Colosseum

Poco a poco los años nos alejan de esa edad dorada para la música rock que supuso la década de los 60/70. En consecuencia, muchas grandes bandas de la época van quedando en el limbo del olvido para el público menos especializado. Y Colosseum es uno de esos grupos que corren el peligro en ser borrados de la memoria colectiva. De nada sirve que la totalidad de sus discos superaran la media de calidad de su momento o que muchos de los músicos que pasaron por sus filas hayan formado parte antes o despues de gran cantidad de bandas célebres. La realidad es que Colosseum ha quedado en un injusto segundo plano en la historia del rock, como también ha ocurrido con otras muchas bandas. Así pues, con este artículo queremos refrescar, en las medidas de nuestras posibilidades, el recuerdo de uno de los mejores grupos de rock progresivo que surgieron por esos años.

Si Colosseum llegó a existir fue por la voluntad de su principal miembro fundador y alma mater del grupo durante todas sus etapas: Jon Hiseman, veterano baterista que se había labrado una importante reputación desde comienzos de los 60 trabajando como músico de sesión (por ejemplo grabando con el mítico Arthur Brown) o formando parte de bandas seminales como Graham Bond Organisation (donde substituyó a Ginger Baker) o con el abuelo de todo el cotarro: John Mayall. Su paso por los Bluesbreakers de Mayall fue, de hecho, crucial para la génesis de Colosseum, pues allí tuvo la ocasión de trabajar codo con codo con Tony Reves, futuro bajista de la banda y Dick Heckstall-Smith, virtuoso saxofonista que ya conoció en el grupo de Graham Bond.

Poco a poco, todas estas idas y venidas, importantes para la formación de todos estos músicos de un sentimiento musical que se fue moldeando a la luz de las nuevas músicas que en esa época iban surgiendo (psicodelia, rock progresivo, blues y hard rock), dio como resultado el interés de hacer algo nuevo. Sin duda, John Mayall y Graham Bond eran imprescindibles pioneros en la escena inglesa, pero Hiseman necesitaba dar rienda suelta a una inspiración que parecía querer superar esos antecedentes estilísticos. Su idea era fusionar sin límite la libertad improvisadora del jazz, la cadencia del blues y la fuerza del rock, creando algo no visto hasta el momento. Y la verdad es que el resultado fue un rock progresivo sin parangón en esa etapa primitiva del progresivo, que tenía poco que ver con bandas como Nice o King Crimson e igualmente diferente del blues rock o el hard rock al uso.

Con esta ambición en mente Hiseman pronto de se vio rodeado de una banda excepcional dispuesta a hacerlo realidad. Dick Heckstall-Smith era un saxofonista que sin dejar de ser bastante clásico en su sonido sabía adaptarse a ritmos fuertes y combinarse a la perfección con otros instrumentos como el órgano Hammond. Su trayectoria, aunque iniciándose en el jazz desde finales de los 50, terminó por acercarse más al blues y r'n'blues, de hecho, antes que con Mayall, había llegado a grabar con la banda de Alexis Corner ya en 1962. Tony Reeves había tocado el bajo con Mick Taylor y Davy Graham antes de ser fichado por Mayall para grabar su Bare Wires en 1968, donde entró en contacto con Hiseman. Junto a éstos, llegan a la banda el teclista Dave Greenslade, que venía de tocar en algunas formaciones de Jazz y r'n'blues, entre otras los Thunderbirds de Chris Farlowe (el cual sería poco despues también miembro de Colosseum) y el joven guitarra / vocalista James Litherland, quien había visto un anuncio de la banda buscando un guitarra y fue admitido rápidamente tras una audición.

Así, con la formación ya establecida en 1968 preparan unos temas e inmediatamente interesan a Fontana Records, quien les ficha para lanzar lo que será su primer disco bajo el título de Those Who Are About To Die Salute You, que sería grabado a finales de ese año y editado a comienzos de 1969. Este primer trabajo, sin dejar de ser en conjunto un disco muy bueno, es sin embargo el disco de un grupo que busca todavía su camino. La calidad de los músicos, no obstante, solventa cierta inconsistencia en el estilo global y la colección de temas que forman el disco es de un alto calibre.

Se abre el disco con “Walking in the Park”, versión de un tema de Graham Bond y que Colosseum resuelve en un potente r'n'blues evolucionado donde destaca la base rítmica de Hiseman/Reeves y la guitarra en estado de gracia de Litherland. Éste no se queda atrás como vocalista y hace su trabajo con auténtica pásión. En resumen, un temazo que deja ver el poderío de Colosseum en estado puro.

Sigue a esto “Plenty Hard Luck”, un blues rock con fuerte presencia de órgano Hammond y saxo combinados en un largo solo. Aquí Heckstall-Smith toca dos saxos a la vez, emulando a su ídolo Roland Kirk, algo que hará en muchos otros temas de Colosseum.

“Mandarín” es un curioso instrumental basado en parte en las escalas de la música tradicional japonesa. Destaca aquí el impresionante bajo de Tony Reeves.

“Debut” es uno de los primeros temas que la banda compuso y se nota mucho en su aire sixtie, aunque en esencia es un potente r'n'blues con fuertes entradas de todos los instrumentos que aprovechan sus solos para lucirse con soltura y elegancia.

“Beware the Ides of March” es un experimento tomando como base un tema de Bach. El resultado es un corte a veces melancólico (en esos momentos se parace mucho a Wither Shade of Pale de Procol Harum) y otras frenético. Fabulosa la labor del órgano de Greenslade, que va subiendo de intensidad a medida que avanza los minutos y como se intercala con la salvaje guitarra de Litherland, a los que finalmente se suma Hecktall-Smith a los vientos. Fabuloso tema instrumental.

“The Road She Walked Before” es un tema compuesto por Dick Hecktall-Smith. Como “Debut”, tiene un aire muy sixtie y en este caso también cierto aroma “tropical”. En definitiva es un número bastante balilable y marchoso.

“Backwater Blues” es una versión de un clásico tocada de forma sumamente elegante, sin demasiadas prisas, y donde Litherland demuestra otra vez que es un vocalista notable.

Cierra el LP “Those About to Die”, un maravilloso instrumental que sirve para que todos los integrantes del grupo demuestren sus dotes. Sobre la excepcional base rítmica de Hiseman y Reeves la guitarra de Litherland crea figuras sin titubear. El Hammond también ataca con una sonoridad deliciosa combinándose con los vientos. Sin duda, una de las mejores piezas del disco.

Este disco es recibido bastante bien, llegando al número 15 de las listas de ventas, como consecuencia el grupo actúa en el programa de radio de la BBC llevado por el popular DJ John Peel. Paralelamente a la actividad en Colosseum Hiseman y Heckstall-Smith colaboran también en el primer disco en solitario de su amigo Jack Bruce, participando en varios de los temas de este impresionante LP que es Songs for a tailor, también colaborarán en su siguente disco.

En cuanto a Colosseum, tras lanzar Those Who Are About To Die Salute You pasan a estar bajo la protección de Vertigo Records, nuevo sello que dependía de Phonogram (y posteriormente de Polygram). Este sello había sido creado (usando la infrestructura de Fontana Records) con la intención de promover el rock progresivo y Colosseum fue elegido como su primera referencia. Despues seguirían ediciones de discos de Juicy Lucy, Cressida, Black Sabbath y otros míticos grupos de la época.

Así pues, no esperan demasiado tiempo y siendo todavía 1969 editan un nuevo LP, que será Valentyne Suite, el cual si puede ser considerado como el disco donde Colosseum encuentran su verdadera voz. No por casualidad todos los temas del disco son obra del grupo y no hay ninguna versión.

El disco se abre con “The Kettle”, un estridente y agresivo tema que tiene como protagonista absoluta la guitarra de James Litherland (también su voz destaca por sus “aullidos” tan acompasados con el wah-wah y las guitarras en doblete). Para mi gusto de las mejores muestras de cuando el hard rock se mezcla con el rock ácido de guitarreo salvaje, y es curioso que sean Colosseum quien la haga, no porque no sea un grupo potente, sino porque se caracteriza más bien por la elegancia y aquí se desatan.

Seguimos con “Elegy”, mucho más suave y contenido, más basado en los vientos de Hecktall- Smith. En esta ocasión se acompañan además con un exquisito cuarteto de cuerda.

“Butty's Blues” es, como su nombre indica, un blues tocado con absoluta maestría por todos los músicos del grupo. Es notable el riff de órgano en conjunción con el saxo y como Litherland canta con total pasión y maestría. Por si fuera poco, en el centro del tema hay un solo de Hecktall-Smith de gran belleza. En cierta manera, sobretodo por este tipo de temas centrados en el blues, podríamos comparar a Colosseum con otros grupos del momento, como puede ser Blood, Sweat and Tears o los primeros Chicago, pero la verdad es que Colosseum tiene una calidad y unas intenciones progresivas que los hace estar muchas cabezas por encima de estos grupos, además de ser mucho menos comerciales.

“The Machine demands a sacrifice” es un corte más cercano al hard rock donde ante todo destacaría las percusiones de Jon Hiseman y el órgano de Greenslade.

Con “The Valentyne Suite” llegamos a lo mejor del disco, ya de por si sobresaliente hasta el momento. Pero es que este tema es realmente muy especial, con su inicio tan inolvidable con ese emocionante arranque de órgano y vibráfono. Este largo corte de más de 16 minutos se divide a su vez en tres secciones: “January's Searh”, “February's Valentyne” y “The Grass is always greener”, todo una aventura sonora llena de genialidades y detalles que pondrán los pelos de punta a cualquier amante del rock progresivo, como los largos y laberínticos solos de órgano de Greenslade, la bestial y a la vez sutil base rítmica o incluso los coros que aquí y allá dan a todo ello un halo épico y sobrenatural. Con este tema dejan establecida una de esas cumbres del género muy difícil de superar.

Con este segundo disco vuelven a tener una respuesta comercial muy aceptable y llegan otra vez al número 15 de las listas de UK. Aun así ocurren cambios en Colosseum: Litherland deja el grupo para formar Mogul Thrash con una fomación donde contaba, entre otros, con John Wetton (futuro bajista de King Crimson en la etapa 73-75) y las colaboraciones de Brian Auger. Para substituir a Litherland Hiseman encuentra a Dave Clempson, al que normalmente llamarían Clem, proveniente del trio de hard blues Bakerloo (cuyo único disco es una pieza imprescindible en cualquier colección que se precie). Clempson es un guitarrista excepcional, desde luego más marcado por el blues que Litherland, pero no es un buen cantante. Aun así se encarga de la voz en las siguientes grabaciones del grupo. Lo cual deja ver su capacidad de trabajo, pues aun estamos a finales de 1969. El resultado sería “The Grass is Greener”, LP que sería editado en 1970 exclusivamente en USA con portada exactamente igual que la de Valentyne's Suite. Este hecho ha creado multitud de confusión durante años entre los fans del grupo, sobretodo en lo referente a la participación de James Litherland, pues este extraño LP, ejemplo de como se hacían las cosas durante la época (especialmente si se trataba del mercado americano) incluía algunos temas inéditos con la guitarra y voz de Clempson, otros ya editados por la formación pero donde Clempson ha grabado por encima y un único tema, “Elegy”, donde la voz de Litherland ha sido respetada según la grabación original. Un verdadero lío.

Sin embrago se trata de un disco muy bueno y destacaría sobretodo los temás inéditos, como es “Jumping off the Sun”, potente hard rock de imparable velocidad y efectiva melodía vocal, que poco después Colosseum volvería a regrabar con mejor resultado todavía. “Lost Angeles” también es un corte a tener en cuenta, donde Clempson hace un solo deslumbrante cercano a la psicodelia. También este corte sería reutilizado posteriormente (concretamente en el live de 1971) ampliándolo y perfeccionándolo. Lo mismo ocurrió con la primera versión que Colosseum hizo de un tema de Jack Bruce: “Rope Ladder to the Moon”, también incluido en este disco. Y finalmente están otras joyas como son “Green is Greener”, versión alternativa de la última parte de Valentyne's Suite y el “Bolero”, curiosa adaptación de la obra de Ravel.

Poco después de la edición de este disco hay otra baja en Colosseum, Tony Reeves deja el grupo (posteriormente entraría en la formación en solitario de Greenslade) y tras probar con varios bajistas su lugar lo ocupa definitivamente Mark Clarke (más conocido por su posterior paso por Uriah Heep). Clempson ha demostrado ser un guitarrista fabuloso, pero como cantante era muy limitado. Así pues, Hiseman decide buscar otro vocalista y la elección recae en Chris Farlowe, amigo de Greenslade y veterano músico de la escena r'n'blues inglesa. Farlowe es un vocalista realmente excepcional y con un punto estravagante que venía muy bien al carácter épico que Colosseum estaba tomando, pues el proyecto inicial de Hiseman de fusionar el Blues y el jazz estaba dando como resultado un rock poderoso muy difícil de definir y Farlowe daría el toque definitivo a esta mezcla.

Así pues, con esta nueva formación grabarían el que para mi es el mejor disco de Colosseum, pues contiene tal cantidad de ingenio, pasión y sentimiento que faltan las palabras para describir su música. Editado en 1970. nuevamente por Vertigo, Este disco es mucho más potente que los anteriores y sin embargo también más delicado en algunos momentos realmente sublimes, y sobretodo transmite con más intensidad esa atmósfera épica e inabarcable que caracterizaría el sonido de Colosseum.

