The Clash

The Clash fue una banda británica de punk rock que estuvo activa entre 1976 y 1986. El grupo fue uno de los más importantes e icónicos de la primera ola del punk originada a fines de los años '70 y, a diferencia de la mayoría de las bandas punk que se caracterizaban por su simplicidad musical, incorporó reggae, rock, rockabilly, ska, jazz y dub entre otros variados estilos en su repertorio.

Sumado a esto, The Clash exhibió una intencionalidad política en sus letras que con el tiempo se convertiría en su característica distintiva fundamental. El idealismo expresado en las composiciones de Joe Strummer y Mick Jones contrastó con el nihilismo de los Sex Pistols y la sencillez de Ramones, las otras bandas emblemas del punk en la época.[1] [2] Aunque su éxito en el Reino Unido fue inmediato, la banda no se ganó al público estadounidense hasta los años '80.[3]

Su tercer álbum, London Calling (publicado en 1979), es considerado uno de los mejores discos de la historia de la música. De hecho, la revista Rolling Stone lo calificó como el mejor de los años 1980[4] y como el octavo mejor de la historia en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, donde también figuran otros dos discos del grupo, The Clash y Sandinista!, en las posiciones #77 y #404 respectivamente.[5]

Algunos de sus temas más reconocidos fueron "White Riot", "Tommy Gun", "London Calling", "Train in Vain", "(White Man) In Hammersmith Palais", "The Guns of Brixton", "Complete Control", "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go". Esta última canción fue un gran éxito 6 años después de la disolución del grupo debido a su uso en una campaña publicitaria de Levi's.

En 2003 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock situado en Ohio, Estados Unidos.[1] Un año más tarde, Rolling Stone los incluyó en la posición # 30 de "The Immortals".[6]

A lo largo del tiempo, se ha asentado entre los fanáticos y los críticos el apodo atribuido en una ocasión por su discográfica CBS Records, "the only band that matters" (en español "la única banda que importa") para referírseles. La aplicación del mismo refiere a que el grupo nunca se desvió de sus ideales ni de sus costumbres por buscar beneficios personales.[2] [7] [3]

Historia

1976 - 1978: Formación y primeros éxitos en el Reino Unido

La banda tuvo sus inicios en la calle Ladbroke Grove, en el oeste de Londres, en 1976, durante los inicios del punk británico. Estaba originalmente formada por Joe Strummer (voz), Mick Jones (guitarra y coros), Paul Simonon (bajo), Keith Levene (guitarra) y Terry Chimes (batería), acreditado en su primer álbum como "Tory Crimes" presuntamente por el descontento de los otros miembros con sus ideas políticas[8] (en español "crimes" quiere decir crímenes, mientras que Tory es una palabra en inglés británico para definir a un conservador).[9]

Mick Jones, Paul Simonon y Terry Chimes en principio habían formado parte del grupo London SS y Joe Strummer había participado desde mayo de 1974 en el grupo The 101'ers. Gracias al consejo del mánager de la banda, Bernie Rhodes, los tres primeros reclutaron a Strummer luego de verlo con su grupo en una presentación en vivo diciéndole en palabras textuales: "eres bueno, pero tu grupo es una mierda".[10] Levene nunca llegó a grabar con la banda ya que dejó el grupo, antes del lanzamiento del primer disco y, más adelante, se convirtió en miembro de Public Image Ltd., liderado por John Lydon, ex vocalista de los Sex Pistols. Jones reconoció años más tarde que fue expulsado del grupo por no asistir a los ensayos. El nombre "The Clash" (en español: "el conflicto")[11] fue sugerido por Simonon luego de haber leído la palabra en reiteradas ocasiones en un mismo periódico.[1]

El 4 de julio de 1976, The Clash tocó por primera vez actuando como soporte de los Sex Pistols en un recital en Sheffield donde la banda interpretó los temas "Janie Jones", "London's Burning" y "1977", mostrando un estilo punk puro con una diversidad musical casi nula. Luego del recital, la revista NME publicó una frase que con el tiempo se haría famosa:[12]

The Clash are the kind of garage band who should speedily be returned to their garage, preferably with the door locked and the motor running (en español: The Clash es la típica banda de garage (cochera) que debería rápidamente regresar a su garage, preferiblemente con la puerta cerrada y el motor prendido)
Charles Shaar Murray

Luego, en el otoño europeo de ese año, el grupo firmó por un total aproximado de £ 100.000 con la discográfica CBS Records,[13] una de las más prestigiosas por ese entonces, generando el descontento entre algunos fanáticos y derivando en otra recordada frase:[8]

Punk died the day The Clash signed to CBS (en español: el punk murió el día que The Clash firmó con CBS)
Mark Perry

En noviembre de ese mismo año Chimes decidió dejar el grupo, no obstante, volvería temporalmente unos meses más tarde para grabar el primer álbum de la banda. En diciembre de ese año, y con Rob Harper reemplazando a Chimes en la batería, The Clash se unió a Sex Pistols y The Damned para el desastroso Anarchy Tour que fue cancelado tras solo siete conciertos.

Ya en 1977, el grupo lanzó su primer sencillo, "White Riot", en marzo y un mes más tarde salió al mercado el primer LP homónimo, The Clash, caracterizado por una crudeza musical y letras políticas, sociales y agresivas. El álbum alcanzó un éxito considerable en el Reino Unido, pero Epic Records, la discográfica responsable de la banda en los Estados Unidos, no lo publicó en primera instancia en el mercado americano ya que lo consideraba demasiado crudo y rudo.[1] [14] Recién dos años más tarde, y luego de que el disco se convirtiera en el más importado de la historia de los Estados Unidos,[3] se emitió una versión modificada del mismo para dichas tierras llamada habitualmente The Clash US.

Después del primer disco, Terry Chimes dejó definitivamente el grupo por diferencias personales con el resto de los integrantes, iniciándose así un proceso de búsqueda de baterista que acabó con la incorporación de Topper Headon. Años más tarde, Headon admitió que se había unido al grupo buscando reputación para luego encontrar una banda más prestigiosa donde tocar pero con el tiempo, y al ver el progreso musical de The Clash, decidió quedarse definitivamente.[15]

Finalmente, en mayo de ese año el grupo emprendió su primer gira mundial, junto a Buzzcocks y The Jam, a la que llamaron White Riot Tour y que incluyó recitales en Inglaterra, Irlanda, Suecia, Francia y Alemania.

Durante la gira y la grabación de su primer álbum The Clash comenzó a formarse una imagen conflictiva siendo arrestados sus miembros por vandalismos[16] y por dispararle a los gorriones que se posaban en su sala de ensayos con rifles de aire comprimido (la canción "Guns on the Roof" de su segundo álbum trata el tema en cuestión).

1978 - 1982: Éxito internacional

El segundo álbum de la banda, Give 'Em Enough Rope, fue producido por Sandy Pearlman y contó por primera vez con la participación de Headon en todos los temas. Tras ver al baterista en acción, el productor quedó sorprendido por su perfección tempística y lo apodó The Human Drum Machine (en español: La caja de ritmos humana). El disco se emitió para el Reino Unido en 1978 y, a pesar de recibir críticas negativas por parte de los expertos, tuvo éxito con el público británico.

Give 'Em Enough Rope fue el primer trabajo oficial de The Clash en salir a la venta para los Estados Unidos, por lo cual la banda emprendió su primer gira por tierras norteamericanas para promocionarlo a comienzos de 1979. Más tarde ese mismo año se emitió la versión alterada de su primer álbum, The Clash US, mencionada previamente.

Su tercer álbum, London Calling, un disco doble vendido al precio de uno por la insistencia de la banda, fue emitido también en 1979 y marcó el punto de mayor éxito crítico y de inflexión comercial en los Estados Unidos del grupo. Inicialmente, fue visto con recelo por los fanáticos británicos de Clash ya que los discos dobles estaban asociados con el rock progresivo y no con el punk. En London Calling la banda experimentó con una amplia gama de estilos musicales como el rockabilly americano, el reggae jamaiquino y los estilos dub y ska populares en Gran Bretaña.[18] El álbum es considerado por la crítica como uno de los mejores de la historia del rock[19] y fue posicionado octavo por la revista Rolling Stone en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, primero en su lista de los mejores álbumes de los años 1980 y cuarto por la Revista Q en su lista de los 100 mejores álbumes británicos de la historia.[20] El estilo de las letras de la portada de London Calling[21] es un homenaje al primer disco de Elvis Presley mientras que la foto usada muestra a Paul Simonon golpeando contra el piso su defectuoso bajo en un show de Nueva York de ese mismo año. Según Simonon, que en un principio no quería que se usara la foto para la tapa del álbum, fue la única vez que rompió un instrumento en el escenario. Irónicamente, el tema más exitoso del disco, "Train in Vain (Stand by Me)" que llegó al #23 en las listas estadounidenses,[1] no había sido incluido en un principio en London Calling ya que la banda tenía pensado emitirlo como flexi disc en la revista NME. Sin embargo, a último momento y por decisión de Mick Jones, fue agregado como pista oculta.

Más tarde, hacia fines de 1980, The Clash lanzó un álbum triple al que llamaron Sandinista!, nombre utilizado para hacer referencia al Frente Sandinista de Liberación Nacional de Nicaragua. Una vez más, los miembros insistieron en que se venda al precio de uno, pagando de sus propios bolsillos la diferencia al resignar parte de sus ganancias.[1]

Sandinista! mostró una variedad de estilos aún más amplia y experimental que London Calling y se encontró con reacciones diversas por parte de los críticos y los seguidores. Durante las sesiones el grupo grabó cada idea que tuvieran en su momento, alejándose del punk y recurriendo a la experimentación con el dub ("One More Time"), jazz ("Look Here"), hip hop ("The Magnificent Seven"), música de cámara ("Rebel Waltz") y gospel ("Hitsville UK" y "The Sound of the Sinners").

Al igual que su anterior material, Sandinista! tuvo éxito en el rubro de las ventas, lo cual no es común en álbumes triples.[1] Luego del lanzamiento del disco, The Clash emprendió su primer gira mundial que incluyó shows en lugares tan alejados como el este de Asia y Australia.

Durante estos años, las tensiones y los conflictos dentro de la banda comenzaron a crear rumores de separación, especialmente dada la adicción a la heroína del baterista Topper Headon que lo convertía en una persona poco fiable. Sin embargo, The Clash se las arregló para grabar más y de esta manera emitir su álbum de mayor número de ventas alrededor del mundo, Combat Rock. En dicho álbum se encontraban los exitosos temas "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go", este último el único en llegar al primer puesto en la UK singles chart, aunque nueve años después de su emisión y gracias a su uso en una publicidad.[22]

1982 - 1983: Conflictos y separación

Luego de Combat Rock, The Clash comenzó lentamente a desintegrarse. En primer lugar, se le solicitó a Topper Headon que abandonase la banda poco antes del lanzamiento del álbum. Esta decisión se debió a que el resto de los integrantes sentían que la adicción de Topper a la heroína estaba generando un efecto desastroso tanto en su salud como en su capacidad para tocar la batería.[10] Sin embargo, el mánager de la banda, Bernie Rhodes, ocultó la razón real atribuyendo a "diferencias políticas" el motivo de la salida. El baterista original de The Clash, Terry Chimes, regresó para los próximos meses.

La problemática también se evidenció en el conflicto que surgió entre Jones y Strummer, a pesar de que existe la creencia que Bernie Rhodes fue quien creó la fricción entre ambos para obligar a Jones, a quien consideraba arrogante, a dejar la banda.[10] Durante dichos años, a pesar de continuar haciendo giras y actuar como soporte para The Who en la de 1982, los miembros mantuvieron una relación distante. De hecho, las fechas originales de la gira británica para Combat Rock se cancelaron porque Strummer desapareció poco antes del comienzo de los shows sin previo aviso.

