Michael McDonald

Michael McDonald nació el 12 de febrero de 1952 en St. Louis, Missouri. Es un cantante de R&By soul.

McDonald tocó en multiples bandas (como Mike and the Majestics, Jerry Jay and the Sheratons, the Reebtoors y The Guild) en su pueblo natal Ferguson, Missouri, un suburbio de St. Louis. Fue descubierto cuando hacía parte de un grupo llamado Blue y en consecuencia se mudó a Los Angeles en 1970. Inicialmente fue conocido como miembro ocasional de Steely Dan, poniendo la voz en Katy Lied y en subsiguientes albums como The Royal Scam y Aja.

McDonald se unió a los The Doobie Brothers en Abril de 1975 cuando su voz líder Tom Johnston enfermó durante una gira nacional. Como miembro de los Doobies, grabó canciones como "Takin' It To The Streets," "Little Darling," "It Keeps You Runnin'" (usada en la película Forrest Gump), "Minute by Minute" y "What a Fool Believes" (que llegó al número uno en Estados Unidos y por la cual ganó un premio Grammy en 1980 en la categoría de canción del año).

Despues de la separación de los Doobies, McDonald continuó su carrera en solitario con éxitos como:

- "I Keep Forgettin'", un duo con su hermana Maureen, despues usado en 1994 por Warren G y en 2005 por Papoose.
- "Sweet Freedom", csnción de la película de 1986 llamada Running Scared
- "Take It To Heart"
- "Yah Mo B There", a duo con James Ingram con la cual ganó el Grammy en 1985
- "On My Own", con Patti Labelle. llegó al número 1 en listas de Estados Unidos en 1986

McDonald ha producido y ha aparecido en grabaciones de otros artistas como su esposa Amy Holland, Christopher Cross y Bonnie Raitt. McDonald es el co-fundador del sello independiente Ramp Records junto a Chris Pelonis y el actor Jeff Bridges. En la actualidad se ha centrado en albums de tributo al sonido Motown.

En 2003 McDonald recibió una estrella en el Paseo de la Fama de St. Louis.

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Janiva Magness

Ganadora del Blues Music Award a la “Mejor interprete femenina de Blues contemporáneo” en 2006 y 2007 (categoría en la que ya fue nominada en 2004 y 2005), aclamada por crítica y público, elogiada por compañeros de gremio y con su último disco “Do I Move You?” siendo el más radiado por las emisoras especializadas de 2006 segun la revista “Living Blues”, está claro que Janiva Magness es un valor que cotiza al alza, gracias a su principal activo: su voz.
Y es que la voz de Janiva, impacta por la cantidad de matices que atesora y especialmente, por cierto deje “canalla” que aporta una sensualidad apenas disimulada pero magistralmente contenida, que dota al conjunto de una fuerza y emotividad, rebosantes de elegancia. Una voz seductora y sugerente si…pero también descarnada, conmovedora o exultante, según el tema lo requiera. En palabras de Charlie Musselwhite “siempre me impresiona porque es capaz de desenvolverse con soltura en cualquier estilo, eligiendo cada nota y cantándola exactamente en cada momento, de forma perfecta”. Y si Charlie lo dice…yo solo puedo añadir que escuchar a la Magness, suele dejarme más suave que el guante que se quitó Gilda.

Sin embargo, Janiva Magness no es ninguna recién llegada a este negocio. Su carrera profesional abarca más de dos décadas y es toda una veterana en el área de L.A. Pero sobre todo, es un ejemplo de mujer luchadora que supo sobreponerse a las zancadillas del destino y que encontró en el Blues, su tabla de salvación. De su historia proviene su fuerza…y de su fuerza, su arte.
Nacida a finales de la década de los 50 en Detroit en el seno de la típica familia americana de clase media, fue educada junto a sus 4 hermanos en los conservadores valores tradicionales de la época, poco propensos a que se hablara de ciertas cosas. La música no obstante, fue algo con lo que convivió desde siempre, ya que sus padres eran grandes aficionados (de hecho, ambos se conocieron cuando el grupo vocal amateur en el que cantaba él, visitó el estudio radiofónico en el que trabajaba ella) e inconscientemente fue absorbiendo el Country & Western que constituía el grueso de la discoteca paterna, además del Rock & Roll y del Rythm & Blues que emitían las emisoras de la zona. Sin embargo, su “encontronazo” con el Blues no se produjo hasta más adelante y se dió en circunstancias totalmente diferentes.Una noche, pocos días después de cumplir 13 años, su madre decidió acabar con su vida tomando una buena dosis de somníferos y echándose a dormir en el garaje, junto al tubo de escape de un motor en marcha. Ella culpó a su padre de lo sucedido y este, consumido por el dolor y los remordimientos, se desentendió de todo. Sus hermanos mayores fueron marchándose de casa uno a uno y sólo quedó el pequeño, que con tan sólo 5 años, apenas comprendía. “Comencé a consumir alcohol y drogas justo entonces” cuenta Janiva en una reciente entrevista “cuando estaba borracha o colocada, esa desagradable sensación que me atormentaba, parecía desaparecer, al menos temporalmente”.
Unos meses después escapa de casa intentando huir de aquel desastre; le acompaña un novio suyo de entonces, que se dedica al trapicheo a pequeña escala. Durante los siguientes 6 meses andarán de acá para allá, malviviendo en las calles la mayor parte del tiempo. Un día de aquellos, encontrándose en las cercanías de Minneapolis, Janiva decide hacer autostop hasta la ciudad. Esa noche actúa allí un bluesman al que apenas conoce, pero algo le impulsa a asistir al concierto. Cuando llega al garito en cuestión, los 2 $ que paga le permiten franquear la puerta, a pesar de sus 14 años. Lo que allí encuentra, es mucho más de lo que espera: “La música me hizo sentir cosas que nunca antes había sentido (…) Me hizo descubrir partes de mi cuerpo que desconocía y sentí que respiraba oxigeno, por primera vez en mucho tiempo”. El autor del milagro, no es otro que Otis Rush. Desde ese momento, cantar su Blues es de las pocas cosas agradables que Janiva puede hacer en la vida…porque la situación todavía ha de empeorar.
Tras un intento fallido de reconciliación con su padre (la mujer con la que este convive, la pone de patitas en la calle “por ser una mala influencia para sus hijos”), pasa por una docena de hogares de acogida y tres instituciones psiquiátricas en dos años, en los que intenta suicidarse más de una vez: “Creía que era la única forma de que todo el dolor, la rabia y la tristeza que sentía, desaparecieran para siempre”.
Tres años después del suicidio de su madre, su padre sigue el mismo camino. Ella recibe la noticia casi al mismo tiempo que descubre su embarazo y esto acaba por desquiciarla. Tras dos nuevos intentos de suidicio, el Estado se hace cargo de ella y la ingresa en un centro de menores. Ha tocado fondo y eso tiene algo bueno: más bajo no puede caer.
Del centro de menores pasa a un nuevo hogar de acogida, donde esta vez convive con una mujer divorciada y sus 5 hijos. Allí, por fin encontrará el cariño y apoyo que tanto necesita: “Se convirtió en mi mentora y salvación. Fue mi consejera para que abandonara las drogas y el alcohol, al tiempo que me ayudó a convertirme en una persona adulta y me enseñó a tener sueños de nuevo. Con su amor y su ayuda, finalmente comprendí que no tenía por qué seguir el camino de mis padres”. La nueva Janiva, sobria y decidida a superar la adversidad, logra que se la declare “menor emancipada bajo supervisión” y alquila un apartamento que paga con lo que gana limpiando casas y oficinas. Pero al nacer su hija, la situación se hace insostenible y se ve obligada a dejarla en adopción cuando esta tiene 4 meses. Este duro golpe la sume nuevamente en la depresión…pero esta vez se mantiene serena y lucha para superar la adversidad. Un par de años después, ya cumplidos los 18, su situación es lo suficientemente estable como para que al fin se plantee perseguir uno de sus sueños: trabajar en algo relacionado con la música. Así que se matricula en un curso de técnicos de sonido y al poco tiempo, está realizando prácticas en un estudio de Saint Paul, Minnesotta. Una noche en que trabaja en unas demos de R&B, recibe la llamada de uno de sus jefes: “Te necesitamos para unos coros…ven aqui inmediatamente o no te molestes en volver mañana” . Está aterrorizada pero la orden no deja lugar a la duda, así que obedece y graba los coros como mejor sabe. El resultado es plenamente satisfactorio y Janiva al escucharse, comienza a creer en sus posibilidades.

