Ennio Morricone

Ennio Morricone (Roma, Italia, 10 de noviembre de 1928 - ), compositor italiano de música.

Biografía

De pequeño fue compañero de colegio de Sergio Leone con el que más tarde colaboró en casi todas sus películas hasta la muerte de éste. Tras el colegio, ingresó en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma, donde estudió trompeta y composición. Su carrera cinematográfica empezó en los años 60; está aún activo, por lo que es uno de los compositores actuales más prolíficos, con unos 500 trabajos en su haber.

Ha sido muy criticado por unos y muy aclamado por otros, debido a su atípica música, pero ante todo ha sido valiente integrando instrumentos poco comunes entre las grandes orquestas. En el año 1964 tocó en el grupo de improvisación Nuova Consonanza fundado por Franco Evangelisti.

Tampoco ha pasado desapercibida su colaboración con grandes directores como Pier Paolo Pasolini, Bernardo Bertolucci, Gillo Pontecorvo, Brian de Palma, Marco Bellocchio o incluso Pedro Almodóvar con Átame.

Es uno de los más conocidos de los compositores cinematográficos, gracias sobre todo a la música de los "spaghetti western", pero también gracias a las bellas melodías de Días de cielo, La misión o Cinema Paradiso.

También ha compuesto obras para series de televisión; entre las más conocidas están El secreto del Sahara, La Piovra, Marco Polo o Moisés.

Imagen:Http://www.fest21.com/files/images/Ennio Morricone.jpg Ennio Morricone en Febrero 2007

Compuso la marcha de la Copa Mundial de FIFA Argentina 1978.

Pagina: http://www.enniomorricone.com/

Fabiana Cantilo

Fabiana Cantilo (03/03/1959) comenzó a hacerse conocida a través de las Bay-Biscuits, un grupo de rock-teatral que participaban de shows de músicos de primer nivel como, por ejemplo, Serú Girán.

Fue convocada por Pipo «Látex» Cipolatti para ser la vocalista de Los Twist. En 1983 Charly García la invitó a sus presentaciones de Clics Modernos y, a partir de ese momento, quedaría ligada como corista estable. Incluso compusieron juntos el tema "Siempre puedes olvidar", incluido en el disco "Filosofía barata y zapatos de goma" (1990).

En 1985 participó de varias presentaciones de Fito Páez y editó su primer álbum solista, "Detectives", acompañada de Richard Coleman, Oscar Mediavilla y Gustavo Bazterrica (guitarras), Rinaldo Rafanelli (bajo), Daniel Melingo (saxo) y Fernando Samalea, Oscar Moro y Polo Corbella (baterías). Para presentarlo en vivo recurrió a la misma banda de Fito, hasta que armó su propio grupo soporte, Los Perros Calientes, con Gabriel Carámbula. Con ellos grabó su segundo álbum en 1988.

En 1990 participó de "Mi Buenos Aires Rock", concierto organizado por la Municipalidad de Buenos Aires, que convocó a cien mil personas en la 9 de Julio, junto a Charly García, Luis Alberto Spinetta y La Portuaria.

Su carrera continuó como vocalista invitada de los shows de García, Los Twist y Páez y como telonera de Roxette en Velez, hasta que grabó su tercer disco, "Algo mejor" (1993), con temas compuestos en su mayoría por Fito Páez. Se destacan "Mary Poppins y el Desollinador", el tema homónimo y, sobretodo, "Mi enfermedad", de Andrés Calamaro.

En el '94 Cantilo recorrió el país presentando "Golpes al vacío", un disco en el cual no hay temas ni de Páez ni de García. «No hay temas de ellos, que son mis papás, justamente para demostrarle a la gente lo que soy por mí misma» (H.Vargas, pág 125). Tuvo muy poca repercusión.

En febrero de 1995 se presentó en el Festival Internacional de la Canción, en Mar del Plata, junto a Charly y el grupo brasilero Paralamas, entre otros. Con la producción de Pedro Aznar presentó su último LP, "Sol en 5", con invitados como Fito Páez, Gabriel Carámbula, David Lebón y Claudia Puyó. Fue la telonera de la presentación de Fito Páez en River, en diciembre del '95.

A fines del 2002, luego de cuatro años sin material nuevo, presentó "Información Celeste", un disco de canciones propias y semiautobiográficas.

"Inconsciente colectivo" (2005) es un homenaje al rock argentino. Cuenta con la participación de Gustavo Cerati, Fito Páez e Hilda Lizarazu, e incluye canciones de Spinetta, Divididos, Suéter, Charly García, Fito Páez, Los Redonditos de Ricota y Calamaro.

Discografía:

Detectives, 1985
Fabiana Cantilo y los Perros Calientes, 1988
Algo mejor, 1993
Golpes al vacío, 1994
Sol en cinco, 1995
¿De qué se rien?, 1998
Lo mejor de Fabiana Cantilo, 1999
Información celeste, 2002
Lo mejor de Fabiana Cantilo, 2003
Inconsciente colectivo, 2005

Pagina: http://www.fabiana-cantilo.com/

Aerosmith

Aerosmith es una legendaria banda de hard rock y Glam Rock formada en Estados Unidos. Se creó en los años 70, fue formada por Steven Tyler (voz, teclado y armónica), Joe Perry (guitarra líder y coros), Brad Whitford (guitarra), Tom Hamilton (bajo) y Joey Kramer (batería) a principios de la década de los 70's.

La banda empezó a forjarse cuando Steven Tyler formó una banda, "The Strangers", en 1964, en Sunapee, un pequeño pueblo de New Hampshire, donde tocaba la batería. Poco después, el nombre del grupo pasó a ser "Chain Reaction". Tocaban temas compuestos por Steven y hacían versiones de temas de The Beatles y de The Rolling Stones. Entre 1967 y 1969 graban un par de sencillos y hacen pequeños trabajos de teloneo para grupos como los Yardbirds y los Beach Boys.

Finalmente, en 1970, se unen a la banda Joe Perry y Tom Hamilton, que formaban parte del grupo "Jam Band", con el que interpretaban temas de blues. De esta manera surgió una banda con un nuevo nombre: Aerosmith. El grupo lo completaban Brad Whitford, en la guitarra y Joey Kramer en la batería. El estilo era una mezcla de rock y blues con su imagen de niños malos. Tras darse a conocer en locales nocturnos de Boston, en 1973 presentaron su primer Lp titulado simplemente "Aerosmith" (1973), un buen álbum producido por Adrian Barber que contenía temas como los himnos "Dream on", "Mama Kin" y "One Way Street" o "Walkin' The Dog". Sus interpretaciones en vivo teloneando a gente como los Kinks o Mott The Hoople iban colocando su nombre entre los buenos aficionados al rock. En 1974 publicaron su segundo disco grande, "Get your wings" (1974), que incluía canciones como "Train kept a rollin'", "Lord of the thighs" , "Same old song and dance" o "Seasons Of Wither" . Este trabajo, que supuso un gran avance comercial con respecto a su primera entrega, contó por primera vez con el trabajo del productor Jack Douglas y el ingeniero de sonido Jay Messina. Su llegada al estrellato musical vendría determinado por la publicación de "Toys in the attic" (1975), un extraordinario álbum, considerado como uno de los mejores albumes de la historia de la musica, llegando a ser disco de diamante; marcado por su éxito "Walk this way" y por otros espléndidos temas como "Sweet emotion", "Toys in the attic" o "Uncle Salty". Este ascenso en su status estelar provocó la reedición de su primer sencillo, la balada "Dream on", que logró entrar entre los singles más vendidos de la época. Subidos al carro de la fama y en un momento de gran inspiración presentaron otro magistral disco, "Rocks" (1976), de nuevo bajo producción de Jack Douglas. Piezas como "Back in the saddle", "Last child", "Combination" o "Sick as a dog" son elementos integrantes de un Lp fundamental. Los discos posteriores no lograron complacer las expectativas que esperaban los fans devido a la adiccion a las drogas y el alcohol y por las disputas por parte de Steven Tyler y Joe Perry ( los demas integrantes de la banda consumian, pero en menor medida) debido a esto los trabajos posteriores no resultaron tan consumados, y por las disputas entre los dos líderes del grupo. "Draw the line" (1977), "Live! Bootleg" (1978)

Influencias

Musicalmente fueron influidos por bandas como Led Zeppelin, Deep Purple, Cream, Black Sabbath, The Rolling Stones, Yardbirds, y otras muchas, todas pertenecientes a la segunda generación de rock británico. Podría decirse que lo que comenzó con Elvis, tuvo su florecimiento intercontinental con los Beatles y los Rolling Stones. Luego bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin, AC/DC y Deep Purple llevaron el concepto un poco más allá, y los herederos norteamericanos, los receptores de esa devolución musical fueron Aerosmith. Un sonido y actitud que caían en algún lugar entre el Rock&Roll y el Heavy Metal. Eran un reflejo de lo que estaba ocurriendo en la escena británica por aquel entonces. Tyler dijo "You gotta fake it 'till you make it" (algo así como "tienes que copiarlo hasta que lo logres"). Es por esta razón que en los primeros discos de la banda las influencias se pueden percibir fácilmente. De todas maneras, no tardaron en crear su propio estilo.

Artistas influenciados por Aerosmith

Aerosmith ha influido a muchos artistas , de diferentes generos Glam Metal, Grunge, Heavy Metal y Hard Rock. a esos artistas incluye a Bon Jovi, Guns N' Roses, Metallica, Mötley Crüe The Black Crowes, Poison, Mother Love Bone, Velvet Revolver, Pearl Jam, Ratt, Van Halen, Nirvana, The Cult, Soundgarden, Alice in Chains, L.A. Guns, Great White, Stone Temple Pilots, Cinderella, Faster Pussycat, Skid Row, W.A.S.P..

La época oscura

El grupo atravesó una época oscura por culpa de las drogas, el alcohol y las continuas discusiones entre algunos de sus componentes. Esto último provocó la salida, primero del guitarrista Joe Perry y más tarde de Brad Whitford. Con Joe Perry no solamente se perdió su talento musical, sino también su fuente creativa, ya que era coautor de la mayoría de las canciones del grupo. Joe formó "The Joe Perry Project", con la que editó 3 LP's: "Let The Music Do The Talking", "Once a Rocker, Always a Rocker" y "I've Got The Rock & Rolls Again".

Brad Whitford se unió al guitarrista de Ted Nugent, Derek St. Holmes, con quien editó el disco "Whitford/St. Holmes". Cabe destacar que la figura de Whitford quedó siempre eclipsada por la de Joe Perry. Todo esto pese a que Brad era un excelente guitarrista y se ocupaba de una gran parte de los solos en las canciones de Aerosmith.

Jimmy Crespo y Rick Dufay llegaron para llenar el vacío de guitarras dejado en la banda, y en 1982 sale al mercado un nuevo disco, "Rock in a Hard Place", del cual no se vendieron demasiadas copias. Más tarde Brad se une al Joe Perry Project y tocan juntos en varios shows en vivo. El día de San Valentin de 1985, Joe Perry y Brad Whitford visitan a sus ex compañeros de Aerosmith en el backstage y logran una reconciliación (en parte gracias al trabajo de sus respectivas esposas), reuniéndose de nuevo con la banda e iniciando el "Back in the Saddle Tour".

El reencuentro con el éxito

De ahí en adelante, Aerosmith fue progresivamente reencontrándose con el éxito comercial, que fue de la mano de un renacer artístico, en lo que a creatividad se refiere. Discos como "Permanent Vacation", "Pump" y su auto-versión de Walk This Way junto RUN-DMC, volvieron a colocarlos en puestos destacables de las listas de ventas.

