La Barranca

La Barranca surge de manera informal a finales de 1994, cuando el guitarrista José Manuel Aguilera y el bajista Federico Fong se juntan en la Ciudad de México para grabar algunas canciones en una grabadora de cinta de 4 canales. Las canciones ahí grabadas (Al Final de la Playa, Los Muertos, El Sur y Tu Boca) señalan a los músicos la posibilidad de una ruta nueva, de un sonido diferente que los impulsa a trabajar más piezas en esa dirección.

José Manuel y Federico habían tocado juntos por primera vez en un escenario al lado del Doctor Fanatik en 1992, en un proyecto de música y performance llamado La Suciedad de las Sirvientas Puercas. De corta duración, este proyecto también representó la posibilidad de tocar con el baterista Alfonso André, con quien ambos ya habían trabajado por separado en diferentes ocasiones.

Al concluir esta banda, José Manuel invita a Federico a colaborar con Sangre Asteka, grupo con el que había grabado un disco homónimo en 1990, al lado del acordeonista Humberto Álvarez, y al que se incorpora Federico para darle vida en los escenarios. José Manuel y Alfonso André también continúan viéndose eventualmente y hacen música como dúo, aunque sin presentarse nunca en vivo.

Federico colabora así con Sangre Asteka hasta finales del 93. Pero el contacto con José Manuel permanece y es así que, tras la disolución de Sangre Asteka en el 94, los músicos se juntan para trabajar ese grupo original de canciones.

A estas se suman algunas otras que José Manuel había desarrollado por su cuenta en las etapas finales y posteriores a Sangre Asteka, entre las que se encontraban La Barranca y El Síndrome. Tras un periodo de composición que arroja temas como Reptil, Quémate Lento y Esa Madrugada Aguilera y Fong han acumulado suficiente material como para grabar un disco, y se avocan a esta tarea. Aun no tienen nombre para esta grabación ni para el grupo, ni se han presentado en vivo.

Para la realización de este disco era necesario encontrar a un baterista. Tras varios intentos y pruebas, José Manuel y Federico acaban por decidirse por su conocido colega, Alfonso André, quien se integra a la música de manera natural y entusiasta, dándoles a estas piezas el ingrediente final para que cobren vida.

Es así como se embarcan en la producción de lo que sería El Fuego de la Noche. La grabación se realiza en Guadalajara, en la semana santa de 1995. Es ahí cuando, a sugerencia de Alfonso, la banda decide adoptar como nombre el de una de las canciones grabadas ese fin de semana, una que los convence de haber dado vida a una nueva entidad musical: La Barranca.

Es con este nombre como se presentan finalmente en el escenario del Bar Mata, en el centro de la Ciudad de México, en septiembre de 1995.

El proceso de terminación del disco es prolongado y aparecerá hasta mediados del 96. Para entonces los músicos han incorporado algunas piezas más, entre ellas El Alacrán, para la cual invitan a colaborar al violinista Jorge Cox Gaitán.

Cox graba también partes de violín en Akumal, otra de las piezas del disco y, cada vez que es posible, acompaña a La Barranca en el escenario.

Algo similar sucede con la cantante Cecilia Toussaint, quien graba varias armonías y arreglos vocales para el disco, y es también frecuente invitada en las presentaciones en vivo de la banda.

A su salida, El Fuego de la Noche recibe incontables reconocimientos y nominaciones. Es considerado como el mejor disco del año por la crítica de la publicación argelina La Banda Elástica. En México su impacto es similar, y las revistas especializadas de la época los incluyen unánimemente entre los mejores de ese año y a La Barranca como grupo revelación. Algunos años después el disco será también considerado entre los 50 mejores del rock en español, tanto por la revista La Banda Elástica, como por Switch de México.

Pero es la relación que establece el disco con el público y el efecto que tiene para la banda, como la piedra inicial de su trayectoria, la que lo vuelve aun más especial. El Fuego de la Noche es también pionero en la producción independiente, pues pese a licenciarlo después a varias compañías, la producción original del mismo es realizada por el propio grupo para el sello independiente Opción Sónica, hoy extinto.

Antes de la salida del disco, también, José Manuel y Federico son invitados por André y Saúl Hernández para grabar un disco en Los Ángeles, de lo que sería una nueva banda llamada Jaguares. Los músicos aceptan la invitación, a condición de continuar paralelamente con su trabajo con La Barranca. El resultado de esta grabación es El Equilibrio de los Jaguares, disco debut de la banda, que aparece en septiembre de 1996.