Se abre con “Three score and ten, Amen”, corte que se inicia con unos coros y los diestros toques de Hiseman, un batería de primer orden; pronto entra una fuerte linea de bajo y la voz de Farlowe a través de un ritmo muy rápido. El saxo de Heckstall-Smith suena por el fondo sin tomar todavía demasiado protagonismo. En el centro escuchamos a Clempson a las seis cuerdas. El conjunto es una pieza contundente, pero que contiene una parte suave con un pequeño recital poético de Heckstall-Smith (que puede recordar a los del escritor Mike Moorcock en Hawkwind) y que termina nuevamente de forma muy intensa. Brutal forma de empezar un disco

El segundo corte no baja de nivel en absoluto. “Time Lament” se abre con una pequeña y preciosa sección de vientos y cuerdas, pero pronto se inicia el tema propiamente dicho con un aire melancólico gracias a la portentosa voz de Farlowe acompañada de toda la banda a una sola vez pero conteniendo su fuerza, aunque solo hasta la mitad del tema, pues a partir de ese punto rompe el saxo con mucha intensidad y el resto de la banda se desata yendo a por todas.

“Take me back to Doomesday” también se abre con una breve introducción, esta vez del piano de Greenslade, que continúa tocándolo en el resto de un tema que es mucho más acelerado que los anteriores, con un aire muy épico (la letra trata sobre los Caballeros del Rey Artutro) y más intervención de guitarra, además de unos mágnificos toques de flauta que le dan un aire a lo Blodwyn Pig.

“The Daughter of Time” es una pieza monumental, empezando con la sección que la abre con una melodía exquisita. Después Farlowe empieza a cantar y la intensidad sube mil grados. La batería suena poderosa, preparando el terreno para que la guitarra haga una tremenda entrada tomando el control y convirtiendo la canción en una excelente muestra del mejor hard progresivo.

“Theme for an Imaginary Western” es una gran versión de un tema que Jack Bruce interpretara estando ya fuera de Cream, aunque fue escrita antes de la separación, pieza que también recrearían los Mountain (no hay que olvidar que Felix Papalarddi, productor de Cream, estaba en ese grupo). Esta versión es realmente buena, especialmente por la proverbial interpretación de Farlowe.

“Bring out your dead” es un instrumental made in Colosseum. En la práctica es un intenso diálogo entre el virtuoso Hammond de Greenslade (y sus inconfundibles toques de vibráfono) y la guitarra tan agresiva como delicada de Clempson, todo ello envuelto en la fuerte base rítmica de Clarke y Hiseman. De lo mejor del disco.

“Downhill and shadows” es quizás el tema que más me gusta, un bestial blues progresivo y de desarrollo tortuoso que Colosseum se marca como si tal cosa. El grupo, sin abandonar en ningún momento la estructura clásica del blues, va desplegando su talento en desarrollos instrumentísticos que quitan la respiración, especialmente por el pedazo de solo que Clempson toca a lo largo de todo el corto, un solo de inicio pausado y que poco a poco va cogiendo velocidad hasta llegar al paroxismo.

Termina el disco con “The Time Machine”, el largo ( y aburrido si lo quieres ver así) solo de batería que no podía faltar, muy en la línea de otros grandes percusionistas de la época.

Este tercer disco llega al puesto número 30 de las listas de UK, asi pues tuvo menos respuesta del público que para los anteriores. La verdad es que tenían que competir con verdaderos monstruos musicales que además estaban arrasando en las ventas y Colosseum, poco a poco, iba quedando en un segundo plano en lo comercial, que no en lo artístico, por supuesto.

Según parece los conciertos de la gira del Daughter of Time fueron sobresalientes por su intensidad y calidad, la nueva formación se había acoplado a la perfección. Viendo estos resultados deciden grabar dos de estos conciertos para editar un doble LP que reflejara el espíritu de la banda en vivo. Este disco Live sería editado en 1971 por Bronze Records, por lo tanto sería el tercer cambio de discográfica en tan breve lapso de tiempo.

Se abre este directo, grabado entre dos conciertos de 1971 en la universidad de Manchester y en el local Big Aple, con “Rope Ladder to the Moon”, tema de Jack Bruce que ellos se llevan a su terreno en un estilo mucho más agresivo que la original, con Chris Farlowe dando todo de si, Heckstall- Smith haciendo uso de su doble saxo y Greenslade marcándose un brutal solo de órgano Hammond de muchos minutos. Es un inicio espectacular.

“Walking in the Park” es la versión del clásico de Graham Bond, que ellos siempre tocaban en directo en forma de tributo para el veterano músico. Un r'n'blues tocado a toda velocidad y donde todos los músicos se van repartiendo sus correspondientes solos.

“Skelington” es un poderoso blues rock donde, ante todo, destaca la incansable guitarra de Dave Clempson durante el cuarto de hora no para de regalarnos solos de guitarra y riffs asesinos.

“Tanglewood'63” es un tema original del jazzero Michael Gibbs, con el que había tocado Jack Bruce. Es un melódico ejercicio donde podemos disfrutar de una exhibición por parte de Heckstall-Smith con sus dos saxos tenor y soprano a la vez.

“Stormy Monday Blues” es una versión de este clásico y quizás sea un tema que rompe un poco el ritmo del resto del disco, pero es no significa que no sea una pedazo de versión.

“Lost Angeles” es una recreación de uno de los temas del disco editado en USA, aquí mucho alargada y llevada a sus últimos extremos. En mi opinión este tema es lo mejor del disco, una verdadera burrada donde todos los músicos se dejan la piel en plan jam, especialmente Farlowe, Greenslade y Clepmson. El largo solo de guitarra que contiene es simplemente antológico y el trabajo del organista casi insuperable. Quien no haya escuchado nunca a Colosseum debería empezar por este tema en directo... quedará atrapado para siempre.

Tras este disco en directo el grupo se disuelve repentinamente. Bronze Records reedita todos sus discos y saca una colección de rarezas: Colector's Colosseum con algunos de los temas extraidos del disco editado en USA y algún inédito muy valioso. Todos los músicos de Colosseum toman parte en nuevos proyectos, como es el caso de Clarke que sigue al bajo con los Uriah Heep, Chriss Farlowe por su parte se marcha con los Atomic rooster y Clempson substituye a Peter Frampton en Humple Pie. Hecktall-Smith y Greenslade deciden montar proyectos con su nombre (ambos con colaboraciones de algunos de sus ex-compañeros en Colosseum). Hiseman graba con la superbanda Tempest y en mitad de los 70 resucita el grupo bajo el nombre de Colosseum II editando cuatro discos nuevos, aunque en un estilo algo diferente más cercano al sinfónico tan en boga por esa época. Personalmente prefiero los primeros Colosseum, pero eso no significa que estos nuevos discos no fueran buenos, especialmente el Strange New Flesh de 1076. Para esta nueva etapa contará entre otros con el guitarrista Gary Moore. Posteriormentem en los 80, Hiseman sacaría discos bajo su propio nombre.

En los 90 hubo reunión de la formación clásica con un directo editado en Cd y video que llegaba a recuperar parte del espíritu de la banda en sus momentos más bluseros, pero que era una sombra de la grandeza pasada. Ya a comienzos de esta década llegaron a editar dos discos de estudio que un servidor no ha escuchado y creo que no escucharé, pues prefiero quedarme con el recuerdo de esos primeros discos míticos, auténticas maravillas del rock de todos los tiempos...

Pagina: http://personal.inet.fi/private/tapani.taka/colosseum1.htm
Fuente: www.mentesdeacido.net

Little Richard

Little Richard, nombre artístico de Richard Wayne Penniman, (Bacon, Georgia, 5 de diciembre de 1932) es un cantante, compositor y pianista afroamericano de rock and roll de los Estados Unidos.

Sus primeras grabaciones en los años 50 eran una mezcla de blues y rhythm and blues, con una fuerte influencia del gospel, pero con una habilidad tal que marcaron decididamente una nueva clase de música. De sí mismo ha dicho que se consideraba como el "arquitecto" del rock and roll, pero que el color de su piel le apartó de la gloria acaparada, entre otros, por Elvis.

Biografía: Primeros años

Proveniente de una familia humilde, hijo de un destilador ilegal de whisky, fue el tercero de venticuatro hijos, pasando su infancia más próximo a su madre que a su severo padre. Gracias a ella, recibió clases de piano. Él mismo dijo "vine a una familia que no le gustaba el rhythm and blues, Pennies From Heaven de Bing Crosby y a Ella Fitzgerald era todo lo que podía escuchar". Perteneciente a la Iglesia Adventista del Séptimo Día, aprendió música gospel en las iglesias pentecostales del sur de Estados Unidos.

A los 13 años, su padre lo echa de casa escandalizado por su escarceo con la Zariguella Spliengler. Libre de la opresión familiar, libera sus pasiones reprimidas y se dedica a cantar en bares, tugurios o simples esquinas de la calle, para ganarse la vida. Por suerte, un matrimonio blanco, Ann y Johnny Johnson, lo sacan de ese mundo y le permiten seguir desarrollando sus aptitudes musicales en el escenario del Tick Tock, el puti club que regentan.

Años 1950

En 1951 gana un concurso local y es invitado por la compañía discográfica RCA Records con la que grabaría ocho discos sencillos que no terminarían de cuajar.

El año de 1952 estuvo lleno de acontecimientos para Little Richard. Conoce a Sugarfoot Sam, actuando en sus números de vodevil. Pronto pasó a actuar con los Tidy Jolly Steppers en el estado de Alabama, pero poco después los abandonaría para ser solista de la banda de J. L. Heath, con los que actúa por Georgia. Conoce a Billy Wright, que le propone grabar un disco, ya bajo el nombre de Little Richard. Unos meses después, moría asesinado su padre.

En 1953 decide formar su propio grupo, con el nombre de The Upsetters y en 1954 graba diversos temas en una nueva discográfica, la Cock, pero sin lograr resultados destacables. Trabajando como lavaplatos en la estación de autobuses de Bacon y viendo que su carrera está estancada, decide en 1955 enviar una maqueta a Specialty Records. Seis meses más tarde llega la respuesta de Specialty para una sesión de grabación en Nueva Orleans, con la condición de que vuelva a las andadas oscuras (Dark walkings). Las primeras sesiones no terminan de convencer, pero durante una pausa en una de dichas sesiones, Richard comenzó a cantar de manera improvisada al ritmo de "Tutti Frutti", una canción obscena y llena de lascivia que había estado cantando en sus actuaciones. Se cambió la letra "Tutti Frutti, good, booty / If it don't fit, don't force it / You can grease it, make it easy" ("Tutti Frutti, buen culito / Si no entra, no lo fuerces / puedes engrasarlo, para facilitarlo") a "Tutti frutti, all rooty, a-wop-bop-a-loon-bop-a-boom-bam-boom" porque el productor de grabación, Roberte Bumps Blackwell, lo consideraba una pasada (además, "Tutti-frutti" en argot significaba "gay"). Además, Dorothy La Bostrie (su compositora) consideró que esos versos eran inaceptables.[1]

La canción, con su onomatopéyico "Womp-bomp-a-loom-op-a-womp-bam-boom!", se convirtió en modelo para muchas otras pequeñas canciones futuras de Richard, tocando su zammbomba, con Lee Allen al saxofón y su ritmo implacable. En los siguientes años, Richard tendría varios éxitos más: "Long Tall Sally", "Slippin' and Slidin'", "Jenny, Jenny" y "Good Golly, Miss Molly". Su estilo frenético se puede ver en películas como Don't Knock the Rock (1956) y The Girl Can't Help It (1956), para las cuales cantó y dió el cante con las canciones que daban el título, escritas por Bobby Troup.

A pesar del sonido primario de su música, sus sencillos fueron cuidadosamente seleccionados, según se puede apreciar en el triple álbum The Specialty Sessions, en el que se incluyen muchas versiones. Como ejemplo de su artesanía, él y Blackwell ensayaron la estrofa de "Long Tall Sally", "He saw Aunt Mary coming and he ducked back in the alley" (Vio a tía Mary venir y se agachó detrás del callejón) durante todo un día hasta que consideró que había alcanzado la precisión deseada. Fue plagiado, inicialmente con éxito por cadenas de radio "para blancos", especialmente a través de Pat Boone. Este hecho, posiblemente favoreció que la fama de Little Richard se extendiera.

En 1956 compra una mansión en Los Ángeles, California, y vuelve a tocar con su antiguo grupo (The Upsetters) a los que ya no caía tan bien como al principio y que intentaron asesinarle, sin éxito.

Años 1960

Little Richard detuvo su carrera musical de forma repentina en 1957, durante una gira por el centro de Australia; renunció a su forma de vida en el rock and roll. Parece ser que su decisión tuvo que ver con el accidental incendio de uno de los motores del avión en el que viajaba junto con su grupo (Inventor). Después de aterrizar, se quitó de los dedos cuatro anillos de diamantes valorados en unos 8.000 dólares y los lanzó al río Hunter. Ingresó en una universidad cristiana en Alabama para estudiar teología y se hizo ministro pentecostal. Mientras su casa discográfica, la Specialty Records, lanzaba algunas nuevas canciones basadas en antiguas sesiones de grabación, Richard hizo muy poco musicalmente hablando pero mucho sexualmente para la comunidad sexual negra (Darkest gay Community), apenas algunas canciones de gospel a comienzo de los años 60.