Cuatro años después de editar "Pump" (1989), sale a la venta "Get a Grip", disco que se encontró con críticas muy diversas. El disco contenía, por un lado, canciones como "Eat the Rich", "Fever", "Gotta Love It", "Line Up", que eran Aerosmith puro, sin adulterar, y por el otro canciones como "Crazy" y "Cryin'" que si bien fueron un éxito en las radios y listas de muchos países del mundo, no hicieron más que relacionar eternamente a la banda con esa imagen de "grupo que compone baladas". Sin poner en duda la calidad de estas últimas canciones, esto hizo que una parte de los seguidores de la banda se despegaran de ellos. Y nuevamente apareció la "generación MTV" para llenar el vacío. En esta época, Aerosmith tuvo críticas negativas alegando que se habían pasado al Pop para ser más comerciales.

A "Get a Grip" le siguieron varios discos. "Nine Lives" (1997), "Just Push Play" (2001), varias compilaciones de grandes éxitos y en 2004 "Honkin' on Bobo", que es una compilación de covers de blues más un tema original de la banda ("The Grind").

En 1998 encabezaron la banda sonora original de la película "Armageddon" (coprotagonizada por la hija de Steven Tyler, Liv Tyler) con la canción "I don't want to miss a thing" (Compuesta por personas ajenas a la banda sólo para la película), "What Kind Of Love Are you On" (Descarte de "Nine Lives"), "Come Together" y "Sweet Emotion".

Joe Perry editó a principios de 2005 un disco en solitario titulado "Joe Perry", con temas y material que llevaba amasando desde 1997. Este tema sirvió para que Perry fuera nominado al Grammy por el tema "Mercy". También en 2005, la banda de Boston regresa a las bateas con un nuevo disco en vivo, titulado "Rockin'The Joint", grabado en el Hard Rock Hotel de Las Vegas con anterioridad al lanzamiento del disco de blues "Honkin' On Bobo" del 2004, por lo que no incluye ninguna canción de éste.

Durante el 2007 la banda se embarcará en un tour mundial que los llevará por primera vez en 13 años a latinoamérica, visitándose también Europa y Australia.

Habiendo vendido aproximadamente 100 millones de discos en todo el mundo a lo largo de una impresionante carrera, Aerosmith no sólo han sobrevivido y crecido sino que han rebasado las tendencias, modas y locuras de su época para convertirse en una de las fuerzas más duraderas y perpetuamente emocionantes del rock.

Pagina: http://www.aerosmith.com/

Molotov

Molotov es un grupo de rock mexicano. Originario de la Ciudad de México, se caracteriza por sus críticas al gobierno, no sólo mexicano, sino de algunos otros países; sus letras anuncian de una forma irónica y divertida la forma de pensar de sus integrantes.

Biografía

Todo comienza a mediados de 1995 cuando dos amigos, Tito Fuentes (guitarra) y Micky “ Huidos ” Huidobro (bajo), se juntaban para tocar, se inscribieron en un concurso y prometieron que si lo ganaban tocarían en ese grupo. Coincidentemente ganaron. 21 de septiembre del mismo año, Javier De la Cueva "J" y “La Quesadillera” se unen para ensayar, creándose la banda, aunque este último se va y lo sustituye Elbright, el Gringo Loco, al igual que en febrero de 1996 Javier abandona el grupo y entra Paco Ayala.

Durante todo el año 1996, la banda tocó en todos los antros de Ciudad de México y empieza a tener un pequeño grupo de seguidores. Su pistoletazo de salida como banda de éxito fue al telonear a Héroes del Silencio en Monterrey y después a La Lupita en Puebla.

Durante un concierto en el que abrían para Illya Kuryaki and the Valderramas, un cazatalentos de la Universal les propuso grabar un disco. Fue un período difícil, en los conciertos la banda vendía cassettes, mientras se preparaba para entrar al estudio.

En julio de 1997 ¿Dónde Jugarán las Niñas? aparece en el mercado causando enorme controversia (parodia del disco de Maná ¿DÓNDE JUGARÁN LOS NIÑOS?), con tiendas negándose a venderlo por sus letras y su portada. Molotov sale a vender sus discos en la calle, protestando así contra la censura que estaban recibiendo.

Su álbum de debut "¿Dónde Jugarán Las Niñas?" tuvo repercusión tanto en países hispanos como anglosajones. En cambio, sus letras incluyen una mezcla de política, sexo y malas palabras, hecho que les hizo ser casi literalmente expulsados de México y estuvieran un tiempo en España. "¿Donde Jugarán las niñas?" es una parodia al disco que lanzó a Maná, "¿Dónde Jugarán los Niños?". La portada consiste en una chica bajándose de un coche o carro con las bragas bajadas. El diseño de la falda de la joven la identifica como proveniente del sistema público de educación mexicana, se deduce entonces con una máxima edad de 18 años.

La banda asegura también que fue "malinterpretada" con su canción más popular de ese tiempo, "Puto", pues fue considerada una ofensa para la comunidad gay. El estribillo de esta canción repite varias veces la frase "matarile al maricón". El grupo alegó que tan solo "se referían a las personas que no tuvieran valor para divertirse y brincar en sus conciertos". Como resultado de esta polémica, su primer concierto en Alemania estuvo lleno de gays y lesbianas con los brazos cruzados, además en la radio estuvo censurada y la palabra Puto era sustituida por "Chucho" [cita requerida].

La primera canción de rock latino elegida nº 1 por los oyentes de la radio más popular de los Estados Unidos, fue Voto Latino, en España tuvo gran repercusión Gimme tha Power, llegando a encabezar la lista de singles.

Molotov recibe un reconocimiento sin precedente para un grupo de hip-hop en español, en publicaciones urbanas tales como Vibe que mencionó: “Los (músicos de) Molotov son unos incendiarios por naturaleza…con dardos envenenados dirigidos directo al corazón del paternalismo opresivo del gobierno. Ellos se han convertido en la respuesta latina a nuestros Rage Against The Machine”.

En 1998 encabezan el Surco Fest Concert en Buenos Aires, Argentina. Consiguen vender más de 800.000 copias en todo el mundo. El álbum debut se edita en Alemania, Suiza, Japón, Australia e Israel. Realizaron una gira por los Estados Unidos al lado de bandas como: los Deftones.

Los remixes del Dónde jugarán... se titulan Molomix incluyendo una versión del clásico de Queen, “Bohemian Rhapsody” titulada: “Rap, Soda y Bohemia”, además incluyendo una nueva canción: “El Carnal de las Estrellas”, esta última debido a la negación de Televisa de pasar los vídeos de la banda [cita requerida].

En la Bass Player de diciembre de 1998 se declara a Molotov la banda con el bajo más potente de los últimos años.

En verano del 1999 continúa irrumpiendo en EEUU, siendo el único grupo de habla hispana en presentarse en el Vans Warped Tour 1999, y el Watcha Tour, su versión latina, que visita 14 ciudades de Estados Unidos.

En septiembre de ese mismo año Apocalypshit es lanzado al mercado en todo el mundo, haciendo una presentación por toda Europa, incluyendo Rusia.

En 2001, la banda después de dos años de gira constante decide tomarse un descanso de un año, llevando a cabo proyectos como la BSO de “Y tu mamá también” y ”Atlético San Pancho”, y participar en un homenaje a Los Tigres del Norte. Volvieron a tocar en el Watcha Tour.

En 2003 sale Dance and Dense Denso , con su primer sencillo, Frijolero.Hacen alguna gira por España donde son invitados a un festival llamado Festimad 2003.Mas tarde hecen muy popular la cancion Here we Kum.

En 2004 salió al mercado su álbum de versiones Con todo respeto en el que tocan estilos que van desde la salsa a lo punk, como Me Convierto en Marciano, una versión cumbia del clásico I turned into a Martian de los Misfits o Rock Me Amadeus. Y el rock clásico como "Perro Negro Y Callejero" de El Tri.

Durante 2005 hicieron una gira de presentación en la que visitaron España durante el mes de marzo y durante agosto y septiembre.

Un tema que causó polémica fue el vídeo Quieren Ver Golazos, originalmente hecho como cortinilla para las transmisiones de futbol de Televisa. El doble sentido del vídeo propició que al final el director de Televisa Deportes Javier Alarcón rechazara su transmisión, a pesar de que la producción del mismo fue de manera conjunta entre Molotov y Televisa.[1]

Posteriormente (en voz de Tito Fuentes y Paco Ayala), los Molotov exigieron su pago proporcional de la producción a la televisora en el programa de Brozo El Notifiero.[2] [3] Hasta el momento, no se conoce el resultado final; se especula que en realidad sólo fue una estrategia publicitaria del grupo.

Falsa Separación

El 12 de enero de 2007 se anunció la separación del grupo debido a problemas económicos y diferencias creativas, según algunos de sus miembros [4] .

En su contrato con la casa discográfica está planeado grabar un disco de estudio que posiblemente sera el último y también grabar un CD en vivo. Para despedirse el grupo quiere hacer un concierto gratuito.

Micky Huidobro (junto a Francisco Aveleyra) produjo como un proyecto propio un disco de dos volúmenes titulado Muchachitos de Porra, cuyas canciones son dedicadas a los Pumas de la UNAM y su entorno. Cuenta con la participación de otros grupos y artistas como Alex Lora, Finde, Grupo Marrano, Tanke, Los Estrambóticos y Las Ultrasónicas, así como de algunos jugadores del equipo de futbol como Antonio Sancho y Francisco Palencia.[5]

En realidad, la separación, no fue más que una estrategia mediática[6] , para crear un nuevo disco en conjunto, pero componiendo cada miembro por separado. Fueron lanzados cuatro EPs, cada uno hecho por cada integrante de la banda (Paco, Tito, Micky y Randy), cada EP con cuatro canciones, compitiendo cada uno en una votación pública por conseguir la mejor canción. Los EPs tienen como título, Hasta la basura se separa de Micky Huidobro, Tito Fuentes grabó Sintitolo, Randy Ebright, Miss Canciones y Paco Ayala el Plan de Ayala.

Para referirse a la supuesta separación de Molotov, Paco Ayala comentó en una entrevista: “Eso de que la banda se separaba fue una mentira estratégica y malévolamente planeada; nos separamos artística y musicalmente porque siempre nos juntábamos para hacer un disco, y esta vez nos separamos para hacerlo. Por eso se llamará ‘Eternamiente’”. El primer sencillo de este disco es Yofo, el tema se desprende del Ep de Tito Fuentes.

Para su vuelta en el 2007 Molotov prepara su gira que los llevará por Argentina, Chile, México, etc...

Integrantes

- Ismael Fuentes de Garay (Tito) Guitarra y Vocal
- Miguel Ángel Huidobro Preciado (Micky) Bajo y Vocal
- Juan Francisco Ayala Gonzalez (Paco) Bajo y Vocal
- Randy Ebright (Gringo Loco) Batería y Vocal

Discografía

- ¿Dónde Jugarán Las Niñas? (1997)
- Molomix (1998)
- Apocalypshit (1999)
- Dance And Dense Denso (2003)
- Con Todo Respeto (2004)
- Con Todo Respeto (edición especial) (incluye el tema "Me vale Vergara") (2005)
- Eternamiente (2007) (Fusion de los EPs: Hasta la basura se separa,Sintitolo,Miss Canciones,El Plan Ayala y una canción extra.)

