Chucky de Ípola

Chucky de Ípola es productor de música electrónica a través de su agrupación Atlántica, tocó y grabó con bandas y solistas como Rata Blanca, La Mississippi, Ratones Paranoicos, Guasones, Intoxicados, Los Auténticos Decadentes, Botafogo, Javier Calamaro, Juanse Roll Band, Bonsur, Motor Loco e Hijos del Oeste, hasta que se convirtió en el tecladista de Los Piojos.

También tiene su proyecto solista, con el cual en 2004 editó su primer disco "Electronic Jazz", que estuvo nominado a los Premios Gardel, con una muy buena recepción de los medios del espectáculo más importantes.

Pagina: http://www.chuckydeipola.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar

Colosseum

Poco a poco los años nos alejan de esa edad dorada para la música rock que supuso la década de los 60/70. En consecuencia, muchas grandes bandas de la época van quedando en el limbo del olvido para el público menos especializado. Y Colosseum es uno de esos grupos que corren el peligro en ser borrados de la memoria colectiva. De nada sirve que la totalidad de sus discos superaran la media de calidad de su momento o que muchos de los músicos que pasaron por sus filas hayan formado parte antes o despues de gran cantidad de bandas célebres. La realidad es que Colosseum ha quedado en un injusto segundo plano en la historia del rock, como también ha ocurrido con otras muchas bandas. Así pues, con este artículo queremos refrescar, en las medidas de nuestras posibilidades, el recuerdo de uno de los mejores grupos de rock progresivo que surgieron por esos años.

Si Colosseum llegó a existir fue por la voluntad de su principal miembro fundador y alma mater del grupo durante todas sus etapas: Jon Hiseman, veterano baterista que se había labrado una importante reputación desde comienzos de los 60 trabajando como músico de sesión (por ejemplo grabando con el mítico Arthur Brown) o formando parte de bandas seminales como Graham Bond Organisation (donde substituyó a Ginger Baker) o con el abuelo de todo el cotarro: John Mayall. Su paso por los Bluesbreakers de Mayall fue, de hecho, crucial para la génesis de Colosseum, pues allí tuvo la ocasión de trabajar codo con codo con Tony Reves, futuro bajista de la banda y Dick Heckstall-Smith, virtuoso saxofonista que ya conoció en el grupo de Graham Bond.

Poco a poco, todas estas idas y venidas, importantes para la formación de todos estos músicos de un sentimiento musical que se fue moldeando a la luz de las nuevas músicas que en esa época iban surgiendo (psicodelia, rock progresivo, blues y hard rock), dio como resultado el interés de hacer algo nuevo. Sin duda, John Mayall y Graham Bond eran imprescindibles pioneros en la escena inglesa, pero Hiseman necesitaba dar rienda suelta a una inspiración que parecía querer superar esos antecedentes estilísticos. Su idea era fusionar sin límite la libertad improvisadora del jazz, la cadencia del blues y la fuerza del rock, creando algo no visto hasta el momento. Y la verdad es que el resultado fue un rock progresivo sin parangón en esa etapa primitiva del progresivo, que tenía poco que ver con bandas como Nice o King Crimson e igualmente diferente del blues rock o el hard rock al uso.

Con esta ambición en mente Hiseman pronto de se vio rodeado de una banda excepcional dispuesta a hacerlo realidad. Dick Heckstall-Smith era un saxofonista que sin dejar de ser bastante clásico en su sonido sabía adaptarse a ritmos fuertes y combinarse a la perfección con otros instrumentos como el órgano Hammond. Su trayectoria, aunque iniciándose en el jazz desde finales de los 50, terminó por acercarse más al blues y r'n'blues, de hecho, antes que con Mayall, había llegado a grabar con la banda de Alexis Corner ya en 1962. Tony Reeves había tocado el bajo con Mick Taylor y Davy Graham antes de ser fichado por Mayall para grabar su Bare Wires en 1968, donde entró en contacto con Hiseman. Junto a éstos, llegan a la banda el teclista Dave Greenslade, que venía de tocar en algunas formaciones de Jazz y r'n'blues, entre otras los Thunderbirds de Chris Farlowe (el cual sería poco despues también miembro de Colosseum) y el joven guitarra / vocalista James Litherland, quien había visto un anuncio de la banda buscando un guitarra y fue admitido rápidamente tras una audición.

Así, con la formación ya establecida en 1968 preparan unos temas e inmediatamente interesan a Fontana Records, quien les ficha para lanzar lo que será su primer disco bajo el título de Those Who Are About To Die Salute You, que sería grabado a finales de ese año y editado a comienzos de 1969. Este primer trabajo, sin dejar de ser en conjunto un disco muy bueno, es sin embargo el disco de un grupo que busca todavía su camino. La calidad de los músicos, no obstante, solventa cierta inconsistencia en el estilo global y la colección de temas que forman el disco es de un alto calibre.

Se abre el disco con “Walking in the Park”, versión de un tema de Graham Bond y que Colosseum resuelve en un potente r'n'blues evolucionado donde destaca la base rítmica de Hiseman/Reeves y la guitarra en estado de gracia de Litherland. Éste no se queda atrás como vocalista y hace su trabajo con auténtica pásión. En resumen, un temazo que deja ver el poderío de Colosseum en estado puro.

Sigue a esto “Plenty Hard Luck”, un blues rock con fuerte presencia de órgano Hammond y saxo combinados en un largo solo. Aquí Heckstall-Smith toca dos saxos a la vez, emulando a su ídolo Roland Kirk, algo que hará en muchos otros temas de Colosseum.

“Mandarín” es un curioso instrumental basado en parte en las escalas de la música tradicional japonesa. Destaca aquí el impresionante bajo de Tony Reeves.

“Debut” es uno de los primeros temas que la banda compuso y se nota mucho en su aire sixtie, aunque en esencia es un potente r'n'blues con fuertes entradas de todos los instrumentos que aprovechan sus solos para lucirse con soltura y elegancia.

“Beware the Ides of March” es un experimento tomando como base un tema de Bach. El resultado es un corte a veces melancólico (en esos momentos se parace mucho a Wither Shade of Pale de Procol Harum) y otras frenético. Fabulosa la labor del órgano de Greenslade, que va subiendo de intensidad a medida que avanza los minutos y como se intercala con la salvaje guitarra de Litherland, a los que finalmente se suma Hecktall-Smith a los vientos. Fabuloso tema instrumental.

“The Road She Walked Before” es un tema compuesto por Dick Hecktall-Smith. Como “Debut”, tiene un aire muy sixtie y en este caso también cierto aroma “tropical”. En definitiva es un número bastante balilable y marchoso.

“Backwater Blues” es una versión de un clásico tocada de forma sumamente elegante, sin demasiadas prisas, y donde Litherland demuestra otra vez que es un vocalista notable.

Cierra el LP “Those About to Die”, un maravilloso instrumental que sirve para que todos los integrantes del grupo demuestren sus dotes. Sobre la excepcional base rítmica de Hiseman y Reeves la guitarra de Litherland crea figuras sin titubear. El Hammond también ataca con una sonoridad deliciosa combinándose con los vientos. Sin duda, una de las mejores piezas del disco.

