The Clash

The Clash fue una banda británica de punk rock que estuvo activa entre 1976 y 1986. El grupo fue uno de los más importantes e icónicos de la primera ola del punk originada a fines de los años '70 y, a diferencia de la mayoría de las bandas punk que se caracterizaban por su simplicidad musical, incorporó reggae, rock, rockabilly, ska, jazz y dub entre otros variados estilos en su repertorio.

Sumado a esto, The Clash exhibió una intencionalidad política en sus letras que con el tiempo se convertiría en su característica distintiva fundamental. El idealismo expresado en las composiciones de Joe Strummer y Mick Jones contrastó con el nihilismo de los Sex Pistols y la sencillez de Ramones, las otras bandas emblemas del punk en la época.[1] [2] Aunque su éxito en el Reino Unido fue inmediato, la banda no se ganó al público estadounidense hasta los años '80.[3]

Su tercer álbum, London Calling (publicado en 1979), es considerado uno de los mejores discos de la historia de la música. De hecho, la revista Rolling Stone lo calificó como el mejor de los años 1980[4] y como el octavo mejor de la historia en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, donde también figuran otros dos discos del grupo, The Clash y Sandinista!, en las posiciones #77 y #404 respectivamente.[5]

Algunos de sus temas más reconocidos fueron "White Riot", "Tommy Gun", "London Calling", "Train in Vain", "(White Man) In Hammersmith Palais", "The Guns of Brixton", "Complete Control", "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go". Esta última canción fue un gran éxito 6 años después de la disolución del grupo debido a su uso en una campaña publicitaria de Levi's.

En 2003 fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock situado en Ohio, Estados Unidos.[1] Un año más tarde, Rolling Stone los incluyó en la posición # 30 de "The Immortals".[6]

A lo largo del tiempo, se ha asentado entre los fanáticos y los críticos el apodo atribuido en una ocasión por su discográfica CBS Records, "the only band that matters" (en español "la única banda que importa") para referírseles. La aplicación del mismo refiere a que el grupo nunca se desvió de sus ideales ni de sus costumbres por buscar beneficios personales.[2] [7] [3]

Historia

1976 - 1978: Formación y primeros éxitos en el Reino Unido

La banda tuvo sus inicios en la calle Ladbroke Grove, en el oeste de Londres, en 1976, durante los inicios del punk británico. Estaba originalmente formada por Joe Strummer (voz), Mick Jones (guitarra y coros), Paul Simonon (bajo), Keith Levene (guitarra) y Terry Chimes (batería), acreditado en su primer álbum como "Tory Crimes" presuntamente por el descontento de los otros miembros con sus ideas políticas[8] (en español "crimes" quiere decir crímenes, mientras que Tory es una palabra en inglés británico para definir a un conservador).[9]

Mick Jones, Paul Simonon y Terry Chimes en principio habían formado parte del grupo London SS y Joe Strummer había participado desde mayo de 1974 en el grupo The 101'ers. Gracias al consejo del mánager de la banda, Bernie Rhodes, los tres primeros reclutaron a Strummer luego de verlo con su grupo en una presentación en vivo diciéndole en palabras textuales: "eres bueno, pero tu grupo es una mierda".[10] Levene nunca llegó a grabar con la banda ya que dejó el grupo, antes del lanzamiento del primer disco y, más adelante, se convirtió en miembro de Public Image Ltd., liderado por John Lydon, ex vocalista de los Sex Pistols. Jones reconoció años más tarde que fue expulsado del grupo por no asistir a los ensayos. El nombre "The Clash" (en español: "el conflicto")[11] fue sugerido por Simonon luego de haber leído la palabra en reiteradas ocasiones en un mismo periódico.[1]

El 4 de julio de 1976, The Clash tocó por primera vez actuando como soporte de los Sex Pistols en un recital en Sheffield donde la banda interpretó los temas "Janie Jones", "London's Burning" y "1977", mostrando un estilo punk puro con una diversidad musical casi nula. Luego del recital, la revista NME publicó una frase que con el tiempo se haría famosa:[12]

The Clash are the kind of garage band who should speedily be returned to their garage, preferably with the door locked and the motor running (en español: The Clash es la típica banda de garage (cochera) que debería rápidamente regresar a su garage, preferiblemente con la puerta cerrada y el motor prendido)
Charles Shaar Murray

Luego, en el otoño europeo de ese año, el grupo firmó por un total aproximado de £ 100.000 con la discográfica CBS Records,[13] una de las más prestigiosas por ese entonces, generando el descontento entre algunos fanáticos y derivando en otra recordada frase:[8]

Punk died the day The Clash signed to CBS (en español: el punk murió el día que The Clash firmó con CBS)
Mark Perry

En noviembre de ese mismo año Chimes decidió dejar el grupo, no obstante, volvería temporalmente unos meses más tarde para grabar el primer álbum de la banda. En diciembre de ese año, y con Rob Harper reemplazando a Chimes en la batería, The Clash se unió a Sex Pistols y The Damned para el desastroso Anarchy Tour que fue cancelado tras solo siete conciertos.

Ya en 1977, el grupo lanzó su primer sencillo, "White Riot", en marzo y un mes más tarde salió al mercado el primer LP homónimo, The Clash, caracterizado por una crudeza musical y letras políticas, sociales y agresivas. El álbum alcanzó un éxito considerable en el Reino Unido, pero Epic Records, la discográfica responsable de la banda en los Estados Unidos, no lo publicó en primera instancia en el mercado americano ya que lo consideraba demasiado crudo y rudo.[1] [14] Recién dos años más tarde, y luego de que el disco se convirtiera en el más importado de la historia de los Estados Unidos,[3] se emitió una versión modificada del mismo para dichas tierras llamada habitualmente The Clash US.

Después del primer disco, Terry Chimes dejó definitivamente el grupo por diferencias personales con el resto de los integrantes, iniciándose así un proceso de búsqueda de baterista que acabó con la incorporación de Topper Headon. Años más tarde, Headon admitió que se había unido al grupo buscando reputación para luego encontrar una banda más prestigiosa donde tocar pero con el tiempo, y al ver el progreso musical de The Clash, decidió quedarse definitivamente.[15]

Finalmente, en mayo de ese año el grupo emprendió su primer gira mundial, junto a Buzzcocks y The Jam, a la que llamaron White Riot Tour y que incluyó recitales en Inglaterra, Irlanda, Suecia, Francia y Alemania.

Durante la gira y la grabación de su primer álbum The Clash comenzó a formarse una imagen conflictiva siendo arrestados sus miembros por vandalismos[16] y por dispararle a los gorriones que se posaban en su sala de ensayos con rifles de aire comprimido (la canción "Guns on the Roof" de su segundo álbum trata el tema en cuestión).

1978 - 1982: Éxito internacional

El segundo álbum de la banda, Give 'Em Enough Rope, fue producido por Sandy Pearlman y contó por primera vez con la participación de Headon en todos los temas. Tras ver al baterista en acción, el productor quedó sorprendido por su perfección tempística y lo apodó The Human Drum Machine (en español: La caja de ritmos humana). El disco se emitió para el Reino Unido en 1978 y, a pesar de recibir críticas negativas por parte de los expertos, tuvo éxito con el público británico.

Give 'Em Enough Rope fue el primer trabajo oficial de The Clash en salir a la venta para los Estados Unidos, por lo cual la banda emprendió su primer gira por tierras norteamericanas para promocionarlo a comienzos de 1979. Más tarde ese mismo año se emitió la versión alterada de su primer álbum, The Clash US, mencionada previamente.

