Lacuna Coil

Lacuna Coil es un grupo de metal/rock formado en Milán, Italia en 1994. Antiguamente fueron conocidos como Sleep of Right y Ethereal. De acuerdo a la banda, esta ha sido influenciada por grupos como Paradise Lost, My Dying Bride, Tiamat, Anathema, Septic Flesh, Black Sabbath, Type O Negative, Sentenced, Depeche Mode, In Flames o Amorphis, entre otros.

Lacuna Coil ha participado en los más grandes festivales de metal en todo el mundo, incluyendo Ozzfest, Bloodstock Open Air, Wacken Open Air, y en el Loudpark Festival en Japón.

Actualmente son considerados como una de las bandas de hard rock y metal más influyentes en Italia, así como una de las bandas italianas con mayor éxito en el extranjero y de las más influyentes en el metal gótico.

Historia

Inicios y Ethereal

El génesis de Lacuna Coil se inicia en Milán en 1994, cuando el guitarrista y compositor Marco Coti Zelati y su amigo, Andrea Ferro, forman la banda Sleep of Right. Coti tocaba la guitarra, Ferro el bajo y Raffaele Zagaria se une como guitarrista y Michelangelo como baterista. La banda tocó su primera presentación en vivo en Bologna, Italia en 1994. Grabaron Bleeding Souls, el cual fue publicado en 1995 en el disco compilatorio Noise of Bolgia.

Coti empieza a tocar el bajo, así Andrea se concentró como vocalista. Se les unió Claudio Leo, como segunda guitarra, y Leonardo Forti como baterista; luego de la partida de Michelangelo. Su siguiente decisión fue incorporar a Cristina Scabbia, amiga de ellos, para que cante algunas canciones. Debido a que Scabbia complementaba muy bien la banda, fue incluida como un miembro permanente.

Luego de la unión de Scabbia como vocalista de la banda, esta cambia su nombre a Ethereal y en mayo de 1996 graban y envían un demo, de dos canciones, Shallow End y Frozen Feeling, a diversas disqueras europeas. La banda recibe respuestas de Nuclear Blast y Century Media; luego deciden sellar el trato con Century Media y descubren que el nombre Ethereal ya había sido tomado por una banda griega. La banda, en aquel entonces formada por Scabbia, Ferro, Coti Zelati, Leo, Zagaria y Forti, decide nombrarse Lacuna Coil, que significa "espiral vacío".

El primer EP y la separación

En 1997, en el Woodhouse Studio en Alemania, Lacuna Coil empiezan a grabar sus primeras canciones con la firma Century Media. Las diferencias musicales entre Zagaria, Forti y el resto de la banda empiezan a surgir. A pesar de estos problemas, la banda graba seis canciones, producidas por el guitarrista Waldemar Sorychta de Grip Inc. Sin embargo, la banda decidió no incluir las canciones del demo Ethereal ya que no encajaban con el nuevo estilo de la banda.

Con el EP, también llamado Lacuna Coil el cual sería lanzado a inicios del año 1998, la banda se une al grupo de metal gótico Moonspell en diciembre de 1997, en una gira promocional europea. Raffaele Zagaria, Claudio Leo y Leonardo Forti abandonan la banda luego de sólo tres de doce presentaciones. Lacuna Coil continúa en la gira, con ayuda del guitarrista Anders Iwes de Tiamat y el baterista Markus de Kreator.

En enero de 1998, incorporan a Cristiano Migliore de la banda Thy Nature, y a Cristiano "Criz" Mozzati de Time Machine. En marzo del mismo año, la banda inicia su segunda gira europea con la banda neerlandesa The Gathering y Siegmen. Durante la gira, Steve Minelli de la banda Node toca la guitarra luego de que el nuevo guitarrista de Lacuna Coil, Cristiano Migliore se hiriese. Además, Alice Chiarelli colaboró como teclista.

En agosto, Lacuna Coil participa por primera vez en un festival, Wacken Open-Air. La banda empieza a sobresalir, por lo que deciden incorporar a la banda un segundo guitarrista en vez de un teclista. Esto recién sucede luego de que terminar la grabación de su primer álbum de estudio.

In A Reverie y Halflife EP

En octubre de 1998, Lacuna Coil regresa a Woodhouse Studio en Alemania y una vez más, con el productor Waldemar Sorychta, graban su primer álbum titulado In A Reverie. El sonido es más pesado que en su primer EP y logra el un mayor reconocimiento de la banda en toda Europa, especialmente en Alemania y Escandinavia. Sin embargo, su música no les daba fama en su país de origen, Italia.

En enero de 1999 la banda finalmente completa su alineación luego de que Marco "Maus" Biazzi es incorporado para tocar la segunda guitarra, y en febrero del mismo año, tocan el primer show para promocionar su álbum In A Reverie en la avenida "Rolling Stone" en Milán.

El resto de aquel año, Lacuna Coil se mantiene de gira por toda Europa, empezando con Inglaterra en abril, en mayo con la gira "Into de Darkness" junto a la banda Samael, My Insanity y Grip Inc, y continúan haciendo más de 20 presentaciones terminando en el Dynamo Open Air Festival el 21 de mayo, frente a 20 mil personas. El 5 de junio, la banda regresa a Italia para tocar en el festival "Gods of Metal" frente a 25 mil personas, encabezado por Metallica.

Luego de algunos shows en Rotterdam en julio, la banda concluye su gira entre septiembre y octubre con una gira por Alemania, encabezada por Lacrimosa. La banda cancela sus últimas tres presentaciones debido a que Marco Coti Zelati sufre un accidente y se rompe una costilla ayudando a un técnico de luces.

A inicios del 2000, Lacuna Coil y Waldemar Sorychta vuelven al estudio, esta vez en Ventimiglia, Italia, para grabar un nuevo EP titulado Halflife, el cual contenía cinco canciones y un cover, Stars, de la banda inglesa de pop Dub Star. En este EP, la banda por primera vez usa técnicas de grabación digital. Entre las canciones, se encuentra una canción totalmente en italiano, llamada "Senzafine". El 20 de marzo del mismo año, Halflife es oficialmente lanzado, siendo un total éxito para la banda.

Unleashed Memories

Luego de una festividad en agosto de 2000, Lacuna Coil y Waldemar Sorychta regresan nuevamente al Woodhouse Studio en octubre del mismo año, para graban su segundo álbum, Unleashed Memories. El álbum contuvo nueve canciones y una versión diferente de "Senzafine" que, de acuerdo a la banda, es la versión original de la canción. El álbum es completado a finales de noviembre, y en diciembre, la banda se dirige hacia México para realizar dos presentaciones junto a Theatre of Tragedy en Guadalajara y en Ciudad de México el 16 y el 17 respectivamente.

Al igual que el lanzamiento de Unleashed Memories el 29 de enero de 2001, aquel sería un año intenso de gira para la banda, empezando con un tour europeo de 31 presentaciones con Theatre of Tragedy y Beseech. También estuvieron incluidos en el tour "Metal Odyssey" con Dimmu Borgir, Nevermore, In Flames, y Susperia, tocando en 13 fechas por Europa. En abril, Lacuna Coil regresa a Italia para tocar en diversas giras.

La banda toca en varias presentaciones y festivales durante el verano, incluyendo Wacken y Neerpelt en agosto; sin embargo, Marco Coti Zelati no estuvo junto a la banda en ciertos festivales debido a que tuvo una operación de los ligamentos de su rodilla. Estos festivales reúnen a Lacuna Coil con In Flames, Dimmu Borgir, Nevermore, y Theatre of Tragedy, y el 1 de septiembre en el festival Mera Luna, Cristina Scabbia canta "You Can Have All My Love Tonight" junto a Lucyfire.

Al terminar los festivales de verano, Lacuna Coil empiezan a trabajar en su nuevo material para la grabación de un nuevo álbum - sólo 10 meses luego del lanzamiento de Unleashed Memories. La banda aún tenía tiempo para apoyar al nuevo canal de música italiano "Rock TV", con un show en la avenida "Rolling Stone" en Milán. Luego, Marco Biazzi y Cristiano Mozzati también aparecen en el canal de música "Database".

En el 2001, Claudio Leo y Raffaele Zagaria, ambos ex miembros y fundadores de la banda, forman un grupo de metal gótico llamado Cayne. También lanzan su primer álbum Old Faded Pictures en la disquera Scarlet Records. Otra ex miembro de la banda, Alice Chiarelli, quien había tocado el teclado en las presentaciones en vivo de la banda, anuncia su nuevo proyecto de doom metal, Alice in Darkland, con su nuevo álbum, The Evil's Entrails siendo lanzado en marzo del 2002.

La banda también participa en su primer tour estadounidense, tocando en 12 fechas con la banda portuguesa Moonspell durante diciembre. La banda tuvo dificultades con la compañía de transporte para la gira, por lo que tuvo que cancelar dos presentaciones en Canadá.

Comalies

Luego de su regreso de América y de un descanso por Navidad, Lacuna Coil empieza a trabajar en su material para el tercer álbum. La banda continúa apoyando al canal italiano "Rock TV", encontrando tiempo para entrevistar a otros artistas incluyendo Slipknot, Nickelback, POD, System of a Down, entre otros; pero los siguientes meses se dedicaron por completo a la composición de su álbum. En abril del 2002, inicia la pre-producción en Milán, una vez más con el productor Waldemar Sorychta. El 17 de abril, ingresan al Woodhouse Studio en Alemania y empiezan la grabación del álbum que les traería el éxito global.

Durante mayo del 2002, luego de dos intensos meses de producción, el álbum es completado y la banda lo nombra Comalies, el cual más pesado y dinámico que su producción anterior, Unleashed Memories. La canción "Comalies" es cantada en inglés e italiano.

Comalies es lanzada en septiembre de 2002 con muy buenas críticas. La banda inicia una gira europea de 28 fechas en octubre del mismo año con la banda Sentenced. Las nuevas canciones son escuchadas en vivo por primera vez y el sencillo "Heaven's A Lie" ubica a la banda en la escena post-gótica. Un video de producción, filmado durante la grabación de Comalies, es transmitido en "Rock TV".

Luego del tour con Sentenced, Lacuna Coil toma un corto descanso antes de empezar una nueva gira, empezando un tour italiano en febrero del 2003, continuando en Estados Unidos en abril con un tour de 30 fechas junto a Opeth. Durante esta gira, la banda trabajó con el director Chade Seide para la producción de su primer video, "Heaven's A Lie", el cual empezó a ser transmitido en estaciones de radio estadounidenses. En octubre del 2003, la canción era transmitida en 65 estaciones diferentes.

La gira continúa durante el verano, regresando a Europa para tocar en algunos festivales, siendo el más notable el Heineken Jammin' Festiva en Imola, frente a 40 mil personas. Luego esto, la banda regresa a Estados Unidos para tocar junto a Type O Negative y Anthrax, haciendo un total de 75 shows diferentes desde julio hasta diciembre.

Con la popularidad del sencillo "Heaven's A Lie" creciendo, la banda decide regrabar un nuevo video, dirigido por Patric Ullaeus. La canción es acortada para este lanzamiento, el cual es mostrado por primera vez en "Fuse TV", en Estados Unidos, el 9 de diciembre del 2003.

Después de la interminable gira del 2003, Lacuna Coil se une a Moonspell, Passenger y Posion Black para encabezar el Xmas Tour, iniciando el día de Navidad en Hamburgo, e incluyendo un memorable show en Z7 en Pratteln mientras el año nuevo empezaba.

Luego de que la banda renueva su contrato con Century Media en enero del 2004, empiezan ese año con el Piorno Festival en España. En abril, la banda recorre Italia, mientras "Heaven's A Lie" continuaba dominando la radio italiana. El 1 de mayo, Lacuna Coil se une a POD en una gira estadounidense de dos meses.

Las ventas de Comalies sobrepasan las 60 mil copias, y la banda regresa al estudio para grabar algunas canciones acústicas para una realización especial de Comalies para conmemorar una de los logros más grandes de la banda: Ozzfest. También lanzan un nuevo sencillo del álbum, "Swamped" el cual es prontamente escuchado en más de 100 estaciones de radio en Estados Unidos y el video para este sencillo es lanzado a finales de mayo del 2004.

"Ozzfest" — 2005

La banda participa en la gira estadounidense "Ozzfest", fundada por Sharon Osbourne y organizado por su esposo Ozzy Osbourne, que dura desde julio hasta septiembre del 2004. La edición del 2002 de Comalies para el Ozzfest es lanzada e incluye canciones acústicas de varias de sus canciones, así como los videos de los singles de la banda, "Heaven's A Lie" y "Swamped".

