Jethro Tull

Jethro Tull es el nombre de una original banda de rock progresivo británica, de origen inglés, que comenzó sus andaduras en 1968 y que, desde entonces, ha trabajado de forma ininterrumpida hasta el día de hoy, siendo, tras los Rolling Stones el segundo grupo de rock más antiguo todavía activo.

Desde sus inicios, este original grupo ha vendido más de 60 millones de copias de sus más de 30 álbumes.

El nombre de la banda, extraño como suena, tiene un origen no menos particular. Su agente revisó libros de historia y llegó con el nombre de Jethro Tull, un agricultor inglés que había inventado un sistema revolucionario para la siembra.

Desde sus inicios, ha sido liderada por el virtuoso flautista escocés Ian Anderson. La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes históricos en la historia del rock como Thick as a Brick y Aqualung, y llegó a convertirse en un grupo de culto.

Su primera formación estuvo integrada por Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Glenn Cornick (bajo), Clive Bunker (batería) y Mick Abrahams (guitarra eléctrica). Su álbum de debut fue This Was. Al poco tiempo, Mick Abrahams se separó del grupo y fue sustituido por Martin Lancelot Barre, que forma parte del grupo desde entonces.

Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson.

Durante algunos años, el grupo incluyó dos teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido: los geniales John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todos los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años. El grupo ha pasado por diversas formaciones y estilos.

Historia

Inicios (1962-1968)

La primera banda de Ian Anderson se llamó The Blades y fue fundada en 1963.[2] Hacia 1966 se había transformado en un grupo de soul, que pasó a llamarse The John Evan Band (más tarde, The John Evan Smash),[2] denominado en honor a su pianista, John Evans, que había quitado la s final de su apellido para que resultase menos ordinario. Barriemore Barlow era el batería inicial de dicha banda, como posteriormente lo volvería a ser, ya dentro de Jethro Tull, desde 1971. Sin embargo, tras trasladarse a Londres, la mayor parte del grupo abandonó la formación, por lo que Anderson y el bajista Glenn Cornick se unieron al guitarrista de blues Mick Abrahams y a su amigo, el batería Clive Bunker, ambos miembros de la banda McGregor's Engine. En un principio tuvieron problemas para encontrar locales donde tocar, por lo que cambiaron de nombre frecuentemente, con el fin de seguir tocando en los clubes de Londres. Dichos nombres los elegían los distintos agentes que concertaban sus actuaciones, uno de los cuales, aficionado a la historia, los bautizó como Jethro Tull, en honor a un inventor agrícola que vivió en el siglo XVIII y que diseñó la primera máquina agrícola, denominada sembradera. La banda siguió usando este nombre sólo porque fue el que usaron la primera vez que el encargado de un club los invitó a tocar en el mismo nuevamente.

• El primer álbum: This Was (1968)

Después de grabar un single que tuvo poco éxito (una canción pop escrita por Abrahams llamada "Sunshine Day",[2] en el que el nombre de la banda apareció escrito erróneamente como Jethro Toe, convirtiéndose en un ítem de coleccionistas), lanzaron el álbum de inspiración blusística This Was en 1968. Con su versión de la pieza de jazz de Rahsaan Roland Kirk "Serenade to a Cuckoo" (Buscar vídeos), Anderson empezó a demostrar su talento como flautista.

Tras este álbum, debido a la competitividad en el liderazgo de la banda con Ian Anderson, Abrahams dejó al grupo para formar su propia banda, Blodwyn Pig[2] (Buscar vídeos). Existieron además otras razones que llevaron a su salida: Abrahams era un purista del blues, mientras que Anderson deseaba tocar también otros tipos de músicas; en segundo lugar, Abrahams y Cornick no se llevaban bien, y, por último, Abrahams no quería viajar al extranjero ni tocar más de tres noches por semana, mientras que los otros deseaban alcanzar el éxito tocando lo más frecuentemente posible y lograr una nutrida base de fans internacional. Anderson eligió reemplazarlo por Tony Iommi (más tarde de Black Sabbath). Iommi, sin embargo, no se sintió cómodo y abandonó tras unas pocas semanas, aunque aceptó tocar en la aparición de la banda en la película musical de los Rolling Stones The Rolling Stones Rock And Roll Circus (Buscar vídeo). Iommi fue reemplazado por un ex miembro de Motivation, Penny Peeps y Gethsemane llamado Martin Barre, que impresionó a Anderson más que nada por su persistencia, ya que, en su primera audición, estaba tan nervioso que apenas podía tocar, y, en una segunda audición posterior, apareció sin el cable para conectar su guitarra al amplificador. A pesar de esto, Barre se convertiría en el segundo miembro más estable después de Anderson (en la actualidad aún sigue en la banda) y en uno de los guitarristas de rock de mayor prestigio.

En 1968 el grupo encabezaría los festivales de Reading y Leeds, oficialmente llamados Carling Weekend, junto con The Nice y T. Rex.

Rock progresivo (1969-1976): la primera edad dorada

• Stand Up (1969)

La nueva formación publicó Stand Up en 1969, el único álbum de la banda en llegar al primer puesto en ventas en el Reino Unido.[2] Escrito íntegramente por Anderson (con la excepción de "Bourée" (Buscar vídeos), de Johann Sebastian Bach, cuya versión en esta obra adquiere toques jazzísticos), el álbum presentaba una variedad mayor que el anterior: no sólo había piezas de blues, sino elementos de jazz y folk, con toques innovadores y rockeros, aunque sin llegar a parecerse al rock progresivo que estaba surgiendo en esa época con bandas como King Crimson, The Nice y Yes. El single "Living in the Past", del mismo año, comenzó una serie de singles exitosos que duró hasta los años ochenta. Aunque inspirado en "Take Five", del músico de jazz Paul Desmond, "Living in the Past" es una composición mucho más cercana al rock que al jazz, tendencia hacia la que se orientó definitivamente la banda.

En diciembre de 1969, graban "Witch's Promise" (Buscar vídeos), el primer single grabado en estéreo de la historia de la música (el primer LP completo había sido Sgt. Pepper's, de los Beatles).

• Benefit (1970)

En 1970, se reincorporó a la agrupación el teclista John Evan (aunque, técnicamente, durante esa etapa sólo era un músico invitado), con quien la banda grabó Benefit, que presenta una continuidad de estilo con el álbum anterior y que es deudor tanto de unas innovadoras técnicas de grabación de estudio como de las habilidades compositivas de la banda. Este álbum suele dividir la opinión de los oyentes.

Cornick dejó la banda tras la grabación de Benefit, y fue reemplazado por Jeffrey Hammond (también conocido como Jeffrey Hammond-Hammond), amigo de la infancia de Anderson a cuyo nombre hacen referencia las canciones "A Song for Jeffrey" (Buscar vídeos, "Jeffrey Goes to Leicester Square" y "For Michael Collins, Jeffrey, and Me". Fue el mismo Anderson el que enseñó a tocar el bajo a su amigo para que se incorporase a la banda.

En 1970 participaron también en el histórico concierto de la Isla de Wight (Inglaterra), junto con otros grupos y músicos que también harían historia en en el mundo del rock (Buscar vídeos).

• El gran éxito: Aqualung (1971)

Esta alineación lanzó la obra más universal de Jethro Tull, Aqualung, en 1971 (Buscar vídeos). Este álbum es una combinación de hard rock (en los temas que tratan sobre la marginación o la religión oficial), y acústicas y poéticas canciones —como el tema "Wond'ring Aloud" (Buscar vídeos)— sobre lo insulso de la vida diaria. Aqualung es amado y odiado por igual, aunque la canción titular y "Locomotive Breath" se escuchan frecuentemente en las emisoras de radio de rock clásico. El álbum fue incluido en la posición 337 de la lista que, en 2003 la revista Rolling Stone hizo de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos".

Las letras de Anderson expresaban en el álbum opiniones críticas sobre la religión y la sociedad. El personaje principal de "Aqualung" es un mendigo alcohólico, sin techo y, para más inri, pedófilo; mientras que "Cross-Eyed Mary" (María la Bizca) es una prostituta menor de edad (Buscar vídeos). "My God" (impresionante en su solo de flauta) es un ataque directo a la Iglesia de Inglaterra. En la cubierta, la polémica frase "En el comienzo, el hombre creó a Dios, y le dio poder sobre todas las cosas", está inspirada en la filosofía de Feuerbach. Algunas partes de este disco (así como, posteriormente, de Thick as a Brick) fueron censuradas en España durante la dictadura de Francisco Franco.

El baterista Clive Bunker fue reemplazado por Barriemore Barlow a principios de 1971[2] (primero grabó con la banda el EP Life is a Long Song y apareció por primera vez en un LP de la banda en Thick as a Brick, en 1972).

• Thick as a Brick (1972) o la apoteosis creativa

Thick as a Brick (1972), considerado el mejor LP de la banda, es un álbum conceptual, consistente en una única y larga canción dividida en dos partes (una por cada cara del vinilo), compuesto por una serie de movimientos sin solución de continuidad y con una serie de leitmotivs que se repiten y dan unidad al conjunto. El primer movimiento, con su distintivo riff de guitarra acústica, fue relativamente difundido en las emisoras de rock en su momento, y de vez en cuando se puede escuchar en las emisoras de rock clásico actuales. Thick as a Brick fue el primer álbum de Jethro Tull en llegar al primer puesto en la lista de Billboard de Estados Unidos[2] (el álbum del siguiente año, A Passion Play fue el otro; las canciones de ambos álbumes superaban los 40 minutos de duración). Con este álbum, mezcla de música medieval y rock, los Jethro Tull llegan al culmen de su virtuosismo instrumental. El quinteto que aparece en este álbum fue una de las alineaciones más duraderas de Jethro Tull, que perduró hasta 1975.

• Living in the Past (1972)

También en 1972 se publicó Living in the Past, álbum doble que compila singles, caras B y outtakes (incluyendo el EP Life is a Long Song entero, que cierra el álbum), con una cara entera grabada en vivo en 1970 en el Carnegie Hall de Nueva York. En relación con las canciones grabadas en estudio que incluye, muchos fans lo consideran una de las mejores obras del grupo. El tema que da título al LP es uno de los singles más conocidos de Jethro Tull.

• A Passion Play (1973)

En 1973, la banda intentó grabar un álbum doble (desde un exilio autoimpuesto fuera de Gran Bretaña, para ahorrar impuestos) en el Chateau d'Herouville (algo que muchos músicos, como los Rolling Stones y Elton John acostumbraban a hacer en esa época), pero no contentos con la calidad del estudio de grabación, lo abandonaron, junto con el proyecto; más tarde se burlarían del mismo llamándolo "Chateau d'Isaster" (estas canciones fueron lanzadas más tarde en el disco de recopilación Nightcap, de 1993). En cambio, aprovechando algunas de estas grabaciones, editaron inmediatamente A Passion Play, otro álbum conceptual de una sola canción con letras muy alegóricas. Tras varios años de creciente popularidad, A Passion Play se vendió bien, pero en general recibió críticas desfavorables por parte de la crítica especializada. Hasta este momento, Ian Anderson había mantenido una relación amistosa con la prensa, pero desde este álbum la misma desapareció, aunque la banda siguió siendo popular entre el público. Tras este álbum, se difundió el rumor de que la banda se separaba.

• War Child (1974)

War Child, un álbum publicado en 1974 y que originalmente iba a ser la banda de una película que se grabaría en Suiza, llegó al segundo puesto en la lista de Billboard y recibió opiniones favorables por parte de la crítica. En él se incluyó el hit "Bungle in the Jungle". También estaba incluida en el álbum una canción, "Only Solitaire", dedicada supuestamente al crítico del L.A. Times Robert Hilburn, uno de los críticos musicales más duros con Anderson.

• Minstrel in the Gallery (1975): el genial trovador

En 1975 la banda editó el magistral Minstrel in the Gallery, un álbum que se asemejaba a Aqualung en el hecho de que contrastaba hábilmente canciones suaves, basadas en el uso de suaves guitarras acústicas, con piezas más largas y duras en las que sobresalía la guitarra eléctrica de Barre. Esta obra provocó reacciones dispares entre los críticos, pero el álbum se convirtió en uno de los más adorados por los fans de la agrupación, aunque no haya sido tan exitoso en ventas. Tras este álbum, el bajista Jeffrey Hammond-Hammond dejó la banda, y fue reemplazado por John Glascock.

• Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die! (1976): nunca demasiado viejos

En 1976 salió a la venta Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die!, otro álbum conceptual, esta vez sobre la vida de un rockero que se sentía envejecer. Anderson, afectado por las críticas (en especial las que había recibido anteriormente por A Passion Play), respondió con letras aún más duras. La prensa se preguntó si la canción titular era autobiográfica, algo que Anderson negó.

• Sus actuaciones en vivo

Desde principios de los setenta, los Tull habían pasado de ser un grupo de rock progresivo a una de las bandas más populares y espectaculares en vivo en todo el mundo. En sus conciertos, la banda era reconocida por su teatralidad y sus largos medleys con pequeños interludios instrumentales. Mientras que el Jethro Tull temprano mostraba a un maniático y gesticulante Anderson con largo pelo y barba, vestido con ropa harapienta, cuando la banda comenzó a volverse popular comenzó a utilizar disfraces diversos. Los otros miembros hicieron lo mismo, con Jeffrey Hammond-Hammond vistiéndose con un traje de rayas diagonales blancas y negras, John Evan vestido siempre con un traje blanco, etc. Los shows en vivo también se caracterizaban por interludios interactivos que incluían llamadas telefónicas en el escenario, pequeños films, y performances como la del cuento infantil "The Story of the Hare Who Lost His Spectacles" (incluido en A Passion Play).

A medida que la banda se orientaba hacia un estilo más estable a fines de los años setenta, también comenzaron hacer shows más tranquilos y menos extravagantes, aunque sus presentaciones aún incluían instrumentales ampulosos y los famosos globos gigantes que Anderson hacía rebotar sobre su cabeza antes de lanzarlos volando al público.

Folk rock (1977-1979): la segunda edad dorada

La banda cerró la década con una trilogía de álbumes geniales, con influencias de folk rock: Songs from the Wood, Heavy Horses y Stormwatch. Songs from the Wood, inspirado totalmente en el folk medieval inglés, fue el primer álbum de Jethro Tull en recibir críticas unánimes positivas desde la época de Benefit y Living in the Past. Heavy Horses siguió la misma línea y recibió numerosos premios.

