Kepa Junkera

«Kepa Junkera músico y compositor vasco nacido en 1965 en Bilbao, Euskadi (España). Maestro de la trikitixa, ha editado hasta la fecha 13 álbumes, ganando en el 2004 el premio Grammy Latino al Mejor Álbum Folk por su disco en directo ‘K’.

Orígenes:

Kepa Junkera ejemplifica, actualizándolo, el carácter viajero y aventurero del pueblo vasco. Como los viejos arrantzales (pescadores), conquistadores y misioneros, el artista vizcaino ha desplegado al viento la vela de su triki (acordeón diatónico) para viajar por los cinco continentes hasta convertirse en el músico más internacional que ha dado Euskal Herria. Su árbol genealógico más cercano, su aitite (abuelo) y su ama, creció fuerte y bien alimentado por la tradición de la música en euskera, los bailes de romería y los acordeones y panderos aprendidos en grupos de danza de barrio. De su barrio, Rekalde, al que ya homenajeó en su primer disco, un trabajo compartido editado en 1987 en el que ya incluyó «Mugarik gabe», un instrumental clarividente que podría traducirse por «sin fronteras». El chaval ya lo tenía claro por entonces.

Tras su debut con Kepa, Zabaleta eta Motriku, repleto de ritmos folk vascos (arin arin, fandangos, jotas…) pero que ya incluía composiciones originales de Kepa, este músico autodidacta amplió los horizontes de sus gustos de la música popular más cercana al jazz. Se retiró un poco la txapela (boina) para ver más lejos y dejó para la historia los discos Triki up (1990) y Trikitixa Zoom (1991). Aunque son tiempos de aprendizaje, ya por entonces resultaba complicado seguir los veloces dedos de Kepa dibujando ritmos frenéticos sobre las teclas de la triki.

Como todos los músicos inquietos, el paso siguiente, Kalejira Al-Buk (1994), supone, con el paso del tiempo, toda una curiosidad en su abultada discografía, ya que los sonidos de raíz se abren a la electricidad de guitarras, bajos y teclados en una suerte de folk rock con aportaciones vocales en inglés y con entrada de músicos foráneos como David D. Passinghan y de reputados escritores y bertsolaris vascos como Jon Sarasua, Andoni Egaña y Edorta Jiménez.

Kepa iba cumpliendo sus sueños, desde conocer a su admirado Iribar, portero de su Athletic de Bilbao, a colaborar regularmente con sus admirados Oskorri o ganar la Muestra de Folk Estatal para Nuevos Intérpretes. Sus dos discos siguientes, Trans Europe Diatonique (1992) y el delicioso, acústico y sensible Lau Eskutara (1995), grabados junto a el inglés John Krikpatrick y el italiano Riccardo Tessi, en el primer caso, y con el mago de las cuerdas portugués Julio Pereira, en el segundo, le ponen en contacto con artistas foráneos y le encaminan a grabar la que es la primera de sus obras esenciales.

Confirmación:

Su trabajo Bilbao 00.00 h (1998) se convirtió en un hito por las ventas logradas desde un sello independiente como Resistencia. Además, le obligó a coger la maleta semana sí y semana no. Disco doble en el que profesa su amor a su ciudad natal, «Bilbao…» es el disco de la expansión internacional de Kepa en una doble vertiente: la comercial y la artística. Y es que el álbum, que incluía el popero «Del Hierro a Madagascar», cantado por Pedro Guerra, supone, además de su salto definitivo a la world music, un abrazo solidario y enriquecedor a los sonidos de medio mundo, de Canarias al Mediterráneo, Québec, Centroeuropa, África, Portugal, Irlanda…

Junkera puso Bilbao en el mapa en una labor de promoción sólo comparable a la realizada por el Museo Guggenheim. Su proyección continuó con su trabajo posterior, Maren (2001), dedicado a una de sus hijas, ya grabado junto a una multinacional y que supuso su confirmación internacional gracias al ritmo contagioso de canciones como «Bok-Espok» y «Ny Hirahira», en el que lo vasco se alía con los aires folk de Armenia, Bulgaria y Albania. Con dos Discos de Oro en sus alforjas y una nominación a los Latin Grammy Awards en 2002 por Maren, Kepa empieza a tener su punto de residencia entre Bizkaia y los hoteles de medio mundo. Cualquier festival de world music de los cinco continentes que se precie seguro que ha contado con Junkera en los últimos años, más aún tras la edición de K (2003), disco en directo grabado en el Teatro Arriaga, junto a sus amigos, que resume sus casi dos décadas de inquieta actividad musical y que le reportó el Grammy Latino al Mejor Album Folk y que le permitió publicar el primer DVD de su carrera. Por último, acaba de nacer Hiri (2006), un nuevo giro de tuerca, y viaje incansable por varias ciudades del mundo, pero que no ha hecho más que comenzar.

Kepa, cuya música ha sido usada por la Compañía Nacional de Danza para «vestir» una coreografía realizada por su director, Nacho Duato, el Museo del Vino de Olite en sus visitas guiadas, en múltiples cuñas de Radio Euskadi o en discos seleccionados por Pedro Almodóvar, cuenta también con una discografía compartida en la que destacan sus dúos con su buen amigo Ibon Koteron, con el que ha firmado dos discos de recuperación del sonido ancestral de la alboka (instrumento vasco de viento), los imprescindibles Leonen Orroak (1996) y el más reciente Airea (2004), en los que aportó su labor como compositor, intérprete y productor, tarea esta última en la que ha cobrado reconocimiento en trabajos de Oskorri y en el lanzamiento del dúo de txalapartaris que le acompañaba en directo en los últimos años, Oreka TX, con su disco Quercus Endorphina.

Colaboraciones:

Junkera realiza también una amplia labor como docente en Musikene, el Centro Superior de Música del País Vasco, que ha tenido como resultado ETXAK (Euskadiko Txalaparta Konpania), un proyecto para impulsar la txalaparta (instrumento rítmico vasco de madera).

Artista internacional, Kepa, a pesar del éxito, sigue humilde y cercano, lo que ha facilitado que se hayan implicado en sus discos o en proyectos compartidos músicos de todo estilo y condición, desde María del Mar Bonet a Justin Vali, Hedningarna, La Bottine Souriante, Phil Cunningham, Liam O´Flynn, Oskorri, Béla Fleck, Voces Búlgaras, Caetano Veloso, Tontxu, Andreas Wollenwaider, Hevia, Dulce Pontes o, más recientemente, el guitarrista Pat Metheny, con el que compartió el escenario de Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz.

Especial resultó también su participación en el aclamado disco Santiago, de los irlandeses Chieftains, que fue galardonado la década pasada con el Grammy al mejor Album de Folk; su valiente experiencia en una única noche junto a una orquesta sinfónica en el Festival Folk de Getxo, en 1997, que fue grabada y que permanece inédita en alguno de los cajones de su autor; su colaboración con la Banda Municipal de Bilbao; y su reciente y populista Athletic Bihotzez (2004), disco en el que profesa su devoción por el club de fútbol de sus amores en un corolario de himnos forofos, alegres, plurilingües y eclécticos compartidos con multitud de músicos, deportistas y personajes de la sociedad vizcaína como Harrobiaz Harro, que suena en San Mamés en todos los partidos y que le reportó al trikitilari el premio al Mejor Tema en Euskera en los Premios de la Música de 2004.

La triki de Junkera, el «fuelle del infierno» para algunos debido a su sonido telúrico y ancestral, sigue cogiendo aire y moviendo cuerpos y emociones. Su obra, en euskera pero abierta al mundo, henchida de ritmos y aromas de múltiples culturas, definitivamente cosmopolita, universal, aunque orgullosamente vasco.»

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Tony Joe White

No creo que Tony Joe White haya pasado nunca apuros económicos ya que solo con los derechos que han generado algunos de sus temas es de suponer que haya disfrutado de una vida más o menos holgada. Parece un tipo austero; cualquier otro se pondría enfermo al ver triunfar a otros con sus canciones sin haber acabado de conseguirlo él mismo, pero aparentemente Tony nunca se ha inquietado; ha seguido grabando cuando quiere, si puede ser sin salir de su casa, y ninguna de sus grabaciones, que yo sepa, es sospechosa de traicionar su marcado estilo en pos de unas mayores posibilidades comerciales. Si bien es cierto, que en algunos de sus discos de los 70´s aparece con el pecho al viento, probablemente buscando alguna respuesta erógena en las liberadas matronas norteamericanas de la época; adecuadamente dibujadas (supongo yo, pues nunca he conocido a ninguna) por el judas de Scorsese.

El estilo de Tony, pudiendo ser considerado rock, debiera más bien ser considerado blues, blues blanco, ya que la música que hace no llega nunca a dar ese paso definitivo, y a veces de inextricable vuelta atrás, que hace rock al blues. Sin constreñir en exceso, las raíces del blues en su música son siempre muy palpables, dejándose llevar según la ocasión por los ramales que le ofrecen el soul o el country. Pero sobre todo lo que caracteriza a sus temas es el hecho de poseer un inmenso potencial melódico a poco que se les de una vuelta de tuerca en el sentido comercial. Un giro que Tony nunca ha querido dar; el coloca la pelota y deja que otros rematen.

