Marilyn Manson

Marilyn Manson es un grupo de rock industrial de Estados Unidos surgido a finales de los años 80 en el sur de Florida. En un principio, Manson escribía poesías, pero al ver que sus poemas no caían bien, y siguiendo el consejo de uno de los que escuchaban sus poemas, decidió ponerles música y transformarlas en canciones.

El líder y fundador del grupo es Marilyn Manson, cuyo nombre real es Brian Warner. La elección de este nombre, corresponde a la fusión entre la actriz Marilyn Monroe y el asesino Charles Manson, a través de lo cual se quiere representar la dualidad entre el bien y el mal, entre los extremos del glamour y belleza de Marilyn Monroe y la brutalidad y oscuridad de Charles Manson.

Historia

Era I: The Spooky Kids (1989 - 1993)

En el año 1989 Marilyn Manson se junta con el guitarrista Daisy Berkowitz para formar una banda: "Marilyn Manson & The Spooky Kids", pasado un tiempo agregan a Gidget Gain en el bajo y a Madonna Wayne Gacy en el teclado. La banda fue formada con el intento de explorar los límites de la censura. En 1990, Sara Lee Lucas ingresó a la banda en la batería.

A comienzos de los 90's Marilyn Manson comienza a destacar dentro del ambiente de Florida con un sonido cada vez más refinado y distinto. La banda comenzó a vender su música en cintas después de cada concierto y más tarde en tiendas musicales.

Ya en 1992, Marilyn Manson & The Spooky Kids empezaba a ganar popularidad en Florida, siendo nominados en algunas competencias locales. El nombre original se reduce a finales de verano por consejo de su representante y por motivos comerciales, decidieron dejar el nombre en Marilyn Manson. A finales de este año Marilyn Manson lograría ser nombrado como "Mejor Banda Heavy Metal" por el New Times Magazine, y fue nominada por 2 premios en el South Florida Slammies, incluyendo "Mejor Banda del Año" y "Mejor Banda Alternativa"

En 1993 Marilyn Manson recibe una gran noticia. Trent Reznor de Nine Inch Nails ofrece a la banda un contrato con su discográfica Nothing y la oferta de hacer una gira con ellos. Al final de este año, la banda reemplaza al bajista Gidget Gein con Twiggy Ramirez. Marilyn Manson gana 2 South Florida Slammies por "Mejor Banda Del Año" y "Mejor Canción Del Año" (Dope Hat).

Era II: Portrait Of An American Family, Acussations & Childrens(1993–1995)

Julio 1994. Marilyn Manson lanza al mercado Portrait of an American Family. La banda fue vetada de tocar en Utah, pero cuando Reznor invitó a Manson al escenario, este logró aún mucha más controversia cuando destrozó el Libro de los Mormones. Manson fue también encarcelado en Florida por un corto tiempo debido a exhibicionismo durante sus conciertos.

Llegando a finales del año, Manson obtiene el título de "Reverendo" por Anton Szandor LaVey, fundador de La Iglesia de Satán. La banda ganó otro South Florida Slammie por "Banda Del Año"

En 1995 la banda decide cambiar de rostros. En marzo, Sara Lee Lucas es reemplazado por Ginger Fish; y en mayo, Daisy Berkowitz se retira de la banda por desacuerdos musicales con Marilyn Manson. ZimZum es contratado para reemplazarlo. En Octubre, el EP Smells Like Children fue lanzado al mercado y se convirtió en Disco de platino. La banda obtuvo gran atención de las radios y MTV al sacar la versión de Eurythmics "Sweet Dreams (Are Made Of This)"

Era III: Shock (1996-1997)

Antichrist Superstar es lanzado al público en octubre del año 1996. La canción "The Beautiful People" al igual que el álbum debutan entre los Top 3 del mundo. Este álbum también trae más criticas para Manson como para la música que ofrece la banda. En septiembre la banda es nominada en el MTV Video Music Awards dentro de la categoría de "Mejor Video De Hard Rock" por "Sweet Dreams". De nuevo gana otro South Florida Slammie por "Banda Del Año".

En noviembre de 1997, Marilyn Manson fue un tema clave en el Senado que discutía los efectos de la música actual en la juventud de los Estados Unidos. El padre de un adolescente de 15 años de edad que se suicidó mientras escuchaba música de Marilyn Manson, expuso la culpabilidad de dicha música en el suicidio de su hijo, ya que cuando su hijo fue encontrado la canción "Antichrist Superstar" estaba siendo repetidamente tocada en el lector que el adolescente llevaba encima.

Manson respondió:

Obviamente me enoja que alguien pueda pensar que yo respaldaría aquel tipo de comportamiento. Yo siempre he dicho que la gente que se dañaría a si misma o a otras por la música o filmes o libros, son simplemente ignorantes. Si la gente quiere ser ignorante no puedes hacer nada al respecto. Esto es una llamada a que los padres despierten y enseñen a sus hijos a ser más inteligentes, a interpretar el arte con cierta inteligencia. Si ustedes quieren culpar a la música porque alguien se autolesiona, entonces podrían fácilmente culpar a Shakespeare por escribir "Romeo & Julieta" que fue parte de mis lecturas cuando era un niño, y era la historia de dos adolescentes que se suicidaron porque sus padres no pudieron entenderlos... Y creo que la enseñanza final es que los padres no entienden a sus hijos. Si ustedes tienen más tiempo para hablar con sus hijos, estos vivirán una vida feliz.

El EP, "Remix & Repent", es publicado. La banda participa también en las bandas sonoras de Lost Highway y Private Parts.

Era IV: Omega (1998-1999)

El año 1998 llega y con él, una autobiografía. En Febrero de este año es editada "The Long Hard Road Out Of Hell" escrita con Neil Strauss. Junio representa un mes complicado, la banda cancela 7 fechas de su gira europea a causa de la mononucleosis de Ginger Fish. En este mismo mes, Zim Zum deja la banda para seguir una carrera como solista, fue reemplazado por John5 (John Lowery).

En septiembre Marilyn Manson sostiene una entrevista acerca de su nuevo LP Mechanical Animals con CNN:

Yo le digo a la gente lo que veo... y algunas personas temen lo que hago pues no les gusta el modo en que yo veo... Espero problemas, sabes, con todo lo que hago... pero eso es parte de ser un artista provocador, algo que siempre seré... Me representé como destructor en Antichrist Superstar porque no podía encajar en un mundo que me odiaba... así que deseaba verlo destruido.

Más tarde también tuvo una entrevista con el LA Times:

Quien sea que culpe a la música por los problemas de sus hijos o por lo que ellos hacen en contra de ellos mismos u otras personas, están engañandose a si mismos... La respuesta está en hacerlos más inteligentes... Cada hogar que tenga un disco de Marilyn Manson probablemnete también tenga una biblia y un libro de historia y un Romeo & Julieta de Shakespeare... si cualquier idea es tomada fuera de contexto, puede causar daño.

Mechanical Animals lidera el Billboard por una semana en octubre. Marilyn Manson encuentra su primera muestra de oposición cuando oficiales públicos de Syracuse- New York impiden que la banda salga en escena en un concierto de mencionada ciudad.

Junto a DMX crean la remezcla de "The Omen" (del primer álbum de DMX) publicado en el LP Flesh Of My Flesh, Blood Of My Blood de DMX.

Al finalizar el año, noviembre, la banda se hace de problemas cuando repetidamente son reportados por destruir (incendio y vandalismo) habitaciones de diferentes hoteles y los vestidores luego de un concierto en New York. Días después Manson fue acusado de ordenar a uno de sus guardaespaldas que golpease a un editor de la Spin Magazine. De acuerdo con el editor, Craig Marks:

(Manson) dijo "Tú sabes que puedo matar a tu familia, a ti y a quien sea que tú conozcas"... después de qué dijese eso fui tomado por el cuello y lanzado contra la pared.

Finalmente Marilyn Manson gana 2 Billboard Video Music Awards por "Mejor Video Hard Rock/Metal" y el Maximum Vision Award por "The Dope Show".

Marzo, 1999: la gira Rock Is Dead comienza. La banda Hole decidió dejar de ser telonero y romper relaciones con Marilyn Manson. Manson se lesiona el tobillo y cancela alguna de sus fechas. Abril, 1999: Manson se expresó sobre la tragedia de la escuela de Columbine, Colorado (cuando 2 estudiantes mataron a otros 12 y a un profesor) y el incremento de la gente que culpa de esto a la música actual. Un concierto de Marilyn Manson al final de este mes en Red Rocks fue cancelado por el alcalde. Manson declaró:

Es trágico y desagradable cuando vidas de jóvenes son arrancadas por violencia sin sentido. Mis condolencias para los estudiantes y sus familias.

Mayo, 1999: Manson también cancela cinco fechas de la gira que comenzaba en mayo. En la edición de este mes en Rolling Stone Marilyn Manson escribe sobre la Masacre del instituto Columbine:

Es triste pensar que las primeras personas en la Tierra no necesitaron ningún libro, película, juego o música que inspirase un asesinato a sangre fría. El día en que Caín vació los sesos de su hermano Abel, la única motivación que necesitó fue su propia disposición humana a la violencia... Cuando se trata a quién culpar por los asesinatos en la secundaria de Littleton, Colorado, tira una piedra y golpearás a quien sea que fuese culpable. Nosotros somos las personas que nos sentamos atrás y toleramos a adolescentes con armas, y nosotros somos los que sintonizamos y vemos a cada minuto cada detalle de lo que ellos hacen con éstas... Periodistas responsables han señalado con menos publicidad que Harris y Klebols no era seguidores de Marilyn Manson, que incluso ni les gustaba su música. Aun si ellos fueran fans, eso no les da ninguna excusa, ni significa que la música es culpable... Creo que la Asociación Nacional de Armas es demasiado poderosa como para culparla, así que la mayoría elige Doom, Los Diarios de Baloncesto o tu misma revista... En mi trabajo yo examino en qué América vivimos, y siempre he tratado de mostrar a la gente que el demonio que culpamos de nuestras atrocidades es realmente cada uno de nosotros. Es por esto que no esperen que el fin del mundo venga de la nada de por sí... está pasando cada día desde hace mucho tiempo.

Setiembre, 1999: Se publica el vídeo Coma White donde Manson recrea el homicidio de John F. Kennedy causando controversia. Sin embargo la fecha de lanzamiento se pospuso a causa de la muerte de John Kennedy, Jr. El vídeo de The Dope Show fue nominado al premio de Mejor Cinematografía en el MTV Video Music Awards

En los últimos dos meses Marilyn Manson fue nominado como Mejor Artista de Rock en el MTV Europe Music Awards y saca a la venta el EP en vivo The Last Tour On Earth y una colección de vídeos God Is In The TV. A finales del año, la banda figura dentro de los 100 Mejores Videos del siglo de MTV en el #54 con The Beautiful People.

Era V: Mercury (2000-2002)

En noviembre del año 2000, Marilyn Manson saca a la venta Holy Wood (In The Shadow Of The Valley Of Death). Debuta como #78 en el VH1: 100 Mejores Artistas del Hard Rock. Al final de este mes el baterista Ginger Fish se fractura uno de sus huesos durante un concierto en New York.

En febrero del siguiente año, Marilyn Manson fue nominado a Mejor Acto de Metal por "Astonishing Panorama Of The Endtimes" en los Grammy Awards. Luego en Italia, Manson es arrestado por exhibicionismo. En julio vuelve a ser arrestado, en Michigan, luego de un concierto por conducta criminal sexual al provocar sexualmente a un guardia de seguridad del evento. En octubre forma parte de la banda sonora de From Hell con la versión Wormwood Remix de The Nobodies. A fines de este año se graba una versión de Tainted Love para la película Not Another Teen Movie. Manson se encuentra en problemas una vez más, esta oportunidad a causa de otra demanda en contra suya por rozar su ingle en la cabeza de un guardia de seguridad... otra vez.

