Gala Évora

Gala Évora, cantante flamenca y actriz española, (1983)

Biografía

Gala Évora nació el 8 de febrero de 1983 en Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), en el seno de una familia de artistas. Su padre, José Miguel Évora, era productor musical, y su tío era el guitarrista Manolo Sanlúcar. Tenía solo ocho años cuando debutó en el cine, gracias a un pequeño papel en 'El día que nací yo' (Pedro Olea, 1991), cinta hecha para el lucimiento de Isabel Pantoja.

Creció escuchando a artistas como Carmen Linares, Enrique Morente, Camarón de la Isla o Falete, a quienes hacía los coros. Pero el éxito le llegó con Papá Levante, grupo descubierto por el productor José Luis de Carlos y compuesto por María, Pao, Iren, Sonia, Sandra y la propia Gala Évora.

Sacaron su primer disco, 'Tomacalafé', a finales del año 2000, consiguiendo la popularidad gracias a la canción 'Me pongo colorada'. En 2003 salió al mercado 'Sopla levante', un álbum que tuvo dos singles, 'Comunicando' y 'Gorda'. La trayectoria de Papá Levante se cerró en 2005, con el lanzamiento de 'Pa ti, pa mí', cuyo primer sencillo se titulaba 'Chiquilla'.

A partir de ese momento, Gala Évora se centró en su carrera cinematográfica, asumiendo el papel de Lola Flores en 'Lola. La película' (Miguel Hermoso, 2007), cinta por la que estuvo nominada al premio Goya a la Mejor Actriz Revelación.

'Agua y luz' es el primer disco en solitario de Gala Évora. Incluye seis canciones de Carlos Sanlúcar, así como versiones de Salif Keita, Quique González, Lila Downs o Luis Pastor. El álbum comienza con la canción 'Al otro lado del mundo', para continuar con 'Tengo un amor', una apuesta por la sencillez y la calidad. 'Sabré que eres tú', un acercamiento sutil ensoñador a Brasil; 'Agua de rosas', compuesta por la mexicana Lila Downs, o 'Quiero volar', un acercamiento al flamenco a través de una voz llena de matices, son otras de las propuestas.

Pagina: http://www.galaevora.es/

Dr. Feelgood

Doctor Feelgood es un grupo de blues-rock inglés que comenzó su andadura en 1972 de la mano del cantante y armonicista Lee Brilleaux (1948-1994) y del guitarrista Wilco Johnson (1950).

Desde un principio destacaron por unos directos magníficos, caracterizados por el derroche escénico de Brilleux y la guitarra machacona y poderosa de Johson, haciéndose muy conocidos en el circuito de pubs y salas pequeñas.

El disco en directo «Stupidity» y la canción «Roxette» les reportó un notable éxito, lo que no impidió unos continuos cambios en la formación que duran hasta nuestros dias.

Johnson abandonaría la formación dejando como lider absoluto a Brilleaux, que seguiría manteniendo alto el nivel de los Feelgood hasta su muerte en 1994.

Los restantes miembros seguirían con el proyecto a pesar de esta irreparable pérdida, esta vez bajo la batuta del guitarrista Steve Walwyn, lugarteniente de Brilleaux durante los últimos años.

Pagina: http://www.drfeelgood.de/

Christian Stephen (Christianstephen Banda CS)

Christian Esteban Proaño (Ibarra, Imbabura, Ecuador, 14 de abril de 1978), mejor conocido como Christian Stephen, es un Diseñador, Artista, Productor y Poeta, que actualmente esta considerado como uno de los padres del género autodenominado Post-grunge latino. Stephen ha sido el líder y fundador de las bandas Calvario (Banda) con la cual fue su diseñador y manejo su imagen y Christianstephen (Banda CS) con esta última como solista proyectó este género. Christian también es dueño de la compañía de productos y servicios CS Pro. Christian Esteban Proaño lleva una carrera en el mundo de la música de más de 15 años donde se ha involucrado con los géneros rock: Grunge, Post-grunge, Hard rock, Groove metal,Rock latino, Canción social, Thrash metal, Punk, Heavy metal, Blues, Folk-rock, Metalcore, Thrash-core. Afincado en la Ciudad de Cotacachi, Imbabura ha organizado con varios colegas eventos entre festivales y conciertos tales como Rock del parque fest, Festival de cantautores: “Un sueño hecho realidad”, y Diablo calle fest. Como artistade la pintura creo una muestra llamada Cosmovision errante

Biografía

Sus inicios se dieron en la pintura desde 1991 al ingresar al Colegio Daniel Reyes, En 1994 forma parte de Calvario (Banda) al ingresar como su bajista, desde este tiempo comienza a escribir varios temas destinados a ser parte de los proyectos de esta banda algo que no se cumplió y tuvo que comenzar con una carrera solista, Desde 1995 organiza varios eventos asociados con el rock dentro de su ciudad tales como el Rock del parque fest. Desde 1998 realizo sus primeras obras inéditas de pintura que formarían parte de su muestra “Cosmovision errante” A fines de año a sabiendas que la banda comenzaba con su descenso y que iba a disolverse entre otros por que no estaban de acuerdo con sus propuestas, tuvo la convicción de proyectarse como solista y preparo su lanzamiento cambiando su segundo nombre Esteban al ingles quedando como Christian Stephen y prepara su repertorio. En 1999 realiza un evento entre músicos locales donde vendría su debut. El festival Concierto de cantautores presentado en el teatro “Ciudad por la paz” de la ciudad de Cotacachi donde el mayor clímax lo obtuvo con la canción Astros, y aquí también presento una parte de “Cosmovisión errante”. Desde esta época viene proyectando una carrera en constante evolución dentro del grunge, desde sus demos acústicos hasta álbumes como Proyecto caminantes latinoamericanos y Canciones que se pierden en la luna considerados como obras de culto dentro del Grunge hispanoamericano y mundial.

Christianstephen (Banda CS) es el lanzamiento como solista del ex -líder de Calvario (banda) Christian Stephen, fundado en Quito en Noviembre de 1998 y lanzado desde Agosto de 1999 en el concierto de cantautores Cotacachi, Este artista Ibarreño de nacimiento salto a escena con un grunge acústico fundido años atrás siendo el primer cantautor y precursor del grunge en los años 90`s que luego se destino a consolidar el post-grunge Alterlatino al reformar el estilo con otras cosas por decir y una banda de Hard rock desde la mitad del mundo con total sentido ecléctico. Tanto en solitario como con banda es un hito histórico presenciar su particular estilo, desde el 2004 luego de lanzar su primer álbum “Proyecto caminantes latinoamericanos” empieza a formar Banda CS, una banda alineada para acompañarlo en escena. Con una proyección inspirada en los mochileros como una etapa de vida y su Rock Alternativo o más bien “Alterlatino” es considerado un hijo del rock latino y un repertorio a cuestas inspirado en el Grunge de Seattle, Canción social, Hard rock, Groove metal, con el que se ha dado a conocer con un genero inconfundible y su ego de “frontman” lo ha llevado a proyectar su personalidad dentro de sus inmortales temas.

Siendo uno de los importantes artistas y diseñadores más completos del Ecuador es una imagen del rock nacional en su germinación siempre visitando más lugares con su propio estilo, auto superación y sus ya legendarias vivencias experimentales dentro y fuera de escena donde ha proyectado una enigmática personalidad.

Pagina: http://www.christianstephen.tk/

Cypress Hill

Cypress Hill es un grupo latino de hip-hop de South Gate, California. Fue formado en 1986 y a lo largo de su amplia y exitosa carrera han vendido 10 millones de álbumes en todo el mundo.

El grupo está formado por DJ Muggs (Lawrence Muggerud, DJ y productor, 28 de enero de 1968), B-Real (Louis Freese, Mc, 2 de junio de 1970), Sen Dog (Senen Reyes, Mc, 20 de noviembre de 1965) y Eric Bobo (Eric Correa, percusionista, 27 de agosto de 1968, que se integró en 1994). Uno de los aspectos de su popularidad es su compromiso con la legalización del consumo de marihuana o cannabis. Cypress Hill es el primer grupo latino en obtener un disco platino, oro y multi-platino y son los artistas latinos que más han vendido.

Carrera

Nombre del grupo

El nombre Cypress Hill hace referencia al lugar donde los primeros miembros de la banda vivieron, en la Avenida Cypress en South Gate, Los Ángeles, Cabe recalcar que en dicho lugar hay muchos árboles de ciprés, un árbol de la familia de los pinos. El nombre original del grupo era "DVX", pero fue cambiado tras la salida de Mellow Man Ace (Ulpiano Sergio, el hermano menor de Sen Dog) del grupo para iniciar su carrera como solista. A veces incorrectamente se cree que el nombre del grupo se refiere a la sección de Cypress Hills en East New York, Brooklyn.

Comienzos

El primer álbum, titulado igual que ellos, fue lanzado en noviembre de 1991. El primer single fue "Phuncky Feel One", pero fue la Cara-B "How I Could Just Kill A Man" (primeramente llamado "Trigga Happy Nigga") el que más éxito tuvo en las radios urbanas. Gracias al éxito del single "Hand On The Pump" y a otras canciones como la bilingüe canción "Latin Lingo" y la española "Tres Equis", el álbum vendió dos millones de copias solamente en Estados Unidos. Posteriormente, DJ Muggs produjo el primer álbum de House of Pain, y trabajó con Beastie Boys y Funkdoobiest. La banda hizo su primera aparición en el festival musical Lollapalooza en 1992.

Black Sunday, el segundo álbum del grupo, debutó #1 en la lista Billboard 200 en 1993. Todavía con su álbum debut en las listas, se convirtieron en los primeros artistas de rap en colocar dos álbumes en el Top 10 de Billboard 200 al mismo tiempo. Con el éxitazo "Insane in the Brain", el álbum fue doble-platino en Estados Unidos y vendió 3.25 millones de copias.

Como uno de los primeros grupos de rap que luchan por la legalización de la marihuana, Cypress Hill fue prohibido en Saturday Night Live después de que DJ Muggs se fumara un porro de marihuana y la banda destrozara sus instrumentos musicales mientras interpretaban su segundo single "I Ain't Goin' Out Like That". El grupo tituló su gira con el nombre "Soul Assassins", en acompañamiento de House of Pain y Funkdoobiest, y más adelante hicieron lo propio con Rage Against the Machine y Seven Year Bitch. En 1993, Cypress Hill grabó dos temas para la banda sonora de la película Judgment Night, "Real Thing" con Pearl Jam y "I Love You Mary Jane" con Sonic Youth.

