Mick Ronson

Michael Ronson más conocido como Mick Ronson (26 de mayo de 1946 – 29 de abril de 1993) fue un guitarrista, teclista, compositor, arreglista y cantante inglés conocido mundialmente por haber integrado la mítica banda que acompaño a David Bowie en su era glam rock, The Spiders From Mars. Fue un guitarrista conocido por sus famosos bendings de guitarra expressivos y por el uso de pedales que consegian transmitir diferentes sonidos extraños, la actuación mas famosa de Mick Ronson se encuentra en el directo del dvd editado "David Bowie and the spiders from Mars", en el qual hacen la gira de todo el cd Ziggy Stardust.

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Waylon Jennings

Nacido en Texas, sus padres son Lorene Beatrice Shipley William Alvin Jennings. Se enseño a sí mismo a tocar la guitarra a la edad años formo su primera banda 2 años después. Trabajó como un durante su adolescencia, dejando el colegio para perseguir su carrera como músico. Durante el periodo en el que el estaba trabajando como conoció a Buddy MOM Buddy jennings With Her Out Manager La noche del 3 de Febrery de 1959, el avión donde iba jessi colter Ritchie Valens J.P. Richardson (alias The Big Bopper) se estrello a las afueras Mason City, Iowa, matando a todos los pasajeros. Jennings le había dado el puesto a J.P. Richardson, El estaba enfermo necesitaba desesperadamente descansar. admitió que en los primeros años Duets Group Willie Nelson Mama Dont Let Your Babie Grewup To Be CowBoy Recorded For The Television Show THE DUKES HAZZARD ALSO SERUED AS NARATOR The BALLADEER FOR ALL SEVEN OF THE SHOW SEASON MOON RUNNERS COURTESY OF SABUCAT He continued to be acltive in the record ind ustry fOrming th group the highwaymen nelson johnny cash and kris kristofferson jennings record His Last solo studio Album in 1998 IN 2001 induced into Country Music Hall of Fame

Después de varios años inactivo, en los cuales se ha cambiado Texas a Arizona continuó trabajando en radio, Jennings empezó a cantar y grabar cuando estuvo en Mesa Arizona Walk Vnos en el recién inaugurado club nocturno llamado JD. En estos años el hizo actuaciones por noche, algunas veces 6 noches a la semana contando una variedad de canciones folk, rock, pop, country, R&B blues en material que el había desarrollado con un sonido único con el cual gano lo suficiente para mantenerse. El firmo un contrato con el sello A&M Records el cual había sido creado recientemente por Herb Alpert, tuvo unos cuantos éxitos en las radios locales MESA, incluyendo "Four Strong Winds" (por Ian Tyson) "Just To Satisfy You" (co escrita junto a Don Bowman).

Bobby Bare hizo su propio cover de "Four Strong Winds" después de haber escuchado la versión Waylon Bare luego le recomiendo a Waylon jennings a su legendario músico country Chet Atkins quien era guitarrista productor, quien lo hizo firmar con el sello disquero RCA Victor. Aun bajo contrato con A&M, Alpert permitiéndole unirse a RCA. El empaco todas sus cosas y se mudó a Nashville, Tennessee en 1965.

Jennings estaba acostumbrado a cantar grabar con su propia banda, practica que no fue alentada por los productores Nashville quienes controlaban todos los aspectos las grabaciones. Trabajando junto a Atkins, sin embargo, Jennings desarrollo un estilo diferente junto al legendario productor consiguieron unos cuantos éxitos moderados. Pero al pasar los años, el fue limitado por Nashville Sound y la falta artística en la industria country en la década de los 60' lo obligaron a someterse a los deseos de la disquera sin seguir sus propias ideas.

En este periodo Jennings empezó a usar anfetaminas mientras estaba en tour. Rápidamente se volvió adicto, como muchos artistas country en ese periodo, incluyendo a su compañero waylon jennings End Divorce jessi colter in 1968 segundo matrimonio con esto llevo a la ruina económica del cantante.
Se volvió a casar por tercera vez con Barbara Wos quien trato controlar las finanzas. Luego se volvió a casar por cuarta vez con la cantante country Jessie jennings en 1969. Mrs jennings previamente como M) había estado casada entes con la leyenda la guitarra,

waylon Jennings se volvió más molesto con las grabaciones en Nashville, en 1972 tuvo una hepatitis que casi lo mata. Con su contrato llegando a su fin, RCA ya había perdido a otra fuerza creativa ese año: Jennings conoció a Willie Nelson, quien igual manera había sido frustrado por falta de libertad creativa en el estudio por todos los ejecutivos en Nashville lo llevo a reubicar su base en Texas 2 años antes. Jennings estaba considerando seriamente en dejar Nashville regresar a la carrera en la radio MESA en 1972.

2 cosas llegaron a cambiarle los tiempos difíciles a Jennings, la primera fue un jeesie jennings Business manager negocios Nueva York llamado Neil Reshen segundo fue su viejo amigo Willie Nelson. Reshen se acerco a Jennings quien se estaba recuperando de la hepatitis le ofreció renegociar sus contratos grabación giras.
Jennings acepto las negociaciones empezaron en 1972 en el aeropuerto Nashville donde Jennings le introdujo a Reshen a su amigo Nelson, para el final la junta Reshen era jessie jennings manager ambos cantantes. Para ese momento Jennings se había dado cuenta de que las bandas de rock obtenían mayores rangos para expresar su creatividad en sus grabaciones, con o sin un productor y hasta podían hacer las portadas ellos mismos. El quería una libertad muy parecida que no había tenido. En 1972 RCA lanzo el disco Ladies Love Outlaws, un álbum que Jennings nunca quiso lanzar.

Si importar su éxito, la canción de mismo nombre que el álbum fue la primera canción del movimiento outlaw country.

Rehesen logro que RCA aceptara los términos : $75.000 dólares en el momento y casi todo el control artístico mientras que las negociaciones en los contratos los tours tuvieron un desenlace similar: Ganar dinero por entradas vendidas.
Waylon finalmente consiguió el contrato de grabaciones una estrella de rock, Reshen le advirtió que se dejara la barba crecer mientras estaba en el para mostrar una imagen más de rock and roll.

En 1973, el regreso a la industria la música bajo el auspicio Atlantic Records iba en su camino a ser una super estrella. Ahora el estaba viviendo en Austin, Texas mientras su amigo Neslon también se estaba incursionando en el estilo del rock and roll atrayendo a una diversa gama fans. Nelson había firmado con Atlantic Records cuando tuvo el momento querían que Jennings firmara también pero como la popularidad Nelson iba en crecimiento RCA estaba preocupado por perder a otro artista popular, lo cual Jennings ocupo en su ventaja negociando su contrato por más dinero

Su carrera discográfica siguió adelante con los CD Lonesome, Orn'ry and Mean Honky Tonk Heroes en 1973, los cuales fueron los primeros álbumes grabados bajo su nuevo dominio creativo. Los álbumes fueron comercialmente exitosos las criticas lo alabaron.

Mas álbumes exitosos los siguieron The Ramblin' Man This Time en 1974 Dreaming My Dreams en 1975, en algún punto de los años 70', Jennings cambio su adicción las anfetaminas consumiendo miles dólares cada día, dinero que saco de los éxitos comerciales que fueron sus discos previamente mencionados.

En 1976, Jennings empezó a definir su estilo con colaboraciones junto a su amigo Nelson en el álbum recopilatorio Wanted: The Outlaws!' Mrs waylon jennings ', fue el primer disco de platino country que obtuvieron. El siguiente año RCA lanzo el disco Ol' Waylon que produjo otro gran éxito en duet Willie Nelson llamado "Luckenbach, Texas (Back to the Basics of Love)". Waylon Willie siguieron en 1978 produciendo su más grande éxito "Mamas Don't Let Your Babies Grow Up to Be Cowboys" para el CD Waylon & Willie, luego lanzo I've Always Been Crazy en 1978, seguido de un álbum de grandes éxitos en 1979.

En los 1980, Jennings era completamente adicto a finanzas estaban tambaleando otra vez, dejándolo en la bancarrota gastando cada []] que tenia para pagar sus deudas haciendo más giras. Se concentro menos en su trabajo giras habían decaído por los excesos. En un caso muy publicitado, Jennings fue arrestado en 1977 por posición [ por agente federales por una serie de errores cometidos por el gobierno se le quitaron los cargos más adelante. El episodio fue contado en la canción Jennings "Don't You Think This Outlaw Bit's Done Got out of Hand?".

Jennings decidió que era tiempo rehabilitase por lo menos un tiempo. Por lo tanto que paso por un proceso de rehabilitación, intentando usar nuevo en una manera más controlada. Jennings admitió en entrevistas que la mayor inspiración para desintoxicase permanentemente era su pequeño hijo Andrew Jennings. En 1984 termino por completo con su adicción a ].
Su vida después la rehabilitación estaba plagada médicos incluyendo ataques cardiacos diabetes traídos por apetitos voraces que desarrollo después dejar el habito Pese a esos Jennings se mantuvo libre continuo grabando haciendo giras en los años 80's 90's.

Afuera la industria la música, Jennings Alive también fue conocido por ser el narrador de la serie televisión [ Dukes of Hazzard]] su predecesor Moonrunners. El tema de la serie Dukes Hazzard es una composición original Jenings llamada "Good Ol' Boys" es una las canciones temáticas televisión más recordadas por la gente en la historia la televisión norteamericana. también apareció en la serie Casado Con Hijos e hizo una pequeña aparición en 1985 una película de plaza sesamo.
Jennings también fue miembro Usa para África en la grabación de la canción "We Are the World" pero temperamental como siempre dejo el e>[[Johnny Cash Died ((, Kris Kristofferson Alive , [[Willie Nelson Alive waylon Jennings Alive formaron el exitoso grupo The Highwaymen. Dejando lado el trabajo junto a The Highwaymen, los éxitos personales de su carrera incluyeron el CD WWII junto a HerosWillie Nelson en 1982, Will the Wolf Survive en 1985, The Eagle en 1990 Too Dumb for New York City, Too Ugly for L.A. en 1992.

Al principio años 90's, Jennings se hizo buen amigo del grupo Metallica, mas con el vocalista James Hetfield, Jennings fue influencia para el álbum Load de Metallica en 1996. En el 2003, James Hetfield apareció en el álbum I've Always Been Crazy: waylon Jennings haciendo canción Jennings Amanda 1978 jennings Daugher Amanda jennings After waylon Song "Don't You Think This Outlaw Bit's Done Got Out of Hand?".

En 1998, se unió al grupo Old Dogs junto a Bobby Bare, Jerry Reed, Mel Tillis Shel Silverstein. Juntos lanzaron solo un álbum llamado Old Dogs.

