Caballeros de La Quema

Caballeros de la Quema (también usado el artículo Los), es una banda de rock alternativo, oriunda de la ciudad de Morón, Provincia de Buenos Aires, Argentina, que se formó a mediados de 1990 y en 1991 publicó su primer trabajo, un cassette titulado: “Primavera negra”.

Historia

Se formaron en 1989 en Morón y pasan por diferentes cambios de formación durante los años siguientes. En 1991 editan en forma independiente su primera producción en cassette titulada "Primavera negra". En 1993 el sello Iguana Records (BMG) editó su primer cd titulado "Manos vacías". De allí saldrían clásicos como "Patri", "Carlito" (con video de Picky Tallarico), "Gusanos" y "Buenos Aires Esquina Vietman", entre otros. Fueron invitados por Joaquín Sabina a abrir su show en el estadio de Ferro ante más de 15 mil espectadores. Realizan shows en Rosario, Santa Fe y Córdoba, además de Buenos Aires y Capital federal durante ese año. Las encuestas de fin de año los encontraron en los primeros lugares como banda Revelación. En 1994 editaron su segunda placa titulada "Sangrando", con cortes como "Pejerrey" (video realizado por Andrés Fogwil), "Faisán", "Casi Nadie" y "Sangrándonos".

Fueron parte de la Gira Nuevo Rock Argentino de ese año que los llevó por Córdoba, Mendoza y Santa Fe como Los Brujos, Illya Kuryaki and the Valderramas, Babasonicos, Peligrisos Gorriones y 2 Minutos, entre otros. Fueron invitados a abrir el cierre de la gira mundial de Aerosmith en Córdoba y Buenos Aires, para más de 50 mil personas. En 1995 abrieron los shows de The Cult Slash's Snakepit en el estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires. Participaron de los compilados Fuck You que reunía versiones de la mítica banda argentina Sumo, recreando el clásico "Hola Frank". En 1996 editaron su tercera placa titulada "Perros, perros y perros" con temas como "No Chamuyes", "Celofán", "Hasta Estallar" (con la participación de León Gieco), "Que pasa en el barrio", "Cuatro copas" y "No hay", entre otros. Además, el álbum contiene el clásico de la banda Luces de bar en su version completa.

El primer corte "No chamuyes", fue acompañado por un video realizado por Raúl Perrone que consiguió la más alta rotación en los canales musicales de cable como MTV Latino y MuchMusic, además de rankear el tema entre los primeros puestos de FM Rock & Pop y Radio City (#1 durante dos semanas). Tras colmar la capacidad del lugar en la presentación oficial del álbum en Dr. Jekyll, compartieron escenario en festivales multitudinario con Attaque 77, A.N.I.M.A.L., Masacre y Las Pelotas. Participaron del Festival Alternativo en el Estadio Ferro antes más de 20.000 personas compartiendo escenario con Marilyn Manson, Illya Kuriaky and The Valderramas, y Los Fabulosos Cadillacs, entre otros.

Tras su habitual gira de verano por la costa atlántica, se presentaron el 13 de febrero de 1997 en el ciclo de Buenos Aires Vivo junto a León Gieco, en un festival al aire libre y gratuito al que asistieron más de 80.000 espectadores. En Marzo se presentaron por primera vez, en la ciudad austral Comodoro Rivadavia, ante más de 1.500 personas, en tanto que el 5 de abril en Dr. Jekyll presentaron su nuevo corte "Que pasa en el barrio", en un show muy especial con invitados como Ciro Pertusi (Attaque 77), Pedro Aznar y federico Gil Solá, colgando el cartel "No hay localidades" por primera vez. Tras una exitosa gira por Córdoba y participar del concierto por Walter Bulacio en Cemento, Los Caballeros presentaron en Agosto el segundo video de "Perros Perros y Perros" en Dr. Jekylll, agotando las entradas nuevamente. "Hasta estallar", realizado nuevamente por Rúal Perrone y rodado en el oeste del Gran Buenos Aires comienza a rotar en los canales musicales de cable en los primeros días de Septiembre.

En Septiembre Los Caballeros actuaron en Hurlingham, Rosario y Santa Fe, en tanto que para el mes de Octubre fueron invitados a participar en el "Festival 20 años de lucha ni un paso atrás" organizado por las madres de Plaza de Mayo, en el Estadio Ferrocarril Oeste antes más de 35.000 personas, en el que compartieron escenario junto a Divididos, La Renga, León Gieco, Los Piojos, Las Pelotas, Malón, Rata Blanca, Attaque 77 y A.N.I.M.A.L, entre otros. En Noviembre participan del "Festival por la identidad ", gratuito en la Plaza de Mayo junto a Las Pelotas y Los Visitantes, organizado por la Asociaciión Abuelas de Plaza de Mayo, para una audiencia de más de 50.000 personas. En Diciembre junto a Divididos, Luis Alberto Spinetta, Memphis la Blusera, Illya Kuriary and The Valderramas y Los Visitantes apoyan la huelga de hambre de los docentes con un festival en la Plaza de los dos Congresos ante 100.000 personas. Cierran el año en Dr. Jekyll de capital federal, colmando nuevamente la capidad del local.

A comienzo de 1998 se encierran en la sala de ensayo para trabajar en el nuevo disco, no saliendo de gira por la costa atlántica por primera vez en su carrera, en este proceso participa Afo Verde, colaborando con la pre-producción y los arreglos. En enero participan del ciclo Buenos Aires Vivo al aire libre junto a Las Pelotas, convocando más de 60.000 personas. En Marzo tocan en Cemento convocando casi 2.000 personas para el show despedida de "Perros Perros y Perros", el último en Buenos Aires antes de su partida a Los Angeles donde en Abril grabaron su cuarto álbum con producción de Gustavo Borner y donde además realizaron algunas presentaciones. El 24 de marzo se presentaron en la segunda edición del Festival "Ni un paso atrás" en la ciudad de Rosario a beneficio de las Madres de Plaza de Mayo, junto a León Gieco, La Renga, Molotov, Todos tus muertos y Los Fabulosos Cadillacs.

Con el disco ya terminado, Los Caballeros regresaron a los escenarios porteños el primer Sábado de Junio para convocar más de 2.500 personas en una verdadera fiesta de reencuentro con su público. El nuevo trabajo titulado "La paciencia de la araña" llegó a las batas a fines de Julio, precedido por el primer corte "Raja Rata" (#1 en FM Rock & Pop). EL Segundo corte "Malvenido", fue acompañado de un video con máxima rotación en los canales de cable (#2 en MTV). En Julio se presentan con singular éxito en Rosario y a principios de Agosto en Ramos Mejía. En septiembre presentaron oficialmente la placa con un sensacional show en el Microestadio de Parque Sarmiento ante más de 5000 personas. Coincidiendo con la salida de "Oxidado" como tercer corte, a fines de Octubre comenzaron una gira que los llevó por La Plata, Bahía Blanca y Ramos Mejía.

En Diciembre comenzaron en Quilmes una serie de festivales masivos junto a grupos como Los Fabulosos Cadillacs y Divididos que tendrá su momento cumbre en Febrero en Hurlingham (50.000 personas) y en el Buenos Aires Vivo III (alrededor de 100.000 personas). En el mes de Febrero, la salida de "Avanti Morocha", cuarto single promocional de "La Paciencia de la Araña", cambia la historia del grupo. Afines de ese mes alcanzan la marca de disco de oro (30.000 unidades). Un video realizado por Leatherface (los mismos de "Malvenido") rankea rápidamente entre los más pedidos de los canales de cable en tanto, la acción en la radio se mantiene en el primer puesto de difusión durante todo Marzo, convirtiéndolo en superhit. En el mes de Marzo se presentaron en las ciudades de Santa Rosa (La Pampa), San Juan y colmaron las instalaciones de la disco Flight City de Ramos Mejía.

Del mes de Abril al mes de Junio de 1999 se lleva a cabo la primer parte de La Paciencia de la Araña Tour ´99/00, que abarca las ciudades y las localidades de Mar del Plata (Provincia de Buenos Aires), Tandil (Provincia de Buenos Aires), Olavarría (Provincia de Buenos Aires), Paraná (Provincia de Entre Ríos), Trelew (Provincia de Chubut), Comodoro Rivadavia (Provincia de Chubut), Caleta Olivia (Provincia de Chubut), ciudad de |Mendoza, Tupungato (Provincia de Mendoza), Santa Rosa (Provincia de La Pampa), Carmen de Areco (Provincia de Buenos Aires), Córboba Capital (junto a Divididos, Kapanga y Alma Fuerte) en el estadio Cordoba, Rafaela (Provincia de Santa Fe) y ciudad de Rosario. En este primer tramo de la gira más de 30.000 personas vieron en vivo a Los Caballeros de la Quema.

De regreso, en Buenos Aires, el 12 de Junio se presentan en el Estadio Obras Sanitarias, ante más de 5.500 personas en un show que recorrió temas de sus cinco discos y que se convertiría en el cd doble "Caballeros de la Quema / en vivo en Obras". El cd contiene el show completo, respetando el repertorio original del concierto. Con el tema "Oxidado" como corte de difusión, el disco agotó rápidamente sus 20.000 unidades numeradas. Paralelamente a sus giras los Caballeros participan en dos trabajos discográficos : el cd "Tributo a Sandro", en donde versionan el tema "Rosa Rosa" y en la banda de sonido de la primer película argentina de animación computada, "Condor Crux". En el mismo se incluye: "Yo voy a ser tu cruz", tema compuesto especialmente para esta banda sonora. En Julio los Caballeros retoman la gira en su tramo dos, que abarca las ciudades de Luján (provincia de Bs As), Esperanza (provincia de Santa Fe), Brandsen (provincia de Buenos Aires), Concordia (provincia de Entre Ríos), San Salvador de Jujuy (provincia de Jujuy), San Miguel de Tucumán (provincia de Tucumán), San Justo (provincia de Santa Fe), San Carlos de Bariloche (provincia de Río Negro), Oberá (provincia de Misiones), Neuquén (provincia de Neuquén ), Salta (provincia de Salta), La Plata (provincia de Buenos Aires), Monte Hermoso (provincia de Buenos Aires), Guatraché (provincia de La Pampa).

En este segundo tramo más de 40.000 personas vieron La Paciencia de la Araña Tour '99/00. De regreso, en Buenos Aires, en noviembre los Caballeros dan un show en el Teatro Opera, soul out, que convirtieron al resinto en una verdadera caldera. Despiden el año con un show en el oeste del gran Buenos Aires, dando por finalizadas las presentaciones. En Enero de 2000 comienza la pre-producción de su quinto álbum de estudio, sucesor del doble platino, 120.000 copias, La Paciencia de la Araña, en los estudios Del Cielito ubicados en Castelar, provincia de Buenas de Aires, contando nuevamente con la presencia de Afo Verde, productor artístico del mismo. En el mes de Febrero realizan una mini gira por la Costa Atlántica, Mar del Plata, Villa Gesell y Pinamar en multitudinarios shows gratuitos y al aire libre. A principio del mes de Abril Los Caballeros viajaron a la ciudad de Los Angeles, Estados Unidos, para grabar, mezclar y masterizar su nuevo disco, Fulanos de nadie, bajo la dirección artística de Afo Verde, con Gustavo Borner en los controles. El nuevo álbum cuenta con la destacada participación de Pedro Aznar en los arreglos corales, Nestor Marconi en Bandoneon, Harry kim en trompeta, Art Velazco en Trombón, Luis Conte en percusion, Portia Griffin y Jessica Williams en coros. John Acosta en cello, Darrin McCam en viola y Novi Novog en viola en Otro jueves cobarde (compuesto por Ivan Noble y Joaquin Sabina).

