Adrián Abonizio

A mediado de los ochenta sus canciones recorrieron todo el pais de la mano de juan carlos baglietto. temas como el tempano, dios y el diablo en el taller, historia de mate cocido, mirta de regreso, mami, en tierra firme, constituciÓn de noche, fui mujer, amor siciliano, etc. resuenan aun en nuestra memoria.

Integro la primer formacion del grupo irreal, en el que luego baglietto lo sucederia como voz lider de la banda; cuando decide dedicarse fundamentalmente a la tarea de escritor, no solo de canciones, sino tambien de cuentos, poemas y articulos periodisticos.

Como solista edito su primer disco "ABONIZIO" en 1983, al que le sucederia su segundo trabajo llamado "LOS AÑOS FELICES", en 1989.

Despues de un largo periodo, y ya casi finalizando los 90, en un especie de reencuentro con sus compaÑeros de la citada "TROVA ROSARINA", dejaron registradas en un disco sus canciones mas significativas, por primera vez cantadas por ellos mismos.

Participo y lo sigue haciendo, como compositor de tangos en distintos discos, como circulos de fuego de gabriela torres y para trabajos de amelita baltar, entre otros.

Desde hace ya algunos aÑos toca junto a hugo garcia y/o carlos casazza, excelentes guitarristas rosarinos, con quienes ha grabado su tercer disco, "TODO ES HUMO", en el que participaron como invitados musicos de la ciudad, donde se incluyeron clÁsicos como "Y AHORA" y "DIOS Y EL DIABLO EN EL TALLER".

El siguiente trabajo fue "MUSICA PARA CANALLAS", en el que es compositor de la mayor parte de las letras e interprete de muchas de ellas, trabajo que grabo junto a destacados musicos y personajes de la ciudad como baglietto, ruben goldin, hugo garcia, madera oxidada, lalo de los santos, el muerto sainz, edgardo bauza y fontanarrosa entre otros.

Posteriormente grabÓ el c.d. “cualquier tren a ningÚn lado” junto al bajista m. sainz, donde ademÁs intervienen raÚl carnota, lucho gonzalez, lito vitale, chango spasiuk, adriÁn iaies y liliana herrero entre otros y el aÑo pasado el c.d. “15 canciones bonitas”.- compuso mÚsica para la pelÍcula “caballos salvajes” y para varios films de paso reducido como cortos, videos, etc.

Paralelamente a su carrera como mÚsico, trabajÓ por varios aÑos como periodista en los diarios pÁgina 12 y la capital.-

Como escritor tiene publicados dos libros, uno de poemas denominado “casa de fieras” y otro de relatos breves que lleva como tÍtulo “aguafuertes del paraÍso rosarino

Pagina y Fuente: http://adrianabonizio.blogspot.com/

The Jam

The Jam fue un grupo de rock inglés de New Wave de finales de los años 1970 y principios de los años 1980. Fue uno de los grupos más populares de aquella época. Llegaron a posicionar sus 18 sencillos en el Top 40 de las listas del Reino Unido, desde su debut discográfico en 1977 hasta su última canción en 1982.

Realizaron seis álbumes de estudio, y el último, The Gift, fue número uno en Inglaterra. Comenzaron su andadura por 1972 de forma amateur en Woking (Surrey), lugar de origen de los componentes del grupo. A finales de 1976 se dieron a conocer en los Clubs de Londres, y grabaron sus primeros discos en plena explosión punk. Ficharon por Polydor por muy poco dinero (unas 6.000 libras), lo que no les impidió ser un grupo de gran éxito. Su primer número 1 fue el single Going Underground, editado el 14 de marzo de 1980, que llegó al lugar número 1 en la primera semana, algo que antes solamente habían conseguido Elvis Presley, Beatles, y Slade.

La popularidad del trío fue especialmente importante en el Reino Unido, donde fueron considerados artistas de primerísimo nivel y rivalizaron con The Clash. Fuera de sus fronteras también tuvieron bastante éxito en países del centro y norte de Europa e incluso finalmente en Japón. En cambio, a pesar de intentarlo con algunas giras, no conquistaron el mercado americano, quizá por el muy marcado carácter inglés de las canciones y del estilo de la banda, en un momento en que a pesar de existir el género new wave en América, la moda musical en los EE.UU. iba por otras direcciones.

Liderados por Paul Weller, revivieron el movimiento mod de grupos de mediados de los 60 como The Who o The Small Faces, tanto en la estética como en lo musical, facturando en sus inicios un R&B duro y directo, con influencias de Dr. Feelgood y John Mayall. Otras influencias que se dejan ver a lo largo de su carrera son The Kinks, The Beatles, y el soul de los sellos discográficos Stax, Atlantic, y Tamla Motown.

Instrumentalmente, la banda estaba perfectamente compensada: La particular voz y forma de tocar la guitarra de Paul Weller, muy bien secundada por la sección rítmica de bajo y batería de Bruce Foxton y Rick Buckler, amén de las no menos importantes segundas voces de Foxton. Especialmente notorias son las letras de Paul Weller, que fue madurando en sus composiciones. Letras que hablan de las relaciones personales, las inquietudes de los jóvenes, los sentimientos íntimos del ser humano, y muchas otras en las que se refleja fielmente las glorias y miserias de la sociedad británica de la época. Aparte de las geniales y ácidas composiciones de Paul Weller, The Jam imbuían una fuerza espectacular en sus versiones de clásicos del rock y del soul. En sus actuaciones en directo, The Jam trasladaban toda su energía a un público entregado con el grupo. La mezcla de todos estos ingredientes, pasados con maestría por el tamiz del punk y la new wave, dieron lugar a una de las mejores bandas de rock inglés de la época.

Al igual que The Jam nunca negaron las raíces musicales sobre las que se construía su música, siendo justos con la banda se deben reconocer las influencias que ellos ejercieron, tanto en lo musical como en el terreno de la actitud. Grupos de la new wave como Generation X ó Barracudas se fijaron en su manera de hacer las cosas, y John Weller y Bruce Foxton produjeron un disco de The Vapors. El mencionado revival mod de finales de los años 70 no hubiese existido tal cual sin la existencia de los Jam. Bandas como Secret Affair, Merton Parkas, The Lambrettas, The Chords, etc. comenzaron a grabar sus discos dos o tres años después de la publicación de In The City, y en el momento en que The Jam eran ya un grupo de éxito, al igual que el estreno de la película Quadrophenia en 1978. Uno de los principales grupos de los años 80, The Smiths, en algo de los de Woking debieron reparar. Mientras tanto en España lo hacían no sólo grupos mods como Los Elegantes o Brighton 64 y posteriormente Los Sencillos y Los Flechazos, también otros grupos de la nueva ola o Movida, como Los Bólidos ó Los Nikis . En los 90, Oasis y Supergrass, son ejemplos de bandas que siguieron la tradición inglesa de Beatles, Kinks, y The Jam. Al comienzo del nuevo milenio los casos más claros de afección a los de Woking los tenemos en Libertines y Arctic Monkeys.

Formación

La banda en un principio y antes de sus primeras actuaciones en Londres, estaba formada por cuatro componentes. Paul Weller tocaba el bajo a la vez que cantaba. Pero finalmente, tras la marcha del segundo guitarra Steve Brookes, los Jam se convirtieron en trío y Weller se pasó a la guitarra, intercambiando instrumento con Bruce Foxton.

Integrantes

- Paul Weller (1958)- Guitarra, voz. Compositor de casi todos los temas del grupo.
- Bruce Foxton (1955) - Bajo, voz. Algunas composiciones.
- Rick Buckler (1955) - Batería.

Primeros años (1972-1975)

Con 14 años, Paul Weller era un desastre en los estudios. Todo suspensos excepto en lengua inglesa, que se le daba bastante bien especialmente la poesía. Pero pronto se dio cuenta que lo que más le gustaba era la música, y su padre, John Weller, también. John sería desde el principio hasta el final el manager del grupo. Taxista y luego albañil, peleó desde un principio para que su hijo tuviese un mejor futuro. Él consiguió que la banda de su hijo ( donde al principio aún no estaban Bruce Foxton y Rick Buckler) adquiriesen las tablas necesarias tocando en clubs locales ante públicos heterogéneos. Paul tocaba el bajo y cantaba, junto con sus amigos de escuela Steve Brooks, Dave Waller, y Neil Harris. Era 1973 y versionaban a Chuck Berry entre otros.

Neil Harris se marchó a una orquesta, y entonces Paul y Dave invitaron a entrar en el grupo al batería de un grupo local que tocaban heavy. No era otro que Rick Buckler, tres años mayor que Paul y Dave. De esta época es la primera composición de Weller dentro de su posterior discografía: Takin' my love. Dave Waller que era perezoso y no ensayaba con rigor, alegó que prefería la poesía y dejó el grupo. Una letra del segundo álbum de The Jam está coescrita con Paul Weller, ya que siguieron siendo amigos hasta la muerte de Dave por sobredosis de heroína a mediados de los 80.

Como Paul quería un cuarteto, siguió la pista de un guitarrista de otro grupo heavy, un tal Bruce Foxton, también tres años mayor que él. Entre Rick y Paul lo convencieron, y entró en los Jam como guitarra rítmica. Finalmente Steve Brooks también dejó el grupo, porque aunque era el guitarra solista, Bruce cada vez adquiría más protagonismo y no le caía bien. Ahora ya eran un trío, pero Paul no llevaba bien cantar y tocar el bajo a la vez. Le costó convencer a Foxton, pero finalmente consiguió que intercambiasen los instrumentos. Era 1975 y The Jam ya eran el trío de la formación definitiva.

Sonido punk (1976-1977)

En la primavera de 1976 Paul estuvo en Londres en un concierto de Sex Pistols. Le causaron tan buena impresión que ese concierto le hizo replantearse el qué y el cómo de los Jam. El R&B de The Jam comenzó a endurecerse, distorsionando las guitarras y acelerando los tiempos. Los Jam pensaron que algo gordo estaba pasando en Londres y no podían perdérselo: alquilaron una furgoneta para ir allí y John Weller se encargó de que dieran su primer concierto en el Soho Market. Posteriormente, el 9 de Noviembre actuaron en el 100 Club ante público punk, que coreó y bailó sus temas toda la noche. También tocaron en los últimos días de 1976 en el resto de clubs importantes de Londres, incluido el Roxy, templo del punk.

A principios de 1977, después de varios escarceos con varias discográficas, es el cazatalentos de Polydor Chris Parry el que se fija en ellos y les ofrece un contrato. Es el momento de grabar los primeros singles y su álbum debut In The City. Para la producción Chris Parry confió en Vic Coppersmith-Heaven, veterano ingeniero de sonido que trabajó con Joe Cocker y The Rolling Stones.

Tras el disco, el movimiento punk comenzó a distanciarse de los Jam, especialmente por su indumentaria mod, pero también hubo otras razones. Existió un enfrentamiento gestual y verbal entre Paul Weller y Mick Jones de los Clash en un concierto de los Jam, y el enfrentamiento físico entre Weller y Sid Vicious. Una noche, En un pub londinense, la arrogancia del de los Pistols colmó la paciencia de Paul Weller, que le rompió una botella de cerveza en el rostro produciéndole un corte de consideración. Para colmo, en la gira White Riot Tour con Clash, Slits, Subway Sect, y Buzzcocks, surgieron desavenencias económicas ( los Jam se sintieron literalmente timados por los Clash) y abandonaron la gira a falta de ocho conciertos. A partir de ese momento, The Jam se convirtieron en la oveja negra del punk.

Pero los Jam siguieron a lo suyo: Fueron el primer grupo punk que actuó en el programa de TV Top of the Pops, y en la letra de su siguiente sencillo, All Around the World, eran ellos quienes se reían de la hipocresía de ciertos punks. Hacen su primera gira por ciudades de Estados Unidos y entran en el estudio a grabar su segundo larga duración: This Is the Modern World. Aunque tiene algunas buenas canciones, la producción es algo pobre y en general el disco es menos brillante que el anterior. Quizá este segundo disco en seis meses fue ir demasiado rápido, y supuso el único paso atrás en la carrera de The Jam.

Éxito comercial (1978-1979)

Es la época de consolidación de The Jam, en la que la banda consigue elaborar un sonido propio y distintivo. El grupo disfrutaba con lo que hacían: largas y exitosas giras, grabación en estudio, promoción en radio y TV, etc. y reinaba la concordia entre ellos.

Después de un single en Febrero de 1978 con cara A de Bruce Foxton, News of the World y unas maquetas desilusionantes para el nuevo álbum, Paul Weller se pone las pilas y comienza a componer los mejores textos hasta ese momento. Prueba de ello es Down in the Tube Station at Midnight que trata de forma brillante el problema del resurgimiento de los neonazis y el racismo. Otro punto importante es la publicación del single de doble cara A David Watts/'A' Bomb in Wardour Street. La primera es una versión rockificada de la canción de The Kinks, que consiguió que todo amante de la música en el Reino Unido se fijase en ellos. En Octubre publican el tercer álbum All mod Cons, grabado en los estudios RAK de Londres, con una buena producción y multitud de referencias al movimiento mod. Para muchos, este es su mejor disco. Juan Vitoria lo incluye en 1998 en su libro Los 100 mejores discos del Rock .

Ya en 1979, editan dos brillantes singles con material nuevo, preámbulo del que vendría después: The Eton Rifles, uno de los himnos característicos de la banda, con un contundente sonido. The Jam entran de nuevo en estudio para un álbum y cambian el sonido directo del tercer disco grande para hacer algo más elaborado en el cuarto: Setting Sons es un disco de guitarras timbreantes y baterías envolventes. Paul mejora nuevamente su lírica y trata poéticamente temas tan diversos como la nostalgia de la amistad adolescente (Thick as thieves), la marginación social de la clase obrera (Saturday´s kids), o los problemas familiares en el matrimonio (Private Hell). También destaca por su lirismo la antibélica y antimperialista Little boy soldiers. Incluso se atreven en grabar en este álbum con la Royal Philarmonic Orchestra una versión de la mejor canción de Bruce Foxton de todos los tiempos, Smithers Jones, que había aparecido en su versión poprock como cara B del single When You´re Young.

Búsqueda de nuevos sonidos (1980-1982)

The Jam fabrican el single Going Underground/Dreams of Children, del que en un principio iba a ser cara A la segunda, que gustaba más al grupo. En la discográfica insistían que era más radiable la primera, así que salió como doble cara A. Entró directo al número 1 y permaneció allí tres semanas. Going Underground es un duro alegato contra la manipulación que ejercen los políticos ( en concreto los conservadores de Margaret Thatcher) y sus medios de comunicación sobre la gente. Nuevamente los Jam muestran su faceta antibelicista, antirracista, y en favor de la paz. 1980 es el año en que el grupo toma parte activa en las campañas en favor del desarme nuclear, y se ponen del lado del antiapartheid del CNA de Nelson Mandela.