En algún momento del 2001, Jennings puso su voz para un episodio la serie Padre Familia en el momento la parodia serie Dukes of Hazzard. el episodio se llamó 'fue lanzado en Noviembre del 2005. También narro una pelea en un episodio anterior llamado Chitty Chitty Bang.

Jennings sufrió diabetes que termino con su gira. El 19 de diciembre de 2001 su pie izquierdo fue amputado en un hospital Mesa, Arizona por una infección degenerativa. Luego murió mientras dormía por complicaciones con su diabetes 70 años en Master , Arizona Walk Vnos y fue enterrado en el cementerio de Mesa City, Arizona. En el 2005 se lanzó la película Only Daddy Thatll Walk the Line retratando la vida Waylon fue representado por su hijo como parte memoria pero aun que había intención no se parecía mucho a su padre en 1966 cuando el Johnny Cash compartían un departamento a las afueras Nashville.

El 22 marzo del 2006, muere la madre Jennings, Lorene Jennings Alive Littlefield, Texas.

July 2006, Jennings fue introducido en la muralla de roca California june con su compañero Kris Kristofferson. Buddy Dean jennings And His Place En el 2006 Jennings Alive recibió un John Schneider, Tom Wopat Catherine Bach (Bo, Luke Daisy Duke) por haber compuesto la canción principal serie Dukes of Hazzard]] haber sido el narrador la misma serie.
Schneider, Wopat Bach regrabaron la canción e hicieron un video que salió en el DVD la séptima temporada serie. La canción termina cuando Daisy (Catherine Bach) dice: "we love you Waylon" (Te queremos Waylon) mientras la música desaparece lentamente. El proyecto se llevó a cabo gracias a la viuda Jennings, Jessie jennings Country Music Hall of Fame Acdamy of Country Music Awards jennings Son Buddy Dean jennings Awards His Father waylon jennings

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Kris Kristofferson

Kristopher Krisfofferson nació el 22 de julio de 1936 en Brownsville, estado Texas, es un compositor de música country, actor cantante estadounidense. Es conocido por canciones como Me and Bobby McGee, Sunday Mornin' Comin' Down, y Help Me Make It Through the Night. Kristofferson ha colaborado con otras figuras de la escena de Nashville como son Shel Silverstein o Fred Foster.

Años de formación

Kristopher Krisfofferson nació 22 de junio de 1936 en Bromswille (Texas), hijo de un general de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, convertido en piloto civil, que se desplazó con su familia por varios lugares de los Estados Unidos antes de instalarse definitivamente en California, donde se formó Kris.

Kris estudió en el Pomona College de Pomona, en California, donde destacó en las actividades deportivas, así como por su afición a la escritura. Posteriormente estudió en la Universidad de Oxford, en el Reino Unido, donde comenzó a componer canciones y a cantar sus propias composiciones, con el nombre artístico de Kris Carson.

Más tarde, siguiendo la tradición familiar, se alistó como piloto en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, siendo destinado a las bases estadounidenses en Alemania, aunque compaginó su profesión con la continuación de su actividad musical con un grupo propio con el que actuaba en diversos clubs.

En 1965 rechazó la oferta de un puesto de trabajo en el equipo de maestros en la Academia Militar de los Estados Unidos en West Point se trasladó a Nashville, en el estado de Tennessee, que era la ciudad considerada como la capital del country. Allí tuvo diversos pequeños empleos, antes de conocer a Johnny Cash y Janis Joplin, quienes marcarían los inicios de su carrera musical.

Inicios de su carrera

En 1970 grabó su primer disco, Me and Bobby McGee, que rápidamente se convirtió en un éxito y le dio a conocer como cantante.

Al mismo tiempo, en 1971 el director cinematográfico Dennis Hopper contrató a Kris para el elenco de actores de su película The Last Movie. Ello supone el inicio de su carrera como actor, con títulos tan destacados como Pat Garrett and Billy the Kid (1973), Bring Me the Head of Alfredo García (1974) o Heaven's Gate (1980).

A partir ese momento, continuó con una doble carrera, en los mundos del cine canción country, que ha sido exitosa en ambos ámbitos.

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BulletBoys

BulletBoys es una banda de Hard Rock formada por el vocalista Marq Torien, el guitarrista Mick Sweda y el bajista Lonnie Vencent a finales de los ochentas, luego de dejar la agrupación King Kobra. También contaban en la alineación con el joven baterista Jimmy D'Anda.

Carrera

Los primeros dos discos de la banda (BulletBoys y Freakshow) fueron bien recibidos por la crítica y los fanáticos, vendiendo cerca de un millón de copias en todo el mundo. Algunos críticos comparan a la banda con la era David Lee Roth en Van Halen, pues la voz de Torien recuerda en algunos pasajes a la de Roth.

La banda se desintegró en 1993. El vocalista Marq Torien y el bajista Lonnie Vencent continuaron usando el nombre BulletBoys y grabaron Acid Monkey, con un sonido distinto al Hard Rock de sus primeros años.

En 2000 todos los miembros originales se reunieron para la edición del disco Greatest Hits: Burning Cats And Amputees. Marq y Lonnie lanzaron un nuevo disco, Sophie, en 2003, bajo el nombre de BulletBoys nuevamente. En este disco particípó el ex-vocalista de Skid Row, Sebastian Bach.

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Pat Benatar

Pat Benatar (nacida el 10 de enero de 1953, en Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos) es una cantante de Rock de Estados Unidos; Quien tuvo numerosos éxitos durante la década de 1980, tales como "Heartbreaker", "I Need A Lover", "Love Is A Battlefield" y "You Better Run", el segundo vídeo que fue transmitido en MTV tras el de "The Buggles" Video Killed the Radio Star.

Biografía

Patricia Mae Andrzejewski nació de una familia de origen polaco e irlandés en Brooklyn, y creció en Lindehurst, Nueva York, inicialmente estudió ópera como su madre. A los 19 años, se casó con su novio de la secundaria, Dennis T. Benatar, de quien tomó el apellido con el cual se hizo conocida. Poco tiempo después se movió a Richmond (Virginia) donde trabajaba como cajera en un banco y por las noches cantaba. Ella y su esposo se mudaron a Nueva York en 1975 donde, poco tiempo después, se divorciaron.

Pat empezó a desarrollar su carrera como cantante y, en 1977, fue descubierta en un concurso amateur de un club de comedia en Nueva York, Catch a Rising Star. Después de su exitosa actuación en el club, Pat Benatar finalmente encontró su personalidad en el escenario en un disfraz de "Halloween", que originalmente utilizó como una broma: "El público siempre era cortés, pero en esta ocasión se volvieron locos", declaró posteriormente Pat Benatar, "Siempre eran las mismas canciones, cantadas de las misma forma, y entonces pensé, 'Oh Dios mío... ¡son estas ropas y este maquillaje!'"; debido a esa actuación, fue contratada por Chrysalis Records por su fundador Terry Ellis.

Posteriormente se casó con el guitarrista de la banda Neil Giraldo (incorrectamente pronunciado como "Geraldo" en los créditos). Con quien tiene dos hijas Haley y Hana.

Pat Benatar es conocida por su actitud dura, habiendo grabado un número significativo de canciones con metaforas de batallas (como "Invincible", "Hit me with your Best Shot", "Sex as a Weapon", "Fight it Out", y "Love is a Battlefield") y algunos temas como el abuso infantil ("Hell is for Children", "Suffer the Little Children").

Ganó cuatro premios Grammy por Mejor desempeño Rock Vocal, Femenino de 1980 a 1983, y fue nominada en cuatro ocasiones adicionales en 1985, 1986, 1988 y 1989.

Pat Benatar todavía compone y sale de gira junto con su marido, también se ha convertido en portavoz comercial de la compañía Energizer.

En el verano de 2005 la mayor de sus hijas, Haley Giraldo, protagonizó el reality show del canal E! Entreiment Television llamado Filthy Rich: Cattle Drive.

En 2006 su canción, "We Belong", fue parte de una campaña de 20 millones de dólares para los hoteles Sheraton. Esta misma canción fue interpretada en la comedia de 2006 Pasado de Vueltas protagonizada por Will Ferrell y dirigida por Adam McKay.

La canción "Love Is a Battlefield" fue cantada durante todo el Dignity World Tour 2007-2008 de la cantautora estadounidense Hilary Duff.

El famoso videojuego Guitar Hero incluyó los exitos "Hit Me With Your Best Shot" y "Heartbreaker" en Guitar Hero 3: Legends of Rock y Guitar Hero World Tour respectivamente. Este ultimo contando con la posibilidad de tocar la guitarra, bajo, bateria o cantar con el microfono.

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Big Star

Big Star fue una banda estadounidense de rock and roll de la primera mitad de los 70. Suele considerarse uno de los grupos precursores del power pop. Muy influenciada por el pop de los 60, y muy especialmente por grupos como The Beatles, The Byrds, The Kinks, The Zombies, Badfinger, The Who, Todd Rundgren, Moby Grape, The Beach Boys y Free, la música de Big Star es un pop lírico, enérgico y a veces nostálgico de la década precedente. Su estilo tiene también conexiones con el estilo relajado del sello discográfico radicado en Menfis Stax Records, así como del rockabilly de los comienzos de Sun Records. En la época de los cantautores y de los grupos de heavy metal, Big Star interpretaban concisas canciones de pop melódico. Aunque en el momento de su disolución apenas eran valorados, hoy en día son considerados uno de los grandes grupos de la historia del pop.

Comienzos

Big Star lo formaron en 1971 en la ciudad de Memphis (Tennessee) el guitarrista y cantante Chris Bell, el bajista Andy Hummel, el batería Jody Stephens, y el guitarrista y cantante Alex Chilton. Aunque los cuatro componían y cantaban, la mayoría de las canciones del grupo fueron compuestas e interpretadas por Bell y Chilton, que formaban un equipo creativo similar al de Lennon y McCartney.

Bell compuso dos de las canciones del primer repertorio del grupo cuando formaba parte de dos encarnaciones anteriores del grupo, denominadas Icewater y Rock City, a las que también pertenecieron Stephens, Terry Manning, Thomas Eubanks, Steve Rhea, Hummel, Vance Alexander, Richard Rosebrough y, finalmente, Chilton. Las grabaciones de finales de los 60 y comienzos de los 70 de esos grupos se incluyen en los álbumes Rock City y Rockin' Memphis, editados por Lucky Seven/Rounder Records en 2003.

El grupo no fue bautizado como Big Star (el nombre procede de una tienda local de Memphis) hasta las sesiones de grabación en las que participó Chilton (antiguo miembro de los Box Tops y leyenda del pop adolescente) y que proporcionaron el material para el primer LP del grupo, #1 Record. El disco fue producido por John Fry, jefe de los Ardent Studios, con la asistencia de Terry Manning, que añadió algunos coros y arreglos de teclado. #1 Record se editó en 1972, pero Ardent Records, su sello discográfico, tuvo problemas con sus distribuidores, Stax y Columbia Records, lo que tuvo como resultado que se vendiesen muy pocos ejemplares.