Fulanos de nadie ve la luz en la tercer semana de Agosto, siendo el Funk Romulo y Remo el primer corte del disco. La salida es acompañada del video del mismo, filmado en 16mm por la productora Negro films. En el video participan, entre otros Leon Gieco, Cacho Castaña, Fabian Gianola y Anabel Cherubito. La presentación oficial de Fulanos de nadie, el 7 de octubre de 2000 en el Estadio Obras, capital federal, fue el reencuentro de Caballeros con su público porteño. Público que colmó, como el año anterior, las instalaciones del mítico estadio de la avenida Libertador. Los caballeros salieron a escena enfundados en Trajes, como en la tapa de Fulanos... y a lo largo de más de 2 horas y media de concierto, presentaron su flamante disco, y recorrieron algunos de los temas de sus anteriores discos, recibidos con el fervor entusiasta de los fans. En esta oportunidad, se sumaron músicos como, Fabian Veglio en Trompeta, Pablo Fortuna en Saxo alto, Marcelo Garófalo en Saxo tenor, Daniel Buira en Percusión, Carlos Corrales en Bandoneón, Celsa Mec Gowland, Lorena Álvarez y Constanza Manigot en Coros y Mora Godoy junto a Juan Manuel, bailando tango en Fulanos de nadie. Para mediados del mes de octubre y hasta diciembre, Los Caballeros encaran la primer etapa de su gira nacional de presentación de su nuevo álbum. El 1 de diciembre se presentan en la Av. 9 de julio y Diagonal sur, con motivo del Día Mundial de la Lucha contra el SIDA Ante más de 10000 personas junto a Virus (banda argentina). Entre show y show, cortan Sapo de Otro pozo, segundo corte de Fulanos de Nadie. Nuevamente el video del tema está a cargo de la productora Negro Films. El mismo es rodado en Ciudad Jardín, El Palomar (Buenos Aires), en exteriores y en el Bar Graff Zeppelin donde, los Caballeros solían reunirse a tocar, hace algunos años, covers y reversiones de temas para sus amigos. El mismo cuenta con la participación de Valeria Giampaolini y Esteban Prol. El tema y el video, de alta rotación en radios y cadenas de música, logra convertirse en un verdadero suceso en el público, que lo canta completo en los recitales. En el mes de noviembre se presentan, por primera vez, en Rio Grande y Ushuaia junto a Ratones Paranoicos y Kapanga, en dos shows multitudinarios. El segundo tramo de la gira comienza en las playas de Mar del Plata, con la tradicional presentación para la Rock & pop beach, con récord absoluto de público en el parador Tamarindo. Ese verano, Mar del Plata recibiría tres veces la visita de los Caballeros. A la ya mencionada en enero, se sumarían dos en Febrero, en la explanada del Casino, ante más de 4000 personas y en la Megadisco GO!, 2000 espectadores. Luego la gira veraniega llegaría al Teatro de Pinamar. En todos, el público bailó y cantó los temas de Fulanos... y pidió los clásicos de todos los discos. Carlito, Patri, Oxidado, Avanti Morocha y Hasta estallar, no faltaron del repertorio en ningún show. En el marco del ciclo Argentina Vivo 2, se presentan, en el mismo mes y por primera vez, en la Prov. de Corrientes. En un show con un asistencia estimada en más de 6000 personas, los Caballeros despliegan ante un público entusiasta, Fulanos... y los éxitos de sus anteriores discos. En marzo, continúan girando, esta vez en las ciudades de Galvez, Prov. Santa Fe, San Juan, el Club Sportivo Desamparados, ante 3500 personas. En el mes de Abril, en un parate de la gira filman, nuevamente con la productor Negro Films, lo que será el tercer corte. El video de Fulanos de Nadie es rodado en interiores con un tono netamente pictórico. El blanco y negro de las imágenes se entremezclan con la melodía del bandoneón, creando el clima que la banda buscaba para el tema. Para el casting, se presentó un concurso por la cadena Much Music, al que se presentaron más de 800 personas. Aprovechando su estadía en casa, los Caballeros realizan en el Teatro Showcenter de Haedo, un show a sala repleta, que los reencuentra con el público del oeste. Durante el mes de mayo se presentan en Bahía Blanca y en Pedro Luro, Prov. de Buenos Aires, en el Gran Buenos Aires, en el Teatro Español de Lomas de Zamora y en el Gran Rivadavia, Flores y en la prov. de Santa Fe, en las localidades de Tostado y Granadero Baigorria. De regreso a Buenos Aires, se presentan, nuevamente en el teatro Showcenter de Haedo, donde filman el vídeo del 4 corte de Fulanos de Nadie, Basta para mi. Con otro sold out, los Caballeros se reeencuentran con su público del oeste, en una noche muy fría, pero para recordar. A fines de Junio se presentan en la ciudad de La Plata, para cerrar la segunda etapa de la gira. El mes de Julio los lleva por las ciudades de Labulaye y Bell Ville, Córdoba. Y en dos presentaciones en Córdoba capital y en Baradero, Provincia de Buenos Aires, donde se presentan ante más de 2000 personas, después de 4 años. El 1 de agosto, Ariel Caldara, tecladista de la banda desde el año 1996, muere en su domicilio, a causa de lo que se conoce como Muerte súbita. La banda, que tenía pautado para el 11 de agosto, una presentación en El Teatro, del barrio porteño de Colegiales, cancela todo tipo de promoción y notas para dicho show y decide realizar la misma en honor al miembro fallecido. La presentación comienza con el telón cerrado, la banda en silencio delante de su público y palabras de Ivan Noble agradeciendo al apoyo del público en este momento tan duro y difícil. El recital, cargado de emoción y dolor fue, sin lugar a dudas, el más duro de la carrera de la banda. En el comienzo de 2002, los Caballeros anunciaron escuetamente a través de un texto en su sitio web, que habían decidido separarse. El casamiento de Iván Noble con Julieta Ortega (hija del cantante y político Palito Ortega) había sido determinante.

Fomacion:

Alejandro Sorraires: saxo
Iván Noble: voz
Javier "Nene" Cavo: batería
Martín Carro Vila: bajo
Martín Mendez: guitarra
Martín "Cafusa" Staffolari: saxo
Pablo Guerra: guitarra

Pagina: http://www.caballerosdelaquema.com.ar/

Nacho Vegas

Nacho Vegas (Ignacio González Vegas) (Gijón, 9 de diciembre de 1974) es un cantautor español que estilísticamente oscila entre la música folk, el pop y el rock. Suele cantar en solitario o con el grupo Las Esferas Invisibles.

Carrera musical

Nacho Vegas participó de pleno en la primera hornada de la edad del indie español, de la mano de Eliminator Jr., banda local de influencias noise donde empezó a tocar a principios de los años 90. También fue miembro fundador de Manta Ray, formación que alcanzó reputación internacional a nivel de crítica gracias a un personal sonido y a su sólida puesta en escena.

A finales de la década de los noventa, Vegas abandonó el grupo para desarrollar una carrera en solitario que, por el momento, ha dado lugar a tres álbumes bajo su sello y multitud de cortes repartidos en recopilatorios, split-singles, mini-CD’s e incluso bandas sonoras como Verdá o consecuencia para la televisión asturiana. El proyecto Diariu, donde unió sus partituras a los versos del poeta Ramón Luis Bande, y el EP compartido con Aroah Seis canciones desde el Norte, precedieron la aparición de su primer LP en solitario, Actos inexplicables (2001). El disco logró colocarse entre lo más destacado del año para la prensa especializada (por ejemplo: Mejor disco nacional para la prestigiosa revista Rockdelux), e incluso consiguió distribución internacional a escala independiente.

Después llegarían en 2002 el EP Miedo al zumbido de los mosquitos con 3 cortes inéditos, anticipo a los 20 temas del doble CD Cajas de música difíciles de parar publicado en 2003, con los que acabó por consolidar la figura de maldito que tanto le incomoda y le acompaña desde sus inicios (de la que él mismo se jactaba en el ya nombrado EP de 2002 con la frase "4 nuevas dramáticas canciones de Nacho Vegas") y de la que parece estar consiguiendo desprenderse con el paso del tiempo. Ese mismo año y siguiendo con su acelerado ritmo creativo publicaría de nuevo otro extenso EP titulado Canciones desde palacio.

Los últimos trabajos bajo su nombre han sido: en 2005 el single El hombre que casi conoció a Michi Panero (con 3 temas inéditos) con el que rodó el segundo videoclip de su carrera, el LP Desaparezca aquí (frase recurrente de uno de sus escritores preferidos Bret Easton Ellis), y el EP en vinilo Esto no es una salida (al que acompañaban el texto de un relato inédito hasta la fecha y el mismo audio en formato CD); en 2006 el doble CD El tiempo de las cerezas, disco que comparte con el aragonés Enrique Bunbury ex cantante de Héroes del Silencio y que le llevó a pisar por primera vez tierras aztecas, y en 2007 el mini-CD Verano fatal con el que vuelve a compartir protagonismo con una figura conocida por el mainstream, concretamente Christina Rosenvinge.

Actualmente se encuentra de gira con Lucas 15 que publicaron disco homónimo este mismo 2008. El grupo está formado por varios músicos asturianos de gran nivel, entre los que destacan el propio Nacho Vegas que canta 9 de los 11 temas del álbum, y sobre todo Xel Pereda, músico proveniente del folk y principal artífice de éste proyecto de adaptación del cancionero popular asturiano en clave de rock, y del que últimamente Nacho no ha prescindido en ninguno de sus proyectos, ni siquiera en los compartidos donde la banda resultante ha resultado ser principalmente una mixtura de músicos de sus correspondientes figuras mediáticas y creativas.

En otoño de 2008 Nacho Vegas publicará su nuevo trabajo en solitario, llamado El manifiesto desastre, según palabras del asturiano lo grabará entre julio y agosto y si todo va bien lo tendremos para esa fecha. Aún se desconoce el tracklist, aunque rumores apuntan al menos a que grabará Rambal, la canción que había detrás de Hablando de Marlén.

Estilo e influencias

Como cantautor, se reconocen en Nacho Vegas las influencias de Will Oldham, Nick Cave, Leonard Cohen, Nick Drake, Bob Dylan y Tom Waits entre otros. Explora las maneras intimistas de cantautor en su música, intensa pero huidiza; las letras suelen parapetarse en un marco onírico, excepto cuando recurre a textos de otros.

Musicalmente muestra inquietudes creativas poco ortodoxas. Al aspecto rockero, incorpora matices minimalistas, que pueden aproximarse tanto a la obra de Pascal Comelade como a los arreglos de Mastretta. La música de Vegas también recuerda a figuras del indie español como Fernando Alfaro –Chucho- e incluso por momentos, los más ruidistas, a Los Planetas. Además, las conexiones formales con Migala se plasman en colaboraciones mutuas, que recrean sonoridades comunes pero bien ajustadas a cada peculiaridad compositiva.