En Julio es revelado que Comalies superó las 100 mil ventas en los Estados Unidos y que Lacuna Coil se había convertido en el mayor artista de la disquera Century Media, y con 250 mil copias, la banda con más ventas de la música italiana. Así, la banda se coloca entre la posición número 194 de las listas de Billboard de julio del 2004 por vender 5,818 copias en una semana. El sencillo "Swamped", fue incluido en la banda sonora de la película de terror Resident Evil: Apocalypse.

Al terminar la gira en Estados Unidos, la banda retorna a Italia. Cristina Scabbia inmediatamente regresa al estudio de grabación, para grabar la canción "I'm That", haciendo un dueto con el famoso cantante italiano, Franco Battiato, para su álbum Dieci Stratagemmi que fue lanzado bajo la firma Sony Records.

En noviembre del 2004, Lacuna Coil empieza a trabajar en un nuevo material en Milán con Waldemar Sorychta. La banda toma un descanso para tocar en una presentación especial el 27 de diciembre en el Carling Apollo, en Hammersmith, Londres junto a In Flames, Caliban y Chimaira.

Century Media termina el año más exitoso de la banda anunciando que no sólo Comalies fue el álbum más vendido hasta aquella fecha de la disquera, vendiendo cerca de 150 mil copias sólo en los Estados Unidos, sino que también el álbum batió todos los récords anteriores de la Century Media.

A inicios del año 2005, la banda continúa trabajando en el nuevo álbum, mientras Comalies continúa aumentando sus ventas, alcanzando en mayo las 200 mil copias. El sucesor de Comalies estaba provisto para ser lanzado a finales del 2005, pero luego la banda anuncia que se tomarían tiempo en el proceso de grabarían; así, a medida que pasaba el tiempo era menos probable que el álbum se lanzara en ese año.

Al llegar el verano, la banda se prepara para participar en algunos de los más grandes festivales en Europa, empezando el 21 de mayo en el Rotonde Festival en Francia y sorprendiendo a la audiencia al tocar una nueva canción, la cual era más pesada, pero sin desviarse del estilo musical de la banda. El 12 de junio en el Donnington Park, Lacuna Coil toca en el Download Festival, junto a Slipknot, System of A Down, Mastodon y otros.

Karmacode

En julio del 2005, Century Media relanza todos los álbumes y EPs anteriores a Comalies de Lacuna Coil, con nuevas portadas y extras, y el 24 de septiembre anuncia que el nuevo álbum sería titulado Karmacode.

Los festivales continúan durante los meses de verano, la banda sigue tocando la nueva canción y el 22 de octubre en el Metal Female Voices Fest en Bélgica, la banda toca otra nueva canción. El día siguiente, la prensa internacionales es invitada a una sesión especial en el Galaxy Studios en Mol, Bélgica, en donde la banda revela seis nuevas canciones: "What I See", "Fragile", "In Visible Light", "Fragments of Faith", "Within Me" y "Our Truth".

La popularidad de la banda crece en Reino Unido, y el éxito de su presentación en el Download Festival en Junio, resulta en su primera gira británica en octubre de 2005, "Evening with Lacuna Coil" (Noche con Lacuna Coil), la cual constó de 5 fechas, empezando en Londres y terminando en Halloween en el Wulfrum Hall en Wolverhampton.

Al terminar el año 2005, y en las últimas etapas del proceso de grabación de Karmacode, la banda se prepara para el lanzamiento de este álbum y para la gira posterior.

A inicios del 2006, el primer sencillo en tres años de la banda, "Our Truth" es incluido en la banda sonora de la película Underworld Evolution. "Our Truth" es posteriormente lanzado en Europa como sencillo en marzo, siendo bien recibido por las críticas, y entrando en el puesto 19 en España y el Top 40 en Reino Unido.

Lacuna Coil continúa preparándose para el lanzamiento de Karmacode con una presentación en EMI Records en París, en el mes de febrero. En el evento, la banda toca más canciones del álbum, mostrando cómo el sonido había evolucionado desde Comalies. A inicios de abril, el cuarto álbum de la banda, Karmacode es lanzado mundialmente, siendo un éxito total y vendiendo 34 mil copias en Estados Unidos en su primera semana, alcanzando el puesto 28 en las listas Billboard y el puesto 1 en las listas independientes. En Italia, el álbum alcanza el puesto 17 y la banda es finalmente reconocida en su país de origen. Karmacode aparece en múltiples revistas como 'Álbum del Mes' y la vocalista Cristina Scabbia también aparece en las portadas de diversas revistas.

Con Karmacode lanzado, Lacuna Coil se concentra en las giras, empezando con un tour estadounidense de dos meses junto a Rob Zombie, tocando frente a multitudes más grandes. Cernca del fin de la gira, Lacuna Coil aparece en televesión estadounidense por primera vez, mostrando un mini-concierto en Jimmy Kimmel Live Show, por ABC.

La banda regresa a Europa para los festivales de verano, incluyendo Download Festival en Reino Unido y Graspop Metal Meeting en Bélgica, el cual fue transimitod en vivo por Internet. En junio, en el Metal Hammer 'Golden Gods' Awards, Cristina Sccabia recibe el premio 'Metal Icon', siendo la primera mujer en hacerlo.

En ese mismo mes, la banda lanza "Enjoy The Silence" como su segundo sencillo del álbum Karmacode, el cual es un cover de la canción del mismo nombre de la banda Depeche Mode. A finales de junio, la banda ya había hecho 46 presentaciones en vivo desde febrero, pero la gira no se detiene y la banda se une al "Ozzfest", apareciendo con Avenged Sevenfold, Dragonforce, Disturbed, Hatebreed y System of A Down.

La banda toma un pequeño descando antes de iniciar su propia gira por Europa, con 38 fechas en 15 países, apoyados por Poisonblack y otras bandas, la cual es todo un éxito. En octubre del 2006, Lacuna Coil lanza su tercer sencillo, "Closer", el cual posee un sonido diferente al estilo característico de la banda. Una semama después del fin del tour europeo, la banda regresa a Estados Unidos para unirse a la gira "Blackest of the Black Tour", de Danzig, el cual dura dos semanas hasta finales de noviembre del 2006.

La banda inmediatamente hace 2 presentaciones en México, siendo ésta la primera vez que tocan en este país desde su gira "Halflife on Tour" en el 2000. El tour del 2006 terminando con una gira de 13 fechas con In Flames, el cual termina una semana antes de Navidad.

Visual Karma (Body, Mind and Soul)

Lacuna Coil tiene el primer DVD en vivo, fue lanzado en noviembre del 2008, titulado Visual Karma (Body, mind and soul)]]. El CD / DVD es una retrospectiva de todas las cosas de la banda "Karmacode" álbum del ciclo. La lista de características establecidas conciertos filmados en Alemania Wacken Festival y en japonés Loudpark Festival en el 2007.

Shallow Life (2009)

En la revista Rock Sound, se anunció recientemente que Lacuna Coil va a lanzar el quinto álbum de estudio, que será producido por Don Gilmore, que tendría influencias árabes.

Cristina Scabbia anunció a Rock Sound, "Es diferente, pero es nuestro estilo. No hemos hecho nada absolutamente diferente a nuestro estilo, ya que no sería natural, que sería raro - lo que no sería con nosotros. Las canciones son definitivamente más poderosas, más completas, más intensas, más directamente a los puntos ".

Andrea Ferro dijo a Rock Sound, "Hemos puesto más atención en el verdadero significado de las canciones, así que las voces son un poco más prominentes. Hemos trabajado mucho con [[Don Gilmore] ] sobre la pronunciación de las palabras en Inglés, por lo que la gente realmente pueda entender el significado de las palabras. Hay coros mas fuertes, donde la gente pueda relacionarse y entender realmente lo que queremos decir ".

El 13 de diciembre, se reveló que el álbum se llamara Shallow Life , en la primavera de 2009. De acuerdo a un puesto en la banda de MySpace en Febrero 11 del 2009, el álbum será lanzado en Europa el 20 de abril y en los Estados Unidos el 21 de abril.

En febrero y marzo del 2009, Lacuna Coil esta desempeñando en el Australian Soundwave festival de música con otros grandes del metal actores incluidos DevilDriver, In Flames, Lamb of God, y Nine Inch Nails. El festival abarca los 5 continentes capitales, en la que realiza su nuevo single, Spellbound, desde el próximo álbum por primera vez.

Pagina: http://www.lacunacoil.it/

Paul van Dyk

Paul van Dyk (16 de diciembre de 1971), cuyo nombre real es Matthias Paul, es un DJ de música trance y productor de renombre mundial. Actualmente es considerado el tercer mejor DJ del mundo por TheDjlist, según las votaciones de 2007; así como el cuarto mejor DJ del mundo según las votaciones de DJmag, la cual le concedió el primer lugar en los años 2005 y 2006.

Biografía

Nacido en Eisenhüttenstadt, Alemania, comenzó su carrera musical en el club berlinésTurbine en 1991. Cuando van Dyk nació, Eisenhüttenstadt se encontraba en la República Democrática Alemana por lo cual tuvo que valerse del contrabando de casetes de música que provenían del extranjero para poder escuchar la música de aquella época. Fue entonces cuando Paul comenzó a hacer mezclas de canciones para sus amigos. Cuando cayó el Muro de Berlín Paul pudo florecer como músico. Se inició en Turbine. Fue en esta discoteca donde un amigo le sugirió que siguiera mezclando después de oír algunas de sus mezclas en cassette, y fue así como inició su carrera.

Su primera producción fue una colaboración con Cosmic Baby (usando el sobrenombre Visions of Shiva) que fue lanzada en 1992. El siguiente año, Paul pudo obtener un poco de reconocimiento, mientras trabajaba en la legendaria discoteca, E-Werk en Berlín, por su remix de "Love Stimulation" del artista Humate. Paul lanzó su primer álbum en 1993, el cual fue titulado como 45 RPM.

En 1997 Paul ya había podido obtener bastante fama como DJ y gracias a su segundo álbum, Seven Ways, pudo establecerse como un pionero del género de trance. Seven Ways fue el primer éxito que tuvo "PvD" en el Reino Unido gracias a los sencillos "Forbidden Fruit", "Seven Ways" y "Words" ya que estas canciones llegaron a escucharse en las discotecas británicas más grandes durante el fenómeno del superclub en dicha nación. En esta época "PvD" comentó: "Cuando dedujeron que yo era alemán, ya era demasiado tarde!" En 1998 45RPM salió a la venta en el Reino Unido y alcanzó el primer lugar en ventas. Van Dyk produjo el remix de "For an Angel" titulado "1998 E-Werk remix" para celebrar la popularidad de 45RPM y en honor a la discoteca que ya para ese entonces había cerrado sus puertas. "For An Angel" es ampliamente considerada como una de las primeras canciones trance épicas y capturó la esencia del género emergente, el trance melódico. La canción también fue considerada como la segunda mejor canción de música electrónica del pasado milenio.

Gracias a la fama de "For An Angel", Paul llegó a ser el DJ residente de la discoteca Gatecrasher Club (parte de la franquicia Sheffield). En una declaración que sorprendió a muchos, Paul declaró su rechazo total a las drogas y aunque algunos esperaban que esto lo apartara de sus fans, dicha movida causo que varios clientes regulares de Gatecrasher comenzaran a ponerse camisas con el logo "No Pills, Pure PvD" (No píldoras, Puro PvD). En 1999 (mismo año que en que nacieron susodichas camisas) se formó la discográfica Vandit Records en la cual Paul van Dyk pudo obtener una mayoría de acciones y también en ese año se lanzo el álbum Vorsprung Dyk Technik: The Remix Collection el cual vendió más de 60.000 copias en el Reino Unido.

PvD lanzó su tercer álbum (grabado en un estudio) titulado Out There and Back en el cual incluyó el sencillo "Tell Me Why (The Riddle)" en el cual colaboró con Saint Etienne. En el 2001 van Dyk lanzó el álbum The Politics of Dancing y después de una larga gira en el 2003 lanzó su DVD Global. Ese mismo año, Paul produjo su álbum Reflections (inspirado en sus viajes por África) en el cual destacó una colaboración con Hemstock & Jennings titulada "Nothing but You", tema que fue utilizado en el juego Need For Speed Underground 2 de EA Games. En el 2005 salió a la venta el más reciente álbum de van Dyk, The Politics of Dancing 2 y también lanzó el sencillo titulado "The Other Side".