Bell, tratando de vencer una severa depresión, y decepcionado por la falta de éxito comercial, abandonó el grupo en 1972 para desarrollar su carrera en solitario. Big Star se disolvió durante una corta temporada, pero sus integrantes volvieron a ponerlo en marcha y editaron Radio City en 1974. En este álbum aparecen dos de las canciones más famosas del grupo, "September Gurls" y "Back of a Car". Aunque no aparece en los créditos, Bell intervino en la creación de algunas canciones del álbum, como "O My Soul" y la citada "Back of a Car," según Fry (citado por Clark, 1992) y Hummel (citado por Jovanovic, 2004). La cubierta original del álbum era una fotografía en color, "The Red Ceiling", obra del conocido fotógrafo William Eggleston. A pesar de obtener excelentes críticas, no fue un éxito de ventas: Hummel abandonó la banda y fue sustituido por John Lightman para las actuaciones en directo.

Chilton y Stephens grabaron varios temas con el productor Jim Dickinson para un proyectado doble LP con numerosos amigos e invitados, incluyendo a la vocalista Lisa Aldridge, el batería Richard Rosebrough, Lee Baker de Mud Boy and the Neutrons, y Steve Cropper. Rosebrough había intervenido en algunas grabaciones en solitario de Chilton, en 1970, después de la separación de los Box Tops y antes de que se formara Big Star, y participó también en tres de los temas de Radio City ("What's Goin' Ahn", "She's a Mover" y "Mod Lang", según Jody Stephens, citado por Metz). Tras grabar este disco, la banda volvió a deshacerse a finales de 1974. El disco apareció finalmente cuatro años más tarde, en el sello PVC, con el título de Third, un álbum que combina un enfoque más intimista con una marcada sensibilidad pop, próxima a referentes que van de Left Banke a The Velvet Underground. En 1992 se reeditó en formato CD con el título de Third/Sister Lovers.

En los años 80, los críticos comenzaron a citar los discos de Big Star entre los más destacados de la década anterior, y los consideraron un importante eslabón entre el clásico pop de guitarras de los 60 y los sonidos de la new wave y del rock alternativo de los 80. Muchas bandas alternativas de los 80 y 90, como R.E.M., Teenage Fanclub, The Replacements, Primal Scream, Bill Lloyd y The dB's han citado a Big Star como una de sus principales influencias. The Bangles incluyeron una versión de "September Gurls" en su disco Different Light (1985) y, más recientemente, Wilco ha mostrado una fuerte influencia de Sister Lovers, especialmente en su álbum A Ghost Is Born.
Reunión de la banda

Chilton y Stephens se reunieron en 1993 con Jon Auer y Ken Stringfellow de The Posies tomando el lugar de Bell (que falleció en 1978 en un accidente automovilístico) y de Hummel (que había abandonado la música para trabajar como ingeniero) para dar un concierto en la Universidad de Missouri. En uno de los bises la banda interpretó el tema "Duke of Earl" de Gene Chandler, reflejando el interés de Chilton por las raíces del rock and roll. Este concierto fue seguido de giras por Europa y Japón, así como por una aparición en The Tonight Show. A raíz de estos conciertos se publicaron los discos Columbia: Live at Missouri University 4/25/93, grabación de la primera actuación tras la reunión de la banda; Big Star Live (grabación radiofónica de una actuación del grupo en 1974 en Long Island, y Nobody Can Dance, que recoge el último concierto del grupo como trío, que tuvo lugar en Overton Park, en Memphis.

Big Star se dio a conocer ante una nueva generación de fans cuando su tema "In the Street" fue seleccionado como canción representativa de la década de los 70 para la comedia de situación That '70s Show, que lo usó como sintonía de cabecera de la serie en 1998. En 1999, Cheap Trick grabó una nueva versión del tema, rebautizándolo "That '70s Song". "That '70s Song" y la canción original de Big Star "September Gurls" fueron incluidos en un álbum editado por los productores del programa, That '70s Show Presents That '70s Album: Rockin'.

Los nuevos Big Star regresaron a Ardent Studios a comienzos de 2004 para trabajar en un nuevo álbum de larga duración. El trabajo resultante, titulado In Space, fue editado el 27 de septiembre de 2005 por el sello Rykodisc.

La compañía InVision Motion Picture Group ha comprados los derechos del libro sobre Big Star de Rob Jovanovic (Big Star. The Story of Rock's Forgotten Band) y se encuentra en las primeras fases de la realización de un largometraje sobre la historia del grupo.

Integrantes:

- Jon Auer — guitarra, voz (1993–actualidad)
- Chris Bell — guitarra, voz (1971–1972)
- Alex Chilton — guitarra, voz (1971–actualidad)
- Andy Hummel — bajo, voz (1971–1973)
- John Lightman — bajo, voz (1973–1975)
- Jody Stephens — batería, voz (1971–actualidad)
- Ken Stringfellow — bajo, voz (1993–actualidad)

Pagina: http://bigstarband.com/

Dolores O'Riordan

Dolores Mary Eileen O'Riordan (6 de septiembre de 1971 en Ballybricken, Limerick, Irlanda) es una cantante irlandesa de registro melismático, muy conocida por ser vocalista de la banda The Cranberries.

Biografía

Infancia

Dolores Mary Eileen O'Riordan Burton nació el 6 de septiembre de 1971 y tan solo dos días después su padre, Terence, sufre un terrible accidente mientras viajaba en su motocicleta. Como consecuencia, Terence queda paralítico y se ve obligado a vivir en una silla de ruedas.

Debido a la condición del cabeza de familia, quien trabajaba y vivía de sus cosechas, los hermanos de la pequeña Dolores se tienen que hacer cargo de las siembras, mientras que Eileen, la madre de Dolores, se tiene que dividir el tiempo trabajando en un pequeño snackbar y cuidando y atendiendo a sus hijos más pequeños. En ese tiempo, los O’Riordan vivían en un área agrícola en una casa muy pequeña con tan solo dos habitaciones para los 9 integrantes de la familia. Para 1974, cuando Dolores ya contaba con 3 años de edad era muy común verla cantando por todos los rincones de la casa, del colegio y de la iglesia.

A partir de los 5 años empezó a tocar el órgano en la iglesia y a cantar. Cantaba canciones tradicionales e himnos eclesiásticos, así fue como descubrió que su verdadera pasión era ésa. En 1978, con 7 años de edad, tiene uno de sus primeros traumas debido a que su hermana mayor causa accidentalmente un incendio dentro de la casa. Los O'Riordan entonces quedaron sin un techo donde vivir, por lo que entre los vecinos de la familia se organizan para ayudarlos a construir un nuevo hogar, esta vez mucho más grande que el anterior para que pudiesen vivir con un poco más de comodidades.

Dolores era una niña un poco fuera de lo común ya que no le agradaba la idea de ser una niña, ni jugar con el resto de las chicas, en cambio ella prefería pasar el tiempo jugando con sus hermanos. Desde pequeña quería ser más libre, decidir por ella misma, algo que envidiaba de sus hermanos y el resto de los chicos. Por estas y más razones, se acostumbro a llevar el cabello muy corto para confundirse entre los chicos, disfrazando y ocultando cualquier rasgo de femineidad. Dolores no estaba acostumbrada a usar ropa muy colorida ni vestidos largos, quería ser como sus hermanos; ellos siempre usaban ropa oscura, les gustaba salir en coche y divertirse.

En 1981, cuando ya tenía 10 años de edad comenzó a trabajar con su madre. En 1983, Dolores escribe su primera canción, cuando tenía 12 años de edad, el tema lo tituló “Calling”, y hablaba sobre su primer amor, un hombre mucho mayor que ella, que además era su maestro en el colegio.

En el colegio, la pequeña Dolores siempre fue tachada como la niña rara y la apodaron “The girl who writes songs”. Ahí nunca tuvo muchos amigos. Cuando Dolores era toda una adolescente le gustaba mucho la música sacra, por lo que también formaba parte del coro de la Iglesia a la que asistía. El pop formaba parte muy importante de sus gustos, le encantaba escuchar la música de grupos como Duran Duran y The Smiths, admiraba a Sinéad O'Connor y a Patsy Cline.

Comienzo con The Cranberries

Ella y su grupo se hicieron mundialmente conocidos con «Zombie», una canción que denunciaba la situación en Irlanda del Norte, región maltratada por el terrorismo. Posteriormente conseguirían otros grandes éxitos con canciones como «Ode To My Family», «I Can´t Be With You», «Salvation», «Free To Decide», «Promises», «Animal Instinct» y «Just My Imagination», pero sus primeros pasos los dieron con «Dreams» y «Linger», clásicos de la música en inglés.

Dolores O´Riordan comenzó su carrera con grandes enfrentamientos con la prensa sensacionalista británica, que la maltrató durante varios años, especialmente en 1996, cuando se dijo que Dolores sufría de anorexia y tuvo una fractura en la rótula que la obligó a suspender la gira Free To Decide World Tour. Las cosas se recondujeron cuando en 1999 publicó el disco Bury the Hatchet (reconciliémonos, literalmente: enterremos el hacha), título que dejaba bien claro su intención de partir desde cero.

Sus canciones son muy autobiográficas. Uno de sus mayores momentos de fama lo tuvo cuando interpretó el tema «Ave María» de Schubert con Luciano Pavarotti en su concierto Pavarotti and Friends en 1995, canción que posteriormente formaría parte de la banda sonora de la película La Pasión de Cristo (2004)

Carrera en solitario

Dolores firmó contrato con la compañía discográfica independiente Sanctuary Records y lanzó su disco como solista en mayo de 2007. El álbum lleva por nombre Are you listening?.

Dolores O'Riordan debió cancelar 7 presentaciones debido a una enfermedad, terminando anticipadamente la gira. El tour incluyó Asia, Europa y América (por primera vez visitó Sudamérica); sumando casi 50 presentaciones. El gran recibimiento de los de habla hispana ha sido muy grato para ella, declara Dolores: "tengo muchos recuerdos agradables... he prometido volver el próximo año a Sudamérica, lugares como Argentina, Chile, Brasil... me han dejado totalmente asombrada. Lamento mucho no haber venido antes con mis compañeros de siempre, The Cranberries".

En junio de 2007, Sanctuary Records, fue adquirida por Universal Music Group [2]. Por esto, la promoción del segundo single, «When we were young» de Are you listening? está suspendida, aún cuando ya se grabó el videoclip. Según Don Burton, no ha podido comunicarse con los representantes de Universal para intentar llegar a un arreglo.