Tras hacer giras por México y Estados Unidos en apoyo de ambos trabajos, para 1997 Aguilera y Fong deciden continuar exclusivamente con La Barranca. Para entonces se ha integrado formalmente a la banda Cox Gaitan. Y es así, como cuarteto, que la banda graba su segunda producción: Tempestad.

El disco se graba en la Ciudad de México en 1997 para BMG-Ariola. Aparecen en él las piezas primigenias de la asociación Aguilera–Fong, Al Final de la Playa y Los Muertos. Pero a estas se unen muchas más, compuestas específicamente para el disco, entre las que están Tempestad, Como una Sombra, La Caída y Día Negro. Esta última recibe, por única vez, cierta difusión radial e incluso genera un video. Acaba siendo una de las piezas más conocidas del grupo.

El disco es reconocido como Mejor del Año por la revista La Mosca, quien años más tarde lo incluiría también como uno de los primeros discos mexicanos en su sección central, La Nueva Música Clásica.

Pero el reconocimiento al disco se expande por todas las publicaciones. A mediados del 98 Día Negro da pie a un maxi-single que incluye varias versiones remezcladas por el pianista Alex Synteks. La Barranca empieza a realizar viajes al extranjero.

A mediados del 99 el grupo se embarca en su tercera producción, de nueva cuenta independiente y como trío, llamada Rueda de los Tiempos. El disco incorpora toda una variada gama de instrumentos a los arreglos, desde pianos hasta loops electrónicos, lo que le imprime diversidad a cada una de las piezas. Entre estas, algunas se vuelven definitivas en las presentaciones en vivo de la banda: Llueve, Paraíso Elemental, Estallido Interno y el danzón La Fuga de Rubén.

El disco nuevamente acumula reseñas favorables y La Barranca se establece como una referencia en el rock hecho en México.

Entre la larga lista de créditos, aparece el nombre de Alejandro Otaola, guitarrista del grupo Santa Sabina, quien desde hace algunos meses había venido colaborando con la banda en sus presentaciones en vivo. José Manuel y Alejandro habían coincidido en el escenario en algunas presentaciones de ambas bandas, y de ahí había surgido el interés por trabajar juntos.

En el 2001 La Barranca hace una pausa. Federico se va a radicar al extranjero y José Manuel Aguilera edita un disco de música instrumental, Yendo al Cine Solo. Para las presentaciones en vivo del mismo se conforma una banda con algunos de los participantes en el disco, entre los que está el propio Otaola, José Maria Arreola en la batería (quien había estado alternándose en las presentaciones en vivo de La Barranca con Alfonso André, desde la salida de Rueda de los Tiempos) y su hermano Alonso, en el bajo.

Es con esta formación de cuarteto con la que La Barranca entra al estudio para continuar su trayectoria, en una segunda reinvención.

Así, graban Denzura en el 2003, al que le sigue, en 2004, un EP de distribución exclusiva a domicilio vía internet llamado Cielo Protector. Ambos trabajos, de alguna manera relacionados, continúan desarrollando las búsquedas y hallazgos de La Barranca, e incorporan las aportaciones musicales de los nuevos integrantes. De ahí se desprenderían un par de videos (entre ellos el de Animal en Extinción, que contó con la participación del actor Daniel Jiménez Cacho).

Los discos continúan generando respuestas altamente positivas en los medios especializados. La Barranca visita ciudades de México, Estados Unidos y viaja a Francia. Con los hermanos Arreola y Alex Otaola, La Barranca adquiere una nueva continuidad y sus presentaciones en vivo se convierten en plataforma para el virtuosismo instrumental de sus integrantes.

En 2005, con esta misma formación, graban El Fluir, en la ciudad de Monterrey. El disco es grabado parcialmente en vivo en el estudio, con un mínimo de elementos adicionales. Considerado entre los 10 mejores del año por la revista Rolling Stone y como el Mejor del año por La Mosca, del disco se desprenden temas como Zafiro, El Fluir, Ser un Destello y Por Donde Pasas, que rápidamente son incorporadas al repertorio en vivo de la banda. Así como Pare de Sufrir, de la que se graba un video.