Su tercer álbum, London Calling, un disco doble vendido al precio de uno por la insistencia de la banda, fue emitido también en 1979 y marcó el punto de mayor éxito crítico y de inflexión comercial en los Estados Unidos del grupo. Inicialmente, fue visto con recelo por los fanáticos británicos de Clash ya que los discos dobles estaban asociados con el rock progresivo y no con el punk. En London Calling la banda experimentó con una amplia gama de estilos musicales como el rockabilly americano, el reggae jamaiquino y los estilos dub y ska populares en Gran Bretaña.[18] El álbum es considerado por la crítica como uno de los mejores de la historia del rock[19] y fue posicionado octavo por la revista Rolling Stone en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, primero en su lista de los mejores álbumes de los años 1980 y cuarto por la Revista Q en su lista de los 100 mejores álbumes británicos de la historia.[20] El estilo de las letras de la portada de London Calling[21] es un homenaje al primer disco de Elvis Presley mientras que la foto usada muestra a Paul Simonon golpeando contra el piso su defectuoso bajo en un show de Nueva York de ese mismo año. Según Simonon, que en un principio no quería que se usara la foto para la tapa del álbum, fue la única vez que rompió un instrumento en el escenario. Irónicamente, el tema más exitoso del disco, "Train in Vain (Stand by Me)" que llegó al #23 en las listas estadounidenses,[1] no había sido incluido en un principio en London Calling ya que la banda tenía pensado emitirlo como flexi disc en la revista NME. Sin embargo, a último momento y por decisión de Mick Jones, fue agregado como pista oculta.

Más tarde, hacia fines de 1980, The Clash lanzó un álbum triple al que llamaron Sandinista!, nombre utilizado para hacer referencia al Frente Sandinista de Liberación Nacional de Nicaragua. Una vez más, los miembros insistieron en que se venda al precio de uno, pagando de sus propios bolsillos la diferencia al resignar parte de sus ganancias.[1]

Sandinista! mostró una variedad de estilos aún más amplia y experimental que London Calling y se encontró con reacciones diversas por parte de los críticos y los seguidores. Durante las sesiones el grupo grabó cada idea que tuvieran en su momento, alejándose del punk y recurriendo a la experimentación con el dub ("One More Time"), jazz ("Look Here"), hip hop ("The Magnificent Seven"), música de cámara ("Rebel Waltz") y gospel ("Hitsville UK" y "The Sound of the Sinners").

Al igual que su anterior material, Sandinista! tuvo éxito en el rubro de las ventas, lo cual no es común en álbumes triples.[1] Luego del lanzamiento del disco, The Clash emprendió su primer gira mundial que incluyó shows en lugares tan alejados como el este de Asia y Australia.

Durante estos años, las tensiones y los conflictos dentro de la banda comenzaron a crear rumores de separación, especialmente dada la adicción a la heroína del baterista Topper Headon que lo convertía en una persona poco fiable. Sin embargo, The Clash se las arregló para grabar más y de esta manera emitir su álbum de mayor número de ventas alrededor del mundo, Combat Rock. En dicho álbum se encontraban los exitosos temas "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go", este último el único en llegar al primer puesto en la UK singles chart, aunque nueve años después de su emisión y gracias a su uso en una publicidad.[22]

1982 - 1983: Conflictos y separación

Luego de Combat Rock, The Clash comenzó lentamente a desintegrarse. En primer lugar, se le solicitó a Topper Headon que abandonase la banda poco antes del lanzamiento del álbum. Esta decisión se debió a que el resto de los integrantes sentían que la adicción de Topper a la heroína estaba generando un efecto desastroso tanto en su salud como en su capacidad para tocar la batería.[10] Sin embargo, el mánager de la banda, Bernie Rhodes, ocultó la razón real atribuyendo a "diferencias políticas" el motivo de la salida. El baterista original de The Clash, Terry Chimes, regresó para los próximos meses.

La problemática también se evidenció en el conflicto que surgió entre Jones y Strummer, a pesar de que existe la creencia que Bernie Rhodes fue quien creó la fricción entre ambos para obligar a Jones, a quien consideraba arrogante, a dejar la banda.[10] Durante dichos años, a pesar de continuar haciendo giras y actuar como soporte para The Who en la de 1982, los miembros mantuvieron una relación distante. De hecho, las fechas originales de la gira británica para Combat Rock se cancelaron porque Strummer desapareció poco antes del comienzo de los shows sin previo aviso.

Chimes dejó la banda luego de la gira de Combat Rock realizada durante 1982 y 1983 convencido de que las peleas internas la harían separarse en breve. En 1983, y luego de una larga búsqueda por un nuevo baterista, Pete Howard fue elegido para tocar con el trío. Ese mismo año The Clash tocó en el festival de San Bernardino, California donde fue, junto a David Bowie y Van Halen, una de las bandas principales. Con aproximadamente 500.000 personas presenciando el show dicha presentación en vivo fue, por mucho, la de más concurrencia en la historia de la banda. Sumado a esto, esa fue la última presencia de Jones con The Clash.

En septiembre de 1983 Strummer y Simonon, apoyados por Rhodes, apartaron a Mick Jones del grupo argumentando que se encontraban descontentos por su comportamiento problemático, sus diferentes aspiraciones musicales y su "ceguera por el estrellato".[3]

Luego de una serie de audiciones, la banda anunció que Nick Sheppard y Vince White serían los nuevos guitarristas. Howard continuó siendo el baterista, a pesar de que se especuló que pudieran volver Headon o Chimes para reemplazarlo. En enero de 1984, The Clash comenzó a tocar en vivo nuevamente en una gira autofinanciada para exhibir su nuevo material, a la que llamaron Out of Control Tour.

La gira duró desde el invierno hasta comienzos del verano de ese año. En un show en diciembre anunciaron que a comienzos del año siguiente lanzarían un nuevo álbum.

1983 - 1986: Cut the Crap y el fin de The Clash

Las sesiones de grabación para Cut the Crap fueron caóticas, con Bernie Rhodes y Strummer trabajando separados del resto de los miembros en Munich, Alemania. La mayoría de las partes fueron grabadas por diferentes músicos en sesiones de grabación, mientras que Sheppard y White solo viajaron para llenar algunas partes de guitarra. Luego de luchar con Rhodes por el control de la banda, Strummer declinó su participación en el proyecto regresando a Londres poco después.

Durante este tiempo la banda comenzó una gira de carácter callejero aplicándose reglas estrictas como el llevar poco dinero y un solo cambio de ropa interior cada uno. De esta manera, viajaron por separado o en parejas para juntarse en espacios públicos de diferentes ciudades alrededor del Reino Unido donde interpretaban versiones acústicas de sus temas así como covers de las canciones "Twist and Shout" y "Stepping Stone" entre otras.[10]

Poco después, luego de un show en Atenas, Strummer viajó a España para aclarar sus ideas con respecto al futuro. Al regresar disolvió la banda. Durante su alejamiento, se emitió el primer sencillo de Cut the Crap, "This is England", que tuvo críticas principalmente negativas. La canción, así como el resto del álbum que salió a la venta más tarde durante el año, había sido drásticamente modificada por Rhodes, agregándosele sintetizadores, caja de ritmos y cantos de tribuna a las grabaciones de voz incompletas de Strummer. Otras canciones tocadas en la gira aún no han sido emitidas oficialmente al día de hoy como por ejemplo "Ammunition", "In the Pouring Rain" y "Glue Zombie".

