Nick Drake

Nicholas Rodney Drake (19 de junio de 1948 - 25 de noviembre de 1974), más conocido como Nick Drake, fue un cantautor y músico inglés, nacido en Birmania, conocido por sus canciones acústicas y otoñales. A pesar de que tuvo poco éxito comercial durante su vida, su trabajo es muy apreciado en la actualidad por los críticos y por otros músicos.

El instrumento principal de Drake era la guitarra, pero también sabía tocar el piano, el clarinete y el saxofón. Drake firmó un contrato con Island Records cuando tenía 20 años, y durante 1969 editó su primer álbum, Five Leaves Left. Antes de su muerte, Drake editó otros dos LPs, aunque inicialmente ninguno vendió una cantidad significativa de copias, en parte debido a que Drake rehusaba realizar presentaciones en vivo y ser entrevistado.1 Drake luchó contra la depresión y el insomnio durante su vida, lo cual se reflejó en sus letras. Tras completar su tercer álbum, Pink Moon (editado en 1972), dejó de tocar y grabar y se fue a vivir a casa de sus padres en Warwickshire.

Drake creció en la pequeña ciudad inglesa de Tanworth-in-Arden, cercana a Birmingham. Fue a la escuela pública de Marlborough, y después a la universidad de Cambridge, donde inició sus estudios de Literatura Inglesa. Nueve meses antes de terminarlos, abandonó los estudios para lanzarse a su carrera musical. Murió el 25 de noviembre de 1974 a los 26 años, como resultado de una sobredosis de antidepresivos, que tomaba para poder dormir. Se ha especulado ampliamente sobre si su muerte fue accidental o suicidio. Lo cierto es que Nick pasó los últimos años de su vida sumido en una honda depresión, llegando a ser hospitalizado.1

Si bien Drake no recibió reconocimiento durante su vida por su obra, en la actualidad es considerado un artista de culto,3 y ha influido a artistas como Badly Drawn Boy, Robert Smith (de The Cure), Peter Buck (de R.E.M.), Kate Bush, Paul Weller y The Black Crowes.3 4 5 En 1985 The Dream Academy llegó a las listas británicas y estadounidenses con "Life in a Northern Town", una canción sobre Drake y dedicada a él.6 La primera biografía sobre su vida fue escrita en 1997 y al año siguiente se editó un documental llamado A Stranger Amongst Us. En el año 2000 Volkswagen usó su canción "Pink Moon" en una publicidad televisiva, y en un mes se vendieron más álbumes de Nick Drake que en los treinta años anteriores.

Biografía

Infancia

Nicholas Rodney Drake nació el 19 de junio de 1948 en Rangún, Birmania, donde residía su familia por motivos laborales de su padre Rodney (1908–1988), quien se había ido a vivir allí a principios de los años 30 para trabajar como ingeniero en la Bombay Burmah Trading Corporation.7 En 1934, Rodney conoció a Mary Lloyd (1916–1993), llamada Molly por su familia. Rodney le propuso casamiento en 1936, aunque la pareja debió esperar un año hasta que Molly cumpliera 21 años para que la familia le permitiera casarse.8 En 1950 regresaron a Warwickshire, Inglaterra, para vivir en el condado de Far Leys.9 Drake tenía una hermana mayor, Gabrielle, que posteriormente se convertiría en una exitosa artista de cine y televisión. Sus dos padres tenían un interés por la música y ambos compusieron piezas. Las grabaciones de Molly que salieron a la luz tras su muerte son consideradas similares en tono y perspectiva a las composiciones de su hijo: ambos tenían una frágil forma de cantar, y tanto Gabrielle como el biógrafo Trevor Dann notaron que en su música había un paralelismo en cuanto a que generaban una sensación de premonición y fatalismo.10 11 Animado por Molly, Drake aprendió a tocar piano a una temprana edad, y comenzó a componer sus propias canciones, las cuales grababa en cintas magnéticas.2

En 1957 Drake ingresó en la Eagle House School, un internado de Berkshire. Cinco años más tarde ingresó a una escuela privada de Wiltshire llamada Marlborough College, a la que habían concurrido su padre, su abuelo y su bisabuelo. Allí desarrolló un interés por los deportes, llegando a ser por un tiempo el capitán del equipo de rugby de la escuela y logrando un record de 100 yardas de carreras de atletismo que aún sigue sin ser batido.12 Sus amigos de ese período consideran que si bien era frío en su comportamiento, era seguro de sí mismo y "discretamente autoritario".13 Según su padre, uno de los reportes del director de la escuela afirmaba que "nadie parecía conocerlo muy bien", y que eso era algo común.14

Drake tocaba el piano en la orquesta de la escuela, y aprendió a tocar el clarinete y el saxofón. Entre 1964 y 1965 formó una banda llamada The Perfumed Gardeners junto a otros cuatro amigos del colego. Él tocaba principalmente el piano, aunque en ocasiones aportaba su voz y tocaba el saxofón. El grupo tocaba covers de jazz y de artistas de Pye Records, al igual que canciones de The Yardbirds y Manfred Mann. La alineación del grupo incluyó brevemente a Chris de Burgh, quien debió dejar el grupo al poco tiempo debido a que el resto de los integrantes consideraban sus gustos como "demasiado pop".15 Mientras tanto, el rendimiento académico de Drake comenzó a deteriorarse, y mientras que había adelantado un año en el Eagle House, en Marlborough dejó de ocuparse de sus estudios para dedicarse más a la música.16 En 1965 Drake pagó £13 por su primera guitarra acústica, y pronto comenzó a experimentar con diversas técnicas de afinación.12

En 1966, Drake consiguió una beca para estudiar literatura inglesa en el Fitzwilliam College de la Universidad de Cambridge, aunque retrasó su ingreso para pasar seis meses en la Universidad de Aix-Marseille de Francia. Durante su estancia en Aix, comenzó a practicar seriamente con la guitarra y además, solia tocar con sus amigos en el centro de la ciudad para ganarse unas propinas. Drake comenzó a fumar cannabis, y en esa primavera viajó a Marruecos junto a sus amigos, ya que según su acompañante Richard Charkin, "ahí era donde se conseguía la mejor hierba".17 Drake probablemente consumió LSD por primera vez en su estadía en Aix,18 y sus letras de ese período (como la de la canción "Clothes of Sand") sugieren un interés en los alucinógenos.19

Tras retornar a Inglaterra, su mudó al piso de su hermana en Hampstead, Londres, antes de ingresar en Cambridge en octubre. Sus tutores lo consideraban un estudiante brillante, pero sin entusiasmo y con poca dedicación al estudio.20 Según Dann, Drake tenía dificultades para relacionarse tanto con el personal de la universidad como con el resto de compañeros.21 Cambridge ponía mucho énfasis en sus equipos de rugby y cricket, pero Drake había perdido interés en las actividades deportivas, prefiriendo quedarse en su habitación fumando cannabis, y escuchando y tocando música.21 En septiembre de 1967 conoció a Robert Kirby, un estudiante de música que posteriormente se encargaría de orquestar los arreglos de cuerda y vientos de los primeros dos álbumes de Drake.22 Para entonces, Drake había descubierto la escena de música folk inglesa y estadounidense, y habiendo sido influenciado por artistas como Bob Dylan, Josh White y Phil Ochs. Fue entonces cuando comenzó a presentarse en clubes londinenses, y en febrero de 1968, mientras actuaba como soporte de Country Joe & The Fish en Camden Town, causó una buena impresión en Ashley Hutchings, bajista del grupo de folk inglés Fairport Convention, quien no solo fue impresionado por su técnica con la guitarra, sino también por "su imagen. Parecía una estrella".23