De audición en audición y de garito en garito, empieza a conseguir algunas actuaciones en el triángulo Detroit-Chicago-Minneapolis. En su afán de impregnarse del Blues y R&B, se queda enganchada con Albert Collins y Johnny Copeland. Descubre a Elmore James, Koko Taylor, Etta James, Sugar Pie DeSanto, JB Lenoir…Cada vez con más frecuencia, participa como vocalista de apoyo y hace coros en diversas grabaciones de R&B y Funk, colaborando incluso con miembros del macrogrupo Sounds of Blackness.
Confiada en sus posibilidades, decide marchar a Arizona a comienzos de los 80 y se instala en Phoenix, donde conoce a Bob Tate (quien había trabajado con Sam Cooke) que se convierte en su manager y forma un grupo denominado “Janiva Magness & the Mojomatics”, aunque pronto se les conocerá como “The Town´s Best Blues Band”. En este conjunto gana aplomo y adquiere “tablas” suficientes para dar el gran salto. En 1986 se traslada a Los Angeles y entra en contacto con la bulliciosa escena local. Poco a poco se va haciendo un nombre en los clubes de la zona, actuando en formato de dúo/trío acústico. Esto le llevará, a principios de los 90, a conocer al que será su marido, el compositor y multi-instrumentista Jeff “Big Daddy” Turmes, así como a otros músicos del gremio como Junior Watson, Kid Ramos, Enrico Crivellaro, Red Young y un largo etcétera, con los que habitualmente colaborará a partir de entonces. Y como no podía ser de otra manera, frecuentar estas compañías la lleva por fin a iniciar una carrera discográfica. Ya en 1995 aparece en el disco de Kid Ramos, “Two Hands & One Heart”, cantando dos temas donde demuestra su poderío y hace empalidecer al otro vocalista del disco, Lynwood Slim.
De su primer trabajo, editado en 1997 por el pequeño sello “Fat Head” y titulado “It Takes One To Know One”, poco se puede decir, salvo que es difícil de conseguir si no es pagando un “precio de coleccionista” que las reseñas consultadas desaconsejan abonar. Publicado como Janiva Magness & Jeff Turmes, contiene 13 originales de este, en los que Janiva canta 9 temas. R&B ligero, canciones pegadizas cercanas al pop, acercamientos al Folk y poco Blues, conforman un disco en el que apenas brillan colaboradores de la talla de Jr. Watson y Kid Ramos. Sin embargo, el disco sirve para demostrar una cosa: ella brilla más, cuanto más cerca del Blues se mueva el tema.
Y esto se nota en su segundo disco, “My bad luck soul”, editado por “Blues Leaf” ya como The Janiva Magness Band . Además de algún original de Turmes cantado por él mismo, se atacan versiones de BB King, JB Lenoir, Memphis Minnie, Sugar Pie DeSanto e incluso Billie Holliday, con un tratamiento mucho más Blues al estilo West Coast, prácticamente Jump en algun caso y cercano al Jazz vocal femenino en ocasiones (Billie´s Blues). En este contexto, destacan las intervenciones guitarrísticas de Enrico Crivellaro y Kid Ramos (en tres temas), el trabajo pianístico de Karen Hammack y sobre todo Red Young y los toques de saxo del propio Jeff Turmes, que también se encarga del bajo y guitarra (en tres temas). Este trabajo, visto con la perspectiva que dan sus discos posteriores, demuestra que Janiva se desenvuelve como pez en el agua en estos palos, aunque todavía no alcance las cotas de intensidad que estan por venir con sus siguientes dos discos, también para “Blues Leaf”.
“Blues Ain´t Pretty” (2001) profundiza aún más en su vena bluesera, lo que le permite desplegar su amplia batería de recursos para llevarnos justo ahí donde ella quiere llevarnos y nosotros, gustosos, nos dejamos llevar. Tres originales de Jeff Turmes, incluidas las excelentes “Makin´money” y “The more I keep on loosin´”, más una serie de covers de Ruth Brown, James Brown, Brook Benton, Percy Myfield & Ray Charles, entre las que destaca la desgarradora “St. Gabriel”, un Blues original de Marcia Ball, inspirado en la única prisión de alta seguridad para mujeres de Louisiana y en el que Janiva canta con una intensidad abrumadora, remarcada por unas intervenciones guitarrísticas que erizan el vello de la nuca. Sin embargo, y es apreciación personal, este es un disco que rebosa optimismo y vitalidad gracias a temas como “Act Right”, “I´m gonna play the Honky Tonks”, “Tell me what I did wrong”, “Heartbreaker”… Y de la banda, pues qué decir: Kirk Fletcher sobresaliente al igual que Kid Ramos con las guitarras, soberbio Red Young tanto al piano como al Hammond, Jeff Turmes haciendo doblete con el bajo y los saxos, ayudado en este capítulo por Steve Marsh y finalmente, David Kida a la batería, como tiene que estar un batería.
“Use what you got” (2003) supone una continuación por ese camino. Nuevamente una combinación de temas compuestos por Turmes y versiones, en esta ocasión de Memphis Slim, Rufus Thomas, Don Robey, Johnny Guitar Watson, Ike Turner, Magic Sam, etc. West Coast Blues, si acaso algo escorado hacia el R&B (gracias a los saxos del omnipresente “Big Daddy” Turmes y David Woodford), e incursiones en el sonido del West Side de Chicago (“That´s why I´m cryin´”), los aires de Louisiana (“I´m not ashamed”, “Who will the next fool be” ), el jazz vocal de Billie Holliday (“Stormy Blues”) y el estilo de Albert King (“Don´t Start Crying now”). La inclusión de Zach Zunis como único guitarrista, no nos hace echar de menos a los T-Birds Ramos y Fletcher, ya que nos ofrece momentos de gran altura, sobre todo cuando se inspira en Magic Sam, Guitar Slim y Albert King. Sin embargo, no podemos decir lo mismo del sustituto de Young a las teclas, Andy Kaulkin, que pasa algo más desapercibido. David Kida, a lo suyo.
A principios de 2004, Janiva trabaja en la pre-producción de un nuevo disco con su banda habitual, pero una llamada del guitarrista y productor canadiense Colin Linden, le hace desechar esta idea. Lo que este le propone, es algo radicalmente diferente a lo hecho por ella hasta la fecha: un disco de Blues tradicional y profundo, simple y directo, con una fuerte inspiración en el Country Blues sureño y en el primer Blues eléctrico de Chicago. Cuando sugiere algunos títulos (oscuros covers de JB Lenoir, Rev. Robert Wilkins, Oliver Sain, Delbert McClinton, Sam Cooke, Magic Sam) y el tratamiento que piensa darles, la Magness acepta de inmediato . Así nace “Bury him at the Crossroads” (NorthernBlues-2004) su disco más personal y sincero, donde demuestra haber alcanzado un punto culminante de madurez, que le permite enfrentarse abiertamente y por primera vez, a los demonios de su pasado, mientras la banda (Jeff Turmes-bajo, guitarra, banjo, saxo; Colin Linden-guitarras,coros; Richard Bell-piano, Hammond b-3 ; Stephen Hodges-batería y percusión), extraordinaria en todo momento, crea un ambiente opresivo, casi minimalista, que transmite una tristeza, desasosiego y por momentos desesperanza, que nos enrojece los ojos, nos amarga la boca y nos deja el vientre arañado por los guijarros, de tanto que nos arrastra.
El resultado satisface plenamente a todos los implicados en el proyecto, que deciden dar continuidad a su colaboración con un nuevo disco para NorthernBlues, co-producido nuevamente por Linden y la propia Magness y con el mismo plantel de músicos, a los que se suman la guitarra de Rick Holstrom y el teclado de John Whynot. Por así decirlo, este trabajo “Do I move you?”(2006) se situa en un punto intermedio entre “Bury him…” y sus discos anteriores, con una mayor orientación hacia el Soul (“I´m just a prisioner”, “I want you to everything”), que se hace patente con su escalofriante interpretación de la balada de Delbert McClinton “You were never mine”, aunque sin perder el acercamiento a las raíces logrado con su Cd anterior (“Don´t let your memories”, “Stealin Sugar”) ni olvidar el R&B (“Workin´on me”, “I give up”) y el Blues intenso y cargado de humo (“Do I move you?”). Para cerrar el disco y de propina, un tema cercano al Rock sureño (“A man since job”). El disco es acogido calurosamente por la crítica y resulta nominado en las categorías “Mejor Album de Blues Contemporáneo” y “Mejor Album de Blues” de la última edición de los Blues Music Awards que otorga la Blues Foundation.
La versatilidad de esta excepcional cantante, la evolución mostrada en su corta pero jugosa discografía y las buenas relaciones que mantiene con los músicos punteros del género, nos hacen augurar un gran futuro, en el que el Blues promete seguir estando muy presente. En lo personal, Janiva confiesa ser más feliz de lo que jamás creyo posible. Mantiene una buena relación con su hija (con la que se reencontró cuando esta tenía 16 años) y disfruta viendo crecer a su nieto de 5 años. Los premios y halagos la satisfacen, desde luego…pero reconoce que su éxito reside en que puede dedicarse por entero a la música que le devolvió una esperanza que le fue negada durante mucho tiempo. Y eso se nota, en muchos aspectos.
De su fuerza interpretativa en directo, de la que hay muchas y buenas referencias, podremos disfrutar en breve en el II Hondarribia Blues Festival. Yo desde luego, no pienso perdérmelo.

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John Lennon

John Ono Lennon (Liverpool, Reino Unido, 9 de octubre de 1940 - † Nueva York, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1980), con nombre de nacimiento John Winston Lennon, más conocido como John Lennon, fue un músico y compositor británico de música pop y rock. Líder formador del grupo The Beatles, en el cual tocaba la guitarra rítmica y cantaba y para el que compuso la mayor parte del material junto a su compañero Paul McCartney, compuso algunas de las melodías más conocidas del siglo XX.

Biografía

John Lennon nació en Liverpool, Inglaterra, el 9 de octubre de 1940, durante la Segunda Guerra Mundial. Su padre, Alfred Lennon, marino mercante, y su madre, Julia Stanley, se divorciaron siendo John todavía muy pequeño y cuando tenía cinco años su madre lo dejó al cuidado de su hermana Mimi y del marido de ésta, George Smith, quien le enseñó a resolver crucigramas y le compró una armónica. John asistió a la escuela de Bellas Artes de su ciudad y allí conoció a Cynthia Powell, que con el tiempo se convertiría en su primera esposa. Su madre moriría años después en un accidente de tráfico atropellada por un policía en estado de embriaguez, lo que provocaría en Lennon un trauma del que nunca llegaría a recuperarse y que marcaría su obra posterior con canciones como Julia o la desgarradora Mother.

Interesado desde su infancia en la música, John participó, antes de formar The Beatles, en otras bandas, como The Quarry Men, Johnny & The Moondogs y John & The Silver Beetles, en las que estuvo acompañado por amigos de su escuela, entre ellos Stuart Sutcliffe. En 1956, durante una actuación en una fiesta, John conoció a Paul McCartney, a quien invitó a unirse al grupo porque podía tocar la guitarra y además afinarla. Más tarde entraron a la banda George Harrison, propuesto por McCartney, y Pete Best, que sería sustituido por Ringo Starr. El nombre del grupo evolucionó de John & The Silver Beetles a John Silver & The Beatles y posteriormente al nombre con el que pasarían a la historia. John fue quien ideó el nombre "The Beatles", uniendo el anterior de "Beetles" ("escarabajos") con la palabra "beat", por el tipo de música que tocaban.

The Beatles

En 1962 comenzó el éxito en Inglaterra del cuarteto con su primer single, Love me do, y en agosto de ese mismo año John se casó con Cynthia, con la que tendría a su primer hijo, el también músico Julian Lennon. En 1963 el grupo grabó su primer disco de larga duración, Please Please Me. Más tarde, ese mismo año, conquistaron el mercado norteamericano con su disco With The Beatles. A partir de ese momento la fama del grupo no hizo sino crecer, transformándose en un fenómeno de masas a nivel mundial, con una enorme influencia no sólo en la música popular sino también en el comportamiento de la juventud.

En 1966 se produjo un hecho que evidencia la personalidad rebelde y combativa de Lennon, al afirmar «The Beatles son más populares que Jesucristo». La frase, difundida rápidamente por la prensa, creó un gran escándalo e incluso algunos fans en Estados Unidos llegaron a quemar sus discos del grupo en público. John alegó que había sido malinterpretado y explicó: «No dije que The Beatles son mejores que Jesucristo, dije que somos más populares, como lo puede ser la televisión o cualquier otra cosa».

Ese mismo año, John conoció en un museo a la artista plástica japonesa Yoko Ono, que se convertiría en el gran amor de su vida y con quien contraería matrimonio después de divorciarse de Cynthia Powell. Yoko le indujo a experimentar con nuevos tipos de música e influyó definitivamente en el modo de ser de Lennon, que cambió su modo pensar y de actuar. Además, sería posteriormente criticada por un sector de los seguidores del grupo como la causante de su separación en 1969, supuestamente debido a la asistencia de Yoko a las sesiones de grabación de The Beatles, lo que molestaría a los demás integrantes del grupo. También durante ese mismo año de 1966 John residió durante un mes y medio en Almería (España), durante el rodaje de la película How I won the war de Richard Lester. Durante su estancia en esta ciudad compuso la canción Strawberry Fields Forever.

En 1969 se produjo la disolución práctica del grupo, para el que Lennon había compuesto en compañía de McCartney la mayoría de los temas, firmados por ambos aunque en realidad la participación de cada uno en los temas del otro fue cada vez menor. Tras la primera etapa del grupo, con composiciones más sencillas, los temas de Lennon fueron a menudo confesionales, como la popular Help!, que fue una llamada de auxilio al mundo, o la balada folk You’ve got to hide your love away, con clara influencia de Bob Dylan. Posteriormente comenzaría una etapa de mayor experimentación con temas como Lucy in the sky with diamonds, basada en un dibujo de su hijo Julian, o Being for the benefit of Mr. Kite! y A day in the life, cuyas letras están, respectivamente, inspiradas, y en algunos fragmentos directamente extraídas, de un cartel de circo de finales del siglo XIX y de recortes de noticias del periódico.

Los años 70

En 1970, tras disolverse oficialmente The Beatles, Lennon comenzó su carrera en solitario, con canciones que se convertirían en clásicos. No obstante, sus primeros trabajos fuera del grupo fueron tres álbumes experimentales grabados en compañía de Yoko Ono y que tendrían una mínima repercusión comercial: Unfinished Music No.1: Two Virgins, Unfinished Music No.2: Life with the Lions y Wedding Album, el primero grabado en 1968 y los otros dos en 1969, año en que también se editaría el directo Live Peace in Toronto 1969 a cargo del grupo conceptual The Plastic Ono Band, que incluía a Lennon y Ono junto con otros músicos que variaban para cada ocasión y bajo cuyo nombre la pareja editaría sus futuros álbumes.

En 1970 sale a la venta John Lennon/Plastic Ono Band, el primer álbum de estudio de John Lennon en solitario, con temas como Mother, dedicada a su madre, Working class hero, que muestra el pensamiento más izquierdista de Lennon, o God, toda una declaración de principios en la que llega a renegar del grupo que le diera fama mundial.

En 1971 publica un nuevo elepé, Imagine, que contiene la que sin duda es su canción más famosa, el himno pacifista Imagine. En algunas de las primeras composiciones en solitario de Lennon se hizo patente la rivalidad que arrastraba con McCartney desde los tiempos de The Beatles, y esto se hizo evidente con este trabajo, donde, en las primeras ediciones, aparecía una fotografía de Lennon sujetando a un cerdo como supuesto insulto hacia McCartney, a quien llamaba así despectivamente. La imagen era una parodia de la portada del álbum Ram de McCartney, en la que éste sujetaba un carnero. También en Imagine Lennon incluyó el tema How do you sleep?, con claras referencias a su excompañero.

Las tendencias políticas de Lennon se habían evidenciado desde la época de los Beatles, pero se exacerbaron con canciones como Power to the People, editada en un sencillo también en 1971. En esa época el músico decidió mudarse de Londres a Nueva York, si bien tuvo problemas para tramitar una visa debido a las reticencias del gobierno de los Estados Unidos por su actitud pacifista y su influencia sobre la juventud. Finalmente, consiguió instalarse en el país, donde iniciaría una campaña política con conciertos y manifestaciones a favor de la paz.

En sus discos siguientes, Some Time in New York City (1972), Mind Games (1973), Walls and Bridges (1974) y Rock 'n' Roll (1975), Lennon mantuvo un estándar de calidad, con buenas canciones y ocasionales contribuciones de Yoko y amigos como George Harrison, Billy Preston, Harry Nilsson, Elton John o David Bowie. El tema Whatever gets you through the night, con Elton John en el piano, sería número uno en la lista Billboard.

En 1975 y después de un aborto, Yoko da a luz al único hijo del matrimonio, bautizado como Sean Taro Ono Lennon. A partir de entonces, mientras su esposa se encargaba del aspecto financiero del matrimonio, Lennon se ocupó de la educación y cuidado de su hijo, abandonando su carrera musical activa. No obstante, y pese a que al regresar al mundo profesional de la música cinco años después declararía que durante todo este tiempo había abandonado la música (en una entrevista afirmó que había tenido la guitarra colgada de la pared sin usarla), en realidad esos años no fueron de total inactividad musical, pues siguió componiendo canciones y grabando demos caseros de las melodías y letras que iba escribiendo.

El final de un mito

En 1980, cinco años después de su último trabajo, Lennon sacó a la venta su esperado regreso: Double Fantasy, que se abría con el tema (Just Like) Starting Over. Fue tal el éxito que Lennon regresó al estudio para grabar un segundo álbum al hilo: Milk and Honey. Sin embargo, el trabajo y la vida de Lennon se verían interrumpidos por su asesinato el 8 de diciembre de 1980 a manos de Mark David Chapman, un fan que disparó sobre el cantante con un revólver cinco veces. Cuatro de las balas le alcanzaron en la espalda y Lennon murió minutos después, a las 23:15, en un coche patrulla de la policia camino del hospital, en brazos de su esposa. Años después se rodaría una película, Chapter 27 (El asesino de John Lennon), que relata la historia de Chapman y su llegada a Nueva York para asesinar a Lennon.

Terminaba así la vida de uno de los músicos más influyentes de la música popular del siglo XX elevado por sus seguidores a la categoría de mito. En los años posteriores, se le homenajeó en cientos de tributos, como por ejemplo sendos conciertos en Liverpool y Nueva York, ante, respectivamente, 40.000 y 120.000 personas. En el año 2000, su ciudad natal, Liverpool, decidió cambiar el nombre de su aeropuerto, que desde entonces se denomina John Lennon Airport.

Un claro ejemplo de la preocupación que la influencia del músico podría tener en la juventud por sus ideas pacifistas, y especialmente por su oposición a la Guerra de Vietnam, es el seguimiento personal del músico que hizo el FBI durante sus primeros años de estancia en Estados Unidos. En 2006, dicho organismo admitió el espionaje al que había sometido a Lennon y se vió obligado por una orden judicial a publicar todos los documentos secretos que había elaborado sobre él entre 1971 y 1972.

En octubre de 2007 fue inaugurado un monumento en la Isla de Videy (Islandia), llamado Imagine Peace Tower, obra de la viuda de Lennon, que estuvo acompañada para la ocasión por su hijo Sean, Ringo Starr y Olivia Harrison, viuda de George Harrison.

Pagina: http://www.johnlennon.com/

Chris Rea

Christopher Anton Rea, es un cantante y compositor inglés, nacido el 4 de marzo de 1951 en Middlesbrough, Inglaterra.

Desechado al comienzo de su carrera el nombre artístico "Benny Santini" (título de su primer disco), adoptó finalmente el conocidísimo nombre Chris Rea. Autor prolífico y libre, en diferentes momentos de su carrera distintas discográficas intentaron su contrato, pero la libertad de una pequeña compañía como en la que estaba componiendo, podía más que los posibles ingresos. De su extensa carrera musical destacan los éxitos comerciales Fool(if you think it's over), On the beach, Josephine, Looking for the summer, Julia, Auberge, Road to hell, entre otros.

En el año 2002, tras superar un grave cáncer (las posibilidades de sobrevivir eran de un 50%), su música volvió a las raíces jazz-blues.

Tras la gira europea de 2006 y la edición de su set "Blue Guitar", magna obra compuesta por 11 CD's temáticos y diseño del propio artista, su carrera bajo el nombre de Chris Rea deja paso a "The Fire Flies", su nueva banda.

Pagina: http://www.chrisrea.com/

Terry Bozzio

Terry John Bozzio (27 de diciembre, 1950) es un baterista estadounidense.

Biografía

Bozzio nació en San Francisco, California en el seno de una familia italoestadunidense. Asistió al instituto en San Anselmo, California, donde recibió una beca musical en 1969. Se ganó su reputación grabando y yendo de gira con Frank Zappa (y apareciendo en el directo de la película "Baby Snakes") y luego con la banda "UK". Tras una audición para Zappa fue aceptado. Es concretamente famoso por poder interpretar "The Black Page" de Zappa, una pieza musical compuesta para ser la "pesadilla de cualquier músico", una partitura tan rellena de notas que parece prácticamente negra. Actualmente reside en Austin, Texas con su mujer Ev e hijo Raanen.

Más adelante, Bozzio formó "Missing Persons" con su, entonces, mujer como vocalista, Dale Bozzio, además del ex-guitarrista de Zappa Warren Cuccurullo, el ex-bajista de Zappa Patrick O'Hearn y el teclista Chuck Wild.

En verano De 2005 Bozzio entró en Fantômas como sustituto de Dave Lombardo para su gira europea. Bozzio fue añadido al Guitar Center's RockWalk de Hollywood en enero de 2006, con otros íconos del rock como Ronnie James Dio o Slash.

Bozzio ha trabajado recientemente con la banda Korn en su octavo álbum de estudio tras la baja temporal de su batería, David Silveria. Estaba previsto que les acompañara además en su gira este verano, pero ha abandonado el grupo. James Shaffer, guitarrista de Korn, alegó que Bozzio pedía cosas "ofensivas", como demandar autoría de los trabajos; lo que adjudicaría a Bozzio un 25% de los royalties de la banda.

Innovación musical

Bozzio es conocido por haber creado el ostinato, un trozo de melodía para batería. En la mayoría de sus trabajos el ostinato es interpretado usando diversos bombos y permutaciones de hi-hat, mientras que interpreta un solo contra estos ritmos usando las manos. Bozzio desarrolló la aplicación del ostinato a la batería fijándose en cómo un pianista interpreta solos o contra-ritmos contra el ostinato.

Bozzio además ha creado composiciones orquestales en la batería mediante la interpretación de poliritmos y polímetro con su kit personalizado, en el cual los tom tom están afinados en notas específicas para crear la atmosfera característica del sonido de Bozzio. Su repercusión se puede observar en algunos de los baterías más prominentes hoy como Marco Minnemann, Thomas Lang y Mike Mangini.

Su influencia es cada vez más fuerte; los percusionistas actuales intentan romper las barreras de la batería tradicional rítmica para tomar un papel más importante como líder del grupo, posición dominada por la guitarra en la música occidental.

Pagina: http://www.terrybozzio.com/

Neil Diamond

Neil Leslie Diamond (24 de enero de 1941, Brooklyn, Nueva York) es un cantante, compositor, guitarrista, actor y productor estadounidense, muy carismático y famoso por su voz perfectamente modulada, que le permitiría interpretar todo tipo de géneros musicales y profunda lírica introspectiva, que imprime a sus canciones, su música es melodiosa y expresiva de fácil comprensión, aunque trate temas reflexivos con grandes arreglos orquestales.

Es uno de los más exitosos artistas en el género adulto contemporáneo de todos los tiempos, y sus composiciones en diversos géneros musicales (rock, R&B, folk, pop, country, gospel, jazz, funk, regaee, balada, sinfónica, etc.) han influido a artistas tales como: The Monkees, Elvis Presley, U2, Frank Sinatra, The Ventures, UB40, Julio Iglesias, Johnny Cash y a muchos artistas que han interpretado sus canciones alrededor del mundo.

Tiene muchos imitadores que se lucran de la imagen de este cantante.

Comienzos artìsticos

Comenzó componiendo canciones a los 16 años, tras comprar una guitarra, inspirado por una visita a su escuela del cantante y autor folk Pete Seeger, siendo "Hear Them Bells" su primera canción. En 1960 grabó sus composiciones con el sello disquero Duel, acompañado de un compañero de colegio Jack Packer, bajo el nombre Neil & Jack con los sencillos "What Will I Do" y "I'm Afraid", con un sonido similar a los Everly Brothers, pero sin éxito, razón por la cual sigue con sus estudios universitarios de Medicina hasta 1962, cuando recibe la oferta de firmar contrato para Sunbean Music, para la industria musical del Brill Building de Broadway.

Al año siguiente tiene oportunidad de un contrato con el sello CBS para grabar 2 sencillos "At Night" y "Clown Town", producidos por Tom Catalano, quien posteriormente sería su productor en la marca disquera UNI, pero al no ser su estilo musical, por tratar de emular el sonido de Neil Sedaka o Paul Anka, nada sucede y sigue componiendo canciones para diversos artistas, destacando en 1965 el grupo Jay & The Americans que consiguen un éxito importante con su canción "Sunday And Me". Sus compañeros compositores, el matrimonio Ellie Greenwich y Jeff Barry reconocen su potencial y le consiguen una entrevista con los directivos de Atlantic Records, los cuales quedan impresionados con su estilo, pero al no estar seguros de que encaje en la orientación de la discográfica, con artistas como Herb Alpert o Dave Brubeck, deciden recomendarlo con Bert Berns, reconocido productor y compositor de clásicos de la época, quien reconoce en Diamond su potencial de estrella, firmando de inmediato un contrato para su nuevo sello discográfico Bang Records, donde también grababan The McCoys y el grupo de Van Morrison y Them. En ese momento, Diamond consideró usar un seudónimo, al pensar que tal vez su nombre era demasiado simple y consideró los nombres Ice Cherry y Noah Kaminsky, pero en último momento decidió usar su nombre real.

Entre 1965 y 1968 grabó y compuso para el sello discográfico Bang Records, canciones como “Cherry Cherry” , "Solitary man" , "You got to me" , "Red, Red Wine" (1966), “Girl, You’ll Be a Woman Soon”, "I Got The Feeling", "Thank The Lord For The Night Time", "Kentucky Woman"(1967) o "I’m a believer", que popularizó el grupo The Monkees y que vendiera más de un millón de copias y permaneciera en primer lugar durante 7 semanas, superando récords de ventas establecidos por Elvis Presley e incluso por The Beatles.

Además The Monkees lograron grandes éxitos con 2 composiciones más: "Look Out Here Come's Tomorrow" y " A Little Bit of Me A Little Bit of You ". Aparte de esto Cliff Richard con "I'll Come Running" y Lulu con "The Boat That I Row" confirmaron su reputación de compositor exitoso, al ser éstas 2 canciones, grandes éxitos en Gran Bretaña.

En 1967, según Cashbox, existió un empate entre Neil Diamond y Frank Sinatra, como el intérprete número uno de ese año.

En ese año, Diamond quizo lanzar la canción introspectiva "Shilo" como sencillo, pero Bang lo rechazó argumentando que no tenía el estilo de sus hits anteriores, por lo cual él demandó a la empresa para liberar su contrato y tener los derechos sobre las grabaciones originales de sus canciones (el juicio duró 10 años, resultando Diamond el ganador).

En 1968, tuvo éxito la canción "New Orleans", y ya dedicado en exclusiva a componer para sí mismo y en otra marca discográfica, la UNI (más tarde MCA), firmó un contrato por 250.000 dólares, por 8 álbumes. El mismo Diamond reconoció años después que CBS, Capitol Records y Warner Brothers le hicieron mejores ofertas, pero escogió UNI por ser la única compañía que le garantizó la total libertad para componer y grabar. Producido por Tom Catalano, Tommy Cogbill, Chip Taylor, y con arreglos de Marti Paich y Lee Holdridge, se incorporó a los grandes arreglos orquestales, contrastando con la simpleza de los discos que grabó para la Bang. Los álbumes de esta etapa son considerados como innovadores y adelantados a su época, según diversos críticos de revistas especializadas, así fue como consiguió éxitos consecutivos importantes como " Two Bit Man-child", "Sunday Sun",¨"Brookyln Roads" (1968), "Sweet Caroline" , "Brother's Love Travelling Salvation Show", "Holly Holy" , "Until It's Time For You To Go" (1969),"He Ain't Heavy He's My Brother" , "Done to Soon " , "Soolaimon", "Cracklin' Rosie" (1970), que fue primer lugar en Billboard y vendió más de 3 millones de sencillos, "I am I said", "Stones/Crunchy Granola Suite" (1971), "Play me", "Walk on Water", y "Song Sung Blue" (1972), que también alcanzó el primer puesto en la lista de ventas de Estados Unidos.

Aparte de esto, su primera marca disquera Bang, remasteriza sus primeras grabaciones y lanza varios sencillos con una nueva pista musical y sólo deja la voz de las grabaciones originales, con esto Bang lanzaba un sencillo cada vez que UNI lo hacia y consiguieron más éxitos como: "Do It", "I'm A Believer", "The Long Way Home" y "Shilo".

También en 1968 incursionó como productor de Ronnie Dove y Wool, con las canciones " My Babe" y "The Boy With The Green Eyes" respectivamente (ambas compuestas por él mismo) obteniendo éxitos regulares en Billboard.