Carreras post-Clash

Joe Strummer

En 1986, Strummer colaboró con su ex compañero Mick Jones en el segundo álbum de su banda Big Audio Dynamite, No. 10 Upping St., co-produciéndolo y co-componiendo siete de los temas. Además, Joe actuó en algunas películas, entre ellas Walker de Alex Cox, Mystery Train de Jim Jarmusch y I Hired a Contract Killer de Aki Kaurismäki. Strummer también colaboró en la composición, producción e interpretación de las bandas sonoras de las películas Sid and Nancy y Grosse Pointe Blank. En 1989, regresó a la escena musical lanzando su primer álbum solista, Earthquake Weather que no tuvo mucho éxito comercial ni crítico. Aún así realizó una gira con una nueva banda de apoyo, The Latino Rockabilly War, y emitió junto a ésta el sencillo "Trash City". En 1991 se unió temporalmente como vocalista a The Pogues luego de la ida de Shane MacGowan para una serie de recitales en Europa.

Finalmente, a fines de los años 1990 Strummer reunió a un grupo de músicos de nivel para formar la banda The Mescaleros. Pronto, el grupo firmó con la discográfica punk californiana Hellcat Records (una filial de Epitaph) y emitió el álbum Rock Art and the X-Ray Style. Más tarde, The Mescaleros lanzó Global a Go-Go en 2001 y realizó una gira mundial para promocionarlo tocando en muchos de sus shows algunos clásicos de The Clash así como el tema "Blitzkrieg Bop" de Ramones en honor al recientemente fallecido Joey Ramone.

El 15 de noviembre de 2002, Joe Strummer & the Mescaleros tocó en un concierto a beneficio para los bomberos voluntarios de Londres en el Acton Town Hall. Durante el show, Mick Jones, que se encontraba entre los espectadores, se unió al grupo para tocar los temas "Bankrobber", "White Riot" y "London’s Burning" reuniéndose así ambos líderes creativos de The Clash en el escenario por primera vez en aproximadamente 19 años. Poco después, el 22 de noviembre, Joe Strummer tocó por última vez en la Liverpool Academy.

En diciembre de 2002, Joe Strummer murió víctima de una falla cardíaca congénita no diagnosticada a los 50 años de edad. El disco en el que estaba trabajando con The Mescaleros, Streetcore, fue emitido póstumo en 2003 recibiendo buenas críticas. Además de la desgracia en sí, la muerte de Strummer fue un duro golpe para los fanáticos de The Clash ya que Jones comentó posteriormente que tras la breve reunión de los miembros para grabar el documental Westway to the World en 1999 habían estado considerando una reunión que para 2001 se veía más que probable.

Mick Jones

Luego de su expulsión de The Clash, Jones formó Big Audio Dynamite, usualmente conocida como B.A.D., en 1984. El álbum debut de la banda, This Is Big Audio Dynamite, fue emitido al año siguiente con la canción "E=MC²" logrando un considerable éxito entre el público británico. El siguiente material del grupo, No. 10 Upping St., marcó el reencuentro de Jones con Strummer. Luego de tres discos más, Jones cambió la alineación y renombró la banda a Big Audio Dynamite II en un principio y Big Audio a mediados de los '90s. Jones también produjo los dos álbumes de estudio de The Libertines así como el álbum debut de Babyshambles. Desde 2003 forma parte de Carbon/Silicon junto a su ex compañero en London SS y ex integrante de Generation X Tony James.

Paul Simonon

Tras la separación de The Clash, Simonon formó el grupo Havana 3 A.M. que grabó su primer álbum en Japón en 1991 recibiendo buenas críticas. Tras la muerte del cantante de Havana 3 A.M., Nigel Dixon, Simonon regresó a su primer interés, el arte visual, contribuyendo entre otras cosas con la portade del tercer disco de BAD, Tighten Up Vol. 88. En 2006 el bajista regresó a la actividad musical uniéndose al grupo The Good, the Bad and the Queen formado por el ex Blur y Gorillaz Damon Albarn, el ex The Verve Simon Tong y el ex baterista de Fela Kuti Tony Allen.

Topper Headon

La severa adicción de Headon a la heroína no solo le impidió continuar en la industria musical sino que también lo llevó a ser encontrado culpable de haberle suministrado de la misma a un adicto que murió de sobredosis por su consumo. Como consecuencia, el baterista debió cumplir un año de condena en prisión. Exceptuando el álbum de estilo R&B Waking Up que lanzó en 1986 y el EP Drumming Man, Topper no volvió a aparecer en la escena musical hasta la reunión de los integrantes para grabar el documental de Don Letts Westway to the World donde se disculpó por los efectos negativos que había causado su adicción en las relaciones dentro de la banda. Luego de muchos años luchando contra la droga Topper Headon aparentemente superó su problema definitivamente y volvió a tocar en vivo. De hecho, fue inmediatamente después de uno de sus recitales que se enteró de la muerte de Joe Strummer en 2002.

Otros miembros

Terry Chimes

Artículo principal: Terry Chimes

Chimes tocó en varias bandas luego de su primer y segunda etapa en The Clash. Entre ellas destaca su participación en Black Sabbath y Hanoi Rocks durante algunos años a mediados de los '80s. Eventualmente se retiró del mundo de la música para convertirse en quiropráctico.[23]

Keith Levene

Luego de irse de The Clash, Levene formó Public Image Ltd. con el ex Sex Pistols John Lydon (también conocido como Johnny Rotten). En un principio tocó la guitarra en el grupo pero con el tiempo comenzó a experimentar con el uso de sintetizadores. En 1983 dejó la banda luego de un altercado con Lydon y desde entonces ha trabajado en solitario.

Pete Howard

Howard estuvo en la banda de Fiction Records Eat antes de formar Vent 414 con Miles Hunt en 1996. En 2002 se unió a Queenadreena.

Nick Sheppard

Artículo principal: Nick Sheppard

Entre 1986 y 1989 Sheppard colaboró con Gareth Sager en la banda Head pero sus tres álbumes tuvieron poco éxito comercial. Desde entonces ha estado en diferentes grupos como los australianos Heavy Smokers y New Egyptian Kings.

Vince White

Artículo principal: Vince White

White no tuvo apariciones públicas importantes desde que The Clash se separó hasta que en 2007 salió a la venta su libro Out of Control: The Last Days of The Clash que describe los últimos años de la banda.[24]

Política

Como muchas de las primeras bandas de punk, The Clash protestaba contra la monarquía y la aristocracia. Sin embargo, a diferencias de la mayor parte de éstas, el grupo rechazaba el nihilismo y no profesaba la anarquía, por lo cual fueron duramente criticados por bandas muy influyentes de la escena como Crass y Angelic Upstarts. Por otro lado, encontraron el apoyo de un gran número de movimientos de liberación contemporáneos. Sus ideas políticas fueron expresadas explícitamente desde las letras de sus primeras composiciones como "White Riot", que animaba a los jóvenes de raza blanca a ser tan políticamente activos como sus pares de raza negra, "Career Opportunities", que expresaba el descontento por la falta de alternativas laborales en la Inglaterra recesiva de la época, y "London's Burning", que trataba sobre la complacencia política.[25]

En 1978 en el "Rock contra el racismo" (Rock Against Racism) organizado por la liga Anti-Nazi, Strummer vistió una controversial camiseta con las palabras "Brigadas Rojas" (Brigate Rosse) y la insignia de la Fracción del Ejército Rojo (Rote Armee Fraktion) en el medio. Más tarde admitió que la razón por la cual vistió esa camiseta no fue para apoyar a las organizaciones armadas de izquierda de Alemania e Italia sino que fue para llamar la atención al público sobre la existencia de la banda.

El grupo también apoyó los conciertos de caridad de otros músicos como, por ejemplo, el "Concierto para la gente de Camboya" (Concerts for the People of Kampuchea) de diciembre de 1979, ideado por Paul McCartney.