La Barranca se presenta en el Festival Mexico Now, en la ciudad de Nueva York y también participa como invitada a la FIL en Guadalajara.

En el 2007, Alfonso André y Federico Fong retornan a La Barranca para una tercera reinvención de la misma. Así, nuevamente como trío y de manera independiente, el grupo se reúne en el Submarino del Aire, estudio de larga trascendencia para ellos, donde han sido grabados los discos Tempestad, Rueda de los Tiempos, Denzura y Cielo Protector.

En estrecha colaboración con Eduardo del Águila, responsable y coproductor de los tres últimos discos del grupo, Alfonso, Federico y José Manuel graban Providencia, el séptimo disco de La Barranca.

A la par de PROVIDENCIA, sacan un disco con 22 cortes melodicos llamado CONSTRUCCIÓN, un album que recoje las bases musicales de PROVIDENCIA, adicionandole un nuevo material grabado ex profeso para el disco, así como piezas inéditas.

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Etta James

Jamestta Hawkins (Los Ángeles, 25 de enero de 1938), más conocida por su nombre artístico Etta James, es una cantante estadounidense de géneros soul y rhythm and blues.

Inicios

James fue prodigiosa en su tono de voz y produjo que se convirtiera en una cantante de gospel, interpretando en el coro de su iglesia de barrio en Los Ángeles. Empezó a interpretar en la radio a los cinco años, bajo la tutela e instrucción del profesor James Earle Hines. Se trasladó a San Francisco en 1950, formando de inmediato un grupo con otras dos cantantes. Cuanto tenía 14 años, presentó su primera audición con el director de orquesta Johnny Otis.

Carrera musical

Carrera con Peaches

Gracias a los deseos de su madre, Etta regresó a Los Ángeles para grabar "Roll With Me Henry" con la banda Otis y el vocalista Richard Berry para la compañía discográfica Modern Records. Otis al trio vocal como Peaches (más tarde, un apodo de Etta). "Roll With Me Henry" llegó a los primeros puestos de las listas de éxitos en 1955.

The Peaches se disolvió pronto y Etta siguió cantando para Modern Records a lo largo de toda la década de los cincuenta (frecuentemente bajo la supervisión del saxo Maxwell Davis). "Good Rockin' Daddy" fue otro éxito a finales de 1955, aunque otras canciones como "W-O-M-A-N" y "Tough Lover" no lo fueron tanto.

Carrera como solista

En 1960 pasó a la discográfica Chess Records de Chicago, cantando para la subsidiaria Argo. Inmediatamente, su carrera alcazó un nivel altísimo de popularidad; no sólo hizo un par de dúos con su novio (el cantante líder de los Moonglows, Harvey Fuqua), sino que individualmente grabó canciones como la apasionada balada "All I Could Do Was Cry", alcanzando lo más alto de las listas de éxitos de R&B. Leonard Chess entendió a Etta como una cantante clásica de baladas con un potencial añadido para la canción popular, e hizo que la acompañase una orquestación de violines para su grabación de los temas At Last y Trust in me en 1961. No obstante, Etta no abandonó su lado más áspero: en 1962 grabó "Something's Got a Hold on Me", con tonos de gospel, en 1963 un vibrante disco en directo (Etta James Rocks the House) grabado en el New Era Club de Nashville, y en 1966 un dueto blusístico, "In the Basementcon", con su amiga Sugar Pie De Santo.

En 1967 grabó uno de sus temas clásicos, "Tell Mama", una balada soul optimista que contrastaba con otros temas más dramáticos de la misma sesión como "I'd Rather Go Blind". A pesar de la muerte de Leonard Chess, Etta permaneció en la compañía hasta 1975, aproximándose hacia el final a la música rock.

Tras unos años difíciles, regresó en 1988 con un disco para Island titulado Seven Year Itch, que reafirmó su maestría en el soul sureño. Sus siguientes discos fueron variados, aproximándose tanto a la música más contemporánea (en 1990 con Sticking to My Guns) como a la emotividad más explícita (en 1992 con The Right Time), pasando por algunas aproximaciones al jazz y a la música navideña, como en 1998 con Etta James Christmas.