Jethro Tull ya habían colaborado con la banda de folk rock Steeleye Span durante años. Aunque no solían ser considerados como parte del movimiento folk rock (que había surgido casi una década antes con bandas como Fairport Convention), había un claro intercambio de ideas entre los Tull y otras bandas de folk. Además, en esta época Anderson se había mudado a una granja en zona rural, y su nuevo estilo de vida quedó claramente reflejado en estos álbumes.

La banda siguió haciendo giras, y lanzó un magistral álbum doble en vivo en 1978, titulado Bursting Out, que contenía impresionantes interpretaciones en vivo de la alineación que los fans consideran la era dorada de la banda. Destaca especialmente el solo de flauta que Anderson realiza en dicha obra. El álbum se adereza, además, con las típicas bromas que realiza Anderson al público y a la banda. La edición original en vinilo contenía tres canciones que no aparecieron en las ediciones iniciales en CD: dos solos de guitarra de Martin Barre ("Quatrain" y "Conundrum") y una versión del exitoso single de 1969 "Sweet Dream". Estas canciones fueron agregadas de nuevo en la edición doble y remasterizada en CD que fue lanzada al mercado en el año 2004.

En esta etapa, David Palmer, quien se había encargado de los arreglos de cuerdas para algunos álbumes anteriores del grupo, se unió formalmente al mismo, para encargarse principalmente de los teclados y de los arreglos orquestales.

El 17 de noviembre de 1979 el bajista John Glascock falleció tras una intervención quirúrgica en el corazón mientras grababan el álbum Stormwatch, que tuvo que ser completado sin su presencia (Anderson tuvo que tocar el bajo en algunas canciones). Muchos críticos consideran a Stormwatch como el último gran álbum de Jethro Tull. En esa época, Anderson decidió grabar también su primer álbum como solista, Walk into Light.

• Songs from the Wood (1977)

Songs from the Wood fue el décimo álbum del grupo, que presentaba una serie de finos y cuidadosos arreglos de tipo folk. El equilibrio de dulces melodías campestres inglesas con el sonido eléctrico de la guitarra de Martin Barre, los arreglos orquestales y la delicadeza acústica de las flautas y guitarras del propio Anderson rozan la perfección. Fue el primero desde hacía mucho tiempo en recibir críticas positivas unánimes entre toda la crítica musical.

La portada refleja a un campestre Ian Anderson en pleno bosque.

• Heavy Horses (1978)

Undécimo álbum de estudio de Jethro Tull en el que Ian Anderson reivindica la pérdida progresiva del trabajo de los caballos en el campo sustituidos por tractores y artilugios mecánicos. Sigue la línea acústica de su anterior trabajo, aunque empiezan a volver a tomar relevancia los riffs eléctricos de Martin Barre (por ejemplo, en "No Lullaby").

• Bursting Out (1978)

En ese período de tiempo se publicó el primer disco en directo del grupo, Bursting Out, en una época en que las nuevas corrientes musicales iban por otros derroteros de la mano de, por ejemplo, el punk.

• Stormwatch (1979)

Con Stormwatch, el estilo cálido y acústico de Jethro Tull comenzaba levemente a cambiar dando origen a un sonido un poco más frío, aunque todavía dentro de la trilogía folkie mencionada más arriba.

Tras la grabación de este LP, cambió la totalidad de los componentes del grupo, excepto Ian Anderson y Martin Barre.

Rock electrónico (1980-1984) y época de decadencia

Con la llegada de los años 80 comienza una etapa de decadencia en la música del grupo. Ante el giro hacia la música electrónica que Anderson quería imprimir a la banda, la mayoría de sus miembros se separan, quedándose sólo Anderson con Barre y teniendo que incorporar nuevos miembros que los sustituyeran. La inspiración del grupo queda notablemente mermada, porque, aunque el alma de la banda había sido Ian Anderson, las aportaciones que John Evan, David Palmer y Barriemore Barlow habían conferido a su música eran insustituibles. Con la marcha de estos miembros, se vio más claro que nunca que Jethro Tull había sido esos años no sólo Ian Anderson, sino un auténtico grupo en el que la complementaridad de sus miembros aportaba una innegable riqueza musical.

• A (1980)

Debido a presiones de Chrysalis Records, Anderson lanzó el que iba a ser su primer álbum como solista como uno de Jethro Tull en 1980. A (nombre que provenía de las etiquetas de las cintas, que se habían llamado simplemente A por Anderson), contaba con la presencia de Barre en la guitarra eléctrica, Dave Pegg (de Fairport Convention) en el bajo, y Mark Craney en la batería. El álbum tenía elementos marcadamente electrónicos, aportados por el teclista y violinista invitado Eddie Jobson (ex Roxy Music y UK). Ofrecía un sonido completamente distinto a todo lo que Jethro Tull había hecho con anterioridad, gracias al predominante uso de sintetizadores.

Slipstream (1980)

Los Tull grabaron en esa época un vídeo titulado Slipstream, una película sobre su concierto en el Royal Albert Hall de Londres en septiembre de 1980, con la formación de A. El estilo electrónico de ese álbum era aún más prominente en estas presentaciones en vivo y fue usado con un efecto muy llamativo en algunas de sus canciones más viejas como "Locomotive Breath". El sonido más reconocible de Jethro Tull se mostraba en una versión acústica de "Skating Away on the Thin Ice of the New Day", con Pegg a la mandolina.

Slipstream, durante mucho tiempo una rareza en VHS, fue incluido en 2004 como DVD bonus en la versión digitalmente remasterizada de A.

• The Broadsword and the Beast (1982)

Jobson y Craney abandonaron el grupo tras la gira de A y los Jethro Tull pasaron por un período en que hubo diversos baterías (entre ellos Gerry Conway y Doane Perry). Peter-John Vettese reemplazó a Jobson en los teclados, y la banda retornó a un sonido más cercano al folk, pero aún con sintetizadores, en 1982, con el álbum conceptual The Broadsword and the Beast, con una estética en la portada cercana a El Señor de los Anillos, de Tolkien. 1981 había sido el primer año en que la banda no había editado ningún disco.

• Ian Anderson por fin en solitario: Walk into Light (1983)

El primer álbum como solista de Anderson finalmente vio la luz en 1983. Se tituló Walk into Light y contenía muchos elementos electrónicos, como en los álbumes de esa época de Jethro Tull. Al igual que con muchas otras experiencias solistas de Anderson y Barre, algunas de sus canciones eran tocadas más tarde en los shows de la banda.

• Under Wraps (1984)

En 1984 la banda editó Under Wraps, otro álbum con una fuerte carga electrónica. Aunque la banda aparentemente quedó satisfecha con su sonido, el álbum no fue muy bien recibido, en especial en Estados Unidos, y, como resultado de diversos problemas de garganta que tuvo Anderson, los Tull interrumpieron su actividad durante tres años, situación que Anderson aprovechó para fundar un negocio altamente lucrativo de cría de salmones.

• A Classic Case (1985)

En 1985 publicarían el único disco enteramente instrumental del grupo, grabado con la London Symphony Orchestra, dirigida por David Palmer.

• Original Masters (1985)

En 1985 Crhysalis publicó un nuevo Grandes Éxitos del grupo, Original Masters, el tercero tras M.U. - The Best of Jethro Tull y Repeat - The Best of Jethro Tull - Vol II. Aunque fue editado en esa fecha, los temas son todos anteriores a 1977.

Hard rock (1987-1990): un tímido renacer

• Crest of a Knave (1987) y el Grammy de 1989

El grupo retornó en 1987 con Crest of a Knave. Sin Vettese (Anderson se hizo cargo de los sintetizadores), y con la guitarra eléctrica de Barre como centro de atención, el álbum fue un éxito tanto de crítica como comercialmente, y ganó el premio Grammy de 1989 por The Best Hard Rock/Metal Performance (Mejor Performance de Hard Rock/Metal), derrotando, contra todo pronóstico, a los favoritos Metallica.

El premio fue particularmente controvertido, ya que muchos no consideran a Jethro Tull como una banda de hard rock, y mucho menos de heavy metal. El hecho adicional de que ésta fuera la primera ocasión en que se entregaba un Grammy de heavy metal fue visto como un insulto para los fanáticos del género. Tal vez como consecuencia de esto, desde entonces se entregaron Grammys para bandas de heavy metal y hard rock por separado. Por recomendación de su manager, ninguno de los integrantes del grupo había asistido a la ceremonia (parecía que no tenían posibilidades de ganar), afortunadamente para ellos, ya que apenas fueron anunciados como ganadores, parte de la audiencia abucheó el resultado. La banda, como consecuencia de las críticas, respondió lanzando un anuncio en una revista musical británica en el que se decía: "The flute is a heavy, metal instrument!". El estilo de Crest of a Knave ha sido comparado con el de Dire Straits, en parte porque Anderson había perdido gran parte de su registro vocal tras una complicada operación de garganta.

• 20 Years of Jethro Tull (1988)

En 1988 se editó 20 Years of Jethro Tull, un álbum recopilatorio compuesto por 5 LPs (también lanzado en una versión de 2 LPs más corta, llamada 20 Years of Jethro Tull: Highlights, y posteriormente reeditado en 3 CDs, que estaba compuesto por outtakes de toda la historia de la banda, y de una gran variedad de versiones en vivo y de canciones remasterizadas digitalmente. Además, incluía un cuadernillo que detallaba la historia de la banda.

• Rock Island (1989)

En 1989 publicaron Rock Island, álbum de similar estilo que Crest of a Knave, pero de inferior calidad. Durante la gira del mismo, se proyectaban siluetas de bailarinas durante la canción "Kissing Willie", y la proyección concluía con una imagen que bordeaba lo pornográfico. Otra canción del álbum llamada "Big Riff and Mando" reflejaba la vida de la banda de gira, y hacía referencia al robo de la mandolina de Barre por parte de un apasionado fan.

• Live at Hammersmith '84 (1990)

Los años 90

Durante la década siguiente, la banda lanzó una serie de álbumes menos influidos por el hard rock: Catfish Rising (1991), Roots to Branches (1995) y J-Tull Dot Com (1999), aunque este último puede considerarse como el iniciador de la siguiente etapa de los Jethro Tull.

• Catfish Rising (1991)

Catfish Rising recoge influencias del blues y del folk estadounidense de ascendencia irlandesa. También se deja notar cierta influencia de los Dire Straits.

• A Little Light Music (1992)

En 1992 apareció A Little Light Music, un álbum en vivo, acústico en su mayor parte, que tuvo una buena aceptación entre los fans por sus versiones de antiguas composiciones de la banda.

• Nightcap 1993)

• Roots to Branches (1995) y J-Tull Dot Com (1999)

Estos dos álbumes mostraron una mayor inspiración en el folk y en la world music, reflejando distintas influencias musicales recibidas tras décadas de giras por todo el mundo. En canciones como "Out of the Noise" (Roots to Branches) y "Hot Mango Flush" (J-Tull Dot Com), Anderson describe vívidas imágenes de las calles del tercer mundo. Estos últimos álbumes reflejaban la aceptación, por parte de Anderson, del hecho de que ya era una vieja estrella del rock, con canciones como "Another Harry's Bar", "Wounded, Old and Treacherous" (ambas de Roots to Branches) y "Wicked Windows" (de J-Tull Dot Com), que trata sobre unas gafas para leer.

En 1995 Anderson lanzó su segundo álbum como solista, Divinities: Twelve Dances with God, obra de doce piezas instrumentales que giran alrededor de su prodigiosa flauta.

En 1996 salió al mercado un álbum de tributo a Jethro Tull titulado To Cry You a Song: A Collection of Tull Tales?. En él colaboraron antiguos miembros de Jethro Tull, así como otros artistas y grupos, entre los que caben destacar Keith Emerson, Tempest y Wolfstone.

La cuarta década de Jethro Tull (desde 1999 en adelante)

2006 - 2007

La última etapa puede caracterizarse por el lanzamiento periódico de discos por parejas: a cada disco de Jethro Tull le seguirá otro de Ian Anderson en solitario de similares características.

La etapa se inicia con la edición de dos discos de excepcional calidad: uno de Jethro Tull, J-Tull Dot Com (1999), y otro de Ian Anderson, The Secret Language of Birds (2000), ambos relacionados en su estilo, que siguen mostrando influencias de la world music.

Al comienzo del nuevo milenio, la voz de Anderson parecía haber recuperado parte de sus antiguos registros.

En 2003 se editó The Jethro Tull Christmas Album, en el que la banda interpreta canciones tradicionales de Navidad, junto con composiciones originales de Jethro Tull sobre este tema. Algunas de estas canciones son totalmente nuevas y otras, como "A Christmas Song", ya habían sido grabadas en álbumes anteriores, aunque en éste se ofrecía una nueva versión.

Este disco se vio acompañado por otro de Ian Anderson en solitario, Rupi's Dance (2003), que mantiene las características de The Secret Language Of Birds, aunque sin alcanzar sus cotas de calidad.

Sorprendentemente, también en 2003, el antiguo componente de la banda David Palmer, de 66 años, anunció que se había cambiado de sexo y que, a partir de entonces se llamaría Dee Palmer. La noticia sorprendió a los miembros de la banda y fue noticia mundial, pues nadie se esperaba que Palmer, casado, con hijos, que siempre había mostrado un aspecto barbudo y que había pertenecido a los Royal Horse Guards, hubiera deseado ser mujer desde hacía años. David Palmer esperó al fallecimiento de su mujer para dar dicho paso.

En 2005 se editó un álbum doble en vivo y un DVD de Ian Anderson llamado Ian Anderson Plays the Orchestral Jethro Tull, al igual que un DVD de Jethro Tull titulado Nothing is Easy: Live at the Isle of Wight 1970 y otro álbum en vivo titulado Aqualung Live (grabado durante el año 2004).

El ex batería Mark Craney, componente de la formación entre 1980 y 1981, murió de diabetes y pneumonía el 26 de noviembre de 2005. Había padecido a lo largo de los años un largo historial de problemas de salud, con afecciones renales, cardíacas y parálisis; unos cuantos miembros del grupo (incluyendo a Anderson) ayudaron a Craney en el pago de sus elevadas facturas médicas, mediante su colaboración en el álbum Something with a Pulse.