The Clash ofreció apoyo al Frente Sandinista de Liberación Nacional y otros movimientos socialistas de Latinoamérica, de hecho su álbum de 1980 se llama Sandinista!.[14] Ese mismo álbum es el más politizado de todos los de la banda con las claras críticas al imperialismo de los temas "The Call Up", "Washington Bullets" y "Charlie Don't Surf".[14]

Hacia diciembre de 1979, cuando fue emitido London Calling, la banda intentaba mantener su energía punk característica a la vez que se desarrollaban musicalmente. Además, fueron muy cautelosos de su emergente estrellato ya que siempre se dignaron a recibir a los fanáticos luego de sus recitales y se interesaron por mantener una excelente relación con ellos.

A The Clash se le acredita el haber sido los pioneros en el apoyo a las políticas radicales desde el punk rock diferentes al anarquismo. Además, se les reconoce el nunca haber priorizado el dinero; aún en su pico de popularidad, las entradas a sus conciertos se vendían a precios razonables. Sumado a esto, el grupo le insistió a su discográfica para lograr vender tanto el álbum doble London Calling como el triple Sandinista! al precio de uno lográndolo en el segundo caso en base a perder sus ganancias personales.

Influencia

The Clash ha sido musicalmente, y por su activismo político, influencia central para una gran cantidad de bandas e intérpretes tanto del punk y del rock en general como de otros variados géneros. Entre las más destacadas se encuentran U2 (particularmente Bono que la calificó como "la mejor banda de rock"[26] y The Edge que calificó a sus presentaciones en vivo como "una experiencia que te cambia la vida"),[27] Pearl Jam (particularmente Eddie Vedder[28] y Jeff Ament),[29] Arctic Monkeys,[30] Public Enemy (particularmente Chuck D)[31] y Rage Against the Machine.[32] [33] En 1999 fue emitido el álbum tributo Burning London (que tuvo mayormente críticas negativas)[34] donde No Doubt, Ice Cube, Rancid, Third Eye Blind, Indigo Girls, Moby y Heather Nova, entre otros, versionaron temas del grupo. En 2006 fue lanzado el box set Singles Box que incluyó un extenso cuadernillo donde varios intérpretes musicales, como Steve Jones, Damon Albarn(Blur), Shane MacGowan, Pete Townshend, Carl Barât y Bernard Sumner, u otras figuras reconocidas, como los novelistas Irvine Welsh y Nick Hornby así como el director cinematográfico Danny Boyle, expresaron su admiración por la banda británica.

Pagina: http://www.theclashonline.com/

PJ Harvey

Polly Jean Harvey nació el 9 de octubre de 1969 en Yeovil, Somerset, Inglaterra y es una cantautora inglesa reconocida en el mundo artístico por PJ Harvey .

Carrera

En la explosión de bandas de rock alternativas a principio de la década de los 90, existieron muchas figuras femeninas, cantantes y compositoras, que alcanzaron gran notoriedad. Entre ellas se encontraba PJ (Polly Jean) Harvey, con su rock crudo, directo y visceral. Con sus primeros álbumes demostró ser una de las más influyentes compositoras de canciones de la década noventera, con letras que exploran temáticas como el sexo, el amor, la religión, el humor negro y la sensibilidad en la femeneidad.

Polly Jean se crió en una granja en Yeovil, Inglaterra y a muy temprana edad aprendió a tocar el saxo y la guitarra. En la adolescencia participó en varias agrupaciones hasta 1991, año en que formó su propio grupo, P.J. Harvey, junto al bajista Steve Vaughn y el baterista Robert Ellis. Al poco tiempo, consiguieron un contrato con el sello independiente Too Pure, grabando el single ‘Dress’. El tema obtuvo una buena respuesta dentro del rock indie local y el segundo sencillo, ‘Sheela-Na-Gig’, recibió excelentes críticas de la prensa musical inglesa. Además, PJ, con su actitud agresiva a lo "femme fatale", cambió el concepto tradicional del erotismo femenino delicado y suave.

En 1992, por fin lanzaron su elepé debut, “Dry”, que fue distribuido en Estados Unidos por Island Records. Después de una larga gira, que culminó con su aparición en el Reading Festival, P.J.Harvey se movió a Londres para grabar su segundo disco con el productor Steve Albini (Pixies, Breeders). El nuevo trabajo salió en 1993 con el nombre de “Rid of Me”, con un sonido cercano al noise y al punk en las guitarras, dentro de un rock potente y escrito con mucha furia. “Rid of Me” fue el mayor suceso de críticas, convirtiendo a la banda en una de culto. En el tour ella se vestía con un largo vestido de piel, desarrollando un impactante despliegue teatral. A final de año, publicaron una colección de los demos, “4-Track Demos”, versiones originales de las canciones de la placa anterior.

Después de la gira, Ellis y Vaughn se van de la banda y ella graba su tercer álbum como artista solista, reclutando al productor Flood, al bajista Mick Harvey y los guitarristas John Parish y Joe Gore. La cantante desarrolló un sonido más bluesero con esta banda más grande, lo que resultó en el nuevo disco de 1995, “To Bring You My Love”. El elepé, que fue consignado como una pieza maestra por algunos críticos, tuvo una considerable atención de la prensa y un fuerte apoyo en MTV y en las radios rockeras, con el single, ‘Down By The Water’. El resultado global de este magnífico álbum es algo vital, se acababan los tiempos de una sexualidad tan descarnada y aunque el plano feminista seguía vigente, ahora era tratado con más madurez. A pesar de esto, el elepé fue un hit moderado, llegando al número 40 de los charts norteamericanos. Harvey pasó todo el año 95 en la gira soporte. Durante 1996, estuvo relativamente inactiva, sólo grabando un tema a dúo con Nick Cave en el disco “Murder Ballads” de este último y cantando junto a su socio John Parish en “Dance Hall at Louse Point”. En 1998, Polly Jean volvió a la carga con el álbum, “Is This Desire?”.

“Stories from the City, Stories from the Sea”(2000) fue su vuelta al ruedo musical, con una propuesta con sonidos más "limpios" que en sus inicios, y en una veta más comercial rozando varias veces con el pop, pero nunca dejando de lado la actitud "agresiva" de sus inicios. Prueba de ello son temas como "Big Exit", "This is love" o el sencillo “Good Fortune”, el cual se transformó en uno de los mejores interpretados por Polly Jean. En esta producción la cantautora se toma el gusto de hacer un dueto con el líder de Radiohead, Thom Yorke, en el tema “This Mess We´re in”.

En el 2002 colabora con el líder de Queens of the Stone Age, Josh Homme en las Desert Sessions volume 9&10.

En el 2004 lanza su séptimo disco, que lleva el nombre de "Uh Huh Her”, y que incluye temas bastante íntimos, intensos y apasionados. Este disco sirvió para que PJ por fin pisara tierras sudamericanas dando conciertos de gran calidad y despliegue como ha sido en general la vida artística de Polly Jean Harvey.

En mayo de 2006 aparece en el mercado un registro audiovisual titulado "On Tour - Please Leave Quietly", que muestra partes de lo que fue el último tour mundial realizado en el 2004. También trae comentarios de la misma cantante entre cada tema y una entrevista extra que aborda aspectos de su carrera y los detalles sobre su último disco. En este mismo mes volvió de nuevo a los escenarios (después de un 2005 sin concierto alguno) en un festival de Gales denominado "Electric Picnic" e hizo presagiar lo que podría ser su próximo trabajo con temas inéditos como “The Mountain”, “Bitter Little Bird” y “Ceiling”.

