dream Theater de la misma manera que los fans de Led Zeppelin han abrazado los cuatro símbolos de los miembros de esa banda. Es común ver gente con tatuajes del símbolo Majesty en conciertos de Dream Theater.

El símbolo Majesty es una derivación del símbolo de María, reina de los escoceses[3] , el cual fue re-diseñado por Charlie Dominici para ser usado en el arte gráfico del álbum When Dream and Day Unite[4] . Otro hecho interesante es que el símbolo Majesty es una combinación de tres letras griegas, Fi(F), Mu(?), y Alfa(A), las letras de la fraternidad musical de la cual los miembros forman parte.

El hecho de que el logo no aparezca en la carátula de Once In A LIVEtime o de su acompañante en vídeo 5 Years in a LIVEtime, fue interpretado por algunos fans como evidencia de que la banda se había "vendido" y de que se había alejado de sus raíces con sus fuentes modernizadas ("fuentes" se refiere a los "tipos de letra" usados para el arte gráfico), pero para el momento en que había reclamado el lugar que le corresponde en la carátula de Scenes From a Memory la infelicidad había sido largamente olvidada (el motivo real fue que a Storm Thorgerson, el legendario diseñador gráfico para ambos lanzamientos antes mencionados, no le gusta trabajar con fuentes pre-existentes). Desde entonces ha aparecido en cada lanzamiento subsiguiente (la carátula de Falling Into Infinity tiene el logo, pero no el wordmark).

Cultura de bootlegs

Dream Theater es una de las bandas del género del metal más activamente grabadas en bootlegs. Desde sus primeros conciertos en New York como Majesty, los fans han grabado casi todos los espectáculos que Dream Theater ha ofrecido (ocasionalmente hay tres o cuatro versiones de un mismo concierto), y algunas grabaciones profesionales y bien elaboradas han sido publicadas.

Sin embargo, no todos los miembros de la banda toleran los bootlegs de Dream Theater. Portnoy es definitivamente el miembro que los apoya más, ya que era un ávido coleccionista de bootlegs cuando era más joven y mantiene su archivo personal de material de Dream Theater. Petrucci y LaBrie han declarado oposición con respecto a las personas que graban sus conciertos. Petrucci ha dicho que prefiere que los miembros de la audiencia se concentren en los músicos en tarima, y no en los ajustes de nivel de sus dispositivos de grabación. LaBrie, por otra parte, argumenta que los bootlegs le quitan propiedad y control a la actuación en directo, y los pone en manos del público. Myung ha expresado oposición apacible a los bootlegs, pero en algunas entrevistas ha mencionado que particularmente no le molesta mucho.

Sin importar sus opiniones personales, cada miembro de la banda autografía cualquier bootleg que se les presente para que sea firmado. Dream Theater también ha lanzado una serie de bootlegs oficiales a través de YtseJam Records, encabezada por Portnoy.

Canciones versionadas

A pesar de que son bien conocidos por hacer canciones versionadas a lo largo de toda su carrera, Dream Theater llevó esta práctica a otro nivel durante la gira promocional de Six Degrees of Inner Turbulence. En tres conciertos especiales, en Barcelona, Chicago y New York City, versionaron el álbum completo Master of Puppets de Metallica después de un set entero de material de Dream Theater. Aquello fue impactante para los fans dado que no había señales de que eso iba a ocurrir, apartando el hecho de que se había anunciado que esos conciertos, que eran la segunda noche en cada ciudad, serían "extra especiales". Esta tradición puede ser rastreada hacia atrás seguramente hasta una de las bandas favoritas de Mike Portnoy, Phish, que comenzó a versionar álbumes enteros de otros artistas cada halloween, empezando en 1994.

Portnoy anunció este "álbum versionado" como el primero de una serie de conciertos a ser dados como tributo a bandas que han sido influyentes en la formación y desarrollo de Dream Theater. Los sets de canciones versionadas dividieron a muchos fans que asistieron al espectáculo, llevando a algunos a decir que fueron a un concierto de Dream Theater a ver música original y no el trabajo de otro artista. Otros, sin embargo, dijeron que fue un bono y no un reemplazo de un concierto de Dream Theater, dado que un concierto ordinario había sido interpretado la noche anterior. La siguiente vez que se hizo un concierto de álbum versionado esta negatividad fue más contenida, pues la mayoría de los fans ya sabían que eso iba a suceder, y que no verían una noche completa de material de Dream Theater.

En la siguiente etapa de la gira versionaron el álbum The Number of the Beast de Iron Maiden y recibieron una reacción similar a la obtenida con Master of Puppets, a pesar de que ya se sabía que un álbum versionado iba a ser interpretado esa noche porque el itinerario incluía dos conciertos en noches consecutivas en la misma ciudad.

El 11 de octubre de 2005, Dream Theater versionó Dark Side of the Moon de Pink Floyd, su tercer álbum clásico versionado. El sitio web oficial de Dream Theater declaraba que "los segundos sets de las segundas noches en Ámsterdam, Londres, Buenos Aires, Sao Paulo y Tokio (11 de octubre, 25 de octubre, 4 de diciembre, 11 de diciembre y 13 de enero), y también el segundo set del espectáculo del 15 de enero en Osaka, serán un álbum clásico entero versionado." Dark Side of the Moon fue interpretado una vez más el 25 de octubre en Londres. Sin embargo, en Buenos Aires (4 de diciembre) y Sao Paulo (11 de diciembre) el "álbum clásico" interpretado fue Scenes from a Memory de la mismísima Dream Theater, para compensar por no haber visitado nunca Argentina y solo una vez Brasil en su gira por 1998.