La banda tocó en 1994 en el Festival de Woodstock introduciendo a su nuevo miembro Eric Bobo, antiguo percusionista de Beastie Boys. Bobo es el hijo del famoso cantante de salsa Willie Bobo. La revista Rolling Stone nombró a Cypress Hill como el mejor grupo de hip hop en sus premios de música votados por críticos y lectores. Cypress tocó por segundo año consecutivo en Lollapalooza encabezando el cartel en 1995. También aparecen en el capítulo de Los Simpson llamado Homerpalooza, en el que Homer, Bart y Lisa asisten al Festival Hullabalooza (inspirado en el Lollapalooza). El tercer álbum, Cypress Hill III: Temples of Boom, fue lanzado en 1995, vendiendo 1.5 millones de copias y alcanzando la tercera posición de Billboard 200 a pesar de no incluir ningún single de éxito.

Carrera continuada

Sen Dog se distanció un poco del grupo para formar una banda de punk-rap de Los Ángeles llamada SX-10. Sin embargo en 1996, Cypress Hill apareció en la primera gira Smokin' Grooves, con Ziggy Marley, The Fugees, Busta Rhymes y A Tribe Called Quest. El grupo también liberó el EP Unreleased and Revamped con raros y remixes.

En 1997 los miembros del grupo se centraron en sus carreras en solitario. Muggs lanzó Muggs Presents... the Soul Assassins con contribuciones de miembros de Wu-Tang Clan, Dr. Dre, KRS-One, Wyclef Jean y Mobb Deep. B-Real apareció con Busta Rhymes, Coolio, LL Cool J y Method Man en la canción "Hit Em High" de la multi-platina banda sonora de la película Space Jam. También colaboró con RBX, Nas y KRS-One en "East Coast Killer, West Coast Killer" del álbum Dr. Dre presents...The Aftermath de Dr. Dre, y lanzó el álbum The Psycho Realm, de su proyecto de mismo nombre. A pesar de que el grupo estaba inactivo esos años, Cypress Hill apareció en Smokin' Grooves con George Clinton y Erykah Badu.

En 1998 volvieron para lanzar el álbum IV, siendo oro en Estados Unidos aunque con unas críticas un tanto negativas, respaldadas por el éxito "Tequila Sunrise" y otro tributo a fumar marihuana "Dr. Greenthumb". Sen Dog también lanzó Get Wood como parte de SX-10 en el sello Flip.

En 1999, tres de sus canciones aparecieron en el videojuego de PC Kingpin: Life of Crime. B-Real también contribuyó con alguna de las voces de la gente del juego. Ese mismo año lanzaron un álbum de grandes éxitos en español, Los grandes éxitos en español. Cypress Hill fusionó géneros en el 2000 con su doble-álbum Skull & Bones. El primer disco, "Skull", estaba compuesto por canciones de rap mientras que "Bones" estaba más centrado en el rock. El álbum fue un Top 5 en Billboard 200 y #3 en Canadá. El primer single fue "Rock Superstar" para la radio de rock y "Rap Superstar" para la radio urbana, un tema que sin duda puso a la banda nuevamente en el firmamento musical, y que le vino como anillo al dedo, ya que en ese tiempo canciones con ese estilo, más del Nu Metal que también usaron en la canción "Can´t get the best of me", estaban pegando como nunca. El grupo también lanzó Live at the Fillmore, un disco del concierto de Fillmore, San Francisco en 2000.

Cypress Hill continuó con experimentación en el rock con el álbum Stoned Raiders de 2001. Sin embargo, las ventas fueron una decepción y el álbum no alcanzó ni las 50 primeras posiciones de la lista de álbumes estadounidense. Algunos singles fueron "Lowrider" y "Trouble".

En el 2002, participaron del primer Projekt Revolution juntos a Linkin Park.

El grupo lanzó el 23 de marzo de 2004 el álbum Till Death Do Us Part. El álbum vio un experimento de la banda con el reggae, especialmente en el single principal "What's Your Number". En la canción colaboran Tim Armstrong de Rancid en los bajos y Rob Aston de The Transplants en los vocales. El tema está basado en el clásico "The Guns of Brixton" de The Clash, y el resultado fue un éxito en las listas de rock moderno. En el álbum también aparecen Damian Marley, hijo de Bob Marley en la canción "Ganja Bus", Prodigy y Twin de Mobb Deep, y el productor The Alchemist.

La canción "How I Could Just Kill A Man" esta incluida en el popular videojuego GTA San Andreas (2004) de Rockstar, en la Radio Los Santos.

En diciembre de 2005 salió a la luz Greatest Hits From the Bong, que incluía nueve éxitos de antiguos discos y dos nuevas canciones.

Pagina: http://www.cypresshill.com/

Die Happy

Die Happy es una banda alemana de Rock alternativo procedente de Ulm. Esta banda fue formada en 1993 por la cantante Checa Marta Jandová y el guitarrista alemán Thorsten Mewes. Las canciones de esta banda son en inglés a pesar de su nacionalidad. El 18 de Abril del 2008 será lanzado el quinto álbum de estudio de la banda.

Historia

La banda empezo en 1995 a grabar su primer álbum independiente titulado "Ich Bin Wichtig". Thorsten, Ralph y Jürgen decidieron invitar a la Checa Marta Jandová a cantar en su nueva banda.

El primer concierto fué previsto para el 19 de Febrero en Ulm en el "Büchsenstadel". Carsten, que organizó el concierto y el sonido hizo por primera vez esa noche, que iba a ser el 5 º miembro de la banda.

Ellos hicieron todo lo posible y desempeñaron un buen número de conciertos entre los que estaba también el primer show en Praga en el Rock Café. Ese verano tuvieron las primeras camisetas de Die Happy.

El LP Dirty Flowers fue oficialmente lanzado en Praga, el cual lo presentaron el 4 de Marzo con un concierto en el Lucierna Bar, y el 6 de Marzo en Ulm.

En 1997 lanzan su tercer álbum independiente "Promotion" el cual dio un gran paso para el primer álbum de estudio.

En enero de 1999 el jefe de Epic / Sony estaba sobre la mesa, todo lo que tenía que hacer era firmar, pero nada salió como debería. Después de un concierto en Frankfurt.


En el 2000 lanzan el primer single y video "Supersonic Speed" el cual tuvo gran exito y el video fue transmitido en el canal VIVA Zwei.

En el 2001 la banda lanza el primer álbum de estudio con el mismo nombre "Supersonic Speed" bajo la firma de la discográfica Sony BMG.

En el 2002 es lanzado el álbum "Beautiful Morning" en el cual lanzaron los singles "Goodbye" y "Not That Kind Of Girl".

Luego de varias giras en el Die Happy lanza "The Weight Of The Circumstances" gran paso para la banda hacia la fama.

Después de dos años la banda lanza el single "Big Big Trouble" el cual se dice que es la continuación del video "Big Boy" del álbum "The Weight Of The Circumstances" el mismo año seía lanzado el cuarto álbum de estudio de la banda titulado "Bitter To Better".

En el 2006 se lanzan los singles "Wanna Be Your Girl" y "The Ordinary Song" y el álbum "No Nuts No Glory".

En el 2007 la vocalista Marta Jandová participo en el Bundesvision Song Contest 2007 junto a la banda OOMPH! interpretando el tema "Träusmt Du?" con el cual ganaron el primer lugar.

Este viernes será lanzado el video del nuevo álbum "Peaches" disponible en su blog oficial de MySpace.

El 18 de Abril se pondrá a la venta el sexto álbum de estudio de la banda titulado "Six".

Pagina: http://www.diehappy.de/

Jaque Reina

Formacion:
Facundo Gattelet: voz y guitarra
Gustavo Gerán: bajo y coros
Leandro Gattelet: batería

Jaque.reina se formó en 2002, originalmente como iniciativa de los hermanos Leandro (bateria) y Facundo Gattelet, junto a Mariano Gaztelu (guitarra), Emiliano Rubinsztejn (voz) y Lucas Florio (bajo). Grabaron "Arterias", la primera producción de la banda y luego Nicolás Tassitani reemplazó a Florio.

El 2005 llegó con cambios: Gustavo Martinez (ex bajista de Cabezones) produjo el segundo disco, "4 Alas", para el cual volcaron su sonido hacia el nü rock, nü metal y pop rock. Se incorporó Jorge Abed como nuevo vocalista, en una placa que se ofreció libremente por internet y se presentó en Capital y Gran Buenos Aires, y también en Chile en dos ocasiones.

Para el 2007 quedaron formados como power trío, luego de la incorporación del actual bajista, Gustavo Gerán y con Facundo asumiendo la voz líder. Así llegó "Tres", un EP.

Pagina: http://www.jaquereina.com.ar/

Malpaís

Malpaís: un lugar hecho de canciones

El grupo costarricense Malpaís debe su nombre a un rincón alejado de la península de Nicoya, una playa agreste y olvidada, que en los últimos años ha ganado gran popularidad debido, sin duda, a la impresionante acogida que ha tenido esta banda entre los costarricenses de todas las generaciones.

Integrado por seis músicos de gran trayectoria en círculos tan diversos como el de la nueva canción, el jazz, el rock y la música clásica, Malpaís se formó en 1999 y dio sus primeros conciertos en el 2001.

Desde la salida de su primer disco, llamado lacónicamente “Uno”, en el año 2002, Malpaís fue recibido como un fenómeno con personalidad propia - Sus canciones sonaban distinto a todo lo que se había hecho antes en Costa Rica (o en otras partes, dirán algunos), y sin embargo el público se identificó con ellas de inmediato.

Los personajes entrañables, salidos de la vida cotidiana, las referencias al ayer mítico de la infancia, entre patios azules y potreros infinitos, los desasosiegos de la vida urbana, el amor y el desamor - El universo de Malpaís, recogido en las canciones de Fidel Gamboa, y en las letras de su hermano Jaime, ya han pasado a formar parte del imaginario colectivo de los “ticos”, más allá de si tienen 15 u 80 años.

La mezcla de ritmos, las influencias variadas, que oscilan entre el folclore centroamericano, los sonidos celtas, la balada rock, el son caribeño y el jazz fusión, le han permitido a Malpaís proponer una novedosa experiencia a quienes los escuchan “en vivo” - La gran ductilidad, la experiencia y destreza técnica de los músicos hace que los conciertos resulten contagiosos incluso para quienes no conocen las letras de las canciones.

