Van Halen

Van Halen es una banda estadounidense de Hard Rock llamada así por los hermanos Eddie Van Halen y Alex Van Halen (Guitarra y batería respectivamente).

El primer álbum de la banda, Van Halen de (1978) es ampliamente considerado como un hito en la historia del rock. Con este primer estreno, la banda se estableció como un líder en el emergente y desafiante mundo hard rock de los EE.UU. En particular, el guitarrista de la banda, Eddie Van Halen, extendió rápidamente su fama gracias a su técnica y sensibilidad musical. Hoy en día es considerado como uno de los guitarristas de rock más innovadores e influyentes.

De 1978 a 1998 la banda editó 11 álbumes (todos ellos estuvieron entre los 20 mejores de Billboard). La banda ha vendido más de 75 millones de álbumes mundialmente y ha recibido varias nominaciones a los premios Grammy, ganando uno con el álbum "For Unlawful Carnal Knowledge" en 1991. Van Halen se lista en el Libro Guinness de los Récords con la mayor cantidad de Nº1s en la lista de rock de Billboard. Según la Asociación de la industria discográfica de Estados Unidos, Van Halen es Nº 19 en la lista los artistas que más han vendido jamás (habiendo vendido más de 56 millones de álbumes en EE.UU.).

Historia

La Familia Van Halen emigra de Nijmegen, Holanda hacia Pasadena, California en los años 1960’s. El padre de Eddie y Alex, Jan Van Halen, era un músico realizado y transmitió a sus hijos el amor a la música. Siendo los hermanos Van Halen unos niños, fueron entrenados como pianistas clásicos. Con el paso del tiempo Alex comenzó su aprendizaje con la guitarra. Eddie, tuvo interés en tocar la batería. Cuenta la historia que mientras Eddie trabajaba repartiendo periódicos para pagar su batería, su hermano Alex practicaba en ella. Eddie vio como su hermano le superaba mucho en la ejecución del instrumento y decidió aprender a tocar la guitarra.

En su época de juventud, los hermanos Van Halen tocaron en varios grupos y realizando actuaciones en patios particulares, fiestas escolares, estacionamientos y pasaron por varios cambios de nombre como The Trojan Rubber Company, The Broken Combs, Rat Salad y Mammoth. David Lee Roth un joven cantante que le rentaba a los hermanos Van Halen el equipo de sonido para voz, entra al grupo en 1974, ya que Eddie y Alex vieron que podrían ahorrarse ese dinero. Michael Anthony es invitado también a tocar en el grupo ese mismo año. El nombre de Mammoth tenía que ser cambiado ya que otro grupo lo estaba utilizando y entre los cuatro buscaron un nuevo nombre para el grupo y David Lee Roth sugirió el apellido de los hermanos Van Halen.

La banda se convirtió en todo un éxito en el circuito de clubes de Los Angeles, California, en los años 70. En 1976 Gene Simmons (miembro de KISS) asiste a un show de Van Halen y rápidamente financia y graba una cinta demo sin poder convencer a su disquera que los firmara, esta situación no afecta el ánimo del cuarteto y continuán ofreciendo espectáculos abarrotados, Mo Ostin un ejecutivo de Warner Brothers asiste también a un show junto con Ted Templeman y firma al grupo después de una pequeña junta de negocios al finalizar el show en el Club Starwood de Los Ángeles.

[1978-1985] La era con David Lee Roth - Surgimiento e Influencia

La banda entra inmediatamente al estudio con Templeman como productor y graba su primer álbum el cual es lanzado en 1978 obteniendo un éxito inmediato. Con el título homónimo "Van Halen", el álbum presentaba innovaciones en ejecución, producción y arreglos. Fue pronto catalogado como uno de los más extraordinarios álbumes de Rock.

La pista instrumental "Eruption" introdujo al mundo del Rock and Roll una nueva técnica para solos de guitarra, llamada Tapping: una técnica utilizando ambas manos en el mástil de la guitarra. Otros músicos ya habían desarrollado técnicas con ambas manos en la guitarra desde los años 50, pero la técnica de Eddie Van Halen era algo más: un ataque de notas y efectos muy amplificada y melodica. "Eruption" le otorgo a Eddie Van Halen inmediatamente el estatus de Dios de la guitarra con tan solo 21 años. Cuenta la historia que antes del lanzamiento de su primer álbum, Eddie tocaba sus solos dando la espalda al publico para esconder su técnica de imitadores.

La banda estuvo de gira casi por un año, estableciendo su reputación firmemente como una talentosa y excitante banda en vivo. La química se basaba en la mágica técnica de Eddie Van Halen y los actos inusuales y estrafalarios del vocalista David Lee Roth, un contraste que más tarde se convertiría en un conflicto entre el grupo.

En diciembre de 1978, mientras el grupo junto con su productor Ted Templeman festejaban la navidad y el año exitoso que terminaba, Eddie Van Halen mostró sus dotes musicales en una guitarra acústica, cosa que agradó a Templeman quien le sugirió que grabara un solo similar a "Eruption" pero esta vez acústico dentro del próximo álbum (Van Halen II), la cual fue titulada con el nombre de "Spanish Fly".

La banda regresa al estudio en 1979 para la grabación del álbum "Van Halen II", muy similar en estilo y sonido a su predecesor, este álbum contenía como primer sencillo "Dance the Night Away", el cual lograría establecerse fácilmente dentro de las listas de popularidad.

Para los próximos cuatro años, la banda continuaría alternando lanzamientos de discos con giras, para así incrementar su éxito comercial y de la crítica.

Para el lanzamiento del álbum "Women and Children First" en 1980 Van Halen era la banda más exitosa e influyente del mundo rock. Sin embargo en 1981, mientras se grababa el álbum "Fair Warning", comenzaban a surgir las tensiones entre los deseos de experimentación de Eddie en crear canciones más serias y complejas con los instintos Pop de David Lee Roth. "Fair Warning" fue al inicio una decepción en ventas pero más tarde tomaría fuerza gracias a las recomendaciones que se hacían de persona en persona. Inclusive para la mayoría de fanáticos de la banda, éste es el mejor álbum grabado por la banda durante la era Roth y en el que se incluyen clásicos como "Meanstreet", "Hear about it later", "So this is love" y "Unchained". Pero la banda regresaría a un sonido más accesible con el lanzamiento del álbum "Diver Down" el cual consiste en una serie de covers destacando el éxito clásico de Roy Orbison "Oh, Pretty Woman".

La banda comenzó a filmar los primeros videos musicales para MTV, y la imagen magnética de "Diamond Dave" Roth fue naturalmente el foco de atracción, cosa que no agradaba del todo a los demás miembros del grupo. Después de otra gira exitosa, Van Halen se convierte en el grupo mejor pagado en la historia por una sola presentación en el US Festival de 1983.

El siguiente álbum "1984" (lanzado en diciembre de 1983), se convirtió en el pináculo comercial y artístico de la banda, así como en el punto de quiebre para la alineación original del grupo. "1984" integraba teclados electrónicos al sonido de la banda (ya se habían utilizado anteriormente en otras grabaciones, como por ejemplo, en "Dance the night away" y "And the cradle will rock...", pero nunca tan prominentemente). El primer sencillo "Jump" presentaba una tonada en sintetizador como gancho, una letra muy pegajosa y dos solos increíbles ejecutados por Eddie, uno de guitarra primero e inmediatamente el solo de sintetizador, que lo convirtió en su primer éxito #1. 1984 fue aclamado por los críticos y los admiradores y llegó hasta el sitio #2 de las listas de Billboard, detrás del súper popular álbum Thriller de Michael Jackson (en el cual Eddie Van Halen toca el solo de guitarra en el sencillo "Beat It"). Los videos musicales para Jump, Panamá y Hot For Teacher fueron muy populares.

En medio de su gran gira y éxito comercial, la tensión personal y artística entre los músicos llegó a un punto de quiebre y David Lee Roth abandona al grupo en abril de 1985.

La era de David Lee Roth, sigue siendo vista como la más criticada y la más exitosa comercialmente, habiendo influenciado a casi todas las bandas que surgieron en los 1980's. Sus álbumes más vendidos hasta hoy son el álbum debut de 1978 y el último álbum con David Lee Roth "1984". Ambos han alcanzado el nivel de Discos de Diamante vendiendo cada uno más de 10 millones de copias. Adicionalmente, ambos álbumes han sido catalogados como súper éxitos del Rock And Roll, por sus innovaciones artísticas que aunque han sido emuladas, permanecen únicas. Las canciones "Runnin' with the Devil" contenida en el primer álbum y Jump del álbum "1984", están catalogadas como las canciones más influyentes en el salón de la fama del Rock And Roll.

[1985-1996] La era con Sammy Hagar

Para mediados de 1985, Van Halen se encontraba sin vocalista principal, se rumoraba mucho con el nombre del siguiente cantante y los hermanos Van Halen confirmaron que alguna vez se pensó en invitar a varios artistas para que interpretaran las canciones de su siguiente disco.

Pero en ese mismo año, mientras Eddie visitaba el taller para automóviles "Claudio's", comenta con el dueño que esta en busca de un nuevo vocalista a lo que Claudio menciona el nombre de Sammy Hagar, quien también era cliente de dicho taller y Eddie se pone en contacto con Hagar y arreglar una visita al estudio de Eddie para hablar con toda la banda.

Después de una corta junta de negocios, Eddie comienza a tocar una canción en la que estaba trabajando en esos momentos y Hagar comienza a cantar una letra inventada, esta canción más tarde se convertiría en el sencillo "Summer Nights" incluida en el siguiente álbum que es lanzado en 1986 titulado "5150" del cual se desprendieron otros sencillos, como "Why Can't This Be Love?", "Dreams" y "Love Walks In" que seguían con la marcada ejecución de sintetizadores por parte de Eddie.

El periodo de Van Halen con Sammy Hagar fue marcado por 2 corrientes opuestas: La expansión del éxito comercial de la banda y la aceptación de una audiencia mayor, pero al mismo tiempo se sentía un creciente resentimiento por la salida de Roth. La sensibilidad musical de Hagar permitió a Van Halen obtener acceso a una audiencia mayor, con letras que eran más introspectivas y soñadoras. Esto acompañado con una instrumentación ampliada de Eddie, quien demostró elementos más firmes y temáticos y una mezcla avanzada de texturas musicales en cada canción. El resultado fue un sonido más maduro e integrado, muy diferente al pesado y cargado sonido rockanrolero de los trabajos anteriores del grupo. los seguidores de hueso colorado del "Van Halen Clásico" marcaron al sonido del nuevo "Van Hagar" como muy suave y flojo comparado con la actitud más Rockera de la época con Roth que alguna vez el mismo Roth describió como una mezcla de religión y hockey.

En 1988 y con el lanzamiento del álbum "OU812", Van Halen sale de gira encabezando el festival "Monsters of Rock" en el cual compartían el escenario con las bandas "Kingdom Come", "Metallica", "Dokken" y "Scorpions", teniendo una muy buena respuesta de los seguidores y del publico que llenaban los estadios en que se presentaban.

Durante la estancia de Hagar, la banda estableció una fórmula musical que fue un éxito comercial en los Estados Unidos. Los cuatro álbumes de estudio producidos durante este periodo, alcanzaron el #1 de las listas Billboard. Fue también en esta época en que 17 temas alcanzaron los primeros 12 lugares en las listas de rock. Adicionalmente, Van Halen fue nominado para dos premios Grammy, ganándolo en 1991 por el Mejor Acto de Hard Rock con Vocales por el álbum de 1990 "For Unlawful Carnal Knowledge" producido por Ted Templeman quien produjera los primeros seis discos con David Lee Roth. Van Halen continuo disfrutando de un éxito popular durante los 1990's, mientras que muchas bandas contemporáneas caían del gusto de la gente.

La segunda encarnación de Van Halen también vio crecer el uso de la marca Van Halen, expandiéndose a otros medios con películas de alto presupuesto, grabaciones de conciertos en vivo, y hasta su propia cantina en Cabo San Lucas, México. Si El estilo innovador de David Lee Roth convirtió a Van Halen como líder de todas las bandas de hard rock de ese momento. El estilo más conservador y de hombre trabajador hizo de Van Halen una franquicia y un Icono del Rock.

Por primera vez en la historia de Van Halen, se lanza en 1993 un disco en vivo titulado "Right Here, Right Now" mostrando la energía que el grupo muestra en el escenario, en el año 1987 ya se había realizado una producción en vivo, "Live Without a Net" la cual solo fue lanzada en video.

El último álbum de esta alineación es lanzado en 1995 y lleva como título "Balance", título que refleja el momento en que Eddie busca un balance en su vida y busca desintoxicarse de sustancias.

Durante la grabación de su contribución para la banda sonora de la película "Twister", llevó la tensión entre Hagar y los hermanos Van Halen al máximo, llevando a Hagar a abandonar el grupo en 1996. Hagar comenta que él fue despedido; Eddie Van Halen comenta que Hagar renunció. El último sencillo con Hagar se llamó "Humans Being", en ese mismo álbum Eddie y Alex Van Halen contribuyen con el tema "Respect the Wind".

[1996-1998] La era de la confusión y Gary Cherone

Antes de que Sammy abandonara a la banda, Van Halen ya trabajaba en un álbum de éxitos. David Lee Roth contacta a Eddie para discutir que canciones debían ser incluidas. Eddie pide a David que colaborara con la banda en algunas canciones nuevas para ser incluidas en dicho álbum. El resultado fueron dos canciones: "Can't Get This Stuff No More" y "Me Wise Magic".