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Ian Hunter

El veterano Ian Hunter, uno de los iconos decisivos del rock de nuestro tiempo regresa e españa a ofrecernos una autentica velada de rock n roll, como ya lo hiciera en el 2004 en unos conciertos en los que contó con el gran mick ralphs, guitarrista de mott the hopple y bad company, como apoyo indispensable y dejó la impronta de ser uno de los pocos rockers que juegan en la liga de las estrellas, esa que alinea, entre otros a Dylan, Petty, Mellencamp, Young, Hiatt...

Nacido en 1946, cantante, compositor y pianista, se incorporó a moot the hopple en 1969, siempre estuvo muy influenciado por Bob Dylan y de su gusto de mezclar las letras inteligentes con el poder de las guitarras.

Tras probar suerte en el mercado discográfico con cuatro autenticas gemas musicales que, sin embargo, no tuvieron una gran repercusión en ventas (Mott the hopple (1969), Mad shadows (1970), Wildlife (1971) y Brian Capers (1972), fueron rescatados, antes de su separación por un David Bowie que realizó un giro en su trayectoria hacia un extremo más glam, tanto en su imagen como en su música, de esta manera grabaron su clásico all the young dudes (1972) , autentica obra maestra del género, que con la producción del “duque blanco” les catapultó a lo más alto de las listas de ventas y popularidad.

Tras este disco vendría mott (1973) cuyas ventas fueron también notables en el mercado norteamericano, sin embargo las rencillas personales con mick ralphs llevaron a este a abandonar el grupo para formas bad company junto a paul rodgers.su sustituto fue mick ronson, guitarrista de david bowie, con quién, tras grabar un exitoso live (1974) se instaló en solitario.

Artista de culto y leyenda del rock, ha grabado y tocado con todos los grandes nombres del firmamento rockero y a colaborado y promocionado a bandas que más tarde se convertirían en leyenda, como los generation x de un primigenio billy idol.

Grandes discos en solitario como los clásicos you´re never alone with a schizophrenic (1979), yui orta (1989), o más recientemente heaven and hull (1994) en homenaje al fallecido mick ronson u once bitten twice shy (2000), le han mantenido al pie del cañón, aunque de una manera más relajada, en el mundo de la música.

Su última visita a nuestras tierras data del 2004, en el cual y con su banda ian hunter & the rant band sacudió europa en una autentica demostración de cómo se hacen las cosas bien y como rodearse de grandísimos músicos, como son mick ralphs, andy york ( john mellencamp, nils logfren) ian gibson (the kinks) o steve holley (joe cocker band).

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Colin James

Colin James es un viajero. Como uno de los mejores guitarristas de Canadá, ha sido visto en casi todo el mundo, ha ganado muchos premios de la industria y un reconocimiento internacional por su versatilidad como guitarrista y por su inolvidable voz. Su variado catálogo de estilos incluye el blues/rock que le ha dado a conocer, la big band y sobre todo su primer amor musical: el blues. Su música es un viaje que le ha transportado hasta su octavo disco de larga duración, Traveler. El álbum producido por el canadiense Mark Howard (Lucinda Williams), fue grabado y mezclado básicamente en el fabuloso estudio Paramour de Los Angeles.

“Cuando vi por primera vez el Paramour, venía para una escucha de lo que estaban grabando (Lucinda y el productor Mark Howard), para el último disco de Lucinda Williams. Era ya el final de la jornada y cuando me acercaba a la entrada, me encontré con una enorme piscina de mármol, mientras caminaba hacia la sala principal donde se realizó la grabación. Las luces del centro de Los Angeles estaban justo ahí abajo y desde la colina donde se encuentra la casa hay una perspectiva de 360 grados”, recuerda Colin. “Mark y yo veníamos hablando de trabajar juntos en un proyecto de grabación que se convertiría en una experiencia muy excitante”.

Como en su anterior álbum, Fuse, Colin colaboró con su buen amigo Craig Northey para escribir una serie de canciones para Traveler. “Siempre quise escribir una balada al estilo Motown”, dice. “Cometí un error, fue lo más parecido que nunca pude haber hecho, lo cual me gratificó cuando con Craig lo terminamos”. El tema Know How To Love You es la canción escrita solo por él en el álbum. “Escribí la letra en una larga parada en el aeropuerto de Nashville después de un concierto en Ft. Lauderdale y entre St. Paul y Vancouver la terminé”.