Chimes dejó la banda luego de la gira de Combat Rock realizada durante 1982 y 1983 convencido de que las peleas internas la harían separarse en breve. En 1983, y luego de una larga búsqueda por un nuevo baterista, Pete Howard fue elegido para tocar con el trío. Ese mismo año The Clash tocó en el festival de San Bernardino, California donde fue, junto a David Bowie y Van Halen, una de las bandas principales. Con aproximadamente 500.000 personas presenciando el show dicha presentación en vivo fue, por mucho, la de más concurrencia en la historia de la banda. Sumado a esto, esa fue la última presencia de Jones con The Clash.

En septiembre de 1983 Strummer y Simonon, apoyados por Rhodes, apartaron a Mick Jones del grupo argumentando que se encontraban descontentos por su comportamiento problemático, sus diferentes aspiraciones musicales y su "ceguera por el estrellato".[3]

Luego de una serie de audiciones, la banda anunció que Nick Sheppard y Vince White serían los nuevos guitarristas. Howard continuó siendo el baterista, a pesar de que se especuló que pudieran volver Headon o Chimes para reemplazarlo. En enero de 1984, The Clash comenzó a tocar en vivo nuevamente en una gira autofinanciada para exhibir su nuevo material, a la que llamaron Out of Control Tour.

La gira duró desde el invierno hasta comienzos del verano de ese año. En un show en diciembre anunciaron que a comienzos del año siguiente lanzarían un nuevo álbum.

1983 - 1986: Cut the Crap y el fin de The Clash

Las sesiones de grabación para Cut the Crap fueron caóticas, con Bernie Rhodes y Strummer trabajando separados del resto de los miembros en Munich, Alemania. La mayoría de las partes fueron grabadas por diferentes músicos en sesiones de grabación, mientras que Sheppard y White solo viajaron para llenar algunas partes de guitarra. Luego de luchar con Rhodes por el control de la banda, Strummer declinó su participación en el proyecto regresando a Londres poco después.

Durante este tiempo la banda comenzó una gira de carácter callejero aplicándose reglas estrictas como el llevar poco dinero y un solo cambio de ropa interior cada uno. De esta manera, viajaron por separado o en parejas para juntarse en espacios públicos de diferentes ciudades alrededor del Reino Unido donde interpretaban versiones acústicas de sus temas así como covers de las canciones "Twist and Shout" y "Stepping Stone" entre otras.[10]

Poco después, luego de un show en Atenas, Strummer viajó a España para aclarar sus ideas con respecto al futuro. Al regresar disolvió la banda. Durante su alejamiento, se emitió el primer sencillo de Cut the Crap, "This is England", que tuvo críticas principalmente negativas. La canción, así como el resto del álbum que salió a la venta más tarde durante el año, había sido drásticamente modificada por Rhodes, agregándosele sintetizadores, caja de ritmos y cantos de tribuna a las grabaciones de voz incompletas de Strummer. Otras canciones tocadas en la gira aún no han sido emitidas oficialmente al día de hoy como por ejemplo "Ammunition", "In the Pouring Rain" y "Glue Zombie".

Carreras post-Clash

Joe Strummer

En 1986, Strummer colaboró con su ex compañero Mick Jones en el segundo álbum de su banda Big Audio Dynamite, No. 10 Upping St., co-produciéndolo y co-componiendo siete de los temas. Además, Joe actuó en algunas películas, entre ellas Walker de Alex Cox, Mystery Train de Jim Jarmusch y I Hired a Contract Killer de Aki Kaurismäki. Strummer también colaboró en la composición, producción e interpretación de las bandas sonoras de las películas Sid and Nancy y Grosse Pointe Blank. En 1989, regresó a la escena musical lanzando su primer álbum solista, Earthquake Weather que no tuvo mucho éxito comercial ni crítico. Aún así realizó una gira con una nueva banda de apoyo, The Latino Rockabilly War, y emitió junto a ésta el sencillo "Trash City". En 1991 se unió temporalmente como vocalista a The Pogues luego de la ida de Shane MacGowan para una serie de recitales en Europa.

Finalmente, a fines de los años 1990 Strummer reunió a un grupo de músicos de nivel para formar la banda The Mescaleros. Pronto, el grupo firmó con la discográfica punk californiana Hellcat Records (una filial de Epitaph) y emitió el álbum Rock Art and the X-Ray Style. Más tarde, The Mescaleros lanzó Global a Go-Go en 2001 y realizó una gira mundial para promocionarlo tocando en muchos de sus shows algunos clásicos de The Clash así como el tema "Blitzkrieg Bop" de Ramones en honor al recientemente fallecido Joey Ramone.

El 15 de noviembre de 2002, Joe Strummer & the Mescaleros tocó en un concierto a beneficio para los bomberos voluntarios de Londres en el Acton Town Hall. Durante el show, Mick Jones, que se encontraba entre los espectadores, se unió al grupo para tocar los temas "Bankrobber", "White Riot" y "London’s Burning" reuniéndose así ambos líderes creativos de The Clash en el escenario por primera vez en aproximadamente 19 años. Poco después, el 22 de noviembre, Joe Strummer tocó por última vez en la Liverpool Academy.

En diciembre de 2002, Joe Strummer murió víctima de una falla cardíaca congénita no diagnosticada a los 50 años de edad. El disco en el que estaba trabajando con The Mescaleros, Streetcore, fue emitido póstumo en 2003 recibiendo buenas críticas. Además de la desgracia en sí, la muerte de Strummer fue un duro golpe para los fanáticos de The Clash ya que Jones comentó posteriormente que tras la breve reunión de los miembros para grabar el documental Westway to the World en 1999 habían estado considerando una reunión que para 2001 se veía más que probable.

Mick Jones

Luego de su expulsión de The Clash, Jones formó Big Audio Dynamite, usualmente conocida como B.A.D., en 1984. El álbum debut de la banda, This Is Big Audio Dynamite, fue emitido al año siguiente con la canción "E=MC²" logrando un considerable éxito entre el público británico. El siguiente material del grupo, No. 10 Upping St., marcó el reencuentro de Jones con Strummer. Luego de tres discos más, Jones cambió la alineación y renombró la banda a Big Audio Dynamite II en un principio y Big Audio a mediados de los '90s. Jones también produjo los dos álbumes de estudio de The Libertines así como el álbum debut de Babyshambles. Desde 2003 forma parte de Carbon/Silicon junto a su ex compañero en London SS y ex integrante de Generation X Tony James.

Paul Simonon

Tras la separación de The Clash, Simonon formó el grupo Havana 3 A.M. que grabó su primer álbum en Japón en 1991 recibiendo buenas críticas. Tras la muerte del cantante de Havana 3 A.M., Nigel Dixon, Simonon regresó a su primer interés, el arte visual, contribuyendo entre otras cosas con la portade del tercer disco de BAD, Tighten Up Vol. 88. En 2006 el bajista regresó a la actividad musical uniéndose al grupo The Good, the Bad and the Queen formado por el ex Blur y Gorillaz Damon Albarn, el ex The Verve Simon Tong y el ex baterista de Fela Kuti Tony Allen.

Topper Headon

La severa adicción de Headon a la heroína no solo le impidió continuar en la industria musical sino que también lo llevó a ser encontrado culpable de haberle suministrado de la misma a un adicto que murió de sobredosis por su consumo. Como consecuencia, el baterista debió cumplir un año de condena en prisión. Exceptuando el álbum de estilo R&B Waking Up que lanzó en 1986 y el EP Drumming Man, Topper no volvió a aparecer en la escena musical hasta la reunión de los integrantes para grabar el documental de Don Letts Westway to the World donde se disculpó por los efectos negativos que había causado su adicción en las relaciones dentro de la banda. Luego de muchos años luchando contra la droga Topper Headon aparentemente superó su problema definitivamente y volvió a tocar en vivo. De hecho, fue inmediatamente después de uno de sus recitales que se enteró de la muerte de Joe Strummer en 2002.

Otros miembros

Terry Chimes

Artículo principal: Terry Chimes

Chimes tocó en varias bandas luego de su primer y segunda etapa en The Clash. Entre ellas destaca su participación en Black Sabbath y Hanoi Rocks durante algunos años a mediados de los '80s. Eventualmente se retiró del mundo de la música para convertirse en quiropráctico.[23]

Keith Levene

Luego de irse de The Clash, Levene formó Public Image Ltd. con el ex Sex Pistols John Lydon (también conocido como Johnny Rotten). En un principio tocó la guitarra en el grupo pero con el tiempo comenzó a experimentar con el uso de sintetizadores. En 1983 dejó la banda luego de un altercado con Lydon y desde entonces ha trabajado en solitario.

Pete Howard

Howard estuvo en la banda de Fiction Records Eat antes de formar Vent 414 con Miles Hunt en 1996. En 2002 se unió a Queenadreena.

Nick Sheppard

Artículo principal: Nick Sheppard

Entre 1986 y 1989 Sheppard colaboró con Gareth Sager en la banda Head pero sus tres álbumes tuvieron poco éxito comercial. Desde entonces ha estado en diferentes grupos como los australianos Heavy Smokers y New Egyptian Kings.

Vince White

Artículo principal: Vince White

White no tuvo apariciones públicas importantes desde que The Clash se separó hasta que en 2007 salió a la venta su libro Out of Control: The Last Days of The Clash que describe los últimos años de la banda.[24]

Política

Como muchas de las primeras bandas de punk, The Clash protestaba contra la monarquía y la aristocracia. Sin embargo, a diferencias de la mayor parte de éstas, el grupo rechazaba el nihilismo y no profesaba la anarquía, por lo cual fueron duramente criticados por bandas muy influyentes de la escena como Crass y Angelic Upstarts. Por otro lado, encontraron el apoyo de un gran número de movimientos de liberación contemporáneos. Sus ideas políticas fueron expresadas explícitamente desde las letras de sus primeras composiciones como "White Riot", que animaba a los jóvenes de raza blanca a ser tan políticamente activos como sus pares de raza negra, "Career Opportunities", que expresaba el descontento por la falta de alternativas laborales en la Inglaterra recesiva de la época, y "London's Burning", que trataba sobre la complacencia política.[25]

En 1978 en el "Rock contra el racismo" (Rock Against Racism) organizado por la liga Anti-Nazi, Strummer vistió una controversial camiseta con las palabras "Brigadas Rojas" (Brigate Rosse) y la insignia de la Fracción del Ejército Rojo (Rote Armee Fraktion) en el medio. Más tarde admitió que la razón por la cual vistió esa camiseta no fue para apoyar a las organizaciones armadas de izquierda de Alemania e Italia sino que fue para llamar la atención al público sobre la existencia de la banda.

El grupo también apoyó los conciertos de caridad de otros músicos como, por ejemplo, el "Concierto para la gente de Camboya" (Concerts for the People of Kampuchea) de diciembre de 1979, ideado por Paul McCartney.

The Clash ofreció apoyo al Frente Sandinista de Liberación Nacional y otros movimientos socialistas de Latinoamérica, de hecho su álbum de 1980 se llama Sandinista!.[14] Ese mismo álbum es el más politizado de todos los de la banda con las claras críticas al imperialismo de los temas "The Call Up", "Washington Bullets" y "Charlie Don't Surf".[14]

Hacia diciembre de 1979, cuando fue emitido London Calling, la banda intentaba mantener su energía punk característica a la vez que se desarrollaban musicalmente. Además, fueron muy cautelosos de su emergente estrellato ya que siempre se dignaron a recibir a los fanáticos luego de sus recitales y se interesaron por mantener una excelente relación con ellos.