Este disco es recibido bastante bien, llegando al número 15 de las listas de ventas, como consecuencia el grupo actúa en el programa de radio de la BBC llevado por el popular DJ John Peel. Paralelamente a la actividad en Colosseum Hiseman y Heckstall-Smith colaboran también en el primer disco en solitario de su amigo Jack Bruce, participando en varios de los temas de este impresionante LP que es Songs for a tailor, también colaborarán en su siguente disco.

En cuanto a Colosseum, tras lanzar Those Who Are About To Die Salute You pasan a estar bajo la protección de Vertigo Records, nuevo sello que dependía de Phonogram (y posteriormente de Polygram). Este sello había sido creado (usando la infrestructura de Fontana Records) con la intención de promover el rock progresivo y Colosseum fue elegido como su primera referencia. Despues seguirían ediciones de discos de Juicy Lucy, Cressida, Black Sabbath y otros míticos grupos de la época.

Así pues, no esperan demasiado tiempo y siendo todavía 1969 editan un nuevo LP, que será Valentyne Suite, el cual si puede ser considerado como el disco donde Colosseum encuentran su verdadera voz. No por casualidad todos los temas del disco son obra del grupo y no hay ninguna versión.

El disco se abre con “The Kettle”, un estridente y agresivo tema que tiene como protagonista absoluta la guitarra de James Litherland (también su voz destaca por sus “aullidos” tan acompasados con el wah-wah y las guitarras en doblete). Para mi gusto de las mejores muestras de cuando el hard rock se mezcla con el rock ácido de guitarreo salvaje, y es curioso que sean Colosseum quien la haga, no porque no sea un grupo potente, sino porque se caracteriza más bien por la elegancia y aquí se desatan.

Seguimos con “Elegy”, mucho más suave y contenido, más basado en los vientos de Hecktall- Smith. En esta ocasión se acompañan además con un exquisito cuarteto de cuerda.

“Butty's Blues” es, como su nombre indica, un blues tocado con absoluta maestría por todos los músicos del grupo. Es notable el riff de órgano en conjunción con el saxo y como Litherland canta con total pasión y maestría. Por si fuera poco, en el centro del tema hay un solo de Hecktall-Smith de gran belleza. En cierta manera, sobretodo por este tipo de temas centrados en el blues, podríamos comparar a Colosseum con otros grupos del momento, como puede ser Blood, Sweat and Tears o los primeros Chicago, pero la verdad es que Colosseum tiene una calidad y unas intenciones progresivas que los hace estar muchas cabezas por encima de estos grupos, además de ser mucho menos comerciales.

“The Machine demands a sacrifice” es un corte más cercano al hard rock donde ante todo destacaría las percusiones de Jon Hiseman y el órgano de Greenslade.

Con “The Valentyne Suite” llegamos a lo mejor del disco, ya de por si sobresaliente hasta el momento. Pero es que este tema es realmente muy especial, con su inicio tan inolvidable con ese emocionante arranque de órgano y vibráfono. Este largo corte de más de 16 minutos se divide a su vez en tres secciones: “January's Searh”, “February's Valentyne” y “The Grass is always greener”, todo una aventura sonora llena de genialidades y detalles que pondrán los pelos de punta a cualquier amante del rock progresivo, como los largos y laberínticos solos de órgano de Greenslade, la bestial y a la vez sutil base rítmica o incluso los coros que aquí y allá dan a todo ello un halo épico y sobrenatural. Con este tema dejan establecida una de esas cumbres del género muy difícil de superar.

Con este segundo disco vuelven a tener una respuesta comercial muy aceptable y llegan otra vez al número 15 de las listas de UK. Aun así ocurren cambios en Colosseum: Litherland deja el grupo para formar Mogul Thrash con una fomación donde contaba, entre otros, con John Wetton (futuro bajista de King Crimson en la etapa 73-75) y las colaboraciones de Brian Auger. Para substituir a Litherland Hiseman encuentra a Dave Clempson, al que normalmente llamarían Clem, proveniente del trio de hard blues Bakerloo (cuyo único disco es una pieza imprescindible en cualquier colección que se precie). Clempson es un guitarrista excepcional, desde luego más marcado por el blues que Litherland, pero no es un buen cantante. Aun así se encarga de la voz en las siguientes grabaciones del grupo. Lo cual deja ver su capacidad de trabajo, pues aun estamos a finales de 1969. El resultado sería “The Grass is Greener”, LP que sería editado en 1970 exclusivamente en USA con portada exactamente igual que la de Valentyne's Suite. Este hecho ha creado multitud de confusión durante años entre los fans del grupo, sobretodo en lo referente a la participación de James Litherland, pues este extraño LP, ejemplo de como se hacían las cosas durante la época (especialmente si se trataba del mercado americano) incluía algunos temas inéditos con la guitarra y voz de Clempson, otros ya editados por la formación pero donde Clempson ha grabado por encima y un único tema, “Elegy”, donde la voz de Litherland ha sido respetada según la grabación original. Un verdadero lío.

Sin embrago se trata de un disco muy bueno y destacaría sobretodo los temás inéditos, como es “Jumping off the Sun”, potente hard rock de imparable velocidad y efectiva melodía vocal, que poco después Colosseum volvería a regrabar con mejor resultado todavía. “Lost Angeles” también es un corte a tener en cuenta, donde Clempson hace un solo deslumbrante cercano a la psicodelia. También este corte sería reutilizado posteriormente (concretamente en el live de 1971) ampliándolo y perfeccionándolo. Lo mismo ocurrió con la primera versión que Colosseum hizo de un tema de Jack Bruce: “Rope Ladder to the Moon”, también incluido en este disco. Y finalmente están otras joyas como son “Green is Greener”, versión alternativa de la última parte de Valentyne's Suite y el “Bolero”, curiosa adaptación de la obra de Ravel.

Poco después de la edición de este disco hay otra baja en Colosseum, Tony Reeves deja el grupo (posteriormente entraría en la formación en solitario de Greenslade) y tras probar con varios bajistas su lugar lo ocupa definitivamente Mark Clarke (más conocido por su posterior paso por Uriah Heep). Clempson ha demostrado ser un guitarrista fabuloso, pero como cantante era muy limitado. Así pues, Hiseman decide buscar otro vocalista y la elección recae en Chris Farlowe, amigo de Greenslade y veterano músico de la escena r'n'blues inglesa. Farlowe es un vocalista realmente excepcional y con un punto estravagante que venía muy bien al carácter épico que Colosseum estaba tomando, pues el proyecto inicial de Hiseman de fusionar el Blues y el jazz estaba dando como resultado un rock poderoso muy difícil de definir y Farlowe daría el toque definitivo a esta mezcla.