El 23 de octubre de 2006 se editaron las sesiones que Polly Jean grabó entre 1992 y 2004 para el espacio del dj británico John Peel. Se trata de una colección de doce temas que abarcan desde el debut de Harvey en 1992 con "Dry" hasta su séptimo lp en 2004, "Uh Huh Her". Once pertenecen a sesiones con John Peel y uno, "You Come Through", al homenaje que se le tributó en diciembre de 2004.

En noviembre de 2006 vuelve al trabajo de estudio con dos de sus más clásicos colaboradores; Flood y John Parish compartirán espacio en la sala de control. En declaraciones a un medio televisivo americano, Pj Harvey advertía de que serán instrumentos como el piano, el harpa o el autoharp los que dominen la atmósfera de las nuevas canciones. “Las puertas han sido abiertas; ya nunca más habrá limites”, ha dicho.

Pagina: http://www.pjharvey.net/

Sueter

Miguel Zavaleta fundó ese grupo a mediados de 1981. Por entonces la banda se presentaba en pubs con Claudia Puyó, Celsa Mel Gowland y una Fabiana Cantilo recién llegada de Estados Unidos como coristas.

Con la incorporación de Juan del Barrio en teclados y el ingreso de Gustavo Donés en reemplazo de Folino grabaron el primer disco, que pasó desapercibido. Charly García les brindó un gran apoyo al invitarlos como teloneros de su presentación en Ferro de "Yendo de la cama al living", junto a Los Abuelos de la Nada en 1982. Sin embargo, pese a la intensa preparación para la ocasión, fueron rechazados con insultos, silbidos y proyectiles.

Se presentaron en Obras en julio de 1983 y lograron revertir la situación con constantes presentaciones en pubs. Ya para entonces Claudio Loza había reemplazado a Colombres en la batería y también se había alejado Del Barrio.

Para las presentaciones de la nueva placa ("Lluvia de gallinas", 1984) contaban con Fabián Quintiero como tecladista invitado. Ya el éxito del grupo era considerable, sobretodo si se considera la experiencia de Ferro. El grupo vuelve a tener relación directa con Charly García, quien les produce el tercer álbum, "20 caras bonitas" (1985). Si bien no tuvo demasiada repercusión, sobresalió el hit "Vía México". "Misión Ciudadano I" (1987) es un álbum concebido como una obra conceptual que describe la hipotética primera expedición argentina a la Luna.

Posteriormente, Zavaleta inició una carrera solista que no prosperó: grabó dos LPs (uno producido por Pedro Aznar), que aún permanecen inéditos.

En un período de revivals, la banda se reunió para editar el quinto álbum, dedicado a los portadores del Sida. «Volví con el grupo porque no sirvo como solista - confesaría - Lo intenté y creo que no tengo la capacidad suficiente» (No de Página/12, 02/03/95). Para entonces lo acompañaron Diego Chorno (teclados, guitarra y coros), Silvio Furmansky (guitarra), Jorge Alvarez (batería) y Daniel Castro (bajo), luego reemplazado por Laura Gómez Palma.

En agosto del 2003, la banda regresa para una serie de shows, integrada por Miguel Zavaleta (voz y piano), Juan del Barrio (teclados), Jorge Alvarez (batería), Jorge Minissale (guitarra y voces) y Gustavo Donés (bajo y voces).

Formacion:

Daniel Colombres: batería
Edgardo Folino: bajo
Eduardo Rogatti: guitarra
Jorge Minissale: guitarra
Miguel Zavaleta: teclados y voz

Pagina: http://www.sueter.com.ar/

Sheryl Crow

Sheryl Crow, cantante estadounidense nacida el 11 de febrero de 1962 en el estado de Missouri.

Biografía

Sheryl Crow nació el 11 de febrero de 1962 en Kennett, un pueblo de Missouri (EEUU). Era casi inevitable que se dedicara a la música, ya que proviene de una familia de músicos. Su padre Wendell Crow tocaba en bandas de swing y su madre, Bernice, era músico de profesión. Sheryl comenzó a estudiar piano con tan sólo 5 años. Desde muy niña escuchaba música de Christine McVie (Fleetwood Mac), Elton John y Bob Dylan. Influenciada por todos ellos, escribió su primera canción a los 13 años. En la escuela llego a ser 'drum majorette, pero sin dejar sus clases de piano. Cuando llegó a la Universidad de Missouri, se unió a una banda de rock llamada Cashmere. Después de terminar sus estudios, trabajó como profesora de música en una escuela para niños autistas de St. Louis. Desde entonces es defensora de "Save The Music" un programa de enseñanza de Música en las escuelas.

Antes de convertirse en estrella de la música, tuvo que hacer diferentes trabajos como corista cantante de anuncios publicitarios, entre ellos uno muy conocido de la cadena de hamburgueserias McDonalds. Se presentó a muchas audiciones, y su primer trabajo importante como cantante lo consiguió en 1989 cuando Michael Jackson la contrató para que le acompañara en su gira "Bad World Tour", como corista. Después de esa gira cayó en una profunda depresión, de la que tardó mucho tiempo en recuperarse. Durante esos seis meses de enfermedad siguió escribiendo canciones, e incluso algunos de esos temas se los escribió a artistas de la talla de Celine Dion, Wynona Judd o Eric Clapton. Después de esa dura etapa de su vida, Sheryl Crow, volvió al trabajo y colaboró en discos de artistas tan reconocidos como Sting, Stevie Wonder, Foreigner y Rod Stewart.

Cuando una de estas maquetas cayó en manos del productor Hugh Padgham, su vida cambió, por que éste se quedó tan impresionado, que consiguió que la fichará el sello A&M. Firmó su primer contrato discográfico y de esta manera despegó su carrera musical. Su primer álbum lo grabó en 1993, estuvo producido por Bill Bottrell, un productor de Pasadena, y lo tituló "Tuesday Night Music Club". Dentro de ese disco se incluyeron grandes canciones, entre ellas "Leaving Las Vegas". Un tema que formó parte de la banda sonora de la película que llevaba el mismo título y que protagonizaron Elisabeth Shue y Nicholas Cage. Este trabajo, además, le dio premios y reconocimientos tan importantes como tres Grammy: Mejor Cantante Femenina de Pop, y Mejor Artista Revelación. En 1995 y junto al mismo productor, comenzó a trabajar en su segundo álbum "Sheryl Crow". Cuando estaban en la fase previa de la grabación surgieron problemas entre ellos y Bottrell abandonó el proyecto, por lo que Crow decidió seguir adelante ella sola, y de esta manera se convirtió en autora, interprete y productora de su disco. En la entrega de los Grammy de 1997 consiguió dos premios: uno como Mejor Solista Femenina por la canción "If It Makes You Happy", Canción del año por "All I wanna do" que fue el primer single del disco, y otro como Mejor Álbum de Rock.

Un año más tarde, en 1998, publicó su tercer trabajo "The Globe Sessions". En 1999 estuvo nominada a los Grammy por este disco en la categoría de Mejor Álbum de Rock, Productora del Año, Cantante de Rock del Año por la canción "There Goes The Neighborhood", y mejor Cantante Pop por el tema "My Favorite Mistake". Sólo consiguió el de Mejor Álbum de Rock. También en 1999 editó "Sheryl Crow and "Friends": Live In Central Park". Un disco en directo, grabado en el Central Park de Nueva York, en él hizo duetos con Dixie Chicks, Stevie Nicks, Eric Clapton, y Sarah McLachlan, entre otros. una de sus colaboraciones es "C'mon, c'mon" a dúo con The Corrs. Sheryl Crow también ha participado en BSO de películas muy conocidas como "El Mañana Nunca Muere", de la saga James Bond, "Un Papa Genial", "Mensaje en una botella", "I'm Sam" y "Cars" .

