Silverchair

Silverchair es un grupo de rock, post-grunge, una de las bandas contemporáneas más exitosas del rock de Estados Unidos y Australia. El grupo ha tenido más veinte sencillos durante la pasada década, cifra superior a cualquier otro artista local, vendiendo más de seis millones de álbumes en todo el mundo

Historia

Comienzos

Los 3 miembros principales del grupo nacieron en 1979 en el suburbio de Merewether, Newcastle, Australia. El cantante/guitarrista Daniel Johns y el baterista Ben Gillies comenzaron a hacer música en la escuela primaria y más adelante, un compañero de clases, Chris Joannou se unió en la guitarra. Provocaron un gran impacto cuando, ganaron una competencia nacional de demos, realizada por el programa "Nomad" de la CBS TV y Triple J.

La banda cambió su nombre de "Innocent Criminals" a Silverchair por sus influencias de You Am I (la canción "Berlin Chair" específicamente y "Sliver" de Nirvana) y en agosto lanzaron la demo de la canción ganadora de la competencia, llamada "Tomorrow". La canción pasó seis semanas en el #1 de las radios australianas y 20 semanas entre los top 10. En ese año convirtió en la canción mas tocada del año en radio de los E.E.U.U.

Frogstomp

Tomorrow fue todo un éxito en Estados Unidos, alcanzando el número 1, llegando a convertirse en el cuarto sencillo más vendido en la historia de Estados Unidos. En enero de ese año //¿En que año?// Silverchair lanzó su segundo sencillo: Pure Massacre. Después de su lanzamiento Frogstomp se convirtió en el primer albúm en debutar en las listas australianas en el número 1 y llegar a platino en una semana. El disco pronto se convirtió en doble platino y estuvo 6 semanas consecutivas en el número 1. El éxito de Silverchair en Londres fue prácticamente igual de rápido. Lanzado en Norteamérica en el verano, Frogstomp subió rápidamente las listas de popularidad debido a que la cadena MTV paso repetidamente el video de Tomorrow y pronto el álbum se convirtió en platino en Norteamérica y a finales del año "Pure Massacre se había convertido en un éxito en la radio y MTV. A finales del año, silverchair hace su primera gira sudamericana, la cual los lleva hacia Brasil y Argentina. En su actuación del 23 de noviembre en el Estadio de Ferro, en el Festival Alternativo, graban escenas que más tarde se incluirían en su video oficial "Outtakes & Mistakes" que básicamente es una presentación de la grabación del disco "Freak Show"

Freak Show

El 4 de febrero, Silverchair lanzó un álbum que los críticos que los habían llamado una vez One Hit Wonders quedaron sorprendidos con éste. A los 17 y 14 años demostraron una mejora en su propio estilo musical con Freak Show, con un sonido mucho más maduro que su antecesor, y logrando así un estilo propio y auténtico, silenciado ciertamente a muchos de la gente que los comparó alguna vez a las bandas de Seattle, como Nirvana, Pearl Jam y Soundgarden. La inclusión de nuevos sonidos e instrumentos hizo que fueran reconocidos por sus propios méritos recibiendo las mejores críticas que su antecesor pero no llegando al mismo nivel de ventas, logrando 1.5 millones de copias, un millón menos que Frogstomp. Por esta época la banda tuvo que hacer malabares para lograr acabar sus estudios en la secundaria y universidad para realizar sus viajes alrededor del mundo, para promocionar su disco.

Neon Ballroom

Tras problemas de anorexia y depresión del cantante Daniel Johns, la banda estuvo cerca de disolverse, pero continúan, ahora Daniel se convierte en el líder absoluto, escribiendo todas las canciones junto con el bajista y tecladista, de una forma mucho más personal y honesta. Aparece Neon Ballroom mundialmente, su primer single fue Emotion Sickness (sólo para Australia), el primer single mundial fue Anthem For The Year 2000 que con un video épico logró atraer las miradas hacia la banda otra vez, pero no fue hasta el lanzamiento de Ana's Song (Open Fire), que la banda logra tener un segundo gran éxito como fue Tomorrow. Una canción vivencial que tocó el tema de la anorexia del cantante. En el año finiquitan su contrato mundial con Sony, y se integran a "Eleven". El 20 de enero, después de un año de estar fuera de la ruta, Silverchair tiene el recital más exitoso de su historia: Rock in Rio, con una audiencia de aprox. 250 mil personas, una cifra que da un status de culto a la banda, en ese concierto fue el unico donde se presento toda la banda original completa, que más tarde se consolidaría con su épico disco: Diorama.

Diorama

Aparece Diorama. Este disco demuestra un nivel diferente de composición en Johns, que logra crear un disco que traspasa por los sonidos mas 60s que se hayan escuchado en el rock actual, y su carisma compositivo queda al reflejo, pues el disco en un 80% es compuesto en piano por él mismo. El disco circunda los pasos del pop sesentoso (en parte por la colaboración del arreglador de los Beach Boys, Van Dyke Parks) y contiene construcciones vocálicas como nunca se escucharon en Silverchair, una dulzura en la armonía jamás vista. Un disco positivo en comparación a los anteriores. The Greatest View, el primer single, es un tema tan contundente como rockero y a la vez popero. Le sucedieron los singles Without You, Luv Your Life. Daniel contrae un tipo de artritis severa que ataca sus extremidades, lo cual lleva a cancelar todas las giras, y lleva al cantante a un doloroso tratamiento. Cabe destacar, que ésta es la razón, por la cual el video de Luv Your Life es animado, y aunque Ben y Chris aparecen filmados en persona y pasados como dibujos animados, Daniel (que estaba en hospitales y centros sanitarios) aparece solamente dibujado.Luv Your Life,Across The Night y After All These Years, éstos tres últimos sólo para Oceanía e Europa.

Young Modern

Con un nuevo giro estilístico influenciado por Midnight Oil y, Fleetwood Mac, Young Modern aparece el 31 de marzo de 2007 en Oceanía. Similar a Diorama en la ensoñación, pero con un tinte mucho más directo y pop, el álbum llega al número 1 y logra distintos hitos en la historia de los rankings de ese continente gracias al single Straight Lines, el que ha generado expectación mundial. Silverchair comienza a retomar contacto con el mundo, vuelve a tocar a Estados Unidos y Europa como si fuera una banda nueva.

Pagina: http://www.chairpage.com/

Sigur Rós

Sigur Rós es un grupo islandés de post-rock, con elementos de shoegazing y minimalismo. El nombre es islandés; se pronuncia ['s???r rous'] en el Alfabeto Fonético Internacional y signífica "rosa de victoria".

Miembros

Sigur Rós estaba compuesto originalmente por Jón Þór Birgisson (Jónsi, guitarra y voz), Georg Hólm (Goggi, bajo) y Ágúst Ævar Gunnarsson (batería). Posteriormente en 1999 ingresó a la banda Kjartan Sveinsson (Kjarri, teclado) para la publicación de Ágætis byrjun. En 1999, Ágúst Ævar Gunnarsson abandonó el grupo tras la grabación de Ágætis byrjun, siendo reemplazado por Orri Páll Dýrason (batería).

Historia

Jón Þór Birgisson (Jónsi), Georg Hólm y Ágúst Ævar Gunnarsson formaron el grupo en Reykjavík, Islandia, en agosto de 1994. El nombre del grupo fue tomado de la hermana menor de Jónsi, llamada Sigurrós, la cual nació el mismo día. El grupo pronto ganó un contrato con la discográfica local, Bad Taste. En 1997, lanzaron Von (Esperanza) y en 1998 la colección de remezclas Von brigði (Vonbrigði significa en islandés "decepción", pero Von brigði significa "alteración de la esperanza"). En inglés, el álbum Von brigði es conocido usualmente por su nombre alternativo, "Recycle Bin", que significa Papelera de reciclaje.)

El reconocimiento internacional llegó en 1999 con el lanzamiento de Ágætis byrjun (Un buen comienzo), para lo cual el grupo integró a Kjartan Sveinsson.

En 2002, el anticipado álbum ( ) fue lanzado. Todas sus canciones fueron publicadas sin título, siendo posteriormente publicados sus nombres en el sitio web oficial. Todas las canciones son cantadas completamente en un lenguaje fonético improvisado llamado "vonlenska" (de von, 'esperanza' e íslenska, 'islandés'), creado por Jón Þór Birgisson, que integra sonidos del idioma islandés. La razón es que el oyente debe interpretar su propio significado de las letras, las cuales puede escribir en las páginas blancas que trae el libreto del álbum.

En octubre de 2003, Sigur Rós junto con Radiohead compusieron música para la pieza de danza de Merce Cunningham, llamada Split Sides; las tres canciones de Sigur Rós fueron llamadas Ba Ba/Ti Ki/Di Do y fueron lanzadas en marzo de 2004. En octubre de 2004, el primer álbum de 1997, Von fue puesto finalmente en venta en Estados Unidos y el Reino Unido. Su último álbum, Takk... (Gracias...), fue lanzado el 3 de septiembre de 2005, con la descarga legal de su primer sencillo, Glósóli, publicado el 15 de agosto. Para los fanáticos de norteamérica, Sæglópur fue puesta a disposición para su descarga el 16 de agosto. Hoppípolla, el segundo sencillo oficial de Takk..., fue lanzado el 28 de noviembre junto con una nueva remezcla de estudio de Hafssól, una canción que fue previamente lanzada por la banda en el primer álbum de 1997, Von. a finales del 2005 lanzaron el EP de Sæglópur, el cual incluye dos cd el primero con tres temas nuevos y el segundo con tres videos. El grupo también ha escrito el libreto del video musical Sæglópur, que fue dirigido por ellos.

Recientemente han publicado el último álbum de estudio "Hvarf-Heim" (2007).

Sigur Rós ha vendido cerca de dos millones de álbumes alrededor del mundo.

Paginas:

http://www.sigur-ros.co.uk/
http://www.ocnos.com/

Badfinger

Aunque todo el mundo (o casi) conoce la balada “Without you”, preferentemente por la versión de Harry Nilsson (otros por la de Mariah Carey, lo que ya tiene narices), pero poca gente sabe que sus autores e intérpretes originales eran los magníficos Badfinger, un grupo de power pop y pop-rock con influencia de los Beatles, pop guitarrero de inclinación melódica y gusto por las armonías vocales que grabó sus mejores trabajos en Apple, el sello propiedad de los Fab Four.

El grupo, derivado de un grupo de pop llamado The Iveys, estaba integrado por el cantante, guitarrista y teclista Pete Ham, el vocalista y bajista Tom Evans, el guitarrista Joey Mollan y el batería Mike Gibbins.

Su debut en el sello manzanero fue con el single “Come and get it”, un tema escrito por Paul McCartney. La canción apareció en el debut de la banda en formato LP, “Magic Christian Music” (1969), disco producido por Paul McCartney, Tony Visconti y Mal Evans, en el cual se mostraba el talento de su principal pareja compositiva, Pete Ham y Tom Evans, en canciones como “Carry on til tomorrow”, “Midnight sun” o “Maybe tomorrow”.