A The Clash se le acredita el haber sido los pioneros en el apoyo a las políticas radicales desde el punk rock diferentes al anarquismo. Además, se les reconoce el nunca haber priorizado el dinero; aún en su pico de popularidad, las entradas a sus conciertos se vendían a precios razonables. Sumado a esto, el grupo le insistió a su discográfica para lograr vender tanto el álbum doble London Calling como el triple Sandinista! al precio de uno lográndolo en el segundo caso en base a perder sus ganancias personales.

Influencia

The Clash ha sido musicalmente, y por su activismo político, influencia central para una gran cantidad de bandas e intérpretes tanto del punk y del rock en general como de otros variados géneros. Entre las más destacadas se encuentran U2 (particularmente Bono que la calificó como "la mejor banda de rock"[26] y The Edge que calificó a sus presentaciones en vivo como "una experiencia que te cambia la vida"),[27] Pearl Jam (particularmente Eddie Vedder[28] y Jeff Ament),[29] Arctic Monkeys,[30] Public Enemy (particularmente Chuck D)[31] y Rage Against the Machine.[32] [33] En 1999 fue emitido el álbum tributo Burning London (que tuvo mayormente críticas negativas)[34] donde No Doubt, Ice Cube, Rancid, Third Eye Blind, Indigo Girls, Moby y Heather Nova, entre otros, versionaron temas del grupo. En 2006 fue lanzado el box set Singles Box que incluyó un extenso cuadernillo donde varios intérpretes musicales, como Steve Jones, Damon Albarn(Blur), Shane MacGowan, Pete Townshend, Carl Barât y Bernard Sumner, u otras figuras reconocidas, como los novelistas Irvine Welsh y Nick Hornby así como el director cinematográfico Danny Boyle, expresaron su admiración por la banda británica.

Pagina: http://www.theclashonline.com/

PJ Harvey

Polly Jean Harvey nació el 9 de octubre de 1969 en Yeovil, Somerset, Inglaterra y es una cantautora inglesa reconocida en el mundo artístico por PJ Harvey .

Carrera

En la explosión de bandas de rock alternativas a principio de la década de los 90, existieron muchas figuras femeninas, cantantes y compositoras, que alcanzaron gran notoriedad. Entre ellas se encontraba PJ (Polly Jean) Harvey, con su rock crudo, directo y visceral. Con sus primeros álbumes demostró ser una de las más influyentes compositoras de canciones de la década noventera, con letras que exploran temáticas como el sexo, el amor, la religión, el humor negro y la sensibilidad en la femeneidad.

Polly Jean se crió en una granja en Yeovil, Inglaterra y a muy temprana edad aprendió a tocar el saxo y la guitarra. En la adolescencia participó en varias agrupaciones hasta 1991, año en que formó su propio grupo, P.J. Harvey, junto al bajista Steve Vaughn y el baterista Robert Ellis. Al poco tiempo, consiguieron un contrato con el sello independiente Too Pure, grabando el single ‘Dress’. El tema obtuvo una buena respuesta dentro del rock indie local y el segundo sencillo, ‘Sheela-Na-Gig’, recibió excelentes críticas de la prensa musical inglesa. Además, PJ, con su actitud agresiva a lo "femme fatale", cambió el concepto tradicional del erotismo femenino delicado y suave.

En 1992, por fin lanzaron su elepé debut, “Dry”, que fue distribuido en Estados Unidos por Island Records. Después de una larga gira, que culminó con su aparición en el Reading Festival, P.J.Harvey se movió a Londres para grabar su segundo disco con el productor Steve Albini (Pixies, Breeders). El nuevo trabajo salió en 1993 con el nombre de “Rid of Me”, con un sonido cercano al noise y al punk en las guitarras, dentro de un rock potente y escrito con mucha furia. “Rid of Me” fue el mayor suceso de críticas, convirtiendo a la banda en una de culto. En el tour ella se vestía con un largo vestido de piel, desarrollando un impactante despliegue teatral. A final de año, publicaron una colección de los demos, “4-Track Demos”, versiones originales de las canciones de la placa anterior.

Después de la gira, Ellis y Vaughn se van de la banda y ella graba su tercer álbum como artista solista, reclutando al productor Flood, al bajista Mick Harvey y los guitarristas John Parish y Joe Gore. La cantante desarrolló un sonido más bluesero con esta banda más grande, lo que resultó en el nuevo disco de 1995, “To Bring You My Love”. El elepé, que fue consignado como una pieza maestra por algunos críticos, tuvo una considerable atención de la prensa y un fuerte apoyo en MTV y en las radios rockeras, con el single, ‘Down By The Water’. El resultado global de este magnífico álbum es algo vital, se acababan los tiempos de una sexualidad tan descarnada y aunque el plano feminista seguía vigente, ahora era tratado con más madurez. A pesar de esto, el elepé fue un hit moderado, llegando al número 40 de los charts norteamericanos. Harvey pasó todo el año 95 en la gira soporte. Durante 1996, estuvo relativamente inactiva, sólo grabando un tema a dúo con Nick Cave en el disco “Murder Ballads” de este último y cantando junto a su socio John Parish en “Dance Hall at Louse Point”. En 1998, Polly Jean volvió a la carga con el álbum, “Is This Desire?”.

“Stories from the City, Stories from the Sea”(2000) fue su vuelta al ruedo musical, con una propuesta con sonidos más "limpios" que en sus inicios, y en una veta más comercial rozando varias veces con el pop, pero nunca dejando de lado la actitud "agresiva" de sus inicios. Prueba de ello son temas como "Big Exit", "This is love" o el sencillo “Good Fortune”, el cual se transformó en uno de los mejores interpretados por Polly Jean. En esta producción la cantautora se toma el gusto de hacer un dueto con el líder de Radiohead, Thom Yorke, en el tema “This Mess We´re in”.

En el 2002 colabora con el líder de Queens of the Stone Age, Josh Homme en las Desert Sessions volume 9&10.

En el 2004 lanza su séptimo disco, que lleva el nombre de "Uh Huh Her”, y que incluye temas bastante íntimos, intensos y apasionados. Este disco sirvió para que PJ por fin pisara tierras sudamericanas dando conciertos de gran calidad y despliegue como ha sido en general la vida artística de Polly Jean Harvey.

En mayo de 2006 aparece en el mercado un registro audiovisual titulado "On Tour - Please Leave Quietly", que muestra partes de lo que fue el último tour mundial realizado en el 2004. También trae comentarios de la misma cantante entre cada tema y una entrevista extra que aborda aspectos de su carrera y los detalles sobre su último disco. En este mismo mes volvió de nuevo a los escenarios (después de un 2005 sin concierto alguno) en un festival de Gales denominado "Electric Picnic" e hizo presagiar lo que podría ser su próximo trabajo con temas inéditos como “The Mountain”, “Bitter Little Bird” y “Ceiling”.

El 23 de octubre de 2006 se editaron las sesiones que Polly Jean grabó entre 1992 y 2004 para el espacio del dj británico John Peel. Se trata de una colección de doce temas que abarcan desde el debut de Harvey en 1992 con "Dry" hasta su séptimo lp en 2004, "Uh Huh Her". Once pertenecen a sesiones con John Peel y uno, "You Come Through", al homenaje que se le tributó en diciembre de 2004.

En noviembre de 2006 vuelve al trabajo de estudio con dos de sus más clásicos colaboradores; Flood y John Parish compartirán espacio en la sala de control. En declaraciones a un medio televisivo americano, Pj Harvey advertía de que serán instrumentos como el piano, el harpa o el autoharp los que dominen la atmósfera de las nuevas canciones. “Las puertas han sido abiertas; ya nunca más habrá limites”, ha dicho.

Pagina: http://www.pjharvey.net/

Sueter

Miguel Zavaleta fundó ese grupo a mediados de 1981. Por entonces la banda se presentaba en pubs con Claudia Puyó, Celsa Mel Gowland y una Fabiana Cantilo recién llegada de Estados Unidos como coristas.

Con la incorporación de Juan del Barrio en teclados y el ingreso de Gustavo Donés en reemplazo de Folino grabaron el primer disco, que pasó desapercibido. Charly García les brindó un gran apoyo al invitarlos como teloneros de su presentación en Ferro de "Yendo de la cama al living", junto a Los Abuelos de la Nada en 1982. Sin embargo, pese a la intensa preparación para la ocasión, fueron rechazados con insultos, silbidos y proyectiles.

Se presentaron en Obras en julio de 1983 y lograron revertir la situación con constantes presentaciones en pubs. Ya para entonces Claudio Loza había reemplazado a Colombres en la batería y también se había alejado Del Barrio.

Para las presentaciones de la nueva placa ("Lluvia de gallinas", 1984) contaban con Fabián Quintiero como tecladista invitado. Ya el éxito del grupo era considerable, sobretodo si se considera la experiencia de Ferro. El grupo vuelve a tener relación directa con Charly García, quien les produce el tercer álbum, "20 caras bonitas" (1985). Si bien no tuvo demasiada repercusión, sobresalió el hit "Vía México". "Misión Ciudadano I" (1987) es un álbum concebido como una obra conceptual que describe la hipotética primera expedición argentina a la Luna.

Posteriormente, Zavaleta inició una carrera solista que no prosperó: grabó dos LPs (uno producido por Pedro Aznar), que aún permanecen inéditos.

En un período de revivals, la banda se reunió para editar el quinto álbum, dedicado a los portadores del Sida. «Volví con el grupo porque no sirvo como solista - confesaría - Lo intenté y creo que no tengo la capacidad suficiente» (No de Página/12, 02/03/95). Para entonces lo acompañaron Diego Chorno (teclados, guitarra y coros), Silvio Furmansky (guitarra), Jorge Alvarez (batería) y Daniel Castro (bajo), luego reemplazado por Laura Gómez Palma.

En agosto del 2003, la banda regresa para una serie de shows, integrada por Miguel Zavaleta (voz y piano), Juan del Barrio (teclados), Jorge Alvarez (batería), Jorge Minissale (guitarra y voces) y Gustavo Donés (bajo y voces).

Formacion:

Daniel Colombres: batería
Edgardo Folino: bajo
Eduardo Rogatti: guitarra
Jorge Minissale: guitarra
Miguel Zavaleta: teclados y voz

Pagina: http://www.sueter.com.ar/

Sheryl Crow

Sheryl Crow, cantante estadounidense nacida el 11 de febrero de 1962 en el estado de Missouri.

Biografía

Sheryl Crow nació el 11 de febrero de 1962 en Kennett, un pueblo de Missouri (EEUU). Era casi inevitable que se dedicara a la música, ya que proviene de una familia de músicos. Su padre Wendell Crow tocaba en bandas de swing y su madre, Bernice, era músico de profesión. Sheryl comenzó a estudiar piano con tan sólo 5 años. Desde muy niña escuchaba música de Christine McVie (Fleetwood Mac), Elton John y Bob Dylan. Influenciada por todos ellos, escribió su primera canción a los 13 años. En la escuela llego a ser 'drum majorette, pero sin dejar sus clases de piano. Cuando llegó a la Universidad de Missouri, se unió a una banda de rock llamada Cashmere. Después de terminar sus estudios, trabajó como profesora de música en una escuela para niños autistas de St. Louis. Desde entonces es defensora de "Save The Music" un programa de enseñanza de Música en las escuelas.