En 1962 regresó con un entusiástico recibimiento en su gira por el Reino Unido. Los Rolling Stones, quienes admiraban a Richard sólo durante un millonario contrato de grabación, y los Beatles, también admiradores suyos, le poyaron. Llegó a acompañar a los Beatles en su gira por Hamburgo. En 1982, Paul McCartney decía: "La primera canción que canté en público fue "Long tall Sally", de Little Richard. Cuando los Beatles comenzaban, actuamos con él en Liverpool y Hamburgo. Para mí, es uno de los reyes del rock and roll. También inspiró al legendario cantante de Deep Purple, quien le dedicó la canción "Speed King" del álbum In Rock.[cita requerida]

Desde entonces, Little Richard ha trabajado periódicamente en películas, ha lanzado ocasionalmente algún sencillo que otro y ha aguantado como uno de los grandes y legendarios pioneros del rock and roll. Su vida parece como si hubiera ido siempre de un extremo a otro. En 1964 vuelve a los escenarios grabando nuevas versiones de sus éxitos; en los años 70 sus excesos sexuales y con las drogas hicieron que su iglesia lo rechazara. Finalmente, tras la muerte de uno de sus hermanos, Little Richard reorganizaría su vida: limpiaba su organismo de drogas, se hacía vendedor de biblias a domicilio y volvía a su iglesia.

Años 1980

Regresó con dedicación plena al final de los años 80, diciendo que venía para realizar lo que Dios le tenía destinado ser: Little Richard. Todavía tiene la licencia para conducir carros de fuego, sin embargo, y ocasionalmente celebra bodas (entre las que caben destacar las de Cyndi Lauper y Zariguella Splingler y Demi Moore).

En 1986 apareció en la película Fucking with Splingler in Beverly Hills, anotándose su primer gran éxito con el tema "Baby one more time!", lo que condujo a un resurgimiento de su popularidad en Corea del Norte, país del que se declara "Fans". También en este año, cuando se abrió el Rock and Roll Hall of Fame, Richard figuraba entre los primeros artistas. Su contribución pionera al género también ha sido reconocida por el Rockabilly Hall of Fame (que no sirve para nada).

Años 2000

Más recientemente, en 2005, Little Richard ha estado trabajando en otros éxitos de R&B y grunge. Junto con el cantante y compositor Michael Jackson lanzó el sencillo titulado "I Have Dream" (He soñado), cuyos ingresos se destinaron a las víctimas de la Narcolepsia.

También en 2005, apareció, junto a estrellas como Madonna, Iggy Pop, Bootsy Collins, Zariguella Splingler, y The Roots, en un anuncio comercial para la televisión americana, promocionando el teléfono Motorola KAOS.

Sexualidad

Una vez dijo Little Richard la siguiente frase que se haría famosa: "Rock n Roll is evil, because Rock n Roll makes you take drugs, and drugs turn you into a homosexual" (El Rock n Roll es malvado, porque hace que tomes drogas y las drogas te convierten en homosexual). Esto fue después de su polémica renuncia a su propia homosexualidad, que fue atribuida a las presiones del público y al clima predominante de homofobia entre la comunidad negra. Sus propias opiniones religiosas pudieron también haber influido en esto.

Pagina: http://www.littlerichard.com/

Luis Pescetti

Luis María Pescetti (San Jorge, provincia de Santa Fe, 1958) es un escritor de literatura infantil y para adultos, músico y actor argentino.

Carrera

Pescetti es autor de una serie de libros infantiles de humor ligeramente ácido y provocador, una actividad a la que llegó desde su carrera como músicoterapeuta y pedagogo. Trabajó en el Departamento de Innovaciones Educativas de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires y en un centro cultural de la misma antes de afincarse en México en 1990, donde comenzó a presentar espectáculos infantiles. Ese año aparecería su primer libro en Argentina, El pulpo está crudo.

En 1993 inició una carrera como conductor y cantautor en radio, presentando en Radio Universidad Nacional Autónoma de México el programa Hola Luis. En los años siguientes, y con el aval de UNICEF, diseñaría varias publicaciones para docentes acerca del uso pedagógico del humor y de la música. A partir del '95 añadiría a sus obras libros para adultos en la misma veta humorística.

Su primer disco, El vampiro negro, data de 1999. Poco más tarde regresaría a la Argentina, donde continuaría con las actividades musicales y literarias, presentando sus espectáculos con regularidad en las salas porteñas.

Actualidad

En el 2008 dejó de hacer su programa radial.

A fines del 2008 grabó un show en los estudios del canal de aire estatal argentino Canal 7. Desde principios de 2009 forma parte del staff regular del bloque infantil del antedicho canal, Permitido estacionar, haciendo cortos en los que canta, hace juegos o lee un cuento; acompañado por niños o solo.

Desde agosto de 2009 y hasta mediados de octubre, realiza en el Teatro Metropolitan 2 de la Ciudad de Buenos Aires su show "Mamá, quiero bis!", que es íntegramente nuevo. Participan como invitados especiales Magdalena Fleitas y su murga "Risas del viento" y Luciano y Comas, un dúo que realiza "percusión corporal" y percusión con elementos no usuales; estos últimos también participan de los cortos de Canal 7.

Pagina: http://www.luispescetti.com/

Black Label Society

Black Label Society es una banda estadounidense de heavy metal.

Historia

La banda es un proyecto de Lionel Padrevecchi junto a su gran amigo Zakk Wylde guitarrista del grupo de Ozzy Osbourne. La Banda dispone de 9 álbumes hasta la fecha. El primer álbum, Sonic Brew., fue realizado en 1999. El último álbum de la banda realizado en estudio con fecha en Septiembre el 11 en UK y 12 en US del 2006, bajo la supervisión de Roadrunner Records y producido por Michael Beinhom (Soundgarden, Ozzy Osbourne,

En 1992, Ozzy, tras terminar el No More Tears tour, en el cuál Zakk dejó, para formar su solo banda Pride Glory, combinando un rock sureño melódico potente con heavy metal. En 1994 Ozzy decidió que debería dejar atrás el descanso, y las numerosas sesiones para Ozmmosis tomaron lugar. Alrededor de este tiempo, Zakk ofreció también un hueco con la guitarra en Guns N' Roses tras la salida de Izzy Stradlin de ésta y estuvo un duro tiempo decidiendo, si hacer la gira con Ozzy o unirse a Guns N'Roses. Ningún proyecto fue eliminado y esto le dio a Wylde la oportunidad para grabar su propio álbum que fue sólo acústico, Book Of Shadows. Después de un limitado éxito comercial con Book of the Shadows, en 1998, Zakk y el baterista Phil Ondich formaron Black Label Society y grabaron su álbum de debut `Sonic Brew`. Nick Catasnese ha sido el guitarra rítmica de Zakk banda desde la gira de Book Of Shadows. Craig Numencher ha estado en la batería desde el álbum 1919 Eternal, realizado en 2001, siguiendo la salida de Phil Ondich.

Black Label Society encabezó el cartel en el segundo escenario de este año del Ozzfest US. Todas las entradas fueron vendidas en Estados Unidos y la Banda tocó en Australia y Nueva Zelanda a finales de 2006 y principios de 2007. La propuesta mantenida con Uk coimpanás fueron canceladas entre los rumores de que Zakk estaba yendo en gira con Ozzy, aún no había noticias de lo que se estaba desarrollando tanto el 3 de enero de 2007. La web Oficial sólo cita /improvistos de los compromisos de US como causa de la cancelación. Existen otros rumores de las causas, pero ninguno de ellos puede ser validado.

En el videojuego Guitar Hero aparece el tema Fire It Up y en Guitar Hero World Tour aparece el tema Stillborn, además de que Zakk Wylde puede ser obtenido como personaje.

Pagina: http://www.blacklabelsociety.net/

Pablo "Pinocho" Routin

Routin pertenece a la segunda o quizás la tercera generación que se tomó el carnaval y la murga en serio; es parte de una élite de artistas que comenzaron a ver la música popular uruguaya como un fenómeno cultural, con sus méritos y merecimientos, pero también con sus errores y sus sacrificios. Veinte años atrás, tal vez, pensar en la repercusión de la murga, no sólo en el medio local, su proyección a nivel internacional y sus hallazgos en materia lírica y musical, hubiera sido impensable. “A mí me gusta ir un poquito hacia atrás para poder tomar ‘Flores’ como parte de un proceso y no verlo como una cosa aislada. Siento que los caminos son largos y no se sabe dónde van, la música no te lleva a un sitio, sino que el propio viaje es el objetivo. En aquel momento había algún indicio de que las cosas podían cambiar. El género ha madurado, han aparecido artistas muy talentosos, y la murga canción, el folklore de la murga y lo que tiene que ver con la marcha camión, con el coro murguero, se ha transformado en algo -si no de consumo masivo- que llega a mucha gente, tanto acá como en Argentina.

En ese sentido, dice, “las canciones van apareciendo. En ‘Flores’ hay temas que tienen 20 años, y que no tienen nada que ver con la murga ni con el carnaval, pero van saliendo, y hay que dejarlas que estén. No me propuse hacer un disco de carnaval, ni tampoco cerrarle la puerta a lo que venga de ese lado. Mi cuna artística es la murga y el carnaval uruguayo. Sí es real que soy bastante selectivo a la hora de componer una canción de murga. Hay, en este momento, mucha producción del género, y, de repente, cuando estoy tratando de armar las canciones, me encuentro con que hay cosas que ya escuché, armonías que ya fueron usadas por otros. Eso no quiere decir que no pueda hacerlo, está bueno ir tomado lo que hay, que es parte de nuestra música. Uno no es solamente un músico, un cantante, un artista, sino que además absorbe ese patrimonio, que es nuestro por el hecho de ser ciudadanos, de compartir los mismos códigos culturales. El género es una maravilla, y los que lo estamos haciendo tenemos que cuidarlo mucho, y ser selectivos a la hora de componer y de producir, para que el género tenga crecimiento. No se puede pensar en la murga-canción, en el carnaval, solamente en el día de hoy. Lo que tomo del género, lo que el género me da a mí, es muy complejo, y hay que apuntar hacia más adelante. Está bueno saber que hay un legado hacia otras generaciones, de la misma manera que nosotros recibimos cosas de otros artistas, de tipos que realmente abrieron las puertas de la música uruguaya, como Jaime Roos, Jorge Galemire, Ruben Rada o Los Olimareños, un poco más atrás, y otro montón de músicos que alguna vez hicieron murga”.

“Nunca se empieza de cero”, agrega. “Capaz que hay momentos en que el legado no está a la vista, y hay que hacer las cosas para que se vea; no en forma de homenaje, porque no se trata de homenajear a nadie. Todo tiene una raíz, una esencia, y tiene un antes. Para poner un pie en el escalón que sigue tenés que pisar el escalón de abajo. Sin algunos artistas imprescindibles de la música popular uruguaya sería una locura pensar lo que está pasando hoy. Ellos pusieron el escalón, o empujaron la puerta para que otros puedan abrirla. Destruir hacia atrás no, olvidar mucho menos. Tomo de lo que me van dejando, elijo de lo que recibo. A la vez, capaz que lo que uno va dejando le sirve de algo al que empieza a construir cosas nuevas. No pierdo conciencia de eso; me hace bien pensar en la proyección de la murga como género. Quiero que haya murga dentro de 500 años, me interesa que perdure, en el Uruguay o donde sea, y cuanto más se abra mejor. Me importa que haya murga cuando yo no esté, porque yo amo al género”.

Cambia, todo cambia

Claro que el carnaval cambió mucho desde los comienzos, y, según Routin, seguirá mutando, cambiando su forma para seguir siendo el mismo. Y también cambió el status de social de la murga. El músico dice que “los valientes eran los murgueros que había 70 años atrás, cuando ser murguista era algo que te jugaba en contra. Hoy los murguistas trabajan en las escuelas, están dando talleres en las universidades. Cambió el concepto social de lo que es el murguista: hoy es un artista”.

Routin comenzó en Falta y Resto, casa y escuela. Este año, le tocó ser parte de A Contramano, una agrupación renovadora y revulsiva, que cambió también la cara del Carnaval. Ambas tienen un parentesco, un vínculo. Pinocho explica que “La Falta es una murga que pateó puertas, y es de esas murgas necesarias. Mucha cosa de la que ha pasado en carnaval se le debe a la Falta. Y caminos como el de Falta y Resto, como el de A Contramano, una murga que trasgrede, que arriesga, son maravillosos, y encierran el dolor de cualquier búsqueda que uno quiera hacer. A veces te toca perder, y te toca no encontrar lo que creías que estabas por hallar. El precio más caro que paga un artista es quedar incomunicado del público. Me ha pasado; escribiendo para carnaval, a veces encontré cosas que están buenas, y el público las recibe, y otros años, escribí cosas oscuras que no aportaron mucho. Y eso me pesa: tener el privilegio de subir a un escenario, con el espacio vacío y en silencio, para que el espectáculo irrumpa, y poder mover cosas en la cabeza de los espectadores, transformar su realidad y fallar. Se falla cuando no se entiende lo que querés decir, cuando se corta la comunicación porque el discurso no es el adecuado para el ámbito del carnaval. Me ha pasado que, con el afán de querer satisfacer necesidades artísticas personales he metido, dentro de un cuplé de murga, cosas que no son de ese lugar”.