Su disco más popular, y uno de los mejores de su carrera, es “No dice” (1970), LP co-producido por Mal Evans y Geoff Emmerick en el cual suena el citado tema “Without you”. Junto a él cortes como “No matter what” o “I can’t take it”.
Molland también se destapaba como escritor de buena piezas como “Love me do”.
“No dice” no logró la repercusión comercial esperada, al igual que otros meritorios discos como “Straight up” (1971), LP con “Day after day” y “Baby Blue”, producido por Mal Evans, George Harrison y Todd Rundgren, y “Ass” (1973), con Rundgren y Chris Thomas en la producción.
Esto, unido a la crisis económica de Apple, conllevó el cambio de sello de Badfinfer que comenzaría a grabar en Warner.

Su primer LP en la nueva compañía fue el homónimo “Badfinger” (1974), con Thomas dirigiendo el cotarro y resultados inferiores a su discos en Apple. Por el contrario “Wish you were here” (1974), con temas como “Just a chance”, “You’re so fine” o “Denise”, fue uno de sus mejores discos.

Lamentablemente las ventas no acompañaban a su buen tino en la composición, hecho que provocaba la desazón entre sus componentes. Tras “Head first” (1975), gran LP de portada leonina que no vería la luz hasta el año 2001, Pete Ham terminaría ahorcándose.

Los restantes miembros prosiguieron con Badfinger editando en Elektra el disco “Airwaves” (1980), álbum con el single “Love is gonna come at last” que presentaba la incorporación del guitarrista y vocalista Joe Tansin.

Al año siguiente, sin Tansin, pero con el teclista Tony Kaye (que ya había tocado en “Airwaves”), el guitarrista Glenn Sherba y el teclista Richard Bryans en la formación oficial, el grupo publicaría en Radio Records “Say no more” (1981), último LP con Tom Evans, ya que siguiendo los pasos de Ham, Evans terminaría suicidándose en el año 1983.
Con posterioridad Joey Mollan intentó seguir infructuosamente con Badfinger.

Pagina: http://badfingerlinks.com/

Anthony Pappa

Natural de Australia, Anthony Pappa tuvo que trabajar en el negocio familiar de bien pequeño. Hasta que su espíritu rebelde le empuja a dejar de trabajar con sus padres y decide emprender una carrera artística que le ha llevado a ser una gran estrella en el panorama británico de Dj’s. Pone la primera piedra para apuntalar tan fantástica carrera en el ‘DMX Mixing Championships’. Lo gana de calle con tan solo 15 años. Tal espaldarazo le anima a empezar una residencia en su Melbourne natal donde empieza a forjarse un nombre. En 1993 la publicación Mixmag organiza otra competición de Dj’s en la que Pappa vuelve a imponerse con una mezcla de funk y house vocal que embelesa por su belleza y ritmo. Después de pinchar ante 8000 personas, en 1994 Pappa decide que Australia se le queda pequeña a nivel artístico y emprende viaje a Southamptom cargado con una maleta de discos que serán su salvación en sus islas de adopción, las islas británicas, fuente de incontables hypes musicales y espejo en que la Europa musical no deja de fijar la vista. Allí conoce a Dave Seaman y una serie de Dj’s que le introducirán en la movida inglesa. También hace buenas migas con el que se convertirá en uno de sus mejores amigos, el ingeniero de sonido y productor musical, Alan Bremner. Los dos juntos comparten el proyecto Freefall. Los empresarios de la noche empiezan a fijarse en su particular sentido del ritmo y empieza a pinchar por toda la isla. Su proyecto Freefall le supone su primer contrato discográfico con Stress Records. Alan y él firman dos singles, "Shrug" y "Skydive". Además, la pareja se va a encargar de sus primeros remixes, como el "Sun rising" de Beloved. En cabina, Anthony se decanta por una mezcla entre el house y el funk electrónico, en el que no tiene cabida el trance más comercial. A partir de aquí empieza a girar por todo el mundo, sobretodo gracias a su participación en la colección Nubreed de la poderosa colección Global Underground.

Pagina: http://www.anthonypappa.co.uk/

Trisha Yearwood

Trisha Yearwood (nacida el 19 de septiembre, 1964) es una cantante de la música country. Nació en Monticello, Georgia (EE.UU.), pero desarrolló sus talentos en Nashville, Tennessee, donde era estudiante en la Belmont University. Su primer sencillo fue "She's in Love with the Boy" en 1991.

Se casó por primera vez con Christopher Latham en 1987 pero se divorciaron en 1991. Trisha después se casó con Robert Reynolds, miembro del grupo country The Mavericks, el 21 de mayo del 1994, y se divorciaron en 1999.

El 25 de mayo del 2005, Yearwood se prometió con Garth Brooks, un amigo suyo y otra super-estrella del country, ante 7.000 fans. El 10 de diciembre del 2005, se casaron en una ceremonia privada en su casa en Oklahoma. Fue el segundo matrimonio para él y el tercero para ella. Brooks tiene tres hijos de su primer matrimonio; Yearwood no tiene ninguno.

Yearwood dice que Linda Ronstadt es su mayor influencia en música, y se notan el sonido y efectos vocales de ella en la música de Yearwood. Otras influencias incluyen Emmylou Harris, Patsy Cline, y Elvis Presley.

Su último disco, estrenado en 2005, vio un retorno a un sonido más puro de country después del sonido más pop de sus previos discos.

Yearwood ha ganado tres premios Grammy, entre muchas nominaciones. También ha ganado premios de la Country Music Association y la Academy of Country Music para La Mejor Cantante (CMA en 1997 y 1998; ACM en 1997).

Pagina: http://www.trishayearwood.com/

Tina Arena

Filippina Lydia ("Tina") Arena (nacida en Moonee Ponds, Melbourne, Victoria, Australia el 1 de noviembre de 1967) es una cantante melódica y actriz australiana de ascendencia italiana.

Comenzó con 7 años cuando la seleccionaron como corista regular para un programa de televisión por su potente voz. Sacó Strong as Steel, en 1990. Tras firmar un contrato con Sony Music, Arena sacó el álbum Don't Ask en 1994, que tuvo mucho éxito en Australia y el Reino Unido, entre otros países. Simultaneó In Deep (1997), con la interpretación de la canción de The Mask of Zorro con Marc Anthony: "I Want To Spend My Lifetime Loving You". Este disco contenía canciones en francés, lengua por la que ha cosechado gran éxito en la Francofonía hasta el punto de grabar íntegramente su último disco en francés. También ha cantado en italiano y en español (Luna de Sorrento), y cantó un dueto en directo con Donna Summer.

El 17 de noviembre de 2005, Tina y su compañero sentimental Vincent Mancini fueron padres de su primer hijo, Gabriel Joseph, nacido en París.

Tras convertirse en la cantante femenina de mayores ventas de la historia en su Australia natal, en 1998 la carrera de Tina Arena explosionó a nivel internacional cuando su dúo con Marc Anthony, I Want To Spend My Lifetime Loving You (tema de La Máscara del Zorro), la colocó en lo más alto de las listas europeas. Más tarde, sus canciones en francés ocuparon los primeros puestos con ventas de más de un millón de copias.

Después de su triunfal regreso a Australia para cantar en las Olimpiadas de 2000, Tina concentró sus fuerzas en "Just Me", lanzado en 2001 y al que sucedieron dos álbumes en directo y un recopilatorio de grandes éxitos.

Pese a su status internacional, Tina es fiel a Francia y en 2005 volvió con "Un Autre Univers", un álbum por primera vez cantado por completo en francés. Tras participar en el musical Chicago de Londres en 2007 y lanzar un disco de versiones, "Songs Of Love & Loss", Arena volvió a deleitar al público galo con otro disco en su idioma: "7 Vies".

Pagina: http://www.tinaarena.com/

Regina Spektor

Regina Spektor (Moscú; 18 de febrero de 1980); cantante y pianista ruso-estadounidense.

Biografía

La artista nació el 18 de febrero de 1980 en Moscú. Cuando tenía 9 años; su familia se trasladó desde Moscú a Estados Unidos. Actualmente viven en el Bronx, Nueva York.

Spektor proviene de una familia de músicos judíos; su padre, Ilya Spektor, fotógrafo, fue también violinista aficionado y su madre es profesora de música, y enseño en un colegio de música en Rusia, y actualmente lo hace en una escuela pública básica en Mount Vernon, localidad ubicada en la misma ciudad en la que ellos residen.

Ella y su familia abandonaron Rusia en 1989, durante la Perestroika, cuando a los ciudadanos rusos se los permitió emigrar del país.

En Rusia, Spektor tocaba el piano desde que tenía seis años, y escuchaba bandas de rock, como The Beatles y Queen.

Amiga y telonera de The Strokes (y voz femenina en Modern Girls And Old Fashion Men, canción que interpretó a dúo con Julian Casablancas). El productor Gordon Raphael (productor, entre otros, de los dos primeros discos de The Strokes) conoció uno de los dos primeros discos —11:11 y Songs— grabados de forma casera y autoeditados por la joven Regina Spektor. El hombre se sintió hechizado por la capacidad expresiva y los extraños registros de su voz y le propuso grabar unas canciones en su estudio.

Cuentan que de pequeña Regina soñaba con ser concertista clásica de piano y que los primeros años de su nueva vida en Norteamérica, habiendo tenido que dejar su instrumento en su lejano país de nacimiento, los pasaba la niña practicando escalas en cualquier superficie plana, ya fuera el tablero de una mesa o el alféizar de una ventana.

Durante su adolescencia fue descubriendo nuevos estilos musicales, básicamente pop y jazz, que fueron llevando sus pasos hacia terrenos alejados de su primera formación clásica. Dice haber descubierto a Radiohead a los 21, a Tom Waits a los 22 gracias a cintas que le grababan sus amigos.

En los últimos años ha pasado de tocar ante pequeñas pero entregadas audiencias en lugares como el Sidewalk Café (uno de los centros neurálgicos de la movida anti-folk en Manhattan) y otros garitos similares del Lower East Side neoyorkino a llenar lugares con aforos superiores a las mil personas como el Irving Plaza de Nueva York o el Shepherd’s Bush Empire de Londres.

Tras editar en 2003 Soviet Kitsch de la mano de Shoplifter en el Reino Unido y Sire en Estados Unidos —su primer álbum comercial— Regina Spektor ha dado un nuevo paso en su carrera hacia la normalización de un sonido que hasta ahora siempre se había basado en los timbres de su voz, su versátil técnica al piano, y, ocasionalmente, una baqueta con la que golpea la silla donde se sienta mientras toca el teclado.

Regina Spektor tardó dos meses en grabar Begin To Hope (Warner, 2006), mucho más tiempo del que se había tomado nunca hasta ahora para grabar uno de sus discos: Songs se grabó en 1 solo día, y Soviet Kistch en 10, en un estudio profesional con la ayuda del productor David Kahne.

Pagina: http://www.reginaspektor.com/

Toquinho

Antonio Pecci o Toquinho es un popular guitarrista y cantautor brasilero, nacido en São Paulo Brasil el 6 de julio de 1946. En su infancia su madre lo llamaba «toquinho da gente». Seguiría entonces con el apodo Toquinho.