Toda la credibilidad que se le supone a Tony Joe White, por lo expuesto anteriormente, resulta poca tras verle en directo, pues su propia imagen se me antoja prueba contundente: Se subió el de Lousiana al escenario del Sol con botas de tacón cubano y negra piel de caimán; negras también las gafas, que más que los ojos del depredador nocturno parecían ocultar timidez; calado el también negrísimo sombrero de ala ancha. Un hortera de cuidado vaya, pero también…….iba a decirlo, pero intentaré explicarlo: Trasplantado al terruño patrio supongo que por ejemplo calzaría madreñas, y luciría fajín rojo y barretina, pero ya sabemos que intervienen más factores en el arte del vestir: No me parece Tony un hortera sureño al uso, jactancioso o inconsciente, sino un hortera huidizo, sereno y solemne; funcional, pues parece protegerse y marcar una efectiva distancia con la ayuda de esos complementos tan ligados a la tierra de la que procede. Claro que los yanquis gozan de la dádiva de que no resulten estrambóticos en exceso sus trajes regionales, ni en su casa ni en ninguna otra parte del mundo, en virtud a la colonización estética a la que vienen sometiendo al resto de dicho mundo. En España como bien sabemos todo lo autóctono es inmediatamente calificado como cutre, hortera ¿por quien? Pues evidentemente por los colonizados, que somos todos. ¿Por qué? Por imposición. Esto me lleva a preguntarme que es entonces un hortera y que es el “mal gusto” si lo que se viene entendiendo por hortera lo definimos personas sin, ya que es impuesto, ningún criterio. Pienso por tanto que el que realmente es un hortera es aquel que va a la moda (sea cual fuere), impuesta y que por tanto no se adapta a sus necesidades, y es que no hay nada de peor gusto que ser un borrego e ir trasquilado. Es decir, se podría ser hortera en España y no serlo en Estados Unidos y viceversa pero para no serlo en ninguno de los dos sitios no se puede ir a la moda, a no ser que la moda coincida con las necesidades reales, autóctonas, cosa que jamás sabremos ya que las necesidades se vienen imponiendo con la moda. Y a poco que se tengan dos dedos de frente entenderemos que la de la moda es una industria que se mueve en función de intereses muy distintos a los de la estricta comodidad del consumidor, pues a pesar de que el propio mundillo de la moda se jacte de tender a la funcionalidad, solo hace falta consultar con un zapatero, de los que fabrican zapatos a mano quiero decir, o con un médico, para saber que la funcionalidad de unas zapatillas deportivas es una falsa funcionalidad pues entorpecen el riego sanguíneo...y no se que más gaitas. Es decir, hemos llegado a un punto en que en los países colonizados nadie es más hortera que nadie, ya que por acción del bombardeo todos somos monumentalmente horteras y quizás los únicos que podrían ser calificados como “no horteras” son, por su condición de originarios colonizadores, esta especie de “lonesome cowboys” desfasados y de cierta edad, siempre que no sean de medianoche, es decir, de ciudad. Tras este tratado de estilo en el vestir, y si alguien ha entendido algo (reconozco que yo no mucho), sigo con Tony que en virtud a dicho tratado y a su trasnochada estética, a la que se le supone una cierta funcionalidad en relación con el lugar en donde vive, dejaría de ser un hortera y pasaría a ser un tío cool, que era la palabra que quería decir desde el principio pero me daba vergüenza no encontrar un equivalente en castellano y que pareciera que la usaba en el repulsivo y vejatorio sentido en que se usa habitualmente.

Igualmente estas son cosas que uno aprecia solo en el cara a cara con las personas, no en las revistas sobre moda, o intuye a través de la obra cuando esta es sincera y la de Tony lo es, ya que la regla de tres no falla e inmediatamente se reconoce la música en la imagen que la persona proyecta, y viceversa; todo encaja, lo que ves es lo que hay, eso es ser elegante, que no cool; en la música de Tony hay un punto de timidez, de austeridad, como si el cantautor no acabara de encontrarse a gusto en público y su voz fuera un quejido angustiado que se agarra a la tierra. La imagen que ves te está contando lo mismo que escuchas. Es la pura expresión libre de un gran artista ¿podría ser una pose resultona aprendida con los años? Podría, pero no, la autenticidad se reconoce en el gesto, en las formas y por supuesto en la música. Evidentemente el público del rock suele tener preferencia por el hortera jactancioso; resulta más atrayente supongo y suele ser más gracioso, más “cool”.

Sentado en silla baja y acompañándose tan solo de un batería se presentó ante una sala casi llena este cantautor eléctrico nacido en 1943. No pasan en balde los años pues se le veía algo mayor. Se movía con cierta, casi imperceptible, dificultad y sus pasos y taconeos acompañando a la guitarra eran extremadamente cuidadosos y graves, pero a la vez meridianamente certeros y con algún arranque volatinero. Sus dedos son como corredores de fondo, sin aspavientos trazan sobre la guitarra un recorrido de controlada fuerza y sobria emoción que a veces se desboca en tormentas eléctricas de distorsión. Es guitarrista finísimo, compositor notabilísimo y posee una voz inconfundible, profunda y emocionante a poco que la fuerce. Es de esas voces aparentemente lineales que no precisan más que un pequeño gesto para emocionar, y digo aparentemente por que realmente usa cantidad de registros sin que uno apenas se de cuenta. Es decir, va construyendo la emoción despacio, soterrada, con paciencia, tal como él mismo es, para acabar retorciéndonos a su antojo con la armónica o con algún arranque de guitarra eléctrica en estado puro. Duende.

Nunca me ha parecido una buena definición para su música eso de Swamp Rock, pues no se si será por la connotación garagera, relaciono lo pantanoso con sonidos más sucios, mientras que los que expele la guitarra de Tony son extremadamente calóricos, sicalípticos, pero para nada sucios.
Como era de esperar dio un buen repasó a unos cuantos de sus clásicos pero eché en falta más temas de “Snakey” que es un disco que he disfrutado mucho desde su aparición. El público estaba compuesto mayoritariamente por viejos roqueros incondicionales, que por supuesto estaban totalmente entregados, no así muchas de sus señoras esposas que estaban entregadas a la cháchara supongo que no encontrándole a Tony la misma gracia en el escenario que en la cama; sabido es que Tony Joe White ha sido utilizado por generaciones como música de fondo para..... No doy ideas, que paradójicamente luego sale la descendencia bakala.

Pagina: http://www.tonyjoewhite.com/

Don McLean

Don McLean, (nació el 2 de octubre de 1945 en New Rochelle, Nueva York) es un cantautor estadounidense, principalmente famoso por su balada de 1971 "American Pie", sobre un acontecimiento que se conoce como El día que murió la música y se basa en la muerte de Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Booper en un accidente aéreo. Este tema fue versionado muchas veces, destacan las versiones de 2001 por Madonna en su disco "Music" y en español la de Hernaldo Zúñiga en 1984 titulada "Siglo XX".

Un poema sobre McLean, "Killing Me Softly With His Blues" de Lori Lieberman, se convirtió en una canción llamada "Killing Me Softly" por Charles Fox y Norman Gimbel. Lieberman fue el primero en grabarla (1971), aunque la canción alcanzaría su mayor éxito por los diferentes covers que se hicieron. Uno de los principales fue en 1973 con la voz de Roberta Flack y casi un cuarto de siglo más tarde, en 1996, otra versión de The Fugees la volvió a lanzar a la fama.

En 1981, McLean llegó al número uno internacional con el clásico de Roy Orbison "Crying". El mismo Orbison describió, en una oportunidad, a McLean como "la voz del siglo", y una futura regrabación del tema vio como Roy Orbison incorporaba elementos de la versión de McLean.

Curiosamente la banda estadounidense de punk rock NOFX, en su álbum "45 Or 46 Songs That Werent Good Enough To Go On Our Other Records", realizó una versión a su estilo de la canción "Vincent".

Pagina: http://www.americanpie.com/

Vlatko Stefanovski

Vlatko Stefanovski nació en 1957 en Prilep, Macedonia en una familia de actores (su hermano Goran es escritor de obras de teatro). Él comenzó a tocar la guitarra a la edad de 13 años. Hacia el final de su adolescencia formó el grupo LEB I SOL. Esto lo convirtió en uno de los nombres más grandes en la escena musical de la ex Yugoslavia. La banda tocó un particular estilo de música de fusión, una mezcla de ritmos macedonios tradicionales irregulares y la contemporáneo rock.

Últimamente, Stefanovski ha desarrollado una exitosa carrera como solista. Su primer solista "Cowboys and Indians" (1994) muestra sus varios intereses, desde profundas raíces étnicas a atmósferas ambientales y blues clásico. El segundo CD "Sarajevo" (1996) fue un proyecto de beneficio para el Fondo de UNICEF de Niños con Necesidades. En mayo de 1996 Vlatko formó su trío eléctrico y grabó su primer CD para la Third Ear Music en diciembre de 1998. En 1997 Vlatko escribió la partitura para la película "Gypsy Magic" dirigida por Stole Popov, que fue presentado como en CD de la banda sonora bajo el mismo nombre. También hizo la música para la película turca "Journey to the Sun" dirigida por Yesim Ustaoglu, quien ganó dos premios en el Festival Cinematográfico de Berlín en 1999. 1998 vio la aparición del álbum "Krushevo" en el cual Vlatko colaboró con el conocido guitarrista bosnio Miroslav Tadic. El CD fue producido para MA Recordings, un sello Estadounidense/Japones. Vlatko y Miroslav promovieron el álbum con tres conciertos en la feria HI-FI ' 98 en Los Angeles y en el Festival de Jazz de Skopje ' 98. Vlatko tocó en el 2º Sarajevo Jazz Fest 1998 con su trío y en el 5º Sarajevo Jazz Fest 2001 con Miroslav Tadic. En 1999 tocaron en el Sava Center Hall de Belgrado y grabaron el CD "Live in Belgrade" el que salió en marzo de 2000. En los dos últimos años también ha tocado y ha grabado en Francia con el grupo Koreni formado por el pianista Bojan Zulfikarpasic. También es miembro del grupo Balkan Horses Band, con algunos otros grandes músicos de siete países balcánicos. Vlatko aparece como invitado especial en los tres últimos álbumes y grandes conciertos de Gibonni (la superestrella del pop croata), junto con algunos músicos de clase mundial como Manu Katche, Pino Paladino y Tony Levin, entre otros. El reciente trabajo de Stefanovski también incluye la música para películas, teatro y ballet clásico.

Stefanovski es conocido por su increíble técnica para tocar la guitarra. Crea ricos paisajes con imaginación, fluidez y desenfado. Su trío recientemente ha tocado (desde clubs para 1000 personas a estadios para 15000) en Macedonia, EE.UU., Canadá, el Reino Unido, Alemania, Francia, Holanda, Croacia, Grecia, Eslovenia, Bosnia/Herzegovina, Serbia, Bulgaria, etc. Stefanovski tiene contactos con muchos artistas, músicos y guitarristas en todo el mundo, entre los cuales hay maestros como Allan Holdsworth y John McLaughlin. Stefanovski vive en Skopje, Macedonia, donde posee un estudio bien equipado llamado "Esoteria Sound Studio".

Su último álbum de blues titulado "Thunder from the Blue Sky" está inspirado en raíces de jazz y blues. El CD incluye 15 canciones, 13 de las cuales son nuevas mezclas, mientras que dos son composiciones escritas por Vlatko mismo, entre las cuales se encuentra la del título del disco. El holandés Jan Akkerman, uno de los guitarristas de rock más influyentes en la historia de la música, aparece como el invitado de álbum.