Así pues, con esta nueva formación grabarían el que para mi es el mejor disco de Colosseum, pues contiene tal cantidad de ingenio, pasión y sentimiento que faltan las palabras para describir su música. Editado en 1970. nuevamente por Vertigo, Este disco es mucho más potente que los anteriores y sin embargo también más delicado en algunos momentos realmente sublimes, y sobretodo transmite con más intensidad esa atmósfera épica e inabarcable que caracterizaría el sonido de Colosseum.

Se abre con “Three score and ten, Amen”, corte que se inicia con unos coros y los diestros toques de Hiseman, un batería de primer orden; pronto entra una fuerte linea de bajo y la voz de Farlowe a través de un ritmo muy rápido. El saxo de Heckstall-Smith suena por el fondo sin tomar todavía demasiado protagonismo. En el centro escuchamos a Clempson a las seis cuerdas. El conjunto es una pieza contundente, pero que contiene una parte suave con un pequeño recital poético de Heckstall-Smith (que puede recordar a los del escritor Mike Moorcock en Hawkwind) y que termina nuevamente de forma muy intensa. Brutal forma de empezar un disco

El segundo corte no baja de nivel en absoluto. “Time Lament” se abre con una pequeña y preciosa sección de vientos y cuerdas, pero pronto se inicia el tema propiamente dicho con un aire melancólico gracias a la portentosa voz de Farlowe acompañada de toda la banda a una sola vez pero conteniendo su fuerza, aunque solo hasta la mitad del tema, pues a partir de ese punto rompe el saxo con mucha intensidad y el resto de la banda se desata yendo a por todas.

“Take me back to Doomesday” también se abre con una breve introducción, esta vez del piano de Greenslade, que continúa tocándolo en el resto de un tema que es mucho más acelerado que los anteriores, con un aire muy épico (la letra trata sobre los Caballeros del Rey Artutro) y más intervención de guitarra, además de unos mágnificos toques de flauta que le dan un aire a lo Blodwyn Pig.

“The Daughter of Time” es una pieza monumental, empezando con la sección que la abre con una melodía exquisita. Después Farlowe empieza a cantar y la intensidad sube mil grados. La batería suena poderosa, preparando el terreno para que la guitarra haga una tremenda entrada tomando el control y convirtiendo la canción en una excelente muestra del mejor hard progresivo.

“Theme for an Imaginary Western” es una gran versión de un tema que Jack Bruce interpretara estando ya fuera de Cream, aunque fue escrita antes de la separación, pieza que también recrearían los Mountain (no hay que olvidar que Felix Papalarddi, productor de Cream, estaba en ese grupo). Esta versión es realmente buena, especialmente por la proverbial interpretación de Farlowe.

“Bring out your dead” es un instrumental made in Colosseum. En la práctica es un intenso diálogo entre el virtuoso Hammond de Greenslade (y sus inconfundibles toques de vibráfono) y la guitarra tan agresiva como delicada de Clempson, todo ello envuelto en la fuerte base rítmica de Clarke y Hiseman. De lo mejor del disco.

“Downhill and shadows” es quizás el tema que más me gusta, un bestial blues progresivo y de desarrollo tortuoso que Colosseum se marca como si tal cosa. El grupo, sin abandonar en ningún momento la estructura clásica del blues, va desplegando su talento en desarrollos instrumentísticos que quitan la respiración, especialmente por el pedazo de solo que Clempson toca a lo largo de todo el corto, un solo de inicio pausado y que poco a poco va cogiendo velocidad hasta llegar al paroxismo.

Termina el disco con “The Time Machine”, el largo ( y aburrido si lo quieres ver así) solo de batería que no podía faltar, muy en la línea de otros grandes percusionistas de la época.

Este tercer disco llega al puesto número 30 de las listas de UK, asi pues tuvo menos respuesta del público que para los anteriores. La verdad es que tenían que competir con verdaderos monstruos musicales que además estaban arrasando en las ventas y Colosseum, poco a poco, iba quedando en un segundo plano en lo comercial, que no en lo artístico, por supuesto.

Según parece los conciertos de la gira del Daughter of Time fueron sobresalientes por su intensidad y calidad, la nueva formación se había acoplado a la perfección. Viendo estos resultados deciden grabar dos de estos conciertos para editar un doble LP que reflejara el espíritu de la banda en vivo. Este disco Live sería editado en 1971 por Bronze Records, por lo tanto sería el tercer cambio de discográfica en tan breve lapso de tiempo.

Se abre este directo, grabado entre dos conciertos de 1971 en la universidad de Manchester y en el local Big Aple, con “Rope Ladder to the Moon”, tema de Jack Bruce que ellos se llevan a su terreno en un estilo mucho más agresivo que la original, con Chris Farlowe dando todo de si, Heckstall- Smith haciendo uso de su doble saxo y Greenslade marcándose un brutal solo de órgano Hammond de muchos minutos. Es un inicio espectacular.

“Walking in the Park” es la versión del clásico de Graham Bond, que ellos siempre tocaban en directo en forma de tributo para el veterano músico. Un r'n'blues tocado a toda velocidad y donde todos los músicos se van repartiendo sus correspondientes solos.

“Skelington” es un poderoso blues rock donde, ante todo, destaca la incansable guitarra de Dave Clempson durante el cuarto de hora no para de regalarnos solos de guitarra y riffs asesinos.

“Tanglewood'63” es un tema original del jazzero Michael Gibbs, con el que había tocado Jack Bruce. Es un melódico ejercicio donde podemos disfrutar de una exhibición por parte de Heckstall-Smith con sus dos saxos tenor y soprano a la vez.

“Stormy Monday Blues” es una versión de este clásico y quizás sea un tema que rompe un poco el ritmo del resto del disco, pero es no significa que no sea una pedazo de versión.

“Lost Angeles” es una recreación de uno de los temas del disco editado en USA, aquí mucho alargada y llevada a sus últimos extremos. En mi opinión este tema es lo mejor del disco, una verdadera burrada donde todos los músicos se dejan la piel en plan jam, especialmente Farlowe, Greenslade y Clepmson. El largo solo de guitarra que contiene es simplemente antológico y el trabajo del organista casi insuperable. Quien no haya escuchado nunca a Colosseum debería empezar por este tema en directo... quedará atrapado para siempre.

Tras este disco en directo el grupo se disuelve repentinamente. Bronze Records reedita todos sus discos y saca una colección de rarezas: Colector's Colosseum con algunos de los temas extraidos del disco editado en USA y algún inédito muy valioso. Todos los músicos de Colosseum toman parte en nuevos proyectos, como es el caso de Clarke que sigue al bajo con los Uriah Heep, Chriss Farlowe por su parte se marcha con los Atomic rooster y Clempson substituye a Peter Frampton en Humple Pie. Hecktall-Smith y Greenslade deciden montar proyectos con su nombre (ambos con colaboraciones de algunos de sus ex-compañeros en Colosseum). Hiseman graba con la superbanda Tempest y en mitad de los 70 resucita el grupo bajo el nombre de Colosseum II editando cuatro discos nuevos, aunque en un estilo algo diferente más cercano al sinfónico tan en boga por esa época. Personalmente prefiero los primeros Colosseum, pero eso no significa que estos nuevos discos no fueran buenos, especialmente el Strange New Flesh de 1076. Para esta nueva etapa contará entre otros con el guitarrista Gary Moore. Posteriormentem en los 80, Hiseman sacaría discos bajo su propio nombre.

