Me Darás Mil Hijos

La trayectoria de este grupo se remonta allá por 2001, cuando los hermanos Fernández, Gustavo Semmartin, Carolina Flechner y el ex-Cornelio y Visitantes Federico Ghazarossian se unieron en pos de una experimentación sonora que dio como resultado la necesidad de incorporar nuevos instrumentistas.

En 2002 editaron de forma independiente su primer disco. En esa época su expansión musical requirió de la incorporación de Leonora Arbiser en acordeón, Germán Cohen en trombón y el reincidente Rodrigo Guerra en trombón, banjo y serrucho. Así, el proyecto de MDMH se concreta como un encuentro de músicos provenientes del rock de los ochenta y los noventa que, ávidos de nuevos juegos, curiosearon los discos que escuchaban sus abuelos y encontraron un mundo sonoro desconocido, colmado de posibilidades. Las nuevas influencias se fusionaron con su herencia rockera dando como resultado un sonido original y propio, con aires a banda de pueblo y orquesta de cabaret. La mezcla de estilos y de audacia los convirtió en una de las propuestas más atípicas del rock nacional.

"Un camino, algún lugar", su segundo trabajo discográfico, fue editado a comienzos del 2005. Este disco les brindó la posibilidad de realizar más de 180 conciertos en escenarios tan diversos como festivales folclóricos del interior, teatros de Buenos Aires, Córdoba y Rosario, además de centros culturales. Su camino para llegar a la canción auténtica y conmovedora está hecho de retazos de boleros, valses, milongas y de saber domar la riqueza rítmica de las fanfarrias balcánicas, del fox trot, del reggae y del candombe. Su variada instrumentación acústica (que incluye guitarras, contrabajo, banjo, cavaquinho, acordeón, vientos y percusión entre otros instrumentos), son un aire de renovación en la escena musical de esta década. A fines de 2004 el diario Clarín los ternó "Grupo revelación del año" y para entonces ya habían despertado el interés no sólo de la prensa sino también de sus pares nacionales y extranjeros, como Goran Bregovic, de quien fueron soportes en el Luna Park.

A fin de 2006 actuaron en la Plaza de Mayo para más de 10.000 personas con motivo de la celebración anual de Abuelas e H.I.J.O.S. Mientras se preparaban para grabar su tercer disco recibieron la invitación de Eva Halac de incorporarse a las filas de la troupe teatral de "Juan Moreira" (protagonizada por Juan Palomino) para musicalizar con sus canciones. En marzo de 2007 cerraron los festejos de "La noche de las librerías" con un show en plena Avenida Corrientes.

En los últimos años MDMH se ha comprometido con el trabajo de las Abuelas de Plaza de Mayo e H.I.J.O.S. en la búsqueda de los niños expropiados durante la última dictadura. Este compromiso se dió a través de varias acciones: la musicalización de un spot para la campaña por la memoria, la verdad y la justicia, un show en el ND Ateneo y un show en Plaza de Mayo junto al grupo Miranda y cierre de la campaña "Gracias Abuelas", la composición y cesión de un tema musical para el libro-disco "Re-encuentros" (compilado realizado por la asociación H.I.J.O.S. de España y las Abuelas de Plaza de Mayo).

Este año y en consecuencia con lo anterior, MDMH ha brindado un show el 24 de marzo por el día de la memoria en la República de los Niños y se incluye en el disco "Aire" el sello y la comunicación de Abuelas dirigido a gente con dudas sobre su identidad. La idea es que esta iniciativa nacida del grupo se amplíe a otros discos y se convierta en un aporte desde la comunidad musical hacia la causa de estas agrupaciones.

Formacion:
Carlos Alvarado: trombón
Carolina Flechner: batería
Christine Brebes: violín
Damián Rovner: trompeta
Federico Gahzarossian: contrabajo
Germán Cohen: trombón y coros
Gustavo Semmartín: guitarras criolla y eléctrica, banjo
Leonora Arbiser: acordeón y piano
Mariano Fernández: voz, coros, guitarras criolla y acústica
Rodrigo Guerra: banjo, tuba, trombón y coros
Santiago Fernández: guitarra criolla, charango y cavaquinho

Ex integrantes
Mariano Fernández Bussy: voz y guitarra

Discografía:
Me darás mil hijos, 2002
Un camino, algún lugar, 2004
Aire, 2008

Pagina: http://www.medarasmilhijos.com.ar

The Traveling Wilburys

The Traveling Wilburys fue un supergrupo de música integrado por George Harrison, Jeff Lynne, Roy Orbison, Bob Dylan y Tom Petty.

Historia

1988-1990: Vol. 1 y Vol. 3

La primera reunión informal tuvo lugar en el estudio de grabación de Bob Dylan en Santa Mónica, California, donde se juntaron Roy Orbison, Tom Petty y George Harrison para grabar el tema "Handle with Care", que conformaría la cara B del single "This Is Love", extraído del álbum Cloud Nine. Sin embargo, la compañía discografíca advirtió a George Harrison de que el tema era demasiado bueno para desplazarlo como cara B de un sencillo.

Durante ese tiempo, y debido a los buenos momentos que pasaban juntos en el estudio de grabación, decidieron grabar un álbum en un periodo de diez días debido principalmente a la inminente gira de Bob Dylan, y en el que cada miembro contribuyó con varias canciones. Editado en octubre de 1988, bajo varios seudónimos que les unirían como supuestos hermanos de Charles Truscott Wilbury Sr., el álbum Traveling Wilburys Vol. 1 fue incluido en el puesto #79 de la lista de los 100 mejores discos de los 80 publicada por la revista musical Rolling Stone. Posteriormente, sería nominado como Álbum del Año a los Grammy.

A pesar de la muerte de Roy Orbison el 6 de diciembre de 1988, el grupo grabó un último disco bajo seudónimos distintos, aunque conservando el apellido Wilbury. A modo de homenaje, en el videoclip del single "End Of The Line" figura una mecedora con la guitarra de Roy Orbison y un retrato suyo. Durante cierto tiempo, la prensa especuló sobre una posible entrada en el grupo de Del Shannon, pero su suicidio en 1990 despejó su implicación en el proyecto. El segundo álbum, titulado Traveling Wilburys Vol. 3, sería el último trabajo del grupo, precedido del single "Nobody's Child" incluido en el álbum Nobody's Child: Romanian Angel Appeal.

El fallecimiento de Roy Orbison, vocalista del grupo, y la omnipresencia compositora en el segundo disco por parte de Bob Dylan (más de la mitad de las canciones son compuestas por él), pudieron contribuir al fin amistoso del grupo.

2007: El resurgimiento

A finales de la década de los 90 y a comienzos del nuevo milenio, los dos álbumes de Traveling Wilburys se mantuvieron fuera de catálogo. Harrison, como dueño de los derechos sobre los discos, trabajó en ellos antes de su muerte para un futuro lanzamiento, si bien no llegó nunca a verlo debido a su muerte en 2001. En junio de 2001, tras el anuncio de Tom Petty en XM Stallite Radio, los dos álbumes fueron publicados en formato CD junto a un DVD adicional.

La reedición de los álbumes del grupo se vio consolidada en dos configuraciones de The Traveling Wilburys Collection. La versión estándar incluía ambos álbumes junto a un DVD con un documental sobre el grupo y videos musicales, así como un libro de 16 páginas. Por su parte, la edición de lujo, limitada a un total de 50.000 copias numeradas con certificado de autenticidad, añadía a la anterior edición un libro de 40 páginas, fotografías y postales.

De forma sorprendente, la reedición de los álbumes de Traveling Wilburys debutó en el primer puesto de las listas británicas [1]. En Estados Unidos, la colección alcanzó el puesto #9, mientras en Australia [2] y en las tiendas Amazon e iTunes se alzaba hasta el primer puesto. Durante las primeras tres semanas, la compilación alcanzó la cifra de 500.000 copias vendidas.

El nombre

El término "Wilbury" fue un término familiar utilizado por George Harrison y Jeff Lynne durante la grabación del álbum Cloud Nine como referencia a los trozos de las canciones grabadas que tendrían que ser eliminados durante la mezcla de sonido (en inglés, “We’ll bury’ them in the mix”, que puede traducirse como "los enterraremos luego en la mezcla"). En un principio, George Harrison sugirió el nombre “The Trembling Wilburys”, aunque posteriormente cambiarían a “The Traveling Wilburys”.

Miembros

En Traveling Wilburys Vol. 1:

- Nelson Wilbury - George Harrison
- Lefty Wilbury - Roy Orbison
- Otis Wilbury - Jeff Lynne
- Charlie T. Wilbury Jr. - Tom Petty
- Lucky Wilbury - Bob Dylan

En Traveling Wilburys Vol. 3:

- Spike Wilbury - George Harrison
- Clayton Wilbury - Jeff Lynne
- Muddy Wilbury - Tom Petty
- Boo Wilbury - Bob Dylan

En la reedición de los álbumes, Jim Keltner, que en un primer momento no aparecía bajo el apellido Wilbury, figura como “Buster Sidebury”. Asimismo, los arreglos en las canciones “Maxine” y “Like a Ship” acreditados a Ayrton Wilbury corresponden al hijo de George Harrison, Dhani.

Pagina: http://www.travelingwilburys.com/

UB40

Bautizados con el nombre de un formulario para desempleados del gobierno la británico, la banda de regae-pop UB40 se formó en 1978 mientras sus integrantes hacían fila en la asistencia social británica. El carácter multirracial de la banda es un claro reflejo de sus orígenes en el seno de la clase trabajadora inglesa de finales de los setenta.

Su credibilidad frente a la audiencia se basó en su posición política que hizo química con los jóvenes insatisfechos, y su despegue vino con el reavivamiento del Ska.

Los hermanos Robin (guitarra) y Ali Campbell (guitarra y canto) formaron el núcleo del grupo, al que se unieron el bajista Earl Falconer, Mickey Virtue en las teclas, Brian Travers en el sax, con los bolillos Jim Brown, el percusionista Norman Hassan y Terence “Astro” Wilson.

Desde su formación el grupo se dedicó a tocar en vivo, lo que les permitió tener una base de seguidores que estaban encantados con su ritmo y estilo para hacer bailar a la gente. Esa agitación no pasó desapercibida. A inicios de los años 80, les ofrecieron abrir los conciertos en la gira de los Pretenders que para ese entonces eran la sensación en las listas de popularidad. Esa exposición fue la que los hizo visibles ante un público más amplio.

Su primer sencillo lo produjeron para la disquera Graduate. En él se incluía “Food For Thought”, una reflexión amarga sobre la pobreza en el Tercer Mundo; y “King” un lamento por el Dr. Martin Luther King.

Ambos temas tuvieron la fuerza suficiente para ser el lado A del disco, pero “Food For Thought” fue la canción que recibió mayor atención de las radioemisoras. El disco salió a la venta durante la gira que hicieron con los Pretenders y, a pesar de la poca promoción que podía hacer una disquera tan pequeña, el tema escaló hasta la casilla número cinco, empujada fundamentalmente por las presentaciones en vivo.