Pagina: http://www.sherylcrow.com/

Richter

1999: Nace RICHTER, que realiza sus primeras presentaciones en el circuito rock porteño.

2000: Se presentan en “Volver Rock” donde son elegidos Banda Garage 2000 y participan del programa junto a Illya Kuryaki & The Valderramas, forman parte del compilado “MP3 II”, de la revista PC Users (editado en toda América), y son distinguidos en la revista Pulse! (de la cadena de disquerías Tower Records de distribución en toda Latinoamérica) como una de las bandas argentinas con mayor proyección.

2001: Editan “Epicentro”, su disco debut. Simultáneamente, lanzan el video de “Ciudad Satélite”, realizado por el director Ezequiel Berra que comienza a rotar por las cadenas de música de todo el país. En noviembre presentan álbum y videoclip en el Teatro YMCA con capacidad colmada.

2002/2003: Con mas de 90 impactantes recitales, la “Gira Satélite” se extendió por gran parte del país, con una escala especial en Buenos Aires para el festejo de los primeros 100 shows de la banda. La fiesta, realizada en el C.O.D.O., contó con puesta y ambientación del artista multimedia Charly Borja.

2004: Lanzan “Planetas Planos”, donde temas como “Televidente” y “El Enemigo duerme en casa” se muestran como claros exponentes del sonido Electro-Rock de RICHTER, profundizando la integración entre guitarras distorsionadas y bases electrónicas. La comunicación, los medios y el mensaje constituyen el hilo conceptual del disco, reflejado en la idea de la antena en el arte de tapa. Con un hiperkinético video de “Televidente” y una presentación especial en el programa “Cuál es?” de FM Rock & Pop, comienzan la llamada “Gira Interplanetaria” que los llevó por gran parte del país. En el Suplemento No (Página 12) son destacados como una de las “10 Bandas en Ascenso”.

2005: RICHTER edita en septiembre su tercer álbum, “Danzallamas”, y su primer corte “Casa Fantasma” se difundió en las principales radios y canales de televisión del país (FM Mega 98.3, FM Rock & Pop, MTV, MuchMusic, Canal de la Música, Rock & Pop TV, etc). El sonido del disco demostró una vez mas que la banda es el más claro exponente argentino del Electro-Rock. En noviembre presentaron el nuevo álbum en el Auditorio Bauen con un show destacado por el Suplemento Sí (Clarín) como “El Show” de la semana. Y comenzaron la “Gira Danzallamas” por todo el país que incluyó una explosiva presentación en el Baradero Rock. RICHTER es incluido en el “Diccionario del Rock Argentino” editado por Musimundo.

2006: La banda continúa presentando “Danzallamas” por distintos puntos del país (La Plata, Rosario, Ayacucho, San Nicolás, Burzaco, Mercedes, San Justo, Villa Gesell, Pinamar, Navarro, Maipú, San Clemente, Pila, Brandsen, Avellaneda, Quiroga, Gral. Guido, Alcorta, etc), volviendo en julio a Buenos Aires para un show muy especial: el número 200 de su carrera. Ese mismo mes lanza el video “Te vas a Berlín”, segundo corte de la placa. El clip representa un paso adelante en el concepto visual de RICHTER. “Te vas a Berlín” continúa rotando en las principales radios y canales de televisión de todo el país (FM Mega 98.3, FM Rock & Pop, MTV, MuchMusic, Canal de la Música, Rock & Pop TV, etc). El Suplemento No (Página 12) realiza un auspicioso comentario sobre “Danzallamas”.

2007: RICHTER continúa con la “Gira Danzallamas”, llevando el Electro-Rock a lugares nunca o rara vez alcanzados por artistas del género, como Cañada de Gomez, Ayacucho, Gral. Guido, Bragado, Suipacha, Labardén, Funes, Roldán, Coronel Vidal, San Lorenzo, San Andrés de Giles, etc. La gira y el crecimiento de la banda fueron destacados por el Suplemento Sí (Clarín) en su edición del día 23/02/07. Participan del “Festival 40 años del Rock Argentino” en Roxy (Bs As), siendo el único representante del género Electro-Rock en dicho evento. En el mes de septiembre, “Danzallamas”, es reeditado en México, España y Argentina a través del sello Loshe. La nueva edición cuenta con dos bonus tracks: “Casa Fantasma (Danzafantasma Mix)” y el inédito “Libre de Culpa y Cargo”, con la participación especial de un gran amigo de la banda, Cristian Aldana (El Otro Yo), como cantante invitado. El video de éste último está rotando en los principales canales de Latinoamérica (MTV, Muchmusic, Canal de la Música y Rock & Pop TV de Argentina, MTV y EXA TV de México, MTV Miami, Mucha Música de Colombia, HTV de Ecuador, etc). Participan del Festival Pepsi Music compartiendo la fecha con Café Tacuba, Arbol, y otros, siendo destacados por FM La Mega 98.3 como uno de los shows imperdibles del Festival.

2008: RICHTER comienza el año con una gira por la Costa Atlántica, como es habitual para la banda durante el verano. Actualmente se encuentran registrando y mezclando en los estudios Panda, Orión y Usine Deluxe de Buenos Aires (Argentina) su cuarto disco.

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El Peyote Asesino

El Peyote Asesino fue una banda de rock uruguayo de hip-hop, rap y funk que se formó a mediados de 1994 en Montevideo y debutó el 28 de agosto de ese mismo año en el desaparecido pub "El perro azul". Su estilo combinaba metal, funk duro, hip-hop y rap, lo que era bastante atípico en la escena del rock uruguayo de esa época. La formación original de la banda era L. Mental en la voz, Daniel Benia en bajo, Juan Campodonico en guitarra y una batería digital.

Historia

Ya para su segunda presentación, en Big Bang, el Peyote estaba completo: se sumaron P. P. Canedo en batería y Carlos Casacuberta en voz y guitarra. A esa aparición seguirían otras como el Encuentro de Arte Joven La Movida y varias en el circuito underground montevideano. Un sonido no convencional, letras corrosivas e irreverentes, algunos mexicanismos y guitarras distorsionadas eran parte del cóctel de El Peyote. Cuando se les ha pedido que definan su estilo alguna vez dijeron que hacían "rap blanco". La influencia de los Beastie Boys se notaba.

En noviembre de 1994 presentan un demo en el concurso "Generación 95" auspiciado por "Rock de primera" (suplemento del diario "Ultimas Noticias"), "Control remoto" (programa de rock de Canal 10 TV) y X FM 100.3, siendo declarados ganadores por el jurado del mismo. El premio: horas de estudio para poder grabar un disco. Esto les abrió la posibilidad de realizar su primer álbum, que sería grabado entre los meses de julio a octubre de 1995 en el Estudio del Cordón.

En diciembre de 1995 lanzan su primer CD por el sello Orfeo, "El Peyote Asesino". La producción fue del integrante de Plátano Macho, Gabriel Casacuberta (hermano de Carlos) quien además sirvió de intérprete entre la banda y Luis Restuccia, el ingeniero de sonido. "A veces yo decía ‘quiero que mi voz suene un poquito más podrida’, y de repente a Luis le decía ‘podrida’ y se imaginaba algo que tenía olor feo, pero Gabriel, como había escuchado a los Beastie Boys, actuaba de nexo" cuenta L. Mental.

El disco era fuerte, compacto, y sonaba muy bien a pesar de las limitaciones técnicas con las que fue producido. Temas como L. Mental y Satisfaction (una versión del tema de los Rolling Stones) tuvieron bastante difusión en la radio. En vivo el Peyote convencía todavía más, con recitales duros y prolijos. El lanzamiento del disco intitulado -El Peyote Asesino- fue durante ese mismo mes de diciembre en la disco ENTERPRISE y convocó a cientos de fans, que saltaron toda la noche al grito de "jump".