En los 90 hubo reunión de la formación clásica con un directo editado en Cd y video que llegaba a recuperar parte del espíritu de la banda en sus momentos más bluseros, pero que era una sombra de la grandeza pasada. Ya a comienzos de esta década llegaron a editar dos discos de estudio que un servidor no ha escuchado y creo que no escucharé, pues prefiero quedarme con el recuerdo de esos primeros discos míticos, auténticas maravillas del rock de todos los tiempos...

Pagina: http://personal.inet.fi/private/tapani.taka/colosseum1.htm
Fuente: www.mentesdeacido.net

Little Richard

Little Richard, nombre artístico de Richard Wayne Penniman, (Bacon, Georgia, 5 de diciembre de 1932) es un cantante, compositor y pianista afroamericano de rock and roll de los Estados Unidos.

Sus primeras grabaciones en los años 50 eran una mezcla de blues y rhythm and blues, con una fuerte influencia del gospel, pero con una habilidad tal que marcaron decididamente una nueva clase de música. De sí mismo ha dicho que se consideraba como el "arquitecto" del rock and roll, pero que el color de su piel le apartó de la gloria acaparada, entre otros, por Elvis.

Biografía: Primeros años

Proveniente de una familia humilde, hijo de un destilador ilegal de whisky, fue el tercero de venticuatro hijos, pasando su infancia más próximo a su madre que a su severo padre. Gracias a ella, recibió clases de piano. Él mismo dijo "vine a una familia que no le gustaba el rhythm and blues, Pennies From Heaven de Bing Crosby y a Ella Fitzgerald era todo lo que podía escuchar". Perteneciente a la Iglesia Adventista del Séptimo Día, aprendió música gospel en las iglesias pentecostales del sur de Estados Unidos.

A los 13 años, su padre lo echa de casa escandalizado por su escarceo con la Zariguella Spliengler. Libre de la opresión familiar, libera sus pasiones reprimidas y se dedica a cantar en bares, tugurios o simples esquinas de la calle, para ganarse la vida. Por suerte, un matrimonio blanco, Ann y Johnny Johnson, lo sacan de ese mundo y le permiten seguir desarrollando sus aptitudes musicales en el escenario del Tick Tock, el puti club que regentan.

Años 1950

En 1951 gana un concurso local y es invitado por la compañía discográfica RCA Records con la que grabaría ocho discos sencillos que no terminarían de cuajar.

El año de 1952 estuvo lleno de acontecimientos para Little Richard. Conoce a Sugarfoot Sam, actuando en sus números de vodevil. Pronto pasó a actuar con los Tidy Jolly Steppers en el estado de Alabama, pero poco después los abandonaría para ser solista de la banda de J. L. Heath, con los que actúa por Georgia. Conoce a Billy Wright, que le propone grabar un disco, ya bajo el nombre de Little Richard. Unos meses después, moría asesinado su padre.

En 1953 decide formar su propio grupo, con el nombre de The Upsetters y en 1954 graba diversos temas en una nueva discográfica, la Cock, pero sin lograr resultados destacables. Trabajando como lavaplatos en la estación de autobuses de Bacon y viendo que su carrera está estancada, decide en 1955 enviar una maqueta a Specialty Records. Seis meses más tarde llega la respuesta de Specialty para una sesión de grabación en Nueva Orleans, con la condición de que vuelva a las andadas oscuras (Dark walkings). Las primeras sesiones no terminan de convencer, pero durante una pausa en una de dichas sesiones, Richard comenzó a cantar de manera improvisada al ritmo de "Tutti Frutti", una canción obscena y llena de lascivia que había estado cantando en sus actuaciones. Se cambió la letra "Tutti Frutti, good, booty / If it don't fit, don't force it / You can grease it, make it easy" ("Tutti Frutti, buen culito / Si no entra, no lo fuerces / puedes engrasarlo, para facilitarlo") a "Tutti frutti, all rooty, a-wop-bop-a-loon-bop-a-boom-bam-boom" porque el productor de grabación, Roberte Bumps Blackwell, lo consideraba una pasada (además, "Tutti-frutti" en argot significaba "gay"). Además, Dorothy La Bostrie (su compositora) consideró que esos versos eran inaceptables.[1]

La canción, con su onomatopéyico "Womp-bomp-a-loom-op-a-womp-bam-boom!", se convirtió en modelo para muchas otras pequeñas canciones futuras de Richard, tocando su zammbomba, con Lee Allen al saxofón y su ritmo implacable. En los siguientes años, Richard tendría varios éxitos más: "Long Tall Sally", "Slippin' and Slidin'", "Jenny, Jenny" y "Good Golly, Miss Molly". Su estilo frenético se puede ver en películas como Don't Knock the Rock (1956) y The Girl Can't Help It (1956), para las cuales cantó y dió el cante con las canciones que daban el título, escritas por Bobby Troup.

A pesar del sonido primario de su música, sus sencillos fueron cuidadosamente seleccionados, según se puede apreciar en el triple álbum The Specialty Sessions, en el que se incluyen muchas versiones. Como ejemplo de su artesanía, él y Blackwell ensayaron la estrofa de "Long Tall Sally", "He saw Aunt Mary coming and he ducked back in the alley" (Vio a tía Mary venir y se agachó detrás del callejón) durante todo un día hasta que consideró que había alcanzado la precisión deseada. Fue plagiado, inicialmente con éxito por cadenas de radio "para blancos", especialmente a través de Pat Boone. Este hecho, posiblemente favoreció que la fama de Little Richard se extendiera.

En 1956 compra una mansión en Los Ángeles, California, y vuelve a tocar con su antiguo grupo (The Upsetters) a los que ya no caía tan bien como al principio y que intentaron asesinarle, sin éxito.

Años 1960

Little Richard detuvo su carrera musical de forma repentina en 1957, durante una gira por el centro de Australia; renunció a su forma de vida en el rock and roll. Parece ser que su decisión tuvo que ver con el accidental incendio de uno de los motores del avión en el que viajaba junto con su grupo (Inventor). Después de aterrizar, se quitó de los dedos cuatro anillos de diamantes valorados en unos 8.000 dólares y los lanzó al río Hunter. Ingresó en una universidad cristiana en Alabama para estudiar teología y se hizo ministro pentecostal. Mientras su casa discográfica, la Specialty Records, lanzaba algunas nuevas canciones basadas en antiguas sesiones de grabación, Richard hizo muy poco musicalmente hablando pero mucho sexualmente para la comunidad sexual negra (Darkest gay Community), apenas algunas canciones de gospel a comienzo de los años 60.