Se publica Start!, segundo single que llega al uno en la lista de singles. Reconocen que la canción es un tributo a George Harrison y The Beatles, por su similitud con la canción de éstos Taxman. Diego Manrique pudo averiguar que la letra de esta canción, que hace referencia a los problemas de comunicación entre iguales, la escribió Weller inspirándose en la obra Homenaje a Cataluña de George Orwell, y en concreto por las desaveniencias entre anarquistas y comunistas en el frente de Aragón. Curiosamente, este mismo tema fue tratado años después por Ken Loach en su película Tierra y Libertad.

En noviembre llega el quinto álbum, Sound Affects. El grupo introduce elementos de psicodelia y regresa al concepto básico del rock and roll del que se desviaron con la producción del cuarto álbum. En este disco se encuentran verdaderas piezas de orfebrería pop con el sello de un madurado joven Weller. La belleza sonora y lírica de That's Entertainment la esbozó una noche en diez minutos, cuando regresaba ebrio a casa, acabándola a la mañana siguiente. El trío es votado por los lectores de New Musical Express como mejor grupo del año, y sus componentes como mejor vocalista y guitarrista, mejor bajista, y mejor baterista.

En 1981 el grupo cae en una fase de depresión provocada por la inestabilidad emocional de Paul Weller, en la que cayó entre otras cosas por el asesinato de su ídolo John Lennon en Diciembre de 1980 y las discusiones constantes con su novia Gill. Sólo publican dos singles. Uno de ellos trae Funeral Pyre, única canción firmada por el trío al completo, donde Rick y Bruce se lucen con sus instrumentos, pero Paul empieza a encontrarse enlatado con el grupo.

En Enero llega el single Town Called Malice/Precious, nuevo número uno en el Reino Unido. Town Called Malice es la canción más famosa de la banda en el mundo entero y esta incluida en la banda sonora de películas como Billy Elliot y El Matador. Precious es un furibundo funk, estilo musical ya usado en el sencillo Absolute Begginers. Era el adelanto del sexto y último álbum en el estudio, The Gift, primer y único larga duración que llegó al número uno en ventas. Paul Weller impone al resto el nuevo camino: música negra de los 60, soul, funky, e instrumentos de viento de forma sistemática tocados por dos músicos de color cuyas fotos aparecieron en el diseño interior de la carpeta del disco. Esto último molestó bastante a Bruce Foxton, que prefería seguir apostando por una banda de rock convencional. Para la producción del disco prescindieron del hasta ahora productor, confiando en Peter Wilson, quien ya aportó ideas en Sound Affects. Supuso un nuevo paso adelante experimental de la banda, y un éxito total en ventas.

En The Bitterest Pill (I Ever Had to Swallow) Weller adelanta de forma velada su decisión de finalizar la trayectoria de la banda. Posteriormente hacen público el anuncio, publican un último single que también llegó al número uno, Beat Surrender y un EP homónimo que no tiene desperdicio, con tres versiones de clásicos soul. Efectúan una gira de conciertos de despedida que les llevará a recorrer el país aclamados por sus miles de incondicionales. Como colofón, publican Dig the New Breed extraído de sus conciertos, con un excelente sonido. Es difícil que los discos en directo escalen puestos en las listas de ventas; Decir que llegó al dos resume la importancia de The Jam como una de las bandas más aclamadas de todos los tiempos en su país natal.

Disolución

Cuando The Jam estaban en la cima de su carrera, cuando éxito, fama, y ventas más les sonreían, Paul Weller, haciendo honor a la honestidad que siempre le ha caracterizado para con su público, decide disolver la banda. En un comunicado oficial a todos sus fans en Octubre de 1982, la banda anuncia su disolución a final de año por medio de la pluma de Paul. Decía en el comunicado cosas como: "...hemos realizado todo lo que podemos como grupo. Me refiero a aspectos tanto musicales como comerciales. Quiero que todo lo que hemos hecho sirva de algo, y sobre todo odiaría que terminásemos viejos y con tensiones como tantos otros grupos. Quiero que terminemos con dignidad. Creo que ahora es el momento. Cuanto más tiempo continúa un grupo, más difícil resulta dejarlo, y por eso muchos grupos siguen hasta que llegan a no tener ningún significado. Nunca quise que The Jam llegase a esa situación..." Todo un ejemplo de honestidad e independencia, olvidándose de los beneficios del comercio.

Tras esto, Paul Weller formó al año siguiente el dúo The Style Council junto a Mick Talbot (ex-Merton Parkas, banda británica de revival mod) a los que posteriormente se unieron el batería Steve White y la cantante Dee C. Lee (que se convertiría después en la esposa de Weller y madre de sus primeros hijos). Posteriormente en los primeros 90, Paul Weller iniciaría su brillante carrera en solitario que aún hoy día continúa. Los otros componentes de The Jam, Bruce Foxton y Rick Buckler, se integraron en proyectos de media o baja repercusión.

Pagina: http://www.thejam.org.uk/

Joan Jett

Joan Jett (Joan Marie Larkin, nacida el 22 de septiembre de 1958 en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos) es una cantante, guitarrista, productora, y ocasionalmente actriz.

Es conocida por sus hits I love Rock n Roll, que fue número uno en las listas de Billboard desde el 20 de marzo hasta el 8 de mayo de 1982, Crimson and Clover, Do you Wanna Touch Me, Light of Day, "I Hate Myself For Loving You, Little Liar y Love Is All Around.

Probablemente Joan Jett sea una de las figuras femeninas más importantes de la historia del rock. Bandas como Bikini Kill, Shonen Knife, L7, Yeah Yeah Yeahs, Kittie, The Donnas o Hole declararon públicamente la influencia de Joan en su música. Además, está en el puesto 87 de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos según la revista Rolling Stone.

Biografía

A los 15 años, Joan formó The Runaways junto a sus compañeras, Sandy West, Lita Ford y Cherie Currie. Joan cantaba, tocaba la guitarra rítmica y escribía mucho material de la banda. La banda grabó cinco LPs y giró por el mundo entero junto con Cheap Trick, Van Halen o Tom Petty y The Heartbreakers. Tuvieron especialmente éxito en Japón.

Aunque The Runaways eran muy populares en Europa, Japón, Australia, Canadá y en Sudamérica, no tuvieron el mismo éxito en Estados Unidos. Parte de eso debieron a que la prensa musical de este país no estaba acostumbrada a que una banda de mujeres adolescentes hagan música con seriedad. The Runaways se separó en 1979.

En esa época cuando Jett, considerada una figura en la escena Punk-Rock, produjo el único álbum de The Germs. Esta grabación tiene en EE.UU. un nivel similar que la del grupo inglés Sex Pistols, Never Mind The Bollocks.

En la primavera de 1979, Joan fue a Inglaterra para comenzar una carrera en solitario. Mientras estuvo allí, compusó tres temas con los ex-Sex Pistols Paul Cook y Steve Jones (uno de ellos era la versión temprana de "I Love Rock n Roll"). De vuelta a Los Angeles, Joan comenzó a rodar una película basada en The Runaways llamada "We're All Crazee Now!". La película nunca fue editada, pero durante la realización del proyecto, Joan conoció al compositor y productor Kenny Laguna, con el que entabló amistad, decidiendo así trabajar juntos.

Jett y Laguna entraron en los estudios The Who's Ramport Studios para grabar el debut en solitario de primera. El disco Joan Jett fue editado en Europa, pero en los Estados Unidos nada menos que 23 grandes sellos sacaron el disco. Jett y Laguna editaron independientemente en su propio sello Blackheart Records. De este hecho, Jett se convertiría en la primera intérprete femenina en crear su propio sello discográfico.

La actriz Kristen Stewart protagonizará próximamente una película junto a Dakota Fanning sobre la vida de Joan Jett, donde la encarnará. La película se llamará "The runaways".

Pagina: http://www.joanjett.com/

Barbra Streisand

Barbra Streisand (n. el 24 de abril de 1942 en Brooklyn) es una actriz, cantante, compositora, productora, y directora de cine estadounidense. Apreciada sobre todo por su poderosa y excepcional voz, es considerada una de las artistas femeninas de la música popular con mayor éxito en la historia moderna del espectáculo. Ganadora de dos Premios Óscar, uno como mejor actriz y otro como compositora, además de múltiples premios Emmy, Grammy, Golden Globe y un Tony, entre otros muchos reconocimientos.

Con más de cincuenta discos de oro, treinta de platino y trece multi-platino, es la segunda artista en las listas de éxitos de todos los tiempos, por delante de The Beatles. Solo Elvis Presley la supera. Además es la única mujer entre los cuatro más vendedores de todos los tiempos ( The Rolling Stones son los cuartos ) y la única que no forma parte de la revolución del rock'n'roll que ha dominado la industria musical durante más de cuatro décadas.

A pesar de su relativa inactividad, continúa siendo una de las artistas femeninas que más ha vendido en la historia, con un álbum Nº 1 en las últimas cuatro décadas. Sus Nº 1 se extienden durante un período de 39 años, el período más largo que ningún artista o grupo haya logrado.

Familia y primeros años de vida

Nació el 24 de abril de 1942 como Barbara Joan Streisand, en el seno de una familia judía en Williamsburg, Brooklyn, Nueva York. Cursó estudios en el Colegio Beis Yakov y el Erasmus Hall High School de Brooklyn. Su padre, Emanuel Streisand, profesor de gramática, murió a consecuencia de una hemorragia cerebral cuando ella tenía apenas 15 meses. Tiene un hermano mayor, Sheldon, agente inmobiliario. Tiene una hermanastra del segundo matrimonio de su madre, Roslyn Kind, quien también es cantante. Su madre, Diana, que era secretaria en una escuela, nunca respaldó el sueño de su hija de dedicarse al mundo del espectáculo, ya que Barbra no le parecía atractiva. Streisand cursó sus estudios en Erasmus Hall High School, donde se graduó cuarta en la generación de 1959. Allí cantaba en el coro junto a Neil Diamond. También fue amiga del futuro campeón mundial de ajedrez Bobby Fischer.

Carrera: Inicios

Entre 1959 y 1961 toma parte en varias producciones teatrales independientes off-off-Broadway como Another Evening With Harry Stoones. Asistió simultáneamente a varias clases de actuación en Manhattan,aunque siempre quiso ser actriz, su éxito fue arrollador como cantante desde el momento en el que se presentó a un concurso de nuevos talentos organizado por The Lion. Ahí empezó su periplo por clubes nocturnos neoyorkinos tan famosos como el Bon Soir y el Blue Angel, intercalando sus actuaciones en estos sitios con numerosas apariciones en televisión tanto de cantante como de divertida tertuliana.

Debutó en Broadway el 20 de marzo de 1962 en el musical I Can Get It For You Wholesale, en el papel de la secretaria Miss Marmelstein; consiguiendo prácticamente cada noche detener la función. Su interpretación tuvo críticas muy favorables y Barbra consiguió su primera nominación a un premio: una nominación al Premio Tony como actriz secundaria, que no ganó, pero sí el New York Drama Critics. En la primavera de ese año Barbra entró por primera vez en un estudio profesional de grabación para registrar las canciones I Can Get It For You Wholesale donde, además de la cómica Miss Marmelstein, también interpretaba una espectacular What Are They Doing To Us Now? ; aparte de colaborar en un par de números más junto con compañeros de reparto. El disco solamente llegó a la posición 125 de Billboard pero le dio la oportunidad, gracias a la insistencia del compositor de la obra Harold Rome, de participar en un disco homenaje por el 25 aniversario de la exitosa obra Pins And Needles. Aquí intrepretó cinco solos y un cuarteto. Destacan especialmente : Doing The Reactionary, What Good Is Love? y las divertidísimas Nobody Makes A Pass At Me, Not Cricket To Picket y Four Little Angels Of Peace.

Primeros discos y Funny Girl

Goddard Lieberson, productor y presidente de la Columbia Records quedó tan fascinado con Barbra por su trabajo en teatro, sus intervenciones en televisión y sus actuaciones en los clubes que cedió a la presión de su agente Marty Erlichmann en la única cláusula que importaba a Barbra: "absoluto control artístico" sobre la elección del material musical, algo sin precedentes hasta ese entonces en la industria discográfica.

En cuanto firmó su primer contrato con Columbia, se empezaron a hacer planes para su primer álbum; de hecho, en noviembre de 1962, se grabaron dos de sus actuaciones en el Bon Soir con el fin de editar un disco, pero no contentos con el resultado prefirieron meterse en el estudio de grabación con el arreglista Peter Matz y un número muy pequeño de músicos, ya que el presupuesto era bastante bajo. El resultado fue su primer álbum, The Barbra Streisand Album, básicamente compuesto por las grabaciones en estudio de su repertorio de los clubes como Cry Me A River, My Honey's Loving Arms, A Taste Of Honey, Who's Afraid Of The Big Bad Wolf? y Happy Days Are Here Again. Pronto se convirtió en el disco más vendido por una vocalista femenina en Estados Unidos alcanzando el puesto número 8 de Billboard y obtuvo 3 nominaciones a premios Grammy ganando 2: Mejor Vocalista Femenina y Mejor Album .

Con sus siguientes dos discos repetiría el mismo éxito de ventas, llegando en un momento a tener tres álbumes en las listas de los diez más vendidos de Billboard, en una época en que el rock'n roll y The Beatles dominaban las listas de éxitos.

Solamente en tres días de junio de 1963 grabó The Second Barbra Streisand Album que llegó al número 2 de Billboard. Continuó con la fórmula de grabar principalmente temas de su repertorio de actuaciones en directo. De este álbum destacan especialmente Down With Love, When The Sun Comes Out, Gotta Move, My Coloring Book, Lover Come Back To Me y I Stayed To Long At The Fair.

En enero de 1964, ya metida de lleno en los ensayos de Funny Girl, grabó The Third Album en el que mezclaba temas de su repertorio con temas de musicales americanos. Es un trabajo menos ecléctico, más relajado y reflexivo que los anteriores que se situó en el número 5 de Billboard. Destacan My Melancholy Baby, Just In Time, Taking A Chance On Love, Bewitched Bothered and Bewildered, Draw Me A Circle, It Had To Be You, Make Believe, I Had Myself a True Love.

Después interpretó a Fanny Brice en Funny Girl (1964), de Jules Styne, que fue un éxito instantáneo y volvió a ser nominada para un Tony, esta vez como actriz principal.

Su primer especial de televisión para la CBS fue My Name is Barbra; programa que catapultó su éxito a escala nacional, dándola a conocer como cantante y actriz y proporcionándole más reconocimiento de crítica. Este programa se convirtió en un hito tanto en la biografía de Barbra como en la historia de la televisión, al que además hay que sumar cinco premios Emmy. A este especial seguirían otros con igual éxito.

A finales de los años '60, Barbra, presionada por la Columbia empieza a cantar temas de compositores jóvenes haciendo sus primeros pinitos en el mundo del pop y del rock.

Su primera película fue un revival de su éxito en Broadway "Funny Girl" (1968), por el que ganó el Óscar a la Mejor Actriz en el mismo año, compartiéndolo con Katharine Hepburn por "El león en invierno" (Lion In Winter), la primera vez en la historia que se producía un empate en esta categoría de los premios.

Estrellato cinematográfico

Sus siguientes dos películas, super-producciones basadas también en musicales, fueron Hello, Dolly! (1969), a partir de un guión de Jerry Herman y dirigida por Gene Kelly, y On A Clear Day You Can See Forever (1970), de Alan Jay Lerner y Burton Lane y dirigida por Vincente Minnelli.

Su cuarta película, The Owl and The Pussycat (1970), fue su primer papel "contemporáneo" y no musical en el cine. Esta película está basada en la obra teatral homónima de Broadway y fue dirigida por Herbert Ross, con quien la unía un contrato que la obligó a repetir trabajo en la secuela de Funny Girl, Funny Lady, junto a James Caan, en 1975. En 1972 protagoniza junto a Ryan O'Neal la alocada comedia de Peter Bogdanovich "¿Qué me pasa, doctor?" (What's Up, Doc?). Su trabajo en 1973 en el drama romántico "Tal como éramos" (The Way We Were) junto a Robert Redford y dirigida por Sydney Pollack, le proporcionó un gran éxito de crítica y una segunda nominación al Óscar.

En 1969 funda, junto a Paul Newman, Steve McQueen y Sidney Poitier, la productora First Artists, con la que produce en 1972 su primera película, "Up the Sandbox", dirigida por Irvin Kershner. A partir de 1972, año en que funda su productora Barwood Films, produce varias de sus películas: "Ha nacido una estrella" (por la que recibe su segundo Óscar como compositora de Evergreen (también elegida Mejor Canción Original), siendo la primera mujer en la historia en recibir este premio), "The Main Event" o "Nuts".

Con el éxito de "Stoney End" en 1971 obtuvo una legión de nuevos admiradores que descubrieron a una joven intérprete (29 años) que ya había conquistado muchas metas y que a veces hacía olvidar lo joven que era. Durante los 70, Barbra fue una habitual en las listas de éxitos. A finales de los 70, Streisand se convirtió en la cantante femenina con más discos vendidos en los Estados Unidos, solamente Elvis Presley y The Beatles están por encima de ella y los Rolling Stones son los cuartos (este ranking continúa siendo vigente en el 2009).

Guilty

En 1980, publicó un álbum de estudio titulado Guilty. El disco fue un extraordinario éxito musical y de crítica, que alcanzó casi instantáneamente el #1 en Estados Unidos y en todos los países en donde fue lanzado incluidos los mercados de Reino Unido, Francia, Nueva Zelanda, Austria, Canadá, Italia, España, Suecia, Holanda, Noruega y Australia. Fue certificado con cinco discos de platino en EE.UU y alcanzó las 13 millones de copias vendidas. En 1981, ganó junto al cantautor Barry Gibb, ex integrante del grupo Bee Gees, el Premio Grammy a la mejor actuación de un dúo o grupo pop por el sencillo homónimo. La canción llegó al puesto #3 de Billboard Hot 100.

El primer sencillo fue "Woman in Love", el sencillo más exitoso de toda su carrera, que llegó a la posición #1 de Billboard Hot 100, donde se mantuvo durante tres semanas. El álbum también incluye otros sencillos que se convirtieron en éxito en Estados Unidos y otras partes del mundo, como "What Kind of Fool", que interpretó a dúo con Barry, y "Promises".

En 1982, el crítico del New York Times, Stephen Holden, escribió que Streisand era "la cantante más influyente en la música americana desde Frank Sinatra."

Producción y dirección de cine

En 1983 produjo, dirigió, escribió y protagonizó "Yentl", experiencia que posteriormente repetiría como directora de "El Príncipe de las Mareas" (The Prince of Tides, 1991) y "El Amor Tiene Dos Caras" (The Mirror Has Two Faces, 1996). Steven Spielberg calificó "Yentl" de obra maestra ("uno de los debuts más dinámicos en la dirección desde el "Ciudadano Kane" de Welles") y muchos críticos alabaron la película, pero la Academia ignoró a la nueva directora a la hora de las candidaturas a los premios Óscar. Años después, se produjo una gran controversia cuando "El príncipe de las mareas" obtuvo siete candidaturas para varias categorías, incluida la de mejor película y, sin embargo, Streisand no fue nominada como mejor directora. Algunas opiniones lo achacaron a su bien conocido temperamento duro e intransigente, mientras otros pensaban que Hollywood la castigaba por ser mujer, ya que de haber sido hombre, incluso con el mismo temperamento, se lo hubieran concedido. Barwood Films ha producido también varios dramas para la televisión. El primero de ellos, "Serving In Silence: The Margarethe Cammermeyer Story", fue galardonado con tres premios Emmy en 1995.

En 1991, se presentó un set de 4 cd's, Just for the Record, que cubría toda la carrera de Streisand. Incluía más de 70 grabaciones entre grabaciones en vivo, éxitos, rarezas, temas inéditos desde 1955, año en que con 13 años grabó la canción "You'll Never Know" en un estudio para aficionados, hasta 1991.

Streisand ayudó considerablemente a Bill Clinton a llegar a la presidencia involucrándose como nunca recaudando fondos para la campaña electoral. Barbra Streisand fue la piedra angular en la gala inagural el 20 de enero de 1992.

En septiembre de 1993, Streisand fue el centro de las noticias en el mundo al anunciar su primer tour en 27 años. Los tickets para este tour limitado se vendieron en una hora. Esto hizo que Barbra fuera portada de las revistas más conocidas. La revista Time llegó a calificarlo como "el evento musical del siglo". La gira fue una de las más rentables en la historia del mundo del espectáculo. Los precios oscilaban entre los 50 y los 1.500 dólares, convirtiendo a Barbra en la intérprete mejor pagada en la historia. Barbra Streisand: The Concert consiguió 5 premios Emmy y el Peabody; la grabación del concierto ofrecido por la cadena HBO es, hasta hoy, el concierto más visto en los 30 años de historia de esta cadena.

Semi-retiro

En la Nochevieja de 1999, volvió al escenario para dar el concierto con más recaudación en la historia de Las Vegas. Al final del pasado milenio, continuaba siendo la única cantante femenina con, por lo menos, dos números uno en cada una de las cuatro décadas que abarca su carrera.

En septiembre de 2000, Streisand anunció que se retiraba de los conciertos dando cuatro últimos espectáculos, dos en Los Ángeles y dos en Nueva York. Su última interpretación de "People" fue retransmitida en Internet vía America Online.

En 2004, Streisand reapareció en la gran pantalla coprotagonizando la comedia Los padres de él, con Dustin Hoffman, Ben Stiller y Robert De Niro entre otros, película que tuvo un gran éxito comercial y proporcionó a la actriz críticas positivas. En febrero de 2006, Barbra grabó la canción "Smile" junto con Tony Bennett en el estudio de grabación que la artista tiene en su casa de Malibú. La canción formó parte del álbum por el cumpleaños número 80 de Bennett. En septiembre grabaron nuevamente la canción para el especial de televisión dirigido por Rob Marshall y titulado Tony Bennett: An American Classic. El dúo con Streisand abrió el especial.

En 2006 Streisand abandonó su retiro de los conciertos con el propósitto de recaudar fondos para las múltiples causas que defiende la Fundación Streisand. Streisand: The Tour se inició en Wachovia Center de Philadelphia el 4 de octubre y finalizó en el Staples Center de Los Ángeles el 20 de noviembre. El concierto incluía a Il Divo como invitado especial. El tour obtuvo con gran éxito de crítica y batió récords de recaudación en casi todos los escenarios. Posteriormente esta gira se extendió a Suiza, Austria, Alemania, Francia, Irlanda y el Reino Unido entre junio y julio de 2007, acompañada esta vez por un grupo de actores y cantantes de Broadway, con igual éxito de crítica y público.

Vida personal

Estuvo casada con el actor Elliot Gould de 1963 a 1971, con quien tuvo su único hijo, Jason Gould (que hace el papel de su hijo también en El Príncipe de las Mareas). Streisand también es conocida por haber mantenido sonoros romances con Ryan O'Neal, Tom Smothers, Warren Beatty, Jon Voight, Pierre Trudeau (Primer Ministro de Canadá), Omar Sharif, Don Johnson, Steve McQueen, Kris Kristofferson, Peter Jennings, Elvis Presley y Richard Baskin entre otros. Mantuvo también una larga relación (1974-1982) con el peluquero convertido luego en productor de cine Jon Peters. No obstante, se le han atribuido numerosos falsos romances, siendo el del tenista Andre Agassi el más sonado, a pesar de que nunca fue confirmado y siempre fue negado por ambos. Desde el 1 de julio de 1998 está casada con el actor y también director James Brolin. Curiosamente sus dos maridos coincidieron en 1970 en la famosa película Capricornio Uno.

Streisand es conocida por su franca orientación política liberal y progresista, y es una activa defensora de sus ideas dentro del Partido Demócrata.

Su fuerte y marcada personalidad la han convertido en un símbolo para sus admiradores. Esto fue cariñosamente satirizado en la serie de Mike Myers "Linda Richman", serie de sketches humorísticos en directo, emitidos los sábados por la noche, en la que la misma Streisand hizo una aparición sorpresa.

Por otra parte, su implicación política en la lucha por los derechos civiles de las mujeres, los gays y las lesbianas, las causas medioambientales, así como el absoluto control que ejerce sobre todo su trabajo a menudo la convierten también en blanco de la hostilidad de los sectores conservadores de la industria del cine y la prensa norteamericana, que no pueden negar su impresionante carrera artística y sus incuestionables éxitos, pero los simplifican reduciéndola a la categoría de diva o icono gay o convirtiendo en noticia sólo los aspectos más banales de su vida íntima.

A lo largo de los años, Barbra ha sido una fuerte recaudadora de fondos para causas sociales como la lucha contra el sida, la educación y la protección de las minorías étnicas. Sus ideas sobre la posición de los artistas a la hora de participar en el proceso político quedaron reflejadas en su discurso en la Universidad Harvard "El Artista Como Ciudadano", reproducido íntegramente por el New York Times y el Washington Post. También ha sido reconocida con un Doctorado Honorario en Artes y Humanidades por la Universidad de Brandeis. En febrero de 2001 le fue concedido el premio del Instituto Americano del Cine por su trabajo como directora, actriz, guionista, productora y compositora. Ha recibido también la Medalla Nacional de las Artes concedida por el gobierno de los Estados Unidos y el gobierno de Francia la ha condecorado con la Orden de las Artes y las Letras y más recientemente, en 2007, como Oficial de la Legión de Honor. En el 2008, Barbra recibe un homenaje y una medalla del Kennedy Center Honors debido a sus colaboraciones al arte durante su larga y exitosa trayectoria.

Pagina: http://www.barbrastreisand.com/

Danger Danger

Danger Danger es una banda de Glam Metal formada en 1987 en Queens, Nueva York.

Carrera

Danger Danger fue formada por el bajista Bruno Ravel y el baterista Steve West. Mike Pont era el vocalista en ese entonces, y Al Pitrelli el guitarrista, antes de unirse a Alice Cooper. Luego de incluir al teclista Kasey Smith, intentaron grabar un demo, pero fallaron. Días después contrararon al vocalista Ted Poley. Hicieron nuevamente el intento de grabar un demo, y esta vez logrando captar la atención de Epic Records.

En 1989, Tony "Bruno" Rey (ex-Saraya) se unió brevemente como guitarrista, para luego volver a su antigua banda. Andy Timmons lo reemplazó, y la banda al fin entró al estudio ese mismo año. El disco alcanzó dos éxitos: “Naughty Naughty” y “Bang Bang,” cuyos videos fueron altamente rotados en la MTV, y los llevó de gira con bandas como KISS, Alice Cooper, Extreme y Warrant.

Después de eso, la banda grabó Screw It! en 1991. El disco nuevamente alcanzó dos hits: “Monkey Business” y “I Still Think About You”, sin tener tanto exito como en su disco debut, y de nuevo, llevó a la banda a girar con KISS. En 1992, despiden a su teclista.

En 1993, la banda había terminado de grabar Cockroach, y sorprendentemente, el vocalista Ted Poley era despedido del grupo, lo que fozó también la salia de Andy Timmons. Este hecho sumergió a la banda en problemas legales que retrasaron la salida de Cockroach hasta el año 2003, luego de algunos álbumes que no tuvieron demasiado impacto en la crítica y los fans. Cuando finalmente salió Cockroach, lo hizo a modo de dole CD. Uno de ellos contiene la versión original tal cual fue grabada por Ted Poley, mientras que el otro cuenta con la voz del nuevo vocalista, Paul Laine.

En 2005, la banda lanzó Live and Nude, un disco en directo grabado cuando Paul Laine aún se encontraba a cargo del microfono.

Actualidad

En Marzo del 2009, Ted Poley volvió a la agrupación, marcando el inicio de una nueva gira mundial que les llevaría por Europa y Japón de nuevo. Actualmente la banda termino de grabar su disco en estudio titulado Revolve cuyas criticas del nuevo album dan mucho que desear debido a que el sonido de su nuevo album es muy similar a los dos primeros discos.

El Label Independient Frontier Records anunció recientemente la firma de Danger Danger para el lanzamiento de un nuevo álbum de estudio de la marca durante el año 2008, que será el primero en incluir el guitarrista Rob Marcello, y contará con los miembros originales Ted Poley, Bruno Ravel y Steve West. El nuevo álbum "Revolve" coincide con el 20 aniversario de la auto clásico titulado lanzamiento debut de Imagine Records, un disco que se convirtió en oro, que abarca dos EE.UU. hit singles con las canciones "Naughty Naughty" y "Bang Bang" . En pocos años, también en la fuerza del seguimiento "Screw It", Danger Danger se convirtió en una de las bandas más populares de la escena Hard rock melódico, de gira con la talla de Kiss, Extreme, Alice Cooper, Warrant, entre otros.

Pagina: http://www.dangerdanger.com/

Jorge Serrano

Junto con los Auténticos Decadentes compuso varios de los temas infaltables del cancionero popular y ahora lanza su primer álbum como solista, una producción “casera” en la que también se ocupó del arte de tapa. “No soy para nada prolífico, soy muy vueltero”, se define.

