The Mannish Boys

¿Quién podía predecir cuatro discos para una banda que comenzó con el objetivo de grabar un solo trabajo en estudio? Es más, ¿alguien podía decir en ese momento que The Mannish Boys estaría dentro de los principales grupos de blues en el mundo? Es increíble pero cierto. Esta agrupación mantiene al blues en alto, sobrepasando con cada trabajo el nivel de la producción anterior.

Como en anteriores proyectos, The Mannish Boys regresó a las raíces para crear un blues fuerte, similar al de aquellos espectáculos de blues que recorrieron Europa bajo el nombre de American Folk Blues Festival, añadiendo algunos interesantes giros a la formación de la banda en cada trabajo. En esta ocasión, el foco es el cantante Bobby Jones, el nuevo miembro de The Mannish Boys, un veterano de la escena blues de Chicago de los años 50 y 60, muy enraízado en el blues. Tiene una versatilidad tal, que puede pasar sin problemas de interpretar temas al mejor estilo de Howlin’ Wolf a canciones góspel muy sentidas.

En esta nueva producción, “Lowdown feeling”, The Mannish Boys tienen invitados especiales como el armoniquista Little Sammy Davis, gran conocido dentro de los fanáticos del blues, que comenzó su carrera en los años 50 con el guitarrista Earl Hooker y continúa muy fuerte en la actualidad, gracias a su constante participación en el ensamble de Levol Helm, baterista y vocalista de The Band.

También hacen apariciones especiales el guitarrista Junior Watson, reconocido actualmente como el padrino del blues de la costa oeste, el armoniquista Al blake, líder de The Hollywood Blues Flames; y Lynwood Slim. Está el pianista Fred Kaplan, compañero de Blake en The Hollywood Blues Flames; y el guitarrista Fred Scribner, compañero durante mucho tiempo de Little Sammy Davis y discípulo de Earl Hooker.

Todos ellos acompañados por la estelar alineación de The Mannish Boys, encabezada por Richard “Big Foot” Innes en la batería, Ronnie James Weber y Tom Leavey en el bajo, Kid Ramos, Frank Goldwasser y Kirk Fletcher en las guitarras y, como siempre, Randy Chortkoff, en el centro con su ármonica, su voz y su trabajo de producción, encargado de llevar a buen término este álbum.

La calidad de un grupo no la dan solo sus integrantes, también radica en el material que interpreta y una vez más The Mannish Boys presenta un variado y profundo programa, muy bien escogido, mostrando el punto más alto de su fuerza, no solo como músicos sino como un colectivo que es capaz de manejar diversos estilos y modos del blues.

Es poco probable que las canciones que interpreta esta banda sean conocidas, a pesar de ser temas viejos. El sentido de The Mannish Boys es ir a los anales del blues y encontrar esas grandes composiciones que pocas veces han sido escuchadas y hasta interpretadas. De esta forma mantienen el blues con vida, no solo en el sentido musical sino también en el sentido económico, pues ponen algo de dinero en el bolsillo de los compositores o de sus familias.

Pagina: http://www.themannishboys.com/
Fuente: http://www.historiasdelblues.blogspot.com/

Turf

Esta banda se formó en diciembre de 1995 y desde entonces recorrió el circuito de pubs porteños, con temas propios y covers de Charly García y Ratones Paranoicos.

En agosto del '97 grabaron su álbum debut, "Una pila de vida", en el cual participó Charly García en el tema "Despiole generacional". Ese mismo año tocaron como soporte de Los Ratones en el ciclo Buenos Aires Vivo. Los dos cortes de difusión serían "Casanova" y "Crónica Te Ve".

En 1998, tocan como banda soporte de los Rolling Stones en la Argentina, en el estadio de River Plate. Si bien ya eran conocidos, éste show implicó el verdadero salto a la masividad.

Pese a esto, la discográfica Universal les rescindió el contrato. El segundo disco "Siempre libre" fue editado por la compañía Musimundo, y nuevamente contaron la participación especial de CharlyGarcía en el tema "Esa luz".

En el 2001 participaron del multitudinario recital en el Campo Argentino de Polo, junto a R.E.M. y Oasis. A fines de ese año editarían la tercera placa, "Turfshow", cuyo hit "Loco un poco" fue realmente el más escuchado ese verano.

Luego de participar en el Quilmes Rock 2007, la banda anunció su separación por tiempo indeterminado, por diferencias entre Joaquín y el resto de los músicos, según declaró el manager.

Formacion:

Carlos "Toddy" Tapia: bajo y coros
Fernando Caloia: batería
Joaquín Levinton: voz y guitarra
Leandro Lopatín: guitarra
Nicolás Ottavianelli: teclados y coros

Pagina: http://www.turfrock.com.ar/

Florencia Ruiz

Florencia Ruiz nació en Buenos Aires en 1977. Profesora de guitarra egresada del Conservatorio de Morón, Florencia estudió también bandoneón y composición, además de desempeñarse como docente de escuelas y jardines de infantes de la provincia de Buenos Aires.

Su trabajo musical está dedicado a la composición de canciones, y paralelamente compuso músicas para exposiciones e instalaciones. Ella define sus dos producciones discográficas "Centro" y "Cuerpo" como el proceso de "entremezclar una visión de música popular y contemporánea, resultado de una búsqueda personal".

Ambas producciones, grabadas en forma casera, incorporan arreglos para cuerdas o pianos, que contribuyen a generar climas y silencios.

Florencia Ruiz participó en varios ciclos de conciertos como estudiante, interprete y compositora.

La placa "Cuerpo" fue presentada en el Centro Cultural Rojas, en mayo del 2003.

Pagina: http://www.florenciaruiz.com.ar/

Ariel Minimal

Ariel Minimal (nacido Ariel Gustavo Sanzo) es el cantante y guitarrista del grupo de rock argentino Pez. Ganó fama y reconocimiento cuando, en 1996, fue llamado a integrar Los Fabulosos Cadillacs. Sin embargo, los inicios de su carrera se dan en 1985 en la banda punk Descontrol, y su primer acercamiento a la fama en 1992, con Martes Menta.

Minimal lleva registrados diez discos con Pez, cuatro con Los Fabulosos Cadillacs, uno con el trío acústico Flopa Manza Minimal, dos como solista y tres como guitarrista de La Luz, la banda de Litto Nebbia. Es uno de los fundadores de Azione Artigianale, sello que utiliza para difundir su banda actual.

Actualmente se divide entre Pez, La Luz y su carrera solista.

Biografía

Comienzos: Descontrol/Los Minimals

La carrera musical de Minimal comienza en 1985, al frente del grupo punk anarcopacifista[1] Descontrol, junto a sus amigos de la infancia Pablo Poli y Alejandro Alez Barbieri. Este grupo se encuadra en medio del naciente movimiento punk argentino, con bandas como Attaque 77 y Flema. De hecho se niegan a participar en el histórico compilado Invasión '88 que catapultó a estas bandas pues aquel "estaba producido por skinheads".[2]

Durante el período 1985-1988 también pasó por bandas como Cadáveres De Niños y el grupo reggae Cosa De Negros. Además, fue uno de los responsables del inicio de la fama de Attaque 77, pues el primer show de esta banda se dio como telonero de su grupo en el mítico Cemento[3] el 21 de octubre de 1987.

En 1989 forma la banda Los Minimals, de donde extrae su apodo. Este grupo se encuadra en la movida mod, ampliamente influido por The Who, y de él se conserva Beat, un cassette con 9 canciones producidas por el cantante de Cienfuegos Sergio Rotman.[4] El grupo se separa en 1991.

Crecimiento: Martes Menta/Pez/Los Fabulosos Cadillacs

En ese año, Minimal forma Martes Menta junto a Mariano Esain, Fabián y Yanina Ghía y Pablo Michu Varela. En 1992 graban el disco 17 Caramelos, poco después de haber sido teloneros de Soda Stereo durante las presentaciones de Dynamo. El grupo obtiene un moderado éxito radial con su canción "Azul", y es considerado uno de los pioneros del movimiento sónico que los une a grupos como Babasónicos. Pero se separa en 1993 con un disco inédito, Monstruo/Hogar, por editarse.

Es entonces cuando Minimal vuelve a convocar a sus antiguos compañeros de Descontrol, los hermanos Barbieri, y funda Pez, una propuesta que lo acompañaría hasta hoy. En 1996 Rotman (quien produjo grabaciones de Los Minimals y solía compartir shows con Pez) lo convoca a ser parte de Los Fabulosos Cadillacs. Con su aporte, los Cadillacs cambian su sonido y editan dos discos clave en su historia: Fabulosos Calavera y La Marcha Del Golazo Solitario. En 2001, tras grabar los discos en vivo Hola y Chau, la banda se separa. Se reunirían en 2006 para homenajear a Andrés Calamaro, pero Minimal no sería invitado a participar.

Popularidad: Flopa Manza Minimal/primer disco solista

Sin embargo, continuaría con su banda (ya sin los hermanos Barbieri e inmersa en un constante cambio de integrantes que duraría hasta 2005, cuando finalmente logra una formación estable) editando discos como Convivencia Sagrada o Folklore, además de otros proyectos de igual impacto: en 2003 se reúne con sus amigos Mariano Esain (ex Martes Menta) y Florencia Flopa Lestani y, en formato de trío acústico, publica Flopa Manza Minimal. El disco sería elegido como "mejor disco nacional del año" por la revista Rolling Stone en su edición latinoamericana.

Entretanto, en 2004, la inesperada mononucleosis del baterista de Pez Franco Salvador impulsa a Minimal a registrar su primer disco solista: Un Hombre Solo No Puede Hacer Nada. En él incluye varias canciones inéditas, además de un par de covers de artistas como David Lebón y Roberto Carlos y de su propia banda. Una vez más, el material recibe muchísima atención de la prensa. Minimal lo presenta con un grupo de amigos al que denomina Los Ortodoxos: Fernando Minimal (batería, ex Los Minimals), Juan Ravioli (teclados, guitarras), Gerardo Rotblat (percusión, de Los Fabulosos Cadillacs), Leopoldo Limeres (piano eléctrico, de Pez), Martín Méndez y Hernán Espejo (bajo y guitarra, de Compañero Asma y por aquel entonces, Dragonauta).[5]

Actualidad: Litto Nebbia/segundo disco solista

En 2005, Azione Artigianale ayuda al regreso de Gabriel Gabo Ferro a la música tras una ausencia de siete años. Lo hace produciéndole su debut solista Canciones que un hombre no debería cantar, disco documental (grabado en vivo en estudio) donde Minimal aparece acreditado como primera guitarra. Cabe decir que el disco se graba con guitarra clásica.

Poco después, Litto Nebbia lo convoca a formar parte de su nuevo grupo, La luz. Ambos habían trabado amistad cuando Minimal lo invitó a grabar una canción llamada "Todo el tiempo que se va" para su disco solista. Con este grupo, edita en ese año el disco Danza del corazón, contribuyendo en la primera guitarra y coros. En 2006, Nebbia produce el álbum El palacio de las flores de Andrés Calamaro, donde La luz actúa como banda soporte y Minimal es acreditado en guitarra, percusión y coros.