Pagina: http://www.molotov.com.mx/

Adriana Varela

Es en la actualidad la más rutilante estrella de la canción ciudadana, la más vendedora, la que más graba, la que más presencia tiene en los escenarios de Buenos Aires. También, la más discutida por los tangueros tradicionales, que consideran que habla en vez de cantar y que representa una mala imitación del "Polaco" Goyeneche de la última etapa.
En la vereda opuesta, provoca la admiración de muchos que no frecuentan el tango -especialmente aquellos que tienen entre 30 y 45 años- y que sin embargo, se sienten atraídos precisamente por su estilo, a lo que suman su atrayente figura y su sensual personalidad.

A mi entender, escapa al estereotipo del tango femenino surgido en los años 70 a partir de Susana Rinaldi.

¡Y esto no es poca cosa! si tenemos en cuenta que la gran mayoría de las cancionistas siguió ese estilo cortado, lento, sobreactuado, fusionado a la balada que era marca registrada de "La Tana". Que por supuesto ella hacía muy bien y fue original en su momento. Pero ese modo de cantar, trasladado a la infinidad de mujeres que surgieron posteriormente y lo tomaron como propio, resulta insoportable a mi oído.

Me parece que el de Adriana es un caso parecido al de Julio Sosa de los años 60, muy aceptado por aquellos no demasiado afines al tango como también por los jóvenes, pero poco valorizado por los iniciados en la música porteña.

Entiendo que ambos artistas, más allá de los gustos de cada uno y la valorización que se haga de ellos, contribuyen a la difusión del tango dentro de un espectro sociocultural generalmente esquivo a nuestra querida música.

Lo cierto es que hoy Adriana tiene un lugar privilegiado entre sus pares pese a haberse relacionado al tango tardiamente, ya mayorcita.

La conocí en sus primeras actuaciones profesionales a principios del 90, en el escenario de Café Homero junto a grandes figuras como Roberto Goyeneche, El "Paya" Díaz y el gran pianista Osvaldo Tarantino. Después la vi en televisión anunciada como la nueva estrella del tango, donde me enteré que había nacido en Avellaneda (ciudad lindante al sur con la ciudad de Buenos Aires).

En 1991 comienza su producción discográfica en el sello Melopea con una cassette titulada "Tangos", que entre otros temas tiene una lograda versión de "Muñeca brava". Dos años después graba un disco con nuevos temas, "Maquillaje", donde además incluye la producción anterior. En este compacto participan como artistas invitados el cantor Roberto Goyeneche y el pianista Virgilio Expósito. Por estos trabajos obtiene el "Premio ACE" por dos años consecutivos.

Entre 1991 y 1996, registra tres discos más, los dos primeros para Melopea, el otro para Nueva Dirección en la Cultura. El primero "Corazones perversos", con una muy buena toma del tango "Golondrinas" de Gardel y Le Pera. El segundo, "Tangos de lengue", totalmente integrado por temas escritos por Enrique Cadícamo. El tercero "Tango en vivo", que como su título lo indica fuera grabado en vivo en junio del 96, en el Teatro Coliseo de Buenos Aires.

En ese mismo año, actúa en un importante recital en los bosques de Palermo ante más de 50.000 asistentes, la acompañó el músico uruguayo Jaime Roos.

En 1997 viaja a Brasil para actuar con gran éxito en el Festival de Porto Alegre. Al año siguiente debuta en Uruguay en el Teatro Plaza donde la recibió una sala colmada, logrando superar con creces ese desafío tan importante ante un público conocedor y exigente.

En julio de 1998 conquista España. Allí realiza dos actuaciones al aire libre -en el marco del Festival GREC de Barcelona-, logrando un suceso de tal magnitud, que la gente se puso de pie para aplaudirla largo rato.

Pocos meses después comienza a grabar dos nuevos discos: "Cuando el río suena", con la dirección artística de Jaime Roos, donde incluye canciones "murgueras" y "Más tango" con la participación de grandes músicos que la acompañan en los diferentes temas. Entre ellos destaco al gran bandoneonista Leopoldo Federico y al guitarrista Juan José Domínguez. El autor de esta nota colaboró con la cantante, en la elección de los tangos de ambas producciones discográficas.

También intervino en 1991 en las películas "Al corazón" dirigida por Mario Sabato y luego en "Plata quemada" de Marcelo Piñeyro. Además el prestigioso director español Carlos Saura la eligió para abrir musicalmente su film "Tango".

Hoy sigue a plena marcha y con toda la potencia de su temperamento, luego de triunfar en las exigentes plazas de París y Madrid.

Son frecuentes sus actuaciones en el Teatro Ateneo de Buenos Aires y resulta evidente que a esta amiga mía, tan discutida como adorada, la vida le sonríe y yo me alegro por ello.

Pagina: http://www.adrianavarela.com/

Las Manos de Filippi

Formacion:

Charly: saxo y coros
Pecho: trompeta y coros
Hernán Cabra de Vega: voz
Juan Gisower: batería
Pablo Occhiuzzo: bajo

Las Manos de Filippi es una banda que tiene a la denuncia como centro de sus letras.

Allá por el '92, el Cabra y Gabriel Hermo propulsaban un proyecto que incluía música, escenografía y puesta en escena. No tardaron en recolectar fanáticos que los seguían por lugares como el Parakultural, el Limbo y el desaparecido Dragón, en el Abasto. Así se popularizó "El himno al Cucumelo", "La Canaleta", "Ballenas" y el polémico "Sr. Cobranza".

Tan gastado resultó este material (sobretodo "El cucumelo"), que la banda decidió grabar bajo el seudónimo Agrupación Mamanis un disco solamente de cumbia, pero con letras ingeniosas e irónicas. Temas como "Punta del Este", "Hongo x Hongo" y "Tía María" sonaron en las radios.

En el 2000 la banda sufrió diversos cambios hasta quedar sólo con tres integrantes, Cabra y Juan Gisower, de la formación original y el Mosky que había entrado hacía ya tres años. Prepararon los temas para grabar los que sería el primer disco de Las Manos de Filippi.

Se alejaron de la discográfica para volver a ser una banda independiente.

A fines del 2002 editaron "Hasta las manos", en el cual incrementan sus protestas y alientan a "Los métodos piqueteros". Este disco fue presentado al celebrarse un año de la caída de Fernando De la Rua.

"Fiesta señores" fue registrado en vivo en República Cromañón, en un Festival Sin Marca, organizado junto a El Otro Yo y compartiendo cartel con Bulldog, Massacre y Shaila.

En enero de 2007 se emitió un comunicado a través del cual se informaba que Mosky Penner dejaba de ser parte de la banda, "por diferencias humanas político-musicales que se fueron sumando e incrementando con el paso del tiempo". Meses después presentaba Elektromanos, su nuevo grupo.

Discografía:

Arriba las manos, esto es el Estado, 1998
Las manos santas van a misa (EP), 2000
Hasta las manos, 2002
Fiesta señores - En vivo, 2004
15 años en vivo, 2007
Control obrero, 2007

Pagina: http://www.lasmanos.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar

El Soldado

Rodolfo Luis González, ex plomo de Los Redonditos de Ricota tiene el gran privilegio de contar con El Indio Solari y con Skay como invitados en sus discos.

"De catálogo" se trata de un concierto grabado en el Marquée de Buenos Aires, en mayo de 2003. Son 12 canciones, que pertenecen a sus tres discos de estudio anteriores.

Pagina: http://www.elsoldado.com.ar/

Capleton

Clifton Bailey aka Capleton nació el 13 abril 1967 en Islington, un pequeño pueblo de la "parroquia" de St. Mary, junto al Caribe. Desde muy joven, Capleton se fue impregnando de la cultura jamaicana y desde entonces, por Rastafari y el reggae. Se orientó lógicamente hacia la música, saliendo en los clubs y llenándose de los mejores sonidos. A los 18 años, se mueve a Kingston, donde empieza haciendo coros en distintas grabaciones. Su carrera musical como solista se inicia en el sound system y sello discográfico African Star del productor Stewart Brown, con base en Toronto, donde consiguió gran fama actuando junto a Ninjaman y Flourgon. De vuelta en Jamaica, Capleton firma un contrato con Philipp "Fattis" Burrell del sello Xterminator. Sin embargo imponerse en el mundo del Reggae Dancehall parece ser una cosa dificil dada la rapidez con la cual se mueve este mundo. Pero Capleton parece ser seguramente la excepción que confirma la regla. El artista es desde hace 12 años el profeta de la nueva generación reggae/ragga. Sólo él combina a la perfeccion dancehall moderno y rabioso con un buen antiguo roots reggae. Capleton ha salido cargado de éxitos de los estudios de Kingston: profundos textos, ritmos ardientes y una energia explosiva, le hacen el indiscutible gurú de las nuevas generaciones Rastafari.
Desde que hiciera aparición en 1992 en la industria musical con su primer sencillo 'Double Trouble", que sólo tuvo fama en los Caribes, hasta convertirse en el líder que mueve las masas jóvenes en todo el mundo, Capleton ha editado también una serie destacada de elepés para el mercado internacional. Su auténtica madurez la encontramos en los soberbios trabajos "More Fire" (2000) y "Still Blazin" (2002).

Pagina: http://www.capletonmusic.com/

Mick Jagger

Sir Michael Phillip Jagger, más conocido como Mick Jagger, nació el 26 de julio de 1943 en Dartford (condado de Kent, Inglaterra). Es un músico de rock, actor, compositor, productor musical y de cine y empresario, más conocido por ser co-fundador del grupo de rock The Rolling Stones.

Carrera de Solista

A mediados de los años 1980, Jagger decidió apartarse del grupo y empezar una carrera solista, que con los años pasaría a compartir con la de los Stones. En 1984 había participado como artista invitado en un tema de Michael Jackson: State of Shock. En 1985 actúa al margen del grupo en Live Aid, junto a Tina Turner, y participa en un vídeo con David Bowie (Dancing In The Street). Ese mismo año edita su primer disco, She's The Boss. Su segundo álbum llegó en 1987: Primitive Cool. El año siguiente presentó a los Beatles en su ingreso en el Salón de la Fama del Rock and Roll y actuó junto a Bruce Springsteen y George Harrison. En la década de los noventa se puso a la venta el tercer disco de su carrera en solitario, Wandering Spirit (1993). En el año 2001 editó el cuarto disco, Goddess In The Doorway.

Fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico en el año 2003. Además, también fue embajador de la candidatura olímpica de Londres 2012.

Su carrera cinematográfica empezó con la película Performance, protagonizada por él mismo en el año 1968. Dos años más tarde se estrenó Ned Kelly, en la que volvió a ser protagonista. Freejack (1992) es una participación más reciente. En el 2001 fundó su propia compañía cinematográfica, Jagged Films, cuyo primer proyecto fue Enigma, un drama ambientado en la Segunda Guerra Mundial. En 2008 será el coproductor y guionista de la película The Long Player, dirigida por Martin Scorsese y basada en la industria discográfica.

Pagina: http://www.MickJagger.com/

Robi Draco Rosa

Robi Draco Rosa, conocido también como Draco Cornelius Rosa (27 de junio de 1969, Nueva York) es un artista multi-talentoso de Puerto Rico. Es un compositor, escritor, cantante, músico, poeta, pintor, y actor. Rosa consiguió originalmente fama como miembro del grupo Menudo en los años 80. Es más conocido por su carrera como solista y por escribir canciones éxitosas para sus compañeros artistas como Ricky Martin, Julio Iglesias y Ednita Nazario.