Paul van Dyk se ha convertido en un DJ de fama internacional, demandado desde Hong Kong hasta Los Ángeles. Paul se involucra a menudo en la política aprovechando su celebridad. Fue uno de los primeros DJs que formaron parte de la campaña "America Rocks the Vote" en 2004 y ha sido visto llevando una camiseta que con la frase "Stop the War". Actualmente Paul utiliza dos Mac PowerBook (ordenadores portátiles), para sus éspectaculos en vivo; dichas laptop utilizan los software Serato Scratch y Ableton Live lo cual se dice le da más energía a los eventos. Este método le ha dado la capacidad de crear mixes en el momento en vez de llevarlos ya grabados.

En una encuesta realizada en el 2005 por la revista DJmag, Paul van Dyk obtuvo el título de DJ #1 del mundo lo cual terminó con el reinado de tres años consecutivos de DJ Tiësto. Nuevamente en 2006 continúa siendo el DJ que encabeza la lista de dicha revista, elegido por mayoría de votos provenientes de 229 países alrededor del mundo. A la fecha, PvD continua llevando al trance a distintos niveles de innovación.

El también emprenderá un tour en apoyo de su nuevo álbum " In Between " comenzando en agosto de 2007 alrededor del Mundo.

Colaboro en el 2008 parte del soundtrack del videojuego Mirror's Edge en el track "Still alive" interpretada por Lisa Miskovsky , de la cual hubo otros remixes interpretados por Benny Benassi, Junkie XL, Teddybears y Armand Van Helden. el remix se dio a conocer en un trailer del juego en donde se muestra el modo on line en el mismo año.

Paul van Dyk tiene un programa de radio semanal en la emisora alemana Fritz, se emite cada miércoles de 20:00 a 22:00 (CET).

Pagina: http://www.paulvandyk.de/

Quincy Jones

Quincy Delight Jones, Jr. (Chicago, 14 de marzo de 1933), Quincy Jones, compositor, director, arreglista y productor estadounidense de música. Su ámbito de interés musical abarca el R&B y el jazz (swing y bop), con frecuente tendencia a su fusión. Asimismo, es intérprete ocasional de trompeta y piano, y cantante.

También está vinculado al mundo del cine produciendo películas y componiendo para ellas, Austin Powers, por ejemplo. Como productor, es famoso sobre todo por haber sido coproductor de los tres álbumes más famosos de Michael Jackson: Off the Wall, Thriller y Bad. También dirigió la orquesta de Frank Sinatra y produjo el último álbum de Sinatra con temas originales, no recopilatorio (L.A. is my Lady). A lo largo de su carrera ha recibido un total de 25 premios Grammy. En 2008, fue homenajeado por el Festival de Jazz de Montreux. Es el padrino de Nicole Richie.

Quincy Jones, se ha convertido en una de las figuras mas importantes de la música en los últimos tiempos. Su familia se traslada a Seattle cuando contaba con 14 años. En la ciudad toca la trompeta en clubes de soul. Toca en la "Lionel Hampton’s big band" y en la banda de la "Berklee School of Music" en Boston, Massachussets. En 1950 viaja a Nueva York donde se dedica a escribir, arreglar y grabar a bandas que tocan en los clubes de jazz de la ciudad. Allí conoce y se relaciona con Thelonius Monk, Charlie Parker, y Miles Davis. A mediados de la década de los cincuenta, se traslada a Paris y trabaja como director musical de Barclay Records y también como compositor y arreglista.

En 1961 regresa a Nueva York, donde se convierte en vicepresidente de Mercury Records siendo uno de los primeros Afro-americanos con esa posición en la industria del disco. En la compañía produce a artistas como Peggy Lee, Tony Bennett y Sarah Vaughan. En 1963, recibe el primer Grammy por los arreglos de "I Can’t Stop Loving You" grabado por la Count Basie Orchestra. Escribe canciones para películas y series de televisión. En 1965, graba la banda sonora de "The Pawnbroker", dirigida por Sidney Lumet, siendo el primer negro norteamericano en componer para el cine.

Otras películas en las que compuso la música fueron In Cold Blood (1967) y The Color Purple (1985), y For Love of Ivy (1969). Para televisión compuso para series como "Ironside", y "Bill Cosby". Ficha por A&M Records donde grabó en 1961 "Quintessence". Graba "Walking In Space" (1969) y "Smackwater Jack" (1971) .

Ha recibido 22 premios Grammys, en reconocimiento a sus méritos musicales y es el artista que más nominaciones ha recibido para el Grammy. Media docena de Universidades le han otorgado doctorados "honoris causa" y ha recibido muchísimos galardones, como el Premio Emmy por la música del episodio de apertura de 'Roots', siete nominaciones al Oscar, el Premio "Jean Hersholt Humanitarian" de la A.M.P.A.S., el Premio "Trustees" de la N.A.R.A.S.

Francia le otorgó, la Legión de Honor. También ha recibido el Premio de las Artes y Letras del Ministerio francés de Cultura, el codiciado Premio Polar Music de la Real Academia Sueca, y el Premio Rodolfo Valentino de la República Italiana.

Paginas:
http://www.quincyjones.com/
http://www.quincyjonesmusic.com/

The Beach Boys

The Beach Boys es un grupo musical estadounidense formado en 1961, representante del estilo californiano de vida de los años 60. Formado por tres hermanos Brian (compositor, vocales, bajo, piano), Carl (guitarra, vocales) y Dennis Wilson (batería, vocales), junto con un primo de la familia, Mike Love (vocal) y un compañero de estudio de Brian, Al Jardine (guitarra, vocales).

Los Beach Boys demostraron ser uno de los grupos mejor producidos durante los 60 llegando a su mejor momento en 1966 al lanzar unos de los álbumes más aclamados por la crítica "Pet Sounds" y el sencillo número uno "Good Vibrations". Paul McCartney dijo que "Pet Sounds" es el mejor álbum vocal jamás grabado y el álbum que les inspiro a él y a John Lennon a escribir Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, que es considerado por la Revista Rolling Stone como el mejor álbum del siglo seguido en el número dos "Pet Sounds".[1] Paul McCartney ha dicho públicamente que su canción preferida es "God Only Knows".[2]

El grupo al principio estaba formado por Brian "el gran compositor y cantante", sus hermanos, Carl y Dennis, su primo Mike Love, y su amigo Al Jardine. Este quinteto principal, con David Marks y más tarde Bruce Johnston, fue puesto en el Rock and Roll Hall of Fame Class en 1988. A menudo llamaban a los Beach Boys como "la banda de Estados Unidos".[3] [4] [5] Allmusic.com ha declarado que "la capacidad infalible de la banda... hizo del primer y el mejor conjunto de rock de los Estados Unidos". El grupo ha tenido treinta y seis entradas en el 40 Top hits (la cantidad más grande que cualquier conjunto de rock estadounidense) y cincuenta y seis entradas en el 100 Top hits, incluyendo a cuatro sencillos número uno.

Según Billboard Magazine, los Beach Boys es la banda con más sencillos y álbumes vendidos en los Estados Unidos, The Beach Boys están en el puesto No. 1.[6]

El álbum Pet Sounds está en el puesto 2, en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone, The Beach Boys Today! entró en el puesto 270, Sunflower en el 380.[7] También figuran con tres canciones entre las cien primeras de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos con "Good Vibrations" en el puesto 6, "God only Knows" en el puesto 25, "California Girls" en el puesto 71, y otras cuatro canciones más en el resto de la lista.[8]

Historia

Los Beach Boys al inicio de su carrera musical

El grupo surgió en 1961 con el éxito apenas regional "Surfin'", los integrantes eran los 3 hermanos Wilson, Brian, Dennis y Carl, su primo de primer grado Mike Love y Alan Jardine, un compañero de estudios de Brian de la preparatoria, y juntos elaboraron las armonías más difíciles y maravillosas que se habían escuchado hasta el momento en un grupo musical, con el talento de Brian y su estupenda habilidad dentro del estudio que crecía a pasos agigantados.

Los Beach Boys supieron andar en el éxito comercial y el desarrollo artístico manteniéndose siempre como el mejor grupo de los Estados Unidos.

Brian, Carl y Dennis Wilson de niños

Los orígenes del grupo están en los suburbios de Los Ángeles, en Hawthorne, California al sur de los Ángeles muy cerca del océano pacífico. Brian, Dennis y Carl eran hijos de Murry Wilson, un compositor de medio tiempo frustrado y en ocasiones un padre abusivo. Los tres hermanos crecieron a muy pocos kilómetros del mar. Sólo Dennis surfeaba, pero todos ya armonizaban siendo muy jóvenes, incitados por la fascinación de Brian y por los vocales de los 50's, como los Four Freshmen y los Hi-Los. Muy a menudo se unía a ellos su primo Mike Love, y el grupo se completó al llegar un amigo de la secundaria y compañero del equipo de Football americano, Al Jardine. La idea de escribir músicas que hablaran del mar y la playa provino de Dennis, ya que una vez llegó diciendo al grupo que deberían componer una música acerca del surf. Brian sin embargo ha declarado en entrevistas que le teme al agua.

El grupo con David Marks

Los Wilson, con la ayuda de Murry Wilson, el padre de los 3 hermanos, alquilaron los instrumentos musicales (con Brian en el bajo, Carl en la guitarra, y Dennis en la batería) y alquilaron también el tiempo en el estudio para grabar "Surfin'" el nuevo número escrito por Brian y Mike; este sencillo fue lanzado en 1961 por la disquera Candiz con el nombre de "The Pendletones" (la marca de camisa que estaba de moda en la época). Estuvo a cargo de la negociación con la discográfica Murray, el padre, quien se convirtió en el manager del grupo. Antes de que el material fuera lanzado para Capitol Records, Alan Jardine dejó la banda para ir a estudiar odontología en una universidad de Midwest. En ese tiempo que estuvo fuera de los Beach Boys fue reemplazado por un amigo de Carl, David Marks, quien es el que aparece en las portadas de los primeros discos "Surfin' Safari" y "Surfer Girl".

Dennis Wilson comentó que la primera vez que fueron escuchados en la radio estaban en el Ford '57 de Brian, en Hawthorne Blvd cuando el locutor anunció "A continuación un grupo del sur de California, interpretando su canción "Surfin'"; "fue lo máximo", dijo Dennis, y añadió que nunca más vería la misma expresión en la cara de Brian así. En año nuevo de 1961, fueron contratados para tocar 3 canciones en el "Long Beach Municipal Auditorium"; Mike dijo extasiado que les habían pagado 300 dólares no por trabajar sino...por tocar música!!!

Finalmente, a mediados de 1962 los Beach Boys debutaron con Capitol Records, con Surfin' Safari, esta música, más elaborada que su predecesora "Surfin'" entró en la lista de las "Top 20" y ayudó a dar a conocer la locura del nuevo ritmo surf rock, que comenzaba a florecer en el sur de California, gracias a artistas como Dick Dale, Jan & Dean, The Chantalls, y muchos más), después surgió Surfin' USA, que entró dentro de las "Top 10" en 1963 antes que Alan Jardine regresara de la Universidad y retomara su lugar en el grupo. Para ese momento, los Beach Boys ya habían grabado sus dos primeros álbumes, cada uno con 12 canciones de las cuales varias se convirtieron en éxitos. No obstante que la política de Capitol era que el grupo trabajara con un productor de estudio, Brian pronto se hizo cargo de las sesiones y comenzó a expandir el estilo del grupo más allá del simple surf rock.

A finales de 1963, los Beach Boys habían grabado 3 LPs, y habían tenido muchos éxitos individuales que entraron en las "Top 10", y el grupo había comenzado a hacer giras incesantemente. Por otra parte, Brian comenzó a crecer como compositor y productor, lo que se percibió en el tercer álbum del grupo "Surfer Girl", donde aparece, por primera vez, el nombre de Brian como productor del disco.

Aunque predominan en el álbum las canciones de corte surf, dos canciones se distinguían del resto "Catch a Wave" y "In my Room", mostrando el crecimiento a pasos agigantados de Brian como compositor y productor y en las armonías musicales, un hecho sorprendente tomando en consideración que el grupo llevaba apenas 2 años. La intensa atención de Brian a los sonidos de Phil Spector pagó sus dividendos y mostró su profundo conocimiento de las profundidades musicales.

En 1964, "I Get Around", fue el primer sencillo en alcanzar el número uno en la carrera de los Beach Boys, llevándolos a la cima de la popularidad. El LP "Beach Boys Concert" se mantuvo 4 semanas en la lista de "álbum charts". El grupo también hizo giras promocionales en Europa (en donde sería Gran Bretaña más tarde un país en que los aclamarían más que en su propio país), pero las presiones y prisas fueron demasiado significativas para Brian: al final de ese mismo año, decidió renunciar a las giras para concentrarse en la producción en el estudio. Glen Campbell se unió brevemente al grupo, y luego fue Bruce Johnston quien tomó el lugar de Brian permanentemente. Con los Beach Boys como mensajeros musicales (Dennis decía que Brian era los Beach Boys y el grupo sus mensajeros), Brian comenzó a trabajar a tiempo completo en el estudio, escribiendo canciones y rodeándose de la crema de músicos de los Ángeles, que grababan pistas de fondo con Carl, Dennis, Mike y Alan Jardine, quien para ese momento había ya regresado a hacer coros con el grupo, reemplazando a David Marks.