Antes de convertirse en estrella de la música, tuvo que hacer diferentes trabajos como corista cantante de anuncios publicitarios, entre ellos uno muy conocido de la cadena de hamburgueserias McDonalds. Se presentó a muchas audiciones, y su primer trabajo importante como cantante lo consiguió en 1989 cuando Michael Jackson la contrató para que le acompañara en su gira "Bad World Tour", como corista. Después de esa gira cayó en una profunda depresión, de la que tardó mucho tiempo en recuperarse. Durante esos seis meses de enfermedad siguió escribiendo canciones, e incluso algunos de esos temas se los escribió a artistas de la talla de Celine Dion, Wynona Judd o Eric Clapton. Después de esa dura etapa de su vida, Sheryl Crow, volvió al trabajo y colaboró en discos de artistas tan reconocidos como Sting, Stevie Wonder, Foreigner y Rod Stewart.

Cuando una de estas maquetas cayó en manos del productor Hugh Padgham, su vida cambió, por que éste se quedó tan impresionado, que consiguió que la fichará el sello A&M. Firmó su primer contrato discográfico y de esta manera despegó su carrera musical. Su primer álbum lo grabó en 1993, estuvo producido por Bill Bottrell, un productor de Pasadena, y lo tituló "Tuesday Night Music Club". Dentro de ese disco se incluyeron grandes canciones, entre ellas "Leaving Las Vegas". Un tema que formó parte de la banda sonora de la película que llevaba el mismo título y que protagonizaron Elisabeth Shue y Nicholas Cage. Este trabajo, además, le dio premios y reconocimientos tan importantes como tres Grammy: Mejor Cantante Femenina de Pop, y Mejor Artista Revelación. En 1995 y junto al mismo productor, comenzó a trabajar en su segundo álbum "Sheryl Crow". Cuando estaban en la fase previa de la grabación surgieron problemas entre ellos y Bottrell abandonó el proyecto, por lo que Crow decidió seguir adelante ella sola, y de esta manera se convirtió en autora, interprete y productora de su disco. En la entrega de los Grammy de 1997 consiguió dos premios: uno como Mejor Solista Femenina por la canción "If It Makes You Happy", Canción del año por "All I wanna do" que fue el primer single del disco, y otro como Mejor Álbum de Rock.

Un año más tarde, en 1998, publicó su tercer trabajo "The Globe Sessions". En 1999 estuvo nominada a los Grammy por este disco en la categoría de Mejor Álbum de Rock, Productora del Año, Cantante de Rock del Año por la canción "There Goes The Neighborhood", y mejor Cantante Pop por el tema "My Favorite Mistake". Sólo consiguió el de Mejor Álbum de Rock. También en 1999 editó "Sheryl Crow and "Friends": Live In Central Park". Un disco en directo, grabado en el Central Park de Nueva York, en él hizo duetos con Dixie Chicks, Stevie Nicks, Eric Clapton, y Sarah McLachlan, entre otros. una de sus colaboraciones es "C'mon, c'mon" a dúo con The Corrs. Sheryl Crow también ha participado en BSO de películas muy conocidas como "El Mañana Nunca Muere", de la saga James Bond, "Un Papa Genial", "Mensaje en una botella", "I'm Sam" y "Cars" .

Pagina: http://www.sherylcrow.com/

Richter

1999: Nace RICHTER, que realiza sus primeras presentaciones en el circuito rock porteño.

2000: Se presentan en “Volver Rock” donde son elegidos Banda Garage 2000 y participan del programa junto a Illya Kuryaki & The Valderramas, forman parte del compilado “MP3 II”, de la revista PC Users (editado en toda América), y son distinguidos en la revista Pulse! (de la cadena de disquerías Tower Records de distribución en toda Latinoamérica) como una de las bandas argentinas con mayor proyección.

2001: Editan “Epicentro”, su disco debut. Simultáneamente, lanzan el video de “Ciudad Satélite”, realizado por el director Ezequiel Berra que comienza a rotar por las cadenas de música de todo el país. En noviembre presentan álbum y videoclip en el Teatro YMCA con capacidad colmada.

2002/2003: Con mas de 90 impactantes recitales, la “Gira Satélite” se extendió por gran parte del país, con una escala especial en Buenos Aires para el festejo de los primeros 100 shows de la banda. La fiesta, realizada en el C.O.D.O., contó con puesta y ambientación del artista multimedia Charly Borja.

2004: Lanzan “Planetas Planos”, donde temas como “Televidente” y “El Enemigo duerme en casa” se muestran como claros exponentes del sonido Electro-Rock de RICHTER, profundizando la integración entre guitarras distorsionadas y bases electrónicas. La comunicación, los medios y el mensaje constituyen el hilo conceptual del disco, reflejado en la idea de la antena en el arte de tapa. Con un hiperkinético video de “Televidente” y una presentación especial en el programa “Cuál es?” de FM Rock & Pop, comienzan la llamada “Gira Interplanetaria” que los llevó por gran parte del país. En el Suplemento No (Página 12) son destacados como una de las “10 Bandas en Ascenso”.

2005: RICHTER edita en septiembre su tercer álbum, “Danzallamas”, y su primer corte “Casa Fantasma” se difundió en las principales radios y canales de televisión del país (FM Mega 98.3, FM Rock & Pop, MTV, MuchMusic, Canal de la Música, Rock & Pop TV, etc). El sonido del disco demostró una vez mas que la banda es el más claro exponente argentino del Electro-Rock. En noviembre presentaron el nuevo álbum en el Auditorio Bauen con un show destacado por el Suplemento Sí (Clarín) como “El Show” de la semana. Y comenzaron la “Gira Danzallamas” por todo el país que incluyó una explosiva presentación en el Baradero Rock. RICHTER es incluido en el “Diccionario del Rock Argentino” editado por Musimundo.

2006: La banda continúa presentando “Danzallamas” por distintos puntos del país (La Plata, Rosario, Ayacucho, San Nicolás, Burzaco, Mercedes, San Justo, Villa Gesell, Pinamar, Navarro, Maipú, San Clemente, Pila, Brandsen, Avellaneda, Quiroga, Gral. Guido, Alcorta, etc), volviendo en julio a Buenos Aires para un show muy especial: el número 200 de su carrera. Ese mismo mes lanza el video “Te vas a Berlín”, segundo corte de la placa. El clip representa un paso adelante en el concepto visual de RICHTER. “Te vas a Berlín” continúa rotando en las principales radios y canales de televisión de todo el país (FM Mega 98.3, FM Rock & Pop, MTV, MuchMusic, Canal de la Música, Rock & Pop TV, etc). El Suplemento No (Página 12) realiza un auspicioso comentario sobre “Danzallamas”.

2007: RICHTER continúa con la “Gira Danzallamas”, llevando el Electro-Rock a lugares nunca o rara vez alcanzados por artistas del género, como Cañada de Gomez, Ayacucho, Gral. Guido, Bragado, Suipacha, Labardén, Funes, Roldán, Coronel Vidal, San Lorenzo, San Andrés de Giles, etc. La gira y el crecimiento de la banda fueron destacados por el Suplemento Sí (Clarín) en su edición del día 23/02/07. Participan del “Festival 40 años del Rock Argentino” en Roxy (Bs As), siendo el único representante del género Electro-Rock en dicho evento. En el mes de septiembre, “Danzallamas”, es reeditado en México, España y Argentina a través del sello Loshe. La nueva edición cuenta con dos bonus tracks: “Casa Fantasma (Danzafantasma Mix)” y el inédito “Libre de Culpa y Cargo”, con la participación especial de un gran amigo de la banda, Cristian Aldana (El Otro Yo), como cantante invitado. El video de éste último está rotando en los principales canales de Latinoamérica (MTV, Muchmusic, Canal de la Música y Rock & Pop TV de Argentina, MTV y EXA TV de México, MTV Miami, Mucha Música de Colombia, HTV de Ecuador, etc). Participan del Festival Pepsi Music compartiendo la fecha con Café Tacuba, Arbol, y otros, siendo destacados por FM La Mega 98.3 como uno de los shows imperdibles del Festival.

2008: RICHTER comienza el año con una gira por la Costa Atlántica, como es habitual para la banda durante el verano. Actualmente se encuentran registrando y mezclando en los estudios Panda, Orión y Usine Deluxe de Buenos Aires (Argentina) su cuarto disco.

Pagina: http://www.richternet.net/

El Peyote Asesino

El Peyote Asesino fue una banda de rock uruguayo de hip-hop, rap y funk que se formó a mediados de 1994 en Montevideo y debutó el 28 de agosto de ese mismo año en el desaparecido pub "El perro azul". Su estilo combinaba metal, funk duro, hip-hop y rap, lo que era bastante atípico en la escena del rock uruguayo de esa época. La formación original de la banda era L. Mental en la voz, Daniel Benia en bajo, Juan Campodonico en guitarra y una batería digital.

Historia

Ya para su segunda presentación, en Big Bang, el Peyote estaba completo: se sumaron P. P. Canedo en batería y Carlos Casacuberta en voz y guitarra. A esa aparición seguirían otras como el Encuentro de Arte Joven La Movida y varias en el circuito underground montevideano. Un sonido no convencional, letras corrosivas e irreverentes, algunos mexicanismos y guitarras distorsionadas eran parte del cóctel de El Peyote. Cuando se les ha pedido que definan su estilo alguna vez dijeron que hacían "rap blanco". La influencia de los Beastie Boys se notaba.

En noviembre de 1994 presentan un demo en el concurso "Generación 95" auspiciado por "Rock de primera" (suplemento del diario "Ultimas Noticias"), "Control remoto" (programa de rock de Canal 10 TV) y X FM 100.3, siendo declarados ganadores por el jurado del mismo. El premio: horas de estudio para poder grabar un disco. Esto les abrió la posibilidad de realizar su primer álbum, que sería grabado entre los meses de julio a octubre de 1995 en el Estudio del Cordón.

En diciembre de 1995 lanzan su primer CD por el sello Orfeo, "El Peyote Asesino". La producción fue del integrante de Plátano Macho, Gabriel Casacuberta (hermano de Carlos) quien además sirvió de intérprete entre la banda y Luis Restuccia, el ingeniero de sonido. "A veces yo decía ‘quiero que mi voz suene un poquito más podrida’, y de repente a Luis le decía ‘podrida’ y se imaginaba algo que tenía olor feo, pero Gabriel, como había escuchado a los Beastie Boys, actuaba de nexo" cuenta L. Mental.

El disco era fuerte, compacto, y sonaba muy bien a pesar de las limitaciones técnicas con las que fue producido. Temas como L. Mental y Satisfaction (una versión del tema de los Rolling Stones) tuvieron bastante difusión en la radio. En vivo el Peyote convencía todavía más, con recitales duros y prolijos. El lanzamiento del disco intitulado -El Peyote Asesino- fue durante ese mismo mes de diciembre en la disco ENTERPRISE y convocó a cientos de fans, que saltaron toda la noche al grito de "jump".

El disco tuvo muy buena repercusión y llegó a vender más de mil copias, todo un récord para él medio local. Esto lo convertiría en él disco de rock más vendido de Uruguay durante los primeros meses de 1996. Mientras tanto, el grupo multiplicaba sus actividades en vivo, tocando con diversas bandas locales. Poco a poco la banda emergía del underground, que en Uruguay equivale casi al anonimato.

En enero de 1996 El Peyote Asesino fue votado por los lectores de "Rock de primera", con un significativo margen, "Grupo revelación de rock nacional en 1995". La banda realiza su primer video, eligiendo como primer corte el tema "L. Mental", siendo difundido en distintos canales de TV abierta y cable.

En junio, el tema "El peyote asesino" ingresa en la lista de los 10 mejores en X FM llegando al puesto número 1 el 18 de junio, donde se mantiene durante dos semanas.