El primer LP salió a la venta en setiembre de 1980. “Signing Off”, marcaba el nuevo estatus de los integrantes de la banda. El título del disco hace referencia a que ya no recibían ayuda del Estado, pero además que con ellos empezaba algo nuevo.

Debido a que la banda se origino al oeste de Inglaterra, al carácter multirracial de su formación y a que tocaban música de origen jamaiquino, UB40 fue considerado para del fenómeno de los dos tonos que volvía a poner de moda el Ska. Sin embargo, el álbum dejó claro que no tenían mucho que ver con el asunto: Aunque en lo político se trataban los mismos temas, en lo musical la diferencia era exponencial por su estilo relajado, más sofisticado y sensual.

Al terminar 1980 el contrato con Graduate terminó y UB40 decidió formar su propia disquera: DEP International.

Nueve meses después de la salida de su primer disco (que aún seguía en las listas de popularidad) sacaron “Present Arms”. El LP era aguardado con ansiedad por sus seguidores y esa espera fue premiada con creces. “One in Ten” una clara referencia a la población con hambre en el mundo y “Medusa” empujaron al disco hacia arriba.

En octubre de 1981 pusieron a la venta una versión remezclada de “Present Arms”. En términos de ventas no fue gran cosa, pero desde la perspectiva musical demostraba que se habían afinado como músicos del reggae.

La mejora en su estilo musical quedó patente en el LP UB44 de 1982. Sin embargo, y a pesar de la calidad de la interpretación de los temas, el disco no alcanzó las ventas deseadas por el tipo de cubierta que llevaba. Un cartón negro servía de marco a un texto impreso como un holograma. El comprador casual o de impulso lo percibió ajeno y eso hizo que la venta no fuera la esperada.

Se reimprimió la portada, esta vez con un paisaje de Zimbabwe, sobre el que el logotipo de la banda era mucho más legible

Un año después, en setiembre de 1983 UB40 puso a la venta el disco que siempre habían querido grabar: “Labour of Love” fue el disco en el que le dieron un tributo a los músicos que influyeron en ellos.

El LP contenía el famoso sencillo “Red, Red, Wine” (compuesto por Neil Diamond) que mantuvo al disco pegado en las listas inglesas por dos años y se convertiría en su primer éxito internacional, además de su primer número uno en Estados Unidos.

En el caso de Estados Unidos, la canción ya había salido de las listas cuando una emisora de Phoenix en Arizona la volvió a programar, pero esta vez sacada de una presentación en la que Nelson Mandela era el homenajeado. La canción volvió a entrar en las listas y de ahí se fue directo al número uno.

Los siguientes discos de la banda han mantenido su estilo, aunque siempre han contado con el aporte de otros artistas. “Baggariddim” fue un experimento en el que participaban DJs, además de Chrissie Hynde de los Pretenders cantando con ellos “I Got You Babe”, un cover del éxito de Sony & Cher. Hynde volvería a cantar con ellos en 1988 en su disco UB40.

“Labour of Love” volvió a ser puesto a la venta en 1989. Reinterpretado y actualizado, el disco fue un éxito tanto en Europa como en los Estados Unidos.

De seguido llegó “Promises & Lies” que incluía el sencillo “I Can’t Help Falling In Love”, original de Elvis Presley, que llegaría a ser su mayor éxito de este lado del Atlántico. Más tarde llegaría "UB40 Present The Dancehall Album", un proyecto en el que participaron artistas jamaiquinos de primer orden, varios de los cuales producen bajo el sello Oracabessa, fundado por Brian Travers y Ali Campbell.

Desde hace casi 30 años, UB40 se ha dedicado a popularizar y difundir el reggae por todo el mundo. De paso le han dado un gran placer a una audiencia tan grande y heterogénea que solo puede ser considerada como mundial.

Para 2006 se espera un con cierta ansiedad la puesta en escena de un musical con el Repertorio del teatro de Birminham.

Pagina: http://www.ub40.co.uk/

Status Quo

Status Quo es una banda británica de hard rock formada en el año 1962. Está formada por Francis Rossi (guitarra, vocalista), Alan Lancaster (bajo), Rick Parfitt (guitarra, vocalista) y John Coghlan (batería).

Historia

Durante las últimas cuatro décadas, Status Quo ha construido y difundido una singular forma de hacer rock and roll sin dejar que el tiempo ni el mercado les arrebate su esencia. Los avatares de las modas, que hacen que súbitamente aparezcan y desaparezcan canciones, grupos e incluso estilos musicales (o al menos etiquetas de la industria para éstos) no han conseguido que Status Quo haya modificado ni un ápice su discurso, su estilo ni su espíritu. El registro de la propia banda indica que a partir de su primer gran éxito en 1968, se inició una carrera que hasta la fecha contabiliza 50 éxitos, más que ningún otro grupo. Los Rolling Stones y Los Beatles lo intentaron, pero sólo Status Quo puede decir que ha conquistado esta meta, haciendo que sus singles hayan permanecido semanas completas en las listas británicas.

Esa determinación por crear y mantener un grupo de rock logró que afrontaran la Psicodelia de los 60's y el Rock Progresivo al comienzo de los 70's; la ola de Punk a finales de la década, la entrada en escena del primer metal de la mano de la NWOBHM, y las subsiguientes de Power, Thrash y demás; y la incursión del romanticismo electrónico y el boom AOR a finales de los 80's (que no es otra cosa que el Hard Rock americano); a la llegada a Europa del Grunge, al Brit Pop y la cruzada del Dance de los 90's... Incluso, ahora en la puerta del siglo XXI, Status Quo continúa desarrollando su papel sin modas y está dispuesto a establecer una nueva fórmula para hacer rock.

En 1982, ellos fueron el primer grupo de rock invitado a ofrecer un concierto para la Fundación HRH Prince's Trust del Príncipe Carlos, y además fueron los únicos en repetir su hazaña al ser el único grupo en presentarse en ese escenario durante dos años consecutivos. En 1985 Bob Geldof les llamó para su festival Live Aid, porque "quería una banda de rock inglesa muy distintiva, una leyenda de la música, que fuera muy especial para inaugurar el festival y que además sus fans se pudieran contar por millones en todo el mundo". A lo largo de su historia, Status Quo ha aparecido en el programa semanal Top Of The Pops de la BBC de Londres (algo así como Música Uno, pero con más presupuesto, caché, audiencia, historia y, por supuesto, calidad) más de cien veces, mucho más que cualquier otro grupo. También han conseguido altísimas ventas de discos, rebasando los más de 130 millones de copias vendidas por todo el planeta. En 1986, actuaron en tres diferentes escenarios situados en tres continentes distintos en menos de 24 horas. En septiembre de 1991, Quo fue homenajeado al ser incluido en El Libro Guiness De Los Récords por haber visitado cuatro ciudades de las Islas Británicas en menos de 12 horas.

Ahora, en este nuevo siglo Status Quo entra con gran solidez a la quinta década y la banda continúa presentándose a grandes festivales, además de que para finales de año se espera la edición de su nuevo material, que una vez más probará el poder y la pasión que tiene cada integrante del grupo al hacer su música, pese a que algunos de ellos son relativamente nuevos. En lo que se refiere al ejército de seguidores de Status Quo en todo el mundo, se proclaman la Quo Army, seguidores de la banda que nos recuerda que ellos serán la leyenda más famosa del rock. En 2006 han celebrado sus 40 años de carrera, todo un récord.

Pagina: http://www.statusquo.co.uk/

Tito & Tarantula

Tito Larriva es uno de esos músicos profesionales que ha ido dando tumbos por tugurios de Los Angeles hasta hallar la recompensa que merece su música. No se trata, por tanto, de un músico casual hecho famoso por la suerte de la gran pantalla y una banda sonora sorprendentemente afortunada. Se trata, por el contrario, de la culminación de un músico cuya carrera le ha llevado por el punk en sus tiempos de the Plugz, más tarde recalificando su sonido por vericuetos más propios de sus raíces fronterizas en The Cruzados y finalmente por la varita mágica de Robert Rodríguez "el mago" aupado al éxito con el tema, ya eterno para el cinéfilo,“After dark”. Y es que Rodríguez, como su amigo y colega Tarantino, sabe aderezar sus películas con bandas sonoras de calidad, dejando en la memoria del espectador una escena entre lo paranormal y lo grotesco que nos mostraba en toda su plenitud a Shalma Hayek bailando entre serpientes al ritmo, medio blusero medio rock, de los Tarántula, que como ella veían como sus facciones a la luz de la luna daban paso a los de unos chupasangre hambrientos del líquido vital de los Clooney, Tarantino, Keytel y Lewis que para su desgracia habían ido a parar al local más increíble de la carretera del desierto. Así, asistimos a la aparición de un grupo unido por casualidad para dar aliño a filmes tan impronosticables (Desperado, Abierto hasta el amanecer) como la música que les acompaña, que se atreve a hacer una música perfectamente cinematográfica que se degusta como tequila mexicano y calienta como el rock sureño.

A parte de Tito Larriva, guitarrita y vocalista de la banda, el grupo lo forman, además, el guitarrista Peter Atanasoff, la bajista Jennifer Condos, la multiinstrumentalista Lyn Bertles (encargada de los violines, mandolinas o incluso las harmónicas) y el percusionista Nick Vincent. El grupo se entretiene mezclando distintos sabores, todos por igual de picantes, falsos blues se hermanan a tex mex de chile y tequila, mientras el calor nocturno de la tarde árida da paso al frío desierto nocturno de riffs roqueros de inquietantes sombras patibularias. El grupo así reúne un conjunto de canciones de sonido fronterizo de temática de pulp fiction, tenebrismo calculado y rock sabio.

Si hay que emparentar su sonido, desde luego sus referencias son las del rock longevo del sur norteamericano. Esa forma de hacer rock que ha variado poco o nada en los últimos cincuenta años, que hace de la espesa mezcla de sabores sureños su mejor bazar, ese rock de los Texas Tornados, de los ZZ Top, Los Lobos, the barracudas, The Mavericks,...el rock mestizo que hace las delicias de los amantes del rock sin calificativos ni apócopes. También le inspira un halo de crueldad de eso que se ha dado en llamar psicobilly que grupos como Gun Club's, Cobra Verde o Calla matizan a la perfección. Sin dauda Tito & Tarantula entran dentro del saco psicobilly aunque su estilo no se detiene en el requiebro forzado acogiendo senderos musicales bluseros y de rock meridional.