Brian

Éste sería un aviso de lo que estaba por venir, mostró a todos que Brian estaba camino de nuevas dimensiones musicales, así "The Beach Boys Today!" se convierte en un ensayo a lo que seguiría después Pet Sounds; pero antes, dos nuevos LPs siguieron a "The Beach Boys Today!" en 1965, "Summer Days (and Summer Nights!!)" en el que el sencillo "Help me Rhonda" se convirtió en el segundo en entrar como número uno en las listas en 1965 y "Beach Boys' Party!"; "Summer Days" muestra "California Girls", reconocida como una de las mejores fusiones en la producción de Brian, con una melodía contagiosa y estupendas armonías (California Girls tiene el intro preferido de Brian con el grupo). Sin embargo después de esos brillantes momentos, le siguen canciones mediocres como "Amusement Park USA", "Salt Lake City", y "I'm Bugged at my Old Man", pareciendo un retroceso a lo conseguido en "The Beach Boys Today!". Cuando Capitol Records les pidió un disco para ser lanzado para finales de ese año,"Beach Boys' Party!" resultó ser un éxito, consiguiendo ventas altas y convirtiéndose el sencillo "Barbara Ann" en una agradable sorpresa. Este álbum es una serie de canciones grabadas en el ambiente de una fiesta en casa de Brian. Viéndolo en retrospectiva esos dos álbumes fueron una preparación para el que sería el mejor álbum hasta hoy.

La transformación de grupo Surf a grupo Pop

La mayor transformación del grupo hacía la música popular se da por 1965 con álbumes como "Today!" y "Beach Boys Party".

The Beach Boys Today!

Mientras la mayor parte de "Today!" estaba siendo grabado en enero de 1965, él informó que para el resto de la banda que él quería quedarse en el estudio y crear su música mientras los Muchachos tocaran en público. La banda de mala gana estuvo de acuerdo, y después de una breve alianza con Glen Campbell en el lugar de Wilson, Bruce Johnston, un músico (y el ex-compañero, con Terry Melcher en el Ripchords) y el admirador principal del grupo, se hizo de los Beach Boys el bajista en abril de 1965 como "Today!" era creciente en traza. Muchos consideran que "Today!" marcaba el principio de la maduración artística de Brian Wilson.

Muchos consideran "The Beach Boys Today!" más resuelto "y maduro" que otros álbumes en el tiempo que hacía de 1965 un camino hacia Pet Sounds. Sin embargo, el movimiento en el estilo tenía poco efecto perjudicial, concerniendo ventas; "Today" era una #4 venta de oro en EE.UU, y el año siguiente alcanzaría #6 en el Reino Unido.

Summer Days (and Summer Nights!!)

Fue la continuación del álbum "The Beach Boys Today!": seguramente tenía sus momentos progresivos, pero también fue sobrecargado por su adhesión a la "fórmula" típica de la banda: sol, verano y diversión. Es un álbum del primer cambio de género para los Beach Boys.

Mientras en la superficie Summer Days (and Summer Nights!!) pareció ser un retroceso a los ideales despreocupados de All Summer Long, Brian Wilson con cuidado había tejido pistas de música intrincadas bajo las palabras alegres de "Amusement Parks U.S.A." y "Salt Lake City". Él también inventó un instrumental acertado con cuerdas ("Summer Means New Love") y aún tranquilo el intro sinfónico a su nuevo -y sensacional- "California Girls" (el intro es el favorito personalmente de Brian de su carrera entera).

Pet Sounds

La música de los Beach Boys, desde que se formaron a principios de la década de 1960, era muy melódica y destacaba por sus armonías vocales, sello del grupo. Sin embargo, conmovido por la gran riqueza de las composicíones de John Lennon y Paul McCartney (de los Beatles) Brian Wilson quiso dar un paso adelante y hacer un disco personal y arriesgado, en el que volcar sus experiencias personales. Fue así como, junto al músico y publicista Tony Asher, comenzó a componer temas para un álbum que rompería con todo lo que había hecho antes el grupo. Incluso consideró la posibilidad de editar el disco como un trabajo en solitario.

Más tarde el resultado, lanzado en mayo de 1966 fue "Pet Sounds", y justificó el esfuerzo del grupo. "Pet Sounds" es aún el álbum mejor producido y que más ha influenciado los LP's de pop de todos los tiempos, "Pet Sounds" es la culminación de tantos años de composiciones y producciones perfectas. La crítica aclamó "Pet Sounds", llamándolo "Lista De Los 500 Mejores Álbumes De Todos Los Tiempos" según MOJO, contando con canciones tan importantes como "God only Knows", "Wouldn't it be nice", que cuentan con vocales impecables de Carl Wilson y la dulce "You still believe in Me" por mencionar algunas, pero la nueva dirección tomada por los Beach Boys no impresionó demasiado a los fanáticos norteamericanos, y, a pesar de haber entrado en los "Top 10", "Pet Sounds" increíblemente no obtuvo el disco de oro en USA (el primero en no conseguirlo desde el primer álbum). En contraste, la reacción mundial fue más que positiva. En Inglaterra, el álbum alcanzó el segundo puesto e hizo merecedores a los Beach Boys de honores como mejor grupo en las encuestas realizadas a final de año por la NME, estuvieron por encima incluso de los Beatles. Según palabras de Paul McCartney, no se puede tener una formación musical si no se ha escuchado "Pet Sounds", y él inculcó a sus hijos educación musical haciéndoles escuchar Pet Sounds, junto con otras obras que él considera clásicas e imprescindibles.

Pet Sounds incorpora músicos profesionales ya que los Beach Boys restantes contribuirían poco en la instrumentación, para concentrarse en el trabajo vocal. Por primera vez, Wilson se sentía satisfecho con un trabajo. No obtuvo el éxito al que el grupo estaba acostumbrado (fue su primer gran fracaso comercial), pero sí una obra artística que, según el propio Paul McCartney, "es el mejor disco vocal jamás grabado" y sirvió de inspiración para el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), obra cumbre de los Beatles.

Un detalle que se destaca de este álbum es que en una de las canciones "God Only Knows" es la primera vez que se menciona la palabra Dios en una canción.

Smiley Smile

Lanzado en lugar de "SMiLE", Smiley Smile es extensamente bajo en producción, y fue recibido con la indiferencia y la confusión en su revelación. Sin embargo, Smiley Smile ha logrado crecer en estatura durante los años para hacerse un favorito de culto de los Beach Boys del catálogo grabado.

Cuando "Smiley Smile" finalmente fue lanzado en septiembre, después de los meses de promoción, su recepción crítica era in-entusiástica, alcanzando su puesto máximo en sólo #41 en Estados Unidos. Su recepción comercial de unos meses más tarde en el Reino Unido era aún mejor; esto alcanzó #9 en Gran Bretaña. Carl Wilson, lo ha llamado "un bunt en vez de un éxito magnífico"; la comparación "Smiley Smile" al álbum muy fabuloso que no se habría lanzado y que este mismo lo sustituyó "SMILE". "Smiley Smile" es el álbum menor en venta de los Beach Boys, y es sin duda el álbum más polémico.

Good Vibrations

El siguiente sencillo del grupo "Good Vibrations" fue escrito originalmente para Pet Sounds, pero Brian lo eliminó de la lista porque quería tener más tiempo para la producción de Pet Sounds y sólo lo retomó una vez finalizado el álbum. A "Good Vibrations" le dedicó 6 meses (y 12 diferentes estudios). Brian se refería a esta canción como "una sinfonía de bolsillo" y fue lanzada en octubre de 1966, cerrando el año como el tercer sencillo en alcanzar el número 1 y en ser considerado hasta la fecha uno de los mejores sencillos de todos los tiempos. Durante 1966 y 1967 Brian trabajó sin descanso en el que sería el siguiente álbum del grupo, un proyecto titulado "Dumb Angel", que más tarde decidió nombrarlo "Smile": después del éxito de "Pet Sounds" Brian quería superarse a sí mismo y lograr algo magistral, para ello contrató al letrista Van Dike Parks como socio en la composición; grabaron horas y horas de tracks fragmentados que se volvieron más y más especulativos cuando los meses transcurrían. El grupo comenzó a preocuparse por la dependencia cada día más fuerte de Brian a las drogas y comenzaron las hostilidades entre ellos al ser llamados para hacer los vocales a las letras que había escrito, y que ellos consideraban absurdas e incoherentes. Pronto se formó una grieta entre el grupo y Brian, pues ellos sentían que el consumo de mariguana y LSD había nublado el juicio de Brian y a su vez Brian sentía que lo querían contener. Conforme transcurría el tiempo Brian comenzó a trabajar menos horas. Por primera vez en la carrera musical del grupo, él se sentía inseguro del rumbo que estaba tomando. Smile aún era editable pero todo se hizo polvo en mayo cuando Brian canceló oficialmente el proyecto, sólo unas semanas antes del lanzamiento de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles. Más tarde en agosto, el grupo finalmente lanzó el sencillo "Heroes and Villains". Muy parecido con el fragmentado estilo de "Good Vibrations", aunque notablemente inferior, este sencillo no entró en las "top 10". Ese mismo otoño, el grupo se reunió en la mansión de Bel Air de Brian convertida en Estudio y grabaron nuevas versiones de varias canciones del álbum Smile y otras pocas grabaciones y este álbum tomó el nombre de "Smiley Smile". Carl se refirió al álbum como "un golpecito en lugar de un trancazo musical" y la falta de cohesión del álbum destruyó la naciente reputación de los Beach Boys como grupo Pop.Mientras los Beatles entraban de lleno en la época psicodélica, los Beach Boys se mantuvieron con las multitudes de adolescentes, que muy pronto comenzaron a ver al grupo como conservador y recatado. En el verano de 1967 se les presentó en el Monterey Pop Festival la oportunidad perfecta para salir de ese estereotipo de grupo conservador, sin embargo la desperdiciaron al lanzar justo antes del festival el Album bastante básico "Wild Honey", la critica, el público y las radiodifusoras se sintieron muy desilusionados y lo mismo sucedió en 1968 con "Friends"; sin embargo con el paso del tiempo estos discos se consideraron obras maestras, una vez aceptado como un grupo diferente al conocido en 1966 durante su época surf rock entrando "Do it Again" en el "Top 20", pesar de ser considerada como oldie.

Resulta irónico que álbumes excepcionales como "Wild Honey" o "Friends" hayan sido reconocidos sólo tiempo después; el mundo estaba cambiando y los Beach Boys lo entendieron antes que las multitudes, a quienes les tomó más tiempo familiarizarse con esta nueva tendencia.

Finales de los 1960

A finales de 1969, el ultimo álbum de los Beach Boys sería 20/20, fue recibido mucho mejor que sus predecesores Wild Honey y Friends, sin embargo Capitol Records no les renovó el contrato. Un año después los Beach Boys firmaron con Reprise.

Con el aumento de problemas emocionales y el florecer la cocaína, la afición de Brian Wilson, comenzó a retirarse de las sesiones de grabación de la banda. Unos han especulado que él abandonó la banda completamente en este tiempo, y que volvió en "Break Away" y Sunflower para las sesiones de grabación, dejando a los demás tomar la responsabilidad aún más creativa.

Tras la ausencia del hermano mayor Wilson, los dos hermanos más jóvenes Dennis Wilson y Carl Wilson comenzaron a tomar el timón tanto dentro como fuera de la sala de control del estudio. Carl produjo una versión con Phil Spector "I Can Hear Music", dando a los Beach Boys su último 40 Top estadounidense durante los siguientes siete años. Dennis progresó de sus contribuciones en "Friends" para entregar el dramático y dinámico "Be with Me" y "All I Want to Do", cantado por Mike Love y destacar un interludio rápido no apto para menores de 18 años en el desaparecer. Sin lugar a dudas, el momento más polémico sobre "20/20" es Dennis "Never Learn Not to Love".

Los años 70's para los Beach Boys

Durante los años 70's, los Beach Boys mantuvieron su estatus de grupo musical en primera categoría con Brian más en el estudio, componiendo y produciendo pero menos presente en las giras, donde aparecía apenas esporádicamente. Fue durante los 70's que apareció el álbum "Sunflower" donde cada miembro reveló su propio talento, que durante los 60's había estado en la sombra; fue en esta década que Carl se convirtió en un sólido y distintivo productor y Mike, que tomó el lugar de Brian como el líder de la banda y se mantuvo como el foco visual al ser el representante del grupo en los shows en vivo. Por su parte Dennis desarrolló su propio talento como escritor musical, y en los shows seguía siendo el más carismático del grupo.