Biografía

Comenzó temprano su interés por la guitarra; a los 14 años comenzó a tomar lecciones con el guitarrista Paulinho Nogueira. Con Edgard Janulo enriqueció su conocimiento armónico y mejoró este conocimiento en su amistad con Oscar Castro Nieves. El estilo de Baden Powell llegó a ser irresistible al Toquinho que comenzaba en el ámbito musical. Para tener la personalidad apropiada como guitarrista, buscó en Isaías Sávio la técnica necesaria de la guitarra clásica. Ya compositor, hizo un curso de armonía y orquestación con Léo Peracchi y El Maestro Argentino "Cordobés" Carmelo Taormina quien se había radicado en esa época en São Paulo y es padre del cantante, músico y compositor Paulo Marcelo Taormina. En los años sesenta empezó a acompañar a varios artistas profesionales entre los que estuvieron Elis Regina, Chico Buarque, Zimbo Trio, Señales De Valle, Trío de Jazz de Bossa, Tayguara, Ivete, Tuca, Cuña de Geraldo, entre otros, en el escenario del teatro Paramount.

Este escenario fue el principio de la carrera profesional de Toquinho, todavía solamente como instrumentista acompañante, pero rápidamente pasó a otros escenarios en asambleas musicales, por ejemplo: En la onda de la oscilación (costa de Maria Della del teatro, 1964), al lado de Tayguara, de las heces de Thommas, del flautista y del trío de Manfred Fest; Libertad, Libertad (Costa se Maria Della del Teatro, 1965), con Pablo Autran, Theresa Raquel, Oduvaldo Viana Filho y Cláudia, bajo la dirección musical de Toquinho; y en Este mundo es la mía (1965), que incluyó a Sergio Ricardo, Toquinho y Manini.

Con Chico Buarque

Toquinho cultiva hasta hoy una fuerte amistad con Chico Buarque, iniciada a los 17 años, tiempo donde habían compuesto juntos la canción Luna llena, la primera melodía de Toquinho que recibió una letra. Buarque la incluyó cuatro años después en su LP Chico Buarque de Holanda (volumen 2) (1967).

En el año 1966 (a los veinte años de edad) graba su primer LP instrumental: O violão de Toquinho (la guitarra de Toquinho), registrado para Fermata. Más adelante participa en comedias musicales de la TV y de importantes festivales de la canción popular.

En 1968 compone con Pablo Vanzolini Boca da noite (‘La boca de la noche’).

En mayo de 1969 viaja a Italia por más de seis meses al lado de su amigo Chico Buarque. Este período incorpora muchas presentaciones en los lugares más inusuales de la península, desde castillos medievales hasta cantinas suburbanas.

Volviendo a Brasil a principios de 1970, graba su segundo LP para RGE, en cual aparece su primer gran éxito, en sociedad con Jorge Ben: Qué maravilha.

Con Vinicius de Moraes

Basado en este trabajo del guitarrista, Vinicius de Moraes lo invitó, en junio de 1970, a seguirlo al lado de María Creuza, en una serie de concierto en el local La Fusa, Mar del Plata, Buenos Aires. Esta reunión profesional entre Vinicius y Toquinho duraría 11 años, y encantó a Brasil y al mundo con una productividad constante: crearon cerca de 120 canciones, grabaron alrededor de 25 discos en Brasil y en el exterior y realizaron más de 1000 actuaciones en escenarios brasileños, europeos y latinoamericanos.

A partir de 1971, inauguraron un circuito por las universidades del paísde norte a sur.

Momentos importantes de esta sociedad de Toquinho/Vinicius: La Voglia del LP RGE La pazzia, l'incoscienza, l'allegria (1976), grabado en Italia con la participación de Ornella Vanoni; el show del Canecão, en Río de Janeiro, en 1977, com Tom Jobim, Vinicius, Toquinho e Miúcha, un espectáculo que mantiene hasta hoy los marca de público y de duración (7 meses) en esa casa. Y el show Dez anos de Toquinho e Vinicius, em 1979.

Aparte de su relación con Vinicius de Moraes, Toquinho cultivó otras agrupaciones. En 1971 hizo música con Gianfrancesco Guarnieri Castro Alves pede passagem (Castro Alves pide pasaje), y en 1973, Um grito parado no ar (un grito parado en el aire) y Botequim. Las músicas de esas tres piezas fueron condensadas en el LP de RGE, Botiquín (1973).


En 1974 se lanza en Brasil el disco RGE Boca da noite, y, en 1976, graba en Itália un disco de solos de guitarra: Toquinho: il Brasile nella chitarra.

Los años de 1977 y 1978 fueron marcados por dos LPs de Philips: Toquinho Tocando, instrumental, y Toquinho Cantando, teniendo como compañeros, en este último,a Carlinhos Vergueiro e Belchior. En 1979, para conmemorar los diez años de parceria con Vinicius, en función del concierto que hacían, se lanza el disco Philips Dez Anos de Toquinho e Vinicius.

En 1980, Toquinho, Francis Hime y Maria Creuza viajan por Brasil, en más de 90 presentaciones. Al final de ese mismo año, Toquinho se presenta en Buenos Aires y en varias ciudades de Argentina, además de lanzar el que vendrá a ser su último disco con Vinicius: Um pouco de ilusão, por la Ariola.

Toquinho solo

Durante el invierno de 1981, con la cantante Jane Duboc, actúan en Itália, Roma, Milán, Florencia y Turín. En el mismo año, participa en el Festival de Montreux, y desde allí parte a la temporada estival de Francia, donde actúa en el Olimpia de París. Aún en 1981, viaja por Brasil al lado de Jane Duboc con el show Doce Vida, y graba en disco con el mismo nombre con la discográfica Ariola.

A principios de 1982, Toquinho ofrece varios conciertos en Bogotá y Cali, Colombia, y, en el segundo semestre, va a Italia para una serie de funciones. El mismo año, Maurizio Fabrizio, compositor italiano, va a Brasil está dos semanas componiendo con Toquinho algunas músicas para el LP Acquarello, para la compañía Maracanã, lanzado en San Remo, y que dio a Toquinho un Disco de Oro, convirtiéndose en el único artista brasileño en conseguirlo en el extranjero. Aún en 1982 vuelve a presentarse en el festival de Montreux junto a otros artistas brasileños. En 1983, grabó en Brasil el LP Aquarela, en Ariola siendo su disco número 35 de su brillante carrera y que muestra una sutil relación con la música y la fuente de su arte, la guitarra. En ese mismo año, conduce el espectáculo Canta Brasil en el Teatro Sistina, de Roma, mostrando, en síntesis, la historia de la música popular brasileña, con la participación de grandes músicos como Blanco de Nieve, Papete, el Marçal viejo de Portela, Mutinho, Luizão, Rafael Rabelo, Luciana Rabelo, Dominguinhos y un coro formado por las voces de Guadalupe, Silvia Maria, Bel y Eliana Estevão. Más tarde ese mismo año, concluye junto con el baterista Mutinho un nuevo trabajo dedicado a los niños, el LP de Philips Casa de Juguetes

1984 es el año de Sonho Dourado (Sueño dorado) un disco producido por Barclay y un espectáculo con el mismo nombre, en ese Toquinho aparece todavía solidificando más tierra de carrera de his/her.

En 1985, Toquinho crea LP A Luz do Solo, de Barclay magnetofónico, un trabajo esencialmente instrumental, y él viene solo, él y guitarra, jugando, además de, música de Beatles.

En 1986, tira LP Coisas del Corazón, también para Barclay, y actúa en Italia, Colombia, Córcega y Japón dónde el he/she hace a varias presentaciones al lado del saxofonista japonés Sadao Watanabe. En ese mismo año produce en la sociedad con Elifas Andreato 10 música que retrata la Declaración Universal de los Derechos del Niño, tirada en LP Philips Canção de Todos los Niños.

En 1987 devuelve a Japón para una serie de muestras en Osaka, Kobe, Kyoto y Tokio. He/she entra en la Fiesta del Club Enfadada, promovió por Watanabe, al lado de Vicktor Lazio, El Andy Narell Group, el Bill Brufford Quartet, la Semana Activa, Pierre Borrough, Karizana, el Jeff Lorber Group, Nick Plyntas, las Chaquetas de Yelllow,. La lanza LP Go Juntos, grabando durante las muestras en el Club Enfadado, con la participación de Sadao Watanabe. 20 días sigue un viaje para España que juega en Madrid, Barcelona, Aviles, Saragoza, Pamplona y otras ciudades. Graba una versión de Acuarela para español en el dúo con la gran cantante mexicana Guadeloupe. Todavía en 1987, va tres veces a Chile, entrando en Santiago y Viña del Mar. Una de las muestras es transmitido por el Precio neto Nacional de TELEVISIÓN de Chile a la América Latina entera durante el concurso de Srta. Chile.

En 1988 sigue un viaje para el Brasil entero y el he/she hace una estación de concierto en la Plaza de Maksoud 150 Club Nocturno con la muestra. He/she hace las muestras en mí Pague, Santiago y Caracas. Con la muestra Hecha en el Corazón entra en el circuito nacional, con la prominencia para una estación de dos semanas en el Palacio, en São Paulo.

Empieza el año de 1989 con una presentación ensucie pronto después a borde de de la nave Eugênio C. el he/she entra en varias capitales de Brasil y en Porto Rico. En julio viaja a Japón, mientras actuando en Kyoto, Tokio y graba uno especial para la TELEVISIÓN japonesa, Fuji. Todavía en el fin de julio, embarca a Europa, mientras logrando las muestras en Barcelona, Sevilla y Córdoba, en España. En París, el he/she entra en la conmemoración del bicentenario de la Revolución francesa.

Agosto de 1990 es el mes del descargo de 42 LP de carrera del his/her: A la Sombra de un Jatobá, de BMG-Ariola. En ese disco, mezcla de Toquinho varios estilos musicales, de baladas a la Steve Wonder al colgajo de la samba Clara Nunes. He/she está con las participaciones especiales de Fagner y Eliana Estevão. Todavía en 1990 sigue un viaje para el Brasil entero y devuelve a Italia para una más estación de éxito.

Empieza 1991 con un nuevo giro para Italia. En Brasil, logra una estación de 5 semanas en Palladium/SP, además de varias presentaciones para el país. En el fin de este mismo año, tira en Italia LP EL Viajero del Sueño, por BMG-Ariola.

En 1992 lanza LP EL Viajero del Sueño en España, en la América Latina entera y en Brasil. Todavía logra varias muestras para Brasil, sobre todo una gira para la ocasión de descargo de Cáscara de Fórmula. También viaja a Chile dónde vuelve a tomar un trabajo iniciado hace 8 años en ese país.

En 1993, BMG-Ariola produce al mercado italiano una colección organizada para propio Toquinho y el director de Publicador RCA, Angelo Franchi, en el CD y dos cassettes, que incluye 20 grabaciones representativas de la carrera de Toquinho. Sigue un viaje para Italia, España y capitales principales de Brasil con la muestra Toquinho, Voice y Guitarra en ese mismo año.

En 1994, con esa misma muestra, vuelve a tomar el contacto con varios países de América Latina. He/she promueve la muestra de descargo de la Nueva Meta, en Munich, Alemania, con Ornella Vanoni. He/she también entra en el Teatro de la Colonia, en Miami, con la muestra EL Viajero del Sueño. Lancee el CD Toquinho 30 Años de Música, por BMG-Ariola.