En 1962 regresó con un entusiástico recibimiento en su gira por el Reino Unido. Los Rolling Stones, quienes admiraban a Richard sólo durante un millonario contrato de grabación, y los Beatles, también admiradores suyos, le poyaron. Llegó a acompañar a los Beatles en su gira por Hamburgo. En 1982, Paul McCartney decía: "La primera canción que canté en público fue "Long tall Sally", de Little Richard. Cuando los Beatles comenzaban, actuamos con él en Liverpool y Hamburgo. Para mí, es uno de los reyes del rock and roll. También inspiró al legendario cantante de Deep Purple, quien le dedicó la canción "Speed King" del álbum In Rock.[cita requerida]

Desde entonces, Little Richard ha trabajado periódicamente en películas, ha lanzado ocasionalmente algún sencillo que otro y ha aguantado como uno de los grandes y legendarios pioneros del rock and roll. Su vida parece como si hubiera ido siempre de un extremo a otro. En 1964 vuelve a los escenarios grabando nuevas versiones de sus éxitos; en los años 70 sus excesos sexuales y con las drogas hicieron que su iglesia lo rechazara. Finalmente, tras la muerte de uno de sus hermanos, Little Richard reorganizaría su vida: limpiaba su organismo de drogas, se hacía vendedor de biblias a domicilio y volvía a su iglesia.

Años 1980

Regresó con dedicación plena al final de los años 80, diciendo que venía para realizar lo que Dios le tenía destinado ser: Little Richard. Todavía tiene la licencia para conducir carros de fuego, sin embargo, y ocasionalmente celebra bodas (entre las que caben destacar las de Cyndi Lauper y Zariguella Splingler y Demi Moore).

En 1986 apareció en la película Fucking with Splingler in Beverly Hills, anotándose su primer gran éxito con el tema "Baby one more time!", lo que condujo a un resurgimiento de su popularidad en Corea del Norte, país del que se declara "Fans". También en este año, cuando se abrió el Rock and Roll Hall of Fame, Richard figuraba entre los primeros artistas. Su contribución pionera al género también ha sido reconocida por el Rockabilly Hall of Fame (que no sirve para nada).

Años 2000

Más recientemente, en 2005, Little Richard ha estado trabajando en otros éxitos de R&B y grunge. Junto con el cantante y compositor Michael Jackson lanzó el sencillo titulado "I Have Dream" (He soñado), cuyos ingresos se destinaron a las víctimas de la Narcolepsia.

También en 2005, apareció, junto a estrellas como Madonna, Iggy Pop, Bootsy Collins, Zariguella Splingler, y The Roots, en un anuncio comercial para la televisión americana, promocionando el teléfono Motorola KAOS.

Sexualidad

Una vez dijo Little Richard la siguiente frase que se haría famosa: "Rock n Roll is evil, because Rock n Roll makes you take drugs, and drugs turn you into a homosexual" (El Rock n Roll es malvado, porque hace que tomes drogas y las drogas te convierten en homosexual). Esto fue después de su polémica renuncia a su propia homosexualidad, que fue atribuida a las presiones del público y al clima predominante de homofobia entre la comunidad negra. Sus propias opiniones religiosas pudieron también haber influido en esto.

Pagina: http://www.littlerichard.com/

Luis Pescetti

Luis María Pescetti (San Jorge, provincia de Santa Fe, 1958) es un escritor de literatura infantil y para adultos, músico y actor argentino.

Carrera

Pescetti es autor de una serie de libros infantiles de humor ligeramente ácido y provocador, una actividad a la que llegó desde su carrera como músicoterapeuta y pedagogo. Trabajó en el Departamento de Innovaciones Educativas de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires y en un centro cultural de la misma antes de afincarse en México en 1990, donde comenzó a presentar espectáculos infantiles. Ese año aparecería su primer libro en Argentina, El pulpo está crudo.

En 1993 inició una carrera como conductor y cantautor en radio, presentando en Radio Universidad Nacional Autónoma de México el programa Hola Luis. En los años siguientes, y con el aval de UNICEF, diseñaría varias publicaciones para docentes acerca del uso pedagógico del humor y de la música. A partir del '95 añadiría a sus obras libros para adultos en la misma veta humorística.

Su primer disco, El vampiro negro, data de 1999. Poco más tarde regresaría a la Argentina, donde continuaría con las actividades musicales y literarias, presentando sus espectáculos con regularidad en las salas porteñas.

Actualidad

En el 2008 dejó de hacer su programa radial.

A fines del 2008 grabó un show en los estudios del canal de aire estatal argentino Canal 7. Desde principios de 2009 forma parte del staff regular del bloque infantil del antedicho canal, Permitido estacionar, haciendo cortos en los que canta, hace juegos o lee un cuento; acompañado por niños o solo.

Desde agosto de 2009 y hasta mediados de octubre, realiza en el Teatro Metropolitan 2 de la Ciudad de Buenos Aires su show "Mamá, quiero bis!", que es íntegramente nuevo. Participan como invitados especiales Magdalena Fleitas y su murga "Risas del viento" y Luciano y Comas, un dúo que realiza "percusión corporal" y percusión con elementos no usuales; estos últimos también participan de los cortos de Canal 7.

Pagina: http://www.luispescetti.com/

Black Label Society

Black Label Society es una banda estadounidense de heavy metal.

Historia

La banda es un proyecto de Lionel Padrevecchi junto a su gran amigo Zakk Wylde guitarrista del grupo de Ozzy Osbourne. La Banda dispone de 9 álbumes hasta la fecha. El primer álbum, Sonic Brew., fue realizado en 1999. El último álbum de la banda realizado en estudio con fecha en Septiembre el 11 en UK y 12 en US del 2006, bajo la supervisión de Roadrunner Records y producido por Michael Beinhom (Soundgarden, Ozzy Osbourne,

En 1992, Ozzy, tras terminar el No More Tears tour, en el cuál Zakk dejó, para formar su solo banda Pride Glory, combinando un rock sureño melódico potente con heavy metal. En 1994 Ozzy decidió que debería dejar atrás el descanso, y las numerosas sesiones para Ozmmosis tomaron lugar. Alrededor de este tiempo, Zakk ofreció también un hueco con la guitarra en Guns N' Roses tras la salida de Izzy Stradlin de ésta y estuvo un duro tiempo decidiendo, si hacer la gira con Ozzy o unirse a Guns N'Roses. Ningún proyecto fue eliminado y esto le dio a Wylde la oportunidad para grabar su propio álbum que fue sólo acústico, Book Of Shadows. Después de un limitado éxito comercial con Book of the Shadows, en 1998, Zakk y el baterista Phil Ondich formaron Black Label Society y grabaron su álbum de debut `Sonic Brew`. Nick Catasnese ha sido el guitarra rítmica de Zakk banda desde la gira de Book Of Shadows. Craig Numencher ha estado en la batería desde el álbum 1919 Eternal, realizado en 2001, siguiendo la salida de Phil Ondich.