Principios de los 70's

Los Beach Boys habían evolucionado y dejaban de ser el grupo de música surf rock para convertirse en un grupo de música Pop totalmente nuevo con músicas y letras más acordes con su ganada madurez.

El primer LP para Brother/Reprise fue "Sunflower" en 1970, un sorprendente y poderoso álbum, que anunciaba el regreso de las maravillosas armonías de mediados de los 60s, que los habían hecho famosos, y contaba con muchas canciones escritas por diferentes miembros el grupo, mostrando el talento individual de cada uno de sus miembros y la maravillosa cohesión del grupo.

La canción "Surf's Up", fue reciclada del proyecto Smile para este álbum y vio la luz dando nombre al siguiente álbum lanzado en 1971, el amplio material de "Surf's Up", aunque excelente fue poco comercial igual que Pet Sounds y otros, Brian Wilson lo considera uno de los mejores álbumes de los Beach Boys y Leonard Bernstein inmortalizó "Surf's Up" en un especial para la televisión. Durante las sesiones del álbum, Dennis Wilson se cortó la mano y no pudo tocar la batería. A inicios de 1972 contrataron al batería Ricky Fataar, que substituiría al lastimado Dennis, (quien se lastimó la mano al romper una puerta de vidrio y este hecho lo incapacitó por una buena temporada), y al guitarrista afroamericano Blondie Chaplin, mostrando de esta manera, que no hicieron conscientemente, que no eran un grupo conservador, republicano de sólo chicos sufistas blancos; los nuevos integrantes eran miembros de un grupo de rock sudafricano llamado "The Flame" del cual Carl produjo su LP debut para Brothers Records el año anterior. "Carl and the Passions - "So Tough"" fue el primer álbum que salió con Fataar y Chaplin como miembros del grupo. Por primera vez un álbum del grupo sonba totalmente diferente a su sonido clásico, la estabilidad emocional de Brian declinaba cada vez más, y se encerró en su Mansión de Bel Air sin tener contacto con el mundo exterior. Aún contribuía esporádicamente escribiendo canciones, pero ya no era miembro activo del grupo ni aparecía en portadas de los discos.

Los problemas de la banda

Lo que aún no se sabía era que, además de su adicción a las drogas, Brian Wilson era bipolar, enfermedad que sólo se le diagnosticó años después, pero que le hacía sufrir depresiones que abarcaban desde ataques de pánico, agarofobia y estados de euforia. Aunque no está claro qué fue lo que impulsó al grupo a emprender tal riesgo, la discográfica autorizó un presupuesto enorme para la creación del siguiente álbum (además de un nuevo estudio de grabación) en Ámsterdam, así los Beach Boys volvían a emerger en 1972 con "Holland", el LP con dificultad llegó a las "Top 40", y la canción "Sail on, Sailor" que originalmente iba a ser cantada por Dennis fue finalmente cantada por Chaplin, y fue tocada esporádicamente en las estaciones de radio, "Holland" no contribuyó en nada a mejorar al grupo que estaba decayendo, no obstante que "Sail on, Sailor" es una canción muy buena.

A mediados de los 70's o sea por 1975 o 1976 los Beach Boys dejaron de grabar, y se concentraron más en sus actuaciones en vivo, y esto se convirtió en una experiencia increíble, éste fue un movimiento inteligente, y sacaron "The Beach Boys in Concert" en 1973. En este período Brian no estaba muy involucrado, lo que dejaba al grupo bajo una tremenda presión, pero el esfuerzo del grupo pagó sus frutos, pues sus conciertos fueron muy exitosos, y sus famosos conciertos del "4 de julio" (día de la independencia de los Estados Unidos) fueron muy populares.

De los Wilson siempre se ha dicho que Brian, con su talento, es el cerebro del grupo, Dennis con su amor al grupo y amor a la playa, el corazón, y Carl, el dulce y conciliador de los Wilson, el alma del grupo.

A mediados de 1974 Capitol Records "sacó del baúl2 varias canciones y editaron un nuevo disco de éxitos, "Endless Summer" tanto el grupo como Capitol no daban crédito que ese LP alcanzara el número uno, y se mantuvo casi 3 años en las listas, y se convirtió en un álbum de oro. "Endless Summer" capitalizó con la creciente fascinación del público con la música oldie. Inclusive la revista "Rolling Stone" que nunca se había mostrado amigable con los Beach Boys los nombró a finales de ese año "grupo del año". Ese mismo año fue otra colección, esta vez, "Spirit of America" la que llegó a las "top 10". Éste fue el combustible que el grupo estaba necesitando y así empezaron a grabar cosas nuevas.

Anunciando la "casi" cierta verdad "Brian's Back" como campaña publicitaria, en 1976 "15 Big Ones" consiguió el balance perfecto entre un par de oldies de los 50's con la moderna y diferente donde los 3 hermanos Wilson Brian, Dennis y Carl logran fusionar sus voces de una manera muy interesante, esta canción fue basada en los sonidos de jazz dixie, convirtiéndose en una agradabilísima sorpresa.

Y nuevamente el álbum entró en el Top 10 y ganó disco de oro en ventas, muy a pesar de que ni Dennis ni Carl querían que este álbum saliera, pues no lo sentían musicalmente armonioso. Luego, al año siguiente, y a pesar de las criticas recibidas por adelantado, Brian Wilson se involucró más en el que sería el siguiente álbum del grupo "Love You" (que casi fue llamado de "Brian Loves You" y lanzado como álbum solo). En este álbum, en contraste con la fatalista canción de inicios de los 70 "Till I Die"; y otras por el estilo, Brian sonaba alegre en canciones pop como "Let Us Go on This Way".

Después del lanzamiento en 1979 del álbum M.I.U. Album el grupo firmó un amplio y jugoso contrato con CBS donde se estipulaba la presencia de Brian Wilson en todos los álbumes. Sin embargo, el breve retorno terminó con dos esfuerzos infructuosos L.A. (Light Album) y "Keepin' the Summer Alive" los Beach Boys entraron a los 80's con más desavenencias entre los miembros, teniendo problemas financieros debido a los malos manejos financieros de Stan y Steve Love, hermanos de Mike Love, los hermanos Wilson comenzaron a resentirse contra Mike y sus hermanos.

Los años 80

El último concierto de 4 de julio con todos los integrantes fue en 1983, ese mismo año, en el 28 de diciembre, el grupo experimentó una fuerte pérdida al perder al corazón del grupo, a Dennis Wilson.

Comparando idiosincrásicamente lo que los fans de las oldies esperaban de los Beach Boys, "Love you" fue el mejor álbum del grupo en años.

En 1980, tanto Dennis Wilson como Carl Wilson habían dejado a los Beach Boys para seguir carreras como solistas. Dennis había ya lanzado su primer álbum, "Pacific Ocean Blue" en 1977 y Carl su casi anónimo debut en 1981. Brian salió del grupo en 1982 luego que su peso llegó a los 150 kilos. La trágica muerte de Dennis Wilson (ahogado en diciembre de 1983) ayudó a juntar de nuevo al grupo, aunque no por mucho tiempo. En 1985, los Beach Boys lanzaron un nuevo álbum titulado "THE BEACH BOYS" el primer álbum sin Dennis Wilson y regresaron a las Top 40 con "Getcha Back". Éste sería sin embargo el último álbum del grupo como tal de los 80's. A pesar de la muerte de Dennis, el grupo intentaba continuar, ellos habían sido Beach Boys durante toda su vida adulta y deseaban seguir siéndolo.

La colaboración de Stevie Wonder en la canción "I Do love you", donde el propio Stevie Wonder tocó casi todos los instrumentos, fue bastante aplaudida, y le imprimió al álbum "THE BEACH BOYS" un toque ochentoso, consiguiendo, de esta manera, entrar en la nueva década por la puerta grande y, demostrando que habían podido adaptarse con nota sobresaliente a todos los retos que les habían impuesto, público, críticos y el tiempo. A mediados de los 80's Brian mostró signos de mejoría tanto mental como física, aunque el resto del grupo se mantenía alerta al respecto de su muy controvertido médico, el Dr. Eugene Landy.

Landy era un psiquiatra de quien se decía conseguía milagros con el impresionable Brian Wilson, al grado de tomar control absoluto sobre la vida de Brian. Landy colaboró con la autobiografía de Brian "Wouldn't it be nice" y escribió la letra de varias de las canciones del primer álbum de Brian como solista en 1988 "Brian Wilson". Tanto la crítica como los fanáticos disfrutaron del regreso de Brian al estudio, sin embargo fue el sencillo "Kokomo" tema de la película Cocktail, el que alcanzó el número 1 en los Estados Unidos ese mismo año, en ese álbum no colaboró Brian en absoluto, y tiene el sello absoluto de Mike Love.

Más tarde ese mismo año apareció una colección llamada "Still Cruisin'" y los Beach Boys demandaron a Brian más con la esperanza de que Brian se retirara de la influencia de Landy que por otra cosa. Más tarde Mike Love demandó a Brian por la regalía de los derechos de autor de varias canciones (Brian ha admitido siempre la colaboración de Mike en casi todas las canciones que éste demandó).

Los 90

A pesar de muchos problemas y pleitos los Beach Boys continuaron haciendo tours durante los 90's, y Mike Love y Brian Wilson volvieron a componer juntos como en los viejos, lanzaron un álbum un poco fuera de época "Summer in Paradise" de 1992. El último álbum de la decada y el último que lanzara la banda es Stars and Stripes Vol. 1, es una colección de grandes éxitos de los Beach Boys interpretados por diferentes cantantes country, con las armonías de los Beach Boys como fondo. También apareció por esos tiempos un documental de Brian Wilson titulado "I just wasn't made for these times" que fue transmitido por la cadena Disney, con música de fondo que incluye tracks de los Beach Boys interpretados por el mismo Brian. Justo cuando parecía que estaban los Beach Boys listos para sacar un nuevo álbum del estudio de grabación, Carl murió víctima del cáncer en 1998. Con la pérdida de Carl se hizo patente que los Beach Boys nunca volverían a ser lo que fueron, y nunca más grabar un álbum de estudio, por esto algunos miembros de los Beach Boys se separaron en carreras de solista.

Mike continúa hasta hoy en día dando conciertos al lado de Bruce Johnston, (quien a veces también hace conciertos al lado de Brian), y una banda que los acompaña. Al Jardine formó un nuevo grupo llamado The Beach Boys Family and Friends que a veces incluye la presencia de Carney y Wendy, las hijas de Brian y, que a su vez, son miembros del grupo Wilson Phillips, de The Mamas & The Papas.

Mike Love ha declarado: "Otra vez la gente alrededor de Brian, mi primo y colaborador de muchos éxitos, de quienes gusto y he cuidado, lo ha usado para su propio beneficio financiero sin el respeto a sus derechos, o a mis derechos, o aún los derechos de los estados de sus hermanos difuntos, Carl y Dennis, y sus niños... A causa de las cuestiones mentales de Brian él siempre era vulnerable a la manipulación. ¡Simplemente quiero parar a los infractores y parar el engaño![9

Pagina: http://www.thebeachboys.com/

Atahualpa Yupanqui

Atahualpa Yupanqui, seudónimo de Héctor Roberto Chavero (Pergamino, Argentina; 31 de enero de 1908 - Nimes, Francia; 23 de mayo de 1992) fue un cantautor, guitarrista y escritor argentino. Se le considera el más importante músico argentino de folclore. Sus composiciones han sido cantadas por reconocidos intérpretes, como Mercedes Sosa, Los Chalchaleros, Horacio Guarany, Jorge Cafrune, Alfredo Zitarrosa, José Larralde, Víctor Jara, Ángel Parra, Jairo, Divididos y Marie Laforêt, entre muchos otros, y siguen formando parte del repertorio de innumerables artistas, en Argentina y en distintas partes del mundo.

Biografía

Héctor Roberto Chavero Aramburo nació el 31 de enero de 1908 en la provincia de Buenos Aires, precisamente en el paraje conocido como Campo de la Cruz, y fue registrado en Pergamino, ciudad distante a 30 km de allí y 224 km al noroeste de Buenos Aires, capital de la República Argentina. Su padre era originario de la ciudad de Loreto, ubicada en la provincia de Santiago del Estero, y tenía sangre quechua. Su madre era vasca española.

Los primeros años de su infancia los pasó en Agustín Roca, pueblo de su provincia natal, donde su padre trabajaba en el ferrocarril.