Los dedos que pulsan las cuerdas de “after dark” repercuten inmediatamente en la memoria de quien lo escucha asociándolo al de un baile sensual en un local de mala muerte donde viajeros sin más destino que la libertad que da la frontera han parado a degustar el sabor agrio de la cerveza mejicana. El baile, un encantamiento de serpientes, es también el sortilegio que precede a la transformación de la bella en la bestia. Shalma Hayek subida en la pasarela se contonea al ritmo de un acorde tan sensual como sus movimientos, la voz de Tito se advierte del peligro de un ojos que de tan ardientes pueden quemar al osado aventurero que pretenda poseerlos. Pues ellos guardan el calor del infierno del que proceden y ocultan el verdadero aspecto de la noche. El calor que guitarras y percusiones fronterizas se deleitan en irradiar que van creciendo en intensidad como el deseo y esperan como el viajero a que llegue la medianoche y un baile cautivo que condenará nuestra alma.

Aunque “After dark” es un tema ya mítico del cine, Tito & tarántula son algo más que un tema genial es una película peculiar. Y se esfuerzan en demostrarlo en su siguiente tema “Smiling Karen”, un hard rock de carretera que impulsan al convaleciente viajero a continuar el viaje. Fuerte repiqueteo de guitarras y baterías febriles ayudadas al fondo por la mandolina. La descarga es brutal al final donde las cuerdas explotan en power-rock al calor del asfalto y de unos movimientos tan antiguos como la música original del cuerpo que lainspira.

El rock tremendo continúa en “Slippin’ & Slidin’” un escurridizo tema de rock fronterizo dotando de ritmo imparable que alimenta la voz de Tito casi en aullidos. Con las manos llenas de sangre reseca el asesino se mueve frenéticamente al compás de guitarras bluseras, se escapa como se escapa el acorde que excita el ritmo brutal de este corte.

El tenebrismo al ritmo de blues de calles llenas de sombras que ocultan los ojos del mal se hace metáfora musical “strange face”. Se derrite el calor en voces cadenciosas que preceden al blues original mientras advierte al noctámbulo que no vuelva la vista atrás. Blues magistral en un marco incomparable de noche, terror cinematográfico y sensaciones extrañas.

Las baterías febriles de rock brutal se metabolizan en tex mex en “angry cockroaches”. Perfecta combinación de rock, blues y tex hacen de este corte el más informal y el más agradable de escuchar. Cucarachas fumando marihuana al ritmo incombustible de la guitarra de Atanasoff que consigue unir el rock de los maestros americanos a los ritmos natales de Tito.

Vuelta a la oscuridad tenebrista “Back to the house”, difícilmente puede expresarse en palabras la riqueza sonora de este tema. Un acorde dulce tañido con levedad se confabula con la voz de Tito para recrear la pasión peligrosa por unos ojos que esconde trampas mortales. El hechizo del mal se dibuja en las curvas femeninas que son la llave maestra que abre el pórtico que ocultan la escalera de bajada al infierno. Rock genuino que enfatiza los despuntes de las guitarras y la percusión serpenteante que se hacen uno solo con la luz siniestra de la luna. Sin duda, un tema colosal que merece contar como uno de los mejores cortes de la década de los noventa.

“Júpiter” es rock desfibrilante, barnizado por guitarras arrolladoras que dejan oír la voz lastimera de Tito Larriva. El peso del ritmo átono infectada por la vena alcohólica en sus bocanadas sin aire perviven los restos alucinatorios. Mecido por la cadencia sigilosa pero brutal sin dirección el tema y Tito caminan entre el ruidoso paisaje de los efectos químicos con la facilidad que da el olvido de la resaca postrera.

La sintonía natural de los grillos al brillo de la luna inspira “Sweet cycle”. Los pliegues roqueros se dejan seducir por el folk sureño, la melancolía empaña la brutalidad roquera, la acústica ocupa el puesto del rock eléctrico, y la fogosidad se muda en melodía artesanal.

Los punteos de mandolina acotan la voz aguardentosa de Tito que mezcla en su boca el rock melodioso de los cincuenta con el riff alucinatorio de los setenta, entre el pop y el rock el “Viaje” melódico nos descubre un abanico de posibilidades sonoras en un grupo en apariencia sometido al imperio del rock febril.

El guiño al comic y al ángulo siniestro que matizan de alguna manera todos sus temas nos transporta al seco sol del amanecer del desierto, un sol que calienta la cabeza de los asesinos y los huesos resecos de sus víctimas. Rock fronterizo de nuevo que se enriquece con el coro y apuesta por la fuerza natural de Tito para dar un toque sobrenatural a un tema entre lo cínico y lo siniestro.

Pagina: http://www.titoandtarantula.com/

Canned Heat

Canned Heat es una banda de blues-rock/boogie formada en Los Ángeles en 1965. La importancia de este grupo no sólo reside en su música basada en el blues, sino también en sus esfuerzos para reintroducir y revivir las carreras de algunos grandes bluesmen, así como sus habilidades para la improvisación.

El grupo lo lidereaban Alan "Blind Owl" Wilson -"Búho Ciego- (guitarra, armónica y voces) y Bob Hite ("The Bear" -El Oso-) (voces y armónica). Henry Vestine (alias "Sunflower" -Girasol-), ex miembro de Mothers of Invention, de Frank Zappa, se encargaba de la guitarra. Larry Taylor ("The Mole"-La Mole) (mejor conocido hasta entonces como el bajista de The Monkees), era su bajo de estudio hasta que acabó uniéndose al grupo por completo durante los setenta junto con el batería Frank Cook, posteriormente se incorporo definitivamente al grupo el baterista mexicano Adolfo "Fito" de la Parra. Canned Heat cogió su nombre de "Canned Heat Blues". Esta canción de Tommy Johnson, creada en 1928, habla de un alcohólico que ha empezado a beber desesperadamente Sterno.

Historia

Alan Wilson ayudó a redescubrir al cantante de blues "Son House", acompañándole en su álbum retorno en 1965. El grupo que también se encontraba bien equipado buscaba un contrato con la compañía Liberty Records, a través de la personalidad de Albert Collins conocido bluesero.

El álbum con el cual debutaron:"Canned Heat" fue realizado poco después de su aparición en 1967 en el Festival Pop de Monterrey. Adolfo de La Parra (8 de febrero de 1946, Ciudad de México) remplazó a Frank Cook en la Batería para su segundo álbum, Boogie with Canned Heat. Este álbum fue más exitoso, debido al hit "On the Road Again". En 1969 realizaron el inconsistente álbum doble Livin' the Blues a pesar de ello le dio un nuevo éxito "Going Up The Country" una canción construida alrededor del tema de Henry "Ragtime Texas" Thomas de los años 20, llamado "Bull Doz Blues"(frecuentemente citado como el "Bulldozerblues"). El guitarrista Harvey Mandel remplazo a Henry Vestine de 1969 a 1970, la banda apareció en agosto de 1969 en el ya legendario Festival de Música y Arte de Woodstock, participando en el filme y el álbum.

El siguiente año fue el punto musical culminante del grupo original. Trajeron a John Lee Hooker a grabar el álbum doble Hooker'N' Heat, en mayo de 1970. Fue el primer álbum de Hooker en figurar en las listas de popularidad llegando a la posición 73 en febrero de 1971. Desafortunadamente Alan Wilson murió de una sobredosis de droga en un "aparente suicidio" en septiembre de 1970, previo a la salida del álbum. Los resultados de la autopsia eran inconcluyentes y èl no dejo nota o recado suicida, la controversia permanece en este asunto.

La banda tuvo otro éxito adicional con una versión nueva al tema de Wilbert Harrison "Let's Work Together".

En 1970 se uniría a la banda para figurar como primera voz, el hermano menor de Bob Hite, quien cantaba y tocaba el bajo y ayudaba en los arreglos. Durante este periodo, grabaron "One More River to Cross" en Atlantic Records.

La última grabación en estudio con Bob Hite fue en 1978, dentro del álbum "Human Condition" con Hite interpretando el tema principal, una vieja grabación de Alan Wilson pero nunca fue lanzada. Una década después en 1987 dentro del álbum Hooker 'N' Heat (Live at the Fox Venice Theater) fue regrabada y lanzada con Hite, llevando nuevamente a Hooker como invitado nuevamente. Ambas grabaciones incluían la participación de Mark Skyer de la banda Chicago, la interpretación en vivo fue enriquecida por la participación de Larry Taylor en el bajo (una de las cortas reuniones con el grupo), Ronnie Barron en el piano y el grupo vocal Los Chambers Brothers.

Bob Hite murió en abril de 1981, poco después morirían: Vestine en 1997 y Richard Hite en el 2001. Hacia 1989 las trayectorias de Canned Heat y Hooker se cruzaban nuevamente. Esta vez, fue invitado en la grabación del álbum The Healer, el cual fue nuevamente un éxito. Adolfo de la Parra conduce regularmente a la banda, y Larry Taylor regresó en 1994 después de haber abandonado al grupo en 1970. Taylor continuo como el bajista principal de refuerzo en muchos grandes eventos, incluyendo a Kim Wilson y Tom Waits, "regresando" numerosas veces para hacer participaciones y grabaciones especiales para Canned Heat.

El ex Canned Heat Harvey Mandel fue uno de aquellos músicos que fue considerado para reemplazar a Mick Taylor en The Rolling Stones, con grandes esfuerzos consiguió aparecer en el álbum de los Stones Black and Blue, su extenso trabajo como solista esta catalogado con el más exitoso corte del proyecto: "Hot Stuff". Mandel continuo grabando, y realizando el mismo álbumes, y en 2004 grabo una canción escrita por el co-fundador del sitio web MP3.com, Rod Underhill, un músico y abogado quien participo activamente como director musical del proyecto original MP3.com. Mandel regularmente efectúa grabaciones y giras con el "Chicago Blues Reunion", junto a Nick Gravenites, Barry Goldberg, Tracy Nelson, Sam Lay y Corky Siegel.

Pagina: http://www.cannedheatmusic.com/

Oye Primate

Banda oriunda de la ciudad de Palmira, Mendoza, Argentina. Formada en el 2004 por los hermanos y primos Albornoz, Transitando los generos del ska y el reggae; Fortaleciendolo con las raices folkloricas cuyanas y la musica andina del altiplano. Pudiendo lograr una conjuncion de ritmos con una alta identificacion con la cultura de los pueblos latinoamericanos y su resistencia...

Paginas:
http://www.primatesmza.blogspot.com/
http://www.myspace.com/primatesresiste

Captain Beefheart and His Magic Band

Don Van Vliet, también conocido como Captain Beefheart (traducción literal; Capitán Corazón de Vaca) nació a mediados de los años 40’, en el distrito de Cucamonga (California - EEUU).

Artista que no se limita a la música, sujeto a un eclecticismo y libertad creativa etiquetada por muchos de enfermiza; por lo iconoclasta y surrealista de su hacer.

Su obra musical más aclamada es Trout Mask Replica, proyecto que conformó con su banda de soporte. Experimento libre de poesía, disonancia y atonalidad en ritmica sincopada, fragmentada, que a extrañeza de antiguos rankings musicales supo vender un considerable número de copias (sobre todo para semejante obra experimental). Quizás gracias al «de boca en boca» de los músicos contemporáneos (cabe destacar a Frank Zappa, productor del disco). Comentan los escuchas que se requiere de cierta predisposición intelectual y dósis de paciencia a lo «extraño» para apreciar este y demas discos suyos.

Anteriormente se editan trabajos donde hay cierto acercamiento y inmersion al avant garde. Posterior a Trout Mask Replica hay tres discos editados en los 70’s donde continua la víaa experimental, para luego crear con un enfoque de mayor semejanza a los estándares de la época.

En las últimas obras musicales de Beefheart conocidas al público, retoma la via libre experimental. A mediados de los 80’s a razón de magras ganancias comerciales rozando el llano fracaso se retira del negocio musical. En la actualidad, Beefheart vive en el norte de California y sufre de esclerosis múltiple, dedicándose por entero a la pintura, hasta el punto de que puede ganarse la vida mejor que como músico.

Pagina: http://www.beefheart.com/

Cassandra Wilson

Cassandra WilsonCassandra Wilson (Jackson, 4 de diciembre de 1955), cantante estadounidense de jazz que se convirtió en una de las primeras voces del jazz femenino en los años noventa. Su estilo es la fusión.

Empezó a tocar el piano y la guitarra a los nueve años y trabajó como vocalista a mediados de los setenta, interpretando una amplia gama de material. Tras un año en Nueva Orleans, Wilson se trasladó a Nueva York en 1982 y empezó a trabajar con Dave Holland y Abbey Lincoln. Tras conocer a Steve Coleman, se convirtió en las principal vocalista del M-Base Collective. Aunque no había realmente sitio para una cantante en los conjuntos de free funk, realizó un buen trabajo en la medida de sus posibilidades. Trabajó con New Air y grabó su primer disco como líder en 1985. Al alcanzar su tercera grabación, protagonizada por estándares, sonaba un poco parecida a Betty Carter. Tras unos discos sin excesiva repercusión, Cassandra cambió de dirección e interpretó un programa acústico de tipo blusístico para Blue Note llamado Blue Light 'Til Dawn. Siguiendo al estela de este trabajo, con el que Wilson había encontrado su estilo, siguió interpretando música de fusión plenamente creativa, entre jazz, el blues, el country y la música folk, y ha llegado incluso a aproximarse a las técnicas del hip hop en su trabajo de 2006 Thunderbird.

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Cecilia Zabala

Guitarrista, compositora y cantante, combina la interpretación y creación de música, con la guitarra y la voz, a través de toda su carrera, mixturando sensibilidad, expresión, técnica e intuición.

En su música se cruzan estilos tan diferentes como el folklore argentino, el lenguaje contemporáneo del S. XX, el jazz, el tango, y la música brasilera.

Participa de manera activa en la escena musical de Buenos Aires con sus proyectos y actuaciones como intérprete, compositora y arregladora, tanto en forma solista como en diversas formaciones de cámara, entre las que se destacan el dúo Las Morochas y el Alvarezabala dúo. Con estas dos últimas formaciones ha realizado las producciones independientes Halo de luz, con músicas propias -2004- y Milonga sin palabras, dedicado a la obra de Astor Piazzolla -2005-. Con Las Morochas realizó dos giras por Inglaterra -2006 y 2008-, presentándose en el Festival de Guitarras de Lewes, en el National Theatre, en el museo De la War Pavillion, en la Casa de Haendel y en la National Portrait.

En el año 2007 editó su tercer trabajo discográfico pero primero en forma solista, llamado Aguaribay, compuesto por músicas propias y versiones de "clásicos argentinos" en guitarra y voz, y que tiene invitados de la talla de Quique Sinesi, Juan Falú y Silvia Iriondo.

A lo largo de ese año, presentando su disco Aguaribay, ha realizado ciclos de conciertos con músicos invitados donde participaron Quique Sinesi, Silvia Iriondo, Nora Sarmoria, Juan Quintero, Georgina Hassan, Sebastián Espósito, Guillermo Delgado, Diego Penelas, Liliana Herrero, Marcelo Moguilevsky y Ernesto Snajer, entre otros.

Aguaribay fue presentado también en Suiza y Alemania, en auditorios de ciudades de Ginebra, Berlín, Ossnabruck, Kassel y Koln. En el 2008 en "Casa América de Catalunya", Barcelona.

Cecilia fue elegida para formar parte del "International Guitar Night" donde que realizó la grabación de un disco en vivo (Victoria, British Columbia, Canadá en febrero de 2008) y diferentes tours en Reino Unido y Canadá en el 2008 y Estados Unidos en el 2009.

En el 2008 editó su segundo disco solista Pendiente (serie "Toque Argentino" de MDR Records), donde participan como invitados Marcelo Moguilevsky, Cesar Lerner, Luciano Dyzenchauz y Victoria Zotalis entre otros.

Es docente de guitarra armónica en el conservatorio "Alberto Ginastera", y en la Escuela de Arte "Leopoldo Marechal".

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Booker T. & The MG's

Los dos grandes pilares de este grupo interracial formado en 1962 fueron Booker T. Jones, un organista que se había dejado los dedos en decenas de sesiones de la Stax desde los primeros 60, y Steve Cropper, un guitarrista que ya había saboreado las mieles del triunfo con los Mar-Keys, la primera banda instrumental de la discográfica sureña y un referente estilístico para los MG’s. El batería Al Jackson y el bajista Lewis Steinberg serían las otras dos piezas que completarían el combo. Este último no llegaría a cuajar en la banda, y a los dos años sería reemplazado por otro histórico de la casa: Donald “Duck” Dunn, que no sólo era un reputado músico de sesión, sino que también había formado parte de los Mar-Keys.

Lo de Booker T & the MG’s fue llegar y besar el cielo. En octubre de 1962 aparecía su primer sencillo: “Green Onions”/”Behave Yourself”. Editado primero en Volt e inmediatamente después en Stax, el disco arrasó en las listas de Rhythm & Blues, alcanzando la primera posición y manteniéndose ahí arriba durante 15 semanas. En las listas de música pop también funcionaría de fábula, con un excelente Top 3. Nadie se había podido resistir al pegadizo ritmo de esta atmosférica pieza nacida en una improvisación en el estudio. En este estándar del R&B están presentes todos los elementos que hicieron grandes a los MG’s: los económicos riffs de Cropper, el sincopado ritmo de Jackson y, sobre todo, la genial melodía de órgano de Booker T.

En Stax no tenían un pelo de tontos, así que después de este gran éxito publicaron rápidamente un LP titulado, evidentemente, Green onions. Imprescindible en cualquier discoteca, el disco incluía algún original excelente (“Mo’Onions”) y muchas versiones en el inconfundible estilo MG’s de hits de la época: “Twist and Shout”, “I Got a Woman”, “Comin’ Home Baby”, “One Who Really Loves You”…

Ya en 1963, el grupo siguió publicando sencillos, si bien con resultados más que discretos. Editado en marzo de ese mismo año, Soul dressing fue el segundo álbum de la banda, y en esta ocasión se incluían más composiciones propias. Entre 1964 y 1965 el grupo editó cuatro sencillos más, algunos del calibre de “Boot-leg” y “Be My Lady”, pero el éxito de “Green Onions” quedaba lejos. Sin embargo, el fracaso comercial no se correspondía ni mucho menos con la calidad de esas composiciones, muchas de ellas recuperadas en años posteriores por los combos británicos de R&B.

Tras dos LPs más (And now y In the Christmas spirit), el combo se planta en febrero de 1967 con un sencillo que vende muy bien: “Hip-Hug Her”/”Summertime”. Desde entonces y hasta el final de la década, los MG’s vivirían una segunda época dorada, encadenando una serie de discos exitosos: “Groovin’”, “Soul Limbo”, “Hand’em High”, “Time is Tight” y “Mrs. Robinson” entrarían sin problemas en el Top 40. Paralelamente, aparecían nuevos álbumes más que recomendables, como Hi-hug her, Doin’ our thing o Soul limbo.

Ya en los setenta, los componentes del combo tenía serias dificultades a la hora de coincidir en el estudio de grabación. Así, Booker T y compañía decidieron poner fin a su aventura en 1971, después de publicar un nuevo sencillo de éxito, “Melting Pot”/”Kinda Easy Like”. En 1975, el grupo se reunió otra vez para trabajar en un nuevo álbum, que se frustró con la trágica muerte de Al Jackson, asesinado en su casa por un ladrón. Desde entonces, el resto de componentes de los MG’s han seguido en la brecha, trabajando para otros músicos o en giras esporádicas.

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Bo Ramsey

Nacido a orillas del Mississippi, Robert Franklin 'Bo' Ramsey es un fantástico guitarrista de Blues-Rock influenciado por el rockabilly de la Sun y el blues de Chess, que a pesar de llevar en este negocio más de 30 años como músico y productor y tener unos cuantos discos a sus espaldas es más conocido por su conexión con Lucinda Williams quien quiso conocerle despues de escuchar su disco "Down To Bastrop" en 1991.

Además de tocar en "Car Wheels On A Gravel Road", Ramsey tambien ejerció como productor en el disco "Essence" de la señorita Williams aunque su trabajo en este campo es muy extenso ya que ha aparecido en discos de Greg Brown, David Zollo, Iris Dement, Kate Campbell,R.B. Moris, Mark Stuart, Brother Trucker, Joe Price, Pieta Brown y Joan Baez.

"Stranger Blues" es su particular tributo a algunos de los grandes del Blues como Howling Wolf,Willie Dixon, Elmore James ó Sonny Boy Williamson. Producido junto a Pieta Brown este disco de versiones del año 2006 es una delicia para quienes gusten de grandes guitarristas que no abusan de su buen hacer a las seis cuerdas.
En abril de 2008 Bo Ramsey publicó "Fragile" más orientado al country-rock y es su primer disco de temas propios en más de diez años.

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Fuente: elsignodelostiempos.blogspot.com

Bo Diddley

Bo Diddley (McComb, 30 de diciembre de 1928 - 2 de junio de 2008), fue un compositor, cantante y guitarrista estadounidense que tuvo una gran influencia en el rock and roll. Se le suele considerar como la figura predominante en la transición del blues al rock and roll, creador de ritmos básicos con un sonido duro y afilado de su guitarra. Por ello tenía el sobrenombre de "The Originator" (El Autor).

Primeros años

Nació en una granja algodonera entre McComb y Magnolia (Misisipi). Con el nombre de Otha Ellas Bates, más adelante, al vivir con su madre adoptiva, Gussie McDaniel, prima de su madre, pasaría a llamarse Ellas McDaniel. El nombre artístico de Bo Diddley, viene a significar en argot algo así como "nada de nada". Otra fuente dice que el nombre vendría de un apodo de su época de boxeador. El nombre también se liga al arco de diddley (diddley bow en inglés), un instrumento de cuerda usado en los campos del sur, principalmente por los músicos negros.