La consolidación en la década de 1970

Famoso también por ser muy carismático en sus presentaciones en vivo, como demuestra el álbum "Hot August Night" ("Noche cálida de Agosto") (1972), que tiene el récord de ser el primer álbum doble que genera ventas superiores a los 2 millones de dólares, permaneció en listas 243 semanas consecutivas, y para 1996 las ventas mundiales del álbum superaban los 17 millones de copias. Incluso logró superar a artistas emergentes tales como Cat Stevens. De este álbum la canción en vivo "Cherry Cherry" llegó al top 30 de Billboard.

Ese mismo año Diamond firma con Columbia Records/CBS por una cifra jamás ofrecida a otro artista, 5 millones de dólares.

En esta compañía, Diamond consiguió un nuevo éxito en 1973 con la banda sonora de la película Juan Salvador Gaviota (de Hall Bartlett), en la que fue más exitosa la banda de sonido, que la película, y que obtuvo un Grammy como la mejor banda sonora original. De este álbum son éxitos los sencillos "Be" y "Skybird", que durante un tiempo a mediados de la década de 1970 llegó a ser uno del los álbumes más vendidos de la historia musical, con más de 10 millones de copias a nivel mundial.

También en 1973 MCA editó el álbum "Rainbow", una recopilación conformada por los covers que el grabó de otros compositores, en álbumes anteriores.

En 1974 grabó el álbum "Serenade" con éxitos como "Longfellow Serenade" y "I've been this way before" canción que originalmente iba a ser incluida en la banda sonora de Juan Salvador Gaviota, pero que no estuvo lista a tiempo. Aparte MCA editó el álbum de éxitos "And His 12 Greatest Hits", que ganaría varios discos de platino.

En 1976 lanzó el impecable álbum "Beautiful Noise" producido por Robbie Robertson (miembro del grupo "The Band") del cual saldrían éxitos como "If You Know What I Mean", "Don't Think...Feel" y "Dry Your Eyes", la cual interpretaría Diamond en el histórico concierto de despedida de The Band, e incluida en el filme documental de Martin Scorsese, The Last Waltz.

También en este año MCA editó el álbum "And The Singer Sing His Songs" que curiosamente incluía material de relleno y no los hits, pero este álbum encontró su nicho de audiencia y ganó un disco de oro.

En 1977 realizó dos especiales para TV, "Love At The Greek", que reunió lo mejor de sus conciertos en el Teatro griego de Los Ángeles a mediados de 1976, después de casi 4 años de no dar presentaciones en vivo, y del que también se lanzó un álbum doble del mismo nombre en ese año (producido nuevamente por Robbie Robertson), y a fines de 1977 el especial "I'm Glad Your Here With Me Tonight", promocionando el álbum del mismo nombre, producido ahora por Bob Gaudio (miembro del grupo The Four Seasons).

En 1978 estaba escribiendo y grabando material para lo que iba a ser el álbum doble "The American Popular Song", pero su canción del álbum anterior "You Don't Bring Me Flowers", que había llegado al número uno de las listas adulto contemporáneo con él mismo, y que también había sido grabada por Barbra Streisand, fue mezclada por un dj de una estación de radio, y debido a la demanda del público, fue grabado un dueto "oficial" de la canción, de esta forma el álbum fue reeditado con ese nombre y lanzado como un solo disco.

"You Don’t Bring Me Flowers" (1978), la versión grabada a dueto con Barbra Streisand, volvió a alcanzar el número uno en las listas de ventas de su país y estaría nominada como la mejor canción del año en 1979 para los premios Grammy.

También en 1978 editó el álbum "Early Classics", que incluyó los éxitos que obtuvo con discos Bang, ahora que poseía los derechos bajo su propio sello discográfico Frogking Records, y distribuido por Columbia, pero al no tener el tiempo de administrar una empresa discográfica, decide continuar bajo Columbia CBS.

También serían éxitos a fines de la década, "Desiree" (1977), "Forever in Blue Jeans" (que también fue gran éxito en las listas de música country) , "Say Maybe" (1978) " The Good Lord Love's You" y "September Morn" (1979).

Las canciones: "Sunflower" con Glenn Campbell y "Let Me take You In My Arms Again" (gran hit de la música country) con James Darren ambas en 1977 lo seguían confirmando como un compositor exitoso.

La década de 1980.

En 1980 protagonizó una nueva versión del filme "El cantor de jazz" (The Jazz Singer) de Richard Fleischer, recibiendo 4 millones de dólares, siendo hasta la fecha la mayor cantidad de dinero pagada a un actor debutante. Para esta película escribió además la banda sonora, que llegó a ser muy popular; de ahí se desprenden éxitos como "Love on the Rocks", "Hello Again" y "America". El álbum originalmente fue editado por Capitol Records, debido a que en ese momento su contrato con CBS había terminado(el álbum fue editado por CBS a partir del año 1996).

En 1981 volvería a firmar contrato con Columbia Records, esta vez por 30 millones de dólares. Durante esta década editó varios álbum exitosos, entre los que destacan "On The Way To The Sky" (1981), "Heartlight", "12 Greatest Hits Vol 2" (1982), "Classics The Early Years" (1983) y "Primitive"(1984), de nuevo entre los diez discos más vendidos. En 1984 Neil Diamond entró al Salón de la fama de los compositores (Songwriter's Hall of Fame), "Headed For The Future"(1986).

En la década de 1980 canciones como "Yesterday's Songs" ,"Be Mine Tonight", "On The Way To The Sky", "Heartlight" (basada en la película de Steven Spielberg, E.T.), "I'm Alive", "Turn Around" y "Headed for the Future" estarían en las listas del Billboard.

En 1987 lanzó el álbum doble "Hot August Night 2" recopilando su exitosa gira 1986-1987. A partir de este álbum Diamond se enfocó primordialmente al mercado adulto contemporáneo, sin que esto afectara las ventas, logrando el éxito la canción "I Dreamed A Dream" de la comedia musical Los miserables.

En 1988 a fines de ese año editó "The Best Years Of Our Lives", producido por David Foster, con un costo superior a un millón de dólares y que es considerado por muchos críticos y fans su mejor álbum de la década de 1980 por la similitud de su sonido con la era MCA. Tres sencillos llegaron al top ten en las listas Adulto contemporáneo destacando "This Time".

1988 también es el año en que una de sus primeros éxitos "Red, Red Wine" llega al numero 1 de Billboard con el grupo UB40,confirmando su vigencia como autor.

En la década de 1990.

En 1991 editó "Lovescape", producido por Peter Asher, en 1992 el álbum de éxitos con material inédito, "The Greatest Hits 1966-1992", que lo introdujo a una nueva generación de fans y ganó multiplatino. Para competir con este álbum, MCA lanzó el álbum doble "Glory Road 1968- 1972" con lo más destacado de sus años en esta disquera.

También a fines de ese año lanzó "The Christmas Álbum" que llegó al top ten de Billboard, además de esto inició "In The round Tour", una de sus giras más exitosas a nivel mundial y reafirmada con el lanzamiento en 1993 de "Up On The Roof", álbum que rinde tributo a la música del Brill Building, lo mejor de esta gira se documentó con el lanzamiento del álbum doble "Live In America" en 1994, año en el que también editó "Christmas Álbum 2".

El año 1995 es uno de los más difíciles para Diamond, lo sorprende componiendo su nuevo material coescrito con varios compositores afamados de música country; pero también ocurre la quiebra de su vida familiar, ya que gestiona su divorcio de Marcia Murphy, después de 25 años de matrimonio, y que es hasta la fecha uno de los divorcios más costosos (más de 150 millones de dólares), y no por problemas en las cuerdas vocales, como se llegó a especular.

Publicó "Tennessee Moon" (1996), de estilo country, que alcanzó un lugar alto en las listas de ventas de ese género, también en 1996 se editó la retrospectiva de 3 Cd, "In My Lifetime" que reúne lo más destacado de 30 años de grabaciones y material inédito.

En la década de 1990 y la actual decada del 2000 han sido éxitos temas como "Girl You'll Be A Woman Soon" con Urge Overkill, tema de la película Pulp Fiction, "You Are My Number One" y "I'm A Believer" de la película Shrek con Smash Mouth, lo que confirma la vigencia de su música.

Madurez en el siglo XXI

Posteriormente ha editado "As time goes by" (1998) y "Three Chord Opera" (2001). Su álbum "12 Songs" (2005) producido por Rick Rubin que recibió buenas críticas, debutó en la 4ª posición en ventas del Billboard lo que demuestra su vigencia a través de 5 décadas; de este álbum, la canción "Delirious Love", con la colaboración de Brian Wilson de The Beach Boys, fue top ten e incluso número uno en diversos países. Muchas de sus canciones hoy son un clásico en la radiofonía mundial.

Realiza actualmente giras mundiales muy exitosas, documentadas en la colección de 5 cds "Stages" (2003) que le han hecho ganador en varias ocasiones al premio "Amusment Bussines", que otorgan las revistas Billboard y Pollstar a las giras con mayor recaudación.

En 2005 alcanzó la posición 47 según la revista Forbes dedicada a los artistas más taquilleros en 2005 y en ese mismo año su gira mundial recauda más de $73 millones de dólares siendo la gira solista más taquillera.

El 9 de diciembre del 2006 salió una edición especial de la revista Billboard con más de 50 páginas dedicadas a sus más de 40 años de carrera musical, y el 12 de diciembre de 2006 salió a la venta una edición de 2 cds de su aclamado álbum "12 Songs" con versiones alternativas de todas las canciones del álbum, algo inusual en su discografía.

En el año 2007,aparece en la revista Forbes entre los 25 artistas mejor pagados.

A principios de 2008 anunció una nueva gira mundial y para el 6 de mayo el lanzamiento de un nuevo album de nueva cuenta, producido por Rick Rubin, titulado "Home Before Dark".

También en 2008 el participó en el popular programa de TV American Idol como uno de los mentores de esta temporada, asi como Dolly Parton y Mariah Carey.

La semana del 15 de mayo de 2008 "Home Before Dark" debutó en el primer lugar de ventas en Estados Unidos y Gran Bretaña.

Sin duda, Neil Diamond es un artista que ha sabido mantener la vigencia artística en el siempre cambiante medio del espectáculo.

Pagina: http://www.neildiamond.com/

Skizoo

Skizoo es un grupo de Alternative Metal y Hard Rock de la Comunidad de Madrid / España.

Historia

Tras lo que se anunció como una separación temporal de Sôber, una mitad del grupo formó Savia (Carlos Escobedo y Alberto Madrid), que se llevó con la parte mas melodica del grupo, y la otra, formada por los guitarristas Antonio Bernardini y Jorge Escobedo, prepararon el proyecto Skizoo, acompañados por Dani Pérez (batería de Saratoga y Stravaganzza), Daniel Criado (bajista de XXL) y Morti (voz en Bushido y Fantástico Hombre Bala, entre otros), llevando el sonido de Sôber a cotas mayores de dureza y agresividad, dando lugar a un estilo caracteristico en la banda.

Grabaron en 2005 su álbum homónimo de debut, que lanzaron al mercado en Mayo de ese mismo año con la compañía El Diablo. Al poco tiempo, Daniel Criado abandonó el grupo y le sustituyó Edu Fernández (bajista de Stravaganzza), que también se encarga de los coros en las actuaciones en directo. Así dieron con la formación definitiva. Canciones como Renuncia Al Sol, Arriésgate, Habrá Que Olvidar o No Todo Está Perdido les abrieron un hueco importante y merecido en el panorama nacional.

En 2006 ficharon por EMI y reeditaron su primer álbum con la colaboración de Bunbury a las voces en el tema No todo está perdido del EP Habrá que olvidar. Además añadieron una versión de la canción Entre dos tierras, de Héroes del silencio, dos remixes y un DVD con imágenes de la primera gira. A finales de ese mismo año grabaron en Murcia su segundo álbum, Incerteza, lanzado el 19 de Febrero de 2007, último álbum producido por Simón Echeverría (Big Simon), ya que murió antes de su publicación. Este trabajo es claramente más duro y melódico que el anterior.

A principios de 2008 comunican su salida de la multinacional EMI y en Mayo de ese año publican su tercer trabajo llamado "3", con la compañía discográfica independiente DFX, trabajo en el cual experimenta aun mas en el sonido de la banda, pero sin alejarse del Metal Alternativo que les caracteriza.

En el mes de julio de 2008 se confirma la salida de la formación de Dani Pérez y Edu Fernández, aunque la banda confirma su intención de continuar la gira de presentación de 3 como estaba previsto. El día 6, del mismo mes, se dieron a conocer en el sitio oficial los nombres de los nuevos integrantes de Skizoo, en la batería Iván Ramírez (de los desaparecidos Ebony Ark), y en el bajo José Hurtado (Coilbox).