Allí sus días transcurren entre los asombros y revelaciones que le brinda la vida rural y el maravilloso descubrimiento del mundo de la música, al que se acerca a través del canto de los paisanos y el sonido de sus guitarras: "(...) mientras a lo largo de los campos se extendía la sombra del crepúsculo, las guitarras de la pampa comenzaban su antigua brujería, tejiendo una red de emociones y recuerdos con asuntos inolvidables. Eran estilos de serenos compases, de un claro y nostálgico discurso, en el que cabían todas las palabras que inspirara la llanura infinita, su trebolar, su monte, el solitario ombú, el galope de los potros, las cosas del amor ausente. Eran milongas pausadas, en el tono de do mayor o mi menor, modos utilizados por los paisanos para decir las cosas objetivas, para narrar con tono lírico los sucesos de la pampa. El canto era la única voz en la penumbra (...) Así, en infinitas tardes, fui penetrando en el canto de la llanura, gracias a esos paisanos. Ellos fueron mis maestros. Ellos, y luego multitud de paisanos que la vida me fue arrimando con el tiempo. Cada cual tenía 'su' estilo. Cada cual expresaba, tocando o cantando, los asuntos que la pampa le dictaba" ("El canto del viento", I).

Y la guitarra será un amor constante a lo largo de toda su vida. Luego de un breve y fracasado intento con el violín, comienza a tomar clases de guitarra con el maestro Bautista Almirón, y allí queda marcado a fuego su destino y su vocación. Descubre, además, la existencia de un vasto repertorio que excedía los temas gauchescos.

"Muchas mañanas, la guitarra de Bautista Almirón llenaba la casa y los rosales del patio con los preludios de Fernando Sor, de Costes, con las acuarelas prodigiosas de Albeniz, Granados, con Tárrega, maestro de maestros, con las transcripciones de Pujol, con Schubert, Liszt, Beethoven, Bach, Schumann. Toda la literatura guitarrística pasaba por la oscura guitarra del maestro Almirón, como derramando bendiciones sobre el mundo nuevo de un muchacho del campo, que penetraba en un continente encantado, sintiendo que esa música, en su corazón, se tornaba tan sagrada que igualaba en virtud al cantar solitario de los gauchos" ("El canto del viento", II).

Sus estudios no pudieron ser constantes ni completos, por diversos motivos: falta de dinero, estudios de otra índole, traslados familiares o giras de concierto del maestro Almirón, pero como él mismo señala estaba el signo impreso en su alma, y ya no habría otro mundo que ése: ¡La Guitarra! "La guitarra con toda su luz, con todas las penas y los caminos, y las dudas. ¡La guitarra con su llanto y su aurora, hermana de mi sangre y mi desvelo, para siempre!" ("El canto del viento", II).

Desde que empezó a dar a conocer sus poemas firmaba con el seudónimo de Atahualpa Yupanqui. La etimología de este nombre la dio él mismo: "Viene de lejanas tierras para contar algo" (Ata: viene; Ku: de lejos; Alpa: tierra; Yupanqui: narrarás, has de contar).

Se cuenta que sus manos fueron gravemente dañadas a culatazos por un grupo militar de extrema derecha. Las Coplas del payador perseguido, serían, al parecer, una respuesta a dicha agresión: "y aunque me quiten la vida/ o engrillen mi libertad/ y aunque chamusquen quizá/ mi guitarra en los fogones/ han de vivir mis canciones en l'alma de los demás". Esta canción estuvo prohibida en algunos países, como, por ejemplo, en la España franquista. Atahualpa Yupanqui estuvo exiliado en París, Francia. Murió en ese mismo país, la noche el 23 de mayo de 1992 en una habitación de hotel de la ciudad de Nimes, después de haber pedido un vaso de leche como último gesto antes de ir a dormir.

Hoy sus cenizas descansan en los jardines de su casa museo en la localidad de Cerro Colorado, a la sombra de un roble junto a las de Santiago Ayala "El Chúcaro", un gran bailarín de danzas folclóricas.

Canciones más conocidas

De las 325 canciones de su autoría registradas oficialmente,[2] pueden citarse: La alabanza, La añera, El arriero, Basta ya, Cachilo dormido, Camino del indio, Coplas del payador perseguido, Los ejes de mi carreta, Los hermanos, Indiecito dormido, Le tengo rabia al silencio, Luna tucumana, Milonga del solitario, Piedra y camino, El poeta, Las preguntitas, Sin caballo y en Montiel, Tú que puedes, vuélvete, Viene clareando y Zamba del grillo entre muchas otras.

Pagina: http://www.atahualpayupanqui.org.ar/

Los Calzones

Si bien es una banda viajera, los tres conductores de Los Calzones, el cantante Pingüino, el guitarrista Pitulo y el bajista Pájaro nunca se olvidan de decir que vienen y que son de Lomas de Zamora. El grupo se formó en 1988, y en el 91, cuando el ska ya estaba fuera de moda, lanzó de manera independiente su primer álbum, "Los calzones rotos". "Hubo una época en que ponías la palabra "ska" en un afichecito y se llenaba -cuenta Pitulo-. Pero después fue todo lo contrario. Ska era una mala palabra, algo viejo, pasado de moda. Entonces en ese momento ¿quién nos iba a editar? Por eso juntamos la guita para grabar, y lo hicimos nosotros". Les fue bien, vendieron una interesante cantidad de unidades, y hasta consiguieron ser editados por etiquetas alternativas en muchos países.

En el 93 sacó el segundo, "Porrompompero", otra vez por las suyas. En el 95 hizo "Jungla ska", y al año siguiente vivió la fiebre de la aprobación, cuando puso de pie al público del exigente Festival de la Canción de Viña del Mar, en Chile. Poco después redujo su nombre a Los Calzones y en el verano del 97 editó "Aconcagua", con el hit Te sigo, dedicado a Diego Maradona, al frente.

Ese año. Los Calzones llegaron a hacer 184 conciertos. Y una semana después de que les rescindieran el contrato con PolyGram, firmaron para Sony. Allí hicieron "Mugre". "Dejamos de ser independientes sencillamente porque no dábamos abasto con todo", cuenta Pingüino. La banda tuvo un buen aterrizaje: el disco también fue editado en el mercado estadounidense. "Están haciendo por nosotros más de lo que esperábamos", desliza Pingüino. Sony también los llevó a Los Angeles para grabar "Plástico", con la operación técnica de Gustavo Borner, en el que incluirán covers del rock argentino de los 80 pero obviamente en tempo de ska.

A mediados de 2007 presentaron "Tanguito", grabado en Los Angeles. Con trece nuevas canciones editadas por EMI, contaron con la participación de la cantante mexicana Lila Downs, a dúo con el Pingüino en "Loco".

Discografía:
- Underground en Latinoamérica, 1988
- Los Calzones Rotos, 1991
- Porrompompero, 1993
- Jungla Ska, 1995
- Aconcagua, 1997
- Eras geológicas, 1997
- Mugre, 1999
- Plástico, 2001
- Frecuencia extrema, 2004
- Tanguito, 2007

Pagina: http://www.loscalzones.com/
Fuente: Rock.com.ar

Los Nocheros

En 1986, la tierra salteña, abrazada por el trópico, fue testigo de los primeros acordes de Los Nocheros.
El ámbito de sus comienzos estuvo musicalizado por Los Chalchaleros, Los Fronterizos, Los de Salta, Los Cantores del Alba, Los Nombradores, Daniel Toro; fue entonces cuando supieron forjar esa personalidad y ese sonido auténticamente salteño, que los llevo a recorrer todo el país.
Sus primeras incursiones artísticas, luego del coro polifónico de Salta, fueron como dúo, conformado por Mario y Rubén. Al poco tiempo fueron integrando nuevas voces hasta conformar el cuarteto actual.
La agrupación está integrada por Mario Teruel (barítono, guitarra-arreglos, composición), Jorge Rojas (tenor, voz y composición), César Kike Teruel (barítono, guitarra/charango, composición), y Rubén Sergio Ehizaguirre (tenor, voz y composición).
Con una dinámica artística asombrosa fueron colmando todo tipo de festival, teatro, estadio o anfiteatro en el que actuaran.
En 1994 irrumpieron en Cosquín y obtuvieron la consagración, éste galardón sirvió para certificar el comienzo de un éxito imparable. Obtuvieron, entre otros premios, el Francisco Canaro (S.A.D.A.I.C), el Olimpia (Salta), el Pampa (Córdoba) como artista revelación en 1997 y el Premio Gardel como Mejor Grupo de Folklore y Mejor Álbum del año 1999; y como Mejor Grupo de Folklore en el 2001. También fueron nominados para los Premios Grammy Latinos (2000) en el rubro Mejor Álbum Folklórico.
Buenos Aires fue el siguiente destino. En el año '97 actuaron en el Coliseo, en el '98 lo hicieron en el Teatro Gran Rex, en el '99 llegaron al Luna Park realizando 5 shows.
En abril del 2000 presentaron un mega espectáculo en el Estadio de Vélez Sarsfield y a fines del 2000 volvieron al Luna Park con 8 presentaciones.
En el mes de septiembre del 2001 en el mismo estadio (Luna Park) 7 noches recibieron a un total de 49 mil personas, superando las anteriores cantidades de público convocadas.
Anualmente, Los Nocheros recorren el país con una gira que abarca todos las provincias y los escenarios imaginables. Esta gira se lleva a cabo con un staff de 20 personas y con toda la técnica que se emplea en los grandes escenarios. En el año 2000, la promoción del disco Nocheros llevo al conjunto a viajar por Colombia, Venezuela, Paraguay, Chile y México.
Los Nocheros han editado: Con el Alma (1994), Tiempo de Amor (1996), Ven por Mí (1997), Signos (1998), Nocheros (1999), Señal de Amor (2001) y Estado Natural (2003) que contiene doce nuevas canciones con el estilo que los caracteriza y con un sonido que crece disco a disco.
La producción de cada uno de sus discos es un cuidado trabajo en el que converge un nuevo repertorio y clásicos del folklore argentino.
En el año 2004 lanzan Noche Amiga Mía, un recorrido por todos los ritmos de América: carnavalitos, chacarera, zamba, bolero y cumbia. Para este disco invitan a Alejandro Lerner y Alfredo Rojas. Daniel Magal y Rubén H. Lotes son los autores del primer corte, "Cara De Gitana", un éxito de hace años.
En marzo de 2005 Jorge Rojas decide alejarse de la banda para lo cual se organiza la última presentación en el estadio de Ferro el 30 de abril, recital que queda registrado en un disco titulado Vivo y así le dan la bienvenida a la banda a Álvaro Teruel, hijo de Mario.
En mayo de 2006 lanzan "Crónicas", primer disco luego del recambio de integrantes y que sirve para presentar oficialmente en sociedad al joven Álvaro. En esta nueva produccion, Los Nocheros vuelven a experimentar con ritmos latinoamericanos y baladas melódicas. Sin Rojas, la fórmula no cambia: música popular argentina con percusión pop y teclados. Con arreglos cuidados, prolijos y simples, las canciones recrean un sonido nochero que lleva más de quince años de vigencia y una eficacia comprobada a la hora de sumar admiradores.
El primer sencillo fue presentado en la entrega de los premios Gardel y se titula "Crónica de las cosas que pasan en la ciudad cuando no me respondes".
"Gen" es el siguiente trabajo discográfico de los salteños, y marca el regreso a sus raíces musicales proponiendo la vuelta a los inicios como grupo.
Apartados un poco de lo melódico, esta placa retoma las canciones clásicas, con 14 temas de autores como los hermanos Abalos, Atahualpa Yupanqui, Montbrum Ocampo y Videla Flores, César Perdiguero y los hermanos Núñez, entre otros.
"Las 2200 noches" es el siguiente disco editado en octubre de 2008. Recorre 15 temas en vivo del pasado y el presente, con la participación de invitados de lujo como Abel Pintos, Roxana Carabajal y el grupo Las 5 voces.

Pagina: http://www.losnocheros.net/

Me Darás Mil Hijos

La trayectoria de este grupo se remonta allá por 2001, cuando los hermanos Fernández, Gustavo Semmartin, Carolina Flechner y el ex-Cornelio y Visitantes Federico Ghazarossian se unieron en pos de una experimentación sonora que dio como resultado la necesidad de incorporar nuevos instrumentistas.