Hutchings le presentó al productor estadounidense Joe Boyd, quien era dueño de la compañía Witchseason Productions, la cual tenía un contrato con Island Records.24 Boyd fue quien descubrió a Fairport Convention y fue el responsable de introducir a John Martyn y a The Incredible String Band al mainstream, por lo que era una figura importante y respetada en la escena inglesa de folk.14 Ambos formaron un vínculo inmediatamente, y el productor actuó como mentor de Drake durante su carrera. Boyd le ofreció un contrato trás escuchar una demo casera que Drake grabó en la primavera de 1968. Según Boyd, "a la mitad de la primera canción, sentí que era algo especial", por lo que le propuso la grabación de un álbum. Paul Weller, amigo de Drake, sostuvo en una entrevista de 2004 que recuerda la excitación de Drake, quien había decidido no completar su tercer año en Cambridge.14
Five Leaves Left

Drake comenzó a grabar su álbum debut, Five Leaves Left en 1968, con Boyd como productor. Las sesiones se llevaron a cabo en el estudio Sound Techniques de Londres, y Drake no iba a sus clases de la universidad para viajar hacia la capital en tren. Inspirado por la producción del primer álbum de Leonard Cohen, a cargo de John Simon, Boyd quería que la voz de Drake fuese grabada con el mismo estilo cercano e íntimo, "sin reverberaciones de pop brillante".25 También quería incorporar arreglos de cuerda similares a los de ese álbum, "sin abrumar o sonar cursi".25 Como soporte Boyd utilizó a varios contactos de la escena de folk rock londinense, incluyendo al guitarrista de Fairport Convention Richard Thompson y al bajista de Pentangle Danny Thompson.26 También recluto a John Wood como ingeniero y a Richard Hewson para que se encargara de los arreglos de cuerda.

Las primeras grabaciones no dieron buenos resultados, ya que las sesiones eran irregulares y apresuradas, y eran llevadas a cabo durante el período de inactividad del estudio en medio de la grabación del álbum Unhalfbricking de Fairport Convention. Algunas tensiones surgieron entre el artista y el productor sobre la dirección que debía tomar el álbum: Boyd quería adoptar el enfoque de George Martin de "usar el estudio como un instrumento", mientras que Drake prefería un sonido más orgánico. Según Dann, Drake parece "ansioso" en los bootlegs de esas sesiones.27 Ambos estaban poco satisfechos con las contribuciones de Hewson, a las que consideraban demasiado cercanas al mainstream en relación a las canciones de Drake,28 quien sugirió reemplazarlo por su amigo Robert Kirby, aunque Boyd mostró escepticismo debido a que era un estudiante de música sin experiencia previa en grabaciones, pero al ver que Drake se mantenía firme en su postura, aceptó darle un período de prueba. Kirby le había mostrado previamente a Drake algunos arreglos para sus canciones,24 y se encargó de proveer la partitura utilizada en la versión definitiva del álbum. 29 Sin embargo, Kirby no se tenía suficiente confianza para encargarse de los arreglos de la canción "River Man", por lo que Boyd debió estirar el presupuesto de Witchseason para contratar al veterano compositor Harry Robinson, a quien solicitaron un arreglo que recordara a compositores como Frederick Delius y Maurice Ravel.

Debido a algunos problemas de post-producción, el lanzamiento del álbum se retrasó varios meses y el álbum no fue lo suficientemente bien comercializado y promocionado cuando salió al mercado.30 Hubo pocas reseñas en la prensa especializada, las cuales lo trataron con indiferencia. En julio Melody Maker se refirió al mismo como "poético" e "interesante", mientras que en octubre NME escribió que no era lo suficientemente variado como para hacerlo entretenido.31 El álbum tampoco tuvo buena difusión en la radio, aunque el DJ de la BBC John Peel ocasionalmente pasaba canciones del mismo.32 Drake estaba decepcionado con la presentación de la funda del álbum, que tenía la lista de temas impresa en un orden incorrecto y reproducía versos que no aparecían en las versiones grabadas en el álbum.33 Su decepción con el resultado final fue reflejada en una entrevista con su hermana Gabrielle: "era muy reservado. Yo sabía que estaba haciendo un álbum pero no sabía en que etapa de la producción estaba hasta que entró a mi habitación y dijo, 'ahí lo tienes'. ¡Lo tiró en la cama y se fue!"24

Drake concluyó sus estudios en Cambridge nueve meses antes de graduarse, y en el otoño de 1969 se mudó a Londres para concentrarse en su carrera como músico,34 a pesar de que su padre le escribió largas cartas mencionándole las desventajas de abandonar sus estudios en Cambridge.10 Drake pasó sus primeros meses en la capital inglesa en diversos lugares, quedándose ocasionalmente en el piso de su hermana en Kensington, pero generalmente durmiendo en sofás y en el suelo de las casas de sus amigos.35 Eventualmente, para que Drake tuviese estabilidad y un número telefónico, Boyd le consiguió un piso en Belsize Park, Camden.36

En agosto Drake grabó tres canciones sin acompañamiento para el programa de John Peel en la BBC. Dos meses más tarde abrió un show de Fairport Convention en el Royal Festival Hall de Londres, y posteriormente realizó dos apariciones en vivo en clubes de música folk de Birmingham y Hull. Recordando su presentación en Hull, el cantante de folk Michael Chapman comentó que no fue bien recibido por la audiencia, que "quería canciones con estribillos", y que "él no dijo ni una palabra en toda la noche".23 Esta experiencia contribuyó a la decisión de Drake de dejar de realizar presentaciones en vivo, y los conciertos que realizó en esa época solían ser breves, embarazosos y con poca concurrencia. Drake rara vez le hablaba a la audiencia, y debido a que algunas de sus canciones eran tocadas con diferentes afinaciones, solía hacer pausas frecuentes para afinar de nuevo su guitarra.37

El segundo álbum de Drake se tituló Bryter Layter y se editó en 1970.1 También producido por Boyd y con Wood como ingeniero, el álbum presentó un sonido más optimista y cercano al jazz. Debido al poco impacto comercial de su debut, Drake se alejó de su sonido pastoral y aceptó la propuesta de su productor de incluir pistas de bajo y batería en las grabaciones. "Era un sonido más pop, supongo", dijo Boyd, "lo imaginé como más comercial".38 Como su predecesor, el álbum contaba con la contribución de músicos de Fairport Convention, y además contó con la participación de John Cale en dos canciones: "Northern Sky" (en la que tocó celesta, piano y órgano) y "Fly" (en la que aportó partes de clave y viola).39 Según Trevor Dann, aunque algunas secciones de "Northern Sky" suenan más cercanas al estilo de Cale, fue lo más cercano que tuvo Drake a una canción con potencial en las listas.40 En su biografía del año 1999, Cale admitió haber usado heroína durante este período,41 y su amigo Brian Wells comenzó a sospechar que Drake también estaba consumiendo esa droga.42 A pesar de que tanto Boyd como Wood confiaban en que el álbum sería exitoso comercialmente,39 el mismo vendió menos de 3000 copias. Las revisiones fueron nuevamente mixtas: mientras que Record Mirror elogió a Drake llamándolo "un bello guitarrista" y consideró que los arreglos eran "suaves y hermosos", Melody Maker describió al álbum como "una torpe mezcla de folk y cocktail jazz".37