Inicios

Nació Robert Edward Rosa Suárez el 27 de Junio de 1969 en Wesbury, Long Island, Nueva York. Como "Robby Rosa" fue un miembro del grupo musical puertorriqueño Menudo desde 1984 a 1987. Robby fue el primer miembro en unirse al grupo que no era nativo de Puerto Rico. Era también el primer miembro que hablaba inglés perfectamente, ya que creció en Nueva York y se mudó a Puerto Rico a una edad joven. Su interés en la música le llevó a audicionar para Menudo y reemplazó a Johnny Lozada y rápido se convirtió en un favorito para los fans. Con el incurso del grupo al mercado inglés en ese tiempo, la llegada de Robby era perfecta, ya que podía cantar las canciones en inglés. El primer álbum del grupo en inglés "Reaching Out" tenía un sencillo que fue incluído en la éxitosa película de Hollywood Cannonball Run 2. Fue reemplazado por Rubén Gómez luego de que el manejador del grupo le negara a Robby la oportunidad de contribuir canciones escritas por él. Rosa renunció a la edad de 18, 2 años más que el límite de edad puesto por el manejamiento del grupo.

Después de Menudo

Después de Menudo, Rosa se mudó a Brasil, lanzando música en portugués. En su retorno a Estados Unidos fue la estrella de una película que fue un éxito menor en Hollywood, la película Salsa lanzada en 1988 . En el rodaje de la película Rosa se enamoró de su compañera actriz en la película, Angela Alvarado. Se casaron unos meses después del lanzamiento de la película, comenzaron a criar una familia y también han estado trabajando como socios en diversos proyectos de Rosa desde ese entonces.

En 1990 se mudó a Los Ángeles y formó una banda de rock llamada Maggie's Dream y lanzaron un álbum bajo la disquera Capitol Records. A principios de los 90's Rosa cambió su nombre legalmente a "Draco Cornelius Rosa" (draco significa "dragon" en Latín) deseando dejar atrás su vieja imagen y estilo de vida.

Como Solista

En este tiempo, lanzó dos álbumes que son bien distintos musicalmente. El primero, Frío fue lanzado en 1994 y tenía un sonido pop mezclado con influencias de rock latino. Su segundo trabajo, Vagabundo, fue lanzado en 1996 y marcó un cambio drástico del disco previo e imagen. Bajo el nombre de Draco, Rosa creó un oscuro y pesado álbum que ofrecía elementos de música gótica, psicodélica, metal pesado. Vagabundo es considerado uno de los mejores álbumes de Rock en Español y Rock Latino de todos los tiempos.

En 1998 lanzó su primer álbum en inglés, titulado Songbirds & Roosters. El álbum contenía versiones en inglés de sus canciones en español. En el 2001 lanzó un álbum de éxitos llamado Libertad de Alma.

En 2003, Draco se reinventó otra vez, en preparación para el lanzamiento de su proyecto más ambicioso, un álbum llamado Mad Love lanzado en marzo de 2004, con temas trágicos y diversos de distintos géneros musicales desde rock pesado hasta baladas en flamenco. El álbum contiene 15 canciones en inglés y 3 en español. El álbum fue el primero en merecerle reconocimiento internacional fuera de América Latina, llegando a ser extensamente popular en Europa. Rosa se fue de gira por el continente con Lenny Kravitz en el verano de 2004.

Rosa recibió un premio Grammy Latino por el vídeo de la canción “Más y Más”. En septiembre de 2004, Draco llevó su espectáculo al nuevo Coliseo de Puerto Rico con una capacidad de 18,000 espectadores, vendiendo completamente el lugar. Un CD/DVD del acontecimiento fue lanzado el 6 de diciembre de 2005, titulado Draco Al Natural. Cerró el 2005 con 7 conciertos vendidos completamente teatro de Bellas Artes de Puerto Rico en el mes de septiembre y procedió a enfocarse en un álbum nuevo en español para 2006.

Rosa vive actualmente en Los Ángeles con su esposa Angela y dos hijos, Revel y Redamo, aunque también tiene una residencia en Puerto Rico. Rosa se ha conocido por usar diversos seudónimos al escribir las canciones para otros artistas. Entre ellos están “Dolores del Infante”, “Ian Blake” y la “Phantom Vox”. El 19 de diciembre de 2005 el artista y arquitecto puertorriqueño Celso González introdujo una instalación llamada “El Ultimo Viaje: El Entierro de Robi Rosa” en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico.

Colaboraciones

Rosa comenzó a colaborar con su colega anterior Ricky Martin a mediados de los 90's, co-escribiendo muchos de los éxitos más grandes de Martin, entre ellos "Livin' La Vida Loca”, “She Bangs”, “María” y “La Copa de la Vida”. Desmond Child y Draco recibieron nominaciones al grammy por sus colaboraciones en las canciones de Martin.

Citas

"Arriesgue todo, no se arrepienta de nada."
"La música se hizo para que se sintiera, no para que se entendiera."
"No tenga miedo de intentarlo, tenga miedo de no intentarlo"

Discografía

- Teatro del Absurdo (2007)
- Draco Al Natural (2005)
- Como me Acuerdo (2004)
- Mad Love (2004)
- Libertad Del Alma (2001)
- Songbirds & Roosters (1998)
- Vagabundo (1996)
- Frio (1994)
- El teatro de lo absurdo 2007

Pagina: http://www.phantomvox.com/

Tom Jobim

Antonio Carlos "Tom" Jobim (1927 - 1994)

António Carlos Jobim nació un 25 de enero en Río de Janeiro.

Los estudios de piano los inició a los 14 años con Hans Joachim Koellreuter. No fue buen estudiante y aunque llegó a empezar arquitectura, abandonó después del primer año. A los 22 años se casa con Thereza Hermanny, teniendo dos hijos, Paulo y Betinha.

Estudió guitarra y piano y trabajó en un estudio de arquitectura, aunque siempre prefirió tocar en bares. A los 22 años se casa con Thereza Hermanny, teniendo dos hijos, Paulo y Betinha.

Empezó a trabajar en discográficas como transcriptor de música y a partir de 1952 como arreglista.

Sus primera grabaciones datan de 1953 ( "Pensando em Você" y "Faz uma Semana") y en 1954 graba su primer larga duración "Sinfonia do Rio de Janeiro" en colaboración con Billy Blanco.

Su primer éxito fue "Tereza da Praia", también en colaboración con Billy Blanco, grabada por Dick Farney y Lúcio Alves. Ese mismo año conoce a Vinícios de Moraes con el que empieza a trabajar, y con el que acaba estrenando la obra "Orfeu da Conceição" en el Teatro Municipal do Rio de Janeiro, dando origen a un posterior L.P. con el mismo nombre.

En 1958 graba "A chuva caiu" con Luis Bonfá.. Ese mismo año, compone su primera banda sonora para la película "Pista de Grama" de Haroldo Costa. La canción "Eu não existo sem você" de Tom y Vinicius, la cantaba en la película Elizete Cardoso, acompañada por João Gilberto a la guitarra y Tom al piano.

En 1962 Tom y Vinicius dan un concierto en el restaurante "Au Bon Gourmet" de Río. Les acompañaban João Gilberto a la guitarra, Otávio Bailly al bajo, Milton Banana a la bateria y Os Cariocas. Algunas de las canciones que luego alcanzarían un gran éxito se presentaron en este concierto: "Só danço samba" y "Garota de Ipanema" de Tom y Vinicius y "Samba do Avião" de Tom Jobim.

En noviembre de 1962, Tom viaja por primera vez a Estados Unidos con un programa de Bossa Nova en el Carnegie Hall de Nueva York. En 1966 vuelve, esta vez a Los Angeles, Califórnia, para grabar su primer disco com Frank Sinatra, "Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim".

En 1968, gana el primer premio del III Festival Internacional de la Canción, en Rio de Janeiro, junto a Chico Buarque, con la canción "Sabiá". En 1971, Frank Sinatra graba el LP "Sinatra & Cia", con 5 temas de Tom Jobim y arreglos de Eumir Deodato.

Tom se casa con su segunda esposa, Ana Beatriz Lontra, en mayo de 1978, matrimonio del que naciero dos hijos, João Francisco y Maria Luiza Helena.

En 1984 forma a Nova Banda con nombres que a la postre han sido fundamentales en la historia de la música brasileña moderna: Paulo Jobim (guitarra), Danilo Caymmi (flauta y voz), Jacques Morelenbaum (violonchelo), Tião Neto (bajo), Paulo Braga (batería), y coro formado por: Ana Jobim, Elizabeth Jobim, Paula Morelenbaum, Miúcha Adnet y Simone Caymmi.

Tom y la Nova Banda se presentaron en el Carnegie Hall de Nueva York el 29 y 30 de marzo de 1985, y el 7 de julio del mismo año tocaron junto a João Gilberto en el Festival de Montreux, en Suíza.

En 1993 Tom graba un especial para TV con Milton Nascimento. En abril de 1994 da un concierto de nuevo en el Carnegie Hall, junto a Pat Metheny y Herbie Hancock, y en maio de 1994 viaja a Paris junto a Gilda Mattoso.

En diciembre de 1994 muere en el Hospital Mount Sinai, de Nueva York.

Pagina: http://www.jobim.com.br/

Alvin Lee

El guitarrista y vocalista de pop rock bitánico Alvin Lee nació el 19 de diciembre de 1944 en Nottingham. Comenzó su carrera musical en los 60 con la formación de beat inglesa The Jaybirds. En el 66 adoptaron el nombre de Ten Years After y consiguieron triunfar en el circuito del rock. Hoy en día más bien se les recuerda por el corte del 68 "I´m Going Home". Las creaciones completas de Alvin como artista en solitario incluyen el trabajo "On The Road to Freedom", en 1973, "I Hear You Knockin´!!!" en 1994 y "Nineteen Ninety" en 2002.

Pagina: http://www.alvinlee.com/

King Diamond

King Diamond es el nombre artístico empleado por el músico Kim Bendix Petersen. Nació en Dinamarca el 14 de junio de 1956. King Diamond da nombre también al tercer proyecto musical en el cual está envuelto actualmente y del cual es líder como vocalista del mismo.

Grupos musicales

El grupo en el cual debutó fue Black Rose a finales de años 1970, después conformaría la banda Mercyful Fate en 1980 y finalmente King Diamond como carrera solista desde 1985, antes de retirarse de Mercyful Fate en 1999.

Dedicado a realizar discos conceptuales, donde desde la primera canción a la última se va desarrollando una historia entrelazada. El grupo tiene fanáticos incondicionales desde la época de los Mercyful Fate, a lo largo de más de 20 años.

La característica voz de King con cambios en la entonación, su característico y estrafalario maquillaje, con ciertos tintes satánicos, los textos y los efectos especiales en sus discos lo hacen único en el género, lo cual no tienen ninguna relación apropiada para el género del llamado Black Metal.

Maquillaje

King Diamond siempre se ha caracterizado por su estrafalario maquillaje, desde la época con Mercyful Fate ya se había dejado ver con él.

La idea del maquillaje

El mismo King afirma haber sacado la idea al ver a Alice Cooper en acción en un escenario: "Desde ese momento me enamoré del maquillaje corporal, lo convertí en un icono personal, ahora es algo que siempre llevo encima".

A principios de los 80, King recibió desde Estados Unidos una carta de Gene Simmons (Kiss) diciendo que Diamond le había copiado el maquillaje, (por esa época King llevaba un estilo muy parecido al de la estrella estadounidense). A las pocas semanas, King apareció con un maquillaje muy distinto y mucho más estrafalario.

Formación

- King Diamond (voz)
- Andy LaRoque (guitarra)
- Mike Wead (guitarra)
- Hal Patino (bajo)
- Matt Thompson (batería)

Pagina: http://www.covenworldwide.org/

Placebo

Placebo es un grupo musical de rock alternativo creado en 1995 en Londres, Inglaterra.