El álbum "Best of Van Halen, Vol. I" llegó al #1 de las listas al igual que el sencillo "Me Wise Magic".

El 4 de Septiembre de 1996, Van Halen con David Lee Roth hacen una aparición en la entrega de premios MTV, siendo esta su primera aparición en publico en 11 años, recibiendo una gran ovación del publico asistente, desafortunadamente esta también seria la última aparición del Van Halen Clásico. Mucha gente pensó que David Lee Roth regresaba con la banda pero unos instantes después en una entrevista tras bambalinas, Eddie negaba que tuvieran alguna gira o álbum en puerta con Roth y días más tarde en un comunicado, David informaba que no estaba de regreso con Van Halen, aun cuando el sentía que así se lo hizo creer Eddie Van Halen. Esto solo creo mucha controversia entre los fans y Van Halen no contaba una vez más con vocalista principal.

Ray Danniels, quien ahora manejaba a la banda, también manejaba a la Banda de Boston "Extreme" (ahora separada) y sugirió a Gary Cherone como el nuevo vocalista para Van Halen, Gary se reunió con Van Halen y tocaron algunas canciones del Van Halen Clásico y fue admitido inmediatamente. El resultado de esta nueva agrupación fue el álbum "Van Halen 3" que fue lanzado el 17 de Marzo de 1998 llegando hasta el lugar 4 de las listas de éxitos y el sencillo "Without You" debuto como #1 en las listas de Billboard.

Esta agrupación no duraría mucho, los fans y el publico no respondieron muy bien hacia el nuevo álbum que ha vendido hasta la fecha, alrededor de 500,000 copias, siendo este el único álbum de Van Halen que no ha llegado al estatus de disco de platino. Además la gira para soportar dicho álbum no tuvo el éxito que se había tenido con anterioridad, aun cuando Gary mostraba una gran energía en cada presentación e interpretaba canciones de todas las eras por las que la banda había pasado. (Hagar se negaba a cantar muchas de las canciones de David Lee Roth)

Nunca se sabrá el motivo real de la separación de Cherone de la agrupación en 1999, muchos especulan que los ejecutivos de Warner Brothers persuadieron a los Hermanos Van Halen para terminar con Cherone por las bajas ventas del disco Van Halen III. La separación fue amistosa y pacífica a diferencia de las separaciones anteriores.

[1999-2004] Seis años de silencio

Con la decepcionante actuación del álbum "Van Halen 3" y la salida de Gary Cherone, parecía que Van Halen se encaminaba a los libros de historia. Entre 1999 y 2004 la banda no lanzo ningún álbum y no había información oficial sobre el futuro de Van Halen. Noticias y rumores sobre los miembros pasados y actuales surgían de vez en cuando siendo estas las más sobresalientes.

- En 2001, Eddie Van Halen se sometió a una operación de cadera.
- En 2002, Warner Brothers terminaba su contrato con Van Halen, después de haber lanzado todos sus álbumes desde 1978.
- Eddie Van Halen recibe tratamiento contra cáncer.
- Se anuncia la separación del matrimonio de Eddie Van Halen con la actriz Vallerie Bertinelli después de 21 años.
- En 2004, David Lee Roth gira una demanda en contra de Van Halen, sus representantes y la compañía de discos por no ser participe de las renegociaciones de regalías en 1996.
- Eddie Y Alex continúan trabajando en canciones para nuevos álbumes.
- Michael Anthony tiene varios proyectos de mercadotecnia de productos y está involucrado con el show anual de la industria de la música Namm, se presenta como invitado en algunos conciertos de Sammy Hagar y saca al mercado una línea de salsas para cocktail.
- Desde 1996 David Lee Roth continua lanzando álbumes, saliendo en giras, se presenta como comentarista de radio, además de participar con los Boston Pops el 4 de Julio de 2004. En 2005 recibe la certificación como paramédico y en 2006 reemplaza a Howard Stern en la radio matinal de la costa este de los EE.UU. estando únicamente 4 meses al aire.
- Gary Cherone graba y sale de gira con su nueva banda "Tribe of Judah"
- Sammy Hagar es el más activo con varios lanzamientos y giras, además de sacar al mercado el Tequila "Cabo Wabo" y tener la franquicia de cantinas en Cabo San Lucas, México y en Lake Tahoe, Nevada.
- En 2002 David Lee Roth y Sammy Hagar salen de gira juntos, siendo un éxito con llenos totales en cada presentación, durante esta gira, Michael Anthony se unía en algunos conciertos con Sammy Hagar para tocar algunas canciones pero nunca se unió en la parte de las presentaciones de David Lee Roth.

Reunión con Sammy Hagar (2004)

En Marzo de 2004, Van Halen anuncia el lanzamiento de un nuevo álbum de éxitos y una gira solamente dentro de los Estados Unidos de América con Sammy Hagar, Warner Brothers lanza el álbum "Best of Both Worlds" conteniendo tres nuevos temas con Hagar "It's About Time", "Up For Breakfast" y "Learning To See". Este álbum de éxitos incluye únicamente temas de la época con David Lee Roth y la época con Sammy Hagar excluyendo totalmente la época con Gary Cherone. El publico reacciona bien a esta nueva gira. Pero una vez más los fans y el publico no saben sobre el futuro de Van Halen, desde el término la gira en Noviembre de 2004, la banda vuelve a sumirse en un silencio total. Muchos fans mantienen la esperanza de que David Lee Roth regrese a la banda para una última gira de despedida.

La nueva epoca con David Lee Roth (2007 - )

El 13 de Agosto de 2007, Van Halen anuncia en una rueda de prensa su nueva gira por USA y Canada con David Lee Roth como vocalista y Wolfgang Van Halen en el bajo.

En la rueda de prensa se menciono que piensan dar conciertos alrededor del mundo y que habra una nueva producción discográfica muy pronto.

Miembros

- Wolfgang Van Halen, Bajo
- Alex Van Halen, Batería y percusiones, coros
- Edward Van Halen, Guitarra, Sintetizador, Piano, coros
- David Lee Roth, Vocalista principal

Miembros pasados

- Sammy Hagar, Vocalista principal (1985-1996), (2004)
- Gary Cherone, Vocalista principal (1996-1999)
- Michael Anthony, Bajo (1974-2004)

Discografía

- Van Halen (1978)
- Van Halen II (1979)
- Women and Children First (1980)
- Fair Warning (1981)
- Diver Down (1982)
- 1984 (1984)
- 5150 (1986)
- OU812 (1988)
- For Unlawful Carnal Knowledge (1991)
- Live: Right Here, Right Now (1993)
- Balance (1995)
- Greatest Hits: Best of Van Halen Volume I [éxitos] (1996)
- Van Halen 3 (1998)
- The Best of Both Worlds [éxitos] (2004)

Pagina: http://www.van-halen.com

Joan Manuel Serrat

Joan Manuel Serrat i Teresa (*Barcelona, 27 de diciembre de 1943) es un cantautor español, una de las figuras más destacadas de la canción moderna tanto en lengua española como catalana. Algunos de sus temas de más éxito han sido poemas musicalizados basados en las obras de algunos de los más laureados poetas de ambas lenguas (como Antonio Machado, Miguel Hernández, Joan Salvat-Papasseit, Mario Benedetti, Eduardo Galeano).

Biografía

Nació en el barrio barcelonés del Poble Sec, conocido con el sobrenombre de "El noi del Poble Sec", miembro de una familia obrera. Su padre fue un anarquista catalán afiliado a CNT y su madre ama de casa originaria de Belchite (Zaragoza). Serrat realizó estudios de perito industrial a la vez que tocaba la guitarra. En 1965 se recibe de ingeniero agrónomo y se presenta en el programa Radioscope que presentaba Salvador Escamilla en Radio Barcelona para interpretar una de sus canciones. Poco tiempo después le llamaron para ofrecerle un contrato y grabar su primer disco.

Serrat fue uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la Nova Cançó catalana, siendo miembro del grupo Els Setze Jutges, grupo de cantantes en lengua catalana que tienen como referente a la chanson francesa (Jacques Brel, Georges Brassens, Léo Ferré...) y que defienden la lengua catalana durante la dictadura franquista. Cuando, a finales de los sesenta Serrat comenzó a cantar en castellano, a aparecer en portadas de revistas de fans y a hacer películas, algunos de sus «seguidores de siempre» lo consideraron un traidor de la causa catalanista.

En 1968 se anunció que Serrat sería el representante de España en el Festival de Eurovisión. En cuanto a la canción a interpretar, se barajaban dos: "El titiritero", del propio Serrat, y La, la, la. Al final se decidió que la representante de España fuese esta última, al considerarse más festivalera. El tema no fue compuesto por Serrat, sino por el Dúo Dinámico, quienes, sin embargo, al componerla tuvieron en mente algunos temas y el estilo poético por los que se habían destacado las letras de Serrat: el canto a las cosas sencillas de la vida: la madre, la tierra, el despertar de un nuevo día, la naturaleza...

Tras grabar la canción en estudio en varios idiomas (y hacer el equivalente de entonces a los vídeo clips actuales) destinadas a distintas cadenas de televisión europeas, se anunció que Serrat no iría a Eurovisión. La versión más extendida —y que Serrat nunca ha negado— sobre a qué se debió este insólito hecho es que Serrat había decidido no cantarla si no podía hacerlo en catalán, a modo de plante que pretendía llamar la atención sobre la situación marginal en la que se mantenía a la lengua catalana. Para otras personas, sin embargo, fue una maniobra publicitaria. Así, según indica Ángel Casas en su libro 45 revoluciones en España, lo que realmente pasó es que su representante, José María Lasso de la Vega, decidió hacer un intento para que el cantante recuperara su público más catalanista, que estaba, poco a poco, perdiendo. Se trataba de que Serrat cantara un verso de la canción en catalán durante el festival. El audaz manager pensó que la mejor manera de conseguir eso sería decir que el cantante exigía cantar toda la letra en catalán para, más tarde y tras una supuesta negociación con las autoridades, llegar a un compromiso que le permitiera al menos cantar el ansiado verso y contentar así a la audiencia «de casa». Sin embargo, este plan falló.[cita requerida]

Parece ser que a Franco no le gustó nada la idea, lo que le valió a Serrat un prolongado veto en la radio y la televisión nacional. Su puesto en el festival fue cubierto por una jovencísima Massiel, que sólo tuvo unos pocos días para ensayar y promocionar la canción y que además se llevó el premio con el mismo tema.

En 1969 nació su primer hijo, Queco, y realizó su primera gira por Sudamérica, algo que se transformó en una costumbre de ahí en adelante. Ese mismo año publicó el disco titulado Dedicado a Antonio Machado, poeta y, en 1970, Mi niñez; de este ultimo disco dos canciones no saldrían ilesas de las tijeras de la censura franquista, como son "Fiesta" y "Muchacha Típica", que serían editadas en su versión original en Latinoamérica, quedando las modificadas para España. De este periodo también es "Edurne" que solo sería publicada tímidamente en 1974, y aún así no resistió la censura. A finales de 1970 se encerró en el Monasterio de Montserrat, en Barcelona, junto a un puñado de intelectuales y artistas, en señal de protesta por el proceso de Burgos y en contra de la pena de muerte. Según cuenta la leyenda, en aquel encierro compuso la canción "Mediterráneo" a la que supuestamente tituló en un principio "Observo a los animales" (Nací en el mediterráneo). Este dato guarda ciertas reservas por tratarse de un periodo confuso en la biografía de Serrat, pero la coincidencia en la métrica y testimonios de músicos contemporáneos mantienen vivo el rumor, si bien hay quien sostiene que dicha canción fue compuesta durante unos días de descanso pasados en la Costa Brava en la Semana Santa de aquel año.

En 1971 editó definitivamente Mediterráneo, uno de sus álbumes más importantes. A este disco pertenece la canción Aquellas pequeñas cosas, que contiene una de sus letras más personales y evocativas.

Al año siguiente su disco de homenaje Miguel Hernández rindió tributo a uno de los grandes poetas de las letras hispanas. En 1973, publica el LP "Per al Meu Amic" en Catalán. Finalmente, en 1974 se le retiró el veto en Televisión Española.

En 1975, a raíz de unas declaraciones suyas, tuvo que exiliarse durante un año en México, debido a la orden de busca y captura que se emitió contra él. Además, tal y como ya había ocurrido en 1968, sus trabajos fueron retirados y censurados por el régimen. Especialmente afectado se vio su recién estrenado disco "...para piel de manzana", el primero que grabaría para la casa discográfica Ariola.

En 1977 publica el disco-homenaje al poeta catalán Joan Salvat-Papasseit titulado "Res no es mesquí" (Nada es mezquino), con arreglos del músico Josep Maria Bardagí.

En 1978 contrajo matrimonio con Candela Tiffón y un año después nació su hija María. En 1980 aparece su disco Tal Com Raja ("Tal como sale" en Español). En 1981 publicó En tránsito, con el que consiguió situarse en lo más alto de las listas españolas y dar un aire maduro y renovado a su obra. En 1983 salió a la luz Cada loco con su tema y realizó una gran gira por Sudamérica excepto Chile, donde fue censurado por el dictador Pinochet. En Argentina, con la retirada inminente de la dictadura del Proceso de Reorganización Nacional, su recital en el Luna Park constituyó en un acontecimiento histórico que simbolizó la victoria de la democracia[1]. Ese mismo año se publica un LP doble que contenía la gira 83 por España: "En Directo"

En los años siguientes publicó El sur también existe (1985) musicalizando poemas del uruguayo Mario Benedetti, Bienaventurados (1987) , "Material Sensible" (1989, en Catalán; Último disco en que trabajaria Capgròs) Utopía (1991) y Nadie es perfecto (1994) . En 1996 se unió a Víctor Manuel, Ana Belén y Miguel Ríos para realizar una gira por toda España con el espectáculo titulado El gusto es nuestro, que fue llevado por varios países de América en 1997.