En 1995, graba la cinta videa al mercado japonés con la música de la bossa-nova, con la participación de Tom Jobim, João Gilberto, Chica Costa, Carlos Lyra, entre otros.

He/she entra al lado de Sadao Watanabe en la muestra 100 Años de Amizade Brasil-Japão, en el Palacio y en el Metropolitano. He/she participa en la Jazz-fiesta de Úmbria, en Milán, Italia, con Gilberto Gil. He/she tira en Tom Brasil, en São Paulo, la muestra Toquinho 30 Años de Música, con la dirección de Fernando Faro de olor. En el fin de 1995, presenta el especial con el mismo nombre en la TELEVISIÓN Manchete, con la participación de Chico Buarque, Gilberto Gil, Jorge BenJor, Lúcio Dalla, el Cuarteto en Cy y Oswaldinho de Acordeon.

El he/she hace una estación con el gran éxito de la muestra Toquinho 30 Años de Música, en Palladium, en 1996. He/she entra en el Viña del Mar, en Chile. Gana que dos aprecian Apetesp de Teatro en las categorías de bien la música compuesta y soundtrack bueno para el teatro infantil para la Casa del pedazo de Juguetes. En junio de ese mismo año siente la emoción de hojear esa carrera del todo en el libro Toquinho 30 Años de Música, escrito por el hermano del his/her, João Carlos Pecci, y revisó por maltés. En octubre, presenta en São Paulo, Río de Janeiro y Curitiba, con Fred Bongusto, la muestra Brasiliando.

En 1997, tira para Paradoxx, después de 7 meses de preparación, dos productos: el Rom del CD el Libro Interactivo de Canciones y un CD doble con sus 30 (treinta) las canciones favoritas. En febrero, empieza la grabación del CD Herdeiros del Futuro, por Movieplay, con la música de paternidad literaria del his/her y Elifas Andreato, basado en los diez derechos universales del niño. La factura del disco con Chico la participación de Buarque, Elba Ramalho, Moraes Moreira, Belchior, Eduardo Dusek, MPB4, el Cuarteto en Cy, Leandro y Leonardo, Maurício Mattar y Coral Brasileirinho. Este proyecto en la versión teatral se presenta en el Teatro Gazeta, en São Paulo, con el éxito de público y crítico. En marzo, participa en la muestra Vinícius Viviente, al lado de Baden Powell, Carlos Lyra, Leila Pinheiro y Miele, en el Metropolitano, repitiendo el éxito de la 1a estación que contaba con 14.000 espectadores en 4 días.

En abril, viaja a Italia, con el his/her Ate, para una gira promovida por ISCOS-CISL, (el Instituto de Cooperación Internacional), con ingreso destinado a los niños de calle de Belém y grabando de un video en la ciudad de Bergamo, para el descargo en el mercado europeo, para el Trabajo de la Afición.

En junio, participa en el Projeto Música y Baila en la Montaña, en Campos de Jordão y admite a la invitación ser padrino del Projeto Guri, formado por la Orquesta y Coral de Febem. He/she viene al lado de los niños, en varios Proyectos de estampa social y en el mes de noviembre, en Sesc Pompéia, durante el Encuentro de la Cultura brasileña.

Toquinho devuelve a Europa en agosto participar en las fiestas de música latino-americana y concluye el CD Brasiliando (el Trabajo de la Afición), que conquista el disco de oro en las primeras semanas de descargo.

En septiembre, empieza un itinerario para las Universidades de Río, al lado de Paulinho Nogueira. En el mismo mes, participa en la Fiesta de Vinho, con el María João portugués y Mario Laginha,em cuatro presentaciones en Río (Canecão), São Paulo (Conmemorativo de América Latina), Porto Alegre (Teatro São Pedro) y Curitiba (Teatro Guaíra). Contiene las actividades de 97 regravando la Acuarela de música para el Terra del CD Da la esperanza, promovió por el Taller de Talentos de Accor Brasil y entrando en la inauguración de Sesc Vila Mariana, con las Orquestra Arte Vidas y Trío de Zimbo.

En el mes de febrero de 1998, participa con la Paulinho da Viola de la muestra la Señal Abierta, en el Monumento conmemorativo de América Latina para el Proyecto el Verano Musical, para la iniciativa de FM extinto Musical. En marzo, empieza el nuevo circuito cultural en Universidades de São Paulo y Río, con Paulinho Nogueira. En abril, Italia vuelve para las presentaciones en los teatros y fiestas.

En agosto, el he/she entra en el Cuadrado de Paz, en São Paulo, al lado de Baden Powell, Carlinhos Lyra, Miele y Miucha, en la muestra Vinícius Viviente. Representa en septiembre la muestra ¨Sinal Aberto¨ en Olympia, días 18,19 y el 26 de septiembre en el mes de agosto, después de la gira con la Paulinho da Viola para el interior de São Paulo. He/she recibe con Elifas Andreato, el premio Apetesp para ¨Canção de los Derechos de Criança¨, los soundtrack buenos compusieron para el pedazo infantil. Sigue un viaje para el nordeste brasileño con la Muestra 30 Años de Música en septiembre.

En octubre, maneja el Projeto ¨Brasil Musical¨, presentado en Tom Brasil, en São Paulo, en la conmemoración de los 190 Años del Banco de Brasil, con la participación de los nombres más expresivos de MPB.

En enero de 1999 participa como jurado de la Fiesta de Remo de San, al lado de José Carreras y Ennio Morricone. Pasando por Madrid, Toquinho graba un programa modelo que está con la presencia del guitarrista Vicente Amigo y de Chico César. En marzo, tira el CD Instrumental con Paulinho Nogueira. En abril, Movieplay tira el CD italiano, réplica de Brasiliando de que era el disco oro en Italia. El CD incluye la tarantela Cara de Comme que Mammeta grabó para el Terra del culebrón el soundtrack de Nostra. En junio, participa en una muestra de descargo del producto en Salvador, con Paula Toller y Danilo Caymmi. En julio, graba en el Estudio cinco Cd Digitales con los arreglos sinfónicos, que los you/they recogen todo el his/her trabaje de una manera temática.

En septiembre, graba viva el CD la Señal Abierta, con la Paulinho da Viola (la inclusión de la samba el Caso Contenido inédito, primero compuso por la pareja), en el Teatro João Caetano, en Río de Janeiro. He/she participa en la muestra de descargo de la Canción del libro de los Derechos del Niño, escrito por Elifas Andreato, en el Parque de la Ciudad, el día el 12 de octubre, con la orquesta sinfónica de Brasília.

En el he/she del diciembre la muestra de descargo del CD hace la Señal Abierta en el Metropolitano - Río. Día el 12 de diciembre, el he/she entra el Estação Júlio Prestes, con Celine Imbert y 400 niños de la orquesta y coral del Projeto Guri.

En 1999, Toquinho participa todavía en lo siguiente discos: Songbook de Chico Buarque, con la música Time Bueno CD tirado en Europa por el español Implicated de grupo los Jamones, con la Felicidad de música, El CD de Angélica, con la Acuarela de música, El CD La mitad del mundo, de María Creuza, con los Bailes de música la samba en el Preludio, tirado por la estampa Zanfonia, de España.

Todavía graba un CD para la Música de la serie de Brasil, ser distribuido por la maleta directa por Tom Brasil. Toquinho devuelve durante el cuarto tiempo a Italia en 1999, participar con el his/her atan de Reveillón, en una muestra en el cuadrado público de la ciudad de Bari, para más de 20.000 personas.

Vinícius de Moraes

Vinicius de Moraes (19 de octubre de 1913 - 9 de julio de 1980), cuyo nombre completo era Marcus Vinícius da Cruz de Melo Morais, nació y murió en Río de Janeiro, Brasil. Fue una figura capital en la música popular brasileña contemporánea. Como poeta escribió la letra de un gran número de canciones que se han convertido en clásicas. Como compositor dejó varias buenas canciones y como intérprete participó en muchos álbumes. También fue diplomático de Brasil.

Primeros años

En la reserva del popular junto a su compañero Pablo Nivar. En 1929, comenzó a estudiar derecho en Río de Janeiro. A partir de 1932 escribió las letras de diez canciones que fueron grabadas por los hermanos Tapajós. Cuando finalizó sus estudios, publicó sus libros Caminho Para a Distância (1933) y Forma e Exegese. Más tarde (1935) comenzó a trabajar como censor cinematográfico y escribió su tercer libro Ariana, a Mulher (1936).

Estudios avanzados y comienzo de su carrera en el OMA

En 1938 de Moraes se instaló en Inglaterra con una beca concedida por el gobierno inglés en la Universidad de Oxford y escribió Novos Poemas. En 1941 volvió a Río y comenzó a escribir críticas de cine en periódicos y revistas. Dos años más tarde se unió al cuerpo diplomático de Brasil y publicó su libro Cinco Elegías. En 1946 fue enviado a Los Ángeles como vice-cónsul en su primer destino diplomático y publicó su obra Poemas, Sonetos e Baladas.

Al principio de 1950, de Moraes volvió a Brasil por la muerte de su padre. Su primer samba (compuesto junto con el músico Antônio Maria) fue Quando Tu Passas por Mim y se publicó en 1953. En ese año se trasladó a Francia como segundo secretario de la embajada de Brasil. Su obra de teatro Orfeu da Conceição ganó el Concurso del IV Centenario de São Paulo en 1954. Al año siguiente escribió la letra de algunas de las piezas de música de cámara de Cláudio Santoro. En 1959 Marcel Camus lleva al cine Orfeu da Conceição con el título de Orfeo Negro. En esa época de Moraes entra en contacto con Antonio Carlos Jobim, iniciando una amistad y una colaboración que tiempo después, con la incorporación de João Gilberto daría lugar a un movimimento de renovación en la música brasileña. Jobim escribe la música para Se Todos Fossem Iguais a Você, Um Nome de Mulher y otras canciones de la película, grabadas, entre otros, por Luís Bonfá. Orfeo Negro ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el premio de la Academia Británica.

Tras un regreso a sus destinos diplomáticos en Francia y Uruguay, publicó sus obras Livro de Sonetos y Novos Poemas II.

Los comienzos de la Bossa Nova

En 1958, la cantante Elizeth Cardoso publicó el álbum Canção do Amor Demais, que marcó el comienzo de la bossa nova. Este disco sólo contiene composiciones del dúo Jobim-de Moraes, o realizadas por sólo uno de los dos (Canção do Amor Demais, Luciana, Estrada Branca, Chega de Saudade, Outra Vez...), en una producción que también incluía a João Gilberto en las dos últimas pistas. Tras ese disco, la carrera de todos ellos recibió un gran impulso. Suele decirse que Chega de Saudade es el tema que inaugura la bossa nova.

Reconocimiento musical y colaboraciones

En los años 1960, de Moraes realizó colaboraciones con muchos cantantes y músicos reconocidos en Brasil, en particular con Toquinho (el colaborador más frecuente de de Moraes y uno de sus grandes amigos). Sus canciones Para uma Menina com uma Flor y Samba da Bênção (con música de Baden Powell) fueron incluidas en la banda sonora de Un Homme et une Femme, de Claude Lelouch, 1966, película ganadora del Festival de Cannes.

Aparte de sus compañeros brasileños, cientos de intérpretes de muchas nacionalidades y estilos han grabado alguna de sus más de 400 canciones. Vinícius de Moraes murió en Río de Janeiro a la edad de 66 años.

Una de sus grandes obras, es el C.D. proveniente de las sesiones de grabación en el salón "La Fusa", donde tocaron varias canciones famosas, con la voz de María Creuza y la guitarra de Antonio Pecci (Toquinho). Vinicius sugirió para lograr un mejor resultado del disco, que las canciones fuesen grabadas en el estudio y que después, encimaran las voces del público porteño, entusiasta, alegre y emotivo. Hoy en día, si se escucha con atención el disco se puede apreciar como Toquinho improvisa mientras Vinicius dirige unas palabras a su público; luego se escucha el corte de la grabación, y se nota el cambio de tono de la guitarra de Toquinho. Vinicius cuenta que aquellos fueron de los mejores años de su vida, donde no faltaron mujeres y whisky. Con su voz de cava, teñida por los cigarros y el alcohol, Vinicius canta como nunca.

Pagina: http://www.viniciusdemoraes.com.br/

V8

Con el padrinazgo de Norberto Pappo Napolitano, esta banda de heavy metal nació en marzo de 1982 y debutaron en el B.A.Rock de ese año, en medio de grupos hippies que los rechazaron de plano. El mismo Zamarbide relataría los hechos: «Al salir a tocar vieron que nos salíamos de contexto y comenzaron a hacer blanco con nosotros... volaban naranjas, cachos de pizza, botellas, de todo. Osvaldo rompió la viola y los chabones se salvaron de que no se las tirara por la cabeza. Se coparon muy mal, se pudrió todo, Iorio insultaba a los hippies. Y vino lo peor: durante los dos temas que emitían en directo por la radio yo me trencé con un hippie que estaba enfurecido. Traté de calmar al jipón, pero el tipo seguía. Hasta que me rayé y le dije: "¡Vení, hippie de mierda, subí acá que te reviento!". ¡Y justo me acordé que estaba saliendo todo en directo por la radio! Se armó un quilombo, pero no nos importaba nada. Y varios se coparon a pesar de todo» (F.Blumetti / C.Parise, pág 62).

El primer disco salió a la venta en marzo de 1983, en la etapa de mayor popularidad del género, y los colocó segundos en importancia, detrás de Riff. Los hits eran "Destrucción", "Brigadas Metálicas" y "Hiena de metal", este último con la participación de Pappo.

En julio telonearon a Riff en el microestadio de Velez (con una performance muy mala en sonido) y a Barón Rojo en octubre, en Obras.

El 23 de diciembre se presentaron en la cancha de Platense, sólo 6 días después del show "Riff termina el año sin cadenas", en Ferro. En ambos recitales se produjeron incidentes muy graves, hecho que puso en peligro la continuidad no sólo de la banda, sino de todo el género. Durante todo 1984 debieron reducir considerablemente el número de shows y dedicaron más tiempo, en cambio, a la preparación del segundo LP, "Un paso más en la batalla". Este disco recién sale a la calle en febrero de 1985 y ese período tan largo de inactividad redujo considerablemente la popularidad de la banda. Realizaron algunas presentaciones en San Pablo, Brasil, pero ya la decisión de cambiar de integrantes para vigorizar la propuesta era un hecho. Civile y Rowek se separan del grupo. Se incorporan Walter Giardino y Miguel Roldán (guitarras) y Gustavo "Turco" Andino (batería). Cuatro meses y muy pocos shows más tarde, Giardino es expulsado del grupo y con él se aleja el Andino. La última formación de la banda es un cuarteto, con Adrián Cenci en batería.

Con una conversión hacia el cristianismo de todos sus integrantes (algo inimaginable pocos meses antes), el grupo compone el último disco que el contrato les exigía, "El fin de los inicuos" (1986). Los fans no pudieron creer que esos mismos músicos que idolatraban, agresivos y pesados, ahora cantaran mensajes de predicación. Ya no eran un grupo metálico.

El último show de V8 fue en octubre del '87. Iorio formó Hermética, y Zamarbide, Roldán y Cenci crearon Logos, que siguió adelante con el mensaje cristiano.

Formacion:

Alberto Zamarbide: voz
Gustavo Rowek: batería
Osvaldo Civile: guitarra
Ricardo Iorio: bajo

Fuente: Rock.com.ar

The Housemartins

The Housemartins fue un grupo inglés de rock alternativo que se formó en 1983.

La banda estuvo conformada en un inicio por Paul Heaton (vocalista), Stan Cullimore (guitarrista), Ted Key (bajista) y Chris Lang (baterista); pero The Housemartins sufrió una serie de cambios a través de los años, pues Ted Key abandona la banda y es reemplazado por Norman Cook (Fatboy Slim) y el baterista Chris Lang salió, ocupando su lugar, Hugh Whitaker.

En 1986, graban con el disc-jockey “John Peel” un par de temas. El sencillo "Happy Hour" se convirte en toda una sensación, logrando escalar hasta el puesto #3 de los charts ingleses. A fines de ese mismo año, hacen una version navideña del cover "Caravan of Love" de la banda Isley Jasper Isley.

Poco tiempo después The Housemartins graban una sesión denominada “The Fish City Five”, la cual consistía en temas cantados a cappella. Unas de estas canciones, "When I First Met Jesus", formó parte del lado B del single "Caravan of Love".

En Junio se 1986, se aventuran a lanzar su primer disco debut: “London 0 Hull 4”, el cual logró ubicarse en el tercer puesto de las radios del Reino Unido.

Un año más tarde graban su segunda producción, “The People Who Grinned Themselves to Death”, la cual logró establecerse en el puesto 9 en las listas de preferencia.

El éxito de The Housemartins giraban en torno a sus letras, las cuales eran una mixtura de política marxista y reflexiones sobre cristiandad.
En 1988, la agrupación se separa, pero los integrantes seguían manteniendo una relación amical y trabajaron juntos en proyectos paralelos. Pero antes de esto dejan un último disco recopilatorio para los fans: “Now That's What I Call Quite Good”.

Por otra parte, Norman Cook se hizo muy conocido en su faceta de DJ bajo el nombre de “Fatboy Slim”; mientras que Heaton, Hemingway y Sean Welch formaron la banda “The Beautiful South”.

En el 2004 aparece un disco recopilatorio de hits, "Best Of The Housemartins" y dos años más tarde se lanzó un disco llamado "In Session at the BBC".

Pagina: http://thehousemartins.com/

The Clash

The Clash fue una banda británica de punk rock que estuvo activa entre 1976 y 1986. El grupo fue uno de los más importantes e icónicos de la primera ola del punk originada a fines de los años '70 y, a diferencia de la mayoría de las bandas punk que se caracterizaban por su simplicidad musical, incorporó reggae, rock, rockabilly, ska, jazz y dub entre otros variados estilos en su repertorio.

Sumado a esto, The Clash exhibió una intencionalidad política en sus letras que con el tiempo se convertiría en su característica distintiva fundamental. El idealismo expresado en las composiciones de Joe Strummer y Mick Jones contrastó con el nihilismo de los Sex Pistols y la sencillez de Ramones, las otras bandas emblemas del punk en la época.[1] [2] Aunque su éxito en el Reino Unido fue inmediato, la banda no se ganó al público estadounidense hasta los años '80.[3]

Su tercer álbum, London Calling (publicado en 1979), es considerado uno de los mejores discos de la historia de la música. De hecho, la revista Rolling Stone lo calificó como el mejor de los años 1980[4] y como el octavo mejor de la historia en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, donde también figuran otros dos discos del grupo, The Clash y Sandinista!, en las posiciones #77 y #404 respectivamente.[5]

Algunos de sus temas más reconocidos fueron "White Riot", "Tommy Gun", "London Calling", "Train in Vain", "(White Man) In Hammersmith Palais", "The Guns of Brixton", "Complete Control", "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go". Esta última canción fue un gran éxito 6 años después de la disolución del grupo debido a su uso en una campaña publicitaria de Levi's.

En 2003 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock situado en Ohio, Estados Unidos.[1] Un año más tarde, Rolling Stone los incluyó en la posición # 30 de "The Immortals".[6]

A lo largo del tiempo, se ha asentado entre los fanáticos y los críticos el apodo atribuido en una ocasión por su discográfica CBS Records, "the only band that matters" (en español "la única banda que importa") para referírseles. La aplicación del mismo refiere a que el grupo nunca se desvió de sus ideales ni de sus costumbres por buscar beneficios personales.[2] [7] [3]

Historia

1976 - 1978: Formación y primeros éxitos en el Reino Unido

La banda tuvo sus inicios en la calle Ladbroke Grove, en el oeste de Londres, en 1976, durante los inicios del punk británico. Estaba originalmente formada por Joe Strummer (voz), Mick Jones (guitarra y coros), Paul Simonon (bajo), Keith Levene (guitarra) y Terry Chimes (batería), acreditado en su primer álbum como "Tory Crimes" presuntamente por el descontento de los otros miembros con sus ideas políticas[8] (en español "crimes" quiere decir crímenes, mientras que Tory es una palabra en inglés británico para definir a un conservador).[9]

Mick Jones, Paul Simonon y Terry Chimes en principio habían formado parte del grupo London SS y Joe Strummer había participado desde mayo de 1974 en el grupo The 101'ers. Gracias al consejo del mánager de la banda, Bernie Rhodes, los tres primeros reclutaron a Strummer luego de verlo con su grupo en una presentación en vivo diciéndole en palabras textuales: "eres bueno, pero tu grupo es una mierda".[10] Levene nunca llegó a grabar con la banda ya que dejó el grupo, antes del lanzamiento del primer disco y, más adelante, se convirtió en miembro de Public Image Ltd., liderado por John Lydon, ex vocalista de los Sex Pistols. Jones reconoció años más tarde que fue expulsado del grupo por no asistir a los ensayos. El nombre "The Clash" (en español: "el conflicto")[11] fue sugerido por Simonon luego de haber leído la palabra en reiteradas ocasiones en un mismo periódico.[1]

El 4 de julio de 1976, The Clash tocó por primera vez actuando como soporte de los Sex Pistols en un recital en Sheffield donde la banda interpretó los temas "Janie Jones", "London's Burning" y "1977", mostrando un estilo punk puro con una diversidad musical casi nula. Luego del recital, la revista NME publicó una frase que con el tiempo se haría famosa:[12]

The Clash are the kind of garage band who should speedily be returned to their garage, preferably with the door locked and the motor running (en español: The Clash es la típica banda de garage (cochera) que debería rápidamente regresar a su garage, preferiblemente con la puerta cerrada y el motor prendido)
Charles Shaar Murray

Luego, en el otoño europeo de ese año, el grupo firmó por un total aproximado de £ 100.000 con la discográfica CBS Records,[13] una de las más prestigiosas por ese entonces, generando el descontento entre algunos fanáticos y derivando en otra recordada frase:[8]

Punk died the day The Clash signed to CBS (en español: el punk murió el día que The Clash firmó con CBS)
Mark Perry

En noviembre de ese mismo año Chimes decidió dejar el grupo, no obstante, volvería temporalmente unos meses más tarde para grabar el primer álbum de la banda. En diciembre de ese año, y con Rob Harper reemplazando a Chimes en la batería, The Clash se unió a Sex Pistols y The Damned para el desastroso Anarchy Tour que fue cancelado tras solo siete conciertos.