Aparte de Fidel Gamboa, quien canta, toca la guitarra, la flauta, compone, arregla y dirige la agrupación, y de su hermano Jaime Gamboa, quien se encarga del bajo, coros y parte de las letras, Malpaís está compuesto por el tecladista Manuel Obregón, que es una de las figuras más destacadas de la escena musical centroamericana, por sus aportes en el campo de la fusión y recuperación de las tradiciones musicales - Iván Rodríguez toca el violín, la mandolina, las flautas celtas y hace coros; Gilberto Jarquín toca la batería y Carlos “Tapao” Vargas (ganador de dos premios Grammy, como parte de la banda de Rubén Blades) suma otra batería y un variado set de percusión - Finalmente, la joven Daniela Rodríguez hace coros, voces de apoyo y algunos solos de voz fundamentales, que forman parte de la “firma” musical de Malpaís.

Actualmente la banda cuenta con tres discos a su haber: “Uno” (2002), “Historias de nadie” (2004) y, más reciente, “Malpaís en vivo” (2006) - Todos, incluso el último, han obtenido Disco de Oro por sus venrtas en Costa Rica.

Malpaís ha actuado ya en Centroamérica, México y EE.UU., pero su verdadera proyección internacional recién comienza.

Pagina: http://www.grupomalpais.com/http://www.grupomalpais.com/

Fuzzy Duck

Los Fuzzy Duck solo editaron un LP y dos singles, y puede ser de lo mejor del hard rock con órgano Hammond, guitarras contundentes y buenas melodías.

Fuzzy Duck estaba formado por Grahame White a las guitarras y voz, Mick Hawksworth ( antes en Andromeda) al bajo y guitarra de 12 cuerdas, Roy Sharland al órgano y Paul Francis a la batería. Este LP (acompañado de un single) fue editado por una subsidiaria de Decca, pero fue de escaso éxito en ventas, sacaron otro single pero al final deciden separarse para buscar fortuna en otras bandas.
Se abre el disco con "Time will be your Doctor", una canción bastante marchosa, muy buena pero que no se aleja demasiado de la órbita del hard rock típico de principios de esa década. Destaca por el momento la gran guitarra de White. Llega después "Mrs. Prout", y aquí ya estamos ya en otro rollo más original, es además un proverbial tema que pone los pelos de punta. Increible introducción de órgano, una melodía vocal preciosa y sobretodo una base rítmica que te hará mover la cabeza sin descanzo. Buenísimo el bajo de Hawksworth y su conjunción con la batería de Francis.

A partir del centro del tema una parte instrumental brutal de puro ritmo sententero ( una de las mejores bases rítmicas de la historia del rock sin duda), un riff de guitarra chulesco y unas entradas de órgano de espanto. Cuando aun la emoción no se ha esfumado entra "Just look around you", un tema rápido y melódico absolutamente adictivo. Despues mi tema preferido, la increible "Afternoon Out", con unas voces preciosas y un órgano que esta vez sirve de mero apoyo a la fenomenal guitarra de White. Un tema que por sus entradas de guitarra llega casi a la hard psicodelia en ciertos momentos. El solo final de guitarra ácida es realmentes antológico. "More than i am" es un tema que puede recordar mucho a los mejores Atomic Rooster, contundente a la vez que melódico. La conjunción entre guitarra y órgano es sublime, las voces otra vez realmente buenas. "Country Boy" es otro tema muy compacto, con unos solos espectaculars de órgano y guitarra en su final. "In our time" es un corte que me recuerda especialmente a Uriah Heep, con una buena melodía de voz y unos esquemas que parecen adelantar algo del heavy metal que llegaría en el futuro aunque con un espíritu muy progresivo.

Fuzzy Duck nos ofrecen un universo de melodía, guitarras contundentes aderezadas con un órgano Hammond realmente impresionante y creativo, un buen trabajo a la voz a cargo del señor Graham White, demostrando su buen hacer y un registro versátil dejando claro que el psych es uno de sus fuertes, pues aunque en FUZZY DUCK destacan más el hard y el prog también tienen tiempo de mostrarnos su parte más ácida que siempre se agradece.

Poco más se puede decir de esta verdadera joya, simplemente que contaban en sus filas con el ex componente de los míticos ANDRÓMEDA Mick Hawksworth que siempre es un aliciente y algo atener muy en cuenta.

Pues ya sabéis, si queréis pasar un rato agradable y disfrutáis con bandas como Atomic Rooster,
Eloy, Uriah Heep, etc.... por nombrar las más conocidas, no os queda otra cosa que haceros con este monumento a la buena música y pieza clave del Hard Rock más clásico.

Steve Winwood

Steve Winwood (nacido como Stephen Lawrence Winwood el 12 de mayo de 1948 en Handsworth, Birmingham, Inglaterra) es un cantante, tecladista y compositor inglés. Sus primeros pasos los dio en la banda Spencer Davis Group y Blind Faith en los años sesenta y luego en el grupo inglés Traffic, para posteriormente iniciar a mediados de los setenta una exitosa carrera como solista que tuvo su punto cúlmine en la segunda mitad de los años ochenta. Su sonido se caracteriza por el uso del teclado como instrumento principal adornado con influencias de jazz, el R&B y el pop.

Carrera como solista

En 1977 Winwood publica su primer álbum solista "Steve Winwood", con el cual consigue estatus de doble platino. Este álbum contiene los temas "Midland Maniac" y "Vacant Chair". No sería hasta la publicación del álbum "Arc Of Diver" de 1980 que Winwood consolidaría su éxito como solista. Este disco contiene la canción éxito "While You See A Chance" y el Hot 100 "Arc Of Diver", elevando el disco a la categoría de multiplatino.

En 1982 el álbum "Talking Back To The Night", que contiene la canción del Hot 100 "Valerie" no tuvo el mismo éxito del anterior y eso lo llevo a modificar el trabajo de producción de su siguiente álbum incluyendo la participación de otros artistas. Hasta esa fecha Winwood asumía tanto la producción como la grabación de sus discos en su estudio privado ubicado en su casa de Gloucestershire.

En 1986 aparece "Back in the high Life", grabado íntegramente en Nueva York, con la coproducción de Russ Titelman, incluye la participación de un selecto grupo de artistas como Chaka Khan, James Ingram, Nile Rodgers, James Taylor, Joe Walsh, Jocelyn Brown, Steve Ferrone y Randy Brecker. Este álbum se convirtió en el punto más alto de la carrera de Winwood, con los éxitos "Higher Love" (Nº 1 por una semana), "Freedom Overspill" (Nº 20), "The Finer Things" (Nº 8) y "Back in the High Life Again" (Nº 13). El éxito de "Back in The High Life" permitió a Winwood triunfar en los premios Grammy de 1987 en donde obtuvo los galardones de "Álbum del año" y "Mejor vocalista masculino".

En 1987 edita el álbum "Chronicles", un recopilatorio con versiones remasterizadas de sus éxitos. Este disco le ayudó a colocar en los Hot 10 el tema "Valerie" del álbum "Talking Back To The Night". En 1988 Winwood lanza el álbum "Roll With It", cuyo tema homónimo se mantendría en el Nº 1 por cuatro semanas. Otros temas destacados de este álbum son "Don't You Know What The Night Can Do?" (Nº 6) y "Holding On" (Nº 11). Con este disco Winwood adquiere definitivamente la categoría de clásico y alcanza la cumbre de su popularidad.

Luego del éxito de "Roll with It", los álbumes posteriores de Winwood no lograrían mayor repercusión. En 1990 lanza "Refugees Of the Heart", que pese a llegar a la categoría de platino, no colocaría ningún Hit en los Hot 10. En 1995 Winwood lograría colocar en el Nº 1 del Hot 10 el tema principal de la película "Balto" "Reach for The Light". Los restantes álbumes de Winwood "Junction Seven" de 1997 y "About Time" de 2003 confirmarían el bajo perfil de este artista lo que no resta su estatus de leyenda ni tampoco su calidad como músico, lo que queda demostrado con la invitación a participar en la película "Los Hermanos Caradura II" integrando una superbanda junto a Eric Clapton, B.B. King e Isaac Hayes.

Pagina: http://www.stevewinwood.com/

Keith Emerson

Keith Emerson (nació el 2 de noviembre de 1944 en Todmorden, Inglaterra) es un pianista, teclista y compositor británico. Comenzó su carrera integrando el grupo The Nice, y después pasó a formar parte de Emerson, Lake & Palmer (ELP), uno de los primeros super grupos de los años 70. Con dicho grupo, publicó una serie de LP's de gran calidad, tanto en lo que se refiere a la composición, con temas de una gran complejidad y duración, fusionando rock, jazz y música contemporánea, en los que el protagonista era Emerson, y baladas en las que el peso lo llevaba el bajista Greg Lake, como en la interpretación de una gran sensibilidad y fuerza, y con un virtuosismo que coloca tanto a Emerson como al batería Carl Parlmer entre los más grandes instrumentistas de la historia del Rock. Asimismo, realizaban versiones de composiciones clásicas o contemporáneas de autores como Bartok, Mussorgsky, Ginastera o Aaron Copland. Sus primeros cinco LP's son clásicos del rock de los 70, tontamente olvidados como consecuencia del estancamiento que fue sufriendo la crítica y el público mayoritario de rock a partir de 1977, anclados en una serie de criterios fosilizados, más propios de los 50 o los 60, como las canciones de tres minutos, la espontaneidad, la rebeldía juvenil (o su continuador, el nihilismo punk) o la "energía" (confundiendo muchas veces energía con el volumen de los amplificadores). En ese mismo año, precisamente, realizan un evento único, la unión en una gira de una orquesta de tipo clásico con un grupo de rock integrando ambos sonidos (es decir, no intercalandose ambos, sino con una verdadera compenetración), experimento exitoso en lo creativo pero desastroso en lo económico, lo que obligó a continuar la gira sin la orquesta al cabo de poco tiempo, y que probablemente significó la puntilla para el grupo.

Después de la disolución de ELP, volvió a reunirse con los integrantes de The Nice a mediado de los años '90 para hacer una gira de conciertos.

Emerson nació en Todmorden, Inglaterra. De niño aprendió a tocar el piano con orientación a la música clásica europea, del cual derivó mucha inspiración para crear su estilo propio, combinando música clásica, jazz y rock en sus obras. Como ejecutante de órgano Hammond, Emerson encontró en 1969 una oportunidad para colaborar con Robert Moog, y trabajó con su invención, el módulo Moog, un sintetizador analógico. Mientras otros músicos, tales como los Beatles y los Rolling Stones habían usado el Moog, Emerson fue el primer músico en hacer una gira con uno de estos sintetizadores.