A finales de 2003 lanza al mercado Serrat Sinfónico en colaboración con la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya, bajo la dirección musical del maestro Joan Albert Amargós. En esta producción presenta 15 temas ya conocidos y uno nuevo, el poema de Federico García Lorca "Herido de Amor" que Serrat había musicalizado con anterioridad para Ana Belén.

En 2004 El Periódico de Catalunya le otorgó el premio "Català de l'Any" en homenaje a sus 40 años de carrera.

En 2005 se le diagnosticó un cáncer de vejiga que superó con facilidad. El 15 de marzo de 2006 recibió el título de doctor honoris causa de la Universidad Complutense de Madrid por su contribución a la cultura española en general y catalana en particular y, diez días después, la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo por toda su trayectoria profesional. El 18 de abril de 2006 publicó el disco "Mô" con canciones en catalán. Su primera producción en esa lengua en 17 años. Durante los siguientes meses, Serrat recorrería los escenarios de España promocionando su disco. Mô es el nombre que los locales dan a la ciudad de Maó, en Menorca. Localidad en donde Serrat tiene una casa y pasa los veranos.

En el 2007 El Periódico de Catalunya publica la colección "Serrat Personal" con 16 discos escogidos por el cantautor y con narraciones escritas por él mismo en las que comenta varios aspectos de los discos y de las personas que participaron en ellos. Asimismo en 2007, realiza una gira conjunta con el cantautor Joaquín Sabina con el título "Dos pájaros de un tiro" que se inicia en Zaragoza el día 29 de junio de 2007 y finaliza el 14 de diciembre en Buenos Aires (Argentina) después de 72 conciertos.

Pagina: http://www.jmserrat.com

Ismael Serrano

Ismael Serrano Morón (Madrid; 9 de marzo de 1974), cantautor español de la nueva generación de cantautores aparecida en los años noventa. Sus letras son una mezcla de canciones de amor y desamor y música reivindicativa, propias de la canción de autor. No en vano, entre otras, reconoce influencias de Serrat, Aute, Joaquín Sabina o Silvio Rodríguez, así como de poetas de la talla de Luis García Montero o Mario Benedetti.

Biografía

Ismael Serrano nació en el barrio de Vallecas (Madrid) el 9 de marzo de 1974. Estudió Física en la Universidad Complutense de Madrid y en esta época empezó a tocar en los locales madrileños del circuito de la canción de autor, como el Libertad8 o Galileo, dándose a conocer hasta el punto de que la coexistencia entre ciencia y música se hizo incompatible y dejó sin concluir una carrera universitaria que le estaba comenzando a desencantar. En 1997 grabó su primer álbum, Atrapados en azul, en el que recuperaba la canción protesta y que incluye su canción más conocida, Papá cuéntame otra vez y otros temas como Vértigo o Un muerto encierras. Con su primer trabajo consiguió el disco de platino en España y se dio a conocer en América Latina (disco de oro en Argentina).

Continuó su carrera con su segundo disco, La memoria de los peces (1998), con el mismo éxito y volvió a conseguir el disco de platino en España. En este disco Ismael se preocupaba por los problemas de América del Sur en canciones como Vine del norte y A las madres de Mayo.

En 2000 publicó su tercer trabajo Los paraísos desiertos, disco con el que evolucionaba musicalmente introduciendo nuevos ritmos como el jazz. Con este álbum también consiguió el disco de platino y además una nominación a los Premios Goya a la Mejor Canción Original por Km. 0, canción incluida en la banda sonora de la película de mismo nombre, dirigida por Juan Luis Iborra y Yolanda García Serrano.

En este periodo Ismael Serrano colaboró en diversos álbumes, algunos solidarios como Son de niños (2000), Un barco de sueños, donde varios cantautores interpretaban y musicaban letras de Pablo Guerrero, o Encuentros en la Habana (2001), junto con grandes artistas como Víctor Manuel, Serrat o Pablo Milanés; en homenajes a otros músicos como en el Mira que eres canalla, Aute (2000), Luar na Lubre, o su inseparable compañero Javier Bergia en su disco 25 años.

Su cuarto álbum, La traición de Wendy, llegó en 2002 mezclando diferentes estilos como la bossa nova, de nuevo el jazz y el blues, en el tema Fue terrible aquel año. Consiguió dos discos de oro, en España y Argentina y llegó directamente al número 1 en las principales tiendas musicales madrileñas. Tras la salida de este disco comenzó una gira que le llevó por toda España y Sudamérica visitando México, Chile, Argentina, Uruguay, Perú, etc. consiguiendo un gran éxito. Más tarde tendría su segunda experiencia cinematográfica al participar en la película de Marcos Loayza "El corazón de Jesús", donde actuaba en un pequeño papel, tocando varias canciones, algunas de ellas compuestas expresamente para la cinta.

Con los atentados del 11-S y el inicio de la guerra de Irak en marzo de 2003 Ismael Serrano encontró nuevos temas para su música reivindicativa, y compuso canciones como Aquella tarde o Zona Cero, que habla de gran parte de los conflictos silenciados en el mundo. Estos temas se incluyeron en su siguiente trabajo, Principio de incertidumbre (2003), doble álbum y DVD en directo que se grabó los días 8 y 9 de septiembre en el Teatro Lope de Vega de Madrid, donde actuó con aforo completo ambos días. En este disco Ismael recuperó sus temas antiguos e incluyó seis temas nuevos, a la vez que consiguió una notable mejoría musical agregando algunos metales a su siempre impresionante banda, en la que durante toda su carrera musical figuran su viejo compañero de conciertos Fredi Marugán, encargado de la mayoría de los arreglos musicales y las guitarras, y Javier Bergia, imprescindible a las percusiones. En este disco en concreto colaboraron diversos artistas como Lichis de La Cabra Mecánica, Pedro Guerra, Aute o el propio Javier Bergia, interpretando todos ellos dúos con el autor. Con Principio de Incertidumbre consiguió de nuevo sendos discos de oro en España y Argentina y el álbum se editó en otros cuatro países de América Latina y por primera vez en Estados Unidos. La gira Principio de Incertidumbre duró hasta finales del año 2004 y recorrió de nuevo sus habituales destinos, mientras preparaba su siguiente disco.

En marzo de 2004 se vio obligado a suspender un concierto en Barcelona por los atentados de Madrid, que le tocaron muy de cerca al ocurrir en su barrio, Vallecas. Al día siguiente se publicó en algunos periódicos españoles una carta al director en la que Ismael expresaba su dolor ante tal atrocidad. Este suceso le llevó a componer un nuevo tema Fragilidad que se editó en Naves ardiendo más allá de Orión (2005), su quinto álbum con el que volvió al estilo de canción de autor y recuperó dos temas antiguos que no habían sido editados, Allí y Ya nada es lo que era, e incluyó nuevas canciones que muestran sus inquietudes (El virus del miedo) y de nuevo la música reivindicativa, Dulce memoria. De nuevo consiguió un gran éxito de ventas con un nuevo disco de oro en España y Argentina, y comenzó la gira de presentación del disco que culminó (luego de más de 100 actuaciones) en marzo de 2006 con un concierto en Madrid y una gira por diversas localidades de Cataluña.

Con motivo del décimo aniversario del comienzo de su carrera salió a la venta El viaje de Rosetta (2006), que cuenta con los 22 singles que ha lanzado a lo largo de su carrera discográfica, un cd de rarezas, donde incluye temas inéditos y un DVD con sus vídeos.

En 2007 ha creado un sello discográfico llamado Pequod, cuyo primer álbum es un homenaje al cantautor extremeño Pablo Guerrero titulado Hechos de nubes. En el disco colaboran, entre otros, Luz Casal, Joan Manuel Serrat, Quique González y Luis Pastor.

Desde el 11 de junio de 2007, aparecen en Youtube videos que adelantan su próximo trabajo discográfico con pequeños instantes de sus canciones y el relato del propio Ismael. El día 23 de julio de 2007, se da a conocer a través de estos videos el nombre de su nuevo disco titulado Sueños de un hombre despierto, título que hace referencia a la frase de Aristóteles: "La esperanza es el sueño del hombre despierto". La salida de este disco esta presupuestada para el 11 de Septiembre de 2007, fecha que coincide con el Golpe Militar en Chile y el Atentado a las Torres Gemelas en Estados Unidos

Pagina: http://www.ismaelserrano.com

Mötley Crüe

Mötley Crüe es una banda estadounidense de Hard Rock y Heavy Metal. Es considerada por muchos como una de las mejores bandas de heavy metal y hard rock de todos los tiempos, con ventas superiores a los 3 millones de discos en todo el mundo.

Historia

Comienzos en los 80’s

Mötley Crüe fue formada en Los Ángeles en 1981, después de que el bajista Nikki Sixx dejó la banda London que el y Lizzie Grey habían formado en 1979 (después de que Sixx fuera despedido de la banda de Blackie Lawless, Sister). London también fue la primera banda en la que tocaron Izzy Stradlin y Slash (guitarristas de Guns N Roses) y también Fred Coury, baterista de Cinderella. El baterista Tommy Lee tocaba con Greg Leon en una banda llamada Suite 19. Nikki y Tommy decidieron tocar juntos, pero Leon no los acompañaría.

Nikki y Tommy conocieron a Mick Mars por medio de un anuncio clasificado en el periódico que decía “Guitarrista escandaloso, rudo y agresivo disponible”. Lee y Sixx contrataron a Mars prácticamente en el momento que lo conocieron. Tommy Lee y Vince Neil se conocían desde la preparatoria y fue sugerencia de Mars el contratar a Neil, después de verlo con su banda Rock Candy. Al principio, Vince rechazó una audición con Mötley Crüe. Sin embargo, después de que Rock Candy se disolviera, Lee volvió a contactar a Vince, quien esta vez decidió ir a una audición para Mötley Crüe. Mick Mars fue quien contribuyó con el nombre de la banda, ya que era un nombre que había quedado grabado en su cabeza desde que tocaba en su otra banda, White Horse. También existe el rumor de que la banda había considerado el nombre Christmas (Navidad) antes de escoger Mötley Crüe. Según Nikki Sixx en el episodio Behind the Music de la banda en VH1, Christmas fue sugerencia suya, pensando que un nombre familiar y popular atraería a los fans por si solo.

Pronto conocieron a su primer manager, Allan Coffman. El cuñado de Coffman, Robert Crouch, era uno de los técnicos de la banda, y Coffman era dueño de una compañía contratista en Grass Valley, California, buscando invertir dinero en el negocio del entretenimiento. El primer sencillo de la banda fue “Stick to Your Guns/Toast of the Town”, lanzado bajo su propio sello “Leathür Records”. En 1981, su primer álbum “Too Fast for Love”, fue producido por ellos mismos y lanzado en Leathür, con ventas superiores a los 20 mil discos. Coffman y su asistente Eric Greif organizaron un tour por Canadá, mientras que usaban el éxito de la banda en Los Ángeles para negociar con otras discográficas, eventualmente firmando un contrato con Elektra Records en la primavera de 1982. Debido a la insistencia de Elektra, el primer álbum de la banda fue editado por el productor Roy Thomas Baker, y fue lanzado al mercado una vez más el 20 de agosto de 1982. Durante el tour “Crüesing Through Canada ‘82” ocurrieron varios incidentes. El primero fue el arresto y liberación de la banda en el Aeropuerto Internacional de Edmonton. La causa fue que la banda llevaba puesto sus trajes con púas y picos en la aduana y que el equipaje de mano de Vince Neil estaba lleno de revistas pornográficas. Estos artículos fueron confiscados y destruidos por ser “armas peligrosas” y “material indecente”. Después hubo una amenaza de bomba contra la banda, que finalmente resulto ser un stunt publicitario de Eric Greif. Finalmente, Tommy Lee arrojó un televisor por la ventana del Sheraton Caravan Hotel. En 1983 la banda cambió de manager a Doug Thaler y Doc McGhee. McGhee es conocido también por ser manager de KISS, comenzando su tour de reunión en 1996.

Después de tocar en el US Festival, la banda comenzó a ganar popularidad. Eran conocidos, además de por su música, por sus vestiduras alocadas, tacones altos, maquillaje y su aparentemente infinito abuso del alcohol y las drogas. La mezcla que crearon entre metal y glam rock produjo varios exitosos discos durante los 80’s, incluyendo Shout at the Devil en 1983, Theatre of Pain en 1985 y Girls, Girls, Girls en 1987.