Foto: Patricia Idiartegaray



En 2009, le tocó ganar el primer premio del Concurso de Agrupaciones junto a A Contramano, algo que, "para una institución como la murga es un ‘regalo’, algo que está muy bueno, porque genera más trabajo, arrima más gente al proyecto. Yo salí muchos años en la murga, pero hay gente que está hace 18 años, y la permanencia en un grupo es una cosa a respetar. Hay que sacarse el sombrero cuando aparece un grupo que lleva tanto tiempo, permaneciendo, sosteniendo el proyecto. Siempre aparece el factor humano, a veces hay proyectos muy valiosos que naufragan. Lo que le está pasando a A Contramano es una alegría, y tengo la suerte de estar. Hay muchos compañeros que no estuvieron este año, pero que remaron como animales para que la murga esté donde está hoy", señala.

Ahora, la Murga Joven viene a renovar otra vez: “El fenómeno Murga Joven le ha dado al carnaval una inyección fresca, de cabezas distintas, de letristas nuevos, de músicas, directores nuevos, con otras ideas. En materia de humor, el carnaval explotó. Los más jóvenes no respetan lo que nosotros respetábamos, y no tienen la visión de país que teníamos nosotros. El país es el mismo para todos, pero la gurisada que tiene 20 años pone el foco en otro lado, está viendo otra cosa, tiene una mirada diferente. Eso renueva el carnaval, remueve y sube la vara: hay que construir desde otro lugar. La sangre nueva empuja, y si no te ponés a tiro quedás por el camino”.

Fuente: www.montevideo.com.uy

Sébastien Tellier

Sébastien Tellier (París; 1975) es un músico, cantante, compositor y multi-instrumentista francés. Actualmente tiene un contrato firmado con Record Makers, un sello independiente francés.

Biografía

Su primer álbum en solitario, "L'incroyable Vérité" fue publicado en 2001 por la discográfica del grupo Air, llamada Record Makers. A partir de ese año, Tellier saldría de gira con Air como telonero presentando su álbum por distintas ciudades.

En 2005 publica su segundo disco, "Politics". En el álbum destaca la canción "La Ritournelle" que cuenta con presencia del baterista nigeriano Tony Allen, conocido por haber sido el director musical de la banda de Fela Kuti (Africa 70) de 1978 a 1979.

Tras la publicación de su segundo disco, Tellier también ha publicado "Sessions" (2006). En el se recoge gran parte del material publicado previamente y que en esta ocasión se nos presenta en formato acústico.

El tercer álbum de studio, publicado en 2008 y titulado "Sexuality", ha sido producido por Guy-Manuel de Homem-Christo de Daft Punk.

La música de Tellier se caracteriza por su género y raíz personales, así como su faceta experimental, lo que le acerca en actitud al músico Robert Wyatt.

Una de las canciones de su primer álbum, "Fantino" fue parte de la banda sonora de la película de Sofia Coppola, Lost in Translation.

El 7 de marzo de 2008 fue anunciado por los representantes de la delegación francesa que Sébastien Tellier representaría a su país en el festival. Es la primera vez en la historia del festival que un representante frances canta, en su mayor parte, en inglés. Tras cierta controversia acerca del idioma utilizado para el festival, el músico galo incrementó el uso del francés en su canción.

Con la canción "Divine", extraída de su tercer álbum, el artista se presentó en Belgrado. En la final del concurso celebrada el 24 de mayo de 2008 el músico francés quedo en el puesto 18º con 47 puntos.

Pagina: http://www.sebastientellier.com/

Coolio

Coolio (nacido como Artis Leon Ivey Jr. el 1 de agosto de 1963 en Compton, California) es un rapero estadounidense que se dio a conocer con el éxito "Gangsta's Paradise" de la banda sonora de la película Mentes Peligrosas (Dangerous Minds).

Historia

Tuvo una infancia difícil, y tuvo que aprender a leer en 'Pelton Power Program For Kids' a la edad de 12 años, programa fundado por el músico texano de jazz Aaron Pelton. Comenzó a rapear tras graduarse en el instituto. Tras la grabación del single "Watcha Gonna Do", su adicción a la cocaína parecía acabar con su carrera. Después de superarlo y trabajar como bombero por un tiempo, Coolio regresó y se unió al grupo Low Profile y poco después a The Maad Circle (los dos líderado por su mentor WC). Para 1994, ya como solista, graba su primer álbum, It Takes a Thief, con temas en el novato entonces estilo G-Funk . El segundo single, "Fantastic Voyage" (inspirado en el tema del mismo nombre de la banda Lakeside), cosechó un éxito masivo en todo el país.

"Gangsta's Paradise", tema inspirado en la melodía del "Pastime Paradise" de Stevie Wonder, fue incluido en la banda sonora de la película Dangerous Minds porque los directivos de Tommy Boy Records pensaron que no vendería apenas. Alcanzó el número 1 en las listas de Estados Unidos, y en el Reino Unido fue el primer single de rap en vender un millón de copias, donde también fue #1. Se convirtió en el primer artista de gangsta rap en conseguir un número 1 en el Reino Unido.

Weird Al Yankovic parodió la canción con "Amish Paradise". Coolio demandó que era inconsciente de que el sello discográfico de Weird Al tenía el permiso de Tommy Boy Records para que Al hiciera una parodia del tema. El rapero no ocultó su descontento, lo que provocó una discordia entre él y la discográfica. Una serie de fotos tomadas por el XM Satellite Radio en el Consumer Electronics Show 2006 hacía ver que tanto Coolio como Al parecían haber hecho las paces.

Tras el éxito de Coolio con Gangsta's Paradise, él siguió viajando y actuando. Su tercer álbum, My Soul, fue un fracaso. Problemas legales (incluyendo el robo) en Alemania, y más tarde en California, ponen su carrera bajo sospecha. Apareció en películas y creo su propio sello discográfico, Crowbar Records, pero su siguiente álbum fue retrasado hasta 2002. El Cool Magnifico incluía una colaboración con Kenny Rogers en una nueva versión de su viejo tema "The Gambler", pero a pesar de ello, comercialmente fracasó una vez más. Además, fue el cantante del tema principal de la serie juvenil Kenan y Kel.

Él tomo el nombre de "Coolio" de sus compañeros en Compton cuando era joven, que comparaban su talento musical con el de Julio Iglesias, pero ya que rapeaba en vez de cantar, recibió el nombre Coolio Iglesias.

Coolio ha colaborado con artistas como Blondie, Busta Rhymes, Method Man, LL Cool J, B. Real,Snoop Dogg LV y 40 Thevz.

En septiembre de 2005 firmó un contrato mundial por tres álbumes con Subside Records del productor italiano Giovanni Giorgilli. Vanni G, como es conocido, será el nuevo manager y productor de Coolio. Su primera colaboración es "Gangsta Walk" con Snoop Dogg. Su último disco, The Return of the Gangsta, fue grabado en 2006.

En el año 2008, Coolio comenzó un programa llamado "Cooki´n with Coolio", transmitido en "MyDanmChannel".

Pagina: http://www.coolio.com/

UFO

UFO es una banda de hard rock británica fundada en 1969. UFO se transformó en una banda transicional entre el hard rock primitivo y el heavy metal y apareció como la New Wave del heavy metal británico.

La influencia de UFO se sintió fuertemente en la escena del heavy metal de los 80s y han sido citados como influencia primaria de Dave Mustaine de Megadeth, Steve Harris de Iron Maiden y Kirk Hammett de Metallica, entre otros.

Historia: Principio

El vocalista Phil Mogg, el guitarrista Mick Bolton, el bajista Pete Way y el baterista Andy Parker formaron la banda en agosto de 1969. Originalmente tomaron el nombre de 'Hocus Pocus', el grupo cambió su nombre a UFO en honor del club londinense donde fueron descubiertos por Noel Moore, que los contrató para su sello Beacon Records. Su primer álbum debutó en 1970 y fue un típico ejemplo de hard rock con influencias de blues y boogie. El álbum incluía una versión heavy del clásico de Eddie Cochran "C'mon Everybody". UFO 1 y su sucesor, Flying, fueron exitosos en Japón (especialmente el single "C'mon Everybody" que se convirtión en un gran éxito allí) y en Alemania (la canción "Boogie For George", también del primer álbum, alcanzó el número 30 en el ranking de singles alemán y "Prince Kajuku" de UFO 2 - Flying alcanzó el número 26), pero generaron poco interés en Gran Bretaña y los Estados Unidos. Consecuentemente, su tercer esfuerzo, "UFO Lands In Tokyo" (también conocido como "UFO Live" y "UFO Landed In Japan"), fue solamente editado en Japón.

En enero de 1972 Mick Bolton deja el grupo y UFO busca un guitarrista capaz de proveer a la banda un sonido rockero más estándar.

Éxito internacional

Después de algunas pruebas con Larry Wallis (febrero a noviembre de 1972) y Bernie Mardsen (de gira con UFO por Europa y grabó el demo "Give Her The Gun"), la banda incorpora a Michael Schenker de Scorpions en junio de 1973. En una nueva compañía, Chrysalis Records, y con un nuevo productor, Leo Lyons, UFO graba "Phenomenon" en 1974, con un sonido de guitarras más duro. Schenker tenía solamente 19 años en ese momento, pero ya era un guitarrista respetado. Phenomenon no fue un clásico instantáneo, pero contenía muchos favoritos de los fans como "Doctor Doctor" (posteriormente un éxito menor en su versión en vivo) y "Rock Bottom" (que se extendía en vivo para que Schenker se luciera). En la gira de Phenomenon, el ex-guitarrista de Skid Row, Paul Chapman se unió al grupo pero lo dejó en enero de 1975 para formar Lone Star.

La banda editó "Force It" (julio de 1975) y "No Heavy Petting" (mayo de 1976) con extensas giras, que consiguieron que UFO fuera visto por las audiencias estadounidenses y los convirtió en grandes estrellas en Inglaterra.

Después de que la banda experimentara con teclados (durante la grabación de Force It), el argentino Danny Peyronel (que posteriormente formaría parte de la banda de rock de su país Riff), se unió a la formación en agosto de 1975. El verano siguiente los abandonó para formar The Blue Max. En julio de 1976 la banda contrató al tecladista y segunda guitarra Paul Raymond, de Savoy Brown, para su disco Lights Out (1977). Este álbum es la cumbre de la carrera de UFO y es considerado un clásico del rock de los 70, conteniendo canciones como "Too Hot To Handle", "Lights Out", "Alone Again Or" y el opus de 7 minutos "Love To Love". Con Lights Out, la banda recibió críticas favorables.

Con su reciente éxito, la banda volvió a estudios para grabar Obsession en 1978. Aunque no tuvo el éxito de su predecesor, Obsession contenía varias pistas populares, como "Cherry" y "Only You Can Rock Me".

Más adelante, ese mismo año, la banda graba en vivo "Strangers In The Night". El disco fue un éxito de críticas y comercial y es uno de los álbumes de los 70 más influyentes (junto con Live and Dangerous de Thin Lizzy, Alive! de Kiss y Frampton Comes Alive de Peter Frampton).
La partida de Schenker

Las tensiones comenzaban a crecer entre Phil Mogg y Michael Schenker a fines de los 70 y antes del lanzamiento de Strangers In The Night (enero de 1979), Schenker dejó la banda. Tuvo un pequeño regreso a Scorpions para después formar su Michael Schenker Group.

Los años post-Schenker

Con la partida de Schenker, UFO contrata rápidamente a Paul "Tonka" Chapman en guitarra de nuevo y lanza su próximo LP, No Place To Run en enero de 1980, producido por George Martin, famoso por su trabajo con The Beatles. El disco no pudo alcanzar el éxito de sus predecesores. Paul Raymond dejó la banda al final de la gira y fue reemplazado por John Sloman de Uriah Heep por un par de meses y luego por Neil Carter, ex-guitarrista y tecladista de Wild Horses, que ayudó a llenar el vacío compositivo que había dejado la partida de Schenker. Carter debutó con UFO en el escenario en el Reading Festival el 23 de agosto de 1980. A principios del año siguiente, UFO editó "The Wild, The Willing And The Innocent", con producción propia y un sonido más cercano al pop rock, muy popular en esa época.

En febrero de 1982, "Mechanix". Contenía la canción "Back Into My Life", de reducido éxito en los Estados Unidos. Posteriormente ese año, Pete Way, miembro fundador, dejó la banda para formar Waysted. Fue reemplazado por Paul Gray, bajista ex-Damned & Eddie and the Hot Rods. UFO lanzó Making Contact en 1983, con un fracaso comercial y de críticas, lo que decide la separación del grupo.

Sin embargo, dos años después, Mogg rearma una nueva formación de UFO y edita Misdemeanor, seguido del EP de 1988 "Ain't Misbehavin'". A pesar de la renovada vitalidad de la banda, ninguna de las dos ediciones fue un éxito financiero, por lo que la banda se vuelve a separar.

Las reuniones

En 1992, Mogg y Way deciden armar la banda nuevamente y lanzan "High Stakes & Dangerous Men". Aunque se editó por un pequeño sello independiente, High Stakes fue suficiente como para generar interés en una reunión completa. Al año siguiente, la formación clásica de UFO – Mogg, Schenker, Way, Raymond y Parker – se reunió y el álbum resultante, "Walk on Water", fue editado en 1995. Esta formación salió de gira por todo el mundo con Simon Wright (AC/DC) en la batería. Sin embargo, las tensiones aparecieron nuevamente y Schenker abandonó la banda en medio de la gira. Por consiguiente, los otros miembros decidieron volver a separarse.