En 1933 pasó a vivir en Chicago donde a temprana edad comenzaría su afición por la música. Siendo muy joven, su hermana le regaló una guitarra, comenzando a recibir lecciones de este instrumento y de violín con el profesor O. W. Frederick. Según él mismo reconoció, su inspiración le vino viendo a John Lee Hooker.

Su música

Si en el rock and roll Elvis Presley es el rey y Chuck Berry su poeta, Bo Diddley fue su arquitecto. Su estilo personal ha influido y sigue influyendo de tal modo que según pasa el tiempo su figura se agranda en el panorama de la música rock. Por otro lado, su fama no fue premiada en el aspecto económico como cabría haber esperado. La crudeza de su estilo le cerró las puertas a ventas millonarias, puertas que sí se abrirían de par en par para muchos músicos y bandas en los que influyó.

Sus comienzos

Sus inicios comienzan en 1951 tocando en las calles, los mercados y en el 708, un famoso club de la época. Sus temas ponían de manifiesto sus influencias de Nat King Cole, Muddy Waters, Louis Jordan o John Lee Hooker.

Su oportunidad vendría de manos de la Chess Records de Chicago, una filial de la Checker Records. En 1955 grabaría su primer disco con dos temas: Bo Diddley y I'm a man. En estos temas ya destaca con su potente chorro de voz y el sonido psicodélico inconfundible de su guitarra.

El 20 de noviembre de 1955, Bo Diddley era el primer afroamericano en aparecer en el programa de televisión The Ed Sullivan Show. Años más tarde, recordando este hecho díría que la experiencia no hizo más que enfurecerlo. "Interpreté dos canciones y consiguió enojarme... Ed Sullivan dijo que era uno de esos prometedores jóvenes de color que siempre le engañaban. Dijo que no duraría más seis meses".

Con el tiempo fueron surgiendo nuevas canciones en las que una parte importante eran los músicos que le acompañaban: Su hermanastra, llamada "La Duquesa", a la segunda guitarra; Billy Boy Arnold a la armónica; Franz Kirkland o Clifton James en la batería; Otis Spann al piano; Jerome Green con las maracas y voz acompañante.

Su estilo

Debido a su estilo musical, es más conocido como "Bo Diddley beat". Su estilo beat ha sido utilizado por muchos otros importantes artistas en distintas canciones, como en "Willie and the Hand Jive" de Johnny Otis (más cercano al hambone que al estilo de Bo Diddley), la versión en vivo de "She's the One" de Bruce Springsteen, "Magic bus" de The Who, "Desire" de U2 y "Not Fade Away" de Buddy Holly así como temas menos conocidos como el "Callin' All Cows" de los Blues Rockers.

Bo Diddley utilizó una gran variedad de ritmos, sin embargo, con el back beat haría estallar el estilo de la balada, al introducir el sonido frecuente de las maracas de Jerome Green. También fue un guitarrista que introdujo multitud de nuevos efectos especiales e innovaciones en la forma de tocar. Como violinista puede oirse en el tema "The Clock Strikes Twelve".

El ritmo es tan importante en la música de Bo Diddley que la armonía está reducida a menudo a una simplicidad desnuda. Con frecuencia, sus canciones (como por ejemplo "Hey Bo Diddley" y "Who Do You Love?") no tienen ningún cambio de acorde; es decir, los músicos tocan el mismo acorde durante todo el tema, de modo que el entusiasmo es creado por el propio ritmo, más que por la armonía.

Sus canciones

Aunque Bo Diddley fue un artista que abrió fronteras interculturales al trabajar con audiencias de público blanco, apareciendo por ejemplo en conciertos de Alan Freed, sus composiciones raramente trataron problemas relacionados con la adolescencia. La excepción más notable es probablemente su álbum "Surfin' With Bo Diddley", donde ofreció el tema "Surfer's Love Call" siguiendo el estilo musical imperante en los años 60 en California, y aunque Bo nunca pudo alcanzar una gran ola que lo llevase al éxito del estilo surf, sí consiguió influir en sus guitarristas.

Las letras de sus composiciones son a menudo ingeniosas y humorísticas adaptaciones de temas de la música tradicional. Su primer éxito, "Bo Diddley" estaba basado en la nana "Hush Little Baby". Del mismo modo, "Hey Bo Diddley" se basa en la canción popular "Old Macdonald".

Entre sus canciones podemos destacar además de las ya mencionadas Diddley Daddy, Pretty thing (1955); Who do you love, Before you acuse me (1956); Mona oh yea (1957); Say man (1958); Roadrunner (1959); Cadillac (1960); I can tell, you can't jugde a book by the cover (1961).

Además de las muchas canciones que compuso para sí mismo, escribió "Love Is Strange" para Mickey y Sylvia bajo seudónimo, una canción considerada como pionera de la música pop.

Cabe mencionar su amistad con Chuck Berry con el que colaboró en más de una ocasión además de haber compartido cartel en algún concierto. Le acompañó a la guitarra en las canciones Memphis y Sweet little rock and roller y grabaron juntos el álbum Two great guitars.

Sus guitarras

Su instrumento, con marca registrada, es la guitarra square-bodied que él mismo desarrolló y con la que tocó en miles de conciertos anuales; desde sudorosos clubs de Chicago a giras con viejas glorias del rock and roll, pasando por actuaciones como telonero para The Clash o de artista invitado por los míticos Rolling Stones. Su entusiasmo por este instrumento le hizo poseer una espectacular colección de guitarras.

Influencias

La influencia de este francés negro, como a él mismo le gustaba definirse, en la música contemporánea de Europa y América ha sido más que notable. Tanto músicos como grupos han realizado con frecuencia versiones de sus propias canciones. Caben destacar The Animals, que grabaron "The Story of Bo Diddley", The Who y The Yardbirds que grabaron "I'm a Man" y The Woolies y George Thorogood que alcanzarían un éxito con "Who Do You Love", tema que también sería utilizado por la banda Quicksilver Messenger Service y que era uno de los favoritos en los conciertos de The Doors.

"Road Runner" de Bo Diddley también fue grabado con frecuencia, incluyendo a The Who en uno de sus conciertos y a Brownsville Station en uno de sus discos. El tema "Mannish Boy" de Muddy Waters era una adaptación del tema Diddley "I'm a Man". El grupo The Jesus and Mary Chain también realizó una grabación titulada "Bo Diddley is Jesus" ("Bo Diddley es Jesús") como tributo a su persona. Ronnie Hawkins interpretó "Hey Bo Diddley", "Bo Diddley" y "Who Do You Love" durante muchas de sus sesiones de grabación, incluidas las realizadas con su banda, The Hawks, más tarde conocida como The Band.

Reconocimientos

En los últimos años, Bo Diddley recibió numerosos reconocimientos a su papel como uno de los padres fundadores del rock and roll. En 1986 lo incluyeron en la Washington Area Music Association. Al año siguiente lo incluirían en el Rock and Roll Hall of Fame. Su contribución pionera al género ha sido reconocida también por el Rockabilly Hall of Fame. En 1996, la Rhythm and Blues Foundation le concedió el mérito de una vida consagrada al ritmo. En 1998, la Recording Academy le premia con un Lifetime Achievement Award en la ceremonia de los premios Grammy por su canción "Bo Diddley" grabada en 1955.

El comienzo del nuevo milenio introdujo a Bo Diddley en el Mississippi Musicians Hall of Fame y en los famosos de la North Florida Music Association. En 2002, recibió sendos premios de la National Association of Black Owned Broadcasters y de la Broadcast Music Incorporated en reconocimiento a sus múltiples contribuciones a la música contemporánea.

En 2003, en la Cámara de representantes de los Estados Unidos, Hon. John Conyers, Jr. de Míchigan, rendía un tributo a Bo Diddley al describirlo como "uno de los verdaderos pioneros del rock and roll, que ha influenciado a generaciones".

En 2004, la grabación de 1956 que realizaron Mickey Baker y Sylvia Vanderpool de su canción "Love Is Strange" (El amor es extraño) fue incluida en el "Grammy Hall of Fame" como una de las grabaciones con significación histórica. La revista Rolling Stone lo nombró como uno de sus temas immortals en el artículo The 50 Greatest Artists of All Time (Los 50 artistas más grandes del todo el tiempo).

En 2005, Bo Diddley celebró su quincuagésimo aniversario en el mundo de la música con exitosas giras por Australia, Europa y de costa a costa por toda Norteamérica. En el vigésimo aniversario de la creación del Rock and Roll Hall of Fame interpretó su canción "Bo Diddley" con Eric Clapton y Robbie Robertson. En el Reino Unido, la revista Uncut incluyó su álbum de 1958 en la lista 100 Music, Movie & TV Moments That Have Changed The World (Las 100 canciones, películas y programas de televisión que han cambiado el mundo).

Muerte

Diddley murió el 2 de junio de 2008 a los 79 años. El año 2007 sufrió una serie de ataques cerebrales y cardíacos que lo dejaron muy debilitado. Falleció en su casa de Archer (Florida).

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Bernard Allison

Bernard Allison fue introducido en las raíces de la música negra y en el arte de la guitarra eléctrica por parte de su padre, el legendario Luther Allison. De hecho participó por primera vez en una grabación de un LP de su padre con tan solo 13 años.

Estuvo girando durante 3 años con la Blues Machine de Koko Taylor, también tocó con los Blues All Stars de Willie Dixon y actuó con su padre en el Festival de Blues de Chicago en 1983, que fue una de las actuaciones más aclamadas de esa edición. Bernard capturó todos los trucos de la guitarra de Johnny Winter y en los 80s aprendió también otros muchos de Stevie Ray Vaughan.

Su primer álbum en solitario apareció en 1990 con el significativo titulo "The Next Generation". Empezó a girar con su propia banda por toda Europa y grabó los álbumes "Hang On" en 1992 y "No Mercy" en 1994. En la cuarta entrega discográfica "Funkinfo" muestra sentirse influenciado tanto por Jimi Hendrix y Stevie Ray Vaughan como por George Clinton y Johnny Guitar Watson. En su quinto trabajo "Born With The Blues" cuenta con el genial soporte en los teclados de Ron Levy y la poderosa banda de Buddy Guy, este álbum y su posterior gira mundial fueron premiados con las mejores críticas de la prensa, y sus conciertos estuvieron abarrotados por sus fans.

El álbum "Times Are Changing" demuestra su evolución continua como compositor donde destaca el título "Don’t Be Confused", dolorosa canción dedicada a la muerte de su padre (1997).

En 1999 nos sorprende con "Across The Water", una poderosa mezcla de blues y rock electrizante. Este álbum ha sido producido por Jim Gaines, el mismo que produjera a Stevie Ray Vaughan, Santana, Luther Allison, John Lee Hooker y Albert Collins.