Pagina: http://www.vlatkostefanovski.com.mk/

Omara Portuondo

Omara Portuondo Peláez nació en el barrio de Cayo Hueso de La Habana, su madre pertenecía a una familia cubana de abolengo de descendencia española y se esperaba de ella un casamiento que la uniera a otras familias de la sociedad. En cambio, escapó con el hombre que amaba, un jugador de Baseball del equipo nacional cubano. Tuvieron tres hijas y como en cualquier hogar cubano había música. No tenían dinero pero, pero tenían las voces de los padres de Omara, cantando en la cocina donde hacían sus vidas diarias. Ella recuerda sus canciones, incluida entre sus favoritas “La Bayamesa” de Ernesto Grenet y Sindo Garay (también cantada por Compay Segundo en Buena Vista Social Club). Estas fueron sus primeras lecciones informales de canto y dichas canciones permanecen en su repertorio hoy en día.

Cuando su hermana Haydée se convirtió en bailarina del famoso club Tropicana, Omara pronto la siguió, por accidente. La compañía de Ballet se vio reducida un día de 1945 cuando una bailarina se retiro dos días antes de una importante premier. Omara había visto ensayar a su hermana tan a menudo que se sabía todos los pasos y le pidieron que entrara en el ballet. “Era un cabaret muy chic, pero dije que era inadmisible”, recuerda Omara. “Era muy tímida y me daba vergüenza mostrar mis piernas”. Su madre le dijo que no podía defraudarlos y así comenzó una carrera como bailarina, formando una sociedad famosa con el bailarín Rolando Espinosa. Hasta el día de hoy actúa en Tropicana, pero como una de sus cantantes estrellas.

La novia del feeling

Los fines de semana Omara y Haydee cantaban Standard de Jazz americanos con algunos amigos: César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez y el pianista Frank Emilio Flynn, se hacían llamar Loquibambla Swing y el estilo que tocaban (una versión cubanizada de la Bossa Nova con influencias del Jazz americano) se conoció como “feeling” o “filin” ( como a menudo se menciona en español ). En su debut de radio Omara fue anunciada como Srta. Omara Brown, la novia del filin. “ El nombre inglesado pronto fue olvidado, pero todavía muchos cubanos la conocen como La Novia del Filin”. En 1950 fue integrante de la Orquesta Anacaona, y hacia 1952 Omara y Haydée formaban un cuarteto vocal femenino con Elena Burke y Moraima Secada, liderado por la pianista Aída Diestro. Se convirtieron en uno de los grupos más importantes de la historia musical cubana y Omara permaneció con el “Cuarteto las D´Aida” durante 15 años, aunque la formación original solo grabó una álbum para RCA Víctor en 1957, realizaron numerosas giras por América y los arreglos vocales de Aída eran muy innovadores y compartió escenarios con Édith Piaf, Pedro Vargas, Rita Montaner, Bola de Nieve y Benny Moré. y sirvieron como acompañantes de Nat King Cole cuando este se presentó en el Club Tropicana. Omara también conoció y compartió su arte con figuras como Ernesto Lecuona, Isolina Carrillo, Arsenio Rodríguez y otros.

Su carrera en solitario

Su álbum debut en solitario fue “Magia negra”, apareció en 1959. En este álbum cruza música cubana y jazz e incluye versiones de “That Old Black Magic” y “Caravan” de Duke Ellington. Luego del lanzamiento de su álbum en solitario, permaneció con el grupo y dos años más tarde estaba con “Las De Aida” cantando en un hotel de Miami cunado la crisis de los misiles cubanos causo la ruptura de las relaciones con América y comenzó un largo periodo de aislamiento de Cuba, volvieron inmediatamente a casa. Continúo con Las De Aída hasta 1967. Año en que comenzó a dedicarse finalmente a su carrera en solitario. Omara representaba a Cuba en festivales internacionales a la vez que mantenía su alto nivel también es Cuba.

En los años 70 canto con la “Orquesta Aragón”. Viajó extensamente, haciendo presentaciones en varios países como Francia, Japón, Bélgica, Finlandia y Suecia. Omara realizó muchas grabaciones a lo largo de las dos décadas siguientes; pero entre las mejores se encuentra un álbum que grabara con Adalberto Álvarez en 1984 y dos álbumes realizados para el sello español “Nubenegra”: “Palabras” y “Desafíos”.

Los nuevos tiempos

En el 2000 World Circuit, lanza “Buena Vista Social Club presenta...Omara Portuondo”, el tercer lanzamiento de la serie y un álbum que finalmente coloca su expresiva voz: al centro del escenario. Omara grabo con una banda de ensueño que incluía a músicos del Buena Vista como Rubén Gonzáles, Orlando “Cachaíto” López, Manuel “Guajiro” Mirabal y Jesús Ramos, y además apariciones de artistas invitados como Eliades Ochoa, Compay Segundo, Manuel Garban e Ibrahim Ferrer.

El álbum fue acogido con grandes elogios de la crítica, y condujo a Omara a una gira por todo el mundo en el 2000-2001 con sus compañeros del Buena Vista, Rubén González e Ibrahim Ferrer, permitiendo así a toda una generación de fans, la oportunidad de ver en un concierto en vivo a este trío ilustre.

El 2002 encuentra a Omara una vez más en la carretera con una extensa gira mundial en solitario, con numerosas fechas en Norteamérica y Europa. En Otoño del mismo año participa en el Festival de Jazz en Japón, en el cual comparte escenario com Michael Brecker, Herbie Hancock, John Patitucci, Wayne Shorter y Danilo Pérez.

En el 2003 participa de los festivales de verano en Europa, donde destaca en una increíble aparición en el One World Stage del legendario Festival inglés de Glastonbury. Ese mismo otoño continua la gira por Canadá y Estados Unidos junto a su banda de talentosos artistas.

El presente

En septiembre del 2003 Omara regresa a los estudios de la EGREM para grabar lo que será su segundo disco solitario producido por World Circuit. Nick Gold se une a Alê Siquiera en las tareas de producción. Completan el grupo de producción las colaboraciones del aclamado ingeniero Jerry Boys y el renombrado músico y arreglista cubano Demetrio Muñiz.

“Flor de Amor” marca un cambio de dirección para Omara. Este trabajo, su segundo álbum solitario, revela una textura más enriquecida y el lado sutil de la voz de Omara, músicos cubanos combinados con una excelente selección de músicos brasileños dan al disco un sonido distinto.

Omara realizó en 2004 exitosas giras en Europa, en mayo y junio ha realizado más de 45 shows presentando este álbum. Para ello ha contado con una banda con más de 16 músicos en escena. Entre ellos esta Alfred Thompson (Irakere), vocales como Estela Guzmán y Laura Flores del grupo vocal Gema 4.

La vida de esta importante intérprete de la música cubana fue llevada al celuloide por el cineasta Fernando Pérez en el documental Omara. Y su país ha reconocido su bella carrera musical y su aporte a la cultura cubana con la Orden Félix Varela de Primer Grado, que otorga el Estado cubano.

Pagina: http://www.omaraportuondo.com/

Compay Segundo

Máximo Francisco Repilado Muñoz (*Siboney, 18 de noviembre de 1907 - † La Habana, 14 de julio de 2003), más conocido como Compay Segundo fue un músico y compositor cubano de amplia trayectoria mundial.

Llegó a ser un popular compositor e intérprete, muy conocido entre los amantes de la música cubana. Comenzó tocando la guitarra, el clarinete y el bongó. También tocó la tumbadora.

Fue el inventor del armónico un híbrido de siete cuerdas entre la guitarra española y el tres cubano. Este instrumento pretende imitar el timbre del tres adicionando una cuerda octavada en la tercera cuerda (sol). Su afinación es igual a la guitarra. Primera cuerda mi, segunda Si, tercera Sol ( cuerda doble octavada) y Re, La, Mi ,afinados una octava por encima de la afinación propia de la guitarra.

Comenzó su carrera musical muy joven cuando compuso sus primeras canciones y en los años treinta formó parte de diversas agrupaciones artísticas de Santiago como el Cuarteto de Trovadores Orientales y el Cuarteto Hatuey. También fue vocalista del conjunto de Miguel Matamoros.

En 1948, Repilado, como voz segunda y tocador de tres funda con Lorenzo Reyezuelo el legendario dúo Los Compadres. Lorenzo, como primer vocal se llamó Compay Primo y Repilado, como hacia de voz segunda adoptó el sobrenombre de Compay Segundo, que le acompañaría hasta el día de su muerte. Los Compadres constituyeron todo un fenómeno de popularidad que se prolongó hasta 1955 cuando Reynaldo Reyezuelo, hermano de Lorenzo, sustituye a Compay Segundo quien a su vez forma un nuevo grupo al que bautiza como Compay Segundo y sus muchachos .

Pero su fama internacional le llegó en 1997 con su participación en el disco Buena Vista Social Club, el cual ganó varios premios Grammy. Compay Segundo apareció también en la película del mismo nombre realizada posteriormente por Wim Wenders.

En los últimos años actuó ante millones de espectadores y grabó nueve discos. No pudo cumplir su sueño de llegar a la edad de 106 años, en la cual murió su abuela. Falleció en La Habana debido a una insuficiencia renal con 95 años.

La canción más importante de Compay Segundo es "Chan Chan".

Pagina: http://www.compaysegundo.org/

Ibrahim Ferrer

Ibrahim Ferrer Planas (*Santiago de Cuba, 20 de febrero de 1927- † La Habana, 6 de agosto de 2005) fue un cantante de son cubano, de voz pura y suave. Vivió en el casco viejo de La Habana. Era un hombre tímido y sencillo, imbuido en una intensa fe. Alcanzó fama mundial en 1998 con el éxito del proyecto musical Buena Vista Social Club, donde grabó doce de los catorce temas del disco y tuvo el placer de colaborar con muchos de los intérpretes que siempre admiró, como Omara Portuondo, Rubén González, Compay Segundo, Eliades Ochoa, Barbarito Torres y Guajiro Mirabal. Este disco obtendría un Grammy y un año más tarde grabaría su primer álbum en solitario, Buena Vista Social Club Presents Ibrahim Ferrer. Su segundo disco en solitario, Buenos Hermanos, obtuvo en el 2004 otro Grammy.

