Bersuit Vergarabat

Formación inicial:

Carlos Martín: batería
Charly Bianco: guitarra
Gustavo Cordera: voz
Juan Subira: teclados
Marcela Chediak: percusión
Oscar Righi: guitarra
Pepe Céspedes: bajo
Rubén Sadrinas: voz

En 1987 Gustavo Cordera cursaba las últimas materias de la carrera de Comunicación Social y tenía una agencia de autos. Viajó de vacaciones al carnaval en Brasil y, según cuenta, ya no fue el mismo. Cuando regresó a su Lanús natal se peló, vendió su agencia y abandonó los estudios para fundar Bersuit...

Cordera conoció a los demás integrantes de Bersuit en "La casa de las artes de la vieja Avellaneda", de la zona sur de Buenos Aires. Ahí improvisaron en escena por primera vez "Hociquito de ratón" y un tema aún inédito en discos oficiales, "Masturbación en masa".

1988 encontraba a la banda como un quinteto, formado por Gustavo Cordera (voz), Carlos Martín (batería), Pepe Céspedes (Bajo), Juan Subirá (Teclados) y Charly Bianco (Guitarra). El nombre de Bersuit Vergarabat fue adoptado recién en 1989. Hasta ese momento eran conocidos como "Henry y la palangana".

A principios de los 90 se incorporaron al grupo Oscar Righi (guitarra eléctrica), Raúl Pagano (teclados) y Rubén Sabrinas (voz), formación con la que grabaron su álbum debut "Y punto".

Desde que su figura comenzó a ser vista en la noche, Cordera y su temperamento chocaron en más de una ocasión con lo que él llama el medio del rock, ganándose así amigos y enemigos. "Me ensucié mucho en todos estos años. El Pelado de Bersuit se fue comiendo a Gustavo Cordera", comentó (Clarín, 24/12/92).

Un año mas tarde se edita su segunda producción: "Asquerosa Alegría". Para esta época el grupo empezaba a vivir algunos cambios internos, como el alejamiento de Raúl Pagano, Rubén Sabrinas y su guitarrista Charly Bianco y la incorporación de Alberto Verenzuela.

Entre rumores de una posible separación, Bersuit entró a estudios para grabar una nueva placa: "Don Leopardo", de 1996. Con el lanzamiento de este álbum, Bersuit comenzó a ganar más lugar en la escena musical, incluyendo su participación en shows multitudinarios, como el Festival Alternativo de Ferro, el cierre de Buenos Aires No Duerme en Parque Centenario y el Festival de las Madres en Ferro y de las Abuelas en Plaza de Mayo.

Luego de dos años de silencio, la banda de Cordera volvería con un disco que los catapultaría definitivamente a la popularidad. "Libertinaje" (1998). Este trabajo fue doble platino en la Argentina y marcó el despegue internacional.

Bersuit inició una etapa de presentaciones en todo Latinoamérica, España y Estados Unidos. Integraron el Watcha Tour del año 99, hicieron tres giras exitosas por España, pasaron cuatro veces en un año por México, tocaron en Chile, Venezuela, Colombia, Costa Rica, Uruguay, Bolivia, Perú, Nicaragua, Guatemala y cerraron el '99 con un show masivo al aire libre en Buenos Aires, nada menos que frente al Obelisco, con más de 50 mil espectadores.

En el 2000 hizo su aparición "Hijos del culo", con el cual vuelven a lograr el doble platino en Argentina.

A mediados de 2002 Bersuit editaron "De la cabeza con Bersuit", un disco en vivo que retrata la energía de la banda arriba de un escenario. "Un pacto" fue el único tema nuevo.

"De la cabeza" fue grabado en el estadio Obras Sanitarias y en ShowCenter de Haedo. Con este trabajo comenzaron la "Gira De la Cabeza con Bersuit" con la que recorrieron el país entero, además de presentarse en España y Estados Unidos.

Después vinieron todas las seguidillas de shows sold out en los Luna Park y la confirmación de que la Bersuit Vergarabat es una de las bandas más importantes en la escena del Rock Argentino al alcanzar el triple platino por las más de 150 mil copias vendidas de ese disco en vivo.

En el mes de marzo de 2004 lanzaron su exitoso disco "La Argentinidad al Palo (Se es lo que se es)". Fue un disco doble que salió a la calle en dos etapas: "La Argentinidad al Palo (Se es)", y un mes después, "La Argentinidad al palo (Lo que se es)". Esta placa recibió el galardón de séxtuple platino y fueron reconocidos por los medios de comunicación como la mejor banda del 2004.

El cierre del año de "La Argentinidad al Palo" fue en un multitudinario show en Mendoza donde se registraron imágenes y audio para la edición de un DVD.

En 2005 recibieron el galardón de "Gardel de oro a la música" y editaron "Testosterona", grabado entre abril y mayo en estudios Del Cielito. A través de 13 temas, recorren una amplia variedad de géneros musicales, sin dejar de lado el rock. El disco cuenta con la colaboración de Andrés Calamaro, de Carlos "La Mona" Jiménez y del Sindicato Argentino del Hip-Hop.

Discografía:

Y Punto, 1992
Asquerosa alegría, 1993
Don Leopardo, 1996
Libertinaje, 1998
Hijos del culo, 2000
De la cabeza con Bersuit, 2002
La argentinidad al palo (Lo que se es), 2004
La argentinidad al palo (Se es), 2004
Testosterona, 2005

Pagina: http://www.bersuit.com
Fuente: Rock.com.ar

Luis Eduardo Aute

Luis Eduardo Aute Martínez (Manila, 13 de septiembre de 1943) es un músico, cantautor, director de cine, pintor y poeta español. Aunque es principalmente conocido como cantautor, también destaca como pintor y como director de cine.

Biografía

Primeros años en Filipinas

Luis Eduardo Aute nació en Manila, la capital de Filipinas, el 13 de septiembre de 1943. Su padre, catalán, llevaba trabajando en aquel país desde 1919, en una compañía tabaquera y había contraído matrimonio con una filipina de la burguesía de ascendencia española. En su niñez, Luis Eduardo estudia en el colegio De La Salle, donde aprende inglés, ya que toda la enseñanza se imparte en ese idioma; además habla tagalo, que aprende en el día a día, y español, que utiliza con su familia. Desde niño muestra gran habilidad como dibujante y pintor; otra pasión temprana es el cine, especialmente desde que sus padres le regalan una cámara de ocho milímetros con la que realizará diversas películas con sus amigos...

A los ocho años viaja por primera vez a España. En Madrid, acompañando a la orquesta del hotel Avenida, canta por primera vez en público interpretando la canción Las hojas muertas. A los nueve años ve por primera vez La Ley del Silencio, película que le marcará notablemente y le llevará a escribir en inglés sus primeros poemas. Otra película que le influirá en esa época es Niágara, donde descubre la sensualidad y el erotismo de Marilyn Monroe.

Regreso de la familia a España

En 1954 la familia, previa estancia en Barcelona, regresa definitivamente a Madrid, donde Luis Eduardo estudia en el colegio Nuestra Señora de las Maravillas. Tres años más tarde, al cumplir los quince, y tras regalarle su padre una guitarra, actúa en la fiesta de fin de curso del colegio formando un trío con otros dos amigos. En esos mismos años, muy influido por el expresionismo alemán, comienza a pintar sin descanso, obteniendo una medalla de plata en el II Certamen Juvenil de Arte.

En 1960 tiene lugar su primera exposición individual de pintura en la Galería Alcón de Madrid, con bastante éxito. Ese mismo año nace su hermano José Ramón. En el curso preuniversitario forma parte de dos grupos de música, Los Sonor, del que surgirían Los Bravos y en el que toca la guitarra acústica, y Los Tigres, en el que canta en inglés canciones de Elvis Presley, aunque el cine y la pintura, al igual que la escritura, siguen siendo sus grandes pasiones. Con Los Sonor llegaría a interpretar dos canciones en el programa de televisión Salto a la fama, aunque Aute abandona el grupo para centrarse en sus estudios.

En 1961 escribe su primer guión de cine y presenta un cortometraje de veinte minutos al concurso de la revista Primer Plano. También escribe Los últimos estertores, una especie de libro con textos, poemas y guiones que manda encuadernar. Sus padres se separan. Realiza otro cortometraje, Senses, que es rechazado por inmoral. En 1962 realiza su segunda exposición individual de pintura, en la galería Quixote, y conoce a la que sería su novia, una ecuatoriana llamada Maritchu.

En 1963 comienza a estudiar arquitectura en la Escuela de Aparejadores, aunque sólo dos semanas después abandonaría la universidad y se trasladaría a París, donde vive toda la efervescencia cultural de la época, descubre la música de Jacques Brel y Georges Brassens, lee a Paul Elouard y a Nietzsche (Más allá del bien y del mal) y ve películas prohibidas en España, como Lolita de Stanley Kubrick. Durante los siguientes años regresa varias veces a la capital francesa y comienza a vivir de sus cuadros, realizando algunas exposiciones fuera de España. El marchante norteamericano Gregg Juárez vende sus cuadros en Estados Unidos. También consigue empezar a trabajar en el mundo del cine, destacando su participación en la película Cleopatra de Joseph L. Manckiewicz, como intérprete de inglés, francés y español y segundo ayudante de dirección de la segunda unidad, que se encarga de filmar las secuencias rodadas en España. En Madrid trabaja como meritorio de dirección en La vida es magnífica, una película de Maurice Ronet, y en Chaud, chaud, les visons, de Marcel Ophüls.

Primeras composiciones y el éxito internacional

En 1965 Luis Eduardo Aute comienza el servicio militar en Tremp (Lérida). Su capitán es aficionado al dibujo y le permite tener tiempo para terminar los cuadros de una exposición que se va a realizar en California. Durante un viaje a Madrid conoce a la cantante Massiel. Al concluir el servicio militar en mayo del año siguiente vuelve a Madrid y viaja a São Paulo para participar en la Bienal de pintura con tres cuadros de gran formato. En Brasil descubre la música de Bob Dylan y Joan Báez y al regresar, animado por Massiel y bajo el influjo de Dylan, escribe cinco canciones: Don Ramón, Made in Spain, Rojo sobre negro, Aleluya nº1 y Rosas en el mar, que en un principio ofrece a Massiel aunque finalmente ésta no llega a grabar ninguna de ellas.

Sin embargo, un antiguo compañero de Los Sonor llamado Manuel Escobar elige dos de ellas para incluirlas en el disco que está grabando y, mientras las ensaya en un estudio con Aute a la guitarra, el productor y compositor Juan Carlos Calderón las escucha y propone a Aute que las grabe él mismo, aunque éste, pese al deseo también de Ele Juárez, director artístico de RCA, rechaza la idea, ya que quiere seguir centrándose en la pintura y en el cine. En 1967, Massiel incluye por fin en un nuevo disco Rosas en el mar y Hasta mañana, otra composición de Aute. Mientras tanto, la compañía RCA insiste a Aute para que sea él mismo el que grabe sus temas y éste por fin acepta, editando un single con Made in Spain y Don Ramón.

La versión de Rosas en el mar de Massiel fue un gran éxito, por lo que RCA decide publicar Aleluya nº1 interpretada por Aute, mientras Zafiro la publica interpretada por Massiel. El tema es un rotundo éxito a nivel internacional, realizándose por diversos cantantes versiones en Francia, Italia, Brasil, Japón e Hispanoamérica. En Estados Unidos, Ed Ames hace una versión llamada Who will Answer adaptada por Sheila Davis que llegaría al puesto número siete de la lista billboard. Aute contaría años después una curiosa anécdota que había escuchado según la cual Paul McCartney, al escuchar esta versión en inglés del Aleluya, decidió contestarla con el tema Let it be, de los Beatles. En esta época, Aute conocería a Joan Manuel Serrat.

Primer disco y retirada

Pese al éxito cosechado, Aute sigue considerándose principalmente pintor y se plantea esta incursión en el mundo de la música como algo temporal. No obstante, entre 1967 y 1968 publica varios temas sueltos (Los burgueses, Mi tierra, mi gente, Niño de nada, Labrador, Clamo al firmamento y Tiempo de amores) y su primer álbum, Diálogos de Rodrigo y Ximena, compuesto principalmente por esas canciones ya publicadas en single o interpretadas por otros, como Rosas en el mar o el Aleluya nº1, y otras de carácter satírico. El disco incluía en su interior la reproducción de una de sus pinturas y una definición de lo que para él era una canción. También realiza su cuarta exposición de pintura. Ese mismo año conoce a la cantante Mari Trini, que cantaría dos de sus canciones: El alma no venderé y No sé qué pasará, la primera canción que escribiera Aute.

