Keane

Keane es un grupo musical de piano rock y rock alternativo procedente de Battle, East Sussex, en la Inglaterra del sureste. Sus dos primeros álbumes, Hopes and Fears y Under the Iron Sea, fueron directos al número 1 de la lista de ventas del Reino Unido inmediatamente después de su lanzamiento. Han logrado considerables ventas alrededor del mundo, especialmente en Europa.

Los miembros actuales son Tim Rice-Oxley, compositor y pianista, Tom (Oliver) Chaplin como vocalista y organista y en algunas ocasiones guitarrista, y Richard Hughes en la batería. Dominic Scott era el guitarrista del grupo hasta que desistió en 2001.

Keane es conocido por usar el piano como su principal instrumento en lugar de guitarras, al contrario de muchas bandas de rock. Sin embargo, hacen uso de pedales de efectos y sintetizadores, dándoles un gran rango de sonidos no limitados al tradicional sonido del piano. La voz de Tom Chaplin es considerada uno de los factores en el éxito del grupo. Los miembros del grupo han citado a bandas como A-ha, Beatles, Depeche Mode, U2, Radiohead y Pet Shop Boys como sus principales influencias.

Rice-Oxley y Scott eran los compositores principales de las canciones del grupo durante sus primeros años. Cuando Scott se retiró, Rice-Oxley se convirtió en el único. Sin embargo, Tim acredita al resto de la banda en todas las composiciones, para que los beneficios generados sean repartidos.

El manager de Keane es Adam Tudhope, amigo de Rice-Oxley desde la universidad y que está involucrado en la producción de filmes a través de su compañía, White House Pictures (Películas Casa Blanca). Ha contribuido a filmes británicos como Love Actually.

Historia

Primeros años (1995-1999)

El hermano de Tim —también llamado Tom— nació en el mismo hospital con un mes de diferencia que Chaplin, el 8 de marzo de 1979. Sus madres se volvieron amigas, como lo hicieron Chaplin y Rice-Oxley.[2] Ambos fueron a Vinehall School, (y posteriormente a Tonbridge School, en Kent) donde conocieron al tercer miembro de la banda, Richard Hughes.

El deseo de formar un grupo apareció cuando Rice-Oxley aún se encontraba estudiando la escuela secundaria en Tonbridge. Sin embargo, siendo una escuela altamente relacionada con los deportes, a él y a Hughes les costó mucho lograrlo, como se denota en un comentario por parte de Hughes: "la idea de formar una banda en ese tipo de ambiente es realmente un reto. Si no hay un bate y una pelota involucrados, simplemente te ven como un completo loco."

Finalmente, estudiando la carrera de Humanidades en la University College London (UCL, Universidad de Londres) en 1995, Rice-Oxley formó un grupo de rock con su amigo Dominic Scott e invitaron a Richard a tocar la batería. Comenzaron como una banda de covers, tocando canciones de sus artistas favoritos, incluyendo U2, Oasis y The Beatles, ensayando en sus casas.

Aunque Hughes y Scott se opusieron al principio, Chaplin se unió al grupo en 1997 y se encargó de la voz y la guitarra acústica. La unión de Tom a la banda también marcó un cambio de nombre, de "The Lotus Eaters" ("Los comedores de Lotus") a "Cherry Keane", en honor a una amiga de la madre de Tom, a quien Tim y Tom conocieron de pequeños y que fue una gran influencia en sus vidas. El nombre fue acortado a "Keane" pronto.

En una entrevista con The Irish Times el 2 de junio del 2006, se afirmoó que Rice-Oxley dijo que la banda se había llamado originalmente "Coldplay", pero este comentario fue desmentido posteriormente. Sin embargo, después de escuchar los talentos de Rice-Oxley con el piano durante un fin de semana en Virginia Water, Chris Martin lo invitó a unirse al emergente Coldplay pero Rice-Oxley no aceptó al no querer abandonar a Keane: "Estaba seriamente interesado, pero Keane ya estaba funcionando y la idea de ser el tecladista de Coldplay fue deshecha".

Teniendo muchas canciones propias listas para ser interpretadas, Keane hizo su debut en el "Hope and Anchor" el 13 de julio de 1998[2] Después de este concierto, a través de 1998 y 1999, el grupo se presentó en muchos pubs de Londres. Fue en estos tiempos también que Tom dejó sus estudios de Historia del arte para mudarse a Londres y dedicarle tiempo completo a su carrera musical.

Primeros lanzamientos y abandono de Scott (1999-2003)

A finales de 1999 y sin un contrato discográfico, Keane grabó su primer sencillo promocional, "Call Me What You Like". Lanzado en formato CD, fue vendido después de los conciertos en los pubs donde solían tocar durante febrero del 2000. Se cree que alrededor de quinientas copias fueron vendidas. Algunas de las canciones de esta primera etapa se pueden descargar en internet de forma ilegal. El grupo ha declarado que no están en contra de los fans compartiendo las canciones que no fueron grabadas en CD, como "More Matey" y "Emily", con Chaplin comentando: "Seguramente ven esas grabaciones como un extra para aprovecharse - No veo que cause ningún daño. Si fuera el álbum que lanzaremos ("Under the Iron Sea") entonces tal vez me sentiría diferente" El EP fue revisado profesionalmente por Bec Rodwell de eFestivals, quien clasificó "Closer Now" como la mejor canción del disco El CD fue lanzado bajo el sello propio de la banda, Zoomorphic ("Zoomorfo" en español) Cuatro meses después de la regrabación de "Call Me What You Like" en Febrero del 2001, su segundo sencillo, "Wolf At The Door" fue lanzado. Se cree que solo cincuenta copias hechas a mano fueron producidas, usando CD-Rs. Ambos sencillos son muy valorados como artículos de coleccionista por los fans. Particularmente, "Wolf At The Door" a alcanzado precios de £1000 en ebay.

Debido al limitado éxito que estaban teniendo, Scott decidió abandonar el grupo un mes después de que este sencillo fuera lanzado, para continuar con sus estudios en la London School of Economics. En julio de 2001, el grupo fue invitado por el productor James Sanger a su estudio de grabación en Les Essarts, Francia, donde grabaron algunas canciones, incluyendo "Bedshaped" y "This Is The Last Time". Fue durante estas sesiones cuando surgió la idea de usar un piano como instrumento principal. Sanger apareció en los créditos de cuatro canciones del álbum. Poco después de su regreso a Inglaterra en noviembre del 2001, firmaron a BMG para publicar su música. En diciembre del 2002, el grupo decidió volver a las presentaciones en vivo. A uno de los conciertos, en el Betsey Trotwood de Londres, asistió Simon Williams de Fierce Panda Records. Williams ofreció a la banda sacar su primer sencillo comercial, "Everybody's Changing", el cual Steve Lamacq de la BBC Radio 1, eligió el sencillo de la semana el 19 de abril del 2003. El CD sencillo fue lanzado el 12 de mayo de ese año. Como resultado de la atención creada por este sencillo, una batalla se libró entre las discográficas, y Keane acabó firmando con Island Records el verano de 2003. Después de ello, la banda lanzó "This Is The Last Time" con Fierce Panda el 13 de octubre del 2003.

Hopes and Fears (2004-2005)

El primer single de la era Hopes And Fears fue "Somewhere Only We Know", que debutó el 16 de febrero del 2004. Fue todo un éxito, alcanzando el Top 3 singles en Inglaterra, un número solo alcanzado de nuevo por "Is It Any Wonder?" en 2006.

Su álbum debut Hopes and Fears salió a la calle el 10 de mayo del 2004. Alcanzó el puesto número uno en las listas de ventas y fue el segundo disco más vendido del año en el Reino Unido, después del disco de Scissor Sisters, perdiendo el primer puesto el último día del año por solo 501 copias.

La banda ganó dos Premios Brit, mejor álbum por Hopes and Fears y banda del año. En mayo de 2005 recibieron el Premio Ivor Novello como compositores del año. "Everybody's Changing" fue nominada como canción del año pero el premio acabó recayendo en The Streets por "Dry Your Eyes".
Keane ganó fama en los EE.UU. actuando como teloneros de U2 en la gira mundial del grupo irlandés. Además, el grupo fue nominado al Grammy como Mejor artista revelación de 2006, que acabaría ganando John Legend, lo cual suscitó polémica ya que John Legend no era una "revelación": en la edición pasada ya había sido premiado.

Under the Iron Sea (2006-2007)

Desde abril de 2005 la banda preparó su segundo álbum de estudio, producido por Andy Green. La grabación se hizo entre Rye, East Sussex (donde se grabó Hopes and Fears) y Nueva York. El lanzamiento oficial del segundo compacto cuyo título es Under the Iron Sea fue el 12 de junio de 2006 en Europa y ocho días más tarde en Estados Unidos y Canadá. En abril fue estrenado el video "Atlantic" y posteriormente, el 29 de mayo el sencillo "Is It Any Wonder?". El álbum llegó al top 1 en su primera semana, y permaneció ahí una semana más. Actualmente ha vendido cerca de 1.700.000 copias.

El tercer sencillo del álbum fue "Crystal Ball", lanzado el 21 de agosto de este año. También está previsto para el 30 de octubre el lanzamiento de "Nothing In My Way" como el cuarto sencillo del álbum.

Hay dos cuartos sencillos que son "A Bad Dream" (lanzado a la venta el 22 de enero de 2007), y "Try Again", puesto a la venta en la misma fecha pero sólo en Alemania. De él se pueden encontrar tres versiones con portadas de diferentes colores, aunque con la misma imagen. Todas ellas incluyen rarezas, "caras B" o material multimedia.

Gira mundial

A principios de 2007, Keane inició su gira mundial, actuando en varios países de Europa. Prosiguieron la gira en Sudamérica: el 13 de abril actuaron en Buenos Aires (Argentina), en el festival Quilmes Rock 2007. Luego de Argentina, Keane se presentó en Chile, actuando en el festival Vive Latino el 15 de abril. Posteriormente actuaron en Brasil: el 17 y el 18 de abril lo hicieron en el Credicard Hall de São Paulo, y el 19 de abril en el Claro Hall de Río de Janeiro. Acabando su gira por Sudamérica, se presentaron el México. El 24 de abril dieron una concierto en el Auditorio Coca-Cola de Monterrey, el 26 de abril en el Arena VFG de Guadalajara, y el 27 de abril en el Auditorio Nacional de Ciudad de México, siendo éste el último concierto del tour latinoamericano.

En mayo de 2007 realizaron su gira norteamericana, y en junio actuaron por toda Inglaterra.

Durante el verano de 2007 estaba prevista la actuación de la banda dentro del festival Aguaviva Canarias, que se celebra en Tenerife (España). La actuación fue finalmente cancelada. Actuaron en el Natural Music Festival que se celebró en El Ejido (Almería, España), el 4 de agosto de 2007.

Perfect Symmetry (2008)

La banda se encuentra preparando actualmente lo que será su tercer álbum de estudio. Trabajaron últimamente en Sussex (Gran Bretaña), París, Francia y Berlín, Alemania. Se utilizarán guitarras por primera vez debido a fotografías en la página web oficial así como al cambio de sonido, a uno más "funky" y al estilo de los años 60. Han citado influencias entre las cuales figura Depeche Mode. También se especuló sobre la aparición de un cuarto integrante, Jesse Quin, como bajista del grupo, pero fue desmentido al aparecer los tres integrantes sin el bajista en las fotos promocionales del álbum. La grabación de este disco fue registrada en una serie de publicaciones de blog con fotografías y videos en la página web oficial.

El título del album es Perfect Symmetry, a la venta el 13 de octubre de 2008. El primer single se llama "Spiralling", y fue posible descargarlo durante una semana de forma gratuita en su página web oficial, a partir del día 4 de agosto de 2008.

Pagina: http://www.keanemusic.com/

Dave Matthews Band

Historia

En noviembre de 1990 David John Matthews trabajaba como bartender en el bar Millar, de Charlottesville, lugar donde conoció al abogado Ross Hoffman, quien era dueño de un estudio de grabación. Matthews, un tanto reacio a tocar en vivo, fue convencido por Hoffman para completar algunas canciones que tenía inconclusas y grabar un demo.

En 1991, después de grabar «Recently», «The Song That Jane Likes», «I’ll Back You Up», y «The Best Of What’s Around», Dave Matthews se contactó con los músicos de jazz LeRoi Moore y Carter Beauford para grabar otro demo, ambos aceptaron la propuesta de Matthews y comenzaron a trabajar juntos en sus tiempos libres.