Dolores O'Riordan hará su debut en la actuación con la película de David Grieco titulada Secrets Of Love, es una historia sobre una obsesión, relacionada con el misterioso asesinato de la cantante Sarah Blisset (interpretada por Dolores) "Sarah era hermosa, realmente especial. Era un sueño, un mito, un icono... Adorada y deseada por todos, las personas continuaron escuchando sus canciones. Nadie pudo olvidarla, por supuesto, las verdaderas estrellas nunca mueren..."

Cabe destacar, su participacion en la pelicula de Adam Snadler "Click", en la cual en la escena del casamiento del hijo de Adam Sandler en la pelicula, Adam Sandler y Kim Basinger bailan su cancion de amor, "Linger" de The Cranberries, cantada por una banda y de vocalista, Dolores.

En 24 de agosto Dolores O'Riordan publicó su segundo album como solista titulado "No Baggage?" [http://www.doloresoriordan.ie/ y su primer sencillo se titula "The Journey". Este nuevo álbum suponge una nueva inmersión en sus vivencias personales, con sonidos experimentales y con temas muy intimistas.

Un día después de la publicación de "No Baggage" en una entrevista radiofónica, la cantante anunció el regreso de The Cranberries después de seis años y medio de parón. En la entrevista explicó que en el mes de noviembre empezará la gira mundial en Estados Unidos. También se anuncia un posible nuevo disco de la banda.

Vida personal

Dolores O´Riordan tiene cuatro hijos, fruto de su matrimonio con Don Burton, ex manager de Duran Duran.

Pagina: http://www.doloresoriordan.com/

Gotthard

Gotthard es una banda de hard rock de Suiza fundada por Steve Lee y Leo Leoni. El nombre de la banda hace referencia a una montaña rocosa de su país, aunque en sus inicios se llamaron Krak.
Quince años de carrera, exitosa en su país y en su vecino , Alemania, e inédita en prácticamente el resto de Europa donde sólo los más avezados les han seguido su excelente trayectoria. En 2005 deciden jugársela, bien por motu propio, bien obligados, abandonan la multinacional que tan bien les distribuía en su territorio y tanto les ignoraba en el resto, y fichan por Nuclear Blast, la “major” del metal.

Once de sus álbumes entraron en las listas de éxitos como números uno, haciendo de ellos la banda suiza con más álbumes en las listas.
Con dos millones de álbumes vendidos ( un millón de los cuales vendido sólo en Suiza, que tiene siete millones y medio de habitantes ), lograron conseguir discos de multi - platino en diferentes partes del mundo. Son la banda de rock con más exito en su país, aunque si consideramos las ventas internacionales, siguen de cerca a otra gran banda suiza, Krokus.

Gotthard ha versionado en directo «Immigrant Song» (original de Led Zeppelin) y la incluyeron exclusivamente en un CD de rock clásico (para una revista de rock mensual de gran tirada en Inglaterra). También versionaron «Hush» en directo y se encuentra en el álbum Made In Switzerland .Tienen versiones de Bob Dylan, The Hollies y The Move.

Influencias:
Led Zeppelin, AC/DC, Whitesnake, Deep Purple, Bon Jovi, Van Halen and Aerosmith. El cantante suizo, Steve Lee, está especialmente encariñado de Whitesnake y ha basado su estilo en David Coverdale.

Miembros:
Steve Lee - voz
Leo Leoni - guitarras
Freddy Scherer - guitarras
Marc Lynn - bajo
Hena Habegger - batería

Albums de estudio:
- Gotthard (1992) platino
- Dial Hard (1994) platino
- G. (1996) platino
- Open (1999) doble platino
- Homerun (2001) triple platino
- Human Zoo (2003) doble platino
- Lipservice (2005) doble platino
- Domino Effect (2007) platino


Albums en vivo:
- The Hamburg Tapes (1996)
- D frosted (1997) doble platino
- Made In Switzerland (Live Album) (2006) platino


Recopilatorios:
- One Life One Soul (Best Of Ballads) (2002) doble platino
- One Team One Spirit (Best of Album) (2004) platino
- Metallic Emotions (CD and DVD) - incluyendo «the call» y el vídeo «lift ‘U’ up» Nuclear Blast (2007)

Pagina: http://www.gotthard.com/
Fuente: www.lastfm.es

Duke Robillard

Duke Robillard (nacido con el nombre de Michael John Robillard, el 4 de octubre de 1948 en Woonsocket, Rhode Island) es un guitarrista y cantante de blues norteamericano.

Guitarrista versátil, cantante y estudioso del género de la música negra estadounidense, Duke interpreta distintos estilos como el jazz, swing, el blues y todas sus ramas con una facilidad asombrosa. Si bien puede interpretar y emular el sonido y fraseo de diversos guitarristas del género, como lo hizo en su disco Guitar Groove-A-Rama (2006), cuando llega el momento de interpretar el estilo del guitarrista T-Bone Walker, deja en claro cual es su más marcada influencia.

Pagina: http://www.dukerobillard.com/

Dorian

Dieron el pelotazo con ‘El futuro no es de nadie’, y ahora vuelven con su nuevo largo, el que definitivamente nos permitirá dirimir si aquello fue un golpe de suerte o puro talento. Evidentemente, muchos saldrán ahora mismo a decir que de talento nada, que cómo nos atrevemos a decir semejante cosa de este grupo con las letras que tienen. Y es que otra cosa no, pero animadversión provocan un rato.

Es normal que Dorian, los OBK del indie, traigan consigo este tipo de debates. Sus letras, a pesar de que aseguren que las cuidan muchísimo, son simples, sencillas e incluso algo infantiloides. A nadie se le olvida aquella canción anterior que empezaba con “Dice la derecha…”. Por suerte esta vez han dejado de lado el tema político y ya no buscan la playa bajo los adoquines. Ahora tiran más por la cotidianidad de nuestros días, y por las historias más personales.

Las letras de Dorian no han mejorado. No han mejorado en absoluto, pero es que tampoco era necesario. No nos vamos a encontrar grandilocuencia, ni metáforas imposibles. Es quizá esa simpleza la que permite que temas como ‘Cualquier otra parte’ y sus pastillas rosas se hayan colado en nuestro imaginario colectivo. ¿O es que hay alguien en el indie español que no tenga algún recuerdo de amor-odio asociado a esta canción? Probablemente no: la hemos escuchado en el Ochoymedio, en el Razz, en el FIB, en el Summercase. En todos lados.

La grandeza de Dorian no es esa. Lo que mejor hacen estos chicos son las melodías, que les quedan realmente pegadizas, y muy bien sincronizadas con la letra. Es fácil aprenderse sus temas, que contienen frases aplicables a casi cada uno de nosotros. Luego sus discos tienen pistas claramente desechables pero, ¿qué más da? Tienen un puñado de buenos singles y un puñado de frases verídicas como la vida misma. ¿O es que no hay idiotas encerrados en coches de mil caballos? Quien crea que no, es que no se ha dado una vuelta por el extrarradio de su ciudad.

‘La ciudad subterránea’, que así se llama su nuevo largo, no tiene canciones que funcionen tan bien como la ya mencionada -y trilladísima, pero igualmente reivindicable como himno generacional- ‘Cualquier otra parte’. Pero sí contiene temas que prometen darnos momentos igual de memorables al tiempo que provocarán sarpullidos en sus detractores. ‘Verte amanecer’ es la típica canción ñoña que nunca admitirías que te gusta (en especial por ese estribillo), pero que al final te la pones y te toca un poquito. ‘La mañana herida’ es una historia que -especialmente en estos tiempos de crisis- hemos vivido todos, ya sea en nuestra piel o en la de un amigo. Sin embargo, los Dorian mejoran claramente cuanta más sencillez aplican en sus composiciones. La segunda mitad del disco es bastante superior a la primera, sorprendentemente. Y ‘Veleros’ es un poco la culminación de este hecho y un resumen del éxito de Dorian: una canción que, de puro cursi, según te pille de estado de ánimo puede resultar francamente demoledora.

Gregg Allman

Gregory Lenoir Allman (nació en diciembre 8, 1947 en Nashville, Tennessee), es un rockero, cantante de blues, instrumentista, guitarrista y escritor de música. Mejor conocido por ser el fundador de la banda de los hermanos Allman. El ha sido introducido al salón de la fama del Rock and Roll en 1995 con la banda de los hermanos Allman. Y personalmente recibió una condecoración por una vida de éxitos por parte del salón de la fama de música de Georgia en el 2006

La banda de los hermanos Allman es una banda seminal del denominado rock sureño originaria de Macon, Georgia, EE. UU., descrita por el Salón de la Fama del Rock como «los principales arquitectos del rock sureño». El grupo se formó en 1969 y dos años más tarde George Kimball los describió en la revista Rolling Stone como la mejor banda de rock and roll que se había creado en Estados Unidos en los últimos cinco años… Sigue activa en la actualidad.

Pagina: http://www.greggallman.com/

Viejas Locas

La historia de Viejas Locas comienza en un recreo del Colegio Comercial Nº 2 de Villa Lugano cuando tres chicos empezaron con la idea de formar una "bandita" para pasar el tiempo. «Siempre decíamos que cuando tuviésemos una banda le íbamos a poner Viejas Locas porque mi apodo, al final, resultaba divertido», declaró Mauro Bonome (el primer cantante de la banda).

La primera formación de la banda fue Mauro Bonome en voz; Bachi en bajo; y Diego Cantoni en guitarra. Todos pertenecían al barrio Piedrabuena, situado entre Mataderos y Lugano. Con dicha formación empezaron a tocar covers de los Rolling Stones y Pink Floyd mientras, paralelamente, buscaban un baterista.

Así se toparon con Cristián Pity Álvarez, quien hacía seis meses se encontraba aprendiendo a tocar la guitarra y andaba buscando donde poder tocar. Cuando Pity se incorporó sumó al músico que faltaba: Gastón Mansilla tomó la posta en la batería.

Viejas Locas debutó el 3 de noviembre de 1990 en Acatraz; en dicha fecha, gracias al boca en boca, lograron convocar a 60 personas y ya comenzó a destacarse la presencia escénica de Pity. Además de los covers, tocaron dos temas de su autoría: "Descansar en paz" y "Buey".

Los tres fundadores de la banda comenzaron a perder el interés por el proyecto y casi se produce la separación; sin embargo, Pity siguió adelante y fue incorporando otros músicos. Luego de varias pruebas infructuosas para conseguir un cantante, el propio Alvarez ocupó el micrófono principal. Más tarde se sumaron Peri en Armónica, Juancho en Saxo y Burbujas en Piano.

En cuando a la composición de los temas Pity contaba "Es natural en mi hacer las letras. Es un flash, porque no podes programar hacer una letra para la gente, hacer un tema pensando en algo. Es algo que pinta. A veces, estoy durmiendo y se me ocurre un re-tema y por no levantarme, cuando me levanto ya me lo olvide. Estas son sencillas, pocas comparaciones, ninguna metáfora, son bien directas, historias que las entendemos rápido".