Miembros actuales

- Morti: Voz
- Jorge Escobedo: Guitarras
- Antonio Bernardini: Guitarras
- Iván Ramírez: Batería
- José Hurtado: Bajo

Miembros pasados

- Daniel Criado - Bajo (2005)
- Dani Pérez: Baterías (2008)
- Edu Fernandez: Bajo y Coros (2008)

Pagina: http://www.skizoo.es/

The Mannish Boys

¿Quién podía predecir cuatro discos para una banda que comenzó con el objetivo de grabar un solo trabajo en estudio? Es más, ¿alguien podía decir en ese momento que The Mannish Boys estaría dentro de los principales grupos de blues en el mundo? Es increíble pero cierto. Esta agrupación mantiene al blues en alto, sobrepasando con cada trabajo el nivel de la producción anterior.

Como en anteriores proyectos, The Mannish Boys regresó a las raíces para crear un blues fuerte, similar al de aquellos espectáculos de blues que recorrieron Europa bajo el nombre de American Folk Blues Festival, añadiendo algunos interesantes giros a la formación de la banda en cada trabajo. En esta ocasión, el foco es el cantante Bobby Jones, el nuevo miembro de The Mannish Boys, un veterano de la escena blues de Chicago de los años 50 y 60, muy enraízado en el blues. Tiene una versatilidad tal, que puede pasar sin problemas de interpretar temas al mejor estilo de Howlin’ Wolf a canciones góspel muy sentidas.

En esta nueva producción, “Lowdown feeling”, The Mannish Boys tienen invitados especiales como el armoniquista Little Sammy Davis, gran conocido dentro de los fanáticos del blues, que comenzó su carrera en los años 50 con el guitarrista Earl Hooker y continúa muy fuerte en la actualidad, gracias a su constante participación en el ensamble de Levol Helm, baterista y vocalista de The Band.

También hacen apariciones especiales el guitarrista Junior Watson, reconocido actualmente como el padrino del blues de la costa oeste, el armoniquista Al blake, líder de The Hollywood Blues Flames; y Lynwood Slim. Está el pianista Fred Kaplan, compañero de Blake en The Hollywood Blues Flames; y el guitarrista Fred Scribner, compañero durante mucho tiempo de Little Sammy Davis y discípulo de Earl Hooker.

Todos ellos acompañados por la estelar alineación de The Mannish Boys, encabezada por Richard “Big Foot” Innes en la batería, Ronnie James Weber y Tom Leavey en el bajo, Kid Ramos, Frank Goldwasser y Kirk Fletcher en las guitarras y, como siempre, Randy Chortkoff, en el centro con su ármonica, su voz y su trabajo de producción, encargado de llevar a buen término este álbum.

La calidad de un grupo no la dan solo sus integrantes, también radica en el material que interpreta y una vez más The Mannish Boys presenta un variado y profundo programa, muy bien escogido, mostrando el punto más alto de su fuerza, no solo como músicos sino como un colectivo que es capaz de manejar diversos estilos y modos del blues.

Es poco probable que las canciones que interpreta esta banda sean conocidas, a pesar de ser temas viejos. El sentido de The Mannish Boys es ir a los anales del blues y encontrar esas grandes composiciones que pocas veces han sido escuchadas y hasta interpretadas. De esta forma mantienen el blues con vida, no solo en el sentido musical sino también en el sentido económico, pues ponen algo de dinero en el bolsillo de los compositores o de sus familias.

Pagina: http://www.themannishboys.com/
Fuente: http://www.historiasdelblues.blogspot.com/

Turf

Esta banda se formó en diciembre de 1995 y desde entonces recorrió el circuito de pubs porteños, con temas propios y covers de Charly García y Ratones Paranoicos.

En agosto del '97 grabaron su álbum debut, "Una pila de vida", en el cual participó Charly García en el tema "Despiole generacional". Ese mismo año tocaron como soporte de Los Ratones en el ciclo Buenos Aires Vivo. Los dos cortes de difusión serían "Casanova" y "Crónica Te Ve".

En 1998, tocan como banda soporte de los Rolling Stones en la Argentina, en el estadio de River Plate. Si bien ya eran conocidos, éste show implicó el verdadero salto a la masividad.

Pese a esto, la discográfica Universal les rescindió el contrato. El segundo disco "Siempre libre" fue editado por la compañía Musimundo, y nuevamente contaron la participación especial de CharlyGarcía en el tema "Esa luz".

En el 2001 participaron del multitudinario recital en el Campo Argentino de Polo, junto a R.E.M. y Oasis. A fines de ese año editarían la tercera placa, "Turfshow", cuyo hit "Loco un poco" fue realmente el más escuchado ese verano.

Luego de participar en el Quilmes Rock 2007, la banda anunció su separación por tiempo indeterminado, por diferencias entre Joaquín y el resto de los músicos, según declaró el manager.

Formacion:

Carlos "Toddy" Tapia: bajo y coros
Fernando Caloia: batería
Joaquín Levinton: voz y guitarra
Leandro Lopatín: guitarra
Nicolás Ottavianelli: teclados y coros

Pagina: http://www.turfrock.com.ar/

Florencia Ruiz

Florencia Ruiz nació en Buenos Aires en 1977. Profesora de guitarra egresada del Conservatorio de Morón, Florencia estudió también bandoneón y composición, además de desempeñarse como docente de escuelas y jardines de infantes de la provincia de Buenos Aires.

Su trabajo musical está dedicado a la composición de canciones, y paralelamente compuso músicas para exposiciones e instalaciones. Ella define sus dos producciones discográficas "Centro" y "Cuerpo" como el proceso de "entremezclar una visión de música popular y contemporánea, resultado de una búsqueda personal".

Ambas producciones, grabadas en forma casera, incorporan arreglos para cuerdas o pianos, que contribuyen a generar climas y silencios.

Florencia Ruiz participó en varios ciclos de conciertos como estudiante, interprete y compositora.

La placa "Cuerpo" fue presentada en el Centro Cultural Rojas, en mayo del 2003.

Pagina: http://www.florenciaruiz.com.ar/

Ariel Minimal

Ariel Minimal (nacido Ariel Gustavo Sanzo) es el cantante y guitarrista del grupo de rock argentino Pez. Ganó fama y reconocimiento cuando, en 1996, fue llamado a integrar Los Fabulosos Cadillacs. Sin embargo, los inicios de su carrera se dan en 1985 en la banda punk Descontrol, y su primer acercamiento a la fama en 1992, con Martes Menta.

Minimal lleva registrados diez discos con Pez, cuatro con Los Fabulosos Cadillacs, uno con el trío acústico Flopa Manza Minimal, dos como solista y tres como guitarrista de La Luz, la banda de Litto Nebbia. Es uno de los fundadores de Azione Artigianale, sello que utiliza para difundir su banda actual.

Actualmente se divide entre Pez, La Luz y su carrera solista.

Biografía

Comienzos: Descontrol/Los Minimals

La carrera musical de Minimal comienza en 1985, al frente del grupo punk anarcopacifista[1] Descontrol, junto a sus amigos de la infancia Pablo Poli y Alejandro Alez Barbieri. Este grupo se encuadra en medio del naciente movimiento punk argentino, con bandas como Attaque 77 y Flema. De hecho se niegan a participar en el histórico compilado Invasión '88 que catapultó a estas bandas pues aquel "estaba producido por skinheads".[2]

Durante el período 1985-1988 también pasó por bandas como Cadáveres De Niños y el grupo reggae Cosa De Negros. Además, fue uno de los responsables del inicio de la fama de Attaque 77, pues el primer show de esta banda se dio como telonero de su grupo en el mítico Cemento[3] el 21 de octubre de 1987.

En 1989 forma la banda Los Minimals, de donde extrae su apodo. Este grupo se encuadra en la movida mod, ampliamente influido por The Who, y de él se conserva Beat, un cassette con 9 canciones producidas por el cantante de Cienfuegos Sergio Rotman.[4] El grupo se separa en 1991.

Crecimiento: Martes Menta/Pez/Los Fabulosos Cadillacs

En ese año, Minimal forma Martes Menta junto a Mariano Esain, Fabián y Yanina Ghía y Pablo Michu Varela. En 1992 graban el disco 17 Caramelos, poco después de haber sido teloneros de Soda Stereo durante las presentaciones de Dynamo. El grupo obtiene un moderado éxito radial con su canción "Azul", y es considerado uno de los pioneros del movimiento sónico que los une a grupos como Babasónicos. Pero se separa en 1993 con un disco inédito, Monstruo/Hogar, por editarse.

Es entonces cuando Minimal vuelve a convocar a sus antiguos compañeros de Descontrol, los hermanos Barbieri, y funda Pez, una propuesta que lo acompañaría hasta hoy. En 1996 Rotman (quien produjo grabaciones de Los Minimals y solía compartir shows con Pez) lo convoca a ser parte de Los Fabulosos Cadillacs. Con su aporte, los Cadillacs cambian su sonido y editan dos discos clave en su historia: Fabulosos Calavera y La Marcha Del Golazo Solitario. En 2001, tras grabar los discos en vivo Hola y Chau, la banda se separa. Se reunirían en 2006 para homenajear a Andrés Calamaro, pero Minimal no sería invitado a participar.

Popularidad: Flopa Manza Minimal/primer disco solista

Sin embargo, continuaría con su banda (ya sin los hermanos Barbieri e inmersa en un constante cambio de integrantes que duraría hasta 2005, cuando finalmente logra una formación estable) editando discos como Convivencia Sagrada o Folklore, además de otros proyectos de igual impacto: en 2003 se reúne con sus amigos Mariano Esain (ex Martes Menta) y Florencia Flopa Lestani y, en formato de trío acústico, publica Flopa Manza Minimal. El disco sería elegido como "mejor disco nacional del año" por la revista Rolling Stone en su edición latinoamericana.

Entretanto, en 2004, la inesperada mononucleosis del baterista de Pez Franco Salvador impulsa a Minimal a registrar su primer disco solista: Un Hombre Solo No Puede Hacer Nada. En él incluye varias canciones inéditas, además de un par de covers de artistas como David Lebón y Roberto Carlos y de su propia banda. Una vez más, el material recibe muchísima atención de la prensa. Minimal lo presenta con un grupo de amigos al que denomina Los Ortodoxos: Fernando Minimal (batería, ex Los Minimals), Juan Ravioli (teclados, guitarras), Gerardo Rotblat (percusión, de Los Fabulosos Cadillacs), Leopoldo Limeres (piano eléctrico, de Pez), Martín Méndez y Hernán Espejo (bajo y guitarra, de Compañero Asma y por aquel entonces, Dragonauta).[5]

Actualidad: Litto Nebbia/segundo disco solista

En 2005, Azione Artigianale ayuda al regreso de Gabriel Gabo Ferro a la música tras una ausencia de siete años. Lo hace produciéndole su debut solista Canciones que un hombre no debería cantar, disco documental (grabado en vivo en estudio) donde Minimal aparece acreditado como primera guitarra. Cabe decir que el disco se graba con guitarra clásica.

Poco después, Litto Nebbia lo convoca a formar parte de su nuevo grupo, La luz. Ambos habían trabado amistad cuando Minimal lo invitó a grabar una canción llamada "Todo el tiempo que se va" para su disco solista. Con este grupo, edita en ese año el disco Danza del corazón, contribuyendo en la primera guitarra y coros. En 2006, Nebbia produce el álbum El palacio de las flores de Andrés Calamaro, donde La luz actúa como banda soporte y Minimal es acreditado en guitarra, percusión y coros.

Previamente editó, a comienzos de 2006, su segundo y más intimista álbum solista, Un día normal en el maravilloso mundo de Ariel Minimal, donde compuso, escribió y produjo todas las canciones, además de grabar todos los instrumentos. Se destacan el rescate de una canción de Los Minimals, Tornado Violento y su homenaje a su mujer Nadina, Compañera. Este disco fue presentado durante noviembre de 2006 en el Club de Cultura Plasma junto a una banda que incluyó a César Checho Marcos en guitarra acústica y armónica, a Fabián Ghía (ex Martes Menta) en bajo y voz y a Luque en batería, además del propio Minimal en guitarra y voz; grupo al que llamó El sur de la ciudad.

El 10 de abril de 2007 se presenta como solista en la tienda Harrods (en el marco del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires) con una banda que incluyó a Juan Ravioli en teclados, guitarra y voz; a Gerardo Rotblat en percusión; a Franco Salvador (Pez) en batería; a Federico Boaglio (La Luz) en bajo y a Federico Terranova (de la Orquesta Típica Fernández Fierro) en violín.

En julio de 2007 fue finalmente editado el nuevo disco de Litto Nebbia y La Luz, The Blues, con una decisiva participación de Minimal, en especial en los solos de guitarra y coros, así como en la ayuda que le brindó a Nebbia para que éste volviera a tocar la guitarra eléctrica.[6]

Sus próximos proyectos incluyen un álbum conjunto con la joven artista Florencia Ruiz. Ha participado, asimismo, en la grabación del futuro álbum de Flopa (Emoción homicida).[7] Los orfebres, décimo disco de Pez, fue editado en octubre de 2007.

