Emmylou Harris

Pocos artistas han dejado un impacto tan profundo en la música contemporánea como Emmylou Harris. Bendecida con una voz cristalina, un incansable espíritu creativo y un gran talento musical, su trayectoria ha marcado una senda singular, llevando con orgullo la antorcha de la música Americana, recogiendo así el relevo de su mentor, Gram Parsons. Con la única excepción de Neil Young, ninguna otra estrella ha establecido una obra musical tan consistentemente iconoclasta, ecléctica o atrevida. A través de más de tres décadas la música de Emmylou permanece vital y cálida como en los primeros tiempos.

Emmylou nació el 2 de abril de 1947 en el seno de una familia de militares, estacionada en Birmingham, Alabama. Después de pasar casi toda su infancia en Carolina del Norte, ya en su adolescencia, se mudó a Woodbridge, Virginia, y se graduó en el instituto. Después de pasar por la Universidad de Carolina del Norte empezó a estudiar música en serio. Pronto formó un dúo con el estudiante Mike Williams, dejando más tarde los estudios para mudarse a Nueva York. Allí, Emmylou entró en la órbita de la comunidad musical folk de la ciudad, donde contó con la amistad de gente como Jerry Jeff Walker, David Bromberg y Paul Siebel. En 1969 se casa con el cantautor Tom Slocum; en 1970 graba su primer LP, "Gliding Bird". Ya embarazada de su primer hijo, y después de mudarse a Nashville, ella y Tom se divorciaron. Con su hija Hallie se refugió en casa de sus padres, en una granja de Washington.

Al regresar a la vida musical formó un trío con Gerry Mule y Guidera. En una actuación del trío, en 1971, se fijó en ella Chris Hillman, ex Byrd, quien la recomendó a Parsons, para reforzar su fusión de country y rock de la costa Oeste. su conexión fue instantánea. La colaboración de ambos se plasmó en el LP "G.P.", de 1972, y en la gira de 1973, que cuajó en el LP "Grievous Angel".

Tras la muerte de Gram Parsons, Emmylou reunió con Tom Guidera la Angel Band, mudándose a Los Angeles. Allí se publicó "Pieces of the Sky", en 1975, producido por Brian Ahern.

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Hawkwind

Hawkwind es una banda inglesa de rock psicodélico formada a finales de los años 1960 en Ladbroke Grove, fue una de las pioneras del llamado rock espacial. Sus letras contienen temáticas acerca de lo urbano y la Ciencia ficción; de hecho, el escritor Michael Moorcock ha colaborado en las letras de algunos temas.

Origen

Dave Brock y Mick Slattery formaban parte de una banda de blues evolucionada hacia sonidos psicodélicos llamada Famous Cure. Tras un encuentro con el bajista de jazz John Harrison, vieron que tenían intereses comunes con los sonidos electrónicos y empezaron un nuevo proyecto. Un jovencísimo baterista, Terry Ollis, y los antiguos compañeros de Brock, Nik Turner y Dik Mik Davies pronto se unieron al grupo debido a sus intereses comunes y al ofrecimiento de ayuda para llevar a cabo el nuevo proyecto.

Durante una actuación en el All Saints Hall de Notting Hill, a la cual acudieron sin nombre y por ello tocaron bajo el seudónimo de Group X, un locutor de la BBC Radio 1, John Peel, quedó impresionado por la versión extendida de 20 minutos que realizaron del tema de The Byrds Eight miles high. Tras una entrevista con el organizador Douglas Smith el grupo consiguió un trato con Liberty Records y pasó definitivamente a llamarse Hawkwind. Tras la grabación de Hurry on Sundown Slattery abandonó la banda y fue sustituido por Huw Lloyd-Langton, conocido de Brock durante su etapa de vendedor en una tienda de música.

1970 - 1975

Para la grabación del album debut, Hawkwind, el grupo contó con la colaboración del guitarrista de Pretty Things Dick Taylor. Pese a no tener un buen éxito comercial, este primer disco sirvió para darse a conocer en los círculos underground de la escena rock británica, actuando en concierto gratuitos, eventos benéficos y festivales. Durante una actuación en el Bath Festival tuvieron un encuentro con otra banda de Ladbroke Grove llamada Pink Fairies y, teniendo, muchas similitudes pasaron durante un tiempo a tocar juntos bajo el nombre de Pinkwind. El abuso de drogas de los miembros del grupo convenció a Harrison a abandonar la banda, que fue seguido de Lloyd-Langton, quien había sufrido una crisis nerviosa por abuso de LSD.

Su siguiente album, In search of Space, publicado en 1971, tuvo un mayor éxito comercial llegando al puesto 18º de la lista de ventas de álbumes en el Reino Unido. La colaboración de artistas como el dibujante Barney Bubbles, el periodista Robert Calvert y el escritor Michael Moorcock sentaron una nueva estética y filosofía en la banda, logrando encajar con la definición de rock espacial. Debido a la orientación comercial de la banda, Ollis decidió abandonar.

La incorporación del bajista Lemmy Kilmister y del baterista Simon King lograron otorgar a la banda sus mejores momentos. En 1972 fue publicado el mayor éxito de la banda y uno de los clásicos del rock, Silver Machine, que alcanzó el tercer puesto en la lista de ventas. A partir de aquí se hicieron muy famosos sus giras y en concreto el Space Ritual promocional del disco Doremi Fasol Latido, en 1973. Ese mismo año el grupo lanzó el single Urban Guerrilla, pero casualmente coincidió con una serie de atentados bomba del IRA en Londres y la BBC lo censuró.

A principios de 1975, Hawkwind publicó un nuevo album titulado Warrior on the Edge of Time, de nuevo en colaboración con el escritor Michael Moorcock y basado conceptualmente en su figura del eterno campeón. Durante la gira promocional en Estados Unidos, Lemmy fue detenido por la policía en la frontera de Canadá por posesión de anfetaminas y fue llevado a prisión, teniendo que cancelarse varios espectáculos. Debido a su comportamiento, Lemmy fue expulsado de la banda y en su lugar entró un componente de Pink Fairies, el guitarrista Paul Rudolph. Tras su expulsión, Lemmy se reunió con otro antiguo miembro de Pink Fairies, Larry Wallis y formaron Motörhead, nombre de la última canción que el primero había compuesto para Hawkwind.

1976 - 1978

Robert Calver hizo una aparición con el grupo para el Reading Festival en Agosto de 1975, tras lo cual volvió a unirse como cantante permanente. Poco después, la banda firmó con una compañía discográfica, Charisma, y sustituyó a su manager, Douglas Smith, por Tony Howard. Un nuevo album fue publicado en 1976 con el nombre de Astounding sounds, amazing music, el primero en esta nueva etapa con Calvert como compositor y cantante. En 1978, buscando formar un nuevo grupo, el bajista Harvey Bainbridge, el baterista Martin Griffin y el teclista Steve Swindells crearon una banda paralela que fue llamada Hawklords por motivos legales.

Hawkestra

El concepto de Hawkestra (fusión del nombre de la banda y el término inglés para orquesta, orchestra) fue acuñado para referirse a la reunión de miembros presentes y pasados de Hawkwind para realizar algún evento, y en concreto con la intención de denominar al 30º aniversario de la banda, conmemoración respaldada con el lanzamiento de Epocheclipse - 30 year anthology; no obstante, problemas logísticos retrasaron este acontecimiento hasta Octubre de 2000. Tuvo lugar en Brixton Academy, reuniendo a un total de una veintena de miembros y tuvo una duración superior a tres horas; todo fue filmado y grabado.

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Billy Bond

Giuliano Canterini (* La Spezia, Liguria (Italia); 19 de octubre de 1944), más conocido como Billy Bond o El Bondo, fue uno de los pioneros del rock argentino. Fue cantante, entre otros, de La Pesada del Rock and Roll, uno de los copropietarios de La Cueva y productor y manager de músicos y bandas.

Biografía musical

Inicios

Comenzó su carrera musical en Sandy y Los de Fuego, siendo la voz del grupo e imitando a Elvis Presley. Luego formó, junto a Willy Verdaguer, Los Bobby Cats. Tiempo después integró Los Guantes Negros, con Ricardo Lew y Willy Verdaguer, que estaban influenciados por la fiebre beatle. Con esta banda grabó sus primeros discos e hizo shows en la mítica Cueva.

La Cueva

Billy Bond frecuentaba a La Cueva de Passarotus donde, dos veces por semana, se reunían jazzeros de Buenos Aires y se realizaban shows de jazz y zapadas. Cuando comienzó a declinar el negocio, El Bondo le propuso al encargado del lugar (Bravo) poner música pero cambiar al rock and roll.

Así es que comenzaron las presentaciones del grupo Las Sombras, que Billy Bond era el cantante. Pero Sandro firmó un contrato con el dueño del local (Roberto Rosado) y fue renombrado como La Cueva de Sandro, que no tuvo éxito.

Al tiempo, Bravo convocó a Billy Bond y decidieron, junto a otros, hacer una Cueva Beat, manteniendo el local abierto todos los días. El club, ubicado en la avenida Pueyrredón 1723, Buenos Aires, iba a convertirse en la cuna del rock argentino. Allí comienzaron a frecuentar músicos de rock, como Los Shakers, Pájarito Zaguri, Moris, Javier Martínez, Los Gatos y Tanguito, entre otros, y donde Sandro era invitado (lo que atrae a la prensa).

Pero las continuas persecuciones policiales en La Cueva, detenciones y dos bombas colocadas hicieron que el lugar se cierre.

La Pesada

La Pesada del Rock and Roll fue una banda abierta (cada músico entra y sale cuando quiere) cuyo objetivo era acompañar a Billy Bond y por la que pasaron reconocidos músico argentinos. En el primer disco de Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll participaron Pappo, Luis Alberto Spinetta, Héctor "Pomo" Lorenzo, Vitico, David Lebón, Black Amaya, Javier Martínez, Luis Gambolini, Nacho Smilari, Cacho Lafalce, entre otros. Gracias a su buena relación con distintos músicos a nivel local (especialmetente después de La Cueva) pudo armar la banda y lograr su objetivo: juntar a Pappo y L. A. Spinetta. Prácticamente cada tema muestra una alineación diferente.

La formación del segundo disco fue: Pappo, Alejandro Medina, Kubero Díaz, Javier Martínez, Jorge Pinchevsky y Poli Martínez, entre otros. El disco cierra con un versión de "La marcha de San Lorenzo", que rápidamente entró en las listas negras y fue prohibida su difusión.

El 20 de octubre de 1972 en el Luna Park, Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll protagonizó el primer gran escándalo del rock argentino cuando un recital terminó en incidentes entre el público y la policía. La historia cuenta que el público de la popular comenzó a pasar a la platea, que estaban vacías, derribando algunas rejas. Fue así que la policía comenzó a reprimir y Bond desde el escenario quedó inmortalizado cuando le dijo al público la frase: "Rompan todo!". Así es como los jóvenes en el medio de la represión policial destruyeron butacas y muchos, entre los que estaba Billy Bond, eran detenidos.

A fines de 1972, se grabó la operita Tontos, con la participación de Jorge Porcel (voz) en el tema "Buenos Aires Madrugada". El tema que lleva el nombre de la placa fue tomado del III Festival B.A. Rock e incluido en la banda de sonido de la película "Rock hasta que se ponga el sol". La Pesada hizo muy pocos recitales en vivo después de los incidentes del Luna Park, para finalizar siendo solo una banda de estudio.