El 13 de enero de 2006 (Tokio) y el 15 (Osaka), Dream Theater versionó el álbum en directo Made in Japan, de Deep Purple, su cuarto álbum clásico versionado (esto concordó brevemente con las especulaciones de los fans, quienes dijeron que era inevitable que al menos uno de los álbumes del rock progresivo de los 70s, posiblemente de Rush, sería versionado).

Mike Portnoy dice que él tiene uno o más conciertos de álbumes versionados planeados, pero se niega a revelar cuando ocurrirán, o que álbum será intepretado [5] . Hay mucho debate en los círculos de fans de Dream Theater con respecto a cual álbum será intepretado, e incluso sobre en cual género caerá ese álbum.

También hicieron una interpretación en directo de Cemetery Gates de Pantera en Dallas, Texas, para conmemorar a Dimebag Darrel Abott.

Proyectos paralelos

Petrucci, Rudess y Portnoy unieron fuerzas con el músico Tony Levin para formar Liquid Tension Experiment, que lanzaría dos álbumes (en 1998 y 1999), con piezas que fusionan varios géneros, un toque de jazz y prácticamente sin voz. Portnoy también ha participado en otros grupos de rock progresivo como Transatlantic y O.S.I., así como en tributos a Led Zeppelin (Hammer of the Gods) y The Beatles (Yellow Matter Custard). Ha colaborado además en los 3 últimos discos en solitario de Neal Morse. Por su parte, LaBrie lanzó dos álbumes con el nombre Mullmuzzler y participó en Frameshift, Madmen & Sinners, Ayreon - The Human Equation y Elements of persuasion. Actualmente LaBrie trabaja en el proyecto True Symphonic Rockestra junto con los tenores Vladimir Grishko y Thomas Dewald. Rudess y Petrucci lanzan "An evening with John Petrucci & Jordan Rudess" además John Petrucci sacó a la luz en enero de 2005 un álbum en solitario titulado "Suspended Animation". Petrucci ha participado con Joe Satriani y Steve Vai en el "G3" en 2001 y en 2005. La actuación de 2005 fue grabada y lanzada como el DVD y CD doble "Live in Tokyo". John Myung se unió a Ty Tabor, Rod Morgenstein y el una vez tecladista de Dream Theater, Derek Sherinian, para sacar a la luz el grupo Platypus, y editaron When Pus Comes To Shove en 1998 y Ice Cycles en 2000. Más tarde, ya sin Derek Sherinian, el grupo pasó a llamarse The Jelly Jam y ha lanzado hasta el momento otros dos álbumes, The Jelly Jam en 2002 y 2 en 2004. Aunque estas bandas, son consideradas proyectos paralelos, Dream Theater ha incorporado algunas de estas piezas a sus conciertos en vivo. Un ejemplo de ellos puede apreciarse en Live At Budokan, donde interpretan algunos retazos de "Paradigm Shift" y "Universal Mind" de sus álbumes de Liquid Tension Experiment.

Miembros

- James Labrie(Voces)
- John Petrucci(Guitarra)
- Mike Portnoy(Percusión)
- John Myung(Bajo)
- Jordan Rudess(Teclado)

Pagina: http://www.dreamtheater.net/

Coti

Coti Sorokin es un cantante y compositor argentino, que triunfó en 2005 en América Latina y España con su single "Nada Fue Un Error", junto con Julieta Venegas y Paulina Rubio, llegando al #1 en Argentina y España, y siendo una de las canciones del verano en este país. Es el autor de la reconocida canción interpretada por Diego Torres, "Color Esperanza". Coti Sorokin nació en Rosario, Argentina, y pronto comenzaron los viajes. A los tres años se trasladó con su familia a Concordia, Entre Ríos, donde comenzó a estudiar guitarra y teoría musical. De vuelta a Rosario continuó los estudios en la Facultad de Humanidades y Artes. Mientras formó el grupo Luz Mala, y grabó un disco producido por Lito Nebbia, "el creador del rock en español", según Coti.

Continuaron los viajes. Coti se trasladó a Buenos Aires, encontró a Javier Calamaro (el hermano de Andrés), compuso para otros artistas, se hizo habitual de los estudios de grabación y comenzó a producir. Así nació el primer disco de Javier Calamaro, compuesto y producido al alimón en 1995. Juntos hicieron también el disco Chiapas, en el intervinieron Café Tacuba, Ilya Kuryaki & the Valderramas, León Gieco, Fito Páez, Paralamas, Mercedes Sosa, Charly García y Maldita Vecindad, entre muchos otros. Coti Sorokin produjo a los grandes del rock latino.

También asesoró a los emblemáticos Enanitos Verdes –"un subidón terrible porque el grupo había trabajado con los mejores productores", dice Coti- y colaboró estrechamente con Andrés Calamaro en Honestidad brutal (1999). Por eso, a nadie puede extrañar que Andrés colabore en el primer disco de Coti, cantando a dúo la canción Nada fue un error.

Con la experiencia a cuestas, Coti piensa en su música, en sus canciones, en su disco. "Sabía que en algún momento me iba a llegar la oportunidad. Siempre me sentí cómodo en la composición, empiezo a encontrarme bien grabando mis canciones para que las canten otros como (Diego Torres,Alejandro Lerner o el catalan Sergio Dalma entre otros) y me instalo un estudio en casa para comenzar mi disco".

Coti empezó a grabar su primer álbum en enero de 2001. Con estas 11 canciones producidas por Coti Sorokin y Cachorro López, grabadas en Buenos Aires, mezcladas en Miami y masterizadas en Madrid, Coti se buscó la vida.