John D’earth, un músico local y director de la orquesta de la Universidad de Virginia que había tocado junto a Moore con anterioridad, recomendó para la banda a un joven bajista de 16 años, alumno suyo en el Tandem Friends School, colegio en el cual D’earth daba clases de música. Stefan Lessard, el joven en cuestión, aceptó colaborar en la grabación del nuevo demo.

Peter Gresier, empleado en el mismo bar que Dave, que también formaría durante algún tiempo parte de la banda, sería el siguiente en unirseles como tecladista, una vez en que el bar había quedado vacío debido a una inspección y la banda lo utilizó para practicar. La última vez que Peter estaría en un show con ellos sería en marzo de 1993. Boyd Tinsley fue el último en unirse a la banda. No contaba con mucho tiempo para ella ya que manejaba otras también. Aún así confirmó su participación al grabar junto con el resto de la banda, menos Peter, el demo. Boyd tendría tiempo completo para la DMB tan solo a mediados de 1992. Desde ahí empezarían con los trabajos más serios. Un miembro no reconocido de la banda es Butch Tylor, quien hace de tecladista, desde que Peter abandonó la banda.

El primer demo, que constaba de las canciones The Song That Jane Likes, Recently, y Triping Billies, estaría listo a principios de 1991, con la participación de todos los integrantes, excepto Peter. Boyd, sin embargo, solo participaría en Triping Billies.

Gira por Sudamérica

En el año 2008, la banda realizó el "Dave Matthews Band South American Tour", gira durante la cual llevaron a cabo cuatro conciertos, tres de ellos en Brasil y el restante en Argentina. Durante estas presentaciones la banda contó con la participación de Jeff Coffin, saxofonista de Béla Fleck and the Flecktones, quien remplazó a LeRoi Moore, fallecido poco tiempo antes de comenzar este tour.

Brasil

Realizaron una presentación en Manaus el día 26 de septiembre, la segunda fue en Sao Paulo el 28 de septiembre y la tercera y última realizada en ese país fue la de Rio de Janeiro, el 30 de septiembre.

Argentina

La presentación de Dave Matthews Band en la Argentina, primera de la banda en ese país, se realizó el día viernes 3 de octubre de 2008 en el Club Ciudad de Buenos Aires, en el marco del Pepsi Music, festival que en esa edición contó con la participación de 160 bandas, entre ellas Nine Inch Nails, The Cult, Stone Temple Pilots, The Hives, Mötley Crüe y músicos argentinos como Fito Paez y Babasonicos.

En dicha oportunidad la banda actuó ante 12000 personas que los ovacionaron. Al comienzo del segundo tema, un corte de energía dejó sin sonido a la banda, quienes a pesar de no poder ser oídos por medio de los altavoces siguieron tocando hasta que el audio retornó. Durante esos minutos Dave Matthews bajó del escenario y se dirigió a saludar al público que estaba ubicado en cercanías del vallado de seguridad.

El desperfecto técnico llevó a quienes presenciaban el show a entonar, como muestra de descontento ante la situación, un canto que reiterada e irónicamente decía “Coca Cola, Coca Cola” en alusión a la marca rival de la empresa auspiciante del evento.

Pagina: http://www.davematthewsband.com/

Death Cab for Cutie

Death Cab for Cutie es un grupo de indie-rock original de Bellingham, Washington. Se formó en 1997 y toma su nombre de una canción escrita por Vivian Stanshall, que forma parte del disco Gorilla (1967) de The Bonzo Dog Band y de la película experimental de The Beatles: Magical Mistery Tour.

Death Cab for Cutie comenzó como un proyecto en solitario de Ben Gibbard mientras era el guitarrista de Pinwheel. Como «Death Cab for Cutie», B. Gibbard sacó un cassette llamado You Can Play These Songs With Chords. Sorprendentemente fue un éxito, por lo que B. Gibbard decidió completar su proyecto y convertirlo en un grupo completo. Entraron a formar parte de Death Cab for Cutie Chris Walla (que había participado en You Can Play These Songs With Chords) como guitarra eléctrica, Nick Harmer como bajo y Nathan Good como batería.

Los cuatro sacaron el álbum Something About Airplanes el 18 de Agosto de 1998. Fue acogido favorablemente dentro de la escena musical independiente y en el año 2000 sacaron We Have the Facts and We’re Voting Yes. Nathan Good abandonó el grupo durante la producción de este álbum. Su participación en EscucharThe Employment Pages y en EscucharCompany Calls Epilogue se mantuvieron, pero fue B. Gibbard quien tocó la batería en el resto de canciones.

Michael Schorr apareció por primera vez en The Forbidden Love E.P., puesto a la venta el 24 de Octubre del 2000. En el 2001, sacaron un nuevo LP titulado The Photo Album. Una edición limitada de este álbum contenía tres ‘bonus tracks’ que, posteriormente, aparecerían por separado en The Stability EP.

En el año 2003 hubo un nuevo cambio de batería, Jason McGerr, de Eureka Farm, reemplazó a M. Schorr. J. McGerr sería el batería del siguiente álbum de la banda: Transatlanticism.

Transatlanticism vio la luz en Octubre del año 2003. Fue aclamado por la crítica y se convertió en el álbum con mayor volumen de ventas del grupo con 225.000 copias vendidas durante el primer año.

En Marzo del 2004, grabaron un EP en directo llamado The John Byrd E.P. (en honor al técnico de sonido del grupo). En Noviembre del mismo año, Death Cab for Cutie firmó un contrato con Atlantic Records, abandonando su anterior productora, Barsuk Records. B. Gibbard declaró a través de la pagina web oficial del grupo (www.deathcabforcutie.com) que nada iba a cambiar, exceptuando que «Next to the picture of Barsuk holding a 7, there will be the letter ‘A’ on both the spine and back of our upcoming albums.» [junto a la ilustración de Barsuk sujetando un 7, aparecerá una letra ‘A’ tanto en la portada como en la trasera de nuestros futuros discos]. Esto supuso un cambio significativo en el punto de vista de B. Gibbard que, con respecto a las relaciones con la productora, dijo que «are set up to fuck you and take all your money.» [están hechas para joderte y llevarse todo tu dinero]. Después de firmar con Atlantic Records, el grupo aún animaba a sus fans a descargar sus canciones a través de internet.

El primer y el segundo single del grupo que vieron la luz con Atlantic Records fueron EscucharSoul Meets Body y EscucharCrooked Teeth, ambos pertenecientes a su álbum Plans, que salió a la venta en Agosto del 2005. Este disco tuvo una buena acogida tanto entre los críticos como entre los fans, recibió una nominación para los Grammys como Mejor Disco Alternativo del 2005 e incluso llegó a Disco de Oro en el 2006, tras 47 semanas consecutivas en las listas de ventas.

El grupo sacó un DVD de gira llamado Drive Well, Sleep Carefully en el 2005. Conocido por su actitud a favor de los derechos de los animales, el grupo apoya a PETA («People for the Ethical Treatment of Animals», su traducción oficial en español es «Personas por la Ética en el Trato de los Animales») regalando copias del DVD para promover los derechos de los animales.

A principios de 2006, el grupo anunció la salida de Directions, un conjunto de once cortometrajes inspirados por las canciones del álbum Plans, dirigidos cada uno por personas diferentes. Los videos vieron la luz uno a uno en la pagina web del grupo y el DVD salió a la venta el 11 de Abril del año 2006.

El 19 de Diciembre del 2007, el grupo anunció en su pagina web que estaban trabajando en su siguiente álbum de estudio, que estará disponible en tiendas para Mayo del 2008. Según un artículo aparecido en la revista Spin Magazine el nombre del disco será Narrow Stairs.

Pagina: http://www.deathcabforcutie.com/

Guasones

Esta banda platense se formó en 1992 y apenas dos años después pudo tocar en Buenos Aires, bajo el padrinazgo de Black Amaya.

Tienen un estilo rockero directo, con predominio de guitarras y con letras que reflejan, sin pretensiones, la vida en estos años de lucha.

A partir de ese momento comenzó una seguidilla de giras, shows y presentaciones como grupo soporte de bandas como Divididos, Caballeros de la Quema y Blues Motel.

Editaron su debut discográfico en el año 2000, para Cielito Records.

El segundo disco, "Con la casa en orden", hace alusión precisamente a esa realidad. El disco fue presentado en Cemento con Juanse de Ratones Paranoicos y Black Amaya como invitados de lujo y luego en el Club Universal de La Plata.

"Toro rojo" fue grabado durante los primeros meses del 2005 en los estudios Panda bajo la producción de Alfredo Toth y Pablo Guyot.

Con "El rock de mi vida" concretaron la edición de un disco en vivo, grabado en el estadio Pepsi Music (ex Obras) en noviembre de 2006, tanto en formato CD como en DVD.

"Esclavo" salió a mediados de 2008. Producido por la dupla Toth/Guyot, se trata de un disco de canciones con mucha guitarra y estribillos pegadizos. "Buenos Aires" es el tema que abre el disco y, como ellos mismos lo definen, es "una declaración de principios".

Formacion:
Damián Celedon: batería
Esteban Monti: bajo
Facundo Soto: voz, guitarra y armónica
Fernando Muto: percusión
Maximiliano Timczyszyn: guitarra y coros

Discografía:
Guasones, 2000
Con la casa en orden, 2001
Como animales, 2003
Toro rojo, 2005
El rock de mi vida, 2007
Esclavo, 2008

Pagina: http://www.guasones.net/
Fuente: Rock.com.ar

Ana Gabriel

María Guadalupe Araujo Yong (Sinaloa, México) es una cantante mexicana. Nació el 10 de diciembre de 1957 en Guamúchil del matrimonio formado por Ramón Araujo e Isabel Yong (de origen chino). Es la Cantante Mexicana que más ventas de discos ha tenido a nivel internacional con casi 30,000,000 y la que más certificaciones RIAA en Oro, Platino y Multiplatino ha obtenido en los Estados Unidos a la fecha desde 1990.

A los 7 años comenzó a cantar y a componer influenciada por Agustín Lara y María Greever. Permanece hasta los 15 años en Sinaloa hasta que su familia decide mudarse a Tijuana donde estudia contabilidad.

A principios de los años 80 empieza a cantar en los bares de Tijuana hasta que en 1985 logró participar en “Valores Juveniles” en la categoría de compositora con la canción "Búscame".

Pero es hasta 1987 cuando Ana Gabriel logra triunfar tras alcanzar el primer lugar en el festival de la OTI nacional y un tercer lugar en el OTI internacional celebrado en Lisboa con la canción "Ay Amor"

Ha alcanzado la popularidad con éxitos como "Quién como tú", "Luna", "Simplemente amigos", "Huelo a soledad", "Evidencias", "Obsesión" o "No a pedir perdón" entre otros, que han sido escuchados internacionalmente. También ha grabado duetos con reconocidos artistas como Plácido Domingo, Rocío Jurado, Vikki Carr, Vicente Fernández, Juan Gabriel, Yuri, Pedro Fernández, etc.

La célebre carrera de Ana Gabriel la ha hecho merecedora de muchos reconocimientos, entre ellos más de 10 premios “Lo Nuestro”, premios Billboard, discos de diamante, platino, oro, bronce y un sin fin de trofeos que acreditan el éxito y el cariño que sus fans le profesan. Más de 25 millones de discos vendidos lo confirman.

Pagina: http://www.anagabriel.com.mx/

Juan Gabriel

Juan Gabriel es el nombre artístico del músico, cantautor y actor mexicano Alberto Aguilera Valadez. Nació en Parácuaro (Michoacán) el 7 de enero de 1949.

Está considerado como uno de los mejores compositores mexicanos de todos los tiempos, tal vez sólo después de José Alfredo Jiménez y Agustín Lara. Es particularmente célebre en América Latina, donde se le conoce como el Divo de Juárez. Su personalidad delicada, su forma de bailar y sus modales amanerados lo han hecho famoso y ser considerado homosexual, mas el nunca lo ha declarado abiertamente.

Es uno de los autores de canciones más prolífico y querido del mundo de habla hispana y uno de los personajes más conocidos en la vida musical del México de finales del siglo XX.

Autor de más de 1000 canciones, ha vendido más de 100 millones de discos y ha realizado más de 8000 presentaciones por todo el mundo, lo cual lo convierten en el 82ª artista con mas ventas del mundo. Sus canciones han sido traducidas a varias lenguas (desde portugués, alemán e inglés hasta ruso, turco o japonés) y cantadas por cientos de interpretes de diversas nacionalidades: muy probablemente el compositor hispano más cantado a nivel mundial. Se dice que cada 40 segundos (por radio o televisión), en su voz o la de sus interpretes, se escucha una canción de Juan Gabriel.