Phil Mogg y Pete Way continuaron trabajando juntos y lanzaron dos álbumes con el nombre Mogg/Way a fines de los 90.

Eventos recientes

En el 2000, Schenker vuelve a unirse a UFO y la banda edita el CD doble "Covenant", que contenía un disco de material nuevo y otro de clásicos en vivo. Aparte de los rumores constantes sobre Schenker, vuelve en 2002 para grabar Sharks. Después de la edición, deja la banda definitivamente. Mogg, Raymond y Way deciden reemplazar a Schenker con Vinnie Moore.

En el 2004 the la banda edita "You Are Here" con Jason Bonham (hijo del batería de Led Zeppelin) en la batería.

En noviembre de 2005, Andy Parker regresa a la banda para tocar en el festival de Piorno en Granada, España.

El decimonoveno álbum de estudio de UFO, titulado "The Monkey Puzzle", se editó en Europa el 25 de septiembre de 2006 y al día siguiente en los Estados Unidos.

Pagina: http://www.ufo-music.info/

Attaque 77

Esta banda se inició como un grupo de amigos que se juntaban para tocar sus canciones favoritas, casi todas ellas de Los Ramones y composiciones propias, con el mismo estilo punk y letras con contenidos "proletarios" (obreros de fábricas, trabajadores sacrificados, etc).

Poco a poco fueron incorporando otras influencias: Sex Pistols, Clash, Damned... el punk inglés del '77. A mediados de 1987 lograron una presentación en "Metamorfosis", un pub del Abasto, por el cual desfilaban bluseros y algunos dark. Ocho temas fueron suficientes para que el encargado del lugar los echara, alegando la minoría de edad de Federico.

De vez en cuando los ensayos eran grabados en cassettes convencionales, para repartir entre los amigos. Por casualidad, una copia dio en manos de un integrante del grupo "Descontrol", que estaba preparando una presentación en Cemento y necesitaba una banda soporte. La aceptación fue inmediata.

En 1988 continuaron presentándose en pubs, hasta que juntaron el dinero suficiente para grabar en un estudio profesional. Registraron algunos temas sin saber que, en la sala de al lado, los responsables del flamante sello "Radio Trípoli" estaban preparando el disco "Invasión 88", un compilado de grupos punks locales. Sergio Fassinelli, director de la discográfica, los invitó a grabar con ellos, y así fue como quedaron registradas las canciones "Brigada anti-disturbios" y "Sola en la cancha".

Sin dudas, éstos fueron los temas destacados de ese LP, por lo que la discográfica les ofreció grabar un larga duración. Danio y Leiva renunciaron al proyecto y se incorporó Chito De Cecco, baterista de Los Siete Delfines. Ahora como cuarteto (Ciro en bajo, Mariano Martínez en guitarra, Federico Pertusi en voz), grabaron "Dulce Navidad" (1989). El proyecto inicial era grabar un lado del disco en vivo, para rescatar plenamente la energía de la banda, pero finalmente el productor, Michel Peyronel, seleccionó todo material de estudios.

Luego de esta primera placa se produjo el alejamiento definitivo de Federico Pertusi. Ciro, entonces, fue el vocalista (ya había cantado "Sola en la cancha") y Adrián "Chino" Vera se incorporó como bajista.

Con esta formación editaron el segundo disco, "El cielo puede esperar" (1990), cuyos mejores temas son "Más de un millón" y "Tiempo para estar". Aunque, sin dudas, el gran impulso hacia la popularidad fue su hit "Hacelo por mí", cortina del programa homónimo de TV que conducía Mario Pergolini, hecho que incluso los lleva a firmar un gran contrato con una discográfica multinacional.

Dos funciones en Obras (noviembre de 1991) sirvieron para registrar un álbum en vivo, "Rabioso! La pesadilla recién comienza". Para fines ese año telonearon en Velez a Rata Blanca.

"Angeles caídos" fue grabado en medio de una gira nacional que abarcó 30 shows en 4 meses. Las letras mantienen la temática de los problemas cotidianos: la falta de trabajo, los jubilados... "queremos que sepan que, si bien ahora estamos teniendo éxito, no nos hemos vuelto insensibles ni nos olvidamos de dónde venimos". Luciano Scaglione reemplazó a Vera para antes de las presentaciones del disco en Obras.

El éxito dentro del reducido ambiente punk continuó con "Todo está al revés" (1994) y su presentación en Obras. En mayo telonearon a Motorhead en Velez.

En 1995 participaron del álbum "Fuck You", un homenaje a Sumo, interpretando el tema "Pinini Reggae" y hacia fin de año presentaron "Amén", su sexto disco. En él, el grupo abandona por momentos el punk-rock para incursionar en el reggae, en "Tres pájaros negros" y "Redemption song", de Bob Marley. «Ahora se nos abrió la cabeza -reconoce Scaglione- pero siempre fuimos fanáticos de Marley y en la sala de ensayo sacábamos cosas en ese estilo, pero no nos animábamos a tocarlas en vivo» (El Expreso Diario, 2/11/95). El '96 comenzó con una invitación para telonear a Ramones, en su despedida mundial, en el estadio de River.

En mayo y junio del '97 compartieron una gira con El Otro Yo por 23 ciudades del interior de Argentina. Festejaron la primera década de vida con dos shows en Cemento, para luego viajar a Estados Unidos a grabar "Un día perfecto", el noveno disco de la banda. La placa trabaja un poco mejor sobre los arreglos, las voces y los coros, destacados por ellos mismos como los más débiles del grupo.

En octubre participaron del show en homenaje a los veinte años de las Madres de Plaza de Mayo, junto a León Gieco, Divididos, Las Pelotas, La Renga, Los Piojos, Todos Tus Muertos, A.N.I.M.A.L., Actitud María Marta, entre otros.

La gira continuó por la Costa Atlántica en el verano del '98, otra vez el Interior y también algunos países de Latinoamérica. Regresaron a Estados Unidos para grabar "Otras canciones", lanzado en diciembre y consiguiendo vender más de 20.000 copias en diez días.

El video "No me arrepiento de este amor", un clásico de la bailantera Gilda en versión punk, llega a los primeros puestos en los canales musicales. En mayo del '99 van a Brasil por primera vez y luego de vuelta a España donde relizaron 12 shows.

El nuevo milenio los agarró en gira por la Costa, para luego viajar a España y producir la décima placa "Radio insomnio", mezclado en Estados Unidos. El 30 de septiembre presentaron el disco en Obras.

Los días 21 y 28 de abril del 2001 graban en Obras lo que sería "Trapos", el tan reclamado álbum en vivo. La escenografía fue confeccionada con más de cien banderas que mandaron los fanáticos del grupo. El corte difusión fue "Hacelo por mí".

Su presentación en el Festival Cosquín Rock 2002 fue un éxito, ante las 17.000 personas presentes, con Los Piojos, El Otro Yo y Divididos.

"Amateur" (2002) es un disco de "rarezas", con material recopilado, editado y masterizado en el estudio de BMG Argentina.

Una nueva gira por San Pablo, Curitiba, Recife, Rio de Janeiro y Belo Horizonte consolida su presencia en Brasil. Y luego más viajes: tres meses por Europa. Los días 18, 19 y 25 de octubre festejaron los 15 años de la banda con tres funciones en el Estadio Obras. Luego de la presentación y un video que repasó la historia del grupo con la voz en off de Marcelo Araujo, la banda fue tocando temas de sus diferentes discos, en algunos casos a solas y en otros acompañados de músicos invitados.

"Antihumano" es el décimo disco de estudio de Attaque 77, con invitados tan disímiles como Gustavo Cordera, Alfredo Casero, Mimi Maura o Juanchi Baleirón, entre otros. La producción estuvo a cargo de Mariano Martínez y el arte del disco es obra de Rocambole, el artista creador de la imagen de los Redonditos de Ricota.

El 2007 fue el año del vigésimo aniversario de la banda y la actividad fue intensa. "Karmagedon" salió a la calle en marzo, con el videoclip de "Buenos Aires en llamas", se presentaron en el Quilmes Rock y fueron nominado para los Premios Grammy Latinoamericanos, como mejor álbum.

Luego de muchos rumores, Ciro anunció su alejamiento de la banda en marzo de 2009, tras 21 años de carrera. Attaque continuó trabajando como trío: Martínez en guitarra y voz, Scaglione en bajo y voz y De Cecco en batería y coros

Discografía:

Dulce Navidad, 1989
El cielo puede esperar, 1990
Rabioso! La pesadilla recién comienza, 1991
89-92, 1992
Angeles caídos, 1992
Todo está al revés, 1994
Amén, 1995
Un día perfecto, 1997
Otras canciones, 1998
Radio insomnio, 2000
Trapos, 2001
Amateur, 2002
Antihumano, 2003
Obras cumbres, 2005
Pirotecnia autorizada (EP), 2006
Karmagedon, 2007

Formacion:

Leonardo De Cecco: batería
Luciano Scaglione: bajo
Mariano Martínez: guitarra y voz

Ex integrantes:

Demián Ciro Pertusi: guitarra y voz
Martín Tucán Bosa: teclados

Pagina: http://www.soydea77aque.com/
Fuente: Rock.com.ar

Lisa Germano

Lisa Germano nacida el 27 de junio de 1958 es una cantante y compositora americana, multi-instrumentista que ha publicado siete álbumes caracterizados por su profundo estilo vocal, sus letras intimistas y el sonido de su inconfundible violín. En 1994, su álbum Geek the Girl recibió excelentes críticas, siendo incluso candidato al mejor álbum de los 90 por la revista musical Spin. También es conocida como artista invitada o músico de sesión por varios artistas como John Mellencamp, Simple Minds, David Bowie, Neil Finn, Sheryl Crow, Jewel y Eels en más de setenta discos.

Biografía

Lisa Ruth Germano nació en Mishawaka, Indiana, fue una de seis hermanos nacidos en el seno de una familia católica Italo-americana. Sus padres, profesores y músicos animaron a sus hijos a que desde edad temprana aprendieran a tocar algún instrumento musical. A los siete años compuso su primera pieza musical para piano, una ópera de 15 minutos. Más tarde aprendería a tocar el violín, un instrumento que finalmente la conduciría hacia su carrera profesional en el mundo musical.

Debutó profesionalmente como violinista en la banda de John Mellencamp, primero con una aparición en su primer álbum The Lonesome Jubilee, para más tarde empezar a trabajar e ir de gira juntos durante siete años. En esa época, las giras y las sesiones de grabación con Simple Minds e Indigo Girls motivaron a Germano a realizar sus propios proyectos.

En 1991 Germano publicó su primer álbum en solitario, el Lo-fi, On the Way Down From the Moon Palace en su propia discográfica, Major Bill Records. Al no conseguir una gran distribución y promoción, las ventas fueron bajas, pero el álbum ayudó a que la discográfica Capital Records se fijara en ella, con la que firmó un contrato en 1992. Su principal álbum, Happiness fue publicado en 1993, aunque justo antes de su publicación, y debido a una reorganización del personal de Capitol, sus principales benefactores se desvincularon de la discográfica. Al darse cuenta de que su álbum no iba a obtener el nivel de promoción que esperaba, Germano consiguió con éxito recuperar los derechos de autor de su álbum y más tarde, en ese mismo año, firmó un contrato con la discográfica británica independiente 4AD Records, quiénes en esa época tenían un acuerdo de producción y distribución con la Warner Bros Records en EEUU.

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Lady GaGa

Stefani Joanne Angelina Germanotta (nacida el 28 de marzo de 1986) es una cantante, compositora y tecladista estadounidense, mejor conocida por su nombre artístico Lady GaGa. En sus comienzos en Interscope records trabajó como compositora para artistas consagrados como Akon. Durante este perído, comenzó a introducir su música en locales de Nueva York. Tras el reconocimiento por parte de Akon de la talentosa voz de GaGa, éste le propuso que se uniese a su sello discográfico Kon live distribution, con lo que GaGa comenzó a trabajar en nuevo material para su álbum debut.

Stefani comenzó a trabajar con un colectivo llamado "Haus of Gaga" en 2008 y lanzó su álbum debut llamado The fame, en el que ella explicó que trata sobre "cómo cualquier persona puede sentirse famosa". El álbum alcanzó la posición máxima en países como Reino Unido y Canadá y al mismo tiempo le acompañaron buenas críticas. Hasta la fecha, el álbum ha generado varios números uno internacionales como Just dance (nominado como Mejor grabación de música dance en la 51 Edición de los Premios Grammy) y Poker face. Tras realizar colaboraciones de apoyo con New kids on the block y Pussycat dolls, GaGa comenzó su propio tour llamado The fame ball tour.

GaGa se ha visto influenciada por la moda y ha sido apreciada por su sentido del estilo provocador y su influencia sobre otras celebridades. Musicalmente, se ha inspirado en el estilo glam de rockeros como David Bowie o Queen así como cantantes pop como Michael Jackson y Madonna.

Su primer espectáculo oficial promocional para The fame, fue en el certamen de elección y coronación de Miss Universo 200 presentando la canción Just dance.