Pagina: http://www.myspace.com/nachovegasfanmexico

Liquid Tension Experiment

Liquid Tension Experiment (abreviado y también conocido como LTE) es un supergrupo de rock progresivo de Estados Unidos que se concibió a finales de 1996, cuando Mike Portnoy (baterista de Dream Theater), recibió una petición de su discográfica, Magna Carta, para formar una banda compuesta por grandes talentos del rock progresivo. Para llevar a cabo este proyecto Portnoy fue interrogado con respecto a con qué músicos había querido grabar siempre, y tras algunas negociaciones se concretó quienes serían los componentes del grupo:

- Tony Levin: Experimentado bajista, icono del rock progresivo, integrante de King Crimson y que ha colaborado junto a artistas como Peter Gabriel. En algunos temas de la banda, como por ejemplo "Osmosis", demuestra su talento con un instrumento de alta complejidad como lo es el Chapman Stick.
- John Petrucci: Reconocido guitarrista compañero de Mike Portnoy en Dream Theater. Ha compartido la tarima con Joe Satriani y Steve Vai en la extravanganza guitarrística G3.
- Jordan Rudess: Actual teclista de Dream Theater, compositor y productor. Antes tocó con Steve Morse, Vinnie Moore, Dixie Dregs y el baterista Rod Morgenstein.
- Mike Portnoy: Baterista, componente del grupo Dream Theater, O.S.I. y Transatlantic. Galardonado cada año desde 1995 hasta el 2006 como el mejor baterista de rock progresivo por la revista Modern Drummer.

Para el momento en que se creó Liquid Tension Experiment, Rudess aún no formaba parte de Dream Theater. A pesar de que algunos formulan la teoría de que fue invitado a unirse a causa del éxito de Liquid Tension Experiment, es sabido que él ya había rechazado una oferta para integrarse en 1994, ocasión en la que se volvió miembro de Dixie Dregs en vez de Dream Theater.

La música que realiza la banda es enteramente instrumental, y puede enmarcarse dentro del metal progresivo.

Liquid Tension Experiment lanzó dos álbumes, Liquid Tension Experiment (1998) y Liquid Tension Experiment 2 (1999) a través de Magna Carta. 'También hicieron algunos espectáculos en directo en New York, Filadelfia y Los Angeles. Mike Portnoy ha declarado en numerosas entrevistas (y en el FAQ de su sitio web) que no habrá un tercer álbum de LTE, pues tres cuartos de la banda ahora están en la alineación de Dream Theater. Sin embargo, varias canciones y riffs han sido incorporados en las presentaciones en directo de Dream Theater, como por ejemplo el medley instrumental de Live at Budokan.

En el año 2007 se edita un nuevo disco bajo el nombre de "Liquid Trio Experiment", conformado por antiguas grabaciones que Mike Portnoy tenía guardadas. Todas las melodías son sesiones de improvisación realizadas durante la grabación de "Liquid Tension Experiment 2" en la ausencia de Petrucci que estaba pendiente del nacimiento de su hija. El nombre "Liquid Trio Experiment", que sigue manteniendo las siglas LTE, se debe precisamente a la ausencia del guitarrista.

Pagina: http://www.yesiknow.com/lte/

Gal Costa

Gal Costa es el nombre artístico de Maria das Graças Costa Penna Burgos (Salvador, BA, 26 de septiembre de 1945), una de las más importantes cantantes brasileñas. Entre los temas más representativos de su carrera se encuentran "Baby", "Vapor Barato" y "Meu Nome é Gal".

Cronología

- 1964 - Deja su casa para vivir donde su prima Nívea, en Río de Janeiro. Después toma un apartamento en Sá Ferreira, antes de juntarse con amigos en el Solar da Fossa, donde también viven Caetano Veloso y Paulinho da Viola.
- 1965 - Graba su primer disco con la cantante María Bethania: dúo "Sol negro", seguido de su primer disco compacto, con "Eu vim da Bahía" de Gil y "Sim, foi você" de Caetano Veloso.
- 1965 - Al final de este año conoce a João Gilberto
- 1966 - Participa en el primer Festival Internacional de la canción, interpretando "Minha senhora", de Gilberto Gil y Torquato Neto
- 1986 - Vuelve a la escena musical, con sus dos grandes éxitos (que también grabó en español y que interpretaron otros artistas como Pedro Fernandez y Mocedades) como "Lluvia de Plata" y "Un día de domingo".

Obra musical

Dueña de una voz suave y aguda, Gal Costa tiene un variado repertorio, en general de canciones románticas, que la colocan entre las más grandes cantantes brasileñas. A más de 35 años del comienzo de su carrera, posee una larguísima lista de trabajos propios, además de diversas participaciones en discos de otros artistas. Ha interpretado canciones de distintos géneros musicales, desde samba hasta baião. Destacada por su versatilildad, su voz posee una afinación impar.

Pagina: http://www.galcosta.com.br/

Michael McDonald

Michael McDonald nació el 12 de febrero de 1952 en St. Louis, Missouri. Es un cantante de R&By soul.

McDonald tocó en multiples bandas (como Mike and the Majestics, Jerry Jay and the Sheratons, the Reebtoors y The Guild) en su pueblo natal Ferguson, Missouri, un suburbio de St. Louis. Fue descubierto cuando hacía parte de un grupo llamado Blue y en consecuencia se mudó a Los Angeles en 1970. Inicialmente fue conocido como miembro ocasional de Steely Dan, poniendo la voz en Katy Lied y en subsiguientes albums como The Royal Scam y Aja.

McDonald se unió a los The Doobie Brothers en Abril de 1975 cuando su voz líder Tom Johnston enfermó durante una gira nacional. Como miembro de los Doobies, grabó canciones como "Takin' It To The Streets," "Little Darling," "It Keeps You Runnin'" (usada en la película Forrest Gump), "Minute by Minute" y "What a Fool Believes" (que llegó al número uno en Estados Unidos y por la cual ganó un premio Grammy en 1980 en la categoría de canción del año).

Despues de la separación de los Doobies, McDonald continuó su carrera en solitario con éxitos como:

- "I Keep Forgettin'", un duo con su hermana Maureen, despues usado en 1994 por Warren G y en 2005 por Papoose.
- "Sweet Freedom", csnción de la película de 1986 llamada Running Scared
- "Take It To Heart"
- "Yah Mo B There", a duo con James Ingram con la cual ganó el Grammy en 1985
- "On My Own", con Patti Labelle. llegó al número 1 en listas de Estados Unidos en 1986

McDonald ha producido y ha aparecido en grabaciones de otros artistas como su esposa Amy Holland, Christopher Cross y Bonnie Raitt. McDonald es el co-fundador del sello independiente Ramp Records junto a Chris Pelonis y el actor Jeff Bridges. En la actualidad se ha centrado en albums de tributo al sonido Motown.

En 2003 McDonald recibió una estrella en el Paseo de la Fama de St. Louis.

Pagina: http://michaelmcdonald.com/

Janiva Magness

Ganadora del Blues Music Award a la “Mejor interprete femenina de Blues contemporáneo” en 2006 y 2007 (categoría en la que ya fue nominada en 2004 y 2005), aclamada por crítica y público, elogiada por compañeros de gremio y con su último disco “Do I Move You?” siendo el más radiado por las emisoras especializadas de 2006 segun la revista “Living Blues”, está claro que Janiva Magness es un valor que cotiza al alza, gracias a su principal activo: su voz.
Y es que la voz de Janiva, impacta por la cantidad de matices que atesora y especialmente, por cierto deje “canalla” que aporta una sensualidad apenas disimulada pero magistralmente contenida, que dota al conjunto de una fuerza y emotividad, rebosantes de elegancia. Una voz seductora y sugerente si…pero también descarnada, conmovedora o exultante, según el tema lo requiera. En palabras de Charlie Musselwhite “siempre me impresiona porque es capaz de desenvolverse con soltura en cualquier estilo, eligiendo cada nota y cantándola exactamente en cada momento, de forma perfecta”. Y si Charlie lo dice…yo solo puedo añadir que escuchar a la Magness, suele dejarme más suave que el guante que se quitó Gilda.

Sin embargo, Janiva Magness no es ninguna recién llegada a este negocio. Su carrera profesional abarca más de dos décadas y es toda una veterana en el área de L.A. Pero sobre todo, es un ejemplo de mujer luchadora que supo sobreponerse a las zancadillas del destino y que encontró en el Blues, su tabla de salvación. De su historia proviene su fuerza…y de su fuerza, su arte.
Nacida a finales de la década de los 50 en Detroit en el seno de la típica familia americana de clase media, fue educada junto a sus 4 hermanos en los conservadores valores tradicionales de la época, poco propensos a que se hablara de ciertas cosas. La música no obstante, fue algo con lo que convivió desde siempre, ya que sus padres eran grandes aficionados (de hecho, ambos se conocieron cuando el grupo vocal amateur en el que cantaba él, visitó el estudio radiofónico en el que trabajaba ella) e inconscientemente fue absorbiendo el Country & Western que constituía el grueso de la discoteca paterna, además del Rock & Roll y del Rythm & Blues que emitían las emisoras de la zona. Sin embargo, su “encontronazo” con el Blues no se produjo hasta más adelante y se dió en circunstancias totalmente diferentes.Una noche, pocos días después de cumplir 13 años, su madre decidió acabar con su vida tomando una buena dosis de somníferos y echándose a dormir en el garaje, junto al tubo de escape de un motor en marcha. Ella culpó a su padre de lo sucedido y este, consumido por el dolor y los remordimientos, se desentendió de todo. Sus hermanos mayores fueron marchándose de casa uno a uno y sólo quedó el pequeño, que con tan sólo 5 años, apenas comprendía. “Comencé a consumir alcohol y drogas justo entonces” cuenta Janiva en una reciente entrevista “cuando estaba borracha o colocada, esa desagradable sensación que me atormentaba, parecía desaparecer, al menos temporalmente”.
Unos meses después escapa de casa intentando huir de aquel desastre; le acompaña un novio suyo de entonces, que se dedica al trapicheo a pequeña escala. Durante los siguientes 6 meses andarán de acá para allá, malviviendo en las calles la mayor parte del tiempo. Un día de aquellos, encontrándose en las cercanías de Minneapolis, Janiva decide hacer autostop hasta la ciudad. Esa noche actúa allí un bluesman al que apenas conoce, pero algo le impulsa a asistir al concierto. Cuando llega al garito en cuestión, los 2 $ que paga le permiten franquear la puerta, a pesar de sus 14 años. Lo que allí encuentra, es mucho más de lo que espera: “La música me hizo sentir cosas que nunca antes había sentido (…) Me hizo descubrir partes de mi cuerpo que desconocía y sentí que respiraba oxigeno, por primera vez en mucho tiempo”. El autor del milagro, no es otro que Otis Rush. Desde ese momento, cantar su Blues es de las pocas cosas agradables que Janiva puede hacer en la vida…porque la situación todavía ha de empeorar.
Tras un intento fallido de reconciliación con su padre (la mujer con la que este convive, la pone de patitas en la calle “por ser una mala influencia para sus hijos”), pasa por una docena de hogares de acogida y tres instituciones psiquiátricas en dos años, en los que intenta suicidarse más de una vez: “Creía que era la única forma de que todo el dolor, la rabia y la tristeza que sentía, desaparecieran para siempre”.
Tres años después del suicidio de su madre, su padre sigue el mismo camino. Ella recibe la noticia casi al mismo tiempo que descubre su embarazo y esto acaba por desquiciarla. Tras dos nuevos intentos de suidicio, el Estado se hace cargo de ella y la ingresa en un centro de menores. Ha tocado fondo y eso tiene algo bueno: más bajo no puede caer.
Del centro de menores pasa a un nuevo hogar de acogida, donde esta vez convive con una mujer divorciada y sus 5 hijos. Allí, por fin encontrará el cariño y apoyo que tanto necesita: “Se convirtió en mi mentora y salvación. Fue mi consejera para que abandonara las drogas y el alcohol, al tiempo que me ayudó a convertirme en una persona adulta y me enseñó a tener sueños de nuevo. Con su amor y su ayuda, finalmente comprendí que no tenía por qué seguir el camino de mis padres”. La nueva Janiva, sobria y decidida a superar la adversidad, logra que se la declare “menor emancipada bajo supervisión” y alquila un apartamento que paga con lo que gana limpiando casas y oficinas. Pero al nacer su hija, la situación se hace insostenible y se ve obligada a dejarla en adopción cuando esta tiene 4 meses. Este duro golpe la sume nuevamente en la depresión…pero esta vez se mantiene serena y lucha para superar la adversidad. Un par de años después, ya cumplidos los 18, su situación es lo suficientemente estable como para que al fin se plantee perseguir uno de sus sueños: trabajar en algo relacionado con la música. Así que se matricula en un curso de técnicos de sonido y al poco tiempo, está realizando prácticas en un estudio de Saint Paul, Minnesotta. Una noche en que trabaja en unas demos de R&B, recibe la llamada de uno de sus jefes: “Te necesitamos para unos coros…ven aqui inmediatamente o no te molestes en volver mañana” . Está aterrorizada pero la orden no deja lugar a la duda, así que obedece y graba los coros como mejor sabe. El resultado es plenamente satisfactorio y Janiva al escucharse, comienza a creer en sus posibilidades.