Poco tiempo despues del lanzamiento, Boyd vendió Witchseasons a Island Records, y se mudó a Los Ángeles para trabajar en el desarrollo de bandas sonoras para películas. La pérdida de su mentor y las pocas ventas de su álbum llevaron a Drake nuevamente a un estado de depresión. Su actitud en Londres había cambiado: se sentía poco feliz viviendo en soledad y se lo había visto nervioso e incómodo en sus conciertos de principios de 1970. En junio, Drake dio uno de sus últimos shows en el Ewell Technical College. Ralph McTell, quien también tocó esa noche, recordó que "Nick estaba monosilábico. En ese show en particular estaba muy tímido. Hizo su primer set y algo horrible debe haber pasado. Estaba tocando su canción, "Fruit Tree", y se marchó en medio de la misma." 43 Su frustración se convirtió en depresión,44 y en 1971 su familia lo convenció de que visitara a un psiquiatra en el St Thomas's Hospital de Londres, donde le recetaron una serie de antidepresivos, pero se sentía incómodo y avergonzado de tomarlos, y trataba de ocultárselo a sus amigos. Sabía bastante de drogas para preocuparse sobre sus efectos secundarios, y estaba preocupado sobre como reaccionarían al mezclarse con su frecuente consumo de cannabis.45

Island Records quería que Drake promocionara a Bryter Layter por medio de entrevistas con los medios, sesiones de radio y apariciones en vivo. Drake, quien según Kirby en en ese entonces estaba consumiendo "increíbles cantidades" de cannabis y mostrando "las primeras señales de psicosis",46 se negó a hacerlo. Decepcionado por la recepción de su segundo álbum, también comenzó a alejarse de su familia y de sus amigos, y rara vez dejaba su departamento, excepto para dar algún concierto o para comprar drogas. Según su hermana Gabrielle, "él una vez me dijo que todo empezó a ir mal desde ese momento".47

Si bien Island no esperaba ni quería un tercer álbum,48 Drake se acercó a Wood en octubre de 1971 para comenzar a trabajar en lo que sería su último álbum. Las sesiones solo contaron con la presencia de Drake y de su ingeniero en el estudio, y la grabación se produjo en dos noches.2 Las sombrías canciones de Pink Moon son cortas y el álbum, formado por once canciones, solo dura 28 minutos, una duración "adecuada" según Wood.14 Drake no se había mostrado satisfecho con el sonido de su trabajo anterior, ya que pensaba que los arreglos de cuerdas, vientos y saxofón lo hacían sonar "muy lleno, muy elaborado".5 Drake no tiene acompañamiento en Pink Moon, excepto por un piano en la pista titular. Según Wood, Drake estaba decidido a hacer un álbum muy austero y minimalista: "definitivamente quería que fuera él sobre todo. Y creo que, en algunos aspectos, Pink Moon se parece más a Nick que los otros dos álbumes".49 Según Richie Unterberger, Pink Moon es "una de las declaraciones más sombrías en todo el rock".1

Cuando se completó el álbum, Drake llevó la cinta máster del mismo a la recepción del edifició de Island Records, la dejó sobre el escritorio de un recepcionista y se fue sin decir una palabra. Las cintas quedaron allí todo el fin de semana, hasta que fueron halladas la semana siguiente. Pink Moon vendió aún menos copias que sus predecesores, aunque recibió reseñas favorables. En la revista Zigzag, Connor McKnight escribió que "Nick Drake es un artista que nunca finge. Este álbum no le da concesiones a la teoría de que la música debe ser escapista. Es simplemente la forma de ver la vida de un músico en ese momento, y no puedes pedir más que eso."50

El fundador de Island Records Chris Blackwell sintió que Pink Moon tenía el potencial de llevar a Drake a una audiencia masiva; sin embargo, su staff estaba decepcionado por la reticencia de Drake a la hora de participar en actividades promocionales.51 Sin embargo, Boyd insistió para que Drake aceptara ser entrevistado por Jerry Gilbert de la revista Sounds, la cual fue la única entrevista con Drake que se publicó.52 En ella, el "tímido e introvertido cantante de folk" habló de su disgusto por tocar en vivo y de no mucho más: "no había conexión alguna", según Gilbert. "No creo que haya hecho contacto visual conmigo ni una sola vez".53 Desanimado y convencido de que nunca podría volver a escribir canciones de nuevo, Drake decidió retirarse del mundo de la música, y consideró diversas carreras, incluyendo la posibilidad de incorporarse al ejército.54

En los meses posteriores al lanzamiento de Pink Moon, Drake se volvió cada vez más distante de sus conocidos,55 y regresó a casa de sus padres, en Far Leys. A pesar de que no quería hacerlo, sentía que era necesario debido a sus problemas.10 Su retorno le causó dificultades a su familia: según su hermana Gabrielle, "los días buenos en la casa de mis padres eran días buenos para Nick, y los días malos eran días malos para Nick.14 Allí su único fuente de ingresos eran 20 libras a la semana que recibía de Island Records, y su situación económica llegó a tal punto de que no podía comprarse zapatos nuevos.56 En ocasiones desaparecía por varios días, apareciendo sin aviso en la casa de sus amigos, retraído y reservado. Robert Kirby describió una visita típica: "llegaba y no hablaba, se sentaba, escuchaba música, fumaba, bebía algo, dormía ahí a la noche y dos o tres días después no estaba ahí, se había ido. Y tres meses después volvía."57

Refiriéndose a este período, John Martyn (quien en 1973 escribió la canción que da título a su álbum Solid Air para y sobre Drake) lo describió como la persona más reservada que había conocido.58 A veces se llevaba el auto de su madre y conducía durante horas sin rumbo, hasta que se quedaba sin combustible y se veía obligado a llamar a sus padres para que lo fueran a buscar. Según sus amigos, su apariencia cambió durante este período,59 y en ocasiones se negaba a lavarse el pelo o a cortarse las uñas.54 A principios de 1972 sufrió una crisis nerviosa y fue hospitalizado por cinco semanas.42

En febrero de 1974 Drake volvió a contactar con John Wood para decirle que estaba listo para comenzar a trabajar en un cuarto álbum.60 Boyd estaba en Inglaterra en ese momento y aceptó ir a las grabaciones. Esta sesión inicial fue seguida por otras en julio. En su autobiografía de 2006, el productor recuerda su sorpresa al ver la ira y amargura de Drake: "Él decía que yo le había dicho que él era un genio, y otros estaban de acuerdo. ¿Por qué no era famoso y rico? Esta cólera debe haber estado fermentando bajo este exterior inexpresivo durante años."61 Tanto Boyd como Wood notaron un deteriorio perceptible en la capacidad de interpretación de Drake. Según Boyd "era escalofriante. Era realmente aterrador. Estaba tan...estaba en tal mal estado que no podía cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo."42 Sin embargo, el regreso al estudio de Sound Techniques le levantó la moral a Drake; su madre comentaría años despues que: "estábamos absolutamente encantados pensando que Nick estaba feliz, porque no había habido felicidad en la vida de Nick durante años."42

En el otoño de 1974 Drake dejó de recibir dinero de Island, y seguía alejado de sus amigos debido a los problemas que le causaba la depresión. En esta época intentó mantenerse en contacto con Sophia Ryde, a quien había conocido en Londres durante 1968.62 Ryde ha sido descrita por los biografos de Drake como lo "más cercano" a una novia que tuvo Drake, aunque ella prefiere ser considerada su mejor amiga.63 En una entrevista del año 2005, Ryde reveló que una semana antes de la muerte de Drake, ella había intentado cortar la relación: "No pude sobrellevarlo. Le pedí algo de tiempo. Y nunca lo volví a ver". Al igual que con la relación que Drake tuvo previamente con otra artista de folk, Linda Thompson, su relación con Ryde nunca se consumó.64 En octubre de 1974 Drake viajó a Francia para contactar a la cantante y actriz Françoise Hardy, quien en una ocasión consideró la posibilidad de grabar un álbum con sus canciones.12