Ya en 1977, el grupo lanzó su primer sencillo, "White Riot", en marzo y un mes más tarde salió al mercado el primer LP homónimo, The Clash, caracterizado por una crudeza musical y letras políticas, sociales y agresivas. El álbum alcanzó un éxito considerable en el Reino Unido, pero Epic Records, la discográfica responsable de la banda en los Estados Unidos, no lo publicó en primera instancia en el mercado americano ya que lo consideraba demasiado crudo y rudo.[1] [14] Recién dos años más tarde, y luego de que el disco se convirtiera en el más importado de la historia de los Estados Unidos,[3] se emitió una versión modificada del mismo para dichas tierras llamada habitualmente The Clash US.

Después del primer disco, Terry Chimes dejó definitivamente el grupo por diferencias personales con el resto de los integrantes, iniciándose así un proceso de búsqueda de baterista que acabó con la incorporación de Topper Headon. Años más tarde, Headon admitió que se había unido al grupo buscando reputación para luego encontrar una banda más prestigiosa donde tocar pero con el tiempo, y al ver el progreso musical de The Clash, decidió quedarse definitivamente.[15]

Finalmente, en mayo de ese año el grupo emprendió su primer gira mundial, junto a Buzzcocks y The Jam, a la que llamaron White Riot Tour y que incluyó recitales en Inglaterra, Irlanda, Suecia, Francia y Alemania.

Durante la gira y la grabación de su primer álbum The Clash comenzó a formarse una imagen conflictiva siendo arrestados sus miembros por vandalismos[16] y por dispararle a los gorriones que se posaban en su sala de ensayos con rifles de aire comprimido (la canción "Guns on the Roof" de su segundo álbum trata el tema en cuestión).

1978 - 1982: Éxito internacional

El segundo álbum de la banda, Give 'Em Enough Rope, fue producido por Sandy Pearlman y contó por primera vez con la participación de Headon en todos los temas. Tras ver al baterista en acción, el productor quedó sorprendido por su perfección tempística y lo apodó The Human Drum Machine (en español: La caja de ritmos humana). El disco se emitió para el Reino Unido en 1978 y, a pesar de recibir críticas negativas por parte de los expertos, tuvo éxito con el público británico.

Give 'Em Enough Rope fue el primer trabajo oficial de The Clash en salir a la venta para los Estados Unidos, por lo cual la banda emprendió su primer gira por tierras norteamericanas para promocionarlo a comienzos de 1979. Más tarde ese mismo año se emitió la versión alterada de su primer álbum, The Clash US, mencionada previamente.

Su tercer álbum, London Calling, un disco doble vendido al precio de uno por la insistencia de la banda, fue emitido también en 1979 y marcó el punto de mayor éxito crítico y de inflexión comercial en los Estados Unidos del grupo. Inicialmente, fue visto con recelo por los fanáticos británicos de Clash ya que los discos dobles estaban asociados con el rock progresivo y no con el punk. En London Calling la banda experimentó con una amplia gama de estilos musicales como el rockabilly americano, el reggae jamaiquino y los estilos dub y ska populares en Gran Bretaña.[18] El álbum es considerado por la crítica como uno de los mejores de la historia del rock[19] y fue posicionado octavo por la revista Rolling Stone en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, primero en su lista de los mejores álbumes de los años 1980 y cuarto por la Revista Q en su lista de los 100 mejores álbumes británicos de la historia.[20] El estilo de las letras de la portada de London Calling[21] es un homenaje al primer disco de Elvis Presley mientras que la foto usada muestra a Paul Simonon golpeando contra el piso su defectuoso bajo en un show de Nueva York de ese mismo año. Según Simonon, que en un principio no quería que se usara la foto para la tapa del álbum, fue la única vez que rompió un instrumento en el escenario. Irónicamente, el tema más exitoso del disco, "Train in Vain (Stand by Me)" que llegó al #23 en las listas estadounidenses,[1] no había sido incluido en un principio en London Calling ya que la banda tenía pensado emitirlo como flexi disc en la revista NME. Sin embargo, a último momento y por decisión de Mick Jones, fue agregado como pista oculta.

Más tarde, hacia fines de 1980, The Clash lanzó un álbum triple al que llamaron Sandinista!, nombre utilizado para hacer referencia al Frente Sandinista de Liberación Nacional de Nicaragua. Una vez más, los miembros insistieron en que se venda al precio de uno, pagando de sus propios bolsillos la diferencia al resignar parte de sus ganancias.[1]

Sandinista! mostró una variedad de estilos aún más amplia y experimental que London Calling y se encontró con reacciones diversas por parte de los críticos y los seguidores. Durante las sesiones el grupo grabó cada idea que tuvieran en su momento, alejándose del punk y recurriendo a la experimentación con el dub ("One More Time"), jazz ("Look Here"), hip hop ("The Magnificent Seven"), música de cámara ("Rebel Waltz") y gospel ("Hitsville UK" y "The Sound of the Sinners").

Al igual que su anterior material, Sandinista! tuvo éxito en el rubro de las ventas, lo cual no es común en álbumes triples.[1] Luego del lanzamiento del disco, The Clash emprendió su primer gira mundial que incluyó shows en lugares tan alejados como el este de Asia y Australia.

Durante estos años, las tensiones y los conflictos dentro de la banda comenzaron a crear rumores de separación, especialmente dada la adicción a la heroína del baterista Topper Headon que lo convertía en una persona poco fiable. Sin embargo, The Clash se las arregló para grabar más y de esta manera emitir su álbum de mayor número de ventas alrededor del mundo, Combat Rock. En dicho álbum se encontraban los exitosos temas "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go", este último el único en llegar al primer puesto en la UK singles chart, aunque nueve años después de su emisión y gracias a su uso en una publicidad.[22]

1982 - 1983: Conflictos y separación

Luego de Combat Rock, The Clash comenzó lentamente a desintegrarse. En primer lugar, se le solicitó a Topper Headon que abandonase la banda poco antes del lanzamiento del álbum. Esta decisión se debió a que el resto de los integrantes sentían que la adicción de Topper a la heroína estaba generando un efecto desastroso tanto en su salud como en su capacidad para tocar la batería.[10] Sin embargo, el mánager de la banda, Bernie Rhodes, ocultó la razón real atribuyendo a "diferencias políticas" el motivo de la salida. El baterista original de The Clash, Terry Chimes, regresó para los próximos meses.

La problemática también se evidenció en el conflicto que surgió entre Jones y Strummer, a pesar de que existe la creencia que Bernie Rhodes fue quien creó la fricción entre ambos para obligar a Jones, a quien consideraba arrogante, a dejar la banda.[10] Durante dichos años, a pesar de continuar haciendo giras y actuar como soporte para The Who en la de 1982, los miembros mantuvieron una relación distante. De hecho, las fechas originales de la gira británica para Combat Rock se cancelaron porque Strummer desapareció poco antes del comienzo de los shows sin previo aviso.

Chimes dejó la banda luego de la gira de Combat Rock realizada durante 1982 y 1983 convencido de que las peleas internas la harían separarse en breve. En 1983, y luego de una larga búsqueda por un nuevo baterista, Pete Howard fue elegido para tocar con el trío. Ese mismo año The Clash tocó en el festival de San Bernardino, California donde fue, junto a David Bowie y Van Halen, una de las bandas principales. Con aproximadamente 500.000 personas presenciando el show dicha presentación en vivo fue, por mucho, la de más concurrencia en la historia de la banda. Sumado a esto, esa fue la última presencia de Jones con The Clash.

En septiembre de 1983 Strummer y Simonon, apoyados por Rhodes, apartaron a Mick Jones del grupo argumentando que se encontraban descontentos por su comportamiento problemático, sus diferentes aspiraciones musicales y su "ceguera por el estrellato".[3]

Luego de una serie de audiciones, la banda anunció que Nick Sheppard y Vince White serían los nuevos guitarristas. Howard continuó siendo el baterista, a pesar de que se especuló que pudieran volver Headon o Chimes para reemplazarlo. En enero de 1984, The Clash comenzó a tocar en vivo nuevamente en una gira autofinanciada para exhibir su nuevo material, a la que llamaron Out of Control Tour.

La gira duró desde el invierno hasta comienzos del verano de ese año. En un show en diciembre anunciaron que a comienzos del año siguiente lanzarían un nuevo álbum.

1983 - 1986: Cut the Crap y el fin de The Clash

Las sesiones de grabación para Cut the Crap fueron caóticas, con Bernie Rhodes y Strummer trabajando separados del resto de los miembros en Munich, Alemania. La mayoría de las partes fueron grabadas por diferentes músicos en sesiones de grabación, mientras que Sheppard y White solo viajaron para llenar algunas partes de guitarra. Luego de luchar con Rhodes por el control de la banda, Strummer declinó su participación en el proyecto regresando a Londres poco después.

Durante este tiempo la banda comenzó una gira de carácter callejero aplicándose reglas estrictas como el llevar poco dinero y un solo cambio de ropa interior cada uno. De esta manera, viajaron por separado o en parejas para juntarse en espacios públicos de diferentes ciudades alrededor del Reino Unido donde interpretaban versiones acústicas de sus temas así como covers de las canciones "Twist and Shout" y "Stepping Stone" entre otras.[10]

Poco después, luego de un show en Atenas, Strummer viajó a España para aclarar sus ideas con respecto al futuro. Al regresar disolvió la banda. Durante su alejamiento, se emitió el primer sencillo de Cut the Crap, "This is England", que tuvo críticas principalmente negativas. La canción, así como el resto del álbum que salió a la venta más tarde durante el año, había sido drásticamente modificada por Rhodes, agregándosele sintetizadores, caja de ritmos y cantos de tribuna a las grabaciones de voz incompletas de Strummer. Otras canciones tocadas en la gira aún no han sido emitidas oficialmente al día de hoy como por ejemplo "Ammunition", "In the Pouring Rain" y "Glue Zombie".

Carreras post-Clash

Joe Strummer

En 1986, Strummer colaboró con su ex compañero Mick Jones en el segundo álbum de su banda Big Audio Dynamite, No. 10 Upping St., co-produciéndolo y co-componiendo siete de los temas. Además, Joe actuó en algunas películas, entre ellas Walker de Alex Cox, Mystery Train de Jim Jarmusch y I Hired a Contract Killer de Aki Kaurismäki. Strummer también colaboró en la composición, producción e interpretación de las bandas sonoras de las películas Sid and Nancy y Grosse Pointe Blank. En 1989, regresó a la escena musical lanzando su primer álbum solista, Earthquake Weather que no tuvo mucho éxito comercial ni crítico. Aún así realizó una gira con una nueva banda de apoyo, The Latino Rockabilly War, y emitió junto a ésta el sencillo "Trash City". En 1991 se unió temporalmente como vocalista a The Pogues luego de la ida de Shane MacGowan para una serie de recitales en Europa.