El año 2002 empieza bien al disminuir los cargos presentados en julio de 2001 de conducta criminal sexual a delito menor. En marzo, Holy Wood (In The Shadow Of The Valley Of Death) gana un Disco de Oro. Marilyn Manson contribuye con la canción The KKK Took My Baby Away para We're A Happy Family - A Tribute To The Ramones (un disco homenaje a The Ramones) en mayo.

Era VI: Grotesk Burlesk (2003)

El 13 de mayo de 2003, The Golden Age Of Grotesque (LP) fue lanzado a la venta. El álbum conservó el primer lugar en el Top 200 Álbumes Billboard por una semana al vender más de 118000 copias en los Estados Unidos en su primera semana de venta. Asimismo lo logra en la lista canadiense de Discos más vendidos. The Golden Age Of Grotesque obtiene la certificación de Disco de Oro.

En junio se une por tercera vez en su historia al Ozzfest. Además es parte de la banda sonora de la recreación de la película The Texas Chainsaw Massacre.

En septiembre sale el single This is the New Shit tema que aparecio en la película The Matrix Reloaded. En la misma caja del CD se incluia un corto hecho por Manson, llamado Doppelherz. Manson se lo dedicó a Lily, su gata.

Era VII: Against All Gods & Celebritarian Corporation (2004-2006)

Nominado a un Grammy a Mejor Acto Metal por la canción mOBSCENE en febrero, empezaba de este modo el año 2004.

Lest We Forget: The Best Of, colección de los singles de la banda, es publicado en setiembre de 2004. No obstante este mismo mes representa un nuevo reemplazo en la gira Against All Gods. Ginger Fish, baterista de la banda, resulta lesionado durante una caída del escenario en una ceremonia de premiación en Alemania; el resultado fue una leve conmoción cerebral y fractura de muñeca. Chris Vrenna ocupó su lugar en la gira.

Marilyn Manson crea Celebritarian Corporation, una empresa donde representa el adelanto de la película Phantasmagoria : The Visions of Lewis Carroll.

Era VIII : Eat Me, Drink Me (2007-2008)

Salió a la venta el nuevo disco Eat Me, Drink Me, que se estrenó mundialmente el 5 Junio de 2007. En Estados Unidos e Inglaterra debuta dentro de las primeras diez posiciones (nº 8) y consigue otras posiciones TOP 10 alrededor del mundo. Manson le dedica el àlbum a Evan Rachel Wood. En mayo salió el nuevo vídeo Heart-Shaped-Glasses (When the Heart Guides the Hand), dirigido por Manson y James Cameron, donde se reproducen escenas explícitas con Marilyn Manson y Evan Rachel Wood, al final la chica va más rápido y caen desde un camino cortado hacia abajo. La canción está dedicada a su actual novia, Evan Rachel Wood, quien tenìa 19 años al momento de filmarse el video. En el mismo mes salió el primer single del álbum, Heart-Shaped Glasses (When the heart guides the hand). Universal Music Group decidió cortar las escenas explícitas y la conversación en el auto, para que no sea tan larga la duración del vídeo.

Miembros

Miembros actuales

- Marilyn Manson: Vocalista, Guitarra (1989 - actualidad)
- Ginger Fish: Baterista (1995 - actualidad)
- Tim Skold: Guitarrista, Bajista (2003 - actualidad)
- Chris Vrenna: Teclista (2007 -actualidad)
- Rob Holliday: Bajista (2007 - actualidad)

Miembros pasados

- Madonna Wayne Gacy: Teclista (1989 - 2007)
- Daisy Berkowitz: Guitarrista (1989 - 1995)
- Gidget Gein: Bajista (1989 - 1993)
- Sara Lee Lucas: Baterista (1990 - 1995)
- Twiggy Ramirez: Guitarrista, Bajista (1993 - 2002)
- Zim Zum: Guitarrista (1995 - 1998)
- John5: Guitarrista (1998 - 2004)
- Olivia newton bundy: Tecladista (1989 - ((19**)

Pagina: http://www.marilynmanson.com/

Jimi Hendrix

James Marshall Hendrix (Seattle, Washington, 27 de noviembre de 1942 - Londres, 18 de septiembre de 1970) fue un músico basado en el rock estadounidense, considerado uno de los más grandes guitarristas de rock de todos los tiempos. Gran talento de la guitarra eléctrica, con la que era capaz de expresar una amplísima gama de sentimientos por medio de ésta.

En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos [1].

Biografia

Nacido con el nombre de Johny Allen Hendrix, su padre le cambió el nombre por James Marshall "Jimi" Hendrix, debido a que aunque Jimi si que era su hijo biológico, al principio dudaba de su paternidad, ya que tanto él como su mujer tenían momentos en los que estaban separados para luego volver a juntarse. A los 3 años su padre Al Hendrix le compró una guitarra acústica de segunda mano, con la que el pequeño James empezó a tocar a los 11 años de edad a pesar de que esta guitarra contara en un principio con una sola cuerda. En 1959, le compró la primera guitarra eléctrica. Jamás estudió música, fue un artista autodidacta.

"Buster", como le conocían muchos amigos y familiares, comenzó a actuar en púbico en 1962 con el grupo King Casuals. Tuvo relativo éxito, y fue contratado por Little Richard, hasta 1965. A partir de ese año, formó su propia banda llamada Jimmy James and the Blue Flames, con la que se sucederían los éxitos y el trabajo sin descanso, explotado por sus representantes musicales. Poco después, comenzó a consumir marihuana y LSD , como la gran mayoría de músicos y artistas de la época. Creó uno de los discos más influyentes en la música del rock, eso fue en 1968 bajo el título de Electric Ladyland con temas como All Along The WatchTower, versión de Bob Dylan uno de los ídolos de Hendrix, que aparece en la película Forrest Gump y Voodoo Child usada para la batalla campal de la película En el nombre del padre.

Chas Chandler, el bajista del grupo "The Animals", se convirtió en su representante y le convenció en 1966 para ir a Londres, donde había entonces un gran movimiento musical. Juntos crearon el grupo The Jimi Hendrix Experience, con Mitch Mitchell a la batería y Noel Redding al bajo eléctrico.

Realizó una actuación estelar (quema de guitarra incluida, durante "Wild Thing", el último tema de la noche) en 1967, en el Festival Pop de Monterrey. También actuó, en diversos Festivales durante 1969, en el de Newport y en el "Woodstock Music & Art Fair", donde tocó una histórica versión eléctrica del himno estadounidense como protesta a la guerra del Vietnam, (en ese momento ya era todo uno de los Iconos Hippies del momento) y que aquellos que no aceptaban la actuación de su gobierno eran también ciudadanos estadounidenses. Fue un concierto épico y uno de los más fantásticos de su carrera. En 1969 se disolvió "The Jimi Hendrix Experience" y montó un nuevo grupo llamado "Band Of Gypsys" ("Banda de Gitanos") con Buddy Miles en la batería y Billy Cox en el bajo eléctrico.

Protagonizó el histórico concierto del Festival de la Isla de Wight en 1970. Mermado ya de fuerzas por la gira "Cry of Love", debido a un "estresante ritmo de trabajo" mezcla de la vorágine creativa y la compleja transición hacia un bluesrock más sofisticado. A destacar también los recitales de Atlanta y Berkeley.

En 1970 estaba grabando su cuarto álbum, "First Rays of The New Rising Sun" en Londres. Se planeaba un álbum doble (por la gran cantidad de canciones, tomas y demos). Pero en la madrugada del 18 de septiembre de 1970, Jimi Hendrix ingirió una mezcla de somníferos y alcohol y murió al parecer por aspiración de vómito. Años después, luego de investigaciones, se supo que, en realidad, el músico no había muerto en el momento y con su propio jugo gástrico. Si no que en realidad, cuando lo llevaban en la camilla, James Marshall quería voltear la cabeza para poder devolver en el suelo y el camillero colocó su cabeza fuera de la camilla causando así su atragantamiento y fallecimiento. Existen diferentes versiones sobre su muerte, aunque no están probadas oficialmente. El legado musical de Hendrix ha sido trascendental para el desarrollo de la música rock, influyendo a muchos artistas en sus creaciones.

Carrera

Nació en Seattle, Washington, y su verdadero nombre era James Marshall Hendrix. Comenzó en 1961 colaborando en diversos espectáculos de Rhythm & Blues. En 1966 marchó al Reino Unido para fundar el Jimi Hendrix Experience, trío del que también formaban parte Mitch Mitchell y Noel Redding. El grupo debutó en París en 1966 y realizó giras por numerosos clubes del continente europeo, así como del Reino Unido (1966-1967). Tuvieron un éxito inmediato y canciones como “Hey, Joe”, “Purple Haze” y “The Wind Cries Mary” se situaron en los primeros puestos de las listas de éxitos británicas.

A su regreso a Estados Unidos, Hendrix actuó en el Festival Internacional de Música Pop de Monterey (1967), donde interpretó “Wild Thing”. El largometraje Woodstock (1970) recoge su participación en el famoso festival de música de 1969. Su estilo, con sugerentes giros melódicos, ritmos enérgicos y sonido amplificado, así como su costumbre de romper las guitarras que utilizaba en los conciertos, convirtieron sus actuaciones en espectáculos polémicos y enormemente populares. Su versión de “The Star Spangled Banner” (himno nacional estadounidense), en la que tocaba la guitarra con los dientes, se convirtió en una leyenda. Hendrix es uno de los guitarristas más influyentes del siglo XX a pesar de que sólo contó con tres discos de estudio editados en vida: Are You Experienced? (1967), Axis: Bold As Love (1967) y Electric Ladyland (1968). Murió en Londres y está enterrado en su ciudad natal.

Experience Music Project

En 2000, se inauguró en Seattle el Experience Music Project (EMP), diseñado por el arquitecto estadounidense Frank Gehry, un museo construido en honor de Jimi Hendrix y de otros grupos estadounidenses de rock de la costa noroeste del Pacífico. El edificio contiene, además de un archivo histórico, varias salas de exposiciones, un laboratorio de música rock, una tienda y un restaurante en el que se celebran actuaciones en directo.

Pagina: http://www.jimi-hendrix.com/

Billboard

Billboard es una revista semanal estadounidense especializada en información sobre la industria musical. Mantiene varias listas musicales internacionalmente reconocidas en las que se encuentran las canciones y álbumes más populares en varias categorías, todo ello semanalmente. La lista más famosa, Billboard Hot 100, clasifica las 100 primeras canciones independientemente del género musical al que pertenezcan. Billboard 200 es un listado de los 200 álbumes musicales más vendidos de Estados Unidos.

Fundada en 1894, estaba originalmente ocupada con entretenimientos de carnaval, pero la cobertura musical creció hasta tal punto que los demás temas fueron separados y publicados en una revista independiente en los años 1950.

Listas de Billboard

El 4 de enero de 1936, Billboard publicó el primer 'ranking' musical y el 20 de julio de 1940 publicó su primer listado de popularidad musical (Music Popularity Chart). Desde 1958, Hot 100 ha sido publicado, combinando ventas de 'singles' y 'radio airplay'.

Hasta el día de hoy, los artistas más exitosos de las listas de Billboard son Mariah Carey, Bing Crosby, Madonna, Elvis Presley, Diana Ross & The Supremes, The Beatles, Janet Jackson, Beyoncé,Christina Aguilera.

Pagina: http://www.billboard.com/

The Looney Tunes

No he podido casi encontrar informacion de esta banda, esto es lo que se:

Esta banda de Surf-Rock se formo en Hamburgo, Alemania a principios de 1992 y se separaron en 1998.