En la primera mitad de 2005, en un anuncio publicado en el sitio oficial del grupo, Anderson afirmaba que la banda no tenía planes de grabar nuevos discos de estudio en un futuro próximo y que quería dedicar su tiempo a tocar en vivo tanto con Jethro Tull como con su banda solista, los Rubbing Elbows. También indicó que le gustaría realizar esporádicas colaboraciones con otros músicos.

En diciembre de 2007, la reina Isabel II de Inglaterra, en reconocimiento a sus servicios al mundo de la música, otorgó a Ian Anderson la Orden del Imperio Británico en calidad de Oficial (OBE) (Officer of the British Empire).

La censura sobre Jethro Tull

En España, debido a la censura imperante durante la dictadura del franquismo, el álbum Aqualung (1971) no fue publicado hasta 1976, y en una edición en la que la canción "Locomotive Breath" había sido censurada, siendo sustituida por "Glory Row". Esta última canción aparecería después en los demás países en recopilaciones o como bonus track. Esto convirtió a la edición española del álbum en una pieza muy apreciada para coleccionistas de otros países.

Una censura similar sufriría su siguiente álbum Thick as a Brick, que también quedó mutilado en algunos de sus temas.

Igualmente en los años 70, durante una actuación en Barcelona, funcionarios de la censura se empeñaron en revisar sus ropajes medievales con mallas ajustadas. Sobre esta situación, Ian Anderson ha bromeado en multitud de ocasiones pues, hasta ese momento, según él decía irónicamente, nunca se había considerado un "sex symbol" que pudiera excitar la libido de sus fans.

Pagina: http://www.j-tull.com/

TriciclosClos

Formacion:
TRICICLOSCLOS

Rodeada de misterio, intrigas, sexo y miles de locas y delirantes anécdotas de la noche porteña, la mítica agrupación rocanrolera TRICICLOSCLOS es desde 1990 sin lugar a dudas la peor banda de rock de todos los tiempos.

Los TRICICLOSCLOS nacieron en 1990 como un desprendimiento del FRECOPO ( frente de resistencia cómico popular) que funcionaba en el teatro escuela CALIBAN, en la Ciudad de Buenos Aires. Argentina bajo la dirección de Norman Briski.

El debut escénico se produjo en 1989 en el ya desaparecido pub llamado Sr. Chinasky, en el barrio de San Telmo con la siguiente formación:

Daniel Araoz: Voz
Rik Streiff: Bajo y voz
Aranovich: Guitarra y silbato y voz
Santiago Lanzilotta: Teclado y bateria electrónica
Coy: Coro, cornetas y pito catalán
Julio Cosquilla Duhay: Aparición demencial
Berta Granowsky: Aparición demencial

A pesar de que la formación original ha pasado por cambios varios, en líneas generales todos los integrantes del grupo se encuentran bajo estricto tratamiento neuropsiquiátrico. Demencial, no cabe duda!!! ...Un repertorio lamentable y estupidizante, presentando un espectáculo deplorable interpretado por verdaderos abortos de la naturaleza.

En 1990 graban su primer Demo, con la incorporación de Adrian Bar en guitarra solista y Ricky Rios en Batería. El demo incluía los temas Dame mas leche y Comicos paranoicos cantados por Araoz. Sobre las composiciones y arreglos musicales de Streiff.
Araoz y Ríos abandonaron la banda en 1991 y a partir de ahí la banda tomó un compromiso mas profesional apuntando a grabar un segundo Demo. Con la incorporación de Tin Ontiveros en Batería, y utilizando el slogan :"Ni con el Diablo ni con Dios... TRICICLOSCLOS" graban su segudno demo con Felix Vals como ingeniero de sonido.

Este segundo Demo incluia solo tres temas, Tundachacha, Cucarachas y New York City.
La música de los TRICICLOSCLOS pasa por varios estilos desde el punk a las canciones rancheras, manteniendo siempre un sonido característico gracias a la poderosísima base rítmica y la mágica guitarra de Adrián Bar (ex Orions Behetoven).
En cuanto a la voz de Streiff, se diría que canta el mismísmo hombre de las cavernas.

En Septiembre de 1992graban para EMI su primer CD titulado: "MERDE!!!...ninguno de nosotros tiene los ojos claros"que fue grabado con singular cuidado y esmero por el maestro Amilcar Gilabert en Valentín Alsina. De alguna manera, en una visión cosmogónica, Amilcar Gilabert, habia presentido que el CD llamado "MERDE, ninguno de nosostros tiene los ojos claros!!!" iba a ser utilizado por la NASA para mantener alejadas del planeta a potenciales civilizaciones alienígenas invasoras.

El CD incluye temas cantados por Streiff como "Cucarachas", "Esbirros" y "Dulce amor mio" entre otros.

Durante ese período eran acompañados celosamente por su mítico manager el POLLO que luego se dedicaría a regentear un prostíbulo en Bahía, Brasil.

Cuando grabaron el primer CD, la formación de la banda incluía a

STREIFF: bajo y voz
BAR: Guitarra
TIN: Batería
ARANOVICH: Guitarra y voz
NEGRO COY:coro, pitos y cornetas

Y músicos invitados.
Después de grabar este primer CD necesitaron varios meses para encontrar la pista de aterrizaje.

A este punto y por si pudiera interesarles, les recomendamos entrar en la pagina oficial de esta banda de inútiles, cretinos y bastardos en:

www.triciclosclos.tk

pagina WEB en la que, haciendo click en las fotos o siguiendo las instrucciones, podrán acceder a videos, curiosidades, anécdotas y un gran catálogo de fotografias que incluyen fotos de muchos shows y la tapa del CD original..

El contrato por el disco pasa a Polygram y ambas ediciones inmediatamente se agotan, sin embargo, por secretos y oscuros motivos, el stock nunca se repuso en las bateas.

Los directivos de la altas esferas de la discografía mundial se reunieron secretamente en Canadá y acordaron amalgamar esfuerzos y recursos para que los Triciclosclos no volvieran a grabar.

Ustedes podrán sacar su propias conclusiones y tal vez, entender porqué las principales compañías áiscográficas que habitualmente compiten entre si, quitaron este disco del catalogo, y complotadas no permitieron que se volviera a grabar otro.
Tal vez, corroboren que se trataba de la peor banda de todos los tiempos.

En 1993 conducen "El Show de los Triciclosclos" programa radial que se emite de 3 a 6 de la mañana por FM Rock & Pop, manteniéndose todo el año en las mediciones como el programa más escuchado en esa franja horaria, aunque quizás por vanguardistas y/o atentar contra lo establecido, el contrato no fue renovado por la emisora al finalizar el ciclo.

A lo largo de sus 16 años de permanencia en el circuito del rock, muchos talentosísimos músicos , actores y artistas han pasado por las filas del proyecto TRICICLOSCLOS:

Daniel Araoz: voz
Santiago Lanzilotta: batería electrónica y teclados
Ricky Ríos: batería
El Griego: batería
Gonzalo Aquista: Bateria
Fabian Rootz: Bateria
Gonzalo Mazar: teclado
Marcelo Dutreich: teclado
Damian Nissenson: saxo
Safo: samplers
Carlos Sturze: Dirección actoral
Marcos Gil: bajo
Diego Leske: percusión
Santiago Pedroncini: teclado
Diego Bernasconi:Guitarra electrica
Fabián Rootz: Bateria
Willy Candia: Diseño de tapa del CD y afiches.
Faviana Valgiusti: escenografia viviente
Eduardo Torres: escenografia
Silvana Sosto: Coro

Y también han compartido el escenario en eventuales zapadas y/o shows con geniales músicos amigos como Jorge Pinchevsky en Violín , Sergio Dawi en saxo, Pato Losa en Batería, Marcos Cabezas en vibráfono, Felix Vals en guitarra y Zeta Yeyati en saxo entre otros talentosísimos músicos que la memoria del que suscribe no alcanza a recordar.

En los años sucesivos,
Durante algunos de sus conciertos, logran grabar algunos temas en vivo que no estaban incluidos en el CD Merde,
canciones que saldrán a relucir alguna vez, siempre y cuando los principales integrantes de TRICICLOSCLOS recuperen momentáneamente la cordura perdida hace ya muchos años seguramente durante el backstage de alguno de sus shows..., entre lo bahos de las drogas y el alcohol, en un sucio, oscuro y olvidado camarín en un inmundo boliche de Buenos Aires, la locura general hace que nadie sepa o recuerde donde están esas grabaciones.

También una gran cantidad de videos inéditos andan dando circulando sin que alguien atine a recopilarlos o esté interesado en estos bochornosos shows.

Resumiendo, Los Triciclosclos fueron un grupo anárquico rocanrolero responsable por deteriorar y corromper los cerebros de toda una generación de argentinos dejándolos literalmente anulados y transformándolos en una suerte de zombies, inútiles crónicos para la sociedad.

Para que esta atrocidad no se repita impidan que sus hijos escuchen temas de estos cretinos bastardos o asistan a los conciertos de esta banda tan reñida con la moral y las buenas costumbres al menos hasta que los TRICICLOSCLOS se encuentren tras las rejas, de donde nunca debieron haber salido.

La ultima vez que los TRICICICLOSCLOS tocaron en vivo, fue en CBGB el 30 de noviembre del 2007.

Rob Zombie

Rob Zombie es un músico de hard rock/heavy metal e industrial, director de cine y escritor. Su estilo vocal y su fascinación con las películas clase B lo han ayudado a convertirse en un elemento distintivo en la música heavy metal norteamericana. Rob Zombie es más conocido como el fundador, vocalista principal, escritor y caricaturista de la banda White Zombie. En años recientes se ha establecido como solista y director. Su carrera de director comenzó con las cintas de terror, House of 1000 Corpses, y su secuela Los renegados del diablo, lanzada el 22 de julio de 2005.

Biografía

Sus comienzos

Rob Zombie nació con el nombre Robert Cummings el 12 de enero de 1965 en Haverhill, Massachusetts). Como sus padres trabajaban en una feria, Rob y su hermano Michael crecieron en la ruta, y ambos compartían intereses por la contracultura, las películas clase B, las películas del oeste y los cómics de fantasía. Esto probablemente los ayudó a definir sus gustos musicales.

Rob Zombie ha sido por mucho tiempo fanático de The Ramones, Alice Cooper, los pioneros del Heavy Metal británico Black Sabbath, Judas Priest y muchos otros. Los estilos de estos músicos continuan siendo una fuerte influencia para él hasta la actualidad.

Ambos hermanos fueron al colegio, pero Rob lo abandonó para perseguir ideas diferentes. Rob comienza a trabajar como técnico de Pee Wee's Playhouse. Fue durante este período cuando conoció al que sería su futuro compañero de banda en White Zombie Sean Yseult.

White Zombie (1985-1998)

Véase White Zombie.

Carrera Solista (1998-Presente)

En 1996, Rob Zombie colaboró con su idolo Alice Cooper en la canción “Hands of Death (Burn Baby Burn)”. Fue el primer trabajo de Rob Zombie fuera de su banda White Zombie. La canción fue nominada a un Grammy como Mejor Interpretación de Metal, pero perdió con Nine Inch Nails y su canción "Happiness in Slavery".

Rob Zombie formó su propia banda solista en 1998. John Tempesta (baterista) vino directamente de White Zombie, y tocó junto a Mike Riggs en guitarra y Blasko (Rob Nicholson) en bajo. Ellos grabaron y lanzaron el álbum debut de Rob, Hellbilly Deluxe en 1998. Rob Zombie realizó una larga gira para promocionar este disco, lanzando American Made Music to Strip By en 1999, un álbum de remixes de Hellbilly Deluxe.

El siguiente lanzamiento de Rob Zombie, “The Sinister Urge” en el 2001 fue producido otra vez por Scott Humphrey. Contiene los sencillos "Never Gonna Stop (The Red Red Kroovy)", "Feel So Numb" y "Demon Speeding". Aunque el álbum todavía mantenía un sonido Heavy Metal, era más experimental que el disco anterior.

Rob lanza su primer disco de grandes éxitos, “Past, Present & Future” en el 2003, conteniendo éxitos solistas y de White Zombie. También incluye una nueva canción ("Pussy Liquor"), covers ("Brick House" de The Commodores y "Blitzkrieg Bop" de The Ramones) y canciones inéditas ("Two-Lane Blacktop" y "Girl on Fire").

Después de la gira mundial 2002-2003, Mike Riggs y John Tempesta dejan Rob Zombie para formar una banda similar, Scum Of The Earth. Esto pone en espera la realización de otra gira y la salida del nuevo disco.

En el 2005, Rob Zombie retorna a la música reclutando al guitarrista de Marilyn Manson, John 5 y al baterista de Alice Cooper, Tommy Clufetos. Junto a Blasko y Humphrey grabaron su tercer disco “Educated Horses” en el año 2006. En cuanto a su estilo, “Educated Horses” es el disco más experimental de Rob. En contraste con el sonido metalero de los primeros dos álbumes, este tiene un sonido más cercano al Metal Alternativo.

Si bien Blasko tocó en el álbum, él no estuvo en la posterior gira del disco, ya que abandonó la banda para tocar con Ozzy Osbourne. Para reemplazarlo Rob llamó a Piggy D. de Wednesday 13. Recientemente, Ozzy terminó su gira, y Blasko dijo que quería volver a tocar con Zombie.

En el 2006 participó en el primer VH1 Rock Honors, haciendo un homenaje a Kiss cantando "God of Thunder" junto a: Scott Ian, Slash, Tommy Lee, Gilby Clarke y la super leyenda del rock Ace Frehley.

Carrera como director

"House of 1000 Corpses" (conocida en latinoamérica como 1000 cuerpos y en España como La casa de los 1000 cadáveres) fue el debut de Rob como director y su primera película de terror. Le tomó cuatro años realizarla (1999-2003) y fue lanzada finalmente por Lion's Gate Films en el 2003, después de que Stacy Snider la entonces cabeza de Universal Pictures, les vendiera el film ya que ella no quería que fuera lanzado por Universal. Después fue revelado que a Snider no le gustan las películas de terror. La película contenía una impresionante cantidad de violencia y sangre derramada.

La sequela de 1000 Corpses fue The Devil's Rejects (2005), que mostraba un estilo diferente. Mientras su primera película era cómica y bizarra a la vez, The Devil's Rejects era más oscura, seria y áspera y era más una película al estilo western que una absoluta película de terror.