Biografía

1986–2004: Infancia y educación

Stefani Joanne Angelina Germanotta nació en Yonkers (Nueva York) siendo sus padres italoestadounidenses. Su padre, Joseph Germanotta, es un empresario de internet y su madre, Cynthia, trabaja como asistenta de telecomunicaciones. A la edad de once años, GaGa fue admitida en la Academia Juilliard en Manhattan, pero en vez de ir éste último ingresó en la escuela católica y privada Convento del Sagrado Corazón. Habiendo aprendido a tocar el piano con cuatro años, Lady GaGa escribió su primera balada con el piano a los trece años y comenzó a participar en noches de micro abierto a los catorce años. Con diecisiete años, consiguió ingresar prematuramente en la Escuela de Arte Tisch de la Universidad de Nueva York. Allí estudió música y mejoró sus habilidades como compositora componiendo ensayos e investigaciones sobre diferentes temas como el arte, la religión o la poítica . Más tarde Gaga abandonó la escuela.

2005–2007: Inicios de su carrera

GaGa firmó con Def Jam Recordings cuando tenía diecinueve años, depués de que L. A. Reid, productor musical, la escuchase por los pasillos de su oficina. Sin embargo, GaGa afirma que nunca llegó a reunirse con Reid y tras tres meses tuvo que abandonar el sello discográfico. Volvió a la casa de sus padres y cmenzó a actuar en un club del barrio neoyorkino Lower East Side, con grupos como Mackin Pulsifer y SGBand. Queriendo diferenciarse de la escena común del rock and roll, eligió enfocarse en la música pop. Al mismo tiempo, comenzó a tomar drogas y a participar en actuaciones de tipo burlesque; GaGa dijo que su padre "simplemente no lo entendía" y estuvo unos meses sin poder mirarla a la cara. Un día, el productor musical Rob Fusari, quien ayudó a GaGa a componer alguna de sus primeras canciones, comparó su estilo vocal con el de Freddie Mercury. Rob, además la apodó con el mote de GaGa, que proviene de la canción del grupo Queen, "Radio Ga Ga". A partir de ese momento comenzó a usar su mote como nombre artístico siendo conocida a partir de enconces como Lady GaGa.

A lo largo de 2007, GaGa colaboró en con la artista performance Lady Starlight, quien la ayudó a crear los trajes de su espectáculo. La pareja comenzó a actuar en locales del centro como Mercury lounge, Bitter end y Rockwood music hall, con su espectáuclo de performance en directo, conocido como "Lady Gaga and the Starlight revue" y anunciado como "El espectáculo rock definitivo del pop burlesque", su espectáculo consitía en varios actos homenaje lo-fi a la década de los setenta. En agosto de 2007, GaGa y Starlight fueron invitadas a participar en el festival musical estadounidense Lollapalooza. El show fue aclamado por la crítica y su actuación recibió comentarios muy positivos. El espectáculo se centró en el vanguardismo y en la música dance y electónica, GaGa encontró su estilo musical cuando incorporó el genéro pop y el vintage glam rock de David Bowie y Queen en el espectáculo.

Durante este período comenzó a escribir para artistas del sello discográfico Konvict, que pertenece al músico Akon, como Fergie, Pussycat dolls, Britney Spears y New kids on the block. Tras haberla oído cantar una referencia vocal para uno de sus temas, Akon pensó que GaGa podía ser también una buena cantante, por lo que convenció a Jimmy Iovine presidente de Interescope records para contratarla conjuntamente en su propio sello Kon live distribution, más tarde calificarían a GaGa como su "jugador estrella". Tras su acuerdo con Akon, GaGa comenzó a trabajar en su propio material, exclusivo para su álbum debut, con el productor RedOne. Teniendo ya una sólida selección de electro-galam, inspirado en David Bowie y el grupo Queen, GaGa quiso mezclar sus ritmos reto dance con melodías urbanas, coros pop y además quiso mantener un estilo rock and roll. La primera canción que produjo fue una canción de pop bastardo para Mötley Crüe llamada Girls, girls, girls y la canción T.N.T para AC/DC.

2008–Presente: The fame

En 2008, Lady GaGa se trasladó a Los Ángeles, para trabajar estrechamente con su sello de discográfico con el fin de terminar su álbum debut The fame. GaGa dijo que combinó gran cantidad de géneros musicales en el álbum, "desde la batería y percusión de Def Leppard a los tambores del heavy metal en música urban". Comenzó a trabajar con un coletivo llamado Haus of Gaga, que colaboró con ella en su vestuario, su escenografía y en su sonido. The fame recibió críticas positivas; de acuerdo con la puntuación de Metacritic, el disco ha obtenido una puntuación de 71 sobre 100. Times online describió el álbum como "una fantástica mezcla entre las drámaticas baladas de David Bowie, números a medio tiempo inspirados en Queen y canciones dance creadas con base de sintetizador que se burlan de los cazafortunas". The fame llegó al número uno en Austria, Reino Unido, Canadá e Irlanda, y al número cuatro en Australia y Estados Unidos; las ventas mundiales del disco en julio de 2009 ascendían a 3 millones de copias.

Orientación sexual

Desde el principio de su carrera hubo rumores sobre la verdadera orientación sexual de Lady Gaga. En la edición n° 1080 del 11 de junio de 2009 de la revista Rolling Stone, GaGa admitió su bisexualidad. Al poco tiempo surgieron rumores sobre un supuesto "hermafroditismo" de la cantante, los cuales resultaron ser completamente falsos.

El nombre artístico

Su nombre "Lady GaGa", de acuerdo a una entrevista con Ron Slomowicz, surgió como una referencia a la canción "Radio Ga Ga" de la banda inglesa Queen, a la cantante no le gustaba mucho su nombre por lo que se lo cambió legalmente, e hizo que sus padres y todo el mundo la llamaran Lady GaGa

Pagina: http://www.ladygaga.com/

Dana Fuchs

Dana Fuchs hace su debut en cine en Across the Universe. En teatro en la Ciudad de Nueva, York, Fuchs protagonizó el éxito fuera de Broadway “Love, Janis”, sobre la vida de Janis Joplin.

La menor de seis hermanos músicos, Dana Fuchs se crió en un pequeño pueblo rural de Florida rodeada de música. Llegó a la Ciudad de Nueva York sola y sin dinero a los 19 años, donde se unió al guitarrista Jon Diamond para formar Dana Fuchs Band. En un año, la banda actuaba en los mejores clubs de blues de Nueva York, compartiendo a menudo el escenario con John Popper, James Cotton y Taj Mahal.

Dana Fuchs empezó a escribir sus propias canciones de rock y se convirtió en un clásico en la escena del rock compartiendo actuaciones nacionales con Little Feat, Marianne Faithfull y Etta James. A través de estas actuaciones fue reconocida por los productores de “Love, Janis”, que la contrataron después de escuchar su interpretación de “Piece of My Heart”. Sus canciones (que ella escribe e interpreta) han sido presentadas en la película Sherrybaby.

Las canciones de Dana Fuchs podrán oírse en el próximo CD y DVD “Dana Fuchs Live From NYC”, así como en su CD debut “Lonely For A Lifetime”, que fue publicado con una entusiasta respuesta de los fans y la prensa.

Pagina: http://www.danafuchs.com/

Leonard Cohen

Leonard Norman Cohen, poeta, novelista y cantante canadiense, nació el 21 de septiembre de 1934 en Montreal.

Biografía

Cohen es el músico de la sempiterna tristeza, el cantante de la voz cada vez más ronca, el poeta romántico, sarcástico, comprometido. Su influencia musical, estilística y literaria ha perdurado -pese a la lacra del puntual fracaso comercial- desde el comienzo de su carrera en los años sesenta hasta hoy, dejándose ver no sólo en creadores sino también en oyentes, porque Leonard Cohen es siempre un músico que cala hasta lo más hondo.

Nació el veintiuno de Septiembre de 1934 en Montreal al amparo de una acomodada famila judía practicante. Estudió en una escuela judía, pero con el tiempo adquirirá una religión propia, abstracta, sin renunciar del todo a sus raíces. Así escribirá en Beautiful Losers:

Qué es un santo?. Es aquel que ha alcanzado una remota posibilidad humana. Es imposible decir lo que constituye esta posibilidad. Sin duda tiene algo que ver con la energía del amor. El contacto con esta energía provoca una especie de equilibrio en medio del caos de la existencia. Un santo no disuelve este caos; si lo hiciese, el mundo habría cambiado hace mucho tiempo. Yo no creo que un santo pueda disolver el caos del mundo, ni siquiera para sí mismo, porque hay algo de arrogante y belicoso en esta concepción de un ser humano poniendo él solo el universo en orden.

A los dieciseis años ingresa en la universidad de McGill, en Montreal, para estudiar literatura inglesa. Será al final de sus estudios, en 1956, cuando publique su primer libro de poesía, Let us compare Mythologies, dedicado a su padre. Esta publicación marcará el inicio de una etapa como escritor, discreta pero no malograda. Se traslada unos meses a la Columbia Graduate School, que abandonará tras unos meses al recibir una beca de Ottawa para marchar a vivir a una pequeña casa de pescadores en la isla de Hydra. En 1961 publica un nuevo libro de poesía, The spice box of Earth, y dos años después su primera novela, The favourite game. Su carrera literaria continúa, en progresión creciente con los libros de poemas Flowers of Hitler (1964) y Parasites of Heaven (1966), hasta alcanzar su clímax literario con la novela Beautiful Losers (también de 1966).

Leonard Cohen, convertido en trovador de voz peculiar, guitarra en mano, lanzará en 1968 sin mucha pretensión musical The songs of Leonard Cohen, álbum que le reportará el éxito con la canción Suzanne. Comienza así la primera etapa como músico de Leonard Cohen, cuyos únicos elementos serán su guitarra, tranquila y melódica, su voz y sus textos poéticos. Este conjunto harán del de Cohen un sonido cargado de pesadumbre y oscuridad. Corrían tiempos de rocanrol, en los que la música se asociaba con el satanismo. En pleno auge de Bob Dylan o los Rolling Stones, Cohen se ciñe a su estilo de cantautor de guitarra discreta y lenta, y utiliza en sus textos la religión como cura para unas heridas de índole amorosa. Todo esto es interpretado con una voz única que con el tiempo se irá rompiendo más y más hasta límites insospechados. En esta línea aparecerá al año siguiente Songs of a room (1969). Dos años después aparece el fantástico Songs of love and hate (1971), abierto con Avalanche, canción de gran influencia en posteriores cantautores, y otros grandes temas como Last year's man, la veloz Diamonds in the mine y, en contraposición a esta última, la depresiva Famous Blue Raincoat. Cierra esta primera etapa New Skin for the old ceremony (1974), tras la edición en 1973 del directo Live Songs. En 1975, el primer recopilatorio de Leonard Cohen servirá de puente para su siguiente disco.

En 1977 aparece Death of ladies man, título destrozado en nuestro país por el mero hecho de traducirlo literalmente al español como "La muerte de un mujeriego". Lejos de la imágen indeseable del título hispano el disco es elegante y destaca en la discografía de Cohen. Introduce sonidos orquestales y adquieren más presencia las percusiones, dándole así al álbum un sonido totalmente diferente a los anteriores. Para Recent Songs (1979) recurre a ritmos de cadencia más blusera y vuelve a su sencillez instrumental, esta vez con la presencia de violín y saxo acompañando su voz, ahora algo más grave y ronca. A partir de este momento los discos de Cohen aparecen con cuentagotas.

No vuleve a haber material de estudio hasta 1985, cuando edita Various Positions, abierto con la magistral Dance me to the end of love y en el que también se incluye Hallelujah. Este álbum hará de transición hacia la nueva música del canadiense, en la que abundará el uso de sonidos sintéticos, y su voz llega a ese límite entre la ronquera y la pérdida de la voz. El clímax de su carrera músical llega en 1988 con I'm your man. Disco en el que me detengo:

- First we take Manhattan: Abre el disco un tema mordaz, crítica al sistema empresarial y en especial a su anterior compañía discográfica, Sony, que lo abandonó tras veinte años de relación comercial. Abren la canción los versos "Me condenaron a veinte años de hastío por intentar cambiar el sistema desde dentro". Enrique Morente, en su álbum Omega (1996), interpreta entre otras, esta canción de Cohen adaptada al español.
- Ain't no cure for love: El tema en esta canción es la rendición absoluta y placentera al amor. Cohen hace guiños a la religión y llena el tema de un romaticismo espiritual.
- Everybody knows: Es una crítica social algo mordaz que habla sobre hechos innegables (todos saben que la guerra acabó / todos saben que los buenos perdieron). Repite sin cesar el título "todos saben".
- I'm your man: Cohen se rinde ante la mujer ofreciendo además un abanico mimético que le llevará a meterse en cualquier pellejo (y si quieres cualquier tipo de amor me pondré una máscara para tí). Esta temática aparece en autores españoles como Joaquín Sabina en La del pirata cojo (Física y química, 1992)
- Take this waltz: Basada en el Pequeño vals vienés del Poeta en Nueva York (1929 - 1930) de Lorca, jamás se ha hecho mejor adaptación del poema a la música, e incluso las que se hicieron en español, quizá en exceso contaminadas por el trabajo de Cohen, sonaban en exceso forzadas. Lo intentaron Enrique Morente en Omega (1996) y Ana Belén en Lorquiana (1998). Cohen es devoto de García Lorca hasta el punto de llamar a su hija Lorca Cohen.
- Jazz police: La canción más siniestra del disco, de tonos oscuros y percusión marcada. En este tema toman gran presencia los coros de la siempre fiel a Cohen Jennifer Warnes.
- I can't forget: En esta canción vemos a un Leonard Cohen desorientado por un periodo de transicón, de adaptación a la reciente ruptura del amor. Empieza por caerse de la cama y en medio de la confusión declara "No puedo olvidar, no puedo olvidar, pero no recuerdo a quién".
- Tower of song: Vuelve el tema a ser su condición de cantante, como en First we take Manhattan. Esta vez el tema suena más oscuro, como un lamento por la soledad del autor incomprendido. "Pago cada día el alquiler en la Torre de la Canción".