Jeff Trott co-autor con Sheryl Crow colaboró con Colin en You And Whose Army y vino a Los Angeles a grabar con él. Fue en el Paramour donde se escribió Skydiving un día antes de grabarlo. Además de Northey y Trott, también pasó por el estudio el legendario bajista Daryl Johnson (Emilou Harris, Neville Brothers), el prestigioso batería de estudio Victor Indrizzo (Depeche Mode) y el batería Dean Butherworth
(Ben Harper).

Traveler contiene tres versiones. La que abre el disco, I’m Losing You, fue escrita por Lennon, de quien Colin James siempre quiso grabar alguna canción.

“Hay una gran base de blues que pensamos que podría funcionar como base vocal y guitarrística” dice Colin. “Cuando terminamos el tema nos dimos cuenta hasta que punto nos recordaba a veces al original”.

El icono de los 70 de Nick Drake, Black Eyed Dog, es para Colin una de las grabaciones memorables y con más solera que nunca ha hecho. “Puedes escuchar cortes grabados con micrófonos en el estudio que hacen que sea imposible cualquier grabación posterior” comenta. “Se nota la tensión que se producía al no poder cometer fallos”.

Rainy Day, Dream Hawai, de Jimi Hendrix, es un ejemplo de como Traveler representa la habilidad de crecer y avanzar con su música, aprendiendo y progresando.

Con la habilidad de Howard en las técnicas de grabación, Colin disfrutó aún mas de la espontaneidad de las sesiones. El empeño de Howard de conseguir los objetivos en el mínimo de grabaciones hizo que la mayoría del álbum se realizase a la primera toma.

En 1988 Colin apareció en la escena musical como un joven genio de la guitarra de Regina con un sonido que recordaba a los grandes maestros del blues, pero al mismo tiempo con un estilo personal. Hay que decir que el mundo de la música se percató enseguida. En los años posteriores, ha conseguido muchos discos de platino con sus álbumes de rock, discos de big band superventas y canciones en lo más alto de las listas. Ha subido en seis ocasiones para recoger premios Juno (los Grammy canadienses).

Colin ha tocado con músicos como su mentor Stevie Ray Vaughan y Keith Richards (Rolling Stones), y el talento de Mavis Staples, Lenny Kravitz y Bonnie Raitt ha aparecido en sus trabajos en inolvidables colaboraciones. Su primer disco de blues, Colin James and The Little Big Band, fue doble platino en Canadá y supuso el renacimiento de las Big Bands de blues en la segunda mitad de los 90. Su álbum acústico Nacional Steel ganó el premio Juno como el mejor disco de blues y fue nombrado mejor productor en 1999 por Colin James and The Little Big-Band II. “Para mí este disco supuso una oportunidad para escribir de una manera mas personal” dice Colin. “Es bastante diferente a la mayoría de mis grabaciones de blues y me encanta tener la oportunidad de extenderme a una mayor variedad de sonidos y estilos que la mayoría de las grabaciones contemporáneas”. Nuevo sonido, nuevas canciones, nuevo viaje. Traveler.

Además, Colin James ha demostrado su compromiso social colaborando en el proyecto del Vancouver Sun, por el diversas personalidades se recaudan fondos para el programa de alfabetización vendiendo este diario en las calles de Canadá.

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Iggy Pop

James Newell Osterberg, Jr., más conocido por su nombre artístico, Iggy Pop, nació en Muskegon, Míchigan el 21 de abril de 1947. Al igual que James Newell Osterberg, es un cantante estadounidense de punk rock. Es considerado uno de los mayores innovadores en el punk rock y estilos relacionados.

Iggy Pop fue el cantante y líder de The Stooges, una pionera banda de fines de los 60 y principio de los 70 muy influyente en desarrollo del punk. The Stooges se hizo famosa por sus actuaciones en vivo, en donde Iggy saltaba del escenario (inventando así el stage diving o salto al público), se tiraba carne cruda y manteca de cacahuete sobre el pecho y se cortaba con botellas rotas. Muchos otros han imitado las travesuras de Iggy.

Iggy Pop tuvo distinto grado de éxito en sus 25 años de carrera como solista. Sus temas conocidos incluyen Search & Destroy, Lust for Life, I'm Bored, The Passenger, I Wanna Be Your Dog y Candy.