Emerson es conocido por su técnica virtuosística y por su forma de manejar el teclado en el escenario, incluyendo el uso de cuchillos para oprimir las teclas del órgano durante sus solos, tocando el órgano al revés mientras lo tiene acostado sobre sí y empleando un dispositivo especial para rotar su piano mientras lo está tocando (esto era puramente teatral, ya que los pianos acústicos no pueden funcionar cuando son rotados de este modo). Junto a sus contemporáneos como Richard Wright de Pink Floyd, Tony Banks de Genesis , Rick Wakeman de Yes y Jon Lord de Deep Purple, Keith Emerson es ampliamente reconocido como el mejor teclista de rock progresivo y probablemente el mejor teclista del rock.

Pagina: http://www.keithemerson.com/

Carlitos Balá

Carlitos Balá es el nombre artístico de Carlos Salim Balaá (nacido el 13 de agosto de 1925 en Buenos Aires), un actor cómico argentino famoso por su dedicación al entretenimiento de los niños. Realizó destacados espectáculos en televisión, cine, circo, y teatro.

Biografía

Carlos Salim Balaá, descendiente de inmigrantes sirio-libaneses, nació en Buenos Aires en 1925, en el Barrio de Chacarita.

El nombre

El propio Balá cuenta que su primer nombre artístico fue «Carlitos Valdéz», con el que ganó un concurso de imitaciones y ruidos en la radio, pero que lo cambió por «Carlitos Balá», recuperando el sonido de su propio apellido, cuando su padre, luego de haber escuchado el concurso, no se enteró que su hijo había ganado.

Carrera

En sus inicios y a modo de práctica realizaba monólogos y hacía gracias a los pasajeros de la línea de colectivos nº 39 (transporte público de Buenos Aires), que le sirvió para ponerse ducho y desarrollar el coraje para establecer contacto con el público. Siendo muy joven integró un famoso trío cómico junto a Jorge Marchesini y Alberto Locati. Posteriormente y después de haber celebrado unos cuantos éxitos con el mencionado grupo, cada uno inició su propia carrera en forma individual, logrando Balá afirmarse muy sólidamente en el mundo del espectáculo, convirtiéndose en una figura de permanente presencia en los medios, aún hasta el día de la fecha -si bien con no tanta regularidad- continúa realizando espectáculos y desplegando un humor sano y muy gracioso, que hace especialmente felíz a los niños y a quienes -no siendo tan niños- lo recuerdan por sus programas infantiles tan seguidos en épocas de sus respectivas infancias.

Gags

Su marca registrada es su "flequillo", y sus "frases celebérrimas" (muy pegadizas), que él repite en gags:

P: ¿Qué gusto tiene la sal? R: Salado
Ea-ea-ea pe-pé
Sumbudrule (mientras inadvertidamente colocaba su mano por detrás de la nuca de sus oponentes como una araña, en señal de burla o disgusto, aunque sin posarla sobre su cabeza)
P: El chupete es... R: "Feo" (diálogo con los niños que asistían a su programa, que ayudó a muchos progenitores y niños a que estos últimos dejaran el chupete).
"¡Mirá cómo tiemblo!" (ante un enemigo que en realidad era temible)
¿Mamá, cuándo lo vamo' ? (caracterizado como niño, indicando aburrimiento)
"¿Un gestito de idea?"
Fabulósico y palabras de forma similar terminadas en "ósico" o en general esdrújulas inventadas a partir de palabras graves.
"Está un kilo y dos pancitos".
"Más rápido que un bombero".
"Seriola (modo de afirmación irónica inventado por él mismo) con techito por si llueve".
"Zazaza zazaza".
"Te pasaste, Petronilo, pegá la vuelta", habitualmente seguida por "La Argentina te queda chica, comprá dos números más".
"Señoras, señores y por qué no lactántricos, tengan ustedes muy buena imagen" (La frase incluye una versión específica de la creación de neologismos esdrújulos.)
"Ya mismo y sin cambiar de andén"
P: Ta-ta Ta-ta-tá R: "Ba-lá"

En TV, Carlitos tenía un amigo invisible: el perrito Angueto, con quien desarrollaba un sketch en el que el perro lo arrastraba a su antojo. Hizo también famosas bromas telefónicas, el trío acrobático Los Malerva, El Indeciso, Petronilo el paisano ingenuo, El mago Mersoni (al que los trucos siempre le salían mal) y Don Generoso.

Curiosidades

Trabajó en filmes, muchos notables como Canuto Cañete Detective Privado en los 1960s, y en otras películas familiares que abrían las vacaciones escolares. Hizo grandes giras teatrales por Argentina, con suceso en Mar del Plata. Durante algunos años, las acciones actorales se desarrollaban en su circo.
En los años previos a la televisión por cable, Balá tenía un programa semanal, llevándolo al status de top en el entretenimiento infantil junto con el Capitán Piluso y Pepitito.

Canteca de Macao

Con poco más de tres años de vida a sus espaldas, los componentes de Canteca de Macao han pasado de tocar en las mañanas del rastro madrileño a los escenarios de algunos de los festivales musicales más importantes del panorama sonoro español y extranjero. Los nueve integrantes de esta banda mestiza han sabido plasmar la multiculturalidad presente en las de cualquier ciudad en un estilo musical propio; una fusión de ska, reggae y ritmos de rumba conjugados con un directo frenético que ha logrado conectar con el público en cada uno de los países que han visitado.

Canteca de Macao ha sabido salir de los pequeños locales en los que empezó actuando casi por afición pese a la singularidad de no haber puesto jamás un disco a la venta en los stands de los grandes centros comerciales. La única publicidad con la que han contado hasta el momento ha sido la noticia de sus conciertos en múltiples escenarios de Europa, América Latina u Oriente Próximo saltando de un oído a otro con el boca a boca de los que han podido asistir a sus potentes directos.

Aún así, el grupo supo arriesgar en su momento y apostar por el proyecto Canteca con un primer disco, ‘Cachai?’. Grabado en los estudios Hispana de Madrid sus 13 frenéticos y comprometidos temas lograron vender las únicas 4.000 copias de este primer álbum, pese a que las salas en las que han actuado han sido hasta ahora su único punto de venta.

La gira de presentación de ‘Cachai?’ llevó a la banda por una gira de más de 100 conciertos a lo largo y ancho de la geografía española; una experiencia que les permitió subir a los escenarios de toda España y parte de Europa. En Alemania incluso pudieron ver el cartel de ‘sold out' colgado en la puerta de la sala Gloria Theater, donde más de mil personas asistieron al espectáculo de música, danza y malabares de Canteca de Macao.

Los buenos resultados de ese primer experimento animaron a la banda a plantearse un nuevo reto: el segundo disco de la banda “Camino de la vida entera” en proceso de mezcla y masterización en los estudios de Jose Luis Garrido, estará en la calle en Junio. Aunque esta vez con el sello de una gran multinacional (Dro East West/ Warner Music Spain) arropándoles en lo que supondrá su entrada directa al mercado.

Con todo, Canteca de Macao ha logrado mantener sus principios fundacionales en las distintas negociaciones con su discográfica actual, que tras un año y medio de tiras y aflojas con todas las multinacionales e independientes de España y parte de Europa ha aceptado conservar intacto el derecho a la libre descarga de la música de la banda. En virtud de éste, cualquier persona del mundo con acceso a la red de redes puede descargarse los dos álbumes del grupo, referente del género musical español más mestizo, en su página Web.La propia banda reconoce el mérito a la discográfica por el compromiso a la libre circulación del arte que supone, pese a que, en el fondo, “le estás pidiendo a una empresa que se dedica a vender discos que regale el de tu grupo a través de una página Web”, admiten. Una iniciativa pionera en el panorama musical que pocos grupos han llevado a cabo de momento y con la que los integrantes de Canteca de Macao esperan poder alcanzar la máxima difusión posible.

Pagina: http://www.cantecademacao.org/

Benedictum

Benedictum es un grupo estadounidense de heavy metal proveniente de San Diego (California).

Biografía

El grupo fue fundado por la vocalista Veronica Freeman y el guitarrista Pete Wells después de disolverse su anterior banda, Malady. Después de que se incorporasen a sus filas Blackie Sanchez y Chris Morgan preparó su primera demo con la ayuda del productor discográfico Jeff Pilson, que también los proveyó de bajo, cello y teclados adicionales. Más adelante firmaron con Locomotive Records y grabaron más canciones para completar su álbum de debut, Uncreation, que fue publicado oficialmente el 29 de enero del 2006 en Europa y el 14 de marzo del mismo año en Norteamérica.

Durante el verano del 2006 se dedicaron a girar por varios escenarios europeos, incluyendo los del Metal?ay en Gernika y en Jerez.

Discografía

- Uncreation (2006)
- Seasons of Tragedy (Promo 2008)

Miembros

- Veronica Freeman - voz
- Pete Wells - guitarra
- Chris Morgan - teclado
- Jesse Wright - bajo
- Blackie Sanchez - batería

Curiosidades

- Autoproclamando que Veronica es la contrapartida femenina de Ronnie James Dio[cita requerida], incluyeron la canción Rainbow in the Dark de Dio en su primera demo.
- Por la misma razón, su álbum Uncreation tiene dos versiones de canciones de Black Sabbath en su época con Ronnie James: Heaven and Hell y The Mob Rules.
- Esa misma versión de The Mob Rules tiene como estrella invitada a Jimmy Bain, ex miembro de Rainbow y de Dio.
- En la última canción de Uncreation, Valkyrie Rising, también colabora Craig Goldy, actual guitarrista de Dio.
- Su productor Jeff Pilson fue el bajista de Dokken y Dio, y todavía toca en War and Peace, Lynch/Pilson y Foreigner.

Pagina: http://www.benedictum.net/

Alice Cooper

Alice Cooper fue una banda de rock and roll, más en concreto heavy rock, pionera del género conocido como glam rock. Surgida en 1964 en Arizona, Estados Unidos, logró su mayor auge durante los años 70. Posteriormente, su líder, continuaría como solista tomando el antiguo nombre de la banda, Alice Cooper, y moviéndose hasta nuestros días entre géneros tan dispares como el heavy metal (siendo considerado un relevante precursor de éste), la new wave o el Pop rock, a lo largo de los 80 y 90, y retomando a principios de los años 2000 con álbumes como "The eyes of Alice Cooper", el rock and roll y hard rock de sus inicios.