Rob Zombie ha retornado recientemente al negocio del cine. En el 2007 colaboró en la película Grindhouse de Robert Rodríguez y Quentin Tarantino. Dirigió un trailer llamado Werewolf Women of the S.S., protagonizado por su esposa y con la participación de Udo Kier, Sybil Danning y Nicolas Cage, quién aparece gratis como un favor.

Rob también está trabajando en su tercer film, The Haunted World of El Superbeasto, basada en su serie de cómics 'The Adventures of El Superbeasto'. Este film de animación verá la luz en el 2007. Él también estuvo a cargo de un "remake" de Halloween, el clásico de 1978, que se estrenò el 31 de Agosto del 2007. El remake de Halloween, película de John Carpenter, fue proyectada en el festival de cine fanástico de Sitges 2007, donde tuvo una muy buen acogida del público.

Pagina: http://www.robzombie.com/

Rosana

Rosana Arbelo (Lanzarote, Canarias, 24 de octubre de 1963) es una cantautora española.

Rosana ha vendido más de 4.000.000 de copias a nivel internacional y nacional desde que en 1996 a los 33 años lanzase su primer disco "Lunas Rotas".

Trayectoria artística

Rosana nació en Lanzarote, Islas Canarias. Es la pequeña de una familia de ocho hermanos. A los 20 años se trasladó a Madrid donde estudió armonía y guitarra. En 1994 una canción de su autoría: Fuego y miel ganó el primer premio en el Festival de Benidorm; a partir de entonces sus composiciones empezaron a interesar a muchos artistas.

En 1996 envió una maqueta a MCA, y consiguió un contrato discográfico. Su primer álbum Lunas rotas fue publicado en junio de ese año, y tuvo un notable éxito, convirtiéndose en álbum de diamante en menos de dos años. Incluía el tema El talismán, el mayor éxito de España en 1996. Decidió cantar ella misma sus propias composiciones y publicó su primer álbum: Lunas rotas. Un disco que alcanzó una proyección inesperada, sin pretenderlo se convirtió en todo un fenómeno. La sencillez, naturalidad y emoción de su trabajo tocaron el corazón de cientos de miles de personas. Su entrada en la lista de superventas fue la entrada más fuerte de un artista nuevo en la historia de la música en España. Consiguió unas ventas de más de 1.600.000 de copias de nuestro país, y más de 900.000 en el resto del mundo. Lunas rotas se publicó en más de 30 países, entre ellos: México, Brasil, EE.UU., Francia, Alemania, Japón y Corea. Incluso el director y productor cinematográfico Quentin Tarantino utilizó dos de sus canciones en la película Tú asesina, que nosotras limpiamos la sangre.

Durante los siguientes años, Rosana continuó editando álbumes y realizando giras por Europa y Latinoamérica. En 1998 se ocupó de la composición y producción del himno oficial de la Selección Española para el mundial de Fútbol de Francia. En el mismo año publica su álbum Luna Nueva que obtuvo gran éxito en ventas, aunque nunca alcanzó los logros de Lunas Rotas. Luna nueva fue su segundo trabajo, un disco más maduro y profundo que mantenía la frescura, naturalidad y sentimiento que caracterizan a Rosana.

Rosana actuó en el Festival Viña del Mar de Chile y allí le fue entregado el máximo galardón del certamen, la Gaviota de Plata, premio otorgado por el público.

En septiembre del 2001 Rosana rompe tres años de silencio discográfico, durante los cuales ha seguido componiendo para otros cantantes, y sale a la venta su disco de nombre homónimo Rosana. Su nuevo trabajo, producido, compuesto e interpretado por ella, experimenta nuevos ritmos, producto directo de haber nacido en las Islas Canarias donde los géneros musicales se funden. Éste y los siguientes discos tuvieron unas ventas más limitadas, coincidiendo con la crisis de la industria discográfica, su Rosana (2001) alcanzó el puesto #1 en ventas en España, aunque sólo por una semana, y Magia, en 2005 fue su primer disco de estudio que falló en alcanzar la primera posición, alcanzando el puesto #3.

El 23 de mayo del 2003, en el Círculo de Bellas Artes, Rosana presenta su primer libro Rosana. Material Sensible. Canciones y Poemas editado por Ediciones Aguilar. Es una de selección de pensamientos, poemas, canciones escritas para otros intérpretes, canciones ya interpretadas por ella y otras inéditas que quizás la cantante elija para un nuevo álbum. Carlos Tena, uno de los mejores críticos de la música española, presenta el libro calificando a la cantautora como “una poetisa que sabe hacer canciones o una cantante que sabe hacer poemas […] una novia del mar”. En este mismo año la cantautora trabaja en la creación de un nuevo sello discográfico desde el que se lanzarán artistas noveles.

El 1 de diciembre de 2003 Rosana publica un doble CD grabado en directo con 10 canciones nuevas, 12 de sus éxitos y dos videos.

Marca Registrada, el cuarto álbum de Rosana, es un disco diferente, ya que no sólo reúne éxitos y canciones queridas de sus tres anteriores discos; también estrena canciones inéditas. La grabación se realizó en dos lugares diferentes, antes dos públicos diferentes, con dos ambientes diferentes, con dos planteamientos musicales diferentes. El CD se grabó en agosto de 2003 en Manilva (Málaga); el otro, en septiembre del mismo en el Teatro Coliseum (Madrid).

Actualmente Rosana tiene en el mercado su 5º disco. “Magia”, álbum que al mes de su salida ya es disco de platino.

Tras un cambio de compañía discográfica, la canaria ha regresado con más ilusión y fuerza que nunca, para emocionarnos de nuevo con sus composiciones.

Decir que Rosana lleva más de 10 años de carrera musical es una aberración ya que artista no se hace, se nace, por lo tanto tendríamos que decir que lleva toda una vida de carrera, y no lo decimos nosotros, lo dicen las cifras: más de 6 millones de discos vendidos en todo el mundo y más de 500 conciertos en España y América; y los premios, que la avalan como la artista española más importante de la última década.

Pagina: http://www.rosana.net/

Simply Red

Simply Red, grupo musical británico de soul y pop.

Fue formado en 1984 por el cantante Mick "Red" Hucknall (nacido Michael James Hucknall el 8 de junio de 1960 en Manchester), quien contó para ello con tres ex miembros del grupo Durutti Column: Tony Bowers (n. 31 de octubre de 1952) al bajo, Chris Joyce (n. en Manchester el 11 de octubre de 1957) a la batería y Tim Kellett (n. en Knaresborough el 23 de julio de 1964) al teclado; además de con Sylvan Richardson (guitarra) y Fritz McIntyre (n. en Birmingham el 2 de septiembre de 1956) al teclado.

El grupo firmó con Elektra Records y realizó Picture Book (octubre de 1985), que contenía los temas "Money's Too Tight (To Mention)" y "Holding Back the Years", que fueron grandísimos éxitos, conviertiendo al grupo en uno de los protagonistas del año musical en 1986.

Men and Women (marzo de 1987), que contenía dos colaboraciones entre Hucknall y el letrista de soul Lamont Dozier, fue menos exitoso, aunque generó temas muy populares como "The Right Thing", "Infidelity" y "Ev'ry Time We Say Goodbye".

Richardson abandonó el grupo en 1987 y fue reemplazado por el guitarrista Aziz Ibrahim, quien a su vez fue reemplazado por el brasileño Heitor T.P.

El tercer álbum, A New Flame (febrero de 1989), fue disco de oro gracias a la versión del tema de 1972 de Harold Melvin & the Blue Notes "If You Don't Know Me By Now"; también fueron éxitos temas como "It's Only Love" y "A New Flame".

Tras el cuarto disco, Stars (septiembre de 1991), Bowers y Joyce abandonaron la banda, y se unieron a ella Shaun Ward en el bajo y Gota Yashiki en la batería, además del saxofonista Ian Kirkham. El disco fue un relativo fracaso en Estados Unidos ("Something Got Me Started" y "Stars" fueron, no obstante, temas exitosos) pero un grandísimo éxito en el Reino Unido, donde fue el disco más vendido de 1991. Vendió en todo el mundo casi 8 millones y medio de copias.

Ward y Gota se marcharon al ir a realizar el quinto álbum, Life (octubre de 1995), incorporándose, en cambio, la cantante Dee Johnson.

Blue apareció en 1998 y un año después lo hizo Love and the Russian Winter.

Tras crear su propio sello discográfico, simplyred.com, editaron Home en 2003, con éxitos como "Sunrise", "Fake" (con un popular videoclip), "You Make Me Feel Brand New" y, por último, "Home", cuyo videoclip fue grabado en Málaga.

Dos años después, la banda produjo Simplified, una colección de viejos y nuevos temas, del que se extrajo un sencillo nuevo Perfect Love y otro renovado Something Got Me Started y se lanzó el Dvd CUBA!

El 25 de Septiembre de 2006 se lanzó a la venta el sencillo Oh! What A Girl! un nuevo éxito, y que cierra el ciclo del DVD Cuba! grabado en el Teatro más importante de La Habana.

El último disco que salió de Simply Red se publico el 12 de Marzo de 2007, lleva por título "STAY" y del cual el primer sencillo extraído es "So Not Over You" que ya ha comenzado a ser radiado en todo el mundo. El sencillo salio a la venta el 5 de Marzo de 2007 en el Reino Unido.

Recientemente, el pasado 18 de Junio, Mick Hucknall fue padre de una niña llamada Romy True Hucknall nacida en Londres.

Pagina: http://www.simplyred.com/

Real de Catorce

Real de Catorce es un grupo de Blues, procedente de México.

Historia

Real de Catorce se formó en 1985, dando su primer concierto en el mítico Rockotitlán en la Ciudad de México el 12 de diciembre. De inmediato comienza a sobresalir de entre el resto de los grupos de la época al apostar por el Blues, un género musical que, si bien tiene una buena cantidad de seguidores en México, no tenía ningún representante sobresaliente, lo que los convirtió en el principal exponente del género en su país. Dentro de las estructuras propias del blues han realizado fusión con géneros como el rock, jazz y swing. Las composiciones líricas y musicales de José Cruz siempre han tenido un soporte musical por músicos virtuosos en sus respectivos instrumentos. A ello sumado el talento poético de Cruz, ha convertido a Real de Catorce en un grupo respetado y popular, considerados junto a La Barranca y Santa Sabina como grupos de culto.

Se caracterizan, igualmente, por ser ejemplo de la promoción y distribución cultural independiente de las grandes discográficas. Además, su trabajo es reconocido por público de todas las edades, quienes mantenían sus presentaciones por todo el país con una asistencia nutrida.

El grupo ha suspendido temporalmente su actividad, debido a las tensiones generadas entre los miembros del grupo derivadas de la esclerósis múltiple detectada a Cruz en años recientes, que le ha imposibilitado de continuar presentándose de manera regular agravando su salud y estado anímico de sobremanera.

Entre sus canciones más populares están Azul (su primer éxito), El ángel, Al rojo de la tarde, Pago mi renta con un poco de blues, Blues del atajo, Dorina y Abel, Beso de ginebra, Mujer liviana, La venenosa, El anticuario, Agua con sal, No soy el hombre de tu vida, El Gárgaras y Dramas para piano y violín.

Miembros

- José Cruz Camargo - Composición, Voz, Armónica, Guitarra, Slide
- Fernando Ábrego - Batería.
- Julio Zea - Guitarra
- Neftali López - bajo.

Miembros anteriores

- Severo Viñas Montes- Bajo, 1985 a 1990
- Rafael Herrera Bajo
- Juan Cristóbal Pérez Grobet - Bajo, de 1992 a 1998
- José Iglesias †(1952-2004)- Guitarra, de 1985 a 1997
- Jorge Velasco - bajo.de 1999 a 2002
- Carlos Torres - Violín, Teclados.de 1998 a 2002
- Bernardo Fernández Yah (El pollo) † (-2005)- bajo, sax]], percusiones. 2004-2005.
- Salvador Arceo - bajo. 2003

Pagina: http://www.realdecatorce.com.mx/

Enrique Symns

Memorias de un viejo indecente

Enrique Symns no se cansa de decir que ya tiene sesenta años y que quiere vivir en la leyenda. Con su melena de canas largas encarna una especie de profesor Locovich diabólico, que afirma que no se avergüenza de no tener nada: “Esta ropa que tengo puesta no es mía, me la regalaron”, se confiesa mientras se le escapa su rosada panza por entre los huecos de una camisa a la que le faltan algunos botones.

“Y que querés: me quedé pelado, estoy gordo, las chicas no me quieren besar porque se me cayeron los dientes”, se lamenta por celular ante un hipotético Sebastián Ortega en un pasaje de su obra Un guión para Tinelli, que estuvo en cartel en el Café Ghandi hasta comienzos del mes de abril. La pieza, que contó con la presencia del actor Héctor Ledo, fue escrita por Symns en sus días como habitante de el Bolsón –paraíso hippie que lo encontró fugazmente haciendo radio en FM Alas-. “Tres días sin dormir, mucha merca, pum-pum y listo”, cuenta riéndose y acaparando la tensión de todo el bar La Perla, donde estamos realizando la nota.
Aunque lejos del sur, Symns volvió a la radio y hoy se ocupa de conducir La noche del cazador todos los viernes de 22 a 01 por Radio Ciudad, algo que, según él, lo hace “sólo para poder pagar el alquiler en Buenos Aires”.

El héroe del Whisky, como lo llamó alguna vez el Indio Solari, saborea su ginebra de las cinco de la tarde y muestra su libro próximo a salir. De acuerdo a sus palabras, En busca del asesino es un thriller real sobre un crimen en el que él estuvo involucrado. “Es mejor que el otro pero se va a vender menos”, analiza refiriéndose a la publicación El señor de los venenos, que ya va por la tercera edición y en el que cuenta sus aventuras y recuerdos de la época en la que era el monologuista oficial que abría los shows de los Redonditos de Ricota, oficio que se extendió hasta comienzos de los noventa. Época en que flameaba como bandera under su revista Cerdos y Peces. En ésta, además de notas a las nuevas figuras de rock (el Indio llegó a publicar poesía y dibujos bajo un pseudónimo) o del teatro independiente, Symns inventaba fabulosas entrevistas a Micky Rourke o firmaba notas simulando ser el escritor William Burroughs.