Minimal vive en el barrio de Boedo con su mujer Nadina y es padre de una nena, Mina.

Pagina: http://www.myspace.com/arielminimal

Sr. Chinarro

Sr. Chinarro es un grupo de música sevillano formado en torno a 1990. Su estilo es fundamentalmente indie y sus mayores influencias son grupos ingleses como The Cure, Depeche Mode, Echo and the Bunnymen o New Order. También está influido por artistas españoles como Kiko Veneno, La Dama se Esconde y el cantante sevillano Silvio. A pesar de considerarse como un grupo, el peso de Sr. Chinarro recae enteramente sobre Antonio Luque. Alrededor de él han gravitado las múltiples reencarnaciones de este proyecto, que bien podría considerarse personal. De hecho, es el único miembro del grupo que ha permanecido en él durante la totalidad de los más de quince años de existencia.

El mayor atractivo de Sr. Chinarro son sin duda las letras de las canciones, compuestas casi en su totalidad por Antonio Luque, a excepción de algunas en los primeros discos. En ellas se combina el surrealismo y el costumbrismo. Metáforas, dobles sentidos, juegos de palabras e imágenes cotidianas se encuentran sin cesar en toda la producción lírica de Antonio Luque.

Historia

Los orígenes de Sr. Chinarro se remontan hasta 1990. En aquel año, Antonio Luque y algunos amigos de Sevilla, entre otros Juan Francisco Morato (ex Bastos) y Jesús Franco, empiezan los ensayos que germinarán en 1991 con la publicación de la primera maqueta del grupo que contenía 4 cortes. Otra maqueta de dos canciones también sería grabada en aquel año. Durante los primeros años, el grupo formaba parte del Colectivo Karma, una especie de agrupación de los incipientes grupos de indie sevillanos.

Sería con el Colectivo Karma con el que el grupo de Antonio Luque publicase de forma oficial sus primeras canciones. Era el año 1992 y en un disco homónimo del Colectivo aparecían las canciones Escapa amanecer, Campanario y Esquivar.

Las canciones de Sr. Chinarro llegarán a Madrid, donde son recibidas con algarabía por el fanzine Malsonando. La persona detrás del fanzine es Jesús Llorente, gran conocedor de la escena indie local. Frustrado al ver que no conseguía que ningún sello publicase el trabajo de Sr. Chinarro, sería el propio Llorente quién pusiera los medios para que las canciones salieran al mercado. De esta forma nace Acuarela Discos en 1993 teniendo como primera referencia el EP Pequeño Circo. Desde entonces y hasta 2005 todos los lanzamientos del grupo serían por medio de Acuarela, a excepción de algún single y colaboraciones.

En 1994 el grupo vuela hacia Nueva York para encontrarse con Kramer, famoso productor por cuyas manos habían pasado grupos como Galaxie 500, Low o Bongwater. El resultado del encuentro sería el primer LP del grupo titulado Sr. Chinarro: trece canciones entre las que se incluye una versión de Leave Me Alone de New Order. A pesar del renombrado productor el sónido es muy oscuro y mate.

El single Lerele (1995) y el disco Compito (1996) seguirían la senda trazada por el primer disco, aunque el grupo va ganando en matices y profundidad. En 1996 aparece el single de vinilo Ondina dentro del "Club del Single" de Elefant Records; contiene una versión del tema titular de Aviador Dro y otra de La Casa del Misterio de los Ilegales.

La primera gran transformación llega en 1997. Con la entrada de David Belmonte, pintor e instrumentista, el sonido se vuelve mucho más colorista y alegre. Los coros femeninos y las referencias al folclore andaluz son constantes en El porqué de mis peinados (1997) considerado por algunos como la obra magna del Sr. Chinarro. El disco fue escogido por la revista Mondosonoro como uno de los 25 mejores discos en castellano y ocupa el puesto 96 en la lista de Los 100 mejores discos españoles del siglo XX, publicada en 2005 por la revista Rockdelux.

Noséqué-nosécuántos fue publicado en 1998 y continúa por la senda de la fórmula que tan bien había resultado con el anterior LP. Belmonte y las referencias andaluzas siguen ahí pero sería por última vez, ya que el nuevo siglo, deparaba otra vuelta de tuerca.

Tras pasar 1999 casi en barbecho y recomponiéndose de la salida de la formación de Belmonte y de Sandra, la corista; el 2000 llega con el EP La pena máxima bajo el brazo. Además de contener una de las mejores canciones de Antonio Luque hasta la fecha, - la estremecedora Cero en gimnasia-, el EP sirve como anticipo de lo que se avecina. Adiós a la alegría y al aire constumbrista que despedían los discos anteriores y bienvenida a tonos más grises y apagados.

Ya en 2001 llega La primera ópera envasada al vacío. Este es posiblemente el disco más díficil y áspero de toda la saga de Antonio Luque. La música suena cortante y la voz de Luque parece más apagada que de constumbre. Muchos quisieron ver en el LP una aproximación al slowcore de Low y Piano Magic en boga por entonces o incluso al post-rock.

Como complemento a La primera ópera... llegara en 2001 el EP La casa encima y en 2002 otro EP de título La tapia del perejil. El sonido arisco sigue ahí e incluso Antonio Luque se permite el lujo de experimentar con efectos de sonido y samplers hasta ahora inéditos en su discografía. En 2001 se publicó también el recopilatorio Despídete del lago. Las rarezas de Antonio Luque 1993-2001 donde se incluyen caras-b de los singles, mezclas diferentes, versiones y canciones inéditas o aparecidas en otros recopilatorios.

La siguiente reinvención del Sr. Chinarro comienza en 2002 con la publicación de su sexto LP de título Cobre cuanto antes. Aunque no es un retorno al pop propiamente dicho se distancia lo suficiente de La primera ópera... para marcar el comienzo de una nueva étapa. La culminación de esta llega con El ventrílocuo de sí mismo (2003) donde las melodías vuelven por la puerta grande.

Cuanto todo parecía que el destino de Sr. Chinarro estaría eternamente lígado a Acuarela Discos, a finales de 2003 salta la noticia de que el grupo había abandonado su discográfica de toda la vida para pasar a la recién creada El Ejército Rojo, un sello propiedad del grupo granadino Los Planetas en colaboración con la multinacional RCA. Las causas del cambio no son del todo bien conocidas pero es notoria la gran amistad que une a Antonio Luque con los miembros de Los Planetas. Aún así, Acuarela Discos sigue administrando la edición de las canciones del grupo sevillano.

A finales de 2004 empieza la grabación del primer disco del grupo fuera de Acuarela. En ella participan, además de Antonio Luque, otros músicos conocidos de la escena indie española, como Antonio Arias (Lagartija Nick), Pedro Sanmartín (La Buena Vida) y el propio (J de Los Planetas como corista y productor del disco. Otra colaboración inesperada es la del cantaor Enrique Morente.

Estaba claro que el octavo disco chinarro iba a ser muy diferente al resto y así fue. El fuego amigo (2005) es sin lugar a dudas el disco más accesible y agradable de toda la discografía de Antonio Luque y cia. La producción es mucho más cuidada que antes y la tan especial voz de Luque suena inmejorable. El disco fue respaldado unánimemente por la crítica llegando incluso a auparse en lo más alto de las listas de lo mejor del año en algunos medios, como la revista RockdeLux, donde es elegido Disco del Año.

Para rematar el año 2005 se presenta también el documental sobre el grupo titulado Minutos musicales con el Sr. Chinarro dirigido por Sergio Silva y Mae Molina y estrenado en el CCCB de Barcelona.

En 2006 Sr. Chinarro edita el álbum El mundo según Sr. Chinarro, una continuación de El fuego amigo, en el sello discográfico Mushroom Pillow. Entre las nuevas canciones destacan algunas como "La decoración", "No dispares", "El lejano oeste" o "Esplendor en la hierba", y es elegido, por segundo año consecutivo, Disco del Año por la revista RockdeLux

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Uriah Heep

Uriah Heep es una banda de rock británica surgida a finales de los años sesenta, desde las raíces de Spice, banda en la que militaban el mítico vocalista David Byron, y el guitarrista Mick Box, primeros fundadores del grupo. Uriah Heep se convirtió en una verdadera banda pionera del género "Heavy metal", aunque destacó por la heterogeneidad de su música, a caballo entre el Hard Rock, el estilo progresivo y la épica en dos de sus álbumes más conocidos: Demons & Wizards y The Magicians Birthday, a la postre influencias claras `para bandas como Blind Guardian y otras seguidoras del Metal épico. Se caracterizó, entre otras cosas, por sus constantes cambios de alineación, en la cual el único miembro permanente ha sido el guitarrista Mick Box.

En el año 1970, cambiaron su nombre de Spice a Uriah Heep, influenciados por un peculiar personaje de una de las más universales obra de Charles Dickens, David Copperfield. Fue en ese año cuando entraría a formar parte de la banda Ken Hensley, proveniente de la banda The Gods, y que se convertiría con el paso del tiempo en la verdadera alma y compositor principal de casi todas las canciones del grupo en su época dorada. Se ocuparía de los teclados y en ocasiones de la slide guitar. También puso la voz a uno de los mayores éxitos por aquel entonces, Lady in black.

Box, Byron y Hensley se convertirían en el pilar fundamental de la banda asistiendo a constantes cambios en el bajo y batería, hasta que en el año 1972 ingresaran Gary Thain y Lee Keerslake. Hasta entonces habían publicado tres álbumes: Very ´eavy, very , humble, en 1970, que supuso un magnífico debut, pero que la crítica defenestró con el argumento de que era una copia descarada de Deep Purple, algo incierto que se podía explicar porque en aquellos tiempos los dos conjuntos llegaron a compartir salas de ensayo y se dejaron influenciar por el sonido predominante de los teclados de John Lord. En poco menos de un año, se resarcieron ante crítica y público con la publicación de Salisbury (1970) y Look at yourself (1971), disco éste último en el que encontraron su sonido característio, como afirmarían más tarde.

Las ventas comenzaron a dispararse tanto en su país de origen como en el extranjero, encontrando en países como Alemania, Holanda o Japón sus más fieles seguidores. Entonces llegó 1972, con las nuevas y a la postre definitivas incorporaciones que enriquecieron el sonido de la banda. La publicación de Demons & Wizards en 1972 les llevó a lo más alto, un disco redondo que bien podría haber sido un trabajo conceptual, ya que sus temas giraban casi en su totalidad acerca de temas alegóricos y llenos de fantasía épica. En este álbum está incluido su hit de mayor éxito, Easy livin´.

Éste álbum encontró la continuidad perfecta en The Magician´s Birthday, que salió a la venta a los pocos meses de publicarse el anterior, y que les hizo ganarse la fama en todo el mundo. El sonido de éste último es más progresivo y sigue la temática de álbum conceptual que comenzó el anterior. La portada de Roger Dean, artista en alza que ya se trabajaba con artistas como Yes, contribuyó a realzar el trabajo impecable de la grabación.

Publicaron desde 1973 hasta 1976, año en que David Byron fuera expulsado del grupo, otros cinco álbumes más, incluyendo el aclamado Live January 1973, uno de los mejores directos grabados en el mundo del rock. Los discos en estudio fueron: Sweet freedom, Wonderworld, Return to fantasy y High & Mighty, que a la postre sería el mayor fracaso de la banda, debido a las tensiones internas y a que prescindieron de Gerry Bron, productor habitual, para producirlo ellos mismos...En medio de la gira de presentación del disco, Byron fue despedido, por una adicción al alcohol que ya se hacía insoportable. Gary Thain había sido despedido de la misma forma año y medio antes por su adicción a las drogas, siendo sustituido por John Wetton. Curiosamente, el último concierto del genial cantante se celebró en Bilbao, a mediados de 1976...en el Pabellón de La Casilla.

Después nada volvió a ser igual, y aunque firmaron alguno que otro buen disco como Firefly o el magnífico Abominog, la magia de los primeros tiempos se esfumó, dejando tras de sí una estela de éxitos y buen rock, que no fue del todo reconocido en su época, aunque con el paso del tiempo ganan credibilidad...

Aunque en la actualidad siguen gozando de buena reputación, sus grandes obras aparecen en la década de los setenta, específicamente entre los años 1970 y 1976. Durante aquellos años su nombre figuró junto a los de Black Sabbath, Deep Purple o Led Zeppelin, formando el cuarteto de máximos referentes del Rock Duro.