Biografía

Juan Gabriel nació en Parácuaro Michoacan el día 7 de enero de 1949 en la Calle 5 de Mayo (hoy Calle Juan Gabriel), es hijo de Gabriel Aguilera Rodríguez y Victoria Valadez Rojas.

Fue el menor de un total de 10 hermanos; Rosa, quien murió casi recién nacida; Virginia, su única y hermana consentida; José Guadalupe, Gabriel, Pablo, Miguel (ya fallecido) y 3 Rafaeles que también murieron.

Cuando nació, una comadre sugirió que lo bautizarán como Alberto, en honor al personaje «Alberto Limonta», la famosa radionovela El derecho de nacer que por aquel entonces era popular en la XEW.

Juan Gabriel tendría 3 meses de nacido cuando su padre quemaba un pastizal en Parácuaro con la intención de volver a sembrar posteriormente en el mismo terreno, sin embargo, problemas con el viento provocaron que el fuego comenzara a invadir otras propiedades, por lo que, teniendo un padecimiento nervioso y angustiado por los problemas que este suceso le acarrearía, se dirigió al afluente de un río donde se arrojó, entrando posteriormente en shock y enfermando irremediablemente. Don Gabriel tuvo que ser internado en el entonces tristemente célebre nosocomio de La Castañeda, en la Ciudad de México. Algunos testigos cuentan que ahí murió y otros que se escapó. Este hecho inspiraría a Juan Gabriel para escribir la canción De sol a sol.[cita requerida]

Tiempo después su madre, la señora Victoria Valadez, se vio obligada a salir de Parácuaro con destino a Apatzingan, Morelia y finalmente Ciudad Juárez (Chihuahua) donde Juan Gabriel creció.

Juan Gabriel regresaría a Parácuaro en varias ocasiones por intervalos cortos con su madre durante su niñez y adolescencia.

El 27 de diciembre de 1974 muere su madre Victoria Valadez, su tumba se encuentra en el panteón Municipal de Parácuaro a la entrada del mismo, en esta misma tumba descansan los restos de su hermano Miguel Aguilera Valadez.

Después de una infancia difícil, estando internado en una Escuela de Mejoramiento (internado para jóvenes), empezó a escribir canciones a la edad de 13 años. Su primera canción se tituló La muerte del palomo. Salió del Centro de Mejoramiento a los 15 años y se ganó la vida cantando en bares de Ciudad Juárez y Chihuahua, como el Noa Noa (al que años después inmortalizó con la canción del mismo nombre).

Se mudó a la Ciudad de México y en uno de sus viajes buscando la oportunidad de grabar un disco; ante problemas de falta de recursos, de intolerancia , y una acusación falsa de robo, que lo llevó a estar preso durante un año en 1968), en esta época conoció a "La Prieta Linda", quien le ayudó a entrar en contacto con RCA, donde comenzó a grabar. Llegó la época de los éxitos y cambió su nombre artístico a Juan Gabriel.[cita requerida]

En 1971 grabó su primer éxito: No tengo dinero. Teniendo gran éxito, vendió millones de discos y grabó ese tema en japonés y portugués, el cual también fue grabado por otros cantantes.

Alcanzó fama rápidamente vendiendo más de 20 millones de discos en los próximos 15 años, en la actualidad sus discografía le ha dado ventas de más de 100 millones de discos en todo el mundo. Ha grabado temas en géneros tan diversos como ranchero, baladas, norteñas, disco y produciendo decenas de discos a artistas mexicanos y extranjeros. Y realizo 5 peliculas entre 1974 y 1981.

Su fama se acrecentó con los años y se convirtió en la máxima figura de la música mexicana a nivel mundial, ofreciendo conciertos alrededor del mundo con gran aceptación.

Ha sido nominado 11 veces al premio Grammy y tiene en su haber premios tan importantes como Premios Billboard, Aplauso, ASCAP, Lo Nuestro, El Heraldo, varios discos de platino y oro y una Estrella en el Paseo de la Fama en Hollywood.

Fue el primer artista Latino que lanzara una página en Internet (www.juangabriel.com.mx), y el primero en contactar directamente a su público a través de un "CHAT" en vivo, escuchando y respondiendo a sus admiradores que se agruparon por miles en el internet para intercambiar comentarios con el Divo de Mexico.Transcript del Chat

Muchas de sus canciones son consideradas como parte del patrimonio de la cultura popular de México, algunas de las más conocidas son: El Noa Noa, La guirnalda, De mí, enamórate, Amor eterno, Querida, Hasta que te conocí, Jamás me cansaré de ti, Se me olvidó otra vez, Si Quieres, No vale la pena, Te sigo amando, No me vuelvo a enamorar, Abrazame muy fuerte, Me nace del corazón, Luna, Costumbres, He venido a pedirte perdón, Caray, Así fue, Dímelo, No discutamos, Todo está bien, La Diferencia, Inocente pobre amigo, Lo pasado pasado, Juro que nunca volveré, Una Vez más, Me he quedado solo, Tú sigues siendo el mismo, Ya lo sé que tú te vas Y Perdoname, Olvidalo

Ha participado con éxito en Festivales como el de Viña del Mar en 5 ocasiones, obteniendo Antorchas y Gaviotas de Plata y Oro.

Con más de 35 años de carrera artística, este personaje es también conocido por su gratitud y compromiso social como fundador de obras benéficas para la niñez de su país y de otros lugares, principalmente, en su pueblo natal, Parácuaro, en el estado de Michoacán, y en Ciudad Juárez.

El 13 de Noviembre del 2005, durante su actuación en el Toyota Center, en Houston, Texas, Juan Gabriel sufrió una caída de espaldas al piso desde una altura de 2 metros, lo cual le causó una fractura en la mano y una contusión.

Pagina: http://www.juangabriel.com.mx/

Carlos Ann

Empezó su carrera musical en Barcelona en el año 1992, liderando un grupo que abanderaba la electrónica, Danzando Confuso. Vocalista y compositor, fusionaba el Rock con el Dance, sus directos se convertían en una fusión de estilos en donde el público era parte fundamental del espectáculo.

Esas tendencias vanguardistas le llevaron a formar en el año 1997 el grupo Analogic Emotion, considerado por los medios como uno de los pocos grupos que apostaba por el Breakbeat en el panorama nacional de aquella época.

En el año 99, Carlos Ann se desmarca con un disco personal e introspectivo que viaja desde el Pop melódico hasta la fusión contemporánea, Día Especial (Moviedisco Records) lo cual reflejaría el espíritu ecléctico de este gran compositor sentando las bases de lo que posteriormente se denominaría comúnmente Pop electrónico.

En el año 2001 Carlos Ann vuelve a descolgarse con una nueva sónica que en ese momento se está produciendo en algunos sellos independientes del país. La producción de su segundo trabajo Entre lujos y otras miserias a cargo del productor Howie B avala esta teoría y proyecta al artista Carlos Ann como una de las nuevas promesas dentro y fuera del estado. El disco se graba en los estudios El Cortijo de Málaga (Björk, Manic Street Preachers, Roxette, Maria Carey, etc.) y la masterización se realiza en los Whitfield Street Studios de Londres (Paul Weller, Madonna, U2, Jamiroquai).

2003 es el año de la gestación del proyecto Bushido, el grupo formado por Carlos Ann, Shuarma (Elefantes), Morti (Ex mundus, El fantástico hombre bala) y Enrique Bunbury, que compusieron este álbum de 14 temas durante quince días en una masía cercana a Montbrió y que fue grabado y mezclado por Charly Chicago y Carlos Ann en el nuevo estudio de Moviedisco en Barcelona Grabaciones Míticas cosecha un éxito llegando a ocupar el 6º lugar en las listas de ventas de AFYVE sin apenas promoción. Ello impulsa a editar el disco en Emi México donde consigue éxito unánime de crítica y público.

Durante el periodo comprendido entre el año 2001 y principios del 2004 Carlos Ann se sumerge en el recientemente publicado CD-Libro Panero. El homenaje al poeta maldito Leopoldo Maria Panero, un proyecto de Carlos Ann al que más adelante se han sumado amigos como: Enrique Bunbury, el poeta y periodista Bruno Galindo y el director de cine, periodista y escritor José Mª Ponce los 4, han dado forma a un disco-libro Recitado y musicado que es una coproducción entre Moviedisco Records y la editorial El Europeo.

En 2005 publica su tercer disco en solitario Descarado con canciones comprometidas y la colaboración de Bunbury.

Pagina: http://www.carlosann.com/

John Bonham

John Henry 'Bonzo' Bonham, fue el baterista de la banda de hard rock Led Zeppelin. Hasta el día de hoy es considerado uno de los mejores bateristas de rock de la historia,[cita requerida] ya que cambió el enfoque que se tenía hacia el instrumento. John creó un estilo con una pegada más dura y con menos adornos, mucho más alejado del jazz y del blues (estilos predominantes en los bateristas de rock/pop de la época), cambiando revolucionariamente el mundo musical, influyendo a todas las generaciones posteriores de baterías de rock, incluyendo al heavy metal.

Primeros Pasos

Bonham nació en Redditch, Worcestershire, Inglaterra. Empezó a tocar batería a los 5 años, pero tuvo su primer equipamiento rítmico a la a edad de 14 años. Éste fue un kit Premier del cual no se tienen mayores detalles.

En 1964, Bonham formó su primera banda, Terry Webb and the Spiders. También tocó para bandas locales, como The Blue Star Trio and The Senators. Fue en esta época que Bonham decide dedicarse a la música como profesión. Se une a varias bandas poco exitosas, incluyendo la banda de Blues Crawling King Snakes, cuyo cantante era Robert Plant. Durante ese periodo, Bonham se gana la reputación de ser el baterista más ruidoso de toda Inglaterra. En una ocasión le pidieron que se fuera del Birmingham Studio porque tocaba demasiado fuerte como para ser soportado por el dueño quien incluso le dijo que no habría futuro para un baterista como él. 10 años después, el dueño del estudio recibió una nota en la cual se leía "Thanks for the career advice...", siendo acompañada por un disco de oro de Led Zeppelin. Siguió siendo parte, junto a Robert Plant, de bandas poco exitosas hasta que Tim Rose lo invita formalmente a ser el baterista de gira de su banda.

Led Zeppelin

Cuando Jimmy Page quiso formar una nueva banda tras el quiebre de The Yardbirds, su primera opción como cantante fue Terry Reid, sin embargo Reid estaba trabajando con Mickie Most. Reid sugirió a Robert Plant, quien sugirió a Bonham, y a John Paul Jones. Después de ver a Bonham tocar para Tim Rose en Hampstead, Londres, en Julio de 1968, Page y Peter Grant (representante del grupo) estaban convencidos de que Bonham era el indicado.

Durante la primera gira de Led Zeppelin en EE. UU. (diciembre de 1968), Bonham se hizo amigo de Carmine Appice, baterista de Vanilla Fudge, quien le dio a conocer las baterías Ludwig, marca que usó, y con la que firmó un contrato de representación, por el resto de su carrera. Bonham usaba también las baquetas más largas y pesadas del mercado, a las cuales él se refería como "árboles".

Su revolucionario estilo está presente en todas las composiciones de Led Zeppelin, pero fueron temas como "Immigrant Song" (Led Zeppelin III), "When the Levee Breaks" (Led Zeppelin IV), "The Ocean" (Houses of the Holy), and "Achilles Last Stand" (Presence) los que marcaron el estilo de la banda. El grupo lo reconoce como el creador de la figura rítmica del riff de "Kashmir" y del riff de "Out On the Tiles". La grabación en estudio de "Misty Mountain Hop" captura perfectamente su excelente dominio sobre las dinámicas.

Su trabajo tras "los parches" ha influenciado a casi todo baterista de hard rock/heavy metal. El estilo de Bonham estaba marcado por un "beat" muy rítmico acompañado con mucho "feel", "fills" explosivos y un uso único de figuras rítmicas invertidas, muy seguido ejecutadas entre el bombo y el tambor. Todo esto, combinado con su ataque escarpado, hizo a Bonham inmediatamente reconocible para el auditor.

Sus "solos" de batería, primero "Pat's Delight" luego llamado "Moby Dick" y "Over the Top", duraban cerca de media hora y muy seguido tocaba sin baquetas para lograr nuevos efectos sonoros. En los tours de Led Zeppelin que vinieron después de 1969 expandió su kit, incluyendo congas, timbales sinfónicos y gongs sinfónicos. A Bonham también se le da el crédito de usar los primeros timbales sintetizados electrónicamente, los cuales tocó durante la presentación de la canción "Kashmir" en Dallas, Texas, 1977.