De audición en audición y de garito en garito, empieza a conseguir algunas actuaciones en el triángulo Detroit-Chicago-Minneapolis. En su afán de impregnarse del Blues y R&B, se queda enganchada con Albert Collins y Johnny Copeland. Descubre a Elmore James, Koko Taylor, Etta James, Sugar Pie DeSanto, JB Lenoir…Cada vez con más frecuencia, participa como vocalista de apoyo y hace coros en diversas grabaciones de R&B y Funk, colaborando incluso con miembros del macrogrupo Sounds of Blackness.
Confiada en sus posibilidades, decide marchar a Arizona a comienzos de los 80 y se instala en Phoenix, donde conoce a Bob Tate (quien había trabajado con Sam Cooke) que se convierte en su manager y forma un grupo denominado “Janiva Magness & the Mojomatics”, aunque pronto se les conocerá como “The Town´s Best Blues Band”. En este conjunto gana aplomo y adquiere “tablas” suficientes para dar el gran salto. En 1986 se traslada a Los Angeles y entra en contacto con la bulliciosa escena local. Poco a poco se va haciendo un nombre en los clubes de la zona, actuando en formato de dúo/trío acústico. Esto le llevará, a principios de los 90, a conocer al que será su marido, el compositor y multi-instrumentista Jeff “Big Daddy” Turmes, así como a otros músicos del gremio como Junior Watson, Kid Ramos, Enrico Crivellaro, Red Young y un largo etcétera, con los que habitualmente colaborará a partir de entonces. Y como no podía ser de otra manera, frecuentar estas compañías la lleva por fin a iniciar una carrera discográfica. Ya en 1995 aparece en el disco de Kid Ramos, “Two Hands & One Heart”, cantando dos temas donde demuestra su poderío y hace empalidecer al otro vocalista del disco, Lynwood Slim.
De su primer trabajo, editado en 1997 por el pequeño sello “Fat Head” y titulado “It Takes One To Know One”, poco se puede decir, salvo que es difícil de conseguir si no es pagando un “precio de coleccionista” que las reseñas consultadas desaconsejan abonar. Publicado como Janiva Magness & Jeff Turmes, contiene 13 originales de este, en los que Janiva canta 9 temas. R&B ligero, canciones pegadizas cercanas al pop, acercamientos al Folk y poco Blues, conforman un disco en el que apenas brillan colaboradores de la talla de Jr. Watson y Kid Ramos. Sin embargo, el disco sirve para demostrar una cosa: ella brilla más, cuanto más cerca del Blues se mueva el tema.
Y esto se nota en su segundo disco, “My bad luck soul”, editado por “Blues Leaf” ya como The Janiva Magness Band . Además de algún original de Turmes cantado por él mismo, se atacan versiones de BB King, JB Lenoir, Memphis Minnie, Sugar Pie DeSanto e incluso Billie Holliday, con un tratamiento mucho más Blues al estilo West Coast, prácticamente Jump en algun caso y cercano al Jazz vocal femenino en ocasiones (Billie´s Blues). En este contexto, destacan las intervenciones guitarrísticas de Enrico Crivellaro y Kid Ramos (en tres temas), el trabajo pianístico de Karen Hammack y sobre todo Red Young y los toques de saxo del propio Jeff Turmes, que también se encarga del bajo y guitarra (en tres temas). Este trabajo, visto con la perspectiva que dan sus discos posteriores, demuestra que Janiva se desenvuelve como pez en el agua en estos palos, aunque todavía no alcance las cotas de intensidad que estan por venir con sus siguientes dos discos, también para “Blues Leaf”.
“Blues Ain´t Pretty” (2001) profundiza aún más en su vena bluesera, lo que le permite desplegar su amplia batería de recursos para llevarnos justo ahí donde ella quiere llevarnos y nosotros, gustosos, nos dejamos llevar. Tres originales de Jeff Turmes, incluidas las excelentes “Makin´money” y “The more I keep on loosin´”, más una serie de covers de Ruth Brown, James Brown, Brook Benton, Percy Myfield & Ray Charles, entre las que destaca la desgarradora “St. Gabriel”, un Blues original de Marcia Ball, inspirado en la única prisión de alta seguridad para mujeres de Louisiana y en el que Janiva canta con una intensidad abrumadora, remarcada por unas intervenciones guitarrísticas que erizan el vello de la nuca. Sin embargo, y es apreciación personal, este es un disco que rebosa optimismo y vitalidad gracias a temas como “Act Right”, “I´m gonna play the Honky Tonks”, “Tell me what I did wrong”, “Heartbreaker”… Y de la banda, pues qué decir: Kirk Fletcher sobresaliente al igual que Kid Ramos con las guitarras, soberbio Red Young tanto al piano como al Hammond, Jeff Turmes haciendo doblete con el bajo y los saxos, ayudado en este capítulo por Steve Marsh y finalmente, David Kida a la batería, como tiene que estar un batería.
“Use what you got” (2003) supone una continuación por ese camino. Nuevamente una combinación de temas compuestos por Turmes y versiones, en esta ocasión de Memphis Slim, Rufus Thomas, Don Robey, Johnny Guitar Watson, Ike Turner, Magic Sam, etc. West Coast Blues, si acaso algo escorado hacia el R&B (gracias a los saxos del omnipresente “Big Daddy” Turmes y David Woodford), e incursiones en el sonido del West Side de Chicago (“That´s why I´m cryin´”), los aires de Louisiana (“I´m not ashamed”, “Who will the next fool be” ), el jazz vocal de Billie Holliday (“Stormy Blues”) y el estilo de Albert King (“Don´t Start Crying now”). La inclusión de Zach Zunis como único guitarrista, no nos hace echar de menos a los T-Birds Ramos y Fletcher, ya que nos ofrece momentos de gran altura, sobre todo cuando se inspira en Magic Sam, Guitar Slim y Albert King. Sin embargo, no podemos decir lo mismo del sustituto de Young a las teclas, Andy Kaulkin, que pasa algo más desapercibido. David Kida, a lo suyo.
A principios de 2004, Janiva trabaja en la pre-producción de un nuevo disco con su banda habitual, pero una llamada del guitarrista y productor canadiense Colin Linden, le hace desechar esta idea. Lo que este le propone, es algo radicalmente diferente a lo hecho por ella hasta la fecha: un disco de Blues tradicional y profundo, simple y directo, con una fuerte inspiración en el Country Blues sureño y en el primer Blues eléctrico de Chicago. Cuando sugiere algunos títulos (oscuros covers de JB Lenoir, Rev. Robert Wilkins, Oliver Sain, Delbert McClinton, Sam Cooke, Magic Sam) y el tratamiento que piensa darles, la Magness acepta de inmediato . Así nace “Bury him at the Crossroads” (NorthernBlues-2004) su disco más personal y sincero, donde demuestra haber alcanzado un punto culminante de madurez, que le permite enfrentarse abiertamente y por primera vez, a los demonios de su pasado, mientras la banda (Jeff Turmes-bajo, guitarra, banjo, saxo; Colin Linden-guitarras,coros; Richard Bell-piano, Hammond b-3 ; Stephen Hodges-batería y percusión), extraordinaria en todo momento, crea un ambiente opresivo, casi minimalista, que transmite una tristeza, desasosiego y por momentos desesperanza, que nos enrojece los ojos, nos amarga la boca y nos deja el vientre arañado por los guijarros, de tanto que nos arrastra.
El resultado satisface plenamente a todos los implicados en el proyecto, que deciden dar continuidad a su colaboración con un nuevo disco para NorthernBlues, co-producido nuevamente por Linden y la propia Magness y con el mismo plantel de músicos, a los que se suman la guitarra de Rick Holstrom y el teclado de John Whynot. Por así decirlo, este trabajo “Do I move you?”(2006) se situa en un punto intermedio entre “Bury him…” y sus discos anteriores, con una mayor orientación hacia el Soul (“I´m just a prisioner”, “I want you to everything”), que se hace patente con su escalofriante interpretación de la balada de Delbert McClinton “You were never mine”, aunque sin perder el acercamiento a las raíces logrado con su Cd anterior (“Don´t let your memories”, “Stealin Sugar”) ni olvidar el R&B (“Workin´on me”, “I give up”) y el Blues intenso y cargado de humo (“Do I move you?”). Para cerrar el disco y de propina, un tema cercano al Rock sureño (“A man since job”). El disco es acogido calurosamente por la crítica y resulta nominado en las categorías “Mejor Album de Blues Contemporáneo” y “Mejor Album de Blues” de la última edición de los Blues Music Awards que otorga la Blues Foundation.
La versatilidad de esta excepcional cantante, la evolución mostrada en su corta pero jugosa discografía y las buenas relaciones que mantiene con los músicos punteros del género, nos hacen augurar un gran futuro, en el que el Blues promete seguir estando muy presente. En lo personal, Janiva confiesa ser más feliz de lo que jamás creyo posible. Mantiene una buena relación con su hija (con la que se reencontró cuando esta tenía 16 años) y disfruta viendo crecer a su nieto de 5 años. Los premios y halagos la satisfacen, desde luego…pero reconoce que su éxito reside en que puede dedicarse por entero a la música que le devolvió una esperanza que le fue negada durante mucho tiempo. Y eso se nota, en muchos aspectos.
De su fuerza interpretativa en directo, de la que hay muchas y buenas referencias, podremos disfrutar en breve en el II Hondarribia Blues Festival. Yo desde luego, no pienso perdérmelo.

Pagina: http://www.janivamagness.com/

John Lennon

John Ono Lennon (Liverpool, Reino Unido, 9 de octubre de 1940 - † Nueva York, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1980), con nombre de nacimiento John Winston Lennon, más conocido como John Lennon, fue un músico y compositor británico de música pop y rock. Líder formador del grupo The Beatles, en el cual tocaba la guitarra rítmica y cantaba y para el que compuso la mayor parte del material junto a su compañero Paul McCartney, compuso algunas de las melodías más conocidas del siglo XX.