Historia

1964 - 1970: Los inicios y la influencia de Frank Zappa

Hijo de un predicador, Vincent Furnier (nacido el 4 de Febrero de 1948 en Detroit Michigan) luego conocido como "Alice Cooper" fue uno de los pioneros en asociar Rock y espectáculo en sus conciertos y en montar pequeñas historias teatrales encima de un escenario donde a la vez tocaba un grupo de rock y crear de sí mismo un personaje surgido de la más sórdida de las pesadillas, con permiso de Arthur Brown o Screamin' Jay Hawkins, otros pioneros del llamado shock-rock y anteriores a él. Con maquillajes de aspecto siniestro, inquietantes letras y provocativas representaciones que abarcaban ejecuciones con guillotina y sillas eléctricas o actos con enormes serpientes, que ilustraban los contenidos de sus álbumes, muchos de los cuales narraban una historia, en la más pura línea del Álbum conceptual. Alice Cooper, eso sí, sería el primero en desarrollar con más sofisticación las puestas en escena respecto a otros músicos influenciados por la estética "glam-teatral" como David Bowie o Peter Gabriel, inspirado notablemente por el citado Arthur Brown. Esta característica escénica influenciaría notablemente a grupos como KISS, White Zombie, Mötley Crüe, Twisted Sister, Marilyn Manson, Lordi, etc. Dentro de su actitud irreverente destaca el show de cortar bebés con un hacha, filetear una dama frente a un refrigerador abierto e incluso presentarse para presidente contra Richard Nixon en Estados Unidos de America. La banda en sus inicios acusó una gran influencia de Frank Zappa, mentor de la formación; Zappa aconsejó al grupo incorporar elementos extravagantes en sus actuaciones, tales como tirar gallinas al público; los primeros álbumes de la formación, acusaron de esta manera una influencia del genio, que perviviría a lo largo de su carrera, en elementos de Rock progresivo que se pueden apreciar en los álbumes clásicos del grupo.

1971 - 1973: los años clásicos de la Alice Cooper band

Su estilo quedaría más definido a partir del álbum "Love it to death" (1971), su primer disco de éxito, que incorpora el himno generacional "I'm Eighteen". Posteriormente, publicarían entre 1971 y 1973 lo que se considera como su trilogía clásica, "Killer", "School's out" y el exitoso "Billion dollar Babies", discos que, junto con "Love it to death" contienen su repertorio más recordado, temas como "Under my Wheels", "Elected", "Is it my body" "Desperado" o "School's out".

El grupo desarrollaría en estos años un estilo personal, que se movería entre un Rock and roll y Hard rock de corte clásico, que incluiría en temas como "Halo of flies" o "Killer", desarrollos cercanos al Rock progresivo, y por la teatralidad de sus directos, que incluyen números escénicos como el ahorcamiento o guillotinamiento de su líder.

La banda cae en un pequeño bache artístico y comercial en 1973 con el álbum "Muscle of love", lo que conduce a su disolución, y al inicio de la carrera de Alice Cooper como solista, mientras que los integrantes de su antigua banda seguirían durante un corto período de tiempo bajo el nombre de "Billion Dollar Babies".

1975 - 1983: Welcome to my nightmare; decadencia

Alice Cooper inicia en 1975 su carrera como solista, con otro álbum elevado a la categoría de clásico por la crítica, como es "Welcome to My Nightmare", un disco lleno de eclecticismo y cuidados arreglos, además de un sonido ligeramente más endurecido en ciertos cortes del álbum. A este álbum pertenecen temas tan recordados como "Department of youth", "Devil's food" o la exitosa balada "Only women bleed". Su siguiente trabajo, "Goes to hell" (1976), mantendría el tipo artísticamente, sin alcanzar el nivel de su predecesor, pero Alice se hundía cada vez más en graves problemas de alcoholismo que afectarían negativamente a su carrera, llevando incluso a su ingreso en un centro psiquiátrico, experiencia que sirve de leit-motiv para su álbum "From the inside"; en esta época graba maquetas con el entonces desconocido "John Bongiovi" a quien luego se conocera por su banda Bon Jovi. En 1977 lanza su álbum "Lace & Whiskey" el cual contiene el famoso tema "You And Me" dedicado a su esposa.

Entre 1978 y 1983, Alice publica una serie de LP's como "Da Da" "Flush the fashion" o "Special forces", discos con escasa repercusión comercial que se mueven entre el New Wave, el Rock y un Pop ligeramente surreal. Estos discos, sin embargo, contienen temas muy apreciados por los fans más acérrimos, tales como "Clones (we're all)" (del LP "Flush the fashion" y versioneada por Smashing Pumpkins) o "Who do you think we are" (de "Special forces", un tema recientemente recuperado en los directos de la banda).

1986 - 1991 Kane Roberts y "Poison": el Heavy Metal

1986 vería el regreso de Alice Cooper al primer plano de la actualidad musical, abrazando de lleno el Heavy Metal, de la mano del fornido guitarrista Kane Roberts, con el exitoso "Constrictor". Una línea que tendría su continuidad en el álbum "Raise your fist and yell"; estos dos discos dejaron para la posteridad temas como "Teenage Frankenstein" o "Freedom". Su siguiente trabajo, ahondaría en la misma línea, pero su sonido se dulcificaría incluyendo coros y melodías similares a las del Glam metal, un estilo que se encontraba en pleno auge, y contando para ello con el exitoso compositor y productor Desmond Child, que había trabajado para bandas como Bon Jovi. El resultado fue el exitoso "Trash" (1989), un disco recordado por el megahit "Poison", cuyo video fue fuertemente promocionado por MTV y por otros como "Bed of nails" o "Spark in the dark". Su siguiente trabajo, "Hey Stoopid" (1991), seguiría la misma línea que su predecesor, pero sin alcanzar su éxito, y dejando temas como "Love is a loaded gun". Habían comenzado los años 90, y el Glam metal había perdido su popularidad ante el auge del Grunge.

1994 - actualidad; bandazos estilísticos y regreso a los orígenes

En su siguiente álbum, "The last temptation" (1994), Alice intentaría recuperar algo de su sonido clásico en temas como "Lost in America", y retomaría algo de su estética más "Pulp" y "kitsch", incluyendo un cómic inspirado en la historia del álbum, que además incidiría en otro concepto rescatado de su etapa más clásica: la del Álbum conceptual, un trabajo en el que todos los temas conforman una sola historia. Para este trabajo, Alice contó con la colaboración de Chris Cornell, líder de Soundgarden, con el que escribe el tema "Stolen prayer".

Sus siguientes trabajos, del 2000 y 2001, "Brutal planet" y "Dragontown", retomarían el Heavy metal, desde un concepto endurecido, en una aproximación al rock industrial y el metal más en boga de grupos como Nine Inch Nails o Marilyn Manson.

Finalmente, Alice recluta para su banda a todo un equipo de músicos jóvenes, admiradores del sonido de la Alice Cooper band que triunfó en los años 70, lo cual precipita una vuelta de lleno al Rock and roll y Hard rock de los inicios de la banda, en una aproximación mas rotunda que la de "The last temptation". "The eyes of Alice Cooper" (2003) y "Dirty diamonds"(2005), siguen este esquema, y se vieron acompañados de sendas giras en las que el grupo intenta recuperar su faceta más clásica, sin olvidar otras fases de su carrera.

Recientemente, Alice Cooper ha aparecido en el último disco de Avantasia (The Scarecrow) como colaborador, en una canción llamada "The Toy Master", que interpreta junto a Tobias Sammet.

Pagina: http://www.alicecooper.com/

Alejandro Lerner

Alejandro Lerner, (n. Buenos Aires, 8 de junio de 1957) es un cantante, compositor y músico argentino.

Biografía

La historia inicial de Alejandro Lerner está asociada a los primeros años del rock argentino.

Nació en 1957 y ya en la escuela secundaria integró algunas bandas juveniles ANACONDA, TONELADA PLÁSTICA.

Pero a mediados de los '70, Raúl Porchetto descubrió el talento de este porteño que por entonces tenía sólo 16 años y lo convocó para participar de su grupo Reino de Munt. Muy poco después, debutó discográficamente como invitado en el segundo LP de León Gieco, "La banda de los caballos cansados", de 1974. Tuvo un paso fugaz por Los Desconocidos de Siempre, el grupo que armó Nito Mestre luego de la disolución de Sui Generis, y como invitado junto a Miguel Cantilo, Punch, Piero y Prema. Había estudiado piano con dos prestigiosos maestros, Antonio De Raco y Juan Carlos Cirigliano.

Incursionó en la carrera de composición y musicología en la Facultad de Música de la Universidad Católica Argentina. Mientras tanto, seguía tocando con distintos solistas como Porchetto en los álbumes "Raúl Porchetto" (1976) y "Chico Cósmico" (1977). En el '76 se integró a Soluna, un grupo que había armado el ahora productor Gustavo Santaolalla luego de su separación de Arco Iris. Y fue allí, en el único disco que editó esa banda ("Energía natural", 1977) que apareció por primera vez de manera pública como compositor, con el tema "Detrás del vidrio roto", una de las experiencias profesionales más importantes para su formación. Compartió luego con Rinaldo Rafanelli (otro ex-Sui Generis), Gustavo Bazterrica y Gonzalo Farrugia, una formación con la que no llegó a grabar. Luego de sus primeros años como pianista de otros grupos, crea su primera banda de música instrumental como director, arreglador y compositor: Solopororo, un grupo de jazz rock latino que dejó un simple publicado y un álbum que se editó tiempo después como maxi, en 1984, bajo el nombre de Lerner ("Sus primeras canciones").De todos modos, es evidente que su gran espaldarazo llegó cuando se sumó, como pianista y compositor, a la banda de Sandra Mihanovich en 1980. Mientras tanto, le daba forma a un nuevo proyecto personal, La Magia. En 1982 editó su primer álbum solista ("Alejandro Lerner y la Magia"), se convirtió en consagración del Festival de la Falda y en el legendario festival BAROCK, con canciones irónicas y arreglos de rock sinfónico que inmediatamente llamaron la atención tanto del publico como de la prensa especializada. Con ese disco, que incluía temas como "Nena neurótica" y "Por un minuto de amor" -dos clásicos de su repertorio- su nombre se hizo definitivamente popular. Su primer álbum llegó a triple platino, lo que equivalía a una cifra de más de 180.000 discos vendidos. Al año siguiente, cuando grabó y editó el LP "Todo a pulmón", la carrera de Alejandro Lerner alcanzó uno de sus picos más altos. Con su estilo inconfundible bien consolidado, publicó dos nuevos álbumes; LERNERTRES con más de 300.000copias vendidas y CONCIERTO su primer disco en vivo. Para ese entonces canciones como TODO A PULMON y NO HACE FALTA QUE LO DIGAS se habían convertido en clásicos populares en todo hispano América. En 1985 decide alejarse del ambiente argentino de la música y radicarse en los Estados Unidos. Allí perfeccionó su formación musical estudiando arreglos con DON SEBESKY y piano con ANDY LAVERNE.Regresa a Buenos Aires en el '87 con un nuevo disco bajo el brazo, "Algo que decir".Una de las primeras publicaciones como sello independiente.