El 21 de marzo de 1968 se casa con su novia Maritchu y en mayo decide dejar el mundo de la música, que le ha decepcionado, grabando seis meses después, a modo de testamento musical, el disco 24 canciones breves, una especie de crónica política y social de la España de aquellos años.

Alejado del negocio de la música, en 1968 publica en Nueva Dimensión, una revista de ciencia-ficción, dos relatos cortos, Los fugitivos y P.A.P. En 1969 co-escribe, bajo el seudónimo de Luis Junquera, el guión de Cibeles, que dirigirá José Sámano y será premio al mejor corto experimental en el Festival de Cine de San Sebastián. Es mismo año realiza varias películas promocionales de diversos músicos encargadas por RCA para ser emitidas por televisión y conoce a la cantante Rosa León.

Los años setenta. Vuelta al mundo de la música

En 1970 publica en la revista Poesía 70 un poema que sería la causa del cierre de la revista. También comienza a escribir los primeros poemas de lo que sería el libro La matemática del espejo, algo fúnbres debido a la muerte de su suegro y de una tía de su mujer. Escribe y dirige Minutos después, corto de 16 milímetros seleccionado para participar en el II Festival de Cine de Autor de Benalmádena. Ese año nace su hijo Pablo Antonio. También compone dos canciones para el programa de televisión Castañuela 70.

En 1971 escribe y dirige un nuevo corto, Chapuza 1, con su obra pictórica como protagonista, y realiza los paneles para la obra Marat-Sade de Peter Brooks y los carteles para los ciclos sobre Godard, Buñuel y el Novo Cinema Brasileño del Cine California de Madrid.

En 1972, RCA publica el recopilatorio Álbum (1966-67), con temas ya publicados, y al año siguiente Rosa León publica su primer disco, en el que se incluyen siete canciones de Aute, como Las cuatro y diez, De alguna manera o La secretaria ideal.

Ante el éxito obtenido, y con la promesa de libertad absoluta por parte de la compañía discográfica y del productor y escritor José Manuel Caballero Bonald (incluyendo la no obligación de aparecer en televisión ni de dar recitales en público), Aute vuelve al mundo de la música como intérprete y ese mismo año de 1973 graba Rito para Ariola, que saldría al año siguiente y que constituye el primero de los discos de la trilogía Canciones de amor y de muerte. La última canción del álbum es el tema ¿Qué me dices cantautor de las narices?, una autocrítica hacia el mundo de los cantautores. Este mismo año compone las canciones para El pechicidio, de Lauro Olmo. En 1974 escribe la banda sonora de Los viajes escolares, de Jaime Chávarri.

En 1975 se edita Espuma, con el subtítulo “canciones eróticas” y cuya contraportada incluye sendas citas de Paul Eluard y Vicente Aleixandre. De este trabajo, que tuvo un considerable éxito, se extrajo el single Anda, una de sus canciones más conocidas. Este mismo año publica el libro La matemática del espejo y escribe las bandas sonoras de Emilia, parada y fonda, de Angelino Fons, y, para Televisión Española, Viaje a la Alcarria, de Antonio Rico. También rueda A flor de piel, su último cortometraje, a color y en 35 mm, protagonizado por Ana Belén y Jaime Chávarri. En estos años también diseña carpetas de discos para RCA, EMI, Movieplay y Nevada y realiza retratos de encargo. Su primera actuación en público en solitario se produce el 20 de diciembre en Pamplona, interpretando el villancico Niño de nada en un festival en el que también participan Rosa León, su hermana Julia León, Víctor Manuel y Luis Pastor.

A continuación comienza a grabar los temas de su siguiente disco, Sarcófago, que musica algunos poemas de La matemática del espejo. El tema de este nuevo trabajo es la muerte por lo que, al no ser un tema comercial, se ve obligado por la compañía de discos a grabar Babel, un trabajo más comercial que finalmente saldría en 1976, mientras que Sarcófago lo hace en 1977. Babel es una especia de divertimento satírico e irónico sobre la sociedad de la época, con críticas a los toros, el fútbol, la base americana de Torrejón, el consumismo… mientras que Sarcófago es un trabajo mucho más personal e íntimo, el último de la trilogía Canciones de amor y muerte, tras Rito y Espuma. También en 1976 escribe para televisión la música de La señora García se confiesa, de Adolfo Marsillach, y La viuda andaluza, de Francisco Betriú.

En 1977 escribe las bandas sonoras de las películas In memoriam, de Enrique Brasó, Esposa y amante, de Angelino Fons, Mi hija Hildegart, de Fernando Fernán Gómez y Arriba Azaña, de José María Gutiérrez. También escribe una canción para El arquitecto y el emperador de Asiria, de Fernando Arrabal. Este mismo año comienza a escribir las canciones de su disco Albanta y varios poemas para lo que sería su nuevo libro La liturgia del desorden. Las cantantes Marisol, Massiel, Ana Belén y Rosa León graban canciones escritas por él. También aparece el disco humorístico Forgesound, grabado el año anterior en compañía de Jesús Munárriz e inspirado por el humorista gráfico Antonio Fraguas de Pablo, Forges, y en el que también participan Rosa León y su hermana Julia, Teddy Bautista y Fernando García Morcillo.

En febrero de 1978 actúa en Albacete acompañado a la guitarra por Jorge Krahe -hermano del cantautor Javier Krahe- en una fiesta organizada por el sindicato CNT y en la que también participan Chicho Sánchez Ferlosio, Jesús Munárriz y Moncho Alpuente. Ante el éxito obtenido, a la semana siguiente actúa en Cuenca. El 12 de abril fallece su padre, a quien se encontraba muy unido. Siguen las actuaciones en otros lugares, incluyendo el Colegio Mayor San Juan Evangelista de Madrid, y después del verano comienza a ser acompañado por el que se convertiría en su inseparable guitarrisa, Luis Mendo.

A continuación graba Albanta, nombre inventado por su hijo Pablo para referirse a un país imaginario e ideal. El disco supone un giro en su carrera, ya que los arreglos están dirigidos a la interpretación en directo y es el que tiene sonidos más roqueros de toda su discografía, fruto de la dirección musical y los arreglos de Teddy Bautista. Incluye el tema Al alba, probablemente el más famoso y significativo de toda la carrera de Aute, dedicado a las víctimas de los últimos fusilamientos del franquismo pero que no obstante consiguió burlar la censura de la época. A por el mar es otro de los himnos de la época. El disco es el primero de la trilogía denominada Canciones de amor y de vida. En julio es invitado por el gobierno cubano a participar en el Festival Mundial de la Juventud de La Habana, donde canta con Pablo Milanés, Silvio Rodríguez y Amaury Pérez, miembros de la Nueva Trova Cubana. En Cuba contrae la tuberculosis y debe permanecer cinco meses en reposo, durante los cuales leerá filosofía, que influirá en su paso del ateísmo hacia un cierto tipo de religiosidad. Este mismo año escribe una canción para la película Cabo de Vara, de Raúl Artigot.

En 1979 graba el disco De par en par, que en un principio se iba a llamar Latido, pero al que la compañía discográfica cambió el título (es el primer disco de la segunda etapa de Aute cuyo título no está compuesto por una sola palabra). También este año compone la música de la obra teatral Cinco horas con Mario, basada en la novela de Miguel Delibes y dirigida por Josefina Molina.

Los años ochenta

El 22 de febrero de 1980 ofrece su primer concierto acompañado por la banda Suburbano, con Luis Mendo a la cabeza, en el teatro Alcalá de Madrid. A finales de año aparece un nuevo disco llamado Alma, publicado con una nueva compañía, Movieplay. Este trabajo supone el cierre de la trilogía Canciones de amor y de vida y es el primero producido por Luis Mendo. Incluye Pasaba por aquí y No te desnudes todavía, dos de las canciones más conocidas de Aute. Escribe la música para El hombre de moda, de Fernando Méndez Leite. El 31 de abril de 1981 nace su hija Laura. Ese mismo año compone la música de la película Función de Noche, de Josefina Molina, interpretada por Lola Herrera y Daniel Dicenta.

En marzo de 1982 publica Fuga, que incluye clásicos como Siento que te estoy perdiendo y Mira que eres canalla y constituye el primero de una nueva trilogía, Canciones de amor y duda. Escribe la música de Pablo y Virginia, de Jaime Chávarri. El 4 de marzo de 1983, en dos funciones, se graba en el teatro Salamanca de Madrid el disco en directo Entre amigos, en el que le acompañan Teddy Bautista, Pablo Milanés, Silvio Rodríguez y Joan Manuel Serrat. Este nuevo trabajo subiría a las listas de éxitos y sería Premio Nacional del Disco 1983 del Ministerio de Cultura. Escribe la música para Juego de poder, de Fausto Canal, y varias canciones para un disco de Pepa Flores.

En 1984 publica Cuerpo a cuerpo, en el que se incluyen temas tan conocidos como Cine, cine, Dos o tres segundos de ternura y Una de dos. Un año después, en 1985, sale a la venta Nudo, que incluye el tema El Universo. Ambos discos fueron acompañados por sendas exposiciones pictóricas de igual título. Realiza una exitosa gira de conciertos, actuando de la plaza de toros de Las Ventas de Madrid y en la Monumental de Barcelona. Ese mismo año escribe la música para Una infancia soñada, de Isidoro Moreno, y dirige el episodio El muro de las lamentaciones, de la serie de televisión Delirios de amor, para el que también compone la música. En 1986 graba el doble disco, con título homenaje a Pablo Neruda, 20 Canciones de Amor y un Poema Desesperado, en el que revisa veinte de sus más conocidos temas y que termina con un poema recitado acompañado a la guitarra por Paco de Lucía..

El 7 de abril de 1987 nace su tercer hijo, Miguel. Después del verano comienza a grabar las canciones de Templo, un disco en el que, inspirado por los cuadros pintados para la exposición de igual título realizada en la galería Kreisler Dos de Madrid, elabora todo un canto al amor y al erotismo tomando como base la liturgia de la misa cristiana. El trabajo, considerado por el mismo Aute como su “álbum maldito”, es acompañado por un vídeo de la canción Pumpum, pumpum filmado por el realizador Hervé Tirmache.

En 1988 escribe, dirige y compone la música del episodio de la serie para televisión Delirios de amor titulado La pupila del éxtasis. Segundos fuera, grabado entre marzo y abril de 1989, inicia la trilogía Canciones de amor y rabia. Este trabajo refleja su desengaño frente a los sueños perdidos (en el aparece una cita del filósofo Eugenio Trías: "El cinismo es la moral del siglo XX, sobre todo de los últimos años, tras haberse desacreditado las antiguas utopías sociales, y se ha hecho del dinero el único Dios”). No obstante, el disco, que incluye otro de los clásicos de Aute, La Belleza (con vídeo de Hervé Tirmache), acaba con el humorístico Vaya faena.

Los años noventa

Su siguiente disco, Ufff!, aparecido en 1991 y en el que colabora Suso Sáiz, sigue en la misma tónica que el anterior, entre la decepción y el refugio en el amor y el erotismo. El tema Siglo XXI podría ser considerado como una continuación/homenaje al famoso tango Cambalache de Enrique Santos Discépolo. En el verano de 1992 graba un nuevo disco, Slowly, en compañía de Suso Sáiz y Gonzalo Lasheras, que sustituye a Luis Mendo como productor, y para el que las realizadoras Azucena Rodríguez y Carmen Rosado dirigen el vídeo de la canción que da título al álbum. Los días 13 y 14 de noviembre actúa en La Casona del Conde de Palermo de Buenos Aires, en lo que es su primera actuación en Suramérica.

En 1993 hace campaña a favor de Izquierda Unida en la elecciones generales celebradas en España. En junio vuelve a actuar en Buenos Aires y también en Uruguay y Chile. Ya en España, realiza en compañía de Silvio Rodríguez una gira de conciertos que darían como resultado el disco Mano a Mano, grabado en la plaza de toros de Las Ventas de Madrid el 24 de septiembre en un concierto que duró tres horas y media. El disco vendió más de 200.000 copias, todo un éxito para ambos artistas. Este mismo año publica el disco/libro Animal uno en el que musica algunos de sus poemas breves, a los que denomina “poemigas”; también incluye dibujos realizados con bolígrafo o “boligrafías”. Dos años después, en 1995, publica Alevosía. En 1997 Jaime Chávarri dirige una película sobre el cantautor llamada Ad libidum para la Sociedad General de Autores de España.