En febrero de 2002, después de haber fichado por Universal Music Spain, Coti lanzó desde España su álbum debut, titulado Coti, que estuvo precedido por el sencillo Antes que ver el sol. El disco fue producido por el propio Coti con la colaboración de Cachorro López, y consta de 11 temas.

El 25 de abril de 2003 fue escogido como telonero del único concierto de Shakira en España de su gira Tour de la mangosta. El argentino calentó los minutos previos al recital de la colombiana y presentó las canciones de su disco en la Plaza de Toros de Las Ventas de Madrid. En marzo de 2004 publica también con Universal Canciones para llevar, cuyos temas habían sido compuestos casi en su totalidad en Madrid el año anterior y grabados en los estudios Circo Beat, acompañado por Matías Sorokin (guitarra y coros), Diego Olivero (teclado), Marcelo Novati (batería) y Matías Eisenstaedt (bajo y coros). Bailemos fue el single de presentación. Sin embargo, su consagración llegaría en 2005, cuando publica Esta mañana y otros cuentos. Se trata de un álbum grabado en directo con la colaboración de artistas de la talla de Ismael Serrano, Julieta Venegas o Paulina Rubio y que reúne todos sus grandes éxitos. Con estas dos últimas cantantes Coti cantó el tema Nada fue un error, al que Venegas debe gran parte de su reconocimiento por parte del público español.

El cuarto disco de la carrera del argentino y su tercer álbum de estudio, Gatos y Palomas salió a la venta el 26 de marzo de 2007. Cuenta con 15 temas inéditos, 14 en CD y uno en formato digital. Aunque algunos recuerdan al Coti de siempre, otros, más cercanos al rock, tienen un estilo más crudo y urbano. El primer single es Canción De Adiós y el segundo single es Mi Espacio.En Junio de 2007 tuvo un pequeño problema durante un concierto gratuito que se realizaba durante las fiestas patronales de la localidad fronteriza de Irún(Gipuzkoa) en el que fue alcanzado por un trozo de hielo mientras se encontraba en el escebario por lo que se vio obligado a suspender la actuación. Meses después volvió a la provincia gipuzkoana para actuar en la capital, en Donostia en el teatro Victoria Eugenia para cerrar su gira por el Estado Español, el concierto fue sobrio y correcto e incluso compartió en una canción escenario con el cantante donostiarra Mikel Erentxun pero no logró una gran acojida de público y no pasó de media entrada, así que el cantante argentino no logró quitarse del todo la espina que tiene clavada con la provincia en la que estuvo empadronado en sus inicios en el Estado cuando empezó con la productora Get In de Iñigo Agromániz, una de las más punteras del territorio al llevar a grupos como "La Oeja de Van Cogh" o "Barricada" y solidtas como Álex Ubago, Mikel Erentxun o el mismo Coti.

Pagina: http://www.cotisorokin.com/

The Velvet Underground

The Velvet Undergound fue una banda de rock formada en Nueva York en la década del 60. Aunque nunca alcanzara el éxito comercial, es una de las bandas de rock más influyentes de la historia y tiene un intenso culto, a pesar de haber durado pocos años.

Fue una de las primeras bandas en experimentar con la forma e incluir influencias avant-garde y, especialmente, el ruido de guitarras que los hizo definir el uso del noise dentro del rock. Su influencia sobre el punk, la incluye dentro del grupo de bandas clasificadas como proto-punk y, posiblemente, como la primera de ellas.

Miembros

Miembros principales

- Lou Reed (Guitarra, voz, piano, armónica, principal compositor 1965-1970)
- John Cale (bajo, viola eléctrica, órgano, voces 1965-1968)
- Sterling Morrison (guitarra, bajo, 1965-1971) (Fallecido en 1995)
- Maureen "Moe" Tucker (percusión,1965-1972)
- Doug Yule (bajo, teclados, guitarra, batería, voces 1968-1973, reemplazo de John Cale)

Otros miembros

- Angus Maclise (percusión 1965)
- Walter Powers (bajo 1970-1972)
- Willie Alexander (teclados, voz 1971-1972)
- Nico (voz 1967) (Fallecida en 1988)
- Billy Yule (batería 1970)

Inicios

La banda se formó en 1964 cuando Lou Reed, que había tocado en algunas bandas de poca duración, trabajaba como compositor para Pickwick Records donde conoció al galés John Cale, que se había mudado a Estados Unidos para estudiar música clásica y tocaron juntos en un grupo llamado The Primitives con el objetivo de promocionar el single de Reed "The Ostrich". Reed y Cale congeniaron y pensaron en fundar un nuevo grupo. Para ello buscaron a Sterling Morrison, a quien Reed había conocido en la universidad y con quien ya había tocado, y a Angus McLise, vecino de John y Lou. Formaron así The warlocks, que luego se llamarían The Falling Spikes. Llegaron a grabar una cinta donde se encontraban "Venus in Furs", "Heroin", "Wrap Your Troubles In Dreams" y "The Black Angel's Death Song".

El nombre de la banda surgió del título de un libro sobre sadomasoquismo de Michael Leigh titulado The Velvet Undeground que Jim Tucker, amigo de Reed y Morrison y hermano de Maureen Tucker, encontró tirado en la calle.