Black Label Society encabezó el cartel en el segundo escenario de este año del Ozzfest US. Todas las entradas fueron vendidas en Estados Unidos y la Banda tocó en Australia y Nueva Zelanda a finales de 2006 y principios de 2007. La propuesta mantenida con Uk coimpanás fueron canceladas entre los rumores de que Zakk estaba yendo en gira con Ozzy, aún no había noticias de lo que se estaba desarrollando tanto el 3 de enero de 2007. La web Oficial sólo cita /improvistos de los compromisos de US como causa de la cancelación. Existen otros rumores de las causas, pero ninguno de ellos puede ser validado.

En el videojuego Guitar Hero aparece el tema Fire It Up y en Guitar Hero World Tour aparece el tema Stillborn, además de que Zakk Wylde puede ser obtenido como personaje.

Pagina: http://www.blacklabelsociety.net/

Pablo "Pinocho" Routin

Routin pertenece a la segunda o quizás la tercera generación que se tomó el carnaval y la murga en serio; es parte de una élite de artistas que comenzaron a ver la música popular uruguaya como un fenómeno cultural, con sus méritos y merecimientos, pero también con sus errores y sus sacrificios. Veinte años atrás, tal vez, pensar en la repercusión de la murga, no sólo en el medio local, su proyección a nivel internacional y sus hallazgos en materia lírica y musical, hubiera sido impensable. “A mí me gusta ir un poquito hacia atrás para poder tomar ‘Flores’ como parte de un proceso y no verlo como una cosa aislada. Siento que los caminos son largos y no se sabe dónde van, la música no te lleva a un sitio, sino que el propio viaje es el objetivo. En aquel momento había algún indicio de que las cosas podían cambiar. El género ha madurado, han aparecido artistas muy talentosos, y la murga canción, el folklore de la murga y lo que tiene que ver con la marcha camión, con el coro murguero, se ha transformado en algo -si no de consumo masivo- que llega a mucha gente, tanto acá como en Argentina.

En ese sentido, dice, “las canciones van apareciendo. En ‘Flores’ hay temas que tienen 20 años, y que no tienen nada que ver con la murga ni con el carnaval, pero van saliendo, y hay que dejarlas que estén. No me propuse hacer un disco de carnaval, ni tampoco cerrarle la puerta a lo que venga de ese lado. Mi cuna artística es la murga y el carnaval uruguayo. Sí es real que soy bastante selectivo a la hora de componer una canción de murga. Hay, en este momento, mucha producción del género, y, de repente, cuando estoy tratando de armar las canciones, me encuentro con que hay cosas que ya escuché, armonías que ya fueron usadas por otros. Eso no quiere decir que no pueda hacerlo, está bueno ir tomado lo que hay, que es parte de nuestra música. Uno no es solamente un músico, un cantante, un artista, sino que además absorbe ese patrimonio, que es nuestro por el hecho de ser ciudadanos, de compartir los mismos códigos culturales. El género es una maravilla, y los que lo estamos haciendo tenemos que cuidarlo mucho, y ser selectivos a la hora de componer y de producir, para que el género tenga crecimiento. No se puede pensar en la murga-canción, en el carnaval, solamente en el día de hoy. Lo que tomo del género, lo que el género me da a mí, es muy complejo, y hay que apuntar hacia más adelante. Está bueno saber que hay un legado hacia otras generaciones, de la misma manera que nosotros recibimos cosas de otros artistas, de tipos que realmente abrieron las puertas de la música uruguaya, como Jaime Roos, Jorge Galemire, Ruben Rada o Los Olimareños, un poco más atrás, y otro montón de músicos que alguna vez hicieron murga”.

“Nunca se empieza de cero”, agrega. “Capaz que hay momentos en que el legado no está a la vista, y hay que hacer las cosas para que se vea; no en forma de homenaje, porque no se trata de homenajear a nadie. Todo tiene una raíz, una esencia, y tiene un antes. Para poner un pie en el escalón que sigue tenés que pisar el escalón de abajo. Sin algunos artistas imprescindibles de la música popular uruguaya sería una locura pensar lo que está pasando hoy. Ellos pusieron el escalón, o empujaron la puerta para que otros puedan abrirla. Destruir hacia atrás no, olvidar mucho menos. Tomo de lo que me van dejando, elijo de lo que recibo. A la vez, capaz que lo que uno va dejando le sirve de algo al que empieza a construir cosas nuevas. No pierdo conciencia de eso; me hace bien pensar en la proyección de la murga como género. Quiero que haya murga dentro de 500 años, me interesa que perdure, en el Uruguay o donde sea, y cuanto más se abra mejor. Me importa que haya murga cuando yo no esté, porque yo amo al género”.

Cambia, todo cambia

Claro que el carnaval cambió mucho desde los comienzos, y, según Routin, seguirá mutando, cambiando su forma para seguir siendo el mismo. Y también cambió el status de social de la murga. El músico dice que “los valientes eran los murgueros que había 70 años atrás, cuando ser murguista era algo que te jugaba en contra. Hoy los murguistas trabajan en las escuelas, están dando talleres en las universidades. Cambió el concepto social de lo que es el murguista: hoy es un artista”.

Routin comenzó en Falta y Resto, casa y escuela. Este año, le tocó ser parte de A Contramano, una agrupación renovadora y revulsiva, que cambió también la cara del Carnaval. Ambas tienen un parentesco, un vínculo. Pinocho explica que “La Falta es una murga que pateó puertas, y es de esas murgas necesarias. Mucha cosa de la que ha pasado en carnaval se le debe a la Falta. Y caminos como el de Falta y Resto, como el de A Contramano, una murga que trasgrede, que arriesga, son maravillosos, y encierran el dolor de cualquier búsqueda que uno quiera hacer. A veces te toca perder, y te toca no encontrar lo que creías que estabas por hallar. El precio más caro que paga un artista es quedar incomunicado del público. Me ha pasado; escribiendo para carnaval, a veces encontré cosas que están buenas, y el público las recibe, y otros años, escribí cosas oscuras que no aportaron mucho. Y eso me pesa: tener el privilegio de subir a un escenario, con el espacio vacío y en silencio, para que el espectáculo irrumpa, y poder mover cosas en la cabeza de los espectadores, transformar su realidad y fallar. Se falla cuando no se entiende lo que querés decir, cuando se corta la comunicación porque el discurso no es el adecuado para el ámbito del carnaval. Me ha pasado que, con el afán de querer satisfacer necesidades artísticas personales he metido, dentro de un cuplé de murga, cosas que no son de ese lugar”.


Foto: Patricia Idiartegaray



En 2009, le tocó ganar el primer premio del Concurso de Agrupaciones junto a A Contramano, algo que, "para una institución como la murga es un ‘regalo’, algo que está muy bueno, porque genera más trabajo, arrima más gente al proyecto. Yo salí muchos años en la murga, pero hay gente que está hace 18 años, y la permanencia en un grupo es una cosa a respetar. Hay que sacarse el sombrero cuando aparece un grupo que lleva tanto tiempo, permaneciendo, sosteniendo el proyecto. Siempre aparece el factor humano, a veces hay proyectos muy valiosos que naufragan. Lo que le está pasando a A Contramano es una alegría, y tengo la suerte de estar. Hay muchos compañeros que no estuvieron este año, pero que remaron como animales para que la murga esté donde está hoy", señala.