La banda también tuvo dificultades en su vida y con la ley. En 1984, Vince Neil estrelló su automóvil en el camino a la licorería. Su pasajero Nicholas Dingley, baterista de Hanoi Rocks, murió en el accidente. Vince fue acusado de manejar en estado de ebriedad y homicidio vehicular, sentenciándolo a 30 días en prisión (de los cuáles solo cumplió 18). En 1987, Nikki sufrió de una sobredosis de heroína casi fatal. En el camino al hospital fue declarado muerto, pero un médico decidió darle dos inyecciones de adrenalina al corazón, con lo cual resucitó. Esa experiencia sirvió de inspiración para la canción “Kickstart my Heart”, que logró la posición #18 en Estados Unidos y fue incluida en el álbum Dr. Feelgood. Sus estilos de vida decadentes casi acaban con la banda, hasta que Doug Thaler y Doc McGhee intervinieron y se rehusaron a permitir que la banda se fuera de tour a Europa, temiendo que “algunos de ellos regresaran en bolsas de cadáveres”. Tiempo después, todos los miembros de la banda entraron en rehabilitación, excepto Mick, quien se rehabilitó por sí mismo. Después de lograr sobriedad en 1989, Mötley Crüe alcanzó su máxima popularidad con el lanzamiento de su quinto álbum, Dr. Feelgood, el 1 de septiembre de 1989. El 14 de octubre de ese año se convirtió en su único álbum No. 1, y se mantuvo en el Top 100 de billboard por 109 semanas después de su lanzamiento. Con la salida al mercado de "Dr. Feelgood", los miembros de la banda dieron total rienda suelta a su amor por los tatuajes. Nikki Sixx se decoró un brazo y mitad del otro, de igual manera los demás miembros se hicieron famosos por sus lejendarios tatuajes. Un ejemplo de ello es el famoso escorpión en la mano derecha de Mick Mars, el cual, según el guitarrista, le ayuda a ejecutar los ritmos más electrizantes en la guitarra. En 1989, Doc McGhee fue despedido por no cumplir promesas a la banda sobre el Moscow Music Peace Festival. Durante este tiempo los "Crüe" eran reconocidos mundialmente como grandes musicos. En especial Nikki y Tommy, quienes año tras año, parecia, ganaban los premios de revistas reconocidas como Circus Magazine y Hit Parader. Es necesario mencionar que ni Tommy Lee, ni Mick Mars, así como el mismo Nikki Sixx recibieron alguna vez clases de musica.

Década de los 90’s

El 14 de octubre de 1991, la banda lanzó su sexto álbum, una recopilación titulada Decade of Decadence, que, a pesar del poco apoyo de la disquera, vendió 2.5 millones de copias y llego al puesto 2 del Billboard. El álbum era algo que darle a los fans mientras trabajaban en su nuevo disco. Sin embargo, Vince abandonó la banda en febrero de 1992. Actualmente existe controversia sobre si Vince renunció o si fue despedido. Nikki Sixx sostiene que Vince renunció, mientras que Vince dice que fue despedido. Vince fue reemplazado por John Corabi (antes de Angora y The Scream). El éxito comercial durante los 90’s se tambaleó, aun que el álbum Mötley Crüe de 1994 logró llegar al número 7 en EE.UU. Doug Thaler continuó como manager hasta 1994, cuando la banda hizo un gran número de despidos por que su álbum no logró el éxito esperado.

La banda se reunió en 1997, después de que su actual manager Allen Kovac y Bert Stein, manager de Neil, arreglaran una reunión entre Vince, Tommy y Nikki. La banda lanzó un nuevo álbum, Generation Swine, que debutó en el número 4. A pesar de que la banda participó en los American Music Awards, el álbum fue otro fracaso comercial, principalmente por la falta de apoyo de Elektra Records. La banda decidió dejar Elektra y crear su propio sello, Mötley Records.

En los noventas, Mötley Crüe tal vez era más conocido por las mujeres con las que tres de sus miembros estaban casados. Tommy y Nikki se habían casado con estrellas de Playboy y actrices de la serie de televisión Baywatch (Guardianes de la Bahía). Tommy estaba casado con Pamela Anderson y Nikki con Donna D’Errico. Además, Vince se había casado con la modelo Playboy Heidi Mark. Los matrimonios de Tommy y de Vince terminaron en divorcios, y D’Errico solicitó divorciarse de Nikki a principios de 2006.

En 1994, la hija de Vince, Skylar Neil, murió de cáncer. Vince y su ex-esposa Sharise Ruddell después demandaron a la compañía Rocketdyne por disponer de deshechos causantes de cáncer cerca de su hogar en Simi Valley. Tommy después iría a prisión después de ser acusado de abusar de su esposa Pamela Anderson.

En 1998, el contrato de Mötley Crüe con Elektra expiró, dándole a la banda el control total de su futuro. Esto incluía los derechos a todos los álbumes de la banda. En 1999 la banda volvió a lanzar todos sus discos, en una versión limitada y digitalizada que incluía demos y canciones antes no incluidas.

En 1999, Tommy dejó la banda para buscar una carrera como solista, debido a la tensión creciente entre el y Vince. Fue reemplazado por Randy Castillo, que había trabajado antes en varios discos de Ozzy Osbourne. Randy murió de cáncer el 26 de marzo de 2002. No se nombró ningún reemplazo, lo que dejo a la banda en pausa después de un tour en el 2000 para promocionar su disco New Tattoo. New Tattoo llegó a la posición #41 y vendió menos de 150 mil copias. Samantha Maloney fue la baterista durante el tour para este álbum. Maloney es conocida por su trabajo con Courtney Love en 1998. En el 2004 Maloney regresó a trabajar con Love para la promoción del álbum America’s Sweetheart. Mötley Crüe lanzó el DVD Lewd, Crüed, & Tattoed, después de una aparición en Salt Lake City.

Mötley Crüe en el nuevo milenio

En los años siguientes, Nikki tocó en las bandas 58 y Brides of Destruction, mientras que Tommy formó Methods of Mayhem y mantuvo su carrera como solista. Vince continuó de tour, cantando principalmente canciones de Mötley Crüe. Mick, que sufre espondilitis anquilosante, se mantuvo en aislamiento desde el 2001. En el 2001, una autobiografía titulada The Dirt contaba toda su historia. El libro llegó al top ten de la lista los más vendidos del New York Times, y se mantuvo 10 semanas en esa posición. También presentó a la banda a una nueva generación de fanáticos. The Dirt se ha convertido en un libro sagrado y “Biblia” para roqueros de todo el mundo y se planea convertirlo en una película a través de Paramount Pictures y MTV Films.

Un promotor en Inglaterra, Mags Revell, comenzó la promoción para que Mötley Crüe se reuniera, mostrando que tanto querían los fanáticos que eso sucediera. Después de varias reuniones con los managers, en septiembre de 2004, Nikki anunció que el y Vince estaban de regreso en el estudio trabajando con nuevo material. En diciembre de 2004, los cuatro miembros originales anunciaron un tour de reunión que comenzó el 14 de febrero de 2005 en San Juan, Puerto Rico. La última recopilación de la banda, Red, White & Crüe, fue lanzada en ese mismo mes. Este álbum doble incluye las canciones originales favoritas de los miembros junto con tres canciones nuevas: “If I Die Tomorrow”, “Sick Love Song” y un cóver de los Rolling Stones, “Street Fighting Man”. Hubo una controversia en la que se rumoraba que ni Tommy Lee ni Mick Mars tocaban en las nuevas canciones. Sin embargo, un documental de VH1 mostró lo contrario. El disco incluye una canción adicional en su lanzamiento en Japón, la canción es “I’m a Liar (and That’s the Truth)”. Red, White & Crüe llegó a la posición #6 y está certificado como disco de platino.

La influencia de Mötley Crüe

Mötley Crüe es mencionado frecuentemente como inspiración de muchos artistas contemporáneos. Entre ellos están Green Day, Moby, Murderdolls, The Living End, Mana, Wednesday 13, Papa Roach y Marilyn Manson. También han sido víctimas de parodias por artistas como Bowling for Soup, Beck, Red Hot Chilli Peppers y Backstreet Boys debido a su look de glam rock durante los comienzos de la banda.

Además de su música, Mötley Crüe estableció el comportamiento decadente del rock. Desde el lanzamiento de The Dirt, la banda ha sido conocida como una de las más decadentes y autodestructivas en la historia del rock.

Pagina: http://www.motley.com

Las Pelotas

Formacion:

Alejandro Sokol: voz y guitarra
Gabriela Martínez: bajo y coros
Germán Daffunchio: guitarra y voz
Gustavo Jove: batería
Tomás Sussmann: guitarra y coros

Las Pelotas es una de las dos bandas en las cuales se convierte Sumo tras la muerte de su líder, Luca Prodan. Con una actitud mucho más cerrada que la de Divididos (la otra rama), más antistablishment, logró mantenerse con cierto prestigio dentro del circuito underground, pero sin obtener el éxito masivo de su hermano.

En 1990 se establecieron en Córdoba. Germán Daffunchio (guitarra), Alejandro Sokol (voz), Alberto Troglio (batería) y Willy Robles (bajo) debutaron en Halley, una discoteca de Villa Crespo, ante unas 100 personas. Casi enseguida, Tomás Sussmann y Guido Nilsenson se incorporaron en guitarra y bajo, respectivamente.

"Corderos en la noche" fue el primer disco, con Diego Arnedo y Ricardo Mollo como invitados especiales. «La prensa no nos dio mucha bola, lo único que le importaba era la comparación entre Las Pelotas y Divididos», recuerdan. La placa fue Disco de Oro.

El festival de La Falda fue la primera presentación multitudinaria, en 1992. Encararon luego varias giras por el interior, al tiempo que Benno Guelber se convierte en el nuevo bajista y Alberto Troglio abandona la banda.

Gabriela Martínez en bajo, Gustavo Jove en batería, y Marcelo "Guillespie" Rodríguez en teclados y trompeta marcan la gran renovación de 1993. Las presentaciones en Arpegios y en Cemento son cada vez más seguidas, y más concurridas. En el '94 y luego de mucho trabajo, lanzan "Máscaras de sal", nuevamente Disco de oro. La presentación de este material fue el 4 de junio, en Obras Sanitarias. Repitieron este show en octubre.

Ya para el comienzo de 1995 la banda se integraba por Daffunchio, Sokol, Gabriela Martínez (bajo), Gustavo Jove (batería) y Tomás Sussman (guitarra). Con esta alineación telonearon a los Rolling Stones, durante cinco noches en River: «para nosotros - dice Daffunchio - fueron cinco shows más. Fue una buena experiencia a la que nos resistimos en un principio. Después lo pensamos mejor y ahora nos sentimos satisfechos con haberlo hecho» (Clarín, 02/05/95).

"Amor seco" fue lanzado en 1996 y contrariamente a lo esperado, resultó ser el menos vendido. Fue presentado en Obras y en una larga gira por el interior. El 7 de diciembre graban en vivo La clave del éxito, que contiene dos temas inéditos: La cortina y La clave. Este trabajo resume en vivo los primeros álbumes de la banda.

Sebastián Schachtel se suma en teclados en 1997. En octubre de ese año participaron del show en homenaje a los veinte años de las Madres de Plaza de Mayo, junto a León Gieco, Divididos, La Renga, Los Piojos, Todos Tus Muertos, A.N.I.M.A.L., Attaque '77, Actitud María Marta, entre otros.

A comienzos de 1998 congregaron a 60.000 personas en Buenos Aires Vivo 2, un show gratuito organizado por el Gobierno porteño en los bosques de Palermo. Son nuevamente invitados a tocar en el show de los Stones, en River, en plena grabación de "Para qué".

El trabajo para Todo por un polvo comenzó desde el inicio mismo del '99. «Estuvimos mucho tiempo con este disco -recuerdan -ya que no había ningún tema, y las primeras veces, nos juntabamos a zapar, incluso, cambiandonos de instrumentos, por ahí Germán se sentaba en la batería, Gustavo se colgaba la viola. Arrancamos y terminamos todo en Nono, aunque no fue de una, sino que hicimos cuatro o cinco viajes, y en el mientras tanto, ibamos escuchando lo que habíamos grabado, y lo que nos gustaba, lo retomabamos y le seguíamos dando forma».

"Maxisimple" fue editado a mediados del 2002, como adelanto de lo que sería la octava placa de la banda, que lleva por título "Esperando el milagro".

A mediados de febrero de 2005 editaron "Show", un disco en vivo grabado entre agosto del 2003 y julio del 2004, en Obras Sanitarias, Vieja Usina de Córdoba y El Teatro de Buenos Aires.

"Basta", primer disco de la banda con material inédito en cuatro años, tiene fecha de estreno para marzo 2007.

Discografía

Corderos en la noche, 1991
Máscaras de sal, 1994
Amor seco, 1995
La clave del éxito, 1997
¿Para qué?, 1998
Todo por un polvo, 1999
Selección, 2001
Maxisimple, 2002
Esperando el milagro, 2003
Show, 2005
Basta, 2007

Pagina: http://www.laspelotaspage.com
Fuente: Rock.com.ar

Stevie Ray Vaughan

Steven "Stevie" Ray Vaughan (3 de octubre de 1954 - 27 de agosto de 1990) fue un guitarrista y cantante que fusionó los géneros del blues y el rock en los años 80. Desarrolló un sonido y estilo, basado en artistas como Albert King, Jimi Hendrix u Otis Rush, furioso, crudo y explosivo; que más adelante, fue imitado por innumerables guitarristas quienes lo citan como principal influencia.

Biografía

Stevie Ray Vaughan nace el 3 de octubre de 1954 en el Hospital Metodista de Dallas, Texas. A la edad de 7 tiene su primera experiencia con una guitarra cuando le regalan una guitarra de juguete. En 1963 compra su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack. Lo reproduce tantas veces que su padre lo rompe.

Principios

Stevie continúa tocando de manera semi-amateur hasta 1969, donde entra a la escena del blues en Austin, Texas. En el verano de 1970 forma su primera banda a largo plazo, los Blackbirds, con Stevie y Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna & John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo. A finales de 1971 deja la secundaria y se muda a Austin con su banda, estableciendo su base en un club llamado "Hills Country Club". El único hecho merecedor de ser destacado en los próximos años es que en 1974 Stevie obtiene su destruida Stratocaster, la "Number One" que no dejaría por el resto de su carrera. Hasta 1977 participó de bandas como "The Nightcrawlers", "Paul Ray & The Cobras" (con la que ganó el premio a la banda del año en marzo de 1977) y "Triple Threat Revue".