El disco tuvo muy buena repercusión y llegó a vender más de mil copias, todo un récord para él medio local. Esto lo convertiría en él disco de rock más vendido de Uruguay durante los primeros meses de 1996. Mientras tanto, el grupo multiplicaba sus actividades en vivo, tocando con diversas bandas locales. Poco a poco la banda emergía del underground, que en Uruguay equivale casi al anonimato.

En enero de 1996 El Peyote Asesino fue votado por los lectores de "Rock de primera", con un significativo margen, "Grupo revelación de rock nacional en 1995". La banda realiza su primer video, eligiendo como primer corte el tema "L. Mental", siendo difundido en distintos canales de TV abierta y cable.

En junio, el tema "El peyote asesino" ingresa en la lista de los 10 mejores en X FM llegando al puesto número 1 el 18 de junio, donde se mantiene durante dos semanas.

En agosto se presentan en Buenos Aires, Argentina, en el Centro Cultural Rojas, en el ciclo llamado Molotov, junto a la banda argentina Tintoreros. Quien organizó este ciclo es también uruguayo, radicado en Buenos Aires, Fabián Jara. Fabián se ha encargado de organizar este ciclo en la sala Ricardo Rojas, perteneciente al circuito universitario argentino y que ha llevado anteriormente a Los Buitres Después de La Una. El Peyote no achica su presentación en vivo y se destacan por el generoso despliegue de energía por parte de sus integrantes, atónitos ellos por tener a un publico sentado cómodamente en sus butacas. "Es la primera vez que nos pasa, ya que en Montevideo los espectadores presencian nuestros shows de pie y muchos de ellos haciendo pogo y bailando" dice Charly (Casacuberta), que no inmuta su rostro ni ante su enorme asombro interior.

Mucho de lo que pasó después se lo deben, en parte, a Alfonso Carbone, quien en un paquete de discos de música uruguaya que mandó a Santaolalla incluyó al trabajo del Peyote. El argentino quedó muy impresionado por el sonido de la banda, lo que inició un largo proceso de negociaciones que terminó en un contrato que posibilitó el nuevo disco.

Santaolalla, músico y productor de trayectoria internacional, es dueño junto con Aníbal Kerpel de SurCo. Mediante un contrato con Universal (MCA) ellos identifican a los artistas y los producen. La multinacional financia, manufactura y vende. La primera banda nacida de este joint venture fue Molotov. La segunda es El Peyote.

Originalmente el proyecto iba a ser con la Warner, pero no llegaron a un acuerdo para un gran proyecto regional. La Warner mantuvo su interés en firmar con el Peyote, y le ofreció a la banda grabar con el productor Oscar López, quien trabajó con Serú Girán y otros grupos de los 70. Pero cuando SurCo arregló finalmente con Universal el Peyote acompañó. "Santaolalla para nosotros es una referencia. Está produciendo cosas que están ahora. Creo que es uno de los productores más importantes del rock latino. Con Divididos y Café Tacuba ves que el tipo maneja un espectro bastante amplio. No suenan como los discos solistas de él que tienen charangos y cosas así." comenta L. Mental. El contrato es para grabar cuatro discos en cuatro años. A comienzos de 1997 Peyote Asesino firmó contrato discográfico con Surco-Universal.

En Marzo de 1997 se presentan en el Teatro de Verano de Montevideo, abriendo el show de "Illya Kuriaki and the Valderramas" tocando ante más de tres mil personas. El video LMental comienza a ser difundido en MTV Latino. Y en la presentación en el festival Rock De Acá (abril de 1997), quedó demostrado que era una de las bandas con más hinchada.

En Junio participan en "5 horas de rock" junto a Tercera Piedra, Tintoreros (Argentina), La Vela Puerca, Trotsky Vengarán y Los Buitres.

A partir de allí, El Peyote se mete a grabar demos, ensayar preparando su segundo CD. Tras meses de pre-producción en el estudio del Peyote en Villa Española, en setiembre del 97 partieron hacia Los Angeles, la meca del entretenimiento mundial, previo toque de despedida en Zorba.

Allá todo es distinto. "Cuando grabamos el otro disco teníamos que ver cuándo mierda estaba libre el estudio y ahí nos metíamos. Era una cosa super irregular. Acá estuvimos seis, siete días grabando las bases. Todas esas cosas benefician al producto. Vos escuchás el disco de los Deftones y los Deftones no pidieron cuarenta horas prestadas en un estudio", dice L. Mental. Las bases se grabaron en el estudio Can Am y las voces y guitarras que faltaban se grabaron en el estudio de Santaolalla y Kerpel. Luego se agregaron ruidos, gritos y otros detalles. La mezcla final se hizo otra vez en Can Am. (El disco fue producido por Gustavo Santaolalla junto a Aníbal Kerpel y el ingeniero de grabación fue Tony Peluso)

Terminada la grabación el Peyote se embarcó en una gira que los llevó por buena parte de México junto a bandas como Molotov, Delinquent Habits y Control Machete, lo que significó un gran desafío ya que tocaron para gente que nunca había escuchado nada de ellos. El género se encontraba en plena ebullición por aquellas latitudes y la propuesta de El Peyote fue bien recibida.

El nuevo disco bajo el título "Terraja" fue editado a finales de Agosto de 1998 además de Uruguay, en Argentina, México, Estados Unidos y Puerto Rico. La música de la banda cubre un amplio espectro de géneros e influencias, pasando por el hip-hop, el hardcore, el funk, la música electrónica, el metal y el soul, alcanzando inclusive algunos géneros sudamericanos como el tango, el candombe y la milonga.

De los catorce temas que componen el disco nuevo, tres son del disco anterior. Fueron emprolijados en la remezcla y remasterizados. Lo demás es todo nuevo. El disco es una mezcla de estilos: Cama Biónica, por ejemplo, es un tema hip-hop al mejor estilo Cypress Hill. Guacho sigue esa línea también. "Guacho es un gangsta de barrio montevideano. Es imposible traducir el gangsta porque acá no te van a cagar a balazos. Puede existir en una zona marginal como El Borro, pero no es lo que pasa en tu barrio, como puede ser en Los Angeles." aclara Casacuberta. Hay otros más hardcore como Denso o Criminal. Para L. Mental "este disco suena mucho más orgánico. Incluimos máquinas y samplers, pero a la vez todo es hipertocado. Vos escuchás los temas y el bajo hace pum y la guitarra hace chung. Son tipos tocando". Según Carlos, "es un disco muy nuestro, muy personal. Más que el otro. Eso tiene una fuerza muy grande y se nota. Salió un disco variado. Eso no es bueno ni malo en sí. Hay discos que son variados y están buenos, pero también hay discos uniformes que están bárbaros. Me da la sensación de que en este disco vamos a más lugares."

Presentan su segundo disco en la Factoría (Agraciada y Suárez) y tocan casi todos los fines de semana en el pub Laskina.

En Octubre de 1998 tocan en Argentina con Cipress Hill, Molotov, La Bersuit Vergarabat y Árbol. Las criticas son de lo mejor. Y en ese mismo mes, tocan nuevamente en el Teatro de Verano de Montevideo junto con Molotov y Plátano Macho.