Grabaron 3 discos:

- 1994 Cool Surfin’
- 1995 The Modern Sounds of the Looney Tunes Band
- 1997 Beyond the Dune

Formacion:

Sebastian Hartmann – Guitarra
Kay Garbrecht – Guitarra
Ulf Rehwagen – Bateria
Thomas Ritter – Bajo
Chara Ganotis – Percusion
Torsten Seif – Bajo

John Paul Jones

John Paul Jones es un músico británico nacido con el nombre de John Baldwin el 3 de enero de 1946 en Sidcup, Inglaterra, conocido principalmente por haber sido integrante del grupo Led Zeppelin. En 1960 con 14 años formó parte de un grupo de danza de su padre, y un año más tarde crea su propia banda. En los años 60 comenzó a ser director y arreglista de otros grupos, así como pianista y bajista, incluyendo entre éstos a los Outlaws, Mickey Most, the Mindbenders, the Everly Brothers, The Supremes, Rolling Stones, Jeff Beck, Donovan, entre otros.

Led Zeppelin

En su época como integrante de Led Zeppelin (1968-1980) tocaba el bajo y frecuentemente el teclado, además varios instrumentos para sesiones de estudio, mandolina, flauta, etc. Se encargaba de los arreglos de las canciones junto con Jimmy Page.

Despues de Led Zeppelin

Cuando en 1980 finalizó Led Zeppelin con la muerte del baterísta John Bonham, Jones comenzó en solitario su carrera con las bandas sonoras "Scream for Help" y "The Secret Adventures of Tom Thumb" y grabó su primer trabajo en solitario titulado "Zooma" al que siguió "The Thunderthief" en 2001. Está considerado como el miembro de Led Zeppelin más inteligente y versátil, gracias a su sapiencia musical y su habilidad con la guitarra, la mandolina, el banjo, e incluso la flauta dulce, además del bajo y el teclado. El más arraigado a la familia y dotado de un sentido del humor típicamente británico, aparte de ser el más alejado de las aficiones ocultistas de Page .De reconocido prestigio, grupos como REM le suplicaron con éxito que les produjese uno de sus últimos trabajos, pero Page y Plant perdieron contacto con él en los 90, ignorándolo cuando grabaron para la MTV un clásico desconectado. Más recientemente han retomado el contacto, pero sus malas relaciones han descartado la vuelta del supergrupo de los 70.

Pagina: http://www.johnpauljones.com/

The Who

The Who es una banda de garage rock formada en 1963. Originalmente se llamaba The Detours, aunque poco después adoptarían el nombre de The High Numbers para más adelante pasarse a llamar The Who.

Esta banda nació en Londres, Inglaterra. La alineación "clásica" estaba compuesta por Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra), John Entwistle (bajo) y Keith Moon (batería). Townshend era el principal compositor: escribió la mayor parte de las canciones de la banda y fue el responsable de los conceptos e historias de álbumes como Tommy y Quadrophenia y el proyecto Lifehouse. Entwistle también compuso una parte importante de las canciones de The Who, y fue responsable de algunos temas importantes de la banda, en los que cantó (Townshend solo cantaba en algunas de sus propias canciones).

De esa alineación sólo quedan vivos Pete Townshend y Roger Daltrey ya que Keith Moon falleció por sobredosis de pastillas en 1978 (por lo que fue reemplazado por Kenney Jones) y John Entwistle por una afección en el hígado en 2002 (imagen).

Historia

Inicios

Cada uno de los eventuales miembros del grupo tocaron en diversos grupos: Amigos desde su infancia, Pete Townshend y John Entwistle tocaron juntos por primera vez en una banda de jazz llamada The Confederates (Townshend tocaba el banjo y Entwistle el corno), posteriormente tocaron juntos en The Aristocrats y The Scorpions. Mientras tanto, Roger Daltrey era el guitarrista de una banda llamada The Detours. Daltrey invitó a Entwistle a unirse como bajista a The Detours; Entwistle aceptó y dejó The Scorpions. Entwistle entonces le propuso a Daltrey que Townshend reemplazara al guitarrista Reg Bowen, lo que Daltrey aceptó. The Detours fueron completados por el vocalista Colin Dawson y el baterista Doug Sandom, con Daltrey como guitarrista principal y Townshend como segunda guitarra. Eventualmente Dawson dejaría el conjunto y las funciones de vocalista fueron tomadas por Daltrey. The Detours comenzaron a tocar bajo diversos nombres, incluyendo The High Numbers y Maximum R&B. Por decisión de Daltrey, la banda comenzó a llamarse The Who un poco antes de que Keith Moon remplazase a Sandom en la batería (debieron cambiar de nombre porque había otra banda llamada The Detours). Durante una presentación, Townshend rompió su guitarra accidentalmente, lo que llevó a que la siguiente ocasión en que tocaron en ese lugar la gente quisiera que la rompiera de nuevo, y así lo hizo, mientras que Moon también destrozó su batería.

Durante un pequeño período durante 1964, cuando su manager era Peter Meaden, cambiaron su nombre a The High Numbers, y editaron el single "Zoot Suit/I'm The Face", que estaba orientado a sus fanáticos mod y tuvo poco éxito, por lo que la banda despidió a Meaden (que fue reemplazado por Kit Lambert y Chris Stamp) y se volvió a llamar The Who. La banda se convertiría rápidamente en una de las más populares entre los mods británicos, un movimiento de principios de los años 1960.

La banda comenzó a ser liderada por Townshend, ya que éste era el principal compositor (aunque Entwistle también haría contribuciones notables ocasionalmente). Townshend buscaba escribir material inteligente y desafiante, pero Daltrey prefería material energético y masculino (Daltrey ocasionalmente se negaba a cantar una composición de Townshend, por lo que debía ser cantada por este último), mientras que Moon era fan de la música surf de Estados Unidos.

"My Generation" y el éxito

El primer éxito de la banda fue "I Can't Explain" (un single que seguía el estilo de los Kinks de esa época, lo que los mánagers del grupo querían que Pete hiciera para atraer al productor de los Kinks Shel Talmy, consiguieron captar su atención y obtuvieron un contrato de 5 años con el mismo), que fue seguido por "Anyway, Anyhow, Anywhere", la única canción que coescribieron Townshend y Daltrey.

Al poco editaron su primer álbum: My Generation en Inglaterra y The Who Sings My Generation en Estados Unidos, que incluía himnos mod como "The Kids Are Alright" o "My Generation", que se recuerda por la frase "Hope I die before I get old" ("espero morir antes de llegar a viejo"), y que muchos consideran una de las primeras canciones punk. El álbum también contenía dos versiones de James Brown. The Who Sings My Generation es frecuentemente considerado uno de los álbumes más importantes de la historia del rock, y se destaca la interpretación de John Entwistle (en especial en la canción que da nombre al disco). Sin embargo, Lambert y Stamp estaban decepcionados por la falta de promoción que Decca la daba a los discos de la banda en Estados Unidos, por esto la banda rompió el contrato con Talmy y quedó en números rojos tras la demanda judicial de la discográfica.

Tras el éxito de su primer largo la banda publicó un single en 1966, "Substitute", que se convirtió en otra de las canciones más conocidas del grupo. Los siguientes singles, como "I'm A Boy" (que formó parte del primer intento de Townshend de crear una ópera rock), "Happy Jack" y "Pictures Of Lily", demostraban el creciente interés de Townshend alrededor de historias sobre confusión mental y sexual.

El segundo álbum se tituló A Quick One. Salió en 1966, e incluía un medley de 9 minutos llamado "A Quick One, While He's Away", al que más tarde denominaron "mini opera". Esta canción anticipó lo que luego sería llamado "ópera rock". A Quick One generalmente está valorado por debajo de su antecesor, debido a que para este disco, a causa de la situación económica del grupo, Moon y Daltrey se vieron obligados a hacer unas composiciones bastante irregulares. Sin embargo, la canción de Entwistle "Boris The Spider" se convirtió en una de sus contribuciones más relevantes. El álbum fue renombrado "Happy Jack" en Estados Unidos, por la referencia sexual del título.

La banda salió de gira por Estados Unidos, y sus actuaciones, que incluían la destrucción de instrumentos, les permitieron obtener un gran número de seguidores en ese país. Su presentación en el Festival de pop de Monterrey ayudó al grupo a nivel de popularidad. Durante ese verano, salieron de gira como teloneros de Herman's Hermits. En ese período se produjo un famoso incidente en el Holiday Inn de Flint, Michigan, durante el cumpleaños de Keith Moon, lo que consolidó su reputación. Se llegó a rumorear que tras el mismo se le prohibió a la banda volver a Holiday Inn, y que una de las consecuencias de esa noche de destrucción fue que un auto terminó en una piscina del lugar.

En 1967 publicaron su tercer álbum: The Who Sell Out. Este demostró las ambiciones de Townshend, que quería que los álbumes del grupo fuesen obras unificadas. Sell Out es un álbum conceptual que simula ser una transmisión de una estación de radio pirata llamada "Radio London", por lo que contenía jingles y avisos publicitarios entre las canciones compuestas por la misma banda. "I Can See For Miles" es la única canción del álbum que fue editada como single, y pese a que alcanzó uno de los 10 primeros puestos de muchas listas, Townshend estaba decepcionado con la recepción de la canción entre el público. Tanto el single como otras canciones del álbum demostraban una leve influencia de la escena del rock psicodélico de ese momento. The Who Sell Out también incluía una canción de una ópera rock nunca completada, llamada "Rael 1" (las versiones que incluyen bonus tracks también tienen a "Rael 2").

En 1968 la banda editó "Magic Bus", uno de sus singles más importantes. En ese año, Townshend (que había dejado las drogas y se había dado a las enseñanzas de Meher Baba), empezó a planear su siguiente álbum.

"Tommy": la primera ópera rock popular

1969: El grupo edita Tommy, un álbum doble que fue la primera ópera rock que ocupó todo un álbum del grupo, y una de las primeras de la historia del rock. Si bien no fue la primera (S.F. Sorrow de The Pretty Things salió un año antes), sí que fue la primera en tener éxito, y se destacó por el uso de temas (como "See Me, Feel Me"), que se repetían a lo largo del álbum y le daban una unidad de sonido, que al mismo tiempo ayudaba a seguir la historia (que trataba sobre un niño que queda ciego, sordo y mudo al presenciar un asesinato, para más tarde convertirse en un mesías). El primer single de Tommy, "Pinball Wizard", tuvo bastante éxito. Este álbum comenzó a mostrar la influencia de las enseñanzas espirituales de Meher Baba sobre Townshend. Más tarde se produjo una película basada en el álbum, que contaba con la participación, entre otros, de Elton John.

The Who en vivo (1966 – 1999)

A lo largo de su carrera, The Who se ha distinguido por sus conciertos. La banda participó en el festival de Woodstock de 1969. Esta presentación ayudó a que la popularidad de Tommy creciera enormemente. En 1970 el grupo edita el single "The Seeker", y ese mismo año graban Live At Leeds, su primer álbum en vivo, que fue grabado en la Universidad de Leeds. El álbum fue lanzado originalmente con 8 canciones pero en 1995 fue expandido con 5 canciones adicionales del mismo show, y además se editó una versión (la "Deluxe Edition") que incluía toda la interpretación de Tommy que también tocaron en esa misma fecha. Es considerado su mejor álbum en vivo, por ser el único que fue editado en su momento por la banda, y fue exitoso como consecuencia del éxito de Tommy.

La banda también participó en el Festival de la Isla de Wight de 1970. Esa presentación fue editada en 1996 como un álbum doble (Live At The Isle Of Wight Festival 1970). Townshend considera a esa presentación como una de las mejores del grupo.

Durante gran parte de los años 1970, The Who estuvo en el Libro Guinness de Récords como "la banda más ruidosa del mundo", con sus presentaciones llegando a los 130 decibeles (más tarde bandas como Deep Purple batirían su record). Esto, sumado a la destrucción de sus instrumentos (algo que harían con menos frecuencia desde Tommy), la personalidad de los integrantes y los "remolinos" de Townshend, hicieron que sus presentaciones en vivo alcanzaran un estatus mítico.