Biografía

John Lennon nació en Liverpool, Inglaterra, el 9 de octubre de 1940, durante la Segunda Guerra Mundial. Su padre, Alfred Lennon, marino mercante, y su madre, Julia Stanley, se divorciaron siendo John todavía muy pequeño y cuando tenía cinco años su madre lo dejó al cuidado de su hermana Mimi y del marido de ésta, George Smith, quien le enseñó a resolver crucigramas y le compró una armónica. John asistió a la escuela de Bellas Artes de su ciudad y allí conoció a Cynthia Powell, que con el tiempo se convertiría en su primera esposa. Su madre moriría años después en un accidente de tráfico atropellada por un policía en estado de embriaguez, lo que provocaría en Lennon un trauma del que nunca llegaría a recuperarse y que marcaría su obra posterior con canciones como Julia o la desgarradora Mother.

Interesado desde su infancia en la música, John participó, antes de formar The Beatles, en otras bandas, como The Quarry Men, Johnny & The Moondogs y John & The Silver Beetles, en las que estuvo acompañado por amigos de su escuela, entre ellos Stuart Sutcliffe. En 1956, durante una actuación en una fiesta, John conoció a Paul McCartney, a quien invitó a unirse al grupo porque podía tocar la guitarra y además afinarla. Más tarde entraron a la banda George Harrison, propuesto por McCartney, y Pete Best, que sería sustituido por Ringo Starr. El nombre del grupo evolucionó de John & The Silver Beetles a John Silver & The Beatles y posteriormente al nombre con el que pasarían a la historia. John fue quien ideó el nombre "The Beatles", uniendo el anterior de "Beetles" ("escarabajos") con la palabra "beat", por el tipo de música que tocaban.

The Beatles

En 1962 comenzó el éxito en Inglaterra del cuarteto con su primer single, Love me do, y en agosto de ese mismo año John se casó con Cynthia, con la que tendría a su primer hijo, el también músico Julian Lennon. En 1963 el grupo grabó su primer disco de larga duración, Please Please Me. Más tarde, ese mismo año, conquistaron el mercado norteamericano con su disco With The Beatles. A partir de ese momento la fama del grupo no hizo sino crecer, transformándose en un fenómeno de masas a nivel mundial, con una enorme influencia no sólo en la música popular sino también en el comportamiento de la juventud.

En 1966 se produjo un hecho que evidencia la personalidad rebelde y combativa de Lennon, al afirmar «The Beatles son más populares que Jesucristo». La frase, difundida rápidamente por la prensa, creó un gran escándalo e incluso algunos fans en Estados Unidos llegaron a quemar sus discos del grupo en público. John alegó que había sido malinterpretado y explicó: «No dije que The Beatles son mejores que Jesucristo, dije que somos más populares, como lo puede ser la televisión o cualquier otra cosa».

Ese mismo año, John conoció en un museo a la artista plástica japonesa Yoko Ono, que se convertiría en el gran amor de su vida y con quien contraería matrimonio después de divorciarse de Cynthia Powell. Yoko le indujo a experimentar con nuevos tipos de música e influyó definitivamente en el modo de ser de Lennon, que cambió su modo pensar y de actuar. Además, sería posteriormente criticada por un sector de los seguidores del grupo como la causante de su separación en 1969, supuestamente debido a la asistencia de Yoko a las sesiones de grabación de The Beatles, lo que molestaría a los demás integrantes del grupo. También durante ese mismo año de 1966 John residió durante un mes y medio en Almería (España), durante el rodaje de la película How I won the war de Richard Lester. Durante su estancia en esta ciudad compuso la canción Strawberry Fields Forever.

En 1969 se produjo la disolución práctica del grupo, para el que Lennon había compuesto en compañía de McCartney la mayoría de los temas, firmados por ambos aunque en realidad la participación de cada uno en los temas del otro fue cada vez menor. Tras la primera etapa del grupo, con composiciones más sencillas, los temas de Lennon fueron a menudo confesionales, como la popular Help!, que fue una llamada de auxilio al mundo, o la balada folk You’ve got to hide your love away, con clara influencia de Bob Dylan. Posteriormente comenzaría una etapa de mayor experimentación con temas como Lucy in the sky with diamonds, basada en un dibujo de su hijo Julian, o Being for the benefit of Mr. Kite! y A day in the life, cuyas letras están, respectivamente, inspiradas, y en algunos fragmentos directamente extraídas, de un cartel de circo de finales del siglo XIX y de recortes de noticias del periódico.

Los años 70

En 1970, tras disolverse oficialmente The Beatles, Lennon comenzó su carrera en solitario, con canciones que se convertirían en clásicos. No obstante, sus primeros trabajos fuera del grupo fueron tres álbumes experimentales grabados en compañía de Yoko Ono y que tendrían una mínima repercusión comercial: Unfinished Music No.1: Two Virgins, Unfinished Music No.2: Life with the Lions y Wedding Album, el primero grabado en 1968 y los otros dos en 1969, año en que también se editaría el directo Live Peace in Toronto 1969 a cargo del grupo conceptual The Plastic Ono Band, que incluía a Lennon y Ono junto con otros músicos que variaban para cada ocasión y bajo cuyo nombre la pareja editaría sus futuros álbumes.

En 1970 sale a la venta John Lennon/Plastic Ono Band, el primer álbum de estudio de John Lennon en solitario, con temas como Mother, dedicada a su madre, Working class hero, que muestra el pensamiento más izquierdista de Lennon, o God, toda una declaración de principios en la que llega a renegar del grupo que le diera fama mundial.

En 1971 publica un nuevo elepé, Imagine, que contiene la que sin duda es su canción más famosa, el himno pacifista Imagine. En algunas de las primeras composiciones en solitario de Lennon se hizo patente la rivalidad que arrastraba con McCartney desde los tiempos de The Beatles, y esto se hizo evidente con este trabajo, donde, en las primeras ediciones, aparecía una fotografía de Lennon sujetando a un cerdo como supuesto insulto hacia McCartney, a quien llamaba así despectivamente. La imagen era una parodia de la portada del álbum Ram de McCartney, en la que éste sujetaba un carnero. También en Imagine Lennon incluyó el tema How do you sleep?, con claras referencias a su excompañero.

Las tendencias políticas de Lennon se habían evidenciado desde la época de los Beatles, pero se exacerbaron con canciones como Power to the People, editada en un sencillo también en 1971. En esa época el músico decidió mudarse de Londres a Nueva York, si bien tuvo problemas para tramitar una visa debido a las reticencias del gobierno de los Estados Unidos por su actitud pacifista y su influencia sobre la juventud. Finalmente, consiguió instalarse en el país, donde iniciaría una campaña política con conciertos y manifestaciones a favor de la paz.

En sus discos siguientes, Some Time in New York City (1972), Mind Games (1973), Walls and Bridges (1974) y Rock 'n' Roll (1975), Lennon mantuvo un estándar de calidad, con buenas canciones y ocasionales contribuciones de Yoko y amigos como George Harrison, Billy Preston, Harry Nilsson, Elton John o David Bowie. El tema Whatever gets you through the night, con Elton John en el piano, sería número uno en la lista Billboard.

En 1975 y después de un aborto, Yoko da a luz al único hijo del matrimonio, bautizado como Sean Taro Ono Lennon. A partir de entonces, mientras su esposa se encargaba del aspecto financiero del matrimonio, Lennon se ocupó de la educación y cuidado de su hijo, abandonando su carrera musical activa. No obstante, y pese a que al regresar al mundo profesional de la música cinco años después declararía que durante todo este tiempo había abandonado la música (en una entrevista afirmó que había tenido la guitarra colgada de la pared sin usarla), en realidad esos años no fueron de total inactividad musical, pues siguió componiendo canciones y grabando demos caseros de las melodías y letras que iba escribiendo.

El final de un mito

En 1980, cinco años después de su último trabajo, Lennon sacó a la venta su esperado regreso: Double Fantasy, que se abría con el tema (Just Like) Starting Over. Fue tal el éxito que Lennon regresó al estudio para grabar un segundo álbum al hilo: Milk and Honey. Sin embargo, el trabajo y la vida de Lennon se verían interrumpidos por su asesinato el 8 de diciembre de 1980 a manos de Mark David Chapman, un fan que disparó sobre el cantante con un revólver cinco veces. Cuatro de las balas le alcanzaron en la espalda y Lennon murió minutos después, a las 23:15, en un coche patrulla de la policia camino del hospital, en brazos de su esposa. Años después se rodaría una película, Chapter 27 (El asesino de John Lennon), que relata la historia de Chapman y su llegada a Nueva York para asesinar a Lennon.

Terminaba así la vida de uno de los músicos más influyentes de la música popular del siglo XX elevado por sus seguidores a la categoría de mito. En los años posteriores, se le homenajeó en cientos de tributos, como por ejemplo sendos conciertos en Liverpool y Nueva York, ante, respectivamente, 40.000 y 120.000 personas. En el año 2000, su ciudad natal, Liverpool, decidió cambiar el nombre de su aeropuerto, que desde entonces se denomina John Lennon Airport.

Un claro ejemplo de la preocupación que la influencia del músico podría tener en la juventud por sus ideas pacifistas, y especialmente por su oposición a la Guerra de Vietnam, es el seguimiento personal del músico que hizo el FBI durante sus primeros años de estancia en Estados Unidos. En 2006, dicho organismo admitió el espionaje al que había sometido a Lennon y se vió obligado por una orden judicial a publicar todos los documentos secretos que había elaborado sobre él entre 1971 y 1972.

En octubre de 2007 fue inaugurado un monumento en la Isla de Videy (Islandia), llamado Imagine Peace Tower, obra de la viuda de Lennon, que estuvo acompañada para la ocasión por su hijo Sean, Ringo Starr y Olivia Harrison, viuda de George Harrison.

Pagina: http://www.johnlennon.com/

Chris Rea

Christopher Anton Rea, es un cantante y compositor inglés, nacido el 4 de marzo de 1951 en Middlesbrough, Inglaterra.

Desechado al comienzo de su carrera el nombre artístico "Benny Santini" (título de su primer disco), adoptó finalmente el conocidísimo nombre Chris Rea. Autor prolífico y libre, en diferentes momentos de su carrera distintas discográficas intentaron su contrato, pero la libertad de una pequeña compañía como en la que estaba componiendo, podía más que los posibles ingresos. De su extensa carrera musical destacan los éxitos comerciales Fool(if you think it's over), On the beach, Josephine, Looking for the summer, Julia, Auberge, Road to hell, entre otros.

En el año 2002, tras superar un grave cáncer (las posibilidades de sobrevivir eran de un 50%), su música volvió a las raíces jazz-blues.

Tras la gira europea de 2006 y la edición de su set "Blue Guitar", magna obra compuesta por 11 CD's temáticos y diseño del propio artista, su carrera bajo el nombre de Chris Rea deja paso a "The Fire Flies", su nueva banda.

Pagina: http://www.chrisrea.com/

Terry Bozzio

Terry John Bozzio (27 de diciembre, 1950) es un baterista estadounidense.

Biografía

Bozzio nació en San Francisco, California en el seno de una familia italoestadunidense. Asistió al instituto en San Anselmo, California, donde recibió una beca musical en 1969. Se ganó su reputación grabando y yendo de gira con Frank Zappa (y apareciendo en el directo de la película "Baby Snakes") y luego con la banda "UK". Tras una audición para Zappa fue aceptado. Es concretamente famoso por poder interpretar "The Black Page" de Zappa, una pieza musical compuesta para ser la "pesadilla de cualquier músico", una partitura tan rellena de notas que parece prácticamente negra. Actualmente reside en Austin, Texas con su mujer Ev e hijo Raanen.