Para el último álbum de la banda aparece en el piano el joven Charly García en "Gracias al cielo" de Claudio Gabis.

La producción

El sello independiente Mandioca convocó a Billy Bond para producir musicalmente otros grupos, contando ya con sus de amigos de La Pesada. Entre 1972 y 1974 grabó "Vida" de Sui Generis y "Cristo rock" de Raúl Porchetto, una versión de "La Biblia" de Vox Dei, entre otros. También produjo a varios artistas solistas que participaban La Pesada, como Kubero Díaz, David Lebón, Claudio Gabis, Alejandro Medina y Jorge Pinchevsky, que en su mayoría aparecen acompañados por La Pesada.

La situación en Argentina se puso cada vez más espesa en cuestión social y ya se divisaban las venideras épocas duras de la dictadura que comenzó en 1976. Por lo que Billy Bond se fue a vivir en São Paulo, Brasil.

En Brasil

Instalado en Brasil, integró como vocalista la banda Joelho de Porco con la que grabó dos placas. También hizo una nueva versión de La Biblia con músicos brasileños, utilizando algunas partes instrumentales registradas en Buenos Aires.

En 1978 produjo el primer disco de Serú Girán. Algunas pistas descartadas por la banda, y otras personales, las utilizó el Bondo para lanzar el disco "Billy Bond & The Jets". Con el tiempo se transformó en un importante productor musical brasileño. En 1997 ejerció como road manager de Joe Luciano en sus giras americana y europea. Este el dedicó un tema en su álbum "Pa' dos días que hay que vivir" (2001) titulado El Baile del Bombón.

Ricardo Iorio

Ricardo Iorio (Ciudadela, 25 de junio de 1962 ) es el músico con la trayectoria más extensa del heavy metal argentino, trabajando desde 1980 hasta la actualidad y grabando 22 discos oficiales y numerosas participaciones especiales.

Comenzó su carrera musical como bajista de V8, grupo que fundó con Ricardo Chofa Moreno. El grupo tuvo algunos cambios de integrantes, y se separó en 1987. A continuación formó Hermética, en donde pasó a ser el principal compositor musical y exclusivo compositor de las letras, además de cantar en forma ocasional. Hermética se separó en 1994, y Iorio formó entonces el grupo Almafuerte, en donde se estableció como cantante fijo. Mas adelante renunciaría al bajo y pasaría a ser únicamente cantante.

Historia

V8

Ricardo Iorio conoció a Ricardo Chofa Moreno a los 16 años, en julio de 1978, durante una proyección de la película La canción sigue siendo la misma de Led Zeppelin. Se volvieron grandes amigos y junto a Carlos Aragone y Sandro Castaña formaron un grupo de cóvers llamado Alarma. En un principio tocaban temas de Black Sabbath, pero poco después comienzan a componer sus primeros temas, basados en personajes del barrio: Tarzán El Piadoso, La Langosta, Muerto En Vida, etc. Castaña deja al grupo y participan otros bateristas tales como Carlos Ramos, que invita a su vez al guitarrista Osvaldo Civile para probarse pero no es aceptado. Con Pichi Correa tocan otras tres veces más, ahora con el nombre Comunión Humana.

Finalmente los dos Ricardos dejan ese grupo, pero dada su amistad permanecen juntos y forman otro. En casa de Moreno empiezan a nacer algunos temas, como Voy A Enloquecer, Muy Cansado Estoy, Si Puedes Vencer Al Temor, Maligno, etc. Mediante un aviso entran en contacto con el baterista Gerardo Osemberg, y ya tienen el grupo formado. Iorio se encargaba del bajo y las voces, y el Chofa de la guitarra. Gracias a la sugerencia de un amigo, deciden nombrar V8 al grupo, como al motor.

Luego de algunos recitales como soportes de otros grupos, Osemberg se va y lo reemplaza Alejandro Colantonio. Más tarde conocen al grupo W.C., cuyo cantante Alberto Zamarbide se pelea con el guitarrista y lo deja, y lo toman como cantante en V8. El Chofa deja el grupo por razones de salud, y propone como reemplazo a Osvaldo Civile, a quien Iorio acepta a pesar de sus diferencias musicales. Y Colantonio emigra a España, siendo reemplazado por Gustavo Rowek.

Graban un demo, y más tarde Zamarbide conoce a Pappo, con su ayuda consiguen tocar en el B.A.Rock. El grupo escandaliza con sus propuesta violenta a la mayoría de los hippies del público, y se hace conocido entre los metaleros.

El sello Umbral les graba su primer disco en 1983, Luchando Por El Metal, donde Pappo aparece como invitado. Los recitales continúan, aunque en varias ocasiones se ven estafados por sus representantes. La grabación del segundo disco, Un Paso Más en la Batalla, fue una completa maratón que tomó 300 horas de estudio y dos meses de tiempo real.

Zamarbide y Rowek viajan a Brasil a asistir al festival Rock in Rio y descubren que la situación en ese país para un grupo de Heavy Metal sería más ventajosa que en Argentina, por lo que el grupo viajó para intentar establecerse en dicho país. Sin embargo, la situación fue más complicada de lo esperado, y Iorio y Zamarbide resolvieron volver a Argentina solos, dejando a Civile y Rowek en Brasil.

Para rearmar el grupo, tomaron al baterista Gustavo Andino y a los guitarristas Walter Giardino y Miguel Roldán. Pero los dos primeros no duraron mucho y se retiraron rápidamente de la banda. Giardino tuvo discusiones con Iorio sobre el rumbo musical de la banda e incluso compuso temas que le fueron rechazados y que emplearía en su siguiente grupo, Rata Blanca. Andino fue reemplazado por Adrián Cenci, de 16 años, quien ya habia grabado un album con banda de Hard Metal, tocando doble bombo desde el año 79, y de los pocos que habia en el año 85, un verdadero prodigio. Giardino no fue reemplazado: el grupo permaneció sólo con Roldán, volviendo a tener a un único guitarrista.

Pero pronto surgen los problemas también en esta formación del grupo. Por un lado Iorio se interesa en el espiritismo, y sus compañeros en el evangelismo, lo cual lleva a fuertes discusiones entre ellos, las cuales afectan el tercer disco y en especial los recitales de la banda. Una oferta de Mundi Epifanio para que el grupo se presente en México lleva finalmente a la separación de la banda.

Hermética

Tras la separación de V8, Iorio hizo un par de ensayos con Martín Kyne de Kamikaze, pero no llegó a nada. Finalmente formó el grupo con Claudio O'Connor, Antonio Romano y Fabián Spataro. Su primer recital es en el pub "Helloween", poco después Spataro deja el grupo por motivos laborales siendo reemplazado por Tony Scotto, y en 1989 consiguen sacar su primer disco autotitulado, Hermética, a través del sello recién formado Radio Trípoli. En esta ocasión Iorio cantó por primera vez para un disco (en el tema Desde el oeste y algunos coros o introducciones), ya que cuando lo hizo en V8 no llegó a grabar nada antes de que Zamarbide se ocupara de ese rol.

Al pasar la hiperinflación grabaron un disco de covers, Intérpretes, y su siguiente disco de estudio fue Ácido argentino.

La popularidad del grupo fue aumentando desde su inicio, a pesar de no tener temas en la radio ni ninguna difusión realmente importante. En 1993 grabaron el disco en vivo En Vivo 1993 Argentina en Stadium, y para 1994, apenas 6 años después de tocar para 150 personas, toman parte del festival Monsters of Rock y llenan el estadio cubierto de Obras Sanitarias en la presentación de su tercer disco, Víctimas del vaciamiento, en la cual graban un disco en vivo.

Sin embargo, a fin de año Iorio se pelea con sus compañeros de grupo e inesperadamente separa Hermética. Iorio argumentó que las relaciones con los restantes integrantes de la banda se habrían deteriorado, mientras que los demás declararían haberse agotado de no ser consultados en los aspectos organizativos del grupo.

Almafuerte

Luego de la conflictiva separación de Hermética Iorio formó el grupo Almafuerte junto a Claudio Marciello y Claudio Cardacci, donde Iorio comenzó a cantar sus temas de forma habitual.

Sus ex compañeros formaron el grupo Malón, con el cual Iorio comenzó una feroz rivalidad. De hecho hizo un tema en contra de ellos, El Amasijo de un Gran Sueño, mientras que ellos le dedicaron La Fábula del Avestruz y el Jabalí.

El primer disco, Mundo Guanaco logró salir antes que el primero de Malón, aunque tuvo varios covers. Desencuentro de Cátulo Castillo, un tango transformado en Heavy Metal, De Los Pagos Del Tiempo de José Larralde (tema que Hermética había presentado en Obras), No enloquecere de V8, con el nombre y letra originales del tema de V8 que fuera renombrado como Voy A Enloquecer por la intervención de sus compañeros de entonces, y finalmente el tema Como los Bueyes lleva por letra un poema de Pedro Bonifacio Palacios, el autor en cuyo homenaje Almafuerte toma tal nombre.

Luego de este disco Iorio filmó el primer vídeo clip de su carrera, para el tema El Pibe Tigre.

Al año siguiente Flavio Cianciarulo de Los Fabulosos Cadillacs produce su segundo disco, Del entorno, en el cual todos los temas son completamente de autoría de Almafuerte. Esta vez no se incluyen temas folclóricos, ya que Iorio destina tales composiciones a un disco solista con Flavio que saldría al año siguiente: Peso Argento

Los grupos Horcas, Logos y Rata Blanca realizan un festival conjunto en Obras, el Metal Rock Festival, al final del cual tuvo lugar una "reunión" de V8 al salir Osvaldo Civile (guitarrista), Alberto Zamarbide (cantante), Gustavo Rowek (baterista) y Miguel Roldán (en el bajo, fue parte de V8 pero como guitarrista) a tocar temas del grupo. Se había invitado a Almafuerte a participar, pero Iorio se negó, afirmando que sus grupos posteriores serían superiores a V8.

En 1998 Malón se separa y Iorio hace referencia en el tema Triunfo de su nuevo disco autotitulado, Almafuerte, que incluye también un tema donde explican el por qué de su nombre.

En 1999 aportan un tema para la banda de sonido de la película El Visitante, que incluyen en su disco A Fondo Blanco El disco incluyó también las primeras incursiones de Iorio en el Tango (sin contar "Cambalache" y "Desencuentro", que eran tangos reformulados como temas de Heavy Metal), los cuales estaban pensados para un eventual segundo disco junto a Flavio, pero que no pudo realizarse por decisión de Polygram.

Durante 2000 unas declaraciones de Iorio en la revista Rolling Stone referidas a la comunidad judía, fueron consideradas antisemitas por diversos sectores, situación por la cual algunos particulares formularon denuncias ante el Instituto Nacional contra la Discriminación, la Xenofobia y el Racismo. Esto motivó que Víctor Ramos, entonces presidente del Instituto, presentara una demanda judicial en su contra—el caso Iorio-. En entrevistas posteriores, el bajista afirmó no ser antisemita, y que sus palabras habrían sido malinterpretadas. La causa fue finalmente desestimada por la Justicia.

También este año tuvo que afrontar algunos escándalos más tras la edición del disco Piedra libre, donde realiza un homenaje al ex militar argentino Mohamed Alí Seineldín —condenado por un alzamiento carapintada frustrado— y parafrasea en el tema Cumpliendo mi destino un dicho antisemita del ex militar.