En agosto se presentan en Buenos Aires, Argentina, en el Centro Cultural Rojas, en el ciclo llamado Molotov, junto a la banda argentina Tintoreros. Quien organizó este ciclo es también uruguayo, radicado en Buenos Aires, Fabián Jara. Fabián se ha encargado de organizar este ciclo en la sala Ricardo Rojas, perteneciente al circuito universitario argentino y que ha llevado anteriormente a Los Buitres Después de La Una. El Peyote no achica su presentación en vivo y se destacan por el generoso despliegue de energía por parte de sus integrantes, atónitos ellos por tener a un publico sentado cómodamente en sus butacas. "Es la primera vez que nos pasa, ya que en Montevideo los espectadores presencian nuestros shows de pie y muchos de ellos haciendo pogo y bailando" dice Charly (Casacuberta), que no inmuta su rostro ni ante su enorme asombro interior.

Mucho de lo que pasó después se lo deben, en parte, a Alfonso Carbone, quien en un paquete de discos de música uruguaya que mandó a Santaolalla incluyó al trabajo del Peyote. El argentino quedó muy impresionado por el sonido de la banda, lo que inició un largo proceso de negociaciones que terminó en un contrato que posibilitó el nuevo disco.

Santaolalla, músico y productor de trayectoria internacional, es dueño junto con Aníbal Kerpel de SurCo. Mediante un contrato con Universal (MCA) ellos identifican a los artistas y los producen. La multinacional financia, manufactura y vende. La primera banda nacida de este joint venture fue Molotov. La segunda es El Peyote.

Originalmente el proyecto iba a ser con la Warner, pero no llegaron a un acuerdo para un gran proyecto regional. La Warner mantuvo su interés en firmar con el Peyote, y le ofreció a la banda grabar con el productor Oscar López, quien trabajó con Serú Girán y otros grupos de los 70. Pero cuando SurCo arregló finalmente con Universal el Peyote acompañó. "Santaolalla para nosotros es una referencia. Está produciendo cosas que están ahora. Creo que es uno de los productores más importantes del rock latino. Con Divididos y Café Tacuba ves que el tipo maneja un espectro bastante amplio. No suenan como los discos solistas de él que tienen charangos y cosas así." comenta L. Mental. El contrato es para grabar cuatro discos en cuatro años. A comienzos de 1997 Peyote Asesino firmó contrato discográfico con Surco-Universal.

En Marzo de 1997 se presentan en el Teatro de Verano de Montevideo, abriendo el show de "Illya Kuriaki and the Valderramas" tocando ante más de tres mil personas. El video LMental comienza a ser difundido en MTV Latino. Y en la presentación en el festival Rock De Acá (abril de 1997), quedó demostrado que era una de las bandas con más hinchada.

En Junio participan en "5 horas de rock" junto a Tercera Piedra, Tintoreros (Argentina), La Vela Puerca, Trotsky Vengarán y Los Buitres.

A partir de allí, El Peyote se mete a grabar demos, ensayar preparando su segundo CD. Tras meses de pre-producción en el estudio del Peyote en Villa Española, en setiembre del 97 partieron hacia Los Angeles, la meca del entretenimiento mundial, previo toque de despedida en Zorba.

Allá todo es distinto. "Cuando grabamos el otro disco teníamos que ver cuándo mierda estaba libre el estudio y ahí nos metíamos. Era una cosa super irregular. Acá estuvimos seis, siete días grabando las bases. Todas esas cosas benefician al producto. Vos escuchás el disco de los Deftones y los Deftones no pidieron cuarenta horas prestadas en un estudio", dice L. Mental. Las bases se grabaron en el estudio Can Am y las voces y guitarras que faltaban se grabaron en el estudio de Santaolalla y Kerpel. Luego se agregaron ruidos, gritos y otros detalles. La mezcla final se hizo otra vez en Can Am. (El disco fue producido por Gustavo Santaolalla junto a Aníbal Kerpel y el ingeniero de grabación fue Tony Peluso)

Terminada la grabación el Peyote se embarcó en una gira que los llevó por buena parte de México junto a bandas como Molotov, Delinquent Habits y Control Machete, lo que significó un gran desafío ya que tocaron para gente que nunca había escuchado nada de ellos. El género se encontraba en plena ebullición por aquellas latitudes y la propuesta de El Peyote fue bien recibida.

El nuevo disco bajo el título "Terraja" fue editado a finales de Agosto de 1998 además de Uruguay, en Argentina, México, Estados Unidos y Puerto Rico. La música de la banda cubre un amplio espectro de géneros e influencias, pasando por el hip-hop, el hardcore, el funk, la música electrónica, el metal y el soul, alcanzando inclusive algunos géneros sudamericanos como el tango, el candombe y la milonga.

De los catorce temas que componen el disco nuevo, tres son del disco anterior. Fueron emprolijados en la remezcla y remasterizados. Lo demás es todo nuevo. El disco es una mezcla de estilos: Cama Biónica, por ejemplo, es un tema hip-hop al mejor estilo Cypress Hill. Guacho sigue esa línea también. "Guacho es un gangsta de barrio montevideano. Es imposible traducir el gangsta porque acá no te van a cagar a balazos. Puede existir en una zona marginal como El Borro, pero no es lo que pasa en tu barrio, como puede ser en Los Angeles." aclara Casacuberta. Hay otros más hardcore como Denso o Criminal. Para L. Mental "este disco suena mucho más orgánico. Incluimos máquinas y samplers, pero a la vez todo es hipertocado. Vos escuchás los temas y el bajo hace pum y la guitarra hace chung. Son tipos tocando". Según Carlos, "es un disco muy nuestro, muy personal. Más que el otro. Eso tiene una fuerza muy grande y se nota. Salió un disco variado. Eso no es bueno ni malo en sí. Hay discos que son variados y están buenos, pero también hay discos uniformes que están bárbaros. Me da la sensación de que en este disco vamos a más lugares."

Presentan su segundo disco en la Factoría (Agraciada y Suárez) y tocan casi todos los fines de semana en el pub Laskina.

En Octubre de 1998 tocan en Argentina con Cipress Hill, Molotov, La Bersuit Vergarabat y Árbol. Las criticas son de lo mejor. Y en ese mismo mes, tocan nuevamente en el Teatro de Verano de Montevideo junto con Molotov y Plátano Macho.

Si les hubieran dicho cuando ensayaban allá por el 94 que un día grabarían un disco en Los Angeles seguramente no lo hubieran creído. "La sensación que tengo es que uno no siempre se da cuenta de lo que está pasando. Pero al final, lo que queda me gusta muchísimo. Hay momentos medio grosos, en que todo el mundo se quiere suicidar o asesinar a alguien. Pero me parece que al final es muy divertido. Hoy me doy cuenta de eso", dice Carlos.

Diversos rumores parecen indicar que la última reunión de los integrantes de la banda como tal, fue al parecer durante el mes de mayo de 1999.

Por esos años, la movida del rap y el hip-hop había crecido, aunque se mantenía un poco sumergida en el underground. Bandas como Fun You Stupid, V.D.S, Critical Zone o Troy McClure eran parte de ese movimiento. Mención aparte merece Plátano Macho quien había conseguido, al igual que El Peyote, reconocimiento de públicos mayores con la edición, de un excelente disco -The Perro Convention- grabado para Polygram.

Este movimiento removedor fue muy saludable para la música uruguaya que de esta forma ampliaba sus horizontes, fusionando estilos y creando cosas nuevas.

Luego de la separación de la banda L. Mental, funda Kato un nuevo proyecto con el cual debutaría en 2000, integrando en la actualidad el colectivo BajoFondo, además de hacer otras colaboraciones como solista bajo el nombre de Santullo.

Pagina: http://peyoteasesino.tripod.com/

Ramiro Musotto

Luego de revelarse con Sudaka, consagrado por la crítica internacional, llega Civilizacao & Barbarye, el nuevo álbum del percusionista y productor Ramiro Musotto.

Pocos artistas han logrado unir la tradición y la modernidad como Ramiro Musotto, percusionista y productor argentino radicado en Brasil hace más de veinte años. Musotto demuestra que no hay antinomia entre universos aparentemente opuestos, que los bits pueden juntarse a los parches y crear algo diferente. Entonces Ramiro no para de mezclar, dar vuelta, inventar, recrear y renacer en esos universos.

Si en Sudaka nos había sorprendido transitando naturalmente entre las programaciones y los sonidos ancestrales, en su nuevo trabajo, Civilizacao & Barbarye, el músico se reinventa, sonando otra vez original y familiar al mismo tiempo.

Desde el título del disco, una metáfora del concepto sarmientino, Ramiro profundiza su viaje al pulso más profundo de los habitantes originarios de esta tierra, con el espíritu celebratorio y la riqueza de ritmos, timbres y colores que lo caracteriza y que lo ha convertido en uno de los percusionistas más respetados del mundo.

En diez tracks contundentes, esta Civilizacao & Barbarye camina entre la Cuba afro, las aldeas guaraníes, la voz sampleada del Subcomandante Marcos, los toques de la Bahia negra, los orixás y los orishas, y hasta el cancionero popular brasileño.

Los habituales pasajeros de este ómnibus multiétnico acompañan al percusionista, devenidos en la Orchestra Sudaka: Léo Leobons (percusión, bata y voz); Sacha Amback (teclado, theremin y sampler); Ramirito Gonzalo (berimbau y percusión) y Mintcho Garrammone (cavaquinho, guitarra baiana, acordeón).

El disco trae además las participaciones especiales de Chico César, Arto Lindsay, Rostam Mirlashari y Santiago Vázquez.

Antes de consagrarse a su trabajo solista, Ramiro Musotto construyó una trayectoria como percusionista, intérprete de berimbau, programador y productor, que incluye más de 200 discos grabados junto a los mayores artistas de la música popular brasileña. Ramiro ha sido uno de los creadores del actual diseño de la percusión bahiana; ha formado la primera orquesta de berimbaus del mundo y viaja asiduamente a Europa para ofrecer workshops y transmitir sus conocimientos y experiencias.

En Civilizacao & Barbarye, Ramiro continúa construyendo su propia patria grande musical, mirando al mundo antiguo con ojos nuevos y una concepción sudaka donde la civilización y la barbarie conviven en cada esquina.

Nacido en La Plata y residente desde pequeño en Bahía Blanca, Ramiro Musotto tocaba en la Orquesta Sinfónica de la ciudad antes de cumplir la mayoría de edad. Paralelamente, integraba grupos que se dedicaban a la música testimonial latinoamericana.

A los 18 años se mudó a Brasil. Estudió percusión en Sao Paulo, primero, y luego se radicó en Salvador (Bahía), adonde permaneció doce años y ayudó a diseñar el sonido (y especialmente la percusión) de la música pop baiana, del modo que se la conoce en la actualidad. En este sentido, Ramiro Musotto aplicó el trabajo que venía investigando en materia de percusión, que incluía desde los ritos afrobrasileños introducidos por el candomblé hasta la música axé, pasando por el samba reggae y los tríos eléctricos de Dodó e Osmar, entre múltiples variantes.

El berimbau fue el instrumento que deslumbró a Ramiro desde que era un adolescente. Sin embargo, y pese a que éste sigue siendo su principal instrumento y por el cual ha sido reconocido en todo el mundo, el músico se ha dedicado a la generosa gama de sonoridades de la percusión afrobrasileña, agregando un perfil panamericanista a su trabajo e internándose luego en el universo de la electrónica.

En veinte años de trayectoria brasileña, Musotto ha tocado en más de un centenar de discos de los más destacados artistas de la MPB y fue productor de una veintena de discos ajenos hasta encarar su propio proyecto solista. Recientemente ha grabado con Jorge Drexler, Lenine, Paulinho Moska y Kevin Johansen. Ha trabajado además con Caetano Veloso, Gilberto Gil, Paralamas y Marisa Monte, entre muchos otros.