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Joni Mitchell

Joni Mitchell (nacida como Roberta Joan Anderson el 7 de noviembre de 1943, en Alberta) es una cantante y pintora canadiense. Comenzó su carrera musical en Toronto y en el oeste de Canadá, relacionándose posteriormente con la floreciente escena de folk de Nueva York de mediados de los sesenta. A lo largo de los años 70 amplió sus horizontes musicales, dirigiendo en especial su interés hacia el pop y el jazz, para convertirse en una de las cantantes y compositoras más respetadas de finales del siglo XX. Mitchell es también una exitosa artista plástica; las portadas de casi todos sus álbumes han sido creadas por ella misma. Insiste a menudo en que la pintura era su vocación original, autodescribiéndose como una "pintora descarrilada por las circunstancias".

Inicios

Desde muy joven se interesó tanto por la pintura como por instrumentos musicales como el piano, la guitarra y el ukelele. El apellido Mitchell procede de su breve matrimonio con el cantante folk Chuck Mitchell, en 1965. Comenzó su carrera musical actuando en pubs y bares, y se hizo famosa por la calidad de sus letras y su innovador estilo con la guitarra. Personales y a veces conscientemente poéticas, sus canciones se vieron reforzadas por la calidad de su voz, extraordinariamente amplia en registros (con una amplitud de tono que cubre al mismo tiempo más de cuatro octavas), y por su estilo único de guitarra, que hace un uso frecuente de afinaciones alternativas. Ha sido fumadora desde los 9 años, lo que puede explicar por qué su voz es tan singular. Esto se ha hecho especialmente evidente en sus álbumes posteriores. Ella misma dice que ha sido adicta al cigarrillo desde que tomó su primera bocanada.

En la época en que abandonó su hogar en Saskatoon, Saskatchewan, perdió la virginidad y quedó embarazada. Al no ver otra alternativa, dio a su hija en adopción. Mitchell mantuvo esto en secreto durante la mayor parte de su exitosa carrera musical. Una noche, tocando en un club de Nueva York, un joven David Crosby presenció su actuación y quedó impresionado por su habilidad y sus dotes como artista, y decidió tomarla bajo su protección.

Los comienzos de su éxito se debieron en gran medida al hecho de que otros intérpretes versionaran sus temas: su canción "Urge for Going" fue un éxito en las interpretaciones del cantante country George Hamilton IV, del intérprete folk Tom Rush y, muchos años después, de la banda escocesa Travis. También la irlandesa Luka Bloom grabó la canción. La versión original de este tema, grabada por Joni Mitchell en 1967, no vio la luz hasta 1972, como cara B del single de 1972 "You Turn Me On I'm A Radio", y no fue editada en álbum hasta el recopilatorio "Hits", en 1996.

Otros intérpretes lograron éxitos con canciones de Joni Mitchell: Judy Collins, a principios de 1968, grabó "Both Sides Now" y el grupo de folk rock británico Fairport Convention incluyó "Chelsea Morning" y "I Don't Know Where I Stand" en su álbum de debut, grabado a finales de 1967, y "Eastern Rain" en su segundo álbum al años siguiente.

Las canciones de los primeros dos álbumes de Joni Michell, "Song To A Seagull" (de 1968, también conocido como "Joni Mitchell"), y "Clouds" (de 1969) eran arquetipos del movimiento de cantautores emergente en ese momento.

El tercer disco significó la madurez: "Ladies of the Canyon" (1970) es un disco imbuido del espíritu de la vida en California (el "cañón" del título del álbum hace referencia tal vez tanto a Topanga Canyon como a Laurel Canyon, en Los Ángeles), que contenía su primer gran éxito, "Big Yellow Taxi" y su recordada canción "Woodstock", acerca del festival (que luego sería un éxito en las voces de Crosby, Stills, Nash and Young). Mitchell escribió la canción luego de habérselo perdido y escuchar diversas historias glorificantes sobre éste. Ella había cancelado su aparición en el festival por consejo de su manager por miedo a perder una aparición en "The Dick Cavett Show". Desde entonces ha dicho que la decisión de cancelar el concierto ha sido uno de sus más grandes arrepentimientos. "For Free" es la primera de muchas de sus canciones que hablan sobre la dicotomía entre los beneficios de su estrellato y sus costos, tanto su presión como la pérdida de libertad y privacidad que representa.

Éxito en los años 1970

El enfoque confesional de Mitchell se notó más en álbum Blue (1971), ampliamente considerado el mejor de este período. Explorando las múltiples facetas de las relaciones, desde el encaprichamiento (en "A Case of You") hasta la inseguridad (en "This Flight Tonight"), las canciones se caracterizaron por un uso creciente de piano y dulcimer apalache en "Carey", "California" y "All I Want". Otras canciones se basaban en el piano, y algunas exhibían ritmos asociados con el Rock and roll.

Su influencia más directa con el rock fue bastante fuerte en sus siguientes dos álbumes, grabados para su nueva discográfica Asylum. "For The Roses" (1972), cuya canción titular continuó con su exploración de la temática de "For Free", se vendió bien, gracias en parte al exitoso single "You Turn Me On, I'm A Radio", influenciado por la música country. Pero fue "Court And Spark" (de 1974), un híbrido de pop, rock y folk con toques de jazz, el que tuvo un mayor éxito, produciendo clásicos como "Free Man In Paris" (inspirada por las historias contadas por su productor y amigo David Geffen), "Car On A Hill", y en especial "Help Me", que sigue siendo su single más vendido (y que llegó a los primeros 10 puestos).

Court and Spark también fue notable por los primeros ecos de la influencia de jazz en la obra de Mitchell, y quizás por el éxito comercial de ese álbum, y del siguiente álbum en vivo "Miles of Aisles", (en el que fue acompañada por el conjunto de pop-jazz de los 70s LA Express), ella pasaría el resto de la década creando música con elementos de jazz.

El período de Jazz

El primero de esos álbumes, The Hissing of Summer Lawns (1975), marcó un cambio en cuanto a las letras, en el que su estilo confesional fue reemplazado por una serie de viñetas, desde bailarines de clubes nocturnos ("Edith and the Kingpin") a las mujeres con maridos ricos aburridas ("The Hissing of Summer Lawns" y "Harry's House/Centerpiece"). El álbum fue diverso estilísticamente, con complejas harmonías vocales junto a percusión africana (los Tambores de Burundi inventados por la fundación "The Jungle Line"). Aunque muchos fans y otros artistas consideran a Hissing como su obra favorita de Mitchell, no fue muy bien recibido cuando fue lanzado. Rumores dicen que la revista Rolling Stone lo declaró "The Worst Album of The Year" (el "Peor Álbum del Año"); pero en realidad solo fue denominado el peor "título" para un álbum [1]. Mitchell y la revista Rolling Stone no tuvieron una buena relación desde que, unos años antes, la revista publicase un "árbol" que ilustraba todos los supuestos amantes de Mitchell, principalmente compuesto por otros músicos.

Duntante el año 1975, Mitchell también participó en muchos conciertos en las giras Rolling Thunder Revue, y en 1976, actuó para "The Last Waltz" de The Band.

Hejira (1976) continuó la tendencia de Mitchell con el jazz, con varias canciones lideradas por el Bajo fretless, (es decir, sin traste) de Jaco Pastorius (músico de jazz). Sin embargo, las canciones en sí presentaban letras densamente metafóricas y melodías vocales complejas que contrastaban y proveían contrapunto a los ritmos de jazz de los arreglos. Además, este álbum resaltó como nunca antes por la inusual afinación "abierta" de la guitarra de Mitchell.

Don Juan's Reckless Daughter (1977) fue un álbum que se alejaba más del pop para adentrarse en la libertad y abstracción del jazz, un renombrado doble álbum por la larga parte improvisada "Paprika Plains". El álbum recibió diferentes críticas: algunos disfrutaban su originalidad y experimentación, que al mismo tiempo no era de ser esperado por muchas de las estrellas y celebridades que había en el ámbito de la música de aquel entonces. Otros argumentaron que este estilo de música ya se había implementado para este tiempo, citando el hecho de que numerosas bandas de jam ya tocaban para estudiantes colegiales en un estilo similar y frecuentes veces con un similar grado de convicción. La tapa del álbum creó su propia controversia; Mitchell figuraba en muchas fotografías de la portada, incluyendo una en la que ella disfrazada como un hombre negro.

El siguiente trabajo de Mitchell tuvo la colaboración del bajista Charles Mingus, que murió antes que el proyecto terminase en 1979. Mitchell terminó las canciones con un banda que incluía a Pastorius, Wayne Shorter y Herbie Hancock. Mingus fue mal recibido; las audiencias de rock no fueron receptivas, y los puristas del jazz no estaban convencidos. Sin embargo, la apreciación por este trabajo fue creciendo considerablemente al pasar los años.

La era Geffen

Los años 1980 tuvieron la menor cantidad de álbumes editados por Mitchell desde los inicios de su carrera: sólo aparecieron tres álbumes con material nuevo, y ninguno causó una gran impresión. Wild Things Run Fast (de 1982) fue un intento de volver a escribir canciones pop, e incluía la canción "Chinese Cafe/Unchained Melody" que incorporó el estribillo y partes de la melodía del éxito de los Righteous Brothers, y "(You're So Square) Baby I Don't Care". Fue claramente influenciado por el matrimonio de Mitchell con el productor Larry Klein - Mitchell se refirió en muchas entrevistas a estas canciones como canciones "amo a Larry". Aunque sólido compositivamente, fue lanzado en una época en que estaba de moda la música más oscura y con múltiples capas de los movimientos New Wave y New Romantic.

El productor e intérprete británico de synth pop Thomas Dolby, trabajó con ella en Dog Eat Dog (1985), pero los arreglos de sintetizador y de caja de ritmos, junto a las letras más estridentes y enojadas de Mitchell, pasaron de moda más rápidamente que sus primeras obras.

En Chalk Mark in a Rainstorm (1988) Mitchell colaboró con talentos que incluían a Willie Nelson, Billy Idol, Wendy and Lisa, Tom Petty y Don Henley. Las canciones abarcaban diversos géneros, incluyendo un dueto con Peter Gabriel en "My Secret Place" que recordaban el material "clásico" de Mitchell. Aunque había algunas transiciones discordantes de géneros ("Dancing Clown" y "Cool Water"), los sonidos sintetizados de varias capas de "My Secret Place", "Beat of Black Wings" y "Tea Leaf Prophecy" fueron una mejor unión de la voz de Mitchell con la electrónica.

Tras el lanzamiento de Chalk Mark in a Rainstorm, Mitchell participó en The Wall Live in Berlin, el show de Roger Waters' de The Wall en Berlín.