“Este disco lo hice por placer, pero no parte de la necesidad porque en la banda no vivimos una sensación de frustración de esas de que querés hacer algo y no podés. Mi placer siempre está satisfecho con los Decadentes, cuando grabamos un disco y cuando tocamos”, aseguró Serrano en charla con Télam.

A caballo de canciones que ingresaron rápidamente en el inconciente colectivo como “Loco (tu forma de ser)”, “La guitarra”, “Vení Raquel”, “Diosa”, “Cómo me voy a olvidar” y “Osito de peluche de Taiwán”, Serrano comenzó a ser mirado con otros ojos por el mundo de la música.

Muchos lo incluyeron en la camada de músicos que llevan en sí el ADN de la canción popular argentina junto a Charly García, Fito Páez, Andrés Calamaro y el Estelar Manuel Moretti.

Serrano expandió esa mirada al reconocerse admirador de Raphael, Leonardo Favio, Leo Dan y Nino Bravo a los que mezclaba con su gusto por el punk, la new wave y mucha cumbia.

“Alamut” satisface la ansiedad y la expectativa, pero para dejar claro que su corazón y el centro de su vida pasa por Decadentes, Serrano armó el disco de manera artesanal con el percusionista Mosca Lorenzo en batería, Martín Aloe en bajo y Horacio Gamexane en guitarras.

El disco contiene grandes canciones como “Fósforo”, “Emociones negativas”, “Celular”, “Lobulo Frontal” y “Todos lo están filmando”, entre otras.

-¿Alguna canción de “Alamut” quedó afuera de un disco de los Decadentes?

-Hay un par de canciones que no entraron en los discos de los Decadentes, porque como votamos entre todos, no quedaron. Pero no porque fueran malas, sino porque no hacían al balance del disco. Y otras son nuevas y las hice a partir de que me propuse armar el disco.

-¿Sos conciente de que hay mucha expectativa en torno a lo que hacés como compositor?

-Sabía que había avidez, pero yo no quería presiones, siempre dije que cuando estuviera listo lo iba a sacar. Por eso recién le mostré el disco a la compañía cuando estuvo grabada la base.

-¿Cómo trabajás en la composición?

-No puedo componer en la ruta, necesito estar aislado, hace 20 años que compongo pero sigo sin encontrarle la vuelta. Por ahí en un año hago una canción, tres o cinco. Lo que me mantiene vivo es que me parece que suenan buenas y parte de ese gusto tiene que ver con mi edición, porque detrás de esas canciones que llegan al disco hay muchas que murieron. No es que todo lo que hago está bueno, las porquerías no las muestro, es sólo eso.

-¿Pero sos prolífico?

-No, no soy prolífico para nada, soy muy vueltero, muy abortero, sale una canción y al toque la tiro a la basura. Las canciones me salen a borbotones, pero a veces pasan dos años sin que escriba nada. Mis canciones son sencillas y simples, lo que hace que una canción valga la pena es una chispa de originalidad, porque el oficio lo tengo, pero busco la esencia que la haga especial. No estoy buscando impresionar a la gente por mi musicalidad, que no es tan desarrollada. Busco llegar a la gente a través del mensaje y la forma de la canción.

-¿Hay otros artistas que te pidan canciones?

-Me siguen pidiendo canciones pero siempre respondo lo mismo: que no tengo canciones de más, las que tengo son para los Decadentes. Sé que hay muchas puertas abiertas para escuchar mis canciones, pero es que no tengo muchas y las que tengo son para los Decadentes. Vivo como un honor que me pidan canciones y agradezco estar tan valorado como compositor. Pero el tema es que no me sobran, si no le daría a todos los amigos, me encantaría. Si fuera más prolífico me dedicaría solo a componer como los de la vieja escuela Burt Bacharach o Randy Newman.

-¿El disco fue una superproducción o de perfil más bajo?

-La idea era que el disco fuera casero, que se pareciera a los demos que yo armo para mostrarles las canciones a los Decadentes. Por eso el logo y la tapa las hice yo, inclusive saqué las fotos del arte de tapa y por eso el disco comenzó en casa. No quería hacer la historia del solista que arma una súper banda de sesionistas para el disco, en todo caso armé una súper banda de amigos músicos, es gente con la que he tocado y compartido cosas.

-¿Por eso lo llamaste a Gamexane?

-Gamexane es un maestro, un guitarrista muy original, además un amigo de la vieja guardia, tiene mucha personalidad y tiene un sonido propio al que no le podés rastrear las influencias.

Fuente: Rock.com.ar

Skindred

Skindred es un grupo de metal Galés de Newport. La banda se formó en 1998 tras el abandono del cantante Benji Webbe de su anterior grupo, Dub War. El estilo musical de Skindred mezcla alternative metal, punk y reggae. El grupo define su estilo como "Ragga metal".

Historia

Dub War se formó en Newport, Gales en 1993, y finalmente firmó con Earache Records. Como dice el vocalista Benji Webbe, "No nos dejaban grabar y no nos pagaban lo suficiente para seguir, esto nos hizo pelearnos entre nosotros hasta que no tuvimos más opción que separar nuestros caminos o acabar matándonos los unos a los otros." Dub War se separó en 1998, y Webbe formó Skindred con el bajista Daniel Pugsley, el guitarrista Mikey Dee, y el batería Dirty Arya después de que Webbe fuera incapaz de juntar en un nuevo proyecto a otros miembros de Dub War. En 2002, Skindred lanzó su álbum de debut, Babylon. Tras ser remasterizado en 2003 en otro sello, el álbum se lanzó finalmente con Lava Records el 14 de Agosto de 2004. El periodista de Allmusic Johnny Loftus dijo que "Skindred no parecen querer conscientemente la etiqueta de "reinventores"; simplemente tienen la misma ausencia de pretensiones que potenció los álbumes de Korn Korn y Vivid de Living Colour -- trabajos que fueron realizados de manera visionaria con una honestidad inalterable tanto en la forma como en el contenido. [...] muy recomendable para fans de grupos del tipo de Soulfly y System of a Down, o cualquiera que busque un poco de música potente y que no haya caído víctima del yunque de la asimilación colectiva."

En Estados Unidos, el álbum llegó al nº1 en la lista Billboard "Top Reggae Albums", al nº5 en la lista Top Heatseekers y al nº189 en la Billboard 200, y el single "Nobody" escaló hasta el nº14 en la lista Mainstream Rock Tracks y al nº23 en la lista Modern Rock Tracks en 2004. En 2005, el single "Pressure" escaló hasta el nº30 en la lista Hot Mainstream Rock Tracks. En 2006, Babylon llegó una vez más hasta el nº1 en la lista Top Reggae Albums. El 23 de Octubre de 2007, Skindred lanzó su segundo álbum, Roots Rock Riot con Bieler Bros. Records. En Estados Unidos, el álbum llegó al nº6 en la lista Top Heatseekers y al nº22 en la Top Independent Albums.

Estilo musical

Skindred aglutina influencias del nu metal, el punk y el reggae . El grupo define su estilo como "Ragga metal". Benji Webbe, bromeando, lo ha redefinido como "nu-reggae", refiriéndose al término nu metal. Pese a que Skindred ha sido a veces comparado con Bad Brains, Webbe afirma que "Para alguien que no sabe nada de música reggae, por supuesto que vamos a sonarle como Bad Brains. Es como si alguien que no sabe nada de ópera diría que Pavarotti suena como Mario Lanza. Pero cuando tienes el oído entrenado y sabes lo que buscas, vas a decir, 'Joder no, Mario Lanza no suena para nada como Pavarotti.

Pagina: http://www.skindred.com/

Zakiya Hooker

Cantante y compositora de blues, Zakiya Hooker, hija del ícono americano John Lee Hooker, es el legado viviente de su padre, destinada a entregar la antorcha del blues hacia al nuevo milenio

Nacida en Detroit, Michigan, en 1948 bajo el nombre de Vera Lee Hooker, se casó a los 19 años y tuvo tres hijos. Luego de una separación temprana, se mudó a California y debió criar sola a su familia. En 1985 adoptó el nombre de Zakiya, que en Swahili significa ""inteligencia" y en hebreo "pura y exonerada". En 1987 conoció a Ollan Christopher Bell con quien trabajó asociada, hasta que pasó a ser su esposo y productor.

En 1991 Zakiya hizo su primera aparición pública cantando a dúo con su padre, y para 1993 había grabado su primer álbum, "Otra generación del blues", para Silvertone Records de Europa. En 1997 salió el segundo álbum, "Sabores de los Blues", para todo el mundo en Pointblank/Virgin Records. Actualmente trabaja en un tercer álbum junto a su banda Bluz 4 U.

Zakiya entiende el origen y herencia Afro-Americana del blues. Habla con conocimiento y una introspección propia de quien siente correr la sangre del blues en sus venas. Además de su carrera como intérprete, ha sido invitada a participar en diversas conferencias acerca de esta manifestación única del arte americano, del cual Zakiya Hooker es una autoridad reconocida.

Pagina: http://zakiyahooker.com/

David Guetta

David Guetta (7 de noviembre de 1967, París) es un DJ francés de música electrónica, especializado en producir música house. A los 13 años comenzó a mezclar sus primeros vinilos. Con 17 años, trabajó como DJ en el Broad, lanzando su carrera. Entre 1988 y 1990, mezcló música house en la Radio Nova.

David guetta nacio y crecio en Paris, Francia en el seno de una una familia Judia Sefardi de Marruecos. A la edad de 15 años David Guetta empezó a organizar fiestas en el sotano de su casa.

Con su estilo club dance/house, sus primeros éxitos europeos fueron «Money» y «Just a Little More Love». En 2005, con su sencillo «The World Is Mine» alcanzó el número uno en las listas dance por toda Europa y se volvió conocido por el gran público por un anuncio de gomina de L'Oréal, donde es el actor principal.

El 13 de agosto de 2005 participó en el Festival Español de Creamfields, donde también participaban The Chemical Brothers y Carl Cox. En el 2008 es considerado el quinto mejor DJ del mundo, por la revista DJmag.

Recientemente ha colaborado en el 2009 con el grupo Black Eyed Peas con el éxito I Gotta Feeling. En el 2:21 del videoclip aparece realizando un cameo y trabaja como DJ principal en Pacha Ibiza los jueves en la famosa fiesta 'F**k me I'm famous'

F***k me, I'm famous

F***k me, I'm famous es la fiesta mas famosa de David Guetta. Algo así como "Fóllame, soy famoso" es la traducción de la fiesta en la cual el DJ muestra su música mas reciente (y no tan reciente). Un ejemplo es el que hace en la discoteca Pacha Ibiza cada verano, aunque puede verse en muchas ciudades del mundo...

Colaboración con Britney Spears

En septiembre de 2009, el propio David Guetta confirmó entusiastamente en su cuenta de Facebook, que se encontrabaja trabajando con su «amiga», la cantante estadounidense Britney Spears, quien prepara el lanzamiento de su segundo álbum recopilatorio, The Singles Collection.[1

Pagina: http://www.davidguetta.com/

Celso Piña

Celso Piña (6 de abril de 1953 en Monterrey, Nuevo León, México) es un cantante, compositor, arreglista y acordeonista profesional mexicano de música del género de cumbia.

Celso Piña es pionero en la mezcla o fusión de sonidos tropicales como base, conjugándolos con todo tipo de géneros populares desde los norteños[1] hasta sonidero, ska, reggae, rap, hip-hop, R&B, etc. Por esta razón por lo que se le considera unos de los mejores músicos de México, y Latinoamérica, es también conocido con el mote de El Rebelde del acordeón o también como el Cacique de la Campana.

Piña empezó tocando música regional desde hace ya mucho tiempo acompañado de sus hermanos Eduardo, Rubén y Enrique, juntos daban serenatas en el barrio a todas las chicas de la cuadra.

Pero fue en el año de 1980 cuando Celso Piña compra su primer acordeón para introducirse al mundo de la música vallenata, con largas horas de ensayo y esfuerzo, en la popular colonia Independencia, al sur de la ciudad de Monterrey, México. Para esta zona donde vivió mucho tiempo tiene una cumbia llamada Mi colonia Independencia, la que se ubica en la populosa zona del Cerro de la Campana en Monterrey.

A mediados los años 1980s decidieron cambiar de estilo musical y comenzaron a tocar música tropical. Después de escuchar a los ilustres Aníbal Velásquez y Alfredo Gutiérrez durante un baile de cintas (reproducción de música mediante cintas), decidieron entrar de lleno a la música vallenata, y así formó su propia banda Celso Piña y su Ronda Bogotá.

Celso Piña es un autodidacta del acordeón, puesto que no asistió a ninguna escuela y el solo a base de tocar y ensayar una y otra vez, así fue que formo su propio estilo. De sus primeros inicios destacan varias cumbias como La cumbia de la paz, El tren, Como el viento y la muy afamada La piragua. Hizó una participación especial en el tema Sufran con lo que yo gozo junto a la mexicana Gloria Trevi.

Pagina: http://www.celso.com.mx/

Santos Inocentes

Santos Inocentes es una banda que se enrola dentro del tenco-rock argentino. A comienzos de la década de los '90, Raúl Cariola y Andrés Alberti (voz y teclados, respectivamente) eran amigos que comenzaban a tocar juntos. Poco después se les unen Andy Dussel en bajo y Gustavo Zavala en batería. Con esa formación hacen algunas presentaciones, y al tiempo llega Oscar Cariola (hermano de Raúl), incorporando la guitarra a la banda y luego Emanuel Cauvet, para reemplazar a Gustavo Zavala en la batería.

En el año 1993 tocan frecuentemente en el circuito under de Buenos Aires, en lugares como Die Schule, Arpegios, El Dorado, The Roxy, La Luna, La Negra, entre otros.

Ezequiel Dasso reemplaza a Emanuel Cauvet, y con esa formación telonearon a Soda Stereo en su show de despedida, en septiembre del '97

El quinteto llegó a su álbum debut recién en 1998, con la producción de Tweety González. El primer corte difusión fue el tema "Desaparecedor".

En octubre del 2000 lanzaron "Megatón", el segundo disco, cuyo corte sería "Rockstar". La presentación oficial se realizó en La Trastienda, con más de 1500 personas como público.

El 2001 comenzó muy bien, teloneando a los Red Hot Chilli Peppers en enero y en el Cosquín Rock en febrero. Se convirtieron en la primera agrupacion de toda América Latina seleccionada por el sello Maverick (propiedad de la diva pop Madonna) para editar su material en E.E.U.U. y el resto del continente. Aprovechando ese lanzamiento, realizaron en el 2001 una extensa gira por E.E.U.U., Puerto Rico y México.

Al regresar de esta gira, la banda inició un paréntesis en su carrera, con cambios en la formación original: ingresa Maxi Castro en guitarra y Axel Báez en voz.