Iorio siguió llenando Obras con frecuencia, y más adelante se fue a vivir al campo. En el 2005 la banda cumplió 10 años de trayectoria y lo celebró con un tercer disco en vivo, titulado justamente 10 años.

Durante el año 2006 se editó el disco Toro y pampa, el cual tuvo el mayor éxito de los discos de Almafuerte editados hasta el momento.

Colaboraciones

Ricardo Iorio trabajó con varios artistas de la música argentina, además de los diversos músicos que formaron parte de sus bandas. Algunos de dichos músicos desarrollan estilos musicales bastante diferentes a los de Ricardo Iorio.

Colaboró con León Gieco (éste había prestado su voz para el tema Río Paraná en Peso Argento) en el tema Bandidos Rurales del disco homónimo y El Embudo del disco Orozco junto a otros artistas.

Grabó un disco solista, independientemente de su carrera con Almafuerte, junto a Flavio Cianciarulo, de Los Fabulosos Cadillacs. Flavio también produjo el segundo disco de la banda, y existieron proyectos para grabar un segundo disco pero que no llegaron a buen puerto.

Ricardo Mollo produjo el disco Almafuerte de Almafuerte. Años antes había sido considerado para unirse como guitarrista a V8, lo cual no tuvo lugar ya que una semana antes Mollo había sido invitado a formar parte de Sumo junto a Luca Prodan. Iorio señala que el grupo "MAM" de Ricardo Mollo, previo a la formación de Sumo, fue el primer grupo de música pesada que vio en su vida.

Iorio también trabajó junto a artistas folklóricos. Durante su etapa en Hermética interpretó "De los Pagos del tiempo" de José Larralde en un recital en Obras, con la intención de incluirlo en un disco en vivo del grupo. A pesar de la separación de Hermética, incluyó una nueva versión grabada con su siguiente grupo Almafuete, en su disco debut Mundo Guanaco, y de todas formas la versión de Hermética aparecería en un disco en vivo editado después de la separación de la banda. Esto motivó que Iorio y Larrale se invitaran mutuamente a apariciones puntuales en sus recitales, e incluso a que una parte del público habitual de Almafuerte concurriera a los shows de Larralde. Sin embargo Larralde no aceptó realizar ningún show completo junto a Iorio, ya que asegura no comprender su estilo musical y no tener relación con el mismo. También colaboró con Rubén Patagonia. Grabaron juntos Cacique Yatel para el disco Peso Argento, y tocaron juntos en ocasiones. Iorio le dedicó el tema Rubén Patagonia, incluido en el disco Del entorno, y produjo su disco Cutral-Có.

Discografía

Con V8

- Luchando Por El Metal - 1983
- Un Paso Más en la Batalla - 1984
- El Fin de los Inicuos - 1986
- No Se Rindan - 1991 (recopilación)

Con Hermética

- Hermética - 1989
- Intérpretes - 1990
- Ácido Argentino - 1991
- En Vivo 1993 Argentina - 1993 (en vivo)
- Víctimas del Vaciamiento - 1994
- Lo Último - 1995 (en vivo)
- En Concierto I&II - 1996 (en vivo)

Con Almafuerte

- Mundo Guanaco - 1995
- Del entorno - 1996
- En vida - 1997
- Profeta en su tierra - 1997 (recopilación)
- Almafuerte - 1998
- A fondo blanco - 1999
- Piedra Libre - 2001
- En vivo, Obras 2001 - 2001(en vivo)
- Ultimando - 2004
- 10 años - 2005(en vivo)
- Toro Y Pampa - 2006

Otras Participaciones

- Radio Olmos - Festival en vivo en el penal de Olmos, con 2 temas de Hermética - 1993
- Iorio & Flavio - Peso Argento (junto a Flavio Cianciarulo) - 1997
- Manifiesto - Nepal - 1998
- 30.000 gritos - La pandilla del punto muerto - 1999
- Pappo y amigos - Pappo - 2000
- Bandidos Rurales - León Gieco - 2001
- Puesto en Marcha - Claudio Marciello - 2001
- De Pie - Claudio Marciello - 2004
- SangreSur - Tren Loco - 2006
- Purificación - Cuchilla Grande - 2005

Solista (e invitados)

- Ayer Deseo, Hoy Realidad - Agosto 2008

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Glenn Hughes

Glenn Hughes (Cannock, Staffordshire, Inglaterra 21 de Agosto de 1951) es conocido como ex bajista del mítico grupo de hard rock Deep Purple, además de como vocalista para Black Sabbath en los 80's y para el guitarrista de estos últimos, Tony Iommi, además de por su dilatada carrera en solitario.

Características y estilo

Glenn Hughes posee una poderosa voz. Su caudal de voz es amplísimo, alcanzando notas en el extremo agudo con una potencia descomunal, como dejó constancia en diversos temas grabados a lo largo de su carrera. También posee la particularidad de realizar notorios cambios de registro, dejando constancia sus muy marcadas influencias de los estilos Soul y Funk. En su instrumento, el bajo, posee un gran virtuosismo, siendo uno de los primeros en incursionar sonidos y estructuras funk y Soul en el hard rock.

Trayectoria

Años 70: Deep Purple e inicios en solitario

Grabó 3 discos memorables con Deep Purple entre 1973 y 1975 ("Burn", "Stormbringer" y "Come Taste The Band") tras la marcha de Ian Gillan, en la formaciones que se conocen como "Mark 3" (junto a Paice, Blackmore, Lord y Coverdale), y "Mark 4" (junto a Paice, Bolin, Lord y Coverdale). Su paso por la banda inglesa se caracterizó por una marcada influencia Soul, una influencia que compartía con David Coverdale y que no complacía sin embargo a Ritchie Blackmore.

Tras la desintegración de Deep Purple, graba su primer disco solista en 1977, titulado "Play Me Out".

Años 80: Seventh Star

Tras ello, cabe destacar su recordada colaboración con Tony Iommi, en el disco de 1986 "Seventh Star", un disco que fue editado bajo el nombre de "Black Sabbath featuring Tony Iommi", pero que se enfocó desde un primer momento como un álbum en solitario del guitarrista, y que tuvo continuidad con un Bootleg, que circulaba de manera clandestina bajo el nombre de "Eight Star", y que finalmente se editó en el 2004 bajo el nombre "The 1996 DEP Sessions", y que supuso la recuperación del Tandem Iommi-Hughes, en un proyecto que recibió el nombre de Iommi.

Durante el resto de los años ochenta se sumió en una larga década de decadencia y excesos que no le permitieron continuar una línea artística estable y definida.

Años 90: reactivación

Su vuelta a la actividad estable aparece marcada con la colaboración en el disco "Face The Truth", en 1992, del, en aquel entonces, ex guitarrista de Europe (banda en la que hoy en día toca nuevamente), John Norum. Posteriormente graba un gran disco llamado "From Now On" (1994), con varios miembros de Europe en su banda. A lo largo de la década grabó numerosos y notables discos

Años 2000: Hughes-Turner Project, "Music for the Divine" y Iommi

Ya en el nuevo milenio, es de destacar su proyecto Hughes Turner Project, con el que fuera vocalista de Rainbow y Deep Purple, Joe Lynn Turner. A lo largo de más de una década desde ese entonces hasta hoy, grabó numerosos y notables discos como los recientes "Songs In The Key Of Rock" (2003), "Soul Mover" (2005), y "Music for the divine" (2006); este último, un rotundo éxito de crítica en el que colaborarían el batería Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) y el guitarrista de Jane's Addiction Dave Navarro, una muestra más de su eclecticismo e inclinaciones por los sonidos funk. Tras la grabación de este disco, Glenn y el baterista Chad Smith iniciarían una gira que recalaría en Europa. Tras ello Glenn graba el disco "Fused", continuación de su colaboración con el legendario Tony Iommi, ex guitarrista de Black Sabbath.

Otras colaboraciones y apariciones

El 20 de noviembre de 1998 estuvo como artista invitado en un recital de Temple (la banda solista de Walter Giardino, guitarrista de Rata Blanca)en el teatro Coliseo tocando temas como "Burn" y otros clásicos de Purple. También participó de los conciertos que estuvo dando Rata Blanca el 11 y 12 de diciembre de 2003 en el teatro Gran Rex de los cuales se editó un DVD que salió a la venta en el 2005. Entre esos años también participó en algunos pequeños conciertos más con esta banda que no quedaron registrados.

En 2003 participó en la Metal Opera titulada "Aina: Days of Rising Doom".

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Vanilla Fudge

Vanilla Fudge fue una banda de la psicodelia americana que grabó discos desde 1967 hasta 1970. Sus miembros incluían al organista Mark Stein, bajista Tim Bogert, guitarra solista Vince Martell y el baterista Carmine Appice.

Biografía

Originalmente era una banda llamada Electric Pigeons, formada en Long Island, N.Y., en 1965. El organista Mark Stein, bajista Tim Bogert y el baterista Joey Brennan acortaron su nombre a el de Pigeons y captaron al guitarrista Vince Martell. Giraron masivamente por la Costa Este y ganado dinero extra apoyando en conciertos a grupos de chicas.

En 1966 el grupo grabó un paquete de ocho maquetas que se publicaron años más tarde cuando el mundo ya conocía a Vanilla Fudge bajo el nombre de Mark Stein & The Pigeons. Inspirados por The Vagrants, otra banda del cirtuito liderada por el guitarrista Leslie West, los Pigeons comenzaron a poner más énfasis en los arreglos de sus temas. Hasta el punto que a finales del año, reemplazaron a Brennan por otro baterista técnicamente más dotado Carmine Appice.

A principios de 1967 su mánager convenció al productor George Norton a llevarles en un "directo". Morton, impresionado por su dura versión de The Supremes You Keep Me Hangin' On, les ofreció grabar la canción en un single. Resultado del mismo, Atlantic Records bajo su sello Atco, le ofreció un contrato que requirió un cambio de nombre.

Iniciaron su nueva época con nuevo nombre con una gira para promocionar su disco homonimo Vanilla Fudge, ampliando gradualmente su número de fans.

En 1968, lideraron junto a Steve Miller Band el Fillmore West y tocaron You Keep Me Hangin' On en el Show de Ed Sullivan. Publicaron su segundo disco The Beat Goes On, que subió hasta el Top 20. Atco reeditó ese mismo año You Keep Me Hangin' On y en esta ocasión alcanzó el Top 10. Fue seguido por Renaissance, uno de los mejores discos de Vanilla Fudge, también en el Top 20. La banda lor presentó girando con Jimi Hendrix, abriendo también varios shows en la despedida de Cream, y a finales de año también teloneando a Led Zeppelin.

En 1969 la banda siguió de gira y publicó su primer álbum sin Monton: Near the Beginning, con tientes sinfónicos. Parte del grupo grabó un anuncio radiofónico con el guitarristas Jeff Beck y se fraguó la ideo de un super-trío al estilo de cream.

Harta de tanta gira, la banda decidió que el de 1969 sería su último tour. Tras la publicación de último disco Rock & Roll, Vanilla Fudge tocó unos pocos conciertos de despedida en EE. UU. y se disolvió en 1970. Bogert y Appice formaron primeramente el grupo Cactus, uniéndose posteriormente con Jeff Beck.

Se reunieron una vez más en 1984 para publicar el pobremente recibido álbum Mystery. Han girado alguna vez más juntos, siendo sustituído últimamente el teclista Mark Stein por Bill Pascali.