El proyecto "Lifehouse" y "Who's Next"

Townshend intentó llevar a cabo un álbum conceptual aún más ambicioso y complejo. En él pretendía tomar datos personales del público (edad, peso, altura, etc.) en los recitales, introducirlos en un sintetizador y utilizarlos para crear música. Este proyecto se denominó "Lifehouse" y no pudo ser finalizado por su complejidad y los problemas de Townshend. Sin embargo, gran parte de las canciones del mismo fueron lanzadas más tarde (como álbum solista de Townshend), y algunas de las mejores se usaron para el siguiente álbum del grupo, Who's Next, que se convertiría en su álbum más exitoso. Salido en 1971, Who's Next contenía nueve temas, incluyendo canciones como "Baba O'Riley" y "Won't Get Fooled Again", que se destacaban por el uso de sintetizadores, que solían establecer ritmos repetitivos (o se usaban para diversos efectos, como en "Bargain" y "The Song Is Over", y que iban a ser uno de los aspectos más importantes de "Lifehouse". El sonido es radicalmente distinto al de los discos anteriores de la banda: la voz de Daltrey había evolucionado y sonaba como un poderoso rugido, mientras que el sonido de la batería de Keith Moon había cambiado. Esto, sumado a los sintetizadores y la impecable producción, hicieron que Who's Next comenzara a ser considerado como uno de los primeros álbumes de arena rock, ya que era mucho más gran grandilocuente y ampuloso que sus antecesores.

Algunas de las canciones de "Lifehouse" (incluyendo "Pure And Easy" y "Naked Eye") aparecieron en el compilado Odds And Sods, y más tarde fueron agregadas como bonus tracks en versiones posteriores de Who's Next.

Antes del lanzamiento de Who's Next, Entwistle grabó el primer álbum solista de alguno de los miembros de la banda, Smash Your Head Against The Wall, y seguiría grabando álbumes solistas durante los siguientes años.

"Quadrophenia" (1973)

El siguiente álbum del grupo salió dos años después y se llamó Quadrophenia. Es otra ópera rock que trata sobre un adolescente llamado Jimmy, un mod. El título del mismo se refiere a un problema de identidad que tiene Jimmy en la historia: tiene cuatro personalidades distintas, cada una de las cuales representan a uno de los integrantes del grupo y son representadas en el álbum por medio de cuatro melodías que aparecen varias veces a lo largo del mismo. El álbum trata sobre la relación de Jimmy con sus padres, su ex-novia, sus amigos y los conflictos entre mods y rockers de principios de los años 1960, en Brighton. Quadrophenia, al igual que Tommy, también tuvo su película.

Quadrophenia siguió el estilo de su antecesor, con un rol aún mayor de sintetizadores además de un mayor uso de instrumentos de metal), lo que llevó a que sus detractores sostuvieran que es demasiado pretencioso y grandilocuente. Esto también causó que las presentaciones en vivo de la siguiente gira se complicaran, ya que la banda debía usar cintas pregrabadas, lo que en muchas ocasiones no funcionaba correctamente. Antes de que esa gira comenzara, la esposa de Keith Moon lo dejó y se llevó con ella a su hija, lo que causó que Moon comenzara a consumir más bebidas alcohólicas. Por esta razón se desmayó durante un show en San Francisco, por lo que debió ser sustituido por el resto del mismo por Scott Halpin, un miembro de la audiencia.

Problemas para la banda y muerte de Keith Moon (1974 – 1982)

Los problemas de Townshend comenzaron a aumentar: estaba cansado de tocar con la banda, comenzó a consumir alcohol más seguido, y sufrió un colapso nervioso, además de comenzar a sentirse más viejo por cumplir 30 años. Esto llevó a que el siguiente álbum de la banda, The Who By Numbers, fuese un álbum más depresivo y menos energético, que trataba sobre los problemas de Townshend. Durante la gira siguiente se le diagnosticó un caso de tinnitus (muchos especularon que había sido causado por los ruidosos conciertos del grupo, pero Townshend sostuvo que era por escuchar música con auriculares en un volumen demasiado alto), por lo que la agrupación dejó de tocar en 1976 por algún tiempo. Un crítico consideró a By Numbers como la "nota suicida" de Townshend. En 1977 Townshend grabó un álbum junto a Ronnie Lane llamado Rough Mix.

La banda regresó a los estudios en 1978, y grabó Who Are You, un álbum más accesible y con un mayor uso de sintetizadores. El mismo incluía una canción de John Entwistle de una ópera rock que nunca fue completada. En esa época, el grupo comenzó a grabar un documental sobre su historia llamado "The Kids Are Alright", que incluía, entre otras cosas, imágenes de sus presentaciones en vivo. Sin embargo, el 7 de septiembre de ese año (20 días después del lanzamiento del álbum), Keith Moon falleció mientras dormía, como consecuencia de una sobredosis de pastillas que se le habían recetado para controlar su alcoholismo.

Moon fue reemplazado por Kenney Jones, ex-miembro de The Small Faces y The Faces. La banda con el teclista John "Rabbit" Bundrick y una sección de metales, pero el 3 de diciembre de 1979, durante un show en el Riverfront Coliseum (de Cincinnati, Ohio, Estados Unidos), se produjo una estampida de fans por la búsqueda de asientos, lo que causó la muerte de 11 de ellos. A la banda no se le aviso de esto hasta luego del show porque las autoridades temían que hubiesen más problemas si se cancelaba el concierto, lo que devastó a la banda.

Al año siguiente, Townshend edita su primer álbum solista, llamado Empty Glass, y al mismo tiempo, Daltrey actuó en la película McVicar (anteriormente había actuado en la película Tommy). The Who grabó dos álbumes con Jones como baterista, Face Dances (1981) y It's Hard (1982), que seguían el estilo de Empty Glass, pero si bien éste fue bien recibido, tanto Face Dances como It's Hard suelen ser considerados los peores del grupo, pese a que ese último recibió una puntuación de cinco estrellas por parte de la revista Rolling Stone. Sin embargo, Townshend seguía teniendo problemas: luego de grabar Face Dances sufrió una sobredosis de heroína que casi acaba con su vida. La banda organizó un tour de despedida, tras el cual la banda iba a editar otro álbum (por obligaciones contractuales), pero Townshend abandonó el intento y desde entonces la banda dejó de grabar álbumes de estudio.

Reuniones y presentaciones en vivo

La banda volvió a tocar junta en el concierto Live Aid de 1985 (algo que volverían a hacer en la edición del año 2005 llamada Live 8), y tres años después recibió el "BPI Life Achievement Award", por lo que la banda tocó un pequeño set. La banda se volvería a reunir en varias otras ocasiones, durante 1989 y 1996, ya con la presencia de Zak Starkey como baterista (quien, pese a ser el hijo de Ringo Starr, aprendió a tocar gracias a Keith Moon), además de tocar en "The Concert for New York City", el show sobre el atentado del 11 de septiembre de 2001 en las Torres Gemelas, en el que fueron una de las bandas más aclamadas por la audiencia.

Durante la gira del año 2002, John Entwistle fue encontrado muerto en su habitación del Hard Rock Hotel de Las Vegas, Nevada. Una investigación demostró que su muerte se debió a un ataque cardíaco; se detectó una leve cantidad de cocaína en su cuerpo, lo que sumado a su uso regular de la misma por muchos años, podrían haber causado el mismo. Luego de un ligero retraso, la gira siguió con Pino Palladino como su reemplazante.

Nuevo álbum, Nueva Gira 2006

"Endless Wire" es el nombre del nuevo álbum de The Who (trabajo antes provisionalmente llamado "WHO2"), que en un principio saldría en la primavera de 2005, pero fue retrasado por diferentes causas, como la ausencia de Zak Starkey (batería) quien estaba de gira entonces con Oasis. El 24 de Diciembre de 2005, Pete Townshend y el representante de la banda Bill Curbishey anunciaron la intención de una gira mundial que comenzaría el verano de 2006 y se extendería hasta 2007, para promocionar material nuevo.

El 20 de Marzo, el cantante Roger Daltrey, confirmó la gira y anunció que él y Pete Townshend están continuando con el nuevo álbum , además de mencionar el título de una nueva canción, "Black Widow's Eyes". El 28 de Marzo, Pete Townshend en su sitio en internet, anunció que han trabajado en una mini-ópera, basada en su reciente obra literaria "The Boy Who Heard The Music". Esta mini-ópera, de 11 minutos de duración, fue lanzada justo antes de iniciar la gira en Europa en Junio, bajo el título "Wire And Glass" y como anticipo del nuevo álbum que saldrá a principios de octubre. Las canciones que integran la mini-ópera son 6 para la versión del sencillo y 10 para el álbum convencional. Las seis piezas que conforman "Wire And Glass" son: "Sound Round", "Pick Up The Peace", "Endless Wire", "We Got A Hit", "They Made My Dreams Come True" y "Mirror Door".Imagen:Pete Townshend 5.

La nueva gira comenzó en Europa el 17 de Junio en la Universidad de Leeds en Inglaterra (en donde hace más de treinta años se grabó el legandario disco "Live At Leeds"). Para el repertorio se incluyeron nuevas canciones como "Mike Post Theme" o "Real Good Looking Boy", además de los clásicos de siempre, otros temas no tan escuchados y algunas piezas de Tommy y de Quadrophenia.

El concierto del 17 de Junio en Leeds fue grabado como su predecesor de 1970 y filmado para ser lanzado en CD y DVD a finales de 2006, posiblemente bajo el nombre "Live At Leeds II", que es como Roger Daltrey se refería a dicho concierto.

La gira norteamericana se extiende hasta principios de diciembre. Entre ésta parte de la gira será lanzado el 31 de Octubre el nuevo album ya titulado "Endless Wire", que incluye las versiones completas de algunas canciones de la miniópera, otras relacionadas como "Trilby's Piano" o "Fragments" (en la que Pete Townshend utiliza un método parecido al de "Lifehouse") y otras ajenas como "Mike Post Theme", "2000 Years", "Man In A Purple Dress", "Stand By Me" y las antes mencionadas. Probablemente continúen la gira a principios de 2007 en Sudamerica, Japón y Australia.

Paginas:
http://www.thewho.com/
http://www.thewho.net/
http://www.thewho.org/
http://www.los60.es/

Ramones

Ramones es una influyente banda de Punk formada en Forest Hills, en el distrito de Queens, Nueva York, Estados Unidos en el año 1974.

Pioneros del naciente punk rock, cimentaron las bases del estilo con composiciones simples, minimalistas y repetitivas, contrarias a la pomposidad del rock progresivo de los años 1970. Su sonido se caracteriza por ser rápido y directo, con influencias del rockabilly de los años 1950, el surf rock,The Beatles, The Velvet Underground, las bandas de chicas de los 60's como The Shangri-Las, el garage proto-punk de MC5 y The Stooges y el glam callejero de New York Dolls y T. Rex.

Ramones lideró el la primera ola en Nueva York, compartiendo el escenario de CBGB con Patti Smith, Television, The Heartbreakers, Blondie y Richard Hell, entre otros. Uno de los actos más importantes de la historia del rock, su influencia se percibe desde The Clash y Sex Pistols a Sonic Youth y Nirvana .

La banda se disolvió en 1996, luego de culminar el último show de su gira mundial en Argentina para luego retirarse en el festival Lollapalooza. En 2002 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock.[1] .

Historia

1974-1979

Ramones tuvo sus inicios en Forest Hills (Queens) en el año 1974. Estaba originalmente formada por John Cummings (Johnny Ramone) en guitarra, Jeffry Hyman (Joey Ramone) en batería, Douglas Glenn Colvin (Dee Dee Ramone) en bajo y eventualmente voz y algún vocalista ocasional. El grupo comenzó a ensayar con esa formación temas rápidos y cortos en un garage hasta que, con el tiempo, la formación fue reconstituida ya que Dee Dee se sentía incómodo tocando y cantando al mismo tiempo. La nueva formación fue con Johnny en guitarra, Dee Dee en bajo, Joey en voz y Tamás Erdélyi (Tommy Ramone), que hasta ese entonces había sido el mánager de la banda, en batería. La música de Ramones (apellido que utilizaba Paul McCartney para registrarse en los hoteles) se caracterizó por su rapidez tempística y simplicidad instrumental, factores que serían característicos en la escena punk neoyorquina. El nombre viene de la devoción de Johnny por la `Ramona pechugona´ (aquí pueden comprobar que tipo de persona es Johnny Ramone.