Hacia septiembre de 1977 Stevie forma su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), con Johnny Reno (saxofón), Jackie Newhouse (bajo) y Fredde Pharoah (batería),(enrique peña vázquez)(guitarra numero uno). Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival.

Montreaux

El 11 de julio de 1981 la banda es filmada tocando en un festival. Al año siguiente el manager de Stevie le da la cinta a Mick Jagger, lo que eventualmente causó que la banda hiciera una función privada en una fiesta de los Rolling Stones en el New York's Danceteria el 22 de Abril de 1982. Poco después de eso la banda hizo la presentación más importante de su carrera cuando tocan en el Festival Internacional de Jazz de Montreux, Suiza, siendo la primera banda no programada de antemano en tocar en este recital. Fueron chiflados pero irónicamente ganaron un premio Grammy por la versión del tema "Texas Flood" en ese recital, y dio lugar a uno de los discos en vivo más increíbles de SRV: "Live At Montreux".

Stevie Ray progresivamente alcanzó el estrellato alrededor de esta época, cuando en 1982 contribuye con un disco de David Bowie y en 1983 es "descubierto" por John Hammond (Responsable de descubrir a Bob Dylan, Billie Holiday y Bruce Springsteen entre otros) luego de escuchar la grabación del recital de Montreux, quien le ofrece un contrato para grabaciones en Epic Records. Solo en 1983 sale su primer álbum, Texas Flood, luego de años de trabajo. Las repercusiones no se hicieron esperar, y Ray Vaughan fue elegido por la revista Guitar Player "Mejor Nuevo Talento", "Mejor Álbum de Guitarra (Texas Flood)" y "Mejor Guitarrista de Electric Blues", ganando 3 premios en un año, siendo necesario destacar también que era un debutante en la industria.

En 1984 es lanzado su segundo álbum: "Couldn't Stand The Weather". Ese mismo año, en el 4 de Octubre, Stevie cumple 30 años, y los festeja con un enorme recital en el Carneghie Hall de New York, con los invitados Jimmie Vaughan (2da guitarra, hermano de Stevie), Angela Strehli (voces), Dr. John (piano) y George Rains (batería). Stevie le dice al público que es el mejor cumpleaños de su vida. Más tarde ese mismo año, el 18 de noviembre, Stevie gana dos National Blues Award por "Best Entertainer" (la traducción más precisa sería "Mejor Showman") y "Mejor instrumentalista de blues". Es la primera persona blanca en ganar cualquiera de estos premios.

La rehabilitación

El 28 de septiembre Stevie Ray colapsa por abuso de sustancias en Ludwigshafen, Alemania. Se las arregla para hacer dos conciertos más de la gira, pero los próximos 13 son cancelados. Consigue mantenerse sobrio desde el 13 de Octubre hasta su último día. Stevie hace un enorme regreso a la escena en la primavera de 1987, cuando la MTV transmite su recital como parte de la cobertura de las vacaciones de primavera en Daytona Beach, Florida. Stevie aparece también en la película "Back to the Beach" tocando "Pipeline" con Dick Dale, y por último en el especial de TV para Cinemax de B.B. King junto con: Eric Clapton, Enrique Peña, Albert King, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean.

Otras presentaciones en vivo importantes de la época fueron: su presentación en las fiestas inagurales de la presidencia de George Bush el 23 de enero de 1989 y su presentación en los MTV Unplugged tocando "Rude Mood", "Pride And Joy" y "Testify" en guitarra acustica de 12 cuerdas. En 1990 se lanza su disco "Family Style", que graba junto con su hermano.

El accidente

El 27 de agosto de 1990, un poco antes de la 1:00 AM, un helicóptero que llevaba a Stevie de nuevo a Chicago se estrella segundos después de su despegue. Las 5 personas que iban a bordo mueren. Una investigación posterior declara que se debió a un error del piloto.

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The Kinks

The Kinks fue un grupo musical británico formado en Londres en los años 60 por los hermanos Ray y Dave Davies. Desde sus primeros tiempos estaban muy influidos por el Rock and roll y el Rhythm & blues americanos. En 1964 consiguieron su primer nº 1 en las listas británicas con “You Really Got Me”, su canción más emblemática, dándose a conocer como parte de la Invasión Británica en Estados Unidos (nº 7 en Billboard) Esta canción ha permanecido como una de las más significativas de la década de los 60 y su sonido es considerado precursor del Hard rock.

La evolución como compositor de Ray Davies, llevó al grupo a una segunda época con un sonido mucho más "británico" y Pop, que les proporcionó éxitos como “Sunny Afternoon” o “Waterloo Sunset”. Sus trabajos en estos años han ejercido gran influencia en movimientos tan distintos como el Glam Rock, el Punk, o la New Wave , a pesar de que, en términos de popularidad y apoyo de su discográfica, siempre estuvieron a la sombra de The Beatles, The Rolling Stones o The Who.

En 1970 y tras un período de menor presencia en las listas, alcanzaron su último nº 1 en el Reino Unido con el single “Lola”. Sus problemas con la discográfica Pye les llevó a firmar por RCA, iniciando una fase caracterizada por el rock con tintes teatrales. Debido a la falta de apoyo promocional, el grupo pasó a un segundo plano, sobre todo en su país, lo que hace que se trasladen a los Estados Unidos. Allí firmaron con Arista, discográfica con la que disfrutaron de un nuevo periodo de éxito en el cambio de década y los primeros años 80, éxito que no se volvió a repetir hasta su separación en 1997.

Historia

Formación y primeros años (1963-1965)

Los hermanos Davies crecieron en el barrio de Muswell Hill, en Londres, en una familia numerosa. Ray Davies estudió en el Hornsey College of Art y adquirió experiencia musical como guitarrista en el grupo del Soho Dave Hunt Band, en 1963. El hermano de Ray, Dave, y su compañero de colegio Pete Quaife formaron un grupo y poco después propusieron a Ray que se uniera a ellos. Quaife, igual que los hermanos Davies, tocaba la guitarra, pero decidió pasarse al bajo.

En el verano boreal de 1963, el grupo formado por Ray, Dave y Pete Quaife fue bautizado "The Ravens" ("Los Cuervos") e incorporó a un nuevo miembro, el batería Mickey Willet. Poco después, Willet sería sustituido por Mike Avory, quien había tocado anteriormente con otro grupo que estaba en sus comienzos, los futuros Rolling Stones. The Ravens alternaban sus primeras actuaciones bajo este nombre con otras en las que tocaban como banda acompañante del cantante Robert Wace, con el nombre de "Boll Weevils", inspirado en una canción de Bo Diddley.

Una maqueta con grabaciones del grupo llegó a las manos del productor estadounidense Shel Talmy, quien convenció a la compañía discográfica Pye Records para que les diese la oportunidad de grabar en un estudio. El grupo firmó un contrato para grabar tres discos sencillos, que la compañía tenía la opción de renovar si los resultados eran satisfactorios. Aunque los Kinks tenían varias canciones propias, escritas por Ray Davies (entre ellas, su futuro gran éxito You Really Got Me), la canción elegida para su primer disco fue una versión del clásico de Little Richard, Long Tall Sally, que poco después tuvo un gran éxito en la versión de los Beatles.

Con motivo de su inminente estreno discográfico, Larry Page bautizó al grupo como The Kinks (en traducción aproximada, "los raros") y proveyó a sus integrantes de un llamativo y exótico vestuario, adquirido en Carnaby Street, que el propio Ray Davies describiría después como una mezcla de trajes de Robin Hood con complementos de cuero al estilo de la serie de televisión Los vengadores.[1]

El single se publicó en febrero de 1964, acompañado de una intensa campaña publicitaria. El grupo apareció en el programa de televisión Ready Steady Go!, y fotografías de su actuación se publicaron en la influyente revista New Musical Express. No obstante, no se logró el éxito esperado, ya que la canción sólo alcanzó el número 42 en la lista de éxitos de la revista Melody Maker. Dieron varios conciertos dentro y fuera de Londres, y tuvieron un discreto éxito ante el exigente público de The Cavern, el famoso local de Liverpool desde donde los Beatles habían saltado a la fama. Sin embargo, tampoco el segundo sencillo, "You Still Want Me", editado en abril, logró el éxito deseado. Se vendieron 127 copias.[2] La discográfica advirtió al grupo que un tercer fracaso daría al traste con su incipiente carrera.

El éxito llegó de la mano del tercer single, "You Really Got Me", que alcanzó el número 1 en las listas en el Reino Unido y estuvo entre los diez primeros en Estados Unidos. La canción, una de las más influyentes en la historia del pop y el rock de los años 60 y 70, se basa en un riff de sólo dos acordes que Dave Davies, según la historia varias veces referida por él y por su hermano Ray, consiguió casualmente cuando conectó agujas de coser a su amplificador. Según muchos críticos, You Really Got Me puede considerarse la primera canción de hard rock de la historia. En la grabación del tema intervino también Jimmy Page, futuro guitarrista de Led Zeppelin, pero no tocó la guitarra, sino únicamente la pandereta.

El éxito de You Really Got Me convenció a los directivos de Pye Records de que valía la pena confiar en el criterio de Ray Davies. El éxito volvió a sonreír al grupo en su cuarto sencillo, "All Day and All of the Night", también basado en un efectivo riff de Dave Davies, que llegó al número 2 en las listas británicas y al 7 en las estadounidenses.

El grupo continuó su ascendente carrera, y en los dos años siguientes editó tres álbumes ("Kinks", en octubre de 1964; "Kinda Kinks" en febrero de 1965; y "The Kinks Kontroversy", en febrero de 1966) y numerosos EPs, al mismo tiempo que realizaban giras interminables, que produjeron tensión en el seno de la banda. A raíz de conflictos con los promotores de la gira por Estados Unidos que realizaron en el verano boreal de 1965, la American Federation of Musicians Union consiguió que se les prohibiese actuar en Estados Unidos durante los cuatro años siguientes, lo que apartó al grupo del mercado norteamericano, el más grande del negocio musical.

Tal vez por esto, las canciones de Ray Davies se volvieron más introspectivas, ahondando en la tradición musical inglesa, desde el folk hasta el music-hall y diferenciándose progresivamente del trabajo de los grupos británicos de la época. Estos cambios se hicieron evidentes en las canciones "A Well Respected Man" y "Dedicated Follower of Fashion", del álbum The Kinks Kontroversy, donde Ray demostraba su talento para la observación y el estudio de caracteres y el comentario social. El tema satírico "Sunny Afternoon" fue el mayor éxito del verano boreal de 1966 en el Reino Unido, alcanzando el número 1 de las listas de éxitos.

Época dorada (1966-1972)

Tras este breve período de tiempo —verano boreal de 1966— en el que The Kinks "luchó" contra The Rolling Stones por ser la segunda banda británica tras los Beatles y hasta 1972, el cuarteto publicó varios trabajos aclamados por la crítica y con una notable aceptación por parte del público: Face to Face, Something Else, Arthur, Village Green, Lola y Muswell Hillbillies.

"Sunny Afternoon" se incluyó en el primero de estos álbumes, Face To Face, un álbum repleto de canciones acerca de la gente común y de la vida cotidiana. "Dead End Street", una canción de contenido social, se editó como single por la misma época, aunque no aparece en el álbum, y alcanzó un importante éxito.

En mayo de 1967 regresaron con otra de las grandes canciones de Ray Davies, "Waterloo Sunset" ("Puesta de sol en Waterloo"), una canción sencilla y emotiva en la que el cantante observa a la multitud desde su ventana, y describe el encuentro de dos amantes, Terry y July, en la estación de Waterloo. Davies rechazó la interpretación de que los personajes de la canción fueran en realidad los actores Terence Stamp y Julie Christie. En septiembre se publicó su nuevo álbum, Something Else By The Kinks, que continuaba la línea del anterior Face To Face.

A partir de 1972

A mediados de los '70 el lanzamiento de varias óperas rock, no entendidas por buena parte del público, unido al cambio de casa discográfica, se tradujo en un bache para la banda en lo que a ventas se refiere. Se recuperaron algo de éste con una serie de trabajos menores entre 1979 y 1984, gracias a las ventas en Estados Unidos, donde estuvieron vetados hasta finales de los '60 debido a una discusión entre Ray Davies y el director de la federación de músicos americanos.

Pagina: http://www.thekinks.com

Santana

Carlos Alberto Santana Barragán (*Autlán de Navarro, Jalisco, México, 20 de julio de 1947), es un guitarrista mexicano de rock, rock latino y jazz-rock.

Su padre fue violinista en una banda de mariachi, y de joven, Carlos aprendió tocar el violín, pero cambió a la guitarra cuando tenía ocho años. En 1955 su familia se mudó a Tijuana. Santana empezó a tocar en clubes y bares en la zona turística. Se quedó en Tijuana cuando su familia se mudó de nuevo, esta vez a San Francisco, California, pero pronto la siguió. En 1966, ayudó a fundar la Santana Blues Band, eventualmente acortándolo a Santana. La banda empezó a tocar en The Fillmore West, donde muchas de las bandas legendarias de San Francisco tocaban. Su estreno en grabación ocurrió en The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper (Las Aventuras en Vivo de Mike Bloomfield y Al Kooper) con Al Kooper y Mike Bloomfield.