En 1998 sale Aire/Invisible, un doble disco compuesto por una primera parte cantada en español y una segunda cantada en inglés. El disco incluye dos poemas de Fernando Pessoa y la versión inglesa de su tema Aleluya nº1, que tanto éxito tuvo en los años sesenta. En 1999 publica Animal dos, otro experimento que incluye más “poemigas” y un vídeo realizado filmando con una cámara de super 8. En el año 2000 se publica ¡Mira que eres canalla Aute!, un disco homenaje en el que varios artistas versionan temas del cantautor.

A partir de 2001 y hasta la actualidad

En 2001 Luis Eduardo Aute, tras cinco años de intenso trabajo, da a luz su película de larga duración Un perro llamado dolor, un proyecto de animación para el que realiza más de cuatro mil dibujos a lápiz. El film se publica en formato dvd acompañado de un disco con la banda sonora, compuesta por el propio Aute, Silvio Rodríguez, Suso Sáiz y Moraíto Chico. La Fundación Salamanca Ciudad de Cultura le dedica un homenaje titulado SemanAute, la mayor retrospectiva hasta la fecha del artista. Dentro de este homenaje, la exposición Aute. Transfiguraciones muestra su obra pictórica entre 1951 y 2001. Al año siguiente se publica el libro Volver al agua, una recopilación de toda su obra poética, que incluye los libros La Matemática del Espejo, La Liturgia del Desorden y Templo de Carne.

En 2003 publica Alas y balas, en donde recupera el tema La vida al pasar, un tema que en su día compusiera para Marisol. Este mismo año sale el recopilatorio Auterretratos Vol. 1 que incluye nuevas revisiones de temas clásicos de siempre. Dos años después sale la segunda parte de este trabajo, Auterretratos Vol. 2.

En el año 2006 Aute saca un nuevo libro-disco, titulado Días de amores. El libro recoge la letra de unas setenta canciones de su repertorio que tienen como tema principal el amor. El disco que le acompaña incluye doce canciones, entre ellas A día de hoy, compuesta expresamente para la ocasión, y que daría nombre a su siguiente disco; en 2007 sacaría al mercado el disco A día de hoy, que abriría con la canción homónima.

Discografía

Discos de larga duración

- Diálogos de Rodrigo y Gimena (RCA-Victor, 1968)
- 24 Canciones Breves (1967-68) (RCA-Victor, 1968)
- Álbum 1966-67 (1972)
- Rito (Ariola, 1973)
- Espuma (Ariola, 1974)
- Babel (Ariola, 1975)
- Sarcófago (Ariola, 1976)
- Forgesound (Ariola, 1977)
- Albanta (Ariola, 1978)
- De Par en Par (Ariola, 1979)
- Alma (Movieplay, 1980)
- Fuga (Movieplay, 1981)
- Entre Amigos (Movieplay, 1983)
- Cuerpo a Cuerpo (Ariola, 1984)
- Nudo (Ariola, 1985)
- 20 Canciones de Amor y un Poema Desesperado (Ariola, 1986)
- Templo (Ariola, 1987)
- Segundos Fuera (Ariola, 1989)
- Ufff! (Ariola, 1991)
- Slowly (Ariola, 1992)
- Mano a Mano (Ariola, 1993)
- Alevosía (Virgin, 1995)
- Paseo por el amor y el deseo (1996)
- Aire/Invisible (Virgin, 1998)
- Querencias (2001)
- Alas y Balas (Virgin, 2003)
- Auterretratos Vol. 1 (BMG Ariola, 2003)
- Auterretratos Vol. 2 (BMG Ariola, 2005)
- A día de hoy (BMG Ariola, 2007)

Singles de la primera época

- Don Ramón / Made in Spain (RCA-Victor, 1967)
- Aleluya nº 1 / Rojo sobre negro (RCA-Victor, 1967)
- Al-leluia nº1 / Roig damunt el (negro) (RCA-Victor, 1967)
- Mi tierra, mi gente / Los ojos (RCA-Victor, 1968)
- Los burgueses / Me miraré en tu cuerpo (RCA-Victor, 1968)
- Clamo al firmamento (Aleluya nº 2) / Ausencia / Labrador (RCA-Victor, 1968)
- Yo pertenezco / Dónde estará la verdad (RCA-Victor, 1968)
- Tiempo de amores / Sí, sí, señor (RCA-Victor, 1968)

Poemarios

- La matemática del espejo (Edició Ángel Caffarena, Málaga, 1975)
- Canciones y poemas (Demófilo, 1976)
- La liturgia del desorden (Hiperión, Madrid, 1978)
- Canciones (Hiperión, Madrid, 1980. Edición revisada, 1988)
- Templo de carne (1986)
- Canciones 2 (Hiperión, Madrid, 1991)
- Animal (Disco-libro) (Editorial El Europeo/Allegro, Madrid, 1994)
- Animal Dos (Libro-Vídeo) (Plaza/Janés, Madrid, 1999)
- Cuerpo del delito. Canciones (1966-1999) (Celeste, Madrid, 1999)
- Volver al agua. Poesía completa (1970-2002) (Sial, Colección Contrapunto, Madrid, 2002)

Filmografía

- Senses (cortometraje, 1961)
- Minutos después (cortometraje, 1970)
- Chapuza 1 (1971)
- A flor de piel, (cortometraje, 1975)
- El vivo retrato
- El muro de las lamentaciones, (cortometraje, 1986).
- La pupila del éxtasis (1989)
- Un perro llamado Dolor (2001)

Exposiciones de pintura

Individuales

- 1960: Galería Alcón, Madrid
- 1962: Galería Quixote, Madrid
- 1963: Galería Grin-gho, Madrid
- 1964: Galería Juárez, Palm beach, Florida. Galería Grin-gho, Madrid
- 1966: Galería Juárez, Palm Beach, Florida. Galería Juárez, Los Angeles, California. Galería Syra, Barcelona
- 1968: Galería Quixote, Madrid
- 1971: Galería Cultart, Madrid
- 1972: Diputación provincial de Málaga
- 1973: Galería Tupac, Madrid
- 1974: Galería Internacional de Arte, Madrid. Galería Estiarte, Madrid.
- 1975: Galería Matisse, Barcelona. Sala de exposición de la Cuidadela, Pamplona.
- 1980: Galería Faunas, Madrid
- 1983: Pasión. Galería Kreisler Dos, Madrid. Galería Serrallonga, Barcelona.
- 1984: Galería Joan de Serrallonga, Barcelona
- 1985: Museo de Albacete
- 1986: Templo. Galería Kreisler Dos, Madrid. Museo Municipal de Bellas Artes, Santander
- 1987: Galería D, Barcelona
- 1989: Galería El Foro, Pozuelo de Alarcón, Madrid. Casa de Cultura, Majadahonda, Madrid
- 1991: Can Sisteré, Santa Coloma de Gramanet, Barcelona
- 1992: Galería Dadá, Granada
- 1993: Sala de Arte de la Universidad de Málaga. Sala Garibay, Kutxa, Donostia
- 1994: Sala d'Art Josep Bages, Torres Muntadas, Barcelona
- 1995: Galería Moriarty, Madrid. Sala Vinçon, Barcelona
- 1996: Taller Mayor 28, Madrid. Galería Viciana, Valencia. Galería Aurora, Murcia
- 2004: Aute. Transfiguraciones. Sala de exposiciones de Santo Domingo, Salamanca
- 2004: Fusión. Aute Tránsito 1951-2001. Museo de Huesca.
- 2005: Aute-tránsito. Centro Buñuel de Calanda (Teruel)

Colectivas

- 1960: II Certamen Juvenil de Arte, Madrid (Medalla de Plata)
- 1965: Bienal de Zaragoza. Les arts en Europe, Bruselas. Biennale de París
- 1967: Bienal de Sao Paulo
- 1973: 25 Artistas Jóvenes. Galería d'art del Vallés, San Cugat, Barcelona
- 1974: Colectiva de la revista Tropos, Galería Matisse, Barcelona. Colectiva, Galería Kreisler Dos, Madrid. Seleccionado para los Concursos Nacionales de Bellas Artes, Madrid. XXVIII Mostra Internazionale Fondazione Michetti, Francavilla al Mare, Italia (Primer Premio de pintura)
- 1975: Colectiva, Galería Atienza, Madrid.
- 1982: Colectiva del grupo ABRA, Galería Altex, Madrid. Kermesse Mágica, Galería Altex, Madrid. Kermesse Mágica, Galería Marie Blanchard, Santander
- 1983: ARCO, Madrid
- 1984: ARCO, Madrid. Colectiva del grupo ABRA, Galería Weehuis Neumen, Holanda
- 1985: Poemas autógrafos, Galería Moriarty, Madrid
- 1996: Referente: Goya, Galería Bat, Madrid
- 1998: II Salón Refractario, Galería Buades, Madrid
- 2003: Los colores de la música, Inauguración: Círculo de Bellas Artes, Madrid (Exposición itinerante)

Bibliografía

- Luis Eduardo Aute, Jose Mª Plaza (Júcar, Colección Los Juglares, Madrid, 1983)
- Testimonios musicales, Fernando González Lucini (Círculo de Lectores, Madrid, 1987)
- Luis Eduardo Aute. Melodía Poética, David F. Abel (Editorial La Máscara, Colección Todas las Músicas, Valencia, 1997)
- Luis Eduardo Aute, Jesús Rodríguez Lenin (Sociedad General de Autores de España, Madrid, 1993)
- Aute. De la luz y la sombra: el latido de una canción, David Shea (Editorial Puentepalo, 2003)

Pagina: http://www.clubcultura.com/clubmusica/clubmusicos/aute/home.htm

Pablo Milanés

Pablo Milanés Arias (1943 - ), conocido artísticamente como Pablo Milanés, compositor, cantante, guitarrista y cantautor.

Biografía

Pablo Milanés nació en Bayamo, Cuba el 24 de febrero de 1943. Estudió en el conservatorio municipal de La Habana.

Está considerado como uno de los fundadores de la Nueva Trova Cubana, junto con Silvio Rodríguez y Noel Nicola.

Numerosos artistas han colaborado con él, entre los que destacan Silvio Rodríguez, Joaquín Sabina, Ana Belén, Joan Manuel Serrat, Víctor Manuel, Los Van Van, Lilia Vera, Caco Senante, Ismael Serrano y Luís Represas.

De entre sus muchas canciones, son especialmente famosas: Yolanda, Yo me quedo, Amo a esta isla y El breve espacio en que no estás y Cuánto gané, cuánto perdí, y la inolvidable Para vivir.

El feeling es un estilo musical que se inició en Cuba en la década del 40 y suponía una nueva manera de afrontar la canción, donde el sentimiento definía la interpretación y estaba influenciado por las corrientes norteamericanas de la canción romántica y del jazz. El feeling se acompañaba de una guitarra, al estilo de los viejos trovadores, para establecer la comunicación o "feeling" con el público.

Como intérprete, Pablo Milanés se incorporó posteriormente al cuarteto denominado Los Bucaneros, con quienes colaboró en sus primeros trabajos. También probé suerte como solista ocasional, diversificando de esta manera sus experiencias que más tarde le llevarían a trabajar en solitario.

En 1965 Pablo Milanés publica "Mis 22 años", considerada por muchos el nexo de unión entre el feeling y la nueva trova cubana, incluyendo nuevos elementos musicales y vocales que serían precursores de la música cubana que vendría después.

La colaboración con Los Bucaneros alcanza hasta 1966. En 1967 se incorpora al servicio militar obligatorio. Era la época de la guerra de Vietnam y Pablo Milanés comienza a tomar partido por las causas justas, surgiendo en sus temas la preocupación por lo que le rodea.

En 1968, Pablo Milanés ofrece su primer concierto con Silvio Rodríguez en La Casa de las Américas. Esta sería la primera muestra de lo que más tarde, en 1972, surgiría como movimiento musical popular, la nueva trova. En ese mismo lugar Pablo Milanés iría conociendo a los miembros de la élite cultural y musical de otros países americanos con los que Pablo compartía sus preocupaciones sociales. Violeta Parra, Daniel Viglietti, Chico Buarque, Vinicius de Moraes, Milton de Nascimento, Víctor Jara, entre otros muchos, pasaron por la casa de Las Américas en aquella época.