En 1974, Bonham apareció en el film Son of Dracula, tocando la batería en la Count Downe's (Harry Nilsson) backing band. Éste fue un film hecho por Ringo Starr. Bonham formó parte de una multitudinaria banda de percusión, la cual incluía a Keith Moon y a Starr. Bonham también era coleccionista de automóviles deportivos antiguos y motocicletas, los cuales tenía en la granja de su familia llamada The Old Hyde.

Pero Bonzo no solo grabó con Led Zeppelin. Bonham también encontró tiempo para hacer algo de trabajo de sesión para otros artistas. En 1970, Bonham tocó para Lord Sutch en su álbum Lord Sutch and Heavy Friends. También grabó para su amigo Roy Wood, en el álbum Wizzard (1979). Luego vuelve a los escenarios, pero esta vez junto a la banda de Paul McCartney: Paul McCartney's Wings on their Back to the Egg Rockestra Project.

Muerte

Bonzo murió por aspiración de vómito tras ingerir unos 40 vasos de vodka en menos de doce horas en un día de borrachera. Fallece a los 32 años en la mansion de Jimmy Page en Clewer, Windsor. Después de este suceso se especula sobre un posible sustituto para reemplazar la batería, pero al final todos deciden que Led Zeppelin no podía seguir existiendo sin uno de los miembros.

Pagina: http://www.drummerworld.com/drummers/John_Bonham.html

La Oreja de Van Gogh

La Oreja de Van Gogh, también conocida por sus siglas LODVG o LOVG, es un grupo musical originario del País Vasco, España. Su trayectoria en el mundo de la música comenzó formalmente en 1996. Nació formada por Pablo Benegas, Álvaro Fuentes, Xabi San Martín y Haritz Garde. Amaia Montero, la que fue vocalista del grupo desde sus inicios, abandonó la banda para comenzar su carrera en solitario en 2007. Desde 2008 la cantante es Leire Martínez.

Aunque se les suele identificar como una banda de pop rock, esta formación donostiarra ha jugado a lo largo de sus cinco discos de estudios con ritmos tan variados como la ranchera, la bossa nova, el dance o la electrónica. Su estilo también va acorde con el llamado Donosti Sound o Sonido de San Sebastián (término que alude al tipo de música que con tanto éxito han interpretado otros grupos de pop rock originarios de esta ciudad vasca, desde los años 80).

Está considerado uno de los mejores grupos de música en castellano y su fama se extiende a Latinoamérica, EEUU y otros países de Europa como Francia o Italia. Han logrado alcanzar el número 1 en numerosos países con temas tan conocidos como El 28, Cuéntame al oído, Cuídate, La Playa, Puedes contar conmigo, Rosas, Muñeca de trapo, Dulce locura, o El último vals. En 2008, La Oreja de Van Gogh había logrado vender más de 6.300.000 copias a nivel mundial. Además, son ganadores de premios tan importantes como el Grammy Latino, los MTV Europa o la Gaviota de Plata del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar.

Historia

1996: La llegada de Amaia Montero a Los Sin Nombre

Antes de que Amaia Montero se uniera al resto de sus compañeros allá por 1996, éstos ya habían formado un grupo llamado Los Sin Nombre, un año antes en la ciudad de San Sebastián. De esta manera, Pablo Benegas tocaba la guitarra, Álvaro Fuentes el bajo, Xabi San Martín el teclado y Haritz Garde la batería. Los cuatro se conocieron en la UPV donde estudiaban derecho (Pablo, Álvaro y Haritz) y empresariales (Xabi) -Amaia estudiaba al inicio química, pero al no poder compatibilizar los estudios con el grupo, lo cambió por psicología- y solían versionar temas de grupos ya conocidos como U2, Pearl Jam o Nirvana. Sin embargo, cuando empezaron a componer canciones propias, advirtieron la ausencia de una voz que las interpretase.

Tras intentar encontrar una vocalista entre sus conocidos, Pablo Benegas conoce a Amaia Montero en la fiesta de un amigo. Después de oírle cantar el tema Nothing Compares 2 U de Sinead O'Connor, Benegas insiste en que vaya a hacer una prueba con todo el grupo. En un principio Amaia se resiste a cantar delante de unos desconocidos, pero finalmente accede a ir al local de ensayo. Una vez finalizada la prueba, todos coincidieron en que Amaia Montero debía ser la vocalista del grupo. Con la incorporación de Amaia, la formación decidió cambiar de nombre, pasando a llamarse La Oreja de Van Gogh.

Al principio sólo ensayaban las tardes de los viernes en bares en los que tenían amistad con el dueño. No será hasta que se presenten al Concurso Pop-Rock Ciudad de San Sebastián[6] cuando se ponen manos a la obra y componen su primera maqueta. A pesar de que fracasaron en su primer intento, la banda no se dio por vencida y lo intentó de nuevo al año siguiente. Así fue como ganaron en 1997 el V Concurso Pop-Rock Ciudad de San Sebastián. La maqueta que enviaron al jurado del certámen incluía los temas Viejo cuento, Dos cristales, Aquella ingrata y El árbol. Dos de ellos formarían parte en un futuro no muy lejano de su primer disco.

Gracias a su victoria en dicho concurso, La Oreja de Van Gogh lograba hacerse un hueco en el difícil mundo de la música. Sus canciones comenzaron a escucharse en las emisoras de la zona, lo que les animó a probar suerte enviando maquetas a las casas discográficas. Su mayor sorpresa se la llevaron cuando un día recibieron una llamada de Sony Music.

1998: "Dile al Sol", el despegue de su carrera

Tras ganar el Concurso Pop-Rock Ciudad de San Sebastián, La Oreja de Van Gogh consigue, a través de unos conocidos, ponerse en contacto con Jennifer Ces, una cazatalentos de la discográfica Epic. Amaia Montero logra llamarla para preguntarle si podían enviarle una maqueta. Finalmente Jennifer accede y recibe los temas que hasta el momento la banda había compuesto (básicamente los que habían enviado al Concurso Pop-Rock Ciudad de San Sebastián). Junto a estas canciones, la vocalista del grupo le envía una carta en la que agradece la oportunidad que se les brinda.

Encantada con el material que recibe, Jennifer Ces les pide más temas. Rápidamente La Oreja de Van Gogh se pone manos a la obra. La posibilidad de editar su primer disco de estudio parecía estar cada vez más cerca. En ese momento aparece Rafael Berrio, compositor del tema Qué puedo pedir (una de las canciones que posteriormente aparecería en Dile al sol). Al parecer, Íñigo Argomaniz estaba ayudando a los chicos de la joven banda a hacerse un hueco en el mundo de la música. Para ello, llama a su amigo Rafael Berrio y le convence para que ayude a la formación donostiarra. Así fue como La Oreja de Van Gogh logró el suficiente material como para publicar un disco. Dicen que cuando Manolo Moreno, promotor de Epic, escuchó el material que había recibido del grupo exclamó: Tenemos al nuevo Mecano.

Tras todo este entrecijo de contactos, llamadas y ayudas de última hora, la compañía confirmó a los miembros de la banda su intención de lanzar al mercado su primer álbum. Finalmente, su sueño se cumple y ponen rumbo a Madrid, donde grabarán su primer disco Dile al sol. El estudio de Alejo Stivel es el escogido para grabar las canciones del álbum. En aquellos primeros días fuera de San Sebastián natal, los componentes de La Oreja de Van Gogh tuvieron que acostumbrarse a la vida de la gran ciudad, así como vivir los cinco juntos en un apartamento, cocinando por turnos al tiempo que trabajando en su primer trabajo.

Alejo Stivel, el que fue componente en su momento de la formación Tequila, además de darles ciertos consejos para su futura proyección musical, consigue varias colaboraciones de lujo para el álbum de debut de la banda. Los artistas escogidos para ello fueron los donostiarras Mikel Erentxun y Txetxo Bengoetxea. También contribuyeron a promocionar el disco. Finalmente, el 18 de mayo de 1998, el álbum Dile al sol se pone a la venta en el mercado nacional español.[8]

El primer single escogido para presentar Dile al sol será El 28, canción cuyo título alude al autobús de la línea 28 de la Compañía de autobuses de San Sebastián. Este sencillo logró preparar el terreno para Soñaré, el segundo single extraído del disco y con el que lograron darse a conocer en todo el territorio nacional. Tras otras canciones, el grupo ganó el Premio Ondas al Artista del Año. Además de todo esto, la banda recorrió toda la geografía española durante casi un año (desde la Navidad de 1998 hasta finales de 1999), actuando en más de 150 conciertos. Posteriormente realizaron una gira junto a los veteranos Hombres G. Cerca de un millón de personas pudieron disfrutar del directo del grupo, lo que ayudó a consolidar ese sonido compacto y fresco que pretendían ofrecer.

Aunque las ventas no fueron muy elevadas al principio, Dile al sol logró afianzarse con el paso de los meses, alcanzando las 700.000 copias vendidas, es decir, siete discos de platino, el mismo día que la banda donostiarra publicaba su segundo album de estudio El viaje de Copperpot.

2000: "El viaje de Copperpot", el primer millón

Tras conocer el éxito con Dile al sol, La Oreja de Van Gogh se pone manos a la obra y comienza a trabajar en lo que sería su segundo disco de estudio. Dos años después del despegue de su carrera, la banda ya se había familiarizado con los fans, las entrevistas, las fotos y los programas de radio y televisión.

El viaje de Copperpot se graba en el estudio Du Manoir, en las Landas francesas y teniendo al inglés Nigel Walker como productor. El título se escogió cuando los chicos estaban viendo la película infantil "Los Goonies" en el estudio francés. El buscador de tesoros que aparece en la cinta, Chester Copperpot, fue el que les inspiró el nombre del disco. El viaje de Copperpot sale a la venta el 11 de septiembre de 2000,[9] supone un lógico avance, aun manteniendo el espíritu de La Oreja, en su trayectoria musical. Muchos de sus fans lo consideran el disco más original de la banda.

Este trabajo destaca su innovación en sonidos eléctricos aún más frescos que se abren a las propuestas europeas. Doce temas con estribillo pegadizo componen el álbum, que no abandona en ningún momento el estilo de La Oreja para convertirlo en un trabajo comercial, pero que ponen de manifiesto la experiencia y el crecimiento musical del grupo en todos los aspectos. El primer sencillo escogido para promocionar el album es Cuídate, un tema muy parecido al estilo Dile al sol y que les sirve para enlazar con los nuevos sonidos de su segundo trabajo. A esta canción le siguen otros éxitos como París, La Playa, Soledad o La chica del gorro azul.

Además, durante los años en los que la banda promocionó su segundo album, su fama se consolidó con varias colaboraciones que hizo su vocalista, Amaia Montero, con otros artistas del momento. Las baladas que cantó con Álex Ubago, Sin miedo a nada, y El Canto del Loco, Puede ser, llegaron a ser grandes éxitos en las emisoras de radio españolas y latinoamericanas. También colaboró con José Luis Perales para versionar el éxito de éste Por qué te vas.

Con su album de debut, La Oreja de Van Gogh se dio a conocer también en gran parte de Latinoamérica. Sin embargo, el éxito no les llegó al otro lado del charco hasta que editaron El viaje de Copperpot. En México, la banda logró sonar con fuerza gracias al sencillo Cuídate, lo que contribuyó a que las ventas del disco en este país incrementara de forma importante. Fue la primera vez que llenaron el Auditorio Nacional de México, llenándolo con más de 20.000 personas en las dos fechas que estuvieron, allá por febrero de 2002.

Tras una gira que les llegó por varios países del continente sudamericano, regresaron a España, donde recibieron la maravillosa noticia de que su segundo álbum ha vendido más de 1 millón de copias. Además, editaron su primer DVD titulado La Oreja de Van Gogh,[10] donde aparecían la mayoría de sus videoclips, así como material extra. La portada era la misma que la de su segundo trabajo.

2003: "Lo que te conté mientras te hacías la dormida", la consolidación

Habían pasado cinco años desde que la banda publicara su primer trabajo y los seguidores del grupo esperaban con ganas material nuevo. Con más de 2 millones de copias vendidas en todo el mundo, La Oreja de Van Gogh se había convertido en un grupo de referencia para la música en castellano, y su tercer álbum debía servir para consolidar a la formación donostiarra. De esta manera, Lo que te conté mientras te hacías la dormida salía a luz el 28 de abril de 2003.[11] El single elegido para presentar el disco fue Puedes contar conmigo. Con este trabajo, la banda logró sumar a su trayectoria profesional otro número 1 en la lista de superventas española, a pesar de la dura competencia que aquella semana se vivió en el mercado discográfico (Manuel Carrasco y Beth, concursantes de la segunda edición de Operación Triunfo, lanzaban sus respectivos álbumes de debut).[12]

A partir de esta fecha, a la banda se le presentaban muchos meses de promoción y gira. El 13 de mayo de 2003 lo presentaron en la Sala Pachá en Madrid donde interpretaron varios temas en directo (los que terminarían siendo singles del disco). Además, la banda se embarca en una extensa gira con más de 60 fechas confirmadas a lo largo de la geografía española. Será entonces cuando formen parte del parte de la Gira Movistar, junto a los madrileños El canto del loco.[13] El concierto más recordado de esta gira fue el que dieron en la Plaza de toros de Las Ventas , en Madrid, donde más de 20 mil personas pudieron ver a la banda compartiendo escenario con los chicos de El canto del loco.