Si les hubieran dicho cuando ensayaban allá por el 94 que un día grabarían un disco en Los Angeles seguramente no lo hubieran creído. "La sensación que tengo es que uno no siempre se da cuenta de lo que está pasando. Pero al final, lo que queda me gusta muchísimo. Hay momentos medio grosos, en que todo el mundo se quiere suicidar o asesinar a alguien. Pero me parece que al final es muy divertido. Hoy me doy cuenta de eso", dice Carlos.

Diversos rumores parecen indicar que la última reunión de los integrantes de la banda como tal, fue al parecer durante el mes de mayo de 1999.

Por esos años, la movida del rap y el hip-hop había crecido, aunque se mantenía un poco sumergida en el underground. Bandas como Fun You Stupid, V.D.S, Critical Zone o Troy McClure eran parte de ese movimiento. Mención aparte merece Plátano Macho quien había conseguido, al igual que El Peyote, reconocimiento de públicos mayores con la edición, de un excelente disco -The Perro Convention- grabado para Polygram.

Este movimiento removedor fue muy saludable para la música uruguaya que de esta forma ampliaba sus horizontes, fusionando estilos y creando cosas nuevas.

Luego de la separación de la banda L. Mental, funda Kato un nuevo proyecto con el cual debutaría en 2000, integrando en la actualidad el colectivo BajoFondo, además de hacer otras colaboraciones como solista bajo el nombre de Santullo.

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Ramiro Musotto

Luego de revelarse con Sudaka, consagrado por la crítica internacional, llega Civilizacao & Barbarye, el nuevo álbum del percusionista y productor Ramiro Musotto.

Pocos artistas han logrado unir la tradición y la modernidad como Ramiro Musotto, percusionista y productor argentino radicado en Brasil hace más de veinte años. Musotto demuestra que no hay antinomia entre universos aparentemente opuestos, que los bits pueden juntarse a los parches y crear algo diferente. Entonces Ramiro no para de mezclar, dar vuelta, inventar, recrear y renacer en esos universos.

Si en Sudaka nos había sorprendido transitando naturalmente entre las programaciones y los sonidos ancestrales, en su nuevo trabajo, Civilizacao & Barbarye, el músico se reinventa, sonando otra vez original y familiar al mismo tiempo.

Desde el título del disco, una metáfora del concepto sarmientino, Ramiro profundiza su viaje al pulso más profundo de los habitantes originarios de esta tierra, con el espíritu celebratorio y la riqueza de ritmos, timbres y colores que lo caracteriza y que lo ha convertido en uno de los percusionistas más respetados del mundo.

En diez tracks contundentes, esta Civilizacao & Barbarye camina entre la Cuba afro, las aldeas guaraníes, la voz sampleada del Subcomandante Marcos, los toques de la Bahia negra, los orixás y los orishas, y hasta el cancionero popular brasileño.

Los habituales pasajeros de este ómnibus multiétnico acompañan al percusionista, devenidos en la Orchestra Sudaka: Léo Leobons (percusión, bata y voz); Sacha Amback (teclado, theremin y sampler); Ramirito Gonzalo (berimbau y percusión) y Mintcho Garrammone (cavaquinho, guitarra baiana, acordeón).

El disco trae además las participaciones especiales de Chico César, Arto Lindsay, Rostam Mirlashari y Santiago Vázquez.

Antes de consagrarse a su trabajo solista, Ramiro Musotto construyó una trayectoria como percusionista, intérprete de berimbau, programador y productor, que incluye más de 200 discos grabados junto a los mayores artistas de la música popular brasileña. Ramiro ha sido uno de los creadores del actual diseño de la percusión bahiana; ha formado la primera orquesta de berimbaus del mundo y viaja asiduamente a Europa para ofrecer workshops y transmitir sus conocimientos y experiencias.

En Civilizacao & Barbarye, Ramiro continúa construyendo su propia patria grande musical, mirando al mundo antiguo con ojos nuevos y una concepción sudaka donde la civilización y la barbarie conviven en cada esquina.

Nacido en La Plata y residente desde pequeño en Bahía Blanca, Ramiro Musotto tocaba en la Orquesta Sinfónica de la ciudad antes de cumplir la mayoría de edad. Paralelamente, integraba grupos que se dedicaban a la música testimonial latinoamericana.

A los 18 años se mudó a Brasil. Estudió percusión en Sao Paulo, primero, y luego se radicó en Salvador (Bahía), adonde permaneció doce años y ayudó a diseñar el sonido (y especialmente la percusión) de la música pop baiana, del modo que se la conoce en la actualidad. En este sentido, Ramiro Musotto aplicó el trabajo que venía investigando en materia de percusión, que incluía desde los ritos afrobrasileños introducidos por el candomblé hasta la música axé, pasando por el samba reggae y los tríos eléctricos de Dodó e Osmar, entre múltiples variantes.

El berimbau fue el instrumento que deslumbró a Ramiro desde que era un adolescente. Sin embargo, y pese a que éste sigue siendo su principal instrumento y por el cual ha sido reconocido en todo el mundo, el músico se ha dedicado a la generosa gama de sonoridades de la percusión afrobrasileña, agregando un perfil panamericanista a su trabajo e internándose luego en el universo de la electrónica.

En veinte años de trayectoria brasileña, Musotto ha tocado en más de un centenar de discos de los más destacados artistas de la MPB y fue productor de una veintena de discos ajenos hasta encarar su propio proyecto solista. Recientemente ha grabado con Jorge Drexler, Lenine, Paulinho Moska y Kevin Johansen. Ha trabajado además con Caetano Veloso, Gilberto Gil, Paralamas y Marisa Monte, entre muchos otros.

Pagina: http://www.ramiromusotto.com/

E Nomine

E Nomine (en latín, "en el nombre de") es un grupo alemán formado en 1999 por los productores Christian Weller y Friedrich Graner. Su música es una particular mezcla de techno y música vocal similar al canto gregoriano. Los componentes de E Nomine lo denominan dance monumental.

Muchas de sus letras tratan sobre temas religiosos, y en algunas canciones se incluyen fragmentos bíblicos. También cantan sobre magia y batallas entre el bien y el mal. Un ejemplo de la inclusión de textos religiosos puede verse en algunos temas como el sigle Vater Unser ("Padre Nuestro") [1], o en Psalm 23 ("Salmo 23")

El único vocalista de E Nomine en los conciertos es Senad Fuerzkelper Giccic.

Vocalistas

Actores de doblaje/cantantes

- Christian Brückner
- Rolf Schult
- Helmut Krauss
- Michael Chevalier
- Martin Kessler
- Joachim Kerzel
- Eckart Dux
- Frank Glaubrecht
- Joachim Tennstedt
- Thomas Danneberg
- Volker Brandt
- Manfred Lehmann
- Tobias Meister
- Wolfgang Pampel
- Jürgen Thormann
- Elmar Wepper
- Gerrit Schmidt-Foß
- Otto Mellies
- Ralf Moeller

Coro

- Deutsche Oper Berlin

Discografía

Álbumes

- Das Testament, (1999)
- Finsternis, (2002)
- Finsternis - Limited Edition, (2002)
- Das Testament Digitally Remastered, (2002)
- Die Prophezeiung, (2003)
- Die Prophezeiung - Klassik Edition, (2003)
- Die Prophezeiung - Re-Release, (2003)
- Das Beste aus... Gottes Beitrag und Teufels Werk, (2004)
- Das Beste aus... Gottes Beitrag und Teufels Werk - Limited Edition, (2004)

Singles

- Vater Unser
- E Nomine - Denn sie wissen nicht was sie tun
- Mitternacht
- Wolfen - Das Tier in mir
- Deine Welt
- Das Omen - Im Kreis des Bösen
- Schwarze Sonne
- Vater Unser Part II - Psalm 23
- Das Böse


Pagina: http://www.enomine-germany.de/