Previamente editó, a comienzos de 2006, su segundo y más intimista álbum solista, Un día normal en el maravilloso mundo de Ariel Minimal, donde compuso, escribió y produjo todas las canciones, además de grabar todos los instrumentos. Se destacan el rescate de una canción de Los Minimals, Tornado Violento y su homenaje a su mujer Nadina, Compañera. Este disco fue presentado durante noviembre de 2006 en el Club de Cultura Plasma junto a una banda que incluyó a César Checho Marcos en guitarra acústica y armónica, a Fabián Ghía (ex Martes Menta) en bajo y voz y a Luque en batería, además del propio Minimal en guitarra y voz; grupo al que llamó El sur de la ciudad.

El 10 de abril de 2007 se presenta como solista en la tienda Harrods (en el marco del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires) con una banda que incluyó a Juan Ravioli en teclados, guitarra y voz; a Gerardo Rotblat en percusión; a Franco Salvador (Pez) en batería; a Federico Boaglio (La Luz) en bajo y a Federico Terranova (de la Orquesta Típica Fernández Fierro) en violín.

En julio de 2007 fue finalmente editado el nuevo disco de Litto Nebbia y La Luz, The Blues, con una decisiva participación de Minimal, en especial en los solos de guitarra y coros, así como en la ayuda que le brindó a Nebbia para que éste volviera a tocar la guitarra eléctrica.[6]

Sus próximos proyectos incluyen un álbum conjunto con la joven artista Florencia Ruiz. Ha participado, asimismo, en la grabación del futuro álbum de Flopa (Emoción homicida).[7] Los orfebres, décimo disco de Pez, fue editado en octubre de 2007.

Minimal vive en el barrio de Boedo con su mujer Nadina y es padre de una nena, Mina.

Pagina: http://www.myspace.com/arielminimal

Sr. Chinarro

Sr. Chinarro es un grupo de música sevillano formado en torno a 1990. Su estilo es fundamentalmente indie y sus mayores influencias son grupos ingleses como The Cure, Depeche Mode, Echo and the Bunnymen o New Order. También está influido por artistas españoles como Kiko Veneno, La Dama se Esconde y el cantante sevillano Silvio. A pesar de considerarse como un grupo, el peso de Sr. Chinarro recae enteramente sobre Antonio Luque. Alrededor de él han gravitado las múltiples reencarnaciones de este proyecto, que bien podría considerarse personal. De hecho, es el único miembro del grupo que ha permanecido en él durante la totalidad de los más de quince años de existencia.

El mayor atractivo de Sr. Chinarro son sin duda las letras de las canciones, compuestas casi en su totalidad por Antonio Luque, a excepción de algunas en los primeros discos. En ellas se combina el surrealismo y el costumbrismo. Metáforas, dobles sentidos, juegos de palabras e imágenes cotidianas se encuentran sin cesar en toda la producción lírica de Antonio Luque.

Historia

Los orígenes de Sr. Chinarro se remontan hasta 1990. En aquel año, Antonio Luque y algunos amigos de Sevilla, entre otros Juan Francisco Morato (ex Bastos) y Jesús Franco, empiezan los ensayos que germinarán en 1991 con la publicación de la primera maqueta del grupo que contenía 4 cortes. Otra maqueta de dos canciones también sería grabada en aquel año. Durante los primeros años, el grupo formaba parte del Colectivo Karma, una especie de agrupación de los incipientes grupos de indie sevillanos.

Sería con el Colectivo Karma con el que el grupo de Antonio Luque publicase de forma oficial sus primeras canciones. Era el año 1992 y en un disco homónimo del Colectivo aparecían las canciones Escapa amanecer, Campanario y Esquivar.

Las canciones de Sr. Chinarro llegarán a Madrid, donde son recibidas con algarabía por el fanzine Malsonando. La persona detrás del fanzine es Jesús Llorente, gran conocedor de la escena indie local. Frustrado al ver que no conseguía que ningún sello publicase el trabajo de Sr. Chinarro, sería el propio Llorente quién pusiera los medios para que las canciones salieran al mercado. De esta forma nace Acuarela Discos en 1993 teniendo como primera referencia el EP Pequeño Circo. Desde entonces y hasta 2005 todos los lanzamientos del grupo serían por medio de Acuarela, a excepción de algún single y colaboraciones.

En 1994 el grupo vuela hacia Nueva York para encontrarse con Kramer, famoso productor por cuyas manos habían pasado grupos como Galaxie 500, Low o Bongwater. El resultado del encuentro sería el primer LP del grupo titulado Sr. Chinarro: trece canciones entre las que se incluye una versión de Leave Me Alone de New Order. A pesar del renombrado productor el sónido es muy oscuro y mate.

El single Lerele (1995) y el disco Compito (1996) seguirían la senda trazada por el primer disco, aunque el grupo va ganando en matices y profundidad. En 1996 aparece el single de vinilo Ondina dentro del "Club del Single" de Elefant Records; contiene una versión del tema titular de Aviador Dro y otra de La Casa del Misterio de los Ilegales.

La primera gran transformación llega en 1997. Con la entrada de David Belmonte, pintor e instrumentista, el sonido se vuelve mucho más colorista y alegre. Los coros femeninos y las referencias al folclore andaluz son constantes en El porqué de mis peinados (1997) considerado por algunos como la obra magna del Sr. Chinarro. El disco fue escogido por la revista Mondosonoro como uno de los 25 mejores discos en castellano y ocupa el puesto 96 en la lista de Los 100 mejores discos españoles del siglo XX, publicada en 2005 por la revista Rockdelux.

Noséqué-nosécuántos fue publicado en 1998 y continúa por la senda de la fórmula que tan bien había resultado con el anterior LP. Belmonte y las referencias andaluzas siguen ahí pero sería por última vez, ya que el nuevo siglo, deparaba otra vuelta de tuerca.

Tras pasar 1999 casi en barbecho y recomponiéndose de la salida de la formación de Belmonte y de Sandra, la corista; el 2000 llega con el EP La pena máxima bajo el brazo. Además de contener una de las mejores canciones de Antonio Luque hasta la fecha, - la estremecedora Cero en gimnasia-, el EP sirve como anticipo de lo que se avecina. Adiós a la alegría y al aire constumbrista que despedían los discos anteriores y bienvenida a tonos más grises y apagados.

Ya en 2001 llega La primera ópera envasada al vacío. Este es posiblemente el disco más díficil y áspero de toda la saga de Antonio Luque. La música suena cortante y la voz de Luque parece más apagada que de constumbre. Muchos quisieron ver en el LP una aproximación al slowcore de Low y Piano Magic en boga por entonces o incluso al post-rock.

Como complemento a La primera ópera... llegara en 2001 el EP La casa encima y en 2002 otro EP de título La tapia del perejil. El sonido arisco sigue ahí e incluso Antonio Luque se permite el lujo de experimentar con efectos de sonido y samplers hasta ahora inéditos en su discografía. En 2001 se publicó también el recopilatorio Despídete del lago. Las rarezas de Antonio Luque 1993-2001 donde se incluyen caras-b de los singles, mezclas diferentes, versiones y canciones inéditas o aparecidas en otros recopilatorios.

La siguiente reinvención del Sr. Chinarro comienza en 2002 con la publicación de su sexto LP de título Cobre cuanto antes. Aunque no es un retorno al pop propiamente dicho se distancia lo suficiente de La primera ópera... para marcar el comienzo de una nueva étapa. La culminación de esta llega con El ventrílocuo de sí mismo (2003) donde las melodías vuelven por la puerta grande.

Cuanto todo parecía que el destino de Sr. Chinarro estaría eternamente lígado a Acuarela Discos, a finales de 2003 salta la noticia de que el grupo había abandonado su discográfica de toda la vida para pasar a la recién creada El Ejército Rojo, un sello propiedad del grupo granadino Los Planetas en colaboración con la multinacional RCA. Las causas del cambio no son del todo bien conocidas pero es notoria la gran amistad que une a Antonio Luque con los miembros de Los Planetas. Aún así, Acuarela Discos sigue administrando la edición de las canciones del grupo sevillano.

A finales de 2004 empieza la grabación del primer disco del grupo fuera de Acuarela. En ella participan, además de Antonio Luque, otros músicos conocidos de la escena indie española, como Antonio Arias (Lagartija Nick), Pedro Sanmartín (La Buena Vida) y el propio (J de Los Planetas como corista y productor del disco. Otra colaboración inesperada es la del cantaor Enrique Morente.

Estaba claro que el octavo disco chinarro iba a ser muy diferente al resto y así fue. El fuego amigo (2005) es sin lugar a dudas el disco más accesible y agradable de toda la discografía de Antonio Luque y cia. La producción es mucho más cuidada que antes y la tan especial voz de Luque suena inmejorable. El disco fue respaldado unánimemente por la crítica llegando incluso a auparse en lo más alto de las listas de lo mejor del año en algunos medios, como la revista RockdeLux, donde es elegido Disco del Año.

Para rematar el año 2005 se presenta también el documental sobre el grupo titulado Minutos musicales con el Sr. Chinarro dirigido por Sergio Silva y Mae Molina y estrenado en el CCCB de Barcelona.

En 2006 Sr. Chinarro edita el álbum El mundo según Sr. Chinarro, una continuación de El fuego amigo, en el sello discográfico Mushroom Pillow. Entre las nuevas canciones destacan algunas como "La decoración", "No dispares", "El lejano oeste" o "Esplendor en la hierba", y es elegido, por segundo año consecutivo, Disco del Año por la revista RockdeLux

Pagina: http://www.srchinarro.com/

Uriah Heep

Uriah Heep es una banda de rock británica surgida a finales de los años sesenta, desde las raíces de Spice, banda en la que militaban el mítico vocalista David Byron, y el guitarrista Mick Box, primeros fundadores del grupo. Uriah Heep se convirtió en una verdadera banda pionera del género "Heavy metal", aunque destacó por la heterogeneidad de su música, a caballo entre el Hard Rock, el estilo progresivo y la épica en dos de sus álbumes más conocidos: Demons & Wizards y The Magicians Birthday, a la postre influencias claras `para bandas como Blind Guardian y otras seguidoras del Metal épico. Se caracterizó, entre otras cosas, por sus constantes cambios de alineación, en la cual el único miembro permanente ha sido el guitarrista Mick Box.

En el año 1970, cambiaron su nombre de Spice a Uriah Heep, influenciados por un peculiar personaje de una de las más universales obra de Charles Dickens, David Copperfield. Fue en ese año cuando entraría a formar parte de la banda Ken Hensley, proveniente de la banda The Gods, y que se convertiría con el paso del tiempo en la verdadera alma y compositor principal de casi todas las canciones del grupo en su época dorada. Se ocuparía de los teclados y en ocasiones de la slide guitar. También puso la voz a uno de los mayores éxitos por aquel entonces, Lady in black.

Box, Byron y Hensley se convertirían en el pilar fundamental de la banda asistiendo a constantes cambios en el bajo y batería, hasta que en el año 1972 ingresaran Gary Thain y Lee Keerslake. Hasta entonces habían publicado tres álbumes: Very ´eavy, very , humble, en 1970, que supuso un magnífico debut, pero que la crítica defenestró con el argumento de que era una copia descarada de Deep Purple, algo incierto que se podía explicar porque en aquellos tiempos los dos conjuntos llegaron a compartir salas de ensayo y se dejaron influenciar por el sonido predominante de los teclados de John Lord. En poco menos de un año, se resarcieron ante crítica y público con la publicación de Salisbury (1970) y Look at yourself (1971), disco éste último en el que encontraron su sonido característio, como afirmarían más tarde.

Las ventas comenzaron a dispararse tanto en su país de origen como en el extranjero, encontrando en países como Alemania, Holanda o Japón sus más fieles seguidores. Entonces llegó 1972, con las nuevas y a la postre definitivas incorporaciones que enriquecieron el sonido de la banda. La publicación de Demons & Wizards en 1972 les llevó a lo más alto, un disco redondo que bien podría haber sido un trabajo conceptual, ya que sus temas giraban casi en su totalidad acerca de temas alegóricos y llenos de fantasía épica. En este álbum está incluido su hit de mayor éxito, Easy livin´.

Éste álbum encontró la continuidad perfecta en The Magician´s Birthday, que salió a la venta a los pocos meses de publicarse el anterior, y que les hizo ganarse la fama en todo el mundo. El sonido de éste último es más progresivo y sigue la temática de álbum conceptual que comenzó el anterior. La portada de Roger Dean, artista en alza que ya se trabajaba con artistas como Yes, contribuyó a realzar el trabajo impecable de la grabación.

Publicaron desde 1973 hasta 1976, año en que David Byron fuera expulsado del grupo, otros cinco álbumes más, incluyendo el aclamado Live January 1973, uno de los mejores directos grabados en el mundo del rock. Los discos en estudio fueron: Sweet freedom, Wonderworld, Return to fantasy y High & Mighty, que a la postre sería el mayor fracaso de la banda, debido a las tensiones internas y a que prescindieron de Gerry Bron, productor habitual, para producirlo ellos mismos...En medio de la gira de presentación del disco, Byron fue despedido, por una adicción al alcohol que ya se hacía insoportable. Gary Thain había sido despedido de la misma forma año y medio antes por su adicción a las drogas, siendo sustituido por John Wetton. Curiosamente, el último concierto del genial cantante se celebró en Bilbao, a mediados de 1976...en el Pabellón de La Casilla.

Después nada volvió a ser igual, y aunque firmaron alguno que otro buen disco como Firefly o el magnífico Abominog, la magia de los primeros tiempos se esfumó, dejando tras de sí una estela de éxitos y buen rock, que no fue del todo reconocido en su época, aunque con el paso del tiempo ganan credibilidad...

Aunque en la actualidad siguen gozando de buena reputación, sus grandes obras aparecen en la década de los setenta, específicamente entre los años 1970 y 1976. Durante aquellos años su nombre figuró junto a los de Black Sabbath, Deep Purple o Led Zeppelin, formando el cuarteto de máximos referentes del Rock Duro.

Pagina: http://www.uriah-heep.com/

Manolo García

Manuel García García-Pérez (Manolo García) (* Poblenou, Barcelona, 19 de agosto de 1955) es un cantante, compositor y pintor amateur español. Grabó sus primeros discos con grupos como Los Rápidos y Los Burros, alcanzó el éxito comercial con El Último de la Fila y actualmente continúa su carrera en solitario. Se caracteriza por un sonido pop rock mestizo con ritmos árabes, aflamencados y melódicos y por sus letras que aúnan lírica y surrealismo.

El artista catalán se ha caracterizado durante toda su carrera por mantener su vida personal muy alejada de su vida pública, por lo que el estado civil de Manolo García, así como su vida privada y todo lo alejado de lo estríctamente artístico, queda fuera del conocimiento popular.[2] No obstante, es conocido su parentesco con la también cantante Carmen García (componente del grupo Carmen), de la que es hermano.

Primeros pasos artísticos

Infancia y primeros pasos en las artes plásticas

Aunque Manolo García nació en el barrio barcelonés de Poblenou,[3] sus raíces familiares están en la provincia de Albacete, en el pueblo serrano de Férez, debido a lo cual existe cierta ambigüedad en las biografías escritas sobre el artista o alguno de los grupos a los que perteneció.[4]

Su infancia estuvo marcada por sus primeros coqueteos artísticos. A la temprana edad de 7 años se encontraba realizando performances en la terraza de su hogar en las que ya combinaba distintos enfoques artísticos mezclando la pintura con desechos industriales como bidones o plásticos y otros elementos de difícil categorización. Todo ello alternado con sus estudios básicos obligatorios.

El perfil artístico que primero empezó a manifestar fue su afición a la pintura y la plástica. A los 14 años aún continuaba experimentando con las posibilidades de las artes plásticas, dedicándose a probar nuevos productos y pegamentos, mediante una formación totalmente autodidacta y con carácter amateur. No es hasta poco después cuando entra en el mundo laboral como pintor de cuadros al óleo, donde, según Quimi Portet, se convirtió en un especialista en cielos y lagos, debido a que se encargaba de rellenar las zonas azules de los paisajes, generalmente cielos y lagos.

Tras acabar sus estudios básicos, en torno a los 17 años, Manuel García comienza a dar tumbos en el mundo laboral, con trabajos como empleado de una empresa metalúrgica ,donde ganó un concurso de dibujo organizado por la propia empresa, o botones en una agencia de publicidad, al tiempo que seguía su progresión artística. Buscando su vocación empieza a trabajar en el estudio de diseño gráfico de dicha empresa publicitaria, es entonces cuando decide estudiar diseño gráfico, matriculándose en la l’Escola d’Arts Aplicades i Oficis Artístics de Barcelona, donde recibe su primera formación especializada sobre las artes plásticas.

A los 21 años, inmerso ya en el mundo de la música siendo componente de diversas bandas locales, trabajaba como diseñador para casas discográficas dedicadas a la realización de covers (copias piratas) de los LPs nacionales de más éxito de mediados de los 70. Durante seis años de trabajo en dicha discográfica, Manolo García llegó a realizar los diseños de más de 400 carátulas, generalmente de formato casete.[5]

En 1981, al acabar el servicio militar, Manolo García llegó a rodar unas escenas al final de la película con guión de Francesc Bellmunt, La batalla del porro, a la que llegó por casualidad supliendo a un compañero que no pudo asistir al rodaje.[6] [7]

Iniciación en el mundo de la música

Manolo García comienza su andadura musical también a muy temprana edad, pasando la mayor parte de su juventud conviviendo entre sus dos principales iniciativas artísticas, la pintura y la música. Pero no es hasta los 25 años cuando consigue su primer contrato discográfico.

A los 10 años de edad surgen los primeros intereses acerca del mundo de la música, y en particular del cante, al entrar en el Centre Cultural i Moral del barrio de Poblenou; empezó a destacar por su entrega, llegando a desmayarse en una de las actuaciones. Tras unos años en los que su afición por las artes plásticas eclipsó sus intereses musicales, Manolo decide comprar su primera batería con ayuda económica familiar. Tras un tiempo de práctica, pasó a formar parte de un conjunto musical llamado Materia Gris, en el cual García era el batería.

Con Materia Gris, Manolo realizó actuaciones durante cuatro años, todas ellas de carácter local dentro de Cataluña, tocando en fiestas patronales, bautizos y demás celebraciones cotidianas. Tocaban canciones de los grupos nacionales de éxito y canciones populares, aunque solían acabar los conciertos tocando temas de grupos clásicos del rock and roll cuando su público empezaba a escasear. En los últimos momentos antes de la desaparición del grupo, cambió su nombre a Satán.

El siguiente conjunto musical en el que residió fue Silma y su Conjunto, grupo en el que siguieron la misma línea de actuaciones que su predecesor, pero fue en éste cuando Manolo empezó a ganar protagonismo como vocalista, ya que Silma, vocalista habitual del grupo, cedía el micrófono para que Manolo García cantara sus primeros temas en directo.

Cuando entró de diseñador gráfico de discográficas de dudosa legalidad, consiguió grabar algunos covers de artistas consagrados como Miguel Bosé, la Orquesta Mondragón, Miguel Ríos o Triana, siendo este último el único del que se tiene acceso. El Cover de Triana presumiblemente de principios de 1980, es el primer documento sonoro conocido donde se recoge la voz del cantante español, está compuesto por 6 canciones de las más populares del grupo, en las que García puso voz y tocó la batería.[5] [8]

Antes de conseguir grabar un álbum con composiciones propias, participó en la grabación de Tengo una idea (1980) del cantante nacido en Argentina pero residente en España, Sergio Makaroff, junto a otros músicos con los que más adelante formaría su propia banda como son Antonio Fidel, Josep Lluís Pérez y Esteban Martín. Manolo tocó la batería e hizo algunos coros en el disco del cantante argentino como se aprecia en canciones como Explorador celeste.[9]

Andadura musical

Los Rápidos y el primer contrato discográfico

Tras grabar el disco de Makaroff, los músicos decidieron unirse en una banda y probar en el mundo musical, incorporando al batería Lluís Visiers para que Manolo García pudiera ser el vocalista del grupo. Con un puñado de temas compuestos grabaron una maqueta que entregaron a EMI, y con tan sólo dos meses de ensayos consiguen su primer contrato discográfico,[10] de ahí el nombre que propusieron para su banda, Los Rápidos.

En 1980 graban su primer álbum, titulado Rápidos, que contenía doce canciones de un simple y marcado pop rock, con canciones como Navaja de papel, T.V. o Ruta del sur, de las cuales García escribió casi todas las letras y algunas de las melodías del álbum. A pesar del apoyo de la discográfica, que pretendía hacer de ellos la alternativa catalana a la movida madrileña, el disco fracasó en las tiendas vendiendo en torno a 2.000 copias. No obstante, el grupo hizo cerca de 300 conciertos por la geografía catalana, generalmente ante un escaso público; fue ahí donde el grupo empezó a transgredir por el happening teatral que combinaban con su música, usando en los conciertos materiales de dudosa catalogación como duchas de espuma, plásticos, embudos de los que salía humo, bidones industriales o televisores, que además Manolo solía romper en directo con intención de escandalizar.

A pesar de no dejar la carretera, el grupo fue telonero de grupos de la talla de la Orquesta Mondragón y Ramones, a la par que actuaron en el programa televisivo Musical Express.

El grupo tuvo preparadas las canciones que pasarían a formar parte de su segundo álbum, sin embargo la discográfica les retiró el apoyo ante las pocas perspectivas de éxito, así que el grupo se vio abocado a su disolución, aunque sus actuaciones continuaron hasta finales de 1981.

El encuentro con Quimi Portet y la disolución de Los Rápidos

Mediada la gira del grupo, se produjo el encuentro entre Manolo García y Quimi Portet. Los Rápidos fueron invitados al festival Rock de Lluna, coincidiendo éstos con un grupo catalán llamado Kul de Mandril, en el que Quimi Portet tocaba la guitarra a la vez que ponía la voz cantante. A Manolo le agradó la forma de tocar de Portet y le propuso unirse a Los Rápidos para lo que quedaba de gira, a lo que Quimi aceptó.

Los componentes de Los Rápidos se dispersaron tras finalizar la gira, para buscar por separado cada uno su carrera musical. Manolo García se marchó al País Vasco para intentar la formación de una nueva banda musical, con la ayuda de La Orquesta Mondragón. A pesar de sus esfuerzos no tuvo éxito en su periplo vasco.

Los Burros

A su regreso a Barcelona, Manolo García encontró a algunos de sus ex compañeros, junto a Jordi Vila ensayando nuevas canciones y algunos temas de su etapa anterior. Fue entonces cuando accedió a ser el vocalista de una hipotética nueva formación musical.

Una vez se decidió el nombre del grupo, Los Burros, el grupo empezó a actuar sin ni siquiera tener un contrato discográfico. Incluso comenzaron la grabación de los temas por propia cuenta, autoeditándose con la ayuda de Toni Coromina; una vez tenían parte de su álbum grabado no tuvieron problemas para firmar con la discográfica independiente Belter. Así, en 1983 sale al mercado Rebuznos de amor, álbum que combina el estilo sencillo de Los Rápidos con el surrealismo aportado por Quimi, con canciones como Huesos, Mi novia se llamaba Ramón, y otras canciones que ya constaban entre el material inédito de Los Rápidos, y posteriormente pasaron a formar parte del segundo álbum de Los Rápidos, que recopilaba dicho material. Es el caso de Conflicto armado, Disneylandia y Moscas aulladoras, perros silenciosos. Manolo pone la voz a todos los temas vocales y es el principal compositor de los temas, junto a Quimi Portet.

El mercado volvió a darle la espalda a Manolo García en esta nueva aventura musical, sin llegar a superar los 3.000 discos vendidos, a pesar de que la crítica se dedicó a ensalzarles. Belter fue a la quiebra cuando Los Burros ya tenían preparadas las maquetas para un próximo disco, dejando sin renovar la licencia de los discos que editó entre los que se encontraba Rebuznos de amor. Fue entonces cuando decidieron dar por acabada esta etapa.

Durante esta época, Manolo García y Quimi Portet junto a Jaime Gonzalo formaron una pequeña compañía de discos, llamada Discos Kriminales, en la que se dedicaron a producir algunos singles de unos pocos artistas allegados a los fundadores. Sacaron singles de Loquillo y Trogloditas, y algunos otros grupos de menor importancia como Primero Senguda, además de una gran cantidad de maquetas. Lograron que se editara un single de Kul de Mandril, Jamón de mono, que hasta ahora no habían conseguido producir. Sin embargo, al no verle demasiado futuro al negocio, decidieron dar por acabada la empresa.

El Último de la Fila y el éxito comercial

Tras el fracaso comercial de sus discos anteriores, Manolo García decide junto a Quimi Portet unirse en una nueva formación apoyados por la pequeña discográfica independiente PDI, llamando a su grupo El Último de la Fila, grupo con el que le llegaría el éxito y reconocimento comercial y popular.[11]

La trayectoria musical del artista cambió drásticamente, El Último de la Fila tuvo su primer éxito ganando el concurso de maquetas de la revista Rock Spezial, lo que los hizo merecedores de un precontrato con la discográfica multinacional Virgin, el cual rechazaron para mantener su palabra con PDI.

En 1985 graban su primer disco titulado Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana. El estilo de este disco cambió el concepto musical de los trabajos en los que había trabajado Manolo García, pasó del sencillo pop rock al mestizaje de estilos, dando a sus canciones aires aflamencados y árabes. Todas las canciones están escritas por Manolo y Quimi, y cantadas por Manolo, destacando piezas como Querida Milagros o Dulces sueños. Al año siguiente, 1986, apareció en el mercado el segundo álbum, Enemigos de lo ajeno, con un estilo continuista con su anterior LP y que contenía algunas de las canciones más recordadas del artista como son Insurrección o Aviones plateados. Además, recorrieron toda la geografía española en una extensa gira, dando unos conciertos muy contundentes y energéticos. Los seguidores del grupo empezaban a ser numerosos.

1987 fue un año de publicación de varios trabajos con la participación de García. Salió a la venta Nuevas mezclas, un LP que contenía algunas de las más conocidas canciones de sus dos primeros trabajos, pero regrabadas en un estudio de Londres con un toque distinto. Se convirtió en poco tiempo en el disco más vendido del grupo. Además de este proyecto, Manolo produjo el primer disco de Quimi Portet en solitario, llamado Persones Estranyes, y grabó junto a Quimi y bajo el nombre de Los Burros, con Grabaciones Accidentales (GASA), discográfica que se había hecho con los derechos de las canciones de Los Burros, un mini-LP llamado Jamón de burro que contenía seis canciones muy variopintas, desde una nueva versión de Huesos hasta una canción de Kul de Mandril como Jamón de mono, pasando por composiciones descartadas de aquellos años y alguna canción nueva.

El nuevo disco del grupo no se demoró, Como la cabeza al sombrero sale en 1988. El álbum grabado en Francia es el más acústico del grupo y de toda la carrera de Manolo García, y también considerado por muchos de sus seguidores como el mejor álbum de su carrera, siendo el primero en el que el rock es llevado a un plano secundario. Destacan temas como Ya no danzo al son de los tambores o Llanto de pasión. El grupo superó las ventas de su anterior álbum y se acrecentó muy notablemente la demanda de entradas para sus conciertos. El 10 de septiembre de ese mismo año, Manolo García y Quimi Portet, fueron invitados al concierto Human Rights Now! (Concierto Pro Derechos Humanos) a compartir escenario con artistas del calibre de Bruce Springsteen, Tracy Chapman, Sting, Peter Gabriel y Youssou N’Dour.

El Último de la Fila dedice marcharse a una discográfica mayor, EMI, que les permitió tener un sello discográfico propio, Perro Records. Con esta noticia sacaron al mercado Nuevo pequeño catálogo de seres y estares en 1990, el disco más experimental del grupo y de toda la carrera del artista, aunque sin perder el estilo comercial con el que habían conseguido el éxito, con canciones como Cuando el mar te tenga o Músico loco. En poco tiempo se convirtió en su disco más vendido. Tanto en la contraportada del disco como en su gira, incluyeron logotipos de diversas organizaciones ecologistas, mostrando así un lado comprometido y solidario. En este mismo año el grupo fue telonero de Tina Turner en sus conciertos por Europa.

En 1993 el grupo volvió a sacar un disco al mercado, llamado Astronomía razonable, uno de los discos de más éxito de la carrera del artista barcelonés, llegando a vender casi un millón de copias. Contiene algunas de las canciones más carismáticas y reconocibles del artista como Como un burro amarrado en la puerta del baile o Mar antiguo. El disco también salió en una versión para Italia, con seis de los temas cantados en el idioma italiano. Tras un año sabático, salió a la venta en 1995 el último disco del grupo, La rebelión de los hombres rana. El disco sugería unos ritmos más lentos y oscuros que a los que acostumbraba el artista, lo que no gustó a todos los seguidores, pero que contenía talentosas canciones como Sin llaves o Las hojas que ríen. Las ventas sufrieron un leve receso, lo que no afectó a la gira del grupo, donde llenaban los recintos donde actuaban.

Ese mismo año, Manolo García se reunió con los antiguos componentes de Los Rápidos y decidieron publicar la maqueta que contenía las canciones que darían forma a su segundo LP, si éste hubiera llegado a publicarse. Así, bajo el nombre de Los Rápidos 2 - Maquetas, el sello Perro Records lo sacó a la venta para dar a conocer unas canciones que de otra forma caerían en el olvido.

Tras dos años en los que no había noticias sobre el grupo, el 13 de enero de 1998 el grupo anunciaba su disolución[12] para probar suerte en solitario, alegando que ya habían dado todo lo que podían juntos y lo mejor era trabajar cada uno por su lado. Fue justo en ese instante cuando empieza la carrera en solitario de Manolo García.

Inicio de su trayectoria en solitario

En el mismo año de la separación, Manolo García saca al mercado su primer trabajo en solitario, Arena en los bolsillos, grabado en Londres con la ayuda de Nacho Lesko y Pedro Javier González, consiguiendo en su primera semana el primer puesto de la lista de ventas AFYVE y logrando más de 900.000 discos vendidos durante su presencia en dicho listado.[13] El cantante catalán se convertía así en uno de los pocos artistas españoles que al dejar atrás una banda, mantenían el mismo éxito comercial en solitario. Fue debido a que el disco contenía canciones que iban desde el pop melódico más intimista hasta el rock and roll que caracterizó al artista en sus primeros grupos. Así, canciones de este mismo disco como Pájaros de barro, A San Fernando, un ratito a pie y otro caminando o Como quien da un refresco fueron del agrado de la gran mayoría de seguidores que se habían aficcionado a las canciones del músico en sus anteriores etapas. La gira que a continuación emprendió el artista le llevó a actuar en casi 100 conciertos por todo el territorio español con un rotundo éxito. Fue el primer disco editado con Perro Records desde que este sello musical decidiera distribuir con la multinacional BMG. Con este álbum consiguió los premios amigo a "Mejor solista masculino español" y al "Mejor álbum español" y tres premios de la música como "Mejor artista pop", "Mejor álbum" y "Mejor producción artística",[14] además del premio ondas al "Mejor artista en directo".

Al año siguiente, 1999, reunió en un box set todos los singles editados de su primer trabajo en solitario, sacándolo al mercado bajo el nombre de Singles - Arena en los bolsillos, en edición limitada de 50.000 copias. El valor del box set residía, además de en los temas ya incluidos en el disco, en las caras B de dichos singles, entre los que se encontraban versiones en directo, maquetas y alguna nueva versión de los temas del álbum. Junto con los CDs se incluían postales con ilustraciones y fotos del artista y un póster.

El segundo trabajo en solitario: Nunca el tiempo es perdido

Tras dos años de silencio, Manolo García volvía a grabar un nuevo disco en 2001, esta vez con sólo la coproducción del guitarrista Pedro Javier González. Su nuevo álbum que se llamó Nunca el tiempo es perdido, grabado entre Gerona, Barcelona y París, y mezclado en Los Ángeles, contenía trece canciones pop con un toque más intimista que su primer trabajo en solitario y con mayor protagonismo de violines y elementos acústicos, destacando temas como Nunca el tiempo es perdido, Prendí la flor o Rosa de Alejandría. Las expectativas creadas con su anterior álbum hicieron de éste segundo trabajo número uno en ventas durante las primeras semanas tras su salida, llegando a vender más de medio millón de copias.[13] Manolo salió de nuevo a la carretera para presentar el disco en directo, tan sólo dos días después de que el álbum se pusiera a la venta, realizando 72 conciertos durante cinco meses, con más de 500.000 asistentes. Acabada la gira, la demanda de directos llevó al cantante español a realizar una mini gira acústica por teatros y otros recintos de menor aforo hasta febrero de 2002. Este nuevo álbum estuvo acompañado de los premios amigo a "Mejor solista masculino español" y "Mejor álbum español", uno de los premios de la música por "Mejor álbum pop"[15] y un premio ondas por toda su contribución al pop español.

Como ya hizo con su primer trabajo en solitario, Manolo García volvió a reunir sus singles en un box set de carácter artesanal, para sacarlo a la venta bajo el extenso título de Los singles + Canciones en directo gira 2001-2002 - Nunca el tiempo es perdido. En esta ocasión, además de incluir los singles comerciales con sus caras B, incluyó versiones en directo de su gira acústica y dos canciones nuevas improvisadas durante un concierto de la gira, que son Graná y Blues de la patilla.

A finales de noviembre de ese mismo año, se produjo un incidente que irritó al cantante y compositor catalán. El programa de televisión Operación Triunfo utilizó una canción del artista, Pájaros de Barro, pagando los derechos correspondientes pero sin pedir permiso al propio autor. Bajo el nombre de Operación Triunfo y el derecho a la disidencia,[16] Manolo García realizó una queja pública donde dejó clara su postura y criticó con dureza y abiertamente el planteamiento artístico del programa y su excesiva orientación comercial.

Para que no se duerman mis sentidos

2004 fue el año en el que Manolo volvió a publicar disco, así tras dos años alejado del panorama musical sale al mercado Para que no se duerman mis sentidos, su tercer álbum en solitario, en el que mantiene los mismos esquemas musicales de sus anteriores trabajos bajo la coproducción de Nacho Lesko y Pedro Javier González, como es habitual. Para esta ocasión, el artista catalán viajó a Brasil con la intención de grabar allí algunas de las canciones del álbum, como Para que no se duerman mis sentidos o Niña Candela. El resto del disco se grabó en Gerona y Barcelona con los músicos habituales. Además de las ya nombradas, de este álbum destacan temas más rítmicos que los de sus anteriores trabajos, como Malva o Si te vienes conmigo, y otros temas más acústicos como Una tarde de sol. El disco fue editado junto a un DVD que contenía un vídeoclip y vídeos artísticos de otras nueve canciones. Como en todos sus trabajos en solitario hasta ahora, el disco se colocó líder en ventas, según AFYVE, durante las semanas adyacentes a la salida del álbum. Cuenta además con el premio ondas al "Mejor artista español".

Al no haber editado más que un par de singles comerciales, en vez de realizar una nueva recopilación con todos los sencillos del disco, tras la gira Manolo García volvió a meterse en el estudio de grabación para editar Singles, directos y sirocos. La nueva rareza musical del artista se compone de un box set con dos CDs y un DVD y salió a la venta durante la navidad de 2005. El primer CD, denominado Singles y sirocos, contiene catorce temas entre los que hay cinco canciones nuevas como Sólo amar o Viento ardiente, algunas versiones distintas de los temas del álbum, una maqueta llamada Combustión (Incendio) y una canción en directo. El segundo CD tuvo por nombre Canciones en directo y contenía algunas de las canciones que ofreció durante la gira. El DVD estaba compuesto por la grabación de siete canciones durante uno de los conciertos de la gira, junto con un vídeo-clip.

En abril de 2007, el cantante catalán viajó a América para realizar una gira por países latinoamericanos. Acorde con ella se editó una versión de Para que no se duerman mis sentidos incluyendo dos temas más de los ya incluidos en sus discos anteriores: Pájaros de barro y Nunca el tiempo es perdido. Como herramienta de promoción se creó una nueva página web oficial exclusiva.

Saldremos a la lluvia

El 13 de mayo de 2008 salió a la venta su cuarto disco en solitario: Saldremos a la lluvia. Gran parte del disco se grabó en Creta (Grecia), con importantes influencias de la música griega. Resulta un disco más claro que de costumbre en cuanto a las realidades sobre las que Manolo quiere hacer reflexionar, con especial énfasis en la ecología. Cuenta con la colaboración de músicos de Ojos de Brujo, y las mezclas corrieron a cuenta de Neil Dorfsman, ingeniero de sonido que ha trabajado con Eric Clapton, Mark Knopfler u Oasis.[17] [18]

En el álbum, menos eléctrico y más sereno que los trabajos habituales del artista catalán, destacan baladas como Los cítricos amantes, escasos temas rockeros como Provincia de Río Negro y sobre todo composiciones en medio-tiempo como Saldremos a la lluvia, Tu pequeña tienda o el primer sencillo del álbum: No estés triste.

En la primera semana que estuvo a la venta se colocó primero en la lista de Promusicae y obtuvo un disco de platino.[19] Manolo García realizará durante 2008 una extensa gira que le llevará a tocar en directo por toda la geografía española.

Manolo García como pintor amateur

Manolo García ha mantenido un interés en la pintura artística durante toda su vida. A pesar de gozar de un cierto reconocimiento, el artista niega haber obtenido remuneración económica alguna por lo que, según él mismo, sigue siendo sólo una afición. A pesar de ello, ha publicado dos libros en el mercado, cuyo contenido principal son reproducciones de sus cuadros. Según García, su afinidad a la pintura es una forma de alejarse de la comercialidad y la tecnología que impera en el mundo.[20] Respecto a la relación entre su pintura y su música en una entrevista declaró: Tal y como fusiono, escribo y ligo instrumentos en la música lo hago en la pintura. Soy bastante barroco y rococó. Recargo los cuadros. Del título de un cuadro se me ocurre una canción y cojo la guitarra. Con la pintura me mancho entero, a veces pinto con los dedos. Tengo la suerte de pasarme días y mañanas enteras porque las horas me pasan muy deprisa creando.[21]

La mayor parte de la obra pictórica del catalán la ha regalado a particulares o donado a algún evento u organización benéfica, sin ánimo de lucro.[20] Su estilo aúna el arte naïf con los rasgos más característicos del surrealismo, el impresionismo y el paisajismo, con influencias de los pintores catalanes de finales del siglo XIX y principios del XX.

Se pueden apreciar algunas de sus obras en las portadas de ciertos álbumes de su carrera. Así, la portada de Arena en los bolsillos está ilustrada por su pintura al óleo Pulpo y el escolar, y en Nuevas mezclas, Manolo hizo una reproducción al óleo de una fotografía de Bob Collins para ilustrar la portada. En 1992, Manolo publica De arrebatadora vida, una recopilación de los cuadros pintados por él mismo entre 1985 y 1992.

Su primera exposición sobre su obra fue en Menorca en 1992. Tras esa ocasión, ha expuesto en varias ocasiones más en Segovia, Almería, Barcelona, Albacete y Córdoba.

No es hasta 2004 cuando saca al mercado otra recopilación de sus obras pictóricas llamada Vacaciones de mi mismo. Esta vez, sus cuadros estaban acompañados por la gran mayoría de las letras escritas por el artista durante toda su carrera y numerosas fotografías.

Pagina: http://www.manolo-garcia.com/

Rod Stewart

Rod Stewart (10 de enero de 1945) es un cantante y músico británico.

Comenzó su carrera en la banda de Brian Auger (The Brian Augen Trinity), pasó por los Steampackets, y alcanzó la fama en la banda de Jeff Beck y en los Faces (Junto a Ron Wood, de Rolling Stones). En su carrera en solitario era una estrella de rock al comienzo,virando al pop y captando en la actualidad tanto a los viejos seguidores como a las nuevas generaciones.

Biografía

Roderick David Stewart nace el 10 de enero de 1945 en Highgate (Londres), en los últimos días de la segunda guerra mundial. Su familia es escocesa y es el menor de cinco hijos. Estuvo a punto de morir, ya que media hora después de nacer una bomba "V-2" alemana caía cerca de su casa, destrozando la comisaría de su barrio.

Rod en su juventud (y alentado por su padre), quería ser jugador de fútbol (es fanático del Celtic de Escocia). Estuvo jugando en las categorías inferiores del Brentford pero esta afición se fue apagando al ver que no le llegaban contratos profesionales, así que abandonó esa ilusión y se dedicó a recorrer Europa con una guitarra. Entre sus destinos estaba España; en St.Tropez (Francia) es arrestado por vago y el cónsul británico le hace regresar a Inglaterra. En 1963 está de nuevo en Londres y a partir de entonces formó parte de varios grupos, sobre los cuales relataremos brevemente.

Jimmy Powell & The Five Dimensions: Este grupo estaba formado por Jimmy Powell como líder y cantante solista, Martin Shaw a la guitarra, Louis Cennamo al bajo, Barry Wilson en la batería y Rod Stewart como armónica y segunda voz. Lo más importante que hizo este grupo fue tocar con los "Stones" en el "Ken Collyer's Studio 51". Rod dejó el grupo en enero de 1964 y más tarde se editó un single con los temas "That's All Right" y "I'm Looking For A Woman".

Hoochie Coochie Men: El grupo lo formaba John Baldry como líder y cantante solista, Rod Stewart como armónica y segunda voz, Jeff Bradford a la guitarra, Cliff Barton al bajo, Johnnie Parker al piano y Ernie O´Malley a la batería.

John Baldry se quedó con los restos del grupo Rhythm & Blues All Stars, pero le cambió el nombre por el de "Hoochie Coochie Men".

J. Baldry necesitaba un cantante que tocara la armónica y Rod admiraba el trabajo de Baldry después de haberlo visto en algunas actuaciones en el "Edgware Jazz Club". Rod entró al grupo tras una sesión en el "Eel Pie Island" en la estación de "Twickenham" y con un sueldo de 35 libras a la semana.

Este grupo tampoco llegó a grabar porque cuando J. Baldry lo hizo prefirió hacerlo como solista. El único single que grabó Rod fue la canción "Up Close My Head", aunque en los créditos no constaba tal "detalle".

The Soul Agents: Grupo de Southampton con el cual Rod cantaba más o menos asiduamente. Lo más destacado que hizo este grupo fue tocar en el " Marquee" de Londres. Steampacket: El grupo lo formaba John Baldry y Rod Stewart como cantantes principales, Brian Auger al órgano, Rick Brown y Mick Waller como sección de ritmo y Vic Briggs a la guitarra. En abril de 1965 el manager Giorgio Gomelsky reunió las bandas "Long John Baldry & The Hoochie Coochie Men" y "Brian Auger´s Trynity", y les propuso formar una "superbanda" a la que iban a bautizar con el nombre de "Steampacket".

Esta excelente banda (que tuvo un año de vida), hizo una exitosa gira con grupos como los "Stones" y tocó con grupos como los "Animals" y "Spencer Davis Group", pero nunca llegó a grabar oficialmente, aunque el manager grabó al grupo y esta grabación se editó en 1973 con una calidad muy pobre; es el único testimonio sonoro que queda de esta banda.

Shotgun Express: El grupo lo formaba Peter Green a la guitarra, Mick Fleetwood a la batería, Dave Ambrose al bajo, Peter Bardens a los teclados y como voces solistas Rod Stewart y Beryl Mardsen.

El núcleo principal de esta banda provenía de un cuarteto llamado "Peter B´s Looners". Llegaron a grabar dos singles y Rod cantó en el primero la canción "I Could Feel The Whole World Turn Round". Al mismo tiempo Rod estaba intentando empezar una carrera en solitario, y en el 64 la casa discográfica Decca le hace firmar un contrato como solista del que no saldrá nada productivo. El reconocimiento mayor vino en 1967 y 1969 como vocalista de Jeff Beck Group.

Jeff Beck Group: El grupo sufrió muchos cambios en su formación pero la columna vertebral del grupo era Jeff Beck a la guitarra, Ron Wood al bajo y Rod Stewart como voz solista.

Las primeras actuaciones fueron un desastre, lo cual a punto estuvo de deshacer el grupo por la sensación de aprendices que Beck, como músico profesional y más experimentado que sus compañeros, no podía tolerar. Aun y así siguieron tocando en directo por Europa y Estados Unidos. En 1968 se editó en plena gira americana el primer álbum: "Truth", y meses más tarde se editó el segundo: "Beck-Ola".

Tras "Beck-Ola" el grupo tenia proyectos por separado: Beck quería seguir profundizando en la música, mientras que Rod y Ron estaban a un paso de integrarse a los Small Faces. En 1969 el grupo se separó.

The Faces: De los restos de Jeff Beck Group y Small Faces se creó The Faces. El grupo lo formaba Rod Stewart como solista, Ron Wood a la guitarra, Ian McLagan al teclado, Kenny Jones a la batería y Ronnie Lane al bajo.

El grupo editó cinco álbum ("First Step", "Long Player", "A Nod's As Good As A Wink","Oh La La" y "Coast To Coast"), más dos recopilaciones, las cuales fueron editadas una vez disuelto el grupo. The Faces fue un grupo fuerte, espectacular, enérgico, vital, lleno de dinamismo y con el característico sonido sucio y duro de los Stones.

Sin embargo, cuando Rod llegó al número uno en la carrera que alternaba en solitario con el grupo, aun había gente que lo iba a ver acompañado de un grupo, su grupo, llamado The Faces. Muchos compraban los discos del grupo como discos de Rod y esto benefició al grupo porque les hizo famosos y ricos, pero les perjudicó artísticamente ahogándoles, sin pretenderlo, bajo su fama.

El primer álbum en solitario y aun siendo el vocalista de The Faces, lo graba con la casa discográfica "Phonogram" y se titulará "An old raincoat will never let you down". Introdujo una mezcla de música acústica y eléctrica utilizando folk, soul y R&B. Arropado por una notable banda compuesta por Ron Wood, Mick Waller y el guitarrista Martin Quittenton, inteligentemente Rod Stewart mezcló sus propias narrativas "Cindy Lament" y "Blind Prayer" con covers de Ewan MacColl "Dirty old town" y Mike D'Abo "Handbags & gladrags", pero este disco solo lo apreciaron los buenos catadores.

Alabado por los críticos, Stewart empezaba a prepararse el camino para saltar a la fama. A continuación llegó el segundo disco: "Gasoline alley", conservando los mismos músicos del primer álbum (como también hizo en los dos discos posteriores). Este segundo disco empezó a preocupar a la Warner (casa discográfica de The Faces), que veía que las canciones de Rod como solista eran mejores que las que grababa con el grupo.

Todavía grabando con The Faces Rod consiguió el éxito en su carrera en solitario cuando "Maggie may" se convirtió en 1971 en el mejor single del año (Nº1 en el REINO UNIDO y USA.), a pesar de ser la cara "B" del single (la cara "A" era una canción de Tim Hardin "Reason to believe". La combinación de la melodía pegadiza de Quittenton, la voz inconfundible de Rod Stewart y la mandolina de Ray Jackson de Lindisfarne, creó de esta canción un éxito que perdura hasta nuestros días. Esto propulsó a su vez un nuevo disco de Rod Stewart: "Every picture tells a story "(1971), que le llevó a la cima de las listas de éxitos. Rod Stewart siempre ha tenido muy buen gusto a la hora de interpretar canciones de otros cantantes. La versión que hace de la canción de Bob Dylan "Tomorrow is a long time" y la de The Temptations "I'm losing you", son unas versiones perfectas que muy pocos pueden igualar. El momento culminante del disco es la romántica "Mandolin wind".

"Never a dull moment" (1972) era un álbum fino arropado con grandes temas, otro gran golpe. Los siguientes dos años se editaron dos álbum, uno de ellos recopilatorio: "Sing it again Rod" (1973) y "Smiler" (1974), en el que aparecía una parodia de Rod y sus héroes musicales. En este mismo año la Warner y Phonogram se enfrentan legalmente para discutir los derechos sobre la voz de Rod, al final gana la Warner y Phonogram se debe conformar con las viejas grabaciones, excelentes por otro lado, que recogen parte de lo mejor que Rod haya grabado en su carrera.

En 1975 Rod decide trasladar su residencia a Estados Unidos ante los problemas que tiene con los impuestos de su país. En una fiesta conoce a la "Chica Bond" Britt Ekland, con la que convivirá durante algún tiempo.

The Faces se habían caído en pedazos durante este tiempo tras el éxito de Rod como solista. Esto unido a la oferta de Ron Wood para unirse a los Rolling Stones hizo que la banda se separara, y aunque hubo colaboraciones entre los miembros de The Faces en sus discos en solitario no se volvieron a unir hasta más adelante y por una noble causa.

Viviendo una vida de multimillonario en las Colinas Hollywoodenses (vida de la clase que él nunca había caracterizado en sus canciones más tempranas), esta distancia pasó factura en su música. "Atlantic crossing" (1975) fue otro éxito más. En este disco está la pegadiza "Sailing", la cual se convirtió en el himno de la armada de su país. Rod se arropó para este disco de músicos de "Soul" del calibre de Steve Cropper y Donald ' Duck' Dunn, y había persuadido al legendario productor Tom Dowd para producir el disco. "A night on the town "(1976) contenía una gran canción de Cat Stevens: "The first cut is the deepest", y una de las grandes composiciones de Rod: "The killing of Georgie", canción que hizo sospechar en algunos críticos y prensa amarilla sobre una supuesta homosexualidad de Rod, y todo porque la canción estaba dedicada a un amigo homosexual que fue asesinado en las calles de New York. En 1977 editó "foot loose and fancy free" donde destacaban temas como "Hot legs" (un tremendo rocanrol de estirpe stoniana) y la magnífica versión de "you keep me hanging on" una vieja canción motown que en la voz de Rod toma una dimensión de monumental. Al siguiente año su carrera explota con "Da ya think I'm Sexy?"del disco "blondes have more fun" y los detractores de siempre no tardan en mostrarse, lo cierto es que la canción es el single que más rápido se vendió en warner a lo largo de su historia y un nº 1 rutilante. en los 80 rod se trata de aggiornar con canciones pop como "Passion" o "young turks", estas son algunas de la docena de canciones que seguían esta línea y es en esta época cuando vemos al Rod mas compositor, firmando muchas de las canciones de sus discos.

Rod en 1978 debe enfrentarse a una reclamación de plagio por la canción "Da ya think I'm sexy". El demandante, un cantante brasileño llamado Jorge Ben, nada pudo hacer y Warner ganó el juicio. En una maniobra sospechosa Rod actuó en un concierto a favor de la UNICEF y donó todos los derechos pasados y futuros sobre la canción a dicha organización. En 1979 se casa con Alana Hamilton y el matrimonio durará hasta finales de 1983. La causa de la ruptura es que ella quiere vivir una vida normal al lado de Rod pero éste al acabar los conciertos se va con la banda a beber cerveza y a cortejar mujeres rubias. Rod deberá pagar 3 millones de dólares a Alana por la separación, y a los pocos meses comienza una relación con la modelo Kelly Emberg. Alana declara a la prensa: "Sufre el síndrome del rockero de los 40 años". En 1985 Rod actúa en el festival Rock in Rio en Rio de Janeiro (Brasil), ante 200 mil personas. En 1986 se produce la reunión de The Faces en Wembley en homenaje a Ronnie Lane (componente de The Faces) muerto a causa de esclerosis múltiple. Los integrantes de The Faces recibieron una carta de manos de la viuda con respecto a lo ilusionado que estaba Ronnie ante la posibilidad de revivir a The Faces de nuevo y pensaron en hacer una gira ante el éxito de la reunión en Wembley.

Los siguientes discos siguieron vendiendo y reafirmando a Rod Stewart como uno de los mejores solistas rock, pero sus seguidores más fervientes se vieron privados de poder escuchar los discos que tanto gustaban en épocas mejores: un álbum como "Camouflage" y más aún, una canción como "Camouflage" nunca tendría que haber visto la luz en la voz de Rod Stewart.

Hacia 1988 saca un disco todavía no valorado "out of order", con canciones como "when i was your man" o la version de "try a litlle terderness".

En "vagabont heart" Rod grabó una canción con Tina Turner ("It takes two"), en la cual Rod graba su voz desde Los Angeles y Tina desde Londres, y es el estudio el que se encarga de juntar las voces. También se juntó con Ron Isley ("This old heart of mine"), Glass Tiger ("My town"), Bryan Adams y Sting ("All for love") y participa en discos homenaje como el de Carole King ("So far away") y Elton John ("Your song"). Este último tiempo Rod ha mostrado un vislumbre de su viejo ego en "Vagabound heart" (1991) y la reunión enérgica con Ron Wood en el disco en concierto "MTV Unplugged and seated....." (1993). La recopilación "Storyteller"(1989) tuvo grandes ventas al ser un recopilatorio de cuatro albums en los cuales se repasa toda su carrera. Después vendrían unos cuantos recopilatorios más que lo único que hicieron fue llenar unos años vacíos con un par de temas nuevos, los cuales no aportaban nada a la brillante discografía de Rod Stewart.

En los 90 el padre de Rod murió a los 85 años y sus hijos le hacen el último regalo: un arreglo floral que representa un campo de football y una bandera escocesa. Rod se separa de Kelly y deberá pagarle 13 mil dólares mensuales. A los pocos meses se casa con Rachel Hunter de 21 años (Rod tiene 45 años).

En 1991 hace su primera gira europea después de 4 años de ausencia. Tiene problemas con su voz a causa de un virus infeccioso que afecta sus cuerdas vocales y tiene que cancelar varios conciertos. En Sheffield el público quiere que les devuelvan su dinero a causa de la poca entrega de Rod, que es ingresado en un hospital y más tarde terminará la gira.

Salen al mercado a mitad y finales de los 90 dos excelentes trabajos que devuelven a Rod una credibilidad puesta en duda en los años 80: "A spanner in the works"(1995) donde se destaca la magnífica "sweetheart like you" de bob dylan y "When we were the new boys"(1998). Son discos que se esperaban y que están hechos a medida para Rod. Tras el lanzamiento de estos discos se realizaron giras americanas y europeas donde en todos los conciertos se cuelga el cartel de "no hay entradas". Luego del éxito de las giras americana y europea del disco "When we were the new boys" vuelve a Estados Unidos y se reanuda otra gira americana. En esta gira se puede ver a un Rod rejuvenecido y con la fuerza de sus primeros años. Todo parece que los 90 han hecho que Rod sacuda el polvo a los viejos discos y vuelva a sus raíces.

En estos últimos años Rod había sufrido un golpe muy duro al ser abandonado por su mujer de entonces, Rachel Hunter, esta (según ella) necesitaba tiempo para pensar en ella y realzar su carrera de actriz pero parece ser que la diferencia de edad y la vida monótona que Rod le daba (conciertos, grabaciones, football y borracheras con los amigos) acabaron de romper una relación que (como el titulo del libro) era una muerte anunciada.