Pagina: http://www.ramiromusotto.com/

E Nomine

E Nomine (en latín, "en el nombre de") es un grupo alemán formado en 1999 por los productores Christian Weller y Friedrich Graner. Su música es una particular mezcla de techno y música vocal similar al canto gregoriano. Los componentes de E Nomine lo denominan dance monumental.

Muchas de sus letras tratan sobre temas religiosos, y en algunas canciones se incluyen fragmentos bíblicos. También cantan sobre magia y batallas entre el bien y el mal. Un ejemplo de la inclusión de textos religiosos puede verse en algunos temas como el sigle Vater Unser ("Padre Nuestro") [1], o en Psalm 23 ("Salmo 23")

El único vocalista de E Nomine en los conciertos es Senad Fuerzkelper Giccic.

Vocalistas

Actores de doblaje/cantantes

- Christian Brückner
- Rolf Schult
- Helmut Krauss
- Michael Chevalier
- Martin Kessler
- Joachim Kerzel
- Eckart Dux
- Frank Glaubrecht
- Joachim Tennstedt
- Thomas Danneberg
- Volker Brandt
- Manfred Lehmann
- Tobias Meister
- Wolfgang Pampel
- Jürgen Thormann
- Elmar Wepper
- Gerrit Schmidt-Foß
- Otto Mellies
- Ralf Moeller

Coro

- Deutsche Oper Berlin

Discografía

Álbumes

- Das Testament, (1999)
- Finsternis, (2002)
- Finsternis - Limited Edition, (2002)
- Das Testament Digitally Remastered, (2002)
- Die Prophezeiung, (2003)
- Die Prophezeiung - Klassik Edition, (2003)
- Die Prophezeiung - Re-Release, (2003)
- Das Beste aus... Gottes Beitrag und Teufels Werk, (2004)
- Das Beste aus... Gottes Beitrag und Teufels Werk - Limited Edition, (2004)

Singles

- Vater Unser
- E Nomine - Denn sie wissen nicht was sie tun
- Mitternacht
- Wolfen - Das Tier in mir
- Deine Welt
- Das Omen - Im Kreis des Bösen
- Schwarze Sonne
- Vater Unser Part II - Psalm 23
- Das Böse


Pagina: http://www.enomine-germany.de/

Billy ray Cyrus

El rayo Cyrus del Billy será sabido por siempre para el pegadizo, ligero escoge “Achy, el corazón de Breaky,” que se convirtió en un himno línea-que bailaba sobre su lanzamiento 1992. “Achy, corazón de Breaky” hizo Cyrus famoso, pero también demostró ser el su deshacer. No importa cómo él intentó, él no podría escapar la canción, ni podría él repliega el éxito. La música de Cyrus nunca era particularmente innovadora -- debió tanto a la país-roca de las águilas como hizo al traditionalism nuevo del estrecho de Georgey el país nuevo del negro de Clint y de los arroyos de Garth -- pero su musical digno de llegó a ser inaplicable como consecuencia del éxito de “Achy, corazón de Breaky” y su álbum de acompañamiento, algo dio todos. El álbum se convirtió en un éxito de la cruce después de que el solo se convirtió en un golpe, pasando 17 semanas en la tapa de las cartas del álbum. La parte del éxito de Cyrus era debido a sus buenas miradas hermosas, hunky, y la parte de ella era debido al catchiness de “Achy, corazón de Breaky.” Sin embargo, sus buenas miradas y el solos pronto fueron olvidados, y apenas dos años después de que algunos dieron todas gobernaron las cartas, Cyrus desapareció virtualmente de estallido y de las cartas del país y se convirtió en parte de la historia larga de uno-golpeó maravillas.

Enamorado de béisbol, Cyrus se prepuso convertirse en otro banco como él creció para arriba en los Flatlands, KY de Johnny. Mientras que atendía a la universidad de Georgetown en una beca del béisbol, él compró una guitarra y decidía inmediatamente que el atletismo no era la dirección apropiada para su vida. En lugar, él formó una venda llamada Sly Dog con su hermano y se dio un plazo de diez meses para encontrar un lugar al juego. Una semana antes de esa fecha final, el grupo fue a trabajar como la venda de la casa para un club en Ironton, OH, donde permanecían por dos años. Cuando un fuego 1984 destruyó la barra -- y equipo de Cyrus -- él se trasladó a Los Ángeles para perseguir su carrera. Eventual, él decidía volver a Kentucky y conmutó regularmente de allí a Nashville en busca de un reparto de registro. Los expedientes conseguidos Reeves Ole magníficos del mercurio de Del de la estrella de Opry para tomar una mirada, y la división Harold principal Shedd lo firmaron en el verano de 1990. Cuando su primer álbum vino hacia fuera en mid-1992, Cyrus -- con sus buenas miradas, sculpted el cuerpo, y el “Achy infeccioso, corazón de Breaky” -- se convirtió en una sensación el groundbreaking inmediata. Pasando cinco semanas en la tapa de las cartas del país, “Achy, corazón de Breaky” hecho su álbum del principio, algo dio todos, un éxito de la bomba de superdemolición. Para el momento en que bajara de las cartas, había vendido sobre nueve millones de copias y había pasado 17 semanas en la tapa de las cartas del estallido.

A pesar de sus tentativas, Cyrus no podía replegar el éxito de alguno dio todos. Él siguió rápidamente el álbum con él no será el último en el verano de 1993. Inicialmente, el álbum vendió bien, incorporando las cartas del estallido en el número tres, pero cayó cortocircuito lejano de expectativas por solamente estado del platino que alcanzaba. La tormenta en el Heartland, entregado en la caída de 1994, manejó ir oro, aun cuando él fue no hecha caso por la radio del país. Sin embargo, para el momento en que acabara su funcionamiento de la carta, Cyrus se había deslizado del ojo del público. Cuando él volvió con duro-haber afilado, el rastro introspectivo de rasgones en 1996, sus audiencias había desaparecido virtualmente -- el álbum pasó solamente cuatro semanas en las cartas e incluso no fue oro. Tirado por completo del amor seguido en 1998 y lluvia meridional fue publicado dos años más tarde. En marzo de 2001, las pantallas del golpe TV de Cyrus en el papel de un doctor de país se movieron a Manhattan en el doc. del sitcom. Él volvió el mundo de la música con las moscas de 2003's Tiempo y a evangelio-inspirados el otro lado, y en 2006, el mismo año Cyrus apareció en el Hannah Montana, una demostración del canal de Disney starring su hija de la vida real Miley, desea ser tu Joe salió. Montando en la onda del renombre de Hannah Montana, Cyrus lanzó su décimo álbum del estudio, hogar en el último, en 2007 en la etiqueta de Disney. Tom Roland y Stephen Thomas Erlewine, toda la guía de la música

Pagina: http://www.billyraycyrus.com/

Geoffrey Oryema

Oryema creció en una Uganda azotada por la guerra durante el apogeo del reinado de terror de Idi Amin. Oculto en el baúl de un auto, Oryema salió de su país escapando de las fuerzas leales al dictador quienes habían asesinado a su padre político.

Radicado en Francia, este músico ugandés comenzó a desarrollar su carrera gracias a ese talento especial, a esa forma de capturar el corazón del público a través de impresionantes actuaciones. Aunque sus raíces musicales proceden de Uganda, infinidad de influencias de otras regiones de África, y una profunda comprensión de la cultura pop, conformaron su propia y única identidad musical, tan conmovedora como su historia personal.

El recuerdo de aquel forzado viaje y la melancolía por su patria perdida, fueron temas que Oryema plasmó en su primer disco “Exile”, producido por Brian Eno y editado por Realworld, el sello de Gabriel, en 1990. Rápidamente se hizo conocido y comenzó a ser llamado el “Leonard Cohen de África”.

Luego de sus primeros trabajos, Oryema abandó Realworld y se trasladó a Paris donde grabó en dúo con la estrella pop francesa Alain Souchon un trabajo titulado “Bye Bey Lady Dame”, que incluyó el tema “Yè Yè Yè” usado como cortina musical de un famoso show televisivo francés.

Su disco “Spirit”, cantado integramente en inglés y en atcholi (su lengua natal) contó con la participación del célebre productor británico Rupert Hine (Les Négresses Vertes, Underworld, etc.).

En su carrera profesional, Geoffrey Oryema tocó, entre otros lugares, en el estadio de Wembley ante 78 mil personas para celebrar la liberación de Nelson Mandela, en Boston para Amnistia Internacional y en el Carnegie Hall en 1995 junto a Sting.

Horcas

Formacion:

Guillermo De Luca: batería
Osvaldo Civile: guitarra
Sebastián Coria: guitarra
Topo Yáñez: bajo
Wálter Meza: voz

Osvaldo Civile, líder de este grupo, había integrado V8, la banda de heavy metal argentina por excelencia, entre 1983 y 1986. En 1988 trabajó para el nacimiento de Horcas, que sin embargo vio frenado su crecimiento debido al continuo cambio de integrantes.

Con Civile en guitarra líder, Adrián Zucchi en segunda viola, Eddie Walker en bajo, Gabriel Ganzo en batería y Hugo Benítez en voz, el grupo comienza a hacerse de un nombre y, a mediados de 1990, dan a luz su primer obra, "Reinará la tempestad" (ya como cuarteto, con Zucchi alejado de la banda).

La segunda placa, "Oid mortales el grito sangrado" (1992), presentaba una nueva formación (con Oscar Castro, ex -Lethal en segunda viola y Norberto "Topo" Yáñez en bajo), con la cual compartieron cartel con bandas de la talla de Metallica (ante 50.000 espectadores), Motörhead, Exodus, Kreator y Ratos De Porao. Problemas internos y de management provocan un silencio discográfico (aunque no a nivel presentaciones) de casi cinco años.

En 1996 el grupo integra la grilla del Metal Rock Festival, recorriendo el país, y que desembocó en la grabación de un show homenaje a V8 (con Osvaldo Civile en guitarra, Miguel Roldán y Alberto Zamarbide de Logos en bajo y voz respectivamente, y Gustavo Rowek de Rata Blanca en batería) en el estadio Obras, editado en CD como "V8 Homenaje". Por ese entonces, Horcas había realizado su primer cambio de cantante: Christian Bertoncelli (luego Imperio) empuñaba el micrófono.

La edición en 1997 del tercer disco, "Vence", inauguraba otra vez nueva etapa y formación: Sebastián Coria en segunda guitarra, Guillermo De Luca en batería, y Wálter Meza en voz. Encabezaron la segunda edición del Metal Rock Festival, en 1998, show del cual se grabó un CD en vivo, "Metal Rock Festival II", con Horcas aportando el tema "Gritos en tu interior".

En los primeros meses de 1999 ingresaron a estudios para registrar "Eternos", el último disco antes de la muerte de Civile. La última presentación en vivo fue el sábado 24 de abril en El Duende del barrio de Flores.

La banda decidió seguir adelante en homenaje a su alma mater. "Mientras Horcas suene, Osvaldo va a estar presente," decía El Topo Yañez.

Gabriel Lis se incorporó como nuevo guitarrista, para una gira nacional y por los países limítrofes que se extendí hasta el 2000. Ese año inauguraron el IV Metal Rock Festival, cuyo broche de oro fue la mítica banda española Barón Rojo, con quienes Horcas continuó el viaje que los llevó por Bolivia, Panamá y México.

"Horcas vive" fue grabado en vivo el 13 de septiembre del 2003 en Hangar, ante más de 2500 personas y editado en diciembre de ese año. Para entoces, la formación era Topo Yañez (bajo), Wálter Meza (voz), Sebastián Coria (guitarra), Gabriel Lis (guitarra) y Guillermo de Luca (batería).