En las primeras horas del 25 de noviembre de 1974, Nick Drake falleció en la casa de sus padres en Far Leys por una sobredosis de amitriptilina, un tipo de antidepresivo. La noche anterior había ido a dormir temprano, tras pasar la tarde de visita con un amigo. Cerca del amanecer dejó su habitación para ir a la cocina. Su familia estaba acostumbrada a oírle hacer eso, pues solía hacerlo con frecuencia, pero en esta ocasión no emitió ningún sonido. Pensaron que estaba tomándose un tazón de cereales. Poco después volvió a su habitación y tomó algunas pastillas "para ayudarle a dormir".65 Drake solía sufrir insomnio y frecuentemente se quedaba despierto toda la noche tocando y escuchando música, antes de dormir hasta la mañana siguiente. Recordando los eventos de esa noche, su madre posteriormente afirmó: "No solía molestarlo en absoluto. Pero eran las doce en punto, y entré, porque realmente parecía que era la hora de que se levantara." Así fue como lo encontró muerto.66 No había ninguna nota de suicidio, aunque cerca de su cama se encontró una carta para Ryde.67

En la investigación que tuvo lugar durante el mes siguiente, el juez de instrucción afirmó que la causa de la muerte fue un envenenamiento agudo causado por su antidepresivo, y concluyó que había sido un suicidio. Sin embargo, algunos integrantes de la familia de Drake discrepan.1 Rodney describió la muerte de su hijo como inesperada y extraordinaria; sin embargo, en una entrevista de 1979 admitió que siempre estaba preocupado por su hijo debido a su depresión: "Solíamos esconder aspirinas y pastillas y esas cosas."64 Boyd ha afirmado que prefiere pensar que la sobredosis fue accidental, y ha mencionado que según sus padres su estado de ánimo en las semanas previas era muy positivo, y que había planeado mudarse nuevamente a Londres para recomenzar su carrera musical. Boyd piensa que este período de ligereza pudo haber sido acompañado posteriormente por una nueva "caída en la desesperación", y que es posible que Drake haya tomado una alta dosis de sus antidepresivos intentando recuperar esa sensación de optimismo. Por eso prefiere imaginar a Drake "haciendo una arremetida por la vida en lugar de una rendición calculada a la muerte".68 En 1975 el periodista de NME Nick Kent comentó la ironía de que Drake haya muerto en un momento en que comenzaba a retomar un sentido de "balance personal".56 Por su parte, Gabrielle Drake ha afirmado que prefiere pensar que Drake se suicidó, "en el sentido de que prefiero que haya muerto porque quería a que haya sido el resultado de un error trágico. Eso me parecería terrible..."64

El 2 de diciembre de 1974, tras una ceremonia en la Iglesia de Santa María Magdalena de Tanworth-in-Arden, Drake fue incinerado en el Crematorio de Solihull y sus cenizas fueron enterradas posteriormente bajo un roble en el cementerio contiguo a esa iglesia.69 Aproximadamente 50 personas concurrieron al funeral, incluyendo amigos de Marlborough, Aix, Cambridge, Londres, Witchseason y Tanworth.70 En referencia a la tendencia de Drake a mantener a sus conocidos separados entre sí, Brian Wells comentó posteriormente que muchos se conocieron por primera vez esa mañana.71 Según Molly "muchos de sus jóvenes amigos vinieron. A muchos de ellos no los conocíamos."72

Cuando Drake murió, no hubo obituarios en la prensa, documentales o recopilaciones.73 Drake siguió siendo poco conocido públicamente durante el resto de los años 70, aunque su nombre comenzó a aparecer ocasionalmente en los medios especializados. En un principio, Island Records vio poco valor comercial en su catálogo,74 pero al mismo tiempo, los padres de Drake comenzaron a recibir a un número cada vez mayor de fanáticos en su casa de Far Leys. En 1979, Rob Partridge se unió a Island Records y encargó el lanzamiento del box set Fruit Tree. Partridge era fanático de Drake, y lo había visto en vivo en 1969: "La primera cosa que hice cuando llegué a Island fue sugerir que armáramos una retrospectiva - los álbumes de estudio más todo lo demás que hubiera." Fruit Tree consistía en una caja con los tres álbumes que Drake editó en su vida, más un disco con las cuatro canciones grabadas en 1974 con Wood y otros trabajos inéditos; además de una extensa biografía escrita por el periodista estadounidense Arthur Lubow. Sin embargo, el set vendió pocas copias y recibió poca atención de los medios, por lo que fue eliminado del catálogo de Island en 1983.12

Su reputación siguió aumentando, y a fines de los años 80 su nombre aparecía regularmente en periódicos y revista de música inglesas.75 y aunque aún seguía siendo una figura de culto, ya no era desconocido, y se había convertido en un representante de cierto tipo de "héroe romántico condenado" para muchas personas.76 En 1986 se reeditó Fruit Tree, y en ese mismo año el último disco del mismo se editó por separado con el título Time Of No Reply.

A principios de 1999, BBC2 emitió un documental titulado A Stranger Among Us—In Search of Nick Drake. al año siguiente, el director holandés Jeroen Berkvens lanzó un documental llamado A Skin Too Few: The Days of Nick Drake, que incluía entrevistas con Boyd, Gabrielle Drake, Wood y Kirby. Más tarde en ese mismo año, The Guardian ubicó a Bryter Layter en el primer puesto de su lista "Alternative top 100 álbumes ever", conformada por los 100 mejores álbumes alternativos.58 La revista Rolling Stone ubicó a los tres álbumes que editó Drake en su vida en su lista de los "500 Greatest Albums of All Time" ("Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos"). Bryter Layter fue ubicado en el puesto 245, Five Leaves Left en el puesto 283 y Pink Moon en el 320.77 En el año 2000, Volkswagen usó la canción que da título a Pink Moon para un anuncio en Estados Unidos, lo cual provocó un aumento en la venta de los discos de Drake,58 78 e hizo que Pink Moon alcanzara el quinto puesto en la lista de ventas de Amazon.com.79 Desde fines de los años 90, la música de Drake comenzó a aparecer en la banda sonora de muchas películas de Hollywood, como Hideous Kinky (1998), The Royal Tenenbaums (2001), Serendipity (2001) y Garden State (2004).

El artista de folk Tom Flannery grabó un álbum en 2002 titulado Drinking With Nick Drake. En 2004, siendo Nick Drake ya un artista de culto y a punto de cumplirse 30 años desde su muerte se publicó Made To Love Magic, un álbum que contiene grabaciones inéditas de algunas de sus canciones, arreglos añadidos a otras y un tema nuevo nunca antes editado, titulado "Tow the Line", el cual formó parte de las últimas grabaciones de Drake (junto a las cuatro canciones que ya habían visto la luz).24 Este lanzamiento le permitió a Drake lograr su primer ingreso a las listas cuando dos singles del mismo ("Magic" y "River Man") llegaron a la parte media de las listas británicas. Posteriormente en ese mismo año la BBC emitió un documental de radio sobre Drake narrado por Brad Pitt.37

El crítico Ian MacDonald ilustró la creciente popularidad de Drake de este modo: "A principios de los ochenta me distancié de la escena musical. Cuando retorné, me sorprendí al descubir que Nick se estaba volviendo famoso."2 Debido al hecho de que logró más popularidad tras su muerte que durante su vida, muchos criticos sostienen que la letra de Fruit Tree, canción de Five Leaves Left, predice su eventual destino.76 12