Biografía

Ferrer nació en Santiago de Cuba, en un baile que se celebraba en un club social, allá por 1927. Su vida fue difícil, casi muere del tétanos y a los 12 años de edad quedó huérfano de madre y padre. Con la necesidad de trabajar, frecuentó más la calle que la escuela, vendiendo caramelos y palomitas de maíz. Sin embargo, Ibrahim Ferrer se aferró a la música como su aliada y a los 14 años formó un grupo junto a su primo para amenizar las fiestas del barrio. Se llamaron los Jóvenes del Son.

Durante más de dos décadas fue el cantante principal de la orquesta cubana de Pacho Alonso en los años cincuenta. En 1955 participó en un exitoso disco, “El Platanar de Bartola” con la Orquesta de Chepín-Chovén. Se trasladó a La Habana en 1957 y trabajó con la legendaria Orquesta Ritmo Oriental y con el gran Beny Moré, antes de reunirse de nuevo con el grupo Los Bocucos de Pacho Alonso. Hizo giras mundiales con esta banda y con los años, fue ganando seguidores.

Sin embargo, su nombre siempre quedaba en la sombra, era amado por la audiencia pero no por sus colegas. Perdió el entusiasmo por la música y se retiró en 1991. Se le vio lustrando zapatos en las calles y su antigua casa la cambió por una pequeña pensión donde se encerró retirado del mundo y tristemente de la música.

Pero en 1997, sus amigos lo convencieron de salir de su retiro y regresar a la música para grabar su debut con la orquesta Afro Cuban All Stars, el álbum A toda Cuba Le Gusta, seguido ese mismo año por su aparición en el Buena Vista Social Club, un álbum fruto del trabajo de Ry Cooder, un reconocido productor musical que viajó a Cuba y le apostó al talento de notables figuras conocidas sólo en la isla como Compay Segundo, Rubén González, e Ibrahim Ferrer.

Sus discos han sido ganadores de toda suerte de premios -entre ellos dos Grammy-, y sus conciertos han llenado el Carnegie Hall de Nueva York, los estadios europeos y hasta los muy exigentes auditorios japoneses. Esto sin contar la película sobre su historia de 1998.

Ibrahim Ferrer falleció a los 78 años, en la tarde (hora local) del 6 de agosto del 2005, en un hospital de La Habana.

Pagina: http://www.worldcircuit.co.uk/#Ibrahim_Ferrer

Herbie Hancock

Herbie Hancock (Chicago, 12 de abril de 1940), pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz. Excepto free jazz, ha tocado prácticamente todos los estilos jazzísticos surgidos tras el bebop: hard bop, fusión, jazz modal, funk jazz, jazz electrónico, etc.; en 2005 publicó el disco Possibilities, en el que se aproxima también a la música de baile.

Se trata de una de las figuras que más opiniones encontradas suscita dentro del jazz contemporáneo. Es un artista inquieto estilísticamente que se ha dejado influir por casi todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. No obstante, el estilo pianístico y de teclado de Hancock son completamente suyos, con su propios rasgos armónicos urbanos y complejos, y sus ritmos particulares. Habiendo estudiado ingeniería, Hancock estuvo siempre perfectamente preparado para la era electrónica: fue uno de los primeros maestros en el piano eléctrico Rhodes y en el clavinet Hohner. En todo caso, el piano ha sido siempre su instrumento preferido.

Fue autor de dos de las composiciones jazzísticas más populares de la historia, "Watermelon Man", primer corte de su disco de debut Takin' Off (1962), que arrasó en las emisoras de rhythm and blues en la versión de Mongo Santamaría, y "Cantaloupe Island", que 32 años después de su creación tendría un gran éxito popular cuando el grupo de hip hop británico US3 la sampleó.

Hancock ha reconocido a Miles Davis como su músico preferido porque "defendía el principio básico del jazz, que consiste en tocar el momento, no el pasado".

Reseña biográfica

Aprendió a tocar el piano a la edad de siete años y pronto se convirtió en un prodigio, tocando como solista el primer movimiento de un concierto para piano de Wolfgang Amadeus Mozart a los once años con la Orquesta Sinfónica de Chicago. Tras estudiar en el Grinnell College (época en la que escucha a Oscar Peterson y Bill Evans), Hancock fue invitado en 1961 por su descubridor Donald Byrd a unirse a su grupo en Nueva York; más tarde, Blue Note le ofreció un contrato individual. En su álbum de debut, Takin' Off grabó la canción Watermelon Man (‘el hombre sandía’), que anteriormente había sido tocada por el gran percusionista Mongo Santamaría

En mayo de 1963, Miles Davis le pidió que se uniese a su banda para las sesiones de Seven Steps to Heaven; se quedó con él durante cinco años, lo que le hizo perder parte de su estilo en favor de una absorción de las directrices musicales de Davis (importancia del silencio y el espacio, concepto del tempo como algo esencial al jazz), quien incluso le sugirió pasarse al piano eléctrico Rhodes. Por su parte, Hancock aportó a la música de Davis un sonido amplio, audaz y a la vez agradable, con marcadas raíces en el blues. Durante esa época, su carrera en solitario con Blue Note siguió adelante, destacando con cuatro sofisticadas composiciones: Maiden Voyage (en su disco homónimo), Cantaloupe Island, Goodbye to Childhood y Speak Like a Child. Tocó también para el productor Creed Taylor y compuso la banda sonora para la película Blow Up de Michelangelo Antonioni, Empyrean Isles (1964), que le abrió las puertas a futuras colaboraciones con el mundo del cine.

Hancock participaría en In A Silent Way y Bitches Brew, discos originarios de la fusión jazz-rock.

Abandonó a Davis en 1968 y grabó un disco de funk, Fat Albert Rotunda; en 1969 formó un sexteto que causó sensación. Fuertemente empapado de la era electrónica, añadió a su piano eléctrico y a su clavinet el sintetizador de Patrick Gleeson, y las grabaciones se volvierón más complejas rítmicas y estructuralmente, creando su propia visión de la vanguardia.

Hacia 1970, añadió a su nombre, como otros muchos músicos de jazz, su nombre africano: Mwandishi. Disolvió su banda en 1973 y, tras estudiar budismo, decidió que su objetivo debía ser hacer feliz a su público.

El siguiente paso fue un grupo de funk cuyo primer disco, Head Hunters, se convirtió en el mayor éxito de ventas de jazz de la historia. En este disco se produjo la explosión de la fusión en su vertiente más funky y negra, un disco rítmico y muy bailable, lleno de alusiones a Sly Stone y James Brown, abundante en sintetizadores y sonidos eléctricos. Manejando todos los sintetizadores él mismo, Hancock grabó varios álbumes electrónicos. Sin embargo, en ningún momento abandonó el jazz acústico. Tras una fugaz reunión del Miles Davis Quintet de 1965 (Hancock, Ron Carter, Tony Williams, Wayne Shorter, con Freddie Hubbard en vez de Miles) en el Newport Jazz Festival de 1976, decidieron ir de gira al año siguiente como V.S.O.P. El rotundo éxito del gurpo provocó que Hancock se coronase como un gigante del piano, que la dirección post-bop que Miles había tomado a mediados de los sesenta no se perdiese y que se allanase el camino para el revival de los neo-tradicionalistas, algo que tuvo lugar en los ochenta con Wynton Marsalis. V.S.O.P. continuó reuniéndose esporádicamente hasta 1992.

Hancock continuó con su inquieta trayectoria en los ochenta: consigue un éxito en la MTV en 1983 con el sencillo Rockit (acompañado de video); se une al virtuoso de kora gambiana Foday Musa Suso, dando como fruto un disco en directo de 1986 Jazz Africa; sigue componiendo bandas sonoras para películas y tocando en festivales y giras con los hermanos Marsalis, con George Benson, con Michael Brecker y con muchos otros. Tras su álbum tecno-pop de 1988 Perfect Machine, Hancock abandonó la compañía Columbia (su sello desde 1973) y firmó un contrato con Qwest que se tradujo en pocos resultados artísticos, si se exceptúa A Tribute to Miles de 1992. Finalmente, se unió a PolyGram en 1994 para grabar jazz para Verve y realizar discos de pop para Mercury.

Su álbum River: The Joni Letters, con colaboraciones de Tina Turner y otras divas de la música, fue premiado con el Premio Grammy al Álbum del Año en 2008, hazaña inusual para una grabación de un género minoritario como el jazz.

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Jonas Brothers

Los Jonas Brothers son una banda de pop originaria de Nueva Jersey, Estados Unidos, compuesta por tres hermanos: Kevin, Joe y Nick Jonas. Han publicado tres álbumes de estudio: It's About Time en 2006, Jonas Brothers en 2007, y su más reciente disco A Little Bit Longer.

Carrera profesional

Originalmente, usaban el nombre de "Sons of Jonas" (Hijos de Jonas), pero la decisión final fue "Jonas Brothers". Durante 2005, los Jonas Brothers participaron en varias giras, incluyendo a Kelly Clarkson, Jesse McCartney, Backstreet Boys, Joey Page y the Click Five. La parte final del año participaron en una campaña antidrogas con Aly & AJ y las Chettah Girls. Además abrieron los conciertos para The Veronicas a principios del 2006.

It's About Time (2006)

Su primer álbum, titulado It's About Time, supuestamente iba a salir en febrero del 2006, pero se retrasó unas cuantas veces. La demora se debió a los cambios de ejecutivos de Sony (la compañía matriz de Columbia) y el deseo de ellos de tener otro sencillo al frente. Del 28 de enero de 2006 al 3 de marzo de 2006, los Jonas Brothers fueron en su Jonas Brothers American Club Tour, en promoción de este álbum.

Mientras tanto, su primer sencillo, “Mandy” fue publicado el 27 de diciembre del 2005. El vídeo musical de éste se transmitió en el programa de MTV, Total Request Live en febrero del 2006, donde alcanzó el lugar número cuatro del codiciado ranking. En marzo, “Mandy” también se incluyó en la película para televisión de Nickelodeon, Zoey 101: Spring Break-Up y en el álbum Zoey 101: Music Mix Soundtrack, donde se enlista como intérprete Nicholas Jonas. Finalmente, el álbum It's About Time salió a la venta el 8 de agosto de 2006.