Formación:
Mr Pop: voz
Osko: guitarra
Andrés Dussel: bajo
Andy Alberti: guitarra
Ezequiel Dasso: batería

Pagina: http://www.santosinocentes.com/
Fuente: Rock.com.ar

Pastoral

Dúo integrado por Erausquín y De Michele, de música acústica y letras sencillas. Su aparición pública se produjo en 1974, casi simultáneo a la separación de Sui Generis y por esta razón fueron consierados como "los herederos" de García-Mestre. A lo largo de los años fueron varios los músicos que los acompañaron, sobre todo en las presentaciones en vivo. Por la banda soporte pasaron Daddy Antogna, Hugo Villarreal, Pedro Aznar y Oscar Moro, estos dos últimos unos meses antes de integrar Serú Girán.

El debut tuvo lugar en 1973 y fueron logrando un paulatino éxito. Su estilo personal, tanto en lo vocal como en lo compositivo, lo fueron consolidando con el paso de los discos. El álbum que los terminó de popularizar fue "En el hospicio" (1975), producido por Litto Nebbia.

Desgastados por el éxito, decidieron separarse, aunque por razones contractuales debieron grabar "De Michele-Erausquín" (1979).

En 1981 decidieron organizar un retorno, tras infructuosas carreras solistas. Así dieron forma a "Generación", el último disco. El 30 de abril de 1983 fue la última presentación en Obras. Con un sonido bastante actualizado, demostraron que no se habían quedado en el folk acústico de los '70, y la repercusión entre el público fue muy amplia. Sin embargo, el dúo tuvo un abrupto final: al mes siguiente, Alejandro De Michele murió en un accidente automovilístico.

Pagina: http://www.todopastoral.com.ar

The Monkees

The Monkees fue una banda de rock cuyos componentes eran originarios de la ciudad de Los Ángeles, Estados Unidos. El grupo fue creado originalmente para una comedia televisiva del mismo nombre en la cadena NBC, fueron seleccionados entre más de 500 jóvenes (entre los rechazados estaban músicos que después fueron famosos como Stephen Stills y Danny Hutton, ya que los productores estaban más interesados en crear un concepto comercial que tener músicos con talento) que fueron a las audiciones para un espectáculo de televisión y discos producidos por Don Kirshner. El espectáculo contaba con un sentido del humor irreverente, muy similar o más bien copiado al de "A Hard Day's Night", la primera película protagonizada por The Beatles, además de esto sólo uno de ellos era músico (Michael Nesmith) y el resto aprendió a tocar sobre la marcha, mientras en sus primeros álbumes la pista era tocada y compuesta por los mejores músicos y compositores de Estados Unidos como Carole King, Neil Sedaka, Neil Diamond y Tommy Boice y Bobby Hart, así que no podía haber fallo en el aspecto de los éxitos y no lo hubo entre los años 1966 y 1968. A partir del disco Headquarters ellos ya tenían la capacidad de tocar los instrumentos en el disco y así lo hiceron, desgraciadamente para ellos salió a la venta el álbum de The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y fueron desplazados del número 1 después de sólo una semana; además emprendieron junto a Jack Nicholson el Proyecto de la película "Head", la cual fue un desastre, su programa fue cancelado y al poco tiempo Michael Nesmith dejó la banda comprendiendo que para sus creadores los Monkees sólo fueron un producto y nada más. Curiosamente en esta época The Monkees rechazó grabar "Sugar Sugar" y Kirshner al ver la posibilidad de ahorrarse la selección y conflictos que llevaba elegir a los miembros, creó un grupo de dibujos animados llamado The Archies, basado en la tira cómica Archie y "Sugar Sugar" fue el mayor éxito de 1969.

The Monkees tuvieron éxitos de ventas como "Last train to Clarkville", "I'm a Believer", "She", "I'm Not Your Steepin' Stone", "A Little Bit Me A Little Bit You", "Look Out Here Comes Tomorrow", "Pleasent Valley Sunday ", "When Loves Come Knockin' At Your Door", "I Wanna Be Free", "Theme Of The Monkees", "Daydream Believer" y en 1986 se reunieron y tuvieron un éxito importante más "That Was Then, This Is Now".

Pagina: http://www.themonkees.net

The Byrds

The Byrds fue un banda de rock estadounidense de mediados de la década de 1960 que fue pionera del Folk Rock, el rock psicodélico y el country rock, siendo considerados como la respuesta estadounidense a la invasión británica encabezada por los Beatles.

Los inicios

El germen de los Byrds fue el trío folk acústico californiano The Jet Set de 1964, integrado por Roger McGuinn (nacido como Jim en Chicago, 1941), Gene Clark (Tipton, Misouri 1941) y David Crosby (Los Ángeles 1941).

Confesos admiradores de la ola de bandas inglesas que empezaban a sonar en los Estados Unidos (específicamente de los Beatles), decidieron de manera espontánea "electrificar" su sonido sin perder su esencia folk.

Gracias a su cercanía con David Crosby al haber trabajado juntos, el productor Jim Dickson se unió a los músicos, logrando conseguirles horas de grabación en un reconocido lugar: la World Pacific Studios, donde registrarían su primer demo "The Only I Girl Adore", una canción acústica con inspiración beatle.

Dickson serviría como puente para que el bajista Chris Hillman (Los Ángeles 1942) accediera a la banda, mientras que Crosby haría lo mismo con el bateria Michael Clarke (Texas, 1944), habiéndose completado la alineación original de los Byrds.

Cuando el quinteto tuvo la oportunidad de ver la primera película de los Beatles "A Hard Days Night" con la intención de identificar los instrumentos y amplificadores que usaban los de Liverpool para lograr su característico sonido, McGuinn notó que George Harrison usaba una Rickenbacker 360/12, permitiéndole ese aporte sonoro al conjunto. En seguida acudio a una tienda de guitarras para comprarse una Rickenbacker como la de Harrison pero solo encontró el nuevo modelo 360 o también llamado new style en color natural que posteriormente también utilizó el beatle en If I Needed Someone. El músico optaría por emplear dicha guitarra, la cual lo acompañaría en el fructífero camino que le tocaría recorrer con los Byrds.

La banda siguió mejorando su sonido en sesiones dentro de la World Pacific Studios, componiendo y registrando temas con claras influencias de los Beatles y los Searchers, otra agrupación británica. De estas jornadas se logró un sencillo titulado con un nuevo nombre para el grupo The Beefeaters. Este incluía los temas "Please Let Me Love You" y "Don´t Be Long".

La placa fue presentada a la discográfica Elektra, la cual adquirió las cintas maestras con los registros pero no contrató a McGuinn y compañía, aunque los mismos obtuvieron más experiencia, además de alabanzas y un salario de 750 dólares.

Para noviembre de 1964, mientras los Byrds (que aún se hacían llamar Jet Set) continuaron sus labores en estudio, empezó a correr el rumor entre la comunidad artística de Los Ángeles de que existía una agrupación similar a los Beatles, convocando a los curiosos a asistir a verlos en los estudios. Uno de ellos fue Bob Dylan, reconocido músico folk a quien la banda también admiraba, haciendo constar esto en las diversas versiones que hicieron de sus temas.

Un préstamo de 5 mil dólares obtenido por Jim Dickson haría que el conjunto pudiera hacerse de mejores instrumentos y por ende una notable mejoría en su sonido. McGuinn tocaba una Rickenbacker 360/12 cuerdas, Crosby tenía una Gretsch Country Gentleman parecida a una de George Harrison, Hillman usaba un bajo Guild y también un Fender y Clarke llevaba el ritmo con unas piezas Ludwig. Para la amplificación, también usaron Fender, que no estaban tan de moda en ese entonces como los Vox pero no dejaban de ser una buena opción que ofrecía la tecnología de entonces.

Luego de su primer concierto pago (recibieron 50 dólares) en el East Los Angeles College, Dickson llevó a Los Byrds a conocer a Ben Shapiro, un empresario amigo suyo que podía conseguirles actuaciones.

Mientras McGuinn, Clark y Crosby cantaron frente a Shapiro en su casa, la hija de éste los escuchó desde su cuarto y al creer que los Beatles estaban tocando en su hogar, bajó impresionada a verlos.

Al día siguiente Shapiro contó la historia al reconocido trompetista de jazz Miles Davis, éste telefoneó a Irving Townshend (un ejecutivo de Columbia Records) y le comentó que había "unos Beatles californianos rondando por ahí... sin contrato".

Irving comunicó la noticia a Allen Stanton, el jefe de fichajes de la compañía en la Costa Oeste y Stanton acudió a la brevedad, habló con Dickson y fichó a los Jet Set para la Columbia (CBS) el 10 de noviembre de 1964.

El 26 de noviembre, Los Jet Set cambiaron su nombre por el de Los Byrds (influenciados por el célebre almirante Byrd) después de considerar otros (como el de Birdses).

Mr. Tambourine Man

Al ser fichados por la Columbia, la tarea de producir el primer sencillo de los Byrds le fue encomendada al joven productor Terry Melcher (igualaba en edad a Clark y McGuinn), hijo de la actríz Doris Day y conocedor a fondo de la música pop y surf.

Tanto Melcher como Jim Dickson querían que el grupo trabajaran en el tema de Dylan "Mr. Tambourine Man" que previamente habían registrado en la World Pacific Studios, aunque dicha versión no caló en el gusto de los músicos.

Los Byrds abandonaron sus sesiones nocturnas de ensayo y se dedicaron a tocar en varios locales de Los Ángeles con miras a probar su capacidad en directo.

El contrato que firmó la Columbia con Los Byrds fue muy cauteloso por parte de la casa discográfica. Oficialmente, sólo se contrataba a los tres vocalistas (Gene, David y Jim) aunque el grupo completo quedaba ligado a la empresa. El nexo laboral sólo abarcaba 6 meses y no obligaba a la compañía más que a grabar cuatro canciones, pero no a ponerlas en el mercado, salvaguardando sus intereses en caso de que el grupo no lograra el éxito esperado.

El 20 de enero de 1965 se celebró la sesión de grabación de "Mr. Tambourine Man" (donde también se registró "I Knew I'd Want You"). Aunque todo el grupo estuvo presente, sólo McGuinn tocó su Rickenbacker de 12 cuerdas. El resto (batería, bajo, otras guitarras) corrió a cargo de músicos de sesión (Leon Russell, Hal Blaine y Larry Knechtel) aunque Crosby y Clark sí cantaron junto a McGuinn en las dos caras del disco.

La banda completa no tocó debido a que Columbia quería tener el material listo lo más rápido posible y no quería correr riesgos de atrasos, por lo que optó por reclutar a profesionales, una costumbre norteamericana muy arraigada que Los Byrds, capaces de tocar por sí mísmos, no permitirían que se volviese a repetir.

A pesar de esto, el equipo de trabajo que formaron Melcher y Dickson con los Byrds funcionó muy bien: Melcher sugirió la famosa línea de bajo que abre el tema y también el empleo de un ritmo similar al de Don't Worry Baby de Los Beach Boys. McGuinn sustituyó a Gene Clark como solista y cantó como una especie de mezcla entre Bob Dylan y John Lennon, dando pie al nacimiento oficial del folk-rock.

"Mr. Tambourine Man" debería haber salido en febrero de 1965, pero el lanzamiento no se produjo y en lugar de ello, se realizó otra sesión de grabación el 8 de marzo, esta vez sin músicos ajenos a la banda de donde salieron los temas "She Has A Way" e "It´s No Use". Entre tanto Columbia no se decidía a poner el sencillo en el mercado, porque tanto los Beatles como los Rolling Stones estaban a punto de sacar sus nuevos materiales, lo que podría restarle importancia a Los Byrds.

Entre marzo y abril de ese año, la situación de la banda estaba estancada, Columbia no hacia nada al respecto y las presentaciones en directo escaseaban. Tal situación llego a desalentar a los músicos quienes llegaron a pensar en separarse, pero luego de los buenos resultados logrados con sus actuaciones en un club de Los Ángeles y la confirmación de que la disquera publicaría el sencillo, desistieron de la idea.

El éxito y la respuesta a Los Beatles

Finalmente en abril de 1965 "Mr. Tambourine Man" sale al mercado y de la noche a la mañana Los Byrds alcanzan el Nº 1 a nivel mundial, empezando por California, donde las radios colocaban su producción constantemente, hasta alcanzar todo Estados Unidos y llegar a sonar en Gran Bretaña.

No solo músicos y compradores de discos tendrían interés sobre ellos sino también el que hasta hace poco era publicista de los Beatles, Derek Taylor, quien luego de abandonar su trabajo con los británicos luego de una discusión con su manager Brian Epstein, aceptó ser agente de prensa del grupo.

El éxito del "single" hizo que los Byrds vivieran un frenético ritmo de vida en lo que quedaba del año. Presentaciones -ahora multitudinarias- en clubes angelinos y en televisión y sesiones fotográficas y de grabación, los colocaron a la par de los Beatles, considerándolos desde entonces como la auténtica respuesta norteamericana a ellos. Aunado a esto, la banda presentaba además una imagen contagiante, donde destacan los lentes rectangulares de Roger McGuinn (que luego serían adoptados por John Lennon), la capa de David Crosby y sus profusos peinados.

Su primer LP, titulado como su éxito y grabado entre marzo y abril, se pone en las tiendas en agosto y logra posicionarse en el nº 7 británico y 6 de los Estados Unidos. El segundo sencillo "All I Really Want to Do", otro tema de Dylan, consigue hacerse del número 4 en Gran Bretaña pero falla en norteamérica, pues la cantante Cher logró publicar su versión primero.

Un Nº 1 con contenido bíblico

Los Byrds hacen una gira inglesa en agosto y entre septiembre y diciembre tratan de grabar un tercer single que les devuelva a lo alto de las listas, mientras continúan con su apretada agenda profesional y social.

El nuevo éxito será "Turn!, Turn!, Turn!", después de descartar una demo producida por Dickson del "It's All Over Now, Baby Blue" (de Bob Dylan) que Terry Melcher consideró demasiado floja. El tema, realizado de una innovadora manera, a partir de la adaptación de Pete Seeger de un pasaje de la Biblia -concretamente, del Eclesiastés-, se convierte en nº 1 estadounidense durante las Navidades de 1965. En Gran Bretaña sólo llegaría al nº 26, lo que no mermaría en el reconocimiento que ya McGuinn, Crosby, Clark, Hillman y Michael habían logrado.

Pagina: http://www.byrds.com/

Steve Marriott

Stephen Peter Marriott (Londres, 30 de enero de 1947 - Essex, 20 de abril de 1991) popularmente conocido como Steve Marriott fue un exitoso cantautor y guitarrista. Fue miembro de Small Faces (1965-1969) y Humble Pie (1969-1975).