De allí surgió su Teoría del Complot, por la cual afirma: “todavía hoy, que la humanidad está controlada por leyes absurdas, considerando la familia y el hogar como uno de los instrumentos de dominación que posee el sistema”. En este contexto, aparece el espacio de lo salvaje del bar como lo opuesto a la domesticación familiar.
¿Qué te sugiere que en Castelar haya un bar que se llame Tarzán?

Y mirá, dentro de lo que es la construcción tremenda que esa la ciudad, que consiste en la eliminación de toda trasgresión con lo regular de sus calles y sus veredas, es la encarnación del capitalismo. Te educan desde niño para tres cosas: estudiar, trabajar y casarte. Eso es el proyecto de la ciudad. Y ahí se terminó la aventura. Dejás de ser un niño y te convertís en uno de esos bastardos que andan por acá. El bar, ante esto, es el último lugar en donde todavía existe la aventura posible de que te pase algo distinto. En los otros lugares nunca te va a pasar más nada, ¡y menos en el hogar! En el bar entonces están las conversaciones transgresoras, están los amigos marginales, los intelectuales, las putas. Hasta los posibles romances. Por lo tanto lo llamo la selva. De ahí puede estar la posibilidad de ser un Tarzán, aunque sea por un rato. Porque el bar, si bien es el último reducto, la última porción de selva que le queda a la ciudad, es muy pequeño.

El repaso por el oeste nos lleva a los vagos recuerdos de Enrique por esta zona y sus visitas al Indio Solari cuando residía en Ramos Mejía. Pero como en esta vasta porción de tierra todo está conectado, de allí nos vamos a Hurlingham y su música.



¿Cuánto creés que hay de Sumo en Divididos y Las Pelotas?

Son los hermanitos menores de Luca... muy menores. Divididos no me gusta. Las Pelotas un poco más, por su experimentación, pero no es lo mismo, yo lo extraño a Luca. Era un gran creador, el mejor de todos. Un tipo de una enorme cultura. Él se hacía el bruto pero no lo era. La última vez que lo encontré estaba haciendo algo distinto en el Parakultural y ya estaba podrido de Sumo, del éxito. Porque él vino y trajo una música alucinante, pero era todo lo que ya sabía, por eso creo que de lo que estaba podrido era de él. Además no tenía competencia porque los Redondos no existían comparados con él. Ellos nunca podrían haber llegado a tanto si Luca no se moría. No porque no tenga talento el Indio, sino porque Luca era lo máximo. Tenía algo que ellos no tenían, era un Jim Morrison. Yo siempre lo digo: vos veías caminar a Luca por la calle Corrientes y la calle se movía. Un loco, un demente... Y no hay más de esa especie.



Lo último que había escuchado de vos antes de los libros fue el tema “Soy un virus”, que grabaste con los uruguayos de La Tabaré. ¿Con esto te referís al viejo complot?

Sí, pero es algo serio. Lo he hablado con virólogos. La palabra es un virus traído por extraterrestres para dominarnos. Ellos se alojaron en el cerebro de los monos hace millones de años y les enseñaron a hablar para poder sobrevivir. Cuando los monos hablaban ellos respiraban. Pero es una teoría que no es mía. Lo podés rastrear en Tótem y tabú de Freud o en El trabajo de Burroughs. Porque el origen de la palabra es un misterio, pero lo han logrado junto con otras invenciones: palabras, letras, el dinero, el trabajo, Dios. Imaginate, ¡la nada!



¿Y la noción del tiempo cómo juega?

Otra invención. Porque los científicos se olvidan de que el tiempo y el espacio no existen, son leyes creadas por la mente. ¿Qué es lo que nos transforma en esta especie de monos especiales? La invención del calendario. Porque, como diría Artaud, cuando crearon el reloj “nos hicieron esclavos de nuevo”. Nos sacaron el grillete de los tobillos y lo pusieron en la pulsera. El reloj te mata, te va envejeciendo, te va destruyendo la vida. Por eso es hermoso ver a un hombre con el ojo de un tigre acechando al tiempo para matarlo.



¿La educación es parte del complot?

Al final tenés que estudiar porque tenés que aprender a utilizar el lenguaje. Yo veo a los niños chiquitos y es maravilloso. Un niño hasta los tres años vive 7 mil años, porque no existe el tiempo. Luego, con el lenguaje, se le empiezan a transmitir conocimientos, como el tiempo. Lo agarra una maestra y lo convierte en un panadero, en un estudiante de sociología, ¡en una mierda! Sin sueños, sin poesía. ¿Cuántos quedan que sobreviven a ese matadero de almas en que consiste la educación? Porque un ser humano lo que tiene que hacer es nunca dejar de ser niño. O sea, ser un duende. Porque un duende es eso: un ser escondido en el rostro de un viejo.



¿Y ser un duende qué implica?

Nunca rendirse. No saber nada. Es como si vos fueras el extraterrestre que mira a los mandriles vivir... y encima una vida impiadosa, desagradable. ¡Viven en parejas! No conozco una sola pareja que sea feliz. Se casan y dejan de flotar. Empiezan a preocuparse, dejan de coger, de besarse la concha. Se convierten en cajas de seguridad, cuidan la economía. Porque la base del capitalismo no es la familia, es la pareja. La base de la maldición del mundo es que un hombre y una mujer se enamoren. El amor es una psicosis colectiva. Cuando el hombre se enamora se convierte en un imbécil, en un degenerado. Lo dijo Freud: “el encuentro entre el hombre y la mujer es imposible porque cuando el hombre se enamora busca a su madre”. Y la mujer busca en el hombre a Dios, busca algo más misterioso, pero no lo encuentra. Ninguno encuentra al otro. Entonces se forma ese nido de frustraciones donde comen, duermen, cagan, tienen hijos y reproducen la maldición.


Vos siempre dijiste que la única manera de escapar al Complot era a través de la locura. Hoy en tu obra Un guión... el discurso que primero es políticamente correcto cambia cuando las drogas hacen efecto. ¿El punto de contacto es que el gobierno del inconsciente es lo que permite sustraerse, aunque sea por un momento, del Complot?

Puede ser. Yo, por ejemplo, a la locura la pude experimentar a través de las drogas. La que más me llevó adentro fue la cocaína. No el ácido lisérgico o la mezcalina que me metieron en experiencias excepcionales o que me asustaron. La cocaína es la que me introdujo en el manicomio de mi cerebro, que es como una radio en la que hablan los demás. Porque yo soy un sujeto hablado, en el que hablan mis padres, mis abuelos, no yo. Entonces cuando vos tomás cocaína y te pasás días sin comer y sin dormir, llegás a lugares del cerebro impensados. Nietzsche lo decía así: “cuando vos mirás e abismo, el abismo te mira. Y le gustás”. El inconsciente quiere que vos hagas eso, que sufras para que él goce.



En tus notas y libros es constante la mentira, como citar autores o firmar con nombres falsos. ¿La mentira es un recurso para salir del Complot?

Pero esas no son mentiras, son trucos lingüísticos. Por ejemplo: si yo tengo algo importante para decir se lo adjudico a otro, porque si lo digo yo nadie me da bola. Pero la mentira es otra cosa. Por ejemplo, vos estás casado. Conocés a una chica, te la cogés. Vas a tu casa y no tenés por qué contarlo. ¿Por qué vas a hacer daño? Eso es una mentira. Hay derecho a tener secretos. Pero te dio el teléfono. La llamás y le decís a tu mujer que vas a trabajar. Dos mentiras dan un engaño. Y después con el tiempo se hace tu amante. Muchos engaños dan traición. Entonces la gente está acostumbrada a traicionar. Todos viven traicionando.

¿Vos por qué creés que los rockeros no me dan bola? Tipos que son ricos, que hasta hace poco tiempo veía. Porque yo soy testigo de esa traición que hicieron. Porque siempre quisieron eso: tener una pileta llena de conchas, con cámaras de video, sanguches de solomillo de no sé donde y viajar en un avión con el jet-set.


Después de aquella discusión sobre el caso Bulacio, donde les reprochaste el no haberse puesto al frente de los reclamos. ¿Volviste a tener contacto con alguno de Los Redondos?

Al Indio nunca más lo vi desde aquello, pero me gustaría. Cuando llegué a Buenos Aires los vi a Skay y a Poli. Están hechos dos gorditos, dos pelotudos. En cambio el Indio sigue siendo el mismo tipo sufrido. Millonario, pero malo. Siempre le molestó la gente, nunca podría haber estado como nosotros en este bar. Por eso me gusta, porque es un jodido.



A pesar de la pelea siempre noto en vos un tono de cariño para con él, por más que lo critiques.

Sí, porque yo lo amo. A él y al Semilla (Bucciarelli). Por ejemplo, las canciones que me dedicó son geniales. En “El héroe del Whisky” él me trata de frívolo y tenía razón. Yo cogía todo el tiempo y me encantaba. Y en el otro (“El blues de la artillería) también todo es cierto. Que “cabe todo lo mío en una maldita valija”. Estoy orgulloso de eso, de no tener nada. Ese tema es todo un halago. Pero después se metió con que yo vendía merca (“líder dealer sin freno...”) y era cierto también. Pero, como dije en ese momento, yo vendía cocaína porque era un tipo honesto. No andaba inventando canciones sobre que “viajo en trenes” y resulta que después me compro mansiones de lujo. Pero bueno, fue una pelea muy dura, muy desgarrante. Pero yo los amo. Es más, el disco que más me gusta es justamente La mosca y la sopa. Después de eso no hicieron nada más bueno.



¿Qué te parece lo que están haciendo hoy?

Bueno, el Indio todavía tiene algo. Su disco tiene un tema muy bueno. Lo de Skay no me gusta. Del resto del rock de acá casi no conozco. El ‘rock chabón’ me parece patético, sin poesía, sin música. Pero además me parece asqueroso que el rock se haya puesto de moda y se codee con el jet-set. Porque lo peor que le pasó a la música es Santaolalla. Es un vendedor de almas, un Tinelli. Por eso ganó ese premio de mierda. Yo me acuerdo que los Bersuit eran buenísimos. Me encantaba el peor disco que hicieron, Don Leopardo. Era el mejor. Hasta que después los agarró este tipo y empezaron a hacer discos de mierda y a decirle cosas emocionantes y cálidas a la gente porque son un clan. A todo el arte le está pasando algo siniestro: la pintura tiene el curador. El productor es más importante que el músico. ¿Cómo es esa mierda? O sea que Van Gogh no hubiera existido, Beethoven tampoco si no fuera por el intermediario. Yo fui a presentar mi libro y cuando un editor me quiso venir a decir cómo tenía qué escribir lo mandé a la mierda.

Kyuss

Kyuss es un grupo de stoner rock, procedentes de Palm Springs, California, específicamente de Palm Desert.

Historia

Los integrantes originales de la banda son John García (vocalista), Josh Homme (guitarra), Brant Bjork (batería), y Chris Cockrell (bajo).

Kyuss surge en Palm Desert, California a finales de los 80, cuando cuatro amigos del instituto se reúnen formando lo que con el paso del tiempo será, para la mayor parte de la crítica y público, uno de los iconos más importantes de la música stoner rock. Su nombre pronunciado "kai-uss", procede del juego de rol Dragones y Mazmorras. Aunque en realidad su primera incursión en el mercado musical será bajo Sons of Kyuss grabando en 1990 un ep de título homónimo tras lo cual el nombre del grupo se acortará hasta el que conocemos hoy; entrará a formar parte del grupo Nick Oliveri sustituyendo a Chris al bajo. Con esta formación grabarán un año después " Wretch" y en 1992 "Blues for the Red Sun" este último producido por Chris Goss de Masters of Reality, el cual irá produciendo sus sucesivos discos y les dará ese sonido característico del grupo.

En 1994 graban "Sky Valley" con la incorporación de Scott Reeder de The Obsessed en lugar de Oliveri. En el posterior tour Alfredo Hernández entrará a formar parte del grupo ocupando el puesto de Bjork (ya que este último dejó la banda por problemas internos, y se unió posteriormente a Fu Manchu), formación con la que se graba "...And the Circus Leaves Town", último disco oficial, y el directo no oficial "Mercurious Pools", aunque la disolución definitiva de la banda se producirá dos años después.

En la actualidad los diferentes miembros del grupo se encuentran en diferentes proyectos : John García en Hermano, Unida, Josh Homme en Queens of the Stone Age, Eagles of Death Metal y Desert Sessions; Nick Oliveri en Mondo Generator, Brant Bjork en Brant Bjork and the Bros, Alfredo Hernandez en Orquesta del Desierto y Scott Reeder con Butcher y su proyecto solo, Scott Reeder.

Kyuss, aún siendo un grupo de corta vida, disuelto en 1995 según se dice por no conseguir penetrar significativamente en el mercado y por desmoralización temporal del guitarrista, Joshua Homme, es un grupo fascinante, técnicamente reseñable y de gran influencia en el rock de los últimos años. Hoy en día no deja de ser un grupo de culto y ciertamente 'underground' y bastante desconocido, cuyo mayor significativo es ser posiblemente el más importante predecesor de los conocidos Queens of the Stone Age.

Debajo de los feroces y graves riffs (el bajo y guitarra se afinaban en DO(C) en lugar de MI(E), 4 semitonos por debajo de lo común, al igual que los actuales Queens of the stone age) y sus interminables canciones, subyace un estimulante estilo rockero de los '70.

Como ya decían en su cuarto disco 'Welcome to Sky Valley', se recomienda escuchar sus canciones a un volumen muy alto y concentrándose en la escucha.

Pagina: http://www.stonerrock.com/kyuss/

Laura Pausini

Laura Pausini (16 de mayo de 1974, 33 años) es una cantante pop italiana, considerada por muchos como la mejor cantante italiana del mundo y de la historia.

Es conocida por sus baladas y canciones de amor, aunque ha cantado sobre otros temas como la pobreza, la guerra, el racismo, entre otras cuestiones sociales. Es conocida no sólo en Italia, sino también en otros países de Europa, España, EE.UU. y América Latina. Ha cantado, además de en italiano, en castellano, portugués, inglés y recientemente en francés, en dos duetos con los cantantes Hélène Segara y Johnny Hallyday y en una versión italo-francesa de su sencillo de 2006 Yo canto -Je chante.