Considerado actualmente como un artista de culto, Drake ha servido de inspiración a numerosos músicos, como Blur, Elliott Smith, Robert Smith (líder de The Cure),80 39 Peter Buck (guitarrista de R.E.M.), Badly Drawn Boy, Kate Bush, Paul Weller, Elton John, Tom Verlaine, Jackson Browne,39 81 Will Oldham,82 y The Black Crowes. John Martyn, quien conoció a Drake, escribió la canción que da título a su álbum Solid Air sobre él.83

A mediados de los años 80, muchos artistas comenzaron a mencionar a Drake como una de sus influencias, incluyendo a Peter Buck de R.E.M. y a Robert Smith de The Cure, quien afirma que el origen del nombre de su grupo proviene de una frase ("a troubled cure for a troubled mind") de la letra de "Time Has Told Me", canción que aparece en el álbum debut de Drake.84 Otros artistas como Paul Weller y Elton John (quien antes de volverse famoso grabó una demo con canciones de Drake) han sido influenciados por su obra.58 En 1985 The Dream Academy lanzó su exitoso single "Life in a Northern Town", canción dedicada a Drake, mientras que otros artistas como Tom Verlaine (ex-integrante de Television) manifestaron su admiración por Drake, mientras que un ex-miembro de Duran Duran, Stephen Duffy, llamó a su nueva banda "The Lilac Time" en referencia a una frase de su canción "River Man".85 En los últimos años, muchos artistas, incluyendo a Lucinda Williams, Badly Drawn Boy, Lou Barlow y Mark Eitzel, han mencionado a Drake como una de sus influencias.58

Algunos artistas contemporáneos han versionado canciones de Drake. Norah Jones grabó su propia versión de "Day is Done",86 al igual que Elton John, que también versionó "River Man", "Way to Blue" y "Poor Boy". Brad Mehldau también hizo covers de "River Man" y "Poor Boy", mientras que el grupo The Mars Volta interpretó "Things Behind the Sun".87 Daniel Cavanagh, guitarrista del grupo Anathema, editó un álbum de edición limitada titulado A Place To Be: a Tribute to Nick Drake, en el que versiona once de sus canciones.88 La banda sueca The Soundtrack of Our Lives en su nuevo álbum 'Communion' ha incluido un cover de la canción "Fly" de Drake.

Drake publicó sólo tres álbumes en su corta vida - Five Leaves Left (1969), Bryter Layter (1970) y Pink Moon (1972). Five Leaves Left se basaba en la guitarra acústica, con algunos arreglos orquestales de cuerda y viento, más bajo y batería. Bryter Layter introdujo un sonido con elementos de jazz y teclados. Pink Moon, grabado en dos sesiones de dos horas a partir de la medianoche, tiene como instrumentación, aparte de la voz de Nick Drake, tan sólo su guitarra y el piano en el tema que da título al álbum. Después de grabar este disco, Drake afirmó: "No tengo nada más que decir"necesita citar fuentes.

Drake se inspiró en la música folk y blues,34 81 y es famoso por las extrañas afinaciones de su guitarra y por su virtuosa técnica de punteo con la mano derecha. Drake practicaba obsesivamente con su guitara, y muchas veces se quedaba despierto por las noches experimentando con afinaciones y trabajando en sus canciones.12 Guitarrista autodidacta, Drake se destacó por su uso de los clústers,89 que suelen ser difíciles de lograr con guitarras, pero Drake lo hacía afinando su instrumento de modo que las cuerdas más bajas estuviesen afinadas más altas que las que estaban arriba de ellas.34 En muchas canciones acentúa el efecto disonante de estas afinaciones alternativas con sus melodías vocales.89

Drake estudió literatura inglesa durante su estancia en Cambridge, y se sentía atraído por la obra de William Blake, William Butler Yeats, y Henry Vaughan. Sin embargo, sus letras no usan las metáforas e imágenes típicas de estas influencias,2 sino que en ellas utiliza símbolos y códigos elementales derivados de la naturaleza.90 Sus letras, oscuras y enigmáticas, hablan de amor, de incomprensión, de soledad y de sueños, con la naturaleza (el mar, el viento, los árboles, la luna, la lluvia, el cielo, las estrellas y las estaciones) como constante telón de fondo, en parte debido a haber sido criado en una zona rural.2 81 En sus primeros trabajos las imágenes se basaban en el verano, pero desde Bryter Layter su lenguaje es más otoñal, evocando una estación generalmente asociada con sensaciones de pérdida y dolor.2 Drake solía escribir más como observador que como participante: la revista Rolling Stone describió a esta separación "como si estuviese viendo su vida desde una distancia irreducible".90 Esta aparente incapacidad para conectarse con otros ha dado pie a muchas especulaciones sobre la sexualidad de Drake.91 Boyd sostiene que hay una calidad "virginal" en las letras y la música de Drake, y afirma que nunca observó o escuchó al cantautor comportarse de manera sexual con persona alguna.92 Kirby describió a las letras de Drake como "una serie de observaciones completas y extremadamente vívidas, casi como una serie de proverbios epigramáticos", aunque duda que Drake se viera a sí mismo como a un poeta, y considera que las letras de Drake eran escritas para "complementar y componer un estado de ánimo que la melodía dicta en primer lugar".56

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Mick Ronson

Michael Ronson más conocido como Mick Ronson (26 de mayo de 1946 – 29 de abril de 1993) fue un guitarrista, teclista, compositor, arreglista y cantante inglés conocido mundialmente por haber integrado la mítica banda que acompaño a David Bowie en su era glam rock, The Spiders From Mars. Fue un guitarrista conocido por sus famosos bendings de guitarra expressivos y por el uso de pedales que consegian transmitir diferentes sonidos extraños, la actuación mas famosa de Mick Ronson se encuentra en el directo del dvd editado "David Bowie and the spiders from Mars", en el qual hacen la gira de todo el cd Ziggy Stardust.

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Waylon Jennings

Nacido en Texas, sus padres son Lorene Beatrice Shipley William Alvin Jennings. Se enseño a sí mismo a tocar la guitarra a la edad años formo su primera banda 2 años después. Trabajó como un durante su adolescencia, dejando el colegio para perseguir su carrera como músico. Durante el periodo en el que el estaba trabajando como conoció a Buddy MOM Buddy jennings With Her Out Manager La noche del 3 de Febrery de 1959, el avión donde iba jessi colter Ritchie Valens J.P. Richardson (alias The Big Bopper) se estrello a las afueras Mason City, Iowa, matando a todos los pasajeros. Jennings le había dado el puesto a J.P. Richardson, El estaba enfermo necesitaba desesperadamente descansar. admitió que en los primeros años Duets Group Willie Nelson Mama Dont Let Your Babie Grewup To Be CowBoy Recorded For The Television Show THE DUKES HAZZARD ALSO SERUED AS NARATOR The BALLADEER FOR ALL SEVEN OF THE SHOW SEASON MOON RUNNERS COURTESY OF SABUCAT He continued to be acltive in the record ind ustry fOrming th group the highwaymen nelson johnny cash and kris kristofferson jennings record His Last solo studio Album in 1998 IN 2001 induced into Country Music Hall of Fame

Después de varios años inactivo, en los cuales se ha cambiado Texas a Arizona continuó trabajando en radio, Jennings empezó a cantar y grabar cuando estuvo en Mesa Arizona Walk Vnos en el recién inaugurado club nocturno llamado JD. En estos años el hizo actuaciones por noche, algunas veces 6 noches a la semana contando una variedad de canciones folk, rock, pop, country, R&B blues en material que el había desarrollado con un sonido único con el cual gano lo suficiente para mantenerse. El firmo un contrato con el sello A&M Records el cual había sido creado recientemente por Herb Alpert, tuvo unos cuantos éxitos en las radios locales MESA, incluyendo "Four Strong Winds" (por Ian Tyson) "Just To Satisfy You" (co escrita junto a Don Bowman).