En 2002 editaron de forma independiente su primer disco. En esa época su expansión musical requirió de la incorporación de Leonora Arbiser en acordeón, Germán Cohen en trombón y el reincidente Rodrigo Guerra en trombón, banjo y serrucho. Así, el proyecto de MDMH se concreta como un encuentro de músicos provenientes del rock de los ochenta y los noventa que, ávidos de nuevos juegos, curiosearon los discos que escuchaban sus abuelos y encontraron un mundo sonoro desconocido, colmado de posibilidades. Las nuevas influencias se fusionaron con su herencia rockera dando como resultado un sonido original y propio, con aires a banda de pueblo y orquesta de cabaret. La mezcla de estilos y de audacia los convirtió en una de las propuestas más atípicas del rock nacional.

"Un camino, algún lugar", su segundo trabajo discográfico, fue editado a comienzos del 2005. Este disco les brindó la posibilidad de realizar más de 180 conciertos en escenarios tan diversos como festivales folclóricos del interior, teatros de Buenos Aires, Córdoba y Rosario, además de centros culturales. Su camino para llegar a la canción auténtica y conmovedora está hecho de retazos de boleros, valses, milongas y de saber domar la riqueza rítmica de las fanfarrias balcánicas, del fox trot, del reggae y del candombe. Su variada instrumentación acústica (que incluye guitarras, contrabajo, banjo, cavaquinho, acordeón, vientos y percusión entre otros instrumentos), son un aire de renovación en la escena musical de esta década. A fines de 2004 el diario Clarín los ternó "Grupo revelación del año" y para entonces ya habían despertado el interés no sólo de la prensa sino también de sus pares nacionales y extranjeros, como Goran Bregovic, de quien fueron soportes en el Luna Park.

A fin de 2006 actuaron en la Plaza de Mayo para más de 10.000 personas con motivo de la celebración anual de Abuelas e H.I.J.O.S. Mientras se preparaban para grabar su tercer disco recibieron la invitación de Eva Halac de incorporarse a las filas de la troupe teatral de "Juan Moreira" (protagonizada por Juan Palomino) para musicalizar con sus canciones. En marzo de 2007 cerraron los festejos de "La noche de las librerías" con un show en plena Avenida Corrientes.

En los últimos años MDMH se ha comprometido con el trabajo de las Abuelas de Plaza de Mayo e H.I.J.O.S. en la búsqueda de los niños expropiados durante la última dictadura. Este compromiso se dió a través de varias acciones: la musicalización de un spot para la campaña por la memoria, la verdad y la justicia, un show en el ND Ateneo y un show en Plaza de Mayo junto al grupo Miranda y cierre de la campaña "Gracias Abuelas", la composición y cesión de un tema musical para el libro-disco "Re-encuentros" (compilado realizado por la asociación H.I.J.O.S. de España y las Abuelas de Plaza de Mayo).

Este año y en consecuencia con lo anterior, MDMH ha brindado un show el 24 de marzo por el día de la memoria en la República de los Niños y se incluye en el disco "Aire" el sello y la comunicación de Abuelas dirigido a gente con dudas sobre su identidad. La idea es que esta iniciativa nacida del grupo se amplíe a otros discos y se convierta en un aporte desde la comunidad musical hacia la causa de estas agrupaciones.

Formacion:
Carlos Alvarado: trombón
Carolina Flechner: batería
Christine Brebes: violín
Damián Rovner: trompeta
Federico Gahzarossian: contrabajo
Germán Cohen: trombón y coros
Gustavo Semmartín: guitarras criolla y eléctrica, banjo
Leonora Arbiser: acordeón y piano
Mariano Fernández: voz, coros, guitarras criolla y acústica
Rodrigo Guerra: banjo, tuba, trombón y coros
Santiago Fernández: guitarra criolla, charango y cavaquinho

Ex integrantes
Mariano Fernández Bussy: voz y guitarra

Discografía:
Me darás mil hijos, 2002
Un camino, algún lugar, 2004
Aire, 2008

Pagina: http://www.medarasmilhijos.com.ar

The Traveling Wilburys

The Traveling Wilburys fue un supergrupo de música integrado por George Harrison, Jeff Lynne, Roy Orbison, Bob Dylan y Tom Petty.

Historia

1988-1990: Vol. 1 y Vol. 3

La primera reunión informal tuvo lugar en el estudio de grabación de Bob Dylan en Santa Mónica, California, donde se juntaron Roy Orbison, Tom Petty y George Harrison para grabar el tema "Handle with Care", que conformaría la cara B del single "This Is Love", extraído del álbum Cloud Nine. Sin embargo, la compañía discografíca advirtió a George Harrison de que el tema era demasiado bueno para desplazarlo como cara B de un sencillo.

Durante ese tiempo, y debido a los buenos momentos que pasaban juntos en el estudio de grabación, decidieron grabar un álbum en un periodo de diez días debido principalmente a la inminente gira de Bob Dylan, y en el que cada miembro contribuyó con varias canciones. Editado en octubre de 1988, bajo varios seudónimos que les unirían como supuestos hermanos de Charles Truscott Wilbury Sr., el álbum Traveling Wilburys Vol. 1 fue incluido en el puesto #79 de la lista de los 100 mejores discos de los 80 publicada por la revista musical Rolling Stone. Posteriormente, sería nominado como Álbum del Año a los Grammy.

A pesar de la muerte de Roy Orbison el 6 de diciembre de 1988, el grupo grabó un último disco bajo seudónimos distintos, aunque conservando el apellido Wilbury. A modo de homenaje, en el videoclip del single "End Of The Line" figura una mecedora con la guitarra de Roy Orbison y un retrato suyo. Durante cierto tiempo, la prensa especuló sobre una posible entrada en el grupo de Del Shannon, pero su suicidio en 1990 despejó su implicación en el proyecto. El segundo álbum, titulado Traveling Wilburys Vol. 3, sería el último trabajo del grupo, precedido del single "Nobody's Child" incluido en el álbum Nobody's Child: Romanian Angel Appeal.

El fallecimiento de Roy Orbison, vocalista del grupo, y la omnipresencia compositora en el segundo disco por parte de Bob Dylan (más de la mitad de las canciones son compuestas por él), pudieron contribuir al fin amistoso del grupo.

2007: El resurgimiento

A finales de la década de los 90 y a comienzos del nuevo milenio, los dos álbumes de Traveling Wilburys se mantuvieron fuera de catálogo. Harrison, como dueño de los derechos sobre los discos, trabajó en ellos antes de su muerte para un futuro lanzamiento, si bien no llegó nunca a verlo debido a su muerte en 2001. En junio de 2001, tras el anuncio de Tom Petty en XM Stallite Radio, los dos álbumes fueron publicados en formato CD junto a un DVD adicional.

La reedición de los álbumes del grupo se vio consolidada en dos configuraciones de The Traveling Wilburys Collection. La versión estándar incluía ambos álbumes junto a un DVD con un documental sobre el grupo y videos musicales, así como un libro de 16 páginas. Por su parte, la edición de lujo, limitada a un total de 50.000 copias numeradas con certificado de autenticidad, añadía a la anterior edición un libro de 40 páginas, fotografías y postales.

De forma sorprendente, la reedición de los álbumes de Traveling Wilburys debutó en el primer puesto de las listas británicas [1]. En Estados Unidos, la colección alcanzó el puesto #9, mientras en Australia [2] y en las tiendas Amazon e iTunes se alzaba hasta el primer puesto. Durante las primeras tres semanas, la compilación alcanzó la cifra de 500.000 copias vendidas.

El nombre

El término "Wilbury" fue un término familiar utilizado por George Harrison y Jeff Lynne durante la grabación del álbum Cloud Nine como referencia a los trozos de las canciones grabadas que tendrían que ser eliminados durante la mezcla de sonido (en inglés, “We’ll bury’ them in the mix”, que puede traducirse como "los enterraremos luego en la mezcla"). En un principio, George Harrison sugirió el nombre “The Trembling Wilburys”, aunque posteriormente cambiarían a “The Traveling Wilburys”.

Miembros

En Traveling Wilburys Vol. 1:

- Nelson Wilbury - George Harrison
- Lefty Wilbury - Roy Orbison
- Otis Wilbury - Jeff Lynne
- Charlie T. Wilbury Jr. - Tom Petty
- Lucky Wilbury - Bob Dylan

En Traveling Wilburys Vol. 3:

- Spike Wilbury - George Harrison
- Clayton Wilbury - Jeff Lynne
- Muddy Wilbury - Tom Petty
- Boo Wilbury - Bob Dylan

En la reedición de los álbumes, Jim Keltner, que en un primer momento no aparecía bajo el apellido Wilbury, figura como “Buster Sidebury”. Asimismo, los arreglos en las canciones “Maxine” y “Like a Ship” acreditados a Ayrton Wilbury corresponden al hijo de George Harrison, Dhani.

Pagina: http://www.travelingwilburys.com/

UB40

Bautizados con el nombre de un formulario para desempleados del gobierno la británico, la banda de regae-pop UB40 se formó en 1978 mientras sus integrantes hacían fila en la asistencia social británica. El carácter multirracial de la banda es un claro reflejo de sus orígenes en el seno de la clase trabajadora inglesa de finales de los setenta.

Su credibilidad frente a la audiencia se basó en su posición política que hizo química con los jóvenes insatisfechos, y su despegue vino con el reavivamiento del Ska.

Los hermanos Robin (guitarra) y Ali Campbell (guitarra y canto) formaron el núcleo del grupo, al que se unieron el bajista Earl Falconer, Mickey Virtue en las teclas, Brian Travers en el sax, con los bolillos Jim Brown, el percusionista Norman Hassan y Terence “Astro” Wilson.

Desde su formación el grupo se dedicó a tocar en vivo, lo que les permitió tener una base de seguidores que estaban encantados con su ritmo y estilo para hacer bailar a la gente. Esa agitación no pasó desapercibida. A inicios de los años 80, les ofrecieron abrir los conciertos en la gira de los Pretenders que para ese entonces eran la sensación en las listas de popularidad. Esa exposición fue la que los hizo visibles ante un público más amplio.

Su primer sencillo lo produjeron para la disquera Graduate. En él se incluía “Food For Thought”, una reflexión amarga sobre la pobreza en el Tercer Mundo; y “King” un lamento por el Dr. Martin Luther King.

Ambos temas tuvieron la fuerza suficiente para ser el lado A del disco, pero “Food For Thought” fue la canción que recibió mayor atención de las radioemisoras. El disco salió a la venta durante la gira que hicieron con los Pretenders y, a pesar de la poca promoción que podía hacer una disquera tan pequeña, el tema escaló hasta la casilla número cinco, empujada fundamentalmente por las presentaciones en vivo.

El primer LP salió a la venta en setiembre de 1980. “Signing Off”, marcaba el nuevo estatus de los integrantes de la banda. El título del disco hace referencia a que ya no recibían ayuda del Estado, pero además que con ellos empezaba algo nuevo.

Debido a que la banda se origino al oeste de Inglaterra, al carácter multirracial de su formación y a que tocaban música de origen jamaiquino, UB40 fue considerado para del fenómeno de los dos tonos que volvía a poner de moda el Ska. Sin embargo, el álbum dejó claro que no tenían mucho que ver con el asunto: Aunque en lo político se trataban los mismos temas, en lo musical la diferencia era exponencial por su estilo relajado, más sofisticado y sensual.

Al terminar 1980 el contrato con Graduate terminó y UB40 decidió formar su propia disquera: DEP International.

Nueve meses después de la salida de su primer disco (que aún seguía en las listas de popularidad) sacaron “Present Arms”. El LP era aguardado con ansiedad por sus seguidores y esa espera fue premiada con creces. “One in Ten” una clara referencia a la población con hambre en el mundo y “Medusa” empujaron al disco hacia arriba.

En octubre de 1981 pusieron a la venta una versión remezclada de “Present Arms”. En términos de ventas no fue gran cosa, pero desde la perspectiva musical demostraba que se habían afinado como músicos del reggae.

La mejora en su estilo musical quedó patente en el LP UB44 de 1982. Sin embargo, y a pesar de la calidad de la interpretación de los temas, el disco no alcanzó las ventas deseadas por el tipo de cubierta que llevaba. Un cartón negro servía de marco a un texto impreso como un holograma. El comprador casual o de impulso lo percibió ajeno y eso hizo que la venta no fuera la esperada.

Se reimprimió la portada, esta vez con un paisaje de Zimbabwe, sobre el que el logotipo de la banda era mucho más legible

Un año después, en setiembre de 1983 UB40 puso a la venta el disco que siempre habían querido grabar: “Labour of Love” fue el disco en el que le dieron un tributo a los músicos que influyeron en ellos.

El LP contenía el famoso sencillo “Red, Red, Wine” (compuesto por Neil Diamond) que mantuvo al disco pegado en las listas inglesas por dos años y se convertiría en su primer éxito internacional, además de su primer número uno en Estados Unidos.