La banda fue abordada por un promotor llamado Al Aronowitz. Cuando el grupo aceptó una oferta de 75 dólares para dar un show teloneando a otra banda de Aronowitz, The Myddle Class, McLise dejó el grupo acusándolo de comercializarse. MacLise fue reemplazado por Maureen Tucker, hermana de un amigo de Reed y Morrison. Tucker tenía una muy particular forma de tocar la batería, lo cual sumó excentricidad a la de por sí poco convencional banda. Tucker solía tocar con una batería muy básica, parada y con mazos en lugar de baquetas. Aparentemente, Tucker habría empezado a tocar de esta forma luego de que el resto de la banda le pidiera que hiciera "algo inusual".

Después de ese concierto, Aronowitz les consiguió un contrato para tocar como banda residente en un local llamado Café Bizarre. Pronto la banda fue despedida pero dos días antes de que eso sucediera Andy Warhol fue llevado al establecimiento por Paul Morrissey quien creyó que era una buena idea tener una banda de rock en la Factory.

Tanto la música, llena de ruido y distorsiones, como las letras que trataban tópicos inusuales para la época, como sadomasoquismo, travestismo, o la adicción a la heroína, los distanciaban mucho de las bandas típicas de la escena estadounidense de ese momento, en la cual la psicodelia y la cultura hippie alcanzaban su momento cumbre en San Francisco.

Andy Warhol. Nico. EPI. Álbum debut

Después de que Andy Warhol se convirtiera en el manager del grupo, sugirió que la modelo y estrella de la Factory, Nico, debía cantar en la banda. La banda no se sintió cómoda con la sugerencia y Reed y Cale sentían que estaban perdiendo el control, pero finalmente aceptaron para aprovechar la promoción que Warhol les podía dar y se convirtieron en The Velvet Underground And Nico. Algunas canciones fueron adaptadas para ser cantadas por Nico y durante las que Reed cantaba ella tocaba la pandereta.

Warhol filmó a la banda ensayando y el resultado es la película The Velvet Underground & Nico: A Simphony of Sound. Esta filmación fue usualmente proyectada durante los primeros shows de la banda. Paul Morrisey ideó un espectáculo con shows de luces, bailarinas y proyecciones en el cual la banda tocara. Este espetáculo se llamó Exploding Plastic Inevitable y llevó a la banda a tocar en diferentes lugares a través de Estados Unidos.

Durante 1966 Angus McLise volvió brevemente a la banda por el lapso de varias semanas cuando Lou Reed sufrió una hepatitis que le impidió tocar en algunos conciertos que ya tenían agendados. Durante esos shows Cale cantaba y tocaba el órgano y Tucker tocaba el bajo. En esas apariciones la banda comenzó a tocar una pieza improvisada que se conoció como "The Booker T" en honor al líder de la banda Booker T & The MGs. Esta pieza se convertiría en la base musical para "The Gift" incluida en White Light/White Heat. Algunas de estas presentaciones fueron editadas en discos piratas y son los únicos registros de la banda con Angus McLise.

Su primer disco The Velvet Underground and Nico grabado en muy pocos días (existe desacuerdo sobre el tiempo exacto de grabación), tardó casi un año en ser editado debido a factores como las políticas de las discográficas. A pesar de que la asociación con Warhol y el EPI les garantizó un alto perfil, el contenido del disco no era aceptable para las discográficas que no encontraban maneras de comercializarlo. Finalmente, Warhol les consiguió un contrato con el sello Verve, subsidiario de MGM.

El grupo no quería que Nico participara en la grabación, ya que sostenían que ya habían cedido bastante permitiendo que formara parte de la gira de actuaciones en directo, pero finalmente aceptaron su presencia. El disco fue editado en mayo de 1967 con un célebre diseño de portada de Warhol y con el nombre de Nico añadido al del grupo y sólo alcanzó el puesto 171 en las listas.

White Light/White Heat (1968). Despido de John Cale

Lou Reed despidió a Warhol de su puesto de manager luego de que su relación con la banda disminuyera y también despidió a Nico. Pronto, en septiembre de 1967, comenzaron a grabar su segundo álbum, White Light/White Heat, el cual fue editado en enero de 1968.

Este disco llevó las principales características de la banda (el noise, la distorsión, la atonalidad) a su punto máximo de crudeza. Cale definió el disco como "conscientemente anti-belleza". El álbum entró al top 200 de Billboard por exactamente una semana en el puesto 199.

Dentro del grupo las tensiones crecían debido a la poca atención que el grupo recibía y también por las crecientes diferencias de intereses entre Reed y Cale. Finalmente, Reed le propuso al resto de la banda elegir entre él o Cale; Tucker y Morrison se quedaron con Reed, principal compositor dentro de la banda. Mucho se ha rumoreado sobre la envidia que Reed sentía por Cale debido a su prodigioso talento (estudiaba música clásica desde antes de los cinco años y ya había compuesto para los ocho) y su entrenamiento musical clásico. El puesto de Cale fue ocupado por el bajista Doug Yule.

The Velvet Underground (1969)

El tercer disco de la banda fue grabado a fines de 1968 y editado en marzo de 1969. El sonido representa un gran cambio respecto de los dos discos anteriores. Tiene un estilo más tradicional, tranquilo, parecido al sonido que caracterizaría más tarde la carrera solista de Lou Reed. Este cambio se debe a que el control creativo de la banda había sido tomado completamente por Reed luego de la partida de Cale que era el miembro más orientado hacia la experimentación y responsable directo del lado más vanguardista, con el detalle de sus contribuciones multiinstrumentales en el piano y la viola eléctrica.

Mucho material que no vio la luz en su momento fue grabado entre el lanzamiento del tercer álbum y el del cuarto. Que todas estas canciones se mantuvieran inéditas se debe en parte a problemas con la discográfica. Estas grabaciones fueron editadas después de la separación de la banda en los discos VU (1985) y Another View (1986).