Biografía

Laura nació el 16 de mayo de 1974 en la ciudad de Solarolo, Ravena, Italia, donde creció. Laura cuenta que cuando su mamá, Gianna, estaba embarazada, su papá Fabrizio solí­a colocar música para que Laura la escuchara, ya que deseaba que su hija también fuera cantante así­ como lo era él.

El padre de Laura es músico y cantante, su madre es maestra parvularia y su hermana, Silvia, es 2 años menor que ella y a quien Laura considera como la persona más importante en su vida.

Como Laura nos cuenta en su canción "La meta de mi viaje", su padre casi siempre estaba de viaje debido a que tocaba en diferentes ciudades dentro y fuera de Italia.

Cuando Laura cumplió 8 años, su padre le preguntó qué le gustaría como regalo y ella le dijo: quiero cantar junto a ti. Fabricio fue el gran y único maestro de Laura durante todos esos años, pues ella nunca tomó clases de canto. Laura dice que solí­a mirarlo tras la puerta y ver cómo él practicaba el canto. We are the World fue la primera canción que Laura cantó. Es por eso que ésta es una canción muy especial para ella. Su papá le tradujo la letra, ya que Laura era muy pequeña y no entendí­a el idioma.

A los 12 años Laura cantó por primera vez sola en un restaurante de Bologna, y a esa misma edad grabó su primer disco con ayuda de su papá. Fue el regalo que recibió al cumplir 12 años. Laura compuso a esa edad su primera canción: Laciarmi Dormire.

Durante su adolescencia Laura seguía tocando junto a su padre, pero el en año 1991 su papá la inscribió en el concurso Castrocaro. Laura tenía miedo de participar, pero lo hizo y aunque en esa oportunidad no ganó, sí conoció a Marco Maratti y Angelo Vasiglio y es con ellos que grabó "La Soledad".

En febrero de 1993 Laura se presenta en el Festival de San Remo y obtiene el primer lugar con 7.464 votos. Es en ese entonces que Laura se hace conocida en toda Italia y comienza su exitosa carrera musical en su país, así como en todo el mundo.

Tras el disco de grandes éxitos de 2001, con el éxito del sencillo Volveré junto a ti, ya en 2002, intentó triunfar en el mercado estadounidense con el álbum en inglés From the Inside, pero éste no tuvo la aceptación esperada de parte del público.

Madurez profesional

Pausini ha vendido mas de 35 millones de copias (16 millones hasta 2001) y ha conseguido más de 180 discos de platino, una serie infinita de discos de oro y un disco de diamante. Entre sus reconocimientos se encuentran tres World Music Awards en 1994 , 2003 y en 2007 , varios I.F.P.I. Platinum Europe Awards. En el 2005 ganó el premio Premio Grammy, Grammy Latino en la categoría a Mejor Álbum Vocal Pop Latino Femenino con su álbum <>. El 8 de febrero del 2006 ganó el Grammy Americano en la categoría "Best Latin Pop Album" con su disco Escucha. Después, el 23 de febrero triunfó en Premios Lo Nuestro 2006, obteniendo un premio en la categoría "Artista Femenina del Año", el 28 de febrero de 2007 obtuvo el Premio Dial ´06 otorgado por la emisora de radio española Cadena Dial a los cantantes de habla hispana, y el 27 de abril suma un premio más a su carrera, obteniendo el premio Billboard Latino en la categoría "Tema Latin Pop Airplay del Año Femenino" con su tema Víveme, canción que fue el tema principal de la telenovela mexicana "La Madrastra".

En octubre de 2006 vio la luz su sencillo Yo canto, versión de la canción de Riccardo Cocciante, de 1979. El nuevo disco incluye canciones como Estrella gemela, de Eros Ramazzotti, No me lo puedo explicar de Tiziano Ferro, y otras como Mi libre canción de Lucio Battisti cantada a dúo con el cantautor colombiano juanes, Por el camino de Claudio Baglioni, Como el sol inesperado o Destino Paraíso. El lanzamiento tuvo lugar el 10 de noviembre en Italia, y el 14 de noviembre en el resto del mundo.

El 2 de junio de 2007 se convierte en la 1ª Mujer en actuar en un estadio de fútbol en Italia. San Siro (Milan) es el lugar elegido para su mayor acontecimiento musical y lo llenó con 70.000 personas. También ha dicho que ahora tomará una pausa para escribir nuevas canciones que puede llamar sus propias.

El 29 de agosto de 2007, recibe una nueva nominación a los premios Grammy Latino 2007, por el disco *Yo Canto* en la categoría Mejor Álbum Vocal Pop Femenino.

El 30 de octubre de 2007, salió el álbum "The Best of Andrea Bocelli" (Lo mejor de Andrea Bocelli, en castellano): Vivere que incluye la canción Dare To Live (Vivere, en inglés) además de la versión en castellano Vive ya cantada a duo por Andrea Bocelli y Laura Pausini.

El 8 de noviembre de 2007, ganó el Grammy Latino en la categoría "Mejor Album Pop Femenino" con su disco Yo Canto.

El 30 de noviembre de 2007, se publicó el CD/DVD "San Siro 2007" del concierto en el estadio de San Siro.

Pagina: http://www.laurapausini.com/

Mika

Mica Penniman (18 de agosto, 1983) más conocido como Mika es un cantante de origen libanés. Actualmente vive en Inglaterra, país en el que ha cosechado un gran éxito.

Biografía

Nació en Beirut, capital del Líbano. Su nombre verdadero es Mikahil Holbrook Penniman Ismaili. Son cinco hermanos, de madre libanesa y padre estadounidense. Huyendo de la guerra del Líbano pasó con su familia por diferentes lugares (París) antes de establecerse en Londres a la edad de nueve años, al mismo tiempo que descubrieron que Mika sufría de dislexia. Más tarde, a Mika, se le contrató una profesora rusa de ópera para que le enseñara canto, lo que hizo que a los 15 años ya cantara como tenor. Se matriculó en la London School of Economics para estudiar economia y política pero dos semanas después ya estaba estudiando música en el Royal College of Music. Tiene una hermana de sobrenombre Dawak.

Antes de triunfar como cantante pop, Mika fue cantante de ópera, escribió música funcional para la aerolínea British Airways y compuso jingles publicitarios.

En el 2007 firmó un contrato con el reactivado sello de música disco de los setenta Casablanca Records y cuyo álbum debut, Life in cartoon motion, se edita bajo el sello de Island Records UK (Universal). Su primer álbum fue número uno en Inglaterra y va camino de serlo en muchos otros países. En abril de 2007 empieza a planear sus giras. Es el artista más prometedor del año según la encuesta anual que realiza la BBC entre más de 130 profesionales independientes del mundo de la música y los medios de comunicación británicos. En el Top 10 de esa encuesta, que suele ser bastante certera, están algunos de los grupos y músicos que tienen más posibilidades de triunfar y dar que hablar en el 2007 como Klaxons, The Twag, Air Traffic, Cold War Kids, Ghosts o The Rumble Strips.Segun se cuenta su tema Grace Kelly fue impulsado por la prensa debido a las intensas criticas por su parecido a Freddie Mercury en su voz, entonces él decidio sacar un tema donde habla de que "podria ser cualquier cosa que quieras" refiriendose a los comentarios de su parecido con distintos artistas.

Mika declara que ha crecido escuchando de todo, desde Queen, Freddie Mercury, Joan Baez, Bob Dylan, Serge Gainsbourg, Édith Piaf, The Beatles, hasta flamenco y que admira a los grandes compositores como Wagner, Harry Nilsson, Prince o Elton John.

La banda de Mika está formada además por Martin Waugh (Guitarra, Coro), Michael Choi (Bajo, Coro), Cherisse Osei (Batería) y Luke Juby (Teclado).

En Enero de 2008, Mika, Take That y Leona Lewis encabezan las nominaciones a los premios Brit Awards de la música británica, que se entregarán en una gala el próximo 20 de febrero. El grupo Take That y los dos solistas (Mika y Leona Lewis) reúnen cuatro nominaciones cada uno, entre ellas a “Mejor Álbum” y “Mejor sencillo,” sin embargo el artista libanes solo fue premiado como el mejor artista revelación en directo (British Breakthrough Act).

Pagina: http://www.mikasounds.com/

Everything But The Girl

Como tantas otras agrupaciones, Everything But The Girl tiene origen universitario. Fundado en 1982 por los estudiantes Tracey Thorn y Ben Watt en el Hull University, el dúo adquirió su nombre gracias a un cartel que colgaba de la vidriera de un local de muebles que anunciaba poseer todo para armar su dormitorio menos la chica. Ambos integrantes ya poseían alguna experiencia en el campo de la música. Tracey había formado parte de una agrupación femenina llamada Marine Girls, mientras que Ben adquirió alguna experiencia editando dos singles bajo el nombre de Roberto Watt. Debutan como Everything But The Girl con una canción que se convierte en un éxito de los charts independientes de Inglaterra. La misma consistía en un cover de Cole Porter llamado “Night And Day”, y en ella demostraron finesa y olfato comercial, ingredientes que años más tarde los lanzaría a la fama. Luego de nuevos intentos solistas, la dupla vuelve a reunirse en 1983 para dejar registrado otro cover. Esta vez la elección recayó sobre un clásico de The Jam, “English Rose”. Esta versión impresionó a Paul Weller, autor del tema que, en 1984 como recompensa, invitó a ambos a participar de Café blue el debut discográfico de su nuevo proyecto, The Style Council.

Con estas credenciales llegan a Eden, un álbum debut donde Tracey y Ben muestran influencias que van desde la bossa nova al jazz, pasándolos por un filtro pop con delicadeza y buen gusto. El trabajo ingresa al Top 40 inglés y les ofrece una buena plataforma para el próximo trabajo. Love not money saldría al año siguiente y revalidaría las virtudes que ya había mostrado EBTG. El casi orquestal Baby, the stars shine bright (1986) se convertiría en un buen preámbulo para su gran obra hasta la fecha: Idlewild. Este disco extraería los mejores elogios de la siempre exigente prensa inglesa y, gracias a “I Don´t Want To Talk About It” (composición del Crazy Horses, Danny Whitten), EBTG volvería a ingresar a los rankings británicos, pero esta vez en los primeros tres lugares.

Habiendo logrado aceptación en sus tierras, el dúo viaja a Los Angeles (Estados Unidos) para, junto al afamado productor Tommy LiPuma, registrar su nuevo disco. Con el mítico y genial Stan Getz en carácter de invitado, durante 1990 llega a las bateas The language of life, donde el dúo se acerca más que nunca al pop, poniendo el foco en las canciones y no tanto en los ritmos. Una continuación lógica sería su nueva placa, Worldwide, lanzada a los doce meses. Un puñado de conciertos acústicos brindados en lugares pequeños, arrojan como resultado el registro en vivo llamado Acoustic. En sincronía con el nacimiento del formato Unplugged, EBTG diseñaba un repertorio desenchufado que incluía composiciones de Elvis Costello, Bruce Springsteen y Cyndi Lauper, más los clásicos propios que habían sabido conseguir.

En 1993 Ben Watt es afectado por el síndrome Churg-Strauss, un extraño virus que afectó su sistema inmunológico y que lo llevó al borde de la muerte. La dupla se toma un descanso para, ya con Ben recuperado, volver en 1994 gracias a un puñado de canciones que el guitarrista había compuesto durante su recuperación. Antes de ello, Tracey grabaría junto a los Massive Attack el tema “Protection”, que daría nombre la encumbrada obra del trío de Bristol. El año sabático por el padecimiento de Watt y la colaboración de Thorn con los creadores del trip hop, llevaría a EBTG a replantear su sonido. Pero antes de volcarse definitivamente hacia la electrónica, en 1994 sacan al mercado Amplified heart que contendría “Missing”, una canción convertida en hit mundial gracias al remix realizado por el DJ Todd Terry. Si hacía falta un motivo más para que el dúo se volcara a la electrónica, este suceso lo reafirmaría. Una temporada después, Walking wounded se convertiría en el ingreso por la puerta grande de EBTG al mundillo dance. La delicadeza que, a esta altura era una marca registrada de la dupla, se potencia con la utilización de programaciones y sintetizadores. Tracey y Ben se reinventaban con un éxito absoluto. Por esa época la cantante dobla la apuesta y graba otra colaboración que sería furor de las pistas de baile. Junto al dúo de DJ´s iraníes, Deep Dish, en 1996 sale el single “Future Of The Future”, una canción armada a la medida de la voz de Tracey y de los charts, obviamente.

Everything But The Girl cerraría el milenio con Temperamental, otro de los puntos altos de su carrera discográfica. En el 2001, la colección Back to mine pone en el candelero otra faceta del dúo: la de pinchadiscos en un DJ Set. En el 2005, salió a la luz un compilado de remixes titulado Adapt or die.

Formacion:

Tracey Thorn Cantante
Ben Watt Tecladista

Pagina: http://www.ebtg.co.uk/

Aquelarre

Historia:

Aquelarre fue una banda argentina de rock formada en 1971 por Rodolfo García (batería), Emilio del Guercio (bajo y voz), Hugo González Neira (teclados) y Héctor Starc (guitarra).

La base rítmica, bajo y batería, era la misma de Almendra, conjunto del que Emilio del Guercio y Rodolfo García se habían separado hacía poco. Se presentaron por primera vez en público en el segundo festival Buenos Aires Rock, también conocido como B.A. Rock II en noviembre de 1971.

La banda se disolvió en 1977 luego de realizar una extensa gira por España y volvió a juntarse en 1998.

Sus éxitos más logrados fueron Violencia en el parque, Silencio Marginal, Cruzando la calle, Ceremonias para Disolver y Parte del día.

Nota de Revista Pelo 1973:

Más de un año tuvo que esperar el publico porteño para poder escuchar en un recital a uno de sus grupos favoritos: Aquelarre.
Diversas circunstancias (relacionadas con el cambio de sello y la reestructuración de sus sistemas de amplificación) determinaron que el grupo -uno de los más exitosos de los últimos tiempos- no se presentara en salas durante el último año. La expectativa generada rebasó las localidades disponibles y, para evitar disturbios los organizadores debieron abrir las puertas en forma gratuita para mucha gente que se había quedado sin localidades. Jorge Pistocchi fue encomendado por Pelo para que presenciara y describiera ese regreso de Aquelarre. Lo que sigue es su informe.