Los turbulentos años 1990

Night Ride Home, álbum de 1991 que Mitchell describió como "middle-aged love songs" ("canciones de amor de mediana edad"), tuvo una mejor recepción y marcó un acercamiento a sus raíces acústicas. Pero para muchos, el regreso a la forma llegó con el álbum ganador del Grammy Turbulent Indigo (1994). Para estos, "Indigo" fue el conjunto de canciones más sólido de Mitchell en años. Mitchell lanzó su último grupo de nuevas canciones 'originales' en Taming The Tiger (1998).

"Odio la música": 2000-2006

Both Sides Now (2000) fue un álbum conformado en su mayor parte por versiones de canciones clásicas, ejecutadas con una orquesta. El mismo recibió críticas muy favorables y vendió una cantidad importante de copias. El álbum contenía nuevas versiones de "A Case Of You" y la pista titular "Both Sides Now," dos éxitos tempranos ejecutados con su actual y conmovedor registro contralto. Su éxito la llevó a crear Travelogue, una colección de nuevas versiones de sus viejas canciones, acompañadas por arreglos de orquesta. Mitchell afirmó que éste sería su último álbum.

Recientemente, Joni Mitchell mencionó su descontento con el estado actual de la industria, diciendo que había caído en un gran "pozo negro", y afirmando que "odia la música" y que quisiera recordar lo que alguna vez le gustó de ella. Expresó su aversión hacia el dominio de la industria discográfica, y su deseo de controlar su propio destino, posiblemente lanzando su propia música por internet.

En los últimos años se lanzaron una serie de compilados temáticos de canciones de sus primeros álbumes: "The Beginning Of Survival" (2004), "Dreamland" (2004) y "Songs of a Prairie Girl" (2005), que ella editó tras aceptar una invitación para participar en el concierto Saskatchewan Centennial en Saskatoon, frente a la reina. En las notas de esta última compilación, Mitchell escribió que la colección es su contribución a las celebraciones.

Su álbum "Both Sides Now" aparece en la película "Love Actually", en la que varios de los protagonistas escuchan el disco.

2007: Regreso

En octubre de 2006, Joni Mitchell comunicó que en los últimos meses se vio componiendo y grabando material para un nuevo trabajo discográfico. En julio de 2007, luego de varias semanas de rumores, se oficializó que el flamante sello discográfico Hear Music, con el que Paul McCartney publicó su exitoso álbum Memory Almost Full en junio de ese año, estaría publicando el nuevo álbum de Joni Mitchell, titulado Shine, en setiembre de 2007. Sería este el primer álbum de nuevo material de Joni en 9 años.

Dada la gran promoción que ha recibido el álbum de McCartney –partiendo del despliegue monumental de Memory Almost Full siendo reproducido y exhibido en cada local de la cadena de cafeterías Starbucks–, es esperable que el álbum de Mitchell tenga similar exposición y ventas considerables.

Guitar style

Casi todas las canciones que ella compuso con su guitarra usan una afinación abierta, o no estándar; ella ha escrito canciones en alrededor de 50 afinaciones diferentes. El uso de afinaciones alternativas permite una mayor variedad y complejidad de armonías que pueden ser producidas con la guitarra, sin la necesidad de combinaciones de acordes difíciles. De hecho, muchas de las canciones de Mitchell usan combinaciones muy simples, pero su uso de afinaciones alternativas y su estilo de rasgueo altamente rítmico crea un sonido rico y único. Su estilo ha evolucionado con los años, desde un estilo intrincado, tipificado por las canciones de guitarra de su primer álbum, a uno más holgado y rítmico, a veces incorporando "slaps" percusivos, como en sus más recientes álbumes.

Influencia

Mitchell puede ser considerada una "música de los músicos"; su obra ha tenido una enorme influencia en una gran cantidad de artistas; no sólo ha influenciado a cantautores similares como Sheryl Crow y Shawn Colvin, sino a un número importante de artistas en diversos géneros, como K.D. Lang, Elvis Costello, PM Dawn, Janet Jackson, Agnes Chan, y Prince.

Por ejemplo, la canción de Prince llamada "The Ballad of Dorothy Parker" (de su álbum Sign 'O' the Times, debe mucho a Mitchell, tanto por sus armonías evocadoras del estilo de Mitchell como por el uso de técnicas propias de ella: como en la canción de Mitchell "This Flight Tonight", Prince hace referencia a una canción en su letra ("Help Me", de Joni) mientras que la música emula los acordes y melodías de esa canción.

Janet Jackson usó un sample de "Big Yellow Taxi" en un single de 1998, "Got 'Til It's Gone" (al parecer, a Mitchell le agradó, por lo que apareció en MTV/VH1 en un clip corto en el que aprobaba la canción). Counting Crows tuvo un hit en 2002 con una versión de "Big Yellow Taxi". Aunque Mitchell usualmente evita hablar sobre otros artistas, en especial de aquellos a los que influenció, ella ha quedado impresionada por dos artistas de jazz que intrepretaron parte de su obra, Cassandra Wilson y Diana Krall. Aunque la mayoría de los oyentes tienden a recordar los éxitos tempranos de Mitchell (de sus álbumes más comerciales), muchos músicos se inspiraron en sus trabajos más experimentales, particularmente en The Hissing of Summer Lawns y Hejira. Ella también elogió a los New Radicals.

Mitchell fue añadida al Canadian Music Hall of Fame (o "Salón de la Fama de la Música Canadiense") en 1981 y en el Rock and Roll Hall of Fame (o "Salón de la Fama del Rock and Roll" en 1997. En 1995 recibió el "Century Award" de Billboard. El primero de mayo de 2002 recibió el nivel Companion de la Order of Canada ("Orden de Canadá"). También recibió el premio "Grammy Lifetime Achievement Award" en 2002, acompañado de una mención que la describía como "una de las artistas femeninas más importantes de la era del rock" y "una poderosa influencia en todos los artistas que adoptan la idea de la diversidad, imaginación e integridad."

Mitchell recibió un doctorado honorario de la McGill University el 27 de octubre de 2004.

Pagina: http://www.jonimitchell.com/

Roxy Perry

Un niña prodigio, Roxy comenzó al frente de bandas de swing en el famoso Casino de Isla Glen en New Rochelle, Nueva York y realizó su primer gran concierto en el Shrine Auditorium en Los Ángeles, California a la edad de 9. En su temprana adolescencia, ella comenzó al frente de sus propias bandas. En su adolescencia, ella estaba trabajando seis noches a la semana con su banda en el Salón Peppermint en la calle 45 y Times Square en la ciudad de Nueva York. Fue allí que se descubrió e hizo su primera grabación en estudio, como una doble de una vocalista. Esto llevó a que en su gira por cuatro años con la banda de pop-rock, Dawn, en representación de sus éxitos de la época. La banda encabezó giras de conciertos con Kenny Rogers, The Carpenters, Rare Earth, Gladys Knight & El pips, Iron Butterfly, Nitty Band, Mike Nesmith, Mark Lindsay y muchos otros. En los 80's grabo producida por Richie Cordell, que fue destacado en el Billboard durante dos meses.

Roxy blues inició su carrera a finales de los años 80's, cuando se convirtió rápidamente en conocida por su excitante show en vivo en clubs, salas de conciertos y festivales en todo los EE.UU. y en el extranjero y ha ganado su reputación como "el reparto verdadero" a través de su fascinante y muy vivo CD aclamado en los círculos de jazz y blues en todo el mundo.

Roxy en los últimos años ha aparecido en conciertos con Rod Piazza, Shamekia Copeland, Leon Russell, Marcia Ball, John Mayall, Saphire, Hubert Sumlin, Gatemouth Brown, Koko Taylor, Taj Mahal, los Neville Brothers, Popa Chubby, Derek Trucks, El Negro Crowes, Susan Tedeschi, Duke Robillard y un anfitrión de otros. En 2007, el Roxy y su banda realizó en el famoso Festival de Jazz de Montreux, donde encabezó dos etapas, incluido el lago de Ginebra Blues Crucero

En una grabación arís, Tennessee.

Roxyoduced y el material escrito para cuatro aclamado CD que se han agregado al artista Blues clásico femenino en las listas de emisoras de radio en todo el mundo. Ellos se titulan HI TACON BLUES (Mónada Records), ROXY PERRY, NUEVA YORK BLUES REINA (BluePerry Hill Records), en el Bluesville (BluePerry Hill Records), y su más reciente CD, DULCES EN MI TIEMPO (BluePerry Hill Records). Muchas de sus canciones originales aparecen en la compilación de blues CD. Su versión única de la casa del sol apareció en el álbum, DOMINIO PUBLICO (Compra Records), que fue nominado para un premio Grammy. En 2006, en el Bluesville se adjudicó BEST CD de producción propia en el Desafío Internacional de Blues en Memphis, Tennessee.

Roxy también figuran en una larga lista de álbumes de blues como copia de seguridad y destacado vocalista. Blues leyenda Roxy Roscoe Gordon escogió para cantar en armonías de tres partes toda su última versión que salió al aire en todo el mundo.

En 2007, Roxy, se presentó con el prestigioso Artista del Año de adjudicación por el Consejo de Artes de Westchester, Nueva York.

Reconocimiento de los medios a través de los años ha sido amplia, en particular, un artículo de portada y página 6-entrevista en la revista internacional, BLUES ROCKS MUNDO, y en el estelar comentarios downbeat, BLUES REVUE, BLUES CUESTIONES, y muchos más.

Roxy de la música ha sido presentado en el legendario REY BISCUIT HORA, y el House of Blues HORAS RADIO conducido por Elwood Blues (Dan Aykroyd). El programa de radio sindicado, RETRATOS EN AZUL, que los perfiles de Blues y el aumento de las leyendas estrellas, producido una hora de duración en función de Roxy Perry. Este documental histórico se transmite regularmente en las estaciones de NPR. Su música sigue siendo escuchado regularmente en Music Choice, DIRECT TV, cientos de emisoras de radio, web y podcasts de todo el mundo.

Pagina: http://www.roxyperry.com/

Vargas Blues Band

Javier Vargas nació en Madrid aunque a los seis años se traslado a Argentina con su familia. Vivió en Mar de la Plata, una ciudad costera de la provincia de Buenos Aires, desde los nueve a los 16 años. Allí, segun dice él, comenzó a escuchar en la radio a los Beatles, Rolling Stones, The Who.

Como casi todos los guitarristas decidió adentrarse en el mundo de la música gracias a que su padre le regaló una guitarra a los doce años. Un guitarrista argentino, Jorge Cámara, le dió sus primeras clases. Comenzó a estudiar solfeo pero lo dejó por que no era su fuerte. Nunca estudió música y todo lo que sabe se debe a su oido y a su capacidad personal que sólo los genios tienen.

Él mismo reconoce que estudiar música te abre más puertas a la hora de tocar la guitarra por que te pone al alcance de tu mano armonías y otra información muy valiosa para avanzar rápidamente. Por otra parte el ser autodidacta le ha beneficiado en que ha creado su propio sonido evitando cosas prestablecidas. "Son mis bendings, mis escalas y mi blues, con mis vicios mis técnicas. Todo a mi manera."