En el caso de Estados Unidos, la canción ya había salido de las listas cuando una emisora de Phoenix en Arizona la volvió a programar, pero esta vez sacada de una presentación en la que Nelson Mandela era el homenajeado. La canción volvió a entrar en las listas y de ahí se fue directo al número uno.

Los siguientes discos de la banda han mantenido su estilo, aunque siempre han contado con el aporte de otros artistas. “Baggariddim” fue un experimento en el que participaban DJs, además de Chrissie Hynde de los Pretenders cantando con ellos “I Got You Babe”, un cover del éxito de Sony & Cher. Hynde volvería a cantar con ellos en 1988 en su disco UB40.

“Labour of Love” volvió a ser puesto a la venta en 1989. Reinterpretado y actualizado, el disco fue un éxito tanto en Europa como en los Estados Unidos.

De seguido llegó “Promises & Lies” que incluía el sencillo “I Can’t Help Falling In Love”, original de Elvis Presley, que llegaría a ser su mayor éxito de este lado del Atlántico. Más tarde llegaría "UB40 Present The Dancehall Album", un proyecto en el que participaron artistas jamaiquinos de primer orden, varios de los cuales producen bajo el sello Oracabessa, fundado por Brian Travers y Ali Campbell.

Desde hace casi 30 años, UB40 se ha dedicado a popularizar y difundir el reggae por todo el mundo. De paso le han dado un gran placer a una audiencia tan grande y heterogénea que solo puede ser considerada como mundial.

Para 2006 se espera un con cierta ansiedad la puesta en escena de un musical con el Repertorio del teatro de Birminham.

Pagina: http://www.ub40.co.uk/

Status Quo

Status Quo es una banda británica de hard rock formada en el año 1962. Está formada por Francis Rossi (guitarra, vocalista), Alan Lancaster (bajo), Rick Parfitt (guitarra, vocalista) y John Coghlan (batería).

Historia

Durante las últimas cuatro décadas, Status Quo ha construido y difundido una singular forma de hacer rock and roll sin dejar que el tiempo ni el mercado les arrebate su esencia. Los avatares de las modas, que hacen que súbitamente aparezcan y desaparezcan canciones, grupos e incluso estilos musicales (o al menos etiquetas de la industria para éstos) no han conseguido que Status Quo haya modificado ni un ápice su discurso, su estilo ni su espíritu. El registro de la propia banda indica que a partir de su primer gran éxito en 1968, se inició una carrera que hasta la fecha contabiliza 50 éxitos, más que ningún otro grupo. Los Rolling Stones y Los Beatles lo intentaron, pero sólo Status Quo puede decir que ha conquistado esta meta, haciendo que sus singles hayan permanecido semanas completas en las listas británicas.

Esa determinación por crear y mantener un grupo de rock logró que afrontaran la Psicodelia de los 60's y el Rock Progresivo al comienzo de los 70's; la ola de Punk a finales de la década, la entrada en escena del primer metal de la mano de la NWOBHM, y las subsiguientes de Power, Thrash y demás; y la incursión del romanticismo electrónico y el boom AOR a finales de los 80's (que no es otra cosa que el Hard Rock americano); a la llegada a Europa del Grunge, al Brit Pop y la cruzada del Dance de los 90's... Incluso, ahora en la puerta del siglo XXI, Status Quo continúa desarrollando su papel sin modas y está dispuesto a establecer una nueva fórmula para hacer rock.

En 1982, ellos fueron el primer grupo de rock invitado a ofrecer un concierto para la Fundación HRH Prince's Trust del Príncipe Carlos, y además fueron los únicos en repetir su hazaña al ser el único grupo en presentarse en ese escenario durante dos años consecutivos. En 1985 Bob Geldof les llamó para su festival Live Aid, porque "quería una banda de rock inglesa muy distintiva, una leyenda de la música, que fuera muy especial para inaugurar el festival y que además sus fans se pudieran contar por millones en todo el mundo". A lo largo de su historia, Status Quo ha aparecido en el programa semanal Top Of The Pops de la BBC de Londres (algo así como Música Uno, pero con más presupuesto, caché, audiencia, historia y, por supuesto, calidad) más de cien veces, mucho más que cualquier otro grupo. También han conseguido altísimas ventas de discos, rebasando los más de 130 millones de copias vendidas por todo el planeta. En 1986, actuaron en tres diferentes escenarios situados en tres continentes distintos en menos de 24 horas. En septiembre de 1991, Quo fue homenajeado al ser incluido en El Libro Guiness De Los Récords por haber visitado cuatro ciudades de las Islas Británicas en menos de 12 horas.

Ahora, en este nuevo siglo Status Quo entra con gran solidez a la quinta década y la banda continúa presentándose a grandes festivales, además de que para finales de año se espera la edición de su nuevo material, que una vez más probará el poder y la pasión que tiene cada integrante del grupo al hacer su música, pese a que algunos de ellos son relativamente nuevos. En lo que se refiere al ejército de seguidores de Status Quo en todo el mundo, se proclaman la Quo Army, seguidores de la banda que nos recuerda que ellos serán la leyenda más famosa del rock. En 2006 han celebrado sus 40 años de carrera, todo un récord.

Pagina: http://www.statusquo.co.uk/

Tito & Tarantula

Tito Larriva es uno de esos músicos profesionales que ha ido dando tumbos por tugurios de Los Angeles hasta hallar la recompensa que merece su música. No se trata, por tanto, de un músico casual hecho famoso por la suerte de la gran pantalla y una banda sonora sorprendentemente afortunada. Se trata, por el contrario, de la culminación de un músico cuya carrera le ha llevado por el punk en sus tiempos de the Plugz, más tarde recalificando su sonido por vericuetos más propios de sus raíces fronterizas en The Cruzados y finalmente por la varita mágica de Robert Rodríguez "el mago" aupado al éxito con el tema, ya eterno para el cinéfilo,“After dark”. Y es que Rodríguez, como su amigo y colega Tarantino, sabe aderezar sus películas con bandas sonoras de calidad, dejando en la memoria del espectador una escena entre lo paranormal y lo grotesco que nos mostraba en toda su plenitud a Shalma Hayek bailando entre serpientes al ritmo, medio blusero medio rock, de los Tarántula, que como ella veían como sus facciones a la luz de la luna daban paso a los de unos chupasangre hambrientos del líquido vital de los Clooney, Tarantino, Keytel y Lewis que para su desgracia habían ido a parar al local más increíble de la carretera del desierto. Así, asistimos a la aparición de un grupo unido por casualidad para dar aliño a filmes tan impronosticables (Desperado, Abierto hasta el amanecer) como la música que les acompaña, que se atreve a hacer una música perfectamente cinematográfica que se degusta como tequila mexicano y calienta como el rock sureño.

A parte de Tito Larriva, guitarrita y vocalista de la banda, el grupo lo forman, además, el guitarrista Peter Atanasoff, la bajista Jennifer Condos, la multiinstrumentalista Lyn Bertles (encargada de los violines, mandolinas o incluso las harmónicas) y el percusionista Nick Vincent. El grupo se entretiene mezclando distintos sabores, todos por igual de picantes, falsos blues se hermanan a tex mex de chile y tequila, mientras el calor nocturno de la tarde árida da paso al frío desierto nocturno de riffs roqueros de inquietantes sombras patibularias. El grupo así reúne un conjunto de canciones de sonido fronterizo de temática de pulp fiction, tenebrismo calculado y rock sabio.

Si hay que emparentar su sonido, desde luego sus referencias son las del rock longevo del sur norteamericano. Esa forma de hacer rock que ha variado poco o nada en los últimos cincuenta años, que hace de la espesa mezcla de sabores sureños su mejor bazar, ese rock de los Texas Tornados, de los ZZ Top, Los Lobos, the barracudas, The Mavericks,...el rock mestizo que hace las delicias de los amantes del rock sin calificativos ni apócopes. También le inspira un halo de crueldad de eso que se ha dado en llamar psicobilly que grupos como Gun Club's, Cobra Verde o Calla matizan a la perfección. Sin dauda Tito & Tarantula entran dentro del saco psicobilly aunque su estilo no se detiene en el requiebro forzado acogiendo senderos musicales bluseros y de rock meridional.

Los dedos que pulsan las cuerdas de “after dark” repercuten inmediatamente en la memoria de quien lo escucha asociándolo al de un baile sensual en un local de mala muerte donde viajeros sin más destino que la libertad que da la frontera han parado a degustar el sabor agrio de la cerveza mejicana. El baile, un encantamiento de serpientes, es también el sortilegio que precede a la transformación de la bella en la bestia. Shalma Hayek subida en la pasarela se contonea al ritmo de un acorde tan sensual como sus movimientos, la voz de Tito se advierte del peligro de un ojos que de tan ardientes pueden quemar al osado aventurero que pretenda poseerlos. Pues ellos guardan el calor del infierno del que proceden y ocultan el verdadero aspecto de la noche. El calor que guitarras y percusiones fronterizas se deleitan en irradiar que van creciendo en intensidad como el deseo y esperan como el viajero a que llegue la medianoche y un baile cautivo que condenará nuestra alma.

Aunque “After dark” es un tema ya mítico del cine, Tito & tarántula son algo más que un tema genial es una película peculiar. Y se esfuerzan en demostrarlo en su siguiente tema “Smiling Karen”, un hard rock de carretera que impulsan al convaleciente viajero a continuar el viaje. Fuerte repiqueteo de guitarras y baterías febriles ayudadas al fondo por la mandolina. La descarga es brutal al final donde las cuerdas explotan en power-rock al calor del asfalto y de unos movimientos tan antiguos como la música original del cuerpo que lainspira.

El rock tremendo continúa en “Slippin’ & Slidin’” un escurridizo tema de rock fronterizo dotando de ritmo imparable que alimenta la voz de Tito casi en aullidos. Con las manos llenas de sangre reseca el asesino se mueve frenéticamente al compás de guitarras bluseras, se escapa como se escapa el acorde que excita el ritmo brutal de este corte.

El tenebrismo al ritmo de blues de calles llenas de sombras que ocultan los ojos del mal se hace metáfora musical “strange face”. Se derrite el calor en voces cadenciosas que preceden al blues original mientras advierte al noctámbulo que no vuelva la vista atrás. Blues magistral en un marco incomparable de noche, terror cinematográfico y sensaciones extrañas.

Las baterías febriles de rock brutal se metabolizan en tex mex en “angry cockroaches”. Perfecta combinación de rock, blues y tex hacen de este corte el más informal y el más agradable de escuchar. Cucarachas fumando marihuana al ritmo incombustible de la guitarra de Atanasoff que consigue unir el rock de los maestros americanos a los ritmos natales de Tito.

Vuelta a la oscuridad tenebrista “Back to the house”, difícilmente puede expresarse en palabras la riqueza sonora de este tema. Un acorde dulce tañido con levedad se confabula con la voz de Tito para recrear la pasión peligrosa por unos ojos que esconde trampas mortales. El hechizo del mal se dibuja en las curvas femeninas que son la llave maestra que abre el pórtico que ocultan la escalera de bajada al infierno. Rock genuino que enfatiza los despuntes de las guitarras y la percusión serpenteante que se hacen uno solo con la luz siniestra de la luna. Sin duda, un tema colosal que merece contar como uno de los mejores cortes de la década de los noventa.

“Júpiter” es rock desfibrilante, barnizado por guitarras arrolladoras que dejan oír la voz lastimera de Tito Larriva. El peso del ritmo átono infectada por la vena alcohólica en sus bocanadas sin aire perviven los restos alucinatorios. Mecido por la cadencia sigilosa pero brutal sin dirección el tema y Tito caminan entre el ruidoso paisaje de los efectos químicos con la facilidad que da el olvido de la resaca postrera.

La sintonía natural de los grillos al brillo de la luna inspira “Sweet cycle”. Los pliegues roqueros se dejan seducir por el folk sureño, la melancolía empaña la brutalidad roquera, la acústica ocupa el puesto del rock eléctrico, y la fogosidad se muda en melodía artesanal.

Los punteos de mandolina acotan la voz aguardentosa de Tito que mezcla en su boca el rock melodioso de los cincuenta con el riff alucinatorio de los setenta, entre el pop y el rock el “Viaje” melódico nos descubre un abanico de posibilidades sonoras en un grupo en apariencia sometido al imperio del rock febril.

El guiño al comic y al ángulo siniestro que matizan de alguna manera todos sus temas nos transporta al seco sol del amanecer del desierto, un sol que calienta la cabeza de los asesinos y los huesos resecos de sus víctimas. Rock fronterizo de nuevo que se enriquece con el coro y apuesta por la fuerza natural de Tito para dar un toque sobrenatural a un tema entre lo cínico y lo siniestro.

Pagina: http://www.titoandtarantula.com/