Pagina: http://www.vanillafudge.com/

Caballeros de La Quema

Caballeros de la Quema (también usado el artículo Los), es una banda de rock alternativo, oriunda de la ciudad de Morón, Provincia de Buenos Aires, Argentina, que se formó a mediados de 1990 y en 1991 publicó su primer trabajo, un cassette titulado: “Primavera negra”.

Historia

Se formaron en 1989 en Morón y pasan por diferentes cambios de formación durante los años siguientes. En 1991 editan en forma independiente su primera producción en cassette titulada "Primavera negra". En 1993 el sello Iguana Records (BMG) editó su primer cd titulado "Manos vacías". De allí saldrían clásicos como "Patri", "Carlito" (con video de Picky Tallarico), "Gusanos" y "Buenos Aires Esquina Vietman", entre otros. Fueron invitados por Joaquín Sabina a abrir su show en el estadio de Ferro ante más de 15 mil espectadores. Realizan shows en Rosario, Santa Fe y Córdoba, además de Buenos Aires y Capital federal durante ese año. Las encuestas de fin de año los encontraron en los primeros lugares como banda Revelación. En 1994 editaron su segunda placa titulada "Sangrando", con cortes como "Pejerrey" (video realizado por Andrés Fogwil), "Faisán", "Casi Nadie" y "Sangrándonos".

Fueron parte de la Gira Nuevo Rock Argentino de ese año que los llevó por Córdoba, Mendoza y Santa Fe como Los Brujos, Illya Kuryaki and the Valderramas, Babasonicos, Peligrisos Gorriones y 2 Minutos, entre otros. Fueron invitados a abrir el cierre de la gira mundial de Aerosmith en Córdoba y Buenos Aires, para más de 50 mil personas. En 1995 abrieron los shows de The Cult Slash's Snakepit en el estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires. Participaron de los compilados Fuck You que reunía versiones de la mítica banda argentina Sumo, recreando el clásico "Hola Frank". En 1996 editaron su tercera placa titulada "Perros, perros y perros" con temas como "No Chamuyes", "Celofán", "Hasta Estallar" (con la participación de León Gieco), "Que pasa en el barrio", "Cuatro copas" y "No hay", entre otros. Además, el álbum contiene el clásico de la banda Luces de bar en su version completa.

El primer corte "No chamuyes", fue acompañado por un video realizado por Raúl Perrone que consiguió la más alta rotación en los canales musicales de cable como MTV Latino y MuchMusic, además de rankear el tema entre los primeros puestos de FM Rock & Pop y Radio City (#1 durante dos semanas). Tras colmar la capacidad del lugar en la presentación oficial del álbum en Dr. Jekyll, compartieron escenario en festivales multitudinario con Attaque 77, A.N.I.M.A.L., Masacre y Las Pelotas. Participaron del Festival Alternativo en el Estadio Ferro antes más de 20.000 personas compartiendo escenario con Marilyn Manson, Illya Kuriaky and The Valderramas, y Los Fabulosos Cadillacs, entre otros.

Tras su habitual gira de verano por la costa atlántica, se presentaron el 13 de febrero de 1997 en el ciclo de Buenos Aires Vivo junto a León Gieco, en un festival al aire libre y gratuito al que asistieron más de 80.000 espectadores. En Marzo se presentaron por primera vez, en la ciudad austral Comodoro Rivadavia, ante más de 1.500 personas, en tanto que el 5 de abril en Dr. Jekyll presentaron su nuevo corte "Que pasa en el barrio", en un show muy especial con invitados como Ciro Pertusi (Attaque 77), Pedro Aznar y federico Gil Solá, colgando el cartel "No hay localidades" por primera vez. Tras una exitosa gira por Córdoba y participar del concierto por Walter Bulacio en Cemento, Los Caballeros presentaron en Agosto el segundo video de "Perros Perros y Perros" en Dr. Jekylll, agotando las entradas nuevamente. "Hasta estallar", realizado nuevamente por Rúal Perrone y rodado en el oeste del Gran Buenos Aires comienza a rotar en los canales musicales de cable en los primeros días de Septiembre.

En Septiembre Los Caballeros actuaron en Hurlingham, Rosario y Santa Fe, en tanto que para el mes de Octubre fueron invitados a participar en el "Festival 20 años de lucha ni un paso atrás" organizado por las madres de Plaza de Mayo, en el Estadio Ferrocarril Oeste antes más de 35.000 personas, en el que compartieron escenario junto a Divididos, La Renga, León Gieco, Los Piojos, Las Pelotas, Malón, Rata Blanca, Attaque 77 y A.N.I.M.A.L, entre otros. En Noviembre participan del "Festival por la identidad ", gratuito en la Plaza de Mayo junto a Las Pelotas y Los Visitantes, organizado por la Asociaciión Abuelas de Plaza de Mayo, para una audiencia de más de 50.000 personas. En Diciembre junto a Divididos, Luis Alberto Spinetta, Memphis la Blusera, Illya Kuriary and The Valderramas y Los Visitantes apoyan la huelga de hambre de los docentes con un festival en la Plaza de los dos Congresos ante 100.000 personas. Cierran el año en Dr. Jekyll de capital federal, colmando nuevamente la capidad del local.

A comienzo de 1998 se encierran en la sala de ensayo para trabajar en el nuevo disco, no saliendo de gira por la costa atlántica por primera vez en su carrera, en este proceso participa Afo Verde, colaborando con la pre-producción y los arreglos. En enero participan del ciclo Buenos Aires Vivo al aire libre junto a Las Pelotas, convocando más de 60.000 personas. En Marzo tocan en Cemento convocando casi 2.000 personas para el show despedida de "Perros Perros y Perros", el último en Buenos Aires antes de su partida a Los Angeles donde en Abril grabaron su cuarto álbum con producción de Gustavo Borner y donde además realizaron algunas presentaciones. El 24 de marzo se presentaron en la segunda edición del Festival "Ni un paso atrás" en la ciudad de Rosario a beneficio de las Madres de Plaza de Mayo, junto a León Gieco, La Renga, Molotov, Todos tus muertos y Los Fabulosos Cadillacs.

Con el disco ya terminado, Los Caballeros regresaron a los escenarios porteños el primer Sábado de Junio para convocar más de 2.500 personas en una verdadera fiesta de reencuentro con su público. El nuevo trabajo titulado "La paciencia de la araña" llegó a las batas a fines de Julio, precedido por el primer corte "Raja Rata" (#1 en FM Rock & Pop). EL Segundo corte "Malvenido", fue acompañado de un video con máxima rotación en los canales de cable (#2 en MTV). En Julio se presentan con singular éxito en Rosario y a principios de Agosto en Ramos Mejía. En septiembre presentaron oficialmente la placa con un sensacional show en el Microestadio de Parque Sarmiento ante más de 5000 personas. Coincidiendo con la salida de "Oxidado" como tercer corte, a fines de Octubre comenzaron una gira que los llevó por La Plata, Bahía Blanca y Ramos Mejía.

En Diciembre comenzaron en Quilmes una serie de festivales masivos junto a grupos como Los Fabulosos Cadillacs y Divididos que tendrá su momento cumbre en Febrero en Hurlingham (50.000 personas) y en el Buenos Aires Vivo III (alrededor de 100.000 personas). En el mes de Febrero, la salida de "Avanti Morocha", cuarto single promocional de "La Paciencia de la Araña", cambia la historia del grupo. Afines de ese mes alcanzan la marca de disco de oro (30.000 unidades). Un video realizado por Leatherface (los mismos de "Malvenido") rankea rápidamente entre los más pedidos de los canales de cable en tanto, la acción en la radio se mantiene en el primer puesto de difusión durante todo Marzo, convirtiéndolo en superhit. En el mes de Marzo se presentaron en las ciudades de Santa Rosa (La Pampa), San Juan y colmaron las instalaciones de la disco Flight City de Ramos Mejía.

Del mes de Abril al mes de Junio de 1999 se lleva a cabo la primer parte de La Paciencia de la Araña Tour ´99/00, que abarca las ciudades y las localidades de Mar del Plata (Provincia de Buenos Aires), Tandil (Provincia de Buenos Aires), Olavarría (Provincia de Buenos Aires), Paraná (Provincia de Entre Ríos), Trelew (Provincia de Chubut), Comodoro Rivadavia (Provincia de Chubut), Caleta Olivia (Provincia de Chubut), ciudad de |Mendoza, Tupungato (Provincia de Mendoza), Santa Rosa (Provincia de La Pampa), Carmen de Areco (Provincia de Buenos Aires), Córboba Capital (junto a Divididos, Kapanga y Alma Fuerte) en el estadio Cordoba, Rafaela (Provincia de Santa Fe) y ciudad de Rosario. En este primer tramo de la gira más de 30.000 personas vieron en vivo a Los Caballeros de la Quema.

De regreso, en Buenos Aires, el 12 de Junio se presentan en el Estadio Obras Sanitarias, ante más de 5.500 personas en un show que recorrió temas de sus cinco discos y que se convertiría en el cd doble "Caballeros de la Quema / en vivo en Obras". El cd contiene el show completo, respetando el repertorio original del concierto. Con el tema "Oxidado" como corte de difusión, el disco agotó rápidamente sus 20.000 unidades numeradas. Paralelamente a sus giras los Caballeros participan en dos trabajos discográficos : el cd "Tributo a Sandro", en donde versionan el tema "Rosa Rosa" y en la banda de sonido de la primer película argentina de animación computada, "Condor Crux". En el mismo se incluye: "Yo voy a ser tu cruz", tema compuesto especialmente para esta banda sonora. En Julio los Caballeros retoman la gira en su tramo dos, que abarca las ciudades de Luján (provincia de Bs As), Esperanza (provincia de Santa Fe), Brandsen (provincia de Buenos Aires), Concordia (provincia de Entre Ríos), San Salvador de Jujuy (provincia de Jujuy), San Miguel de Tucumán (provincia de Tucumán), San Justo (provincia de Santa Fe), San Carlos de Bariloche (provincia de Río Negro), Oberá (provincia de Misiones), Neuquén (provincia de Neuquén ), Salta (provincia de Salta), La Plata (provincia de Buenos Aires), Monte Hermoso (provincia de Buenos Aires), Guatraché (provincia de La Pampa).

En este segundo tramo más de 40.000 personas vieron La Paciencia de la Araña Tour '99/00. De regreso, en Buenos Aires, en noviembre los Caballeros dan un show en el Teatro Opera, soul out, que convirtieron al resinto en una verdadera caldera. Despiden el año con un show en el oeste del gran Buenos Aires, dando por finalizadas las presentaciones. En Enero de 2000 comienza la pre-producción de su quinto álbum de estudio, sucesor del doble platino, 120.000 copias, La Paciencia de la Araña, en los estudios Del Cielito ubicados en Castelar, provincia de Buenas de Aires, contando nuevamente con la presencia de Afo Verde, productor artístico del mismo. En el mes de Febrero realizan una mini gira por la Costa Atlántica, Mar del Plata, Villa Gesell y Pinamar en multitudinarios shows gratuitos y al aire libre. A principio del mes de Abril Los Caballeros viajaron a la ciudad de Los Angeles, Estados Unidos, para grabar, mezclar y masterizar su nuevo disco, Fulanos de nadie, bajo la dirección artística de Afo Verde, con Gustavo Borner en los controles. El nuevo álbum cuenta con la destacada participación de Pedro Aznar en los arreglos corales, Nestor Marconi en Bandoneon, Harry kim en trompeta, Art Velazco en Trombón, Luis Conte en percusion, Portia Griffin y Jessica Williams en coros. John Acosta en cello, Darrin McCam en viola y Novi Novog en viola en Otro jueves cobarde (compuesto por Ivan Noble y Joaquin Sabina).