Como compositor, Pablo Milanés ha tocado diversos estilos, entre ellos el son cubano y la canción protesta a finales de los sesenta. Ha pertenecido al Grupo de Experimentación Sonora y ha compuesto temas para el cine. A través del GESICAIC, tanto Pablo Milanés como otros destacados músicos cubanos, incluyendo a Silvio Rodríguez participan en un taller creativo donde se formaba a jóvenes talentos cinematográficos cubanos enseñándoles lo mejor de la música cubana, que posteriormente quedaría plamado en una generación de cineastas que fundían a la perfección música y cine. Esta etapa de Pablo Milanés abarca desde finales de los sesenta hasta mediados de lso setenta, y va repleta de buenos temas del artista: "Yo no te pido", "Los años mozos", "Cuba va" , "Hoy la vi", "Yolanda, "No me pidas", "Los caminos", "Pobre del cantor", "Hombre que vas creciendo", "Yo pisaré las calles nuevamente", etc.

A principio de los ochenta, Pablo Milanés forma su propio grupo, con la colaboración de varios amigos que estuvieron con él en el GESICAIC. Esta etapa de Pablo Milanés se caracteriza por la riqueza de los recursos musicales utilizados y por la variedad de los géneros entremezclados, aunque sus contenidos siguen teniendo un fuerte trasfondo social.

Un álbum importante en la vida de Pablo Milanés fue el titulado "Querido Pablo", un disco homenaje grabado por Pablo Milanés con algunos de sus grandes amigos, y en el que participan gente de la talla de Víctor Manuel y Ana Belén, Luis Eduardo Aute y Mercedes Sosa, entre muchos otros. Este disco tuvo una secuela en 2001, que llevaba el título de "Pablo Querido". 20 años después, un buen puñado de artistas se vuelven a reunir para cantar al son de Pablo Milanés. En esta ocasión, además de amigos "clásicos" de Pablo, se uner artistas de la nueva música pop, como Fher, el cantante de Maná, Marco Antonio Muñiz o Armando Manzanero.

De entre sus muchas canciones, son especialmente famosas: Yolanda, Yo me quedo, Amo a esta isla y El breve espacio en que no estás y Cuánto gané, cuánto perdí.

En 2005 compone por primera vez una parte de la banda sonora de la película Siempre Habana dirigida por Ángel Peláez.

Papel ejercido en la política internacional

Recientemente, Pablo Milanés brindó su apoyo y se unió a la amplia lista de prominentes figuras de la América Latina que han manifestado su apoyo a la independencia de Puerto Rico a través de su adhesión a la Proclama de Panamá aprobada por unanimidad en el Congreso Latinoamericano y Caribeño por la Independencia de Puerto Rico celebrado en Panamá en noviembre pasado.

Entre estos autores que dieron su apoyo inequívoco al derecho de Puerto Rico a ejercer su derecho a la plena descolonización y libre determinación, se encuentran las siguientes figuras cuyo reconocimiento es de talla mundial: Pablo Armando Fernández, Gabriel García Márquez, Ernesto Sábato, Eduardo Galeano, Thiago de Mello, Mario Benedetti, Frei Betto, Carlos Monsiváis, Ana Lydia Vega, Mayra Montero y Luis Rafael Sánchez.

Discografía

- Versos sencillos de José Martí (Pablo Milanés) [1973]
- Canta a Nicolás Guillén (Pablo Milanés) [1975]
- La vida no vale nada (Pablo Milanés) [1976]
- No me pidas (Pablo Milanés) [1977]
- El guerrero (Pablo Milanés) [1979]
- Aniversarios (Pablo Milanés) [1979]
- Filin 1 (Pablo Milanés) [1982]
- Acto de fe (Pablo Milanés) [1982]
- El pregón de las flores (Pablo Milanés - Lilia Vera) [1983]
- Años 1 (Pablo Milanés - Luis Peña) [1983]
- Ao vivo no Brasil (Pablo Milanés) [1984]
- Querido Pablo (Pablo Milanés) [1985]
- Comienzo y final de una verde mañana (Pablo Milanés) [1985]
- Años 2 (Pablo Milanés - Luis Peña - Cotán) [1986]
- Buenos días América (Pablo Milanés) [1987]
- Trovadores (Armando Garzón - Pablo Milanés) [1987]
- Proposiciones (Pablo Milanés) [1988]
- Filin 2 (Pablo Milanés) [1989]
- Filin 3 (Pablo Milanés) [1989]
- Identidad (Pablo Milanés) [1990]
- Canto de la abuela (Pablo Milanés) [1991]
- Filin 4 (Pablo Milanés) [1991]
- Filin 5 (Pablo Milanés) [1991]
- Años 3 (Pablo Milanés - Luis Peña - Cotán - Compay Segundo) [1992]
- Canta boleros en tropicana (Pablo Milanés) [1994]
- Evolución (Pablo Milanés) [1994]
- Igual que ayer (Pablo Milanés - Caco Senante) [1994]
- Orígenes (Pablo Milanés) [1994]
- Plegaria (Pablo Milanés) [1995]
- Si yo volviera a nacer (Pablo Milanés - María Felicia - José María Vitier) [1995]
- En blanco y negro (Pablo Milanés - Víctor Manuel) [1995]
- Despertar (Pablo Milanés) [1997]
- Vengo naciendo (Pablo Milanés) [1998]
- Días de gloria (Pablo Milanés) [2000]
- Live from New York City (Pablo Milanés) [2000]
- Pablo querido (Pablo Milanés) [2002]
- Como un campo de maíz (Pablo Milanés) [2005]
- Líneas paralelas (Andy Montáñez - Pablo Milanés) [2005]

Colectivos

- Canción protesta: Protest song of Latin America (Obra colectiva) [1970]
- Hombro con hombro (Obra colectiva) [1975]
- La canción, un arma de la revolución (Obra colectiva) [1975]
- 7 Festival des politischen liedes (Obra colectiva) [1977]
- En México (Silvio Rodríguez - Pablo Milanés) [1983]
- En vivo en Argentina (Silvio Rodríguez - Pablo Milanés) [1984]
- Con ciertos amigos (Pablo Milanés - Xiomara Laugart - Raúl Torres) [1989]
- Piero & Pablo en vivo (Piero - Pablo Milanés) [1993]
- Temas del cine cubano (Obra colectiva) [1993]
- Éxitos de la Nueva Trova (Obra colectiva) [1996]
- Antología de la Nueva Trova Vol. 1 (Obra colectiva) [1998]
- Antología de la Nueva Trova Vol. 2 (Obra colectiva) [1998]
- Carta de provincia (Lázaro García) [1999]
- Lo + Plus (Obra colectiva) [1999]
- ¡Mira que eres canalla, Aute! (Obra colectiva) [2000]
- Encuentros con la Habana (Obra colectiva) [2001]
- Canción para Vieques (Obra colectiva) [2001]
- Canciones del Buen Amor (José María Vitier) [2002]
- Del agua que bebimos (Obra colectiva) [2003]
- 18 boleros chulos (Obra colectiva) [2003]
- Neruda en el corazón (Obra colectiva) [2004]
- Cuba le canta a Serrat (Obra colectiva) [2005]

Colectivos con el gesi

- Cuba va (Pablo Milanés - Silvio Rodríguez - Noel Nicola) [1971]
- Cuba va (Pablo Milanés - Silvio Rodríguez - Noel Nicola) [1971]
- Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC (GESI) [1973]
- Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC (GESI) [1974]
- Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC 2 (GESI) [1974]
- Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC 3 (GESI) [1975]
- La Nueva Trova Cubana en vivo (Pablo Milanés - Sara González - Amaury Pérez - GESI) [1976]
- Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC 4 (GESI) [1976]
- El hombre de Maisinicú (GESI) [1976]
- 25 años Cine Cubano Revolución 1 (GESI) [1984]
- 25 años Cine Cubano Revolución 2 (GESI) [1984]
- GESI Vol. I (GESI) [1997]
- GESI Vol. II (GESI) [1997]
- GESI Vol. III (GESI) [1997]

Colaboraciones

- Sara (Sara González) [1976]
- Cuando digo futuro (Silvio Rodríguez) [1977]
- Nueva visión (Emiliano Salvador) [1979]
- Cuatro cosas (Sara González) [1982]
- Entre amigos (Luis Eduardo Aute) [1983]
- Tríptico (Silvio Rodríguez) [1984]
- Chico Buarque (Chico Buarque) [1984]
- ¡Oh, melancolía! (Silvio Rodríguez) [1987]
- Árboles (Silvio Rodríguez - Roy Brown) [1987]
- Memorias (Silvio Rodríguez) [1987]
- Aves dentro (Alberto Tosca) [1987]
- Mercedes Sosa ´87 (Mercedes Sosa) [1987]
- En el jardín de la noche (Anabell López) [1988]
- Amigos míos (Mercedes Sosa) [1988]
- Con un poco de amor (Sara González) [1988]
- Con dulce rabia (Enrique Núñez) [1989]
- Canción con todos (César Isella) [1991]
- Simone (Simone) [1991]
- Ayer y Hoy (Emiliano Salvador) [1992]
- Represas (Luis Represas) [1993]
- Mucho más que dos (Ana Belén y Víctor Manuel) [1994]
- Esta boca es mía (Joaquín Sabina) [1994]
- En compañía de… (Elena Burke) [1995]
- 20 de colección (Tania Libertad) [1996]
- Este árbol que sembramos (Augusto Blanca) [1997]
- Mírame (Sara González) [1998]
- Trova de Amor. Soledad Bravo canta a Pablo Milanés (Soledad Bravo) [1999]
- Como soy (Marta Campos) [1999]
- Momentos vividos (Illapu) [2000]
- 50 años... Como una reina (Celina González - Reutilio Domínguez) [2000]
- XV Aniversario (Luar na lubre) [2001]
- Malecón (Isaac Delgado) [2001]
- Habana a flor de piel (Síntesis) [2001]
- El corazón se me abrió (Fuerte Ventura) [2002]
- Diario de un peatón (Joaquín Sabina) [2003]
- Temas inolvidables para la TV (José María Vitier) [2004]
- Saudade (Luar na lubre) [2005]
- Bachata entre amigos (Víctor Víctor) [2006]
- A História Toda - Ao Vivo no CCB, Lisboa (Luís Represas) [2006]

Otros

- Inéditas o no clasificadas (Pablo Milanés)

Pagina: http://www.trovacub.net/pablo

Silvio Rodríguez

Silvio Rodríguez Domínguez (San Antonio de Los Baños, Cuba, 29 de noviembre de 1946). Músico, poeta y cantautor cubano.

Exponente de la música cubana surgida con la revolución, Silvio es uno de los cantautores cubanos con más relevancia internacional. Junto con Pablo Milanés, Noel Nicola y otros músicos crearon el movimiento de la nueva trova cubana.

Biografía

La niñez

Silvio Rodríguez Domínguez, hijo de Argelia y Dagoberto, nació el 29 de noviembre de 1946 en el pueblo de San Antonio de Los Baños (Cuba).

A los cinco años de nacer, su familia se trasladó a La Habana. A los siete recibió gratuitamente algunas clases de piano, gracias a Margarita Pérez Picó. Cuando el futuro cantautor contaba con diez años de edad, sus padres se divorciaron y la madre se lo llevó a él y a su hermana de regreso a su pueblo natal para retornar a La Habana en 1958, un mes antes del triunfo de la Revolución.

En 1960 integra las filas de la asociación de Jóvenes Rebeldes (AJR).

En 1961 Silvio se inscribe en las milicias: la secundaria Carlos J Finlay. Participa en las campañas de alfabetización con la brigada Conrado Benítez en la Sierra Gavilán y Rancho Luna, ubicada en la actual provincia de Cienfuegos; posteriormente lo hace en la Ciénaga de Zapata y, al año siguiente, empieza a trabajar como dibujante de comics en el semanario Mella, donde Lázaro Fundora pone en sus manos por primera vez una guitarra. También en esos años conoce a Vicente Feliú.

Juventud

En 1962 hace estudio de piano durante algunos meses. Estudia pintura en la escuela San Alejandro.