En Gran Bretaña, Marriott se convirtió en un icono de la cultura Mod como el guitarrista de Small Faces en la segunda mitad de los años 1960. Sus primeras influencias musicales incluyen a Buddy Holly, Booker T. & the M.G.s, Ray Charles, Otis Redding, Muddy Waters, Bobby Bland y más tarde los Rolling Stones. La revista Mojo lo nombró como uno de los 100 cantantes más grandes de todos los tiempos.[1]

En sus últimos años, desilusionado de la industria de la música, dio la espalda a las discográficas y se mantuvo en relativa oscuridad, volviendo a sus raíces y dando conciertos en pequeños pubs y clubes de Londres y Essex.[2]

Marriott murió en 1991 cuando un incendio, que al parecer fue provocado por un cigarrillo destruyó su casa de Arkesden, Essex.

Pagina: http://www.stevemarriott.co.uk/

Rosa Tattooada

Rosa Tattooada é uma banda brasileira de hard rock formada em Porto Alegre, RS, em meados de 1988, influenciada principalmente por artistas norte-americanos do mesmo estilo, tais como KISS, Mötley Crüe e Guns N' Roses, entre outros. Quanda a banda começou, o estilo hard rock estava em alta praticamente no mundo inteiro, tendo mais tarde cedido a vez à onda grunge. A formação original surgiu da associação de dois roadies dos Cascavelletes - Jacques Maciel na guitarra e vocal, e o baterista Beat Barea - e dois outros integrantes, Paulo Cássio (guitarra) e Eduardo Rod (baixo).

A banda fez grande sucesso no cenário roqueiro gaúcho do início dos anos 90, realizando vários shows memoráveis e sempre lotados no interior do Estado, na capital - quase sempre em uma casa noturna chamada Porto de Elis, e evetualmente fora do estado. Nos shows da banda predominava o público adolescente feminino. Em 1990 lançaram o primeiro album, pela gravadora Nova Idéia: Rosa Tattooada, produzido por Thedy Corrêa da banda Nenhum de Nós. Com o álbum, emplacaram sucessos como O Inferno Vai Ter que Esperar - música composta pelo próprio Thedy e que ficou por muito tempo em primeiro lugar na programação das rádios FM gaúchas - e Tardes de Outuno. Algum tempo depois a banda foi convidada a abrir o show do Guns N' Roses no Rock in Rio II. No ano seguinte, a Rosa Tattooada assinava contrato com a Sony Music Entertainment, gravadora pela qual relançaram o primeiro álbum.

Dois anos mais tarde, em 1994, a banda trocou de gravadora, assinando com a Paradoxx Music para lançar Devotion. O álbum diferencia-se do trabalho anterior pelas canções em inglês. Não conseguiram com ele obter o sucesso alcançado pelo primeiro disco e a banda se separou, retornando em 2001 com um power trio formado por Jacques, Beat Barea e Rodrigo Maciel, irmão de Jacques, no baixo. Lançam o álbum Carburador pela gravadora Antídoto.

Dois anos depois, em 2003, lançam mais um álbum, em comemoração aos 15 anos da banda, chamado Hard Rock DeLuxe, com produção de Vini Tonello, que havia participado da gravação do álbum anterior e na época já integrava a banda como tecladista convidado. Em 2006, o Rosa Tattooada lançou seu trabalho CD recente, Rendez-Vous, produzido por Barea.

Em junho de 2008 gravaram seu primeiro DVD ao vivo, registrado no Bar Opinião, famosa casa noturna porto-alegrense. Apesar de ansiosamente aguardado pelos leais fãs da banda, o DVD ainda não tem data prevista de lançamento.

Um ano mais tarde, em junho de 2009, a banda anúncia sua terceira e atual formação. Com a saída de Rodrigo Maciel e Vini Tonello, por motivos ainda não revelados, Valdi Dalla Rosa, ex-integrante do projeto paralelo de Jacques Maciel, "Jacques Maciel e os Esqueletos", assume o baixo. Martin De Andrade, antigo amigo da banda, inicialmente convidado a integrar os Esqueletos, é o novo guitarrista. O quarteto grava uma nova música, "Rock 'N Roll Até Morrer", que será lançada no MySpace oficial da banda ainda este ano.

Pagina: http://www.rosatattooada.com.br/

Robert Cray

Robert Cray es un guitarrista y cantante de blues y soul nacido en Columbus (Georgia), Estados Unidos el 1 de agosto de 1953.

En 1980 sacó su primer álbum: Who’s Been Talkin, pero no alcanzó la fama hasta que grabó Strong Persuader en el año 1986. Ese mismo año grabó junto a Stevie Ray Vaughan y a Eric Clapton, Live Ballads In Dallas.

A partir de entonces es considerado uno de los referentes del blues actual junto con Eric Clapton, BB King y otros.

Entre sus álbumes con mayor éxito se incluyen Some Rainy Morning (1995), Take Your Shoes Off (1999), Time Will Tell (2003), y Twenty (2005).

Ha participado en importantes festivales como Croosroad Guitar Festival.

http://www.robertcray.com/

Roky Erickson

Al igual que Syd Barrett, Roky Ericksson llegó al status de artista de culto más que por su música, por su trágica vida: ataques de locura, abuso de drogas, etc. frecuentes en la psicodelia.

Inicios

Roger Kynard Ericksson nació el 15 de julio de 1947 en Dallas, Texas y comenzó a tocar el piano a la edad de 5 años. Para los 12 años también tocaba la guitarra. Hijo de un arquitecto y una aspirante de cantante de ópera, abandonó los estudios para convertirse en músico profesional. En 1965 firmó su más famosa composición: You're Gonna Mis Me, grabada con un grupo llamado The Spades. Esto llamó la atención de otro grupo local de influencia psicodélica llamado 13th Floor Elevators cuyo letrista Tommy Hall invitó a Roky a unirse al grupo. Rápidamente los Elevators harían su propia versión de You're Gonna Miss Me y llevarían el single al puesto 56 de las listas de Pop en 1966.

El éxito obtenido les abriría las puertas de un contrato con International Artists, pero al igual que crecía su fama también lo haría su notoriedad con las leyes locales por el consumo de marihuana y LSD. Se convirtieron así en el objeto de acoso policial y, tras el arresto de Ericksson por posesión de un porro en 1969, éste alegaría locura para eludir la cárcel. Le siguió un periodo de 3 años y media en el Hospital para la Locura y la Criminología. Le fue dignosticada esquizofrenia y sometido a terapia de electroshock, Thorazina y otros tratamientos psicoactivos.

Locura

Aunque salió del hospital en 1973, Roky no volvió a ser ya la misma persona. Volvió a tocar con una nueva banda, The Aliens, pero sus canciones (una serie de grabaciones influenciadas por películas de terror) tales como Red Temple Prayer, Don't Shake Me Lucifer y I Walked With a Zombie encontraron poco éxito comercial. Aun así, tenía un grupo de fieles seguidores pero también un ejército de mánagers sin escrúpulos que le hicieron numerosos contratos poco claros que le llevaron a no cobrar un céntimo de muchas de sus publicaciones. En 1982 firmó una declaración jurada declarando que un marciano había invadido su cuerpo y fue gradualmente desapareciendo de la escena musical.

Sobreviviendo

Hacia 1990 Ericksson se las ingeniaba para sobrevivir con los 200$ al mes que le daba la Seguridad Social. Tras un arresto por robo, que fue finalmente retirado, fue internado de nuevo. En 1990 de cualquier manera, artistas como R.E.M., ZZ Top, John Wesley Harding y Jesus and Mary Chain grabaron sun canciones en el disco Where the Pyramid Meets the Eye: A tribute to Rocky Ericksson obteniendo un éxito nunca antes alcanzado. En 1993 Ericksson tocó por primera vez en directo tras muchos años de ausencia en los Austin Music Awards . Unos pocos meses más tarde volvió al estudio con los guitarristas Charlie Sexton y Paul Leary (de Butthole Surfers) para grabar una serie de nuevas canciones.

Tributos

En 1975 el colega de Leary King Coffey publicó el disco de Roky Ericksson All That May Do My Rhyme en su sello Trance Syndicate. 4 años más tarde publicaría también Never Say Goodbye: una colección de grabaciones privadas e inéditas de Ericksson.

En el 2001 Sunner Ericksson, su hermano y reconocido músico clásico, obtuvo la custodia de Rocky, que gozaba ya de muy mala salud. Bajo la estrecha vigilancia de su hermano, Roky comenzó a recibir adecuada atención médica por primera vez en muchos años, así como un más adecuado tratamiento para sus problemas psicológicos. También consiguió una adecuada defensa para sus asuntos legales lo que hizo que empezara a obtener algún beneficio de sus composiciones.

Un recuperado Roky comenzó a reaparecer públicamente en Austin, Texas y en Marzo del 2005 participó en un foro público sobre 13th Floor Elevators en la Southwest Music Conference. Hizo también un breve aparición musical con los Explosives y un documental sobre él fue presentado en el Southwest Film Festival. Esta explosión de actividad coincidió con la publicación de una antología en doble CD sobre su obra titulada I Have Always Been Here Before: The Rock Ericksson Anthology.

Pagina: http://www.rokyerickson.net/

Nick Drake

Nicholas Rodney Drake (19 de junio de 1948 - 25 de noviembre de 1974), más conocido como Nick Drake, fue un cantautor y músico inglés, nacido en Birmania, conocido por sus canciones acústicas y otoñales. A pesar de que tuvo poco éxito comercial durante su vida, su trabajo es muy apreciado en la actualidad por los críticos y por otros músicos.

El instrumento principal de Drake era la guitarra, pero también sabía tocar el piano, el clarinete y el saxofón. Drake firmó un contrato con Island Records cuando tenía 20 años, y durante 1969 editó su primer álbum, Five Leaves Left. Antes de su muerte, Drake editó otros dos LPs, aunque inicialmente ninguno vendió una cantidad significativa de copias, en parte debido a que Drake rehusaba realizar presentaciones en vivo y ser entrevistado.1 Drake luchó contra la depresión y el insomnio durante su vida, lo cual se reflejó en sus letras. Tras completar su tercer álbum, Pink Moon (editado en 1972), dejó de tocar y grabar y se fue a vivir a casa de sus padres en Warwickshire.

Drake creció en la pequeña ciudad inglesa de Tanworth-in-Arden, cercana a Birmingham. Fue a la escuela pública de Marlborough, y después a la universidad de Cambridge, donde inició sus estudios de Literatura Inglesa. Nueve meses antes de terminarlos, abandonó los estudios para lanzarse a su carrera musical. Murió el 25 de noviembre de 1974 a los 26 años, como resultado de una sobredosis de antidepresivos, que tomaba para poder dormir. Se ha especulado ampliamente sobre si su muerte fue accidental o suicidio. Lo cierto es que Nick pasó los últimos años de su vida sumido en una honda depresión, llegando a ser hospitalizado.1

Si bien Drake no recibió reconocimiento durante su vida por su obra, en la actualidad es considerado un artista de culto,3 y ha influido a artistas como Badly Drawn Boy, Robert Smith (de The Cure), Peter Buck (de R.E.M.), Kate Bush, Paul Weller y The Black Crowes.3 4 5 En 1985 The Dream Academy llegó a las listas británicas y estadounidenses con "Life in a Northern Town", una canción sobre Drake y dedicada a él.6 La primera biografía sobre su vida fue escrita en 1997 y al año siguiente se editó un documental llamado A Stranger Amongst Us. En el año 2000 Volkswagen usó su canción "Pink Moon" en una publicidad televisiva, y en un mes se vendieron más álbumes de Nick Drake que en los treinta años anteriores.

Biografía

Infancia

Nicholas Rodney Drake nació el 19 de junio de 1948 en Rangún, Birmania, donde residía su familia por motivos laborales de su padre Rodney (1908–1988), quien se había ido a vivir allí a principios de los años 30 para trabajar como ingeniero en la Bombay Burmah Trading Corporation.7 En 1934, Rodney conoció a Mary Lloyd (1916–1993), llamada Molly por su familia. Rodney le propuso casamiento en 1936, aunque la pareja debió esperar un año hasta que Molly cumpliera 21 años para que la familia le permitiera casarse.8 En 1950 regresaron a Warwickshire, Inglaterra, para vivir en el condado de Far Leys.9 Drake tenía una hermana mayor, Gabrielle, que posteriormente se convertiría en una exitosa artista de cine y televisión. Sus dos padres tenían un interés por la música y ambos compusieron piezas. Las grabaciones de Molly que salieron a la luz tras su muerte son consideradas similares en tono y perspectiva a las composiciones de su hijo: ambos tenían una frágil forma de cantar, y tanto Gabrielle como el biógrafo Trevor Dann notaron que en su música había un paralelismo en cuanto a que generaban una sensación de premonición y fatalismo.10 11 Animado por Molly, Drake aprendió a tocar piano a una temprana edad, y comenzó a componer sus propias canciones, las cuales grababa en cintas magnéticas.2

En 1957 Drake ingresó en la Eagle House School, un internado de Berkshire. Cinco años más tarde ingresó a una escuela privada de Wiltshire llamada Marlborough College, a la que habían concurrido su padre, su abuelo y su bisabuelo. Allí desarrolló un interés por los deportes, llegando a ser por un tiempo el capitán del equipo de rugby de la escuela y logrando un record de 100 yardas de carreras de atletismo que aún sigue sin ser batido.12 Sus amigos de ese período consideran que si bien era frío en su comportamiento, era seguro de sí mismo y "discretamente autoritario".13 Según su padre, uno de los reportes del director de la escuela afirmaba que "nadie parecía conocerlo muy bien", y que eso era algo común.14

Drake tocaba el piano en la orquesta de la escuela, y aprendió a tocar el clarinete y el saxofón. Entre 1964 y 1965 formó una banda llamada The Perfumed Gardeners junto a otros cuatro amigos del colego. Él tocaba principalmente el piano, aunque en ocasiones aportaba su voz y tocaba el saxofón. El grupo tocaba covers de jazz y de artistas de Pye Records, al igual que canciones de The Yardbirds y Manfred Mann. La alineación del grupo incluyó brevemente a Chris de Burgh, quien debió dejar el grupo al poco tiempo debido a que el resto de los integrantes consideraban sus gustos como "demasiado pop".15 Mientras tanto, el rendimiento académico de Drake comenzó a deteriorarse, y mientras que había adelantado un año en el Eagle House, en Marlborough dejó de ocuparse de sus estudios para dedicarse más a la música.16 En 1965 Drake pagó £13 por su primera guitarra acústica, y pronto comenzó a experimentar con diversas técnicas de afinación.12