Músicalmente, los Ramones mezclaban diferentes corrientes. Por un lado, utilizaban bases del power-pop y, por el otro, se apoyaban en el glitter rock y la música surf. De ahí nace el típico sonido Ramones. Las letras de sus composiciones trataban temas triviales de la vida sugiriendo soluciones simples a determinadas frustraciones.

Con el sonido redondeado, los temas listos y las gastadas camperas de cuero que fueron a lo largo del tiempo su marca estética, la banda tocó por primera vez en el CBGB de Nueva York, lugar que por entonces era el sitio de reunión del naciente movimiento punk. La primera actuación de Los Ramones resultó casi funesta, pero no hizo demasiada mella en los cuatro integrantes de Queens. Su primer show fue el 16 de agosto de 1974 ante media docena de personas donde tocaron un acelerado set de veinte temas en 17 minutos. Luego de eso, el dueño del lugar, Hilly Cristal, les dijo "no le van a gustar a nadie, pero los espero de vuelta".

Entre el 2 y el 19 de febrero de 1976, y con 6.400 dólares de gastos, grabaron de su primer álbum, al que llamaron simplemente Ramones. La encargada de grabarlo fue Sire Records, una pequeña discográfica desconocida hasta el momento, y el productor fue Craig Leon. Cuando el disco salió a la venta, se los acusó de ser una ofensa nacional por sus letras, su fachada y la velocidad con la que tocaban.

Aún en 1976, un empresario inglés contrató a los Ramones y los llevó a su país para tocar en el Roundhouse de Londres. A lo largo de las tres funciones que ofrecieron (la primera fue el 4 de julio) un público ávido de música diferente al popular rock progresivo de la época los ovacionó. Entre ese gentío, se encontraban quienes más tarde se convertirían en la otra rama importante de la primera ola del punk: Johnny Rotten, Sid Vicious, Joe Strummer, Paul Simonon, Captain Sensible, Dave Vanian y Paul Cook, integrantes Sex Pistols, The Clash y The Damned, además de Malcolm McLaren, mánager de los Sex Pistols.

En 1977 fue emitido el segundo trabajo musical del grupo, Leave Home, y un año después, llenaron el popular Palladium de su ciudad de origen. Más tarde ese mismo año, Ramones lanzó Rocket to Russia y emprendió una gira junto a Iggy Pop, ex líder de the Stooges y uno de los ídolos de los integrantes. En 1978, Tommy dejó la posición de baterista para dedicarse únicamente a la producción del grupo. Su último show fue el 4 de mayo de ese año en un recital a beneficio del baterista de Dead Boys Johnny Blitz y, poco después, se decidió que el baterista de Richard Hell & The Voidoids Marc Bell (Marky Ramone) sea su reemplazante.

A partir de la deserción de Tommy, Johnny tomó un rol más participativo en la composición y los conflictos entre él y Joey comenzaron a aparecer. Por su parte, Joey enfatizaba en la necesidad de emitir un álbum que sea exitoso y popular, mientras que Johnny no consideraba prioritaria la popularidad del grupo. El resultado fue la diversidad estilística entre el pop ("Don't Come Close" y "Needles & Pins" por ejemplo) y el punk rock clásico ("I Wanna Be Sedated") de Road to Ruin, editado en 1978.

En 1979, Ramones, lanzó al mercado el álbum en directo It's Alive, grabado el 31 de diciembre de 1977 en el Rainbow Theatre de Londres. El disco incluía veintiocho temas tocados a una gran velocidad y potencia. Ese año también aparicieron en una película de clase B dirigida por Allan Arkush llamada Rock 'n' Roll High School para la cual grabaron algunos temas de la banda sonora.

1980-1989

En 1980 fue lanzado al mercado End of the Century, el único disco del grupo producido por Phil Spector. Según las palabras de Dee Dee años después, Spector los amenazó con una pistola para que permanecieran dentro del estudio de grabación y terminaran de grabar los temas del disco a tiempo. El estilo perfeccionista de Spector contrastó con la disciplina impuesta hasta ese entonces por Tommy, que no solamente se había encargado de coproducir sus primeros álbumes sino que también fue responsable del "concepto Ramone": declaraciones, posturas y respuestas que los mostraban como una "familia feliz".

Un año más tarde, Ramones grabó Pleasant Dreams, producido por el ex integrante de 10cc Graham Gouldman. La crítica musical coincidió en general respecto al cambio del estilo ramonero a uno claramente más ligado al pop. Aún así, en su mayoría los fanáticos de la banda dieron el visto bueno a Pleasant Dreams y convirtieron en hits los temas "She's a Sensation" y "Don't Go". Ese mismo año, la banda también reemplazó a su mánager Danny Fields por Gary Kurfirst.

El grupo no volvió a grabar hasta 1983, cuando fue emitido Subterranean Jungle, un álbum que trajo aparejado distintas polémicas entre sus seguidores y peleas internas entre Dee Dee, Joey y Johnny. Al mismo tiempo, Marky Ramone dejó la banda por problemas de alcoholismo durante la grabación del disco por lo cual Billy Rogers debió tocar la batería en el tema "Time Has Come Today".

Poco después ese año, Johnny debió ser operado y estuvo a punto de morir a causa de una pelea. Como consecuencia de las salidas de Marky y Johnny (aunque éste último temporalmente), la continuidad de Ramones tambaleó. Sin embargo, el lugar de la batería fue ocupado por Richard Reinhardt (Richie Ramone) y dos años más tarde, con Johnny Ramone finalmente recuperado, salió a la venta Too Tough to Die (en español "demasiado fuerte para morir", nombre elegido en honor al incidente de Johnny). De este disco también salió su primer número uno en un ranking, "Howling at the Moon".

En el año 1986 los Ramones lanzaron su noveno álbum de estudio, Animal Boy, un disco endurecido y con sonido más heavy. Además, el grupo obtuvo el premio "single del año" en los New York Music Awards gracias a "Bonzo Goes to Bitburg" (renombrado para los Estados Unidos "My Brain Is Hanging Upside Down"), un tema que trataba sobre la reciente visita del presidente norteamericano Ronald Reagan al cementerio de Bitburg donde habían sido enterrados varios de los fallecidos miembros de la SS nazi. Un años después, Animal Boy ganó el premio a mejor álbum en el New York Music Awards. En ese mismo año, el grupo lanzó Halfway to Sanity donde Debbie Harry, cantante de Blondie, prestó su colaboración para la canción "Go Lil' Camaro Go".

En 1988 se emitió el álbum recopilatorio doble Ramones Mania y el escritor Stephen King les propuso componer el tema central para la película Pet Sematary, basada en un libro de su autoría. En 1989 la banda editó Brain Drain donde lograron un sonido más prolijo y cuidado. El álbum fue el primero de Ramones con Chrysalis Records y, además, fue el último con Richie en la batería, ya que Marky regresó recuperado de sus problemas con el alcohol, y de Dee Dee como bajista, ya que decidió emprender una carrera solista como rapero donde no tuvo mucho éxito. Christopher John Ward (C.J. Ramone), un fanático de la banda de 18 años, ingresó como su reemplazante brindándole al grupo un aire de renovación. C.J. fue rechazado en un principio, dado que Dee Dee era muy popular entre los fanáticos pero, con el tiempo, el bajista se ganó la aprobación del público.

1990-1996

En enero de 1990 Joey Ramone sufrió un accidente durante una presentación en el Ritz de Nueva York en el cual sufrió una rotura de ligamentos cruzados en su pierna que le obligó a mantener seis semanas de reposo. Ese año, Sire records lanzó All the Stuff (And More), un álbum doble donde se incluyeron versiones reeditadas de sus dos primeros discos y otros demos y temas inéditos.

Poco después, el grupo viajó a Toronto y actuó en la película de Bill Fishman Car 54, Where Are You?, film inspirado en una serie que llevaba el mismo nombre trasmitida a fines de los años 1960. Además, los Ramones se presentaron en Canadá, Bélgica, Suecia y Finlandia y tocaron en el primer festival de música realizado luego de la reunificación de Alemania. En los shows tocaron nuevamente junto a Iggy Pop y en Bélgica lo hicieron con Sonic Youth y The Pogues.

En el año 1991 se editó Loco Live, un álbum grabado en vivo en España. A su vez, el 26, 27 y 28 de abril de 1991 los Ramones hicieron su segunda incursión en Buenos Aires, Argentina presentándose en el estadio Obras Sanitarias. En julio de ese año, Marky y Joey participaron como panelistas del seminario Rock the Vote, una entidad encargada del registro de votantes y la adopción de incentivos para que la gente participe en la política activamente. Los Ramones filmaron un video para esta organización que se difundió por MTV.

Un año más tarde la banda grabó Mondo Bizarro, álbum editado por Radiactive Records y producido por Ed Stasium que contó nuevamente con la participación de Dee Dee Ramone en la composición. El 16 de septiembre Ramones se presentó nuevamente en la Argentina realizando cuatro shows a sala llena en el estadio Obras Sanitarias.

El próximo disco del grupo fue Acid Eaters, un álbum de covers de temas de los años 1960 grabado en tan solo una semana. Recién en 1995, dos años después de Acid Eaters, el grupo grabó el que sería su último álbum de estudio, ¡Adiós Amigos!, donde Daniel Rey y Dee Dee Ramone colaboraron activamente en la composición.

Más tarde ese año, Ramones se presentó 6 días seguidos a sala llena en el estadio Obras Sanitarias de Argentina. Los telonearon bandas importantes de la escena punk argentinas como Flema, Attaque 77 ,2 minutos, Doble Fuerza, Mal Momento, Cadena Perpetua y Superuva y, por primera vez, el grupo tocó "Spider-Man" y "R.A.M.O.N.E.S." (una canción que compuso Lemmy Kilmister a modo de homenaje) en vivo.

El 26 de febrero de 1996 la banda tocó en The Academy, Nueva York en un recital que daría lugar al álbum en directo Greatest Hits Live. El 16 de marzo de ese año Ramones volvió una vez más a la Argentina para dar su último concierto en Sudamérica y, según lo que habían calculado, el último de su carrera. El grupo llenó el estadio Monumental del Club Atlético River Plate con 45.000 personas presenciando el recital. Sin embargo, poco después Ramones decidió tocar en algunos recitales del festival Lollapalooza en los Estados Unidos antes de su separación. Su último recital fue el 6 de agosto de 1996, en The Palace, Los Ángeles y su último disco, We're Outta Here, contiene la grabación de ese show.

Miembros

Los miembros de la banda adoptaron el apellido "Ramone", basándose en un seudónimo utilizado por Paul McCartney en una de sus estancias con los Beatles en Hamburgo (Paul Ramone).

Miembros originales

- Joey Ramone (* 19 de mayo de 1951 - † 15 de abril de 2001) (cuyo nombre real era Jeffry Hyman) (voz)
- Johnny Ramone (* 8 de octubre de 1948 - † 15 de septiembre de 2004) (cuyo nombre real era John Cummings) (guitarra)
- Dee Dee Ramone (* 18 de septiembre de 1952 - † 5 de junio de 2002) (cuyo nombre real era Douglas Glen Colvin) (bajo) (1974-1989)
- Tommy Ramone (* 29 de enero de 1949) (cuyo nombre real era Thomas Erdelyi) (batería) (1974-1978)

Miembros posteriores

Los miembros que se incorporaron más adelante a la banda también adoptaron el apellido "Ramone":

- Marky Ramone (* 15 de julio de 1956) (cuyo nombre real era Marc Bell) (batería)
- Richie Ramone (* 11 de agosto de 1957) (cuyo nombre real era Richard Reindhart) (batería)
- CJ Ramone (* 8 de octubre de 1965) (cuyo nombre real era Christopher Joseph Ward) (bajo)
- Elvis Ramone (* 24 de noviembre de 1955) (cuyo nombre real era Clem Burke y que apenas participó en dos conciertos de la banda) (batería).