Tras firmar con Columbia Records, Santana sacó al mercado un álbum llamado Santana. El grupo consistió en Carlos Santana (guitarra), Gregg Rolie (piano y voz), Mariano Luis Diaz (Guitarra), David Brown (bajo), Michael Shrieve (batería), Diego Olivarez(maracas)Juan Perez Bruna (corneta)Jose Areas (percusión) y Michael Carabello (percusión). Haciendo una gira para promover el álbum, la banda Santana tocó en Woodstock. La presentación de la escena en Woodstock fue legendaria y aumentó mucho su popularidad. Santana fue un gran éxito, así como Abraxas (1970) y Santana III (1971). La banda original se disolvió. Rolie llegaría a ser un miembro fundador de Journey.

Carlos Santana usó el nombre y una serie de músicos distintos para continuar su gira tras los Estados Unidos, lanzando varios álbumes. Durante este período, Carlos adoptó el nombre "Devadip", conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy. Sacó al mercado muchos álbumes en los 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds. En 1991, Santana apareció en el álbum de Ottmar Liebert Solo Para Ti, en las canciones "Reaching out 2 U" y una grabación nueva de su propia canción "Samba Pa Ti". Fue instalado en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998.

Las guitarras favoritas de Santana son las Paul Reed Smith, entre otras que ha usado se encuentra una Gibson SG con la que toco en el Festival de Woodstock.

En 1992 canceló su contrato con Columbia y después grabó con Polygram y Arista Records.

En 1997 Alex Lora, de la banda rockera mexicana El Tri, invita a Santana para colaborar en una canción titulada "Virgen morena" del disco Cuando tú no estás. Santana aparece tocando la guitarra en esta ya clásica canción de El Tri.

Santana surgió de nuevo en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, que incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, el grupo Mexicano Maná y Sebastián Trepode, el exitoso cantante argentino que grabo por recomendación de Mana. Trepode mantiene una buena relación con Fher Olvera, y eso le permitió grabar en el disco de Santana, acompañando guitarra. Supernatural fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy.

En 2002, Santana sacó al mercado Shaman, revisitando el formato de artistas invitados, incluyendo P.O.D., Seal y Michelle Branch.

En 2005, Santana lanzó su álbum más reciente All That I Am ("Todo Lo Que Soy"). Incluye artistas invitados como Big Boi (de Outkast), Mary J. Blige, Black Eyed Peas, Los Lonely Boys, Sean Paul, Kirk Hammett (de Metallica), Steven Tyler (de Aerosmith) y Robert Randolph.

En 1973, Santana se une sentimentalmente a Deborah King, y es padre de tres hijos: Salvador, Stella y Angelica.

Carlos Santana “ Supernatural”

Hace mucho tiempo antes de escuchar del concepto "Música del Mundo" Carlos Santana la tocaba. En una época cuando rock 'n roll tradicional a base de guitarra surgía de la "Invasión Británica”, llegando a nuevos niveles de popularidad en los mercados de habla inglés y E.U., Santana la instilada con una energía fresca y intensidad emocional profunda que se gano los corazones y toco las almas de millones de aficionados nuevos alrededor del mundo entero. Al fusionar hábilmente los elementos de blues de 12 barras, letras ardientes de rock y ritmos sensuales Africano-Cubano, y mostrando su estilo de guitarrista apasionado y inolvidable, Carlos Santana creyó un sonido único y mágico. Es un sonido que queda-como las notas musicales largas y sustentadas que marcan con distinción a sus arreglados de guitarra para un solo-tan poderoso, conmovedor y significante como siempre, 30 años después de que Carlos primeramente lo compartió con el mundo. Y, es un sonido que ganó a Carlos muchos honores, incluyendo su instalación (junto con el conjunto de Santana) en 1998 a la Rock 'n Roll Hall of Fame, (Galería de la Fama de Rock 'n Roll). En vez de dormirse en sus laureles, Carlos se lanzó en 1999 con excitación renovado. Se reunió con Clive Davis en Artista Records y está obrando un nuevo álbum de lo más moderno.

Titulado "Supernatural," la fecha fijada para el estreno es 16 de junio de 1999, y estela talentos de producción y arte de algunos de los nombres más conocidos en la escena musical de hoy en día. El cuento de Carlos Santana empieza en el pueblo de Autlan, México, donde, a la edad de cinco, Carlos fue introducido a la "música tradicional" por su padre José. Un versado violinista de mariachi y músico con experiencia, él enseño a Carlos los fundamentos de la teoría de música y le dio un entendimiento del valor de una nota. Aunque la excitación de Carlos hacía la música será resplandecido por esta primera experiencia, él rápidamente descubrió los limites de su forma tradicional y quería más. Carlos quería tocar lo que escuchaba en el radio: rock 'n roll.

La familia mudó a la ciudad creciente de Tijuana en 1955. Carlos, a los ocho años se levantó la guitarra, estudió y emuló los sonidos de B.B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker. Entre poco estaba tocando con conjuntos locales como Los T.J.'s, donde se añadió su propio toque y sentido original a las canciones populares de rock 'n roll de la década del cincuenta. Al continuar a tocar con diferentes conjuntos a lo largo del recorrido "Tijuana Strip," se comenzó a perfeccionar su estilo y sonido. En 1960, la familia de Carlos se mudaron a San Francisco mientras él se quedó en Tijuana para mejorar su pericia musical en los clubes locales. Cuando se mudó al norte después de un año, se encontró matriculado en la escuela, aprendiendo inglés, y queriendo tocar música. En el mismo tiempo, Carlos fue sumergido en el ambiente pintoresco de San Francisco, con sus diversas influencias culturales y estilos musicales. Parecía como que el destino llevó a Carlos al lugar propicio en el momento justo para los conjuntos surgiendo de las calles. Durante los siguientes años, Carlos continuó a evolucionar en su propio estilo musical original-un estilo que llegará de ser el modelo para un nuevo categoría musical. En 1966, esta misma música estalló en las calles de San Francisco con el espectáculo estreno del conjunto de Santana Blues. Durante los siguientes dos años, el conjunto estaban envueltos por una honda de popularidad que les llevó desde las plataformas de Fillmore West en San Francisco a su estreno histórico en el Festival de Woodstock en 1969. Con este espectáculo exaltador, Carlos Santana ya llegó; y con él llegó ambos-un nuevo, poderoso sonido de rock con tono latino y una dedicación intransigente a su música. El mundo adoptó a Carlos con pasión. Estaban fascinados con su música-siempre cambiante, siempre exaltador, siempre creciente-aún siempre consistente y claramente; Carlos. Cada nuevo estreno-incluyendo ocho álbums de oro y siete de platino-llegó de ser un reflejo del crecimiento y evolución personal de Carlos. Los aficionados también fueron encantados con sus mensajes-incitaciones gentiles hacía paz, compasión, alegría y comprensión-que consistentemente nos ha entregado de manera sincera y personal en sus espectáculos en más de 50 países. Y, estaban encantados con el estilo en que toca su guitarra que hasta hoy en día queda entre los más distintivos de todo el mundo. Desde el doble platino álbum de estreno del conjunto de Santana, "SANTANA", y el siguiente de cuádruple platino de "ABRAXAS", hasta el amplio retrospectivo juego encajado, "DANCE OF THE RAINBOW SERPENT", estrenado en 1995... desde las obras solistas exitosas de Carlos, influenciadas por el jazz, al emocionante y sumamente personal "BLUES FOR SALVADOR", a su estreno especial en el álbum de John Lee Hooker, "CHILL OUT"... desde el álbum producido por G&G, "BROTHERS", (que incluyó canciones por Carlos, su hermano Jorge y su sobrino, Carlos Hernández), hasta el estreno en 1996 de "MYSTIC MAN", por compositor italiano, Paolo Rustichelli... desde el vídeo retrospectivo en 1988, "¡VIVA SANTANA!" , hasta el vídeo del concierto en América del Sur en 1993, "SACRED FIRE", al estreno en 1997 del CD-ROM, "THE HISTORY OF SANTANA: THE RIVER OF COLOR AND SOUND" y "SANTANA: LIVE AT THE FILLMORE", un CD doble que muestra sesiones grabadas en los espectáculos del conjunto en 1968 en el club legendario San Francisco... queda claro que Carlos siempre demuestra una pasión intransigente para su expresión musical. Esta pasión lo ha permitido aventurarse en nuevos territorios ambos geográfico y musical, incluyendo escorificar la película principal La Bamba, lanzarse en un recorrido en 1988 con saxofonista de jazz, Wayne Shorter, y participar en el "Rock 'n Roll Summit" de 1987, el primer concierto patrocinado en conjunto entre los E.U. y la Unión Soviética en toda la historia. Además de ser presente para el beneficio de varios causas notables, tales como. "Blues for Salvador", "California Earthquake Relief", huérfanos de Tijuana, los derechos de Gente Indígena, y educación para la juventud latina en sociedad con Hispanic Media & Education Group (HEMG, por sus siglas en inglés). A Carlos se le ha votado el mejor guitarrista de pop-rock en un escrutinio de la revista Playboy y, en 1977, el conjunto Santana fue el primer en ganar honores de CBS Records Crystal Globe Award por haber vendido 5 millones o más álbumes internacionalmente. Recibió un Grammy para el mejor espectáculo instrumental de Rock en 1988 además de ser el sujeto de un concierto de tributo especial patrocinado por N.A.R.A.S. (por sus siglas en inglés) durante la celebración de los Honores de Grammy en 1996 en coyuntura con su inducción dentro el Hollywood Rock Walk. Recibió diez honores de Bammy I incluyendo seis de El Mejor Guitarrista y tres honores de Músico del Año) y, en 1997, fue entre el grupo inaugural, junto con los finados Bill Graham y Jerry García, elegido al Bammy Hall of Fame. En 1996, Carlos recibió Honor de Billboard Century, el honor más alto de la revista Billboard Magazine, para logro creativo, y fue nombrado Leyenda de la Música Latina del Año por el Chicano Music Awards en 1997. Además de sus honores musicales, Carlos también recibió numerosas alabanzas cívicas y humanitarias, incluyendo el Honor de Arthur M. Sohcot en 1997 para Servicio Público y Excelencia en su Espectáculo, en 1997, el honor de Golden Eagle Legend in Music de "Nosotros", un "Honor de Logro Especial" en 1999 la ceremonia de Honores del American Latino Media Arts (ALMA, por sus siglas en inglés). Y, el 17 de agosto de 1998, Carlos recibió el máximo en honores para artistas cuando le dieron su "estrella" en el Hollywood Walk of Fame, (el camino de la fama de Hollywood). Hoy en día, con la venta de más de 40 millones de álbumes y espectáculos ante más de 20 millones de personas, el ilustre de la Galería de la Fama de Rock 'n Roll Hall, Carlos Santana se ha hecho un ídolo mundialmente. A través de sus recorridos anuales-incluyendo un recorrido en 1999 en apoyo de su álbum nuevo producido por Artista Récords-él continúa la entrega de su música de clase especial a los aficionados alrededor del mundo. Es la música que niega la existencia de fronteras geográficas y culturales, música que transciende barreras de idiomas, música que toca directamente el corazón y alma de todos que escuchen. Para Carlos Santana, es una celebración constante del espíritu humano y hermandad universal compartido por todos.

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Nona Delichas

Un par de años después de la desaparición de Quinta Reunión, Claudia Morfin recibió del guitarrista Edgar Amor, un cassette con dos canciones sobre las que el ya venia trabajando (El Umbral y El Hueco en las Horas) para que ella les agregara las letras y las melodías adecuadas.
Satisfechos con el resultado, los dos siguieron creando e invitaron a otros músicos a participar en el proyecto. Mauricio Ruiz en el bajo y a Heriberto Choing en la batería. Poco después se incorporó el violín a cargo de Cesar Valderrama.

Era la época del antagonismo contra las nuevas reglas, la eterna búsqueda de respuestas, el existencialismo y la poesía de Vicente Huidobro. La muerte y la tristeza como un lenguaje, la negación y la sombra como el código y la identidad de una generación. Claudia Morfin escribía bajo la influencia de todos estos elementos mientras sus gustos musicales giraban básicamente alrededor del oscuro catálogo del sello británico 4AD. Justo ahí, en ese punto exacto, nace el concepto Nona Delichas: pop elegante de textura acústica y delicada, de atmósfera sepia y una voz que acaricia pero que no se queda; huye y regresa solo para depositarte una pequeña muerte en las manos.

Poco después vinieron los conciertos en todos los foros de Tijuana y el apoyo positivo de la prensa local no se hizo esperar.

Vino la salida de Edgar Amor y para sustituirlo Mauricio Ruiz le tuvo que ceder el bajo al nuevo integrante Sebastián Ballesteros. Heriberto tambien deja la bateria y en us lugar entra Marco Pedroza.
Llegaron las invitaciones para tocar en el noroeste (La Paz, Sonora y Sinaloa) y el centro de la republica (DF y Guanajuato).

En 1996, se incorpora Guillermo Morfin a la segunda guitarra para intervenir atinadamente con ese ingrediente despeinado que les hacia falta a las canciones. El contraste es hermoso.

Un año después sale al mercado el debut homónimo Nona Delichas (Nimboestatic, 1997) con lo cual provocan que la critica de rock y los medios especializados (La Mosca, Pulse Latino, Planeta, X, Switch, Nuestro Rock, Uno más Uno, El Financiero, Retila, La Banda Elástica, etc.) se atrevan a proponerlos sin lugar a dudas como la banda revelación mas interesante de ese año y su disco como obra básica del rock nacional. La portada es sobria, tan sugerente que se ve como se oye; árboles enredados en la luz de un amanecer triste.

Lamentablemente poco después de sacar Aires de Bocacalle (Nimboestatic 2001) bajo la producción de Fernando Corona (Sonios, Terrestre, Murcof) la banda se desintegra tras ocho años de actividad

Claudia y Guillermo Morfin vuelven a ser complices en Vía Mushgó. En el 2007 editaron su disco debút.