Fulanos de nadie ve la luz en la tercer semana de Agosto, siendo el Funk Romulo y Remo el primer corte del disco. La salida es acompañada del video del mismo, filmado en 16mm por la productora Negro films. En el video participan, entre otros Leon Gieco, Cacho Castaña, Fabian Gianola y Anabel Cherubito. La presentación oficial de Fulanos de nadie, el 7 de octubre de 2000 en el Estadio Obras, capital federal, fue el reencuentro de Caballeros con su público porteño. Público que colmó, como el año anterior, las instalaciones del mítico estadio de la avenida Libertador. Los caballeros salieron a escena enfundados en Trajes, como en la tapa de Fulanos... y a lo largo de más de 2 horas y media de concierto, presentaron su flamante disco, y recorrieron algunos de los temas de sus anteriores discos, recibidos con el fervor entusiasta de los fans. En esta oportunidad, se sumaron músicos como, Fabian Veglio en Trompeta, Pablo Fortuna en Saxo alto, Marcelo Garófalo en Saxo tenor, Daniel Buira en Percusión, Carlos Corrales en Bandoneón, Celsa Mec Gowland, Lorena Álvarez y Constanza Manigot en Coros y Mora Godoy junto a Juan Manuel, bailando tango en Fulanos de nadie. Para mediados del mes de octubre y hasta diciembre, Los Caballeros encaran la primer etapa de su gira nacional de presentación de su nuevo álbum. El 1 de diciembre se presentan en la Av. 9 de julio y Diagonal sur, con motivo del Día Mundial de la Lucha contra el SIDA Ante más de 10000 personas junto a Virus (banda argentina). Entre show y show, cortan Sapo de Otro pozo, segundo corte de Fulanos de Nadie. Nuevamente el video del tema está a cargo de la productora Negro Films. El mismo es rodado en Ciudad Jardín, El Palomar (Buenos Aires), en exteriores y en el Bar Graff Zeppelin donde, los Caballeros solían reunirse a tocar, hace algunos años, covers y reversiones de temas para sus amigos. El mismo cuenta con la participación de Valeria Giampaolini y Esteban Prol. El tema y el video, de alta rotación en radios y cadenas de música, logra convertirse en un verdadero suceso en el público, que lo canta completo en los recitales. En el mes de noviembre se presentan, por primera vez, en Rio Grande y Ushuaia junto a Ratones Paranoicos y Kapanga, en dos shows multitudinarios. El segundo tramo de la gira comienza en las playas de Mar del Plata, con la tradicional presentación para la Rock & pop beach, con récord absoluto de público en el parador Tamarindo. Ese verano, Mar del Plata recibiría tres veces la visita de los Caballeros. A la ya mencionada en enero, se sumarían dos en Febrero, en la explanada del Casino, ante más de 4000 personas y en la Megadisco GO!, 2000 espectadores. Luego la gira veraniega llegaría al Teatro de Pinamar. En todos, el público bailó y cantó los temas de Fulanos... y pidió los clásicos de todos los discos. Carlito, Patri, Oxidado, Avanti Morocha y Hasta estallar, no faltaron del repertorio en ningún show. En el marco del ciclo Argentina Vivo 2, se presentan, en el mismo mes y por primera vez, en la Prov. de Corrientes. En un show con un asistencia estimada en más de 6000 personas, los Caballeros despliegan ante un público entusiasta, Fulanos... y los éxitos de sus anteriores discos. En marzo, continúan girando, esta vez en las ciudades de Galvez, Prov. Santa Fe, San Juan, el Club Sportivo Desamparados, ante 3500 personas. En el mes de Abril, en un parate de la gira filman, nuevamente con la productor Negro Films, lo que será el tercer corte. El video de Fulanos de Nadie es rodado en interiores con un tono netamente pictórico. El blanco y negro de las imágenes se entremezclan con la melodía del bandoneón, creando el clima que la banda buscaba para el tema. Para el casting, se presentó un concurso por la cadena Much Music, al que se presentaron más de 800 personas. Aprovechando su estadía en casa, los Caballeros realizan en el Teatro Showcenter de Haedo, un show a sala repleta, que los reencuentra con el público del oeste. Durante el mes de mayo se presentan en Bahía Blanca y en Pedro Luro, Prov. de Buenos Aires, en el Gran Buenos Aires, en el Teatro Español de Lomas de Zamora y en el Gran Rivadavia, Flores y en la prov. de Santa Fe, en las localidades de Tostado y Granadero Baigorria. De regreso a Buenos Aires, se presentan, nuevamente en el teatro Showcenter de Haedo, donde filman el vídeo del 4 corte de Fulanos de Nadie, Basta para mi. Con otro sold out, los Caballeros se reeencuentran con su público del oeste, en una noche muy fría, pero para recordar. A fines de Junio se presentan en la ciudad de La Plata, para cerrar la segunda etapa de la gira. El mes de Julio los lleva por las ciudades de Labulaye y Bell Ville, Córdoba. Y en dos presentaciones en Córdoba capital y en Baradero, Provincia de Buenos Aires, donde se presentan ante más de 2000 personas, después de 4 años. El 1 de agosto, Ariel Caldara, tecladista de la banda desde el año 1996, muere en su domicilio, a causa de lo que se conoce como Muerte súbita. La banda, que tenía pautado para el 11 de agosto, una presentación en El Teatro, del barrio porteño de Colegiales, cancela todo tipo de promoción y notas para dicho show y decide realizar la misma en honor al miembro fallecido. La presentación comienza con el telón cerrado, la banda en silencio delante de su público y palabras de Ivan Noble agradeciendo al apoyo del público en este momento tan duro y difícil. El recital, cargado de emoción y dolor fue, sin lugar a dudas, el más duro de la carrera de la banda. En el comienzo de 2002, los Caballeros anunciaron escuetamente a través de un texto en su sitio web, que habían decidido separarse. El casamiento de Iván Noble con Julieta Ortega (hija del cantante y político Palito Ortega) había sido determinante.

Fomacion:

Alejandro Sorraires: saxo
Iván Noble: voz
Javier "Nene" Cavo: batería
Martín Carro Vila: bajo
Martín Mendez: guitarra
Martín "Cafusa" Staffolari: saxo
Pablo Guerra: guitarra

Pagina: http://www.caballerosdelaquema.com.ar/

Nacho Vegas

Nacho Vegas (Ignacio González Vegas) (Gijón, 9 de diciembre de 1974) es un cantautor español que estilísticamente oscila entre la música folk, el pop y el rock. Suele cantar en solitario o con el grupo Las Esferas Invisibles.

Carrera musical

Nacho Vegas participó de pleno en la primera hornada de la edad del indie español, de la mano de Eliminator Jr., banda local de influencias noise donde empezó a tocar a principios de los años 90. También fue miembro fundador de Manta Ray, formación que alcanzó reputación internacional a nivel de crítica gracias a un personal sonido y a su sólida puesta en escena.

A finales de la década de los noventa, Vegas abandonó el grupo para desarrollar una carrera en solitario que, por el momento, ha dado lugar a tres álbumes bajo su sello y multitud de cortes repartidos en recopilatorios, split-singles, mini-CD’s e incluso bandas sonoras como Verdá o consecuencia para la televisión asturiana. El proyecto Diariu, donde unió sus partituras a los versos del poeta Ramón Luis Bande, y el EP compartido con Aroah Seis canciones desde el Norte, precedieron la aparición de su primer LP en solitario, Actos inexplicables (2001). El disco logró colocarse entre lo más destacado del año para la prensa especializada (por ejemplo: Mejor disco nacional para la prestigiosa revista Rockdelux), e incluso consiguió distribución internacional a escala independiente.

Después llegarían en 2002 el EP Miedo al zumbido de los mosquitos con 3 cortes inéditos, anticipo a los 20 temas del doble CD Cajas de música difíciles de parar publicado en 2003, con los que acabó por consolidar la figura de maldito que tanto le incomoda y le acompaña desde sus inicios (de la que él mismo se jactaba en el ya nombrado EP de 2002 con la frase "4 nuevas dramáticas canciones de Nacho Vegas") y de la que parece estar consiguiendo desprenderse con el paso del tiempo. Ese mismo año y siguiendo con su acelerado ritmo creativo publicaría de nuevo otro extenso EP titulado Canciones desde palacio.

Los últimos trabajos bajo su nombre han sido: en 2005 el single El hombre que casi conoció a Michi Panero (con 3 temas inéditos) con el que rodó el segundo videoclip de su carrera, el LP Desaparezca aquí (frase recurrente de uno de sus escritores preferidos Bret Easton Ellis), y el EP en vinilo Esto no es una salida (al que acompañaban el texto de un relato inédito hasta la fecha y el mismo audio en formato CD); en 2006 el doble CD El tiempo de las cerezas, disco que comparte con el aragonés Enrique Bunbury ex cantante de Héroes del Silencio y que le llevó a pisar por primera vez tierras aztecas, y en 2007 el mini-CD Verano fatal con el que vuelve a compartir protagonismo con una figura conocida por el mainstream, concretamente Christina Rosenvinge.

Actualmente se encuentra de gira con Lucas 15 que publicaron disco homónimo este mismo 2008. El grupo está formado por varios músicos asturianos de gran nivel, entre los que destacan el propio Nacho Vegas que canta 9 de los 11 temas del álbum, y sobre todo Xel Pereda, músico proveniente del folk y principal artífice de éste proyecto de adaptación del cancionero popular asturiano en clave de rock, y del que últimamente Nacho no ha prescindido en ninguno de sus proyectos, ni siquiera en los compartidos donde la banda resultante ha resultado ser principalmente una mixtura de músicos de sus correspondientes figuras mediáticas y creativas.

En otoño de 2008 Nacho Vegas publicará su nuevo trabajo en solitario, llamado El manifiesto desastre, según palabras del asturiano lo grabará entre julio y agosto y si todo va bien lo tendremos para esa fecha. Aún se desconoce el tracklist, aunque rumores apuntan al menos a que grabará Rambal, la canción que había detrás de Hablando de Marlén.

Estilo e influencias

Como cantautor, se reconocen en Nacho Vegas las influencias de Will Oldham, Nick Cave, Leonard Cohen, Nick Drake, Bob Dylan y Tom Waits entre otros. Explora las maneras intimistas de cantautor en su música, intensa pero huidiza; las letras suelen parapetarse en un marco onírico, excepto cuando recurre a textos de otros.

Musicalmente muestra inquietudes creativas poco ortodoxas. Al aspecto rockero, incorpora matices minimalistas, que pueden aproximarse tanto a la obra de Pascal Comelade como a los arreglos de Mastretta. La música de Vegas también recuerda a figuras del indie español como Fernando Alfaro –Chucho- e incluso por momentos, los más ruidistas, a Los Planetas. Además, las conexiones formales con Migala se plasman en colaboraciones mutuas, que recrean sonoridades comunes pero bien ajustadas a cada peculiaridad compositiva.