Gracias a este trabajo, también tuvieron la oportunidad de recorrer gran parte del continente sudamericano. México, país donde mayores ventas se han registrado al otro lado del charco, volvió a acogerlos con los brazos abiertos. El concierto más importante que logradon allí fue en el Auditorio Nacional de México DC. Además, gracias a Lo que te conté mientras te hacías la dormida visitaron países tan dispares como Japón, con motivo de la exposición Aichi. Y por primera vez realizaban una gira que le llevaría por Francia, actuando dos veces en la capital gala. Se llegó a editar con motivo de estos conciertos una edición especial de su tercer trabajo renombrado París, con una nueva versión de su canción París cantada a duo con Pablo Villafranca. De esta manera, su nombre comenzaba a hacerse un hueco en el mercado discográfico francés aunque de una forma bastante discreta.

De esta manera, La Oreja de Van Gogh lograba su tercer disco de diamante,[14] y tras haber recorrido España y Latinoamérica, tocaba hacerse con el mercado estadounidense, con una gira. Por otro lado, y finalizada toda la gira de promoción de su último álbum, se editó un DVD con los mejores momentos de su gira. Se vendieron setenta y cinco mil copias en España, y cincuenta mil en México. Argentina tuvo una promoción del DVD nula, y pese a esto se vendieron allí más de cuarenta mil copias. En total se vendieron de este DVD más de doscientas mil copias en todo el mundo. En Chile tuvieron dos de los conciertos con más público de sus giras, con más de 30 mil personas en el Estadio San Carlos de Apoquindo y en Espacio Riesco. De esta manera, canciones como Puedes contar conmigo, 20 de Enero, Rosas, Deseos de cosas imposibles o Vestido azul se sumaban a sus anteriores singles, convirtiéndose así en nuevos clásicos de la banda donostiarra.

Finalmente los chicos se toman un tiempo de descanso para poder así empezar con el cuarto disco. No obstante, deciden acudir al festival de 2005 de Viña del Mar en Chile, donde el grupo tiene una aceptación nunca antes vista por un artista invitado en este certamen. El festival premia a los artistas invitados sólo con las Antorchas de Plata y Oro, pero, tras terminar el concierto, el público chileno no quedó conforme y durante más de 25 minutos impidió la actuación del siguiente artista. El grupo tuvo que regresar al escenario y fue premiado con la Gaviota de Plata, el máximo galardón del certamen y que sólo el público puede exigir. Incluso después de entregado este premio, el público aún no había quedado satisfecho, por lo que Amaia decidió cantar Rosas sin acompañamiento musical. Tras la finalización del festival, La Oreja de Van Gogh fue elegido artista más popular del certamen chileno con más de 100 mil votos, superando a artistas de la talla de Marco Antonio Solis, Paulina Rubio, Raphael, La Ley, Juanes y otros.

2006: "Guapa", la madurez

2006 fue un año importante en la carrera profesional de La Oreja de Van Gogh. Por un lado, se cumplían 10 años desde que la banda se formó, celebrándolo con su cuarto trabajo Guapa y el lanzamiento de una caja conmemorativa titulada LOVG 1996-2006, que contenía los tres primeros discos de estudio de la banda, junto con un exclusivo CD de rarezas y el DVD de la gira de 2003 (además de un libro con las canciones y fotografías).

Además, con su cuarto álbum, la banda se embarcó en proyectos bastante novedosos. En primer lugar, con Guapa se convirtieron en el primer grupo español en publicar un álbum para teléfonos móviles antes que para las tiendas de música.[15] Ese mismo año, se lanzaba al mercado español el videojuego Los Sims 2: Mascotas. Para la ocasión, la formación donostiarra realizó una versión de su segundo single Dulce locura en Simlish, el idioma de los Sims.[16] [17]

A mediados de septiembre de 2006 regresa al Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, donde consiguen repetir el gran éxito de la edición en 2005 del certamen chileno, al ser otra vez elegidos los artistas más populares con más de 80 mil votos, superando a artistas de la talla de Tom Jones, Ricky Martin, Don Omar, Bryan Adams, Bacilos, Ana Torroja, entre otros. En dicho certamen, uno de sus premios, la Antorcha de Oro, se la regalaron a una fan con discapacidad.

Sin duda, una etapa bastante dulce de su carrera musical. Con Guapa, además obtuvieron el premio Grammy Latino en la categoría "Mejor álbum vocal pop dúo o grupo". Y por si esto fuera poco, alcanzan los 6 millones de copias vendidas a lo largo de sus 10 años de trayectoria musical.[18]

Para dar a conocer el álbum, La Oreja de Van Gogh eligieron Muñeca de trapo como primer single. Casualmente, esta canción fue censurada en varias emisoras de radio latinoamericanas por tener, supuestamente, mensajes satánicos. Lo cierto es que el sonido más oscuro de la canción vaticinaba el nuevo rumbo que quería tomar la formación. El segundo single extraído de Guapa fue Dulce locura, que alcanzó igual o mayor éxito que el primero. Perdida, canción elegida para continuar con la promoción del disco, quedó ensombrecida por el lanzamiento del cuarto single En mi lado del sofá, perteneciente Más Guapa,[19] una reedición del disco con una recopilación de canciones que la banda compuso a lo largo de sus diez años de carrera y que, sin embargo, nunca salieron a la luz. De esta manera, la banda quería ofrecer a sus fans un obsequio más con motivo del décimo aniversario de La Oreja. Ésta última canción alcanzó gran éxito en España, aunque no tanto en Latinoamérica. Fue a partir de aquí cuando comenzaron aparecer rumores de una posible separación del grupo. Y es que, al contrario que en el resto de trabajos, Guapa sólo fue promocionada con cuatro singles, lo que sorprendió a muchos.

Durante los años que duró la promoción de su cuarto trabajo, La Oreja de Van Gogh realizó diversas giras. La primera, llamada Guapa Tour Seat (por el patrocinio de esta marca de automóviles), comenzó en Chile, para después recorrer numerosos países de Sudamérica. Después volverán a España para realizar una gira que duraría tres meses. Además, en 2007, participaron en la llamada Gira LKXA organizada por la emisora de radio Los 40 Principales,un conjunto de actuaciones que, junto a Coti y Dover, les llevó a tocar en algunas de las ciudades españolas más importantes como Santiago de Compostela, Bilbao, Madrid, Zaragoza, Málaga, Valencia y Barcelona. El último concierto que ofrecieron fue en Aguaviva, Tenerife, donde anunciaron que se retirarían para componer su quinto trabajo. Sin embargo, nadie se esperaba que fuera sin Amaia Montero.[20]

Pero antes de dar por terminada la etapa Guapa, La Oreja de Van Gogh quiso dar un paso más en su expansión por Europa, tratando de darse a conocer en Italia. Su paso por Francia, con su anterior disco de estudio resultó ser bastante discreto, así que esta vez decidieron involucrarse un poco más. Para ello, editaron una versión especial italiana de su álbum Guapa en el que incluían los dos primeros singles cantados en italiano, llevando por nombre: Bambola di pezza y Dolce follia. Desafortunadamente, la falta de promoción y la inesperada salida de Amaia llevaron al álbum al fracaso.

De esta manera, Guapa se convirtió en el último álbum de estudio de la banda cantada con la voz de Amaia Montero.

2007: Amaia Montero abandona La Oreja de Van Gogh

El 19 de noviembre del 2007, Amaia Montero anunciaba en el blog oficial de la banda que decidía dejar La Oreja de Van Gogh tras 11 años en el grupo, para comenzar su carrera en solitario. Sin duda, una noticia que impactó a gran parte de sus seguidores. Por su parte, el resto de componentes escribieron su respectivo comunidado en el que informaban a los fans de la formación de su intención de seguir componiendo y que pronto comenzarían a buscar a la que sería la nueva voz de La Oreja de Van Gogh:
Tras más de diez años, Amaia Montero anunció en noviembre de 2007 que dejaba La Oreja de Van Gogh para comenzar su carrera en solitario.
Tras más de diez años, Amaia Montero anunció en noviembre de 2007 que dejaba La Oreja de Van Gogh para comenzar su carrera en solitario.

- Comunicado de Amaia Montero:[21]

Quisiera comunicar a toda la gente que me sigue y que me quiere la que hasta hoy es la decisión más difícil de mi vida. Los 11 años que he pasado con LOVG y todo lo que he vivido con ellos permanecerá por siempre en mi corazón y en mi cabeza pero he sentido que es el momento de comenzar una nueva etapa en mi vida emprendiendo mi carrera en solitario. Es una decisión que me produce tanta ilusión como miedo. He escuchado muchas tonterías sobre la relación que tengo con los chicos de LOVG y sólo puedo decir que en estos últimos años he convivido más con ellos que con nadie y que los quiero como a hermanos y añadir que mucho de lo que soy como persona lo he aprendido con ellos. Les deseo todo lo mejor y quien sabe lo que pasará en el futuro. Gracias a todos. Un beso enorme.
Amaia

- Comunicado de los chicos:[22]

Queríamos contaros que hace unas semanas Amaia decidió no continuar con nosotros en La Oreja de Van Gogh para comenzar su carrera en solitario. Desde que hemos sabido de esta decisión hemos sentido mucha tristeza, no sólo por los motivos musicales evidentes, sino también por todos los años y experiencias vividas y por vivir. Sin embargo, y aunque quisiéramos que Amaia siguiera con nosotros, le deseamos toda la suerte del mundo en la nueva etapa que ha decidido tomar. Por nuestra parte, en La Oreja de Van Gogh aún sentimos que nos quedan muchísimas canciones por escribir. Tanto es así que ya estamos componiendo, con la pasión de siempre, un nuevo disco que esperamos tener listo a lo largo de 2008. Hasta entonces, un abrazo muy fuerte a todos y en especial a aquellos que nos seguís tan de cerca.
Pablo, Álvaro, Haritz y Xabi, La Oreja de Van Gogh

A partir de entonces, comenzó una lluvia de posibles candidatas al puesto estrella de la banda. Nombres como el de la mexicana Paulina Rubio o la madrileña Edurne, concursante de Operación Triunfo, saltaron a la palestra como posibles nuevas cantantes de la banda. Ésta última, como una inocentada que la emisora de radio Los 40 Principales quiso hacer en su página web el día de los Inocentes. El caso es que La Oreja de Van Gogh había colaborado recientemente con ellas (la formación donostiarra les compuso una canción a cada una), lo que reforzó ambas candidaturas.[23] [24] [25]

Mientras se hacían especulaciones sobre el nombre de la cantante, y para recordar los buenos tiempos, los integrantes de La Oreja de Van Gogh decidieron sacar un disco de éxitos el 24 de junio de 2008. LOVG - Grandes Éxitos sería la última producción que llevara canciones con la voz de Amaia. Todo un recorrido por la carrera de la banda, que contiene 16 sencillos que van desde su álbum debut Dile al sol hasta el más reciente, Más guapa. En su edición especial incluye un DVD con la mayor parte de sus videoclips. Debido a la proximidad que este recopilatorio tiene con la caja conmemorativa que la banda sacó con motivo de su décimo aniversario, y sin ningún tipo de promoción, los grandes éxitos de la banda sólo lograron alcanzar el puesto número 11 de la lista de ventas española. De esta manera, esta es la primera publicación de la banda donostiarra que no alcanza la máxima posición en España. A pesar de ello, el álbum ya es disco de oro.[26] [27] [28]

2008: "A las cinco en el Astoria", el debut de Leire
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El 30 de marzo de 2008 comenzaron a circular fuertemente rumores de que la nueva vocalista sería Leire Martínez, ex participante de la primera edición española de Factor X. Dicho rumor comenzó a circular en foros dedicados a la banda, en el portal de Publispain e, incluso, en la web oficial del programa de televisión. Más tarde, otros medios se haría eco de la noticia, ajudicándose la fuente de la misma. Por su parte, la agencia representante de la formación donostiarra se limitó a decir que no podían dar información sobre la nueva cantante. Al mes siguiente, los chicos de la banda escribían en su blog oficial que aún no podían desvelar el nombre definitivo de la nueva vocalista.