En 1992 sale The Future, un disco en la línea de Cohen, no tan sintético como I'm your man (1988). En esta época encontramos al Canadiense agotado por el éxito y, tras una relación con Rebeca de Mornay, se recluye en Los Ángeles en un monasterio Zen, donde llega a ser ordenado monje. Leonard Cohen desaparece por completo en su retiro absoluto.

Cuando parecía que su carrera había terminado para siempre y habiendo publicado un par de álbumes recopilatorios y en directo, en 2001 sale un nuevo disco llamado Ten New Songs. Cohen, discreto, retórico, con la voz cada vez más apagada, grabó este disco tras abandonar su retiro Zen en la primavera de 1999. En 2004 publicó Dear Heather, confirmando que ya no es lo que era. Actualmente reside y trabaja en L.A. y se rumorea que el próximo año pubicará nuevo disco y nuevo libro (en todo momento siguió escribiendo y publicando con cierta regularidad salvo en la época del retiro) . La obra de Leonard Cohen es un manual del cantautor, siempre abierto a la renovación, a la exploración de sonidos, manteniendo su esencia personal en toda su obra, y nunca influenciado por los números de las discográficas, sólo por la necesidad creativa del artista.

Leonard Cohen nació en una familia judía de clase media de ascendencia polaca en Montreal y creció en Westmount. Su padre, Nathan Cohen, era propietario de una tienda de corte y confección y falleció cuando el joven poeta contaba nueve años. Según la tradición familiar, los Cohen descienden de los Kohanim. "Fui querido como un mesías", contó Cohen a Richard Golstein en 1967, "y se me decía que descendía de Aarón". En su adolescencia aprendió guitarra; formará luego un grupo de inspiración country-folk, los Buckskin Boys.

En 1951, Leonard Cohen ingresó en la Universidad McGill de Montreal. Su primer poemario, Let Us Compare Mythologies, apareció en 1956 editado por las McGill Poetry Series, aunque sólo era un estudiante de primer ciclo.

En 1961, The Spice Box of Earth le hizo célebre en los círculos de poesía canadiense. Después se instaló en la isla de Hydra, en Grecia, y publicó Flowers for Hitler (Flores para Hitler) en 1964, y las novelas The Favourite Game (1963) y Beautiful Losers (1966).

The Favourite Game es la novela de aprendizaje o bildungsroman autobiográfico de un joven que busca su identidad en la escritura. Por el contrario, Beautiful Losers, que puede quizá considerarse también una novela de aprendizaje, no conduce al éxito del personaje principal («AntiBildungsroman»), ya que de un modo postmoderno muy contemporáneo destruye la identidad de los personajes principales combinando lo sagrado con lo profano, la religión y la sexualidad en una lengua rica y lírica, pero a pesar de todo cruda.

Cohen se instaló en los Estados Unidos y comenzó a cantar en los festivales folk. En 1966, Judy Collins hizo de su canción Suzanne un gran éxito. Esta canción se refiere a Suzanne Verdal, la vieja esposa de un amigo íntimo, el escultor Armand Vaillancourt. John H. Hammond hizo firmar a Leonard Cohen con Columbia Records. El primer álbum, Songs of Leonard Cohen, salió a la venta en 1967 y contiene una versión de Suzanne. Será bien recibido por la crítica. En 1977, Death of a Ladies' Man es producido por Phil Spector, lejos del minimalismo habitual del artista. Recent Songs, más clásico, sale a la luz en 1979, y en 1984 Various Positions, un álbum muy espiritual que contiene el célebre Hallelujah. Columbia rehúsa lanzar el álbum en los Estados Unidos, donde Cohen ha tenido siempre un éxito mucho menor que en Europa y Canadá. En 1986 aparece en un episodio de Dos policías en Miami. En 1988, I'm Your Man marca un cambio en su trayectoria en cuanto a escritura y composición. Los sintetizadores están muy presentes y la escritura se ha vuelto mucho más comprometida y adopta tintas de humor negro.

En 1994, después de la promoción de su álbum The Future, Leonard Cohen se retira a un monasterio budista en Mount Baldy, un centro de meditación zen cerca de Los Angeles. En 1996, Cohen es ordenado monje budista zen, como Jikan Dharma con el significativo nombre de «El silencioso». Parte finalmente de Mount Baldy en la primavera de 1999. Durante este periodo no produjo ninguna canción, pero volvió a componer después, lo que condujo a su álbum Ten New Songs en 2001, muy influido por Sharon Robinson, y Dear Heather en 2004. Dear Heather es el fruto de la colaboración de Cohen con la cantante de jazz Anjani Thomas.

En 2005, Leonard Cohen denuncia ante la justicia a su antigua representante, Kelley Lynch, por desvío de fondos (5 millones de dólares). En marzo de 2006, Cohen obtiene sentencia a su favor, pero Lynch ignora la sentencia y se da a la fuga. En 2006, Cohen hace aparecer un nuevo libro de poemas, Book of Longing; además de coescribir el disco de Anjani Thomas Blue Alert. Paralelamente se estrena el documental Leonard Cohen: I'm Your Man. Se trata de una semblanza que recoge entrevistas recientes realizadas para las necesidades de este filme, y actuaciones en vivo de diversos artistas (Nick Cave, Rufus Wainwright, Jarvis Cocker) para un concierto en su homenaje. Hace su primera aparición pública en una librería de Toronto el 13 de mayo de 2006, cantando So Long, Marianne y Hey, That's No Way To Say Goodbye, acompañado por The Barenaked Ladies y Ron Sexsmith. En 2007 Philip Glass musicaliza su Book of Longing y ofrece el primer texto de la obra recitado por el propio Leonard Cohen el 1 de junio de 2007 en Toronto, en el Luminato Festival.

Leonard Cohen reside actualmente en el barrio portugués de Montreal, su ciudad natal. En 2008 volvió a la escena, con 73 años, para una gira mundial, siendo recibido con entusiasmo por crítica y público a pesar del elevado precio de las localidades, ocasionado por sus desastres financieros (la fuga de su representante con todos sus ahorros). En 2009 se pone a la venta Live in London, que recoge la grabación de uno de los conciertos de esta gira.

El 18 de setiembre de 2009 tuvo un desvanecimiento durante un concierto en Valencia.

Temas

Conocido especialmente por su faceta de cantautor, sus letras son muy emotivas y líricamente complejas; ha vivido en Montreal, Londres, Grecia, Nueva York y Los Ángeles. Sus tres ejes temáticos predominantes, el amor, la religión y las relaciones de pareja, deben más a los juegos de palabras y metáforas poéticas que a las convenciones de la música folk. Cohen canta con una voz peculiarmente grave, ha influido en muchos otros cantautores y sus canciones han sido interpretadas por muchos otros artistas. A causa del pesimismo que irradia su música, la prensa lo ha considerado "el depresivo no químico más poderoso del mundo".

Los temas recurrentes en la obra de Cohen son el amor y el sexo, la religión, la depresión psicológica, y la música en sí; aunque también ha abordado otros asuntos políticos, lo ha hecho a veces de modo ambiguo.

El amor y el sexo son temas habituales en la música popular; la experiencia de Cohen como novelista y poeta le dota de una sensibilidad especial para tratarlos. Suzanne, probablemente la primera canción de Cohen que atrajo la atención de públicos amplios, mezcla cierto tipo de amor con la meditación religiosa, mezcla que igualmente se produce en Joan of Arc. Famous Blue Raincoat ofrece el punto de vista de un hombre cuyo matrimonio se ha roto debido a la infidelidad de su esposa con un amigo de él. La canción está escrita en forma de carta a ese amigo, al que escribe: “Supongo que te echo de menos, supongo que te perdono. Debes saber que tu enemigo está dormido y que su mujer es libre” (“I guess that I miss you/ I guess I forgive you… Know your enemy is sleeping/ And his woman is free”), mientras que en Everybody Knows toca varios temas entre ellos retoma su sentido espiritual y trata posiblemente en una estrofa de la cruda realidad del SIDA aunque no directamente. En Sisters of Mercy evoca el amor auténtico (agape más que eros) que encuentra en una habitación de hotel con dos mujeres de Edmonton y Chelsea Hotel #2 describe su aventura con Janis Joplin de un modo bastante poco sentimental.

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Milli Vanilli

Milli Vanilli fue un dúo alemán compuesto por Fabrice "Fab" Morvan (14 de mayo 1966) y Rob Pilatus (8 de junio de 1965 - 2 de abril de 1998) que se formó en Alemania a mediados de los 80. En un principio, ambos integrantes eran bailarines acompañantes de Sabrina Salerno. El productor alemán Frank Farian se fijó en ellos y lanzó su carrera como grupo musical. Entre sus éxitos cabe señalar Girl you know it's true, editada en 1988.

En 1990 se les concedió el Premio Grammy al artista revelación. En un concierto en la ciudad nortemericana de Bristol tuvieron un problema con el playback, la gente comenzó a sospechar. Poco después, en noviembre de ese mismo año el productor e inventor del grupo Frank Farian admitió que en realidad Fab y Rob no eran los que cantaban: la implicación de ambos con su música se limitó a ofrecer su imagen en la cubierta de los discos y en los escenarios. Su música estaba pregrabada en sus vídeos musicales y sus conciertos. Tras haber conquistado a medio mundo con su música, ellos entregaron el Grammy conseguido, lo que provoco que el duo no pudiera seguir con su musica con el mismo nombre, MILLI VANILLI.

En 1991, el mismo productor quiso relanzar a los cantantes que realmente cantaban las canciones del grupo, con el nombre de The Real Milli Vanilli, pero el intento (plasmado en el disco Moment of Truth) cayó en el fracaso. En 1993 la pareja original volvió a probar suerte, esta vez sí interpretando sus canciones, esta vez como Rob & Fab, pero el éxito no les acompañó en esta ocasión. En 1998, Rob Pilatus murió por sobredosis en Frankfurt.

Universal Pictures tiene previsto llevar su historia al cine.

La sola mención del nombre de este dúo del pop todavía provoca reacciones fuertes entre quienes creyeron que lo que oían y veían era exactamente lo mismo. A pesar del tiempo transcurrido desde su desaparición Milli Vanilli sigue siendo sinónimo de farza, fraude y estafa mercadológica.

Rob Pilatus y Fabrice Morvan, las caras del dúo, resultaron ser modelos que se limitaban a mover los labios mientras sonaba una pista interpretada por cantantes profesionales de estudio. Fue por eso que se convirtieron en los primeros artistas en ser despojados de un Grammy y se llevaron consigo a muchos otros artistas del dance pop que, involuntariamente, quedaron bajo la sombra de la duda.

El dance pop quedó revelado como un género superficial, mecánico y artificial que se construía para satisfacer necesidades de mercado basadas estrictamente en la apariencia. En realidad, esta percepción no está muy lejos de la realidad en el tanto en que muchos artistas reducen su talento a una cara bonita.

Sin embargo, Milli Vanilli no fue el único grupo que usó esa técnica de mercadeo propia de finales de los ochenta, mucho menos el único grupo europeo que lo hacía, pero si fue el que se convirtió en el más importante y notorio de todos los que salieron y quizás los que mejor hicieron el truco.

El tema de doblar la voz nunca fue extraño a la música pop. De hecho hay antecedentes que datan de la época de la música chicle de los 60 y los combos de los 50. Lo que pasó es que Milli Vanilli se ganó un nombre, se creó una fama, se convirtió en un fenómeno y no hubo un solo medio de comunicación que tolerara aceptar que le habían engañado tan inteligentemente como lo hicieron Rob y Fabrice junto a sus productores.

La historia terminó mal en todo sentido, luego de la desaparición de la banda Rob Pilatus entró en una profunda depresión que terminó con su muerte por sobredosis en 1998, diez años después del debut del dúo.

A pesar de todo lo anterior el dúo vendió más de 30 millones de sencillos, 14 millones de álbumes y fue uno de los espectáculos más importantes de finales de los 80 e inicios de los 90.

Milli Vanilli fue el producto de una idea del productor alemán Frank Farian, quien antes produjo al grupo de disco europeo Boney M. La idea de Farian era unir elementos del dance pop europeo con otros del rap norteamericano. Para ello armó un grupo de músicos de estudio y cantantes que incluyó al rapero Charles Shaw y a dos jóvenes cantantes norteamericanos que radicaban en Alemania, Johnny Davis y Brad Howell; junto a ellos estaban las mellizas Jodie y Linda Rocco. Lo que le hacía falta era imagen de manera que la gente se enamorara del proyecto, fue cuando decidió contratar a dos antiguos bailadores de Breakdance: Rob Pilatus y Fabrice Morvan que harían las de “grupo” en los videos, conciertos, entrevistas y demás presentaciones públicas.