Finalmente, a fines de los años 1990 Strummer reunió a un grupo de músicos de nivel para formar la banda The Mescaleros. Pronto, el grupo firmó con la discográfica punk californiana Hellcat Records (una filial de Epitaph) y emitió el álbum Rock Art and the X-Ray Style. Más tarde, The Mescaleros lanzó Global a Go-Go en 2001 y realizó una gira mundial para promocionarlo tocando en muchos de sus shows algunos clásicos de The Clash así como el tema "Blitzkrieg Bop" de Ramones en honor al recientemente fallecido Joey Ramone.

El 15 de noviembre de 2002, Joe Strummer & the Mescaleros tocó en un concierto a beneficio para los bomberos voluntarios de Londres en el Acton Town Hall. Durante el show, Mick Jones, que se encontraba entre los espectadores, se unió al grupo para tocar los temas "Bankrobber", "White Riot" y "London’s Burning" reuniéndose así ambos líderes creativos de The Clash en el escenario por primera vez en aproximadamente 19 años. Poco después, el 22 de noviembre, Joe Strummer tocó por última vez en la Liverpool Academy.

En diciembre de 2002, Joe Strummer murió víctima de una falla cardíaca congénita no diagnosticada a los 50 años de edad. El disco en el que estaba trabajando con The Mescaleros, Streetcore, fue emitido póstumo en 2003 recibiendo buenas críticas. Además de la desgracia en sí, la muerte de Strummer fue un duro golpe para los fanáticos de The Clash ya que Jones comentó posteriormente que tras la breve reunión de los miembros para grabar el documental Westway to the World en 1999 habían estado considerando una reunión que para 2001 se veía más que probable.

Mick Jones

Luego de su expulsión de The Clash, Jones formó Big Audio Dynamite, usualmente conocida como B.A.D., en 1984. El álbum debut de la banda, This Is Big Audio Dynamite, fue emitido al año siguiente con la canción "E=MC²" logrando un considerable éxito entre el público británico. El siguiente material del grupo, No. 10 Upping St., marcó el reencuentro de Jones con Strummer. Luego de tres discos más, Jones cambió la alineación y renombró la banda a Big Audio Dynamite II en un principio y Big Audio a mediados de los '90s. Jones también produjo los dos álbumes de estudio de The Libertines así como el álbum debut de Babyshambles. Desde 2003 forma parte de Carbon/Silicon junto a su ex compañero en London SS y ex integrante de Generation X Tony James.

Paul Simonon

Tras la separación de The Clash, Simonon formó el grupo Havana 3 A.M. que grabó su primer álbum en Japón en 1991 recibiendo buenas críticas. Tras la muerte del cantante de Havana 3 A.M., Nigel Dixon, Simonon regresó a su primer interés, el arte visual, contribuyendo entre otras cosas con la portade del tercer disco de BAD, Tighten Up Vol. 88. En 2006 el bajista regresó a la actividad musical uniéndose al grupo The Good, the Bad and the Queen formado por el ex Blur y Gorillaz Damon Albarn, el ex The Verve Simon Tong y el ex baterista de Fela Kuti Tony Allen.

Topper Headon

La severa adicción de Headon a la heroína no solo le impidió continuar en la industria musical sino que también lo llevó a ser encontrado culpable de haberle suministrado de la misma a un adicto que murió de sobredosis por su consumo. Como consecuencia, el baterista debió cumplir un año de condena en prisión. Exceptuando el álbum de estilo R&B Waking Up que lanzó en 1986 y el EP Drumming Man, Topper no volvió a aparecer en la escena musical hasta la reunión de los integrantes para grabar el documental de Don Letts Westway to the World donde se disculpó por los efectos negativos que había causado su adicción en las relaciones dentro de la banda. Luego de muchos años luchando contra la droga Topper Headon aparentemente superó su problema definitivamente y volvió a tocar en vivo. De hecho, fue inmediatamente después de uno de sus recitales que se enteró de la muerte de Joe Strummer en 2002.

Otros miembros

Terry Chimes

Artículo principal: Terry Chimes

Chimes tocó en varias bandas luego de su primer y segunda etapa en The Clash. Entre ellas destaca su participación en Black Sabbath y Hanoi Rocks durante algunos años a mediados de los '80s. Eventualmente se retiró del mundo de la música para convertirse en quiropráctico.[23]

Keith Levene

Luego de irse de The Clash, Levene formó Public Image Ltd. con el ex Sex Pistols John Lydon (también conocido como Johnny Rotten). En un principio tocó la guitarra en el grupo pero con el tiempo comenzó a experimentar con el uso de sintetizadores. En 1983 dejó la banda luego de un altercado con Lydon y desde entonces ha trabajado en solitario.

Pete Howard

Howard estuvo en la banda de Fiction Records Eat antes de formar Vent 414 con Miles Hunt en 1996. En 2002 se unió a Queenadreena.

Nick Sheppard

Artículo principal: Nick Sheppard

Entre 1986 y 1989 Sheppard colaboró con Gareth Sager en la banda Head pero sus tres álbumes tuvieron poco éxito comercial. Desde entonces ha estado en diferentes grupos como los australianos Heavy Smokers y New Egyptian Kings.

Vince White

Artículo principal: Vince White

White no tuvo apariciones públicas importantes desde que The Clash se separó hasta que en 2007 salió a la venta su libro Out of Control: The Last Days of The Clash que describe los últimos años de la banda.[24]

Política

Como muchas de las primeras bandas de punk, The Clash protestaba contra la monarquía y la aristocracia. Sin embargo, a diferencias de la mayor parte de éstas, el grupo rechazaba el nihilismo y no profesaba la anarquía, por lo cual fueron duramente criticados por bandas muy influyentes de la escena como Crass y Angelic Upstarts. Por otro lado, encontraron el apoyo de un gran número de movimientos de liberación contemporáneos. Sus ideas políticas fueron expresadas explícitamente desde las letras de sus primeras composiciones como "White Riot", que animaba a los jóvenes de raza blanca a ser tan políticamente activos como sus pares de raza negra, "Career Opportunities", que expresaba el descontento por la falta de alternativas laborales en la Inglaterra recesiva de la época, y "London's Burning", que trataba sobre la complacencia política.[25]

En 1978 en el "Rock contra el racismo" (Rock Against Racism) organizado por la liga Anti-Nazi, Strummer vistió una controversial camiseta con las palabras "Brigadas Rojas" (Brigate Rosse) y la insignia de la Fracción del Ejército Rojo (Rote Armee Fraktion) en el medio. Más tarde admitió que la razón por la cual vistió esa camiseta no fue para apoyar a las organizaciones armadas de izquierda de Alemania e Italia sino que fue para llamar la atención al público sobre la existencia de la banda.

El grupo también apoyó los conciertos de caridad de otros músicos como, por ejemplo, el "Concierto para la gente de Camboya" (Concerts for the People of Kampuchea) de diciembre de 1979, ideado por Paul McCartney.

The Clash ofreció apoyo al Frente Sandinista de Liberación Nacional y otros movimientos socialistas de Latinoamérica, de hecho su álbum de 1980 se llama Sandinista!.[14] Ese mismo álbum es el más politizado de todos los de la banda con las claras críticas al imperialismo de los temas "The Call Up", "Washington Bullets" y "Charlie Don't Surf".[14]

Hacia diciembre de 1979, cuando fue emitido London Calling, la banda intentaba mantener su energía punk característica a la vez que se desarrollaban musicalmente. Además, fueron muy cautelosos de su emergente estrellato ya que siempre se dignaron a recibir a los fanáticos luego de sus recitales y se interesaron por mantener una excelente relación con ellos.

A The Clash se le acredita el haber sido los pioneros en el apoyo a las políticas radicales desde el punk rock diferentes al anarquismo. Además, se les reconoce el nunca haber priorizado el dinero; aún en su pico de popularidad, las entradas a sus conciertos se vendían a precios razonables. Sumado a esto, el grupo le insistió a su discográfica para lograr vender tanto el álbum doble London Calling como el triple Sandinista! al precio de uno lográndolo en el segundo caso en base a perder sus ganancias personales.

Influencia

The Clash ha sido musicalmente, y por su activismo político, influencia central para una gran cantidad de bandas e intérpretes tanto del punk y del rock en general como de otros variados géneros. Entre las más destacadas se encuentran U2 (particularmente Bono que la calificó como "la mejor banda de rock"[26] y The Edge que calificó a sus presentaciones en vivo como "una experiencia que te cambia la vida"),[27] Pearl Jam (particularmente Eddie Vedder[28] y Jeff Ament),[29] Arctic Monkeys,[30] Public Enemy (particularmente Chuck D)[31] y Rage Against the Machine.[32] [33] En 1999 fue emitido el álbum tributo Burning London (que tuvo mayormente críticas negativas)[34] donde No Doubt, Ice Cube, Rancid, Third Eye Blind, Indigo Girls, Moby y Heather Nova, entre otros, versionaron temas del grupo. En 2006 fue lanzado el box set Singles Box que incluyó un extenso cuadernillo donde varios intérpretes musicales, como Steve Jones, Damon Albarn(Blur), Shane MacGowan, Pete Townshend, Carl Barât y Bernard Sumner, u otras figuras reconocidas, como los novelistas Irvine Welsh y Nick Hornby así como el director cinematográfico Danny Boyle, expresaron su admiración por la banda británica.

Pagina: http://www.theclashonline.com/

PJ Harvey

Polly Jean Harvey nació el 9 de octubre de 1969 en Yeovil, Somerset, Inglaterra y es una cantautora inglesa reconocida en el mundo artístico por PJ Harvey .

Carrera

En la explosión de bandas de rock alternativas a principio de la década de los 90, existieron muchas figuras femeninas, cantantes y compositoras, que alcanzaron gran notoriedad. Entre ellas se encontraba PJ (Polly Jean) Harvey, con su rock crudo, directo y visceral. Con sus primeros álbumes demostró ser una de las más influyentes compositoras de canciones de la década noventera, con letras que exploran temáticas como el sexo, el amor, la religión, el humor negro y la sensibilidad en la femeneidad.

Polly Jean se crió en una granja en Yeovil, Inglaterra y a muy temprana edad aprendió a tocar el saxo y la guitarra. En la adolescencia participó en varias agrupaciones hasta 1991, año en que formó su propio grupo, P.J. Harvey, junto al bajista Steve Vaughn y el baterista Robert Ellis. Al poco tiempo, consiguieron un contrato con el sello independiente Too Pure, grabando el single ‘Dress’. El tema obtuvo una buena respuesta dentro del rock indie local y el segundo sencillo, ‘Sheela-Na-Gig’, recibió excelentes críticas de la prensa musical inglesa. Además, PJ, con su actitud agresiva a lo "femme fatale", cambió el concepto tradicional del erotismo femenino delicado y suave.