Para 1993, tras haberse presentado varias veces en el desaparecido local La Cueva, los dueños los convocaron, junto a otras bandas, para que participaran de un compilado que se llamo "Una noche en La Cueva". Los temas con los que participó Viejas Locas son: "Eva" (con una versión algo cambiada a la luego difundida) y "Tirado en la estación". Esto terminó siendo una mala movida porque firmaron un contrato y después estuvieron mucho tiempo para poder rescindirlo.

Pese a esos problemas legales la banda siguió tocando y en 1994 grabaron el primer demo; el mismo fue distribuido gratuitamente en las presentaciones que realizaron en Die Schulse, Museo Rock y New Order.

En uno de los tantos shows que el grupo ofreció en Capital Federal los vio un representante del sello discográfico Polygram (el mismo que llevó a La Renga a esa compañía). Quedó impresionado y los contrató para la multinacional. El primer disco salió a las calles recién en 1996 y fue conocido bajo el nombre de "Viejas locas" de ahí se destacaron temas como "Intoxicado" (tema que fue corte de la placa), "Lo artesanal" y "Nena me gustas así".

En 1997 entraron, nuevamente, a un estudio de grabación para darle forma a lo que sería "Hermanos de Sangre", el segundo trabajo de Viejas Locas. Para este disco se barajó la posibilidad de trabajar con Andrew Oldhman como productor, cosa que finalmente no sucedió. En este álbum se destacan "El chico de la Oculta", "Psicodélica mujer", "Difícil de entender" y "Perra", el corte difusión.

El crecimiento de la banda era innegable. Para ese entonces los Rolling Stones volvían a la Argentina y Los Ratones Paranoicos, por cuestiones económicas, rechazaron ser teloneros e inmediatamente se pensó en Viejas Locas; por lo que fueron la banda soporte en cuatro, de los cinco, shows que los Stones dieron en el país.

Luego de esa satisfactoria experiencia dieron un show gratuito en Quilmes para todos los seguidores que no pudieron pagar la entrada para estar en River; dicho recital marcó el record de asistencia en un show de Viejas Locas ya que llevaron 10.000 personas.

Antes de entrar a grabar el tercer disco, se produjo otro gran acontecimiento que esperan todas las bandas de rock en la Argentina: tocar en Obras. Al show asistieron algo más de 5.000 personas y tuve como invitado especial a Chizzo de La Renga.

"Especial" es el tercer disco, que contó con la producción de Nigel Walker. Se editó en marzo del '99 y resultó el mayor éxito comercial de la banda. El hit "Me gustas mucho" tuvo alta rotación en las radios porteñas. Éste CD fue el que les permitió cruzar las fronteras y salir a tocar a países limítrofes.

A mediados del 2000, Pity se retira de la banda y realizan un último recital en La Matanza, sin anunciar que era el último.

«La separación de una banda es como pelearse con una chica con la que estuviste casado diez años: no la aguantás más, pero todavía tenés sentimientos hacia ella. Yo me fui de la banda», comentaba Pity en una entrevista para Página/12 (26/12/2001).

De esta disolución surgen tres bandas: Intoxicados (con Pity y Abel Meyer), Motor Loco (la banda de Fachi) y La Lengua (la banda de Pello).

En el año 2002 sale un CD recopilación titulado "Sigue Pegando - Grandes Éxitos", el que contiene los más grandes éxitos de Viejas Locas y un tema inédito: "El hombre suburbano", con la participación de Pappo en guitarras.

A mediados de 2003 se edita el DVD "Viejas Locas", que contiene un recital grabado en vivo en el estadio Obras ante 6.000 personas y 6 video clips de la banda.

El 2009 se inició con el rumor del retorno de la banda, con una gira nacional y un nuevo disco, que fue confirmado en una conferencia de prensa en Puerto Madero.

Formación:
Abel Meyer: batería
Christian "Pity" Alvarez: voz y guitarra
Fabián "Fachi" Crea: bajo
Sergio "Peluca" Hernández: guitarra

Ex integrantes:
Bachi: bajo
Diego Cantoni: guitarra
Gastón Mansilla: batería
Mauro Bonome: voz
Sergio "Pollo" Toloza: guitarra

Discografía:
Viejas Locas, 1996
Hermanos de sangre, 1997
Especial, 1999
Sigue pegando - grandes éxitos, 2002

Pagina: http://www.viejas-locas.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar

Cuby & The Blizzards

Grupo de R&B y blues-rock holandés, surgido en el año 1964 en la localidad de Grollo. Cuby & The Blizzards fueron una de las bandas con sonido bluesy más sugestivas del momento, admirados por nombres tan importantes como Van Morrison, Alexis Korner o John Mayall.

El grupo estaba liderado por el cantante Harry “Cuby” Muskee y el guitarra líder Eelco Gelling, veteranos de la escena holandesa que habían pasado por formaciones como The Rocking Strings y The Sharks. Completaban el quinteto el guitarra rítmico Hans Kinds, el bajista Willy Middell y el batería Dick Beekman.

Harry era un amante del jazz, había tocado el contrabajo en un conjunto jazzístico denominado The Old Fashioned Jazz Group, del rock’n’roll, siendo sus preferidos a finales de los años 50 los Everly Brothers, los Shadows, Elvis Presley y Buddy Holly, y del blues de Chicago, música que adoptó como identidad sonora a comienzos de los años 60, época en la que también interpretaba música beat.

Estas aficiones, con adoración por John Lee Hooker o Elmore James, las compartía con Eelco Gelling, estupendo guitarrista y compositor con el que configuró el esquema sónico de los Blizzards en 1965. El seudónimo de Cuby fue adoptado por Harry al apropiarse del nombre del perro de un vecino.

En 1965 y en el sello CNR publicaron el single “Stumble and fall”, continuado en 1966 por temas como “LSD (got a million dollars)” (con la cara b incluyendo la enérgica y garajera “Your body not your soul”, uno de sus temas más famosos del grupo al ser popularizada en diversas colecciones posteriores), “Back home”, “Richard Cory” y el Lp lleno de blues “Desolation” (1966), publicado en Phillips.

En 1966 se incorporó el teclista Herman Brood al grupo, que variaría de componentes con asiduidad a excepción de Cuby y Eelco Gelling, tentado sin éxito por John Mayall para que se uniera a sus Bluesbreakers.

Un año después grabaron dos Lps, uno junto al bluesman Eddy Boyd llamado “Praise the blues” (1967) y “Groeten uit Grollo” (1967), uno de los títulos clave de su discografía. Los singles de 1967, incluidos varios de ellos en “Groeten uit grollo”, fueron “Just for fun”, “Another day another road”, “Distant smile”, “The sunshine of your shadow” y “Another Land”.

El sonido blues-rock de la banda prosiguió durante los últimos años sesenta, actuando con éxito en toda Europa y grabando cortes como “Window of my eyes”, una de sus canciones más recordadas, “Nostalgic toiler” o “Appleknockers flophouse” y los Lps “Trippin' thru a midnight blues” (1968), “Live at Dusseldorf” (1968), con la participación de Alexis Corner, los recopilatorios “On the road (Boek en Plaat)” (1968) y “Cuby’s Blues” (1969), y “Appleknockers flophouse” (1969).
Durante los primeros años 70 el grupo prosiguió esta profusa creatividad con discos grandes como “Too blind to see” (1970), la compilación “King of the world” (1970), “Simple man” (1971) o “Sometimes” (1972).

Los continuos cambios de formación llevaron a la banda a la ruptura en 1972 para iniciar los dos principales componentes y compositores del grupo, Cuby y Gelling, una nueva andadura musical con Red White & Blue Band, que a mediados de la década volvería a retomar su nombre original.

Posteriormente sus miembros formarían otras bandas como Golden Earring, Muskee Gang, The Blues Connection o la Eelco Gelling Band.

Sus discos previos serían reeditados en diferentes ocasiones para solaz de los amantes de los sonidos blues-rock con aristas jazz.

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Crowded House

Crowded House fue un importante grupo de rock australiano/neozelandés, activo entre los años 1986 y 1996.

Los miembros fundamentales fueron Neil Finn como autor de la mayoría de sus canciones, guitarrista y cantante, Paul Hester en la batería y Nick Seymour en el bajo. Adicionalmente, Mark Hart (guitarra y piano, también miembro de Supertramp) colaboró en Together Alone y Recurring Dream (1992–1996) y Tim Finn (compositor y piano, hermano de Neil Finn) participó en Woodface (1990–1992).

En 2006 Neil Finn y Nick Seymour se juntaron para trabajar en un nuevo disco en solitario de Neil Finn. Dada la gran química que se mantenía entre ellos decidieron volver a unirse para sacar un nuevo disco como Crowded House aprovechando las canciones en las que ya habían trabajado. Mark Hart volvió con ellos a la guitarra y piano, y para ocupar el lugar del difunto Paul Hester, contrataron a Matt Sherrod. Como resultado de este trabajo surge en 2007 el álbum Time on Earth y una subsiguiente gira mundial.

Sus canciones más conocidas incluyen "Don't Dream It's Over", "Something So Strong", "Better Be Home Soon", "Weather with You" y "Fall at your feet".

Origen

Antes de formar Crowded House, Neil Finn y Paul Hester habían participado ocasionalmente en la banda de rock Split Enz fundada por, entre otros, Tim Finn.

La banda que luego será Crowded House nació con el nombre de The Mullanes en 1985 incluyendo al guitarrista Craig Hooper, antiguo miembro de The Reels. Firmaron un contrato con Capitol Records y fueron a Los Ángeles, donde Hooper deja el grupo. Por petición de la editorial, cambiaron el nombre a Crowded House (Casa repleta) refiriéndose al pequeño lugar donde vivían durante la grabación del álbum, en 1902 N. Sycamore St.

Pagina: http://www.etext.org/Mailing.Lists/house/hyperdiscog.html

Chris Isaak

Christopher Joseph Isaak (26 de junio de 1956) es un músico de rock y actor ocasional de Estados Unidos.

Biografía

Vida personal

Isaak nació en Stockton, California. Hijo de Dorothy Vignolo, trabajadora de una industria de patatas fritas, y de Joe Isaak, conductor de grúas. La madre de Isaak es ítalo-americana, originaria de la ciudad de Génova.

Carrera musical

En 1984, firma un contrato con Warner Bros. Records para su primer álbum, Silvertone. Su contrato fue renovado el año 1988, cuando la Warner decidió pasarlo a su filial Reprise Records.