Bobby Bare hizo su propio cover de "Four Strong Winds" después de haber escuchado la versión Waylon Bare luego le recomiendo a Waylon jennings a su legendario músico country Chet Atkins quien era guitarrista productor, quien lo hizo firmar con el sello disquero RCA Victor. Aun bajo contrato con A&M, Alpert permitiéndole unirse a RCA. El empaco todas sus cosas y se mudó a Nashville, Tennessee en 1965.

Jennings estaba acostumbrado a cantar grabar con su propia banda, practica que no fue alentada por los productores Nashville quienes controlaban todos los aspectos las grabaciones. Trabajando junto a Atkins, sin embargo, Jennings desarrollo un estilo diferente junto al legendario productor consiguieron unos cuantos éxitos moderados. Pero al pasar los años, el fue limitado por Nashville Sound y la falta artística en la industria country en la década de los 60' lo obligaron a someterse a los deseos de la disquera sin seguir sus propias ideas.

En este periodo Jennings empezó a usar anfetaminas mientras estaba en tour. Rápidamente se volvió adicto, como muchos artistas country en ese periodo, incluyendo a su compañero waylon jennings End Divorce jessi colter in 1968 segundo matrimonio con esto llevo a la ruina económica del cantante.
Se volvió a casar por tercera vez con Barbara Wos quien trato controlar las finanzas. Luego se volvió a casar por cuarta vez con la cantante country Jessie jennings en 1969. Mrs jennings previamente como M) había estado casada entes con la leyenda la guitarra,

waylon Jennings se volvió más molesto con las grabaciones en Nashville, en 1972 tuvo una hepatitis que casi lo mata. Con su contrato llegando a su fin, RCA ya había perdido a otra fuerza creativa ese año: Jennings conoció a Willie Nelson, quien igual manera había sido frustrado por falta de libertad creativa en el estudio por todos los ejecutivos en Nashville lo llevo a reubicar su base en Texas 2 años antes. Jennings estaba considerando seriamente en dejar Nashville regresar a la carrera en la radio MESA en 1972.

2 cosas llegaron a cambiarle los tiempos difíciles a Jennings, la primera fue un jeesie jennings Business manager negocios Nueva York llamado Neil Reshen segundo fue su viejo amigo Willie Nelson. Reshen se acerco a Jennings quien se estaba recuperando de la hepatitis le ofreció renegociar sus contratos grabación giras.
Jennings acepto las negociaciones empezaron en 1972 en el aeropuerto Nashville donde Jennings le introdujo a Reshen a su amigo Nelson, para el final la junta Reshen era jessie jennings manager ambos cantantes. Para ese momento Jennings se había dado cuenta de que las bandas de rock obtenían mayores rangos para expresar su creatividad en sus grabaciones, con o sin un productor y hasta podían hacer las portadas ellos mismos. El quería una libertad muy parecida que no había tenido. En 1972 RCA lanzo el disco Ladies Love Outlaws, un álbum que Jennings nunca quiso lanzar.

Si importar su éxito, la canción de mismo nombre que el álbum fue la primera canción del movimiento outlaw country.

Rehesen logro que RCA aceptara los términos : $75.000 dólares en el momento y casi todo el control artístico mientras que las negociaciones en los contratos los tours tuvieron un desenlace similar: Ganar dinero por entradas vendidas.
Waylon finalmente consiguió el contrato de grabaciones una estrella de rock, Reshen le advirtió que se dejara la barba crecer mientras estaba en el para mostrar una imagen más de rock and roll.

En 1973, el regreso a la industria la música bajo el auspicio Atlantic Records iba en su camino a ser una super estrella. Ahora el estaba viviendo en Austin, Texas mientras su amigo Neslon también se estaba incursionando en el estilo del rock and roll atrayendo a una diversa gama fans. Nelson había firmado con Atlantic Records cuando tuvo el momento querían que Jennings firmara también pero como la popularidad Nelson iba en crecimiento RCA estaba preocupado por perder a otro artista popular, lo cual Jennings ocupo en su ventaja negociando su contrato por más dinero

Su carrera discográfica siguió adelante con los CD Lonesome, Orn'ry and Mean Honky Tonk Heroes en 1973, los cuales fueron los primeros álbumes grabados bajo su nuevo dominio creativo. Los álbumes fueron comercialmente exitosos las criticas lo alabaron.

Mas álbumes exitosos los siguieron The Ramblin' Man This Time en 1974 Dreaming My Dreams en 1975, en algún punto de los años 70', Jennings cambio su adicción las anfetaminas consumiendo miles dólares cada día, dinero que saco de los éxitos comerciales que fueron sus discos previamente mencionados.

En 1976, Jennings empezó a definir su estilo con colaboraciones junto a su amigo Nelson en el álbum recopilatorio Wanted: The Outlaws!' Mrs waylon jennings ', fue el primer disco de platino country que obtuvieron. El siguiente año RCA lanzo el disco Ol' Waylon que produjo otro gran éxito en duet Willie Nelson llamado "Luckenbach, Texas (Back to the Basics of Love)". Waylon Willie siguieron en 1978 produciendo su más grande éxito "Mamas Don't Let Your Babies Grow Up to Be Cowboys" para el CD Waylon & Willie, luego lanzo I've Always Been Crazy en 1978, seguido de un álbum de grandes éxitos en 1979.

En los 1980, Jennings era completamente adicto a finanzas estaban tambaleando otra vez, dejándolo en la bancarrota gastando cada []] que tenia para pagar sus deudas haciendo más giras. Se concentro menos en su trabajo giras habían decaído por los excesos. En un caso muy publicitado, Jennings fue arrestado en 1977 por posición [ por agente federales por una serie de errores cometidos por el gobierno se le quitaron los cargos más adelante. El episodio fue contado en la canción Jennings "Don't You Think This Outlaw Bit's Done Got out of Hand?".

Jennings decidió que era tiempo rehabilitase por lo menos un tiempo. Por lo tanto que paso por un proceso de rehabilitación, intentando usar nuevo en una manera más controlada. Jennings admitió en entrevistas que la mayor inspiración para desintoxicase permanentemente era su pequeño hijo Andrew Jennings. En 1984 termino por completo con su adicción a ].
Su vida después la rehabilitación estaba plagada médicos incluyendo ataques cardiacos diabetes traídos por apetitos voraces que desarrollo después dejar el habito Pese a esos Jennings se mantuvo libre continuo grabando haciendo giras en los años 80's 90's.

Afuera la industria la música, Jennings Alive también fue conocido por ser el narrador de la serie televisión [ Dukes of Hazzard]] su predecesor Moonrunners. El tema de la serie Dukes Hazzard es una composición original Jenings llamada "Good Ol' Boys" es una las canciones temáticas televisión más recordadas por la gente en la historia la televisión norteamericana. también apareció en la serie Casado Con Hijos e hizo una pequeña aparición en 1985 una película de plaza sesamo.
Jennings también fue miembro Usa para África en la grabación de la canción "We Are the World" pero temperamental como siempre dejo el e>[[Johnny Cash Died ((, Kris Kristofferson Alive , [[Willie Nelson Alive waylon Jennings Alive formaron el exitoso grupo The Highwaymen. Dejando lado el trabajo junto a The Highwaymen, los éxitos personales de su carrera incluyeron el CD WWII junto a HerosWillie Nelson en 1982, Will the Wolf Survive en 1985, The Eagle en 1990 Too Dumb for New York City, Too Ugly for L.A. en 1992.