En 1992, por fin lanzaron su elepé debut, “Dry”, que fue distribuido en Estados Unidos por Island Records. Después de una larga gira, que culminó con su aparición en el Reading Festival, P.J.Harvey se movió a Londres para grabar su segundo disco con el productor Steve Albini (Pixies, Breeders). El nuevo trabajo salió en 1993 con el nombre de “Rid of Me”, con un sonido cercano al noise y al punk en las guitarras, dentro de un rock potente y escrito con mucha furia. “Rid of Me” fue el mayor suceso de críticas, convirtiendo a la banda en una de culto. En el tour ella se vestía con un largo vestido de piel, desarrollando un impactante despliegue teatral. A final de año, publicaron una colección de los demos, “4-Track Demos”, versiones originales de las canciones de la placa anterior.

Después de la gira, Ellis y Vaughn se van de la banda y ella graba su tercer álbum como artista solista, reclutando al productor Flood, al bajista Mick Harvey y los guitarristas John Parish y Joe Gore. La cantante desarrolló un sonido más bluesero con esta banda más grande, lo que resultó en el nuevo disco de 1995, “To Bring You My Love”. El elepé, que fue consignado como una pieza maestra por algunos críticos, tuvo una considerable atención de la prensa y un fuerte apoyo en MTV y en las radios rockeras, con el single, ‘Down By The Water’. El resultado global de este magnífico álbum es algo vital, se acababan los tiempos de una sexualidad tan descarnada y aunque el plano feminista seguía vigente, ahora era tratado con más madurez. A pesar de esto, el elepé fue un hit moderado, llegando al número 40 de los charts norteamericanos. Harvey pasó todo el año 95 en la gira soporte. Durante 1996, estuvo relativamente inactiva, sólo grabando un tema a dúo con Nick Cave en el disco “Murder Ballads” de este último y cantando junto a su socio John Parish en “Dance Hall at Louse Point”. En 1998, Polly Jean volvió a la carga con el álbum, “Is This Desire?”.

“Stories from the City, Stories from the Sea”(2000) fue su vuelta al ruedo musical, con una propuesta con sonidos más "limpios" que en sus inicios, y en una veta más comercial rozando varias veces con el pop, pero nunca dejando de lado la actitud "agresiva" de sus inicios. Prueba de ello son temas como "Big Exit", "This is love" o el sencillo “Good Fortune”, el cual se transformó en uno de los mejores interpretados por Polly Jean. En esta producción la cantautora se toma el gusto de hacer un dueto con el líder de Radiohead, Thom Yorke, en el tema “This Mess We´re in”.

En el 2002 colabora con el líder de Queens of the Stone Age, Josh Homme en las Desert Sessions volume 9&10.

En el 2004 lanza su séptimo disco, que lleva el nombre de "Uh Huh Her”, y que incluye temas bastante íntimos, intensos y apasionados. Este disco sirvió para que PJ por fin pisara tierras sudamericanas dando conciertos de gran calidad y despliegue como ha sido en general la vida artística de Polly Jean Harvey.

En mayo de 2006 aparece en el mercado un registro audiovisual titulado "On Tour - Please Leave Quietly", que muestra partes de lo que fue el último tour mundial realizado en el 2004. También trae comentarios de la misma cantante entre cada tema y una entrevista extra que aborda aspectos de su carrera y los detalles sobre su último disco. En este mismo mes volvió de nuevo a los escenarios (después de un 2005 sin concierto alguno) en un festival de Gales denominado "Electric Picnic" e hizo presagiar lo que podría ser su próximo trabajo con temas inéditos como “The Mountain”, “Bitter Little Bird” y “Ceiling”.

El 23 de octubre de 2006 se editaron las sesiones que Polly Jean grabó entre 1992 y 2004 para el espacio del dj británico John Peel. Se trata de una colección de doce temas que abarcan desde el debut de Harvey en 1992 con "Dry" hasta su séptimo lp en 2004, "Uh Huh Her". Once pertenecen a sesiones con John Peel y uno, "You Come Through", al homenaje que se le tributó en diciembre de 2004.

En noviembre de 2006 vuelve al trabajo de estudio con dos de sus más clásicos colaboradores; Flood y John Parish compartirán espacio en la sala de control. En declaraciones a un medio televisivo americano, Pj Harvey advertía de que serán instrumentos como el piano, el harpa o el autoharp los que dominen la atmósfera de las nuevas canciones. “Las puertas han sido abiertas; ya nunca más habrá limites”, ha dicho.

Pagina: http://www.pjharvey.net/

Sueter

Miguel Zavaleta fundó ese grupo a mediados de 1981. Por entonces la banda se presentaba en pubs con Claudia Puyó, Celsa Mel Gowland y una Fabiana Cantilo recién llegada de Estados Unidos como coristas.

Con la incorporación de Juan del Barrio en teclados y el ingreso de Gustavo Donés en reemplazo de Folino grabaron el primer disco, que pasó desapercibido. Charly García les brindó un gran apoyo al invitarlos como teloneros de su presentación en Ferro de "Yendo de la cama al living", junto a Los Abuelos de la Nada en 1982. Sin embargo, pese a la intensa preparación para la ocasión, fueron rechazados con insultos, silbidos y proyectiles.

Se presentaron en Obras en julio de 1983 y lograron revertir la situación con constantes presentaciones en pubs. Ya para entonces Claudio Loza había reemplazado a Colombres en la batería y también se había alejado Del Barrio.

Para las presentaciones de la nueva placa ("Lluvia de gallinas", 1984) contaban con Fabián Quintiero como tecladista invitado. Ya el éxito del grupo era considerable, sobretodo si se considera la experiencia de Ferro. El grupo vuelve a tener relación directa con Charly García, quien les produce el tercer álbum, "20 caras bonitas" (1985). Si bien no tuvo demasiada repercusión, sobresalió el hit "Vía México". "Misión Ciudadano I" (1987) es un álbum concebido como una obra conceptual que describe la hipotética primera expedición argentina a la Luna.

Posteriormente, Zavaleta inició una carrera solista que no prosperó: grabó dos LPs (uno producido por Pedro Aznar), que aún permanecen inéditos.

En un período de revivals, la banda se reunió para editar el quinto álbum, dedicado a los portadores del Sida. «Volví con el grupo porque no sirvo como solista - confesaría - Lo intenté y creo que no tengo la capacidad suficiente» (No de Página/12, 02/03/95). Para entonces lo acompañaron Diego Chorno (teclados, guitarra y coros), Silvio Furmansky (guitarra), Jorge Alvarez (batería) y Daniel Castro (bajo), luego reemplazado por Laura Gómez Palma.

En agosto del 2003, la banda regresa para una serie de shows, integrada por Miguel Zavaleta (voz y piano), Juan del Barrio (teclados), Jorge Alvarez (batería), Jorge Minissale (guitarra y voces) y Gustavo Donés (bajo y voces).

Formacion:

Daniel Colombres: batería
Edgardo Folino: bajo
Eduardo Rogatti: guitarra
Jorge Minissale: guitarra
Miguel Zavaleta: teclados y voz

Pagina: http://www.sueter.com.ar/

Sheryl Crow

Sheryl Crow, cantante estadounidense nacida el 11 de febrero de 1962 en el estado de Missouri.

Biografía

Sheryl Crow nació el 11 de febrero de 1962 en Kennett, un pueblo de Missouri (EEUU). Era casi inevitable que se dedicara a la música, ya que proviene de una familia de músicos. Su padre Wendell Crow tocaba en bandas de swing y su madre, Bernice, era músico de profesión. Sheryl comenzó a estudiar piano con tan sólo 5 años. Desde muy niña escuchaba música de Christine McVie (Fleetwood Mac), Elton John y Bob Dylan. Influenciada por todos ellos, escribió su primera canción a los 13 años. En la escuela llego a ser 'drum majorette, pero sin dejar sus clases de piano. Cuando llegó a la Universidad de Missouri, se unió a una banda de rock llamada Cashmere. Después de terminar sus estudios, trabajó como profesora de música en una escuela para niños autistas de St. Louis. Desde entonces es defensora de "Save The Music" un programa de enseñanza de Música en las escuelas.

Antes de convertirse en estrella de la música, tuvo que hacer diferentes trabajos como corista cantante de anuncios publicitarios, entre ellos uno muy conocido de la cadena de hamburgueserias McDonalds. Se presentó a muchas audiciones, y su primer trabajo importante como cantante lo consiguió en 1989 cuando Michael Jackson la contrató para que le acompañara en su gira "Bad World Tour", como corista. Después de esa gira cayó en una profunda depresión, de la que tardó mucho tiempo en recuperarse. Durante esos seis meses de enfermedad siguió escribiendo canciones, e incluso algunos de esos temas se los escribió a artistas de la talla de Celine Dion, Wynona Judd o Eric Clapton. Después de esa dura etapa de su vida, Sheryl Crow, volvió al trabajo y colaboró en discos de artistas tan reconocidos como Sting, Stevie Wonder, Foreigner y Rod Stewart.

Cuando una de estas maquetas cayó en manos del productor Hugh Padgham, su vida cambió, por que éste se quedó tan impresionado, que consiguió que la fichará el sello A&M. Firmó su primer contrato discográfico y de esta manera despegó su carrera musical. Su primer álbum lo grabó en 1993, estuvo producido por Bill Bottrell, un productor de Pasadena, y lo tituló "Tuesday Night Music Club". Dentro de ese disco se incluyeron grandes canciones, entre ellas "Leaving Las Vegas". Un tema que formó parte de la banda sonora de la película que llevaba el mismo título y que protagonizaron Elisabeth Shue y Nicholas Cage. Este trabajo, además, le dio premios y reconocimientos tan importantes como tres Grammy: Mejor Cantante Femenina de Pop, y Mejor Artista Revelación. En 1995 y junto al mismo productor, comenzó a trabajar en su segundo álbum "Sheryl Crow". Cuando estaban en la fase previa de la grabación surgieron problemas entre ellos y Bottrell abandonó el proyecto, por lo que Crow decidió seguir adelante ella sola, y de esta manera se convirtió en autora, interprete y productora de su disco. En la entrega de los Grammy de 1997 consiguió dos premios: uno como Mejor Solista Femenina por la canción "If It Makes You Happy", Canción del año por "All I wanna do" que fue el primer single del disco, y otro como Mejor Álbum de Rock.

Un año más tarde, en 1998, publicó su tercer trabajo "The Globe Sessions". En 1999 estuvo nominada a los Grammy por este disco en la categoría de Mejor Álbum de Rock, Productora del Año, Cantante de Rock del Año por la canción "There Goes The Neighborhood", y mejor Cantante Pop por el tema "My Favorite Mistake". Sólo consiguió el de Mejor Álbum de Rock. También en 1999 editó "Sheryl Crow and "Friends": Live In Central Park". Un disco en directo, grabado en el Central Park de Nueva York, en él hizo duetos con Dixie Chicks, Stevie Nicks, Eric Clapton, y Sarah McLachlan, entre otros. una de sus colaboraciones es "C'mon, c'mon" a dúo con The Corrs. Sheryl Crow también ha participado en BSO de películas muy conocidas como "El Mañana Nunca Muere", de la saga James Bond, "Un Papa Genial", "Mensaje en una botella", "I'm Sam" y "Cars" .

Pagina: http://www.sherylcrow.com/