Pilatus nació en Nueva York en 1965 pero creció en un orfanato de Munich luego de que sus padres (un soldado norteamericano y una nudista alemana) lo dieran en adopción. Por su parte Morvan nació en 1966 en la isla de Guadalupe, vivió un tiempo en Miami y luego se mudó con su madre a Paris. Ambos eran grandes bailarines y su apariencia exótica con largas extensiones era exactamente lo que Farian estaba buscando para su proyecto.

El álbum debut de Milli Vanilli fue “All Or Nothing” y se puso a la venta a mediados de 1988 con Rob y Fabrice al frente y sin una sola mención de quienes eran los cantantes. El disco tuvo un éxito inmediato y llamó la atención de Arista Records que firmó al grupo, remezcló algunas de las pistas, agregó otras, rebautizó al LP como “Girl You Know It's True” y lo puso a la venta en Estados Unidos a inicos de 1989.

La canción que le daba el nombre al álbum llegó a ser número dos dentro de las 100 más calientes y fue certificada como platino. Pero mayor fue el éxito de los tres sencillos que le siguieron: "Baby Don't Forget My Number", "Girl I'm Gonna Miss You" y "Blame It On The Rain". Todos fueron número uno. Después vino “Al or Nothing” que estuvo entre las cinco primeras a inicios de 1990.

El pico de popularidad de Milli Vanilli terminó con el premio Grammy al mejor artista en febrero de 1990.

El éxito y la fama se le empezó a subir a la cabeza al dúo, particularmente a Pilatus, quien empezó a tener fuertes cambios de carácter y un comportamiento errático, además de volverse adicto a la cocaína. En una entrevista con la revista Time comparó a Milli Vanilli y particularmente a él con Bob Dylan, Elvis Presley, Paul McCartney y Mick Jagger lo que le valió todo tipo de burlas.

Ese mismo año, durante un concierto que fue grabado por MTV la pista musical de “Girl, You Know It's True” se trabó y empezó a repetir "Girl, you know it's..." una y otra vez. En realidad a la gente que estaba ahí ni le importó, pero la gente de la prensa empezó a cuestionar a Rob y a Fabrice en las críticas a su presentación.

Para agravar las cosas, el disco lanzado en Estados Unidos sí le daba los créditos de la voz a Morva y a Pilatus, lo que generaba más presión dentro del grupo, sobre todo por parte de Rob y Fabrice que querían cantar en el próximo disco. Eso le llenó la paciencia a Farian.

La presión interna y externa fue tal que Farian le confesó a la prensa el 12 de noviembre de 1990 que Morvan y Pilatus no eran los cantantes de las canciones que los habían hecho famosos. La prensa reaccionó con una dureza implacable que provocó que el Comité de los Grammys decidiera retirar el premio. El premio que no fue retirado fue el de los “American Music Awards” debido a que los organizadores estimaron que ellos habían ganado por decisión de los consumidores.

De la misma manera, Arista Records canceló el contrato y borró el disco y sus cintas master de su catálogo, además de cancelar cualquier otra publicación del LP.

A raíz del escándalo en Estados Unidos se presentaron 26 demandas contra Pilatus, Morvan y Arista. Al final, lo que obtuvo la gente no fue dinero en efectivo sino crédito para comprar otros discos de la casa grabadora.

El segundo disco de Milli Vanilli estaba listo para salir cuando estalló el escándalo. Fue entonces cuando Farian decidió cambiar las fotos de las portadas por las de los verdaderos cantantes. De paso le cambió el nombre al dúo como “The Real Milli Vanilli” (Los Verdaderos Milli Vanilli). Sin embargo, dado que el cambio se hizo muy sobre la hora, el diseñador gráfico olvidó cambiar el nombre de los artistas en el lomo del disco y aún en él puede leerse el nombre viejo.

En Estados Unidos el disco se llamó “Keep On Running” (igual que el sencillo que se usaría para promoverlo) y en Europa fue “The Moment of Truth”. Aunque se extrajeron tres sencillos, el disco fue un fracaso.

El grupo fue reformado incluyendo a Horton como la cara más visible y en 1992 RCA firmó un contrato con un grupo llamado Try'N'B. El disco incluyó canciones de los Real Milly Vanilly y vendió bastante mejor bajo el nombre de este grupo que del anterior.

Por su parte Morvan y pilatus se mudaron a Los Ángeles y firmaron con Joss Etertainment Group para grabar un disco bajo el nombre de Rob & Fab. Casi todas las canciones del disco fueron escritas por Kenny Taylor y Fabrice Morvan, mientras los dos ex Milly Vanilly cantaban. La disquera no tenía el músculo para sacar el disco fuera de Estados Unidos, el mercado más ácido para el grupo. Sumado a eso la falta de publicidad, mala distribución y el arrastre del escándalo terminaron de hundir al disco.

Con los años pasó mucha agua debajo del puente y Farian también tuvo que pagar su cuota de fracasos. En 1997 se puso de acuerdo con Morvan y Pilatus para producir un disco de Milli Vanilli en los que ellos serían las voces. “Back and in Attack” contó con el apoyo de los cantantes originales con el fin de ayudar a recapturar la fama tan rápidamente perdida.

Sin embargo, Pilatus se enfrentó a muchos problemas durante la producción. Nuevamente volvió a las drogas, robó y fue a parar a la cárcel por tres meses. Farian pagó para que Pilatus fuera seis meses a una clínica a desintoxicarse y a rehabilitarse, además de un tiquete de regreso a Alemania.

Justo antes de la gira de promoción del disco, Pilatus fue encontrado muerto en un hotel de Frankfurt luego de intoxicarse con píldoras y alcohol.

Desde entonces Morvan se dedicó a la música, además de ser presentador de radio y de haber lanzado en 2003 su disco “Love Revolution”.

Reflexionando sobre la muerte de Rob, Fabrice dice en su sitio web: “Milli Vanilli no fue una desgracia, la única desgracia fue la forma en que murió Rob: solo, destruido internamente por un rápido ascenso y una caída precipitada”. Y termina diciendo: “Siento un gran dolor al escuchar la noticia sobre mi amigo y hermano Rob. Siempre será una parte de mí . Crecimos juntos luchando y triunfando. Lo único que queríamos era una oportunidad para cantar y actuar.”

Mike Zito

La pasión musical de Mike Zito ha sido alimentada por su amor por la guitarra y por los íconos legendarios que lo cautivaron cuando joven, como Eddie Van Halen, Eric Clapton, Jimi Hendrix y Stevie Ray Vaughan. Todo eso llegó gracias a su trabajo como vendedor de discos en una tienda en su natal San Luis, Misuri.

Después de cuatro trabajos independientes, el año pasado Zito grabó “Today”, su primer álbum con el sello Eclecto Groove y este año regresa con “Pearl River”, en el cual hace una visita a sus raíces musicales, haciendo énfasis en las letras. Este nuevo trabajo es otro acierto de Mike Zito, quien se rodeó de invitados especiales como Cyril Neville y Reese Wynans (ex Double Trouble) para lograr un sonido blues con sabor a Nueva Orleáns, funk y el viejo rock’n’roll.

Desde EUA nos llega este trabajo de blues al más puro estilo eléctrico del guitarrista Mike Zito. Editado por el sello Eclecto groove (Subsello de Delta Groove) 13 canciones componen este cd en el que encontramos temas "salvajes de guitarra" como es "Dirty blonde" con el que abre el cd, pasando por "baladas fronterizas" como sería "Pearl River" tema que da título al cd y que está compuesto e interpretado a medias con Cyril Neville.

Encontramos también buenas versiones de clásicos como "Eyesight to the blind" de Sonny Boy Williamson donde le acompaña a la harmónica magistralmente Randy Chortkoff. Otra canción en este caso en acústico con la colaboración de Anders Osborne a la guitarra y voz es "One step at a time" una excelente balada. Gratamente es la colaboración en el tema "Shoes blues" a la voz de la cantante femenina Susan Cowsill acompañado por excelentes solos de Mike.

Otra canción con un ritmo Zydeco (gracias a la colaboración del gran) Johnny Sansone es el tema "Dead of night". Muy buena es tambien la versión del "Sugar sweet" de Mel London.

Personalmente no me canso de oir la versión de "All last night" del gran George "Harmonica" Smith donde bajo una gran guitarra cuenta con la presencia del gran harmonicista Lynwood Slim.

Un total de 13 canciones recomendables para los amantes del blues de buena calidad. Un nombre más para la fonoteca del buen blues.

Pagina: http://www.mikezito.com/
Fuentes:
historiasdelblues.wordpress.com
borntobebadradiosantboi.blogspot.com

Mortadela Rancia

Mortadela Rancia fue el primer grupo que integró Gonzalo Aloras en su Rosario natal, allá por el año 1992. Dos años mas tarde graban "Ciudad Paranoia", disco que sería distribuido recién en 1998 por Polygram.

Cuando el disco llegó a oídos de Fito Paéz, este inmediatamente lo llamó a Gonzalo Aloras para integrar su banda, primero como tecladista y luego como guitarrista.

Mortadela Rancia se disuelve ese mismo año.

En el '99 fueron invitados por Fito Páez para tocar como teloneros en el Teatro Astengo.

Mimi Maura

Midnerely Acevedo nació en Puerto Rico. Creció entre el continente en Estados Unidos y la isla. Su padre cantaba y componía cuando ella era niña y asi aprendio a cantar: escuchando a su padre y los discos que su padre escuchaba.

A los catorce se estableció en San Juan y en esta epoca comenzó a tocar con distintas bandas locales y a realizar conciertos. Una banda de heavy metal de chicas en formación descubrió su increible voz y la convocó para ser su cantante.

Asi Alarma, la banda mas famosa del rock latino integrada sólo por mujeres conto a Mimi como su voz. Llegaron a presentarse en New York en SOB's y en Los Angeles para el festival de la revista La Banda Elastica. En Puerto Rico compartieron escenario con Dos Minutos, Fito Paez y Los Fabulosos Cadillacs.

Sin embargo en la historia de Mimi ocurriria algo imprevisto, y tambien simple, se enamoro de un músico argentino (Sergio Rotman) y decidió marcharse hacia el sur, hacia las pampas.

Aqui Mimi tuvo su primer hijo, Leroy, y participó en algunas canciones que grabo Cienfuegos. Ademas le puso su voz al "Calaveras y Diablitos" de Los Fabulosos Cadillacs.

Unidos por el amor al ska, al calipso, al reggae, Sergio y Mimi formaron una banda junto a los amigos de siempre: Martin Aloe y Fernando Ricciardi, bajista de Cienfuegos y baterista de Cienfuegos y Los Fabulosos Cadillacs respectivamente. Pronto se pegaron al proyecto Mario Siperman y Toto Rotblat de Los Fabulosos Cadillacs en teclados y percusión y tambien los músicos Maneco y Jason en guitarra y trompeta.

Asi protagonizaron algunas noches porteñas en el ciclo Molotov del Centro Cultural Ricardo Rojas, en Unione y Benevolenza junto a Riddim, en el Teatro Luz y Fuerza junto a Cienfuegos, en Cemento junto a Lumumba y en el Santo abriendo para Los Fabulosos Cadillacs.

El primer disco de Mimi Maura salio a fines de 1999. El 2000 trajo muchos mas shows, cambio de integrantes y noches inolvidables en el Dorado, el Club del Vino y tantos otros bares.

Por Mario Siperman entro Dante y por Jason, Hugo Lobo y Sergio Colombo.

La banda paso con gracia e hidalguia por Obras, abriendo para Los Fabulosos Cadillacs en tres ocasiones, y por el escenario de la Fiesta Primavera Alternativa junto a Sonic Youth, Sean Lennon y 100 bandas locales.

Con viajes esporadicos a su Puerto Rico natal, su recorrido en vivo transito desde las transnoches de El Dorado al Club del Vino para desembarcar por primera vez en Junio del 2001 en una Trastienda abarrotada, experiencia que repetiria dos meses despues superando su propia marca de 1500 entradas vendidas, el record absoluto del lugar.

Los números, una hazaña para la epoca de crisis, revelan mas de 5000 discos vendidos, y dos Trastiendas en el plazo de cuatro meses a lleno total, 1500 entradas efectivas cada vez, desde una estructura independiente y sin apoyatura publicitaria.

Los fans de Mimi Maura fueron creciendo incluso entre bandas consagradas como los Fabulosos Cadillacs y Divididos que la convocaron para ser soporte en sus shows.

La experiencia indica que cada vez que Mimi toca hay que sacar las sillas para moverse al ritmo ondulante de su voz, y abrir el corazon sin timidez. Los lugares se agrandan sin sillas y ademas de mas gente, cabe mas emoción.

En los albores de un siglo nuevo, Mimi aparece en la escena porteña dándose la libertad de cantar y recrear canciones con cadencias de otras epocas, y lugares, dando la pauta de otros posibles ritmos de vivir, y sentir, siempre trasmitidos por su voz sensual y misteriosa.

Una banda solida y creativa protagoniza con enorme solvencia y sutileza el segundo disco de Mimi "Raices de Pasión", muchas de cuyas canciones vienen tocandose en vivo en los shows, continuan una historia que recien comienza y que va por mas. Estan todos invitados a ser parte de ella.

Pagina: http://www.mimimaura.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar