La Oreja de Van Gogh

La Oreja de Van Gogh, también conocida por sus siglas LODVG o LOVG, es un grupo musical originario del País Vasco, España. Su trayectoria en el mundo de la música comenzó formalmente en 1996. Nació formada por Pablo Benegas, Álvaro Fuentes, Xabi San Martín y Haritz Garde. Amaia Montero, la que fue vocalista del grupo desde sus inicios, abandonó la banda para comenzar su carrera en solitario en 2007. Desde 2008 la cantante es Leire Martínez.

Aunque se les suele identificar como una banda de pop rock, esta formación donostiarra ha jugado a lo largo de sus cinco discos de estudios con ritmos tan variados como la ranchera, la bossa nova, el dance o la electrónica. Su estilo también va acorde con el llamado Donosti Sound o Sonido de San Sebastián (término que alude al tipo de música que con tanto éxito han interpretado otros grupos de pop rock originarios de esta ciudad vasca, desde los años 80).

Está considerado uno de los mejores grupos de música en castellano y su fama se extiende a Latinoamérica, EEUU y otros países de Europa como Francia o Italia. Han logrado alcanzar el número 1 en numerosos países con temas tan conocidos como El 28, Cuéntame al oído, Cuídate, La Playa, Puedes contar conmigo, Rosas, Muñeca de trapo, Dulce locura, o El último vals. En 2008, La Oreja de Van Gogh había logrado vender más de 6.300.000 copias a nivel mundial. Además, son ganadores de premios tan importantes como el Grammy Latino, los MTV Europa o la Gaviota de Plata del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar.

Historia

1996: La llegada de Amaia Montero a Los Sin Nombre

Antes de que Amaia Montero se uniera al resto de sus compañeros allá por 1996, éstos ya habían formado un grupo llamado Los Sin Nombre, un año antes en la ciudad de San Sebastián. De esta manera, Pablo Benegas tocaba la guitarra, Álvaro Fuentes el bajo, Xabi San Martín el teclado y Haritz Garde la batería. Los cuatro se conocieron en la UPV donde estudiaban derecho (Pablo, Álvaro y Haritz) y empresariales (Xabi) -Amaia estudiaba al inicio química, pero al no poder compatibilizar los estudios con el grupo, lo cambió por psicología- y solían versionar temas de grupos ya conocidos como U2, Pearl Jam o Nirvana. Sin embargo, cuando empezaron a componer canciones propias, advirtieron la ausencia de una voz que las interpretase.

Tras intentar encontrar una vocalista entre sus conocidos, Pablo Benegas conoce a Amaia Montero en la fiesta de un amigo. Después de oírle cantar el tema Nothing Compares 2 U de Sinead O'Connor, Benegas insiste en que vaya a hacer una prueba con todo el grupo. En un principio Amaia se resiste a cantar delante de unos desconocidos, pero finalmente accede a ir al local de ensayo. Una vez finalizada la prueba, todos coincidieron en que Amaia Montero debía ser la vocalista del grupo. Con la incorporación de Amaia, la formación decidió cambiar de nombre, pasando a llamarse La Oreja de Van Gogh.

Al principio sólo ensayaban las tardes de los viernes en bares en los que tenían amistad con el dueño. No será hasta que se presenten al Concurso Pop-Rock Ciudad de San Sebastián[6] cuando se ponen manos a la obra y componen su primera maqueta. A pesar de que fracasaron en su primer intento, la banda no se dio por vencida y lo intentó de nuevo al año siguiente. Así fue como ganaron en 1997 el V Concurso Pop-Rock Ciudad de San Sebastián. La maqueta que enviaron al jurado del certámen incluía los temas Viejo cuento, Dos cristales, Aquella ingrata y El árbol. Dos de ellos formarían parte en un futuro no muy lejano de su primer disco.

Gracias a su victoria en dicho concurso, La Oreja de Van Gogh lograba hacerse un hueco en el difícil mundo de la música. Sus canciones comenzaron a escucharse en las emisoras de la zona, lo que les animó a probar suerte enviando maquetas a las casas discográficas. Su mayor sorpresa se la llevaron cuando un día recibieron una llamada de Sony Music.

1998: "Dile al Sol", el despegue de su carrera

Tras ganar el Concurso Pop-Rock Ciudad de San Sebastián, La Oreja de Van Gogh consigue, a través de unos conocidos, ponerse en contacto con Jennifer Ces, una cazatalentos de la discográfica Epic. Amaia Montero logra llamarla para preguntarle si podían enviarle una maqueta. Finalmente Jennifer accede y recibe los temas que hasta el momento la banda había compuesto (básicamente los que habían enviado al Concurso Pop-Rock Ciudad de San Sebastián). Junto a estas canciones, la vocalista del grupo le envía una carta en la que agradece la oportunidad que se les brinda.

Encantada con el material que recibe, Jennifer Ces les pide más temas. Rápidamente La Oreja de Van Gogh se pone manos a la obra. La posibilidad de editar su primer disco de estudio parecía estar cada vez más cerca. En ese momento aparece Rafael Berrio, compositor del tema Qué puedo pedir (una de las canciones que posteriormente aparecería en Dile al sol). Al parecer, Íñigo Argomaniz estaba ayudando a los chicos de la joven banda a hacerse un hueco en el mundo de la música. Para ello, llama a su amigo Rafael Berrio y le convence para que ayude a la formación donostiarra. Así fue como La Oreja de Van Gogh logró el suficiente material como para publicar un disco. Dicen que cuando Manolo Moreno, promotor de Epic, escuchó el material que había recibido del grupo exclamó: Tenemos al nuevo Mecano.

Tras todo este entrecijo de contactos, llamadas y ayudas de última hora, la compañía confirmó a los miembros de la banda su intención de lanzar al mercado su primer álbum. Finalmente, su sueño se cumple y ponen rumbo a Madrid, donde grabarán su primer disco Dile al sol. El estudio de Alejo Stivel es el escogido para grabar las canciones del álbum. En aquellos primeros días fuera de San Sebastián natal, los componentes de La Oreja de Van Gogh tuvieron que acostumbrarse a la vida de la gran ciudad, así como vivir los cinco juntos en un apartamento, cocinando por turnos al tiempo que trabajando en su primer trabajo.

Alejo Stivel, el que fue componente en su momento de la formación Tequila, además de darles ciertos consejos para su futura proyección musical, consigue varias colaboraciones de lujo para el álbum de debut de la banda. Los artistas escogidos para ello fueron los donostiarras Mikel Erentxun y Txetxo Bengoetxea. También contribuyeron a promocionar el disco. Finalmente, el 18 de mayo de 1998, el álbum Dile al sol se pone a la venta en el mercado nacional español.[8]

El primer single escogido para presentar Dile al sol será El 28, canción cuyo título alude al autobús de la línea 28 de la Compañía de autobuses de San Sebastián. Este sencillo logró preparar el terreno para Soñaré, el segundo single extraído del disco y con el que lograron darse a conocer en todo el territorio nacional. Tras otras canciones, el grupo ganó el Premio Ondas al Artista del Año. Además de todo esto, la banda recorrió toda la geografía española durante casi un año (desde la Navidad de 1998 hasta finales de 1999), actuando en más de 150 conciertos. Posteriormente realizaron una gira junto a los veteranos Hombres G. Cerca de un millón de personas pudieron disfrutar del directo del grupo, lo que ayudó a consolidar ese sonido compacto y fresco que pretendían ofrecer.

Aunque las ventas no fueron muy elevadas al principio, Dile al sol logró afianzarse con el paso de los meses, alcanzando las 700.000 copias vendidas, es decir, siete discos de platino, el mismo día que la banda donostiarra publicaba su segundo album de estudio El viaje de Copperpot.

2000: "El viaje de Copperpot", el primer millón

Tras conocer el éxito con Dile al sol, La Oreja de Van Gogh se pone manos a la obra y comienza a trabajar en lo que sería su segundo disco de estudio. Dos años después del despegue de su carrera, la banda ya se había familiarizado con los fans, las entrevistas, las fotos y los programas de radio y televisión.

El viaje de Copperpot se graba en el estudio Du Manoir, en las Landas francesas y teniendo al inglés Nigel Walker como productor. El título se escogió cuando los chicos estaban viendo la película infantil "Los Goonies" en el estudio francés. El buscador de tesoros que aparece en la cinta, Chester Copperpot, fue el que les inspiró el nombre del disco. El viaje de Copperpot sale a la venta el 11 de septiembre de 2000,[9] supone un lógico avance, aun manteniendo el espíritu de La Oreja, en su trayectoria musical. Muchos de sus fans lo consideran el disco más original de la banda.

Este trabajo destaca su innovación en sonidos eléctricos aún más frescos que se abren a las propuestas europeas. Doce temas con estribillo pegadizo componen el álbum, que no abandona en ningún momento el estilo de La Oreja para convertirlo en un trabajo comercial, pero que ponen de manifiesto la experiencia y el crecimiento musical del grupo en todos los aspectos. El primer sencillo escogido para promocionar el album es Cuídate, un tema muy parecido al estilo Dile al sol y que les sirve para enlazar con los nuevos sonidos de su segundo trabajo. A esta canción le siguen otros éxitos como París, La Playa, Soledad o La chica del gorro azul.

Además, durante los años en los que la banda promocionó su segundo album, su fama se consolidó con varias colaboraciones que hizo su vocalista, Amaia Montero, con otros artistas del momento. Las baladas que cantó con Álex Ubago, Sin miedo a nada, y El Canto del Loco, Puede ser, llegaron a ser grandes éxitos en las emisoras de radio españolas y latinoamericanas. También colaboró con José Luis Perales para versionar el éxito de éste Por qué te vas.

Con su album de debut, La Oreja de Van Gogh se dio a conocer también en gran parte de Latinoamérica. Sin embargo, el éxito no les llegó al otro lado del charco hasta que editaron El viaje de Copperpot. En México, la banda logró sonar con fuerza gracias al sencillo Cuídate, lo que contribuyó a que las ventas del disco en este país incrementara de forma importante. Fue la primera vez que llenaron el Auditorio Nacional de México, llenándolo con más de 20.000 personas en las dos fechas que estuvieron, allá por febrero de 2002.

Tras una gira que les llegó por varios países del continente sudamericano, regresaron a España, donde recibieron la maravillosa noticia de que su segundo álbum ha vendido más de 1 millón de copias. Además, editaron su primer DVD titulado La Oreja de Van Gogh,[10] donde aparecían la mayoría de sus videoclips, así como material extra. La portada era la misma que la de su segundo trabajo.

2003: "Lo que te conté mientras te hacías la dormida", la consolidación

Habían pasado cinco años desde que la banda publicara su primer trabajo y los seguidores del grupo esperaban con ganas material nuevo. Con más de 2 millones de copias vendidas en todo el mundo, La Oreja de Van Gogh se había convertido en un grupo de referencia para la música en castellano, y su tercer álbum debía servir para consolidar a la formación donostiarra. De esta manera, Lo que te conté mientras te hacías la dormida salía a luz el 28 de abril de 2003.[11] El single elegido para presentar el disco fue Puedes contar conmigo. Con este trabajo, la banda logró sumar a su trayectoria profesional otro número 1 en la lista de superventas española, a pesar de la dura competencia que aquella semana se vivió en el mercado discográfico (Manuel Carrasco y Beth, concursantes de la segunda edición de Operación Triunfo, lanzaban sus respectivos álbumes de debut).[12]

A partir de esta fecha, a la banda se le presentaban muchos meses de promoción y gira. El 13 de mayo de 2003 lo presentaron en la Sala Pachá en Madrid donde interpretaron varios temas en directo (los que terminarían siendo singles del disco). Además, la banda se embarca en una extensa gira con más de 60 fechas confirmadas a lo largo de la geografía española. Será entonces cuando formen parte del parte de la Gira Movistar, junto a los madrileños El canto del loco.[13] El concierto más recordado de esta gira fue el que dieron en la Plaza de toros de Las Ventas , en Madrid, donde más de 20 mil personas pudieron ver a la banda compartiendo escenario con los chicos de El canto del loco.

Gracias a este trabajo, también tuvieron la oportunidad de recorrer gran parte del continente sudamericano. México, país donde mayores ventas se han registrado al otro lado del charco, volvió a acogerlos con los brazos abiertos. El concierto más importante que logradon allí fue en el Auditorio Nacional de México DC. Además, gracias a Lo que te conté mientras te hacías la dormida visitaron países tan dispares como Japón, con motivo de la exposición Aichi. Y por primera vez realizaban una gira que le llevaría por Francia, actuando dos veces en la capital gala. Se llegó a editar con motivo de estos conciertos una edición especial de su tercer trabajo renombrado París, con una nueva versión de su canción París cantada a duo con Pablo Villafranca. De esta manera, su nombre comenzaba a hacerse un hueco en el mercado discográfico francés aunque de una forma bastante discreta.

De esta manera, La Oreja de Van Gogh lograba su tercer disco de diamante,[14] y tras haber recorrido España y Latinoamérica, tocaba hacerse con el mercado estadounidense, con una gira. Por otro lado, y finalizada toda la gira de promoción de su último álbum, se editó un DVD con los mejores momentos de su gira. Se vendieron setenta y cinco mil copias en España, y cincuenta mil en México. Argentina tuvo una promoción del DVD nula, y pese a esto se vendieron allí más de cuarenta mil copias. En total se vendieron de este DVD más de doscientas mil copias en todo el mundo. En Chile tuvieron dos de los conciertos con más público de sus giras, con más de 30 mil personas en el Estadio San Carlos de Apoquindo y en Espacio Riesco. De esta manera, canciones como Puedes contar conmigo, 20 de Enero, Rosas, Deseos de cosas imposibles o Vestido azul se sumaban a sus anteriores singles, convirtiéndose así en nuevos clásicos de la banda donostiarra.

Finalmente los chicos se toman un tiempo de descanso para poder así empezar con el cuarto disco. No obstante, deciden acudir al festival de 2005 de Viña del Mar en Chile, donde el grupo tiene una aceptación nunca antes vista por un artista invitado en este certamen. El festival premia a los artistas invitados sólo con las Antorchas de Plata y Oro, pero, tras terminar el concierto, el público chileno no quedó conforme y durante más de 25 minutos impidió la actuación del siguiente artista. El grupo tuvo que regresar al escenario y fue premiado con la Gaviota de Plata, el máximo galardón del certamen y que sólo el público puede exigir. Incluso después de entregado este premio, el público aún no había quedado satisfecho, por lo que Amaia decidió cantar Rosas sin acompañamiento musical. Tras la finalización del festival, La Oreja de Van Gogh fue elegido artista más popular del certamen chileno con más de 100 mil votos, superando a artistas de la talla de Marco Antonio Solis, Paulina Rubio, Raphael, La Ley, Juanes y otros.

2006: "Guapa", la madurez

2006 fue un año importante en la carrera profesional de La Oreja de Van Gogh. Por un lado, se cumplían 10 años desde que la banda se formó, celebrándolo con su cuarto trabajo Guapa y el lanzamiento de una caja conmemorativa titulada LOVG 1996-2006, que contenía los tres primeros discos de estudio de la banda, junto con un exclusivo CD de rarezas y el DVD de la gira de 2003 (además de un libro con las canciones y fotografías).

Además, con su cuarto álbum, la banda se embarcó en proyectos bastante novedosos. En primer lugar, con Guapa se convirtieron en el primer grupo español en publicar un álbum para teléfonos móviles antes que para las tiendas de música.[15] Ese mismo año, se lanzaba al mercado español el videojuego Los Sims 2: Mascotas. Para la ocasión, la formación donostiarra realizó una versión de su segundo single Dulce locura en Simlish, el idioma de los Sims.[16] [17]

A mediados de septiembre de 2006 regresa al Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, donde consiguen repetir el gran éxito de la edición en 2005 del certamen chileno, al ser otra vez elegidos los artistas más populares con más de 80 mil votos, superando a artistas de la talla de Tom Jones, Ricky Martin, Don Omar, Bryan Adams, Bacilos, Ana Torroja, entre otros. En dicho certamen, uno de sus premios, la Antorcha de Oro, se la regalaron a una fan con discapacidad.

Sin duda, una etapa bastante dulce de su carrera musical. Con Guapa, además obtuvieron el premio Grammy Latino en la categoría "Mejor álbum vocal pop dúo o grupo". Y por si esto fuera poco, alcanzan los 6 millones de copias vendidas a lo largo de sus 10 años de trayectoria musical.[18]

Para dar a conocer el álbum, La Oreja de Van Gogh eligieron Muñeca de trapo como primer single. Casualmente, esta canción fue censurada en varias emisoras de radio latinoamericanas por tener, supuestamente, mensajes satánicos. Lo cierto es que el sonido más oscuro de la canción vaticinaba el nuevo rumbo que quería tomar la formación. El segundo single extraído de Guapa fue Dulce locura, que alcanzó igual o mayor éxito que el primero. Perdida, canción elegida para continuar con la promoción del disco, quedó ensombrecida por el lanzamiento del cuarto single En mi lado del sofá, perteneciente Más Guapa,[19] una reedición del disco con una recopilación de canciones que la banda compuso a lo largo de sus diez años de carrera y que, sin embargo, nunca salieron a la luz. De esta manera, la banda quería ofrecer a sus fans un obsequio más con motivo del décimo aniversario de La Oreja. Ésta última canción alcanzó gran éxito en España, aunque no tanto en Latinoamérica. Fue a partir de aquí cuando comenzaron aparecer rumores de una posible separación del grupo. Y es que, al contrario que en el resto de trabajos, Guapa sólo fue promocionada con cuatro singles, lo que sorprendió a muchos.

Durante los años que duró la promoción de su cuarto trabajo, La Oreja de Van Gogh realizó diversas giras. La primera, llamada Guapa Tour Seat (por el patrocinio de esta marca de automóviles), comenzó en Chile, para después recorrer numerosos países de Sudamérica. Después volverán a España para realizar una gira que duraría tres meses. Además, en 2007, participaron en la llamada Gira LKXA organizada por la emisora de radio Los 40 Principales,un conjunto de actuaciones que, junto a Coti y Dover, les llevó a tocar en algunas de las ciudades españolas más importantes como Santiago de Compostela, Bilbao, Madrid, Zaragoza, Málaga, Valencia y Barcelona. El último concierto que ofrecieron fue en Aguaviva, Tenerife, donde anunciaron que se retirarían para componer su quinto trabajo. Sin embargo, nadie se esperaba que fuera sin Amaia Montero.[20]

Pero antes de dar por terminada la etapa Guapa, La Oreja de Van Gogh quiso dar un paso más en su expansión por Europa, tratando de darse a conocer en Italia. Su paso por Francia, con su anterior disco de estudio resultó ser bastante discreto, así que esta vez decidieron involucrarse un poco más. Para ello, editaron una versión especial italiana de su álbum Guapa en el que incluían los dos primeros singles cantados en italiano, llevando por nombre: Bambola di pezza y Dolce follia. Desafortunadamente, la falta de promoción y la inesperada salida de Amaia llevaron al álbum al fracaso.

De esta manera, Guapa se convirtió en el último álbum de estudio de la banda cantada con la voz de Amaia Montero.

2007: Amaia Montero abandona La Oreja de Van Gogh

El 19 de noviembre del 2007, Amaia Montero anunciaba en el blog oficial de la banda que decidía dejar La Oreja de Van Gogh tras 11 años en el grupo, para comenzar su carrera en solitario. Sin duda, una noticia que impactó a gran parte de sus seguidores. Por su parte, el resto de componentes escribieron su respectivo comunidado en el que informaban a los fans de la formación de su intención de seguir componiendo y que pronto comenzarían a buscar a la que sería la nueva voz de La Oreja de Van Gogh:
Tras más de diez años, Amaia Montero anunció en noviembre de 2007 que dejaba La Oreja de Van Gogh para comenzar su carrera en solitario.
Tras más de diez años, Amaia Montero anunció en noviembre de 2007 que dejaba La Oreja de Van Gogh para comenzar su carrera en solitario.

- Comunicado de Amaia Montero:[21]

Quisiera comunicar a toda la gente que me sigue y que me quiere la que hasta hoy es la decisión más difícil de mi vida. Los 11 años que he pasado con LOVG y todo lo que he vivido con ellos permanecerá por siempre en mi corazón y en mi cabeza pero he sentido que es el momento de comenzar una nueva etapa en mi vida emprendiendo mi carrera en solitario. Es una decisión que me produce tanta ilusión como miedo. He escuchado muchas tonterías sobre la relación que tengo con los chicos de LOVG y sólo puedo decir que en estos últimos años he convivido más con ellos que con nadie y que los quiero como a hermanos y añadir que mucho de lo que soy como persona lo he aprendido con ellos. Les deseo todo lo mejor y quien sabe lo que pasará en el futuro. Gracias a todos. Un beso enorme.
Amaia

- Comunicado de los chicos:[22]

Queríamos contaros que hace unas semanas Amaia decidió no continuar con nosotros en La Oreja de Van Gogh para comenzar su carrera en solitario. Desde que hemos sabido de esta decisión hemos sentido mucha tristeza, no sólo por los motivos musicales evidentes, sino también por todos los años y experiencias vividas y por vivir. Sin embargo, y aunque quisiéramos que Amaia siguiera con nosotros, le deseamos toda la suerte del mundo en la nueva etapa que ha decidido tomar. Por nuestra parte, en La Oreja de Van Gogh aún sentimos que nos quedan muchísimas canciones por escribir. Tanto es así que ya estamos componiendo, con la pasión de siempre, un nuevo disco que esperamos tener listo a lo largo de 2008. Hasta entonces, un abrazo muy fuerte a todos y en especial a aquellos que nos seguís tan de cerca.
Pablo, Álvaro, Haritz y Xabi, La Oreja de Van Gogh

A partir de entonces, comenzó una lluvia de posibles candidatas al puesto estrella de la banda. Nombres como el de la mexicana Paulina Rubio o la madrileña Edurne, concursante de Operación Triunfo, saltaron a la palestra como posibles nuevas cantantes de la banda. Ésta última, como una inocentada que la emisora de radio Los 40 Principales quiso hacer en su página web el día de los Inocentes. El caso es que La Oreja de Van Gogh había colaborado recientemente con ellas (la formación donostiarra les compuso una canción a cada una), lo que reforzó ambas candidaturas.[23] [24] [25]

Mientras se hacían especulaciones sobre el nombre de la cantante, y para recordar los buenos tiempos, los integrantes de La Oreja de Van Gogh decidieron sacar un disco de éxitos el 24 de junio de 2008. LOVG - Grandes Éxitos sería la última producción que llevara canciones con la voz de Amaia. Todo un recorrido por la carrera de la banda, que contiene 16 sencillos que van desde su álbum debut Dile al sol hasta el más reciente, Más guapa. En su edición especial incluye un DVD con la mayor parte de sus videoclips. Debido a la proximidad que este recopilatorio tiene con la caja conmemorativa que la banda sacó con motivo de su décimo aniversario, y sin ningún tipo de promoción, los grandes éxitos de la banda sólo lograron alcanzar el puesto número 11 de la lista de ventas española. De esta manera, esta es la primera publicación de la banda donostiarra que no alcanza la máxima posición en España. A pesar de ello, el álbum ya es disco de oro.[26] [27] [28]

2008: "A las cinco en el Astoria", el debut de Leire
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El 30 de marzo de 2008 comenzaron a circular fuertemente rumores de que la nueva vocalista sería Leire Martínez, ex participante de la primera edición española de Factor X. Dicho rumor comenzó a circular en foros dedicados a la banda, en el portal de Publispain e, incluso, en la web oficial del programa de televisión. Más tarde, otros medios se haría eco de la noticia, ajudicándose la fuente de la misma. Por su parte, la agencia representante de la formación donostiarra se limitó a decir que no podían dar información sobre la nueva cantante. Al mes siguiente, los chicos de la banda escribían en su blog oficial que aún no podían desvelar el nombre definitivo de la nueva vocalista.

El 28 de abril de 2008, el grupo anuncia en su blog oficial que aún no pueden desvelar el nombre de la vocalista:
No nos gustaría que se hiciese público el nombre y ya, como un cotilleo o una noticia que se agota en sí misma, sino que cuando sea presentada la cantante lo será con canciones nuevas de la Oreja y en condiciones…Por tanto, no les podemos dar un nombre por el momento aunque sin Amaia no sabemos que sucederá con nosotros, esperamos cumplir vuestras expectativas.

De manera extraoficial, el principal periódico de San Sebastián, El Diario Vasco, anunció el 16 de mayo de 2008 que, finalmente, Leire Martínez es la nueva cantante de La Oreja de Van Gogh y que se encontraba en la región francesa de Las Landas grabando el nuevo disco del grupo, en el que está ya plenamente integrada.[29] Sin embargo, hubo que esperar hasta el 14 de julio de 2008 para el anuncio oficial del cambio de vocalista, comunicado en una rueda de prensa celebrada en la Casa de América de Madrid.

De esta manera, se presentó el que sería el quinto álbum de estudio de La Oreja de Van Gogh y el primero sin la voz de Amaia Montero. Un trabajo en el que la formación vuelve a sus orígenes con un sonido retro, muy cercano a Dile al Sol. El 2 de septiembre de 2008 sería la fecha elegida para el lanzamiento de A las cinco en el Astoria, cuyo single de presentación es El último vals.

Una semana después de la publicación de su nuevo trabajo, La Oreja de Van Gogh consiguió cuatro nº1 en España. En primer lugar, el disco entró directamente al nº1 en la lista española de los álbumes más vendidos con un disco de oro, así como en la lista de descargas digitales de iTunes. Por otro lado, su single de presentación, permaneció en el primer puesto en la de canciones más radiadas, así como en la de vídeos. De esta manera, la formación donostiarra se consolidaba nuevamente en el panorama musical tras la incorporación de su nueva vocalista. A todo esto, hay que añadir que El último vals también ha logrado ser disco de oro por descargas de canciones y por tonos originales.[30] [31] [32] Actualmente, han alcanzado ya las 80.000 copias y su primer disco de platino con su último trabajo. [33]

Al igual que en España, el nuevo disco de La Oreja de Van Gogh también ha conseguido hacerse un hueco en el mercado musical de Argentina, entrando directamente al número 1 de ventas.[34]

Estilo y composición de la banda

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La Oreja de Van Gogh se caracteriza por tener un estilo muy personal, a la par que comercial. Es quizá en este aspecto donde radica el éxito de su música. Habitualmente, se suele identificar a la banda donostiarra con el pop, aunque muchos de sus seguidores consideran que algunas composiciones suyas son muy cercanas al pop rock. Lo cierto es que este estilo más próximo al rock se podía percibir mejor en su primer trabajo, Dile al sol. Con el paso del tiempo, su música se fue alejando de este género para jugar con múltiples posibilidades en sus otros cuatro trabajos.

Si hacemos un análisis progresivo, es decir, desde Dile al sol hasta A las cinco en el Astoria, podemos observar una evidente evolución. Ya los cambios en la voz de Amaia Montero son notables, pasando de una voz más oscura en sus primeras canciones, donde juega sobretodo con tonos graves, a una voz mucho más clara, melódica, donde entran en juegos susurros y tonalidades de la voz mucho más amplias.

Aunque se les suele identificar como una banda de pop rock, esta formación donostiarra ha jugado a lo largo de sus cinco discos de estudios con ritmos tan variados como la ranchera, la bossa nova, el dance o la electrónica. Su estilo también va acorde con el llamado Donosti Sound o Sonido de San Sebastián (término que alude al tipo de música que con tanto éxito han interpretado otros grupos de pop rock originarios de esta ciudad vasca, desde los años 80).

En 1998 se estrenaban con Dile al Sol, un álbum muy Pop-Rock; algo que se puede notar en canciones como El 28, Pesadilla ó Qué Puedo Pedir. Tambíen tiene toques baladistas como en Cuéntame al Oído, que habla sobre lo que se siente en un beso; o Dos Cristales que dice las cosas desde otro punto de vista.

El Viaje de Copperpot es un álbum con canciones para gustos muy diversos. El primer sencillo del trabajo es Cuídate, el tema que más recuerda a su anterior álbum y que también sirve de enlace con los nuevos sonidos presentes, sobre todo en París, con sus melodías afrancesadas; le siguen Los amantes del Círculo Polar, con una mezcla de sonidos electrónicos que llenan la canción de magia; Pop, una crítica a los artistas comerciales que sólo buscan la fama. En Dicen que dicen se cita a la Bruja Avería. La playa (dedicada a la Playa de La Concha en San Sebastián) es sin duda una de las canciones más exitosas, tema que se ha convertido en una de las baladas claves en la historia del pop español. Canciones románticas, de despedida que nunca suenan a triste gracias a las melodías, incluso filosóficas como Mariposa, vuelven a ser líderes en ventas y llenan una gira en la que también acompañan El Canto del Loco y Estopa.

Lo que te conté mientras te hacías la dormida: Con el mismo estudio de grabación y productor de sus anteriores trabajos, el grupo nos vuelve a sorprender con ritmos y sonidos inusuales en ellos, como es el caso de Geografía (sexto sencillo), una canción que apela a la solidaridad; Vestido azul (quinto sencillo), un trágico final para un amor o Nana Nara (noveno sencillo), que destaca por su estilo Pop-Dance. El primer sencillo, Puedes contar conmigo habla de un desamor; el segundo sencillo, 20 de enero, se basa en la fiesta donostiarra de ese día (La Tamborrada); Rosas, el tercero, habla de una relación que se ha acabado pero no puede olvidarse; Deseos de cosas imposibles llega a la conclusión de que aunque la razón no te deje amar nunca se podrá olvidar a la persona a la que quieres... Otras canciones hablan de la inmigración, como es el caso de La esperanza debida, de desamor como la dulce Tú y yo (donde destacan los coros de Xabi por primera vez no sobrepasados por la voz de Amaia), del amor entre hermanas en Nadie como tú, que Amaia dedica a su hermana Idoia.

Guapa: El sonido oscuro del primer sencillo, Muñeca de trapo, vaticina una nueva etapa para la música de La Oreja de Van Gogh. En este disco, los donostiarras juegan con los ritmos bossanova (Mi vida sin ti), rockeros (Vuelve), y hasta mariachis (Cuantos cuentos cuento), y tratan temas como las drogas (Perdida), la infidelidad (Manhattan), etcétera... El segundo sencillo fue el éxito Dulce locura, el tercero Perdida, y el cuarto En mi lado del sofá, que se publicó para televisión y radio respectivamente.

A las cinco en el Astoria: Con el debut de Leire en el grupo, la canción El Último Vals, es una canción de amor en la que se dice al chico que siempre les quedará lo que vivieron, el último vals.

Pagina: http://www.laorejadevangogh.com/

The Melvins

The Melvins es una banda estadounidense de grunge y sludge metal, originaria de Seattle formada alrededor del año 1983 en Aberdeen, Washington por Buzz Osborne(Guitarra, Voz), Matt Lukin (Bajo), Mike Dillard (Batería), (Dale Crover se les uniría posteriormente), y que fue la inspiración del movimiento Grunge.

Historia

Buzz Osborne (apodado "King Buzzo") y Dale Crover han sido miembros fijos desde su formación, pero los bajistas han rotado a través del tiempo. El nombre de la banda se le debe a un muchacho que Buzz conoció cuando trabajaba de oficinista (y de vándalo) en Montesano, Wasington. Melvin era el tipo más odiado, que trabajaba ahí y entonces los miembros de la banda propusieron aquél nombre como el más ridículo (y el más apropiado).

The Melvins ha tenido una influencia directa sobre grupos como Nirvana y Mudhoney, ya que amistades e integrantes de esta última han sido miembros con influencia y peso sobre la música de sus respectivas bandas. Matt Lukin, ex miembro fundador de Melvins, al dejar la banda y luego de grabar "10 Songs" (1985) y uno de sus más memorables álbumes "Gluey Porch Treatments" (1987), forma en 1989 junto con 2 miembros antiguos de Green River (Mark Arm y Steve Turner) y otro ex miembro de Nirvana Dan Peters, uno de los grupos fundamentales del "grunge", Mudhoney.

Otra influencia directa que ejerció Melvins, fue a Nirvana, que además de ser amigo y confidente de Kurt Cobain y Krist Novoselic fue quien les recomendó a Dave Grohl después de que Chad Channing se marchara del grupo. Dale Crover fue fundador de Feccal Matter, una maqueta de Nirvana, en la cual tocaba guitarra y Kurt Batería, tiempo después también ayudaría como baterista en las giras de Nirvana.

El Sonido de Melvins ha sido influenciado por Black Flag (por el lado punk) y Black Sabbath (por el lado heavy y opresivo), su aproximación a favor del sludge metal, el particular sentido del humor y lo experimentado de su música le han jugado una mala difusión comercial, pero, ese sonido lento y opresivo es el que influyó fuertemente sobre la música grunge, especialmente en Nirvana y en muchos otros grupos de Seattle. Uno de sus admiradores, Kurt Cobain, sin embargo, tendió a usar más la música convencional mezclada con este sonido.

Melvins a pesar de ser el grupo, en el cual la mayoría de sus pares (muchos de ellos de la "Generación X") se inspiraron, no ha tenido aquél merecido lugar en el estrellato, pero entre los músicos de Seattle y sus alrededores (incluso en Estados Unidos y Europa) han sido muy respetados y valorados como "La Banda" del Grunge aunque así no pareciese.

Se ha especulado innumerables veces sobre quien es el padre del grunge. Para los fans que vieron crecer al grunge como género musical, han sido los primeros en alzar la voz. Si Neil Young, Mudhoney, Nirvana, Alice In Chains, Soundgarden, Melvins, Pearl Jam, Meat Puppets o Stone Temple Pilots: numerosas veces se ha respondido que los grupos más antiguos, es decir los que se formaron tempranamente se merecen este título.

The Melvins siguen experimentando sonidos con "Never Breathe What You Can't See" (2004) "Sieg Howdy" (2006) estos dos álbumes en colaboración con Jello Biafra, junto al álbum "Mangled Demos From 1983" una recopilación de singles y temas grabados en casa, "Huidini Live 2005", álbum que se grabó en vivo durante un concierto como una reedición de su álbum más sólido y comercial junto con "Stoner Witch" (1994). Para su nuevo disco, "(A) Senile Animal" (2006), han reclutado a los miembros de la agrupación Big Bussines, convirtiéndose en un cuarteto de doble batería, guitarra, bajo y múltiples voces. El disco aparece el 10 de octubre. The Melvins a pesar de ser considerada la banda más mítica de la escena grunge no ha gozado de tales privilegios, actualmente siguen manipulando y descubriendo nuevos sonidos, pero, a diferencia de los 90's ya tienen un considerable grupo de fans fieles a quienes satisfacer.

Pagina: http://www.melvins.com/

Emmylou Harris

Pocos artistas han dejado un impacto tan profundo en la música contemporánea como Emmylou Harris. Bendecida con una voz cristalina, un incansable espíritu creativo y un gran talento musical, su trayectoria ha marcado una senda singular, llevando con orgullo la antorcha de la música Americana, recogiendo así el relevo de su mentor, Gram Parsons. Con la única excepción de Neil Young, ninguna otra estrella ha establecido una obra musical tan consistentemente iconoclasta, ecléctica o atrevida. A través de más de tres décadas la música de Emmylou permanece vital y cálida como en los primeros tiempos.

Emmylou nació el 2 de abril de 1947 en el seno de una familia de militares, estacionada en Birmingham, Alabama. Después de pasar casi toda su infancia en Carolina del Norte, ya en su adolescencia, se mudó a Woodbridge, Virginia, y se graduó en el instituto. Después de pasar por la Universidad de Carolina del Norte empezó a estudiar música en serio. Pronto formó un dúo con el estudiante Mike Williams, dejando más tarde los estudios para mudarse a Nueva York. Allí, Emmylou entró en la órbita de la comunidad musical folk de la ciudad, donde contó con la amistad de gente como Jerry Jeff Walker, David Bromberg y Paul Siebel. En 1969 se casa con el cantautor Tom Slocum; en 1970 graba su primer LP, "Gliding Bird". Ya embarazada de su primer hijo, y después de mudarse a Nashville, ella y Tom se divorciaron. Con su hija Hallie se refugió en casa de sus padres, en una granja de Washington.

Al regresar a la vida musical formó un trío con Gerry Mule y Guidera. En una actuación del trío, en 1971, se fijó en ella Chris Hillman, ex Byrd, quien la recomendó a Parsons, para reforzar su fusión de country y rock de la costa Oeste. su conexión fue instantánea. La colaboración de ambos se plasmó en el LP "G.P.", de 1972, y en la gira de 1973, que cuajó en el LP "Grievous Angel".

Tras la muerte de Gram Parsons, Emmylou reunió con Tom Guidera la Angel Band, mudándose a Los Angeles. Allí se publicó "Pieces of the Sky", en 1975, producido por Brian Ahern.

Pagina: http://www.emmylouharris.com/

Hawkwind

Hawkwind es una banda inglesa de rock psicodélico formada a finales de los años 1960 en Ladbroke Grove, fue una de las pioneras del llamado rock espacial. Sus letras contienen temáticas acerca de lo urbano y la Ciencia ficción; de hecho, el escritor Michael Moorcock ha colaborado en las letras de algunos temas.

Origen

Dave Brock y Mick Slattery formaban parte de una banda de blues evolucionada hacia sonidos psicodélicos llamada Famous Cure. Tras un encuentro con el bajista de jazz John Harrison, vieron que tenían intereses comunes con los sonidos electrónicos y empezaron un nuevo proyecto. Un jovencísimo baterista, Terry Ollis, y los antiguos compañeros de Brock, Nik Turner y Dik Mik Davies pronto se unieron al grupo debido a sus intereses comunes y al ofrecimiento de ayuda para llevar a cabo el nuevo proyecto.

Durante una actuación en el All Saints Hall de Notting Hill, a la cual acudieron sin nombre y por ello tocaron bajo el seudónimo de Group X, un locutor de la BBC Radio 1, John Peel, quedó impresionado por la versión extendida de 20 minutos que realizaron del tema de The Byrds Eight miles high. Tras una entrevista con el organizador Douglas Smith el grupo consiguió un trato con Liberty Records y pasó definitivamente a llamarse Hawkwind. Tras la grabación de Hurry on Sundown Slattery abandonó la banda y fue sustituido por Huw Lloyd-Langton, conocido de Brock durante su etapa de vendedor en una tienda de música.

1970 - 1975

Para la grabación del album debut, Hawkwind, el grupo contó con la colaboración del guitarrista de Pretty Things Dick Taylor. Pese a no tener un buen éxito comercial, este primer disco sirvió para darse a conocer en los círculos underground de la escena rock británica, actuando en concierto gratuitos, eventos benéficos y festivales. Durante una actuación en el Bath Festival tuvieron un encuentro con otra banda de Ladbroke Grove llamada Pink Fairies y, teniendo, muchas similitudes pasaron durante un tiempo a tocar juntos bajo el nombre de Pinkwind. El abuso de drogas de los miembros del grupo convenció a Harrison a abandonar la banda, que fue seguido de Lloyd-Langton, quien había sufrido una crisis nerviosa por abuso de LSD.

Su siguiente album, In search of Space, publicado en 1971, tuvo un mayor éxito comercial llegando al puesto 18º de la lista de ventas de álbumes en el Reino Unido. La colaboración de artistas como el dibujante Barney Bubbles, el periodista Robert Calvert y el escritor Michael Moorcock sentaron una nueva estética y filosofía en la banda, logrando encajar con la definición de rock espacial. Debido a la orientación comercial de la banda, Ollis decidió abandonar.

La incorporación del bajista Lemmy Kilmister y del baterista Simon King lograron otorgar a la banda sus mejores momentos. En 1972 fue publicado el mayor éxito de la banda y uno de los clásicos del rock, Silver Machine, que alcanzó el tercer puesto en la lista de ventas. A partir de aquí se hicieron muy famosos sus giras y en concreto el Space Ritual promocional del disco Doremi Fasol Latido, en 1973. Ese mismo año el grupo lanzó el single Urban Guerrilla, pero casualmente coincidió con una serie de atentados bomba del IRA en Londres y la BBC lo censuró.

A principios de 1975, Hawkwind publicó un nuevo album titulado Warrior on the Edge of Time, de nuevo en colaboración con el escritor Michael Moorcock y basado conceptualmente en su figura del eterno campeón. Durante la gira promocional en Estados Unidos, Lemmy fue detenido por la policía en la frontera de Canadá por posesión de anfetaminas y fue llevado a prisión, teniendo que cancelarse varios espectáculos. Debido a su comportamiento, Lemmy fue expulsado de la banda y en su lugar entró un componente de Pink Fairies, el guitarrista Paul Rudolph. Tras su expulsión, Lemmy se reunió con otro antiguo miembro de Pink Fairies, Larry Wallis y formaron Motörhead, nombre de la última canción que el primero había compuesto para Hawkwind.

1976 - 1978

Robert Calver hizo una aparición con el grupo para el Reading Festival en Agosto de 1975, tras lo cual volvió a unirse como cantante permanente. Poco después, la banda firmó con una compañía discográfica, Charisma, y sustituyó a su manager, Douglas Smith, por Tony Howard. Un nuevo album fue publicado en 1976 con el nombre de Astounding sounds, amazing music, el primero en esta nueva etapa con Calvert como compositor y cantante. En 1978, buscando formar un nuevo grupo, el bajista Harvey Bainbridge, el baterista Martin Griffin y el teclista Steve Swindells crearon una banda paralela que fue llamada Hawklords por motivos legales.

Hawkestra

El concepto de Hawkestra (fusión del nombre de la banda y el término inglés para orquesta, orchestra) fue acuñado para referirse a la reunión de miembros presentes y pasados de Hawkwind para realizar algún evento, y en concreto con la intención de denominar al 30º aniversario de la banda, conmemoración respaldada con el lanzamiento de Epocheclipse - 30 year anthology; no obstante, problemas logísticos retrasaron este acontecimiento hasta Octubre de 2000. Tuvo lugar en Brixton Academy, reuniendo a un total de una veintena de miembros y tuvo una duración superior a tres horas; todo fue filmado y grabado.

Pagina: http://www.hawkwindmuseum.co.uk/

Billy Bond

Giuliano Canterini (* La Spezia, Liguria (Italia); 19 de octubre de 1944), más conocido como Billy Bond o El Bondo, fue uno de los pioneros del rock argentino. Fue cantante, entre otros, de La Pesada del Rock and Roll, uno de los copropietarios de La Cueva y productor y manager de músicos y bandas.

Biografía musical

Inicios

Comenzó su carrera musical en Sandy y Los de Fuego, siendo la voz del grupo e imitando a Elvis Presley. Luego formó, junto a Willy Verdaguer, Los Bobby Cats. Tiempo después integró Los Guantes Negros, con Ricardo Lew y Willy Verdaguer, que estaban influenciados por la fiebre beatle. Con esta banda grabó sus primeros discos e hizo shows en la mítica Cueva.

La Cueva

Billy Bond frecuentaba a La Cueva de Passarotus donde, dos veces por semana, se reunían jazzeros de Buenos Aires y se realizaban shows de jazz y zapadas. Cuando comienzó a declinar el negocio, El Bondo le propuso al encargado del lugar (Bravo) poner música pero cambiar al rock and roll.

Así es que comenzaron las presentaciones del grupo Las Sombras, que Billy Bond era el cantante. Pero Sandro firmó un contrato con el dueño del local (Roberto Rosado) y fue renombrado como La Cueva de Sandro, que no tuvo éxito.

Al tiempo, Bravo convocó a Billy Bond y decidieron, junto a otros, hacer una Cueva Beat, manteniendo el local abierto todos los días. El club, ubicado en la avenida Pueyrredón 1723, Buenos Aires, iba a convertirse en la cuna del rock argentino. Allí comienzaron a frecuentar músicos de rock, como Los Shakers, Pájarito Zaguri, Moris, Javier Martínez, Los Gatos y Tanguito, entre otros, y donde Sandro era invitado (lo que atrae a la prensa).

Pero las continuas persecuciones policiales en La Cueva, detenciones y dos bombas colocadas hicieron que el lugar se cierre.

La Pesada

La Pesada del Rock and Roll fue una banda abierta (cada músico entra y sale cuando quiere) cuyo objetivo era acompañar a Billy Bond y por la que pasaron reconocidos músico argentinos. En el primer disco de Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll participaron Pappo, Luis Alberto Spinetta, Héctor "Pomo" Lorenzo, Vitico, David Lebón, Black Amaya, Javier Martínez, Luis Gambolini, Nacho Smilari, Cacho Lafalce, entre otros. Gracias a su buena relación con distintos músicos a nivel local (especialmetente después de La Cueva) pudo armar la banda y lograr su objetivo: juntar a Pappo y L. A. Spinetta. Prácticamente cada tema muestra una alineación diferente.

La formación del segundo disco fue: Pappo, Alejandro Medina, Kubero Díaz, Javier Martínez, Jorge Pinchevsky y Poli Martínez, entre otros. El disco cierra con un versión de "La marcha de San Lorenzo", que rápidamente entró en las listas negras y fue prohibida su difusión.

El 20 de octubre de 1972 en el Luna Park, Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll protagonizó el primer gran escándalo del rock argentino cuando un recital terminó en incidentes entre el público y la policía. La historia cuenta que el público de la popular comenzó a pasar a la platea, que estaban vacías, derribando algunas rejas. Fue así que la policía comenzó a reprimir y Bond desde el escenario quedó inmortalizado cuando le dijo al público la frase: "Rompan todo!". Así es como los jóvenes en el medio de la represión policial destruyeron butacas y muchos, entre los que estaba Billy Bond, eran detenidos.

A fines de 1972, se grabó la operita Tontos, con la participación de Jorge Porcel (voz) en el tema "Buenos Aires Madrugada". El tema que lleva el nombre de la placa fue tomado del III Festival B.A. Rock e incluido en la banda de sonido de la película "Rock hasta que se ponga el sol". La Pesada hizo muy pocos recitales en vivo después de los incidentes del Luna Park, para finalizar siendo solo una banda de estudio.

Para el último álbum de la banda aparece en el piano el joven Charly García en "Gracias al cielo" de Claudio Gabis.

La producción

El sello independiente Mandioca convocó a Billy Bond para producir musicalmente otros grupos, contando ya con sus de amigos de La Pesada. Entre 1972 y 1974 grabó "Vida" de Sui Generis y "Cristo rock" de Raúl Porchetto, una versión de "La Biblia" de Vox Dei, entre otros. También produjo a varios artistas solistas que participaban La Pesada, como Kubero Díaz, David Lebón, Claudio Gabis, Alejandro Medina y Jorge Pinchevsky, que en su mayoría aparecen acompañados por La Pesada.

La situación en Argentina se puso cada vez más espesa en cuestión social y ya se divisaban las venideras épocas duras de la dictadura que comenzó en 1976. Por lo que Billy Bond se fue a vivir en São Paulo, Brasil.

En Brasil

Instalado en Brasil, integró como vocalista la banda Joelho de Porco con la que grabó dos placas. También hizo una nueva versión de La Biblia con músicos brasileños, utilizando algunas partes instrumentales registradas en Buenos Aires.

En 1978 produjo el primer disco de Serú Girán. Algunas pistas descartadas por la banda, y otras personales, las utilizó el Bondo para lanzar el disco "Billy Bond & The Jets". Con el tiempo se transformó en un importante productor musical brasileño. En 1997 ejerció como road manager de Joe Luciano en sus giras americana y europea. Este el dedicó un tema en su álbum "Pa' dos días que hay que vivir" (2001) titulado El Baile del Bombón.

Ricardo Iorio

Ricardo Iorio (Ciudadela, 25 de junio de 1962 ) es el músico con la trayectoria más extensa del heavy metal argentino, trabajando desde 1980 hasta la actualidad y grabando 22 discos oficiales y numerosas participaciones especiales.

Comenzó su carrera musical como bajista de V8, grupo que fundó con Ricardo Chofa Moreno. El grupo tuvo algunos cambios de integrantes, y se separó en 1987. A continuación formó Hermética, en donde pasó a ser el principal compositor musical y exclusivo compositor de las letras, además de cantar en forma ocasional. Hermética se separó en 1994, y Iorio formó entonces el grupo Almafuerte, en donde se estableció como cantante fijo. Mas adelante renunciaría al bajo y pasaría a ser únicamente cantante.

Historia

V8

Ricardo Iorio conoció a Ricardo Chofa Moreno a los 16 años, en julio de 1978, durante una proyección de la película La canción sigue siendo la misma de Led Zeppelin. Se volvieron grandes amigos y junto a Carlos Aragone y Sandro Castaña formaron un grupo de cóvers llamado Alarma. En un principio tocaban temas de Black Sabbath, pero poco después comienzan a componer sus primeros temas, basados en personajes del barrio: Tarzán El Piadoso, La Langosta, Muerto En Vida, etc. Castaña deja al grupo y participan otros bateristas tales como Carlos Ramos, que invita a su vez al guitarrista Osvaldo Civile para probarse pero no es aceptado. Con Pichi Correa tocan otras tres veces más, ahora con el nombre Comunión Humana.

Finalmente los dos Ricardos dejan ese grupo, pero dada su amistad permanecen juntos y forman otro. En casa de Moreno empiezan a nacer algunos temas, como Voy A Enloquecer, Muy Cansado Estoy, Si Puedes Vencer Al Temor, Maligno, etc. Mediante un aviso entran en contacto con el baterista Gerardo Osemberg, y ya tienen el grupo formado. Iorio se encargaba del bajo y las voces, y el Chofa de la guitarra. Gracias a la sugerencia de un amigo, deciden nombrar V8 al grupo, como al motor.

Luego de algunos recitales como soportes de otros grupos, Osemberg se va y lo reemplaza Alejandro Colantonio. Más tarde conocen al grupo W.C., cuyo cantante Alberto Zamarbide se pelea con el guitarrista y lo deja, y lo toman como cantante en V8. El Chofa deja el grupo por razones de salud, y propone como reemplazo a Osvaldo Civile, a quien Iorio acepta a pesar de sus diferencias musicales. Y Colantonio emigra a España, siendo reemplazado por Gustavo Rowek.

Graban un demo, y más tarde Zamarbide conoce a Pappo, con su ayuda consiguen tocar en el B.A.Rock. El grupo escandaliza con sus propuesta violenta a la mayoría de los hippies del público, y se hace conocido entre los metaleros.

El sello Umbral les graba su primer disco en 1983, Luchando Por El Metal, donde Pappo aparece como invitado. Los recitales continúan, aunque en varias ocasiones se ven estafados por sus representantes. La grabación del segundo disco, Un Paso Más en la Batalla, fue una completa maratón que tomó 300 horas de estudio y dos meses de tiempo real.

Zamarbide y Rowek viajan a Brasil a asistir al festival Rock in Rio y descubren que la situación en ese país para un grupo de Heavy Metal sería más ventajosa que en Argentina, por lo que el grupo viajó para intentar establecerse en dicho país. Sin embargo, la situación fue más complicada de lo esperado, y Iorio y Zamarbide resolvieron volver a Argentina solos, dejando a Civile y Rowek en Brasil.

Para rearmar el grupo, tomaron al baterista Gustavo Andino y a los guitarristas Walter Giardino y Miguel Roldán. Pero los dos primeros no duraron mucho y se retiraron rápidamente de la banda. Giardino tuvo discusiones con Iorio sobre el rumbo musical de la banda e incluso compuso temas que le fueron rechazados y que emplearía en su siguiente grupo, Rata Blanca. Andino fue reemplazado por Adrián Cenci, de 16 años, quien ya habia grabado un album con banda de Hard Metal, tocando doble bombo desde el año 79, y de los pocos que habia en el año 85, un verdadero prodigio. Giardino no fue reemplazado: el grupo permaneció sólo con Roldán, volviendo a tener a un único guitarrista.

Pero pronto surgen los problemas también en esta formación del grupo. Por un lado Iorio se interesa en el espiritismo, y sus compañeros en el evangelismo, lo cual lleva a fuertes discusiones entre ellos, las cuales afectan el tercer disco y en especial los recitales de la banda. Una oferta de Mundi Epifanio para que el grupo se presente en México lleva finalmente a la separación de la banda.

Hermética

Tras la separación de V8, Iorio hizo un par de ensayos con Martín Kyne de Kamikaze, pero no llegó a nada. Finalmente formó el grupo con Claudio O'Connor, Antonio Romano y Fabián Spataro. Su primer recital es en el pub "Helloween", poco después Spataro deja el grupo por motivos laborales siendo reemplazado por Tony Scotto, y en 1989 consiguen sacar su primer disco autotitulado, Hermética, a través del sello recién formado Radio Trípoli. En esta ocasión Iorio cantó por primera vez para un disco (en el tema Desde el oeste y algunos coros o introducciones), ya que cuando lo hizo en V8 no llegó a grabar nada antes de que Zamarbide se ocupara de ese rol.

Al pasar la hiperinflación grabaron un disco de covers, Intérpretes, y su siguiente disco de estudio fue Ácido argentino.

La popularidad del grupo fue aumentando desde su inicio, a pesar de no tener temas en la radio ni ninguna difusión realmente importante. En 1993 grabaron el disco en vivo En Vivo 1993 Argentina en Stadium, y para 1994, apenas 6 años después de tocar para 150 personas, toman parte del festival Monsters of Rock y llenan el estadio cubierto de Obras Sanitarias en la presentación de su tercer disco, Víctimas del vaciamiento, en la cual graban un disco en vivo.

Sin embargo, a fin de año Iorio se pelea con sus compañeros de grupo e inesperadamente separa Hermética. Iorio argumentó que las relaciones con los restantes integrantes de la banda se habrían deteriorado, mientras que los demás declararían haberse agotado de no ser consultados en los aspectos organizativos del grupo.

Almafuerte

Luego de la conflictiva separación de Hermética Iorio formó el grupo Almafuerte junto a Claudio Marciello y Claudio Cardacci, donde Iorio comenzó a cantar sus temas de forma habitual.

Sus ex compañeros formaron el grupo Malón, con el cual Iorio comenzó una feroz rivalidad. De hecho hizo un tema en contra de ellos, El Amasijo de un Gran Sueño, mientras que ellos le dedicaron La Fábula del Avestruz y el Jabalí.

El primer disco, Mundo Guanaco logró salir antes que el primero de Malón, aunque tuvo varios covers. Desencuentro de Cátulo Castillo, un tango transformado en Heavy Metal, De Los Pagos Del Tiempo de José Larralde (tema que Hermética había presentado en Obras), No enloquecere de V8, con el nombre y letra originales del tema de V8 que fuera renombrado como Voy A Enloquecer por la intervención de sus compañeros de entonces, y finalmente el tema Como los Bueyes lleva por letra un poema de Pedro Bonifacio Palacios, el autor en cuyo homenaje Almafuerte toma tal nombre.

Luego de este disco Iorio filmó el primer vídeo clip de su carrera, para el tema El Pibe Tigre.

Al año siguiente Flavio Cianciarulo de Los Fabulosos Cadillacs produce su segundo disco, Del entorno, en el cual todos los temas son completamente de autoría de Almafuerte. Esta vez no se incluyen temas folclóricos, ya que Iorio destina tales composiciones a un disco solista con Flavio que saldría al año siguiente: Peso Argento

Los grupos Horcas, Logos y Rata Blanca realizan un festival conjunto en Obras, el Metal Rock Festival, al final del cual tuvo lugar una "reunión" de V8 al salir Osvaldo Civile (guitarrista), Alberto Zamarbide (cantante), Gustavo Rowek (baterista) y Miguel Roldán (en el bajo, fue parte de V8 pero como guitarrista) a tocar temas del grupo. Se había invitado a Almafuerte a participar, pero Iorio se negó, afirmando que sus grupos posteriores serían superiores a V8.

En 1998 Malón se separa y Iorio hace referencia en el tema Triunfo de su nuevo disco autotitulado, Almafuerte, que incluye también un tema donde explican el por qué de su nombre.

En 1999 aportan un tema para la banda de sonido de la película El Visitante, que incluyen en su disco A Fondo Blanco El disco incluyó también las primeras incursiones de Iorio en el Tango (sin contar "Cambalache" y "Desencuentro", que eran tangos reformulados como temas de Heavy Metal), los cuales estaban pensados para un eventual segundo disco junto a Flavio, pero que no pudo realizarse por decisión de Polygram.

Durante 2000 unas declaraciones de Iorio en la revista Rolling Stone referidas a la comunidad judía, fueron consideradas antisemitas por diversos sectores, situación por la cual algunos particulares formularon denuncias ante el Instituto Nacional contra la Discriminación, la Xenofobia y el Racismo. Esto motivó que Víctor Ramos, entonces presidente del Instituto, presentara una demanda judicial en su contra—el caso Iorio-. En entrevistas posteriores, el bajista afirmó no ser antisemita, y que sus palabras habrían sido malinterpretadas. La causa fue finalmente desestimada por la Justicia.

También este año tuvo que afrontar algunos escándalos más tras la edición del disco Piedra libre, donde realiza un homenaje al ex militar argentino Mohamed Alí Seineldín —condenado por un alzamiento carapintada frustrado— y parafrasea en el tema Cumpliendo mi destino un dicho antisemita del ex militar.

Iorio siguió llenando Obras con frecuencia, y más adelante se fue a vivir al campo. En el 2005 la banda cumplió 10 años de trayectoria y lo celebró con un tercer disco en vivo, titulado justamente 10 años.

Durante el año 2006 se editó el disco Toro y pampa, el cual tuvo el mayor éxito de los discos de Almafuerte editados hasta el momento.

Colaboraciones

Ricardo Iorio trabajó con varios artistas de la música argentina, además de los diversos músicos que formaron parte de sus bandas. Algunos de dichos músicos desarrollan estilos musicales bastante diferentes a los de Ricardo Iorio.

Colaboró con León Gieco (éste había prestado su voz para el tema Río Paraná en Peso Argento) en el tema Bandidos Rurales del disco homónimo y El Embudo del disco Orozco junto a otros artistas.

Grabó un disco solista, independientemente de su carrera con Almafuerte, junto a Flavio Cianciarulo, de Los Fabulosos Cadillacs. Flavio también produjo el segundo disco de la banda, y existieron proyectos para grabar un segundo disco pero que no llegaron a buen puerto.

Ricardo Mollo produjo el disco Almafuerte de Almafuerte. Años antes había sido considerado para unirse como guitarrista a V8, lo cual no tuvo lugar ya que una semana antes Mollo había sido invitado a formar parte de Sumo junto a Luca Prodan. Iorio señala que el grupo "MAM" de Ricardo Mollo, previo a la formación de Sumo, fue el primer grupo de música pesada que vio en su vida.

Iorio también trabajó junto a artistas folklóricos. Durante su etapa en Hermética interpretó "De los Pagos del tiempo" de José Larralde en un recital en Obras, con la intención de incluirlo en un disco en vivo del grupo. A pesar de la separación de Hermética, incluyó una nueva versión grabada con su siguiente grupo Almafuete, en su disco debut Mundo Guanaco, y de todas formas la versión de Hermética aparecería en un disco en vivo editado después de la separación de la banda. Esto motivó que Iorio y Larrale se invitaran mutuamente a apariciones puntuales en sus recitales, e incluso a que una parte del público habitual de Almafuerte concurriera a los shows de Larralde. Sin embargo Larralde no aceptó realizar ningún show completo junto a Iorio, ya que asegura no comprender su estilo musical y no tener relación con el mismo. También colaboró con Rubén Patagonia. Grabaron juntos Cacique Yatel para el disco Peso Argento, y tocaron juntos en ocasiones. Iorio le dedicó el tema Rubén Patagonia, incluido en el disco Del entorno, y produjo su disco Cutral-Có.

Discografía

Con V8

- Luchando Por El Metal - 1983
- Un Paso Más en la Batalla - 1984
- El Fin de los Inicuos - 1986
- No Se Rindan - 1991 (recopilación)

Con Hermética

- Hermética - 1989
- Intérpretes - 1990
- Ácido Argentino - 1991
- En Vivo 1993 Argentina - 1993 (en vivo)
- Víctimas del Vaciamiento - 1994
- Lo Último - 1995 (en vivo)
- En Concierto I&II - 1996 (en vivo)

Con Almafuerte

- Mundo Guanaco - 1995
- Del entorno - 1996
- En vida - 1997
- Profeta en su tierra - 1997 (recopilación)
- Almafuerte - 1998
- A fondo blanco - 1999
- Piedra Libre - 2001
- En vivo, Obras 2001 - 2001(en vivo)
- Ultimando - 2004
- 10 años - 2005(en vivo)
- Toro Y Pampa - 2006

Otras Participaciones

- Radio Olmos - Festival en vivo en el penal de Olmos, con 2 temas de Hermética - 1993
- Iorio & Flavio - Peso Argento (junto a Flavio Cianciarulo) - 1997
- Manifiesto - Nepal - 1998
- 30.000 gritos - La pandilla del punto muerto - 1999
- Pappo y amigos - Pappo - 2000
- Bandidos Rurales - León Gieco - 2001
- Puesto en Marcha - Claudio Marciello - 2001
- De Pie - Claudio Marciello - 2004
- SangreSur - Tren Loco - 2006
- Purificación - Cuchilla Grande - 2005

Solista (e invitados)

- Ayer Deseo, Hoy Realidad - Agosto 2008

Pagina: http://www.ricardo-iorio.com.ar/

Glenn Hughes

Glenn Hughes (Cannock, Staffordshire, Inglaterra 21 de Agosto de 1951) es conocido como ex bajista del mítico grupo de hard rock Deep Purple, además de como vocalista para Black Sabbath en los 80's y para el guitarrista de estos últimos, Tony Iommi, además de por su dilatada carrera en solitario.

Características y estilo

Glenn Hughes posee una poderosa voz. Su caudal de voz es amplísimo, alcanzando notas en el extremo agudo con una potencia descomunal, como dejó constancia en diversos temas grabados a lo largo de su carrera. También posee la particularidad de realizar notorios cambios de registro, dejando constancia sus muy marcadas influencias de los estilos Soul y Funk. En su instrumento, el bajo, posee un gran virtuosismo, siendo uno de los primeros en incursionar sonidos y estructuras funk y Soul en el hard rock.

Trayectoria

Años 70: Deep Purple e inicios en solitario

Grabó 3 discos memorables con Deep Purple entre 1973 y 1975 ("Burn", "Stormbringer" y "Come Taste The Band") tras la marcha de Ian Gillan, en la formaciones que se conocen como "Mark 3" (junto a Paice, Blackmore, Lord y Coverdale), y "Mark 4" (junto a Paice, Bolin, Lord y Coverdale). Su paso por la banda inglesa se caracterizó por una marcada influencia Soul, una influencia que compartía con David Coverdale y que no complacía sin embargo a Ritchie Blackmore.

Tras la desintegración de Deep Purple, graba su primer disco solista en 1977, titulado "Play Me Out".

Años 80: Seventh Star

Tras ello, cabe destacar su recordada colaboración con Tony Iommi, en el disco de 1986 "Seventh Star", un disco que fue editado bajo el nombre de "Black Sabbath featuring Tony Iommi", pero que se enfocó desde un primer momento como un álbum en solitario del guitarrista, y que tuvo continuidad con un Bootleg, que circulaba de manera clandestina bajo el nombre de "Eight Star", y que finalmente se editó en el 2004 bajo el nombre "The 1996 DEP Sessions", y que supuso la recuperación del Tandem Iommi-Hughes, en un proyecto que recibió el nombre de Iommi.

Durante el resto de los años ochenta se sumió en una larga década de decadencia y excesos que no le permitieron continuar una línea artística estable y definida.

Años 90: reactivación

Su vuelta a la actividad estable aparece marcada con la colaboración en el disco "Face The Truth", en 1992, del, en aquel entonces, ex guitarrista de Europe (banda en la que hoy en día toca nuevamente), John Norum. Posteriormente graba un gran disco llamado "From Now On" (1994), con varios miembros de Europe en su banda. A lo largo de la década grabó numerosos y notables discos

Años 2000: Hughes-Turner Project, "Music for the Divine" y Iommi

Ya en el nuevo milenio, es de destacar su proyecto Hughes Turner Project, con el que fuera vocalista de Rainbow y Deep Purple, Joe Lynn Turner. A lo largo de más de una década desde ese entonces hasta hoy, grabó numerosos y notables discos como los recientes "Songs In The Key Of Rock" (2003), "Soul Mover" (2005), y "Music for the divine" (2006); este último, un rotundo éxito de crítica en el que colaborarían el batería Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) y el guitarrista de Jane's Addiction Dave Navarro, una muestra más de su eclecticismo e inclinaciones por los sonidos funk. Tras la grabación de este disco, Glenn y el baterista Chad Smith iniciarían una gira que recalaría en Europa. Tras ello Glenn graba el disco "Fused", continuación de su colaboración con el legendario Tony Iommi, ex guitarrista de Black Sabbath.

Otras colaboraciones y apariciones

El 20 de noviembre de 1998 estuvo como artista invitado en un recital de Temple (la banda solista de Walter Giardino, guitarrista de Rata Blanca)en el teatro Coliseo tocando temas como "Burn" y otros clásicos de Purple. También participó de los conciertos que estuvo dando Rata Blanca el 11 y 12 de diciembre de 2003 en el teatro Gran Rex de los cuales se editó un DVD que salió a la venta en el 2005. Entre esos años también participó en algunos pequeños conciertos más con esta banda que no quedaron registrados.

En 2003 participó en la Metal Opera titulada "Aina: Days of Rising Doom".

Pagina: http://www.glennhughes.com/

Vanilla Fudge

Vanilla Fudge fue una banda de la psicodelia americana que grabó discos desde 1967 hasta 1970. Sus miembros incluían al organista Mark Stein, bajista Tim Bogert, guitarra solista Vince Martell y el baterista Carmine Appice.

Biografía

Originalmente era una banda llamada Electric Pigeons, formada en Long Island, N.Y., en 1965. El organista Mark Stein, bajista Tim Bogert y el baterista Joey Brennan acortaron su nombre a el de Pigeons y captaron al guitarrista Vince Martell. Giraron masivamente por la Costa Este y ganado dinero extra apoyando en conciertos a grupos de chicas.

En 1966 el grupo grabó un paquete de ocho maquetas que se publicaron años más tarde cuando el mundo ya conocía a Vanilla Fudge bajo el nombre de Mark Stein & The Pigeons. Inspirados por The Vagrants, otra banda del cirtuito liderada por el guitarrista Leslie West, los Pigeons comenzaron a poner más énfasis en los arreglos de sus temas. Hasta el punto que a finales del año, reemplazaron a Brennan por otro baterista técnicamente más dotado Carmine Appice.

A principios de 1967 su mánager convenció al productor George Norton a llevarles en un "directo". Morton, impresionado por su dura versión de The Supremes You Keep Me Hangin' On, les ofreció grabar la canción en un single. Resultado del mismo, Atlantic Records bajo su sello Atco, le ofreció un contrato que requirió un cambio de nombre.

Iniciaron su nueva época con nuevo nombre con una gira para promocionar su disco homonimo Vanilla Fudge, ampliando gradualmente su número de fans.

En 1968, lideraron junto a Steve Miller Band el Fillmore West y tocaron You Keep Me Hangin' On en el Show de Ed Sullivan. Publicaron su segundo disco The Beat Goes On, que subió hasta el Top 20. Atco reeditó ese mismo año You Keep Me Hangin' On y en esta ocasión alcanzó el Top 10. Fue seguido por Renaissance, uno de los mejores discos de Vanilla Fudge, también en el Top 20. La banda lor presentó girando con Jimi Hendrix, abriendo también varios shows en la despedida de Cream, y a finales de año también teloneando a Led Zeppelin.

En 1969 la banda siguió de gira y publicó su primer álbum sin Monton: Near the Beginning, con tientes sinfónicos. Parte del grupo grabó un anuncio radiofónico con el guitarristas Jeff Beck y se fraguó la ideo de un super-trío al estilo de cream.

Harta de tanta gira, la banda decidió que el de 1969 sería su último tour. Tras la publicación de último disco Rock & Roll, Vanilla Fudge tocó unos pocos conciertos de despedida en EE. UU. y se disolvió en 1970. Bogert y Appice formaron primeramente el grupo Cactus, uniéndose posteriormente con Jeff Beck.

Se reunieron una vez más en 1984 para publicar el pobremente recibido álbum Mystery. Han girado alguna vez más juntos, siendo sustituído últimamente el teclista Mark Stein por Bill Pascali.

Pagina: http://www.vanillafudge.com/

Caballeros de La Quema

Caballeros de la Quema (también usado el artículo Los), es una banda de rock alternativo, oriunda de la ciudad de Morón, Provincia de Buenos Aires, Argentina, que se formó a mediados de 1990 y en 1991 publicó su primer trabajo, un cassette titulado: “Primavera negra”.

Historia

Se formaron en 1989 en Morón y pasan por diferentes cambios de formación durante los años siguientes. En 1991 editan en forma independiente su primera producción en cassette titulada "Primavera negra". En 1993 el sello Iguana Records (BMG) editó su primer cd titulado "Manos vacías". De allí saldrían clásicos como "Patri", "Carlito" (con video de Picky Tallarico), "Gusanos" y "Buenos Aires Esquina Vietman", entre otros. Fueron invitados por Joaquín Sabina a abrir su show en el estadio de Ferro ante más de 15 mil espectadores. Realizan shows en Rosario, Santa Fe y Córdoba, además de Buenos Aires y Capital federal durante ese año. Las encuestas de fin de año los encontraron en los primeros lugares como banda Revelación. En 1994 editaron su segunda placa titulada "Sangrando", con cortes como "Pejerrey" (video realizado por Andrés Fogwil), "Faisán", "Casi Nadie" y "Sangrándonos".

Fueron parte de la Gira Nuevo Rock Argentino de ese año que los llevó por Córdoba, Mendoza y Santa Fe como Los Brujos, Illya Kuryaki and the Valderramas, Babasonicos, Peligrisos Gorriones y 2 Minutos, entre otros. Fueron invitados a abrir el cierre de la gira mundial de Aerosmith en Córdoba y Buenos Aires, para más de 50 mil personas. En 1995 abrieron los shows de The Cult Slash's Snakepit en el estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires. Participaron de los compilados Fuck You que reunía versiones de la mítica banda argentina Sumo, recreando el clásico "Hola Frank". En 1996 editaron su tercera placa titulada "Perros, perros y perros" con temas como "No Chamuyes", "Celofán", "Hasta Estallar" (con la participación de León Gieco), "Que pasa en el barrio", "Cuatro copas" y "No hay", entre otros. Además, el álbum contiene el clásico de la banda Luces de bar en su version completa.

El primer corte "No chamuyes", fue acompañado por un video realizado por Raúl Perrone que consiguió la más alta rotación en los canales musicales de cable como MTV Latino y MuchMusic, además de rankear el tema entre los primeros puestos de FM Rock & Pop y Radio City (#1 durante dos semanas). Tras colmar la capacidad del lugar en la presentación oficial del álbum en Dr. Jekyll, compartieron escenario en festivales multitudinario con Attaque 77, A.N.I.M.A.L., Masacre y Las Pelotas. Participaron del Festival Alternativo en el Estadio Ferro antes más de 20.000 personas compartiendo escenario con Marilyn Manson, Illya Kuriaky and The Valderramas, y Los Fabulosos Cadillacs, entre otros.

Tras su habitual gira de verano por la costa atlántica, se presentaron el 13 de febrero de 1997 en el ciclo de Buenos Aires Vivo junto a León Gieco, en un festival al aire libre y gratuito al que asistieron más de 80.000 espectadores. En Marzo se presentaron por primera vez, en la ciudad austral Comodoro Rivadavia, ante más de 1.500 personas, en tanto que el 5 de abril en Dr. Jekyll presentaron su nuevo corte "Que pasa en el barrio", en un show muy especial con invitados como Ciro Pertusi (Attaque 77), Pedro Aznar y federico Gil Solá, colgando el cartel "No hay localidades" por primera vez. Tras una exitosa gira por Córdoba y participar del concierto por Walter Bulacio en Cemento, Los Caballeros presentaron en Agosto el segundo video de "Perros Perros y Perros" en Dr. Jekylll, agotando las entradas nuevamente. "Hasta estallar", realizado nuevamente por Rúal Perrone y rodado en el oeste del Gran Buenos Aires comienza a rotar en los canales musicales de cable en los primeros días de Septiembre.

En Septiembre Los Caballeros actuaron en Hurlingham, Rosario y Santa Fe, en tanto que para el mes de Octubre fueron invitados a participar en el "Festival 20 años de lucha ni un paso atrás" organizado por las madres de Plaza de Mayo, en el Estadio Ferrocarril Oeste antes más de 35.000 personas, en el que compartieron escenario junto a Divididos, La Renga, León Gieco, Los Piojos, Las Pelotas, Malón, Rata Blanca, Attaque 77 y A.N.I.M.A.L, entre otros. En Noviembre participan del "Festival por la identidad ", gratuito en la Plaza de Mayo junto a Las Pelotas y Los Visitantes, organizado por la Asociaciión Abuelas de Plaza de Mayo, para una audiencia de más de 50.000 personas. En Diciembre junto a Divididos, Luis Alberto Spinetta, Memphis la Blusera, Illya Kuriary and The Valderramas y Los Visitantes apoyan la huelga de hambre de los docentes con un festival en la Plaza de los dos Congresos ante 100.000 personas. Cierran el año en Dr. Jekyll de capital federal, colmando nuevamente la capidad del local.

A comienzo de 1998 se encierran en la sala de ensayo para trabajar en el nuevo disco, no saliendo de gira por la costa atlántica por primera vez en su carrera, en este proceso participa Afo Verde, colaborando con la pre-producción y los arreglos. En enero participan del ciclo Buenos Aires Vivo al aire libre junto a Las Pelotas, convocando más de 60.000 personas. En Marzo tocan en Cemento convocando casi 2.000 personas para el show despedida de "Perros Perros y Perros", el último en Buenos Aires antes de su partida a Los Angeles donde en Abril grabaron su cuarto álbum con producción de Gustavo Borner y donde además realizaron algunas presentaciones. El 24 de marzo se presentaron en la segunda edición del Festival "Ni un paso atrás" en la ciudad de Rosario a beneficio de las Madres de Plaza de Mayo, junto a León Gieco, La Renga, Molotov, Todos tus muertos y Los Fabulosos Cadillacs.

Con el disco ya terminado, Los Caballeros regresaron a los escenarios porteños el primer Sábado de Junio para convocar más de 2.500 personas en una verdadera fiesta de reencuentro con su público. El nuevo trabajo titulado "La paciencia de la araña" llegó a las batas a fines de Julio, precedido por el primer corte "Raja Rata" (#1 en FM Rock & Pop). EL Segundo corte "Malvenido", fue acompañado de un video con máxima rotación en los canales de cable (#2 en MTV). En Julio se presentan con singular éxito en Rosario y a principios de Agosto en Ramos Mejía. En septiembre presentaron oficialmente la placa con un sensacional show en el Microestadio de Parque Sarmiento ante más de 5000 personas. Coincidiendo con la salida de "Oxidado" como tercer corte, a fines de Octubre comenzaron una gira que los llevó por La Plata, Bahía Blanca y Ramos Mejía.

En Diciembre comenzaron en Quilmes una serie de festivales masivos junto a grupos como Los Fabulosos Cadillacs y Divididos que tendrá su momento cumbre en Febrero en Hurlingham (50.000 personas) y en el Buenos Aires Vivo III (alrededor de 100.000 personas). En el mes de Febrero, la salida de "Avanti Morocha", cuarto single promocional de "La Paciencia de la Araña", cambia la historia del grupo. Afines de ese mes alcanzan la marca de disco de oro (30.000 unidades). Un video realizado por Leatherface (los mismos de "Malvenido") rankea rápidamente entre los más pedidos de los canales de cable en tanto, la acción en la radio se mantiene en el primer puesto de difusión durante todo Marzo, convirtiéndolo en superhit. En el mes de Marzo se presentaron en las ciudades de Santa Rosa (La Pampa), San Juan y colmaron las instalaciones de la disco Flight City de Ramos Mejía.

Del mes de Abril al mes de Junio de 1999 se lleva a cabo la primer parte de La Paciencia de la Araña Tour ´99/00, que abarca las ciudades y las localidades de Mar del Plata (Provincia de Buenos Aires), Tandil (Provincia de Buenos Aires), Olavarría (Provincia de Buenos Aires), Paraná (Provincia de Entre Ríos), Trelew (Provincia de Chubut), Comodoro Rivadavia (Provincia de Chubut), Caleta Olivia (Provincia de Chubut), ciudad de |Mendoza, Tupungato (Provincia de Mendoza), Santa Rosa (Provincia de La Pampa), Carmen de Areco (Provincia de Buenos Aires), Córboba Capital (junto a Divididos, Kapanga y Alma Fuerte) en el estadio Cordoba, Rafaela (Provincia de Santa Fe) y ciudad de Rosario. En este primer tramo de la gira más de 30.000 personas vieron en vivo a Los Caballeros de la Quema.

De regreso, en Buenos Aires, el 12 de Junio se presentan en el Estadio Obras Sanitarias, ante más de 5.500 personas en un show que recorrió temas de sus cinco discos y que se convertiría en el cd doble "Caballeros de la Quema / en vivo en Obras". El cd contiene el show completo, respetando el repertorio original del concierto. Con el tema "Oxidado" como corte de difusión, el disco agotó rápidamente sus 20.000 unidades numeradas. Paralelamente a sus giras los Caballeros participan en dos trabajos discográficos : el cd "Tributo a Sandro", en donde versionan el tema "Rosa Rosa" y en la banda de sonido de la primer película argentina de animación computada, "Condor Crux". En el mismo se incluye: "Yo voy a ser tu cruz", tema compuesto especialmente para esta banda sonora. En Julio los Caballeros retoman la gira en su tramo dos, que abarca las ciudades de Luján (provincia de Bs As), Esperanza (provincia de Santa Fe), Brandsen (provincia de Buenos Aires), Concordia (provincia de Entre Ríos), San Salvador de Jujuy (provincia de Jujuy), San Miguel de Tucumán (provincia de Tucumán), San Justo (provincia de Santa Fe), San Carlos de Bariloche (provincia de Río Negro), Oberá (provincia de Misiones), Neuquén (provincia de Neuquén ), Salta (provincia de Salta), La Plata (provincia de Buenos Aires), Monte Hermoso (provincia de Buenos Aires), Guatraché (provincia de La Pampa).

En este segundo tramo más de 40.000 personas vieron La Paciencia de la Araña Tour '99/00. De regreso, en Buenos Aires, en noviembre los Caballeros dan un show en el Teatro Opera, soul out, que convirtieron al resinto en una verdadera caldera. Despiden el año con un show en el oeste del gran Buenos Aires, dando por finalizadas las presentaciones. En Enero de 2000 comienza la pre-producción de su quinto álbum de estudio, sucesor del doble platino, 120.000 copias, La Paciencia de la Araña, en los estudios Del Cielito ubicados en Castelar, provincia de Buenas de Aires, contando nuevamente con la presencia de Afo Verde, productor artístico del mismo. En el mes de Febrero realizan una mini gira por la Costa Atlántica, Mar del Plata, Villa Gesell y Pinamar en multitudinarios shows gratuitos y al aire libre. A principio del mes de Abril Los Caballeros viajaron a la ciudad de Los Angeles, Estados Unidos, para grabar, mezclar y masterizar su nuevo disco, Fulanos de nadie, bajo la dirección artística de Afo Verde, con Gustavo Borner en los controles. El nuevo álbum cuenta con la destacada participación de Pedro Aznar en los arreglos corales, Nestor Marconi en Bandoneon, Harry kim en trompeta, Art Velazco en Trombón, Luis Conte en percusion, Portia Griffin y Jessica Williams en coros. John Acosta en cello, Darrin McCam en viola y Novi Novog en viola en Otro jueves cobarde (compuesto por Ivan Noble y Joaquin Sabina).

Fulanos de nadie ve la luz en la tercer semana de Agosto, siendo el Funk Romulo y Remo el primer corte del disco. La salida es acompañada del video del mismo, filmado en 16mm por la productora Negro films. En el video participan, entre otros Leon Gieco, Cacho Castaña, Fabian Gianola y Anabel Cherubito. La presentación oficial de Fulanos de nadie, el 7 de octubre de 2000 en el Estadio Obras, capital federal, fue el reencuentro de Caballeros con su público porteño. Público que colmó, como el año anterior, las instalaciones del mítico estadio de la avenida Libertador. Los caballeros salieron a escena enfundados en Trajes, como en la tapa de Fulanos... y a lo largo de más de 2 horas y media de concierto, presentaron su flamante disco, y recorrieron algunos de los temas de sus anteriores discos, recibidos con el fervor entusiasta de los fans. En esta oportunidad, se sumaron músicos como, Fabian Veglio en Trompeta, Pablo Fortuna en Saxo alto, Marcelo Garófalo en Saxo tenor, Daniel Buira en Percusión, Carlos Corrales en Bandoneón, Celsa Mec Gowland, Lorena Álvarez y Constanza Manigot en Coros y Mora Godoy junto a Juan Manuel, bailando tango en Fulanos de nadie. Para mediados del mes de octubre y hasta diciembre, Los Caballeros encaran la primer etapa de su gira nacional de presentación de su nuevo álbum. El 1 de diciembre se presentan en la Av. 9 de julio y Diagonal sur, con motivo del Día Mundial de la Lucha contra el SIDA Ante más de 10000 personas junto a Virus (banda argentina). Entre show y show, cortan Sapo de Otro pozo, segundo corte de Fulanos de Nadie. Nuevamente el video del tema está a cargo de la productora Negro Films. El mismo es rodado en Ciudad Jardín, El Palomar (Buenos Aires), en exteriores y en el Bar Graff Zeppelin donde, los Caballeros solían reunirse a tocar, hace algunos años, covers y reversiones de temas para sus amigos. El mismo cuenta con la participación de Valeria Giampaolini y Esteban Prol. El tema y el video, de alta rotación en radios y cadenas de música, logra convertirse en un verdadero suceso en el público, que lo canta completo en los recitales. En el mes de noviembre se presentan, por primera vez, en Rio Grande y Ushuaia junto a Ratones Paranoicos y Kapanga, en dos shows multitudinarios. El segundo tramo de la gira comienza en las playas de Mar del Plata, con la tradicional presentación para la Rock & pop beach, con récord absoluto de público en el parador Tamarindo. Ese verano, Mar del Plata recibiría tres veces la visita de los Caballeros. A la ya mencionada en enero, se sumarían dos en Febrero, en la explanada del Casino, ante más de 4000 personas y en la Megadisco GO!, 2000 espectadores. Luego la gira veraniega llegaría al Teatro de Pinamar. En todos, el público bailó y cantó los temas de Fulanos... y pidió los clásicos de todos los discos. Carlito, Patri, Oxidado, Avanti Morocha y Hasta estallar, no faltaron del repertorio en ningún show. En el marco del ciclo Argentina Vivo 2, se presentan, en el mismo mes y por primera vez, en la Prov. de Corrientes. En un show con un asistencia estimada en más de 6000 personas, los Caballeros despliegan ante un público entusiasta, Fulanos... y los éxitos de sus anteriores discos. En marzo, continúan girando, esta vez en las ciudades de Galvez, Prov. Santa Fe, San Juan, el Club Sportivo Desamparados, ante 3500 personas. En el mes de Abril, en un parate de la gira filman, nuevamente con la productor Negro Films, lo que será el tercer corte. El video de Fulanos de Nadie es rodado en interiores con un tono netamente pictórico. El blanco y negro de las imágenes se entremezclan con la melodía del bandoneón, creando el clima que la banda buscaba para el tema. Para el casting, se presentó un concurso por la cadena Much Music, al que se presentaron más de 800 personas. Aprovechando su estadía en casa, los Caballeros realizan en el Teatro Showcenter de Haedo, un show a sala repleta, que los reencuentra con el público del oeste. Durante el mes de mayo se presentan en Bahía Blanca y en Pedro Luro, Prov. de Buenos Aires, en el Gran Buenos Aires, en el Teatro Español de Lomas de Zamora y en el Gran Rivadavia, Flores y en la prov. de Santa Fe, en las localidades de Tostado y Granadero Baigorria. De regreso a Buenos Aires, se presentan, nuevamente en el teatro Showcenter de Haedo, donde filman el vídeo del 4 corte de Fulanos de Nadie, Basta para mi. Con otro sold out, los Caballeros se reeencuentran con su público del oeste, en una noche muy fría, pero para recordar. A fines de Junio se presentan en la ciudad de La Plata, para cerrar la segunda etapa de la gira. El mes de Julio los lleva por las ciudades de Labulaye y Bell Ville, Córdoba. Y en dos presentaciones en Córdoba capital y en Baradero, Provincia de Buenos Aires, donde se presentan ante más de 2000 personas, después de 4 años. El 1 de agosto, Ariel Caldara, tecladista de la banda desde el año 1996, muere en su domicilio, a causa de lo que se conoce como Muerte súbita. La banda, que tenía pautado para el 11 de agosto, una presentación en El Teatro, del barrio porteño de Colegiales, cancela todo tipo de promoción y notas para dicho show y decide realizar la misma en honor al miembro fallecido. La presentación comienza con el telón cerrado, la banda en silencio delante de su público y palabras de Ivan Noble agradeciendo al apoyo del público en este momento tan duro y difícil. El recital, cargado de emoción y dolor fue, sin lugar a dudas, el más duro de la carrera de la banda. En el comienzo de 2002, los Caballeros anunciaron escuetamente a través de un texto en su sitio web, que habían decidido separarse. El casamiento de Iván Noble con Julieta Ortega (hija del cantante y político Palito Ortega) había sido determinante.

Fomacion:

Alejandro Sorraires: saxo
Iván Noble: voz
Javier "Nene" Cavo: batería
Martín Carro Vila: bajo
Martín Mendez: guitarra
Martín "Cafusa" Staffolari: saxo
Pablo Guerra: guitarra

Pagina: http://www.caballerosdelaquema.com.ar/

Nacho Vegas

Nacho Vegas (Ignacio González Vegas) (Gijón, 9 de diciembre de 1974) es un cantautor español que estilísticamente oscila entre la música folk, el pop y el rock. Suele cantar en solitario o con el grupo Las Esferas Invisibles.

Carrera musical

Nacho Vegas participó de pleno en la primera hornada de la edad del indie español, de la mano de Eliminator Jr., banda local de influencias noise donde empezó a tocar a principios de los años 90. También fue miembro fundador de Manta Ray, formación que alcanzó reputación internacional a nivel de crítica gracias a un personal sonido y a su sólida puesta en escena.

A finales de la década de los noventa, Vegas abandonó el grupo para desarrollar una carrera en solitario que, por el momento, ha dado lugar a tres álbumes bajo su sello y multitud de cortes repartidos en recopilatorios, split-singles, mini-CD’s e incluso bandas sonoras como Verdá o consecuencia para la televisión asturiana. El proyecto Diariu, donde unió sus partituras a los versos del poeta Ramón Luis Bande, y el EP compartido con Aroah Seis canciones desde el Norte, precedieron la aparición de su primer LP en solitario, Actos inexplicables (2001). El disco logró colocarse entre lo más destacado del año para la prensa especializada (por ejemplo: Mejor disco nacional para la prestigiosa revista Rockdelux), e incluso consiguió distribución internacional a escala independiente.

Después llegarían en 2002 el EP Miedo al zumbido de los mosquitos con 3 cortes inéditos, anticipo a los 20 temas del doble CD Cajas de música difíciles de parar publicado en 2003, con los que acabó por consolidar la figura de maldito que tanto le incomoda y le acompaña desde sus inicios (de la que él mismo se jactaba en el ya nombrado EP de 2002 con la frase "4 nuevas dramáticas canciones de Nacho Vegas") y de la que parece estar consiguiendo desprenderse con el paso del tiempo. Ese mismo año y siguiendo con su acelerado ritmo creativo publicaría de nuevo otro extenso EP titulado Canciones desde palacio.

Los últimos trabajos bajo su nombre han sido: en 2005 el single El hombre que casi conoció a Michi Panero (con 3 temas inéditos) con el que rodó el segundo videoclip de su carrera, el LP Desaparezca aquí (frase recurrente de uno de sus escritores preferidos Bret Easton Ellis), y el EP en vinilo Esto no es una salida (al que acompañaban el texto de un relato inédito hasta la fecha y el mismo audio en formato CD); en 2006 el doble CD El tiempo de las cerezas, disco que comparte con el aragonés Enrique Bunbury ex cantante de Héroes del Silencio y que le llevó a pisar por primera vez tierras aztecas, y en 2007 el mini-CD Verano fatal con el que vuelve a compartir protagonismo con una figura conocida por el mainstream, concretamente Christina Rosenvinge.

Actualmente se encuentra de gira con Lucas 15 que publicaron disco homónimo este mismo 2008. El grupo está formado por varios músicos asturianos de gran nivel, entre los que destacan el propio Nacho Vegas que canta 9 de los 11 temas del álbum, y sobre todo Xel Pereda, músico proveniente del folk y principal artífice de éste proyecto de adaptación del cancionero popular asturiano en clave de rock, y del que últimamente Nacho no ha prescindido en ninguno de sus proyectos, ni siquiera en los compartidos donde la banda resultante ha resultado ser principalmente una mixtura de músicos de sus correspondientes figuras mediáticas y creativas.

En otoño de 2008 Nacho Vegas publicará su nuevo trabajo en solitario, llamado El manifiesto desastre, según palabras del asturiano lo grabará entre julio y agosto y si todo va bien lo tendremos para esa fecha. Aún se desconoce el tracklist, aunque rumores apuntan al menos a que grabará Rambal, la canción que había detrás de Hablando de Marlén.

Estilo e influencias

Como cantautor, se reconocen en Nacho Vegas las influencias de Will Oldham, Nick Cave, Leonard Cohen, Nick Drake, Bob Dylan y Tom Waits entre otros. Explora las maneras intimistas de cantautor en su música, intensa pero huidiza; las letras suelen parapetarse en un marco onírico, excepto cuando recurre a textos de otros.

Musicalmente muestra inquietudes creativas poco ortodoxas. Al aspecto rockero, incorpora matices minimalistas, que pueden aproximarse tanto a la obra de Pascal Comelade como a los arreglos de Mastretta. La música de Vegas también recuerda a figuras del indie español como Fernando Alfaro –Chucho- e incluso por momentos, los más ruidistas, a Los Planetas. Además, las conexiones formales con Migala se plasman en colaboraciones mutuas, que recrean sonoridades comunes pero bien ajustadas a cada peculiaridad compositiva.

Pagina: http://www.myspace.com/nachovegasfanmexico

Liquid Tension Experiment

Liquid Tension Experiment (abreviado y también conocido como LTE) es un supergrupo de rock progresivo de Estados Unidos que se concibió a finales de 1996, cuando Mike Portnoy (baterista de Dream Theater), recibió una petición de su discográfica, Magna Carta, para formar una banda compuesta por grandes talentos del rock progresivo. Para llevar a cabo este proyecto Portnoy fue interrogado con respecto a con qué músicos había querido grabar siempre, y tras algunas negociaciones se concretó quienes serían los componentes del grupo:

- Tony Levin: Experimentado bajista, icono del rock progresivo, integrante de King Crimson y que ha colaborado junto a artistas como Peter Gabriel. En algunos temas de la banda, como por ejemplo "Osmosis", demuestra su talento con un instrumento de alta complejidad como lo es el Chapman Stick.
- John Petrucci: Reconocido guitarrista compañero de Mike Portnoy en Dream Theater. Ha compartido la tarima con Joe Satriani y Steve Vai en la extravanganza guitarrística G3.
- Jordan Rudess: Actual teclista de Dream Theater, compositor y productor. Antes tocó con Steve Morse, Vinnie Moore, Dixie Dregs y el baterista Rod Morgenstein.
- Mike Portnoy: Baterista, componente del grupo Dream Theater, O.S.I. y Transatlantic. Galardonado cada año desde 1995 hasta el 2006 como el mejor baterista de rock progresivo por la revista Modern Drummer.

Para el momento en que se creó Liquid Tension Experiment, Rudess aún no formaba parte de Dream Theater. A pesar de que algunos formulan la teoría de que fue invitado a unirse a causa del éxito de Liquid Tension Experiment, es sabido que él ya había rechazado una oferta para integrarse en 1994, ocasión en la que se volvió miembro de Dixie Dregs en vez de Dream Theater.

La música que realiza la banda es enteramente instrumental, y puede enmarcarse dentro del metal progresivo.

Liquid Tension Experiment lanzó dos álbumes, Liquid Tension Experiment (1998) y Liquid Tension Experiment 2 (1999) a través de Magna Carta. 'También hicieron algunos espectáculos en directo en New York, Filadelfia y Los Angeles. Mike Portnoy ha declarado en numerosas entrevistas (y en el FAQ de su sitio web) que no habrá un tercer álbum de LTE, pues tres cuartos de la banda ahora están en la alineación de Dream Theater. Sin embargo, varias canciones y riffs han sido incorporados en las presentaciones en directo de Dream Theater, como por ejemplo el medley instrumental de Live at Budokan.

En el año 2007 se edita un nuevo disco bajo el nombre de "Liquid Trio Experiment", conformado por antiguas grabaciones que Mike Portnoy tenía guardadas. Todas las melodías son sesiones de improvisación realizadas durante la grabación de "Liquid Tension Experiment 2" en la ausencia de Petrucci que estaba pendiente del nacimiento de su hija. El nombre "Liquid Trio Experiment", que sigue manteniendo las siglas LTE, se debe precisamente a la ausencia del guitarrista.

Pagina: http://www.yesiknow.com/lte/

Gal Costa

Gal Costa es el nombre artístico de Maria das Graças Costa Penna Burgos (Salvador, BA, 26 de septiembre de 1945), una de las más importantes cantantes brasileñas. Entre los temas más representativos de su carrera se encuentran "Baby", "Vapor Barato" y "Meu Nome é Gal".

Cronología

- 1964 - Deja su casa para vivir donde su prima Nívea, en Río de Janeiro. Después toma un apartamento en Sá Ferreira, antes de juntarse con amigos en el Solar da Fossa, donde también viven Caetano Veloso y Paulinho da Viola.
- 1965 - Graba su primer disco con la cantante María Bethania: dúo "Sol negro", seguido de su primer disco compacto, con "Eu vim da Bahía" de Gil y "Sim, foi você" de Caetano Veloso.
- 1965 - Al final de este año conoce a João Gilberto
- 1966 - Participa en el primer Festival Internacional de la canción, interpretando "Minha senhora", de Gilberto Gil y Torquato Neto
- 1986 - Vuelve a la escena musical, con sus dos grandes éxitos (que también grabó en español y que interpretaron otros artistas como Pedro Fernandez y Mocedades) como "Lluvia de Plata" y "Un día de domingo".

Obra musical

Dueña de una voz suave y aguda, Gal Costa tiene un variado repertorio, en general de canciones románticas, que la colocan entre las más grandes cantantes brasileñas. A más de 35 años del comienzo de su carrera, posee una larguísima lista de trabajos propios, además de diversas participaciones en discos de otros artistas. Ha interpretado canciones de distintos géneros musicales, desde samba hasta baião. Destacada por su versatilildad, su voz posee una afinación impar.

Pagina: http://www.galcosta.com.br/

Michael McDonald

Michael McDonald nació el 12 de febrero de 1952 en St. Louis, Missouri. Es un cantante de R&By soul.

McDonald tocó en multiples bandas (como Mike and the Majestics, Jerry Jay and the Sheratons, the Reebtoors y The Guild) en su pueblo natal Ferguson, Missouri, un suburbio de St. Louis. Fue descubierto cuando hacía parte de un grupo llamado Blue y en consecuencia se mudó a Los Angeles en 1970. Inicialmente fue conocido como miembro ocasional de Steely Dan, poniendo la voz en Katy Lied y en subsiguientes albums como The Royal Scam y Aja.

McDonald se unió a los The Doobie Brothers en Abril de 1975 cuando su voz líder Tom Johnston enfermó durante una gira nacional. Como miembro de los Doobies, grabó canciones como "Takin' It To The Streets," "Little Darling," "It Keeps You Runnin'" (usada en la película Forrest Gump), "Minute by Minute" y "What a Fool Believes" (que llegó al número uno en Estados Unidos y por la cual ganó un premio Grammy en 1980 en la categoría de canción del año).

Despues de la separación de los Doobies, McDonald continuó su carrera en solitario con éxitos como:

- "I Keep Forgettin'", un duo con su hermana Maureen, despues usado en 1994 por Warren G y en 2005 por Papoose.
- "Sweet Freedom", csnción de la película de 1986 llamada Running Scared
- "Take It To Heart"
- "Yah Mo B There", a duo con James Ingram con la cual ganó el Grammy en 1985
- "On My Own", con Patti Labelle. llegó al número 1 en listas de Estados Unidos en 1986

McDonald ha producido y ha aparecido en grabaciones de otros artistas como su esposa Amy Holland, Christopher Cross y Bonnie Raitt. McDonald es el co-fundador del sello independiente Ramp Records junto a Chris Pelonis y el actor Jeff Bridges. En la actualidad se ha centrado en albums de tributo al sonido Motown.

En 2003 McDonald recibió una estrella en el Paseo de la Fama de St. Louis.

Pagina: http://michaelmcdonald.com/

Janiva Magness

Ganadora del Blues Music Award a la “Mejor interprete femenina de Blues contemporáneo” en 2006 y 2007 (categoría en la que ya fue nominada en 2004 y 2005), aclamada por crítica y público, elogiada por compañeros de gremio y con su último disco “Do I Move You?” siendo el más radiado por las emisoras especializadas de 2006 segun la revista “Living Blues”, está claro que Janiva Magness es un valor que cotiza al alza, gracias a su principal activo: su voz.
Y es que la voz de Janiva, impacta por la cantidad de matices que atesora y especialmente, por cierto deje “canalla” que aporta una sensualidad apenas disimulada pero magistralmente contenida, que dota al conjunto de una fuerza y emotividad, rebosantes de elegancia. Una voz seductora y sugerente si…pero también descarnada, conmovedora o exultante, según el tema lo requiera. En palabras de Charlie Musselwhite “siempre me impresiona porque es capaz de desenvolverse con soltura en cualquier estilo, eligiendo cada nota y cantándola exactamente en cada momento, de forma perfecta”. Y si Charlie lo dice…yo solo puedo añadir que escuchar a la Magness, suele dejarme más suave que el guante que se quitó Gilda.

Sin embargo, Janiva Magness no es ninguna recién llegada a este negocio. Su carrera profesional abarca más de dos décadas y es toda una veterana en el área de L.A. Pero sobre todo, es un ejemplo de mujer luchadora que supo sobreponerse a las zancadillas del destino y que encontró en el Blues, su tabla de salvación. De su historia proviene su fuerza…y de su fuerza, su arte.
Nacida a finales de la década de los 50 en Detroit en el seno de la típica familia americana de clase media, fue educada junto a sus 4 hermanos en los conservadores valores tradicionales de la época, poco propensos a que se hablara de ciertas cosas. La música no obstante, fue algo con lo que convivió desde siempre, ya que sus padres eran grandes aficionados (de hecho, ambos se conocieron cuando el grupo vocal amateur en el que cantaba él, visitó el estudio radiofónico en el que trabajaba ella) e inconscientemente fue absorbiendo el Country & Western que constituía el grueso de la discoteca paterna, además del Rock & Roll y del Rythm & Blues que emitían las emisoras de la zona. Sin embargo, su “encontronazo” con el Blues no se produjo hasta más adelante y se dió en circunstancias totalmente diferentes.Una noche, pocos días después de cumplir 13 años, su madre decidió acabar con su vida tomando una buena dosis de somníferos y echándose a dormir en el garaje, junto al tubo de escape de un motor en marcha. Ella culpó a su padre de lo sucedido y este, consumido por el dolor y los remordimientos, se desentendió de todo. Sus hermanos mayores fueron marchándose de casa uno a uno y sólo quedó el pequeño, que con tan sólo 5 años, apenas comprendía. “Comencé a consumir alcohol y drogas justo entonces” cuenta Janiva en una reciente entrevista “cuando estaba borracha o colocada, esa desagradable sensación que me atormentaba, parecía desaparecer, al menos temporalmente”.
Unos meses después escapa de casa intentando huir de aquel desastre; le acompaña un novio suyo de entonces, que se dedica al trapicheo a pequeña escala. Durante los siguientes 6 meses andarán de acá para allá, malviviendo en las calles la mayor parte del tiempo. Un día de aquellos, encontrándose en las cercanías de Minneapolis, Janiva decide hacer autostop hasta la ciudad. Esa noche actúa allí un bluesman al que apenas conoce, pero algo le impulsa a asistir al concierto. Cuando llega al garito en cuestión, los 2 $ que paga le permiten franquear la puerta, a pesar de sus 14 años. Lo que allí encuentra, es mucho más de lo que espera: “La música me hizo sentir cosas que nunca antes había sentido (…) Me hizo descubrir partes de mi cuerpo que desconocía y sentí que respiraba oxigeno, por primera vez en mucho tiempo”. El autor del milagro, no es otro que Otis Rush. Desde ese momento, cantar su Blues es de las pocas cosas agradables que Janiva puede hacer en la vida…porque la situación todavía ha de empeorar.
Tras un intento fallido de reconciliación con su padre (la mujer con la que este convive, la pone de patitas en la calle “por ser una mala influencia para sus hijos”), pasa por una docena de hogares de acogida y tres instituciones psiquiátricas en dos años, en los que intenta suicidarse más de una vez: “Creía que era la única forma de que todo el dolor, la rabia y la tristeza que sentía, desaparecieran para siempre”.
Tres años después del suicidio de su madre, su padre sigue el mismo camino. Ella recibe la noticia casi al mismo tiempo que descubre su embarazo y esto acaba por desquiciarla. Tras dos nuevos intentos de suidicio, el Estado se hace cargo de ella y la ingresa en un centro de menores. Ha tocado fondo y eso tiene algo bueno: más bajo no puede caer.
Del centro de menores pasa a un nuevo hogar de acogida, donde esta vez convive con una mujer divorciada y sus 5 hijos. Allí, por fin encontrará el cariño y apoyo que tanto necesita: “Se convirtió en mi mentora y salvación. Fue mi consejera para que abandonara las drogas y el alcohol, al tiempo que me ayudó a convertirme en una persona adulta y me enseñó a tener sueños de nuevo. Con su amor y su ayuda, finalmente comprendí que no tenía por qué seguir el camino de mis padres”. La nueva Janiva, sobria y decidida a superar la adversidad, logra que se la declare “menor emancipada bajo supervisión” y alquila un apartamento que paga con lo que gana limpiando casas y oficinas. Pero al nacer su hija, la situación se hace insostenible y se ve obligada a dejarla en adopción cuando esta tiene 4 meses. Este duro golpe la sume nuevamente en la depresión…pero esta vez se mantiene serena y lucha para superar la adversidad. Un par de años después, ya cumplidos los 18, su situación es lo suficientemente estable como para que al fin se plantee perseguir uno de sus sueños: trabajar en algo relacionado con la música. Así que se matricula en un curso de técnicos de sonido y al poco tiempo, está realizando prácticas en un estudio de Saint Paul, Minnesotta. Una noche en que trabaja en unas demos de R&B, recibe la llamada de uno de sus jefes: “Te necesitamos para unos coros…ven aqui inmediatamente o no te molestes en volver mañana” . Está aterrorizada pero la orden no deja lugar a la duda, así que obedece y graba los coros como mejor sabe. El resultado es plenamente satisfactorio y Janiva al escucharse, comienza a creer en sus posibilidades.

De audición en audición y de garito en garito, empieza a conseguir algunas actuaciones en el triángulo Detroit-Chicago-Minneapolis. En su afán de impregnarse del Blues y R&B, se queda enganchada con Albert Collins y Johnny Copeland. Descubre a Elmore James, Koko Taylor, Etta James, Sugar Pie DeSanto, JB Lenoir…Cada vez con más frecuencia, participa como vocalista de apoyo y hace coros en diversas grabaciones de R&B y Funk, colaborando incluso con miembros del macrogrupo Sounds of Blackness.
Confiada en sus posibilidades, decide marchar a Arizona a comienzos de los 80 y se instala en Phoenix, donde conoce a Bob Tate (quien había trabajado con Sam Cooke) que se convierte en su manager y forma un grupo denominado “Janiva Magness & the Mojomatics”, aunque pronto se les conocerá como “The Town´s Best Blues Band”. En este conjunto gana aplomo y adquiere “tablas” suficientes para dar el gran salto. En 1986 se traslada a Los Angeles y entra en contacto con la bulliciosa escena local. Poco a poco se va haciendo un nombre en los clubes de la zona, actuando en formato de dúo/trío acústico. Esto le llevará, a principios de los 90, a conocer al que será su marido, el compositor y multi-instrumentista Jeff “Big Daddy” Turmes, así como a otros músicos del gremio como Junior Watson, Kid Ramos, Enrico Crivellaro, Red Young y un largo etcétera, con los que habitualmente colaborará a partir de entonces. Y como no podía ser de otra manera, frecuentar estas compañías la lleva por fin a iniciar una carrera discográfica. Ya en 1995 aparece en el disco de Kid Ramos, “Two Hands & One Heart”, cantando dos temas donde demuestra su poderío y hace empalidecer al otro vocalista del disco, Lynwood Slim.
De su primer trabajo, editado en 1997 por el pequeño sello “Fat Head” y titulado “It Takes One To Know One”, poco se puede decir, salvo que es difícil de conseguir si no es pagando un “precio de coleccionista” que las reseñas consultadas desaconsejan abonar. Publicado como Janiva Magness & Jeff Turmes, contiene 13 originales de este, en los que Janiva canta 9 temas. R&B ligero, canciones pegadizas cercanas al pop, acercamientos al Folk y poco Blues, conforman un disco en el que apenas brillan colaboradores de la talla de Jr. Watson y Kid Ramos. Sin embargo, el disco sirve para demostrar una cosa: ella brilla más, cuanto más cerca del Blues se mueva el tema.
Y esto se nota en su segundo disco, “My bad luck soul”, editado por “Blues Leaf” ya como The Janiva Magness Band . Además de algún original de Turmes cantado por él mismo, se atacan versiones de BB King, JB Lenoir, Memphis Minnie, Sugar Pie DeSanto e incluso Billie Holliday, con un tratamiento mucho más Blues al estilo West Coast, prácticamente Jump en algun caso y cercano al Jazz vocal femenino en ocasiones (Billie´s Blues). En este contexto, destacan las intervenciones guitarrísticas de Enrico Crivellaro y Kid Ramos (en tres temas), el trabajo pianístico de Karen Hammack y sobre todo Red Young y los toques de saxo del propio Jeff Turmes, que también se encarga del bajo y guitarra (en tres temas). Este trabajo, visto con la perspectiva que dan sus discos posteriores, demuestra que Janiva se desenvuelve como pez en el agua en estos palos, aunque todavía no alcance las cotas de intensidad que estan por venir con sus siguientes dos discos, también para “Blues Leaf”.
“Blues Ain´t Pretty” (2001) profundiza aún más en su vena bluesera, lo que le permite desplegar su amplia batería de recursos para llevarnos justo ahí donde ella quiere llevarnos y nosotros, gustosos, nos dejamos llevar. Tres originales de Jeff Turmes, incluidas las excelentes “Makin´money” y “The more I keep on loosin´”, más una serie de covers de Ruth Brown, James Brown, Brook Benton, Percy Myfield & Ray Charles, entre las que destaca la desgarradora “St. Gabriel”, un Blues original de Marcia Ball, inspirado en la única prisión de alta seguridad para mujeres de Louisiana y en el que Janiva canta con una intensidad abrumadora, remarcada por unas intervenciones guitarrísticas que erizan el vello de la nuca. Sin embargo, y es apreciación personal, este es un disco que rebosa optimismo y vitalidad gracias a temas como “Act Right”, “I´m gonna play the Honky Tonks”, “Tell me what I did wrong”, “Heartbreaker”… Y de la banda, pues qué decir: Kirk Fletcher sobresaliente al igual que Kid Ramos con las guitarras, soberbio Red Young tanto al piano como al Hammond, Jeff Turmes haciendo doblete con el bajo y los saxos, ayudado en este capítulo por Steve Marsh y finalmente, David Kida a la batería, como tiene que estar un batería.
“Use what you got” (2003) supone una continuación por ese camino. Nuevamente una combinación de temas compuestos por Turmes y versiones, en esta ocasión de Memphis Slim, Rufus Thomas, Don Robey, Johnny Guitar Watson, Ike Turner, Magic Sam, etc. West Coast Blues, si acaso algo escorado hacia el R&B (gracias a los saxos del omnipresente “Big Daddy” Turmes y David Woodford), e incursiones en el sonido del West Side de Chicago (“That´s why I´m cryin´”), los aires de Louisiana (“I´m not ashamed”, “Who will the next fool be” ), el jazz vocal de Billie Holliday (“Stormy Blues”) y el estilo de Albert King (“Don´t Start Crying now”). La inclusión de Zach Zunis como único guitarrista, no nos hace echar de menos a los T-Birds Ramos y Fletcher, ya que nos ofrece momentos de gran altura, sobre todo cuando se inspira en Magic Sam, Guitar Slim y Albert King. Sin embargo, no podemos decir lo mismo del sustituto de Young a las teclas, Andy Kaulkin, que pasa algo más desapercibido. David Kida, a lo suyo.
A principios de 2004, Janiva trabaja en la pre-producción de un nuevo disco con su banda habitual, pero una llamada del guitarrista y productor canadiense Colin Linden, le hace desechar esta idea. Lo que este le propone, es algo radicalmente diferente a lo hecho por ella hasta la fecha: un disco de Blues tradicional y profundo, simple y directo, con una fuerte inspiración en el Country Blues sureño y en el primer Blues eléctrico de Chicago. Cuando sugiere algunos títulos (oscuros covers de JB Lenoir, Rev. Robert Wilkins, Oliver Sain, Delbert McClinton, Sam Cooke, Magic Sam) y el tratamiento que piensa darles, la Magness acepta de inmediato . Así nace “Bury him at the Crossroads” (NorthernBlues-2004) su disco más personal y sincero, donde demuestra haber alcanzado un punto culminante de madurez, que le permite enfrentarse abiertamente y por primera vez, a los demonios de su pasado, mientras la banda (Jeff Turmes-bajo, guitarra, banjo, saxo; Colin Linden-guitarras,coros; Richard Bell-piano, Hammond b-3 ; Stephen Hodges-batería y percusión), extraordinaria en todo momento, crea un ambiente opresivo, casi minimalista, que transmite una tristeza, desasosiego y por momentos desesperanza, que nos enrojece los ojos, nos amarga la boca y nos deja el vientre arañado por los guijarros, de tanto que nos arrastra.
El resultado satisface plenamente a todos los implicados en el proyecto, que deciden dar continuidad a su colaboración con un nuevo disco para NorthernBlues, co-producido nuevamente por Linden y la propia Magness y con el mismo plantel de músicos, a los que se suman la guitarra de Rick Holstrom y el teclado de John Whynot. Por así decirlo, este trabajo “Do I move you?”(2006) se situa en un punto intermedio entre “Bury him…” y sus discos anteriores, con una mayor orientación hacia el Soul (“I´m just a prisioner”, “I want you to everything”), que se hace patente con su escalofriante interpretación de la balada de Delbert McClinton “You were never mine”, aunque sin perder el acercamiento a las raíces logrado con su Cd anterior (“Don´t let your memories”, “Stealin Sugar”) ni olvidar el R&B (“Workin´on me”, “I give up”) y el Blues intenso y cargado de humo (“Do I move you?”). Para cerrar el disco y de propina, un tema cercano al Rock sureño (“A man since job”). El disco es acogido calurosamente por la crítica y resulta nominado en las categorías “Mejor Album de Blues Contemporáneo” y “Mejor Album de Blues” de la última edición de los Blues Music Awards que otorga la Blues Foundation.
La versatilidad de esta excepcional cantante, la evolución mostrada en su corta pero jugosa discografía y las buenas relaciones que mantiene con los músicos punteros del género, nos hacen augurar un gran futuro, en el que el Blues promete seguir estando muy presente. En lo personal, Janiva confiesa ser más feliz de lo que jamás creyo posible. Mantiene una buena relación con su hija (con la que se reencontró cuando esta tenía 16 años) y disfruta viendo crecer a su nieto de 5 años. Los premios y halagos la satisfacen, desde luego…pero reconoce que su éxito reside en que puede dedicarse por entero a la música que le devolvió una esperanza que le fue negada durante mucho tiempo. Y eso se nota, en muchos aspectos.
De su fuerza interpretativa en directo, de la que hay muchas y buenas referencias, podremos disfrutar en breve en el II Hondarribia Blues Festival. Yo desde luego, no pienso perdérmelo.

Pagina: http://www.janivamagness.com/