"Demencial" (2004) fue grabado a fines del 2004 en los Estudios El Pie a las órdenes de Adrián Taverna. Fue presentado en El Teatro, el 15 de octubre de 2005.

Pagina: http://www.horcasoficial.com.ar/

Fueradequicio

El grupo Fueradequicio nace en el año de 1993 con el ánimo de construir una alternativa de expresión musical que plasmara la realidad que se vive en un país como Colombia.

El grupo arranca como un proyecto dedicado al rock mas bien duro. Interpreta temas diversos grupos de la época como Ángeles, Metallica y Barón Rojo. Las primeras composiciones fueron fuertemente influenciadas por los sonidos de este genero.

El grupo inicia su trabajo con presentaciones en colegios, bares y eventos públicos de la ciudad. Se hacen covers de rock en español y se lanzan sus primeras composiciones de genero balada rock y heavy (Tu amor no es para mí, La espiral, Te vas) y otras con corte más funk (Fuera de quicio). Muchas de estas canciones quedaron grabadas en audio y de vídeo y en los buenos recuerdos de la banda.

En 1994 el grupo es escogido para abrir el concierto de las agrupaciones bogotanas COMPAÑÍA ILIMITADA y NOCHES DE LIVERPOOL. Este es el debut de FUERADEQUÍCIO, ante los medios de comunicación y ante un público más numeroso.

En 1996 FUERADEQUICIO se presenta en un concierto en la plaza de toros de Popayán al lado de los ATERCIOPELADOS de Bogotá y ESTADOS ALTERADOS de Medellín recibiendo muy buenas criticas del público y de los dos grupos visitantes.

Un año más tarde abre el concierto de ATERCIOPELADOS y los puertorriqueños SANDY Y PAPO, en el estadio de Popayán, con masiva participación del público. La invitación meses después a participar en el festival internacional musical en la ciudad de Tunja, previo concurso con muchas bandas colombianas, no se concreta debido a la falta de recursos. En 1998 FUERADEQUICIO viaja a Santa fe de Bogotá a participar en un concurso organizado por SONY Colombia para buscar nuevos talentos. Llega a la final y es catalogada por los jurados y disjockeys de varias emisoras de la capital como una de las cinco bandas de rock mas importantes del año.

En 1999 FUERADEQUÍCIO se presenta junto al grupo EKHYMOSIS en Popayán. Para ésta época empieza a sentirse la influencia de los sonidos latinos, presentes en su reciente grabación. Las letras y armonías son ahora más pensadas, maduras y trabajadas. Se incorporan arreglos nuevos y el rock clásico se fusiona con otros instrumentos de viento, percusión y cuerda que enriquecieron el sonido de la banda. Aparecen también instrumentos de la tradición popular caucana como flautas y tamboras. Todo esto permite una mayor libertad de creación y contribuye a consolidar nuevas propuestas creando un sonido y una identidad propia.

En la actualidad el grupo está al frente de una fundación sin animo de lucro para la investigación de ritmos y manifestaciones musicales autóctonos de la región. El objetivo es convivir, conocer y aprender de toda esa riqueza musical tan poco valorada, y enriquecer así su propuesta musical, convirtiéndose en colaboradores de otros jóvenes con intereses de creación musical

FUERADEQUÍCIO cuenta con un equipo de mas de doce personas entre músicos, técnicos y personal de staff. Ha realizado mas de 150 presentaciones en ciudades como Bogotá, Cali y el departamento del Cauca. Su versatilidad en el escenario hace que fácilmente se pase de lo clásico del blues y el rock duro, a ritmos más caribes como el ska, haciendo de todo concierto una fiesta de energía y buena vibra.

El primer trabajo del grupo FUERADEQUICIO, lleva el nombre de la banda y es una selección de canciones que plasma su experiencia musical a lo largo de casi diez años.

Su pre-producción empezó en el mes de diciembre del 2001. Las grabaciones y la mezcla se realizan en los estudios Sonolab de Popayán entre el 20 de febrero y el 30 de abril del 2002. Este trabajo saldrá al mercado nacional en el mes de junio del 2003.

Todas las canciones del disco son originales del grupo, con excepción de "Zamba para olvidarte", versión libre de la canción tradicional suramericana.

Formacion

Freddy Marín: guitarra líder Experiencia musical: formación en guitarra popular y ejecución de instrumentos como el tiple, el cuatro, requinto y bandola. Ha representado al Cauca en encuentros musicales y culturales dentro y fuera del país, y participado como músico invitado en múltiples conciertos.

Damián Chávez: batería Experiencia musical: formación como percusionista en música típica del Cauca y de Colombia. Integrante desde los nueve años de la agrupación AIRES DE PUBENZA, con instrumentos como la tambora, redoblante, mates, marcantes, repicador y flauta traversa de carrizo. Ha representado al Cauca y a Colombia en el ámbito nacional e internacional en encuentros e intercambios culturales.

Carlos Miguel Varona: voz y armónica

Experiencia musical: todo lo realizado con FUERADEQUICIO y proyectos anteriores y actuales del mismo género.

Luis Fernando Montenegro: bajo eléctrico y coros Experiencia musical: formación en contrabajo, guitarra clásica y canto en el conservatorio de la Universidad del Cauca, música latinoamericana y folclórica.

Juan Pablo Bonilla: percusión adicional Experiencia musical: proyectos anteriores del mismo género, así como percusionista de grupos de música latinoamericana y folclórica.

Pagina: http://www.myspace.com/fueradequicio

Eminem

Eminem es el nombre artístico de Marshall Bruce Mathers III (nacido el 17 de octubre de 1972). Es el músico de rap más popular y controvertido del mundo. Su nombre artístico proviene de la unión de las iniciales de Marshall Mathers: em ’n em (‘M y M’, en inglés).

Es conocido por ser uno de los pocos raperos blancos que han tenido éxito en la industria y también uno de los más criticados. Se destaca por sus letras controvertidas, de contenidos crudos y excesivamente violentas.

Hasta el momento sus álbumes han logrado vender más de 90 millones de copias alrededor del mundo.[1]

Inicios

Marshall Bruce Mathers III nació el 17 de octubre de 1972 en Saint Joseph (Misuri). Su padre (Marshall Mathers II) lo abandonó cuando era muy pequeño, por lo que pasó la mayor parte de su niñez entre Saint Joseph y los suburbios de Detroit (Míchigan).

Interesado en el rap desde una edad muy temprana, Proof (DeShaun Holton)y matias alfaro el que seria su futuro mestro se acercaron a Eminem y comenzaron a rapear a los catorce años, por iniciación de su tío Ronnie (de la misma edad que él). Más tarde consiguió algo de popularidad con su grupo Soul Intent.

Su esposa Kim dio a luz a su hija, Hailie Jade Scott, el 25 de diciembre de 1995.

En el mismo año, lanzó su primer álbum independiente, llamado Infinite. No tuvo mucha fama ya que muchas personas se quejaron de que robaba su estilo. Pero en 1999 lanzó The Slim Shady LP ,que lo llevó directo a la fama. Llegó a ser famoso en el underground del hip hop por su distintivo estilo cómico o más bien sarcástico y por el hecho de que era blanco (algo raro en el mundo del rap, especialmente en el rap gangsta). Lo denominaron “la gran esperanza blanca” del rap.

Se dice que Dr. Dre encontró un demo de Eminem en el suelo del garaje de Jimmy Iovine, jefe de la firma Interscope. Aunque esto no lo llevó directamente a un contrato de grabación, una vez que Eminem consiguió el segundo puesto contra Otherwize en la batalla de MCs de las Olimpiadas de Rap (de 1997), Dr. Dre aceptó firmar con él.

Dándose a conocer

Cuando se unió a Interscope, Eminem lanzó The Slim Shady LP,que fue el CD más exitoso de todos (según una votación de Detroit), siendo triple platino. Con el enorme éxito del álbum vino la controversia por muchas de sus letras. En la canción 97 Bonnie and Clyde, Eminem describe un viaje con su hija pequeña, llevando los cuerpos de su mujer, su amante y su hijo. Otra canción, Guilty Conscience termina con Eminem y Dr. Dre alentando a un hombre a asesinar a su mujer y su amante. Además Eminem participa en el segundo álbum póstumo de The Notorious B.I.G., Born Again con el tema Dead Wrong que fue lanzado como segundo sencillo.

The Marshall Mathers LP se lanzó en mayo de 2000, y rápidamente vendió 2,5 millones de copias. El primer sencillo del álbum, The Real Slim Shady, produjo un poco de revuelo al decir ciertas cosas y lanzar rumores dudosos sobre algunos famosos. En la canción, Eminem dice, entre otras cosas, que Christina Aguilera tuvo sexo oral con Fred Durst (de Limp Bizkit) y Carson Daly (de MTV TRL). En el tercer sencillo, Stan (usa la canción original de Dido, Thank You), Eminem contaba la historia de un fan tan obsesionado con él que termina suicidándose debido a que no recibía respuesta a las constantes cartas que le enviaba.

Contragolpe

Con el gran éxito de su segundo álbum, la controversia que rodeaba a Eminem creció aún más, especialmente cuando The Marshall Mathers LP fue nominado al Grammy como mejor disco del año.

Aunque Mathers siempre había dicho que sus letras no tenían que tomarse en serio, y que él no tenía nada en contra de los homosexuales o las mujeres, el grupo de derechos de los homosexuales GLAAD organizó un boicot contra Eminem en los Grammy. Mathers respondió a esto cantando la canción Stan en el escenario con el cantante Elton John (que es homosexual), acabando la actuación abrazando a John para demostrar que él no tenía nada en contra de los homosexuales. Aunque este gesto impactó a muchas personas, no consiguió apaciguar a todos sus críticos.

Como uno de los seis miembros del grupo de rap D12, Eminem participó en el álbum Devil's Night, lanzado en 2001. El álbum fue multiplatino. Contenía el sencillo Purple Hills. Otra canción, Blow My Buzz, formaba parte de la banda sonora de la película The Wash (2001), en la que Eminem hacía un cameo.

El tercer álbum de Eminem, The Eminem Show salió a a venta en el verano de 2002. Incluía el sencillo Without Me, aparentemente una secuela de The Real Slim Shady en el que hace comentarios despectivos sobre los grupos de chicos (boy bands), Moby, y Lynne Cheney, entre otros.

El 19 de noviembre de 2003, Eminem volvía a estar envuelto en controversia cuando una cinta de cassette fue reproducida durante una conferencia de prensa de The Source Magazine. La cinta grabada cuando Eminem tenia aproximadamente 15 años, presentaba a un joven Mathers cantando un rap freestyle (estilo libre) en el que menospreciaba a las mujeres de color, concretamente a una chica negra que lo había rechazado. En la cinta decía que —en comparación con las mujeres de piel blanca— las negras eran “estúpidas”.

El 8 de diciembre de 2003, la Agencia de Seguridad Nacional admitió que había estado considerando denuncias de que Mathers había amenazado al presidente de los Estados Unidos después de que la canción no editada We As Americans se distribuyera por Internet. La letra en cuestión:

Fuck money.
I don't rap for dead presidents.
I’d rather see the president dead.
It’s never been said, but I set precedents.

Me cago en el dinero.
Yo no rapeo para presidentes muertos.
Más bien preferiría ver al presidente muerto.
Esto nunca se había dicho antes, pero yo marco precedentes.

En el 2004 Eminem volvió a participar con su grupo de rap D12 en su segundo álbum D12 World, en el cual My Band, 40 Oz. y How Come se convirtieron en unas de las canciones más populares del álbum, este álbum también fue dedicado a Bugz, miembro del grupo el cual murió en 1999 con la canción Good Die Young la cual es una de las razones por la cual él vendió más de 500.000 copias en su primera semana.