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Manolo García

Manuel García García-Pérez (Manolo García) (* Poblenou, Barcelona, 19 de agosto de 1955) es un cantante, compositor y pintor amateur español. Grabó sus primeros discos con grupos como Los Rápidos y Los Burros, alcanzó el éxito comercial con El Último de la Fila y actualmente continúa su carrera en solitario. Se caracteriza por un sonido pop rock mestizo con ritmos árabes, aflamencados y melódicos y por sus letras que aúnan lírica y surrealismo.

El artista catalán se ha caracterizado durante toda su carrera por mantener su vida personal muy alejada de su vida pública, por lo que el estado civil de Manolo García, así como su vida privada y todo lo alejado de lo estríctamente artístico, queda fuera del conocimiento popular.[2] No obstante, es conocido su parentesco con la también cantante Carmen García (componente del grupo Carmen), de la que es hermano.

Primeros pasos artísticos

Infancia y primeros pasos en las artes plásticas

Aunque Manolo García nació en el barrio barcelonés de Poblenou,[3] sus raíces familiares están en la provincia de Albacete, en el pueblo serrano de Férez, debido a lo cual existe cierta ambigüedad en las biografías escritas sobre el artista o alguno de los grupos a los que perteneció.[4]

Su infancia estuvo marcada por sus primeros coqueteos artísticos. A la temprana edad de 7 años se encontraba realizando performances en la terraza de su hogar en las que ya combinaba distintos enfoques artísticos mezclando la pintura con desechos industriales como bidones o plásticos y otros elementos de difícil categorización. Todo ello alternado con sus estudios básicos obligatorios.

El perfil artístico que primero empezó a manifestar fue su afición a la pintura y la plástica. A los 14 años aún continuaba experimentando con las posibilidades de las artes plásticas, dedicándose a probar nuevos productos y pegamentos, mediante una formación totalmente autodidacta y con carácter amateur. No es hasta poco después cuando entra en el mundo laboral como pintor de cuadros al óleo, donde, según Quimi Portet, se convirtió en un especialista en cielos y lagos, debido a que se encargaba de rellenar las zonas azules de los paisajes, generalmente cielos y lagos.

Tras acabar sus estudios básicos, en torno a los 17 años, Manuel García comienza a dar tumbos en el mundo laboral, con trabajos como empleado de una empresa metalúrgica ,donde ganó un concurso de dibujo organizado por la propia empresa, o botones en una agencia de publicidad, al tiempo que seguía su progresión artística. Buscando su vocación empieza a trabajar en el estudio de diseño gráfico de dicha empresa publicitaria, es entonces cuando decide estudiar diseño gráfico, matriculándose en la l’Escola d’Arts Aplicades i Oficis Artístics de Barcelona, donde recibe su primera formación especializada sobre las artes plásticas.

A los 21 años, inmerso ya en el mundo de la música siendo componente de diversas bandas locales, trabajaba como diseñador para casas discográficas dedicadas a la realización de covers (copias piratas) de los LPs nacionales de más éxito de mediados de los 70. Durante seis años de trabajo en dicha discográfica, Manolo García llegó a realizar los diseños de más de 400 carátulas, generalmente de formato casete.[5]

En 1981, al acabar el servicio militar, Manolo García llegó a rodar unas escenas al final de la película con guión de Francesc Bellmunt, La batalla del porro, a la que llegó por casualidad supliendo a un compañero que no pudo asistir al rodaje.[6] [7]

Iniciación en el mundo de la música

Manolo García comienza su andadura musical también a muy temprana edad, pasando la mayor parte de su juventud conviviendo entre sus dos principales iniciativas artísticas, la pintura y la música. Pero no es hasta los 25 años cuando consigue su primer contrato discográfico.

A los 10 años de edad surgen los primeros intereses acerca del mundo de la música, y en particular del cante, al entrar en el Centre Cultural i Moral del barrio de Poblenou; empezó a destacar por su entrega, llegando a desmayarse en una de las actuaciones. Tras unos años en los que su afición por las artes plásticas eclipsó sus intereses musicales, Manolo decide comprar su primera batería con ayuda económica familiar. Tras un tiempo de práctica, pasó a formar parte de un conjunto musical llamado Materia Gris, en el cual García era el batería.

Con Materia Gris, Manolo realizó actuaciones durante cuatro años, todas ellas de carácter local dentro de Cataluña, tocando en fiestas patronales, bautizos y demás celebraciones cotidianas. Tocaban canciones de los grupos nacionales de éxito y canciones populares, aunque solían acabar los conciertos tocando temas de grupos clásicos del rock and roll cuando su público empezaba a escasear. En los últimos momentos antes de la desaparición del grupo, cambió su nombre a Satán.

El siguiente conjunto musical en el que residió fue Silma y su Conjunto, grupo en el que siguieron la misma línea de actuaciones que su predecesor, pero fue en éste cuando Manolo empezó a ganar protagonismo como vocalista, ya que Silma, vocalista habitual del grupo, cedía el micrófono para que Manolo García cantara sus primeros temas en directo.

Cuando entró de diseñador gráfico de discográficas de dudosa legalidad, consiguió grabar algunos covers de artistas consagrados como Miguel Bosé, la Orquesta Mondragón, Miguel Ríos o Triana, siendo este último el único del que se tiene acceso. El Cover de Triana presumiblemente de principios de 1980, es el primer documento sonoro conocido donde se recoge la voz del cantante español, está compuesto por 6 canciones de las más populares del grupo, en las que García puso voz y tocó la batería.[5] [8]

Antes de conseguir grabar un álbum con composiciones propias, participó en la grabación de Tengo una idea (1980) del cantante nacido en Argentina pero residente en España, Sergio Makaroff, junto a otros músicos con los que más adelante formaría su propia banda como son Antonio Fidel, Josep Lluís Pérez y Esteban Martín. Manolo tocó la batería e hizo algunos coros en el disco del cantante argentino como se aprecia en canciones como Explorador celeste.[9]

Andadura musical

Los Rápidos y el primer contrato discográfico

Tras grabar el disco de Makaroff, los músicos decidieron unirse en una banda y probar en el mundo musical, incorporando al batería Lluís Visiers para que Manolo García pudiera ser el vocalista del grupo. Con un puñado de temas compuestos grabaron una maqueta que entregaron a EMI, y con tan sólo dos meses de ensayos consiguen su primer contrato discográfico,[10] de ahí el nombre que propusieron para su banda, Los Rápidos.

En 1980 graban su primer álbum, titulado Rápidos, que contenía doce canciones de un simple y marcado pop rock, con canciones como Navaja de papel, T.V. o Ruta del sur, de las cuales García escribió casi todas las letras y algunas de las melodías del álbum. A pesar del apoyo de la discográfica, que pretendía hacer de ellos la alternativa catalana a la movida madrileña, el disco fracasó en las tiendas vendiendo en torno a 2.000 copias. No obstante, el grupo hizo cerca de 300 conciertos por la geografía catalana, generalmente ante un escaso público; fue ahí donde el grupo empezó a transgredir por el happening teatral que combinaban con su música, usando en los conciertos materiales de dudosa catalogación como duchas de espuma, plásticos, embudos de los que salía humo, bidones industriales o televisores, que además Manolo solía romper en directo con intención de escandalizar.

A pesar de no dejar la carretera, el grupo fue telonero de grupos de la talla de la Orquesta Mondragón y Ramones, a la par que actuaron en el programa televisivo Musical Express.

El grupo tuvo preparadas las canciones que pasarían a formar parte de su segundo álbum, sin embargo la discográfica les retiró el apoyo ante las pocas perspectivas de éxito, así que el grupo se vio abocado a su disolución, aunque sus actuaciones continuaron hasta finales de 1981.

El encuentro con Quimi Portet y la disolución de Los Rápidos

Mediada la gira del grupo, se produjo el encuentro entre Manolo García y Quimi Portet. Los Rápidos fueron invitados al festival Rock de Lluna, coincidiendo éstos con un grupo catalán llamado Kul de Mandril, en el que Quimi Portet tocaba la guitarra a la vez que ponía la voz cantante. A Manolo le agradó la forma de tocar de Portet y le propuso unirse a Los Rápidos para lo que quedaba de gira, a lo que Quimi aceptó.

Los componentes de Los Rápidos se dispersaron tras finalizar la gira, para buscar por separado cada uno su carrera musical. Manolo García se marchó al País Vasco para intentar la formación de una nueva banda musical, con la ayuda de La Orquesta Mondragón. A pesar de sus esfuerzos no tuvo éxito en su periplo vasco.

Los Burros

A su regreso a Barcelona, Manolo García encontró a algunos de sus ex compañeros, junto a Jordi Vila ensayando nuevas canciones y algunos temas de su etapa anterior. Fue entonces cuando accedió a ser el vocalista de una hipotética nueva formación musical.

Una vez se decidió el nombre del grupo, Los Burros, el grupo empezó a actuar sin ni siquiera tener un contrato discográfico. Incluso comenzaron la grabación de los temas por propia cuenta, autoeditándose con la ayuda de Toni Coromina; una vez tenían parte de su álbum grabado no tuvieron problemas para firmar con la discográfica independiente Belter. Así, en 1983 sale al mercado Rebuznos de amor, álbum que combina el estilo sencillo de Los Rápidos con el surrealismo aportado por Quimi, con canciones como Huesos, Mi novia se llamaba Ramón, y otras canciones que ya constaban entre el material inédito de Los Rápidos, y posteriormente pasaron a formar parte del segundo álbum de Los Rápidos, que recopilaba dicho material. Es el caso de Conflicto armado, Disneylandia y Moscas aulladoras, perros silenciosos. Manolo pone la voz a todos los temas vocales y es el principal compositor de los temas, junto a Quimi Portet.

El mercado volvió a darle la espalda a Manolo García en esta nueva aventura musical, sin llegar a superar los 3.000 discos vendidos, a pesar de que la crítica se dedicó a ensalzarles. Belter fue a la quiebra cuando Los Burros ya tenían preparadas las maquetas para un próximo disco, dejando sin renovar la licencia de los discos que editó entre los que se encontraba Rebuznos de amor. Fue entonces cuando decidieron dar por acabada esta etapa.

Durante esta época, Manolo García y Quimi Portet junto a Jaime Gonzalo formaron una pequeña compañía de discos, llamada Discos Kriminales, en la que se dedicaron a producir algunos singles de unos pocos artistas allegados a los fundadores. Sacaron singles de Loquillo y Trogloditas, y algunos otros grupos de menor importancia como Primero Senguda, además de una gran cantidad de maquetas. Lograron que se editara un single de Kul de Mandril, Jamón de mono, que hasta ahora no habían conseguido producir. Sin embargo, al no verle demasiado futuro al negocio, decidieron dar por acabada la empresa.

El Último de la Fila y el éxito comercial

Tras el fracaso comercial de sus discos anteriores, Manolo García decide junto a Quimi Portet unirse en una nueva formación apoyados por la pequeña discográfica independiente PDI, llamando a su grupo El Último de la Fila, grupo con el que le llegaría el éxito y reconocimento comercial y popular.[11]

La trayectoria musical del artista cambió drásticamente, El Último de la Fila tuvo su primer éxito ganando el concurso de maquetas de la revista Rock Spezial, lo que los hizo merecedores de un precontrato con la discográfica multinacional Virgin, el cual rechazaron para mantener su palabra con PDI.

En 1985 graban su primer disco titulado Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana. El estilo de este disco cambió el concepto musical de los trabajos en los que había trabajado Manolo García, pasó del sencillo pop rock al mestizaje de estilos, dando a sus canciones aires aflamencados y árabes. Todas las canciones están escritas por Manolo y Quimi, y cantadas por Manolo, destacando piezas como Querida Milagros o Dulces sueños. Al año siguiente, 1986, apareció en el mercado el segundo álbum, Enemigos de lo ajeno, con un estilo continuista con su anterior LP y que contenía algunas de las canciones más recordadas del artista como son Insurrección o Aviones plateados. Además, recorrieron toda la geografía española en una extensa gira, dando unos conciertos muy contundentes y energéticos. Los seguidores del grupo empezaban a ser numerosos.

1987 fue un año de publicación de varios trabajos con la participación de García. Salió a la venta Nuevas mezclas, un LP que contenía algunas de las más conocidas canciones de sus dos primeros trabajos, pero regrabadas en un estudio de Londres con un toque distinto. Se convirtió en poco tiempo en el disco más vendido del grupo. Además de este proyecto, Manolo produjo el primer disco de Quimi Portet en solitario, llamado Persones Estranyes, y grabó junto a Quimi y bajo el nombre de Los Burros, con Grabaciones Accidentales (GASA), discográfica que se había hecho con los derechos de las canciones de Los Burros, un mini-LP llamado Jamón de burro que contenía seis canciones muy variopintas, desde una nueva versión de Huesos hasta una canción de Kul de Mandril como Jamón de mono, pasando por composiciones descartadas de aquellos años y alguna canción nueva.