El mes pasado se cumplieron tres años de la separación de Almendra. Pero sus ex integrantes se encontraron dentro de ese lapso con sus actuales grupos (Aquelarre, Invisible, Color Humano) en distintos recitales, reuniendo a unas nueve mil personas a las que brindaron, quizás, la mejor música que se está haciendo entre nosotros.
Todo esto constituye, tal vez, la mejor respuesta a lo que de sus vidas y obras se ha dicho hasta hoy.
Su respuesta, Aquelarre la dio el miércoles 26 en el Opera. Todo lo que dieron esa noche en una sala repleta donde fueron ovacionados pocos lo hubieran imaginado cuando éstos decidieron formarse como grupo. Cada uno tenía una trayectoria musical muy definida a sus espaldas y eso complicaba las cosas. Por un lado, Rodolfo y Emilio luego de la separación de Almendra tocaron esporádicamente durante el tiempo que duró el servicio militar de este último, con el agravante de tener que sacarse de encima los rótulos de "exs". En una de esas ocasiones fue cuando conocieron musicalmente a sus futuros compañeros, Héctor Starc y Hugo González Neira. Héctor con un estilo muy definido que hizo que lo bautizaran como "la Bola de Ruido", parecía imposible de integrar algún grupo estable. Hugo, por su parte, un excelente tecladista, nunca había tenido la oportunidad de tocar en forma continuada en un grupo y poder desarrollar todos sus posibilidades musicales.
Y así nació Aquelarre. Muchos a! principio no comprendían su música. Pera algunos resultaba un poco fría, tal vez porque se buscaba o una forma de continuación de la música de Rodolfo y Emilio en Almendra o iban a ver los desbordes de Héctor, pero quedaron defraudados porque Aquelarre no hacía concesiones para ganar publico. No apartándose de una búsqueda bien definida de su propia música.
Por eso, este último recital fue más que nada la culminación de un proceso de despojamiento en el que encontraron juntos una libertad creativa. Los progresos individuales, en sus instrumentos son muy grandes y se notan más claramente en Rodolfo, que está tocando con mucha más soltura y creatividad y en Héctor que después de un tiempo en que se lo veía demasiado contenido con su viola (probablemente por sacarse de encima a la "Bota de Ruido") está encontrando el punto de equilibrio entre su temperamento y las necesidades del grupo. Todo esto repercute en una forma cada vez más audaz de encarar sus temas con el agregado de que ahora los cuatro integrantes cantan como primeras voces.
Pero más allá de todo esto, es difícil hablar de lo que pasó en un recital quedándose solamente con la música, las anécdotas, o e! sonido que se pueda haber escuchado porque tal vez todo eso junto sea sólo la respuesta de cuatro hombres recorriendo un mismo camino. Y ya sabemos que las respuestas de un creador son intransferible en boca de otro.

Scissor Sisters

Los Scissor Sisters (traducido como Las Hermanas Tijeras) es un grupo musical estadounidense formado en el 2001 y que ha gozado de gran éxito en el Reino Unido y en Australia. Sus ventas en los Estados Unidos sin embargo son modestas en comparación con las cifras que han alcanzado en el Reino Unido, donde son considerados uno de los grupos que más han vendido en la década.

Sus influencias musicales abarcan la música disco, glam rock/pop y el ambiente de los centros nocturnos de la ciudad de Nueva York. El nombre del grupo viene de una posición sexual entre mujeres (Las tijeras). Su nombre originalmente era Dead Lesbian and the Fibrillating Scissor Sisters (La lesbiana muerta y las hilarantes hermanas tijeras).
Tabla de contenidos

Los miembros de la banda son:

- Jake Shears (su nombre verdadero es Jason Sellards) - Voz
- Babydaddy (su nombre verdadero es Scott Hoffman) - Bajo, teclado, coros, guitarra
- Ana Matronic (su nombre verdadero es Ana Lynch) - Voz, percusiones, "Mistress of Ceremonies"
- Del Marquis (su nombre verdadero es Derek Gruen) - Guitarra principal
- Paddy Boom (su nombre verdadero es Patrick Seacor) - Batería, percusiones

En presentaciones en vivo han incluido a John "JJ" Garden, hijo de Graeme Garden de The Goodies, en el teclado/guitarra.

Pagina: http://www.scissorsisters.com/

Eros Ramazzotti

Eros Luciano Walter Ramazzotti Molina (Roma, Italia 28 de octubre de 1963), mundialmente conocido como Eros Ramazzotti. Intérprete de música pop y reconocida figura de la escena musical en Italia, su país de origen, Europa e Hispanoamérica.

Biografía

Hijo de Rodolfo Ramazzotti y Raffaela Molina, Ramazzotti nació el 28 de octubre de 1963 en el hospital de San Giovanni, en Roma. Vivió en el barrio de Cinecittà en Roma, junto a los grandes estudios de cine. En su infancia Eros participó de extra junto a sus amigos en algunas películas, se dice que sale en Amarcord de Federico Fellini (película que ganó el Oscar a la mejor película extranjera en 1973). En la adolescencia estuvo a punto de emigrar a Australia con su familia, de hecho toma clases de inglés en una academia cercana a la estación de Termini, pero la solicitud fue rechazada. Su padre era pintor (de brocha gorda), si bien en el pasado intentó dedicarse a la canción (llegó a grabar dos canciones Lui è uno y Voglio andare sulla luna. Tras el intento fallido intentó entrar en el conservatorio, pero es rechazado por no saber leer música. Se presenta con una canción de Francesco De Gregori ("Pezzi di vetro").

Deja el colegio (el "Margarita Bosco", que aún existe, el mismo colegio donde más tarde estudiarían los futbolistas Nesta y Totti). Estudió Contabilidad durante dos años, pero lo dejó a finales de los años 80 y comenzó a dar su primeros pasos en la música.

Los comienzos

En 1981 participó en el festival de Castrocaro con la canción Rock'80, compuesta por él mismo. Ganó Zucchero. A Eros le valió para que una pequeña discográfica milanesa, la DDD (La Drogeria di Drugolo), se fijase en él, y le ofreciera su primer contrato discográfico. Esto le obligó a trasladarse a Milán, su ciudad de residencia actual. Vivió en un apartamento en los estudios de la DDD y se dedicó en los tres años siguientes a tomar clases de canto y de guitarra.

En 1982 lanzó lo que fue su primer sencillo Ad un amico, dedicado a sus dos amigos Ivano y Marco, que murieron en la adolescencia (por accidente de coche y enfermedad pulmonar, respectivamente). Con ellos había formado un grupo en su juventud, se llamaban "I Santana".

A su primera participación en el Festival de la Canción de San Remo en 1984, categoría de Nuevas voces, se presentó con su segundo sencillo Terra promessa (Tierra prometida), compuesta por el mismo y ayudado por reconocidos compositores italianos, Alberto Salerno en la letra y Renato Brioschi en la música, finalmente gana. Después se contrata a Piero Cassano como productor y a partir de ahí Eros inicia su carrera internacional.

Lanza su primer álbum Cuori agitati (Almas rebeldes) en 1985, y el sencillo Una storia importante (Una historia importante) vende sólo en Francia un millón de copias. Además con esa canción se presenta al Festival de la Canción de San Remo de ese año, ahora ya entre los grandes, y queda sexto. Comienzan a pararle por la calle.

Con el pensamiento y la espina clavada de no haber ganado en año anterior en el Festival de la Canción de San Remo se lanza el segundo álbum en 1986, Nuovi eroi (Héroes de hoy), en el que va incluido Adesso tu (Ahora tu), canción con la que sí logra ganar en San Remo y convertirse así en el primero en conseguir ganar el Festival dos veces en menos de tres años. La canción, autobiográfica, del ...ragazzo di periferia... se convierte así en un himno para toda una generación.

La confirmación

El tercer álbum In certi momenti (En ciertos momentos) incluye el primer dueto de su carrera, algo que ahora se ha convertido en normal en los disco del cantante, La luce buona delle stelle cantada con Patsy Kensit vocalista del por aquel entonces afamado grupo Eighth Wonder. En el mismo disco está Ma che bello questo amore (Fantástico amor), una de las canciones que no pueden faltar en sus conciertos y otras como Occhi di speranza (Ojos de esperanza), canción dedicada a la gente que dona sus órganos.

En 1988 se lanza Musica è (Música es), un mini álbum que contiene la canción que da título al álbum Musica è (Música es), una canción de 11 minutos en la que Ramazzotti cuenta qué es para él la música. La discográfica lanzó este mini álbum como tributo a los fans, pero a la postre se convirtió en el disco más vendido del cantante hasta la fecha.

La consagración

Tras un parón de dos años sin lanzar nada nuevo al mercado, llega en 1990 In ogni senso (En todos los sentidos), en él se incluyen canciones tales como Se bastasse una canzone (Si bastasen un par de canciones) y Amarti è l'immenso per me (Amarte es total) cantada a dúo con Antonella Bucci. El disco incluye también Dolce Barbara (Un atardecer violento) dedicada a la madre de Bárbara Polidori, una joven fan del pueblo de Caserta, enferma de esclerosis lateral amiotrófica. Eros, conocedor de su enfermedad, se vuelca con ella, la lleva a conciertos, queda con ella, y cuando fallece su mejor homenaje lo realiza en forma de música.

A este disco le siguió una gran gira mundial que fue culminada con la aparición del doble álbum Eros in concert donde se recoge el hacer del cantante encima de los escenarios de toda Europa. Su fama alcanza los EE.UU donde viaja para tocar en el Radio City Music Hall de Nueva York. Fue el primer italiano en actuar en ese escenario y agotar todas las entradas.

En el año 1993 Eros sorprendió con Tutte storie (Todo historias) y los acordes del primer sencillo Cose della vita (Cosas de la vida), lo más rock que ha hecho el cantante. Dicho sencillo tuvo otra sorpresa, el vídeo fue dirigido por Spike Lee que era la primera vez que el director de color trabajaba con un europeo. En el mismo disco se encuentra Silver e Missie (Silver y Missie), canción que trata sobre la historia de dos delfines, que formaban parte del proyecto, 'Into the blue, se trató de salvarlos y liberarlos, y se consiguió movilizar a todo el país transalpino. También es de destacar la canción Favola (Fábula), inspirada en el cuento "Las transformaciones de Píktor", de Hermann Hesse. Esodi (Éxodos) que habla de los exiliados de la antigua Yugoslavia, Un'altra te (Otra como tu)...

Tras la gira de Tutte storie world tour, Eros junto con Pino Daniele y Jovanotti inventarón trío, un espectáculo conjunto que les llevó de gira por casi toda Italia y algunos países europeos.

En 1996 sale Dove c'è musica (Donde hay música), el disco que más ha vendido (más de siete millones por todo el mundo). Este disco es importante por ser el primero que el propio Eros produce con su recientemente creada Radiorama, una agencia musical que dirige su hermano Marco y porque es el primero que lanza el artista sin la colaboración de su productor habitual, Piero Cassano. Più bella cosa (La cosa más bella) fue el sencillo más radiado en 1996. L'Aurora (La Aurora) está dedicada a su hija Aurora Sophie. Lettera al futuro (Carta al futuro) está inspirada en La máscara de la muerte roja, un cuento de Edgar Allan Poe. Yo sin ti que es la única canción que está presente en castellano en ambas ediciones de los dos discos (versión en castellano y en italiano). Eros compuso la música y le propuso a Juan Luis Guerra que compusiera la letra. Dicen las malas lenguas que Juan Luis Guerra se negó y que esa es la razón por la que Eros nunca ha pisado República Dominicana en una gira. La canción finalmente la compuso Nacho Mañó, uno de los componentes del grupo Presuntos Implicados y el mejor traductor de las canciones de Ramazzotti. Con este disco también se gesta lo que será el futuro grupo de trabajo de Eros, ya que conoce a su actual co-autor de las melodías de Eros, el profesor Claudio Guidetti.

Colaboraciones y trabajos para otros

Además de sus propios discos Eros comienza a producir a otros cantantes y grupos italianos, Gianni Morandi es el primero. Además escribe Nadie para Cristian Castro, That's all I need to know para Joe Cocker, además de otras muchas canciones para cantantes italianos. Además de las colaboraciones ya citadas Eros ha cantado con Biagio Antonacci (Almeno non tradirmi tu), Giorgia (Amarti è l'immenso per me), Umberto Tozzi (Tu vivrai), Gianni Morandi (Cosí vanno le cose), Laura Pausini (Volare), Massimo di Cataldo (Una ragione di più) y Luciano Pavarotti (Se bastasse una canzone) entre otros.

Algo personal

A finales de 1996 Eros tiene a su hija (Aurora Sophie) con la modelo/presentadora Suiza Michelle Hunziker. Años más tarde, en 1998, Eros se casa con Michelle Hunziker en el castillo de Bracciano, en las afueras de Roma. En el 2002, tras más de siete años de relación y cuatro años de matrimonio, se produce la separación del cantante con la modelo. En la actualidad ambos comparten la custodia de Aurora Sophie.

Grandes éxitos

1997 es el año elegido por Eros para que salga el primer disco del cantante de grandes éxitos Eros, y en él hay incluido un dueto con Tina Turner, es una versión de Cose della vita/Can't stop thinking of you (Cosas de la vida/Can't stop thinking of you) cantada en italiano (castellano y portugués) e inglés. También incluye una versión de Musica è (Musica es) cantada con Andrea Bocelli que salió solamente en italiano.

Cuando parecía que iban a pasa otros tres años para que apareciese un nuevo disco del cantante, sale Eros live, (Eros en directo) en 1998, una auténtica joya de música en directo, un disco que recoge los duetos en con Tina Turner (Cose della vita/Can't stop thinking of you) y Joe Cocker (That's all I need to know/Difenderò) en el concierto que Eros dio en Munich en julio de ese año.

La década del 2000

Tras el parón, en el 2000, Eros volvió a escena con Stilelibero (Estilolibre) producido a medias entre Eros y su amigo-compositor-ayudante Claudio Guidetti además de Rick Nowell, Trevor Horn, y Celso Valli (su arreglista de toda la vida). En él vuelve con otro dueto Più che puoi, esta vez con Cher y otras canciones como Fuoco nel fuoco (Fuego en el fuego), primer sencillo y Per me per sempre (Para mi será por siempre).