En el mes de marzo de 1964, empezaría a cumplir el servicio militar obligatorio, donde comenzaría a tocar y componer canciones por las noches. De esa época son conocidas actualmente canciones como "El Viento Eres Tú", "Y Nada Más", "La Canción de la Trova" o "Quédate". También formaría un dúo con Luis López, quien tocaba la guitarra eléctrica. Pronto empezaría a escribir artículos periodísticos y poemas para distintas revistas.

En el año 1967 gana primera mención en el concurso literario de las FAR con su libro de poemas Horadado Cuaderno No. 1. En ese mismo año termina el servicio militar.

Al día siguiente de ser desmovilizado, Mario Roemu, padre de una amiga de Silvio, lo anima a presentarse en el programa de televisión Música y Estrellas, y le hace los arreglos de "Sueño del Colgado y la Tierra" y "Quédate", las canciones que interpretaría. En esa época comienza a dar sus primeros recitales en solitario o como telonero de César Portillo de la Luz (autor del conocido bolero "Contigo en la Distancia"). Posteriormente entró en la Casa de las Américas, organización cultural dirigida por Haydée Santamaría, donde coincidió con otros cantautores como Pablo Milanés o Noel Nicola.

Al morir el Che Guevara, Silvio compone con sonidos rockeros "La Era Está Pariendo un Corazón" y "Fusil contra Fusil", canciones que en 1968 se incluirían en el disco colectivo Hasta la Victoria Siempre. También comenzaría en aquella época a aparecer como artista principal en el programa de televisión Mientras Tanto, que a fin de año se retiró de antena después de que Silvio elogiase a Los Beatles. Al año siguiente, (1969), Rodríguez, luego de mucha insistencia, logró enrolarse como trabajador en el barco pesquero Playa Girón, y navega durante casi 5 meses por el Océano Atlántico y las costas africanas (haciendo escala en Gran Canaria y Lanzarote). Durante el transcurso del viaje compone un total de 62 canciones (muchas de ellas conocidas, como por ejemplo "Ojalá", "Playa Girón", "Boga Boga", "Jerusalén Año Cero", "Cuando Digo Futuro" o "Al Final de Este Viaje en la Vida") que muchos años más tarde se editarían en el libro Canciones del mar.

Cuando regresa del viaje en barco, el 28 de enero de 1970, se reincorpora al Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC (GESI) que se encargaría de grabar bandas sonoras de distintas películas y documentales cubanos. Recibe una emergente educación musical de la mano de maestros como el compositor y guitarrista Leo Brower, Juán Elósegui y el genial norteamericano Fred Smith. El GESI investigaría y fusionaría elementos de la música tradicional cubana y afroamericana, el rock, el jazz, la música clásica, la música electrónica, el happening, el fenómeno beat, entre otros, dando como resultado un sonido original. De esta época son algunas grabaciones como "Fusil Contra Fusil", "El Papalote", "Cuba Va" (rock compuesto para la película homónima del británico Felix Green, y cantado junto a sus coautores Pablo Milanés y Noel Nicola), "El Mayor" y "Granma" (una espectacular obra colectiva), "La Oveja Negra", "Si Tengo un Hermano", etc. Estas canciones serían editadas años más tarde en discos como los tres del GESI, Cuando digo futuro o Memorias.

En 1972 hace una gira por Alemania y Chile, donde actúa con Isabel Parra (hija de Violeta) y Víctor Jara (quien moriría asesinado al año siguiente tras el golpe militar de Pinochet). Ese año se celebraría en La Habana el Encuentro de Música Latinoamericana. A finales de año, el 1º de diciembre, Silvio, Pablo y otros nuevos cantautores cubanos, la mayoría vinculados al GESI (Noel Nicola, Eduardo Ramos, Augusto Blanca, Vicente Feliú, Lázaro García, Sara González, Pancho Amat, (tresero que años más tarde formaría parte de la banda de Juan Perro), etcétera), se unen para formar la Nueva Trova Cubana y se dedican a buscar a nuevos trovadores por toda la isla.

En 1974 se celebró en la República Dominicana el Festival Internacional de Cantautores Siete Días con el Pueblo, al cual asistió una delegación cubana compuesta por Silvio y por Noel Nicola. Otros artistas participantes de este evento fueron Mercedes Sosa, Ana Belén, Víctor Manuel, Pi de la Serra, Los Guaraguao, Danny Rivera, Roberto Darwin, Sonia Silvestre, Víctor Víctor, Guadalupe Trigo y Expresión Joven, entre otros. Fue la primera vez que Silvio cantó ante un estadio repleto.

En 1975 graba su primer LP Días y Flores con arreglos propios y el acompañamiento de los músicos del GESI y de la Orquesta EGREM. En la España de Franco este disco se tuvo que titular "Te Doy una Canción" (debido a la prohibición de la canción que da título al disco y de "Santiago de Chile"). Destacan los temas "Pequeña Serenata Diurna", con aires de bossa nova brasilero, "Yo Digo Que las Estrellas", y el surrealista "Sueño con Serpientes". Por entonces el uruguayo Daniel Viglietti grabaría su disco "Trópicos" con el GESI.

En 1976, Silvio, como muchos otros artistas cubanos, se alista como combatiente en las brigadas internacionalistas cubanas a la guerra de Angola. Contando con los artistas alistados, las Fuerzas Armadas crean una brigada cuya misión era llevar el arte a las trincheras. Tras hacer "Testamento" (luego grabado en el disco Rabo de Nube), marcha hacia ese país, donde compone entre otras "Canción Para Mi Soldado", "Pioneros" y "La Gaviota". Junto a Silvio iban Vicente Feliú, el mago José Alvarez Ayra y, durante un recorrido por el sur de Angola, el cuarteto Los Cañas.

A su regreso hace una gira por España, donde grabaría en dos sesiones de trabajo y acompañado sólo de su guitarra, el disco Al Final de Este Viaje donde cantaba algunas de sus primeras canciones (algunas de ellas ya grabadas con el GESI y editadas en discos recopilatorios), como "Ojalá", "La Era Está Pariendo un Corazón", "Canción del Elegido" y "Óleo de Mujer con Sombrero" (perteneciente a una tetralogía pictórica de la que sólo sería conocida este "Óleo..."). Su siguiente disco, en 1979, también sería sólo con guitarra, se tituló Mujeres con temas como "Adónde Van", el humorístico "Cierta Historia de Amor" y "Qué Hago Ahora (¿Dónde Pongo lo Hallado?)".

En el verano de 1978 viajaría por primera vez a Estados Unidos, actuando junto a Pete Seeger, y luego a Dinamarca, a Noruega y a Suecia, donde sería llevado por el primer ministro Olof Palme a cantar a una reunión de los socialistas europeos. A partir de entonces empezaría a hacer giras por toda América Latina y España. En 1980 grabó Rabo de Nube I (aunque el segundo volumen jamás llegó a grabarse), donde combinaba elementos acústicos con teclados y sintetizadores. El disco incluía la colaboración de la hermana de Silvio, Anabel López, en "Te Amaré", y de Yanela Lojos en el arpa de "Rabo de Nube". El disco incluía además temas como "Vamos a Andar", "Fábula de los Tres Hermanos" y "Testamento", que termina con una curiosa coda instrumental. En 1981, durante un concierto en Zaragoza (España), la policía irrumpió en el escenario y desalojó el recinto usando gases lacrimógenos.

En los años ochenta "las fronteras se besan y se ponen ardientes"

En 1982 grabó Unicornio, que incluía la canción de mismo título que luego se convertiría en la posiblemente más famosa de Silvio. El disco, con una orquestación más rica que el anterior, incluía además la "Canción Urgente para Nicaragua", un homenaje a la revolución sandinista de 1979, "Por Quien Merece Amor", una crítica a EE.UU. y un canto a la solidaridad internacionalista cubana, "La Maza" (con ritmo de chacarera argentina) y otras canciones de temática diversa. En la gira estaría acompañado por Pablo Milanés y tres músicos más.

En 1983 colaboraría en el disco de Aute Entre amigos. Sus primeros conciertos en Argentina (1984), con la colaboración de músicos como León Gieco, Piero y Víctor Heredia sería editado luego en disco. En 1984 también grabó el multidisco Tríptico, acompañado por Frank Fernández, antiguos músicos del GESI, y las cuerdas de la Camerata Brindis de Salas, con colaboraciones como Anabel López, Pablo Milanés, Pancho Amat o el grupo Manguaré. En 1985 colaboraría en el disco Querido Pablo, donde el cantautor Pablo Milanés, en un disco producido por Víctor Manuel, daría un repaso a sus viejos temas con nuevos arreglos y con colaboraciones de viejos amigos cantautores y escritores.

En 1985, Silvio Rodríguez comenzaría una gira con el grupo Afrocuba, dirigido por Oriente López, y formado por 9 músicos. Con ellos grabaría en 1986 en los estudios Sonoland de Madrid el doble disco Causas y azares (con temas como "Sueño de una Noche de Verano", "Canción en Harapos", una crítica a la hipocresía y la comodidad "pequeñoburguesa" con la que él mismo se golpea, "Réquiem", una triste canción de desamor, "Te Conozco" con una bellísima coda instrumental y "No Hacen Falta Alas", estas dos últimas compustas para la película "Como la Vida Misma", de Víctor casaus).

En 1988, entre Londres y La Habana, graba Oh Melancolía (también disco doble), con temas como el feminista "Eva", "Jerusalén Año Cero" (una reflexión sobre quién habrá sido Jesucristo, si es que existió), "En el Jardín de la Noche" (un homenaje a Arnaldo Tamayo, la Luna y a los viajes espaciales) y "El Extraño Caso de las Damas de África" (un tema de salsa bastante mal visto por los críticos). El segundo de estos discos fue considerado por algunos como demasiado comercial. Posteriormente, en 1990, Silvio haría gira con el mítico grupo cubano Irakere y el gran pianista Chucho Valdés. Tras la apertura democrática en Chile, Silvio viajaría con su grupo a ese país y daría un concierto en el Estadio Nacional de Santiago, ante 80.000 personas. De este concierto saldría un disco triple (y CD doble), en el que aparecerían temas no grabados en estudio como "Venga la Esperanza" o la bellísima "El Hombre Extraño" dedicada al cantautor Víctor Jara.

En 1992 hizo gira con Diákara (con músicos de Afrocuba e Irakere) y comenzaría a grabar un disco que aún no ha sido publicado. Por esa época empezaría a apoyar a músicos de la llamada Novísima Trova Cubana, como Carlos Varela; y colaboraría en discos de distintos artistas y grupos como Taller Canario.

Los años noventa, la trilogía, Silvio Rodríguez Domínguez

En 1992 hacía su aparición el disco Silvio, el primero de una trilogía (luego tetralogía, con Descartes) en principio sólo con guitarra. Le seguirían Rodríguez (1994) y Domínguez (1996). Esos discos con una gran aceptación entre el público, incluían temas como "Quien Fuera", "La Guitarra del Joven Soldado" (recordando su juventud), el swing "La Desilusión", "Escaramujo" (existe una bellísima versión del grupo coral cubano Vocal Sámpling), "Flores Nocturnas" (un canto a las prostitutas), "Desnuda y con Sombrilla" (un curioso tema erótico), "Ala de Colibrí", "Canción del Trovador Errante" (un tema totalmente hablado sobre un fondo electrónico), "Me Quieren" (un divertido tema sobre sus “enemigos”) o "Reino de Todavía" (sobre la situación actual entre Cuba y Estados Unidos). Esta trilogía casi sólo con guitarra (con pequeños toques de percusión manual y “natural” y tímidos elementos eléctricos en Domínguez, donde colaborarían su madre y su hermana Anabel), se vio completada con Descartes, de menor difusión, y con un sonido quizá demasiado monótono, que se salva gracias a temas como Rosana. En 1993 graba con Luis Eduardo Aute el disco en directo "Mano a Mano", y vuelven a hacer gira juntos a finales de los años noventa. A estas actuaciones siguió un largo periodo de ausencia de los escenarios, que el cantante ha venido justificando por su cansancio de la escena, y que ha sido roto con la nueva gira que comenzó en 2006 y que durante 2007 le lleva por diversos países de hispanoamérica y por España.