Rod quedó llorando su abandono y en un año pasan por su cama ( Robbie Lauren, Kimberly Conrad, Caprice Bourret, Angelica Bridges, Tracy Tweed, Vicky Lee, etc...... ) un sin fin de mujeres y era normal verlo cada semana del brazo de una u otra en las revistas del corazón pero de todas ellas solo una dejó huella y fue, Penny Lancaster, la conoció cuando ella se acerco a la salida de un hotel en Londres (Inglaterra) a pedirle un autógrafo y el muy complaciente la invitó a pasar unas vacaciones juntos, después se dejaron de ver un tiempo (Rod aprovecho para conocer a alguna rubia más) pero al tiempo volvieron y la relación sigue hasta el día de hoy. Rachel al tiempo se compro una casa cerca de la de Rod en California (USA) y esta relacionada sentimentalmente con un actor americano, de su carrera como actriz nada se puede decir porque solo ha trabajado en películas de bajo calibre.

En el 2000 Rod pasa por el quirófano al encontrarle un cáncer benigno en sus cuerdas vocales, la operación fue un éxito y Rod pasa un año descansando, en estos días prepara su nuevo disco que se llamara "Human" (Humano) y que tiene como fecha de salida en los primeros días de Febrero, la casa discográfica ya no es Warner sino Atlantic Records pues Rod a vuelto a Atlantic después de mucho tiempo, la etapa de Warner últimamente dejaba mucho que desear ya que a Rod se le tenia muy olvidado (el disco no surte efecto, sin promoción y al ser una jugada arriesgada -pasando al soul-) en Europa los singles llegaban tarde no había una publicidad para ninguno de sus discos y menos una gira europea la cual se limitaba solo a países que las ventas de los discos fuesen dignas.De igual manera hay en ese disco canciones dignas como "if a had you" con guitarra de mark knoffler de dire strais o la super cool "Charlie Parker loves me". Al mudarse a J records sacó una serie de cuatro discos que exploran el jazz estadounidense y que lo plagan de éxitos, desde su 1º grammy a la estrella en hollywood, pasando por una nada despreciable venta de más de 16 millones de discos alrededor del mundo.... Estos hechos le devolvieron al viejo cantante el lugar que se merecía en el gusto popular. Sumado a eso su matrimonio con Penny Lancaster y su reciente paternidad de Alistair tornaron en feliz el nuevo milenio donde se transformó en una leyenda viviente, un mito indiscutido. En 2006 sacó un disco de covers de clásicos del pop y rock de todos los tiempos, disco éste que debutó en el nº 1 de los rankings con canciones destacadas como "if not for you" "crazy love" o el hit "have you ever seen the rain?".

Comenzando el año 2008, su Gira pasó por América Latina actuando el 27 de marzo en la Ciudad de Guadalajara, Jalisco, y dos días después en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

El intérprete de "Da ya think I'm sexy?" se presentó luego el 8 de abril en Santiago de Chile, lugar que visitó después de diecinueve años, ya que en 2002 debió suspender imprevistamente su participación en el Festival de Viña del Mar.

El 10 de abril de 2008, ante 20.000, y el 11 de Abril ante 35.000 personas, que colmaron en Argentina el Estadio Vélez Sarsfield de Buenos Aires,canto para un público, que lo que fue a buscar, Rod se lo dio servido en bandeja. Cantó "You re in My Heart" con una bandera de su adorado Celtic en manos, con goles en pantalla y un gran escudo de su equipo en el suelo del escenario, renovando el vínculo de amor que lo une a los fans del Pájaro Loco de ese país; ya ha efectuado dos recitales en la Argentina. el 10 y el 11 de abril. en el estadio Velez Sarlfield.

Pagina: http://www.rodstewart.com/

Danni Carlos

Desde Bahia nos llega Danni Carlos, nació en Rio de janeiro el 2 de julio de 1975. Empezó a componer sus canciones a los 16 años de edad, pronto ella demostró su trabajo y su voz presentandose en los bares dela noche carioca. Ella estudió astrología, el tarot y teatro, con 21 años de edad decide aventurarse a Europa, el continente donde viajo como "mochilera", se pintó el pelo de rojo.

En esas andanzas llegó a vivr un corto periodo con un grupo de monjas en un convento italiano, dentro de un clima "Zen", que por más extraño que parezca, esto tiene que ver con la fomración del temperamento de la cantante de rock.

De regreso a Rio de Janeiro y con muchas historia que contar, la espigada y rubia Danni (que visualmente es una mixtura de Sharon Stone y Courtney Love) logró que la compañia BMG registrara 20 composiciones suyas, algunas de ellas en inglés.

Esto llamó finalmente la atención de los ejecutivos de la disquera y recibió una propuesta suficientemente tentandora: reeditar, con esa cálida voz, en formato acústico, algunos hits del rock internacional, como "Wherever You Will Go" (The Calling), "I Was Born you the Love You" (Freddie Mercury) and "Missing" (Everything But the Girl).

El resultado fue el disco Acoustic Rock'N'Road (2003), en corto tiempo el disco batio la marca de las 130 mil copias vendidas y definitivamente esto impulsó a la joven mujer por seguir la carrera de cantante (al mismo tiempo, Danni participaba como actriz de la serie "Heavy Load" y participaba de la novela "He is that they are they", ambas de la red brasilera O'Globo).

J.J. Cale

J.J.Cale nació en Oklahoma (EEUU) en 1938.Empezó a ser conocido cuando los años 70 iniciaban su andadura gracias al album «naturally».

Este L.P.contenía ya algunos de sus clásicos, como «call me the breeze», «after midnight o «crazy mama». Su estilo era una extraña, innovadora y personalísima mezcla de blues, country y rock and roll.

Cale se caracteriza por una voz suave y sugerente, y una manera de tocar la guitarra que ha influenciado claramente a otros grandes del instrumento como Mark Knopfler o Eric Clapton.

A este último le debe la popularidad de muchas de sus canciones y la suya propia,Clapton lleva desde 1970 versioneando canciones de Cale en muchos de sus discos.

La más conocida de todas las versiones que ha hecho ha sido, por supuesto, «cocaine», pero hay muchas más:
«after midnight»,»I´ll make love to you anytime»,»same old blues»,etc.

En 2006 unieron fuerzas y grabaron un album:»The road to escondido».La carrera de Cale se ha caracterizado por tener pocos altibajos, siendo casi todos sus trabajos de un gran nivel.

J.J.Cale es muy poco parecido a una estrella del rock, es más bien una especie de ermitaño, le gusta disfrutar de la tranquilidad y sencillez de su vida diaria y siempre ha sido asi.

Pagina: http://www.jjcale.com/

The Black Keys

The Black Keys son un duo de blues-rock formado por Dan Auerbach y Patrick Carney en la ciudad estadounidense de Akron, Ohio.

Historia

El nombre de la banda se inspiró en un artista amigo del grupo que padecía de esquizofrenia y que usaba el término black keys para describir a "las personas que no estaban del todo bien". Un doble significado también puede interpretarse como el hecho de que las teclas negras (black keys) de un piano comprenden una escala pentatónica menor empezando en mi bemol mayor, que se asocia frecuentemente con el blues y el rock.

Seguido se les compara con los White Stripes — otro duo de música lo-fi con influencias blues y que tuvieron su primer éxito significativo en el 2001, varios meses antes que The Black Keys.

El grupo editó su primer álbum The Big Come Up en el 2002, seguido por Thickfreakness en 2003 y Rubber Factory en 2004. En ocubre de 2005 salió a la venta su DVD en vivo, Live que fue grabado en el Metro Theatre de Sydney el 18 de marzo del mismo año. Para 2006 editaron Magic Potion y el menos conocido EP Chulahoma.

Han logrado gran reconocimiento y aclamación por parte de la crítica desde que su álbum debut fuera ovacionado por la revista Rolling Stone[1]. La revista Time los nombró como uno de los "10 mejores actos del 2003"[2] (detrás de OutKast y The White Stripes). Le han abierto a varios grupos como Beck y Radiohead, salido de gira con otros como Sleater-Kinney y participaron en el festival Lollapalooza de 2005. Además, recibieron gran apoyo del influyente locutor británico John Peel, aparecieron en el Late Night with Conan O'Brien y el Late Show with David Letterman

Robert Plant (el líder de Led Zeppelin), Billy Gibbons de ZZ Top y Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead son todos fans de The Black Keys[3]. Kirk Hammett, el guitarrista de Metallica también ha declarado en una entrevista que disfruta estuchar de su música. Matt Helders, baterista de los Arctic Monkeys, fue visto con una playera del grupo en una entrevista para MTV.

Estilo

Uno de sus rasgos característicos es su preferencia por las técnicas de grabación de baja fidelidad, tales como el uso de grabadoras de cinta y efectos analógicos. La banda misma realiza la mayoría de la grabación, producción y mezcla de sus trabajos. Una gran parte del álbum Thickfreakness fue grabado en tan solo 14 horas en el sótano de Carney en una grabadora de ocho pistas Tascam 388 de los 80s. De vez en cuando experimentan con técnias de producción y grabación un tanto extrañas, como dejar ruidos de fondo.

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Willie Nelson

Willie Hugh Nelson (Abbott, Texas, 30 de abril de 1933) es un compositor, letrista, cantante y guitarrista estadounidense de música country, que se hizo célebre como representante del llamado movimiento "outlaw country" durante los años 70.

Biografía

Comienzos

Tras el divorcio de sus padres, Willie y su hermana Bobbie fueron educados por sus abuelos. Se interesaron muy pronto por la música, y, con otro amigo, llegaron a formar un grupo, los Bohemian Fiddlers, mientras Willie estudiaba todavía en el instituto. Acabados los estudios, se enroló en la Fuerza Aérea, pero tuvo que abandonarla por problemas de espalda. Asistió a clases durante un año en la Universidad de Baylor, pero abandonó los estudios y encontró trabajo pinchando música country en una emisora de Fort Worth, al tiempo que cantaba en bares honky-tonk. En 1956 se trasladó a Vancouver, en el estado de Washington, donde comenzó su carrera musical grabando el tema "Lumberjack", compuesto por Leon Payne. El sencillo fue un éxito de ventas, pero Nelson no logró iniciar una sólida carrera musical, y continuó trabajando en la radio y cantando en clubes. Vendió, por cincuenta dólares, una canción compuesta por él, titulada "Family Bible", que fue un éxito en la versión de Claude Gray y desde entonces ha sido interpretada por numerosos músicos y es considerada un clásico del gospel.

Escritor de canciones

Se trasladó al estado de Tennessee, pero no logró ningún contrato discográfico, aunque sí un contrato publicitario con Pamper Music. Cuando Ray Price grabó su tema "Night Life" (tal vez la canción country más veces versioneada), se unió al grupo de Price para su gira como bajista. Mientras tocaba con Ray Price and the Cherokee Cowboys, muchas de las canciones de Nelson fueron éxitos en las voces de otros intérpretes country, entre ellas "Funny How Time Slips Away" (interpretada por Billy Walker), "Hello Walls" (por Faron Young), "Pretty Paper" (por Roy Orbison) y, sobre todo, "Crazy" (por Patsy Cline). Firmó por Liberty Records en 1961 y editó varios singles, entre ellos "Willingly" (con su esposa, Shirley Collie) y "Touch Me."