Se transformó en artista de repertorio y en una voz emblemática de la música popular argentina. Siguió grabando discos y presentándolos en conciertos cuya masividad nunca ha decaído, pero amplió su actividad hacia otros terrenos. Ha escrito música para cine, televisión, teatro-, música electrónica en series de ciencia ficción para tv, que le han valido recibir en dos oportunidades premios Martín Fierro, nominaciones a los premios GRAMMY en 4 oportunidades, numerosos premios KHONEX, Gardel, SADAIC el premio de la sociedad de autores y compositores argentinos y el premio ASCAP de la sociedad de autores de Estados Unidos.

Sus canciones han sido interpretadas por artistas de la talla de Mercedes Sosa, SANTANA, MIGUEL RIOS, Luis Miguel, ARMANDO MANZANERO, Gino Vannelli, CAROLE KING, Cristian Castro, MARK ANTHONY, La Ley, AIR SUPPLY, ALEJANDRA GUZMAN, entre otros,

Intervino como coproductor e intérprete en el disco de dúos que hizo Paul Anka, junto a Celine DION, BEE GEES, Tom Jones, Julio Iglesias junto a su gran amigo y mentor el productor HUMBERTO GATICA, con quién produce también dos de sus discos en Los Ángeles California, AMOR INFINITO Y PERMISO DE VOLAR.

Como productor Alejandro trabajó en el proyecto de CLAUDIA BRANT para Warner y en el 2001 el álbum LIBRE de la artista SOLEDAD para la SONY de Argentina.

Fue convocado para el homenaje a Carlos Gardel organizado por la Secretaría de Cultura y el Multimedios América en 1995, y para un disco de canciones patrias producido por Lito Vitale. En 1999, editó un álbum de grandes éxitos ("20 años") con más de 150. 000 placas vendidas. Con un nuevo trabajo de estudio, dos años después del anterior "Volver a Empezar", con el mismo nivel de éxito. Ya nadie se pregunta por su pertenencia al rock o a la balada; tanto que en su nuevo disco incursiona inclusive en otros géneros latinos. La salsa en "Si quieres saber quién soy", y melodías sentidas como "Se ríe de mí", en la que Alejandro describe escenas y personajes de su barrio, el gran tema romántico "Amarte así", con las guitarras - según expresa el artista - convertidas en el "alma de ese álbum".

En 1996 produce para UNICEF el megaconcierto TENGO UN SUEÑO, para difundir y apoyar los derechos de los niños en la reunión cumbre de presidentes de Hispanoamérica en la ciudad de Panamá. con artistas como Mercedes Sosa, RUBEN BLADES, ARMANDO MANZANERO, LEON GIECO, VICTOR HEREDIA y otras figuras de todo el continente.

Su labor solidaria lo llevó a apadrinar a distintas fundaciones y grupos de autoayuda participando de conciertos con fines solidarios en todo Latinoamérica.

En Diciembre de 2001 graba en vivo "Lerner. Vivo", con la participación de amigos de distintos géneros musicales en el escenario del Teatro Gran Rex, disco de oro en la Argentina. Con estos dos últimos trabajos recibe 4 nominaciones a los premios GRAMMY LATINO.

En el 2002 participó como compositor e intérprete en el último disco de Carlos Santana, "Shaman", quien lo invitó a compartir el escenario en más de 10 ciudades en su gira por USA.

También ha participado como autor he intérprete en el más reciente álbum del guitarrista de STING, DOMINIC MILLER.

"Buen Viaje", producido junto a CACHORRO LOPEZ e IGNACIO ELISAVETSKY, el cual contiene temas como "Después de ti" alcanzaró las 17 semanas consecutivas en primer lugar en radios y primer lugar en ventas, no sólo en Argentina - donde ha recibido el galardón de 6 nominaciones a los premios GARDEL 2004 a entregarse a fines de marzo - sino en países como COSTA RICA y FRANCIA donde ha sido recientemente lanzado.

En el año 2006 Alejandro Lerner cumplió un sueño llamado "Canciones para gente niña", CD que grabo de forma independiente con aquellos temas para niños chicos y grandes que ninguna discográfica le había permitido grabar.

Este CD fue en colaboración con la empresa Petrobras y la productora Fenix y toda su recaudación fue destinada al Hospital de Niños Garraham

Desde abril hasta octubre del 2007, Lerner se ocupó de la grabación de su álbum "Enojado" en la ciudad de Los Angeles, Estados unidos.

Este material tiene músicos invitados como Dominic Miller, guitarrista de Sting, quien viajó desde Londres para participar en el disco.

También cuenta con la colaboración Vinnie Colaiutta, baterista de Sting; Jeff Beck y Eric Clapton; así como el percusionista Luis Conte, quien ha trabajado con Phil Collins y Madonna.

Su salida al mercado es para principios de diciembre del 2007.

Lerner es un clásico, como lo son muchas de sus canciones. Y ese lugar queda perfectamente claro en el respeto que se ha ganado entre sus colegas de todas las corrientes.

Pagina: http://www.alejandrolerner.net/

Cuatro Pesos de Propina

"Desde Uruguay llegamos los cuatro pesos de propina. Banda que comienza su formación en el año 2000 y que ha fijado el grupo a partir del 2003.

De influencias varias y por tanto variados estilos musicales, nuestro grupo se conforma de batería, bajo, percusiones, teclado, sampler, acordeón, guitarra, dos vientos y el cantante.

Hemos tocado en varios lados, pero podemos dar como punto de quiebre en nuestro proceso de banda nuestros toques en los balnearios de Rocha, durante el verano y desde entonces se comienza a forjar el crecimiento de la banda, la cual se ve cada vez acompañada por mas personas que se van acercando a los toques, donde la consigna principal es la fiesta, el combatir con alegría , y tomarnos esto como eso, como una militancia cultural. Pero cuatro pesos no solo son los músicos, hay muchísimos allegados que constituyen la gran familia.

Bandas como Mano Negra y radio bemba, así como Fermin, Amparo, Ojos de brujo y todos los demás artistas de radiochango han sido también parte de la conformación de la banda. También nuestras influencias regionales nos tiñeron mucho y agradecemos el haber escuchado alguna vez a Eduardo Mateo o al principe, y tantos otros........ desde todos tus muertos o los cadillacs hasta Daniel Viglietti o el flaco Spinetta.
Hemos compartido varios escenarios con varias bandas, siendo también teloneros de Manu Chao el año pasado cuando paso por aquí.


En cuanto a los toques, si bien aquí es difícil, tocamos donde podemos, ya sea desde los sindicatos, en la universidad, para movimientos sociales y en boliches.

Somos independientes, y por esto entendemos que dadas las condiciones que se le imponen al artista, en que el hace todo y la disquera le da unos míseros centavos, realizamos una producción independiente, porque la vía autogestionada es la forma que tenemos para no atarnos ni que nos aten."

Pagina: http://www.cuatropesos.com/

Bad Brains

Bad Brains es una banda musical estadounidense. Aunque han experimentado con varios estilos y fusiones, son a menudo considerados como "la primera banda hardcore", al desarrollar un estilo rápido en contraste con las otras bandas pioneras del punk.

Carrera e historia

Inicios

Los miembros de Bad Brains se conocieron en el suburbio de Washington D.C., District Heights, Maryland.

El guitarrista Gary Miller alias «Dr. Know» ya había tocado el bajo en varias bandas funk de la zona y entre esos cambios de banda conoció a Darryl Jennifer, quien más tarde sería el bajista del grupo. Luego se les unieron los hermanos Paul (alias «H.R.») y Earl Hudson (voz y batería, respectivamente) y comenzaron como una banda híbrida jazz funk llamada Mind Power. Al cabo de varios meses, un amigo los metería dentro del punk al escuchar a Dead Boys; tras ello, se transformaron totalmente y cambiaron su nombre a Bad Brains, por el título de una canción («Bad brain») de Ramones.

A principios de 1978, los miembros del grupo vivían juntos en una casa de Bayway, Maryland, que Doc consiguó gracias al mánager de Rustler Steak House, donde trabajaba. H.R. y Darryl también consiguieron trabajos, pero no duraban mucho, por lo que terminaron lavando autos. Earl trabajaba lavando ropa en el hospital. Más adelante, H.R. entró a trabajar en Atlantic Research and Development, una fábrica de bombas que manufacturaba Stinger y misiles MX. Darryl, sin permiso de conducir, pasaba a buscarlos a medianoche para ir a ensayar a la casa en Bayway.

Para comenzar a hacerse conocidos, realizaron carteles y dieron concietos gratuitos en el sótano de su casa; también vendieron ellos mismos su maqueta. Posteriormente, tuvieron una gran demanda en los conciertos punk de D.C. Antes de dejar D.C. a finales de 1978, los Slickee Boys les recomendaron que grabaran sus canciones en Inner Ear Studios, en Arlington, Virginia. Grabado en junio de 1979,[1] Black Dots es el resultado de esta sesión.

Para aquel entonces, Inner Ear Studios era el sótano de Don Zietara (lugar que sirvió para grabar numerosos clásicos del hardcore punk, tales como el EP Minor Disturbance de The Teen Idles). Para la grabación, Don estaba instalado en las escaleras que daban a la cocina, Dr. Know y Darryl tenían el espacio principal del sótano, Earl estaba sentado en la batería, con el cuerpo completamente dentro de un armario, y H.R. estaba al principio de las escaleras que daban al patio, sosteniendo el micrófono (se puede oír al hijo menor de Don hablando a H.R. y unos grillos entre canción y canción).

Todo salió bien en la grabación y Black Dots representa su primer repertorio en vivo y su primera canción propia, «Don't need it». Con los meses, las canciones eran cada vez más rápidas y caóticas y terminaron definiendo el estilo hardcore, imitado profusamente por numerosas bandas en las décadas posteriores.

La marcha a Nueva York

Cuando actuaron como teloneros de The Damned, en el Bayou, en junio de 1979,[2] los guardias arrojaron a Darryl a la calle tras un incidente y se prohibió al grupo el acceso al club. Además, The Atlantis estaba siendo reconstruido, por lo que no veían un buen futuro en D.C. Por ese motivo, se mudaron a Nueva York, donde había locales donde actuaban grupos de música punk, como el Max's Kansas City, el Tier 3, el Peppermint Lounge, el A 7, el famoso CBGB, entre otros.