Loaded (1970)

El último disco oficial de la Velvet fue grabado y editado en 1970 en el sello Atlantic Records luego de ser despedidos de su anterior sello, MGM, debido a que el flamante presidente de la compañía, Mike Curb, decidió eliminar a todas las bandas relacionadas con drogas o hippismo de la discográfica.

El disco, titulado Loaded, es el más tradicional y accesible de todos los de la banda. Contiene algunos de los temas más clásicos, como "Sweet Jane" que se convertiría en uno de los temas más conocidos de Reed. Debido al embarazo de Maureen Tucker, la batería fue grabada por varias personas incluyendo a Doug Yule, el ingeniero Adrian Barber, el sesionista Tommy Castanaro, y Billy Yule, hermano del bajista Doug.

Después de una larga residencia en el célebre club neoyorkino Max's Kansas City, (durante la cual Billy Yule tocó la batería en reemplazo de Tucker y se grabó el disco Live at Max's Kansas City) Reed decidió dejar la banda en agosto de 1970 y volver a la casa de sus padres en Long Island.

Después de Lou Reed. Squeeze

El disco Loaded fue, gracias a "Sweet Jane" y "Rock And Roll", el disco más, si bien no exitoso, cercano al éxito de la carrera de la banda, pero el líder y compositor de la banda ya no estaba en ella por lo cual Doug Yule tomó el control. Curiosamente, la popularidad de la banda, si bien se mantuvo igual en Estados Unidos, creció en Europa durante esta etapa. La banda salió de gira por la costa este de Estados Unidos y luego por Europa con Yule a cargo de las voces y la guitarra, Walter Powers (compañero de Yule en la banda Grass Menagerie) en bajo y Willie Alexander (también de Grass Menagerie) en voz y teclados reemplazando a Sterling Morrison quien había dejado la banda en 1971 para seguir una carrera académica en la Universidad de Texas. Parte del público de la banda se burlaba de esta formación llamándola The Velveteen Underground.

La banda todavía le debía un disco a la discográfica pero esta decidió editar Live at Max's Kansas City grabado durante la serie de shows que la banda dio en dicho club durante 1970 previo a la partida de Reed. Debido a esto los algunos miembros se alejan dejando a Yule sólo en posesión del nombre junto con el manager Steven Sesnick quien consigue un contrato con Polydor. Finalmente, Yule graba un disco con el nombre de The Velvet Underground, con Ian Paice, baterista de Deep Purple y un montón de sesionistas. Hubo también una cantante femenina en la grabación pero su identidad se desconoce. Usualmente se cree que Willie Alexander participó de la grabación pero es falso. Yule compuso todos los temas y arreglos, tocó todos los instrumentos salvo la batería y produjo el disco.

El disco se llamó Squeeze y fue despreciado por la crítica e incluso, con el paso del tiempo, desapareció de la discografía oficial de la banda. El disco nunca fue reeditado y su rareza y valor se ha incrementado con los años debido a lo cual copias piratas del disco suelen circular.

Yule armó una nueva formación y salió de gira, esta vez sin Sesnick como manager porque había abandonado recientemente el grupo. Yule se convirtió en el manager por necesidad, pero el tour no funcionó como esperaban para promocionar el disco debido a que el retraso de la edición causó que no tuvieran copias de Squeeze a la venta durante la gira. Este retraso se debió principalmente a que los masters del disco estuvieron perdidos durante un tiempo. También se rumoreó que Lou Reed había intentado impedir la edición pero no hay pruebas de que esto sea cierto.

La banda tocó su último show en el club Oliver´s de Cambridge el 27 de abril de 1973 y finalmente Yule disolvió la banda en junio del mimsmo año. Parte del material en vivo de esta última etapa de la banda fue recopilado en el 2001 cuando vio la luz Final V.U., una caja que incluía material grabado en shows entre 1971 y 1973.

Reunión

La banda se reunió brevemente en 1993 y dio varios shows abriendo para U2, shows de los cuales salió el álbum en vivo Live MCMXCIII. Antes de que tuvieran oportunidad de grabar un disco o salir de gira por Estados Unidos, la rivalidad entre Cale y Reed (que ya habían vuelto a trabajar juntos en el disco Songs for Drella) volvió a dividir a la banda.

Influencia

La influencia de The Velvet Underground es casi inabarcable. La banda fue la primera en experimentar directamente con la forma y el ruido dentro de la música pop, incluyendo influencias tomadas directamente de la música clásica contemporánea. Estas influencias llegaron a la banda gracias a John Cale, un discípulo de John Cage que también había sido parte de la Dream Syndicate, grupo formado por el compositor La Monte Young.

El crítico de rock Lester Bangs declaró que con The Velvet Underground empezaba la música moderna y la tradición musical neoyorkina. Esa tradición musical de la que habla Bangs es la que finalmente llevó a la creación del punk con el surgimiento de bandas como Ramones, Televisión, Talking Heads, The Heartbreakers, Patti Smith o Blondie, pasando por los New York Dolls varios años antes. Esa tradición sería continuada por el movimiento que se conoció como No Wave con bandas como The Contortions, Theoretical Girls, Teenage Jesus and The Jerks o DNA, y cuyo testimonio más conocido es el disco compilado No New York producido por Brian Eno. A pesar de la corta vida de ese movimiento (aproximadamente de 1978 a 1982) muchos artistas surgieron de sus cenizas y fue una gran influencia para otras bandas como por ejemplo Sonic Youth. A partir de los 80s la influencia del punk sobre la música es tan grande que se puede decir que casi todas las bandas de los movimientos influenciados por ese género, como las pertenecientes a la new wave, el indie, el hardcore, bandas noise o experimentales y la mayoría del underground estadounidense están influenciadas directa o indirectamente por The Velvet Underground.