Un año después (1989) lanza el disco Heart Shaped World, el cual incluye su canción más conocida: Wicked Game. Este tema sería usado más tarde, en una versión instrumental, en la cinta Corazón salvaje del director David Lynch, y también en la película Hombre de familia (2000). Lee Chesnut, director musical de una estación radial de Atlanta, obsesionado con las películas de Lynch, comenzó a pasar la versión completa del tema que rápidamente comenzó a trepar en las listas de su país. El video, dirigido por Herb Ritts y protagonizado por el propio Isaak junto a la modelo danesa Helena Christensen, fue un éxito en importantes cadenas como MTV y VH1. También existe un video menos conocido dirigido por el propio David Lynch y contiene escenas de la película.

En 1999, el tema Baby Did a Bad, Bad Thing, incluido en su disco Forever Blue (1995), es usado por el director Stanley Kubrick en su última película titulada Eyes Wide Shut. El video es dirigido por el mismo Herb Ribbs y, de nuevo, protagonizado por Isaak junto a otra modelo, esta vez la francesa Laetitia Casta.

Isaak también compuso un tema musical para el programa de televisión The Late Late Show with Craig Kilborn. En 2001 presenta su propio programa de televisión, The Chris Isaak Show, el cual estuvo en el aire entre marzo del 2001 hasta marzo del 2004 y era transmitido por la cadena de cable estadounidense Showtime. El 2004, su tema Life Will Go On fue usado en la banda sonora de la película Chasing Liberty (dirigida por Andy Cadiff). También su tema Two Hearts se usó en los créditos finales de la película de 1993, Amor a quemarropa, dirigida por Tony Scott.

Actuación

Isaak ha aparecido en numerosas películas, en la mayoría interpretando papeles pequeños, aunque tuvo una aparición importante en la cinta Little Buddha (1993) de Bernardo Bertolucci y en Twin Peaks: Fire Walk With Me de David Lynch. También ha sido actor invitado en la serie de televisión Friends y participó en la miniserie de HBO From the Earth to the Moon. En 2004 interpretó al esposo de Tracey Ullman en la comedia A dirty shame del director underground John Waters.

Pagina: http://www.chrisisaak.com/

Raphael

Miguel Rafael Martos Sánchez (Linares, Jaén, 5 de mayo de 1943), conocido internacionalmente como Raphael, es uno de los cantantes insignia de España. Su calidad vocal, unida a una gran capacidad histriónica y expresiva, han conquistado al público de todo el mundo hispano como también de otras culturas, por más de cuatro décadas.

Biografía y carrera

Niñez

Mundialmente conocido en su etapa juvenil como "El Niño", Miguel Rafael Martos Sánchez nació en Linares, provincia de Jaén, España, el 5 de mayo de 1943, en el seno de una humilde familia. Su padre era obrero ferrallista (operario de la construcción encargado de colocar los esqueletos de hierro en las vigas de hormigón) mientras su madre se prodigaba en los quehaceres hogareños y el bienestar familiar. Tuvieron cuatro hijos varones: Francisco -el mayor-, Juan, Miguel Rafael (El Niño) y José Manuel.

Cuando el pequeño Rafael tiene apenas nueve meses, su padre, que trabajaba para el ayuntamiento, es trasladado a Madrid, a donde emigra con toda la familia.

Acostumbrado desde siempre a oír cantar a su madre, doña Rafaela, que tenía muy bonita voz, resultó muy natural que "Falín" -como le llamaban en su casa- además de jugar como todos los niños, pasara el día cantando.

Y quiso la suerte que la escolanía de la Iglesia de San Antonio de Madrid necesitara por esos días una primera voz para el coro. Enterado de ello, su hermano Juan intermedia y el pequeño "Falín", pese a su corta edad, es integrado a él inmediatamente, y así, con apenas cinco años, comienza a solventar sus estudios en ese colegio capuchino. Hiperactivo y travieso, varias veces fue expulsado del colegio y otras tantas vuelto a incorporar (su presencia en el coro sería a la postre, imprescindible).

A los nueve años, participa en un festival en Salzburgo, Austria, con el coro del colegio, y es reconocido como niño prodigio, al recibir el premio como solista, a la mejor voz infantil de Europa.[1]

Pocos años después ingresa como cadete y aspirante en la Academia y editorial musical del maestro Francisco Gordillo, con vistas a lanzarse en la carrera artística.

Primeros éxitos

Ya con Francisco 'Paco' Gordillo -hijo del maestro Manuel Gordillo- como representante, se inicia Raphael como cantante profesional, firmando contrato como artista exclusivo para Discos Philips (de allí tomó la "ph" que agregó a su nombre). Sus primeros éxitos fueron: Te voy a contar mi vida, Llevan, A pesar de todo, Cada cual e Inmensidad.

Se asocia entonces con el joven pianista y compositor Manuel Alejandro, también de origen andaluz, futuro autor de muchos de sus éxitos, como Yo soy aquél, Cuando tú no estás, Digan lo que digan, Desde aquel día, Amor mío, Qué sabe nadie y En carne viva, entre otros.

A los diecisiete años participa en el IV Festival Español de la Canción de Benidorm. Obtiene el galardón de “Mejor intérprete”, y son también galardonadas seis canciones que presenta en dicho festival: un Primer premio para la canción Llevan de Regueiro y Llorente, y son premiadas también Quisiera (2º Premio), Cada cual (3º), A pesar de todo (5º), No (8º) y Lazarillo (9º Premio).

Posteriormente, tras breve pasaje por el sello francés Barclay, para el que graba un EP en 1963, firma contrato también como artista exclusivo con la casa discográfica Hispavox.

En sus comienzos acude a programas radiofónicos en Radio Madrid y Radio Intercontinental del veterano Ángel de Echenique -que se celebran en directo- donde gana al concurso Ruede la Bola y numerosos premios más.

Breve pero auspiciosa fue su aparición en la película Las gemelas (1962), donde interpreta apenas dos temas.

Apogeo: cine y Eurovisión

En 1966 filma su primera película como protagonista, Cuando tú no estás, dirigida por Mario Camus, a la que seguirían, en años sucesivos, siete producciones más (ver filmografía), todas con gran éxito internacional de taquilla, hasta inclusive en Rusia.

Raphael inaugura en noviembre de 1966 con un concierto en el madrileño Teatro de la Zarzuela, para España e Hispanoamérica, lo que sería su marca artística en lo escénico: los recitales unipersonales de más de dos horas de duración continuada. Verdaderos maratones interpretativos donde da rienda suelta a todo su caudal vocal e histriónico y hace plena entrega de sí ante su público.

Entre sus canciones más famosas de este período -además de las ya mencionadas-, se encuentran: Yo no tengo a nadie, Poco a poco, Al ponerse el sol, Hablemos del amor, Mi gran noche, Cierro mis ojos, Huapango torero, Sandunga y Llorona, estos tres últimos temas de origen mexicano.

En 1966 y 1967 representó a España en el Festival de Eurovisión con sus éxitos Yo soy aquel y Hablemos del amor quedando en 7º y 6º posición, lo que coadyuvó a su lanzamiento internacional, comenzando una interminable serie de giras.

Incursiona en la radio y la TV españolas conduciendo shows como El mundo de Raphael mientras sus especiales de Nochebuena comienzan a ser cita y referencia que, con el tiempo, se harían tradición.

Década de 1970

El 25 de octubre de 1970 se presenta en el famoso Ed Sullivan Show, de la cadena televisiva estadounidense CBS, cantando en vivo en español, inglés e italiano, volviendo a aparecer en el mismo a los pocos meses.

En 1972 funda su propia productora, Zzelesta --de corta existencia-- quedando Hispavox como distribuidora asociada para España, y firma contrato internacional con Parnaso Records.

El 14 de julio de ese mismo año, contrae enlace con la periodista y escritora Natalia Figueroa. La boda se realiza en la ciudad de Venecia (Italia), para evitar el acoso periodístico. Tuvieron tres hijos: Jacobo, Alejandra y Manuel, de los cuales Raphael siempre acota: «Han sido mis mejores conciertos».

Tiene cinco nietos: Nicolás y Julia (hijos de Jacobo y la actriz Toni Acosta), Manuela y Carlos (hijos de Alejandra y Álvaro Arenzana) y Jorge, hijo de Manuel y Amelia Bono (hija del político José Bono), el último en incorporarse a la saga.

También incursiona en la telenovela, con la producción mexicana Donde termina el camino, transmitida en la primavera de 1978 en México y posteriormente en países sudamericanos como Perú y Chile.

Años 80-90: de Qué sabe nadie a Escándalo

A principios de los ochenta graba canciones como: Qué sabe nadie, ¿Qué tal te va sin mí?, Como yo te amo, En carne viva y Estar enamorado. En 1984 graba su primera producción con composiciones de José Luis Perales como Ámame, Yo sigo siendo aquel, y Estoy llorando hoy por ti.

Posteriormente ingresa a CBS Columbia (hoy Sony Music), donde continuó su carrera con composiciones de Roberto Livi como Toco madera y Maravilloso corazón. A principios de los años 90 logra un hit con Escándalo, de Willy Chirino, en muchos países, e inclusive alcanza la posición N°1 en el top ranking de ventas en Japón.

A finales de los años 90, tras pasar por PolyGram, regresa a EMI (actualmente propietaria del sello Hispavox).

En 1998 publica la primera parte de sus memorias, ¿Y mañana qué?, que abarca desde su niñez hasta la época de su casamiento.

Década de 2000: enfermedad, transplante y poderosa madurez

En el año 2000 Raphael interviene en teatro, asignatura pendiente para el artista, con la puesta en escena del musical Dr. Jekyll y Mr. Hyde, que se mantuvo en cartel durante siete meses.

En 2001, el audaz álbum Maldito Raphael estrecha la relación entre este cantante y estilos musicales variados. Incluye duetos con diversas figuras que confiesan su admiración por él, desde Jeanette hasta Alaska.

Desde 1985 la salud de Raphael se veía afectada por un problema hepático que fue resuelto en 2003 con un trasplante, lo que convirtió al cantante en un activo impulsor de la donación de órganos. Su convalecencia fue sorprendente por su rápida recuperación, y Raphael anunció que empezaba «una segunda vida». A finales de 2005 participa en el espectáculo de TVE Rocío...siempre, protagonizado por Rocío Jurado, con quien graba a dúo una canción ya clásica de ella: A que no te vas.

En 2006 estrena otro disco --Cerca de ti (EMI)-- que muy pronto recibe un Disco de Oro en España. En 2006 inicia una gira mundial comenzada en 2006 --también llamada Cerca de ti-- en la cual presenta una selección de sus éxitos sin orquesta, prefiriendo el acompañamiento íntimo de un piano.