Los orígenes musicales de cualquier guitarrista se basan en influencias de otros músicos de la época. Como dice Javier, "Por aquellos años, mediados de los sesenta, se oía mucho blues. En Inglaterra estaba de moda Fleetwood Mac, John Mayall and the Bluesbreakers. Toda esta tendencia musical se reflejó en mi forma de tocar. En mis inicios me encantaban Jimmi Page, Eric Clapton (en la época de Cream), y también Black Sabath". Pero Vargas descubrió el blues en Ingalterra. En aquellos años era la música del momento y el Blues era en Inglaterra lo que ahora es el Brit-Pop.

Los incios de Javier Vargas como guitarrista se forjaron el la ciudad de Mar de Plata. Se reunía con los amigos a tocar en los garajes de las casas de los amigos (donde el volumen no era un límite) y allí, gracias a la ayuda de alguno de sus amigos, pudo desarrollarse como un buen guitarrista. Uno de sus amigos tenía una mansión al lado de la playa y se iban a ensayar y a grabar con un pequeño equipo de grabación. Era un estudio pequeño pero Vargas empezó a conocer y a recopilar información de ese "campo de entrenamiento" que era el mini-equipo de su amigo. Definitivamente para Javier Vargas Argentina no es sólo un país, sino que fue la cuna donde nació el guitarrista que es ahora en la actualidad.

En 1971, con 16 años, su familia se tuvo que trasladar a Venezuela y allí comenzó otra etapa de su vida diferente a la de Argentina. Entonces fue cuando se tuvo que buscar la vida y tratar de ser un profesional de la guitarra. Aguantó en Venezuela dos años pero lo que de verdad quería Javier Vargas era irse a los Estados Unidos y conocer las nuevas corrientes, ver a los grandes músicos en los clubs y garitos donde se hacía música en directo. Allí y por medio de antiguos conocidos de Venezuela, aprendió todo lo que la escuela de música no fue capaz de enseñarle. El directo muestra a un guitarrista tal como es, con toda su dimensión humana y musical.

En Estados Unidos, Javier Vargas encontró una hospitalidad musical inesperada. Su primer contacto norteamericano fue Nashville, Tennesee, la capital del country, ni más ni menos. El ambiente era de puro rock sureño, jazz y rock & roll, además del country. Todas las noches había actuaciones en todos los rincones de la ciudad, en todos los bares. Se podía codear con gente tan famosa como Alice Cooper, Lou Reed o Jimi Hendrix. Era una buena época.

En Nashville Javier empezó a tocar como guitarrista para gente del country. Luego se unió a la banda Loco Covers Band, donde hacían versiones de The Who, The Eagles y todo lo que estaba de moda en esos años. Javier nunca perdió su estilo ni su forma de tocar aunque el reconoce que es un músico capaz de adaptarse a cualquier estilo de música.

Javier vivía con un guitarrista de Colorado y tocaba con él. Poco a poco fue ganando contactos y esta fue la época cuando se compró su primera guitarra, una Gibson SG.

Vargas, con su insaciable afán de aprender más, se marchó al la capital de la música contemporánea del momento: Los Ángeles. Cada viaje a un lugar de Estados Unidos le servía para desarrollar su estilo un poco más. En esta etapa de su vida Javier se encontró con músicos como Van Halen, a Alvin Lee. Javier recuerda esos años con cariño ya que como él dice "la noche que conocí a Roy Buchanan me lancé a montarme una jam con él y aún recuerdo cómo me temblaban las manos". Posteriormente dice con orgullo que ha conocido personalmente a muchos de los grandes.

Javier estuvo viviendo en Latinoamérica y en Estados Unidos. Un buen día decidió volver a España. Eran los años de la transición (1977) y decidió quedarse por aquí. Colaboró entonces con Miguel Ríos en varios álbums, en alguna gira con la Orquesta Mondragón, como compositor para Joaquín Sabina y para Manolo Tena, con quien hice Sangre Española.

Javier Vargas comenzó su andadura como banda de blues de forma provisional. Cogía a un bajista y a un batería y se formaba su banda de blues para dar conciertos por las ciudades españolas. La gente comenzó a pedirle discos de su trabajo, pero hasta el momento, no había grabado ninguno. Un día decidió meterse en un estudio y grabar su primer disco "All Around Blues".

Desde entonces hasta ahora Javier Vargas se ha hecho un hueco muy inportante dentro de la discoteca básica del amante del buen blues. All Around Blues, Menphis-Madrid, Blues Latino, Texas Tango, Gipsy Boogie y Feedback con Bluestrology no es sino la evolución de un monstruo de la guitarra que ha sabido entender el blues de una forma distinta saliendo de los tópicos clásicos e introduciendo un mestizaje en sus discos. Javier Vargas ha sabido combinar culturas y sus músicas, y según mi opinión, eso es debido a que Javier es el resultado de un mestizaje Español-Sudamericano-Americano, y en definitiva yo lo definiría como "un Latino muy completo".

Pagina: http://www.vargasblues.com/

Vivencia

Este dúo acústico debutó en 1972 con "Vida y vida de Sebastián", una obra conceptual que fue interpretada por una orquesta dirigida por Jorge Calandrelli. "Mi cuarto" (1973) es su disco más exitoso y se ha convertido en un clásico de la década. A partir de ese inesperado suceso, el dúo nunca supo cómo continuar su carrera en forma exitosa, por lo que se limitaron a repetirse musicalmente. Editaron varios discos que no resultaron masivos hasta sus separación, en 1983.

En una localidad de la zona oeste de la Provincia de Buenos Aires, (Argentina), Héctor Ayala y Eduardo Fazio se conocen y dan comienzo a una larga amistad que aún perdura hasta estos días.

De manera simultánea Héctor y Eduardo, comienzan a sentir la necesidad de componer surgiendo a partir de ese momento las primeras canciones que formaron parte del amplio repertorio de Vivencia.

El verdadero disparador de Vivencia, fueron los grupos fundadores del rock nacional: Tanguito, Moris, Manal, Los Gatos, Los abuelos de la nada y Almendra. En consecuencia, Vivencia, fué siendo influenciado por ese caldo de cultivo musical y acicateado por la profunda necesidad de expresar a través de la música y de las palabras su descontento ante lo establecido, dan a luz una obra integral llamada Vida y vida de Sebastián.

En esa época abundaban las propuestas contestatarias y las rebeldías pero Vivencia opta por lo medular. Es así, que nace un disco que marcaría un hito en la música de esos tiempos a través de un mensaje esencialmente humanístico, Mi cuarto.

La discografía de Vivencia, es numerosa: graban para Sony Music 10 discos larga duración.

Se suceden 12 años de actuaciones, eventos que los llevan a recorrer todo el país de la mano del reconocimiento de la gente.

En los 90`, el dúo deja los escenarios ya que Héctor es convocado por Warner Chappell de Estados Unidos, una importante editorial musical, para trabajar como autor y compositor para el mercado latino por el lapso de 10 años, regresando a la Argentina en el año 2000.

En el mes de Septiembre de ese mismo año, Vivencia vuelve a los escenarios no sólo en respuesta a la generación que el dúo había convocado sino también a las siguientes generaciones.

Las razones de este regreso se debe a varios factores:

Muchas radios del país a través del tiempo, siguieron difundiendo el rock nacional.
Los discos fueron pasando de mano en mano y de padres a hijos.
Canciones como Mi cuarto, Pupitre marrón, y Los juguetes y los niños, fueron enseñadas y teatralizadas en los colegios primarios y por último el surgimiento del (revival) que le permite a Vivencia, llegar a nuevas generaciones.

Pasó el tiempo y esos recuerdos se juntan con el presente porque Vivencia, está de nuevo a través de sus voces, del sonido inconfundible de sus guitarras y de nuevas canciones que dentro de poco tiempo estarán siendo grabadas en un CD de pronta aparición en el mercado.

¿Que se trae entre manos Vivencia?. En pocos años el mundo a cambiado como así también nuestro país. El entorno social, político, humano, las relaciones familiares entre padres e hijos, las comunicaciones, etc, etc, hacen de esta realidad que nos rodea un inmenso escenario a ser descripto por estos dos grandes músicos y poetas que han sabido pintar y que sin ninguna duda podrán hacerlo en este tiempo y en esta realidad que nos rodea.

"Hay canciones que tienen la virtud de reflejar etapas vividas, son como un álbum de fotografías que movilizan la memoria y aceleran el corazón."

Pagina: http://www.vivencia.com.ar/

Thomas Newman

Thomas Newman (20 de octubre de 1955) compositor estadounidense.

Nacido en Los Ángeles, California, es miembro de una de las familias de compositores de cine más conocidas en Hollywood. Hijo del compositor Alfred Newman (1901-1970) (quien compuso la música en películas como "The Battle of Midway", "My Friend Flicka", "La canción de Bernadette", "La barrera invisible", "Eva al desnudo" o "La túnica sagrada") y de su mujer Martha Louise, realizó sus estudios en la Universidad de Yale.

Su tío Lionel Newman compuso "Hello Dolly!", su hermano David Newman ha realizado la música de películas como "Papá canguro", "Smoochy" o "Ice Age" y su primo Randy Newman es un conocido compositor.

Una de las características musicales de Thomas Newman es su continuo cambio de estilos, pasando de la aclamada "American Beauty", en la que hacía uso de diversos instrumentos en un estilo rítmico con unas piezas minimalistas, a otras bandas sonoras en las que hace uso de la orquesta. Ha sido nominado nueve veces al Oscar en la categoría de Mejor banda sonora y 1 vez en la categoría de Mejor canción original, aunque a la fecha no lo ha ganado.

Filmografía básica:

- Brothers (2009)
- Revolutionary Road (2009)
- WALL·E (2008)
- El buen alemán (2006)
- Cinderella Man (2005)
- Jarhead (2005)
- Lemony Snicket's A Series of Unfortunate Events (2004)
- Buscando a Nemo (2003)
- Angels in America (2003)
- Camino a la perdición (2002)
- La flor del mal (2002)
- En la habitación (2001)
- A dos metros bajo tierra (Tema principal) (2001)
- Erin Brockovich (2000)
- Cadena de favores (2000)
- Boston Public (Tema principal) (2000)
- American Beauty (1999)
- La milla verde (1999)
- ¿Conoces a Joe Black? (1998)
- El hombre que susurraba a los caballos (1998)
- Mad City (1997)
- Oscar y Lucinda (1997)
- Sueños de fuga o Cadena perpetua (1994)
- Mujercitas (1994)
- De carne y hueso (1993)
- Esencia de mujer (1992)
- El juego de Hollywood (1992)
- Tomates verdes fritos (1991)
- Un príncipe en America (1988)

Pagina: http://users.telenet.be/obelisk/tnc