En 2003 ve la luz "9", el disco mas autobiográfico que ha hecho el cantante, en el disco se encuentran Un'emozione per sempre (Una emoción para siempre), primer sencillo del disco y originalmente escrito para su amigo Alex Baroni, pero que nunca pudo cantar, ya que meses antes moría tras un accidente de moto en Roma, Piccola pietra (Piedra pequeña) que está basada en el libro "La danza inmóvil", del escritor peruano Manuel Scorza. Ti vorrei rivivere (Revivirte otra vez) que está dedicada a Donatella, la chica que aparece en la portada de In certi momenti (En ciertos momentos) junto a él y que fue su primer gran amor. El disco, que batió todos los récords de permanencia en las listas de ventas de Italia, le hace, de nuevo, embarcarse en una nueva gira mundial, que pasa por Roma el 7 de julio de 2004, ante 60.000 expectadores en el Estadio Olimpico. Meses después el concierto fue publicado en DVD llamado Eros Roma Live.

En 2005 aparece en octubre y en el día de su cumpleaños, como otras veces, el álbum Calma apparente (Calma aparente), que contiene un dueto con Anastacia, cuya canción se llama I belong to you/Il ritmo della passione (I belong to you/El ritmo de la pasión), el regreso lo hace con La nostra vita (Nuestra vida) batiendo el record de emisiones de una canción en las emisoras italianas .

Casi simultáneamente salió en Italia "Eros, lo giuro", el primer libro autorizado sobre la vida de Eros Ramazzotti, fruto de conversaciones con el periodista y escritor Luca Bianchini. Se convierte en el libro más vendido de Italia.

Otros datos de interés

Eros, es el compositor de sus temas, tanto la letra (ayudado por su amigo Adelio Cogliati), como la música y toca la guitarra, la percusión, el piano y la batería.

Si no hubiese sido cantante siempre dice que hubiera sido futbolista (el fútbol y la Juventus es su otra gran pasión), de hecho es presidente de la Nazionale Italiana Cantanti un equipo compuesto por cantantes italianos que juegan partidos a beneficio de los más desfavorecidos. Además le gustan las motos, los coches en especial los Ferrari. El año 2004 que Gianmaria Bruni corrió en Fórmula 1 con un Minardi, Eros fue uno de los patrocinadores.

Aparte de Italia sus mayores éxitos los ha cosechado en Alemania, España e Hispanoamérica (cantando en castellano).

En noviembre de 2006 salió al mercado el último álbum de la italiana Laura Pausini, titulado Yo Canto (Io Canto en italiano); el cual recoge canciones que han marcado la vida de la artista y viene a ser como un homenaje a los compositores italianos de las últimas décadas. En este álbum ella interpreta la canción Estrella Gemela (Stella Gemella en italiano), compuesta por Eros Ramazzotti.

El 26 de octubre de 2007 vió la luz una antología doble, cuyo nombre es e² (e al cuadrado), y que conmemora los 25 años de carrera de Eros. El primer sencillo de este disco es un dueto con Ricky Martin que se llama Non siamo soli (No estamos solos) . Además este Grandes Éxitos contiene un dueto con Amaia Montero, ex-vocalista del grupo español La Oreja de Van Gogh, una colaboración con Carlos Santana, otra con el mítico Steve Vai, con el grupo vocal Take 6 y otras muchas sorpresas, lo que pone muy en alto las expectativas de éste. Paralelo a esto, Eros ha colaborado con el grupo sardo Tazenda cantando Domo Mia y recientemente fue invitado a cantar a dúo con el cantautor Ricardo Arjona en su nuevo disco Quién dijo ayer, el tema A ti.

Pagina: http://www.erosramazzotti.net/

El Cuarteto de Nos

El Cuarteto de Nos es un grupo uruguayo, formado en 1980 en Montevideo. Se destacan el humor de sus letras y sus originales puestas en escena.

Historia

Cuarteto de Nos comienza en el año 1980 (aunque Tavella y los hermanos Musso ya tocaban juntos). En ese mismo año dan su primer recital en el Teatro "El Tinglado", siendo éste totalmente instrumental.

A su vez componían, y mientras buscaban su propio estilo musical, tocaban en el Teatro "La Máscara", en "El Circular", en el "Teatro de la Alianza Francesa", etc. A raíz de estas presentaciones el sello Ayuí les propone grabar su primer (medio) disco, que seria compartido con Alberto Wolf. La propuesta es aceptada y en el año 1984 sale a la luz.

También en 1984 se suma el cuarto integrante Álvaro Pintos como baterista fijo, ya que hasta el momento Leonardo Baroncini era quien los acompañaba como invitado.

En 1985 suben al escenario ubicado en la feria de Villa Biarritz con papel de aluminio en las piernas y globos sujetos a la cabeza, generando interés en el público.

Desde esa época la originalidad de sus multiples shows ha dado frutos y tienen una amplia lista de seguidores de todas las edades.

Soy una Arveja, su primer LP, sale en 1986 y se presenta en 1987 en el teatro El Galpón, donde hacen oficiales los disfraces de viejas (referidos al tema undécimo del mismo disco). Estos disfraces fueron usados en innumerables presentaciones.

Realizan su primer ciclo de actuaciones Homenaje a Cuarteto de Nos en 1988 en "El Tinglado" mientras graban Emilio García, su siguiente disco. El nombre del LP hace referencia al manager imaginario que la banda tenía en esa época, así como "Tajo" refiere al origen imaginario de la banda, la ciudad de Tajo. La presentación de este disco se realiza en un ciclo en el Teatro del Notariado, donde Los Bedronclos y Tuquito Y Sus Cowboys (parodias realizadas por ellos mismos) actúan de teloneros.

En 1989 recorren el país con sus presentaciones y en diciembre de 1991 se presentan por 1º vez en Argentina en la Segunda Bienal del Arte Joven

La grabación de su siguiente disco Canciones del corazón comienza en 1990, al tiempo que se presentaban un ciclo en "La Tramoya" y otro en el teatro del Notariado

El disco "Canciones del Corazón" (Orfeo), fue presentado en Teatro El Tinglado.

En 1994 se edita "Otra navidad en las trincheras", que es inmediatamnete aceptado por público y prensa. El CD, obtiene por sus ventas los galardones de cuádruple disco de platino en Uruguay y es hasta la fecha el disco de rock más vendido en la historia del país.

En el 2007 Cuarteto de Nos es nominado al Grammy Latino con "Yendo a la casa de Damián" del disco Raro. Además ha promocionando su último trabajo por todo el continente, realizando presentaciones impecables tanto en el Festival Vive Latino en México, como en el Festival Rock al Parque en Colombia.

El próximo show es en Buenos Aires-Argentina, el Sábado 8 de marzo en The Roxy Club (Colegiales) a las 20:00 hs.

Integrantes

- Roberto Musso - "Rover" (Guitarra y voz)
- Ricardo Musso - "Riki" (Guitarra y voz)
- Santiago Tavella - "Santi" (Bajo y voz)
- Álvaro Pintos - "Alvin" (Batería y voz)

Discografía

- El Cuarteto de Nos - Alberto Wolf - 1984
- Soy una arveja - 1986
- Emilio García - 1988
- Canciones del Corazón - 1990
- Otra Navidad en las Trincheras - 1994
- Barranca Abajo - 1995
- La misma porquería (compilado) - 1995
- El Tren Bala - 1996
- Revista ¡¡Ésta!! - 1998
- Cortamambo - 2000
- El Cuarteto de Nos - 2004
- Raro - 2006

La canción de la polémica

La primera canción del disco El Tren Bala contenía el tema que causó una polémica muy grande con el grupo, este era El día que Artigas se emborrachó, por el cual el Ministerio de Educación y Cultura hizo en 1996 una denuncia penal a la justicia por entender que se estaba difamando al prócer nacional de Uruguay José Gervasio Artigas. El juicio finalmente quedó nulo porque el fiscal entendió que no se había cometido ningún delito. Luego intentaron que juzgara la justicia militar en plena democracia, porque se creía que vilipendiaba la bandera de Artigas. Finalmente el INAME (actual INAU) prohibió que el disco se vendiera para menores de 18 años y no se podía irradiar en el horario de protección al menor. Fue el único caso de intento de censura en Uruguay de un tema musical luego del retorno de la democracia en 1985.

Pagina: http://www.cuartetodenos.com.uy/

Brazilian Girls

Brazilian Girls es un cuarteto de Nueva York (EE.UU.), conocido por su música electrónica ecléctica, la que incorpora elementos de bossa nova, reggae y jazz entre otros géneros musicales. Sus canciones también están cantados en varias lenguas: además del inglés, se usa francés, alemán, italiano y español.

A pesar del nombre Brazilian Girls, ninguno de los miembros es de Brasil, y sólo la cantante, Sabina Sciubba, es una chica.

Didi Gutman es el teclista de la banda, Aaron Johnston el percusionista y Jesse Murphy el bajista. La banda sacó su álbum de debut en 2005 siendo muy aclamado por la crítica y obteniendo un gran éxito entre el público por su enérgico espectáculo en vivo.

Pagina: http://www.braziliangirls.info/

Motel

Motel, una banda formada en la extraña pero única Ciudad de México a inicios del 2002, presenta este año su disco "Motel" lanzado por Warner Music México, con gran talento y además con la promoción de una de las dos televisoras grandes de México se espera que esta banda ocupe y llene las expectativas que se han creado entorno a ella.

Billy Méndez (compositor y músico), Rodrigo Dávila (cantante), Pepe Damián (baterista) y Rubén Puente (bajista) son quienes conforman esta agrupación, la cual se espera sea la revelación de este año o por lo menos mantener su concepto de hacer música para la gente, como se presentan en su disco homónimo.

El disco de Motel es completamente un estilo rock pop, aunque en realidad es mucho mas pop que rock, con música tranquila y letras ligeras, sin toques rebuscados, parece ser el inicio de algo prometedor para estos chicos, con 11 temas todos creados por Motel, con la producción de Aureo Baqueiro y Jay de la Cueva (vocalista de Moderatto).

El sencillo que se desgaja de este disco es "Dime ven", una canción que se puede catalogar como la mejor del disco, sin menospreciar las otras canciones que también son buenas aunque un poco superficiales dentro de esa burbuja de amor, pero en especial este sencillo ha tenido ese impacto de captar la atención de la gente, una canción de esas que se quedan en la mente con solo escucharlas (y como no si es promocionada por la televisora del Ajusco), la cual nos da un referéndum a lo que podemos escuchar en los demás tracks de este disco, que aunque en música no es muy parecido pero las letras van por este mismo camino de hablar de este globo mágico de amor.

Un disco para enamorados, románticos, soñadores, dolidos y hasta para los que gusten pasar una noche linda y tierna con una chica, dedicando rolas y cantando al odio, con letras llenas de ternura y dulzura, de amor y sutileza, pero con una buena propuesta y diferente a lo que se ha venido escuchando, parece ser el grupo de rock pop con la mejor proposición este año (aunque ya no haya muchos) y con un gran futuro dentro de la industria de la música, además de ser arriesgados para lanzar una propuesta de ese tipo, algo que no es bien aceptada hoy en día, donde todo es pesado y un poco mas clavado en cuanto a letras dentro del mundo del rock, pero cabe decir que es sin lugar a duda recomendable seguir a estos chicos del defectuoso México City y sobre todo deseando que no solo se queden en una buena propuesta y se conceptualicen con mas canciones y mas producciones creadas por ellos.

Abriendo paso con talento y con buena música, Motel, una banda que solo necesita soñar y pensar en el inicio para saber lo que les traerá el destino.

Pagina: http://www.motelmx.com/

Jaime Urrutia

Jaime Urrutia Valenzuela (Madrid, 21 de junio de 1958), también conocido como Jaime de Urrutia, es un compositor y músico de la llamada Movida madrileña.

Fue miembro de Ejecutivos agresivos, uno de los grupos seminales de la nueva ola, de la que surgieron también grupos como Derribos Arias o Décima víctima, y que iniciaron las hordas llamadas «siniestras» de la movida, cuyas principales influencias eran combos británicos como The Cure, Joy Division o Bauhaus. Cuando el grupo se disolvió, fundó junto a Ferni Presas y Edi Clavo Gabinete Caligari, cuyo nombre se basaba en la famosa película del expresionismo alemán.

Tras una primera época oscura —con temas como Tren especial, Olor a carne quemada y Cómo perdimos Berlín—, las composiciones de Urrutia fueron siendo más eclécticas, recuperando temas ajenos al universo del rock en cuanto a las letras, como aquellas que son estupendos lienzos del mundo del toreo —no en vano su padre fue crítico taurino— y aderezándolas con melodías influidas por la tarantela o el pasodoble.

Tras Gabinete Caligari, su primer disco en solitario fue Patente de corso (2002), del que se extrajeron temas como Qué barbaridad o Castillos en el aire, y que lo devolvió a la actualidad musical, hecho al que contribuyeron las colaboraciones con artistas como Loquillo o Andrés Calamaro. El disco incluía incursiones en la bossanova y los ritmos latinos, y supuso ampliar la paleta musical de Jaime como compositor respecto a los estilos desarrollados en Gabinete Caligari.

En 2004 editó El muchacho eléctrico, de éxito y difusión más moderados. No obstante, Jaime Urrutia mantiene el pulso compositivo, creando letras muy cercanas a cierta época de Gabinete Caligari, pero muy alejadas de lo que es el patrón compositivo de los cantautores españoles.

A pesar de que Gabinete Caligari era un grupo solvente en vivo, jamás editó ningún concierto grabado, por la reticencia de sus miembros hacia los discos en directo. Únicamente se registraron varios temas sueltos en algunas reediciones posteriores de sus discos de estudio. Sin embargo, el 20 de febrero de 2007 Jaime Urrutia grabó En Joy, su primer disco en directo en la sala Joy Eslava junto a músicos de su generación como Ariel Rot y Loquillo, y otros de actualidad como Eva Amaral de Amaral, Dani Martín de El Canto del Loco o el dúo Pereza, entre otros. El disco fue editado unos meses más tarde, junto con el DVD del concierto.

Actualmente Jaime Urrutia aparece semanalmente (los miércoles) en el programa La Ventana de la Cadena SER junto con su amigo Ariel Rot donde charlan de música y radian una selección de canciones de grupos o solistas que han influído en sus carreras musicales, o por los que sienten una especial debilidad . La sección se llama "Long play".

Pagina: http://www.jaimeurrutia.com/