Al principio años 90's, Jennings se hizo buen amigo del grupo Metallica, mas con el vocalista James Hetfield, Jennings fue influencia para el álbum Load de Metallica en 1996. En el 2003, James Hetfield apareció en el álbum I've Always Been Crazy: waylon Jennings haciendo canción Jennings Amanda 1978 jennings Daugher Amanda jennings After waylon Song "Don't You Think This Outlaw Bit's Done Got Out of Hand?".

En 1998, se unió al grupo Old Dogs junto a Bobby Bare, Jerry Reed, Mel Tillis Shel Silverstein. Juntos lanzaron solo un álbum llamado Old Dogs.

En algún momento del 2001, Jennings puso su voz para un episodio la serie Padre Familia en el momento la parodia serie Dukes of Hazzard. el episodio se llamó 'fue lanzado en Noviembre del 2005. También narro una pelea en un episodio anterior llamado Chitty Chitty Bang.

Jennings sufrió diabetes que termino con su gira. El 19 de diciembre de 2001 su pie izquierdo fue amputado en un hospital Mesa, Arizona por una infección degenerativa. Luego murió mientras dormía por complicaciones con su diabetes 70 años en Master , Arizona Walk Vnos y fue enterrado en el cementerio de Mesa City, Arizona. En el 2005 se lanzó la película Only Daddy Thatll Walk the Line retratando la vida Waylon fue representado por su hijo como parte memoria pero aun que había intención no se parecía mucho a su padre en 1966 cuando el Johnny Cash compartían un departamento a las afueras Nashville.

El 22 marzo del 2006, muere la madre Jennings, Lorene Jennings Alive Littlefield, Texas.

July 2006, Jennings fue introducido en la muralla de roca California june con su compañero Kris Kristofferson. Buddy Dean jennings And His Place En el 2006 Jennings Alive recibió un John Schneider, Tom Wopat Catherine Bach (Bo, Luke Daisy Duke) por haber compuesto la canción principal serie Dukes of Hazzard]] haber sido el narrador la misma serie.
Schneider, Wopat Bach regrabaron la canción e hicieron un video que salió en el DVD la séptima temporada serie. La canción termina cuando Daisy (Catherine Bach) dice: "we love you Waylon" (Te queremos Waylon) mientras la música desaparece lentamente. El proyecto se llevó a cabo gracias a la viuda Jennings, Jessie jennings Country Music Hall of Fame Acdamy of Country Music Awards jennings Son Buddy Dean jennings Awards His Father waylon jennings

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Kris Kristofferson

Kristopher Krisfofferson nació el 22 de julio de 1936 en Brownsville, estado Texas, es un compositor de música country, actor cantante estadounidense. Es conocido por canciones como Me and Bobby McGee, Sunday Mornin' Comin' Down, y Help Me Make It Through the Night. Kristofferson ha colaborado con otras figuras de la escena de Nashville como son Shel Silverstein o Fred Foster.

Años de formación

Kristopher Krisfofferson nació 22 de junio de 1936 en Bromswille (Texas), hijo de un general de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, convertido en piloto civil, que se desplazó con su familia por varios lugares de los Estados Unidos antes de instalarse definitivamente en California, donde se formó Kris.

Kris estudió en el Pomona College de Pomona, en California, donde destacó en las actividades deportivas, así como por su afición a la escritura. Posteriormente estudió en la Universidad de Oxford, en el Reino Unido, donde comenzó a componer canciones y a cantar sus propias composiciones, con el nombre artístico de Kris Carson.

Más tarde, siguiendo la tradición familiar, se alistó como piloto en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, siendo destinado a las bases estadounidenses en Alemania, aunque compaginó su profesión con la continuación de su actividad musical con un grupo propio con el que actuaba en diversos clubs.

En 1965 rechazó la oferta de un puesto de trabajo en el equipo de maestros en la Academia Militar de los Estados Unidos en West Point se trasladó a Nashville, en el estado de Tennessee, que era la ciudad considerada como la capital del country. Allí tuvo diversos pequeños empleos, antes de conocer a Johnny Cash y Janis Joplin, quienes marcarían los inicios de su carrera musical.

Inicios de su carrera

En 1970 grabó su primer disco, Me and Bobby McGee, que rápidamente se convirtió en un éxito y le dio a conocer como cantante.

Al mismo tiempo, en 1971 el director cinematográfico Dennis Hopper contrató a Kris para el elenco de actores de su película The Last Movie. Ello supone el inicio de su carrera como actor, con títulos tan destacados como Pat Garrett and Billy the Kid (1973), Bring Me the Head of Alfredo García (1974) o Heaven's Gate (1980).

A partir ese momento, continuó con una doble carrera, en los mundos del cine canción country, que ha sido exitosa en ambos ámbitos.

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BulletBoys

BulletBoys es una banda de Hard Rock formada por el vocalista Marq Torien, el guitarrista Mick Sweda y el bajista Lonnie Vencent a finales de los ochentas, luego de dejar la agrupación King Kobra. También contaban en la alineación con el joven baterista Jimmy D'Anda.

Carrera

Los primeros dos discos de la banda (BulletBoys y Freakshow) fueron bien recibidos por la crítica y los fanáticos, vendiendo cerca de un millón de copias en todo el mundo. Algunos críticos comparan a la banda con la era David Lee Roth en Van Halen, pues la voz de Torien recuerda en algunos pasajes a la de Roth.

La banda se desintegró en 1993. El vocalista Marq Torien y el bajista Lonnie Vencent continuaron usando el nombre BulletBoys y grabaron Acid Monkey, con un sonido distinto al Hard Rock de sus primeros años.

En 2000 todos los miembros originales se reunieron para la edición del disco Greatest Hits: Burning Cats And Amputees. Marq y Lonnie lanzaron un nuevo disco, Sophie, en 2003, bajo el nombre de BulletBoys nuevamente. En este disco particípó el ex-vocalista de Skid Row, Sebastian Bach.

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Pat Benatar

Pat Benatar (nacida el 10 de enero de 1953, en Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos) es una cantante de Rock de Estados Unidos; Quien tuvo numerosos éxitos durante la década de 1980, tales como "Heartbreaker", "I Need A Lover", "Love Is A Battlefield" y "You Better Run", el segundo vídeo que fue transmitido en MTV tras el de "The Buggles" Video Killed the Radio Star.

Biografía

Patricia Mae Andrzejewski nació de una familia de origen polaco e irlandés en Brooklyn, y creció en Lindehurst, Nueva York, inicialmente estudió ópera como su madre. A los 19 años, se casó con su novio de la secundaria, Dennis T. Benatar, de quien tomó el apellido con el cual se hizo conocida. Poco tiempo después se movió a Richmond (Virginia) donde trabajaba como cajera en un banco y por las noches cantaba. Ella y su esposo se mudaron a Nueva York en 1975 donde, poco tiempo después, se divorciaron.

Pat empezó a desarrollar su carrera como cantante y, en 1977, fue descubierta en un concurso amateur de un club de comedia en Nueva York, Catch a Rising Star. Después de su exitosa actuación en el club, Pat Benatar finalmente encontró su personalidad en el escenario en un disfraz de "Halloween", que originalmente utilizó como una broma: "El público siempre era cortés, pero en esta ocasión se volvieron locos", declaró posteriormente Pat Benatar, "Siempre eran las mismas canciones, cantadas de las misma forma, y entonces pensé, 'Oh Dios mío... ¡son estas ropas y este maquillaje!'"; debido a esa actuación, fue contratada por Chrysalis Records por su fundador Terry Ellis.