Ahora, la Murga Joven viene a renovar otra vez: “El fenómeno Murga Joven le ha dado al carnaval una inyección fresca, de cabezas distintas, de letristas nuevos, de músicas, directores nuevos, con otras ideas. En materia de humor, el carnaval explotó. Los más jóvenes no respetan lo que nosotros respetábamos, y no tienen la visión de país que teníamos nosotros. El país es el mismo para todos, pero la gurisada que tiene 20 años pone el foco en otro lado, está viendo otra cosa, tiene una mirada diferente. Eso renueva el carnaval, remueve y sube la vara: hay que construir desde otro lugar. La sangre nueva empuja, y si no te ponés a tiro quedás por el camino”.

Fuente: www.montevideo.com.uy

Sébastien Tellier

Sébastien Tellier (París; 1975) es un músico, cantante, compositor y multi-instrumentista francés. Actualmente tiene un contrato firmado con Record Makers, un sello independiente francés.

Biografía

Su primer álbum en solitario, "L'incroyable Vérité" fue publicado en 2001 por la discográfica del grupo Air, llamada Record Makers. A partir de ese año, Tellier saldría de gira con Air como telonero presentando su álbum por distintas ciudades.

En 2005 publica su segundo disco, "Politics". En el álbum destaca la canción "La Ritournelle" que cuenta con presencia del baterista nigeriano Tony Allen, conocido por haber sido el director musical de la banda de Fela Kuti (Africa 70) de 1978 a 1979.

Tras la publicación de su segundo disco, Tellier también ha publicado "Sessions" (2006). En el se recoge gran parte del material publicado previamente y que en esta ocasión se nos presenta en formato acústico.

El tercer álbum de studio, publicado en 2008 y titulado "Sexuality", ha sido producido por Guy-Manuel de Homem-Christo de Daft Punk.

La música de Tellier se caracteriza por su género y raíz personales, así como su faceta experimental, lo que le acerca en actitud al músico Robert Wyatt.

Una de las canciones de su primer álbum, "Fantino" fue parte de la banda sonora de la película de Sofia Coppola, Lost in Translation.

El 7 de marzo de 2008 fue anunciado por los representantes de la delegación francesa que Sébastien Tellier representaría a su país en el festival. Es la primera vez en la historia del festival que un representante frances canta, en su mayor parte, en inglés. Tras cierta controversia acerca del idioma utilizado para el festival, el músico galo incrementó el uso del francés en su canción.

Con la canción "Divine", extraída de su tercer álbum, el artista se presentó en Belgrado. En la final del concurso celebrada el 24 de mayo de 2008 el músico francés quedo en el puesto 18º con 47 puntos.

Pagina: http://www.sebastientellier.com/

Coolio

Coolio (nacido como Artis Leon Ivey Jr. el 1 de agosto de 1963 en Compton, California) es un rapero estadounidense que se dio a conocer con el éxito "Gangsta's Paradise" de la banda sonora de la película Mentes Peligrosas (Dangerous Minds).

Historia

Tuvo una infancia difícil, y tuvo que aprender a leer en 'Pelton Power Program For Kids' a la edad de 12 años, programa fundado por el músico texano de jazz Aaron Pelton. Comenzó a rapear tras graduarse en el instituto. Tras la grabación del single "Watcha Gonna Do", su adicción a la cocaína parecía acabar con su carrera. Después de superarlo y trabajar como bombero por un tiempo, Coolio regresó y se unió al grupo Low Profile y poco después a The Maad Circle (los dos líderado por su mentor WC). Para 1994, ya como solista, graba su primer álbum, It Takes a Thief, con temas en el novato entonces estilo G-Funk . El segundo single, "Fantastic Voyage" (inspirado en el tema del mismo nombre de la banda Lakeside), cosechó un éxito masivo en todo el país.

"Gangsta's Paradise", tema inspirado en la melodía del "Pastime Paradise" de Stevie Wonder, fue incluido en la banda sonora de la película Dangerous Minds porque los directivos de Tommy Boy Records pensaron que no vendería apenas. Alcanzó el número 1 en las listas de Estados Unidos, y en el Reino Unido fue el primer single de rap en vender un millón de copias, donde también fue #1. Se convirtió en el primer artista de gangsta rap en conseguir un número 1 en el Reino Unido.

Weird Al Yankovic parodió la canción con "Amish Paradise". Coolio demandó que era inconsciente de que el sello discográfico de Weird Al tenía el permiso de Tommy Boy Records para que Al hiciera una parodia del tema. El rapero no ocultó su descontento, lo que provocó una discordia entre él y la discográfica. Una serie de fotos tomadas por el XM Satellite Radio en el Consumer Electronics Show 2006 hacía ver que tanto Coolio como Al parecían haber hecho las paces.

Tras el éxito de Coolio con Gangsta's Paradise, él siguió viajando y actuando. Su tercer álbum, My Soul, fue un fracaso. Problemas legales (incluyendo el robo) en Alemania, y más tarde en California, ponen su carrera bajo sospecha. Apareció en películas y creo su propio sello discográfico, Crowbar Records, pero su siguiente álbum fue retrasado hasta 2002. El Cool Magnifico incluía una colaboración con Kenny Rogers en una nueva versión de su viejo tema "The Gambler", pero a pesar de ello, comercialmente fracasó una vez más. Además, fue el cantante del tema principal de la serie juvenil Kenan y Kel.

Él tomo el nombre de "Coolio" de sus compañeros en Compton cuando era joven, que comparaban su talento musical con el de Julio Iglesias, pero ya que rapeaba en vez de cantar, recibió el nombre Coolio Iglesias.

Coolio ha colaborado con artistas como Blondie, Busta Rhymes, Method Man, LL Cool J, B. Real,Snoop Dogg LV y 40 Thevz.

En septiembre de 2005 firmó un contrato mundial por tres álbumes con Subside Records del productor italiano Giovanni Giorgilli. Vanni G, como es conocido, será el nuevo manager y productor de Coolio. Su primera colaboración es "Gangsta Walk" con Snoop Dogg. Su último disco, The Return of the Gangsta, fue grabado en 2006.

En el año 2008, Coolio comenzó un programa llamado "Cooki´n with Coolio", transmitido en "MyDanmChannel".

Pagina: http://www.coolio.com/

UFO

UFO es una banda de hard rock británica fundada en 1969. UFO se transformó en una banda transicional entre el hard rock primitivo y el heavy metal y apareció como la New Wave del heavy metal británico.

La influencia de UFO se sintió fuertemente en la escena del heavy metal de los 80s y han sido citados como influencia primaria de Dave Mustaine de Megadeth, Steve Harris de Iron Maiden y Kirk Hammett de Metallica, entre otros.