Pagina: http://www.myspace.com/nachovegasfanmexico

Liquid Tension Experiment

Liquid Tension Experiment (abreviado y también conocido como LTE) es un supergrupo de rock progresivo de Estados Unidos que se concibió a finales de 1996, cuando Mike Portnoy (baterista de Dream Theater), recibió una petición de su discográfica, Magna Carta, para formar una banda compuesta por grandes talentos del rock progresivo. Para llevar a cabo este proyecto Portnoy fue interrogado con respecto a con qué músicos había querido grabar siempre, y tras algunas negociaciones se concretó quienes serían los componentes del grupo:

- Tony Levin: Experimentado bajista, icono del rock progresivo, integrante de King Crimson y que ha colaborado junto a artistas como Peter Gabriel. En algunos temas de la banda, como por ejemplo "Osmosis", demuestra su talento con un instrumento de alta complejidad como lo es el Chapman Stick.
- John Petrucci: Reconocido guitarrista compañero de Mike Portnoy en Dream Theater. Ha compartido la tarima con Joe Satriani y Steve Vai en la extravanganza guitarrística G3.
- Jordan Rudess: Actual teclista de Dream Theater, compositor y productor. Antes tocó con Steve Morse, Vinnie Moore, Dixie Dregs y el baterista Rod Morgenstein.
- Mike Portnoy: Baterista, componente del grupo Dream Theater, O.S.I. y Transatlantic. Galardonado cada año desde 1995 hasta el 2006 como el mejor baterista de rock progresivo por la revista Modern Drummer.

Para el momento en que se creó Liquid Tension Experiment, Rudess aún no formaba parte de Dream Theater. A pesar de que algunos formulan la teoría de que fue invitado a unirse a causa del éxito de Liquid Tension Experiment, es sabido que él ya había rechazado una oferta para integrarse en 1994, ocasión en la que se volvió miembro de Dixie Dregs en vez de Dream Theater.

La música que realiza la banda es enteramente instrumental, y puede enmarcarse dentro del metal progresivo.

Liquid Tension Experiment lanzó dos álbumes, Liquid Tension Experiment (1998) y Liquid Tension Experiment 2 (1999) a través de Magna Carta. 'También hicieron algunos espectáculos en directo en New York, Filadelfia y Los Angeles. Mike Portnoy ha declarado en numerosas entrevistas (y en el FAQ de su sitio web) que no habrá un tercer álbum de LTE, pues tres cuartos de la banda ahora están en la alineación de Dream Theater. Sin embargo, varias canciones y riffs han sido incorporados en las presentaciones en directo de Dream Theater, como por ejemplo el medley instrumental de Live at Budokan.

En el año 2007 se edita un nuevo disco bajo el nombre de "Liquid Trio Experiment", conformado por antiguas grabaciones que Mike Portnoy tenía guardadas. Todas las melodías son sesiones de improvisación realizadas durante la grabación de "Liquid Tension Experiment 2" en la ausencia de Petrucci que estaba pendiente del nacimiento de su hija. El nombre "Liquid Trio Experiment", que sigue manteniendo las siglas LTE, se debe precisamente a la ausencia del guitarrista.

Pagina: http://www.yesiknow.com/lte/

Gal Costa

Gal Costa es el nombre artístico de Maria das Graças Costa Penna Burgos (Salvador, BA, 26 de septiembre de 1945), una de las más importantes cantantes brasileñas. Entre los temas más representativos de su carrera se encuentran "Baby", "Vapor Barato" y "Meu Nome é Gal".

Cronología

- 1964 - Deja su casa para vivir donde su prima Nívea, en Río de Janeiro. Después toma un apartamento en Sá Ferreira, antes de juntarse con amigos en el Solar da Fossa, donde también viven Caetano Veloso y Paulinho da Viola.
- 1965 - Graba su primer disco con la cantante María Bethania: dúo "Sol negro", seguido de su primer disco compacto, con "Eu vim da Bahía" de Gil y "Sim, foi você" de Caetano Veloso.
- 1965 - Al final de este año conoce a João Gilberto
- 1966 - Participa en el primer Festival Internacional de la canción, interpretando "Minha senhora", de Gilberto Gil y Torquato Neto
- 1986 - Vuelve a la escena musical, con sus dos grandes éxitos (que también grabó en español y que interpretaron otros artistas como Pedro Fernandez y Mocedades) como "Lluvia de Plata" y "Un día de domingo".

Obra musical

Dueña de una voz suave y aguda, Gal Costa tiene un variado repertorio, en general de canciones románticas, que la colocan entre las más grandes cantantes brasileñas. A más de 35 años del comienzo de su carrera, posee una larguísima lista de trabajos propios, además de diversas participaciones en discos de otros artistas. Ha interpretado canciones de distintos géneros musicales, desde samba hasta baião. Destacada por su versatilildad, su voz posee una afinación impar.

Pagina: http://www.galcosta.com.br/

Michael McDonald

Michael McDonald nació el 12 de febrero de 1952 en St. Louis, Missouri. Es un cantante de R&By soul.

McDonald tocó en multiples bandas (como Mike and the Majestics, Jerry Jay and the Sheratons, the Reebtoors y The Guild) en su pueblo natal Ferguson, Missouri, un suburbio de St. Louis. Fue descubierto cuando hacía parte de un grupo llamado Blue y en consecuencia se mudó a Los Angeles en 1970. Inicialmente fue conocido como miembro ocasional de Steely Dan, poniendo la voz en Katy Lied y en subsiguientes albums como The Royal Scam y Aja.

McDonald se unió a los The Doobie Brothers en Abril de 1975 cuando su voz líder Tom Johnston enfermó durante una gira nacional. Como miembro de los Doobies, grabó canciones como "Takin' It To The Streets," "Little Darling," "It Keeps You Runnin'" (usada en la película Forrest Gump), "Minute by Minute" y "What a Fool Believes" (que llegó al número uno en Estados Unidos y por la cual ganó un premio Grammy en 1980 en la categoría de canción del año).

Despues de la separación de los Doobies, McDonald continuó su carrera en solitario con éxitos como:

- "I Keep Forgettin'", un duo con su hermana Maureen, despues usado en 1994 por Warren G y en 2005 por Papoose.
- "Sweet Freedom", csnción de la película de 1986 llamada Running Scared
- "Take It To Heart"
- "Yah Mo B There", a duo con James Ingram con la cual ganó el Grammy en 1985
- "On My Own", con Patti Labelle. llegó al número 1 en listas de Estados Unidos en 1986

McDonald ha producido y ha aparecido en grabaciones de otros artistas como su esposa Amy Holland, Christopher Cross y Bonnie Raitt. McDonald es el co-fundador del sello independiente Ramp Records junto a Chris Pelonis y el actor Jeff Bridges. En la actualidad se ha centrado en albums de tributo al sonido Motown.

En 2003 McDonald recibió una estrella en el Paseo de la Fama de St. Louis.

Pagina: http://michaelmcdonald.com/

Janiva Magness

Ganadora del Blues Music Award a la “Mejor interprete femenina de Blues contemporáneo” en 2006 y 2007 (categoría en la que ya fue nominada en 2004 y 2005), aclamada por crítica y público, elogiada por compañeros de gremio y con su último disco “Do I Move You?” siendo el más radiado por las emisoras especializadas de 2006 segun la revista “Living Blues”, está claro que Janiva Magness es un valor que cotiza al alza, gracias a su principal activo: su voz.
Y es que la voz de Janiva, impacta por la cantidad de matices que atesora y especialmente, por cierto deje “canalla” que aporta una sensualidad apenas disimulada pero magistralmente contenida, que dota al conjunto de una fuerza y emotividad, rebosantes de elegancia. Una voz seductora y sugerente si…pero también descarnada, conmovedora o exultante, según el tema lo requiera. En palabras de Charlie Musselwhite “siempre me impresiona porque es capaz de desenvolverse con soltura en cualquier estilo, eligiendo cada nota y cantándola exactamente en cada momento, de forma perfecta”. Y si Charlie lo dice…yo solo puedo añadir que escuchar a la Magness, suele dejarme más suave que el guante que se quitó Gilda.

Sin embargo, Janiva Magness no es ninguna recién llegada a este negocio. Su carrera profesional abarca más de dos décadas y es toda una veterana en el área de L.A. Pero sobre todo, es un ejemplo de mujer luchadora que supo sobreponerse a las zancadillas del destino y que encontró en el Blues, su tabla de salvación. De su historia proviene su fuerza…y de su fuerza, su arte.
Nacida a finales de la década de los 50 en Detroit en el seno de la típica familia americana de clase media, fue educada junto a sus 4 hermanos en los conservadores valores tradicionales de la época, poco propensos a que se hablara de ciertas cosas. La música no obstante, fue algo con lo que convivió desde siempre, ya que sus padres eran grandes aficionados (de hecho, ambos se conocieron cuando el grupo vocal amateur en el que cantaba él, visitó el estudio radiofónico en el que trabajaba ella) e inconscientemente fue absorbiendo el Country & Western que constituía el grueso de la discoteca paterna, además del Rock & Roll y del Rythm & Blues que emitían las emisoras de la zona. Sin embargo, su “encontronazo” con el Blues no se produjo hasta más adelante y se dió en circunstancias totalmente diferentes.Una noche, pocos días después de cumplir 13 años, su madre decidió acabar con su vida tomando una buena dosis de somníferos y echándose a dormir en el garaje, junto al tubo de escape de un motor en marcha. Ella culpó a su padre de lo sucedido y este, consumido por el dolor y los remordimientos, se desentendió de todo. Sus hermanos mayores fueron marchándose de casa uno a uno y sólo quedó el pequeño, que con tan sólo 5 años, apenas comprendía. “Comencé a consumir alcohol y drogas justo entonces” cuenta Janiva en una reciente entrevista “cuando estaba borracha o colocada, esa desagradable sensación que me atormentaba, parecía desaparecer, al menos temporalmente”.
Unos meses después escapa de casa intentando huir de aquel desastre; le acompaña un novio suyo de entonces, que se dedica al trapicheo a pequeña escala. Durante los siguientes 6 meses andarán de acá para allá, malviviendo en las calles la mayor parte del tiempo. Un día de aquellos, encontrándose en las cercanías de Minneapolis, Janiva decide hacer autostop hasta la ciudad. Esa noche actúa allí un bluesman al que apenas conoce, pero algo le impulsa a asistir al concierto. Cuando llega al garito en cuestión, los 2 $ que paga le permiten franquear la puerta, a pesar de sus 14 años. Lo que allí encuentra, es mucho más de lo que espera: “La música me hizo sentir cosas que nunca antes había sentido (…) Me hizo descubrir partes de mi cuerpo que desconocía y sentí que respiraba oxigeno, por primera vez en mucho tiempo”. El autor del milagro, no es otro que Otis Rush. Desde ese momento, cantar su Blues es de las pocas cosas agradables que Janiva puede hacer en la vida…porque la situación todavía ha de empeorar.
Tras un intento fallido de reconciliación con su padre (la mujer con la que este convive, la pone de patitas en la calle “por ser una mala influencia para sus hijos”), pasa por una docena de hogares de acogida y tres instituciones psiquiátricas en dos años, en los que intenta suicidarse más de una vez: “Creía que era la única forma de que todo el dolor, la rabia y la tristeza que sentía, desaparecieran para siempre”.
Tres años después del suicidio de su madre, su padre sigue el mismo camino. Ella recibe la noticia casi al mismo tiempo que descubre su embarazo y esto acaba por desquiciarla. Tras dos nuevos intentos de suidicio, el Estado se hace cargo de ella y la ingresa en un centro de menores. Ha tocado fondo y eso tiene algo bueno: más bajo no puede caer.
Del centro de menores pasa a un nuevo hogar de acogida, donde esta vez convive con una mujer divorciada y sus 5 hijos. Allí, por fin encontrará el cariño y apoyo que tanto necesita: “Se convirtió en mi mentora y salvación. Fue mi consejera para que abandonara las drogas y el alcohol, al tiempo que me ayudó a convertirme en una persona adulta y me enseñó a tener sueños de nuevo. Con su amor y su ayuda, finalmente comprendí que no tenía por qué seguir el camino de mis padres”. La nueva Janiva, sobria y decidida a superar la adversidad, logra que se la declare “menor emancipada bajo supervisión” y alquila un apartamento que paga con lo que gana limpiando casas y oficinas. Pero al nacer su hija, la situación se hace insostenible y se ve obligada a dejarla en adopción cuando esta tiene 4 meses. Este duro golpe la sume nuevamente en la depresión…pero esta vez se mantiene serena y lucha para superar la adversidad. Un par de años después, ya cumplidos los 18, su situación es lo suficientemente estable como para que al fin se plantee perseguir uno de sus sueños: trabajar en algo relacionado con la música. Así que se matricula en un curso de técnicos de sonido y al poco tiempo, está realizando prácticas en un estudio de Saint Paul, Minnesotta. Una noche en que trabaja en unas demos de R&B, recibe la llamada de uno de sus jefes: “Te necesitamos para unos coros…ven aqui inmediatamente o no te molestes en volver mañana” . Está aterrorizada pero la orden no deja lugar a la duda, así que obedece y graba los coros como mejor sabe. El resultado es plenamente satisfactorio y Janiva al escucharse, comienza a creer en sus posibilidades.