El 12 de noviembre de 2004 Eminem sacó su cuarto álbum titulado Encore. Aunque no fue tan exitoso como The Marshall Mathers LP y The Eminem Show, éste también generó controversia.

Controversias

El primer sencillo de Encore, Just Lose It, recibió críticas de Michael Jackson debido a que en el video musical se muestran parodias de él, por ejemplo cuando se le quema el cabello y se le cae la nariz, el álbum tiene dos skits en las cuales se muestran hechos de este problema.

La canción Mosh es una crítica al presidente George W. Bush. El video musical de esta canción muestra a Eminem reuniendo a un enorme grupo de gente que están contra Bush para votar en las elecciones presidenciales, el video finaliza con la frase “Vote on November 2nd” y Eminem votando. Al Bush ganar las elecciones, se editó un segundo video de Mosh, en donde Eminem y su gente atacan la Casa Blanca.

Uno de los enemigos de Eminem, Benzino encontró una cinta de Eminem cuando era niño donde decía cosas racistas sobre los negros, él rápidamente contestó con Yellow Brick Road, en donde se “disculpa” reemplazando el insulto racista con un insulto misógino:

But I've heard people say they heard the tape and it ain't that bad
But it was I singled out a whole race and for that apologize
I was wrong cuz no matter what color a girl is: she’s still a bitch

Pero he oído que hay personas que dicen que escucharon la cinta y no estaba tan mal.
Pero yo estaba insultando a toda una raza y por ello pido disculpas.
Estaba equivocado, porque no importa de qué color sea una chica, sigue siendo una puta.

La mayoría de los oyentes de Eminem aceptaron estas disculpas (obviamente con excepción de Benzino).

Posible retirada de Eminem

Después de la muerte de Proof (DeShaun Holton, el mejor amigo de Eminem) sus fans generaron rumores de que se retiraría, a partir de varias cosas que se muestran en Encore, por ejemplo la portada (donde sale Eminem despidiéndose), la canción Encore (donde al final las cortinas se cierran, Eminem mata al público presente y al final se mete un disparo) y las últimas líneas de la canción (See you in hell, fuckers: os vere en el infierno, hijos de puta’).

Pero meses después salió el álbum de grandes éxitos Curtain Call: The Hits, que salió el 5 de diciembre de 2005, y su sencillo When I’m Gone. Eminem declaró que sólo quería tomar un descanso y dedicarse a ser productor, pero que no se iba a retirar. Eminem prepara un nuevo disco y una película.

Regreso de Eminem

Durante todo el 2006 sus fans continuaron esparciendo el rumor de que Eminem se iba a retirar, a pesar de que él lo había negado. A finales del año Eminem lanzó un álbum llamado Eminem Presents: The Re-Up. Su finalidad era promocionar a los nuevos miembros del grupo Shady Records, los cuales son Ca$his, Bobby Creekwater y Stat Quo. Los tres piensan sacar un álbum en 2007. El primer sencillo del álbum fue You Don't Know el cual Eminem esta acompañado de 50 Cent, Lloyd Banks y Ca$his y el segundo sencillo, Jimmy Crack Corn, fue lanzado en 2007.

Actualmente se espera que el quinto álbum de Eminem, King Mathers sea lanzado en 2008 en el cual pueden visitar una pagina llamada http://www.kingmathers.com en el cual te puedes incribir a esta pero aún se sabe muy poco de este álbum. Eminem ha asegurado que se trata del regreso de su alter-ego, Slim Shady.

Eminem finalmente regresa con un nuevo mixtape junto con D12 se llamara Return of the Dozen y saldra a la venta en algunos estados de Estados Unidos el 20 de mayo de este año.

Actualmente Eminem estará en un concierto dedicado a Mandela se dice que ese podria ser el regreso de este cantante

Eminem como actor

En el 2001 Eminem actúa en la película producida por Dj Pooh The Wash, en donde comparte créditos con Snoop Dogg, Dr. Dre, Shaquille O'Neal y Ludacris.

Eminem hizo su debut en Hollywood con la película 8 Mile (Milla 8), que se estrenó en noviembre de 2002. Grabó muchas canciones nuevas para la banda sonora, incluyendo Lose Yourself, la cual ganó un Oscar a la mejor canción. También ha prestado su voz al programa Crank Yankers y a unos dibujos animados de Internet llamados The Slim Shady Show, que después se vendería en DVD.

En noviembre de 2006 se anunció su retorno al cine. Tras haber rechazado varios trabajos (entre ellos el film Jumper, que finalmente protagonizó Hayden Christensen) finalmente se decantó por participar en la adaptación cinematográfica de la serie del Oeste de los años cincuenta Have Gun - Will Travel.[2] En el film 8 Mile (Milla 8) se muestra la difícil vida que sufrió Eminem, en los suburbios (a 8 millas del centro de la ciudad de Detroit).

Relaciones

Actualmente Eminem está divorciado por segunda vez de su esposa, Kim Mathers, con quien contrajo matrimonio por segunda vez en 2006, y con quien tiene su única hija Hailie Jade. También adoptó a su sobrina Alaina, hija de la hermana de su ex esposa. Mantuvo una corta relación con la actriz Brittany Murphy, pero él dijo haberla dejado en medio de una llamada telefónica. También dice haber mantenido una relación con la cantante Mariah Carey, pero esta siempre lo ha negado. Ahora parece ser que Eminem comenzó una relación amorosa con Marni Bright, que trabaja donde el músico graba sus canciones.

En 2008

El mejor rapero del mundo esta pasando por una de las peores rachas.Fue ingresado por una neumonia.Por desgracia se aficiono a la comida basura y se pasaba los dias encerrados en su casa.Gano bastantes kilos.Pero todo ocurre por alguna razon y la marca de adelgazamiento Slim fast se le ocurrio la idea de tener al rapero en sus filas asi los dos ganarian eminem recuperaria su aspecto fisico(aparte de un suculento contrato) y la marca tendrian a eminem en la publicidad y esta siguiendo un dieta estricta y se espere que salga su disco este verano King Mathers

Pagina: http://www.eminem.com/

Alter Bridge

Alter Bridge es una banda de Metal y Hard-Rock americana formada por Mark Tremonti, Brian Marshall y Scott Phillips (ex-miembros de Creed), con Myles Kennedy (ex-vocalista y guitarrista de The Mayfield Four).

Alter Bridge lanzó su álbum debut One Day Remains el 10 de agosto de 2004, con su primer sencillo "Open your Eyes", al que siguieron "Find The Real" y "Broken Wings".

Blackbird, su segundo álbum de estudio, salió a la venta el 9 de octubre de 2007. El primer sencillo de este álbum, "Rise Today", salió a la venta el 30 de julio de 2007.El 2 De Enero del 2008, "Watch Over You " fue nombrado el segundo Single de Blackbird.

Historia

Alter Bridge se forma en 2004 por los ex-miembros de Creed Mark Tremonti, Scott Phillips y Brian Marshall. Marshall había abandonado Creed anteriormente por diferencias con el cantante Scott Stapp. Sin embargo volvería a unirse a sus antiguos compañeros en este proyecto. El cantante Myles Kennedy sería el último en unirse.En ese mismo año Edge de la WWE adopto la canción Metalingus para su entrada.

La banda probó varios nombres antes de decidirse por Alter Bridge. El nombre vino de un puente construido en la ruta Alter Road, en las cercanias de Detroit, Michigan, cerca de la casa donde Tremonti había crecido. El puente está en una intersección de Alter y Korte, la cual constituye la frontera entre las ciudades de Detroit y Grosse Point Park, en Michigan, donde Mark vivió su infancia. Se trataba de un límite que Tremonti tenía prohibido cruzar por lo cual asoció siempre a lo nuevo y lo desconocido, así como la elección. Otros nombres que la banda llegó a considerar fueron "Downright" y "One Day Remains".

Alter Bridge firmó con Wind-Up Records y publicó su álbum debut, One Day Remains, el 10 de agosto de 2004. El álbum produjo tres sencillos y alcanzó el disco de oro en Estados Unidos y el de platino internacionalmente.

En abril de 2006, Alter Bridge anunció el final de su relación con Wind-Up Records. Parece ser que el motivo de la renuncia de su grabación fue que la producción de Wind-Up presionó a la banda a reunirse con su anterior vocalista de su ex banda Creed. Scott Stapp Comenzó, tiempo después de separarse de Creed, a grabar nuevamente en Wind-Up Por lo que también recibió la presión de volver a formar Creed, al igual que los miembros de Alter Bridge. Poco después, el 25 de mayo de 2007, finalizan la grabación de su nuevo álbum. El 9 de julio de 2007 anuncian la firma de un nuevo contrato discográfico con Universal Republic Records.

El ultimo álbum titulado Blackbird, fue lanzado el 10 de Octubre de 2007. Su primer single se titula "Rise Today" el cual fue usado como tema oficial de WWE Unforgiven 2007,y su video ya circula en internet. Parece que el tema "Watch Over You" también está sonando con frecuencia en las radios de los EE.UU. y quizá podría convertirse en el próximo single del álbum. Aunque el tema "Ties That Bind" ya ha sido confirmado como próximo single.

Alter Bridge aparecera este año en festivales de musica como el Download Festival 2008, Rock on the Range En Mayo 18, Pinkpop Festival En Mayo 30, Rock Im Park En Junio 7, Rock Am Ring En Junio 8, Nova Rock Festival el 15 de junio y el Hultsfredsfestivalen que será el 13 de Junio

Otros Notables Trabajos

* Durante el 2005 Home Run Derby en Detroit, Michigan, Alter Bridge, junto con el centro de fielder Johnny Damon y el receptor Mike Piazza, tocaron la Cancion "Open Your Eyes"
* Tras una invitación del Reino Unido por la revista Total Guitar para Mark que tenia que ofrecer una lección de guitarra, la canción "Rabo Ahavo Taco Salad" nació. Si bien en un principio supone que únicamente la participación de Mark, el resto de la banda también se involucró.
* Alter Bridge ha autorizado varias de sus canciones a la programación de WWE, entre ellos "Find The Real" para el Royal Rumble 2005, y "Metalingus" de la superestrella Edge. Actuaron en un episodio de WWE Raw. La Cancion "In Loving Memory" también fue utilizado por WWE como el respaldo a un homenaje a la muerte de Lord Alfred Hayes y Eddie Guerrero. "Rise Today" fue utilizado como la canción oficial de su evento PPV WWE Unforgiven 2007.
* Alter Bridge contribuyo la canción "Save Me" a la banda sonora de Elektra: El álbum.
* Alter Bridge contribuyo la canción "Shed My Skin" a la banda sonora de Los 4 Fantasticos: El álbum.
* Alter Bridge Tocó la cancion "Open Your Eyes" En los [[ADSL 2004]
* "Find The Real", fue realizada por Alter Bridge en el Tonight Show con Jay Leno en 2004.
* "Open Your Eyes" fue Realizado por Alter Bridge en el Jimmy Kimmel Live!.
* "Rise Today" fue destacado en la introducción a los Cachorros de Chicago - cardenales juego de lunes por la noche en ESPN el 20 de agosto de 2007.
* "Rise Today" apareció en el Background de la CBS del nuevo spot promocional para la próxima temporada de CSI: Miami.
* "Rise Today" apareció en el Background de Fox el nuevo spot promocional para el próximo drama de Terminator: Las Crónicas de Sarah Connor.
* "Open Your Eyes" Aparece en el video juego Madden 2005

Pagina: http://www.alterbridge.com/