En 1999 editó junto con el guitarrista Rey Guerra el disco Mariposas, con la colaboración de la compañera de Silvio, Niurka González, que toca la flauta en dos temas. Disco sin el éxito de los anteriores, incluiría temas como "Olivia", "Viñeta" o "Sin Hijo ni Árbol ni Libro". Después de un periodo sin giras se puso manos a la obra para componer y arreglar su siguiente disco que sería orquestal. Expedición sería editado en el 2002, y en el participaron miembros de la Orquesta Nacional de Cuba, algunos de los músicos habituales en la discografía de Silvio (su hermana Anabel López, Pancho Amat, Niurka González, Yanela Lojos, etc.), estudiantes de música, y miembros de Diákara. Incluye temas como "Tiempo de Ser Fantasma", "Sortilegio", "Fronteras", "Anoche Fue la Orquesta" y el conmovedor y antiquísimo "Quédate".

En el siglo XXI

En 2003 edita el disco Cita con Ángeles, dedicado a su hija nacida hacía poco, y donde también participa su mujer, la destacada flautista Niurka González. El disco tiene temas que hablan sobre la situación actual en el mundo, principalmente sobre el conflicto entre EE.UU. e Iraq.

En el 2006 edita Érase Que Se Era, un disco doble con temas compuestos entre los años 1968 y 1970 que en su gran mayoría no habían sido publicados anteriormente. Lleva a cabo una gira por diversos países latinoamericanos y España, con la compañía del trío de cuerdas Trovarroco, la percusión de Óliver Valdés y la flauta y el clarinete de Niurka González.

El 23 de febrero de 2007, recibió el grado de Doctor Honoris Causa por parte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos "en mérito a su excelencia artística, que lo ha llevado a ser considerado uno de los mayores exponentes de la Nueva Trova Cubana". [1] Ésta es la más alta distinción académica que confiere esta casa superior de estudios, la de mayor antiguedad del continente americano.

Durante la gira de 2007, aprovechando su paso por República Dominicana, el artista gráfico dominicano Oscar Rodríguez, realizó una exposición gráfica basada en la obra de Silvio y como homenaje a este distinguido artista.

Discografía

Existen variaciones a esta discografía provocadas por diversas causas: casa discográfica, editores, censura, etc. Muchos discos han sido alterados, títulos cambiados, canciones y carátulas reordenandas.

Ésta es la discografía original. Las alteraciones se mostrarán en la página de cada disco.

En solitario

- Pluma en Ristre (1968-69)
- Días y flores (1975)
- Te Doy Una Canción (1975)
- Cuando Digo Futuro (1977)
- Al final de este viaje... 1968/1970 (1978)
- Antología (1978)
- Mujeres (1979)
- Rabo de Nube (1980)
- Unicornio (1982)
- Tríptico (volumen uno) (Silvio Rodríguez) (1984)
- Tríptico (volumen dos) (Silvio Rodríguez) (1984)
- Tríptico (volumen tres) (Silvio Rodríguez) (1984)
- Causas y Azares (1986)
- ¡Oh Melancolía! (1987)
- Memorias (1987)
- Silvio Rodríguez en Chile (1990)
- España y Argentina en vivo (1990)
- Canciones Urgentes (1991)
- Silvio (1992)
- Silvio Autobiográfico (1992)
- Rodríguez (1994)
- Domínguez (1996)
- Descartes (1998)
- Mariposas (1999)
- Expedición (2002)
- Cita con Ángeles (2003)
- Érase que se era (2006)

Discografía especial

En conjunto

- Canción protesta. Casa de las Américas (EP) [1968]
- Vietnam canta a Cuba / Cuba canta a Vietnam [1969]
- 26 de julio: los nuevos héroes [1969]
- Hasta la victoria siempre, Che Querido [1969]
- Canción protesta: Protest song of Latin America [1970]
- 3 Festival des politischen liedes [1972]
- La canción, un arma de la Revolución [1974]
- Cuba canta a la República Dominicana (Silvio Rodríguez - Noel Nicola) [1974]
- Jornada de solidaridad con la lucha del pueblo de Chile [1974]
- 1975 año internacional de la mujer [1975]
- Forjador del futuro - Brigadas Técnicas Juveniles [1976]
- Cuba [1976]
- Su nombre es pueblo [1976]
- El canto de un pueblo [1977]
- Música cubana [1978]
- Canciones XI festival [1978]
- XX aniversario de la cinematografía cubana [1979]
- Para cantarle al hombre: Raúl Sendic (Silvio Rodríguez - Ricardo Benelli) [1980]
- Vuelo espacial conjunto [1980]
- 20 Aniversario del MININT [1981]
- En vivo (Silvio Rodríguez - Pablo Milanés) [1982]
- Abril en Managua [1983]
- Silvio Rodríguez y Pablo Milanés en vivo en Argentina (1984)
- Tercer festival de la Nueva Canción Latinoamericana [1984]
- Festival de la Nueva Trova 1984 (En vivo), vol I [1985]
- Festival de la Nueva Trova 1984 (En vivo), vol II [1985]
- Festival de la Nueva Trova 1984 (En vivo), vol III [1985]
- 15 Festival des politischen liedes [1985]
- Montevideo, 1º de marzo de 1985 Vol 1. En Uruguay (Silvio Rodríguez - Pablo Milanés) [1985]
- Montevideo, 1º de marzo de 1985 Vol 2. En Uruguay (Silvio Rodríguez - Pablo Milanés) [1985]
- Árboles (con Roy Brown) [1987]
- Canciones al Che Vol 2 [1992]
- Mano a Mano (Silvio Rodríguez y Luis Eduardo Aute) (1993)
- Temas del cine cubano [1993]
- Todas las voces todas [1996]
- Cantarte Comandante [1997]
- Antología de la Nueva Trova Vol. 1 [1998]
- Tributo a Víctor Jara [1998]
- Carta de provincia (Lázaro García) [1999]
- Vamos todos a cantar [1999]
- ¡Mira que eres canalla, Aute! [2000]
- Festival des politischen Liedes - die Achtziger [2000]
- Definitivamente jueves [2001]
- Canción para Vieques [2001]
- Un perro llamado dolor (BSO) [2001]
- Canciones compartidas (José María Vitier) [2001]
- Canciones del Buen Amor (José María Vitier) [2002]
- A guitarra limpia. Antología 1 [2002]
- Me gusta así [2002]
- Del agua que bebimos [2003]
- Canciones con Santa Fe [2003]
- Cuba le canta a Serrat [2005]
- Yo protesto: Homenaje a Roy Brown [2005]
- 37 Canciones de Noel Nicola [2007]

Otros

- Inéditas o no clasificadas (Silvio Rodríguez)
- Canciones del mar (1996)

Pagina: http://www.silviorodriguez.org

Flema / Ricardo Espinoza

Formacion:

Fernando Rossi: bajo
Luis Garibaldo: guitarra
Pepe Carballo: batería
Ricardo Spinoza: voz

El nacimiento de Flema, por Sebastián, el baterista fundador de la banda.

Un día cualquiera fuimos con Ricky a un festipunk vaya a saber dónde. Lejos. Ahí nos encontramos con un par de pibes que yo no conocía, aunque eran de Avellaneda como nosotros: Juan Fandiño y Fernando Cordera. Pelos parados de colores, camperas rotas y pintadas al aerosol: A con circulito, etc. Juan le contó que tenía una banda: Flema. Él tocaba la guitarra y Fernando cantaba. Había un baterista de Belgrano, y bajista había que buscar. Pero ya tenían compuestos dos temas y todo. Y como Juan apenas sabía rasguear las bases, lo invitó a Ricky (que en Avellaneda tenía su prestigio como guitarrista) a unirse al grupo para puntear y todas esas cosas. Ahí yo dije que era el mánager de Ricky (?), así que si él entraba a Flema yo tenía que managerear. Hubo acuerdo. La semana siguiente fuimos a ensayar, en un sucucho donde el padre de Juan tenía depositada la ropa que vendía. El baterista no vino. -Este guacho... Ya es la tercera vez que falta. Y eso que es la cuarta vez que ensayamos -explicó Juan. Entonces me acordé que yo, en la primaria, siempre en los actos patrios tocaba el bombo: Zamba de mi esperanza, etc.; así que mientras se los contaba me fui sentando a la batería, cosa que en mi puta vida había hecho jamás. Tres viernes más tarde ya teníamos un repertorio de veinte temas, un bajista cuyo nombre lamentablemente no recuerdo y estábamos debutando en Gracias Nena, un lugar que quedaba por ahí (cerró poco después) con Comando Suicida, Sekuestro, Conmoción Cerebral y no sé si alguno más. Así empezó Flema. Ricky y yo nos hicimos amigos cuando el entró al Arcamendia, de Barracas, en 1985. Yo estaba en 5º, y él entró a 4º, aunque era un año y medio mayor que yo (en ese colegio descontrolado logró pasar a 5º, pero igual después lo echaron). En realidad, yo ya lo conocía desde el año anterior, de verlo por ahí en Avellaneda, donde Ricky ya era bastante famoso, antes de tener banda ni nada. No era una fama precisamente musical la suya. Era reconocido por personaje, bardero y payaso. Una anécdota (para que se den una idea): el 21 de septiembre del '85, una buena cantidad de estudiantes (?) nos habíamos juntado en Plaza Alsina (la de Mitre) en plan de ir a Villa Elisa o algo así. Eran como las nueve de la mañana; la mayoría veníamos siguiéndola desde la noche anterior. Averiadísimos. Y a Ricky no se le ocurre mejor idea que la de subirse al escenario que habían montado para el acto municipal el día de la primavera, y ponerse a hacer un show cantando a capella. Los que conocen Plaza Alsina, sabrán muy bien la cantidad de gente, familias y señoras que circulan por allí a esa hora. Bien; la cosa es que Ricky, entusiasmado por la reacción del público (la manga de descerebrados que estábamos abajo, muertos de la risa y aplaudiendo), coronó su performance bajándose los pantalones y el slip hasta las rodillas, mientras improvisaba unos pasitos de baile. Muy sexy. Así, por lo menos, debían opinar un par de policías que aparecieron de la nada, porque lo cazaron del cogote y lo llevaron a que terminase el strip-tease en la Primera, a apenas un par de cuadras de la plaza. Hasta ahí nada extraordinario: lo que nunca me voy a olvidar fue cómo a los diez minutos una treintena de enfermos/as estábamos en la puerta de la comisaría, a los gritos pelados exigiendo la inmediata presencia del Rati en Jefe. ¿Cómo van a detener a un estudiante que lo único que hizo fue una travesura en su día? ¡Liberen a Ricky! Era la toma de la Bastilla. No sé cómo no terminamos todos adentro. No me lo explico. A lo mejor el comisario venía con resaca, le dolía la cabeza y no quería quilombo. Como sea, al rato nomás por la nefasta puerta aparece el muchacho, sonriendo triunfante y con los dedos en V, como si afuera estuviera Crónica TV y la CNN cubriendo la noticia. Y marchó cargado en andas por la multitud de vuelta hasta la plaza. Increíble. Bueno: por boludeces por el estilo, Ricky ya tenía su fama en Avellaneda. En el Arcamendia, nuestra vida académica era así, día tras día: nos juntábamos (una banda) a las doce en el almacén del gallego, que nos vendía cerveza, o vino, o Gancia, o Legui, o licor, o Tres Plumas, en fin, lo que quisiéramos; cada dos meses la ley le clausuraba el local pero el viejo debía tener sus contactos en la embajada española porque a las 48 hs. ya estaba lo más orondo meta despachar. A nosotros la policía no nos jodía mucho que digamos, supongo que porque éramos muy respetuosos con la gente del barrio, con las señoras que iban con la bolsa a comprar. Nadie nos denunciaba; y eso que secamos el árbol de la veredita del almacén. De tanto mearlo, se entiende. A plena luz del día. Pero éramos buenos chicos. "Buenas tardes, doña", le decíamos a la vecina que pasaba mientras nos sacudíamos el surtidor antes de guardarlo. "Buenas tardes, joven", nos contestaba la mujer, encantada de ver semejante educación en muchachos de tan corta edad. Una vez en estado (además del alcohol, nunca faltaba algún par de fasiños para completar esos desayunos) nos dirigíamos a clase, y a la salida otra vez a lo del gallego hasta las nueve o diez de la noche. Con todas estas actividades nos íbamos forjando como seres humanos integrales, de cara al mañana que nos aguardaba. ¡Ah, qué doloroso fue terminar el secundario! En la entrega de diplomas debo haber llorado tanto como aquellas compañeras que fueron de vestidito cheto y peinado de peluquería. Debo haber llorado, digo, porque la verdad es que no me acuerdo. Por aquella época Ricky tenía una banda de black metal: Overkill. Y que conste en actas: el black metal todavía no existía. Quiero decir, si Venom, Sodom y/o Slayer ya venían tocando, lo que es acá no había ni noticias. La cosa fue así: formaron el grupo con otro notorio personaje de Avellaneda, Juan Falopa. Éste era (y hoy día debe recontra ser) una especie de esqueleto andante. Decía que era brujo satánico. Según una leyenda barrial, Juan, en su carácter de brujo de alto grado, tenía el poder de desaparecer de donde estaba y al momento aparecer en cualquier otra parte. Eso sí: podía hacerlo únicamente una vez al año. A mí, personalmente, una vez uno me contó que: Juan estaba en casa de Fulano, también estaba Mengano, se estaban tomando unos vinos, y de repente Juan se para y dice: "Bueno... voy a desaparecer". ¡Y desapareció! ¿Y dónde fue a parar? ¡Qué sé yo! Pero de ahí se esfumó como por arte de magia. Fulano y Mengano lo juran por sus madres. Totalmente convencido, me lo decía el pibe. Yo nunca entendí p or qué Falopa no usaba su don para irse a las Bahamas, por ejemplo en diciembre y volver en enero; o aunque sea, si el truco tenía un alcance limitado y no le daba el kilometraje, para evadirse de la comisaría alguna de las innumerables veces en que lo invitaron a disfrutar de la hospitalidad policial. Se ve que prefería impresionar a los amigos. Pero no pretendo que la mente de un monje infernal sea comprensible para un simple mortal como yo. ¿A qué venía todo esto? Ah, ya recuerdo: un día Ricky va al ensayo de un grupo que tenía este Juan. Por más brujo que fuera, ese día no podía afinar el bajo. No había manera. Hasta que en un momento se sacó, agarró al pobre instrumento por el diapasón y se puso a estrolarlo contra el piso hasta hacerlo cajeta. "Sabés quién me hace esto, ¿no? ¡Sabés quién me lo hace!" le decía al guitarrista, imagino que refiriéndose a Dios o a algún santo. En ese mismo instante Ricky decidió que quería a ese individuo en su conjunto. Y así empezaron. Querían hacer una onda heavy como Maiden pero oscuro como Black Sabbath y podrido y rápido como Mötörhead, y como eso no tenía nombre se les ocurrió ponerle "black metal". Sí señor: inventaron el género más o menos al mismo tiempo que Cronos en Londres, pero en Avellaneda. Claro que la repercusión, y por tanto la gloria, la tuvieron los de allá. Lo mismo de siempre. Una lástima. Si no ahora podríamos decir: el colectivo, el dulce de leche, la birome, la huella digital y el black metal. Qué le vamos a hacer, che. Así son las cosas. Desgraciadamente, con estos pioneros del satanismo no pasó gran cosa. Tocaron cuatro o cinco veces en unos antros de mala muerte y la banda se disolvió. Yo era el mánager (?). Y soy testigo: Ricky -usaba el seudónimo artístico de "Ricky the Kill"- subía a tocar pintarrajeado más o menos como ahora, en una época en que Marilyn Manson lo más loco que hacía era pispearle de coté la poronga a sus compañeros cuando meaba en el baño de la high-school. Así que no jodan.