El nuevo disco del grupo no se demoró, Como la cabeza al sombrero sale en 1988. El álbum grabado en Francia es el más acústico del grupo y de toda la carrera de Manolo García, y también considerado por muchos de sus seguidores como el mejor álbum de su carrera, siendo el primero en el que el rock es llevado a un plano secundario. Destacan temas como Ya no danzo al son de los tambores o Llanto de pasión. El grupo superó las ventas de su anterior álbum y se acrecentó muy notablemente la demanda de entradas para sus conciertos. El 10 de septiembre de ese mismo año, Manolo García y Quimi Portet, fueron invitados al concierto Human Rights Now! (Concierto Pro Derechos Humanos) a compartir escenario con artistas del calibre de Bruce Springsteen, Tracy Chapman, Sting, Peter Gabriel y Youssou N’Dour.

El Último de la Fila dedice marcharse a una discográfica mayor, EMI, que les permitió tener un sello discográfico propio, Perro Records. Con esta noticia sacaron al mercado Nuevo pequeño catálogo de seres y estares en 1990, el disco más experimental del grupo y de toda la carrera del artista, aunque sin perder el estilo comercial con el que habían conseguido el éxito, con canciones como Cuando el mar te tenga o Músico loco. En poco tiempo se convirtió en su disco más vendido. Tanto en la contraportada del disco como en su gira, incluyeron logotipos de diversas organizaciones ecologistas, mostrando así un lado comprometido y solidario. En este mismo año el grupo fue telonero de Tina Turner en sus conciertos por Europa.

En 1993 el grupo volvió a sacar un disco al mercado, llamado Astronomía razonable, uno de los discos de más éxito de la carrera del artista barcelonés, llegando a vender casi un millón de copias. Contiene algunas de las canciones más carismáticas y reconocibles del artista como Como un burro amarrado en la puerta del baile o Mar antiguo. El disco también salió en una versión para Italia, con seis de los temas cantados en el idioma italiano. Tras un año sabático, salió a la venta en 1995 el último disco del grupo, La rebelión de los hombres rana. El disco sugería unos ritmos más lentos y oscuros que a los que acostumbraba el artista, lo que no gustó a todos los seguidores, pero que contenía talentosas canciones como Sin llaves o Las hojas que ríen. Las ventas sufrieron un leve receso, lo que no afectó a la gira del grupo, donde llenaban los recintos donde actuaban.

Ese mismo año, Manolo García se reunió con los antiguos componentes de Los Rápidos y decidieron publicar la maqueta que contenía las canciones que darían forma a su segundo LP, si éste hubiera llegado a publicarse. Así, bajo el nombre de Los Rápidos 2 - Maquetas, el sello Perro Records lo sacó a la venta para dar a conocer unas canciones que de otra forma caerían en el olvido.

Tras dos años en los que no había noticias sobre el grupo, el 13 de enero de 1998 el grupo anunciaba su disolución[12] para probar suerte en solitario, alegando que ya habían dado todo lo que podían juntos y lo mejor era trabajar cada uno por su lado. Fue justo en ese instante cuando empieza la carrera en solitario de Manolo García.

Inicio de su trayectoria en solitario

En el mismo año de la separación, Manolo García saca al mercado su primer trabajo en solitario, Arena en los bolsillos, grabado en Londres con la ayuda de Nacho Lesko y Pedro Javier González, consiguiendo en su primera semana el primer puesto de la lista de ventas AFYVE y logrando más de 900.000 discos vendidos durante su presencia en dicho listado.[13] El cantante catalán se convertía así en uno de los pocos artistas españoles que al dejar atrás una banda, mantenían el mismo éxito comercial en solitario. Fue debido a que el disco contenía canciones que iban desde el pop melódico más intimista hasta el rock and roll que caracterizó al artista en sus primeros grupos. Así, canciones de este mismo disco como Pájaros de barro, A San Fernando, un ratito a pie y otro caminando o Como quien da un refresco fueron del agrado de la gran mayoría de seguidores que se habían aficcionado a las canciones del músico en sus anteriores etapas. La gira que a continuación emprendió el artista le llevó a actuar en casi 100 conciertos por todo el territorio español con un rotundo éxito. Fue el primer disco editado con Perro Records desde que este sello musical decidiera distribuir con la multinacional BMG. Con este álbum consiguió los premios amigo a "Mejor solista masculino español" y al "Mejor álbum español" y tres premios de la música como "Mejor artista pop", "Mejor álbum" y "Mejor producción artística",[14] además del premio ondas al "Mejor artista en directo".

Al año siguiente, 1999, reunió en un box set todos los singles editados de su primer trabajo en solitario, sacándolo al mercado bajo el nombre de Singles - Arena en los bolsillos, en edición limitada de 50.000 copias. El valor del box set residía, además de en los temas ya incluidos en el disco, en las caras B de dichos singles, entre los que se encontraban versiones en directo, maquetas y alguna nueva versión de los temas del álbum. Junto con los CDs se incluían postales con ilustraciones y fotos del artista y un póster.

El segundo trabajo en solitario: Nunca el tiempo es perdido

Tras dos años de silencio, Manolo García volvía a grabar un nuevo disco en 2001, esta vez con sólo la coproducción del guitarrista Pedro Javier González. Su nuevo álbum que se llamó Nunca el tiempo es perdido, grabado entre Gerona, Barcelona y París, y mezclado en Los Ángeles, contenía trece canciones pop con un toque más intimista que su primer trabajo en solitario y con mayor protagonismo de violines y elementos acústicos, destacando temas como Nunca el tiempo es perdido, Prendí la flor o Rosa de Alejandría. Las expectativas creadas con su anterior álbum hicieron de éste segundo trabajo número uno en ventas durante las primeras semanas tras su salida, llegando a vender más de medio millón de copias.[13] Manolo salió de nuevo a la carretera para presentar el disco en directo, tan sólo dos días después de que el álbum se pusiera a la venta, realizando 72 conciertos durante cinco meses, con más de 500.000 asistentes. Acabada la gira, la demanda de directos llevó al cantante español a realizar una mini gira acústica por teatros y otros recintos de menor aforo hasta febrero de 2002. Este nuevo álbum estuvo acompañado de los premios amigo a "Mejor solista masculino español" y "Mejor álbum español", uno de los premios de la música por "Mejor álbum pop"[15] y un premio ondas por toda su contribución al pop español.

Como ya hizo con su primer trabajo en solitario, Manolo García volvió a reunir sus singles en un box set de carácter artesanal, para sacarlo a la venta bajo el extenso título de Los singles + Canciones en directo gira 2001-2002 - Nunca el tiempo es perdido. En esta ocasión, además de incluir los singles comerciales con sus caras B, incluyó versiones en directo de su gira acústica y dos canciones nuevas improvisadas durante un concierto de la gira, que son Graná y Blues de la patilla.

A finales de noviembre de ese mismo año, se produjo un incidente que irritó al cantante y compositor catalán. El programa de televisión Operación Triunfo utilizó una canción del artista, Pájaros de Barro, pagando los derechos correspondientes pero sin pedir permiso al propio autor. Bajo el nombre de Operación Triunfo y el derecho a la disidencia,[16] Manolo García realizó una queja pública donde dejó clara su postura y criticó con dureza y abiertamente el planteamiento artístico del programa y su excesiva orientación comercial.

Para que no se duerman mis sentidos

2004 fue el año en el que Manolo volvió a publicar disco, así tras dos años alejado del panorama musical sale al mercado Para que no se duerman mis sentidos, su tercer álbum en solitario, en el que mantiene los mismos esquemas musicales de sus anteriores trabajos bajo la coproducción de Nacho Lesko y Pedro Javier González, como es habitual. Para esta ocasión, el artista catalán viajó a Brasil con la intención de grabar allí algunas de las canciones del álbum, como Para que no se duerman mis sentidos o Niña Candela. El resto del disco se grabó en Gerona y Barcelona con los músicos habituales. Además de las ya nombradas, de este álbum destacan temas más rítmicos que los de sus anteriores trabajos, como Malva o Si te vienes conmigo, y otros temas más acústicos como Una tarde de sol. El disco fue editado junto a un DVD que contenía un vídeoclip y vídeos artísticos de otras nueve canciones. Como en todos sus trabajos en solitario hasta ahora, el disco se colocó líder en ventas, según AFYVE, durante las semanas adyacentes a la salida del álbum. Cuenta además con el premio ondas al "Mejor artista español".

Al no haber editado más que un par de singles comerciales, en vez de realizar una nueva recopilación con todos los sencillos del disco, tras la gira Manolo García volvió a meterse en el estudio de grabación para editar Singles, directos y sirocos. La nueva rareza musical del artista se compone de un box set con dos CDs y un DVD y salió a la venta durante la navidad de 2005. El primer CD, denominado Singles y sirocos, contiene catorce temas entre los que hay cinco canciones nuevas como Sólo amar o Viento ardiente, algunas versiones distintas de los temas del álbum, una maqueta llamada Combustión (Incendio) y una canción en directo. El segundo CD tuvo por nombre Canciones en directo y contenía algunas de las canciones que ofreció durante la gira. El DVD estaba compuesto por la grabación de siete canciones durante uno de los conciertos de la gira, junto con un vídeo-clip.

En abril de 2007, el cantante catalán viajó a América para realizar una gira por países latinoamericanos. Acorde con ella se editó una versión de Para que no se duerman mis sentidos incluyendo dos temas más de los ya incluidos en sus discos anteriores: Pájaros de barro y Nunca el tiempo es perdido. Como herramienta de promoción se creó una nueva página web oficial exclusiva.

Saldremos a la lluvia

El 13 de mayo de 2008 salió a la venta su cuarto disco en solitario: Saldremos a la lluvia. Gran parte del disco se grabó en Creta (Grecia), con importantes influencias de la música griega. Resulta un disco más claro que de costumbre en cuanto a las realidades sobre las que Manolo quiere hacer reflexionar, con especial énfasis en la ecología. Cuenta con la colaboración de músicos de Ojos de Brujo, y las mezclas corrieron a cuenta de Neil Dorfsman, ingeniero de sonido que ha trabajado con Eric Clapton, Mark Knopfler u Oasis.[17] [18]

En el álbum, menos eléctrico y más sereno que los trabajos habituales del artista catalán, destacan baladas como Los cítricos amantes, escasos temas rockeros como Provincia de Río Negro y sobre todo composiciones en medio-tiempo como Saldremos a la lluvia, Tu pequeña tienda o el primer sencillo del álbum: No estés triste.

En la primera semana que estuvo a la venta se colocó primero en la lista de Promusicae y obtuvo un disco de platino.[19] Manolo García realizará durante 2008 una extensa gira que le llevará a tocar en directo por toda la geografía española.

Manolo García como pintor amateur

Manolo García ha mantenido un interés en la pintura artística durante toda su vida. A pesar de gozar de un cierto reconocimiento, el artista niega haber obtenido remuneración económica alguna por lo que, según él mismo, sigue siendo sólo una afición. A pesar de ello, ha publicado dos libros en el mercado, cuyo contenido principal son reproducciones de sus cuadros. Según García, su afinidad a la pintura es una forma de alejarse de la comercialidad y la tecnología que impera en el mundo.[20] Respecto a la relación entre su pintura y su música en una entrevista declaró: Tal y como fusiono, escribo y ligo instrumentos en la música lo hago en la pintura. Soy bastante barroco y rococó. Recargo los cuadros. Del título de un cuadro se me ocurre una canción y cojo la guitarra. Con la pintura me mancho entero, a veces pinto con los dedos. Tengo la suerte de pasarme días y mañanas enteras porque las horas me pasan muy deprisa creando.[21]

La mayor parte de la obra pictórica del catalán la ha regalado a particulares o donado a algún evento u organización benéfica, sin ánimo de lucro.[20] Su estilo aúna el arte naïf con los rasgos más característicos del surrealismo, el impresionismo y el paisajismo, con influencias de los pintores catalanes de finales del siglo XIX y principios del XX.

Se pueden apreciar algunas de sus obras en las portadas de ciertos álbumes de su carrera. Así, la portada de Arena en los bolsillos está ilustrada por su pintura al óleo Pulpo y el escolar, y en Nuevas mezclas, Manolo hizo una reproducción al óleo de una fotografía de Bob Collins para ilustrar la portada. En 1992, Manolo publica De arrebatadora vida, una recopilación de los cuadros pintados por él mismo entre 1985 y 1992.

Su primera exposición sobre su obra fue en Menorca en 1992. Tras esa ocasión, ha expuesto en varias ocasiones más en Segovia, Almería, Barcelona, Albacete y Córdoba.

No es hasta 2004 cuando saca al mercado otra recopilación de sus obras pictóricas llamada Vacaciones de mi mismo. Esta vez, sus cuadros estaban acompañados por la gran mayoría de las letras escritas por el artista durante toda su carrera y numerosas fotografías.

Pagina: http://www.manolo-garcia.com/