Jonas Brothers (2007)

El jueves 18 de enero del 2007, un boletín oficial del sitio de MySpace anunció que ya no formarían más parte de Columbia Records. Por ello, firmaron ahora para Hollywood Records con quien han grabado un nuevo álbum que salió a la venta en agosto 7 del 2007.

Su segundo álbum fue puesto a la venta el 7 de agosto del 2007. Alcanzó el número 5 en el ranking Billboard Hot 200 en su primera semana. Alrededor de esta misma fecha se publicaron dos sencillos: "Hold On" y, dos semanas después, "S.O.S." junto con la publicación del nuevo álbum. Participaron en la gira Best of Both Worlds de cincuenta y cuatro fechas con Miley Cyrus en Norteamérica, comenzando el 8 de octubre de 2007 y concluyendo el 9 de enero del 2008 en Albany, Nueva York. El 25 de junio de 2006, los Jonas Brothers comenzaron su Pro-theme Tour, el Marvelous Party Tour, en Lodi Nueva Jersey, en el que promovieron su segundo álbum, Jonas Brothers. Luego se sumaron a Miley Cyrus; el tour duró varios meses y finalizó el 21 de octubre de 2006 en Columbia, Carolina del Norte. Del 18 de octubre de 2007 al 9 de enero de 2008, los Jonas Brothers abrieron actos para Miley Cyrus en sus cincuenta y cuatro fechas del Best of Both Worlds Tour. Los Jonas comenzaron en St. Louis (Misuri) y finalizaron en Albany (Nueva York). Sus actos fueron dirigidos por Kenny Ortega y coreografiados por Paul Becker. Los Jonas Brothers también aparecieron en Hannah Montana & Miley Cyrus: Best of Both Worlds Concert, publicado el 1 de febrero de 2008. En la película, los Jonas interpretaron "When You Look Me in the Eyes", "Year 3000" y su dueto con Hannah Montana, “We Got the Party”.

Para continuar la promoción de este álbum comenzaron la gira Look Me In the Eyes Tour inició el 31 de enero de 2008 en el Tucson Convention Center Music Hall en Tucson (Arizona) y terminó el 22 de marzo de 2008, en el Izod Center en East Rutherford (Nueva Jersey).

A Little Bit Longer (2008)

A Little Bit Longer es el tercer álbum de Jonas Brothers, el cual saldrá a la venta en Estados Unidos el 12 de agosto. Los Jonas Brothers abrieron actos para Avril Lavigne em la manga europea para su Best Damn Tour. Ellos comenzaron el tour el 26 de mayo de 2008 en el The Glasgow Academy en Glasgow (Escocia) y finalizaron el 28 de junio de 2008 en el The Annexe en Estocolmo. Lavigne será co-headlining en algunas fecha del Burning Up Tour.

Los Jonas Brothers comenzaron su Burning Up Tour, en el que están promoviendo su tercer álbum de estudio A Little Bit Longer, el 4 de julio de 2008 en el Molson Amphitheatre en Toronto, Ontario. La mayor parte de los espectáculos se vendieron a cabo en tan sólo unos minutos después de que salió a la venta.

Actuación

En Toronto, Canadá, se terminó de filmar Camp Rock, una película musical original de Disney Channel, la cual se estrenó el 20 de junio de 2008, en Estados Unidos (El lanzamiento en Latinoamérica fue el 6 de julio del 2008). Los Jonas Brothers serán los miembros de una banda, "Connect 3", serán las celebridades invitadas al prestigioso campamento de verano para los aspirantes a músicos. También otros proyectos ya están realizados, como la producción tridimensional de Walt Disney Pictures 'Jonas Brothers: en concierto 3D. Además, los hermanos ya son los protagonistas de su propia serie Disney Channel JONAS, estrenada el 2 de mayo en Estados Unidos, en la que los Jonas tratarán de llevar una vida normal.

Miembros de la banda

- Kevin Jonas Guitarra, bajo y voces de fondo
- Joe Jonas Vocalista principal, guitarra, teclado, batería y pandereta
- Nick Jonas Voz, teclado, guitarra, batería

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Virus

Virus es una banda de rock argentina, absolutamente fundamental dentro del estilo musical new wave de los años '80 en Sudamérica, liderada por Federico Moura hasta su muerte en diciembre del 1988, a causa del VIH. Su hermano Marcelo tomó entonces el rol de vocalista principal y la banda continuó funcionando hasta fines de 1989.

Sus letras irónicas y divertidas, en las que con juegos de palabras se criticaba al rock nacional, se invitaba a sentir y divertirse, a dejar de pensar y hacer, sus composiciones con arreglos complejos, melodías pegadizas, la elogiada voz de Federico Moura y su carisma que lo consagró como talentoso frontman.

Virus lideró, junto a otras bandas como bacteria, la renovación musical en la Argentina que se dio tras la vuelta a la democracia en 1983. Su sonido inconfundiblemente new wave con fuerte uso de sintetizadores los alejaba bastante de la música que hasta ese momento se venía produciendo en la Argentina. Por esta razón, lograron acaparar tanto elogios como críticas de los medios masivos. Sus críticos los tildaron de "escandalosos", por la transgresión impuesta por el grupo, como en las letras en referencia al sexo.

Luego de la muerte del vocalista Federico Moura en 1988, los miembros restantes del grupo junto con Soda Stereo lo despidieron tocando Wadu-Wadu en La Casona de Lanús, uno de sus viejos éxitos.

En marzo de 1994, la banda volvió a juntarse para retomar sus actividades, continuando hasta el día de hoy sin recuperar su popularidad previa.

Algunos de sus temas más conocidos son "Imágenes Paganas", "Wadu Wadu", "El rock es mi forma de ser", "Hay que salir del agujero interior", "Una luna de miel en la mano" y "Amor descartable".

Recientemente editaron Caja Negra, un registro en vivo de 2006 con colaboraciones de artistas influidos por la banda, como Alejandro Sergi (Miranda), Adrián Dárgelos (Babasónicos), Pity Álvarez (Intoxicados) y Ciro Pertusi (Attaque 77). Todo esto sumado a cinco nuevos temas de estudio.

Historia

Prehistoria

Ésta banda platense, que en muchos aspectos lideró el panorama local de la década, despuntó en 1981 con una actitud muy frontal en un momento de acartonamiento generalizado. Desde el comienzo, Virus resultó tan emblemático como Sumo, o Soda Stereo. «Quizás nada retrate mejor a los Moura que su destiempo. Fueron irónicos cuando reinaba la solemnidad en el rock argentino. Fueron románticos cuando reinaba el desencato dark. Grabaron su primer disco cuando su líder tenía 30 años, la misma edad en la que Charly disolvía Serú Girán» (Eduardo Berti en Riera / Sánchez, pág 11/12).

Virus nació de la fusión de Marabunta con Los Violetas, dos bandas de City Bell (localidad de La Plata) en las cuales tocaban los hermanos Moura. En un primer momento se llamaban "Duro" y la cantante era Laura Gallegos, que terminó siendo invitada a participar de los coros del primer álbum. Cuando Federico ocupa el lugar de la vocalista (11 de enero de 1981) ya se rebautizan Virus.

Sus inicios

Ya en la primera presentación masiva (Ezeiza, 21/09/81), Federico Moura desplegó su habitual provocación y, mientras jugueteaba con las naranjas que el público le arrojaba, les arengó: "a ver si levantan esos culos y bailan un poquito". Hacía dos años que ensayaban todos los días y tocaban en pequeños pubs. Una semana después de Ezeiza, entraban a grabar en la CBS.

"Wadu-Wadu" (1981), el primer LP, contiene 15 temas, con una duración promedio de 2'30 cada uno. En una época en la cual el Rock se ocupaba de temas sociales y "serios", fueron acusados de frívolos, por la música bailable con letras irónicas. «Hay quienes piensan que las letras de ustedes no están hechas para pensar...», sugiere el periodista. «Pero no es tan complicado, nuestras letras son simples. El que no las pesca es porque no piensa», responde Federico (Revista Twist y Gritos, 1982).

"Soy moderno, no fumo" y "Wadu wadu" fueron elegidos como cortes de difusión, que lograron tal propósito gracias a Lalo Mir, que conducía "9PM" por Radio del Plata y Alejandro Pont Lezica, de Rividavia.

En la presentación del disco (18/12/81 en el teatro Astral) debutó como músico el periodista Roberto Pettinato, que por entonces dirigía la revista El Expreso Imaginario y que también apoyaba bastante a Virus.

La imagen ambigua del grupo motivaba reacciones adversas de parte del público y comentarios prejuiciosos de la prensa. Al respecto, Marcelo Moura explica: «Federico era homosexual, entonces naturalmente su estética era así. No es que quisiese promover o valorizar eso, simplemente actuaba como era. Y como Federico era el cantante, el que hacía las notas y el que más aparecía en televisión, era la imagen que representaba al grupo» (D.Riera / F.Sánchez, pág 70).

Federico y Jacoby se ocuparon del vestuario y de la puesta en escena de los shows que realizaron durante la Guerra de Malvinas. Al comenzar, un ciego sintonizaba una radio a galena que colgaba de su cuello y de fondo se escuchaba "Entra en movimiento". Luego el grupo entero subía al escenario disfrazado de anciano, mientras en una pantalla se proyectaban imágenes de una manifestación en la Plaza de Mayo, con el tema "Todo este tiempo perdido".

Para ese entonces, el Poder Ejecutivo convocó a los productores más importantes para que organizaran el Festival de la Solidaridad Latinoamericana. La fecha elegida fue el 16 de mayo de 1982 y se hicieron presentes todos los músicos importantes: Charly García, Luis Alberto Spinetta, León Gieco, Raúl Porchetto, Litto Nebbia... A Virus también les llegó la invitación, pero fue inmediatamente rechazada. Para la ocasión, compusieron el tema "El banquete", que incluyeron en "Recrudece" (1982), el segundo disco.

Inicio de la masividad

"Agujero interior" fue el primer disco masivo de Virus. Con la producción artística de Danny y Michel Peyronel, salió a la venta en diciembre de 1983, juntamente con la asunción de Raúl Alfonsín y el final de la dictadura militar. Este trabajo sería editado en CD recién en 1995.

Por entonces, varios sectores de la sociedad declararon estar "avergonzados y escandalizados" por estos músicos. «La situación me parece muy buena - comenta Federico - Creo que alguien cuestiona un hecho cuando realmente le molesta. (...) Y me parece muy bien, porque estás golpeando puertas. No estás planeando golpearlas, las estás golpeando y le estás creando preguntas a alguien. Estamos movilizando, estamos tocando estímulos más fuertes, y por eso la gente se adhiere o te rechaza, pero siempre con fuerza» (G.Guerrero, pág 57).