El 28 de abril de 2008, el grupo anuncia en su blog oficial que aún no pueden desvelar el nombre de la vocalista:
No nos gustaría que se hiciese público el nombre y ya, como un cotilleo o una noticia que se agota en sí misma, sino que cuando sea presentada la cantante lo será con canciones nuevas de la Oreja y en condiciones…Por tanto, no les podemos dar un nombre por el momento aunque sin Amaia no sabemos que sucederá con nosotros, esperamos cumplir vuestras expectativas.

De manera extraoficial, el principal periódico de San Sebastián, El Diario Vasco, anunció el 16 de mayo de 2008 que, finalmente, Leire Martínez es la nueva cantante de La Oreja de Van Gogh y que se encontraba en la región francesa de Las Landas grabando el nuevo disco del grupo, en el que está ya plenamente integrada.[29] Sin embargo, hubo que esperar hasta el 14 de julio de 2008 para el anuncio oficial del cambio de vocalista, comunicado en una rueda de prensa celebrada en la Casa de América de Madrid.

De esta manera, se presentó el que sería el quinto álbum de estudio de La Oreja de Van Gogh y el primero sin la voz de Amaia Montero. Un trabajo en el que la formación vuelve a sus orígenes con un sonido retro, muy cercano a Dile al Sol. El 2 de septiembre de 2008 sería la fecha elegida para el lanzamiento de A las cinco en el Astoria, cuyo single de presentación es El último vals.

Una semana después de la publicación de su nuevo trabajo, La Oreja de Van Gogh consiguió cuatro nº1 en España. En primer lugar, el disco entró directamente al nº1 en la lista española de los álbumes más vendidos con un disco de oro, así como en la lista de descargas digitales de iTunes. Por otro lado, su single de presentación, permaneció en el primer puesto en la de canciones más radiadas, así como en la de vídeos. De esta manera, la formación donostiarra se consolidaba nuevamente en el panorama musical tras la incorporación de su nueva vocalista. A todo esto, hay que añadir que El último vals también ha logrado ser disco de oro por descargas de canciones y por tonos originales.[30] [31] [32] Actualmente, han alcanzado ya las 80.000 copias y su primer disco de platino con su último trabajo. [33]

Al igual que en España, el nuevo disco de La Oreja de Van Gogh también ha conseguido hacerse un hueco en el mercado musical de Argentina, entrando directamente al número 1 de ventas.[34]

Estilo y composición de la banda

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La Oreja de Van Gogh se caracteriza por tener un estilo muy personal, a la par que comercial. Es quizá en este aspecto donde radica el éxito de su música. Habitualmente, se suele identificar a la banda donostiarra con el pop, aunque muchos de sus seguidores consideran que algunas composiciones suyas son muy cercanas al pop rock. Lo cierto es que este estilo más próximo al rock se podía percibir mejor en su primer trabajo, Dile al sol. Con el paso del tiempo, su música se fue alejando de este género para jugar con múltiples posibilidades en sus otros cuatro trabajos.

Si hacemos un análisis progresivo, es decir, desde Dile al sol hasta A las cinco en el Astoria, podemos observar una evidente evolución. Ya los cambios en la voz de Amaia Montero son notables, pasando de una voz más oscura en sus primeras canciones, donde juega sobretodo con tonos graves, a una voz mucho más clara, melódica, donde entran en juegos susurros y tonalidades de la voz mucho más amplias.

Aunque se les suele identificar como una banda de pop rock, esta formación donostiarra ha jugado a lo largo de sus cinco discos de estudios con ritmos tan variados como la ranchera, la bossa nova, el dance o la electrónica. Su estilo también va acorde con el llamado Donosti Sound o Sonido de San Sebastián (término que alude al tipo de música que con tanto éxito han interpretado otros grupos de pop rock originarios de esta ciudad vasca, desde los años 80).

En 1998 se estrenaban con Dile al Sol, un álbum muy Pop-Rock; algo que se puede notar en canciones como El 28, Pesadilla ó Qué Puedo Pedir. Tambíen tiene toques baladistas como en Cuéntame al Oído, que habla sobre lo que se siente en un beso; o Dos Cristales que dice las cosas desde otro punto de vista.

El Viaje de Copperpot es un álbum con canciones para gustos muy diversos. El primer sencillo del trabajo es Cuídate, el tema que más recuerda a su anterior álbum y que también sirve de enlace con los nuevos sonidos presentes, sobre todo en París, con sus melodías afrancesadas; le siguen Los amantes del Círculo Polar, con una mezcla de sonidos electrónicos que llenan la canción de magia; Pop, una crítica a los artistas comerciales que sólo buscan la fama. En Dicen que dicen se cita a la Bruja Avería. La playa (dedicada a la Playa de La Concha en San Sebastián) es sin duda una de las canciones más exitosas, tema que se ha convertido en una de las baladas claves en la historia del pop español. Canciones románticas, de despedida que nunca suenan a triste gracias a las melodías, incluso filosóficas como Mariposa, vuelven a ser líderes en ventas y llenan una gira en la que también acompañan El Canto del Loco y Estopa.

Lo que te conté mientras te hacías la dormida: Con el mismo estudio de grabación y productor de sus anteriores trabajos, el grupo nos vuelve a sorprender con ritmos y sonidos inusuales en ellos, como es el caso de Geografía (sexto sencillo), una canción que apela a la solidaridad; Vestido azul (quinto sencillo), un trágico final para un amor o Nana Nara (noveno sencillo), que destaca por su estilo Pop-Dance. El primer sencillo, Puedes contar conmigo habla de un desamor; el segundo sencillo, 20 de enero, se basa en la fiesta donostiarra de ese día (La Tamborrada); Rosas, el tercero, habla de una relación que se ha acabado pero no puede olvidarse; Deseos de cosas imposibles llega a la conclusión de que aunque la razón no te deje amar nunca se podrá olvidar a la persona a la que quieres... Otras canciones hablan de la inmigración, como es el caso de La esperanza debida, de desamor como la dulce Tú y yo (donde destacan los coros de Xabi por primera vez no sobrepasados por la voz de Amaia), del amor entre hermanas en Nadie como tú, que Amaia dedica a su hermana Idoia.

Guapa: El sonido oscuro del primer sencillo, Muñeca de trapo, vaticina una nueva etapa para la música de La Oreja de Van Gogh. En este disco, los donostiarras juegan con los ritmos bossanova (Mi vida sin ti), rockeros (Vuelve), y hasta mariachis (Cuantos cuentos cuento), y tratan temas como las drogas (Perdida), la infidelidad (Manhattan), etcétera... El segundo sencillo fue el éxito Dulce locura, el tercero Perdida, y el cuarto En mi lado del sofá, que se publicó para televisión y radio respectivamente.

A las cinco en el Astoria: Con el debut de Leire en el grupo, la canción El Último Vals, es una canción de amor en la que se dice al chico que siempre les quedará lo que vivieron, el último vals.

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The Melvins

The Melvins es una banda estadounidense de grunge y sludge metal, originaria de Seattle formada alrededor del año 1983 en Aberdeen, Washington por Buzz Osborne(Guitarra, Voz), Matt Lukin (Bajo), Mike Dillard (Batería), (Dale Crover se les uniría posteriormente), y que fue la inspiración del movimiento Grunge.

Historia

Buzz Osborne (apodado "King Buzzo") y Dale Crover han sido miembros fijos desde su formación, pero los bajistas han rotado a través del tiempo. El nombre de la banda se le debe a un muchacho que Buzz conoció cuando trabajaba de oficinista (y de vándalo) en Montesano, Wasington. Melvin era el tipo más odiado, que trabajaba ahí y entonces los miembros de la banda propusieron aquél nombre como el más ridículo (y el más apropiado).

The Melvins ha tenido una influencia directa sobre grupos como Nirvana y Mudhoney, ya que amistades e integrantes de esta última han sido miembros con influencia y peso sobre la música de sus respectivas bandas. Matt Lukin, ex miembro fundador de Melvins, al dejar la banda y luego de grabar "10 Songs" (1985) y uno de sus más memorables álbumes "Gluey Porch Treatments" (1987), forma en 1989 junto con 2 miembros antiguos de Green River (Mark Arm y Steve Turner) y otro ex miembro de Nirvana Dan Peters, uno de los grupos fundamentales del "grunge", Mudhoney.

Otra influencia directa que ejerció Melvins, fue a Nirvana, que además de ser amigo y confidente de Kurt Cobain y Krist Novoselic fue quien les recomendó a Dave Grohl después de que Chad Channing se marchara del grupo. Dale Crover fue fundador de Feccal Matter, una maqueta de Nirvana, en la cual tocaba guitarra y Kurt Batería, tiempo después también ayudaría como baterista en las giras de Nirvana.

El Sonido de Melvins ha sido influenciado por Black Flag (por el lado punk) y Black Sabbath (por el lado heavy y opresivo), su aproximación a favor del sludge metal, el particular sentido del humor y lo experimentado de su música le han jugado una mala difusión comercial, pero, ese sonido lento y opresivo es el que influyó fuertemente sobre la música grunge, especialmente en Nirvana y en muchos otros grupos de Seattle. Uno de sus admiradores, Kurt Cobain, sin embargo, tendió a usar más la música convencional mezclada con este sonido.

Melvins a pesar de ser el grupo, en el cual la mayoría de sus pares (muchos de ellos de la "Generación X") se inspiraron, no ha tenido aquél merecido lugar en el estrellato, pero entre los músicos de Seattle y sus alrededores (incluso en Estados Unidos y Europa) han sido muy respetados y valorados como "La Banda" del Grunge aunque así no pareciese.

Se ha especulado innumerables veces sobre quien es el padre del grunge. Para los fans que vieron crecer al grunge como género musical, han sido los primeros en alzar la voz. Si Neil Young, Mudhoney, Nirvana, Alice In Chains, Soundgarden, Melvins, Pearl Jam, Meat Puppets o Stone Temple Pilots: numerosas veces se ha respondido que los grupos más antiguos, es decir los que se formaron tempranamente se merecen este título.

The Melvins siguen experimentando sonidos con "Never Breathe What You Can't See" (2004) "Sieg Howdy" (2006) estos dos álbumes en colaboración con Jello Biafra, junto al álbum "Mangled Demos From 1983" una recopilación de singles y temas grabados en casa, "Huidini Live 2005", álbum que se grabó en vivo durante un concierto como una reedición de su álbum más sólido y comercial junto con "Stoner Witch" (1994). Para su nuevo disco, "(A) Senile Animal" (2006), han reclutado a los miembros de la agrupación Big Bussines, convirtiéndose en un cuarteto de doble batería, guitarra, bajo y múltiples voces. El disco aparece el 10 de octubre. The Melvins a pesar de ser considerada la banda más mítica de la escena grunge no ha gozado de tales privilegios, actualmente siguen manipulando y descubriendo nuevos sonidos, pero, a diferencia de los 90's ya tienen un considerable grupo de fans fieles a quienes satisfacer.

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Emmylou Harris

Pocos artistas han dejado un impacto tan profundo en la música contemporánea como Emmylou Harris. Bendecida con una voz cristalina, un incansable espíritu creativo y un gran talento musical, su trayectoria ha marcado una senda singular, llevando con orgullo la antorcha de la música Americana, recogiendo así el relevo de su mentor, Gram Parsons. Con la única excepción de Neil Young, ninguna otra estrella ha establecido una obra musical tan consistentemente iconoclasta, ecléctica o atrevida. A través de más de tres décadas la música de Emmylou permanece vital y cálida como en los primeros tiempos.

Emmylou nació el 2 de abril de 1947 en el seno de una familia de militares, estacionada en Birmingham, Alabama. Después de pasar casi toda su infancia en Carolina del Norte, ya en su adolescencia, se mudó a Woodbridge, Virginia, y se graduó en el instituto. Después de pasar por la Universidad de Carolina del Norte empezó a estudiar música en serio. Pronto formó un dúo con el estudiante Mike Williams, dejando más tarde los estudios para mudarse a Nueva York. Allí, Emmylou entró en la órbita de la comunidad musical folk de la ciudad, donde contó con la amistad de gente como Jerry Jeff Walker, David Bromberg y Paul Siebel. En 1969 se casa con el cantautor Tom Slocum; en 1970 graba su primer LP, "Gliding Bird". Ya embarazada de su primer hijo, y después de mudarse a Nashville, ella y Tom se divorciaron. Con su hija Hallie se refugió en casa de sus padres, en una granja de Washington.