Un miembro anterior, Ritchie Ramone (no confundir con Richie Ramone), dejó la banda antes del primer disco. El texto "Here lies Ritchie Ramone" ("Aquí yace Ritchie Ramone") se puede observar en una lápida en un dibujo del interior del álbum Rocket to Russia.


"Cronología de Miembros The Ramones"

Muertes

- Joey Ramone murió de linfoma el 15 de abril de 2001 en Nueva York, mientras estaba escuchando la canción "In A Little While" de U2. (En junio de 2001, en un concierto en Boston, Bono dijo que la canción trataba sobre una resaca, pero Joey la convirtió en una canción gospel)
- Dee Dee Ramone apareció muerto en su casa de Hollywood el 5 de junio de 2002, por una sobredosis de heroína. El compositor más activo de la banda tenía planeado realizar una gira por Brasil, tocando los clásicos de la banda de Queens.
- Johnny Ramone murió de un cáncer de próstata el 15 de septiembre de 2004, en Los Ángeles.

Influencias

Principales grupos influídos

En una gira que hizo la banda en julio de 1976 por Inglaterra, tocó en el RoundHouse de Londres para un público donde se encontraban Joe Strummer, Sid Vicious, Johnny Rotten, Captain Sensible y Paul Cook, quienes quedaron impresionados por los temas de la banda. A pesar de haber sido una gran influencia para los grupos punk ingleses, la formación de los grupos más importantes (Sex Pistols, The Damned y The Clash), contrariamente a lo que dice la leyenda, fue anterior a dicho recital.

Las bandas punk de los años 1990 como The Offspring, Green Day y Rancid también citan al estilo Ramone como una influencia importante.

En Argentina son muchas las bandas tributo a los Ramones. Más alla de las bandas tributo existen grupos como Attaque 77 y Dos Minutos, los más famosos en latinoamérica, y también Expulsados, cuyo cantante Sebastián Expulsado tiene una apariencia casi idéntica a la de Joey y es quien se encarga de cantar en los recitales que hace Marky Ramone. Otras bandas argentinas que imitan el estilo "Ramonero" son Embajada Boliviana y Flema.

En Uruguay se ve influenciado el grupo Trotsky Vengaran que con pocos años de trayectoria (3 años) fue elegido para acompañar la visita que ellos hicieron en 1996 en Montevideo con 6000 espectadores. También hay muchas bandas tributo, la que mas se destaca es Diasepunk, y también muchisimas otras con mucha influencia como pueden ser Cretinos, Romalones, Nyanderthal, etc.

También se puede mencionar a Los Nikis, a Airbag y a F.A.N.T.A. de España.

We're a Happy Family
Artículo principal: We're a Happy Family: A Tribute to the Ramones

En el año 2003 se grabó un álbum a modo de homenaje por bandas de renombre mundial influenciadas por el cuarteto de Queens. El álbum fue llamado We're a Happy Family. El mismo estuvo producido por Rob Zombie y Johnny Ramone; mientras que el escritor norteamericano Stephen King fue el encargado de escribir las liner notes del booklet. Los participantes del tributo dan a entender la importante influencia de la banda en el pop y el rock de las décadas del 90 y 2000.

Los intérpretes participantes del tributo fueron Red Hot Chili Peppers, (tanto la banda como su guitarrista, John Frusciante) Rob Zombie, Eddie Vedder, (cantante de Pearl Jam) Zeke, Metallica, Kiss, U2, Marilyn Manson, Garbage, The Pretenders, Green Day, Rancid, Pete Yorn, The Offspring, Rooney y Tom Waits.

Otras referencias, influencias y tributos

- Slash, de la banda Guns and Roses, dijo que aprendió a tocar la guitarra con "Road to Ruin".[cita requerida]
- Frank Black, de The Pixies, tiene una canción en su primer álbum solista titulada "I Heard Ramona Sing", como tributo a la banda.
- Lemmy Kilmister, vocalista de Motorhead, escribió una canción llamada R.A.M.O.N.E.S.. La banda de Queens la incluyó en su repertorio sobre el final de su carrera.
- La canción Things That Dreams are Made Of (de su álbum Dare) de la banda The Human League, menciona a Johnny, Joey y Dee Dee.
- Al momento de la muerte de Joey, la banda The Misfits quitó el contenido de su página web y, en su lugar, colocó una foto de Joey.[2]
- Al día siguiente de dicha muerte, Bono de U2 dio un discurso sobre Joey y los Ramones. La banda, que estaba de gira, dedicó "In A Little While" a Joey Ramone el tiempo que duró la gira, tras enterarse que esa era la canción que oyó en su lecho de muerte.[cita requerida] Según Andy Shernoff (The Dictators), el hermano de Joey la sintonizó en la radio en esos momentos, a pedido del mismo Joey. Adicionalmente, es posible ver en numerosos conciertos al baterista Larry Mullen Jr. usando ropa personalizada (camisas, remeras) de los Ramones.
- Jello Biafra tiene una pista dedicada a Joey Ramone en uno de sus discos hablados.
- William Shatner menciona a Joey Ramone en la canción "You'll have time".
- Los fans de los Ramones intentan tener el aspecto de sus ídolos. El "uniforme" consiste en una chaqueta de cuero negra, pantalones vaqueros rasgados, y zapatos de estilo Converse.
- La banda sueca Roxette incluyó una marioneta alta y delgada con el pelo largo negro, chaqueta negra y unas gafas de sol rojas en su videoclip "Real Sugar". Al final del vídeo se desvela el nombre de la marioneta "Joey".
- Los Ramones le cantan en su cumpleaños al señor Burns en la serie animada Los Simpsons.[3]
- Bandas argentinas como Attaque 77 (en sus principios), Flema, Dos Minutos, Villanos (en sus inicios), Embajada Boliviana, Sin ley, y Expulsados, muestran una notable influencia en su sonido, y tienen versiones editadas de temas de la banda de Queens.
- La banda argentina Dias Grises interpretó varios temas de Ramones en vivo entre ellos The KKK took my baby away, I wanna be sedated, Pet Cementery, Blitzkrieg Bop y Judy is a punk
- La banda marplatense Mala Espina está influenciada por ellos, y en sus presentaciones tocan "My Brain Is Hanging Upside Down (Bonzo Goes to Bitburg)"
- El grupo punk de Buenos Aires Brixton ha participado en tributos del under punk a la banda y a menudo incluyen fragmentos de canciones en sus shows
- La banda peruana Dalevuelta grabó una version de "The KKK took my baby away" y una canción llamada "Yo quiero ser un Ramones"
- La banda alemana Die Toten Hosen lleva hechas varias versiones de ellos en recitales y se ven muy influenciados en sus sonidos y públicos.
- En cuanto a España, los grupos más influenciados por el sonido Ramone fueron Ska-P, La Polla Records, Porretas o El Último Ke Zierre.
- Eddie Vedder, de Pearl Jam, reconoce a Johnny Ramone como uno de sus mejores amigos. Pearl Jam, además, toca versiones de temas del cuarteto de Queens en sus giras (especialmente "I believe in miracles") como forma de homenaje. También, el grupo de Seattle grabó su versión de "I just want to have something to do" a modo de single. Eddie Vedder, además, participó en la presentación de los Ramones en el "Hall of Fame", además de participar en dos temas del compilado "We're a Happy Family".
- El grupo escandinavo Hymans, (claro juego de palabras) posee uno de los sonidos más similares.
- En su álbum de 2003, Blondie incluyó una canción dedicada a Joey Ramone, llamada "Hello Joe". Durante la presentación en vivo, en el programa "Live By Request", Deborah Harry (voz) dijo lo siguiente antes de comenzar con la canción: "La próxima canción es para un viejo y buen amigo. Joey.".[cita requerida]
- Psicoterapia, banda peruana de punk rock, versiona sus temas al español y emula su vestir.
- El grupo brasileño de Trashcore Ratos de Porao grabó la canción "Commando" en su disco "Anarkophobia" 1990.
- Tre Cool, baterista de Green Day, le puso Ramona a su hija en honor a la banda.
- En 1999 en la comedia "Idle Hands", ("El Diablo Metió La Mano") aparece el grupo The Offspring versionando el tema "I Wanna Be Sedated".
- El grupo asturiano Mala Reputación ha versionado y traducido en 2005 "I Wanna Be Sedated" al asturiano/español.
- El grupo The Adicts interpreta "I wanna be sedated".
- La banda chilena Fiskales Ad-Hok interpretó varios covers de Ramones a lo largo de su historia. Entre ellos se cuentan "Pet Semetary", (en sus conciertos) "Commando" (en el disco tributo sudamericano "Tocando Ramones") y también "I Don´t Care". (Interpretado en el programa "Raras tocatas" de la radio Rock & Pop)
- La banda chilena Los Bunkers también homenajea a la banda en el mismo programa con el tema "I Wanna Be Sedated".
- El disco tributo "Todos Somos Ramones", grabado en Argentina, es el único homenaje en el que participan todos los integrantes del grupo.
- El grupo alemán de techno-metal Rammstein incluye el cover "Pet Semetary", en su single "Ich Will".
- En los 00:37 segundos del vídeo "Original Fire", de la banda Audioslave, aparece una foto de Joey Ramone con otros grandes personajes.
- La banda argentina Intoxicados versionó "The kkk took my baby away" en un festival.[cita requerida]
- La banda de Mendoza (Argentina), Yo, Ramón versiona sus temas y emula su vestir.
- El bajista y guitarrista de la banda Libustrin (Dario Ricordi y Emilio Sampaolesi) solían usar las típicas sudaderas de Ramones en sus recitales. Dario Ricordi sigue haciendolo en el 2007 en los recitales que da con su nueva banda, Pigwalk. Emilio Sampaolesi se retiró a Italia donde sigue su vida lejos de las bandas, pero siempre cerca de la música.
- En el videoclip de la canción "NO lo aceptaremox", de la banda chilena Los Mox, el cantante lleva puesto un gorro de Ramones.
- Los Petersellers compusieron un tema denominado "Homenaje a los Ramones", que mezcla oportunamente la música de "La Ramona pechugona" y "Blitzkrieg Bop".
- La banda de metal Metallica ha interpretado en sencillos sus versiones de "Today Your Love, Tomorrow the World" y "Commando", además de "53rd & 3rd" de "We're a happy family".
- La banda de indie rock de New York The Strokes incluyó una versión de la canción "Life's a gas" en su single "Heart in a cage" como lado B, y la han interpretado en varias ocasiones, inclusive el Hammersmith Apollo.
- La banda Yo la Tengo ha realizado versiones de Blitzkrieg Bop y Sheena is a Punk Rocker
- La banda uruguaya Trotsky Vengarán interpretaba covers de The Ramones en sus comienzos. Durante una gira, el guitarrista Hugo Díaz utilizó una guitarra idéntica a la de Johnny.
- también se encuentra la banda ramomex que versiona las canciones de ramones al español fijando su atuendo y su estilo de musica
- El grupo español Fangoria incluyó su versión de "Here today, gone tomorrow" en su disco "Arquitectura efímera".
- La banda española Reincidentes incluyó una versión en directo de "Sheena is a punk rocker" en su álbum Algazara. Esta versión es incluída en el repertorio de sus actuaciones en vivo.
- La banda española Airbag menciona al grupo en su cancion Martha no es una punk, y, al principo de la canción, se escucha el clásico grito "One, Two, Three, Four".
- La letra de la cancion "Punkirock" de la banda chilena Tronic dice "Un saludo para Joey, Johnny, Tommy y Dee Dee".
- La banda española Insanity Wave realizó una versión punk-rocker del tema "The KKK took my baby away" para las "sesiones salvajes" del programa de radio "Diario Pop" de Jesús Ordovas (Radio 3). Este tema fue posteriormente incluído en su álbum 3x33.
- La cancion "Hace lo ke kerai" de la banda chilena Fuck Dog menciona a la banda de Queens.
- El tema "La marcha del tio Sam", de la banda boliviana Sin Futuro, contiene un homenaje. Esta banda, además, versiona temas del cuarteto de Queens en sus recitales.
- El grupo argentino Pier, que poco y nada tiene que ver con el punk rock en su estilo, grabó su versión de la canción "I just want to have something to do" en su disco "Gladiadores del Rock", de 2004.
- La banda oaxaqueña Sioux interpreta "Blitzkrieg Bop" como tributo.
- En 2001, el grupo granadino P.P.M. grabó una revisión de It's Alive íntegramente en directo en los Pig Studios, respetando totalmente tanto el orden de los temas del disco original como los comentarios realizados por Joey Ramone entre canción y canción.
- Silvia Superstar (del grupo Killer Barbies) canta junto a Los Acusicas una version de la canción 7-11. Su grupo, además, grabó la cancion "Have some fun (To Joey)", y en sus recitales, tocan versiones de temas de Ramones.
- El músico argentino Rubin grabó una versión acústica, traducida y "argentinizada" de "The KKK took my baby away", titulada "La triple A se llevó a mi mujer".[4]
- La banda peruana Leuzemia tuvo gran influencia de Ramones en sus primeros discos.
- El grupo israelí Mamashkanta, de rock en español, hace en vivo una versión de "Blitzkrieg bop" al final de su canción "Las Chicas"
- La banda vasca Birracel realizó la versión de "Beat On The Breat" en su disco "Reflejo de una sociedad alcohólica" (2006) poniendola como bonutrack bajo el nombre de "Dale al niñato".