Disco de Uranio

Su historia discográfica es impresionante, como lo atestiguan sus 350 discos de Oro, 50 de Platino, y el disco de Uranio. El Disco de Uranio, fué otorgado a Raphael, por las ventas de su disco "Raphael: ayer, hoy y siempre" en 1982. Era un LP/cassette doble que recopilaba sus grandes éxitos y del cual se vendieron 50 millones de copias. Como Raphael ya tenía muchos discos de oro y platino, crearon especialmente esta categoría para que en uno solo se viera representada semejante cifra. Así es como nació el famoso "Disco de Uranio", único existente en el mundo para un artista de habla española. Ha grabado más de 60 discos de larga duración en Español, así como otros en Italiano, Francés, Alemán, Inglés y Japonés [1]

Discografía

Su discografía es extensa y, haciendo abstracción de las innumerables compilaciones y reediciones internacionales, se resume en varios EP, Sencillos, Álbumes y CD. Ha grabado en varios idiomas (inglés, francés, alemán, portugués, italiano y japonés) temas lanzados casi exclusivamente en esos mercados. Su tarea se expande por cinco décadas (60's, 70's, 80's, 90's y 2000's) y en su mayoría fue lanzada en España primero que en otros países, por lo que, cuando no se indica especial procedencia, se trata de ediciones allí originadas.

- Raphaël! (Tú, Cupido - etc.) - EP Philips 1962
- Llevan (Raphaël en Benidorm) - EP Philips 1962
- Quisiera (Raphaël en Benidorm) - EP Philips 1962
- Cuando Calienta El Sol - EP Philips 1963
- Raphael (Tu Conciencia) - EP Barclay 1963
- Raphael (Ma Vie, etc.) - Álbum EMI Music 1965
- Dis-moi Lequel (En francés) - EP Vogue (France) 1966
- Canta... (BSO "Cuando Tú No Estás") - Álbum EMI 1966
- Yo soy aquel / Ti amo tanto (En italiano) - Sencillo Derby (Italia) 1967
- Al Ponerse El Sol (BSO Film) - Álbum EMI 1967
- Please, Speak To Me Of Love / While I Live (En inglés)- Sencillo Columbia (UK) 1967
- Digan Lo Que Digan (BSO Film) - Álbum EMI Music 1967
- Nocturne (En francés)- EP EMI 1967
- El Golfo (BSO Film) - Álbum EMI 1968
- El Barco Del Amor - EP (FAO - Campaña Contra El Hambre) 1969
- Ave Maria / Please, Keep Loving Me (En inglés) - Sencillo Columbia (UK) 1969
- Huapango Torero - EP EMI (México) 1969
- El Ángel (BSO Film) - EP EMI 1969
- El Ángel - Álbum Orion/Ifesa (sólo Ecuador) 1969
- Raphael - Álbum Fontana (Te voy a contar mi vida, Que no me despierte nadie - etc.) 1969
- Aquí! - Álbum EMI 1969
- Live At The Talk Of The Town - Álbum EMI 1970
- Aleluya... - Álbum EMI 1970
- Gelosía /... (En italiano) - Sencillo (Ita) 1970
- Show Us The Way / Maybe (En inglés) - Sencillo U.Art's (USA) 1970
- Wie ein Bajazzo / Luciana (En alemán) Sencillo Polydor (Alemania) 1970
- Halleluja / Natascha (En alemán) Sencillo Polydor (Alemania) 1970
- Chissà, Chissà / Non è vero niente (En italiano) - Sencillo EMI (Italia) 1970
- Sirocco /..... (En alemán) - Sencillo (Alemania) 1970
- Algo Más... - Álbum Hispavox 1971
- Háblame De Amor - 1 Tema (ÁlbumTop Star Fest) Universal Music 1971
- Volveré A Nacer - Álbum EMI 1972
- Le Llaman Jesús! - Álbum EMI 1973
- Israel / I Can't Remember - Sencillo Zzelesta (USA) 1973
- From Here On... (En inglés) - Álbum Zzelesta/Parnaso(USA)1973
- Raphaël! (Ven Conmigo, etc.) - Álbum Zzelesta/EMI 1974
- Raphaël! (Dama Dama, etc.) - Álbum Zzelesta/Parnaso(Amér)1974
- Qué Dirán De Mí - Álbum Parnaso (América) 1974
- Sombras / Vasija De Barro / etc. - EP Orion (Ecuador) 1974
- Amor Mio - Álbum Zzelesta/EMI Music 1974
- Amor Mio (En japonés) - Sencillo Columbia Nippon (Japón) 1974
- No Eches La Culpa Al Gitano - 1 Tema (Álbum Juntos Para Ayudar) UNICEF/EMI Music 1974
- Recital Hispanoamericano(c/Los Gemelos) - Álbum EMI 1975
- Con El Sol De La Mañana - Álbum EMI 1976
- Raphael Canta… (Boleros) - Álbum EMI 1976
- El Cantor - LP EMI 1977
- Juro Que Nunca Volveré / Con Todo y Mi Tristeza - Sencillo EMI (México) 1978
- Una Forma Muy Mía De Amar - Álbum EMI 1978
- Y... Sigo Mi Camino - Álbum EMI 1980
- Vivo Live Direct (20º Aniv.) - Doble Álbum EMI 1980
- En Carne Viva - Álbum EMI 1981
- Enamorado De La Vida - Álbum EMI 1983
- Eternamente Tuyo - Álbum EMI 1984
- Yo Sigo Siendo Aquel (25º Aniv) - Álbum EMI 1985
- Toda Una Vida - Álbum EMI 1986
- Las Apariencias Engañan - Álbum Sony BMG Music 1988
- Maravilloso Corazón, Maravilloso - Álbum Epic/Sony BMG 1989
- Andaluz - Álbum Epic/Sony BMG Music 1990
- Ave Fénix - Álbum Epic/Sony BMG 1992
- Fantasía - Álbum Sony BMG 1994
- Desde El Fondo De Mi Alma - Álbum Epic/Sony BMG 1994
- Punto y Seguido… - CD Universal Music (España) 1997
- Vete - 1 Tema (CD Duetos 2 de Nino Bravo) Polydor/Universal Music 1997
- Jekyll & Hyde - CD Pygmalion/EMI 2001
- Maldito Raphael - CD EMI 2001
- De Vuelta - CD EMI 2003
- Vuelve Por Navidad - CD EMI 2004
- A Que No Te Vas - 1 Tema (CD Rocío... Siempre - con R. Jurado) 2006
- Cerca de ti - CD & DVD EMI 2006
- Maravilloso Raphael - 2 CD & 1 DVD EMI/Sony/BMG/RTVE 2007
- Raphael 50 años después - CD EMI 2008

Premios

Entre sus muchos premios, destacan:

- 3 Nominaciones a los Premios Grammy (EE.UU.)
- Un disco de Uranio (único para un cantante hispano) por la venta mundial de más de 50 millones de copias de su álbum Ayer, hoy y siempre (1982) bajo el sello Hispavox (España)
- 350 discos de oro en todo el mundo.
- 50 discos de platino en todo el mundo.
- Premio Amigo de la Industria Musical Española a toda su carrera.
- Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes (España).
- Premio de Honor de la Academia de la Música por más de 4 décadas de éxito en todo el mundo.
- Nombrado Ilustrísimo Señor de la Orden de Cisneros.
- Nombrado Excelentísimo Señor Comendador de Isabel la Católica (entregado por S.M. el Rey Don Juan Carlos I).
- Medalla de Oro de Andalucía (2007).
- 4 veces Popular, Diario Pueblo, (Madrid).
- 3 veces Super Popular, Diario Pueblo, (Madrid).
- 4 premios "Aplauso".
- 7 veces "Ole" de la Canción, (Barcelona).
- 3 Heraldos de México (máximo premio de este país).
- Premio Rafael Guinad (Venezuela).
- Premio Hoja de Plata (Madrid).
- 2 Premios Quijote de Oro de Televisión Española.
- Medalla de Oro del Círculo de Escritores de Madrid.
- 6 veces Campeón Super-Ventas de discos.
- 4 Premios ACE al mejor concierto del año, por la Asociación de Críticos de Espectáculos de Nueva York (EE.UU.)
- 2 Premios El Sol Azteca (México).
- Disco de Oro al mejor cantante en Midem (Cannes, Francia).
- 4 veces Guaicaipuro de Oro (Venezuela).
- Premio al mejor cantante español pop.
- Premio Sindicato Nacional del Espectáculo.
- Medalla de Oro y Brillantes del Departamento de Turismo (México).
- 5 Antorchas de Plata, en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, (Chile).
- 2 Antorchas de Oro, en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, (Chile).
- 1 Gaviota de Plata, en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, (Chile).
- Gran Galardón de la Sociedad General de Autores (España).
- Hijo predilecto de: México, Colombia, Ecuador, Chile, Argentina, Venezuela y Perú.
- Llaves de Oro de: Nueva York, Los Angeles, Chicago y Miami (5 veces).
- Nombrado Español Universal por la Cámara de Comercio Española en Miami.
- Nombrado Andaluz Universal por la revista "Andalucía en el Mundo".
- Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo (España).
- Estrella con su nombre en la Avenida de la Fama (Los Angeles).
- 2 Calles con su nombre, una en Linares (Jaén) y otra en Estepona (Málaga), ambas en España.
- Premio 'Estrella de Oro' concedido por el Club de Medios en reconocimiento a su larga y consolidada trayectoria profesional.
- Premio Especial Shangai a toda una carrera.
- Premio a toda una vida del Foro del Espectador.
- Premio “Hipódromo de la Américas" a su trayectoria artística internacional (México).
- Premio Júbilo 2005.
- Premio al Jiennense del Año 2004
- Premio Linarense del Año 2004
- Con Raphael en vivo se inauguraron las transmisiones de televisión a color en Puerto Rico, en el año 1969.
- Premio Las Lunas del Auditorio Nacional de México (2006)
- Medalla Lumiére de Cine, concedido en La Solana, Ciudad Real, España (2007)
- Premio "New Yorkers" concedido por la Cámara de Comercio de España - EE.UU. (2007)
- Premio "Jaén, paraíso interior" concedido por la Diputación Provincial de Jaén, España (2007)
- Medalla de Oro de los Amantes por sus 50 años en los escenarios, concedida por el Centro de Iniciativas de Teruel, España (2008)
- Premio A.R.T.E (Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo), recibido en el Circo Price de Madrid, España (2008)

Filmografía

Entre finales de los sesenta y principios de los setenta, Raphael concreta una exitosa carrera cinematográfica. Contando con una muy cuidada producción y directores del prestigio de Mario Camus y Vicente Escrivá, su filmografía estuvo centrada a su lucimiento como cantante, más que al desarrollo de argumentos originales y su crecimiento actoral, por lo que sus películas pagaban tributo a sus canciones de éxito. No obstante, la calidad y esmero general de estas producciones las sitúan muy por encima del promedio habitual del género, tan frecuentado en esos años por las cinematografías de España, México, Argentina, Italia, Francia y EE.UU.

Películas

- 1962 "Las Gemelas", con Jaime de Armiñán, Camilo R. Murillo y Concha Castaños, con escrita y dirigida por Antonio José del Amo. Es el debut cinematográfico de Raphael y sólo participa en algunas escenas y canta un par de canciones: 'Bailando twist' (en off) y 'Te voy a contar mi vida'.