Biografía

Inicios: The Stooges

Nacido en Muskegon (Míchigan) y crecido en Ann Arbor, empezó en el mundo de la música como batería en varias bandas de instituto, entre ellas estaba The Iguanas, donde recibió su nombre artístico Iggy. Gran fan del blues, de vez en cuando se escapaba de la universidad y se iba a Chicago (Illinois) para aprender más del blues. Inspirado por ello, al igual que The Doors, formaron The Psychedelic Stooges y se apodó a él mismo Iggy Stooge, y después Iggy Pop. Después de dos años de ensayos, la banda hizo su debut en Ann Arbor, Míchigan.

Su debut, considerado el primer disco de The Stooges, se editó en 1968. Los dos primeros álbumes, The Stooges y Fun House, no tuvieron repercusión en las listas de ventas, aunque estos discos fueron una gran influencia en el naciente movimiento punk. Después de que los nuevos miembros se unieran a la banda, se separaron por la adicción de Iggy a la heroína.

David Bowie les produjo un álbum en Inglaterra, el famoso Raw Power («Poder crudo», literalmente), considerado uno de los primeros álbumes punk rock de la historia, un disco cargado de provocación y contenidos sexuales.

En él se encuentra su clásico Search and Destroy, posiblemente una de sus canciones más populares. El disco no estuvo exento de problemas y polémica desde su gestación: la portada fue escogida por Tony DeFries (manager de Bowie), y la mezcla se hizo en Los Angeles, lejos del alcance de Iggy, quien proyectaba para el álbum un sonido más crudo del que finalmente resultó.

Ello provocó una polémica que durante años marcó la historia del álbum, llegando a circular, en forma de Bootleg o Disco pirata, una versión titulada Rough power, con las mezclas de Iggy; éste vio editada en 1997, a través de Sony, una versión remezclada personalmente por él, y que representaba su visión sobre cómo debería haber sonado el disco en su día, dándole una mayor presencia a las guitarras y a la batería, en busca de un sonido más agresivo; la nueva remezcla despertó tanto adhesiones incondicionales como rechazos entre sus seguidores.

Con James Williamson como guitarrista, tuvieron problemas para buscar sección rítmica. Y tuvieron grandes problemas para encontrar los miembros, así que decidieron reunir a los Stooges. No era técnicamente una auténtica reunión, pues Dave Alexander no iba a tocar en el álbum, por sus problemas con el alcohol. Debido a ello murió en 1975. También, Ron Asheton cambió la guitarra por el bajo para dejar a Williamson su lugar. Después de la salida del álbum se añadió un miembro a la banda y Bowie siguió con su apoyo, pero los problemas tóxicos de Iggy persistieron. El último concierto de los The Stooges acabó en una pelea entre la banda y un grupo de moteros documentado en el Bootleg Metallic KO. La drogadicción de Iggy puso un paréntesis en su carrera por varios años.

Como solista; de Kill City a Blah Blah Blah

En 1977, Iggy grabaría el álbum Kill city, con otro ex-Stooge, James Williamson; el disco incluiría temas inéditos que formaron parte del repertorio de los Stooges, como I got nothin, y orientaría el clásico sonido de los Stooges hacia un campo que recordaría al estilo de los Rolling stones; las letras del disco hablan de decadencia, vicio y desesperación: «Til you wind up in some bathroom, overdosed and on your knees» («Hasta que acabas en algún váter, con sobredosis y de rodillas»), diría en el tema Kill city, que da título al álbum. Este disco, a pesar de ser un trabajo de Iggy y Williamson, es a menudo considerado como un disco más de The Stooges, por contener parte del material que formaba parte de su repertorio, y gran parte de la esencia de la banda.

David Bowie e Iggy se instalaron en Berlín para desengancharse de la gran cantidad de cocaína que tomaban al día; en esos tiempos Bowie solo se mantenía de leche y cocaína. Pop firmó con RCA y Bowie ayudó a componer y producir los álbumes The Idiot y Lust for Life, que fueron considerados como dos de sus mejores trabajos por muchos de sus fans. Entre 1979 y 1982 editaría una serie de álbumes con escasa repercusión, como Party o Zombie birdhouse y un cierto sesgo pop ligeramente naif y psicodélico.

Volvió en 1983 después de tres años de pausa, en los que se desintoxicó de la heroína y se casó, con un nuevo disco en el mercado influenciado por el New Wave Blah Blah Blah.