Una famosa frase, usualmente acreditada a Brian Eno, dice que pocos escucharon a The Velvet Underground durante su corta existencia, pero todos los que lo hicieron formaron una banda. Esa frase resume de forma bastante clara la enorme influencia de la banda en el rock.

La banda no solo redefinió la forma en que se podía tocar o componer en la música pop sino que también redefinió sobre que se podía cantar. Las letras de The Velvet Underground le valieron a la banda grandes controversias y la desconfianza de la industria discográfica. Sus canciones hablaban sobre drogas ("I'm Waiting for the Man", "Heroin", "White Light/White Heat") que era un tema que hasta entonces había sido tabú en la música pop, y como si fuera poco no lo hacían en tono condenatorio. De hecho sus miembros consumían las drogas sobre las que cantaban (heroína, anfetaminas) y Lou Reed, por ejemplo, luchó una larga batalla contra su adicción a la heroína a lo largo de toda la década del 70.

Otra canción que despertó controversia fue "Venus in Furs", una canción sobre sadomasoquismo basado en el libro La venus de las pieles de Leopold von Sacher-Masoch. Muchas de las canciones menos controvertidas de la banda igualmente están plagadas de personajes excéntricos, perdedores, travestidos, así como referencias al sexo o las drogas, aunque en menor grado.

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Björk Guðmundsdóttir and Tríó Guðmundar Ingólfssonar

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Björk Guðmundsdóttir & Tríó Guðmundar Ingólfssonar fue un grupo islandés de jazz y música bebop.

El grupo estaba integrado por la cantante y compositora Björk Guðmundsdóttir (quien en ese momento se encontraba en el grupo The Sugarcubes), el pianista Guðmundur Ingólfsson, el baterista Guðmundur Steingrímsson (conocido como “Papa Jazz”) y Þórður Högnason en contrabajo.
La formación del grupo se dio después de que Ingólfsson y Björk actuaran juntos en 1987 en el Hotel Borg, en Reykjavík.

El grupo tuvo un solo lanzamiento a finales de 1990 titulado Gling-Gló, el cual salió a través de la discográfica Smekkleysa en Islandia y más tarde a través de One Little Indian en el Reino Unido.
El álbum fue grabado en vivo en sólo dos días y estaba integrado por temas islandeses de jazz y tres versiones: “Ruby Baby”, de Leiber y Stoller y los estándares de jazz: “I Can’t Help Loving that Man” (de Oscar Hammerstein II y Jerome Kern) y “Þad Sést Ekki Sætari Mey” (versión en islandés de "You Can't Get A Man With A Gun"), adaptación de Irving Berlin.

El álbum logró el disco de platino en Islandia y posteriormente hubo algunas grabaciones informales en vivo a medida que el grupo realizaba distintas presentaciones, pero en 1992, Guðmundur Ingolfsson fallece de cáncer y la banda se desintegró.

Más tarde, Björk volvería el mismo año a grabar el último álbum con los Sugarcubes: Stick Around For Joy, y a partir de 1993 comenzó con su carrera solista.

El mató a un policía motorizado

Eh, flaco! ¿Por qué le usiste ese nombre a tu banda?" A estos cuatro pibes de La Plata, que en grupo se hacen llamar El Mató a un Policía Motorizado, esa pregunta no sólo les ha resultado molesta, inconducente y hasta un poco pelotuda; alguna vez fue también bastante peligrosa: un móvil policial los detuvo e interrogó en una diagonal, en la oscuridad de la noche, y por poco los apalean para ver si se les ocurría una gracia mejor. "Alguien pensó que éramos una agrupación semiterrorista… No sabían que éramos un grupo de personas llenas de amor para dar."

¿QUIENES SON?
A los 9 años, antes de entrar en el Bachillerato de Bellas Artes de La Plata, Santiago Motorizado le preguntó a Doctora Muerte, su compañerito: "¿Querés ser mi amigo?". Doctora dijo que sí. Tiempo, amigos y bandas después (Grupo Mazinger, Aneurisma, Blas Giunta Flash, Benji Gregory), conocen a la otra mitad de El Mató…: Pantro Puto, estudiante del Colegio Nacional; y El Niño Elefante, del Industrial Albert Thomas. En aquella época "post Nirvana", los cuatro forjaron juntos su background en los gigs de Embajada Boliviana (la backing band de Dee Dee Ramone), Peligrosos Gorriones y Círculo de Medianoche.

EMBAJADA DE LA PLATA
El Mató… llamó la atención sin pasar por YouTube ni producir clips. Lo primero que hicieron fue grabar las canciones: ésa fue la clave. "Y tocar… Nos preocupamos por tocar mucho después de Cromañón, que fue un momento difícil". En 2003 editaron Tormenta roja, un ep con tres canciones que, al año siguiente, formaron parte de su primer disco homónimo. A esto le sigue una trilogía inconclusa: el primer disco navideño del rock argentino, Navidad en reserva (2005); las historias de amistad incondicional grabadas en Un millón de euros (2006); y, antes de fin de año, Día de los muertos: un canto a la muerte, al fin de los tiempos y al año 2012.