De audición en audición y de garito en garito, empieza a conseguir algunas actuaciones en el triángulo Detroit-Chicago-Minneapolis. En su afán de impregnarse del Blues y R&B, se queda enganchada con Albert Collins y Johnny Copeland. Descubre a Elmore James, Koko Taylor, Etta James, Sugar Pie DeSanto, JB Lenoir…Cada vez con más frecuencia, participa como vocalista de apoyo y hace coros en diversas grabaciones de R&B y Funk, colaborando incluso con miembros del macrogrupo Sounds of Blackness.
Confiada en sus posibilidades, decide marchar a Arizona a comienzos de los 80 y se instala en Phoenix, donde conoce a Bob Tate (quien había trabajado con Sam Cooke) que se convierte en su manager y forma un grupo denominado “Janiva Magness & the Mojomatics”, aunque pronto se les conocerá como “The Town´s Best Blues Band”. En este conjunto gana aplomo y adquiere “tablas” suficientes para dar el gran salto. En 1986 se traslada a Los Angeles y entra en contacto con la bulliciosa escena local. Poco a poco se va haciendo un nombre en los clubes de la zona, actuando en formato de dúo/trío acústico. Esto le llevará, a principios de los 90, a conocer al que será su marido, el compositor y multi-instrumentista Jeff “Big Daddy” Turmes, así como a otros músicos del gremio como Junior Watson, Kid Ramos, Enrico Crivellaro, Red Young y un largo etcétera, con los que habitualmente colaborará a partir de entonces. Y como no podía ser de otra manera, frecuentar estas compañías la lleva por fin a iniciar una carrera discográfica. Ya en 1995 aparece en el disco de Kid Ramos, “Two Hands & One Heart”, cantando dos temas donde demuestra su poderío y hace empalidecer al otro vocalista del disco, Lynwood Slim.
De su primer trabajo, editado en 1997 por el pequeño sello “Fat Head” y titulado “It Takes One To Know One”, poco se puede decir, salvo que es difícil de conseguir si no es pagando un “precio de coleccionista” que las reseñas consultadas desaconsejan abonar. Publicado como Janiva Magness & Jeff Turmes, contiene 13 originales de este, en los que Janiva canta 9 temas. R&B ligero, canciones pegadizas cercanas al pop, acercamientos al Folk y poco Blues, conforman un disco en el que apenas brillan colaboradores de la talla de Jr. Watson y Kid Ramos. Sin embargo, el disco sirve para demostrar una cosa: ella brilla más, cuanto más cerca del Blues se mueva el tema.
Y esto se nota en su segundo disco, “My bad luck soul”, editado por “Blues Leaf” ya como The Janiva Magness Band . Además de algún original de Turmes cantado por él mismo, se atacan versiones de BB King, JB Lenoir, Memphis Minnie, Sugar Pie DeSanto e incluso Billie Holliday, con un tratamiento mucho más Blues al estilo West Coast, prácticamente Jump en algun caso y cercano al Jazz vocal femenino en ocasiones (Billie´s Blues). En este contexto, destacan las intervenciones guitarrísticas de Enrico Crivellaro y Kid Ramos (en tres temas), el trabajo pianístico de Karen Hammack y sobre todo Red Young y los toques de saxo del propio Jeff Turmes, que también se encarga del bajo y guitarra (en tres temas). Este trabajo, visto con la perspectiva que dan sus discos posteriores, demuestra que Janiva se desenvuelve como pez en el agua en estos palos, aunque todavía no alcance las cotas de intensidad que estan por venir con sus siguientes dos discos, también para “Blues Leaf”.
“Blues Ain´t Pretty” (2001) profundiza aún más en su vena bluesera, lo que le permite desplegar su amplia batería de recursos para llevarnos justo ahí donde ella quiere llevarnos y nosotros, gustosos, nos dejamos llevar. Tres originales de Jeff Turmes, incluidas las excelentes “Makin´money” y “The more I keep on loosin´”, más una serie de covers de Ruth Brown, James Brown, Brook Benton, Percy Myfield & Ray Charles, entre las que destaca la desgarradora “St. Gabriel”, un Blues original de Marcia Ball, inspirado en la única prisión de alta seguridad para mujeres de Louisiana y en el que Janiva canta con una intensidad abrumadora, remarcada por unas intervenciones guitarrísticas que erizan el vello de la nuca. Sin embargo, y es apreciación personal, este es un disco que rebosa optimismo y vitalidad gracias a temas como “Act Right”, “I´m gonna play the Honky Tonks”, “Tell me what I did wrong”, “Heartbreaker”… Y de la banda, pues qué decir: Kirk Fletcher sobresaliente al igual que Kid Ramos con las guitarras, soberbio Red Young tanto al piano como al Hammond, Jeff Turmes haciendo doblete con el bajo y los saxos, ayudado en este capítulo por Steve Marsh y finalmente, David Kida a la batería, como tiene que estar un batería.
“Use what you got” (2003) supone una continuación por ese camino. Nuevamente una combinación de temas compuestos por Turmes y versiones, en esta ocasión de Memphis Slim, Rufus Thomas, Don Robey, Johnny Guitar Watson, Ike Turner, Magic Sam, etc. West Coast Blues, si acaso algo escorado hacia el R&B (gracias a los saxos del omnipresente “Big Daddy” Turmes y David Woodford), e incursiones en el sonido del West Side de Chicago (“That´s why I´m cryin´”), los aires de Louisiana (“I´m not ashamed”, “Who will the next fool be” ), el jazz vocal de Billie Holliday (“Stormy Blues”) y el estilo de Albert King (“Don´t Start Crying now”). La inclusión de Zach Zunis como único guitarrista, no nos hace echar de menos a los T-Birds Ramos y Fletcher, ya que nos ofrece momentos de gran altura, sobre todo cuando se inspira en Magic Sam, Guitar Slim y Albert King. Sin embargo, no podemos decir lo mismo del sustituto de Young a las teclas, Andy Kaulkin, que pasa algo más desapercibido. David Kida, a lo suyo.
A principios de 2004, Janiva trabaja en la pre-producción de un nuevo disco con su banda habitual, pero una llamada del guitarrista y productor canadiense Colin Linden, le hace desechar esta idea. Lo que este le propone, es algo radicalmente diferente a lo hecho por ella hasta la fecha: un disco de Blues tradicional y profundo, simple y directo, con una fuerte inspiración en el Country Blues sureño y en el primer Blues eléctrico de Chicago. Cuando sugiere algunos títulos (oscuros covers de JB Lenoir, Rev. Robert Wilkins, Oliver Sain, Delbert McClinton, Sam Cooke, Magic Sam) y el tratamiento que piensa darles, la Magness acepta de inmediato . Así nace “Bury him at the Crossroads” (NorthernBlues-2004) su disco más personal y sincero, donde demuestra haber alcanzado un punto culminante de madurez, que le permite enfrentarse abiertamente y por primera vez, a los demonios de su pasado, mientras la banda (Jeff Turmes-bajo, guitarra, banjo, saxo; Colin Linden-guitarras,coros; Richard Bell-piano, Hammond b-3 ; Stephen Hodges-batería y percusión), extraordinaria en todo momento, crea un ambiente opresivo, casi minimalista, que transmite una tristeza, desasosiego y por momentos desesperanza, que nos enrojece los ojos, nos amarga la boca y nos deja el vientre arañado por los guijarros, de tanto que nos arrastra.
El resultado satisface plenamente a todos los implicados en el proyecto, que deciden dar continuidad a su colaboración con un nuevo disco para NorthernBlues, co-producido nuevamente por Linden y la propia Magness y con el mismo plantel de músicos, a los que se suman la guitarra de Rick Holstrom y el teclado de John Whynot. Por así decirlo, este trabajo “Do I move you?”(2006) se situa en un punto intermedio entre “Bury him…” y sus discos anteriores, con una mayor orientación hacia el Soul (“I´m just a prisioner”, “I want you to everything”), que se hace patente con su escalofriante interpretación de la balada de Delbert McClinton “You were never mine”, aunque sin perder el acercamiento a las raíces logrado con su Cd anterior (“Don´t let your memories”, “Stealin Sugar”) ni olvidar el R&B (“Workin´on me”, “I give up”) y el Blues intenso y cargado de humo (“Do I move you?”). Para cerrar el disco y de propina, un tema cercano al Rock sureño (“A man since job”). El disco es acogido calurosamente por la crítica y resulta nominado en las categorías “Mejor Album de Blues Contemporáneo” y “Mejor Album de Blues” de la última edición de los Blues Music Awards que otorga la Blues Foundation.
La versatilidad de esta excepcional cantante, la evolución mostrada en su corta pero jugosa discografía y las buenas relaciones que mantiene con los músicos punteros del género, nos hacen augurar un gran futuro, en el que el Blues promete seguir estando muy presente. En lo personal, Janiva confiesa ser más feliz de lo que jamás creyo posible. Mantiene una buena relación con su hija (con la que se reencontró cuando esta tenía 16 años) y disfruta viendo crecer a su nieto de 5 años. Los premios y halagos la satisfacen, desde luego…pero reconoce que su éxito reside en que puede dedicarse por entero a la música que le devolvió una esperanza que le fue negada durante mucho tiempo. Y eso se nota, en muchos aspectos.
De su fuerza interpretativa en directo, de la que hay muchas y buenas referencias, podremos disfrutar en breve en el II Hondarribia Blues Festival. Yo desde luego, no pienso perdérmelo.