El retorno al rock: de Instinct a American Caesar

Su siguiente disco, Instinct, supuso su celebrado regreso al rock, acompañado a la guitarra de Andy McCoy, ex guitarrista de Hanoi Rocks, con el cual emprendería una exitosa gira; en el disco se podía apreciar una cierta influencia del Hard rock que se escuchaba en aquellos años.

Pero sería con Brick by Brick, considerado por muchos de sus fans como uno de sus mejores y más completas obras, con el que Iggy tomaría el primer plano de la actualidad rockera. El disco contó con la colaboración de los miembros de Guns N' Roses Slash y Duff McKagan, que aparecerían en el videoclip de Home, una canción que se convertiría en uno de los grandes éxitos de Iggy junto con el Hit Candy, un medio tiempo melódico cargado de dramatismo, que se convertiría en uno de sus mayores éxitos; en el, Iggy cantaría a dúo con la vocalista de B-52's, Kate Pierson. Main street eyes, I Won't crap out o The undefeated son otros temas recordados de este álbum, que supondría un acercamiento al Rock americano más clásico, y una profundización a nivel lírico y compositivo de un Iggy más maduro y reflexivo, emulando a los cronistas sociales del Rock Americano como John Hiatt, músico del del cual se incluiría una composición, el tema Something Wild.

American Caesar (1993), seguiría la línea marcada por Brick by brick, combinando potentes temas de Rock and roll, como Wild America, uno de los éxitos del disco, que contaría con la colaboración de Henry Rollins, Beside you, un medio tiempo que contaría con un video musical muy publicitado en la MTV, y una versión que Iggy llevaba años interpretando en directo, pero que jamás había grabado; el hit de los '50 Louie Louie.

De Naughty Little Doggie a The Weirdness; la reunión de The Stooges

Naughty little doggie, su disco de 1996, retomaría una línea rockera más básica, apartándose de la madurez y eclecticismo de sus dos anteriores discos. Durante los años de Instinct, Brick by brick y American Caesar, Iggy viviría una de las épocas de mayor éxito comercial de su carrera, en parte gracias al auge del rock que se vivió a finales de los 80, con bandas como Guns N' Roses, y posteriormente con la llegada del Grunge

En 1997 remezcló Raw Power para darle un sonido más duro, llevado en parte por las quejas de los fans por la poca consistencia de la remezclas de Bowie. Coprodujo en 1999 Avenue B con Don Was, y Beat 'Em Up en 2001, un trabajo que se acercaba ligeramente al Nu-Metal, anque con un enfoque más crudo, en algunos de sus arreglos, apártandose de los clásicos patrones en los que se venía moviendo su sonido. En su trabajo de 2003, Skull Ring colabora con Sum 41 y Green Day, y con los hermanos Asheton, en lo que en la práctica supuso la reunión de los Stooges, que interpretaron varias canciones del disco, como Little electric chair; ello llevó a la organización de una gira como The Stooges, y a consolidar la reunificación de la mítica banda.

Tras varios años de gira, en los que el grupo interpretó fundamentalmente material de sus dos primeros discos The Stooges y Funhouse, además de los temas grabados para Skull Ring, obviando de esta manera Raw Power, por considerarlo más un disco de Iggy que un trabajo de la «auténtica» formación de The Stooges, el grupo edita en 2007 The Weirdness, el primer trabajo que firman The Stooges desde 1973, año de la edición de Raw Power.

Curiosidad: homenaje a Madonna

De manera sorprendente, Iggy participó en un homenaje a Madonna el 11 de marzo de 2008, con motivo de la inclusión de ésta en el Museo del Rock. Si Justin Timberlake se arrodilló ante Madonna, Iggy interpretó a su manera dos éxitos de ella (Burning Up y Ray of Light), y terminó gritándole un juego de palabras sobre Like a Virgin.

Cine

Iggy ha actuado en contadas películas tanto como actor como autor de bandas sonoras. Hasta la fecha, ha hecho 15 películas, entre ellas Cry Baby, Sid and Nancy, El color del dinero, The Crow 2, Hardware, Rugrats, la Película, Snow Day, Coffee and Cigarettes, y Dead Man. Así mismo, protagonizó una película española, dirigida por Oscar Aibar, llamada Atolladero. Ha salido en cinco series de TV, Corrupción en Miami, Historias de la Cripta, Las Aventuras de Pete y Pete, y Star Trek: Deep Space Nine.