A mediados de 1984 se separa de la banda Ricardo Serra, por diferencias musicales. Su reemplazante fue Daniel Sbarra.

En un estilo new wave más tecno, grabaron el siguiente trabajo, "Relax" (1984), con muchos más teclados y sintetizadores, en parte para suplir el espacio del guirtarrista alejado. Se utilizó una tecnología novedosa para la época, como las baterías electrónicas y los midis para utilizar bases secuenciadas. "Desesperado secuencia uno", "Me puedo programar" y "Amor descartable" son los ejemplos más salientes.

"Locura" (1985) se grabó en Nueva York y vendió más de 200.000 copias (hasta ese momento, el disco más exitoso había sido "Relax", con 40.000). Es el disco preferido de Federico y el más sexual de todos. "Una luna de miel en la mano" es un homenaje a la masturbación; "Sin disfraz" trata sobre un taxi-boy; "Pronta entrega" es una valorización de las relaciones sexuales...

Como consagración de una extensa y exitosa gira por todo el interior, Virus graba "En Vivo" en el Estadio Obras, los días 15, 16 y 17 de mayo de 1986. Para la ocasión prepararon versiones nuevas de todos los temas, ya que la crítica coincidía en calificarlos de "muy profesionales, pero un poco fríos". Si a esto se le sumaba el hecho de ser una recopilación, el disco redundaría en una repetición de los éxitos anteriores. Continuaron luego con una gira por sudamérica que los llevó a Perú (70.000 personas en 3 shows) y a Chile (20.000 espectadores en 3 presentaciones).

Una noticia shockeante

"Superficies de placer" fue grabado en Río de Janeiro, entre abril y mayo del '87. Este es un álbum más individualista: los temas eran compuestos sin la intervención del resto del grupo, como ocurría antes. La grabación se dificultó por una intensa neumonía de Federico, que lo tuvo 15 días en cama, casi sin poder comer. El tercer médico que lo atendió le recomendó realizarse el test del HIV, una enfermedad de la cual todavía se desconocía casi todo. Dio positivo.

«Nos shockeó, fue como una patada al hígado, -recuerda Marcelo-, Se armó como una onda de desazón general. Lo que había sido un plan antiestrés (grabar en Brasil), terminó siendo lo más estresante del mundo. Terminamos el disco a las patadas; todos los valores se cambiaron de un día para el otro» (D.Riera / F.Sánchez, pág 163).

A casi 9 meses del último show en Buenos Aires, Virus presentó el nuevo material en dos recitales en el Teatro Opera. Era un período en el cual nadie tenía ánimos para seguir, con excepción del propio Federico: cuando ninguno sabía si podría aguantar el trajín de los ensayos y los shows, Federico insistió para que se realizara.

"Tierra del fuego" (1989) es el primer LP sin su participación. Federico concurrió al estudio los dos primeros días, pero no pudo continuar. Había participado en únicamente dos temas: "Un amor inhabitado" y "Lanzo y escucho". La banda quiso abandonar la grabación. Federico ordenó que continuaran y le pidió a Marcelo que ocupara su lugar.

La muerte de un emblema

Federico Moura murió de SIDA el 21 de diciembre de 1988. A un año de la muerte de Luca Prodan y a nueve meses de la de Miguel Abuelo, se cerraba así la década de los '80, musicalmente hablando.

«En honor a la estética personal que siempre caracterizó a Federico, algunos periodistas que sabíamos hace tres o cuatro meses que estaba condenado a muerte, nos organizamos en una conspiración de silencio, y quizás también de esperanza en un milagro de esos que rara vez se producen. No fue casual que la mayoría de los integrantes de esa conspiración perteneciéramos a la misma generación de Jorge y Federico. Nos unió la solidaridad hacia alguien que respetamos profundamente y la conciencia de que, según parece, serán muy pocos los de nuestra generación que logren morirse de viejo» (Gabriela Borgna en Página/12, 22/12/88).

La presentación oficial de "Tierra del Fuego" fue, en realidad, un homenaje a Federico. Luis Alberto Spinetta, Charly García, Andrés Calamaro, Gustavo Cerati, Patricia Sosa y Fito Páez son algunos de los músicos que, espontáneamente, concurrieron al show y cantaron como invitados.

Luego de mucho ensayar con la nueva formación, Virus salió de gira por todo el país (en la campaña presidencial del candidato radical Eduardo Angeloz) y luego por el exterior. Sin embargo, ya no existía la disciplina interna y no había forma de restablecer las rutinas de ensayos y composición. Daniel Sbarra y Enrique Mugetti ya habían tomado la decisión de alejarse de la banda, aunque ofrecieron seguir tocando hasta que les encontraran reemplazantes. Disolvieron el contrato con la discográfica y realizaron algunos shows en forma independiente, pero sin éxito. El recital despedida fue el 29 de septiembre en el estadio de River, como teloneros de David Bowie y Bryan Adams.

El resurgimiento

En marzo de 1994 se juntaron para la nostalgia, en un pub de Lanús. Volvieron a los escenarios para el 112º aniversario de la ciudad que los vio nacer: La Plata. Alrededor de 120.000 personas los aclamaron como en sus mejores épocas. «No nos gusta de hablar de regreso -comentó Marcelo- porque de hecho siempre seguimos en actividad, aunque sea en proyectos paralelos, y nunca estuvimos alejados definitivamente». En diciembre del año siguiente se presentaron en la discoteca The Roxy, «sin intenciones de editar un nuevo disco, sin giras que promocionar ni nada, solamente por el gusto de tocar» (Télam, 09/10/95). Por "cuestiones internas", Mario Serra no participó del reencuentro y fue reemplazado por Aitor Graña, el baterista de Juana La Loca.

Marcelo Moura encabezó un nuevo renacimiento de esta banda, acompañado en esta oportunidad por Julio Moura y Daniel Sbarra en guitarras, Enrique Muguetti en bajo, Aitor Graña en batería y Patricio Fontana en teclados. El disco se llamó "Nueve" y tuvo un anticipo con el tema "América fatal" y una versión dance de "Amor descartable".

Como festejo de su 25º aniversario, Virus realizó en el 2004 una serie de recitales en el Teatro ND Ateneo. Cada noche, la banda presentó un repertorio distinto: "Virus es canción" (con clásicos unplugged y adelantos de su próximo CD); "Virus es pop" y "Virus es rock". "Es un delirio, porque tocamos setenta temas en tres días. Pero ese tipo de desafíos siempre nos moviliza. No nos gusta mirar atrás, queremos estar siempre en movimiento", comentó Julio Moura. La formación de la banda para la ocasión era los hermanos Moura, Enrique Muggeti (bajo, guitarra y coros); Daniel Sbarra (guitarra y coros); Aitor Graña (batería y programación) y Patricio Fontana (teclados).

Pioneros de la revolución del rock sudamericano

Virus, desde sus inicios, ha innovado y transgredido, así como influido. La banda encabezó la revolución en el Rock argentino gestando una evolución. Ya quedaba atrás el folk-rock de influencias clásicas del rock anglo-sajón como lo fueron los Beatles y The Rolling Stones, para dar lugar a las nuevas tendencias.

La principal razón por la que se destacó Virus es su originalidad. Ese sonido característico que bien es encajable bajo el estilo New Wave pero sin embargo, no reconoce influencias directas de ninguna banda, originalidad pura, vanguardia y creatividad autóctona en su máxima expresión. Mientras otras bandas de la época "tomaban" porción de bandas míticas como The Police, Joy Division, The Rolling Stones, The Beatles, etc, Virus también supo incluirse entre las bandas influyentes del rock argentino.

Virus fue la primer banda argentina que aprovechando las últimas tecnologías de aquel entonces, hizo uso de sintetizadores para su música, así como bases de secuencias midi, rompiendo los esquemas de la típica formación voz-bajo-batería-guitarra.

Virus además es considerado maestro de otra exitosa banda de la escena del rock argentino, Soda Stereo. Cabe destacar que Federico Moura produjo el álbum de debut de Soda Stereo, titulado con el mismo nombre, disco en el cual la influencia de la primera etapa de Virus (la más rockera) es evidente. Marcelo Moura prestó teclados a Soda Stereo en sus primeros recitales, y Federico Moura tocó teclados en el primer show de Soda Stereo en 1984. Soda Stereo participaría más adelante para homenajear a Federico Moura, cantante difunto de Virus, en dicha ocasión, tocarían juntos los músicos de sus respectivas bandas, en una misma agrupación llamada "Vida" (Virus + Soda).

Virus fue la primera banda en cosechar éxito masivo en el exterior, captando multitudes de fans a lo largo de los países al sur del Ecuador.

Virus es notable, juntos con Los redonditos de ricota, por ser bandas que alcanzaron repercusión masiva por su talento, y no por estrategias de marketing, ni publicidad. Virus nunca se comercializó y su música siempre evoluciono, sin defraudar al público, desde el estilo New-wave de Recrudece, pasando por el Blues-rock en Agujero Interior, hasta el New-wave techno en Locura, la banda mezcló géneros y así enriqueció su obra.

Virus no solo utilizó la música, sino varias armas para crear un auténtico espectáculo para el público. Dio valor a la estética, la expresión artística, la comunicación con el público de un modo particular (Federico Moura se destaca como un front-man mítico).

Pagina: http://www.virusenconcierto.com.ar/

Maria Muldaur

Maria Muldaur (Maria Grazia Rosa Domenica D’Amato, 12 de septiembre de 1943, Greenwich Village, Nueva York) es cantante conocida por su canción «EscucharMidnight at the Oasis».

Esta mujer hace de todo, pop, rock, blues, canta, compone… en fin. Tiene una gran voz y un excelente gusto. Una de las pocas cantantes blancas que puede interpretar lo que se le ponga por delante sin “quedar mal”.

Ecléctica. Es la palabra que mejor la puede definir. Durante la infancia se apasionó por el Country, en la adolescencia por el R&B, luego por el rock & roll, el pop…

Forma una banda en el instituto llamada “The Cashmeres”, empieza a participar en jams y ya no para la mujer. Se casa con el cantante Geoff Muldaur, con el que tendrá una hija que también se aficionará a la música. Una familia de cantantes. Con su marido graba algunos discos con el nombre de ‘Geoff & Maria Muldaur’. El matrimonio acaba y con él la relación profesional.