Más adelante, Bozzio formó "Missing Persons" con su, entonces, mujer como vocalista, Dale Bozzio, además del ex-guitarrista de Zappa Warren Cuccurullo, el ex-bajista de Zappa Patrick O'Hearn y el teclista Chuck Wild.

En verano De 2005 Bozzio entró en Fantômas como sustituto de Dave Lombardo para su gira europea. Bozzio fue añadido al Guitar Center's RockWalk de Hollywood en enero de 2006, con otros íconos del rock como Ronnie James Dio o Slash.

Bozzio ha trabajado recientemente con la banda Korn en su octavo álbum de estudio tras la baja temporal de su batería, David Silveria. Estaba previsto que les acompañara además en su gira este verano, pero ha abandonado el grupo. James Shaffer, guitarrista de Korn, alegó que Bozzio pedía cosas "ofensivas", como demandar autoría de los trabajos; lo que adjudicaría a Bozzio un 25% de los royalties de la banda.

Innovación musical

Bozzio es conocido por haber creado el ostinato, un trozo de melodía para batería. En la mayoría de sus trabajos el ostinato es interpretado usando diversos bombos y permutaciones de hi-hat, mientras que interpreta un solo contra estos ritmos usando las manos. Bozzio desarrolló la aplicación del ostinato a la batería fijándose en cómo un pianista interpreta solos o contra-ritmos contra el ostinato.

Bozzio además ha creado composiciones orquestales en la batería mediante la interpretación de poliritmos y polímetro con su kit personalizado, en el cual los tom tom están afinados en notas específicas para crear la atmosfera característica del sonido de Bozzio. Su repercusión se puede observar en algunos de los baterías más prominentes hoy como Marco Minnemann, Thomas Lang y Mike Mangini.

Su influencia es cada vez más fuerte; los percusionistas actuales intentan romper las barreras de la batería tradicional rítmica para tomar un papel más importante como líder del grupo, posición dominada por la guitarra en la música occidental.

Pagina: http://www.terrybozzio.com/

Neil Diamond

Neil Leslie Diamond (24 de enero de 1941, Brooklyn, Nueva York) es un cantante, compositor, guitarrista, actor y productor estadounidense, muy carismático y famoso por su voz perfectamente modulada, que le permitiría interpretar todo tipo de géneros musicales y profunda lírica introspectiva, que imprime a sus canciones, su música es melodiosa y expresiva de fácil comprensión, aunque trate temas reflexivos con grandes arreglos orquestales.

Es uno de los más exitosos artistas en el género adulto contemporáneo de todos los tiempos, y sus composiciones en diversos géneros musicales (rock, R&B, folk, pop, country, gospel, jazz, funk, regaee, balada, sinfónica, etc.) han influido a artistas tales como: The Monkees, Elvis Presley, U2, Frank Sinatra, The Ventures, UB40, Julio Iglesias, Johnny Cash y a muchos artistas que han interpretado sus canciones alrededor del mundo.

Tiene muchos imitadores que se lucran de la imagen de este cantante.

Comienzos artìsticos

Comenzó componiendo canciones a los 16 años, tras comprar una guitarra, inspirado por una visita a su escuela del cantante y autor folk Pete Seeger, siendo "Hear Them Bells" su primera canción. En 1960 grabó sus composiciones con el sello disquero Duel, acompañado de un compañero de colegio Jack Packer, bajo el nombre Neil & Jack con los sencillos "What Will I Do" y "I'm Afraid", con un sonido similar a los Everly Brothers, pero sin éxito, razón por la cual sigue con sus estudios universitarios de Medicina hasta 1962, cuando recibe la oferta de firmar contrato para Sunbean Music, para la industria musical del Brill Building de Broadway.

Al año siguiente tiene oportunidad de un contrato con el sello CBS para grabar 2 sencillos "At Night" y "Clown Town", producidos por Tom Catalano, quien posteriormente sería su productor en la marca disquera UNI, pero al no ser su estilo musical, por tratar de emular el sonido de Neil Sedaka o Paul Anka, nada sucede y sigue componiendo canciones para diversos artistas, destacando en 1965 el grupo Jay & The Americans que consiguen un éxito importante con su canción "Sunday And Me". Sus compañeros compositores, el matrimonio Ellie Greenwich y Jeff Barry reconocen su potencial y le consiguen una entrevista con los directivos de Atlantic Records, los cuales quedan impresionados con su estilo, pero al no estar seguros de que encaje en la orientación de la discográfica, con artistas como Herb Alpert o Dave Brubeck, deciden recomendarlo con Bert Berns, reconocido productor y compositor de clásicos de la época, quien reconoce en Diamond su potencial de estrella, firmando de inmediato un contrato para su nuevo sello discográfico Bang Records, donde también grababan The McCoys y el grupo de Van Morrison y Them. En ese momento, Diamond consideró usar un seudónimo, al pensar que tal vez su nombre era demasiado simple y consideró los nombres Ice Cherry y Noah Kaminsky, pero en último momento decidió usar su nombre real.

Entre 1965 y 1968 grabó y compuso para el sello discográfico Bang Records, canciones como “Cherry Cherry” , "Solitary man" , "You got to me" , "Red, Red Wine" (1966), “Girl, You’ll Be a Woman Soon”, "I Got The Feeling", "Thank The Lord For The Night Time", "Kentucky Woman"(1967) o "I’m a believer", que popularizó el grupo The Monkees y que vendiera más de un millón de copias y permaneciera en primer lugar durante 7 semanas, superando récords de ventas establecidos por Elvis Presley e incluso por The Beatles.

Además The Monkees lograron grandes éxitos con 2 composiciones más: "Look Out Here Come's Tomorrow" y " A Little Bit of Me A Little Bit of You ". Aparte de esto Cliff Richard con "I'll Come Running" y Lulu con "The Boat That I Row" confirmaron su reputación de compositor exitoso, al ser éstas 2 canciones, grandes éxitos en Gran Bretaña.

En 1967, según Cashbox, existió un empate entre Neil Diamond y Frank Sinatra, como el intérprete número uno de ese año.

En ese año, Diamond quizo lanzar la canción introspectiva "Shilo" como sencillo, pero Bang lo rechazó argumentando que no tenía el estilo de sus hits anteriores, por lo cual él demandó a la empresa para liberar su contrato y tener los derechos sobre las grabaciones originales de sus canciones (el juicio duró 10 años, resultando Diamond el ganador).

En 1968, tuvo éxito la canción "New Orleans", y ya dedicado en exclusiva a componer para sí mismo y en otra marca discográfica, la UNI (más tarde MCA), firmó un contrato por 250.000 dólares, por 8 álbumes. El mismo Diamond reconoció años después que CBS, Capitol Records y Warner Brothers le hicieron mejores ofertas, pero escogió UNI por ser la única compañía que le garantizó la total libertad para componer y grabar. Producido por Tom Catalano, Tommy Cogbill, Chip Taylor, y con arreglos de Marti Paich y Lee Holdridge, se incorporó a los grandes arreglos orquestales, contrastando con la simpleza de los discos que grabó para la Bang. Los álbumes de esta etapa son considerados como innovadores y adelantados a su época, según diversos críticos de revistas especializadas, así fue como consiguió éxitos consecutivos importantes como " Two Bit Man-child", "Sunday Sun",¨"Brookyln Roads" (1968), "Sweet Caroline" , "Brother's Love Travelling Salvation Show", "Holly Holy" , "Until It's Time For You To Go" (1969),"He Ain't Heavy He's My Brother" , "Done to Soon " , "Soolaimon", "Cracklin' Rosie" (1970), que fue primer lugar en Billboard y vendió más de 3 millones de sencillos, "I am I said", "Stones/Crunchy Granola Suite" (1971), "Play me", "Walk on Water", y "Song Sung Blue" (1972), que también alcanzó el primer puesto en la lista de ventas de Estados Unidos.

Aparte de esto, su primera marca disquera Bang, remasteriza sus primeras grabaciones y lanza varios sencillos con una nueva pista musical y sólo deja la voz de las grabaciones originales, con esto Bang lanzaba un sencillo cada vez que UNI lo hacia y consiguieron más éxitos como: "Do It", "I'm A Believer", "The Long Way Home" y "Shilo".

También en 1968 incursionó como productor de Ronnie Dove y Wool, con las canciones " My Babe" y "The Boy With The Green Eyes" respectivamente (ambas compuestas por él mismo) obteniendo éxitos regulares en Billboard.

La consolidación en la década de 1970

Famoso también por ser muy carismático en sus presentaciones en vivo, como demuestra el álbum "Hot August Night" ("Noche cálida de Agosto") (1972), que tiene el récord de ser el primer álbum doble que genera ventas superiores a los 2 millones de dólares, permaneció en listas 243 semanas consecutivas, y para 1996 las ventas mundiales del álbum superaban los 17 millones de copias. Incluso logró superar a artistas emergentes tales como Cat Stevens. De este álbum la canción en vivo "Cherry Cherry" llegó al top 30 de Billboard.

Ese mismo año Diamond firma con Columbia Records/CBS por una cifra jamás ofrecida a otro artista, 5 millones de dólares.

En esta compañía, Diamond consiguió un nuevo éxito en 1973 con la banda sonora de la película Juan Salvador Gaviota (de Hall Bartlett), en la que fue más exitosa la banda de sonido, que la película, y que obtuvo un Grammy como la mejor banda sonora original. De este álbum son éxitos los sencillos "Be" y "Skybird", que durante un tiempo a mediados de la década de 1970 llegó a ser uno del los álbumes más vendidos de la historia musical, con más de 10 millones de copias a nivel mundial.

También en 1973 MCA editó el álbum "Rainbow", una recopilación conformada por los covers que el grabó de otros compositores, en álbumes anteriores.

En 1974 grabó el álbum "Serenade" con éxitos como "Longfellow Serenade" y "I've been this way before" canción que originalmente iba a ser incluida en la banda sonora de Juan Salvador Gaviota, pero que no estuvo lista a tiempo. Aparte MCA editó el álbum de éxitos "And His 12 Greatest Hits", que ganaría varios discos de platino.

En 1976 lanzó el impecable álbum "Beautiful Noise" producido por Robbie Robertson (miembro del grupo "The Band") del cual saldrían éxitos como "If You Know What I Mean", "Don't Think...Feel" y "Dry Your Eyes", la cual interpretaría Diamond en el histórico concierto de despedida de The Band, e incluida en el filme documental de Martin Scorsese, The Last Waltz.

También en este año MCA editó el álbum "And The Singer Sing His Songs" que curiosamente incluía material de relleno y no los hits, pero este álbum encontró su nicho de audiencia y ganó un disco de oro.

En 1977 realizó dos especiales para TV, "Love At The Greek", que reunió lo mejor de sus conciertos en el Teatro griego de Los Ángeles a mediados de 1976, después de casi 4 años de no dar presentaciones en vivo, y del que también se lanzó un álbum doble del mismo nombre en ese año (producido nuevamente por Robbie Robertson), y a fines de 1977 el especial "I'm Glad Your Here With Me Tonight", promocionando el álbum del mismo nombre, producido ahora por Bob Gaudio (miembro del grupo The Four Seasons).

En 1978 estaba escribiendo y grabando material para lo que iba a ser el álbum doble "The American Popular Song", pero su canción del álbum anterior "You Don't Bring Me Flowers", que había llegado al número uno de las listas adulto contemporáneo con él mismo, y que también había sido grabada por Barbra Streisand, fue mezclada por un dj de una estación de radio, y debido a la demanda del público, fue grabado un dueto "oficial" de la canción, de esta forma el álbum fue reeditado con ese nombre y lanzado como un solo disco.