Bulldog

Luego de 3 años sin disco de estudio llega SALVAJE, flamante álbum de BULLDOG; una de las bandas con mayor actividad en vivo, con gran convocatoria en todo el país.

Salvaje es un álbum fresco, con 14 canciones con destino de hit, mas poderosos que nunca y bajo la producción de Michel Peyronel (legendario baterista de Riff), registrado en los estudios del Abasto por Alvaro Villagra, este disco puede calificarse como despojado de cualquier rotulo, dispuesto a patear el tablero. De vuelta a las raíces, SALVAJE, es uno de los lanzamientos mas esperados del año, acompaño por una gran gira nacional y una campaña promocional para todo el resto del 2007.

Caracterizados por tener una ejemplar carrera independiente, unifican fuerzas con Tocka Discos para la edición de su nuevo álbum y se aprestan para una gran gira nacional en la que recorrerán las principales capitales de todo el país desde Jujuy hasta Ushuaia, en donde tienen la particularidad desde hace muchos años de tener una localia en la mayoría de los lugares en donde se presentan. La relación especial entre el grupo y sus fans quedo registrada en una placa doble “Yo estuve ahí …Nosotros también” que fue editado el año pasado y en este momento aguarda su relanzamiento a través de su nueva discográfica.

En Salvaje podemos encontrar diferentes características de la banda , en la parte musical encontramos a una banda sólida con los objetivos bien claros, y en la parte lírica centramos uno de los puntos altos de la banda, con canciones como “los nuevos hijos del rock” una visión sobre la tragedia de cromañon, tema creado el verano del 2005 en donde la banda puso stop a una gira de mas de 10 shows para replantearse como seguir después de semejante fatídica noche , “resistir luchando” canción que sigue en la línea de otro clásico del grupo , como lo es semillero , canciones de tinte mas humanista, comprometido con el prójimo y con lo que los rodea , o su eterna rebeldía en temas como “un ,dos, tres “ en los que simplemente intentan mantener distancia de toda la hipocresía que reina hoy en día ( gobiernos. Instituciones en Gral.)

También podemos encontrar la canción “Un domingo en Madrid” compuesta en la gira que el grupo realizo en España con gran éxito durante Octubre de 2006, en donde realizaron 9 shows para un total de 39.000 personas. En dicha canción participan Rulo y Nando, vocalista y guitarrista de La Fuga, banda española con la que lograron una estrecha relación y con la que planean su próximo desembarco por el viejo continente en Abril 2008.

Bulldog, con mas de 15 años de trayectoria, shows por todo Latinoamérica , discos, videos, y una gran base de fans en todos los rincones del planeta, se encuentran con un claro compromiso, seguir adelante, rockeando como en el minuto cero desde su rosario natal. BULLDOG es uno de los grupos que más tocan en vivo con un promedio de 120 conciertos por año, destacándose por una fuerte puesta en escena y por el enérgico control que manejan sobre el escenario, sus 4 integrantes (Mantu (Voz y guitarra), Willy ( guitarra ), Rata ( Bajo ) y el reciente ingresado Adrián (Batería).

A lo largo de estos años, el grupo se ha presentado en muchos festivales multitudinarios y en los mas destacados de Argentina, como Cosquin Rock ( en donde compartieron escenario con Andrés Calamaro , Attaque 77 entre otros) ante 12.000 personas, Gessell Rock (junto a La Vela Puerca, León Gieco) , Baradero Rock , Patagonia Rock ,

Mientras que en otros países han realizado varias presentaciones importantes destacándose en : La Fiesta de La X ( Montevideo, Uruguay) ante mas de 40.000 personas , en el Estadio Víctor Jara (Santiago de Chile) junto a Siniestro Total y Reincidentes (España) para mas de 4500 personas; en Lima Perú ante 5000 personas en Los Olivos ; también han realizado extensas giras , como en 2003 en Brasil en donde realizaron 13 shows en 15 días y se han presentado con Artistas internacionales como : Misfits , No Fun At All , Marky Ramone & The Intruders, entre otros.

En estos días y conjuntamente con la fuerte rotación de la cancion “Mas y Mas “ (1er corte de Salvaje) la banda comenzara una gira nacional en apoyo al lanzamiento de su nuevo álbum, la que tiene fecha de presentación oficial en Capital Federal el 26 y 27 de Octubre en The Roxy ( Lacroze y Álvarez Thomas)
BULLDOG ES: MANTU / Voz, WILLY / Guitarra, RATA / Bajo, ADRIAN / Batería

Discografia:

Si Yo ( 1995) K7 /cd
Un Lugar Para Juntarnos ( 1996 ) Cd
El Angel De La Muerte ( 1998 ) Cd
Circo Calesita ( 2000) Cd
El Campo De Los SueÑos ( 2002) Cd
Todos Los Perros Van Al Cielo ( 2004) Cd
Yo Estuve AhÍ…nosotros Tambien –parte 1 Y 2 - ( 2006) Cd
Yo Estuve AhÍ….Nosotros Tambien ( 2006) Dvd
Salvaje (2007) Cd

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Carca

Carca es un músico argentino oriundo de Ciudad Evita, provincia de Buenos Aires. Comenzó su carrera músical integrando la banda Tía Newton, donde se encargaba de las letras, las guitarras y la programación. La banda editó tan sólo 2 temas en el compilado Ruido, un cassette en la revista del mismo nombre, el cual contó con la participación de Babasónicos, y posiblemente un material titulado "Corta tus raas secas".

Luego de la disolución, Carca comienza su carrera como solista allá por 1993. Ya en 1994, edita su primer disco titulado Miss Universo. El disco contó con la participación de Daniel Melero, Flavio de los Los Fabulosos Cadillacs, y Babasónicos. Las canciones del álbum son más bien relajantes.

En 1996, sale el disco A un Millón de Años Blues, la temática del disco es totalmente diferente. Carca elabora un disco con temas con aire lúgubre, guitarras distorsionadas y una buena batería. Un nuevo viaje, con un ritmo más rápido, por paisajes sombríos.

En 1998, aparece Carca, canciones que continúan con un aire sombrío.

Para el 1999, Carca sacó el disco que más repercusión tendría: Nena. Carca deja ver su lado más depravado, con canciones que hablan de mujeres sexies, autos y rock. El disco venía acompañado con otro que se llamaba Descuído, que incluía versiones ineditables, algunas de ellas grabadas en vivo en la radio Rock & Pop.

En el 2003, lanzó Divino, que es hasta el momento su último disco. Canciones mucho más tranquilas, con un sonido hi-fi, dejando de lado las guitarras distorsionadas (o casi...). El álbum cuenta con la participación de Juanse de los Ratones Paranoicos en el tema Quién lo Invitó y Andrés Calamaro en Cursis. Este tema, fue compuesto por Carca tratando de imitar el estilo de Calamaro, a modo de tributo. Las canciones Sexcondiendo y Fuera de la Ley se destacan por sus rimas.

A parte de la discografía anteriormente mencionada, vale destacar la participación de Carca de manera casi constante en Babasónicos. También colaboró en discos de Daniel Melero, Attaque 77, Los Látigos entre otros.

Pagina: http://www.carca-rock.com.ar

Steppenwolf

Steppenwolf fue un grupo de rock de los años 60 y 70. Es famosa por sus canciones "Magic carpet ride" y "Born to be wild" (que apareció en la película de Dennis Hopper Easy Rider). Algunos de sus miembros eran de ascendencia alemana, y tomaron el nombre de la novela Steppenwolf (El lobo estepario) de Herman Hesse.

Historia

A los 4 años, John Kay (fundador de la banda), después de haber escapado con su madre de Prusia, huyó de Alemania Oriental a Alemania Occidental (lo que cantó en los temas "Renegade" de Steppenwolf 7 y "The Wall" de Rise and Shine), y se instaló con su familia en Hanóver. Emigró a Canadá en 1958.

Steppenwolf tiene sus orígenes en la banda de blues de Toronto Sparrow, formada en 1964 y que tocaba en cafés del barrio de Yorkville. En 1967 la banda se estableció en San Francisco (California, Estados Unidos), donde comenzaron a tocar música folk. Fue el productor Gabriel Mekler, de la discográfica Dunhill Records (Los Angeles) el que les propuso endurecer su sonido, lo que les terminó acercando al hard rock y convirtiéndoles, ya como Steppenwolf, en pioneros del heavy metal junto a grupos como Led Zeppelin o Black Sabbath. De hecho, el término "heavy metal" se obtuvo de unos versos de la canción "Born to be wild". Su formación original fue la de John Kay (voz y guitarra), Jerry Edmonton (batería), Michael Monarch (guitarra), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajo).

En 1968, Nick St. Nicholas, que ya había tocado con Sparrow, sustituye a Rushton Moreve al bajo. Su tercer single, "Born to be wild", les catapultó a la fama al ser incluida en la película Easy Rider. La canción fue escrita por Mars Bonfire (Dennis Edmonton), antiguo miembro de Sparrow y hermano de Jerry.

El éxito continuó con canciones como "Magic Carpet Ride" de Steppenwolf the Second (1968) y "Rock Me" de At Your Birthday Party (1969). en 1970, en pleno éxito, publicaron el que, para muchos fans de la banda, es su mejor disco: el doble LP Steppenwolf Live. El disco se editó entre Monster (1969) y Steppenwolf 7 (1970), los álbumes más politizados de la banda, en los que criticaron la política estadounidense de la era Nixon.

La banda se separó en 1971, después de la publicación del también político For Ladies Only, iniciando John Kay su carrera en solitario, junto a Kent Henry (guitarra), George Biondo (bajo), Hugh O'Sullivan (teclados) y Penti "Whitey" Glan (batería), que fueron sustituidos por Danny Kortchmar, Lee Sklar, Mike Utley y Russ Kunkel, respectivamente. Steppenwolf se reformaron en 1974 y editaron el LP Slow Flux, pero se volvieron a disolver en 1976. Durante el periodo entre 1977 a 1980, la banda se reunió para girar en directo, esta vez sin Kay. Incluso llegaron a grabar un nuevo disco de estudio, Night of the Wolf en 1979, que permanece inédito. John Kay formó una nueva versión de la banda a principios de los años 80, llamados John Kay and Steppenwolf con los que grabó cuatro discos (Wolf Tracks, 1982; Paradox, 1984; Rock & Roll Rebels, 1987 y Rise & Shine, 1990). En 2001 publicó un disco en solitario.

Pagina: http://www.steppenwolf.com

Paul McCartney

Sir James Paul McCartney (Liverpool, 18 de junio de 1942) es un bajista, cantante y compositor británico que saltó a la fama por ser el líder creativo del grupo The Beatles. Junto a John Lennon, compañero de The Beatles, formó una de las parejas de compositores más influyentes de la música contemporánea, escribiendo conjuntamente un extenso catálogo de temas conocidos. Despues de anunciar que dejaba el grupo, McCartney empezó una exitosa carrera en solitario y formó el grupo Wings con su mujer, Linda McCartney. McCartney ha trabajado también como compositor de música clásica, electrónica y temas para películas. Ha lanzado, además, un gran catálogo de canciones como artista en solitario y ha formado parte de muchos proyectos musicales para organizaciones benéficas.

Está inscrito en el Libro Guinness de los Récords como el músico y compositor más exitoso de la historia de la música popular, con ventas de hasta 100 millones de sencillos y 60 discos de oro. La canción "Yesterday", compuesta por McCartney, es la más versionada de la historia y se ha escuchado más de 7.000.000 veces en las radios americanas. Asimismo, la canción "Mull of Kintyre", lanzada con Wings, es una de las canciones más populares en Inglaterra y estuvo en la primera posición de listas de ventas desde 1977 hasta 1984.

La compañía de McCartney MPL Communications es la propietaria de los derechos de autor de más de tres mil canciones, incluido el catálogo musical de Buddy Holly. Además de música, McCartney también ha desarrollado una carrera pictórica y una fuerte tarea como activista a favor de los derechos de los animales, contra las minas antipersona, y es impulsor de numerosas iniciativas benéficas en favor de la educación musical.

Fue nombrado, junto a los otros Beatles, miembro del Imperio británico el 16 de octubre de 1965 por Elisabeth II y Sir el 11 de marzo de 1997.

Biografía

1942-1960: Los primeros años

James Paul McCartney nació en el Hospital de Walton de Liverpool (Inglaterra) el 18 de junio de 1942, donde su madre, Mary, había trabajado de enfermera. Su padre, James 'Jim' McCartney, empezó a trabajar a los catorce años como tomador de muestras para A.Hannay and Co., comerciantes y representantes de algodón con sede en Chapel Street de Liverpool .. En lo años 20, su padre desarrolló la faceta de trompetista y pianista del grupo "Jim Mac's Jazz Band", algo que posteriormente influiría en él como músico.

En uno de sus cumpleaños, su padre le regaló una trompeta que cambiaría al poco tiempo por una guitarra acústica Zenith. Con ella compuso su primera canción, "I Lost My Little Girl", cuando tenía 14 años, e incluso "I Saw Her Standing There" y "Michelle", temas que posteriormente grabaría con The Beatles. El 31 de octubre de 1956, su madre fallecía a consecuencia de un cáncer de mama. La temprana pérdida de su madre sería uno de los lazos que unirían a Paul McCartney con John Lennon, quien también perdería a su madre, Julia, quien fué atropellada por un policía borracho mientras salía de su casa.