Tras la experiencia musical/familiar graba discos de gospel, jazz, soul, country y blues indistintamente, una nueva prueba de la versatilidad de esta cantante. Cabe destacar el disco ‘Richland Woman Blues’, que obtuvo una nominación Grammy como mejor disco de Blues tradicional y en el que hacía un homenaje a artistas clásicos del Blues, especialmente a mujeres y en el que hay varias colaboraciones de instrumentistas de reconocido prestigio como Taj Mahal, John Sebastia, Bonnie Raitt, Tracy Nelson, Alvin Youngblood Hart, Roy Rogers o Dave Matthews.

Pagina: http://www.mariamuldaur.com/

Gustavo Cordera

Gustavo Cordera (Lanús, 1964) es un músico argentino, conocido por ser el cantante del grupo Bersuit Vergarabat.

En 1987 Gustavo Cordera cursaba las últimas materias de la carrera de comunicación social en la Universidad Nacional de Lomas de Zamora y vendía autos en su propia agencia, "Cordera Hnos.". En el verano de 1988 fue de vacaciones al carnaval de Río de Janeiro. De regreso a su Avellaneda natal se rapó, dejó los estudios, vendió la agencia de autos y comenzó a vivir solo. Luego, entró como cantante a un grupo que había conocido en la "La Casa de las Artes de la Vieja Avellaneda", lugar de encuentro de músicos y artistas donde había conocido a Juan Subirá y Pepe Céspedes, con quienes había improvisado "Masturbación en masa" (inédito) y "Hociquito de Ratón". Un año más tarde el grupo se constituía con cinco miembros, teniendo a Gustavo Cordera en voz. Así se dio origen al grupo que en un principio se llamó "Henry y la Palangana". A Partir de 1990 casi se llama "Aparrata Vergi" aunque finalmente se decidieron poe "Bersuit Vergarabat Van de Ir" quedándose luego solo con "Bersuit Vergarabat" Luego del lanzamiento de las dos primeras placas de Bersuit, el grupo empezaba a vivir algunos cambios internos, como el alejamiento de Raúl Pagano, Rubén Sabrinas y su guitarrista Charly Bianco. En 1995, Alberto Verenzuela (Tito) se incorporó al grupo en guitarra. A pesar de los cambios, se especulaba que el silencio en el que se habían sumergido sería definitivo. "Era el momento más deprimente de mi vida", afirma Cordera.


Entre rumores de una posible separación y sin una compañía discográfica que los apoyara, trabajaban en su tercer disco, bautizado en un principio "La historia de Don Leopardo y Vir Trompzio" (el nombre definitivo sería "Don Leopardo"). A pesar de ser este un fracaso comercial, la banda ganó popularidad luego del lanzamiento de "Libertinaje". Luego vinieron otros discos que afianzaron su carrera como "Hijos del Culo" y "De La Cabeza" (grabado en vivo en un show en el Estadio Obras). El cd doble "La Argentinidad al Palo" llevó a Bersuit a la cima y luego vino "Testosterona" que fue bien recibido por el público y la crítica[cita requerida]. “Madre hay una sola” es el primer sencillo del disco. En el 2007 lanzan su más reciente álbum "?".

Cordera, hoy de 44 años, está casado y tiene tres hijos.

El mayo del 2009 se edita el primer disco solista de este artista, llamado " Cordera Suelto ".

Carlos Del Junco

Nacido en La Habana, Cuba, del Junco (traducido libremente «de la caña») emigró con su familia a la edad de uno. Él doblado su primera nota sobre una armónica cuando tenía catorce, haciendo su debut con su escuela secundaria profesor de matemáticas de un estudiante en la noche de talentos. En sus primeros años 20 del Junco fue inmerso en una carrera de artes visuales; se graduó con honores de un programa de cuatro años, especialización en escultura (click aquí para ver fotos) en el Ontario College of Art. Definitivamente, la escultura ha tenido una influencia en su visión de la música: «La música es sólo una forma diferente de la creación de texturas y formas».

Reproducción de un agujero de diez armónica diatónica, Carlos ha desarrollado la capacidad única para jugar cromáticamente mediante un elaborado recientemente «overblow» técnica enseñado a él por el jazz virtuoso Howard Levy. En general, este enfoque a la armónica diatónica, aunque mucho más difícil de conseguir, es en muchas maneras, el más expresivo y comunicativo que el mecanizado tono producido por la armónica cromática. Carlos es uno de los pocos pioneros de este método overblow, con lo que la credibilidad musical a lo que ha sido aún considerado por muchos en la industria de la música - una franja popular instrumento. El sofisticado sonido producido por las del Junco es a la vez sensible, sentimental, y sexy al mismo tiempo no olvidar la crudeza inherente a la música blues.

Durante los años 80 del Junco realizó con muchas bandas incluidas Latina / reggae / r & b banda «Eyelevel», «Ontario College of Art Swing Band» con Bill Grove y tenía 6 años una temporada con el rhythm and blues grupo «El Buzz Upshaw Band». Con Kevin Cooke en 1990 formó un blues / jazz / fusión de la banda, «El Delcomos». Ha grabado con Bruce Cockburn, Kim Mitchell, Cassandra Vassick, Oliver Schroer, Zappacosta, y también ha trabajado con el holandés Mason, especial de Walsh (Downchild Blues Band) y Holly Cole.

En 1991 realizó del Junco y compuso la música para la autopista del Tomson Dora galardonado juego seco Labios Deberían Mover a Kapuskasing. La producción gira por Canadá y se celebró durante siete semanas en Toronto Alex del Teatro Real.

En 1993 Carlos del Junco ganó dos medallas de oro en la Hohner Armónica Campeonato Mundial celebrado en Trossingen, Alemania. Fue juzgado mejores del mundo tanto en la categoría diatónica blues y el jazz diatónica categoría.

Con el proyecto de ley de finales de Kinnear, Carlos del Junco lanzó su primer CD, Blues independiente en la etiqueta, el Big Reed Records en noviembre de 1993. La rica colección de clásicos del blues fue un esfuerzo de colaboración con la reproducción acústicas Kinnear y Dobro guitarras y la voz de la manipulación de plomo. Cinco de cada seis encuestados en la Sociedad de Toronto Blues, Blues seleccionados para su top ten de las emisiones de 1993.

En marzo y abril de 1995 del Junco viajó a Chicago con una subvención del Consejo de Canadá para estudiar con Howard Levy. Este año fue testigo de la liberación de de la aclamados por la crítica sólo de su Jones Sizzling un período de sesiones en vivo con Kevin breit en guitarra, Al Duffy en el bajo y Geoff Arsenault en la batería. Es este CD y los esfuerzos de colaboración con Thom «Champagne Charlie» Roberts Blues por carretera Grande, que ganó en 1996 por Carlos Blues Músico del Año Premio …

… del Junco sigue produciendo una paleta ecléctica de la música en constante Movin ‘, su (2008) 5 de la grabación en un ajuste de la banda y su segundo CD para NorthernBlues. Cuenta con un conjunto mayormente acústico en solitario con 3 vitrinas de Carlos armónica latín. Notable trabajo de guitarra de Kevin breit, uno de los más buscados después del período de sesiones los jugadores en Canadá y ahora en los EE.UU., gracias en gran parte a su trabajo con Norah Jones y Cassandra Wilson, añade hermosas texturas a los 11 pista colección.

Carlos ha viajado regularmente Canadá desde 1996 y tours a menudo en Alemania y los Estados Unidos. Él ha jugado todos los grandes del jazz, blues, y los festivales folclóricos de todo el Canadá.

Pagina: http://www.carlosdeljunco.com/

Jean Michel Jarre

Jean-Michel André Jarre (24 de agosto, 1948), popularmente conocido como Jean Michel Jarre, es un compositor e intérprete francés de música electrónica.

Biografía

Nace el 24 de agosto de 1948 en Lyon, Francia. Hijo de France Pejot y el destacado compositor de bandas sonoras, Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia, Ghost y El Club de los Poetas Muertos, por mencionar algunos). Sin embargo, debido al trabajo y a la posterior separación de sus padres, Jarre no fue muy influenciado por las ideas de Maurice. A la edad de cinco años comenzó sus primeras clases de piano, y junto a su madre frecuentaba el club de Jazz más popular de París, "Le Chat qui Pêche" donde conoció al destacado trompetista Chet Baker.

Más adelante se integró al "Grupo de buscadores musicales", liderado por el maestro Pierre Schaeffer, quien cultivaba en sus alumnos la idea de que se podía componer música con cualquier objeto o instrumento. Así experimentó en diversos frentes: Su primera banda de rock, "The Dustbins", donde era vocalista y primera guitarra; sus primeros singles, "La Cage", "Erosmachine", "Hypnose", "Happiness is a Sad Song"; colaborando con otros artistas, componiendo música para comerciales de televisión, películas e incluso para la ópera de París, con su trabajo "AOR". En fin, su camino lo llevaba para muchos lados en pos de descubrir su orientación definitiva.

Consagración

Así llegó 1976, cuando este joven de 27 años compuso y grabó, en su pequeño comedor convertido en estudio, mediante una grabadora de 8 pistas y arcaicos instrumentos esa obra maestra de 6 piezas llamada Oxygene (considerado el álbum más importante de música electrónica). Este disco es la obra con la cual se indentifica a Jarre, en especial el tema Oxygene 4. Fue todo un evento, éxito de ventas en todo el mundo, y comenzaba a escribirse una nueva época de la música mundial, aquella donde se rompían los mitos de que la electrónica no era aceptada, y en la cual se consideraba a los sintetizadores no como instrumentos musicales, sino como elementos de experimentación.

Por supuesto, Jarre no imaginó nunca el tremendo éxito que obtendría con Oxygene, así como tampoco con su posterior Equinoxe, que terminó consolidándolo como el más destacado de la escena mundial. Y dio inicio a otra era, la de los megaconciertos, con su show en la Plaza de la Concordia en París en 1979, reuniendo a 1.000.000 de personas y rompiendo por primera vez en su vida un "Récord de Guinness". Tras esto prepara su tercer disco oficial, Chants magnétiques (cantos magnéticos juego de palabra con campos magnéticos, ambos se pronuncian igual en francés), que incluso en Estados Unidos (bajo el nombre Magnetic Fields) lideró las ventas en las categorías de Jazz y Clásica. Debido a este tremendo éxito, es invitado por el gobierno chino, Jean Michel se transforma en el primer músico en brindar una serie de conciertos en el país oriental, con una audiencia estimada de ochocientos millones de auditores sólo en ese país. Ese histórico momento está registrado en el disco The Concerts in China.