Tampoco entonces fue capaz de iniciar una sólida carrera musical. Sus grabaciones de la época durante la que fue compositor para Pamper Music fueron posteriormente editadas como Crazy: The Demo Sessions (2003). Su vida personal durante este período fue bastante agitada, por decirlo suavemente. Tuvo problemas de alcoholismo, faltó varias veces a su trabajo y fue condenado por tenencia de armas.

Austin

En 1965, Nelson fue contratado por RCA Victor Records y se unió al Grand Ole Opry. Siguieron una serie de éxitos menores. Decepcionado por el negocio musical, que trataba de ahormar su impulso creativo, se retiró a la ciudad de Austin, en Texas. Pronto se vio envuelto en los ambientes musicales hippies (ver Armadillo World Headquarters) y decidió regresar a la música. En Austin alcanzó gran popularidad, ya que interpretaba un estilo de country muy personal, con influencias del rock and roll, el jazz, el western swing y el folk.

Outlaw Country

Con Atlantic Records, Nelson grabó Shotgun Willie (1973), muy bien recibido por la crítica, pero escasamente vendido. Phases and Stages (1974), un álbum conceptual inspirado por su divorcio, incluía el éxito "Bloody Mary Morning." Más tarde fichó por Columbia Records, donde se le dio pleno control creativo sobre su obra. El resultado fue un álbum inmensamente popular y unánimemente aclamado por la crítica, Red Headed Stranger (1975). Aunque Columbia puso al principio dificultades para editar un disco con una guitarra y un piano por todo acompañamiento, Nelson insistió (con ayuda de Waylon Jennings) y el álbum fue un gran éxito, en parte a causa de la inclusión en él de una popular versión del tema "Blue Eyes Crying in the Rain" (compuesto por Fred Rose en 1945).

Junto a with Nelson, Waylon Jennings alcanzó también un gran éxito en el mundo del country a comienzos de los 70, y pronto se acuñó la etiqueta outlaw country para definir el tipo de música que ambos practicaban. El término "outlaw" ("proscrito") hacía referencia a que su música no se ajustaba a los cánones de Nashville. Esta imagen de proscrito de Nelson se afianzó con su siguiente álbum, Wanted: The Outlaws! (1976, junto a Waylon Jennings,jessie jennings Tompall Glaser), el primer álbum country en convertirse en disco de platino. Nelson continuó copando las listas con canciones de éxito durante la segunda mitad de la década. Entre estos éxitos destacan "Good Hearted Woman" (a dúo con Jennings), "Remember Me", "If You've Got the Money I've Got the Time", "Uncloudy Day", "I Love You a Thousand Ways" y "Something to Brag About" (dúo con Mary Kay Place).

En 1978, Nelson grabó dos nuevos álbumes que serían también discos de platino: Waylon and Willie (una colaboración con Jennings que incluye una de las canciones más características de este último, "Mammas Don't Let Your Babies Grow Up to Be Cowboys") y Stardust, un inusual disco de standards interpretados a la guitarra, producido por Booker T. Jones. Aunque la mayor parte de los críticos predijeron que Stardust acabaría con su carrera musical, terminó siendo una de sus más exitosas grabaciones.

Carrera como actor

Nelson empezó también una carrera como actor. Apareció en El jinete eléctrico (1979), y fue el protagonista de varias producciones, como Honeysuckle Rose (1980), Barbarosa (1982), Red-Headed Stranger (1986, con Morgan Fairchild), Wag the Dog (1997), Gone Fishin (1997), en el papel de Billy 'Catch' Pooler, y el telefilme de 1986Stagecoach (junto a Johnny Cash, Waylon Jennings y Kris Kristofferson, con quienes formaría un grupo llamado The Highwaymen). Después de esto, Nelson ha continuado trabajando como actor, pero generalmente solo en pequeños papeles y cameos, como en Half Baked, película en la que interpreta a un anciano "fumador histórico" que, mientras fuma marihuana, recerda lo que solía hacer en su juventud; apareció también en la película de 2006 Beerfest, en el que busca compañeros de equipo para un imaginario campeonato del mundo de fumadores de marihuana que tiene lugar en Amsterdam. Ha hecho también apariciones como estrella invitada en varias series de televisión, como Corrupción en Miami, Delta, Nash Bridges, Los Simpson, Monk and El rey de la colina. Interpretó a "tío Jesse" en la película The Dukes of Hazzard, versión cinematográfica de una serie de televisión, y retomó el papel para la segunda parte de la película, The Dukes of Hazzard: The Beginning (2007).

De los años 80 a la actualidad

Durante los 80 publicó una serie de singles de éxito: "Always on My Mind" (tema antes popularizado por Elvis Presley), "On the Road Again", de la película Honeysuckle Rose y "To All the Girls I've Loved Before", un dúo con Julio Iglesias que obtuvo notable éxito y ayudó a impulsar la carrera de Julio en EE. UU.. También editó algunos álbumes más populares, como Pancho and Lefty (1982, en colaboración con Merle Haggard), WWII (1982, con Waylon Jennings) y Take it to the Limit (1983, también con Jennings).

A mediados de la década, Nelson, Waylon Jennings, Kris Kristofferson y Johnny Cash formaron un grupo llamado The Highwaymen, que tuvo un éxito inesperado, con ventas masivas y giras mundiales. Por la misma época, se implicó en obras de caridad, como la creación de los conciertos Farm Aid, en 1985.

En 2004 grabó un tema de Bob Dylan, "He was a friend of mine", para la BSO de la multipremiada película "Brokeback Mountain"; dicha grabación ha de tomarse como muy audaz por sus connotaciones gay, ya que por contexto, la "amistad" descrita en la letra adopta el componente amoroso de la película.

Pagina: http://www.willienelson.com/

Los Violadores

Emulos locales de The Clash, Los Violadores son la primer banda punk argentina en lograr repercusión masiva. Ya por 1980 sus presentaciones en pequeños reductos underground convocaban a cientos de seguidores... y a la policía que inevitablemente interrumpía los shows. Por ese entonces, la censura les prohibió el nombre, y entonces se hacían llamar "Los Voladores". «Queríamos hacer algo punk pero enraizado en nuestra realidad. No queríamos ser parte de ese rock argentino complaciente y callado ante la dictadura, cómplice de las barbaridades».

Luego del primer disco ("el más rabioso de la historia del rock nacional", según el mismo Pil Trafa), Stuka pasó a ocupar el lugar dejado vacante por Harry B y Robert "El Polaco" Zelazek se incorporó en el bajo.

En aquel entonces, el principal "enemigo" de la banda era el régimen militar y, en segundo término, la ideología hippie. Si bien comportían ese enemigo en común, mantenían una fuerte confrontación con los músicos líderes del momento: Serú Girán, León Gieco y Spinetta Jade.

Gracias a los contactos con Michel Peyronel, el baterista de Riff, el grupo logra grabar el primer LP. La presentación del material tuvo lugar en Obras, con todas las características del punk, que incluyen los salivazos entre público y músicos.

Las diferencias de criterio musical entre Stuka y Pil Trafa pueden apreciarse en los discos. "Fuera de Sektor" (1986) tiene el estilo de Stuka: más cercano al dark de The Cure y a U2. "Mercado indio" (1987), por su parte, sigue la línea más punk de Pil Trafa. Justamente para la época que se editaba ese trabajo, Pil comentaba: «A mí me gusta la música que me emociona, y esto que hacemos es un sentimiento (...) Las letras no me salen por querer componer un soneto. No, son desgarradísimas (...) Yo estoy viviendo en esto, estoy sufriendo la gran ciudad, estoy gozando y me estoy muriendo, lleno de smog, de humo, de cemento, de cal. Yo no podría hacer otra cosa que no fueran Los Violadores. Creo que con Los Violadores se acaba mi carrera en la música, no podría estar en otro lado, no me sale, no me da y ni siquiera lo intento» (G.Guerrero, pág 214). En 1989 se incorporó el baterista Sergio Vall.

"En vivo y ruidoso" (1990) fue grabado en Obras con hits viejos y también material nuevo. El show comenzó con el tenor Carlos Saidman interpretando el Himno a la Alegría, de la Novena Sinfonía de Beethoven, en versión punk, desde ya.

La banda se despidió en 1992, con unos shows en Obras, cuando ya las diferencias entre Stuka y Pil Trafa eran insostenibles. Este juró no volver más a reunirse "por respeto a su gente" y creó el grupo Pilsen. Stuka creó Stukas en vuelo.

A fines de 1995 «sentimos la necesidad de volver a tocar juntos», confesaron. Se reunieron con Stuka y con Sergio Vall para intentar rearmar el cuarteto, pero las expectativas económicas fueron diferentes. La banda quedó integrada por Pil Trafa (voz), Polaco Zelazek (bajo), Anel Paz (guitarra) y Adrián Blanco (batería). Prometieron disco nuevo, gira por el interior y "seguir tocando por un largo rato".

Stuka y Pil Trafa editaron un disco a duo en 1999, con el seudónimo Stuk@pil.

Luego de todo un 2000 de presentaciones en vivo, finalmente en el 2001 editaron "Lo mejor de Los Violadores", un disco de temas clásicos, pero en nuevas versiones. Desde ese momento, la quedó integrada por Pil (voz), Stuka (guitarra), El Niño (bajo) y Sergio Vall (batería).

"En vivo y ruidoso II" fue grabado en vivo el 25 de octubre del 2002 en Cemento. Incluye 16 clásicos de la banda, más tres temas nuevos: "El día que no hubo aviones", "Todo fue hecho por amor (pero fracasó)" y "Santa Bailanta". Y un bonus track: "Viva la revolution", grabado en estudio con la participación de los alemanes Die Toten Hosen.

Oficializando que "no estamos peleados, pero tampoco somos amigos", Pil lideró la banda para "Y va... sangrando", un disco de seis temas que tiene a Tucán como guitarrista y co-compositor.

En el 2006 editaron "Bajo un sol feliz" a través de EMI. Pil (voz), Tucán (guitarra), El Niño (bajo) y Sergio Vall (batería) festejaron los 25 años de la banda.

Formacion:
Pil Trafa: voz
El Niño: bajo
Tucán: guitarra
Sergio Vall: batería

Discografía:
Los Violadores, 1983
Y ahora qué pasa, eh?, 1985
Uno, dos, ultravioladores, 1986
Fuera de sektor, 1986
Mercado indio, 1987
Y que Dios nos perdone, 1989
En vivo y ruidoso, 1990
Otro festival de la exageración, 1991
Grandes éxitos, 1992
Violadores histórico - La verdadera historia, 1996
Otra patada en los huevos, 1996
Lo mejor de Los Violadores, 2001
En vivo y ruidoso II, 2003
Y va... sangrando, 2004
Bajo un sol feliz, 2006

Pagina: http://www.violadores.com/
Fuente: Rock.com.ar