Al regresar a la vida musical formó un trío con Gerry Mule y Guidera. En una actuación del trío, en 1971, se fijó en ella Chris Hillman, ex Byrd, quien la recomendó a Parsons, para reforzar su fusión de country y rock de la costa Oeste. su conexión fue instantánea. La colaboración de ambos se plasmó en el LP "G.P.", de 1972, y en la gira de 1973, que cuajó en el LP "Grievous Angel".

Tras la muerte de Gram Parsons, Emmylou reunió con Tom Guidera la Angel Band, mudándose a Los Angeles. Allí se publicó "Pieces of the Sky", en 1975, producido por Brian Ahern.

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Hawkwind

Hawkwind es una banda inglesa de rock psicodélico formada a finales de los años 1960 en Ladbroke Grove, fue una de las pioneras del llamado rock espacial. Sus letras contienen temáticas acerca de lo urbano y la Ciencia ficción; de hecho, el escritor Michael Moorcock ha colaborado en las letras de algunos temas.

Origen

Dave Brock y Mick Slattery formaban parte de una banda de blues evolucionada hacia sonidos psicodélicos llamada Famous Cure. Tras un encuentro con el bajista de jazz John Harrison, vieron que tenían intereses comunes con los sonidos electrónicos y empezaron un nuevo proyecto. Un jovencísimo baterista, Terry Ollis, y los antiguos compañeros de Brock, Nik Turner y Dik Mik Davies pronto se unieron al grupo debido a sus intereses comunes y al ofrecimiento de ayuda para llevar a cabo el nuevo proyecto.

Durante una actuación en el All Saints Hall de Notting Hill, a la cual acudieron sin nombre y por ello tocaron bajo el seudónimo de Group X, un locutor de la BBC Radio 1, John Peel, quedó impresionado por la versión extendida de 20 minutos que realizaron del tema de The Byrds Eight miles high. Tras una entrevista con el organizador Douglas Smith el grupo consiguió un trato con Liberty Records y pasó definitivamente a llamarse Hawkwind. Tras la grabación de Hurry on Sundown Slattery abandonó la banda y fue sustituido por Huw Lloyd-Langton, conocido de Brock durante su etapa de vendedor en una tienda de música.

1970 - 1975

Para la grabación del album debut, Hawkwind, el grupo contó con la colaboración del guitarrista de Pretty Things Dick Taylor. Pese a no tener un buen éxito comercial, este primer disco sirvió para darse a conocer en los círculos underground de la escena rock británica, actuando en concierto gratuitos, eventos benéficos y festivales. Durante una actuación en el Bath Festival tuvieron un encuentro con otra banda de Ladbroke Grove llamada Pink Fairies y, teniendo, muchas similitudes pasaron durante un tiempo a tocar juntos bajo el nombre de Pinkwind. El abuso de drogas de los miembros del grupo convenció a Harrison a abandonar la banda, que fue seguido de Lloyd-Langton, quien había sufrido una crisis nerviosa por abuso de LSD.

Su siguiente album, In search of Space, publicado en 1971, tuvo un mayor éxito comercial llegando al puesto 18º de la lista de ventas de álbumes en el Reino Unido. La colaboración de artistas como el dibujante Barney Bubbles, el periodista Robert Calvert y el escritor Michael Moorcock sentaron una nueva estética y filosofía en la banda, logrando encajar con la definición de rock espacial. Debido a la orientación comercial de la banda, Ollis decidió abandonar.

La incorporación del bajista Lemmy Kilmister y del baterista Simon King lograron otorgar a la banda sus mejores momentos. En 1972 fue publicado el mayor éxito de la banda y uno de los clásicos del rock, Silver Machine, que alcanzó el tercer puesto en la lista de ventas. A partir de aquí se hicieron muy famosos sus giras y en concreto el Space Ritual promocional del disco Doremi Fasol Latido, en 1973. Ese mismo año el grupo lanzó el single Urban Guerrilla, pero casualmente coincidió con una serie de atentados bomba del IRA en Londres y la BBC lo censuró.

A principios de 1975, Hawkwind publicó un nuevo album titulado Warrior on the Edge of Time, de nuevo en colaboración con el escritor Michael Moorcock y basado conceptualmente en su figura del eterno campeón. Durante la gira promocional en Estados Unidos, Lemmy fue detenido por la policía en la frontera de Canadá por posesión de anfetaminas y fue llevado a prisión, teniendo que cancelarse varios espectáculos. Debido a su comportamiento, Lemmy fue expulsado de la banda y en su lugar entró un componente de Pink Fairies, el guitarrista Paul Rudolph. Tras su expulsión, Lemmy se reunió con otro antiguo miembro de Pink Fairies, Larry Wallis y formaron Motörhead, nombre de la última canción que el primero había compuesto para Hawkwind.

1976 - 1978

Robert Calver hizo una aparición con el grupo para el Reading Festival en Agosto de 1975, tras lo cual volvió a unirse como cantante permanente. Poco después, la banda firmó con una compañía discográfica, Charisma, y sustituyó a su manager, Douglas Smith, por Tony Howard. Un nuevo album fue publicado en 1976 con el nombre de Astounding sounds, amazing music, el primero en esta nueva etapa con Calvert como compositor y cantante. En 1978, buscando formar un nuevo grupo, el bajista Harvey Bainbridge, el baterista Martin Griffin y el teclista Steve Swindells crearon una banda paralela que fue llamada Hawklords por motivos legales.

Hawkestra

El concepto de Hawkestra (fusión del nombre de la banda y el término inglés para orquesta, orchestra) fue acuñado para referirse a la reunión de miembros presentes y pasados de Hawkwind para realizar algún evento, y en concreto con la intención de denominar al 30º aniversario de la banda, conmemoración respaldada con el lanzamiento de Epocheclipse - 30 year anthology; no obstante, problemas logísticos retrasaron este acontecimiento hasta Octubre de 2000. Tuvo lugar en Brixton Academy, reuniendo a un total de una veintena de miembros y tuvo una duración superior a tres horas; todo fue filmado y grabado.

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Billy Bond

Giuliano Canterini (* La Spezia, Liguria (Italia); 19 de octubre de 1944), más conocido como Billy Bond o El Bondo, fue uno de los pioneros del rock argentino. Fue cantante, entre otros, de La Pesada del Rock and Roll, uno de los copropietarios de La Cueva y productor y manager de músicos y bandas.

Biografía musical

Inicios

Comenzó su carrera musical en Sandy y Los de Fuego, siendo la voz del grupo e imitando a Elvis Presley. Luego formó, junto a Willy Verdaguer, Los Bobby Cats. Tiempo después integró Los Guantes Negros, con Ricardo Lew y Willy Verdaguer, que estaban influenciados por la fiebre beatle. Con esta banda grabó sus primeros discos e hizo shows en la mítica Cueva.

La Cueva

Billy Bond frecuentaba a La Cueva de Passarotus donde, dos veces por semana, se reunían jazzeros de Buenos Aires y se realizaban shows de jazz y zapadas. Cuando comienzó a declinar el negocio, El Bondo le propuso al encargado del lugar (Bravo) poner música pero cambiar al rock and roll.

Así es que comenzaron las presentaciones del grupo Las Sombras, que Billy Bond era el cantante. Pero Sandro firmó un contrato con el dueño del local (Roberto Rosado) y fue renombrado como La Cueva de Sandro, que no tuvo éxito.

Al tiempo, Bravo convocó a Billy Bond y decidieron, junto a otros, hacer una Cueva Beat, manteniendo el local abierto todos los días. El club, ubicado en la avenida Pueyrredón 1723, Buenos Aires, iba a convertirse en la cuna del rock argentino. Allí comienzaron a frecuentar músicos de rock, como Los Shakers, Pájarito Zaguri, Moris, Javier Martínez, Los Gatos y Tanguito, entre otros, y donde Sandro era invitado (lo que atrae a la prensa).

Pero las continuas persecuciones policiales en La Cueva, detenciones y dos bombas colocadas hicieron que el lugar se cierre.

La Pesada

La Pesada del Rock and Roll fue una banda abierta (cada músico entra y sale cuando quiere) cuyo objetivo era acompañar a Billy Bond y por la que pasaron reconocidos músico argentinos. En el primer disco de Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll participaron Pappo, Luis Alberto Spinetta, Héctor "Pomo" Lorenzo, Vitico, David Lebón, Black Amaya, Javier Martínez, Luis Gambolini, Nacho Smilari, Cacho Lafalce, entre otros. Gracias a su buena relación con distintos músicos a nivel local (especialmetente después de La Cueva) pudo armar la banda y lograr su objetivo: juntar a Pappo y L. A. Spinetta. Prácticamente cada tema muestra una alineación diferente.

La formación del segundo disco fue: Pappo, Alejandro Medina, Kubero Díaz, Javier Martínez, Jorge Pinchevsky y Poli Martínez, entre otros. El disco cierra con un versión de "La marcha de San Lorenzo", que rápidamente entró en las listas negras y fue prohibida su difusión.

El 20 de octubre de 1972 en el Luna Park, Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll protagonizó el primer gran escándalo del rock argentino cuando un recital terminó en incidentes entre el público y la policía. La historia cuenta que el público de la popular comenzó a pasar a la platea, que estaban vacías, derribando algunas rejas. Fue así que la policía comenzó a reprimir y Bond desde el escenario quedó inmortalizado cuando le dijo al público la frase: "Rompan todo!". Así es como los jóvenes en el medio de la represión policial destruyeron butacas y muchos, entre los que estaba Billy Bond, eran detenidos.

A fines de 1972, se grabó la operita Tontos, con la participación de Jorge Porcel (voz) en el tema "Buenos Aires Madrugada". El tema que lleva el nombre de la placa fue tomado del III Festival B.A. Rock e incluido en la banda de sonido de la película "Rock hasta que se ponga el sol". La Pesada hizo muy pocos recitales en vivo después de los incidentes del Luna Park, para finalizar siendo solo una banda de estudio.

Para el último álbum de la banda aparece en el piano el joven Charly García en "Gracias al cielo" de Claudio Gabis.

La producción

El sello independiente Mandioca convocó a Billy Bond para producir musicalmente otros grupos, contando ya con sus de amigos de La Pesada. Entre 1972 y 1974 grabó "Vida" de Sui Generis y "Cristo rock" de Raúl Porchetto, una versión de "La Biblia" de Vox Dei, entre otros. También produjo a varios artistas solistas que participaban La Pesada, como Kubero Díaz, David Lebón, Claudio Gabis, Alejandro Medina y Jorge Pinchevsky, que en su mayoría aparecen acompañados por La Pesada.

La situación en Argentina se puso cada vez más espesa en cuestión social y ya se divisaban las venideras épocas duras de la dictadura que comenzó en 1976. Por lo que Billy Bond se fue a vivir en São Paulo, Brasil.

En Brasil

Instalado en Brasil, integró como vocalista la banda Joelho de Porco con la que grabó dos placas. También hizo una nueva versión de La Biblia con músicos brasileños, utilizando algunas partes instrumentales registradas en Buenos Aires.

En 1978 produjo el primer disco de Serú Girán. Algunas pistas descartadas por la banda, y otras personales, las utilizó el Bondo para lanzar el disco "Billy Bond & The Jets". Con el tiempo se transformó en un importante productor musical brasileño. En 1997 ejerció como road manager de Joe Luciano en sus giras americana y europea. Este el dedicó un tema en su álbum "Pa' dos días que hay que vivir" (2001) titulado El Baile del Bombón.

Ricardo Iorio

Ricardo Iorio (Ciudadela, 25 de junio de 1962 ) es el músico con la trayectoria más extensa del heavy metal argentino, trabajando desde 1980 hasta la actualidad y grabando 22 discos oficiales y numerosas participaciones especiales.

Comenzó su carrera musical como bajista de V8, grupo que fundó con Ricardo Chofa Moreno. El grupo tuvo algunos cambios de integrantes, y se separó en 1987. A continuación formó Hermética, en donde pasó a ser el principal compositor musical y exclusivo compositor de las letras, además de cantar en forma ocasional. Hermética se separó en 1994, y Iorio formó entonces el grupo Almafuerte, en donde se estableció como cantante fijo. Mas adelante renunciaría al bajo y pasaría a ser únicamente cantante.

Historia

V8

Ricardo Iorio conoció a Ricardo Chofa Moreno a los 16 años, en julio de 1978, durante una proyección de la película La canción sigue siendo la misma de Led Zeppelin. Se volvieron grandes amigos y junto a Carlos Aragone y Sandro Castaña formaron un grupo de cóvers llamado Alarma. En un principio tocaban temas de Black Sabbath, pero poco después comienzan a componer sus primeros temas, basados en personajes del barrio: Tarzán El Piadoso, La Langosta, Muerto En Vida, etc. Castaña deja al grupo y participan otros bateristas tales como Carlos Ramos, que invita a su vez al guitarrista Osvaldo Civile para probarse pero no es aceptado. Con Pichi Correa tocan otras tres veces más, ahora con el nombre Comunión Humana.