PATRULLA MOTORIZADA
Tanto los platenses Prietto Viaja al Cosmos con Mariano, Shaman y los Hombres en Llamas, Patrulla Espacial (ex Tío Pastafrola), como los jóvenes y capitalinos The Baseball Furries y Go! Neko, están siendo arrastrados hacia el centro de la escena under por la capacidad que tiene El Mató… de prometerle hits al indie ("Chica rutera" y "Amigo piedra" son nuevos clásicos en la redacción de Rolling Stone). Así, en el cielo de Los Alamos y en una galaxia paralela a las No Lo Soporto, esta camada inauguró el nuevo space-rock criollo. Una fuerza luminosa que, además, los une: existe una banda surgida de la unión de El Mató… y Patrulla Espacial, se llama El Tío Motorizado. Y, además, la mayoría de ellas (más: Blanca Nieves de Ojos Láser, Reno y los Castores Cósmicos, Koyi, Huracán) se editan por Laptra, el sello/casa de El Mató… "Nos gusta el rock espacial, nos gusta apropiarnos de él, transformarlo y traducirlo, por eso nos queremos y nos juntamos a jugar al fútbol."

Pagina: http://www.elmato.com.ar/

Jerry Lee Lewis

Jerry Lee Lewis (nacido el 29 de septiembre de 1935) es un pianista y cantante pionero del rock and roll estadounidense.

Nació en Ferriday, Louisiana. Pronto mostró un talento natural al piano. Aunque pobres, sus padres hipotecaron la casa para comprarle un piano. Al igual que Elvis Presley, creció cantando música gospel en las iglesias pentecostales del sur. Empezó a tocar el piano a muy temprana edad en su iglesia, y en 1950 empezó a asistir a una escuela de lectura de la biblia de Texas, pero fue expulsado por, entre otras cosas, tocar en la iglesia himnos religiosos en versión rock and roll como My God is real y fugarse a Dallas a fiestas y prostíbulos.

En sus primeros años de adolescencia concurria a los llamados Ghettos (Barrios marginales) a escuchar a auténticas leyendas del blues. Aderezó su interés y empezó a tocar en garitos de mala reputación, ocultándoselo a sus padres, adquiriendo así experiencia y afianzandose económicamente. Entre estos hechos y la vida familiar religiosa se empezó a formar la personalidad de Lewis.

En 1954 grabó su primer disco, dejando atrás la música religiosa, pero llevando su sonido y su talento al piano a la música que se estaba desarrollando en esos tiempos. En 1957 Lewis se unió a Sam Phillips en su estudio Sun Records de Memphis, Tennessee. Elvis Presley, Roy Orbison, Carl Perkins y Johnny Cash también empezaron sus carreras en Sun Studios en esa misma época.

La primera grabación de Lewis en los estudios Sun fue una versión de la balada country Crazy Arms. En 1957, su piano y el sonido de rock de Whole Lotta Shakin' Goin' On le impulsaron a una fama internacional. Pronto le siguió Great Balls Of Fire, que se convertiría en su mayor éxito.

La vida personal de Lewis fue siempre turbulenta, pero mantenida en privado hasta que en la gira de 1958 por Gran Bretaña la prensa descubrió que la tercera mujer de Lewis Myra Gale Brown, el gran amor de su vida, era su prima segunda. La situación causó el mayor de los escándalos públicos y la gira fue cancelada después de solo tres conciertos.

El escándalo siguió a Lewis hasta Estados Unidos y como resultado de ello, fue casi apartado de la escena musical. Su único éxito durante este periodo fue una versión del What'd I Say de Ray Charles en 1962. Su popularidad se recuperó un poco en Europa (especialmente en Gran Bretaña y Alemania) hacia mediados de los años 1960, pero el éxito le eludió en Estados Unidos. En 1964, Jerry hace el concierto " Live at Star Club ". Después de más de una década tocando rock and roll, en 1968 Lewis se enfocó casi exclusivamente en la música country & western con éxito, con muchas canciones topando las listas. Aunque volvió a hacer giras en cuyos conciertos se agotaban las entradas, nunca conseguiría alcanzar las alturas del éxito que tuvo antes de aquel escándalo, a pesar del gran éxito internacional de Chantilly Lace, en 1973.

Rodeado por problemas de drogas y alcohol, la tragedia golpeó su vida cuando su hijo de 19 años, Jerry Lee Lewis Jr., murió en un accidente de tráfico en 1973. El comportamiento errático de Lewis durante la última parte de la década de los años 1970 le condujo a una larga hospitalización, y en realidad estuvo cerca de morir debido a una úlcera sangrante. Poco después de esto, su cuarta mujer se ahogó en una piscina en sospechosas circunstancias; y poco más de un año después, su quinta mujer fue encontrada muerta en su casa de una sobredosis de metadona. Jerry Lee Lewis, también adicto a las drogas, decidió internarse de propia voluntad en la clínica de desintoxicación Betty Ford.

Mientras celebraba su 41º cumpleaños en 1976, Lewis empezó a jugar con una Magnum del calibre 357. Más tarde se intentaría disculpar diciendo que pensaba que estaba descargada. Lo cierto es que, apuntando al bajista de su grupo, Butch Owens, apretó el gatillo. La pistola estaba cargada y Lewis disparó a Owens en el pecho. Owens sobrevivió, milagrosamente.

En 1989, una película basada en los primeros años de su carrera titulada Great Balls of Fire! (traducida al español como Gran bola de fuego o Bolas de fuego) atrajo sobre él la mirada del público. El film estaba basado en el libro de la ex-esposa de Lewis, Myra, y protagonizado por Dennis Quaid haciendo de Lewis, y por Winona Ryder y Alec Baldwin.