Esta banda está formada por: Brian Molko (vocalista, guitarrista y líder), Stefan Olsdal (bajista) y Steve Heweit (batería). El día 1 de Octubre de 2007, en un comunicado oficial en la web de la banda, se informó que el baterista Steve Hewitt abandonó el grupo.

Biografía

Inicios (1994-1996)

Placebo fue formado cuando Brian Molko ,después de intentar entrar en la carrera de teatro, se encontró casualmente con Stefan Olsdal en la estación South Kensington del tren subterráneo de Londres en 1994. Molko y Olsdal habían ido a la misma escuela, pero curiosamente nunca se cruzaron una palabra hasta ese encuentro en el que se dieron cuenta de que compartían gustos musicales. Fue entonces cuando decidieron formar una banda.

El primer nombre de la banda fue Ashtray Heart pero al poco tiempo optaron por el nombre de Placebo. La primera opción de Molko para completar el grupo fue el baterista Steve Hewitt, otro conocido suyo quien de inmediato se interesó en el proyecto, pero en ese momento Hewitt ya se encontraba con el grupo londinense Breed por lo cual Robert Schultzberg en un principio alternó con Hewitt el lugar de batería en el grupo, sin embargo Hewitt ya participaba activamente con Placebo. Cuando consiguieron su primer contrato en 1996 Hewitt no aparecía como miembro. En su lugar Schultzberg grabó junto con Molko y Olsdal el primer disco del grupo, el homónimo Placebo de ese mismo año. Poco después Molko y Olsdal comenzaron a tener diferencias con Schultzberg quien salió de la banda. Fue así como Hewitt se convirtió en el tercer componente de Placebo antes de concluir 1996.

En 1998 grabaron su segundo álbum, Without You I'm Nothing, que los proyectó fuera de Inglaterra gracias al tema Pure Morning y a la participación de David Bowie cantando junto a Molko el tema que da nombre al disco. También en ese año grabaron una versión de 20th Century Boy, canción original del grupo T Rex, para la banda sonora de la película Velvet Goldmine en la cual ,además, aparecen. Al año siguiente aparecieron en la entrega de los Brit Awards tocando 20th Century Boy junto con David Bowie. Actualmente se considera a David Bowie como el padrino de Placebo, debido al apoyo que les ha brindado desde que comenzaron su carrera.

Por otro lado sus merecimientos musicales lo han colocado como un grupo ecléctico, incorporando desde un fuerte sonido de guitarra hasta piano e incluso elementos electrónicos. Sin embargo, la crítica inglesa no siempre ha tenido opioniones favorables del grupo, principalmente por la excéntrica personalidad de Brian Molko.

Consolidación (2000-2007)
Para su siguiente álbum, Black Market Music del año 2000, el sonido de Placebo cambió un poco, influido ahora por el estilo setentero del rock británico y americano, e incluso la voz más nasal de Molko.

El siguiente álbum del grupo, Sleeping With Ghosts del 2003, fue más aventurado al experimentar con influencias de música electrónica, pero al mismo tiempo conservó el sonido particular de Placebo. Adicionalmente apareció el álbum también en una edición especial, conteniendo un segundo disco con todas las versiones que habían grabado hasta ese momento. más info de la banda [aquí][1]

Para el siguiente año Placebo publicó su primer colección de sencillos titulada Once More With Feeling. Singles 1996-2004 y tocaron en vivo en el estadio de Wembley. Robert Smith tocó con ellos dos temas, Without You I'm Nothing y una versión de Boys Don't Cry, canción original del grupo de Smith, The Cure. Poco después se embarcaron en una pequeña gira por Sudamérica. Es esta gira, según declararon los miembros de la banda, vivieron el momento más emocionante de su carrera al tocar en la Estación Mapocho de Chile, para 20.000 personas en 2 noches consecutivas. La banda jamás imaginó la popularidad que tenían en este país, y el tremendo recibimiento que les dieron los fans chilenos. También participaron en el concierto masivo Live 8 tocando en el Palacio de Versalles en Francia.

En septiembre del 2005 Placebo concluyó la grabación de su último álbum, Meds, el cual se lanzó el 13 de marzo del 2006. El productor es Dimitri Tokovoi, quien es amigo del grupo y ya les había producido en el pasado un par de versiones, The Ballad of Melody Nelson y Running Up That Hill. El disco además cuenta con la participación de dos músicos en dos temas, VV del grupo The Kills y Michael Stipe de R.E.M.. Según Molko el disco es un regreso a las raíces de Placebo, con un sonido más cercano al de su primer disco.

En Septiembre del 2006, con el fin de conmemorar los 10 años de la banda, Placebo decide relanzar su primer álbum Placebo. El álbum fue lanzado el 25 de dicho mes y cuenta con las canciones del primer álbum incluyendo rarezas de aquella época, además de un DVD que contiene diversas presentaciones de Placebo con temas de dicho álbum. En la actualidad el grupo atraviesa por una gran crisis, ya que el baterista Steve Hewitt ha decidido retirarse de la banda "seguimos tan amigos como siempre", señalaron al ser consultados por el tema

Pagina: http://www.placeboworld.co.uk/

Rainbow

Rainbow es un grupo británico de hard rock formado en 1975 por iniciativa de Ritchie Blackmore.

Historia

Ritchie Blackmore, guitarrista de Deep Purple, discrepaba de la orientación musical de esta banda y optó por separarse para dedicarse a proyectos personales. Para ello convocó a los miembros de una banda ya existente, Elf, exceptuando al guitarrista. Con esta formación salió el primer álbum, titulado escuetamente Ritchie Blackmore's Rainbow 1975, el cual ofreció como relativo éxito la canción Man on the Silver Mountain. Pero a continuación, Blackmore desarmó el grupo y se quedó solamente con el cantante Ronnie James Dio.

A la base Dio-Blackmore, que había demostrado tener una química indudable a la hora de sentarse a componer, se agregó un nuevo integrante: el baterista Cozy Powell. La incorporación del otro poderoso señor de los tarros de Jeff Beck resultaría vital para la obtención del sonido épico y demoledor que caracterizaría a la banda por los siguientes 5 años. Luego se integraría el bajista Jimmy Bain y el teclista Tony Carey.

Lo que puede considerarse como el primer éxito verdadero vino en 1976 con el álbum Rising, producido por el incombustible Martin Birch.Este álbum no produjo ningún single pero fue muy vendido durante bastante tiempo. El disco es considerado por muchos como una de las mejores producciones de la historia del Heavy Metal. En este disco puede encontrarse Stargazer, una de las canciones de referencia del género, que marca el inicio de las letras de "dragones y mazmorras", tan características de la carrera de Ronnie James Dio.

Al año siguiente, editaron On Stage, un disco en directo que marca de manera brillante el fin de la formación clásica de Rainbow. Al igual que en el Made in Japan, el aclamado disco en directo que años antes grabó Ritchie junto a Deep Purple, On Stage incluye versiones extendidas de los primeros clásicos de la banda, y que dieron muestra de la elegancia y virtuosismo del quinteto, marcando la pauta para un subgénero que se acuñaría como tal unos 15 años más tarde: el heavy metal progresivo.

En un giro más comercial, pero sin perder por ello su calidad, Rainbow editó en 1978 el LP Long Live Rock and Roll, que incluye un puñado de canciones magistrales, como la mística Gates of Babylon (cargada de reminiscencias orientales), la atronadora Kill the King o la hermosísima Rainbow Eyes.

En 1979, Dio decidió dejar la banda, para desconsuelo de los fans. No está muy claro si se retiró porque Blackmore quería forzarlo a cantar "canciones románticas", o si fue porque ya tenía una oferta concreta para sustituir a Ozzy Osbourne en Black Sabbath, lo cierto es que, a mediados de ese año, ya estaba trabajando con Tony Iommi en las canciones que integrarían el álbum Heaven and Hell (1980).

Pese a la partida de Dio, Rainbow llegó a la cima comercial en los siguientes años. Primero con el LP Down to Earth, con Graham Bonnet en voz, donde destacan temas como Since You Been Gone y All Night Long.

Difficult to Cure 1981 fue el primer disco de Rainbow que se orientó a un público más masivo, a fin de conquistar el mercado norteamericano. Para esto, Ritchie Blackmore decidió reemplazar a Graham Bonnet por Joe Lynn Turner, quien acababa de iniciar su carrera. De Difficult to Cure salieron tres grandes éxitos. En 1982 realizaron Straight Between the Eyes y al año siguiente Bent Out of Shape. En 1984, después de una serie de exitosos conciertos en Japón junto a la Filarmónica de Tokyo, Blackmore congeló la banda para reunirse con la formación clásica de Deep Purple.

Luego de desavenencias personales con los integrantes de Deep Purple (especialmente con el vocalista Ian Gillan), Blackmore reagrupa Rainbow en 1995 para la placa Stranger in Us All y para una gira mundial. Para este, su último disco en estudio de hard rock, Blackmore reclutó a Doogie White como vocalista. Pese al éxito del disco, sobre todo en Japón, Blackmore decidió empezar una nueva aventura musical con su pareja, la cantante Candice Night, con quien formó Blackmore´s Night y hasta la fecha ha editado cuatro discos en estudio de música medieval.

Formaciones

A lo largo de su existencia, Rainbow ha estado formada por:

Mk 1: Ritchie Blackmore (guitarra), Ronnie James Dio (voces), Mickey Lee Soule (teclados), Craig Gruber (bajo) y Gary Driscoll (batería). Esta formación grabó el primer álbum en estudio, "Ritchie Blackmore's Rainbow" (1975).

Mk 2: Ritchie Blackmore (guitarra), Ronnie James Dio (voces), Tony Carey (teclados), Jimmy Bain (bajo) y Cozy Powell (batería). Esta formación grabó el segundo álbum en estudio, "Rainbow Rising" (1976) y el directo "Rainbow On Stage" (1977).

Mk 3: Ritchie Blackmore (guitarra), Ronnie James Dio (voces), Tony Carey (teclados), Mark Clarke (bajo) y Cozy Powell (batería). Esta formación no grabó ningún disco en estudio.

Mk 4: Ritchie Blackmore (guitarra), Ronnie James Dio (voces), David Stone (teclados), Bob Daisley (bajo) y Cozy Powell (batería). Esta formación grabó el tercer álbum en estudio, "Long Live Rock 'n' Roll" (1977).

Mk 5: Ritchie Blackmore (guitarra), Ronnie James Dio (voces), David Stone (teclados), Jack Green (bajo) y Cozy Powell (batería). Esta formación no grabó ningún disco en estudio.

Mk 6: Ritchie Blackmore (guitarra), Graham Bonnet (voces), Don Airey (teclados), Roger Glover (bajo) y Cozy Powell (batería). Esta formación grabó el cuarto álbum en estudio, "Down to Earth" (1978).

Mk 7: Ritchie Blackmore (guitarra), Joe Lynn Turner (voces), Don Airey (teclados), Roger Glover (bajo) y Bob Rondinelli (batería). Esta formación grabó el quinto álbum en estudio, "Difficult To Cure" (1981).

Mk 8: Ritchie Blackmore (guitarra), Joe Lynn Turner (voces), David Rosenthal (teclados), Roger Glover (bajo) y Bob Rondinelli (batería). Esta formación grabó el sexto álbum en estudio, "Straight Between The Eyes" (1982).

Mk 9: Ritchie Blackmore (guitarra), Joe Lynn Turner (voces), David Rosenthal (teclados), Roger Glover (bajo) y Chuck Burgi (batería). Esta formación grabó el sétimo álbum en estudio, "Bent Out Of Shape" (1983).