Aunque Iggy no tenga que ver con la película, un ambiguo Ewan McGregor, drogado en Velvet Goldmine, está considerado ser modelado a su imagen. Del mismo actor, en Trainspotting es el ídolo del protagonista y aparece en la BSO. Su música también sale en Cocodrilo Dundee, así como puso voz a la música de Goran Bregovic en la BSO de Arizona Dream.

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Melissa Etheridge

Etheridge grabó nueve álbums desde que firmó su contrato en 1987. Tres de ellos ganaron el disco Multi-Platino: Melissa Etheridge (1988), Yes I Am (1993) y Your Little Secret (1995).

Etheridge ganó el premio a la Mejor Cantante de Rock Femenino en los Grammy dos veces por las canciones "No es pesado" en 1992 y "Ven a mi Ventana" en 1994.

Etheridge es fan de Bruce Springsteen, y ha interpretado algunas de sus canciones como "Thunder Road" y "Born to run" durante conciertos en vivo.

En Octubre del 2004, Melissa Etheridge fue diagnosticada de cáncer de mama. En los Grammy del 2005, volvió al escenario, aunque sin pelo debido a la quimioterapia, y cantó "Pedazo de mi Corazón" de Janis Joplin. Etheridge fue aclamada por la canción y considerada como una de las mejores actuaciones de la noche.

Etheridge admitió que usaba marihuana como medicina cuando hacía quimioterapia. Ella dijo que la marihuana le mejoraba el humor y el apetito.

El 10 de septiembre del 2005, Etheridge participo en "ReAct Now": Musica & Relax, un Programa por la gente afecta por el Huracán Katrina. ReAct Now: Musica & Relax, es parte del esfuerzo que hizo MTV, VH1, CMT, para juntar fondos para la Cruz Roja, el Ejército de Salvación y la Hambruna de América. Etheridge hizo una canción para la ocasión que se titula "Cuatro Días". Esta canción acapella incluía imágenes del desastre del huracán Katrina.

El 15 de noviembre del 2005, Etheridge apareció en el "Tonight Show" para cantar "Yo corro por vida" que se refiere a su lucha por el cáncer de Mama y su determinación por recuperarse por completo, y diciéndole a las personas que lograron recuperarse y a sus familias que sigan luchando. Después de cantar Jay Leno le dijo "Gracias por ser una luchadora" .

En el 23 de febrero del 2007, Etheridge recibió un Premio de la academia a la canción original por "I Need To Wake Up", la misma canción que uso Al Gore para su documental "Una verdad inconveniente".

El 25 de febrero del 2007, ganó un Óscar por la misma canción contra pronóstico, imponiéndose a las tres nominaciones de la película Dreamgirls.

Etheridge es famosa por defender los derechos homosexuales y por declararse lesbiana durante la inauguración de la presidencia de Bill Clinton en 1993.

Etheridge tuvo una relación de hace años con Julie Cypher, con quien tuvo dos hijos, Bailey Jean, nacida en febrero de 1997 y Beckett, nacida en noviembre de 1998, via esperma donado por David Crosby. Cypher hizo público su noviazgo, pero en el 2000, Cypher empezó a reconsiderar su sexualidad. El 19 de Septiembre del 2000, Etheridge y Cypher anunciaron que se separaban.

En el 2001, Etheridge documento su separación de Cypher y otras experiencias en su libro autobiográfico: "La verdad es...Mi vida en la música y el amor". En el libro dice que fue abusada sexualmente a los cinco años por su hermana Jennifer y que Julie Cynpher mantenía una relación con K.D. Lang.

Después de cortar con Cypher, Etherdige contrajo matrimonio en el 2003 con la actriz Tammy Lynn Michaels. En Abril del 2006, la pareja anunció que Michaels estaba embarazada de mellizos vía un donador de esperma anónimo. Michaels dio a luz a un niño, Miller Steven, y una niña, Johnnie Rose, el 17 de Octubre del 2006.

En Octubre del 2005, en honor al Mes del Cáncer de Mamas, Etheridge apareció en la línea de NBC con Michaels para contar sobre su lucha contra el Cáncer de Mamas. Para cuando se hizo la entrevista, el pelo le había crecido de vuelta, dijo que su pareja la había apoyado durante su enfermedad.

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