Historia: Principio

El vocalista Phil Mogg, el guitarrista Mick Bolton, el bajista Pete Way y el baterista Andy Parker formaron la banda en agosto de 1969. Originalmente tomaron el nombre de 'Hocus Pocus', el grupo cambió su nombre a UFO en honor del club londinense donde fueron descubiertos por Noel Moore, que los contrató para su sello Beacon Records. Su primer álbum debutó en 1970 y fue un típico ejemplo de hard rock con influencias de blues y boogie. El álbum incluía una versión heavy del clásico de Eddie Cochran "C'mon Everybody". UFO 1 y su sucesor, Flying, fueron exitosos en Japón (especialmente el single "C'mon Everybody" que se convirtión en un gran éxito allí) y en Alemania (la canción "Boogie For George", también del primer álbum, alcanzó el número 30 en el ranking de singles alemán y "Prince Kajuku" de UFO 2 - Flying alcanzó el número 26), pero generaron poco interés en Gran Bretaña y los Estados Unidos. Consecuentemente, su tercer esfuerzo, "UFO Lands In Tokyo" (también conocido como "UFO Live" y "UFO Landed In Japan"), fue solamente editado en Japón.

En enero de 1972 Mick Bolton deja el grupo y UFO busca un guitarrista capaz de proveer a la banda un sonido rockero más estándar.

Éxito internacional

Después de algunas pruebas con Larry Wallis (febrero a noviembre de 1972) y Bernie Mardsen (de gira con UFO por Europa y grabó el demo "Give Her The Gun"), la banda incorpora a Michael Schenker de Scorpions en junio de 1973. En una nueva compañía, Chrysalis Records, y con un nuevo productor, Leo Lyons, UFO graba "Phenomenon" en 1974, con un sonido de guitarras más duro. Schenker tenía solamente 19 años en ese momento, pero ya era un guitarrista respetado. Phenomenon no fue un clásico instantáneo, pero contenía muchos favoritos de los fans como "Doctor Doctor" (posteriormente un éxito menor en su versión en vivo) y "Rock Bottom" (que se extendía en vivo para que Schenker se luciera). En la gira de Phenomenon, el ex-guitarrista de Skid Row, Paul Chapman se unió al grupo pero lo dejó en enero de 1975 para formar Lone Star.

La banda editó "Force It" (julio de 1975) y "No Heavy Petting" (mayo de 1976) con extensas giras, que consiguieron que UFO fuera visto por las audiencias estadounidenses y los convirtió en grandes estrellas en Inglaterra.

Después de que la banda experimentara con teclados (durante la grabación de Force It), el argentino Danny Peyronel (que posteriormente formaría parte de la banda de rock de su país Riff), se unió a la formación en agosto de 1975. El verano siguiente los abandonó para formar The Blue Max. En julio de 1976 la banda contrató al tecladista y segunda guitarra Paul Raymond, de Savoy Brown, para su disco Lights Out (1977). Este álbum es la cumbre de la carrera de UFO y es considerado un clásico del rock de los 70, conteniendo canciones como "Too Hot To Handle", "Lights Out", "Alone Again Or" y el opus de 7 minutos "Love To Love". Con Lights Out, la banda recibió críticas favorables.

Con su reciente éxito, la banda volvió a estudios para grabar Obsession en 1978. Aunque no tuvo el éxito de su predecesor, Obsession contenía varias pistas populares, como "Cherry" y "Only You Can Rock Me".

Más adelante, ese mismo año, la banda graba en vivo "Strangers In The Night". El disco fue un éxito de críticas y comercial y es uno de los álbumes de los 70 más influyentes (junto con Live and Dangerous de Thin Lizzy, Alive! de Kiss y Frampton Comes Alive de Peter Frampton).
La partida de Schenker

Las tensiones comenzaban a crecer entre Phil Mogg y Michael Schenker a fines de los 70 y antes del lanzamiento de Strangers In The Night (enero de 1979), Schenker dejó la banda. Tuvo un pequeño regreso a Scorpions para después formar su Michael Schenker Group.

Los años post-Schenker

Con la partida de Schenker, UFO contrata rápidamente a Paul "Tonka" Chapman en guitarra de nuevo y lanza su próximo LP, No Place To Run en enero de 1980, producido por George Martin, famoso por su trabajo con The Beatles. El disco no pudo alcanzar el éxito de sus predecesores. Paul Raymond dejó la banda al final de la gira y fue reemplazado por John Sloman de Uriah Heep por un par de meses y luego por Neil Carter, ex-guitarrista y tecladista de Wild Horses, que ayudó a llenar el vacío compositivo que había dejado la partida de Schenker. Carter debutó con UFO en el escenario en el Reading Festival el 23 de agosto de 1980. A principios del año siguiente, UFO editó "The Wild, The Willing And The Innocent", con producción propia y un sonido más cercano al pop rock, muy popular en esa época.

En febrero de 1982, "Mechanix". Contenía la canción "Back Into My Life", de reducido éxito en los Estados Unidos. Posteriormente ese año, Pete Way, miembro fundador, dejó la banda para formar Waysted. Fue reemplazado por Paul Gray, bajista ex-Damned & Eddie and the Hot Rods. UFO lanzó Making Contact en 1983, con un fracaso comercial y de críticas, lo que decide la separación del grupo.

Sin embargo, dos años después, Mogg rearma una nueva formación de UFO y edita Misdemeanor, seguido del EP de 1988 "Ain't Misbehavin'". A pesar de la renovada vitalidad de la banda, ninguna de las dos ediciones fue un éxito financiero, por lo que la banda se vuelve a separar.

Las reuniones

En 1992, Mogg y Way deciden armar la banda nuevamente y lanzan "High Stakes & Dangerous Men". Aunque se editó por un pequeño sello independiente, High Stakes fue suficiente como para generar interés en una reunión completa. Al año siguiente, la formación clásica de UFO – Mogg, Schenker, Way, Raymond y Parker – se reunió y el álbum resultante, "Walk on Water", fue editado en 1995. Esta formación salió de gira por todo el mundo con Simon Wright (AC/DC) en la batería. Sin embargo, las tensiones aparecieron nuevamente y Schenker abandonó la banda en medio de la gira. Por consiguiente, los otros miembros decidieron volver a separarse.

Phil Mogg y Pete Way continuaron trabajando juntos y lanzaron dos álbumes con el nombre Mogg/Way a fines de los 90.

Eventos recientes

En el 2000, Schenker vuelve a unirse a UFO y la banda edita el CD doble "Covenant", que contenía un disco de material nuevo y otro de clásicos en vivo. Aparte de los rumores constantes sobre Schenker, vuelve en 2002 para grabar Sharks. Después de la edición, deja la banda definitivamente. Mogg, Raymond y Way deciden reemplazar a Schenker con Vinnie Moore.

En el 2004 the la banda edita "You Are Here" con Jason Bonham (hijo del batería de Led Zeppelin) en la batería.

En noviembre de 2005, Andy Parker regresa a la banda para tocar en el festival de Piorno en Granada, España.

El decimonoveno álbum de estudio de UFO, titulado "The Monkey Puzzle", se editó en Europa el 25 de septiembre de 2006 y al día siguiente en los Estados Unidos.

Pagina: http://www.ufo-music.info/