- 1966 "Cuando tú no estás", con Leonardo Martín, Juan Cobos y Miguel Rubio, escrita y dirigida por Mario Camus (Incluye 8 canciones).

- 1967 "Al ponerse el sol", con Leonardo Martín, Juan Cobos y Miguel Rubio, escrita y dirigida por Mario Camus (Incluye 10 canciones).

- 1968 "Digan lo que digan" -coproducción con Argentina- sobre una idea de Antonio Gala y Miguel Rubio, con la colaboración de Ulyses Petit de Murat, sobre argumento de Horacio Guisado. Escrita y dirigida por Mario Camus (Incluye 8 canciones).

- 1968 "El golfo" -coproducción con México- con Shirley Jones (U.S.A.), escrita y dirigida por Vicente Escrivá (Incluye 10 canciones).

- 1969 "El ángel", con José Sacristán, escrita y dirigida por Vicente Escrivá (Incluye 8 canciones).

- 1970 "Sin un adiós" -coproducción con Inglaterra- con Lesly-Ann Down. Escrita y dirigida por Vicente Escrivá (Incluye 9 canciones).

- 1973 "Volveré a nacer" de Antonio Fos, Alfredo Tocildo Martínez y Gabriel Moreno Burgos, dirigida por Javier Aguirre Fernández (Incluye 4 canciones).

- 1981 "Ritmo, amor y primavera" -producción argentina- dirigida por Enrique Carreras. Raphael sólo participa de una escena del film, donde se le muestra cantando el tema "Gracias" grabado en los estudios de Argentina Televisora Color (ATC), Canal 7 de Buenos Aires.

Pagina: http://www.raphaelnet.com/

Kaleidoscope

Una de las bandas más inventivas y versátiles de la psicodelia estadounidense de los años 60. No confundir con el grupo coetáneo y homónimo británico, quienes también practicaban psicodelia y que firmaron el gran disco "Tangerine Dream", los Kaleidoscope americanos sobresalían por sus heterogénos y ricos postulados sonoros que, imbuidos en la lisergia dela época, combinaban elementos musicales provenientes del pop, rock, blues, folk, raga, jug band, country, cabaret y psicodelia.

Creados en 1966, Kaleidoscope (llamados en principio The Baghdad Blues Band) estaban compuestos por David Lindley, un talentoso multiinstrumentista que había formado parte de bandas como The Mad Mountain Ramblers o The Rodents; Chris Darrow, músico de múltiples recursos proveniente de grupos bluegrass, como The Dry City Scat Band, en el que también estuvo Lindley; Solomon Feldthouse, un instrumentista versado en música oriental, que dominaba, además de la guitarra, el saz, el dobro, el ouz o el dulcimer: Chester Crill, otro meritorio instrumentista era un personaje gustoso de adoptar múltiples personalidades, ya que firmaba con distintos seudónimos, como Fenrus Epp, Max Buda o Templeton Parceley; John Vidican, por último, ocupaba el puesto de percusionista y batería.

Estos sonidos eclécticos producían una música original e imaginativa, aunque poco proclive a la comercialidad, lo que al final terminó socavando los cimientos del grupo, que pasó a ocupar el calificativo de banda de culto con el tiempo, acumulando múltiples seguidores de su mixtura entre música tradicional, rock y elementos étnicos.

Uno de esos admiradores fue el mismísimo Jimmy Page, que calificó a Kaleidoscope como "su grupo favorito de todos los tiempos".

En 1967 firmaron con Epic Records y publicaron su primer sencillo, "Please/Elevator Man". "Please", un estupendo tema, deudor de los Byrds, se incluyó en su Lp debut, "Side Trips" (1967), producido por Barry Friedman (representante de Buffalo Springfield y productor de la Paul Butterfly Blues Band), desplegaba su atractiva mezcolanza de sonidos, en cautivadores canciones como "If the night", "Keep your mind open" o "Pulsating dream". La apertura del album, "Egyptian Gardens", ejemplifica a la perfección su atracción por los sonidos orientales.

"A beacon from Mars" (1968) fue su segundo album, en el que incluían dos temas en vivo de extensa duración, "Taxim" y el homónimo "A beacon from Mars", pues a diferencia de sus canciones en vinilo (que rara vez superaban los tres minutos), en directo solían realizar improvisaciones que alargaban las piezas.

Sus conciertos también resultaban muy singulares, ya que mientras interpretaban temas de sabor oriental aparecían bailarinas ejecutando la danza del vientre o cuando introducían una guitarra española, saltaban al escenario bailarines de flamenco.
Como sencillo de este segundo Lp, publicaron uno de los mejores cortes del disco, "I found out".


Después de la grabación de este disco se produjeron dos bajas en la formación original, Chris Darrow y John Vidican dejaron el grupo, siendo reemplazados por el bajista Stuart Brotman y el batería Paul Lagos. Darrow se uniría a la Nitty Gritty Dirt Band.

"Incredible Kaleidoscope" (1968) fue su tercer trabajo, inferior a los dos primeros, aunque nada desdeñable, con buenos temas como "Lie to me", "Seven Ate-Sweet" o el single "Let the good love flow".

Su siguiente album sería "Bernice"" (1970), un Lp en el que se incorporaron dos nuevos nombres, el bajista Ron Johnson y el cantante y guistarrista Jeff Kaplan, quien fallecería a causa de una sobredosis pocos meses después de su unión a la banda.

El disco supuso un fracaso a nivel comercial y artísticamente resultó ser su peor trabajo hasta el momento, lo que provocó la disolución del grupo, convirtiéndose Lindley en un prestigioso músico de sesión, al igual que el antiguo miembro de la banda, Chris Darrow.

A mediados de los años 70, los miembros originales, sin la figura esencial de David Lindley, retomarían Kaleidoscope y publicarían el Lp "When Scopes Collide" (1977), el album menos logrado de la discografía de la formación californiana, que sería continuado en 1991 por su último disco en estudio, "Greetings from Kartoonistan..(We ain't dead yet)".

María Elena Walsh

María Elena Walsh (Ramos Mejía, 1 de febrero de 1930) es una autora, compositora y cantante argentina.

Célebre por su literatura infantil, creó personajes conmovedores, como Manuelita la Tortuga, que inspiró la película “Manuelita” (1999), dirigida por Manuel García Ferré. Sus temas fueron musicalizados por personalidades como Mercedes Sosa y Joan Manuel Serrat y trascendieron las fronteras argentinas. María Elena Walsh nació en el barrio de Ramos Mejía, en Buenos Aires, el 1º de febrero de 1930.

Su papá era un ferroviario inglés que tocaba el piano y cantaba canciones de su tierra; su madre era una argentina descendiente de andaluces y amante de la naturaleza. Fue criada en un gran caserón, con patios, gallinero, rosales, gatos, limoneros, naranjos y una higuera. En ese ambiente emanaba mayor libertad respecto de la tradicional educación de clase media de la época. Tímida y rebelde, leía mucho de adolescente y publicó su primer poema a los 15 años en la revista “El Hogar”. Poco después escribió en el diario “La Nación”.

Un año antes de finalizar sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes publicó su primer libro (en 1947), “Otoño imperdonable”, que recibió el segundo premio Municipal de Poesía y fue alabado por la crítica y por los más importantes escritores hispanoamericanos. A partir de allí su vida dio un vuelco: empezó a frecuentar círculos literarios y universitarios y escribía ensayos. En el año 1949 viajó a Estados Unidos, invitada por Juan Ramón Jiménez.

En los años ’50 publicó “Baladas con Angel” y se autoexilió en París, junto con Leda Valladares. Ambas formaron el dúo Leda y María: actuaron en varias ciudades como intérpretes de música folclórica, recibieron premios, el aplauso del público y grabaron el disco “Le Chant du Monde”. Por esa época comenzó a escribir versos para niños. Sus canciones y textos infantiles trascendieron lo didáctico y lo tradicional: generación tras generación sus temas son cantados por miles de niños argentinos.

Realizó además recitales unipersonales para adultos. En 1962 estrenó en el Teatro San Martín “Canciones para mirar”, que luego grabó con CBS. Al año siguiente estrenó “Doña Disparate y Bambuco”, representada muchas temporadas en Argentina, América y Europa. En los años ‘60 publicó,entre otros, los libros “El reino del revés”, "Cuentopos de Gulubú", “Hecho a mano” y “Juguemos en el mundo”. En los ’70 volvió al país y en 1971 María Herminia Avellaneda la dirigió en el filme “Juguemos en el Mundo”. También escribió guiones para televisión y los libros “Tutú Maramba”, "Canciones para mirar", “Zoo Loco”, “Dailan Kifki” y “Novios de Antaño”. En 1985 fue nombrada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires y, en 1990, Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional de Córdoba y Personalidad Ilustre de la Provincia de Buenos Aires. En 1994 apareció la recopilación completa de sus canciones para niños y adultos y, en 1997, “Manuelita ¿dónde vas?”.

María Elena Walsh es una verdadera juglar de nuestros tiempos, cuando recita y canta sus versos, pero también, cuando denuncia subliminalmente diversas cuestiones sociales. Toda su rebeldía, su desencanto, su oposición, su amor a la naturaleza y a los niños han quedado reflejados en numerosos poemas, novelas, cuentos, canciones, ensayos y artículos periodísticos.

Pagina: http://www.me.gov.ar/efeme/mewalsh/

Los Lonely Boys

Los Lonely Boys son un grupo americano-mexicano de San Angelo, Texas cuyo estilo es Tex-mex rock con elementos de blues, soul, country y tejano. La banda está integrada por tres hermanos: Henry, Jojo y Ringo Garza. Ellos han seguido los pasos de su padre quien también tenía una banda formada por sus hermanos llamada The Falcones, los cuales tocaron en el sureste de Texas en la décadas de 1970 y 1980.

Henry, Jojo y Ringo cantaban de respaldo para su padre en su carrera de solista en la década de 1990. Luego, los hijos crearon su propio grupo, separándose de su padre. Grabaron su primer álbum en el 2003; las sesiones de grabación fueron realizadas en el estudio de Willie Nelson en Pedernales, el álbum fue adquirido posteriormente por Epic records para su distribución en marzo de 2004.

Su sencillo “Heaven” (cielo) alcanzó el puesto número 16 en la lista billboard 100. El grupo ganó un premio Grammy en la categoría de mejor actuación como grupo o dúo en el 2005. Durante ese mismo año grabaron un sencillo junto a Carlos Santana llamado I don’t wanna lose your love (no quiero perder tu amor). Tocaron junto Willie Nelson, Los Rolling Stones, Tim Mc Graw, Carlos Santana, Ronnie Milsap entre otros.

Pagina: http://www.loslonelyboys.com/