En 1983 graba Musique pour supermarchés (música para supermercados), disco de una sola copia, cuyos masters fueron destruidos y que fue subastado para incrementar la partida presupuestaria para los artistas franceses. Tras ese notable experimento (Récord Guinness de nuevo) llega Zoolook, uno de los trabajos preferidos de los fanáticos, en el que Jarre crea bases y sonidos musicales con palabras y frases tomados de más 30 lenguas y dialectos diferentes.

Ya convertido en una personalidad internacional, es invitado por la NASA para celebrar su 25 aniversario con un espectacular concierto en Houston, Texas, reuniendo a más de 1 millón de personas (otro Récord mas). El astronauta Ronald McNair fue elegido para interpretar la parte de saxofón de Rendez-Vous VI (Ron´s Piece) de Jarre, en órbita desde el Transbordador Espacial Challenger. Iba a ser la primera pieza de música grabada en el espacio. Tras el desastre del Challenger el 28 de enero de 1986, la pieza fue grabada con otro saxofonista, retitulada "Ron's Piece", y el concierto y su trabajo Rendez-Vous fue dedicado a la tripulación del Challenger y en especial a su amigo Ron McNair.

Llega 1988 y con su disco Revolutions hace un repaso de los cambios y la evolución de la humanidad. Prepara y cancela varias veces un concierto en Londres, el que finalmente se lleva a cabo los días 8 y 9 de Octubre de 1988 y que cuenta con la participación especial del ex-guitarrista de The Shadows, Hank Marvin, con quien Jarre hace duple en London Kid, uno de los temas más destacados del álbum.

A principios de 1991, Jarre comienza la promoción de un concierto que tendría lugar en la zona arqueológica de Teotihuacán, México durante el eclipse solar del 11 de julio de 1991. De acuerdo con algunas fuentes, problemas con los patrocinadores y con autoridades nacionales forzaron la cancelación del proyecto.[1] Sin embargo, en el documental "Making the Steamroller Fly", que está incluido en el DVD "Oxygene Moscow", Jarre y otros colaboradores cuentan que la verdadera razón para la cancelación del concierto en México fue el hundimiento de un barco que transportaba desde Europa el escenario en forma de pirámide especialmente diseñado para la ocasión y otro material técnico sin el cual era imposible para Jarre realizar el espectáculo como lo tenía concebido. El músico comenta que había compuesto piezas especiales con influencias mayas y aztecas para el evento. El propio Jarre señala que fue tal su frustración con la cancelación de este proyecto que "no pudo probar comida mexicana durante dos años".

Años '90

Al comenzar la década de 1990 Jean Michel dedica su trabajo En attendant Cousteau (esperando a Cousteau) al biólogo francés Jacques-Yves Cousteau, en el cual mezcla el sonido caribeño de los steeldrums -tambores metálicos con un característico sonido melódico, muy populares en Trinidad y Tobago o en Jamaica en los temas Calypso 1, 2 y 3 con un enigmático corte de 47 minutos.

Paris - La Défense fue uno de los shows más espectaculares, reuniendo a casi 2.000.000 de personas (convirtiendo en récord la reunión), y donde hace una revisión de todos sus discos, como manera de presentación de su disco recopilatorio Images, en donde además aparecen tres temas inéditos: Eldorado, Globetrotter y Moon Machine. Ya en 1993, e inspirado en el libro de Stephen Hawking La Historia del Tiempo lanza Chronologie, un disco que nos comunica la evolución en la historia del hombre. Este álbum incluye samples de sus primeros trabajos, como Eros Machine. Inicia un espectacular tour por Europa que lo lleva además a Hong-Kong. Es nombrado Embajador Universal por la Unesco y con este propósito realiza el megaconcierto Concert pour la Tolerance.

En 1997 Jarre firma un contrato con Sony Music y anuncia la continuación de su trabajo más significativo, Oxygene 7-13. Un álbum donde amalgama mágicamente los viejos sonidos con las nuevas tendencias de la electrónica. Brinda un concierto en Moscú donde más de 3.500.000 de personas disfrutaron del show, y del cual recientemente se ha publicado la edición en DVD. Además, en 1998 y con ocasión del mundial de fútbol, cierra los juegos con otro espectacular concierto bajo la Torre Eiffel y en donde se le unen diversos Dj's y músicos como Apollo 440, Tetsuya Komuro y Dj Cam, entre otros. Ellos también participan del álbum de remezclas Odyssey Through O2.

1999 fue el año donde planifica su más ambicioso proyecto: The 12 Dreams of the Sun, un espectacular show de doce horas para celebrar la llegada del séptimo milenio bajo las Pirámides de Egipto. Los temas recibieron una nueva armonización y el músico francés aprovechó para mostrar algunos cortes de su nuevo disco. El concierto fue transmitido por Internet y ganó varios premios. Su lanzamiento en DVD se retrasa debido a problemas de derechos con el gobierno egipcio, pero es probable que se edite de aquí a tres años según una entrevista en el periódico El Mundo.

La metamorfosis del nuevo milenio

Tras la euforia del cambio de milenio, Jean Michel volvió a sorprender con Metamorphoses. Un disco que ha dividido a los fanáticos sobre el "nuevo rumbo" de Jarre. En este disco participan destacadas figuras como Laurie Anderson, Natacha Atlas y Sharon Corr, y se acerca más a las corrientes electrónicas modernas, pero sin perder la esencia de su música.

Durante el año 2000 se cancelaron varios conciertos. Jarre estaba ocupado preparando una actuación junto a su nuevo proyecto (una banda denominada The Vizitors) para el 1 de enero 2001 en Okinawa, Japón. En esta banda participaban Tetsuya Komuro, Francis Rimbert y con la asistencia del productor Mark Fisher además de Jean Michel.

En junio del 2001 Jarre brindó dos conciertos en la Acrópolis de Atenas, Grecia, en un evento a beneficio de la asociación griega Elpida. También lanzó un disco llamado Interior Music (del cual sólo se regalaron mil copias) con 2 piezas de música incidental especialmente preparadas para las tiendas de Bang & Olufsen (una marca de equipos de sonido y video) en Francia. En este año también preparó la banda sonora de la película Who wants to be a Star y diversas composiciones para el canal francés Match Tv.

Durante el 2002 preparó un nuevo disco y el 7 de septiembre realizó un concierto en la localidad de Aalborg, Dinamarca. Este concierto tuvo como tema central la ecología. Gran parte de la energía necesaria para el concierto fue obtenida de los molinos de viento del parque en el cual se desarrolló el evento.

El 10 de octubre de 2004 realizó un concierto en la Ciudad Prohibida de Pekín, China, para celebrar el inicio del Año de Francia en China, y presentar los remixes 5.1 de sus temas clásicos, así como algunos temas inéditos, contenidos en el álbum AERO.

En lo sentimental, el músico francés ha estado casado con la actriz y fotógrafa británica Charlotte Rampling, de la que se separó. En 2002, se le relacionó con la actriz francesa Isabelle Adjani, con quién rompió en 2004. Más tarde, en 2005 contrajo matrimonio con la intérprete Anne Parillaud, conocida por su papel en "La Femme Nikita".

En Octubre 2 del 2006 Tadlow Music lanzó un disco con 20 temas en versiones sinfónicas de trabajos previos de Jarre, titulado "The Symphonic Jean Michel Jarre", agrupadas en 2 discos. El 16 de diciembre de 2006 realizó un concierto en el desierto de Marruecos (Merzouga), a beneficio de la Unesco titulado Water For Life.

El 26 de marzo de 2007 lanzó su nuevo disco de estudio, titulado "Téo & Téa", que cuenta con 13 temas orientados al género dance.

El 26 de julio de 2007 Jarre tenía que dar un concierto en un parque eólico en Albanella (Italia), dentro del festival de tres días Powerstock, pero a cinco días antes del concierto el Power Stock Festival aún no se había dignado a firmar el pliego de condiciones de honorarios de la agencia del músico francés para su participación en el festival. Muchos fans que habían adquirido sus entradas, comprado sus billetes de avión y reservado sus hoteles, se quedaron tirados sin capacidad de cancelar, perdiendo mucho dinero por esta falta de seriedad del organizador italiano.

El 4 de diciembre del 2007 lanza una edición especial de Oxygene (Oxygene:Live In Your Living Room) para celebrar el 30º aniversario del disco que hizo revolucionar la música electrónica. Se encuentra disponible en 3 versiones. CD de oxygene remasterizado + DVD con vision 3D + Gafas 3D (version limitada).

Las otras dos opciones son las mismas pero quitando material, CD o CD+DVD con vision 2D.

En diciembre de 2007 Jarre, acompañado de Francis Rimbert, Dominique Perrier y Claude Samard, actúa durante diez noches en el Theatre Marigny de Paris, interpretando en directo el disco "Oxygene" junto con unas variaciones compuestas para la ocasión.

El éxito de estos conciertos continúa en 2008 con una gira por toda Europa interpretando Oxygene. Después de casi quince años, en abril de 2008, Jarre ha actuado de nuevo en España en su gira "Oxygene". El primer concierto fue en el Liceu de Barcelona el 21 de abril, continuando en el Palacio de Congresos de Madrid el 22 de abril, en el Auditorio de Valladolid el 23 y finalmente en Salamanca el 29 de abril.

Actualmente Jarre está realizando una nueva gira que denomina mundial (World Arena Tour) llamada In>Doors que comenzó el 4 de Mayo de 2009 en el pabellón Fonix Csarnok de la localidad húngara de Debrecen acompañado de nuevo por Francis Rimbert, Dominique Perrier y Claude Samard. Esta gira durará un año aunque por ahora solo se han confirmado fechas para el mes de Mayo en algunos paises de Europa. Esta gira incluye algunos temas de la gira Oxygene del año anterior más una recopilación de grandes éxitos interpretados en directo contando con una gran variedad de efectos láser y luminotécnicos.

Pagina: http://www.jeanmicheljarre.com/