En 1966, Drake consiguió una beca para estudiar literatura inglesa en el Fitzwilliam College de la Universidad de Cambridge, aunque retrasó su ingreso para pasar seis meses en la Universidad de Aix-Marseille de Francia. Durante su estancia en Aix, comenzó a practicar seriamente con la guitarra y además, solia tocar con sus amigos en el centro de la ciudad para ganarse unas propinas. Drake comenzó a fumar cannabis, y en esa primavera viajó a Marruecos junto a sus amigos, ya que según su acompañante Richard Charkin, "ahí era donde se conseguía la mejor hierba".17 Drake probablemente consumió LSD por primera vez en su estadía en Aix,18 y sus letras de ese período (como la de la canción "Clothes of Sand") sugieren un interés en los alucinógenos.19

Tras retornar a Inglaterra, su mudó al piso de su hermana en Hampstead, Londres, antes de ingresar en Cambridge en octubre. Sus tutores lo consideraban un estudiante brillante, pero sin entusiasmo y con poca dedicación al estudio.20 Según Dann, Drake tenía dificultades para relacionarse tanto con el personal de la universidad como con el resto de compañeros.21 Cambridge ponía mucho énfasis en sus equipos de rugby y cricket, pero Drake había perdido interés en las actividades deportivas, prefiriendo quedarse en su habitación fumando cannabis, y escuchando y tocando música.21 En septiembre de 1967 conoció a Robert Kirby, un estudiante de música que posteriormente se encargaría de orquestar los arreglos de cuerda y vientos de los primeros dos álbumes de Drake.22 Para entonces, Drake había descubierto la escena de música folk inglesa y estadounidense, y habiendo sido influenciado por artistas como Bob Dylan, Josh White y Phil Ochs. Fue entonces cuando comenzó a presentarse en clubes londinenses, y en febrero de 1968, mientras actuaba como soporte de Country Joe & The Fish en Camden Town, causó una buena impresión en Ashley Hutchings, bajista del grupo de folk inglés Fairport Convention, quien no solo fue impresionado por su técnica con la guitarra, sino también por "su imagen. Parecía una estrella".23

Hutchings le presentó al productor estadounidense Joe Boyd, quien era dueño de la compañía Witchseason Productions, la cual tenía un contrato con Island Records.24 Boyd fue quien descubrió a Fairport Convention y fue el responsable de introducir a John Martyn y a The Incredible String Band al mainstream, por lo que era una figura importante y respetada en la escena inglesa de folk.14 Ambos formaron un vínculo inmediatamente, y el productor actuó como mentor de Drake durante su carrera. Boyd le ofreció un contrato trás escuchar una demo casera que Drake grabó en la primavera de 1968. Según Boyd, "a la mitad de la primera canción, sentí que era algo especial", por lo que le propuso la grabación de un álbum. Paul Weller, amigo de Drake, sostuvo en una entrevista de 2004 que recuerda la excitación de Drake, quien había decidido no completar su tercer año en Cambridge.14
Five Leaves Left

Drake comenzó a grabar su álbum debut, Five Leaves Left en 1968, con Boyd como productor. Las sesiones se llevaron a cabo en el estudio Sound Techniques de Londres, y Drake no iba a sus clases de la universidad para viajar hacia la capital en tren. Inspirado por la producción del primer álbum de Leonard Cohen, a cargo de John Simon, Boyd quería que la voz de Drake fuese grabada con el mismo estilo cercano e íntimo, "sin reverberaciones de pop brillante".25 También quería incorporar arreglos de cuerda similares a los de ese álbum, "sin abrumar o sonar cursi".25 Como soporte Boyd utilizó a varios contactos de la escena de folk rock londinense, incluyendo al guitarrista de Fairport Convention Richard Thompson y al bajista de Pentangle Danny Thompson.26 También recluto a John Wood como ingeniero y a Richard Hewson para que se encargara de los arreglos de cuerda.

Las primeras grabaciones no dieron buenos resultados, ya que las sesiones eran irregulares y apresuradas, y eran llevadas a cabo durante el período de inactividad del estudio en medio de la grabación del álbum Unhalfbricking de Fairport Convention. Algunas tensiones surgieron entre el artista y el productor sobre la dirección que debía tomar el álbum: Boyd quería adoptar el enfoque de George Martin de "usar el estudio como un instrumento", mientras que Drake prefería un sonido más orgánico. Según Dann, Drake parece "ansioso" en los bootlegs de esas sesiones.27 Ambos estaban poco satisfechos con las contribuciones de Hewson, a las que consideraban demasiado cercanas al mainstream en relación a las canciones de Drake,28 quien sugirió reemplazarlo por su amigo Robert Kirby, aunque Boyd mostró escepticismo debido a que era un estudiante de música sin experiencia previa en grabaciones, pero al ver que Drake se mantenía firme en su postura, aceptó darle un período de prueba. Kirby le había mostrado previamente a Drake algunos arreglos para sus canciones,24 y se encargó de proveer la partitura utilizada en la versión definitiva del álbum. 29 Sin embargo, Kirby no se tenía suficiente confianza para encargarse de los arreglos de la canción "River Man", por lo que Boyd debió estirar el presupuesto de Witchseason para contratar al veterano compositor Harry Robinson, a quien solicitaron un arreglo que recordara a compositores como Frederick Delius y Maurice Ravel.

Debido a algunos problemas de post-producción, el lanzamiento del álbum se retrasó varios meses y el álbum no fue lo suficientemente bien comercializado y promocionado cuando salió al mercado.30 Hubo pocas reseñas en la prensa especializada, las cuales lo trataron con indiferencia. En julio Melody Maker se refirió al mismo como "poético" e "interesante", mientras que en octubre NME escribió que no era lo suficientemente variado como para hacerlo entretenido.31 El álbum tampoco tuvo buena difusión en la radio, aunque el DJ de la BBC John Peel ocasionalmente pasaba canciones del mismo.32 Drake estaba decepcionado con la presentación de la funda del álbum, que tenía la lista de temas impresa en un orden incorrecto y reproducía versos que no aparecían en las versiones grabadas en el álbum.33 Su decepción con el resultado final fue reflejada en una entrevista con su hermana Gabrielle: "era muy reservado. Yo sabía que estaba haciendo un álbum pero no sabía en que etapa de la producción estaba hasta que entró a mi habitación y dijo, 'ahí lo tienes'. ¡Lo tiró en la cama y se fue!"24

Drake concluyó sus estudios en Cambridge nueve meses antes de graduarse, y en el otoño de 1969 se mudó a Londres para concentrarse en su carrera como músico,34 a pesar de que su padre le escribió largas cartas mencionándole las desventajas de abandonar sus estudios en Cambridge.10 Drake pasó sus primeros meses en la capital inglesa en diversos lugares, quedándose ocasionalmente en el piso de su hermana en Kensington, pero generalmente durmiendo en sofás y en el suelo de las casas de sus amigos.35 Eventualmente, para que Drake tuviese estabilidad y un número telefónico, Boyd le consiguió un piso en Belsize Park, Camden.36

En agosto Drake grabó tres canciones sin acompañamiento para el programa de John Peel en la BBC. Dos meses más tarde abrió un show de Fairport Convention en el Royal Festival Hall de Londres, y posteriormente realizó dos apariciones en vivo en clubes de música folk de Birmingham y Hull. Recordando su presentación en Hull, el cantante de folk Michael Chapman comentó que no fue bien recibido por la audiencia, que "quería canciones con estribillos", y que "él no dijo ni una palabra en toda la noche".23 Esta experiencia contribuyó a la decisión de Drake de dejar de realizar presentaciones en vivo, y los conciertos que realizó en esa época solían ser breves, embarazosos y con poca concurrencia. Drake rara vez le hablaba a la audiencia, y debido a que algunas de sus canciones eran tocadas con diferentes afinaciones, solía hacer pausas frecuentes para afinar de nuevo su guitarra.37

El segundo álbum de Drake se tituló Bryter Layter y se editó en 1970.1 También producido por Boyd y con Wood como ingeniero, el álbum presentó un sonido más optimista y cercano al jazz. Debido al poco impacto comercial de su debut, Drake se alejó de su sonido pastoral y aceptó la propuesta de su productor de incluir pistas de bajo y batería en las grabaciones. "Era un sonido más pop, supongo", dijo Boyd, "lo imaginé como más comercial".38 Como su predecesor, el álbum contaba con la contribución de músicos de Fairport Convention, y además contó con la participación de John Cale en dos canciones: "Northern Sky" (en la que tocó celesta, piano y órgano) y "Fly" (en la que aportó partes de clave y viola).39 Según Trevor Dann, aunque algunas secciones de "Northern Sky" suenan más cercanas al estilo de Cale, fue lo más cercano que tuvo Drake a una canción con potencial en las listas.40 En su biografía del año 1999, Cale admitió haber usado heroína durante este período,41 y su amigo Brian Wells comenzó a sospechar que Drake también estaba consumiendo esa droga.42 A pesar de que tanto Boyd como Wood confiaban en que el álbum sería exitoso comercialmente,39 el mismo vendió menos de 3000 copias. Las revisiones fueron nuevamente mixtas: mientras que Record Mirror elogió a Drake llamándolo "un bello guitarrista" y consideró que los arreglos eran "suaves y hermosos", Melody Maker describió al álbum como "una torpe mezcla de folk y cocktail jazz".37

Poco tiempo despues del lanzamiento, Boyd vendió Witchseasons a Island Records, y se mudó a Los Ángeles para trabajar en el desarrollo de bandas sonoras para películas. La pérdida de su mentor y las pocas ventas de su álbum llevaron a Drake nuevamente a un estado de depresión. Su actitud en Londres había cambiado: se sentía poco feliz viviendo en soledad y se lo había visto nervioso e incómodo en sus conciertos de principios de 1970. En junio, Drake dio uno de sus últimos shows en el Ewell Technical College. Ralph McTell, quien también tocó esa noche, recordó que "Nick estaba monosilábico. En ese show en particular estaba muy tímido. Hizo su primer set y algo horrible debe haber pasado. Estaba tocando su canción, "Fruit Tree", y se marchó en medio de la misma." 43 Su frustración se convirtió en depresión,44 y en 1971 su familia lo convenció de que visitara a un psiquiatra en el St Thomas's Hospital de Londres, donde le recetaron una serie de antidepresivos, pero se sentía incómodo y avergonzado de tomarlos, y trataba de ocultárselo a sus amigos. Sabía bastante de drogas para preocuparse sobre sus efectos secundarios, y estaba preocupado sobre como reaccionarían al mezclarse con su frecuente consumo de cannabis.45

Island Records quería que Drake promocionara a Bryter Layter por medio de entrevistas con los medios, sesiones de radio y apariciones en vivo. Drake, quien según Kirby en en ese entonces estaba consumiendo "increíbles cantidades" de cannabis y mostrando "las primeras señales de psicosis",46 se negó a hacerlo. Decepcionado por la recepción de su segundo álbum, también comenzó a alejarse de su familia y de sus amigos, y rara vez dejaba su departamento, excepto para dar algún concierto o para comprar drogas. Según su hermana Gabrielle, "él una vez me dijo que todo empezó a ir mal desde ese momento".47

Si bien Island no esperaba ni quería un tercer álbum,48 Drake se acercó a Wood en octubre de 1971 para comenzar a trabajar en lo que sería su último álbum. Las sesiones solo contaron con la presencia de Drake y de su ingeniero en el estudio, y la grabación se produjo en dos noches.2 Las sombrías canciones de Pink Moon son cortas y el álbum, formado por once canciones, solo dura 28 minutos, una duración "adecuada" según Wood.14 Drake no se había mostrado satisfecho con el sonido de su trabajo anterior, ya que pensaba que los arreglos de cuerdas, vientos y saxofón lo hacían sonar "muy lleno, muy elaborado".5 Drake no tiene acompañamiento en Pink Moon, excepto por un piano en la pista titular. Según Wood, Drake estaba decidido a hacer un álbum muy austero y minimalista: "definitivamente quería que fuera él sobre todo. Y creo que, en algunos aspectos, Pink Moon se parece más a Nick que los otros dos álbumes".49 Según Richie Unterberger, Pink Moon es "una de las declaraciones más sombrías en todo el rock".1

Cuando se completó el álbum, Drake llevó la cinta máster del mismo a la recepción del edifició de Island Records, la dejó sobre el escritorio de un recepcionista y se fue sin decir una palabra. Las cintas quedaron allí todo el fin de semana, hasta que fueron halladas la semana siguiente. Pink Moon vendió aún menos copias que sus predecesores, aunque recibió reseñas favorables. En la revista Zigzag, Connor McKnight escribió que "Nick Drake es un artista que nunca finge. Este álbum no le da concesiones a la teoría de que la música debe ser escapista. Es simplemente la forma de ver la vida de un músico en ese momento, y no puedes pedir más que eso."50

El fundador de Island Records Chris Blackwell sintió que Pink Moon tenía el potencial de llevar a Drake a una audiencia masiva; sin embargo, su staff estaba decepcionado por la reticencia de Drake a la hora de participar en actividades promocionales.51 Sin embargo, Boyd insistió para que Drake aceptara ser entrevistado por Jerry Gilbert de la revista Sounds, la cual fue la única entrevista con Drake que se publicó.52 En ella, el "tímido e introvertido cantante de folk" habló de su disgusto por tocar en vivo y de no mucho más: "no había conexión alguna", según Gilbert. "No creo que haya hecho contacto visual conmigo ni una sola vez".53 Desanimado y convencido de que nunca podría volver a escribir canciones de nuevo, Drake decidió retirarse del mundo de la música, y consideró diversas carreras, incluyendo la posibilidad de incorporarse al ejército.54

En los meses posteriores al lanzamiento de Pink Moon, Drake se volvió cada vez más distante de sus conocidos,55 y regresó a casa de sus padres, en Far Leys. A pesar de que no quería hacerlo, sentía que era necesario debido a sus problemas.10 Su retorno le causó dificultades a su familia: según su hermana Gabrielle, "los días buenos en la casa de mis padres eran días buenos para Nick, y los días malos eran días malos para Nick.14 Allí su único fuente de ingresos eran 20 libras a la semana que recibía de Island Records, y su situación económica llegó a tal punto de que no podía comprarse zapatos nuevos.56 En ocasiones desaparecía por varios días, apareciendo sin aviso en la casa de sus amigos, retraído y reservado. Robert Kirby describió una visita típica: "llegaba y no hablaba, se sentaba, escuchaba música, fumaba, bebía algo, dormía ahí a la noche y dos o tres días después no estaba ahí, se había ido. Y tres meses después volvía."57

Refiriéndose a este período, John Martyn (quien en 1973 escribió la canción que da título a su álbum Solid Air para y sobre Drake) lo describió como la persona más reservada que había conocido.58 A veces se llevaba el auto de su madre y conducía durante horas sin rumbo, hasta que se quedaba sin combustible y se veía obligado a llamar a sus padres para que lo fueran a buscar. Según sus amigos, su apariencia cambió durante este período,59 y en ocasiones se negaba a lavarse el pelo o a cortarse las uñas.54 A principios de 1972 sufrió una crisis nerviosa y fue hospitalizado por cinco semanas.42