La ruina pública de su primo, el evangelista de televisión Jimmy Swaggart, no hizo más que aumentar la publicidad negativa de una ya muy problemática familia. Swaggart es también un pianista, como su otro primo, la estrella del country Mickey Gilley. La hermana de Jerry Lee, Linda Gail Lewis, también es una pianista, y ha grabado algunas canciones con Van Morrison.

A pesar de sus problemas personales, su talento musical es incuestionable. Apodado "The Killer" ("El Asesino") por su poderosa voz y su manera de tocar el piano en el escenario, ha sido descrito por su compañero Roy Orbison como el cantante más salvaje de la historia de la música rock. En 1986 Jerry Lee Lewis formó parte del primer grupo incluido en el Rock and Roll Hall of Fame, siendo el primer artista introducido en ese Salón de la Fama.

Después de varios años sin pisar un estudio, Lewis planeaba sacar un nuevo álbum en 2004, pero no fue así.

Finalmente, el disco salió el 26 de septiembre de 2006 con el título de "Last Man Standing". El cual incluye 21 duetos con las primeras estrellas, leyendas del panorama musical, desde Mick Jagger, Jimmy Page, Bruce Springsteen, Ringo Starr, Neil Young a Keith Richard, BB King y a Buddy Guy.

Pagina: http://www.jerryleelewis.com/

Alicia Keys

Alicia Augello Cook (nacida el 25 de enero de 1981 en Manhattan, New York) conocida como Alicia Keys es una cantante y compositora de R&B y soul. Su madre, Terri, es irlando-italiana, y su padre, Craig, es jamaicano. Vivió desde los dos años junto a su influyente madre, después de que sus padres se separaran. Alicia Keys ha vendido en todo el mundo más de 20 millones de discos y ha ganado numerosos premios, incluido nueve Grammys, once Premios Billboard y tres American Music Awards.

Biografía

Criada en el barrio de Hell's Kitchen, desde los 7 años comenzó a tocar piano (en especial Chopin) y música clásica. Con un talento similar al de artistas como D’Angelo o Prince, siguió desarrollando la composición, producción y grabación de su primer álbum, un disco en el que empezó a trabajar a los 14 años, cuando escribió su primera canción, Butterflyz, la que es parte de su primer álbum Songs in A Minor.

Para "escapar" al barrio donde creció se refugió en los estudios y fue aceptada en la Universidad de Columbia, aunque nunca asistió por estar ya de lleno en su música.

Clive Davis (el descubridor de Whitney Houston años atrás) la descubrió en Arista Records y lanzó el 26 de junio de 2001 Songs in A Minor con el que consiguió cinco premios Grammy; incluyendo los preciados Mejor Artista Nuevo y Canción del Año (por Fallin')

La mayor parte de los temas del álbum, incluyendo una composición tan luminosa como "Fallin’" o la impactante "Troubles", han sido compuestos y producidos por ella misma. Además, Alicia ha colaborado con Jermaine Dupri en "Girlfriend" y con Isaac Hayes en "Rock Wit U" (incluido en la banda sonora de la película "Shaft").

En 2003 presentó su segundo álbum The Diary of Alicia Keys', un disco inspirado en la música americana de los años 70, producido por Peter Edge, Jeff Robinson y por la propia Alicia Keys. El disco en sí, y la colaboración que realizó en 2004 con el cantante Usher para el tema "My Boo" le valieron 8 nominaciones a los premios Grammy 2005. Ganando en tres ternas por material del álbum y en una por "My Boo". Cabe destacar la nominación de "If I Ain't Got You" como Canción del Año y del álbum como Disco Del Año, dos de las más importantes categorías de los Grammy.

En octubre de 2005 se lanzó a la venta el disco "Unplugged", álbum en vivo de las descontinuadas series de conciertos acústicos de la MTV que Keys trajo de nuevo a la luz. El álbum debutó en el n°1 de ventas de EEUU; convirtiendo a Keys en la primera cantante femenina de r&b en debutar consecutivamente con tres álbumes en el n°1. Aparte de ser el segundo unplugged con mejores ventas en la primera semana, sólo superado por el de Nirvana. El disco Unplugged le valió 4 nominaciones a los Grammy 2006, más una por un dueto con su corista Jermaine Paul que aparece en el disco "So Amazing" (un tributo al fallecido Luther Vandross), la canción nominada es un remake del clásico de Vandross "If This World Were Mine".

Así, Alicia Keys suma a la fecha 19 nominaciones al Grammy, 9 Grammys bajo el brazo y tres álbumes número uno en EEUU.

Recientemente Keys grabó un dueto junto a Bono de U2 para ayudar a la organización contra el SIDA, Keep A Child Alive, de la cual Keys es vocera mundial. El tema es un cover de "Don't Give Up" de Peter Gabriel. Rebautizado por Keys y Bono como: "Don't Give Up (Africa)". Todo lo recaudado irá en favor de la organización que provee medicamentos para tratar el VIH en los países más pobres de África, principalmente para los niños.

Su ultimo disco titulado "As I am" se espera el día 13 de noviembre. Trabajo en el que ha contado con la ayuda de la compositora Linda Perry, que contribuye con tres temas, entre ellos, The Thing About Love, canción que Alicia Keys interpretó en el Live Earth. En este disco se ha acercado más al rock y al funk que en álbumes anteriores."He sido totalmente libre a la hora de componer y el resultado supera las expectativas con creces", ha dicho Keys en declaraciones a Billboard.

Principales influencias: Stevie Wonder, Whitney Houston, Marvin Gaye, Nina Simone, Donny Hathaway, Tupac Shakur, Wu Tang, Prince

Pagina: http://www.aliciakeys.com/