El 31 de mayo del 2002, Ricky Spinoza se suicidó al saltar al vacío desde el quinto piso de un edificio de Avellaneda, donde estaba festejando junto a sus compañeros la edición de su último CD. Nunca quedaron en claro las razones que lo llevaron a tomar ésta decisión.

Unos meses más tarde, Fernando Rossi, Luis Gribaldo, Diego Piazza y Maximiliano Martín (la última formación de Flema) decidió seguir adelante, con la incorporación de Lucio Bonvecchiato en la voz y bajo el nombre de Topos.

Discografía:

Pogo, Mosh & Slam, 1992
Nunca nos fuimos, 1994
El exceso de drogas y alcochol es perjudicial para tu salud, 1995
Si el placer es un pecado, bienvenidos al infierno, 1997
Resaka, 1998
La noche de las narices blancas, 2000
Caretofobia II, 2001
Caretofobia I, 2001
Cinco de copas, 2002

Fuente: Rock.com.ar

Ricardo Espinoza

Ricardo Espinosa, más conocido como Ricky Espinosa (Gerli, Avellaneda, 31 de diciembre de 1966 - 30 de mayo de 2002) fue un cantante y guitarrista argentino, líder de los grupos de música punk Flema y Flemita.

Comienzos

Ricky Espinosa nació en el barrio de Gerli, en los alrededores de la zona sur del Gran Buenos Aires. Poco se conoce de sus primeros años, que probablemente fueron como los de cualquier chico de barrio. En febrero de 1981 aprendió a tocar la guitarra y poco después formo su primer grupo, que tocaba canciones de V8 y de Pappo. Con el tiempo su música se fue haciendo más pesada y a mediados de los ochenta el grupo había tomado el nombre de "Overkill" y paso de heavy metal a simplemente punk-rock.

Ricky era una persona extremadamente sensible que creía en la incondicionalidad y no así en la amistad, sus letras reflejaban una gran angustia frente a su vida personal, pero también una gran disconformidad hacia la sociedad. Asi logró tener un sin fin de seguidores que, con Flema, lo convierten en el mayor exponente del punk argentino contemporaneo.

Flema

En 1987 el grupo ya tocaba en fiestas. En este año el grupo fue rebautizado "Flema", siempre con Ricky a la guitarra, y en 1988 grabaron dos canciones para el disco Invasión 88, del cual surgieron también grupos punk como Attaque 77 y Todos tus muertos. En 1990 el grupo se disolvió y se volvió a juntar en 1991, con una formación totalmente distinta. Ricky era ahora el cantante, Fernando Rossi el bajista, Luis Garibaldo guitarrista y Pepe Carballo el baterista. En 1992 grabaron "Pogo, Mosh & Slam", a los que le siguió "Nunca Nos Fuimos" (1993) y "El exceso" (1994). Sus letras criticaban el sistema social y todo tipo de convenciones y pronto se convirtieron en uno de los grupos punk más predominantes del país. A fines de 1996 formó el grupo Flemita el cual saco dos discos: "Underpunk" (1997) y "Raro? Raro tenes el orto" (1998). Por esta época el grupo comenzó a salir en televisión, pero no llegarían nunca a ser muy masivos debido a su estilo marginal. En el 2000 sacaron "Caretofobia I" y un año después "Caretofobia II". Su estilo punk comenzaba a cambiar.

Muerte

Su muerte se produjo cuando Ricardo Espinosa y Luichi llegaron de grabar las voces para el último álbum "5 de copas". Volvían en el remis privado de Ricky, tomando alcohol fino con jugo Tang, festejando la finalización de la grabación. Llegaron a la casa de Luichi, situada en un quinto piso de un monoblock de Avellaneda. Cuando entraron siguieron bebiendo, se pusieron a jugar al Winning Eleven para Playstation. El televisor estaba situado al lado de una ventana y repentinamente Ricardo gritó "Me tiro, me tiro", Y se lanzó sin razón aparente al vacio. Otra versión de los hechos es que se había realizado una apuesta en broma de que se tiraba quien perdía el juego, aunque al parecer Espinoza tomó la apuesta en serio. Cuando llegaron las ambulancias era tarde. De todas formas nunca sabremos realmente lo que ocurrio.Quizas el cantante haya cumplido lo que adelanto tantas veces "suicidarse".Aunque lo mas probable es que haya sido un accidente ya que habian bebido alcohol fino, teniendo un alto estado de ebriedad, y quizas por esta razon perdio tan rapidamente el equilibrio en la ventana. Luego de su muerte, el resto de los integrantes de Flema y otras bandas punk locales, como Villanos y El otro yo organizaron un recital en su honor. No pudieron hacer un velatorio decente porque los dueños de la casa funebre vieron que la multitud de punks que se juntaba y decidieron suspenderlo. Tuvieron que velarlo en el patio de la casa del hermano. Hoy yacen sus restos en el pabellon verde llamado Juan XIII, en el Cementerio del barrio de Avellaneda, y todos los 30 de Mayo, una multitud se junta a rendirle homenaje.

Discografía

Con Flema:

1988 - Invasion 88(Compilado) 1992 - Pogo, Mosh & Slam 1993 - Nunca Nos Fuimos 1994 - El Exceso de Drogas y Alcohol es Perjudicial Para Tu Salud. Cuidate, Nadie lo Hará por Vos. 1997 - Si el Placer es un Pecado... Bienvenidos al Infierno 1998 - Resaka 2000 - La Noche de Las Narices Blancas 2000 - Caretofobia I 2001 - Caretofobia II 2002 - Cinco de Copas

Con Flemita:

1997 - Underpunk 1998 - Raro? Raro Tenes el Orto

Solista:

1999 - Vida Espinosa 1999 - Invasion 99 (Compilado)

Mala Rodríguez

María Rodríguez Garrido (*Jerez de la Frontera, 13 de febrero de 1978), más conocida como Mala Rodríguez o La Mala, es una cantante española de hip hop.

Biografía

Nació en Jerez de la Frontera, en la provincia de Cádiz en 1978, aunque a los cuatro años se muda a Sevilla donde se cría, allí forja su rap y crea un duo con "el cuervo" (del colectivo QMJ), con el que sacó a la luz una maqueta de 5 temas y dio más de un concierto.

A los 19 años se traslada a Madrid, comenzando así su relación con el sello Zona Bruta, con el que editaría su primer trabajo, el maxi "A Jierro" con producciones de Sr. Tcee. Ese primer trabajo vio la luz curiosamente bajo la edición de dos sellos, Zeroporciento y Zona Bruta. Aunque el disco fue grabado en los estudios de Zeroporciento, La Mala Rodríguez rompió sus relaciones con el sello sevillano y salió editado por la otra compañía. Esto provocó la salida al mercado de un mismo disco, con dos portadas y dos ediciones distintas, aunque la edición de Zeroporciento no pudo editarse como "La mala" por motivos legales y optaron por llamar a la artista "Mala María".

El segundo trabajo fue el maxi-single "Yo marco el minuto/Tambalea" en 1999 y ya no con Zona Bruta, con quién había roto relaciones sino con la discográfica Yo Gano-Superego. Este maxi contaba con producciones de Dive Dibosso.

A este trabajo le seguiría su exitoso primer larga duración en 2000, "Lujo ibérico", publicado entre Superego y la multinacional Universal y del que se vendieron más de 50.000 copias consiguiendo su primer disco de oro.

Después de tres años, llegaría su segundo trabajo, "Alevosía", en 2003, ya únicamente con Universal pero manteniendo al director de Superego, Sergio Aguilar Pereira como productor ejecutivo. El disco fue mezclado en Nueva York e incluía el tema "La Niña", cuyo vídeo fue censurado en algunas cadenas de televisión y que cuenta la historia de una menor traficante de drogas. Con este trabajo consigue nuevamente un disco de oro.

En el año 2006 editó un maxi titulado "Por la noche" que incluía tres versiones de la misma canción y la instrumental, producida por Supernafamacho. La primera versión es cantada en solitario por La Mala y aparece en la BSO de la película Yo soy la Juani. En el segundo corte colaboran Capaz (de Hablando en plata), Toteking y Juaninacka, estos últimos no habían grabado juntos desde su etapa en común en el separado grupo La Alta Escuela. La tercera versión incluye a Meko y Arianna Puello. De este maxi se hizo el segundo videoclip de Mala Rodriguez. Con este máxi se situó número uno en ventas en la categoría de sencillos.

En 2007 grabó una canción, "Mala Suerta con El 13", con el dúo puertorriqueño de reggaetón, Calle 13. En ese año salió a la luz su disco Malamarismo, con colaboraciones de Julieta Venegas, Tego Calderón y Raimundo Amador.

Curiosidades

- La Mala ha colaborado en varios discos, destacando una colaboración con el artista afroamericano Akon para una reedición de un maxi single de éste en un intento de introducir a este artista en el mercado musical español.
- Ha colaborado en bandas sonoras de películas como "Lucía y el sexo" de Julio Médem, "Yo puta" de María Lidón o "Yo soy la Juani" de Bigas Luna.
- En 2007 terminó de rodar la película "Tu eliges", bajo las órdenes de Antonia San Juan, en la que interpreta uno de los papeles protagonistas. Rodada en Madrid se espera se estrene en 2008.

Pagina: http://www.malarodriguez.com

Mark Knopfler

Mark Knopfler OBE (nacido el 12 de agosto de 1949 en Glasgow, Escocia, Reino Unido) es guitarrista, cantante, escritor de canciones y anteriormente periodista y profesor.