Finalmente los dos Ricardos dejan ese grupo, pero dada su amistad permanecen juntos y forman otro. En casa de Moreno empiezan a nacer algunos temas, como Voy A Enloquecer, Muy Cansado Estoy, Si Puedes Vencer Al Temor, Maligno, etc. Mediante un aviso entran en contacto con el baterista Gerardo Osemberg, y ya tienen el grupo formado. Iorio se encargaba del bajo y las voces, y el Chofa de la guitarra. Gracias a la sugerencia de un amigo, deciden nombrar V8 al grupo, como al motor.

Luego de algunos recitales como soportes de otros grupos, Osemberg se va y lo reemplaza Alejandro Colantonio. Más tarde conocen al grupo W.C., cuyo cantante Alberto Zamarbide se pelea con el guitarrista y lo deja, y lo toman como cantante en V8. El Chofa deja el grupo por razones de salud, y propone como reemplazo a Osvaldo Civile, a quien Iorio acepta a pesar de sus diferencias musicales. Y Colantonio emigra a España, siendo reemplazado por Gustavo Rowek.

Graban un demo, y más tarde Zamarbide conoce a Pappo, con su ayuda consiguen tocar en el B.A.Rock. El grupo escandaliza con sus propuesta violenta a la mayoría de los hippies del público, y se hace conocido entre los metaleros.

El sello Umbral les graba su primer disco en 1983, Luchando Por El Metal, donde Pappo aparece como invitado. Los recitales continúan, aunque en varias ocasiones se ven estafados por sus representantes. La grabación del segundo disco, Un Paso Más en la Batalla, fue una completa maratón que tomó 300 horas de estudio y dos meses de tiempo real.

Zamarbide y Rowek viajan a Brasil a asistir al festival Rock in Rio y descubren que la situación en ese país para un grupo de Heavy Metal sería más ventajosa que en Argentina, por lo que el grupo viajó para intentar establecerse en dicho país. Sin embargo, la situación fue más complicada de lo esperado, y Iorio y Zamarbide resolvieron volver a Argentina solos, dejando a Civile y Rowek en Brasil.

Para rearmar el grupo, tomaron al baterista Gustavo Andino y a los guitarristas Walter Giardino y Miguel Roldán. Pero los dos primeros no duraron mucho y se retiraron rápidamente de la banda. Giardino tuvo discusiones con Iorio sobre el rumbo musical de la banda e incluso compuso temas que le fueron rechazados y que emplearía en su siguiente grupo, Rata Blanca. Andino fue reemplazado por Adrián Cenci, de 16 años, quien ya habia grabado un album con banda de Hard Metal, tocando doble bombo desde el año 79, y de los pocos que habia en el año 85, un verdadero prodigio. Giardino no fue reemplazado: el grupo permaneció sólo con Roldán, volviendo a tener a un único guitarrista.

Pero pronto surgen los problemas también en esta formación del grupo. Por un lado Iorio se interesa en el espiritismo, y sus compañeros en el evangelismo, lo cual lleva a fuertes discusiones entre ellos, las cuales afectan el tercer disco y en especial los recitales de la banda. Una oferta de Mundi Epifanio para que el grupo se presente en México lleva finalmente a la separación de la banda.

Hermética

Tras la separación de V8, Iorio hizo un par de ensayos con Martín Kyne de Kamikaze, pero no llegó a nada. Finalmente formó el grupo con Claudio O'Connor, Antonio Romano y Fabián Spataro. Su primer recital es en el pub "Helloween", poco después Spataro deja el grupo por motivos laborales siendo reemplazado por Tony Scotto, y en 1989 consiguen sacar su primer disco autotitulado, Hermética, a través del sello recién formado Radio Trípoli. En esta ocasión Iorio cantó por primera vez para un disco (en el tema Desde el oeste y algunos coros o introducciones), ya que cuando lo hizo en V8 no llegó a grabar nada antes de que Zamarbide se ocupara de ese rol.

Al pasar la hiperinflación grabaron un disco de covers, Intérpretes, y su siguiente disco de estudio fue Ácido argentino.

La popularidad del grupo fue aumentando desde su inicio, a pesar de no tener temas en la radio ni ninguna difusión realmente importante. En 1993 grabaron el disco en vivo En Vivo 1993 Argentina en Stadium, y para 1994, apenas 6 años después de tocar para 150 personas, toman parte del festival Monsters of Rock y llenan el estadio cubierto de Obras Sanitarias en la presentación de su tercer disco, Víctimas del vaciamiento, en la cual graban un disco en vivo.

Sin embargo, a fin de año Iorio se pelea con sus compañeros de grupo e inesperadamente separa Hermética. Iorio argumentó que las relaciones con los restantes integrantes de la banda se habrían deteriorado, mientras que los demás declararían haberse agotado de no ser consultados en los aspectos organizativos del grupo.

Almafuerte

Luego de la conflictiva separación de Hermética Iorio formó el grupo Almafuerte junto a Claudio Marciello y Claudio Cardacci, donde Iorio comenzó a cantar sus temas de forma habitual.

Sus ex compañeros formaron el grupo Malón, con el cual Iorio comenzó una feroz rivalidad. De hecho hizo un tema en contra de ellos, El Amasijo de un Gran Sueño, mientras que ellos le dedicaron La Fábula del Avestruz y el Jabalí.

El primer disco, Mundo Guanaco logró salir antes que el primero de Malón, aunque tuvo varios covers. Desencuentro de Cátulo Castillo, un tango transformado en Heavy Metal, De Los Pagos Del Tiempo de José Larralde (tema que Hermética había presentado en Obras), No enloquecere de V8, con el nombre y letra originales del tema de V8 que fuera renombrado como Voy A Enloquecer por la intervención de sus compañeros de entonces, y finalmente el tema Como los Bueyes lleva por letra un poema de Pedro Bonifacio Palacios, el autor en cuyo homenaje Almafuerte toma tal nombre.

Luego de este disco Iorio filmó el primer vídeo clip de su carrera, para el tema El Pibe Tigre.

Al año siguiente Flavio Cianciarulo de Los Fabulosos Cadillacs produce su segundo disco, Del entorno, en el cual todos los temas son completamente de autoría de Almafuerte. Esta vez no se incluyen temas folclóricos, ya que Iorio destina tales composiciones a un disco solista con Flavio que saldría al año siguiente: Peso Argento

Los grupos Horcas, Logos y Rata Blanca realizan un festival conjunto en Obras, el Metal Rock Festival, al final del cual tuvo lugar una "reunión" de V8 al salir Osvaldo Civile (guitarrista), Alberto Zamarbide (cantante), Gustavo Rowek (baterista) y Miguel Roldán (en el bajo, fue parte de V8 pero como guitarrista) a tocar temas del grupo. Se había invitado a Almafuerte a participar, pero Iorio se negó, afirmando que sus grupos posteriores serían superiores a V8.

En 1998 Malón se separa y Iorio hace referencia en el tema Triunfo de su nuevo disco autotitulado, Almafuerte, que incluye también un tema donde explican el por qué de su nombre.

En 1999 aportan un tema para la banda de sonido de la película El Visitante, que incluyen en su disco A Fondo Blanco El disco incluyó también las primeras incursiones de Iorio en el Tango (sin contar "Cambalache" y "Desencuentro", que eran tangos reformulados como temas de Heavy Metal), los cuales estaban pensados para un eventual segundo disco junto a Flavio, pero que no pudo realizarse por decisión de Polygram.

Durante 2000 unas declaraciones de Iorio en la revista Rolling Stone referidas a la comunidad judía, fueron consideradas antisemitas por diversos sectores, situación por la cual algunos particulares formularon denuncias ante el Instituto Nacional contra la Discriminación, la Xenofobia y el Racismo. Esto motivó que Víctor Ramos, entonces presidente del Instituto, presentara una demanda judicial en su contra—el caso Iorio-. En entrevistas posteriores, el bajista afirmó no ser antisemita, y que sus palabras habrían sido malinterpretadas. La causa fue finalmente desestimada por la Justicia.

También este año tuvo que afrontar algunos escándalos más tras la edición del disco Piedra libre, donde realiza un homenaje al ex militar argentino Mohamed Alí Seineldín —condenado por un alzamiento carapintada frustrado— y parafrasea en el tema Cumpliendo mi destino un dicho antisemita del ex militar.

Iorio siguió llenando Obras con frecuencia, y más adelante se fue a vivir al campo. En el 2005 la banda cumplió 10 años de trayectoria y lo celebró con un tercer disco en vivo, titulado justamente 10 años.

Durante el año 2006 se editó el disco Toro y pampa, el cual tuvo el mayor éxito de los discos de Almafuerte editados hasta el momento.

Colaboraciones

Ricardo Iorio trabajó con varios artistas de la música argentina, además de los diversos músicos que formaron parte de sus bandas. Algunos de dichos músicos desarrollan estilos musicales bastante diferentes a los de Ricardo Iorio.

Colaboró con León Gieco (éste había prestado su voz para el tema Río Paraná en Peso Argento) en el tema Bandidos Rurales del disco homónimo y El Embudo del disco Orozco junto a otros artistas.

Grabó un disco solista, independientemente de su carrera con Almafuerte, junto a Flavio Cianciarulo, de Los Fabulosos Cadillacs. Flavio también produjo el segundo disco de la banda, y existieron proyectos para grabar un segundo disco pero que no llegaron a buen puerto.

Ricardo Mollo produjo el disco Almafuerte de Almafuerte. Años antes había sido considerado para unirse como guitarrista a V8, lo cual no tuvo lugar ya que una semana antes Mollo había sido invitado a formar parte de Sumo junto a Luca Prodan. Iorio señala que el grupo "MAM" de Ricardo Mollo, previo a la formación de Sumo, fue el primer grupo de música pesada que vio en su vida.

Iorio también trabajó junto a artistas folklóricos. Durante su etapa en Hermética interpretó "De los Pagos del tiempo" de José Larralde en un recital en Obras, con la intención de incluirlo en un disco en vivo del grupo. A pesar de la separación de Hermética, incluyó una nueva versión grabada con su siguiente grupo Almafuete, en su disco debut Mundo Guanaco, y de todas formas la versión de Hermética aparecería en un disco en vivo editado después de la separación de la banda. Esto motivó que Iorio y Larrale se invitaran mutuamente a apariciones puntuales en sus recitales, e incluso a que una parte del público habitual de Almafuerte concurriera a los shows de Larralde. Sin embargo Larralde no aceptó realizar ningún show completo junto a Iorio, ya que asegura no comprender su estilo musical y no tener relación con el mismo. También colaboró con Rubén Patagonia. Grabaron juntos Cacique Yatel para el disco Peso Argento, y tocaron juntos en ocasiones. Iorio le dedicó el tema Rubén Patagonia, incluido en el disco Del entorno, y produjo su disco Cutral-Có.

Discografía

Con V8

- Luchando Por El Metal - 1983
- Un Paso Más en la Batalla - 1984
- El Fin de los Inicuos - 1986
- No Se Rindan - 1991 (recopilación)

Con Hermética

- Hermética - 1989
- Intérpretes - 1990
- Ácido Argentino - 1991
- En Vivo 1993 Argentina - 1993 (en vivo)
- Víctimas del Vaciamiento - 1994
- Lo Último - 1995 (en vivo)
- En Concierto I&II - 1996 (en vivo)

Con Almafuerte

- Mundo Guanaco - 1995
- Del entorno - 1996
- En vida - 1997
- Profeta en su tierra - 1997 (recopilación)
- Almafuerte - 1998
- A fondo blanco - 1999
- Piedra Libre - 2001
- En vivo, Obras 2001 - 2001(en vivo)
- Ultimando - 2004
- 10 años - 2005(en vivo)
- Toro Y Pampa - 2006

Otras Participaciones

- Radio Olmos - Festival en vivo en el penal de Olmos, con 2 temas de Hermética - 1993
- Iorio & Flavio - Peso Argento (junto a Flavio Cianciarulo) - 1997
- Manifiesto - Nepal - 1998
- 30.000 gritos - La pandilla del punto muerto - 1999
- Pappo y amigos - Pappo - 2000
- Bandidos Rurales - León Gieco - 2001
- Puesto en Marcha - Claudio Marciello - 2001
- De Pie - Claudio Marciello - 2004
- SangreSur - Tren Loco - 2006
- Purificación - Cuchilla Grande - 2005

Solista (e invitados)

- Ayer Deseo, Hoy Realidad - Agosto 2008

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