Mk 10: Ritchie Blackmore (guitarra), Doogie White (voces), Paul Morris (teclados), Greg Smith (bajo), John O'Reilly (batería) y Candice Night (segundas voces). Esta formación grabó el octavo y último álbum en estudio, "Stranger In Us All" (1995).

Mk 11: Ritchie Blackmore (guitarra), Doogie White (voces), Paul Morris (teclados), Greg Smith (bajo), Chuck Bürgi (batería) y Candice Night (segundas voces). Esta formación no grabó ningún disco en estudio.

Mk 12: Ritchie Blackmore (guitarra), Doogie White (voces), Paul Morris (teclados), Greg Smith (bajo), John Micelli (batería) y Candice Night (segundas voces). Esta formación no grabó ningún disco en estudio.

Radiohead

Radiohead es un grupo inglés de rock alternativo, aclamado por su versatilidad instrumental, se ha convertido en uno de los grupos mas importantes del mundo.

El quinteto, formado por un grupo de amigos de colegio en 1985, se ha convertido en una de las bandas mas influyentes y respetadas en la escena musical. Su primer sencillo, "Creep" (1992), del álbum debut de la banda Pablo Honey (1993), se convirtió su mayor éxito a nivel mundial, en la época en que el grunge (con bandas como Nirvana y Pearl Jam) y el rock alternativo dominaban las radios y los principales listados de música, y posteriormente se consideró a la banda como one-hit wonders. Sin embargo, la banda logró capturar la atención de miles de fanáticos del Reino Unido con su siguiente álbum, The Bends (1995), ganando admiradores gracias a las densas atmósferas logradas con tres guitarras, y al expresivo estilo de cantar (generalmente en falsetto) de su líder, Thom Yorke. El tercer álbum de estudio de la banda, OK Computer (1997), le brindó a la banda la fama mundial y éxito crítico. El álbum, que hablaba de temas de alienación, ha sido aclamado como uno de los mejores de los años noventas[1] .

Entre las primeras influencias de Radiohead, se encontraban bandas de rock alternativo y post-punk como The Smiths, Pixies, R.E.M., Joy Division y Magazine. Con los álbumes Kid A (2000) y Amnesiac (2001) la música de la banda tomó un rumbo menos convencional, con influencias de música electrónica (tales como Aphex Twin), el jazz, la música experimental, la música avant-garde y la música clásica. El álbum más reciente de la banda Hail to the Thief de 2003, incluyó además influencias de Neil Young y The Beatles.

Aunque álbumes como Kid A y Amnesiac han sido materia de discusión entre los seguidores, Radiohead es considerado uno de los grupos musicales más creativos de su era[2] , atrayendo a múltiples seguidores a sus conciertos e influyendo a grupos y artistas de varios géneros. Radiohead ha tenido un sorpresivo éxito comercial, pero la banda se ha destacado por mantener independencia política y musical[3] , pese a trabajar para EMI, uno de los más grandes sellos discográficos. La banda se encuentra actualmente sin discográfica y acaba de lanzar de forma independiente y sin intermediarios su séptimo álbum de estudio, In Rainbows. Además de en formato físico (CD y vinilo), el disco se puede descargar en formato digital desde la página web de In Rainbows al precio que decida el comprador (incluso gratuitamente).

Introducción

El estilo musical de Radiohead, notable por su variedad y experimentación, puede ser explicado por los variados gustos musicales de sus integrantes. El guitarrista principal de la banda, Jonny Greenwood es un músico que toca desde la guitarra hasta instrumentos como el ondas Martenot, el banjo, la viola y la armónica. El cantante y líder Thom Yorke, además de escribir la mayoría de las letras, toca diversos instrumentos y se enfoca en la manipulación digital del sonido, a través de la música electrónica. Es más, él y Greenwood aparecen en los créditos de Hail to the Thief en la ejecución de un ordenador portátil.

A pesar de que Yorke y Greenwood son vistos en general como las principales influencias creativas en la banda, y la creación de las letras es un trabajo casi independiente de Thom Yorke (con algunas excepciones), el sonido del grupo es principalmente un trabajo en conjunto, y todos los integrantes del grupo son citados por igual en los créditos de sus discos. Por ejemplo, Ed O'Brien es usualmente el guitarrista y vocalista de apoyo de la banda, pero es también el responsable de varios de los ruidos y efectos sonoros que se escuchan en sus temas (como en el final de “Karma Police”) y un buen baterista. Desde las sesiones de grabación de Kid A y Amnesiac los integrantes de la banda se han sentido menos restringidos a tocar siempre su instrumento y a menudo cambian de roles según lo que requiera la canción, a pesar de que en los shows en vivo los puestos suelen ser más fijos.

El espíritu de colaboración creativa de la banda se ve también reflejado en la cercana relación del grupo con sus productores, en particular con Nigel Godrich, quien trabajó como ingeniero en The Bends y luego como productor junto con la banda en OK Computer y en los tres álbumes que le siguieron, además de producir el disco en solitario de Yorke, The Eraser (2006). Godrich ha sido nombrado a menudo como el “sexto radiohead”, en alusión al trabajo de George Martin con los Beatles. Sin embargo, esta asociación ha sido, por lo menos temporalmente, rota, debido a la decisión de la banda de trabajar con Mark "Spike" Stent en las sesiones de grabación de In Rainbows.

Integrantes

- Thom Yorke - voz, guitarra rítmica, piano , ordenador portátil y pandereta.
- Jonny Greenwood - guitarra solista, teclados, circuito análogo, Ondas Martenot, piano, glockenspiel, laptop y toy piano.
- Ed O'Brien - guitarra, percusión, efectos de sonido, piano y voz.
- Colin Greenwood - bajo, teclados, sintetizador, sampler y pandereta.
- Phil Selway - batería y percusión.

Historia

Formación y primeros años (1985-1991)

Radiohead se formó a mediados de los años ochenta, en la escuela Abingdon (un colegio privado para varones) en Oxford, Inglaterra, a la cual el baterista Phil Selway, el guitarrista Ed O'Brien, el cantante/guitarrista Thom Yorke, el bajista Colin Greenwood y su hermano Jonny acudían. Todos provenían de familias de clase media y empezaron a tocar en el salón de música de la escuela, tomando el nombre del único día de la semana en que podían ensayar: On a Friday (en un viernes). Entre las tempranas influencias de On a Friday se encuentran The Smiths de Morrissey, Joy Division, Magazine, Queen, R.E.M., Roxy Music y Elvis Costello. La banda tocó en su primera fiesta en septiembre de 1986, en un bar de Oxford. Jonny era el miembro más joven de la banda y al principio sólo tocaba la armónica, hasta que pudo persuadir a sus compañeros de tocar la guitarra.

Cuando los cinco miembros de la banda dejaron Oxford para asistir a la universidad, estos suspendieron casi cualquier actividad con el grupo, practicando solamente en días festivos, aunque planeando regresar a la banda. Finalmente, después de cuatro años de inactividad, en los cuales todos los miembros excepto Jonny finalizaron sus carreras, la banda regresó en 1991. On a Friday comenzó a lanzar demos, entre ellos el demo Manic Hedgehog, y volvieron a tocar conciertos. La popularidad de la banda en la región de Oxfordshire creció hasta el punto de aparecer en la portada de Curfew, una revista local de música. Aunque Oxfordshire y la región del valle del Támesis habían tenido una escena de música independiente activa a finales de los años ochenta y comienzos de los noventa, esta se centró en bandas de shoegazing como Ride y Slowdive. Radiohead no era visto como un grupo que encajara en este género, y comentaron que habían perdido rastro de este cuando habían regresado de la universidad.

Pablo Honey y The Bends (1992-1995)

A medida que los conciertos de On a Friday comenzaron a aumentar, varias discográficas empezaron a mostrar interés por la banda. Finalmente, el grupo firmó un contrato por seis discos con EMI. A instancias de la empresa la banda cambió su nombre al de una canción de los Talking Heads del álbum True Stories (1987), llamada "Radio Head". El EP debut de la banda, Drill, fue producido por los managers de la banda Chris Hufford y Bryce Edge. Sin embargo, poco después de lanzar Drill en mayo de 1992, la banda contrató a Paul Kolderie y Sean Slade (conocidos por sus trabajo con Pixies y Dinosaur Jr.) para producir su primer álbum de estudio. El álbum debut de la banda, Pablo Honey, se grabó en tres semanas en un estudio de Oxford, en otoño de 1992[4] .

Con el lanzamiento de su primer sencillo, "Creep", a finales de 1992, la banda comenzó a recibir atención de la prensa musical británica, aunque no siempre favorable. NME los llamó "una imitación cobarde de una banda de rock"[5] , mientras que "Creep" fue retirada de BBC Radio 1 por considerársela "muy depresiva"[6] . La banda lanzó en 1993 Pablo Honey, comenzó una gira por Norteamérica y lanzó el irreverente sencillo Pop is Dead (que no hacía parte del álbum). El grupo estuvo a punto de separarse cuando "Creep" se convirtió inesperadamente en un éxito repentino en Estados Unidos. Canciones del álbum como "Anyone Can Play Guitar", "Stop Whispering", "Thinking About You", hicieron que a la banda se le reconociera como los "Nirvana británicos". La gira de promoción de Pablo Honey duró casi dos años, y la popularidad del álbum creció internacionalmente, gracias principalmente al éxito de "Creep," que se mantiene como la canción de mayor éxito de la banda a nivel mundial.

Poco después la banda comenzó a trabajar en su segundo disco. El trabajo con el veterano productor John Leckie contribuyó significativamente al sonido de su segundo álbum. Jonny recuerda que lo mejor de trabajar con Leckie es que no les dictaba en absoluto que hacer, permitía que ellos lo resolvieran. Sin embargo, las presiones dentro de la banda estaban muy altas, debido a que se sentían sofocados por el éxito de "Creep" y a la necesidad de hacer otro hit igual, o mejor. John Leckie recuerda la presión de hacer de canciones como "Sulk", "The Bends", "Nice Dream", o "Just", éxitos instantáneos en Estados Unidos. Finalmente la banda dejó el estudio en un intento por relajar la atmósfera y se fue de gira por Australasia y el Lejano Oriente.

My iron lung EP (1994) contenía la canción del mismo nombre y fue lanzado mientras la banda estaba de gira, marcando una transición entre el pop-rock de Pablo Honey y los sonidos más profundos de su segundo álbum. Habiendo pulido y completado las canciones de su nuevo trabajo en el viaje volvieron a Inglaterra, donde completaron su álbum en una quincena hacia finales de 1994; mezclándolo y lanzándolo en mayo de 1995. La banda finalmente alcanzó el éxito en Gran Bretaña (en medio del éxito de Oasis) y se ganó nuevos fans gracias a las densas atmósferas sobrecargadas de guitarras, que recuerdan curiosamente al disco The Unforgettable Fire de U2, como también el expresivo canto, a menudo en falsete, de Thom Yorke. El álbum produjo los singles "Fake Plastic Trees", "Just" y "High and Dry", pero el mayor éxito vino con el último single, "Street Spirit (Fade Out)", que alcanzó el Top 5 en Gran Bretaña.

En el verano (boreal) de 1995 Radiohead fue de gira con R.E.M., una de sus mayores influencias y, por aquel entonces, una de las bandas de rock más importantes del mundo. Después de que R.E.M. elogiara a Radiohead los dos grupos continuaron una relación cercana y a menudo Michael Stipe actuó como mentor para su amigo Yorke. El ruido provocado por tener como fans a los R.E.M. y la rotación de videos com "Just", contribuyó a hacer conocido a Radiohead fuera de Gran Bretaña.