Allí tuvieron la posibilidad de grabar independientemente su primer single de 7 pulgadas Pay to Cum en diciembre de 1979 e incluso un vídeo de 15 minutos, titulado My picture in the movies baby. El video consistía en una actuación en CBGB'S de 1979. Después de eso, se volvieron uno de los grupos con mayor renombre de Nueva York y comenzaron a influir en muchos otros de N.Y. y D.C., tocando un estilo que hasta el momento era conocido como thrash, movimiento del cual fueron los precursores.

El single apareció finalmente en junio de 1980,[3] autoeditado en su sello Bad Brains Records. Su primera publicación, sin embargo, tuvo lugar con la inclusión del tema «Don't bother me» (también conocido como «You») en el recopilatorio The best of Limp, editado unos meses antes.[4]

Para 1981, viajaron a tocar a California. En marzo de 1982[5] salió su primer cassette, considerado por algunos músicos como el mejor disco hardcore punk de la historia. La cinta Bad Brains, publicada por el sello especializado en cassettes ROIR Tapes, contenía sonidos thrash, punk y también reggae, ya que se habían aproximado a la cultura rastafari en 1980.

1983 vio la publicación de Rock For Light, un disco extremadamente veloz, con algunas canciones antiguas grabadas nuevamente, además de canciones nuevas, agresivas, y tres temas reggae. El disco lo produjo Ric Ocasek, el famoso líder de The Cars.

En 1984, se disolvieron por primera vez, pero volvieron a juntarse a fines de 1985 y editaron I Against I en 1986 en el sello SST, totalmente renovados y lanzándose a nuevas giras a lo largo de 1987, tras las cuales el grupo se volvió a disolver.

Tras la publicación, en 1988, de undisco en vivo (Live, también en SST), se reunieron otra vez y grabaron para el sello Caroline el LP Quickness, un disco totalmente distinto, combinando mucho metal con punk y algunos sonidos funk. Después de ese disco se produjeron grandes diferencias musicales: H.R. y Earl querían dedicarse totalmente al reggae, mientras que Dr. Know y Darryl querían tocar metal. Eso hizo que H.R. y su hermano dejaran el grupo, lo que no impidió que Darryl y Dr. Know grabasen Rise, otro disco en la línea de Quickness, con un clon vocal de H.R. y un batería blanco.

Última etapa

En 1994, se juntaron nuevamente y grabaron God Of Love al año siguiente, basado en el reggae y el heavy metal de fusión. A fin de promocionar el disco, se unieron a Beastie Boys, quienes también habían dejado el hardcore de sus inicios para convertirse en una banda que experimenta con diferentes estilos (sobre todo el hip hop). Sin embargo, para los fans de su revolucionario estilo hardcore, God of love es su peor disco.

Mientras cruzaban la frontera con Canadá, H.R. fue detenido por posesión de droga. Los miembros del grupo fueron advertidos por sus colegas de Beastie Boys de que si los problemas continuaban, la gira debería darse por concluida. Tras ese incidente, H.R. golpeó brutalmente a su mánager antes de un concierto e intentó matar a su hermano.

Durante una actuación en esa gira, H.R. golpeó con el atril de un micrófono a un par de chicos, pensando que le estaban escupiendo: ambos fueron hospitalizados y ello dio fin a la gira. Se le detectó a H.R. un nivel de esquizofrenia medio. Visto el fracaso de la gira, se disolvieron, aparentemente de forma definitiva, pero en 2001 se reunieron para un concierto, bajo el nombre de Soul Brains, tocando los antiguos temas con el furor de aquella época original del punk.

En 2003, grabaron un disco de reggae, titulado I And I Survived.

El 24 y 25 de febrero de 2006, dieron un concierto en el clásico local CBGB'S de Nueva York, asegurando que habría muchos más a continuación. Su último disco, Build A Nation, es como una versión moderna de lo que habían sido casi 30 años atrás. Adam Yauch, de los Beastie Boys, se encargó de la producción.

También participaron en una de las últimos conciertos hardcore de CBGB'S, participando en la noche de reapertura del club en Las Vegas, tras su clausura a mediados de 2006 en Nueva York.

En 2008, Bad Brains fue de gira por Latinoamérica, pasando por países como Chile, Argentina y Brasil.

Pagina: http://www.badbrains.com/

Antonio Vivaldi

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741). Compositor y músico del Barroco tardío, apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido a nivel popular por ser el autor de la serie de conciertos para violin y orquesta Las cuatro estaciones.

Biografía

El padre de Antonio Vivaldi, el pianista Giovanni Battista, apodado Rossi (el Pelirrojo), fue miembro fundador del "Sovvegno de’ musicisti di Santa Cecilia", organización profesional de músicos venecianos; así mismo fue violinista en la orquesta de la basílica de San Marcos y en la del teatro de S. Giovanni Grisostomo. Fue el primer maestro de su hijo, que también fue, probablemente, discípulo de Giovanni Legrenzi.

El 18 de septiembre de 1693, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas. En 1699 fue ordenado subdiácono (4 de abril), luego diácono (18 de septiembre de 1700) y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703. Más inclinado hacia la música que hacia las obligaciones religiosas, logró que se dispensara de decir misa por razones de salud.

La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas todas ellas -según dicen algunos- por la figura paterna[cita requerida]:

La primera fue la de la adquisición de una fama europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el editor veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de dos opus de sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo instrumento: L'estro armonico en 1711, seguido de La Stravaganza en 1714. Estas obras novedosas superaron las innovaciones de Torelli y Albinoni, y le garantizaron un éxito fenomenal que se tradujo, en particular, en la reimpresión inmediata de sus opus en Londres y París.

La segunda etapa fue la de su contrato en el Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para quienes iba dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado después de la enseñanza de la viola all’ inglese. Su función era la docencia y adquisición de ciertos instrumentos para sus alumnas y la dirección de la orquesta de aquella institución, que albergaba un famoso coro que reunía al conjunto de internas intérpretes. El nombramiento de un músico tan joven para aquel puesto envidiado da testimonio de los importantes apoyos de los que gozaba y de la fama de compositor, fundada sin duda en la difusión manuscrita de sus obras antes de ser publicadas, pero, por encima de todo, en su formidable celebridad como prodigio del violín, que durante mucho tiempo suplantaría su renombre como compositor en Venecia e Italia. Vivaldi realizó en la Pietà a lo largo de su vida una carrera tumultuosa, consecuencia de su personalidad histriónica y enfermizamente independiente. Pero sus caóticas relaciones con aquella institución, sembradas de rupturas y reconciliaciones, no le impidieron hacer de aquel puesto prestigioso su laboratorio y su santuario, al mismo tiempo.

La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de ópera, en la que cosechó grandes éxitos. En esta etapa conoció a Anna Giraud, una joven cantante, que a partir de entonces estaría siempre con él. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713, Ottone in villa, su primera ópera conocida, seguida de una auténtica conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros de Sant’ Angelo y San Moise. Las partituras de las óperas fechadas en este primer período veneciano nos muestran unas obras suntuosas, exuberantes, testimonio de un temperamento dramático excepcional. Aquellas composiciones innovadoras e inquietantes, que imponían el stile nuovo atacando frontalmente al stile antico elogiado por los conservadores, le valieron la hostilidad de una gran parte de la aristocracia veneciana, cuyos teatros le cerraron herméticamente sus puertas. Por aquellas fechas, Vivaldi se confirmó igualmente como un formidable descubridor de la voz: él es, en efecto, quien dio a conocer a cantantes famosos como Fabri, Merighi o Strada, mucho antes de que Händel los contratara en Londres. En esa misma época, el compositor veneciano se impuso también y sobre todo como "impresario" en el sentido etimológico de la palabra, es decir, como empresario de espectáculos que produce tanto óperas propias como de otros compositores, revisándolas o uniéndolas a sus propias producciones.

Los cuadernos de viaje de un rico arquitecto de Francfort, Johann Friedrich Armand von Uffenbach, que asistió a la temporada de carnaval en Sant’ Angelo en 1715, nos ofrecen un vívido testimonio de este periodo de frenética actividad. Aquel aficionado ilustrado critica en sus notas los decorados y el vestuario, y admira a los cantantes diciendo que “fueron incomparables y no desmerecieron en nada de los del gran teatro”, es decir, el de S. Giovanni Grisostomo. Pero sobre todo se muestra estupefacto por Vivaldi, que le fascina con sus prodigiosas intervenciones al violín. Uffenbach escribe lo siguiente en su cuaderno: “Hacia el final, Vivaldi interpretó un magnífico solo seguido de una cadencia improvisada que me dejó verdaderamente estupefacto, pues no es posible que alguien haya tocado o llegue nunca a tocar así. Colocaba los dedos a un pelo del puente, hasta el punto de no dejar sitio para el arco, y lo hacía además sobre las cuatro cuerdas, realizando imitaciones y tocando con una rapidez increíbles.” La carrera lírica de Vivaldi remontó así su vuelo guiada por dos consignas: reformar y sorprender, en una coincidencia llamativa y premonitoria de arte y estrategia comercial.

La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y lucrativos con una red de clientes y mecenas. Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental, con la venta de conciertos escritos o adaptados específicamente en función de los encargos; la música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y la música religiosa, mediante la composición de motetes, himnos, salmos y conciertos sacros para diferentes instituciones. Así es como Vivaldi escribió su Stabat Mater en 1712 para una iglesia de Brescia. Y así compuso también su primer oratorio, "La vittoria navale", interpretado en Vicenza en junio de 1713.

Entre 1718 y 1722 trabajó para el príncipe de Mantua y, más tarde, comenzó un período de viajes por Europa para supervisar los estrenos de sus óperas. En 1740 se trasladó a Viena, donde murió un año más tarde sin recursos económicos.

Una de sus obras más conocidas son los primeros 4 de los 12 conciertos para violín de su Opus 8 denominados por Vivaldi como Il Cimento dell'Armonia e dell'invenzione (El Cimiento de la Armonía y la Invención), conciertos que fueron conocidos luego como Las cuatro estaciones.

Vivaldi está considerado como uno de los precursores de la música romántica. Sin embargo, no todos los músicos se mostraron tan entusiasmados con las obras del compositor italiano. Ígor Stravinski dijo de forma provocativa que Vivaldi "no había escrito cientos de conciertos, sino un único concierto repetido cientos de veces". Pero es precisamente, debido al establecimiento de la estructura del concierto con solista por parte de Vivialdi, que su desarrollo culminó con los Conciertos de Brandeburgo de J.S. Bach.