Influencias y homenajes extramusicales

The Ramones han tenido una gran influencia, principalmente en los músicos de hoy en día, pero también en otras áreas, como la ciencia y el ocio:

- En 1997 cuatro especies de trilobite fueron bautizadas con los nombres de los miembros de la banda: Mackenziurus johnnyi, Mackenziurus joeyi, Mackenziurus deedeei, y Mackenziurus ceejayi[5]
- Tras la muerte de Joey Ramone, se bautizó a la calle ubicada detrás del CBGB, en New York, como Joey Ramone's Place.[cita requerida]
- En el videojuego de Rockstar basado en la novela y película de culto llamada The Warriors; se dan los nombres de los integrantes de la banda llamada "Rogues" cuya alineación cuenta, además de Luther, con Dee Dee, Tommy, Johnny y Joey.
- En el programa El Show del EDO (Via X) (Chile) el animador del programa Eduardo Bertran llevaba puesta la camiseta del primer CD de los Ramones.
- En el programa SCA (Via X, Chile) se ha visto a Sergio Freire y a Diana García con poleras de los Ramones.
- El tema "Blitzkrieg Bop" se encuentra como uno de los tracks del videojuego Tony Hawk's Pro Skater 3 y en el vídeo 411VM de Tony Hawk que contiene el mismo juego. [6]
- También el tema "Rock 'N' Roll High School" aparece como track de la saga de videojuegos Tony Hawk's Underground 2.
- Las cucarachas de Oggy y las cucarachas se llaman como 3 integrantes de la banda: Joey, Marky y Dee Dee.
- Durante la salida del disco Acid Eaters, en el show Space Ghost Coast to Coast, (El Fantasma del Espacio de Costa a Costa) entrevistan a Bobcat Goldtwaith & The Ramones donde Zorak canta la canción Blitzkrieg Bop y con Moltar se colocan como apellido Ramone.[7]
- En el programa de MTV, Jackass, el actor Johnny Knoxville ocupa una polera donde sale el Logo de The Ramones, También en algunas temporadas se tocan canciones de The Ramones como "I Wanna be your boyfriend" y en la Película "California Sun". Esta última canción, además, figura en la banda sonora de la segunda película del programa.
- En el programa La Rock & Pop Jaiscul, la base de la canción del programa es la misma que la de "Rock & Roll High School".
- En el juego para Play Station 2, Guitar Hero aparece el tema "I wanna Be Sedated"
- En la película Disturbia lanzada el año 2007, se ve al actor Shia LaBeouf que protagonisa al joven Kale Brecht donde en la película el chico no puede salir de su casa por arresto domiciliario y durante la mayoría de la película aparece con la camiseta de los Ramones

Pagina: http://www.ramones.com/

MC5

MC5 es un grupo de música Hard Rock formado en Detroit en 1964, y activo hasta 1972, conformado casi en su totalidad por Wayne Kramer y Fred "Sonic" Smith (en guitarras), Michael Davis (bajo), Rob Tyner (vocales), y Dennis Thompson (batería).

Tuvieron un comienzo prometedor, conocido especialmente por sus energéticas presentaciones, las que los llevaron a aparecer en la portada de la revista Rolling Stone en 1968, antes incluso de haber grabado su primer disco. La carrera de los MC5 fue corta, debido a tensiones personales y políticas entre sus integrantes, y fueron largamente olvidados cuando se separaron. Dentro de unos años de su disolución, sin embargo, los MC5 fueron citados frecuentemente como unas de las bandas americanas más importantes de Hard Rock de su era, sus tres discos son verdaderos clásicos, y fueron una gran influencia en el Hard Rock, el Metal, y especialmente, el Punk Rock. Kick Out The Jams, es probablemente su canción más conocida y la más interpretada por otros artistas.

Explosivo rock’n’roll, música abrasiva y primaria con distorsión y feedback, cantantes vocingleros y actitud rebelde contra lo establecido son algunos de los semblantes sónicos del sonido Detroit, con los Stooges y MC5 a la cabeza. Su influencia es inmensa, especialmente en el punk, en el pop guitarrero, en el hard rock y en los sonidos garajeros más sucios y viscerales surgidos en décadas posteriores.
Pero esta fuerza sónica no nace así como así. En los mismos se encuentran reflejos de gente como Hendrix, los Who, Stones, Cream, los Troggs o los grandes maestros del rock de los 50, en especial el impetuoso Little Richard.

Los MC5, creados a mediados de los años 60 en Lincoln Park, estaban compuestos por el cantante y armonicista Rob Tyner (nacido Robert Derminer el 12 de diciembre de 1944, el apelativo de Tyner proviene de un homenaje al pianista de jazz McCoy Tyner), los guitarristas Wayne Kramer (nacido el 30 de abril de 1948) y Fred “Sonic” Smith (nacido el 13 de septiembre de 1949), el bajista Michael Davis y el batería Dennis Thompson.
Previamente, cuando todavían estaban pelándola en el instituto, por el grupo habían pasado el bajista Pat Burrows y el batería Bob Gaspar, que pronto abandonarían la banda.

Ya sin espinillas el grupo comenzó a llamar la atención con sus demoledoras actuaciones en vivo en el Grande Ballroom que no pasaron por alto a un tipo espabilado llamado John Sinclair, el de las Panteras Blancas. Viendo el potencial de MC5, y dentro de su proyecto político anticultural y antisistema, se les ofreció como representante. La banda aceptó y poco después ya estaban metidos en los estudios de grabación para publicar en AMG su primer single en 1966, una versión del tema de los Them, tocado también por los Troggs, compuesto por el productor Tommy Scott y Phil Coulter, “I can only give you everything”.
No tuvieron fortuna y el grupo, afincado ahora en Ann Arbor, una localidad a poco más de media hora de Detroit, tuvo que esperar hasta 1968 para que apareciese su segundo single, “Looking at you”, pieza editada en A2.


Su gran momento fue cuando Elektra contrató a la banda para la grabación de un LP, el mítico “Kick out the jams” (1969), disco que recogía sus actuaciones en vivo a finales de octubre de 1968 en el Grande Ballroom.
Imprescindible su escucha, a todo volumen, para aprender lo que es la rabia, fiereza y catársis, música salvaje y excitante que deja en bragas a cualquier mindundi o mindundis actuales o pretéritos que se piensan que el rock ha comenzado hace dos días cuando lleva bastantes años en la UVI y financiado por multinacionales.
Torbellinos sónicos, guitarras estruendosas, baterías retumbantes, voces catárticas…un auténtico festín de devastador rock en temas como “Ramblin’ Rose”, “Kick out the jams” (número 82 en el Billboard) o “I want you right now”, tema en el cual se aprecian sus ascendencias de Troggs y Hendrix.
El LP (número 30 en los Estados Unidos) estaba producido por Bruce Botnik, conocido técnico colaborador de gente como los Doors, Love o los Beach Boys.



El contenido del disco resultaba demasiado airado para los ejecutivos de Elektra y MC5 no volvió a grabar en el mentado sello. Por otro lado el grupo rompió relaciones con John Sinclair, a quien habían enchironado por andar liadillo, al igual que los componentes del grupo, con drogas.
Poco tiempo después se fueron con los instrumentos a Atlantic y grabaron su segundo LP y primer disco en estudio, “Back in the USA” (1970), fenomenal álbum (número 137) con un sonido más límpido en el cual ya tocaba el teclista Pete Kelly. Producido por Jon Landau (futuro productor de los discos más conocidos de Bruce Springsteen), contenía una versión de Little Richard, el clásico “Tutti frutti” y otra de Chuck Berry, “Back in the USA”. De cosecha propia aparecían temas como “Teenage lust”, “Shakin’ Street”, “Tonight”, “High School” o “The American Ruse”.

En Atlantic los MC5 volverían a editar su tercer trabajo, “High Time” (1971), un disco con cortes como “Sister Anne”, “Baby won’t ya” o “Poison” que fue producido por Geoffrey Haslam, el productor del “Loaded” de la Velvet Underground.
El disco no obtuvo los resultados comerciales esperados y el grupo, con tensiones internas, dejó de existir. El alto consumo de drogas tampoco servía para cohesionar el conjunto.

Su vocalista, Rob Tyner crearía a mediados de la década de los 70 varios grupos, como Fireworks o la Rob Tyner Band. Fallecería de un infarto el 18 de septiembre de 1991. Por su parte Wayne Kramer tocaría con muchos nombres del rock, como Johnny Thunders, Mitch Ryder, G. G. Allin y debutaría como solista con “Death Tongue” (1991). Más tarde llegarían “The hard stuff” (1995) o “Dangerous madness” (1996).


La guitarra gemela de Kramer, Fred “Sonic” Smith se casó en 1980 con Patti Smith. Previamente lo había intentado con Ascension, grupo formado junto a Davis y Thompson, y la Sonic’s Rendezvous Band, que contaban en sus filas nada más y nada menos que con Scott Morgan, Scott Asheton y Gary Rasmussen. Sonic murió de un ataque al corazón el 4 de noviembre de 1994.
Michael Davis pasó por el citado Ascension y más tarde tocó en Destroy All Monsters mientras que Dennis Thompson acabó integrándose en New Order, pero no los New Order británicos, lo que ya sería raro, sino los New Order de Ron Asheton (Stooges), trabajando también como productor e ingeniero de sonido para diversos artistas.

Pagina: http://www.johnsinclair.us/

Fleetwood Mac

Fleetwood Mac, es una de las bandas de blues y rock más influyentes y comercialmente más exitosas que hayan existido, la cual ha sufrido constantemente cambios en su alineación y han sido variadas sus etapas exitosas. Creado a finales de los años 60 cambió su estilo de un blues tradicional, a rock y finalmente pop. Sus períodos más exitosos fueron en sus inicios, cuando entre sus fundadores figuraba Peter Green, y en los últimos años de la década de los setenta, cuando la voz de Stevie Nicks y las canciones de Lindsey Buckingham tuvieron mucho éxito.

Creada en 1967, en Londres por Peter Green (guitarra), Jeremy Spencer (guitarra), John McVie (bajo), Mick Fleetwood (batería), la banda inició su carrera interpretando blues durante un período de renacimiento que tuvo el estilo. Peter Green fue antes miembro de la legendaria banda de John Mayall donde también tocó John McVie. Publicaron los discos Peter Green's Fleetwood Mac, Mr. Wonderfull, English Rose y Pious Birds of Good Omen (álbum recopilatorio) y algunos de sus sencillos, como Black Magic Woman y la instrumental Albatross, estuvieron en los primeros puestos de las listas en Inglaterra.