Phil Selway comenta que cuando salió The Bends todo el mundo decía que era muy anti-comercial, y doce meses después ya se lo consideraba el disco un clásico del pop. También dice que la discográfica estaba preocupada por no tener ni siquiera un hit en el álbum, y que terminaron teniendo cinco Top 30. Sin embargo, aunque aclamado por la crítica, en el resto del mundo no logro tener el mismo éxito comercial que “Creep”. Destacó igualmente la colaboración tocando el violonchelo Caroline Lavelle.

OK Computer (1996-1998)

Después de The Bends Yorke dijo que el próximo álbum querían producirlo ellos mismos. Ya tenían una canción para éste: “Lucky”, la cual fue grabada en septiembre de 1995 para un álbum de caridad: The Help Album, de la ONG War Child. Radiohead también compuso dos canciones para la adaptación de 1996 al cine del clásico Romeo + Julieta: "Talk Show Host" y "Exit Music (For a Film)". La primera era una remezcla de uno de los lados B de Street Spirit (Fade Out), un single de The Bends. La segunda era una canción nueva, para ser incluida eventualmente en un nuevo álbum.

Con la ayuda de Nigel Godrich, Radiohead produjo su siguiente disco comprando su propio equipo de grabación y comenzando a trabajar a comienzos de 1996. Hacia julio ya habían grabado cuatro canciones con el coproductor Godrich, en su estudio de ensayo, Canned Applause, un cobertizo cerca del pueblo de Didcot, en Oxfordshire. Su plan era mantenerse alejados de los lugares convencionales de grabación. Habiendo aprendido con The Bends, la banda decidió interpretar y perfeccionar sus canciones tocando en vivo, saliendo de gira brevemente como banda de apoyo de Alanis Morissette, antes de completar el álbum. El resto de éste fue grabado en la mansión del siglo XV de la actriz Jane Seymour. Las sesiones de grabación fueron relajadas, con la banda tocando todo el tiempo, grabando las canciones en los diferentes cuartos y escuchando a todo volumen a DJ Shadow, Ennio Morricone y la canción de los Beatles "I Am the Walrus" para inspirarse. Desafortunadamente, un poco de la misma tensión de las sesiones de The Bends apareció de nuevo durante la etapa de selección de las canciones que compondrían el disco. Hacia finales de año el álbum estaba listo y en febrero/marzo de 1997 fue mezclado y masterizado.

Radiohead lanzó OK Computer en junio y julio de 1997, alcanzando un aún mayor favor de la crítica, que no tardó en considerarlo como una de las cumbres del rock en la última década, junto a discos tan importantes de los 90 como Nevermind, de Nirvana. Un álbum de rock melódico y sonidos hipnóticos con varios toques de electrónica y experimentación, y una voz que desgarra las letras; en OK Computer Radiohead introduce elementos musicales poco comunes, experimentando con sonidos de ambiente, ruidos y electrónica. El disco incluye los singles "Paranoid Android", "Karma Police" y "No Surprises" (elegida como la mejor canción de 1997 para la revista Argentina Los Inrockuptibles); además de otra canciones favoritas del público como "Let Down" (cuyo lanzamiento como single estaba planeado, aunque luego se canceló). OK Computer ganó un Grammy al mejor disco de rock alternativo y fue nominado a disco del año.

OK Computer estuvo acompañado por un tour mundial, llamado Against Demons ('Contra Demonios'), el más grande de la banda hasta el momento. Grant Gee, el director del vídeo de No Surprises, acompañó a la banda en su gira y la filmó, para luego hacer el documental Meeting People Is Easy ('Conocer Gente Es Fácil'), lanzado en 1999. El documental muestra la mala voluntad de la banda con la industria de la música y el agotamiento que sufrieron sus integrantes luego de casí un año de gira (desde mediados de 1997 hasta mediados de 1998). Radiohead también lanzó una compilación de sus videos musicales (7 Television Commercials, a principios de 1998- en VHS-) y dos EPs: No Surprises/Running From Demons (1997) y Airbag/How Am I Driving? (1998) durante este tiempo. El más notable es el segundo, que marcó una transición entre el rock alternativo progresivo de OK Computer y sus próximos trabajos, de un sonido más "atmosférico"

Kid A y Amnesiac (1999-2001)

Agotados por la fama y la interminable gira de OK Computer de 1997 y 1998 la banda pasó el año siguiente en relativa calma. Thom Yorke después admitiría que durante ese período la banda estuvo cerca de separarse y que él mismo había desarrollado un tipo de depresión. La única aparición de Radiohead en los escenarios en 1998 fue a fines de ese año, para el concierto de Amnesty International el 10 de diciembre en París. En 1999 Thom y Jonny tocaron solos en el Tibetan Freedom Concert (concierto por la liberación del Tibet) en Ámsterdam, interpretando además, una nueva canción: "Egyptian Song" (la cual luego sería "Pyramid Song"). Posteriormente presentarían en una transmisión por internet la también inédita "Knives Out". Ninguna de estas canciones se vería editada comercialmente sino hasta 2001.

A principios de 1999 Radiohead empezó a trabajar en un sucesor para OK Computer, pero de una manera menos organizada que con los anteriores discos. A pesar de que ya no había ninguna presión o un plazo límite de la discográfica, las tensiones durante este período estuvieron altas. Los diferentes integrantes tenían distintas visiones sobre el futuro de la banda y Yorke estaba experimentando un bloqueo creativo. Finalmente todos los miembros siguieron la nueva dirección hacia la cual se encaminaba la banda, redefiniendo sus lugares en ésta. Por primera vez la banda grabó sin considerar tocar en vivo previamente; apartándose con el director Nigel Godrich en una serie de lugares que van desde estudios en París y Copenhague hasta su propio estudio recién construido en Oxford para crear aproximadamente 40 nuevas canciones, de las cuales 30 luego formarían los siguientes discos de la banda y acompañarían los lados B [7] de los singles. La banda se negó a crear una especie de secuela estilizada de OK Computer. El resultado fue un estilo más minimalista y texturado, con menos guitarras y más variedad de instrumentos musicales (como el Ondas Martenot, beats electrónicos, cuerdas y claxons de jazz), pero manteniendo algo de las letras y los ganchos musicales de sus anteriores discos. Finalmente el álbum estuvo terminado a principios de 2000, después de casi 18 meses.

Kid A, lanzado el 2 de Octubre del 2000, fue el primero de los dos discos que salieron de esas grabaciones. Kid A muestra un salto hacia una experimentación electrónica más profunda: claustrofóbico, a veces exuberante y abrasivo y con letras aún más complejas; el álbum sorprendió tanto a la industria musical como a los fans de Radiohead debido a la salida de las convenciones del pop y a la diferencia con sus anteriores trabajos. La banda se negó a lanzar algún single de Kid A, aparentemente sugiriendo que el álbum debía ser escuchado como una totalidad (sin embargo, la canción Optimistic, fue pasada ocasionalmente en las radios). En vez de singles, una serie de “Video Blips” o “Antivideos” de 30 segundos fueron creados por los director de videos musicales Chris Bran y Shynola. Estos videos de animación parecen encajar con el estilo anti-comercial del disco [8] .

A pesar de ser un álbum poco común, Kid A ubicó a Radiohead en lo más alto de los charts mundiales, debutando en el número 1 en varios países, a pesar de que su antecesor había alcanzado como mucho el puesto 22. El éxito de Kid A es atribuido a lo esperado que era el álbum después de OK Computer, y a que todas las canciones estuvieran tempranamente disponibles en la red de internet de intercambio de archivos, Napster, acostumbrando a los fans a su nuevo estilo musical [9] .

Al igual que su predecesor, Kid A ganó el premio Grammy al mejor disco alternativo y una nominación a disco del año; apareciendo, además, en varias listas de los mejores discos del año. Pero mientras la prensa seguía marcando a Radiohead como una de las más importantes bandas de rock, Kid A no inspiró sólo elogios. Jonny Greenwood explicó que la mayor parte de la gente estaba esperando una especie de combinación entre OK Computer y The Bends, con más guitarras. Sin embargo el disco cimentó la imagen del grupo como la de una banda misteriosa e innovadora. Mientras que muchos fans quedaron perplejos u horrorizados, otros ven en Kid A, uno de los mejores trabajos de Radiohead.

Inspirados en Naomi Klein y su manifiesto anti-globalización la banda realizó una gira europea en una gran tienda libre de logos corporativos, realizando sólo tres fechas en pequeños teatros en Norteamérica. Las entradas para estos shows se vendieron prácticamente al instante y atrajeron a muchas celebridades. Junto con canciones de Kid A (que fueron modificadas para tocarlas en vivo luego de terminado el álbum), la banda interpretó canciones que habían sido compuestas, pero no lanzadas. También lanzaron una edición especial de Kid A, con la forma de un libro para niños e incluyendo arte adicional hecho por Stanley Donwood y Tchock (el seudónimo de Thom Yorke).

El siguiente álbum de Radiohead, Amnesiac, fue lanzado en junio de 2001 y contiene más canciones de las mismas sesiones de grabación de Kid A. Concebidos como álbumes complementarios, los dos discos son similares en estilo e influencias. Amnesiac muestra al sonido de la banda, aun más que antes, como una especie de fusión entre música electrónica, jazz avant-garde y art-rock; aunque, a diferencia de Kid A, presenta canciones algo más accesibles, como la balada de piano “Pyramid Song” (el primer single de Radiohead desde 1997) y el single guitarrero Knives Out. Amnesiac es visto a veces por los críticos como el menos “consumado” de los dos discos y ha sido criticado por su falta de cohesión. Sin embargo, a pesar de no compararse en ventas con su predecesor, obtuvo cierta consideración de la crítica y tuvo un moderado éxito comercial. Después del lanzamiento de Amnesiac la banda se embarcó en una gira de varios meses, tocando principalmente en grandes lugares al aire libre, y visitando Europa, Japón y Norteamérica; sin embargo, el tour fue mucho más corto que el de OK Computer, cuatro años antes. Radiohead también participó en su propio mini festival veraniego en South Park, Oxford, junto con artistas como Beck, Sigur Rós, Supergrass, y Humphrey Lyttelton (que tocó la trompeta en “Life in a Glashouse”, la canción que cierra Amnesiac).

“I Might Be Wrong”, tema planeado originalmente para ser el tercer single de Amnesiac, se convirtió finalmente en el primero y hasta ahora único, disco de la banda en vivo. Lanzado en noviembre de 2001, I Might Be Wrong: Live Recordings contiene material de Kid A y Amnesiac de recitales en Berlín, París y Londres, entre otros lugares, además de incluir una canción que no había sido incluida antes en un álbum: "True Love Waits", una de las favoritas de los fans. En este mini álbum las interpretaciones de "The National Anthem", "I Might Be Wrong", y "Like Spinning Plates" son bastantes diferentes que en sus respectivas versiones de estudio.

Hail to the Thief (2002-2004)
Thom Yorke (al fondo, Colin Greenwood)
Thom Yorke (al fondo, Colin Greenwood)

Mientras realizaban la gira de Amnesiac la banda compuso nuevo material entre julio y agosto de 2002. Usando esa oportunidad para terminar sus canciones ante sus fans, la banda completó el álbum en tan solo dos semanas, en un estudio de Los Angeles con Nigel Godrich; realizando solo unas grabaciones adicionales posteriormente en Oxford. De acuerdo a unas entrevistas, la banda estaba buscando bajar sus tendencias perfeccionistas y lograr un sonido más “en vivo”.