Al morir en Viena cae en el olvido, y es tanta la ingratitud que Italia tuvo con él, que no aparece en los libros de música de la época.

En el siglo XX volvió a aparecer el interés por la obra de Vivaldi. Mencionemos a Antonio Fanna, Gian Francesco Malipiero, Angelo Ephrikian y en especial Alfred Einstein, quienes han difundido, editado y grabado en disco las obras de Vivaldi, muchas veces partiendo de manuscritos originales del compositor.

Formas musicales

Desde los exóticos concerti da camera, compuestos para la corte de Mantua hasta los inquietantes conciertos para violín de su última época, además de otras decenas de piezas concertantes, la música barroca italiana de Vivaldi, ofrece contrastes sutiles y emociones refinadas. Complementa la diversidad de estilos que conforman el Barroco musical, el alemán, el francés, inglés y obviamente el poderoso centro italiano. La importancia del aporte de Vivaldi radica en haber consolidado la estructura del concierto como género.

Curiosidades

- Vivaldi recibió el apodo de il prete rosso (el sacerdote pelirrojo) por el color de su cabello. De hecho, era una característica de su familia, y su padre ya era conocido con el sobrenombre de rosso.
- En 1737 fue acusado de no decir misa siendo sacerdote, pero él se defendió alegando su asma; sin embargo, su enfermedad pulmonar no le restó capacidades a la hora de viajar por Europa.
- En el funeral de Vivaldi, celebrado en la catedral de Viena, cantaron los niños del coro de la catedral, entre los que se encontraba el futuro compositor J. Haydn.

Concerto Grosso y Concerto Solli

Mientras Torelli y Corellii, entre otros, habían planteado el diálogo entre solista y orquesta, en un "balance de fuerzas" entre el grupo de solistas y el acompañamiento o "ripieno" en lo que se denominó Concerto Grosso, fue Vivaldi quien estableció una estructura compacta y orgánica del diálogo solista-orquesta, consolidando el concierto con solista o Concerto Solli.

El núcleo de esta organización en el concierto con solista radica en el desarrollo de la forma ternaria. La forma ternaria (A-B-A) consiste en A: Exposición del tema, B: Desarrollo y A: Reexposición del tema. En la parte A, el tema es el material musical que va a ser tratado en la parte central o desarrollo (B), donde se presenta el diálogo propiamente dicho entre solista(s) y orquesta, alternando con la aparición de elementos del tema e intervenciones de la parte del solo.

Esta forma musical, perfeccionada del "ritornello" donde el tema reaparece entre partes solistas, se utilizó para los dos movimientos rápidos del concierto con solista (I y III), mientras el segundo, de carácter lento, podía estar en forma binaria o ternaria, siendo el solista el que prevalece. Esta forma se difundió entre los compositores de diversos países, donde se fue aplicando progresivamente en conciertos para diversos instrumentos.

Esta forma musical es privativa de los conciertos con solista, no importa el número de solistas, sino el uso de esta forma musical como lo muestran numerosas composiciones de Vivaldi, donde la forma ternaria "ritornello" es común a las obras para uno, dos o cuatro solistas. Por este motivo, en el sentido estricto de la forma, cabe establecer que lo que se conoce como concertos grossos no utilizan este esquema formal. Ejemplo: "El estro armonico" op. 3 n.11 de Vivaldi y todo el opus 6 de Corelli.

De esta manera la mayor aportación del músico veneciano fue el desarrollo del Concierto para Solista, estructurado por el Solli, Ripieno y Bajo continuo (Tutti) que a diferencia de su antecesor, el concierto grosso, logra un desarrollo contrapuntístico y armónico más fluido, así como partes solistas más complejas en las que se concentra el desarrollo interpretativo y técnico.

Por lo expuesto, la reputación de Vivaldi se impuso asimismo en Alemania, donde Johann Sebastian Bach analizó y transcribió numerosos conciertos de violín adaptándolos para el clave.

En este proceso, J.S. Bach desarrolló aún más la forma establecida por Vivaldi, aplicando nuevos principios como la polifonía y el uso de dos secciones en la exposición del tema (Forma Ternaria Compuesta).

Vivaldi compuso desde conciertos para un solista hasta para más de una docena. Esta forma musical barroca es una redistribución de las fuerzas orquestales del tutti y del ripieno en dos bloques fundamentalmente desiguales, que oponen un tutti masivo a un solista indomable. Solli y orquesta se encuentran, planteando con claridad el diálogo entre estas dos fuerzas complementarias, al contrario de Bach, donde las ideas del tema y la parte solista se entremezclan o chocan en todas sus obras concertantes.

Para Vivaldi, el solo y el tutti son contraposición, diálogo, en Bach son dos fuerzas antagónicas. Mientras que en los conciertos de Vivaldi el tema es claramente presentado por la orquesta, el rol del solista es transformarlo armónica, rítmica o melódicamente. El solista es el primer plano, la orquesta un fondo, no un relieve.

En los conciertos de Bach, la orquesta cumple precisamente la función de relieve, no es sólo un fondo, ya que incluso toma el papel de desarrollar el tema, hecho que en Vivaldi es un papel exclusivamente aplicado al solista.

Escuchar por ejemplo: concierto en la menor BWV 1041 el 1er movimiento de J.S.Bach, y compararlo con el concierto en sol menor op 12 n.1., o el conciero para 2 violines en la menor op 3 n.8 de Vivaldi y el concierto para dos violines en re menor BWV 1043.

Si bien el progreso en el género concierto se debe al impulso dado por Vivaldi, no menos importantes son sus obras de cámara, sus sonatas a tres instrumentos, oberturas o "sinfonías", que son más bien un tipo de "concierto sin solistas", y a no dudarlo sus poco conocidas óperas y arias, así como su música religiosa, en las que el lirismo, la poesía de las melodías son la muestra más clara del talento del misterioso "cura rojo".

Tenacious D

Tenacious D (a veces llamada también «The D») es una banda musical estadounidense formada por los músicos y actores Jack Black (1969) y Kyle Gass (1961). Son famosos por sus composiciones humorísticas mezcladas con el rock clásico, punk, country rock, folk, etc. El grupo logró la fama en el año 1999 con una serie del mismo nombre en HBO, en la que Black y Gass se identificaban como «The D» y «la mejor banda del mundo».

Historia

Inicios (1984-2000)

En 1985, Jack Black y Kyle Gass (de 16 y 24 años respectivamente) se conocieron en el festival de arte Edinburgh Fringe (en Edinburgo, Escocia). Ambos formaban parte de la compañía de teatro The Actor’s Gang (‘la pandilla del actor’), en Los Ángeles (EE. UU.). Aunque Black y Gass no se llevaban muy bien en un principio, con el tiempo lograron superar sus diferencias y Gass le enseñaría a Black a tocar la guitarra, para más tarde ofrecerle formar una banda. Aunque ambos cantaban y tocaban guitarra, a Jack Black se le suele considerar el cantante y a Kyle Gass el guitarrista líder.

Primer disco (2001-2004)

Tenacious D lanzó su primer disco, homónimo, en 2001. Fue producido por The Dust Brothers, y en él trabajaron también Dave Grohl (ex-baterista de Nirvana, vocalista y líder de Foo Fighters), Page McConnell (tecladista de Phish), Warren Fitzgerald (guitarrista de The Vandals) y el bajista Steve McDonald. La mayoría de las canciones en el disco provinieron de versiones anteriores vistas en su programa de HBO.

De él se desprende su canción más conocida hasta la fecha: Tribute, un tributo a «la mejor canción del mundo», la cual fue escrita improvisadamente por The D para poder vencer a un demonio (representado por Dave Grohl en el vídeo). Lamentablemente, la olvidaron, y esta canción tributo no se parece en nada a aquella. El actor Ben Stiller también hace una corta aparición en el video. Algunas de las primeras versiones de Tribute tenían ciertas similitudes con Stairway to Heaven, de Led Zeppelin sugiriendo así que «la mejor canción del mundo» era, de hecho, aquélla. En la versión final, sin embargo, los indicios casi desaparecieron por completo.

Tres canciones siguieron a Tribute: Wonderboy, Dio y Fuck her gently. Dio es un tributo al músico Ronnie James Dio, en donde le piden que deje de hacer rock y darles tiempo para alcanzarlo como músicos. A Dio le gustó tanto la canción que invitó a Tenacious D a participar en su video Push. El video de Fuck her gently (de mayo de 2004) mostraba animaciones de Spümcø, el estudio creador de la serie animada Ren y Stimpy.

Gran parte de las canciones en el disco vienen precedidas de sketchs en los que Jack y Kyle pasan por una discusión o por el proceso creativo que termina finalmente en la canción. La mayoría de estos sketchs fueron adaptados de episodios de la serie Tenacious D, pasada en HBO.

Pagina: http://www.tenaciousd.com/

Portishead

Portishead es el nombre de un grupo musical británico, de tendencia trip hop, formado en Bristol en 1991.

Historia

La banda fue formada en 1991 por el teclista Geoff Barrow y la cantante Beth Gibbons que tomaron el nombre de la localidad natal de Barrow, situada a 15 km al oeste de Bristol. Barrow había trabajado anteriormente con otras dos bandas de trip hop de Bristol, Massive Attack y Tricky.

Después de estrenar el cortometraje "To Kill A Dead Man", Portishead firmó un contrato con la discográfica Go! Beat que editó su primer álbum Dummy en 1994, con la colaboración del guitarrista Adrian Utley. A pesar de la nula campaña de publicidad de la banda, el álbum fue un éxito en Estados Unidos y Europa, los sencillos "Glory Box" y "Sour Times" alcanzaron la cabeza de las listas de éxitos.

Su segundo álbum Portishead, salió a la venta en 1997 e incluyó en sencillo "All Mine". Además, grabaron un concierto con acompañamiento de orquesta en Roseland, Nueva York, donde fueron interpretadas sus canciones más famosas. Éste, salió a la venta en 1998 con un DVD del concierto. En 1999 colaboraron con Tom Jones en una canción de su álbum Reload.

Portishead y otros grupos de Trip hop no están conformes con este término [cita requerida], argumentando que es sólo una invención mediática para catalogar su música inclasificable.

El 24 de enero de 2008 Portishead anunció la salida de un nuevo disco, titulado "Third", programado para el 14 de abril del mismo año.

Pagina: http://www.portishead.co.uk/