El 6 de julio de 1957 acudió junto a Ivan Vaughn, amigo suyo y de John Lennon, a la feria de Woolton Village. En ella tocaban "The Quarry Men", donde John Lennon cantaba. Tras ser presentado por Ivan y tocar "Twenty Flight Rock" a modo de prueba, Paul McCartney ingresó en el grupo. Poco después conocería a George Harrison, a quien introdujo en el grupo tras una audiencia.

1960-1970: The Beatles
Artículo principal: Los Beatles

En la configuración final del grupo, que pasó a llamarse The Beatles, Paul McCartney fue el bajista (antes de la salida del bajísta Stuart Sutcliffe el tocaba la guitarra rítmica) y vocalista principal (junto a John Lennon), así como coautor de las mayor parte de las canciones. Como artista polifacético, en el estudio también grabó guitarras, piano y experimentó con instrumentos y sonidos nuevos.

Debido a un acuerdo entre McCartney y Lennon, todas las canciones del grupo compuestas por cualquiera de ellos aparecen firmadas como Lennon-McCartney. Sin bien las primeras composiciones son fruto de una colaboración real entre los dos músicos, en las canciones que aparecieron aproximadamente a partir de 1965 era más habitual que cada uno escribiese por separado. A través de las numerosas declaraciones de ambos hay un amplio consenso acerca del grado de autoría de cada uno de los compositores en prácticamente todas las canciones de los Beatles. Por este motivo, McCartney propuso a la viuda de Lennon, Yoko Ono, que las canciones en que él fuera el autor principal fueran firmadas como McCartney-Lennon, petición que fue denegada por ésta en más de una ocasión.

Una de las canciones más emblemáticas de McCartney con los Beatles es la balada "Yesterday", la canción más versionada de la historia de la música. Otras canciones populares que compuso en esta época son, entre otras, "Hey Jude", "Get Back", "Lady Madonna", "Let it Be" y "The Long and Winding Road".

1970-1980: Wings
Artículo principal: Wings

El 10 de abril de 1970, tras agrias disputas con sus compañeros de grupo y a pesar de que John Lennon se había apartado de los Beatles en septiembre de 1969 para iniciar nuevos proyectos, anuncia la disolución del grupo. Una semana después, publica su primer álbum en solitario, McCartney, el cual incluye una nota de prensa en la que habla de sus esperanzas sobre el futuro. En 1971 publica Ram, acreditado a Paul y Linda McCartney. En agosto del mismo año, forma junto al guitarrista Denny Laine y al batería Denny Seiwell el grupo Wings, que publica su primer disco, Wild Life, el 7 de diciembre de 1971. En 1972 se embarca en una gira por universidades de Inglaterra y pequeños estadios de Europa. En febrero del mismo año, su single "Give Ireland Back to the Irish" es censurado en la BBC.

En 1973, Paul McCartney consigue su primer número 1 en Estados Unidos con el tema "My Love", del álbum Red Rose Speedway. A finales del mismo año, Paul publica con Wings Band on the Run, uno de los álbumes más destacados de su carrera en solitario. La canción que da título al álbum consiguió el número 1 en las listas estadounidenses. Entre 1975 y 1976, Paul se embarcó en la gira Wings Over the World, que daría como resultado el disco en directo Wings Over America.

En 1977 salió a la luz "Mull of Kintyre", sencillo que permaneció en el número uno de las listas británicas durante nueve semanas y el más vendido hasta que en 1984 "Do They Know It's Christmas" rompiera su récord. En 1978, Wings edita London Town. Un año después, en 1979, Paul organiza el Concierto para la Gente de Kampuchea, en el cual reúne a The Who, The Clash, The Pretenders Queen y más artistas con el fin de recaudar fondos para las víctimas del Régimen de Pol Pot en Camboya.

1980-1990

El 8 de diciembre de 1980, John Lennon es asesinado a la puerta del edificio Dakota por Mark David Chapman. Su muerte, además de conmocionar al mundo, supone una notable pérdida para Paul McCartney, a pesar de las críticas que recibió por sus frías declaraciones a la muerte de su compañero. El miedo a que pudiera tener el mismo destino que Lennon le apartó de los escenarios durante varios años, recluyéndose en el estudio, lo que supuso una confrontación con su compañero en Wings Denny Laine. En 1981 disolvió la banda y enlazó su primer álbum tras la desmembración de The Beatles con McCartney II, un álbum en el que volvió a tocar todos los instrumentos. El primer sencillo, "Coming Up", alcanzó el puesto #2 en Estados Unidos y el #1 en el Reino Unido. Un año después se reuniría con George Harrison y Ringo Starr para grabar "All Those Years Ago", un tributo a John Lennon.

En 1982 publica Tug of War, el cual cuenta con la producción de George Martin y la colaboración de Ringo Starr. En el disco se incluye su tributo personal a John Lennon, "Here Today" y un dueto con Stevie Wonder en el tema "Ebony and Ivory". Otros duetos de cierto éxito fueron "The Girl Is Mine", incluido en el álbum Thriller de Michael Jackson, y "Say, Say, Say", nuevamente junto a Michael Jackson e incluido en su álbum Pipes of Peace (1983).

En 1984, Paul escribe y dirige la película Give My Regards to Broad Street. El tema "No More Lonely Nights" alcanza el número 1 en las listas británicas, a pesar del fracaso de la película. A finales de año, editó el tema infantil "We All Stand Together" para la película de dibujos animados Rupert and the Frog Song.

En la segunda mitad de la década, Paul comienza a colaborar con nuevos artistas. Junto a Eric Stewart grabará la mayoría de las canciones que compondrán su álbum Press To Play (1986). Sin embargo, será junto a Elvis Costello con quien conseguirá un éxito relativo en sus álbumes Flowers in the Dirt (1989), que entra directamente en el número 1 de las listas británicas, y Off the Ground (1993). A finales de 1989, Paul McCartney se embarca en su primera gira mundial.

1990-2000

En la década de los 90, Paul McCartney se abrirá camino en nuevos campos de la música: en 1991, la Orquesta Filarmónica de Liverpool pidió a McCartney una pieza para conmemorar el 150 aniversario de su fundación. El resultado fue Liverpool Oratorio, compuesto junto a Carl Davis. Otras incursiones de Paul en la música clásica son Standing Stone (1997), Working Classical (1999) y Ecce Cor Meum (2006). Junto a Martin Glover, edita bajo el seudónimo "The Fireman" (en español: "El Bombero") dos discos de música ambiental: Strawberries Oceans Ships Forest (1993) y Rushes (1998). En el 2000, edita Liverpool Sound Collage junto a Super Furry Animals.

Tras una nueva gira mundial en 1993, Paul se reúne en el estudio de grabación con George Harrison y Ringo Starr para trabajar en el proyecto The Beatles' Anthology y completar dos demos de John Lennon, "Free As A Bird" y "Real Love". Ambos temas, al igual que el documental que narra la vida de The Beatles a través de entrevistas concedidas por sus protagonistas, consiguen un éxito sin precedentes y resucita la Beatlemanía para acercarla a las nuevas generaciones.

En 1997 publica Flaming Pie, que alcanza el número 2 en Estados Unidos y el Reino Unido y es nominado como álbum del año al Grammy. El 11 de marzo de 1997 es nombrado Caballero por la Reina Isabel II del Reino Unido, y en 1999 es incorporado como solista en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Sin embargo, sufre un duro golpe el 17 de abril de 1998 con la muerte de su mujer Linda McCartney a causa de un cáncer de mama. A pesar de un parón musical, graba el álbum Run Devil Run, en el que retorna a sus raíces musicales e interpreta temas clásicos de Elvis Presley, Gene Vicent y Chuck Berry, al cual siguió un concierto en The Cavern retransmitido por Internet.

2000-Presente

En el año 2001 publica Wingspan, un documental que narra la historia de Wings. El mismo año sale a la luz su nuevo disco de estudio, Driving Rain. Igualmente, Paul compuso el tema "Vanilla Sky", nominada al Oscar como Mejor canción original, para la película homónima. El 20 de octubre de 2001 se suma a "The Concert for New York City", en homenaje a las víctimas de los atentados del 11-S. Apenas un mes más tarde, el 29 de noviembre de 2001, George Harrison fallece víctima de un cáncer. Un año después, el 29 de noviembre de 2002, participará en el concierto homenaje a su compañero interpretando "Something", "All Things Must Pass", " For You Blue" y "While My Guitar Gently Weeps".

Durante la mayor parte de 2002 se vio envuelto en una extensa gira mundial que le llevó a Estados Unidos, México y Japón. En 2003 llevó su directo a Europa, incluyendo un concierto en la Plaza Roja de Moscú el 24 de mayo que posteriormente fue utilizado como documental y editado en DVD. Nuevamente, en verano de 2004 visitó 14 ciudades europeas en su gira "'04 Summer Tour", iniciada en Gijón, España, el 25 de mayo. La gira finaliza en el festival de Glastonbury (Inglaterra) el 26 de junio. El 2 de julio de 2005 será el encargado de abrir el concierto Live 8 en Hyde Park con el tema "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" junto a U2 y de clausurarlo con "Hey Jude".

El 12 de septiembre de 2005 publica el álbum Chaos and Creation in the Backyard, producido por Nigel Godrich, en el que toca de nuevo la mayoría de los instrumentos, sorprendiendo con un sonido intimista y un álbum en general aclamado por la crítica. Cuatro días después, inicia una gira de promoción que le llevará a 37 ciudades de Estados Unidos.

El 17 de mayo de 2006 anuncia en su página oficial su separación de Heather Mills. Tras meses como noticia en los tabloides sensacionalistas británicos debido al agrio divorcio, anuncia a principios de 2007 un nuevo contrato con el sello discográfico Hear Music, del grupo Starbucks, en el cual lanza el 4 de junio su nuevo disco de estudio, Memory Almost Full. Para la promoción del álbum, McCartney ha tocado en clubes pequeños de Londres, Los Ángeles y Nueva York, aparcando su próxima gira mundial hasta 2008.

El 26 de junio de 2007 Paul McCartney figuró como invitado, junto a su compañero de The Beatles Ringo Starr, Olivia Harrison, viuda de George Harrison, y Yoko Ono, viuda de John Lennon, en el programa de la CNN Larry King Live, para conmemorar el primer aniversario del espectáculo "Love" del Cirque du Soleil y recordar a John Lennon y a George Harrison.

Logros y registros mundiales

- Aparece varias veces en el Libro Guinness de Récords: una vez por "Yesterday", la canción con más versiones en la historia (más de 3000); otra por ser el compositor y cantante de música popular más exitoso, con ventas de 100 millones de singles y 60 discos de oro; una tercera por haber reunido la audiencia más grande del mundo, cuando 184,000 personas pagaron para verlo cantar en el Estadio Maracaná de Río de Janeiro en abril de 1990. La cuarta es por ser el vendedor de entradas más rápido de la historia cuando, en 1993, 20.000 entradas para sus dos conciertos en Sydney, Australia, se vendieron en ocho minutos.

- "Yesterday" fue confirmada como la canción más popular del mundo, con más de siete millones de reproducciones por radio en Estados Unidos.

- Recibió un Doctorado en Música honorario de la Universidad de Sussex.

- Fue el primer cantante de rock en recibir la Orden de Mérito en Chile por "servicios a la música, la paz, y el entendimiento humano".

- Primer receptor de los Swedish Polar Music Awards (el "Premio Nobel de la música")..

- Ganador, junto con los otros tres Beatles, del premio Oscar en la edición de 1970 por la música del documental Let it be

Curiosidades

En los años 60, y durante mucho tiempo, corrió el rumor de que Paul McCartney había muerto en un accidente automovilístico (supuestamente en 1966) y había sido reemplazado por un imitador, William Campbell. Muchos fanáticos buscaron pistas en las carátulas de los discos y en las letras de las canciones, llegando a todo tipo de extrañas teorías. Ejemplos clásicos fueron la carátula del LP Abbey Road, supuestamente una metáfora de la muerte y el funeral de Paul. Lennon aparecía con un traje blanco en su condición de oficiante, Ringo Starr vestido de negro representaba a la funeraria y George Harrison con unos pantalones vaqueros raidos hacía las funciones de enterrador. Paul McCartney era el único que aparecía descalzo y con el paso cambiado y extrañamente aparecía con un cigarro en su mano derecha pese a ser zurdo: era la prueba "evidente" de que la persona que aparecía era un doble que suplantaba al fallecido. "Magical Mistery Tour", donde algunos encontraron "oculto" un número telefónico en el que (cuenta la leyenda), John Lennon aceptaba la supuesta muerte de su compañero, y "The Beatles" (también conocido como "El Album Blanco"), donde se llegó al punto de escuchar las canciones al revés para encontrar pistas y mensajes ocultos. Existe un rumor que dice que si se escucha la cancion "I'm so tired" de The Beatles, se puede distinguir claramente el verso "Paul is a dead man, miss him, miss him, miss him..." Incluso en los años '90, en varias entrevistas se le preguntó a McCartney si "estaba muerto", a lo que él solía responder: "No, estoy bastante vivo"

También, en el disco del "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" existe el rumor de que toda la escena de la portada es un funeral para Paul. Algunas cosas obvias que saltan a la vista son: el busto de piedra que semeja a una lápida, el "antiguo" Ringo Starr que está vestido de negro y siendo consolado por el mismo Paul, el espacio de tierra (donde están las flores que leen “BEATLES”) siendo la parcela donde se va a enterrar, además de otras.

Otra curiosidad es que Paul es un fanático de las composiciones musicales de Koji Kondo, un compositor japonés de Nintendo, creador de las célebres bandas sonoras de videojuegos como The Legend of Zelda o Mario Bros.

Pagina: http://www.paulmccartney.com