Principalmente conocido como guitarrista y cantante de Dire Straits. También ha tocado en otras bandas (Notting Hillbillies, Brewer's Droop) y ha realizado proyectos en solitario. Además, ha compuesto música para varias películas, incluyendo Local Hero, Comfort and Joy, Cal, La princesa prometida,Last Exit To Brooklyn, La Cortina De Humo (Wag the dog), Metroland y A shot at glory y para otros cantantes como Tina Turner, Private Dancer. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk, por ejemplo. La revista Rolling Stone los situó en el puesto 27 de la lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.

Biografía

Infancia e inicios

Nació en Glasgow, se mudó con su familia a Newcastle a mediados de los 50. Aprendió a tocar la guitarra cuando era un adolescente. En 1966, con tan sólo 16 años, debutó en televisión cantando la canción "Chilly Winds" con Sue Hercombe. Incluso llegó a grabar una maqueta llamada "Summer's Coming Our Way" (que no se conserva). Tras completar su educación de literatura inglesa, se trasladó a Leeds a comienzo de los 70. Trabajaba para los periódicos Yorkshire Evening Post y el Loughton College. En esta época es cuando conoció a Steve Phillips con el que entabló amistad y grabó varias canciones de country que no verían la luz hasta 1996 cuando Steve Phillips publicara el álbum "Just Pickin'" con una serie de canciones grabadas entre finales de los 60 y mediados de los 70 con distintos músicos. Steve y Mark volverían a encontrarse en sus carreras musicales con la formación del grupo Notting Hillbillies.

Mark se trasladó a Londres con su hermano, David Knopfler. Mark pasó a formar parte de un grupo llamado Brewer's Droop que había publicado ya un álbum "Opening Time". En 1973, grabaron su segundo álbum, "Booze Brothers", producido por Dave Edmunds de Rockpile. Sin embargo, por diversos problemas, el álbum no fue publicado hasta 1989. Durante la grabación, Mark conoció al batería del grupo, Pick Whiters.

Salto a la fama

Una vez disuelto el grupo "Brewer's Droop", Mark volvió a la rutina viviendo con su hermano. En 1977, durante una fiesta, Mark conoció a John Illsley, que tocaba el bajo. Fue entonces cuando decidieron formar un grupo: Mark, su hermano David, John y el antiguo batería de "Brewer's Broop", Pick Withers. En un comienzo, el nombre de la banda fue "Cafe Racers". Interpretaban su repertorio (principalmente compuesto por Mark, aunque con canciones de David y versiones de otros músicos) en los pubs de Londres, como otras muchas bandas británicas del momento. Finalmente, fue Pick el que propuso cambiar el nombre a Dire Straits (que en inglés viene a significar "malos momentos") debido a la penosa situación económica que vivían en aquellos días.

En 1978, consiguen publicar su primer álbum, titulado simplemente Dire Straits. Generó el éxito "Sultans Of Swing". Tras ese álbum, continuaron publicando discos a medida que el personal de la banda iba cambiando. David y Mark se enfrentaron por el protagonismo que tenía este último dento de la banda. Durante los 80, la banda evolucionó musicalmente hacia una mayor complejidad mientas que se convertía en un conjunto de músicos más variado y más grande. En 1985, tan sólo John y Mark continuaban en la banda. Fue entonces cuando publicaron Brothers In Arms, un éxito sin precedentes que les lanzó definitivamente. Artistas de la talla de Sting y Eric Clapton colaboraron con la banda en ésta época.

Tras una etapa de silencio a finales de los 80, Dire Straits volvió comienzos de los 90 con el que sería su último álbum, con una clara influencia country. No consiguió las mismas ventas que "Brothers in Arms" y tuvo críticas polarizadas. Finalmente, en 1995 la banda se disolvió.

Proyectos paralelos

Ya en 1983, mientras tocaba con Dire Straits, Mark compuso la primera de una larga serie de bandas sonoras. En ella ("Local Hero") colaboraban gran parte de los músicos de Dire Straits. En 1984, durante la grabación de una de estas bandas sonoras, conoció a Guy Fletcher, teclista que pasaría a formar parte de Dire Straits y seguiría colaborando con Mark en su carrera en solitario y en otras bandas sonoras. En colaboración con Guy, Mark publicó en 1989 la banda sonora de la película Last Exit To Brooklyn; su trabajo más ambicioso como compositor en la que trabajaba con músicos de cuerda y emulaba sonidos de orquesta con sintetizadores. El estilo de Knopfler en sus bandas sonoras se acerca en general al sonido celta ("Local Hero", "Cal", "A Shot At Glory") aunque también se pueden encontrar ejemplos de otros estilos como el country ("La Cortina de Humo"). En 1993, se publico Screenplaying; una recopilación de los mejores temas de algunas de sus bandas sonoras.

En la etapa de silencio de Dire Straits a finales de los 80, Mark se encontraba saturado del esfuerzo que había supuesto la gira mundial del álbum "Brothers in Arms". Además, el estilo musical de la banda, le impedía publicar canciones más personales de estilos más minoritarios como el country o el blues. Por ello, en esos años en los que Dire Straits no publicaba nada, Mark aprovechó para publicar un disco con el guitarrista de country Chet Atkins en 1990 (más adelante, en el año 2006, volvería a publicar un álbum de country en colaboración con otro músico, la cantante Emmylou Harris). Además, formó un grupo de música paralelo a su vida como líder de Dire Straits con viejos amigos: Steve Phillips, Brendan Crocker y Guy Fletcher. La banda se llamó Notting Hillbillies. Tan sólo publicaron un álbum de estudio pero continuaron haciendo giras a lo largo de la década de los 90.

Carrera en solitario

A mediados de los 90, Mark se sentía cada vez menos libre como músico dentro de Dire Straits. Este sentimiento junto con el hecho de que el último álbum de la banda había tenido un recibimiento tibio, hicieron que Mark decidiera lanzar una carrera en solitario plena tras la disolución de Dire Straits. En 1996, Golden heart vio la luz. En él, encontramos una serie de canciones que continúan el estilo de los últimos álbums de Dire Straits; pero al mismo tiempo encontramos otras canciones impensables en un álbum de pop-rock al uso como Dire Straits solía publicar. En este álbum comenzó a tocar con una serie de colaboradores que serían denominados por el propio Knopfler como "The 96ers" (que viene a significar algo así como "los del 96") y con los que seguiría colaborando en adelante. Digno de mención es la colaboración de los intérpretes de música celta del grupo The Chieftains.

Alejándose progresivamente del estilo que había seguido en los 80, Knopfler publicó Sailing to Philadelphia en el año 2000; con un estilo principalmente de blues. En él colaboraban músicos como Van Morrison, James Taylor o el dúo de Squeeze. Más tarde, llegó The Ragpicker's Dream en 2002 con un estilo folk.

En 2003, Mark Knopfler sufrió un accidente de moto en Londres que le obligó a cancelar su gira mundial. A finales de 2004, publicó el álbum Shangri-La, grabado en el estudio Shangri-La en Malibu; donde grabaron grupos como The Band.

En 2006, Mark Knopfler junto a Emmylou Harris publican el álbum "All The Roadrunning", ofreciendo conciertos en Europa y America durante el año 2006.

Pagina: http://www.mark-knopfler.com

The Sins Of Thy Beloved

The Sins Of Thy Beloved es un grupo de Gothic Metal procedentes de Noruega se les puede calificar como Gothic Romantic Death Metal, debido a que está conformado por violines, piano, guitarras muy distorsionadas, voces femeninas y profundas voces guturales y densas.

Historia

The Sins Of Thy Beloved es formado en 1996 por Stig, Glenn Morten, y Arild, aunque muy poco tiempo después se unirían Anita, Ingfrid y Ola. Pocos saben que en esa primera época el nombre de la banda era Purgatory, porque fue cambiado antes del lanzamiento de su demo en 1997, según dicen ellos porque ya había muchas bandas con ese nombre y no querían crear confusión. Luego de tres meses de tocar, grabaron el demo, del cual extrajeron tres temas que publicaron en un sello italiano Nocturnal Music en el MCD "All Alone". Fue después del lanzamiento de este MCD que ingresó a la banda Anders. En 1998 grabaría "Silent Pain", un demo que fue presentado a varios sellos, entre ellos Napalm Records, con quienes firmaron para producir su primer LP "Lake Of Sorrow", que fue al mismo tiempo la primera aparición de Pete Johansen y su violín. Con este disco consiguieron un considerable éxito, transformándose de inmediato en una de las bandas de mayor renombre dentro del género. Luego de "Lake Of Sorrow" se produjeron los lógicos cambios en la banda, asentando el estilo y agregando (y quitando) algunos elementos. La popularidad ganada hizo que pasaran un buen tiempo girando por distintos países, en compañía muchas veces de bandas de gran renombre como Tristania también y ganando cada vez más adeptos, hasta la publicación en el año 2000 de su segundo y hasta el momento último larga duración, "Perpetual Desolation", también bajo el ala protectora de Napalm Records. Este segundo disco pegó profundamente en el público también, consolidando aún más a la banda. Lamentablemente en el 2001 la vocalista Anita Auglend decidió retirarse de la banda por problemas personales. Luego se incorporó a la banda como vocalista Hege Mary Aanby pero luego de unos conciertos en México se retiro de la banda ya que no se pudo acoplar al estilo de la banda. La banda quedó en receso entre el 2002 y el 2003. En el 2006 vuelven con una nueva vocalista Mona Wallin y es de esperar que saquen un nuevo disco. En el 2007 vuelve Anita Auglend como vocalista.

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HANNA

Hay una chica en Madrid que sabe cómo abrir las puertas que le ha cerrado la vida a base de "coraje y cojones", como dice la canción. Supongo que llegará el día en el que la música no se etiquete según estilos, sino según los órganos vitales que participen en la creación. Podríamos recorrer una tienda de discos de sección en sección: "Música hecha con el corazón", en la planta primera; "Música escrita con el cerebro", planta segunda; y en la tercera, al fondo, podríamos encontrar una estantería con "Música hecha con las vísceras". Allí habría una foto bien grande de Hanna mirando desde arriba al resto de competidores. Y competidoras.

Porque la música de esta niña de barrio, de autopista de circunvalación y de cordones de zapatillas pisoteados, es la respuesta inconsciente a todas las bofetadas que ha tenido a bien darle el destino. Algunas han sido tan tremendas como escucharla cantar desgarrada, cerrando los ojos y pidiendo explicaciones a nadie en concreto, sabiendo que la niña ya no es tan niña y que canta para que no duela lo que a otros les habría costado la vida. Hanna canta por pura supervivencia.

¿Y qué es lo que canta? Hanna canta calle. Todo el rato. La avenida principal es su voz, que corre el peligro de romperse en cada verso. Esa voz va avanzando por calles hasta llegar a la plaza del hip hop, o edificio del R'n'B, o a la glorieta de la rumba más contaminada por el rock. Es lo que ha escuchado Hanna desde siempre, casi por casualidad. Sentada en los bancos del parque veía pasar coches, con chicos que derrapaban con las ventanillas bajadas y la música a todo trapo. Y de tanto verlos, de tanto escucharlos, un día decidió alargar por su cuenta esos trozos de canciones hasta tener las suyas propias. Sin más medios que su voz y sus manos para marcar el ritmo, cada día se imaginaba así misma cantando delante de miles de personas que la aplaudirían y la tratarían como a una reina. Entonces podría llevar a su abuela a los mejores restaurantes y se alojaría en los mejores hoteles. Pediría comida al servicio de habitaciones e invitaría a todas sus amigas a comer jamón del bueno hasta ponerse moradas. Porque desde su barrio se veía la ciudad a lo lejos y pensaba que en la ciudad estaba todo lo bueno.

Pura Hanna, así se llama el artefacto que tienes entre las manos. Una autobiografía autorizada y no intencionada de lo vivido y soñado por Hanna hasta ahora. Pura Hanna es alcohol sin destilar. Un disco sin cortar, nada literario. Una piedra en el pie que sirve de mensaje. Unas canciones escritas para vivir, no para lucirlas. Pura Hanna es lo que sale cuando uno no tiene ni idea de nada y sólo quiere sacar la cabeza del agujero y ser lo suficientemente libre como para reír sin deberle nada a nadie.

Pagina: http://www.purahanna.net