"You Don’t Bring Me Flowers" (1978), la versión grabada a dueto con Barbra Streisand, volvió a alcanzar el número uno en las listas de ventas de su país y estaría nominada como la mejor canción del año en 1979 para los premios Grammy.

También en 1978 editó el álbum "Early Classics", que incluyó los éxitos que obtuvo con discos Bang, ahora que poseía los derechos bajo su propio sello discográfico Frogking Records, y distribuido por Columbia, pero al no tener el tiempo de administrar una empresa discográfica, decide continuar bajo Columbia CBS.

También serían éxitos a fines de la década, "Desiree" (1977), "Forever in Blue Jeans" (que también fue gran éxito en las listas de música country) , "Say Maybe" (1978) " The Good Lord Love's You" y "September Morn" (1979).

Las canciones: "Sunflower" con Glenn Campbell y "Let Me take You In My Arms Again" (gran hit de la música country) con James Darren ambas en 1977 lo seguían confirmando como un compositor exitoso.

La década de 1980.

En 1980 protagonizó una nueva versión del filme "El cantor de jazz" (The Jazz Singer) de Richard Fleischer, recibiendo 4 millones de dólares, siendo hasta la fecha la mayor cantidad de dinero pagada a un actor debutante. Para esta película escribió además la banda sonora, que llegó a ser muy popular; de ahí se desprenden éxitos como "Love on the Rocks", "Hello Again" y "America". El álbum originalmente fue editado por Capitol Records, debido a que en ese momento su contrato con CBS había terminado(el álbum fue editado por CBS a partir del año 1996).

En 1981 volvería a firmar contrato con Columbia Records, esta vez por 30 millones de dólares. Durante esta década editó varios álbum exitosos, entre los que destacan "On The Way To The Sky" (1981), "Heartlight", "12 Greatest Hits Vol 2" (1982), "Classics The Early Years" (1983) y "Primitive"(1984), de nuevo entre los diez discos más vendidos. En 1984 Neil Diamond entró al Salón de la fama de los compositores (Songwriter's Hall of Fame), "Headed For The Future"(1986).

En la década de 1980 canciones como "Yesterday's Songs" ,"Be Mine Tonight", "On The Way To The Sky", "Heartlight" (basada en la película de Steven Spielberg, E.T.), "I'm Alive", "Turn Around" y "Headed for the Future" estarían en las listas del Billboard.

En 1987 lanzó el álbum doble "Hot August Night 2" recopilando su exitosa gira 1986-1987. A partir de este álbum Diamond se enfocó primordialmente al mercado adulto contemporáneo, sin que esto afectara las ventas, logrando el éxito la canción "I Dreamed A Dream" de la comedia musical Los miserables.

En 1988 a fines de ese año editó "The Best Years Of Our Lives", producido por David Foster, con un costo superior a un millón de dólares y que es considerado por muchos críticos y fans su mejor álbum de la década de 1980 por la similitud de su sonido con la era MCA. Tres sencillos llegaron al top ten en las listas Adulto contemporáneo destacando "This Time".

1988 también es el año en que una de sus primeros éxitos "Red, Red Wine" llega al numero 1 de Billboard con el grupo UB40,confirmando su vigencia como autor.

En la década de 1990.

En 1991 editó "Lovescape", producido por Peter Asher, en 1992 el álbum de éxitos con material inédito, "The Greatest Hits 1966-1992", que lo introdujo a una nueva generación de fans y ganó multiplatino. Para competir con este álbum, MCA lanzó el álbum doble "Glory Road 1968- 1972" con lo más destacado de sus años en esta disquera.

También a fines de ese año lanzó "The Christmas Álbum" que llegó al top ten de Billboard, además de esto inició "In The round Tour", una de sus giras más exitosas a nivel mundial y reafirmada con el lanzamiento en 1993 de "Up On The Roof", álbum que rinde tributo a la música del Brill Building, lo mejor de esta gira se documentó con el lanzamiento del álbum doble "Live In America" en 1994, año en el que también editó "Christmas Álbum 2".

El año 1995 es uno de los más difíciles para Diamond, lo sorprende componiendo su nuevo material coescrito con varios compositores afamados de música country; pero también ocurre la quiebra de su vida familiar, ya que gestiona su divorcio de Marcia Murphy, después de 25 años de matrimonio, y que es hasta la fecha uno de los divorcios más costosos (más de 150 millones de dólares), y no por problemas en las cuerdas vocales, como se llegó a especular.

Publicó "Tennessee Moon" (1996), de estilo country, que alcanzó un lugar alto en las listas de ventas de ese género, también en 1996 se editó la retrospectiva de 3 Cd, "In My Lifetime" que reúne lo más destacado de 30 años de grabaciones y material inédito.

En la década de 1990 y la actual decada del 2000 han sido éxitos temas como "Girl You'll Be A Woman Soon" con Urge Overkill, tema de la película Pulp Fiction, "You Are My Number One" y "I'm A Believer" de la película Shrek con Smash Mouth, lo que confirma la vigencia de su música.

Madurez en el siglo XXI

Posteriormente ha editado "As time goes by" (1998) y "Three Chord Opera" (2001). Su álbum "12 Songs" (2005) producido por Rick Rubin que recibió buenas críticas, debutó en la 4ª posición en ventas del Billboard lo que demuestra su vigencia a través de 5 décadas; de este álbum, la canción "Delirious Love", con la colaboración de Brian Wilson de The Beach Boys, fue top ten e incluso número uno en diversos países. Muchas de sus canciones hoy son un clásico en la radiofonía mundial.

Realiza actualmente giras mundiales muy exitosas, documentadas en la colección de 5 cds "Stages" (2003) que le han hecho ganador en varias ocasiones al premio "Amusment Bussines", que otorgan las revistas Billboard y Pollstar a las giras con mayor recaudación.

En 2005 alcanzó la posición 47 según la revista Forbes dedicada a los artistas más taquilleros en 2005 y en ese mismo año su gira mundial recauda más de $73 millones de dólares siendo la gira solista más taquillera.

El 9 de diciembre del 2006 salió una edición especial de la revista Billboard con más de 50 páginas dedicadas a sus más de 40 años de carrera musical, y el 12 de diciembre de 2006 salió a la venta una edición de 2 cds de su aclamado álbum "12 Songs" con versiones alternativas de todas las canciones del álbum, algo inusual en su discografía.

En el año 2007,aparece en la revista Forbes entre los 25 artistas mejor pagados.

A principios de 2008 anunció una nueva gira mundial y para el 6 de mayo el lanzamiento de un nuevo album de nueva cuenta, producido por Rick Rubin, titulado "Home Before Dark".

También en 2008 el participó en el popular programa de TV American Idol como uno de los mentores de esta temporada, asi como Dolly Parton y Mariah Carey.

La semana del 15 de mayo de 2008 "Home Before Dark" debutó en el primer lugar de ventas en Estados Unidos y Gran Bretaña.

Sin duda, Neil Diamond es un artista que ha sabido mantener la vigencia artística en el siempre cambiante medio del espectáculo.

Pagina: http://www.neildiamond.com/

Skizoo

Skizoo es un grupo de Alternative Metal y Hard Rock de la Comunidad de Madrid / España.

Historia

Tras lo que se anunció como una separación temporal de Sôber, una mitad del grupo formó Savia (Carlos Escobedo y Alberto Madrid), que se llevó con la parte mas melodica del grupo, y la otra, formada por los guitarristas Antonio Bernardini y Jorge Escobedo, prepararon el proyecto Skizoo, acompañados por Dani Pérez (batería de Saratoga y Stravaganzza), Daniel Criado (bajista de XXL) y Morti (voz en Bushido y Fantástico Hombre Bala, entre otros), llevando el sonido de Sôber a cotas mayores de dureza y agresividad, dando lugar a un estilo caracteristico en la banda.

Grabaron en 2005 su álbum homónimo de debut, que lanzaron al mercado en Mayo de ese mismo año con la compañía El Diablo. Al poco tiempo, Daniel Criado abandonó el grupo y le sustituyó Edu Fernández (bajista de Stravaganzza), que también se encarga de los coros en las actuaciones en directo. Así dieron con la formación definitiva. Canciones como Renuncia Al Sol, Arriésgate, Habrá Que Olvidar o No Todo Está Perdido les abrieron un hueco importante y merecido en el panorama nacional.

En 2006 ficharon por EMI y reeditaron su primer álbum con la colaboración de Bunbury a las voces en el tema No todo está perdido del EP Habrá que olvidar. Además añadieron una versión de la canción Entre dos tierras, de Héroes del silencio, dos remixes y un DVD con imágenes de la primera gira. A finales de ese mismo año grabaron en Murcia su segundo álbum, Incerteza, lanzado el 19 de Febrero de 2007, último álbum producido por Simón Echeverría (Big Simon), ya que murió antes de su publicación. Este trabajo es claramente más duro y melódico que el anterior.

A principios de 2008 comunican su salida de la multinacional EMI y en Mayo de ese año publican su tercer trabajo llamado "3", con la compañía discográfica independiente DFX, trabajo en el cual experimenta aun mas en el sonido de la banda, pero sin alejarse del Metal Alternativo que les caracteriza.

En el mes de julio de 2008 se confirma la salida de la formación de Dani Pérez y Edu Fernández, aunque la banda confirma su intención de continuar la gira de presentación de 3 como estaba previsto. El día 6, del mismo mes, se dieron a conocer en el sitio oficial los nombres de los nuevos integrantes de Skizoo, en la batería Iván Ramírez (de los desaparecidos Ebony Ark), y en el bajo José Hurtado (Coilbox).

Miembros actuales

- Morti: Voz
- Jorge Escobedo: Guitarras
- Antonio Bernardini: Guitarras
- Iván Ramírez: Batería
- José Hurtado: Bajo

Miembros pasados

- Daniel Criado - Bajo (2005)
- Dani Pérez: Baterías (2008)
- Edu Fernandez: Bajo y Coros (2008)

Pagina: http://www.skizoo.es/

The Mannish Boys

¿Quién podía predecir cuatro discos para una banda que comenzó con el objetivo de grabar un solo trabajo en estudio? Es más, ¿alguien podía decir en ese momento que The Mannish Boys estaría dentro de los principales grupos de blues en el mundo? Es increíble pero cierto. Esta agrupación mantiene al blues en alto, sobrepasando con cada trabajo el nivel de la producción anterior.

Como en anteriores proyectos, The Mannish Boys regresó a las raíces para crear un blues fuerte, similar al de aquellos espectáculos de blues que recorrieron Europa bajo el nombre de American Folk Blues Festival, añadiendo algunos interesantes giros a la formación de la banda en cada trabajo. En esta ocasión, el foco es el cantante Bobby Jones, el nuevo miembro de The Mannish Boys, un veterano de la escena blues de Chicago de los años 50 y 60, muy enraízado en el blues. Tiene una versatilidad tal, que puede pasar sin problemas de interpretar temas al mejor estilo de Howlin’ Wolf a canciones góspel muy sentidas.

En esta nueva producción, “Lowdown feeling”, The Mannish Boys tienen invitados especiales como el armoniquista Little Sammy Davis, gran conocido dentro de los fanáticos del blues, que comenzó su carrera en los años 50 con el guitarrista Earl Hooker y continúa muy fuerte en la actualidad, gracias a su constante participación en el ensamble de Levol Helm, baterista y vocalista de The Band.