Pagina: http://www.janivamagness.com/

John Lennon

John Ono Lennon (Liverpool, Reino Unido, 9 de octubre de 1940 - † Nueva York, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1980), con nombre de nacimiento John Winston Lennon, más conocido como John Lennon, fue un músico y compositor británico de música pop y rock. Líder formador del grupo The Beatles, en el cual tocaba la guitarra rítmica y cantaba y para el que compuso la mayor parte del material junto a su compañero Paul McCartney, compuso algunas de las melodías más conocidas del siglo XX.

Biografía

John Lennon nació en Liverpool, Inglaterra, el 9 de octubre de 1940, durante la Segunda Guerra Mundial. Su padre, Alfred Lennon, marino mercante, y su madre, Julia Stanley, se divorciaron siendo John todavía muy pequeño y cuando tenía cinco años su madre lo dejó al cuidado de su hermana Mimi y del marido de ésta, George Smith, quien le enseñó a resolver crucigramas y le compró una armónica. John asistió a la escuela de Bellas Artes de su ciudad y allí conoció a Cynthia Powell, que con el tiempo se convertiría en su primera esposa. Su madre moriría años después en un accidente de tráfico atropellada por un policía en estado de embriaguez, lo que provocaría en Lennon un trauma del que nunca llegaría a recuperarse y que marcaría su obra posterior con canciones como Julia o la desgarradora Mother.

Interesado desde su infancia en la música, John participó, antes de formar The Beatles, en otras bandas, como The Quarry Men, Johnny & The Moondogs y John & The Silver Beetles, en las que estuvo acompañado por amigos de su escuela, entre ellos Stuart Sutcliffe. En 1956, durante una actuación en una fiesta, John conoció a Paul McCartney, a quien invitó a unirse al grupo porque podía tocar la guitarra y además afinarla. Más tarde entraron a la banda George Harrison, propuesto por McCartney, y Pete Best, que sería sustituido por Ringo Starr. El nombre del grupo evolucionó de John & The Silver Beetles a John Silver & The Beatles y posteriormente al nombre con el que pasarían a la historia. John fue quien ideó el nombre "The Beatles", uniendo el anterior de "Beetles" ("escarabajos") con la palabra "beat", por el tipo de música que tocaban.

The Beatles

En 1962 comenzó el éxito en Inglaterra del cuarteto con su primer single, Love me do, y en agosto de ese mismo año John se casó con Cynthia, con la que tendría a su primer hijo, el también músico Julian Lennon. En 1963 el grupo grabó su primer disco de larga duración, Please Please Me. Más tarde, ese mismo año, conquistaron el mercado norteamericano con su disco With The Beatles. A partir de ese momento la fama del grupo no hizo sino crecer, transformándose en un fenómeno de masas a nivel mundial, con una enorme influencia no sólo en la música popular sino también en el comportamiento de la juventud.

En 1966 se produjo un hecho que evidencia la personalidad rebelde y combativa de Lennon, al afirmar «The Beatles son más populares que Jesucristo». La frase, difundida rápidamente por la prensa, creó un gran escándalo e incluso algunos fans en Estados Unidos llegaron a quemar sus discos del grupo en público. John alegó que había sido malinterpretado y explicó: «No dije que The Beatles son mejores que Jesucristo, dije que somos más populares, como lo puede ser la televisión o cualquier otra cosa».

Ese mismo año, John conoció en un museo a la artista plástica japonesa Yoko Ono, que se convertiría en el gran amor de su vida y con quien contraería matrimonio después de divorciarse de Cynthia Powell. Yoko le indujo a experimentar con nuevos tipos de música e influyó definitivamente en el modo de ser de Lennon, que cambió su modo pensar y de actuar. Además, sería posteriormente criticada por un sector de los seguidores del grupo como la causante de su separación en 1969, supuestamente debido a la asistencia de Yoko a las sesiones de grabación de The Beatles, lo que molestaría a los demás integrantes del grupo. También durante ese mismo año de 1966 John residió durante un mes y medio en Almería (España), durante el rodaje de la película How I won the war de Richard Lester. Durante su estancia en esta ciudad compuso la canción Strawberry Fields Forever.

En 1969 se produjo la disolución práctica del grupo, para el que Lennon había compuesto en compañía de McCartney la mayoría de los temas, firmados por ambos aunque en realidad la participación de cada uno en los temas del otro fue cada vez menor. Tras la primera etapa del grupo, con composiciones más sencillas, los temas de Lennon fueron a menudo confesionales, como la popular Help!, que fue una llamada de auxilio al mundo, o la balada folk You’ve got to hide your love away, con clara influencia de Bob Dylan. Posteriormente comenzaría una etapa de mayor experimentación con temas como Lucy in the sky with diamonds, basada en un dibujo de su hijo Julian, o Being for the benefit of Mr. Kite! y A day in the life, cuyas letras están, respectivamente, inspiradas, y en algunos fragmentos directamente extraídas, de un cartel de circo de finales del siglo XIX y de recortes de noticias del periódico.

Los años 70

En 1970, tras disolverse oficialmente The Beatles, Lennon comenzó su carrera en solitario, con canciones que se convertirían en clásicos. No obstante, sus primeros trabajos fuera del grupo fueron tres álbumes experimentales grabados en compañía de Yoko Ono y que tendrían una mínima repercusión comercial: Unfinished Music No.1: Two Virgins, Unfinished Music No.2: Life with the Lions y Wedding Album, el primero grabado en 1968 y los otros dos en 1969, año en que también se editaría el directo Live Peace in Toronto 1969 a cargo del grupo conceptual The Plastic Ono Band, que incluía a Lennon y Ono junto con otros músicos que variaban para cada ocasión y bajo cuyo nombre la pareja editaría sus futuros álbumes.

En 1970 sale a la venta John Lennon/Plastic Ono Band, el primer álbum de estudio de John Lennon en solitario, con temas como Mother, dedicada a su madre, Working class hero, que muestra el pensamiento más izquierdista de Lennon, o God, toda una declaración de principios en la que llega a renegar del grupo que le diera fama mundial.

En 1971 publica un nuevo elepé, Imagine, que contiene la que sin duda es su canción más famosa, el himno pacifista Imagine. En algunas de las primeras composiciones en solitario de Lennon se hizo patente la rivalidad que arrastraba con McCartney desde los tiempos de The Beatles, y esto se hizo evidente con este trabajo, donde, en las primeras ediciones, aparecía una fotografía de Lennon sujetando a un cerdo como supuesto insulto hacia McCartney, a quien llamaba así despectivamente. La imagen era una parodia de la portada del álbum Ram de McCartney, en la que éste sujetaba un carnero. También en Imagine Lennon incluyó el tema How do you sleep?, con claras referencias a su excompañero.

Las tendencias políticas de Lennon se habían evidenciado desde la época de los Beatles, pero se exacerbaron con canciones como Power to the People, editada en un sencillo también en 1971. En esa época el músico decidió mudarse de Londres a Nueva York, si bien tuvo problemas para tramitar una visa debido a las reticencias del gobierno de los Estados Unidos por su actitud pacifista y su influencia sobre la juventud. Finalmente, consiguió instalarse en el país, donde iniciaría una campaña política con conciertos y manifestaciones a favor de la paz.

En sus discos siguientes, Some Time in New York City (1972), Mind Games (1973), Walls and Bridges (1974) y Rock 'n' Roll (1975), Lennon mantuvo un estándar de calidad, con buenas canciones y ocasionales contribuciones de Yoko y amigos como George Harrison, Billy Preston, Harry Nilsson, Elton John o David Bowie. El tema Whatever gets you through the night, con Elton John en el piano, sería número uno en la lista Billboard.

En 1975 y después de un aborto, Yoko da a luz al único hijo del matrimonio, bautizado como Sean Taro Ono Lennon. A partir de entonces, mientras su esposa se encargaba del aspecto financiero del matrimonio, Lennon se ocupó de la educación y cuidado de su hijo, abandonando su carrera musical activa. No obstante, y pese a que al regresar al mundo profesional de la música cinco años después declararía que durante todo este tiempo había abandonado la música (en una entrevista afirmó que había tenido la guitarra colgada de la pared sin usarla), en realidad esos años no fueron de total inactividad musical, pues siguió componiendo canciones y grabando demos caseros de las melodías y letras que iba escribiendo.

El final de un mito

En 1980, cinco años después de su último trabajo, Lennon sacó a la venta su esperado regreso: Double Fantasy, que se abría con el tema (Just Like) Starting Over. Fue tal el éxito que Lennon regresó al estudio para grabar un segundo álbum al hilo: Milk and Honey. Sin embargo, el trabajo y la vida de Lennon se verían interrumpidos por su asesinato el 8 de diciembre de 1980 a manos de Mark David Chapman, un fan que disparó sobre el cantante con un revólver cinco veces. Cuatro de las balas le alcanzaron en la espalda y Lennon murió minutos después, a las 23:15, en un coche patrulla de la policia camino del hospital, en brazos de su esposa. Años después se rodaría una película, Chapter 27 (El asesino de John Lennon), que relata la historia de Chapman y su llegada a Nueva York para asesinar a Lennon.

Terminaba así la vida de uno de los músicos más influyentes de la música popular del siglo XX elevado por sus seguidores a la categoría de mito. En los años posteriores, se le homenajeó en cientos de tributos, como por ejemplo sendos conciertos en Liverpool y Nueva York, ante, respectivamente, 40.000 y 120.000 personas. En el año 2000, su ciudad natal, Liverpool, decidió cambiar el nombre de su aeropuerto, que desde entonces se denomina John Lennon Airport.

Un claro ejemplo de la preocupación que la influencia del músico podría tener en la juventud por sus ideas pacifistas, y especialmente por su oposición a la Guerra de Vietnam, es el seguimiento personal del músico que hizo el FBI durante sus primeros años de estancia en Estados Unidos. En 2006, dicho organismo admitió el espionaje al que había sometido a Lennon y se vió obligado por una orden judicial a publicar todos los documentos secretos que había elaborado sobre él entre 1971 y 1972.

En octubre de 2007 fue inaugurado un monumento en la Isla de Videy (Islandia), llamado Imagine Peace Tower, obra de la viuda de Lennon, que estuvo acompañada para la ocasión por su hijo Sean, Ringo Starr y Olivia Harrison, viuda de George Harrison.

Pagina: http://www.johnlennon.com/

Chris Rea

Christopher Anton Rea, es un cantante y compositor inglés, nacido el 4 de marzo de 1951 en Middlesbrough, Inglaterra.

Desechado al comienzo de su carrera el nombre artístico "Benny Santini" (título de su primer disco), adoptó finalmente el conocidísimo nombre Chris Rea. Autor prolífico y libre, en diferentes momentos de su carrera distintas discográficas intentaron su contrato, pero la libertad de una pequeña compañía como en la que estaba componiendo, podía más que los posibles ingresos. De su extensa carrera musical destacan los éxitos comerciales Fool(if you think it's over), On the beach, Josephine, Looking for the summer, Julia, Auberge, Road to hell, entre otros.

En el año 2002, tras superar un grave cáncer (las posibilidades de sobrevivir eran de un 50%), su música volvió a las raíces jazz-blues.

Tras la gira europea de 2006 y la edición de su set "Blue Guitar", magna obra compuesta por 11 CD's temáticos y diseño del propio artista, su carrera bajo el nombre de Chris Rea deja paso a "The Fire Flies", su nueva banda.

Pagina: http://www.chrisrea.com/