La banda lanzó su sexto álbum, Hail to the Thief, en junio de 2003. El disco es considerado como un intento de destilar sus sonidos más electrónicos y experimentales y combinarlos con el rock guitarrero de sus primero álbumes. Con 14 canciones y casi una hora de duración, es el disco más largo de Radiohead. Hail to the Thief recibió, en general, buenas críticas; sin embargo se opinó que el álbum cortaba con la tendencia de redefinir géneros que había iniciado OK Computer y que Radiohead había mostrado con sus dos discos posteriores. Fue nominado al Grammy por mejor disco alternativo, la quinta nominación de la banda en ese rubro (contando el EP Airbag/How Am I Driving?)

El título de Hail to the Thief fue considerado por la prensa como un comentario acerca de las controversiales elecciones para presidente de 2000 en EEUU, pero Thom Yorke negó esto, diciendo que el título del álbum tiene un sentido más amplio y que si sólo se refiriera a esas elecciones sería bastante superficial. La banda ha comentado que temían una represalia en los Estados Unidos por el título y las letras políticas del disco, y que se sintieron aliviados cuando ésta no ocurrió.

Hail to the Thief debutó en el puesto 3 en el chart Billboard en EE.UU., siendo el cuarto álbum consecutivo de la banda en debutar en el número 1 en Gran Bretaña. El primer single, There, There, llegó hasta el puesto 4 en los charts británicos; siguiéndoles Go to Sleep y 2+2=5 (alcanzando los puestos 12 y 15 respectivamente).

Después del lanzamiento del disco la banda se embarcó en una gira mundial de alrededor de un año, pero estuvo marcada por largos descansos: ya para esta época la mayoría de los miembros de Radiohead tenían familias e hijos. A muchos les pareció que la banda estaba mucho más relajada que en sus anteriores giras, riendo en sus entrevistas y bailando en el escenario. Después de terminar la gira (a mediados del 2004) la banda comenzó a componer nuevo material, pero posteriormente se tomaron un descanso debido al nacimiento del hijo de Ed O’Brien. Libre de cualquier obligación por contrato Radiohead pasó el resto del 2004 descansando y trabajando en proyectos en solitario, grabando juntos esporádicamente. También lanzaron un DVD: The Most Gigantic Lying Mouth of All Time.

Últimos trabajos (2005-2007)

Radiohead volvió al trabajo a principios de 2005. Como resultado del trabajo de la banda, Thom y Jonny estrenaron una nueva canción: "Arpeggi" en marzo de 2005. Poco después Thom interpretó un set acústico con: "Nude" (apodada "Big Ideas"), una vieja canción en la cual llevaban trabajando más de 10 años, y que había sido tocada antes solamente en presentaciones en vivo; “House of Cards”, una nueva canción; reviviendo “Reckoner” (que tampoco había salido en un disco) y “Last Flowers [to the Hospital]”, un tema que quedó del período de OK Computer. Radiohead no tocó en vivo en el 2005.

En septiembre de 2005 la banda grabó una nueva canción (“I Want None of This”) para el álbum de caridad de War Child: Help: A Day in the Life, una secuela del compilado de 1995 para el cual Radiohead colaboró con “Lucky”. El álbum se vendió mucho por internet y la canción de Radiohead fue la más descargada del disco.

Radiohead retornó a los estudios a fines de 2005, posteando de vez en cuando sus avances en su blog “Dead Air Space”. Las grabaciones continuaron a principios de 2006, pero esta vez la banda eligió a Mark “Spike” Tent como productor en vez de Nigel Godrich, con quien habían trabajado desde los tiempos de OK Computer. Según Ed O’Brien el cambio se realizó en buenos términos y se debió a que se sentían muy cómodos trabajando con Godrich, y que querían desafiarse a ellos mismos. Sin embargo, Nigel siguió de cerca sus sesiones de grabación y trabajará con la banda en el futuro.

Se desconoce si volverán a firmar con la discográfica EMI o con alguna otra compañía o si siquiera volverán a firmar un contrato, debido a que la banda parece estar disfrutando de su actual libertad creativa. En una entrevista en abril de 2006, Thom Yorke dijo que planean firmar con una compañía eventualmente, pero bajo sus propios términos y no saben si volverá a ser con EMI [10] .

Desde mayo a junio de 2006 la banda tocó en Inglaterra y en grandes ciudades de Europa y Norteamérica, regresando a Europa para dar más conciertos en agosto de 2006. Thom también mencionó que tienen planeado el lanzamiento de un nuevo DVD en 2007 con su actuación en el recital de Bonnaroo.

Además de interpretar viejas canciones y nuevas versiones de “Arpeggi”, “Nude” y “House of Cards”, Radiohead presentó 10 nuevas canciones en 2006: "Bangers 'n' Mash", "Jigsaws falling into place" (antes "Open Pick"), "15 Step", "4 Minute Warning", "Spooks", "Bodysnatchers", "Go Slowly", "Videotape", "Down Is the New Up" y "All I Need". De acuerdo a recientes entrevistas, estas canciones representan solo una porción del nuevo material de la banda. O’Brien también dijo que planean hacer algunas sesiones de grabación con Godrich después de su actual gira, a pesar de que la banda ha mostrado su satisfacción con algunas canciones de sus anteriores sesiones. Radiohead pasó el resto del 2006 preparando su nuevo material para lanzarlo en 2007, y Yorke dijo que no pensaban volver a salir de gira hasta que el álbum estuviera completo, como así ha sido.

In Rainbows (2007)

El día 1 de Octubre de 2007, después de casi 4 años de espera, Radiohead anunció en su sitio web que su nuevo álbum, In Rainbows, estaba terminado y podía efectuarse una pre-compra del mismo en formato digital para descarga o en formato físico como envío postal. Esta decisión se tomó sin haber concretado aún con ninguna firma discográfica para la distribución de los discos, posible causa del particular método usado. El formato físico del álbum comprende dos CDs y dos discos de vinilo, así como extras en forma de fotografías digitales y librillo de letras. La mayor novedad del otro sistema de distribución, la descarga, ha sido que el usuario-comprador puede poner su propio precio a In Rainbows, adquiriéndolo incluso gratuitamente desde la web In Rainbows. La descarga se ha activado el 10 de octubre de 2007.

Trabajos Solistas

A finales de los 90, Ed O'Brien compuso algunas partes del soundtrack del show televisivo británico Eureka Street. El soundtrack fue lanzado en formato CD por la BBC. O’Brien contribuyó tocando la guitarra en varias canciones de Enemy of the Enemy, un álbum de la Asian Dub Foundation en el que también participa Sinéad O'Connor.

En 2003 Jonny Greenwood lanzó Bodysong un soundtrack instrumental que el compuso para el documental del mismo nombre, dirigido por Simon Pummell. El soundtrack incluye diversas sonidos orquestales, la mayoría procesada electrónicamente, abarcando desde cuartetos de cuerdas a pianos y el ondas martenot. Éste fue el primer álbum de un miembro de Radiohead como solista, aunque el hermano de Jonny, Colin, participa tocando el bajo y programando. El ingeniero de Radiohead, Graeme Stewart también colaboró en el proyecto. Greenwood también aparece en el álbum de los Pavement Terror Twilight tocando la armónica y la guitarra en varias canciones. Jonny Greenwood también aparece en el soundtrack de la película Harry Potter 3, compartiendo el escenario con el vocalista de la aclamada banda británica "Pulp" Jarvis Cocker con el sencillo "this is the nigth".

El primer álbum solista de Thom Yorke, intitulado The Eraser fue lanzado el 10 de julio de 2006 por XL Records (el mismo sello de los White Stripes) en Gran Bretaña y un día después en EE.UU. Inicialmente planeado como un álbum de electrónica instrumental, Yorke intenta “purgar sus tentaciones electrónicas” (Los Inrockuptibles agosto de 2006) con canciones de corte artesanal y alejándose del formato “común” de canciones. Acerca de las sesiones de grabación Yorke dijo: “Me sentía como un niño en el aula cuando el maestro le da la espalda... Sentía esa sensación de placer y de juego. Otra cosa apasionante en la grabación de este disco fue la ausencia de un futuro planificado: no había una carrera proyectada, sino solo la libertad de hacer”. Yorke también aclara que es injusto hablar del disco como un “trabajo solista”, ya que eso “no suena bien” [11] y que contó con gran ayuda por parte del productor del disco Nigel Godrich. De las canciones de The Eraser solo “Cymbal Rush” y “The Clock” fueron tocadas en vivo por Radiohead.

Portadas y arte de discos

Además de su música, Radiohead se caracteriza por un curioso arte en su discos. El artista gráfico Stanley Donwood es otro colega de la banda, habiendo producido junto con Yorke (quien a menudo aparece bajo el pseudónimo "Tchock", "Tchocky", "Dr. Tchock", o "The White Chocolate Farm") todo el arte visual de la banda (excepto los video-clips) desde el EP My Iron Lung. Para Radiohead, Donwood ha creado arte que va desde pinturas al oleo a imágenes creadas por computadora y hasta collages (como los que aparecen en OK Computer). Donwood prefiere trabajar en el mismo lugar en el que la banda está grabando para así encontrar un "equivalente visual" a su sonido. Así el trabajo de Stanley ha influido en la imagen pública de la banda y es responsable de varios de los “logos” o imágenes con los cuales se identifica a Radiohead. Los temas que aparecen en su arte aparecen como un catalizador de los temas que trata Yorke en sus letras; y junto con este ganó un Grammy en 2002 por una edición especial de Amnesiac con forma de libro. La relación entre Yorke y Downwood se arrastra desde los tiempos en que ambos estudiaban arte en la Universidad de Exeter.

Curiosidades

- Habiendo tocado en alrededor de 800 conciertos, Radiohead raramente, si no es que nunca, ha repetido un “setlist” de canciones exactamente. Ed O'Brien dijo que una de las peores cosas en la música es si una banda toca el mismo set cada noche [12]
- Algunos artistas que han sido invitados por Radiohead para abrir sus espectáculos son, entre otros: Beck, Deerhoof, Sigur Rós, Supergrass, Spiritualized, Sparklehorse, Stephen Malkmus (de los Pavement), Kid Koala, Low, Clinic, Four Tet y The Beta Band.
- Durante los inicios de su carrera, Radiohead abrió los shows de bandas como R.E.M., The Frank And Walters, PJ Harvey y Belly.
- Los miembros de Radiohead aparecieron en el capítulo de 2001 “Scott Tenorman Must Die" de la serie animada South Park.
- La canción de Radiohead “Paranoid Android” aparece como ending en el animé Ergo Proxy.
- El pianista estadounidense Christopher O'Riley ha versionado canciones de Radiohead en sus discos True Love Waits (2003) y Hold me To This (2005).
- “You And Whose Army?” es sampleada por el grupo de rap The Roots en su canción “Atonement” de su álbum Game Theory.
- La canción "High & Dry" ha sido versionada por Jamie Cullum, y también fue interpretada traducida al español, y con ritmo de son cubano por El Lele de Los Van Van de Cuba en el disco Rhythms del Mundo (2006), inspirado en el trabajo de Buenavista Social Club y ahora último por el uruguayo Jorge Drexler
- El disco OK Computer fue grabado en versión reggae y dub por Easy Star All-Stars en un disco llamado Radiodread (2006), siguiendo el estilo de otro llamado Dub Side of the Moon, con versiones en reggae del disco de Pink Floyd Dark Side of the Moon.
- Se han hecho dos tributos de cuerdas llamados "Strung Out On Kid A " y "Strung Out On OK Computer", basados en los discos Kid A y OK Computer
- La banda norteamericana Korn hizo un cover de la canción "Creep" en su álbum MTV: Unplugged.
- La Banda de alternative metal, System of a Down, realizó en algunos de sus conciertos el tema Paranoid Android.

Pagina: http://www.radiohead.com/