También hacen apariciones especiales el guitarrista Junior Watson, reconocido actualmente como el padrino del blues de la costa oeste, el armoniquista Al blake, líder de The Hollywood Blues Flames; y Lynwood Slim. Está el pianista Fred Kaplan, compañero de Blake en The Hollywood Blues Flames; y el guitarrista Fred Scribner, compañero durante mucho tiempo de Little Sammy Davis y discípulo de Earl Hooker.

Todos ellos acompañados por la estelar alineación de The Mannish Boys, encabezada por Richard “Big Foot” Innes en la batería, Ronnie James Weber y Tom Leavey en el bajo, Kid Ramos, Frank Goldwasser y Kirk Fletcher en las guitarras y, como siempre, Randy Chortkoff, en el centro con su ármonica, su voz y su trabajo de producción, encargado de llevar a buen término este álbum.

La calidad de un grupo no la dan solo sus integrantes, también radica en el material que interpreta y una vez más The Mannish Boys presenta un variado y profundo programa, muy bien escogido, mostrando el punto más alto de su fuerza, no solo como músicos sino como un colectivo que es capaz de manejar diversos estilos y modos del blues.

Es poco probable que las canciones que interpreta esta banda sean conocidas, a pesar de ser temas viejos. El sentido de The Mannish Boys es ir a los anales del blues y encontrar esas grandes composiciones que pocas veces han sido escuchadas y hasta interpretadas. De esta forma mantienen el blues con vida, no solo en el sentido musical sino también en el sentido económico, pues ponen algo de dinero en el bolsillo de los compositores o de sus familias.

Pagina: http://www.themannishboys.com/
Fuente: http://www.historiasdelblues.blogspot.com/

Turf

Esta banda se formó en diciembre de 1995 y desde entonces recorrió el circuito de pubs porteños, con temas propios y covers de Charly García y Ratones Paranoicos.

En agosto del '97 grabaron su álbum debut, "Una pila de vida", en el cual participó Charly García en el tema "Despiole generacional". Ese mismo año tocaron como soporte de Los Ratones en el ciclo Buenos Aires Vivo. Los dos cortes de difusión serían "Casanova" y "Crónica Te Ve".

En 1998, tocan como banda soporte de los Rolling Stones en la Argentina, en el estadio de River Plate. Si bien ya eran conocidos, éste show implicó el verdadero salto a la masividad.

Pese a esto, la discográfica Universal les rescindió el contrato. El segundo disco "Siempre libre" fue editado por la compañía Musimundo, y nuevamente contaron la participación especial de CharlyGarcía en el tema "Esa luz".

En el 2001 participaron del multitudinario recital en el Campo Argentino de Polo, junto a R.E.M. y Oasis. A fines de ese año editarían la tercera placa, "Turfshow", cuyo hit "Loco un poco" fue realmente el más escuchado ese verano.

Luego de participar en el Quilmes Rock 2007, la banda anunció su separación por tiempo indeterminado, por diferencias entre Joaquín y el resto de los músicos, según declaró el manager.

Formacion:

Carlos "Toddy" Tapia: bajo y coros
Fernando Caloia: batería
Joaquín Levinton: voz y guitarra
Leandro Lopatín: guitarra
Nicolás Ottavianelli: teclados y coros

Pagina: http://www.turfrock.com.ar/

Florencia Ruiz

Florencia Ruiz nació en Buenos Aires en 1977. Profesora de guitarra egresada del Conservatorio de Morón, Florencia estudió también bandoneón y composición, además de desempeñarse como docente de escuelas y jardines de infantes de la provincia de Buenos Aires.

Su trabajo musical está dedicado a la composición de canciones, y paralelamente compuso músicas para exposiciones e instalaciones. Ella define sus dos producciones discográficas "Centro" y "Cuerpo" como el proceso de "entremezclar una visión de música popular y contemporánea, resultado de una búsqueda personal".

Ambas producciones, grabadas en forma casera, incorporan arreglos para cuerdas o pianos, que contribuyen a generar climas y silencios.

Florencia Ruiz participó en varios ciclos de conciertos como estudiante, interprete y compositora.

La placa "Cuerpo" fue presentada en el Centro Cultural Rojas, en mayo del 2003.

Pagina: http://www.florenciaruiz.com.ar/

Ariel Minimal

Ariel Minimal (nacido Ariel Gustavo Sanzo) es el cantante y guitarrista del grupo de rock argentino Pez. Ganó fama y reconocimiento cuando, en 1996, fue llamado a integrar Los Fabulosos Cadillacs. Sin embargo, los inicios de su carrera se dan en 1985 en la banda punk Descontrol, y su primer acercamiento a la fama en 1992, con Martes Menta.

Minimal lleva registrados diez discos con Pez, cuatro con Los Fabulosos Cadillacs, uno con el trío acústico Flopa Manza Minimal, dos como solista y tres como guitarrista de La Luz, la banda de Litto Nebbia. Es uno de los fundadores de Azione Artigianale, sello que utiliza para difundir su banda actual.

Actualmente se divide entre Pez, La Luz y su carrera solista.

Biografía

Comienzos: Descontrol/Los Minimals

La carrera musical de Minimal comienza en 1985, al frente del grupo punk anarcopacifista[1] Descontrol, junto a sus amigos de la infancia Pablo Poli y Alejandro Alez Barbieri. Este grupo se encuadra en medio del naciente movimiento punk argentino, con bandas como Attaque 77 y Flema. De hecho se niegan a participar en el histórico compilado Invasión '88 que catapultó a estas bandas pues aquel "estaba producido por skinheads".[2]

Durante el período 1985-1988 también pasó por bandas como Cadáveres De Niños y el grupo reggae Cosa De Negros. Además, fue uno de los responsables del inicio de la fama de Attaque 77, pues el primer show de esta banda se dio como telonero de su grupo en el mítico Cemento[3] el 21 de octubre de 1987.

En 1989 forma la banda Los Minimals, de donde extrae su apodo. Este grupo se encuadra en la movida mod, ampliamente influido por The Who, y de él se conserva Beat, un cassette con 9 canciones producidas por el cantante de Cienfuegos Sergio Rotman.[4] El grupo se separa en 1991.

Crecimiento: Martes Menta/Pez/Los Fabulosos Cadillacs

En ese año, Minimal forma Martes Menta junto a Mariano Esain, Fabián y Yanina Ghía y Pablo Michu Varela. En 1992 graban el disco 17 Caramelos, poco después de haber sido teloneros de Soda Stereo durante las presentaciones de Dynamo. El grupo obtiene un moderado éxito radial con su canción "Azul", y es considerado uno de los pioneros del movimiento sónico que los une a grupos como Babasónicos. Pero se separa en 1993 con un disco inédito, Monstruo/Hogar, por editarse.

Es entonces cuando Minimal vuelve a convocar a sus antiguos compañeros de Descontrol, los hermanos Barbieri, y funda Pez, una propuesta que lo acompañaría hasta hoy. En 1996 Rotman (quien produjo grabaciones de Los Minimals y solía compartir shows con Pez) lo convoca a ser parte de Los Fabulosos Cadillacs. Con su aporte, los Cadillacs cambian su sonido y editan dos discos clave en su historia: Fabulosos Calavera y La Marcha Del Golazo Solitario. En 2001, tras grabar los discos en vivo Hola y Chau, la banda se separa. Se reunirían en 2006 para homenajear a Andrés Calamaro, pero Minimal no sería invitado a participar.

Popularidad: Flopa Manza Minimal/primer disco solista

Sin embargo, continuaría con su banda (ya sin los hermanos Barbieri e inmersa en un constante cambio de integrantes que duraría hasta 2005, cuando finalmente logra una formación estable) editando discos como Convivencia Sagrada o Folklore, además de otros proyectos de igual impacto: en 2003 se reúne con sus amigos Mariano Esain (ex Martes Menta) y Florencia Flopa Lestani y, en formato de trío acústico, publica Flopa Manza Minimal. El disco sería elegido como "mejor disco nacional del año" por la revista Rolling Stone en su edición latinoamericana.

Entretanto, en 2004, la inesperada mononucleosis del baterista de Pez Franco Salvador impulsa a Minimal a registrar su primer disco solista: Un Hombre Solo No Puede Hacer Nada. En él incluye varias canciones inéditas, además de un par de covers de artistas como David Lebón y Roberto Carlos y de su propia banda. Una vez más, el material recibe muchísima atención de la prensa. Minimal lo presenta con un grupo de amigos al que denomina Los Ortodoxos: Fernando Minimal (batería, ex Los Minimals), Juan Ravioli (teclados, guitarras), Gerardo Rotblat (percusión, de Los Fabulosos Cadillacs), Leopoldo Limeres (piano eléctrico, de Pez), Martín Méndez y Hernán Espejo (bajo y guitarra, de Compañero Asma y por aquel entonces, Dragonauta).[5]

Actualidad: Litto Nebbia/segundo disco solista

En 2005, Azione Artigianale ayuda al regreso de Gabriel Gabo Ferro a la música tras una ausencia de siete años. Lo hace produciéndole su debut solista Canciones que un hombre no debería cantar, disco documental (grabado en vivo en estudio) donde Minimal aparece acreditado como primera guitarra. Cabe decir que el disco se graba con guitarra clásica.

Poco después, Litto Nebbia lo convoca a formar parte de su nuevo grupo, La luz. Ambos habían trabado amistad cuando Minimal lo invitó a grabar una canción llamada "Todo el tiempo que se va" para su disco solista. Con este grupo, edita en ese año el disco Danza del corazón, contribuyendo en la primera guitarra y coros. En 2006, Nebbia produce el álbum El palacio de las flores de Andrés Calamaro, donde La luz actúa como banda soporte y Minimal es acreditado en guitarra, percusión y coros.

Previamente editó, a comienzos de 2006, su segundo y más intimista álbum solista, Un día normal en el maravilloso mundo de Ariel Minimal, donde compuso, escribió y produjo todas las canciones, además de grabar todos los instrumentos. Se destacan el rescate de una canción de Los Minimals, Tornado Violento y su homenaje a su mujer Nadina, Compañera. Este disco fue presentado durante noviembre de 2006 en el Club de Cultura Plasma junto a una banda que incluyó a César Checho Marcos en guitarra acústica y armónica, a Fabián Ghía (ex Martes Menta) en bajo y voz y a Luque en batería, además del propio Minimal en guitarra y voz; grupo al que llamó El sur de la ciudad.

El 10 de abril de 2007 se presenta como solista en la tienda Harrods (en el marco del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires) con una banda que incluyó a Juan Ravioli en teclados, guitarra y voz; a Gerardo Rotblat en percusión; a Franco Salvador (Pez) en batería; a Federico Boaglio (La Luz) en bajo y a Federico Terranova (de la Orquesta Típica Fernández Fierro) en violín.

En julio de 2007 fue finalmente editado el nuevo disco de Litto Nebbia y La Luz, The Blues, con una decisiva participación de Minimal, en especial en los solos de guitarra y coros, así como en la ayuda que le brindó a Nebbia para que éste volviera a tocar la guitarra eléctrica.[6]

Sus próximos proyectos incluyen un álbum conjunto con la joven artista Florencia Ruiz. Ha participado, asimismo, en la grabación del futuro álbum de Flopa (Emoción homicida).[7] Los orfebres, décimo disco de Pez, fue editado en octubre de 2007.

Minimal vive en el barrio de Boedo con su mujer Nadina y es padre de una nena, Mina.

Pagina: http://www.myspace.com/arielminimal