En 1970 Jeremy Spencer deja la banda, se incorpora Danny Kirwan (guitarra) y publican Then Play On, un álbum experimental que los aleja del blues y los acerca al rock. Será el último trabajo de Green con el grupo y será también un momento de crisis para él y el resto de la banda.

En 1970 se incorporarán Christine McVie (voz y teclados), esposa de John, y el guitarrista estadounidense Bob Welch. Publican con esta formación dos discos: Kiln House y Future Games. Ya alejados completamente del blues, siguen la experimentación y un acercamiento a un sonido más estadounidense, más cercano al country. Estos discos son mucho menos exitosos, quizás por lo lejos que están del gusto del público inglés y lo desconocidos que son para los estadounidenses.

Cuando en 1971 Kirwan deja la banda, por problemas personales, empiezan un período de crisis que durará desde 1972 hasta 1975, en el cual publican discos con diferentes estilos y tendencias: Bare Trees (dark, lleno de melodías y letras oscuras), Mystery To Me (ligero), Penguin y Heroes Are Hard to Find (difíciles de class). Para 1974, solo permanecían en el grupo Mick Fleetwood, Christine y John McVie.

No obstante lo anterior, Fleetwood escucharía un disco homónimo de un dueto llamado Buckinham Nicks (1974), que lo animaría a invitar a la pareja sentimental conformada por Stephanie Stevie Nicks (voz) y Lindsey Buckingham (guitarra) a unirse a la banda. Esta nueva alineación propiciaría uno de los segundos actos del rock más impresionantes y exitosos de toda la historia del rock. Con un estilo soft rock cercano al country, grabarían con Reprise Records el album Fleetwood Mac (1975) que los metería de lleno en la cima de las listas de popularidad norteamericanas y británicas, con sencillos como Rhiannon, Say you love me y Over my head, gracias a que Buckingham pulió y mejoró las composiciones de los miembros restantes de la banda. Con esta placa venderían más de cinco millones de copias a nivel internacional.

El éxito obtenido por este álbum los llevaría a firmar con la matriz de Reprise, Warner Bros. Records para la producción de su siguiente álbum, el cual esperaban lanzar en 1976. Sin embargo, por los conflictos internos ocasionados por la separación de Christine y John McVie y la ruptura sentimental entre Buckingham y Nicks, pronto se especuló entre los medios que la banda podría desintegrarse, llegando incluso a decirse que Nicks practicaba la brujería. Sin embargo, en un hecho inusual en la escena del rock, los miembros de la banda se mantuvieron unidos artísticamente, y para acallar las noticias de su supuesta desaparición, nombraron a su disco Rumours (1977), el cual se convirtió a la postre en uno de los álbumes más exitosos en la historia de la música moderna, al vender más de treinta millones de copias, hasta 2003, aparecer en las carteleras de los más escuchados en varias ocasiones y fue disco de oro y plata en varios países, brindando con la canción Dreams el único sencillo N° 1 de la banda en las listas del Billboard. Rumours, junto a The Dark Side of the Moon de Pink Floyd, es uno de los discos más vendidos.

Posteriormente, mantendrían el éxito comercial y artístico con el álbum Tusk (1979), del cual se desprenderían éxitos como Sara, Tusk y Over my head, aunque no repetirían lo logrado con Rumours. La gira promocional de Tusk sería reflejada en la placa doble Fleetwood Mac Live (1980, la cual contendría las canciones inéditas Fireflies y Farmer's Daughters.

Pasarían dos años para lanzar el álbum Mirage (1982). En 1982, luego de una gira mundial, Fleetwood Mac pasa por otra crisis, se separan temporalmente y cada integrante produce discos en solitario, siendo Stevie Nicks la más popular.

Pagina: http://www.fleetwoodmac.com/

The Alan Parsons Project

The Alan Parsons Project es un grupo británico de pop-rock (aunque también hay quien lo clasifica como rock progresivo) formado en 1975. Estaba liderado por Alan Parsons, Eric Woolfson y en él participaron varias alineaciones de músicos, así como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell.

Cada uno aportaba su granito de arena al grupo: Alan Parsons como productor, ingeniero y compositor; Eric Woolfson como productor ejecutivo, compositor y vocalista; y Andrew Powell como orquestador y arreglista. Además se rodearon de una serie de músicos y vocalistas para cada uno de sus proyectos entre los que se encontraban como músicos Ian Bairnson, David Paton o Stuart Elliot y como vocalistas el propio Eric Woolfson, Lenny Zakatek, John Miles, Chris Rainbow o Colin Blunstone entre muchos otros.

Lanzaron varios discos con un gran cuidado en la producción y creatividad como: Tales Of Mystery And Imagination, I robot, The Turn Of A Friendly Card o Eye In The Sky; y donde se destacan temas como: "Don't Let It Show", "The Turn of a Friendly Card", "Silence & I" u "Old And Wise".

A finales de los 80, Eric Woolfson abandonó el grupo para dedicarse a componer para musicales de teatro, sin embargo volvieron a reunirse momentáneamente con el breve proyecto Freudiana. Alan Parsons ha seguido creando nuevos temas pero firmando con su nombre (sin el Project), debido a problemas con la parte de los derechos que mantenía Woolfson sobre el nombre del grupo. Actualmente en sus giras vuelve a rescatar el nombre original, con permiso de Eric, denominándose Alan Parsons Live Project.

En los años 2004-2005, Alan Parsons Live Project hizo una gira mundial para dar a conocer sus últimos proyectos y recordar los éxitos de siempre, consiguiendo el "lleno" allá donde iba.

Pagina: http://www.alanparsonsmusic.com/

Roberto Pettinato

Roberto Pettinato (n. Buenos Aires, 15 de diciembre de 1955) es un conocido músico, humorista, libretista, periodista, conductor de radio y televisión de Argentina.

Su principal característica es el humor mordaz, la ironía, el extravagante peinado y una vestimenta original. Pero tal vez lo más aceptado por el público es su desenfreno, y esa cualidad de reírse de sí mismo, desencartonando el formato de los tradicionales conductores de radio y televisión.

Ascendencia

Nació en Buenos Aires el 15 de diciembre de 1955; madre Clara Anderson de Fyhn (1926-†23 de mayo de 2006; ardorosa admiradora de Eva Perón, Clara se casó con Roberto Pettinato, creador de la Escuela Penitenciaria de la Nación y funcionario del 1er. y 2º gobierno de Juan Domingo Perón. Cuando estalló la autodenominada Revolución Libertadora en 1955, el matrimonio debió refugiarse en la embajada de Ecuador en Buenos Aires, donde nace Roberto hijo, para luego recalar en Perú, lugar de exilio. De las coronas recibidas por la triste noticia del fallecimiento de la mamá de Roberto Pettinato, se destacan la de la Escuela Penitenciaria de la Nación y la del juez de la corte Eugenio Zaffaroni).

Biografía

Después de ser el saxofonista de Sumo, Roberto Pettinato multiplicó sus actividades. Por un lado, integró distintos proyectos musicales, como Los Maxilares de Perón o Pachuco Cadáver. Además, incursionó en el periodismo gráfico, especializado en música.

Más adelante se consolidó como conductor televisivo, con algunos éxitos y fracasos. "Orsai de medianoche" (Canal 13) tuvo excelentes ratings, acompañado por Gonzalo Bonadeo. Luego llegaron "Duro de acostar", "Listos ya", "Petti en vivo", "Un aplauso para el asador" e "Indomables".

A fines del 2000 editó su primer álbum solista, "El yo saturado".

Acompañado por un trío selecto como Ricardo Nolé en el piano, Alejandro Herrera en el contrabajo y Oscar Giunta en batería, editó "Música anticomercial" en el 2003, paralelamente a varias presentaciones de free jazz en pequeños reductos.

Se inició en el espectáculo como cronista de la revista musical El Expreso Imaginario. Sus destacadas notas le valieron el respeto de Luca Prodan, el líder de la banda Sumo. La excelente relación mantenida entre ambos posibilitó su inserción en la tercera formación del grupo en el año 1982. Petinatto se unió como saxofonista hasta la disolución de la banda, en enero de 1988, luego de la muerte de Prodan. El prestigio ganado le permitió integrar otros proyectos musicales, como Los Maxilares de Perón y Pachuco Cadáver. A mediados de la decada del 80 conduce un programa de TV "Estación Musical" en la emisora ATC, relacionado con el ambiente musical. Continuó ligado a la música por un tiempo más, hasta que Gerardo Sofovich le abrió las puertas de la televisión.

Sobre el particular, a comienzos de los noventa fue invitado por Sofovich para unirse a la conducción del programa La Noche del Domingo por Canal 9. Fue su primer intervención como conductor de TV con público en vivo.

En 1993 se trasladó a Canal 13 para conducir su propio programa Mirá quien canta, un musical íntegramente grabado en exteriores. Tres años después formó parte de 360 todo para ver, un magazine de espectáculos, en donde también participaban el modelo y conductor Horacio Cabak y el periodista deportivo Gonzalo Bonadeo. De la amistad con este último se gestó su primer éxito televisivo.

En 1997 se lo pudo ver en Duro de Acostar. Entre 1996 y 1998 revolucionó las medianoches argentinas, conduciendo Orsai a Medianoche. El programa que se emitía por TyC Sports mezclaba las notas deportivas, a cargo de Bonadeo, con las secciones de humor de Petinatto y Gillespie. Su acidez, la frescura de los comentarios, y la interpretación de "El Gato de Verdaguer", una marioneta creada en homenaje a uno de los humoristas más destacados de todos los tiempos, Juan Verdaguer, le valieron el reconocimiento del público.

Posteriormente incursionó en varios programas. Un aplauso para el asador por Canal 13 junto a Diego Pérez, Listos ya y Duro de acostar por Telefé, Todos al diván con Elizabeth Vernaci primero, y con Karina Mazzocco en la segunda parte del ciclo, en la conducción, y Petti en vivo por Canal 9 en ese momento denominado Azul TV.

El retorno al 13 se produce con su participación en el programa Primicias de Adrián Suar. El éxito y el recuerdo del suceso alcanzado junto a Bonadeo permitió el regreso de Orsai, la leyenda continúa por la misma señal de cable TyC Sports.

En 2002 fue convocado para conducir Indomables, un magazine de espectáculos, chimentos y humor, emitido por América TV. La animación le permitió ganarse su primer Premio Martín Fierro. Sin embargo, en el año 2005, cuando Indomables atravesaba su mejor momento, el programa finalizó abruptamente sus emisiones por decisión de la productora PPT, al censurar las autoridades del canal otro de los ciclos de la productora, llamado TVR (Television Registrada). Inmediatamente fue tentado por Adrián Suar para retornar a Canal 13. Ese mismo año el programa, con nuevo nombre (Duro de domar) fue relanzado. En el 2003 también condujo Que parezca un accidente, un noticiero de actualidad emitido por el canal TN.

En la actualidad luego de separarse de Gabriela Blondeau, se casò con Karina El Azem . Conduce Duro de domar en televisión, y El show de la noticia por FM100, éste último trabajo le valió el otorgamiento de un premio "Martín Fierro" a su labor como conductor en dicho programa. Está considerado uno de los conductores más prestigiosos de la televisión argentina, además del reconocimiento y del cariño que supo ganarse, tanto por parte del público como de sus colegas. También, Pettinato dirige la revista "La Mano", en la que escriben talentosísimos periodistas de Rock como Alfredo Rosso, Pipo Lernoud y Marcelo Fernández Bitar.

Condujo la entrega de los Premios Gardel en 2005, y los Premios Clarín Espectáculos en enero y nuevamente en diciembre de 2006, junto a la periodista y conductora Maria Laura Santillán.