En febrero de 1974 Drake volvió a contactar con John Wood para decirle que estaba listo para comenzar a trabajar en un cuarto álbum.60 Boyd estaba en Inglaterra en ese momento y aceptó ir a las grabaciones. Esta sesión inicial fue seguida por otras en julio. En su autobiografía de 2006, el productor recuerda su sorpresa al ver la ira y amargura de Drake: "Él decía que yo le había dicho que él era un genio, y otros estaban de acuerdo. ¿Por qué no era famoso y rico? Esta cólera debe haber estado fermentando bajo este exterior inexpresivo durante años."61 Tanto Boyd como Wood notaron un deteriorio perceptible en la capacidad de interpretación de Drake. Según Boyd "era escalofriante. Era realmente aterrador. Estaba tan...estaba en tal mal estado que no podía cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo."42 Sin embargo, el regreso al estudio de Sound Techniques le levantó la moral a Drake; su madre comentaría años despues que: "estábamos absolutamente encantados pensando que Nick estaba feliz, porque no había habido felicidad en la vida de Nick durante años."42

En el otoño de 1974 Drake dejó de recibir dinero de Island, y seguía alejado de sus amigos debido a los problemas que le causaba la depresión. En esta época intentó mantenerse en contacto con Sophia Ryde, a quien había conocido en Londres durante 1968.62 Ryde ha sido descrita por los biografos de Drake como lo "más cercano" a una novia que tuvo Drake, aunque ella prefiere ser considerada su mejor amiga.63 En una entrevista del año 2005, Ryde reveló que una semana antes de la muerte de Drake, ella había intentado cortar la relación: "No pude sobrellevarlo. Le pedí algo de tiempo. Y nunca lo volví a ver". Al igual que con la relación que Drake tuvo previamente con otra artista de folk, Linda Thompson, su relación con Ryde nunca se consumó.64 En octubre de 1974 Drake viajó a Francia para contactar a la cantante y actriz Françoise Hardy, quien en una ocasión consideró la posibilidad de grabar un álbum con sus canciones.12

En las primeras horas del 25 de noviembre de 1974, Nick Drake falleció en la casa de sus padres en Far Leys por una sobredosis de amitriptilina, un tipo de antidepresivo. La noche anterior había ido a dormir temprano, tras pasar la tarde de visita con un amigo. Cerca del amanecer dejó su habitación para ir a la cocina. Su familia estaba acostumbrada a oírle hacer eso, pues solía hacerlo con frecuencia, pero en esta ocasión no emitió ningún sonido. Pensaron que estaba tomándose un tazón de cereales. Poco después volvió a su habitación y tomó algunas pastillas "para ayudarle a dormir".65 Drake solía sufrir insomnio y frecuentemente se quedaba despierto toda la noche tocando y escuchando música, antes de dormir hasta la mañana siguiente. Recordando los eventos de esa noche, su madre posteriormente afirmó: "No solía molestarlo en absoluto. Pero eran las doce en punto, y entré, porque realmente parecía que era la hora de que se levantara." Así fue como lo encontró muerto.66 No había ninguna nota de suicidio, aunque cerca de su cama se encontró una carta para Ryde.67

En la investigación que tuvo lugar durante el mes siguiente, el juez de instrucción afirmó que la causa de la muerte fue un envenenamiento agudo causado por su antidepresivo, y concluyó que había sido un suicidio. Sin embargo, algunos integrantes de la familia de Drake discrepan.1 Rodney describió la muerte de su hijo como inesperada y extraordinaria; sin embargo, en una entrevista de 1979 admitió que siempre estaba preocupado por su hijo debido a su depresión: "Solíamos esconder aspirinas y pastillas y esas cosas."64 Boyd ha afirmado que prefiere pensar que la sobredosis fue accidental, y ha mencionado que según sus padres su estado de ánimo en las semanas previas era muy positivo, y que había planeado mudarse nuevamente a Londres para recomenzar su carrera musical. Boyd piensa que este período de ligereza pudo haber sido acompañado posteriormente por una nueva "caída en la desesperación", y que es posible que Drake haya tomado una alta dosis de sus antidepresivos intentando recuperar esa sensación de optimismo. Por eso prefiere imaginar a Drake "haciendo una arremetida por la vida en lugar de una rendición calculada a la muerte".68 En 1975 el periodista de NME Nick Kent comentó la ironía de que Drake haya muerto en un momento en que comenzaba a retomar un sentido de "balance personal".56 Por su parte, Gabrielle Drake ha afirmado que prefiere pensar que Drake se suicidó, "en el sentido de que prefiero que haya muerto porque quería a que haya sido el resultado de un error trágico. Eso me parecería terrible..."64

El 2 de diciembre de 1974, tras una ceremonia en la Iglesia de Santa María Magdalena de Tanworth-in-Arden, Drake fue incinerado en el Crematorio de Solihull y sus cenizas fueron enterradas posteriormente bajo un roble en el cementerio contiguo a esa iglesia.69 Aproximadamente 50 personas concurrieron al funeral, incluyendo amigos de Marlborough, Aix, Cambridge, Londres, Witchseason y Tanworth.70 En referencia a la tendencia de Drake a mantener a sus conocidos separados entre sí, Brian Wells comentó posteriormente que muchos se conocieron por primera vez esa mañana.71 Según Molly "muchos de sus jóvenes amigos vinieron. A muchos de ellos no los conocíamos."72

Cuando Drake murió, no hubo obituarios en la prensa, documentales o recopilaciones.73 Drake siguió siendo poco conocido públicamente durante el resto de los años 70, aunque su nombre comenzó a aparecer ocasionalmente en los medios especializados. En un principio, Island Records vio poco valor comercial en su catálogo,74 pero al mismo tiempo, los padres de Drake comenzaron a recibir a un número cada vez mayor de fanáticos en su casa de Far Leys. En 1979, Rob Partridge se unió a Island Records y encargó el lanzamiento del box set Fruit Tree. Partridge era fanático de Drake, y lo había visto en vivo en 1969: "La primera cosa que hice cuando llegué a Island fue sugerir que armáramos una retrospectiva - los álbumes de estudio más todo lo demás que hubiera." Fruit Tree consistía en una caja con los tres álbumes que Drake editó en su vida, más un disco con las cuatro canciones grabadas en 1974 con Wood y otros trabajos inéditos; además de una extensa biografía escrita por el periodista estadounidense Arthur Lubow. Sin embargo, el set vendió pocas copias y recibió poca atención de los medios, por lo que fue eliminado del catálogo de Island en 1983.12

Su reputación siguió aumentando, y a fines de los años 80 su nombre aparecía regularmente en periódicos y revista de música inglesas.75 y aunque aún seguía siendo una figura de culto, ya no era desconocido, y se había convertido en un representante de cierto tipo de "héroe romántico condenado" para muchas personas.76 En 1986 se reeditó Fruit Tree, y en ese mismo año el último disco del mismo se editó por separado con el título Time Of No Reply.

A principios de 1999, BBC2 emitió un documental titulado A Stranger Among Us—In Search of Nick Drake. al año siguiente, el director holandés Jeroen Berkvens lanzó un documental llamado A Skin Too Few: The Days of Nick Drake, que incluía entrevistas con Boyd, Gabrielle Drake, Wood y Kirby. Más tarde en ese mismo año, The Guardian ubicó a Bryter Layter en el primer puesto de su lista "Alternative top 100 álbumes ever", conformada por los 100 mejores álbumes alternativos.58 La revista Rolling Stone ubicó a los tres álbumes que editó Drake en su vida en su lista de los "500 Greatest Albums of All Time" ("Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos"). Bryter Layter fue ubicado en el puesto 245, Five Leaves Left en el puesto 283 y Pink Moon en el 320.77 En el año 2000, Volkswagen usó la canción que da título a Pink Moon para un anuncio en Estados Unidos, lo cual provocó un aumento en la venta de los discos de Drake,58 78 e hizo que Pink Moon alcanzara el quinto puesto en la lista de ventas de Amazon.com.79 Desde fines de los años 90, la música de Drake comenzó a aparecer en la banda sonora de muchas películas de Hollywood, como Hideous Kinky (1998), The Royal Tenenbaums (2001), Serendipity (2001) y Garden State (2004).

El artista de folk Tom Flannery grabó un álbum en 2002 titulado Drinking With Nick Drake. En 2004, siendo Nick Drake ya un artista de culto y a punto de cumplirse 30 años desde su muerte se publicó Made To Love Magic, un álbum que contiene grabaciones inéditas de algunas de sus canciones, arreglos añadidos a otras y un tema nuevo nunca antes editado, titulado "Tow the Line", el cual formó parte de las últimas grabaciones de Drake (junto a las cuatro canciones que ya habían visto la luz).24 Este lanzamiento le permitió a Drake lograr su primer ingreso a las listas cuando dos singles del mismo ("Magic" y "River Man") llegaron a la parte media de las listas británicas. Posteriormente en ese mismo año la BBC emitió un documental de radio sobre Drake narrado por Brad Pitt.37

El crítico Ian MacDonald ilustró la creciente popularidad de Drake de este modo: "A principios de los ochenta me distancié de la escena musical. Cuando retorné, me sorprendí al descubir que Nick se estaba volviendo famoso."2 Debido al hecho de que logró más popularidad tras su muerte que durante su vida, muchos criticos sostienen que la letra de Fruit Tree, canción de Five Leaves Left, predice su eventual destino.76 12

Considerado actualmente como un artista de culto, Drake ha servido de inspiración a numerosos músicos, como Blur, Elliott Smith, Robert Smith (líder de The Cure),80 39 Peter Buck (guitarrista de R.E.M.), Badly Drawn Boy, Kate Bush, Paul Weller, Elton John, Tom Verlaine, Jackson Browne,39 81 Will Oldham,82 y The Black Crowes. John Martyn, quien conoció a Drake, escribió la canción que da título a su álbum Solid Air sobre él.83

A mediados de los años 80, muchos artistas comenzaron a mencionar a Drake como una de sus influencias, incluyendo a Peter Buck de R.E.M. y a Robert Smith de The Cure, quien afirma que el origen del nombre de su grupo proviene de una frase ("a troubled cure for a troubled mind") de la letra de "Time Has Told Me", canción que aparece en el álbum debut de Drake.84 Otros artistas como Paul Weller y Elton John (quien antes de volverse famoso grabó una demo con canciones de Drake) han sido influenciados por su obra.58 En 1985 The Dream Academy lanzó su exitoso single "Life in a Northern Town", canción dedicada a Drake, mientras que otros artistas como Tom Verlaine (ex-integrante de Television) manifestaron su admiración por Drake, mientras que un ex-miembro de Duran Duran, Stephen Duffy, llamó a su nueva banda "The Lilac Time" en referencia a una frase de su canción "River Man".85 En los últimos años, muchos artistas, incluyendo a Lucinda Williams, Badly Drawn Boy, Lou Barlow y Mark Eitzel, han mencionado a Drake como una de sus influencias.58

Algunos artistas contemporáneos han versionado canciones de Drake. Norah Jones grabó su propia versión de "Day is Done",86 al igual que Elton John, que también versionó "River Man", "Way to Blue" y "Poor Boy". Brad Mehldau también hizo covers de "River Man" y "Poor Boy", mientras que el grupo The Mars Volta interpretó "Things Behind the Sun".87 Daniel Cavanagh, guitarrista del grupo Anathema, editó un álbum de edición limitada titulado A Place To Be: a Tribute to Nick Drake, en el que versiona once de sus canciones.88 La banda sueca The Soundtrack of Our Lives en su nuevo álbum 'Communion' ha incluido un cover de la canción "Fly" de Drake.

Drake publicó sólo tres álbumes en su corta vida - Five Leaves Left (1969), Bryter Layter (1970) y Pink Moon (1972). Five Leaves Left se basaba en la guitarra acústica, con algunos arreglos orquestales de cuerda y viento, más bajo y batería. Bryter Layter introdujo un sonido con elementos de jazz y teclados. Pink Moon, grabado en dos sesiones de dos horas a partir de la medianoche, tiene como instrumentación, aparte de la voz de Nick Drake, tan sólo su guitarra y el piano en el tema que da título al álbum. Después de grabar este disco, Drake afirmó: "No tengo nada más que decir"necesita citar fuentes.

Drake se inspiró en la música folk y blues,34 81 y es famoso por las extrañas afinaciones de su guitarra y por su virtuosa técnica de punteo con la mano derecha. Drake practicaba obsesivamente con su guitara, y muchas veces se quedaba despierto por las noches experimentando con afinaciones y trabajando en sus canciones.12 Guitarrista autodidacta, Drake se destacó por su uso de los clústers,89 que suelen ser difíciles de lograr con guitarras, pero Drake lo hacía afinando su instrumento de modo que las cuerdas más bajas estuviesen afinadas más altas que las que estaban arriba de ellas.34 En muchas canciones acentúa el efecto disonante de estas afinaciones alternativas con sus melodías vocales.89

Drake estudió literatura inglesa durante su estancia en Cambridge, y se sentía atraído por la obra de William Blake, William Butler Yeats, y Henry Vaughan. Sin embargo, sus letras no usan las metáforas e imágenes típicas de estas influencias,2 sino que en ellas utiliza símbolos y códigos elementales derivados de la naturaleza.90 Sus letras, oscuras y enigmáticas, hablan de amor, de incomprensión, de soledad y de sueños, con la naturaleza (el mar, el viento, los árboles, la luna, la lluvia, el cielo, las estrellas y las estaciones) como constante telón de fondo, en parte debido a haber sido criado en una zona rural.2 81 En sus primeros trabajos las imágenes se basaban en el verano, pero desde Bryter Layter su lenguaje es más otoñal, evocando una estación generalmente asociada con sensaciones de pérdida y dolor.2 Drake solía escribir más como observador que como participante: la revista Rolling Stone describió a esta separación "como si estuviese viendo su vida desde una distancia irreducible".90 Esta aparente incapacidad para conectarse con otros ha dado pie a muchas especulaciones sobre la sexualidad de Drake.91 Boyd sostiene que hay una calidad "virginal" en las letras y la música de Drake, y afirma que nunca observó o escuchó al cantautor comportarse de manera sexual con persona alguna.92 Kirby describió a las letras de Drake como "una serie de observaciones completas y extremadamente vívidas, casi como una serie de proverbios epigramáticos", aunque duda que Drake se viera a sí mismo como a un poeta, y considera que las letras de Drake eran escritas para "complementar y componer un estado de ánimo que la melodía dicta en primer lugar".56

Pagina: http://www.nickdrake.com/