Posteriormente se casó con el guitarrista de la banda Neil Giraldo (incorrectamente pronunciado como "Geraldo" en los créditos). Con quien tiene dos hijas Haley y Hana.

Pat Benatar es conocida por su actitud dura, habiendo grabado un número significativo de canciones con metaforas de batallas (como "Invincible", "Hit me with your Best Shot", "Sex as a Weapon", "Fight it Out", y "Love is a Battlefield") y algunos temas como el abuso infantil ("Hell is for Children", "Suffer the Little Children").

Ganó cuatro premios Grammy por Mejor desempeño Rock Vocal, Femenino de 1980 a 1983, y fue nominada en cuatro ocasiones adicionales en 1985, 1986, 1988 y 1989.

Pat Benatar todavía compone y sale de gira junto con su marido, también se ha convertido en portavoz comercial de la compañía Energizer.

En el verano de 2005 la mayor de sus hijas, Haley Giraldo, protagonizó el reality show del canal E! Entreiment Television llamado Filthy Rich: Cattle Drive.

En 2006 su canción, "We Belong", fue parte de una campaña de 20 millones de dólares para los hoteles Sheraton. Esta misma canción fue interpretada en la comedia de 2006 Pasado de Vueltas protagonizada por Will Ferrell y dirigida por Adam McKay.

La canción "Love Is a Battlefield" fue cantada durante todo el Dignity World Tour 2007-2008 de la cantautora estadounidense Hilary Duff.

El famoso videojuego Guitar Hero incluyó los exitos "Hit Me With Your Best Shot" y "Heartbreaker" en Guitar Hero 3: Legends of Rock y Guitar Hero World Tour respectivamente. Este ultimo contando con la posibilidad de tocar la guitarra, bajo, bateria o cantar con el microfono.

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Big Star

Big Star fue una banda estadounidense de rock and roll de la primera mitad de los 70. Suele considerarse uno de los grupos precursores del power pop. Muy influenciada por el pop de los 60, y muy especialmente por grupos como The Beatles, The Byrds, The Kinks, The Zombies, Badfinger, The Who, Todd Rundgren, Moby Grape, The Beach Boys y Free, la música de Big Star es un pop lírico, enérgico y a veces nostálgico de la década precedente. Su estilo tiene también conexiones con el estilo relajado del sello discográfico radicado en Menfis Stax Records, así como del rockabilly de los comienzos de Sun Records. En la época de los cantautores y de los grupos de heavy metal, Big Star interpretaban concisas canciones de pop melódico. Aunque en el momento de su disolución apenas eran valorados, hoy en día son considerados uno de los grandes grupos de la historia del pop.

Comienzos

Big Star lo formaron en 1971 en la ciudad de Memphis (Tennessee) el guitarrista y cantante Chris Bell, el bajista Andy Hummel, el batería Jody Stephens, y el guitarrista y cantante Alex Chilton. Aunque los cuatro componían y cantaban, la mayoría de las canciones del grupo fueron compuestas e interpretadas por Bell y Chilton, que formaban un equipo creativo similar al de Lennon y McCartney.

Bell compuso dos de las canciones del primer repertorio del grupo cuando formaba parte de dos encarnaciones anteriores del grupo, denominadas Icewater y Rock City, a las que también pertenecieron Stephens, Terry Manning, Thomas Eubanks, Steve Rhea, Hummel, Vance Alexander, Richard Rosebrough y, finalmente, Chilton. Las grabaciones de finales de los 60 y comienzos de los 70 de esos grupos se incluyen en los álbumes Rock City y Rockin' Memphis, editados por Lucky Seven/Rounder Records en 2003.

El grupo no fue bautizado como Big Star (el nombre procede de una tienda local de Memphis) hasta las sesiones de grabación en las que participó Chilton (antiguo miembro de los Box Tops y leyenda del pop adolescente) y que proporcionaron el material para el primer LP del grupo, #1 Record. El disco fue producido por John Fry, jefe de los Ardent Studios, con la asistencia de Terry Manning, que añadió algunos coros y arreglos de teclado. #1 Record se editó en 1972, pero Ardent Records, su sello discográfico, tuvo problemas con sus distribuidores, Stax y Columbia Records, lo que tuvo como resultado que se vendiesen muy pocos ejemplares.

Bell, tratando de vencer una severa depresión, y decepcionado por la falta de éxito comercial, abandonó el grupo en 1972 para desarrollar su carrera en solitario. Big Star se disolvió durante una corta temporada, pero sus integrantes volvieron a ponerlo en marcha y editaron Radio City en 1974. En este álbum aparecen dos de las canciones más famosas del grupo, "September Gurls" y "Back of a Car". Aunque no aparece en los créditos, Bell intervino en la creación de algunas canciones del álbum, como "O My Soul" y la citada "Back of a Car," según Fry (citado por Clark, 1992) y Hummel (citado por Jovanovic, 2004). La cubierta original del álbum era una fotografía en color, "The Red Ceiling", obra del conocido fotógrafo William Eggleston. A pesar de obtener excelentes críticas, no fue un éxito de ventas: Hummel abandonó la banda y fue sustituido por John Lightman para las actuaciones en directo.

Chilton y Stephens grabaron varios temas con el productor Jim Dickinson para un proyectado doble LP con numerosos amigos e invitados, incluyendo a la vocalista Lisa Aldridge, el batería Richard Rosebrough, Lee Baker de Mud Boy and the Neutrons, y Steve Cropper. Rosebrough había intervenido en algunas grabaciones en solitario de Chilton, en 1970, después de la separación de los Box Tops y antes de que se formara Big Star, y participó también en tres de los temas de Radio City ("What's Goin' Ahn", "She's a Mover" y "Mod Lang", según Jody Stephens, citado por Metz). Tras grabar este disco, la banda volvió a deshacerse a finales de 1974. El disco apareció finalmente cuatro años más tarde, en el sello PVC, con el título de Third, un álbum que combina un enfoque más intimista con una marcada sensibilidad pop, próxima a referentes que van de Left Banke a The Velvet Underground. En 1992 se reeditó en formato CD con el título de Third/Sister Lovers.

En los años 80, los críticos comenzaron a citar los discos de Big Star entre los más destacados de la década anterior, y los consideraron un importante eslabón entre el clásico pop de guitarras de los 60 y los sonidos de la new wave y del rock alternativo de los 80. Muchas bandas alternativas de los 80 y 90, como R.E.M., Teenage Fanclub, The Replacements, Primal Scream, Bill Lloyd y The dB's han citado a Big Star como una de sus principales influencias. The Bangles incluyeron una versión de "September Gurls" en su disco Different Light (1985) y, más recientemente, Wilco ha mostrado una fuerte influencia de Sister Lovers, especialmente en su álbum A Ghost Is Born.
Reunión de la banda

Chilton y Stephens se reunieron en 1993 con Jon Auer y Ken Stringfellow de The Posies tomando el lugar de Bell (que falleció en 1978 en un accidente automovilístico) y de Hummel (que había abandonado la música para trabajar como ingeniero) para dar un concierto en la Universidad de Missouri. En uno de los bises la banda interpretó el tema "Duke of Earl" de Gene Chandler, reflejando el interés de Chilton por las raíces del rock and roll. Este concierto fue seguido de giras por Europa y Japón, así como por una aparición en The Tonight Show. A raíz de estos conciertos se publicaron los discos Columbia: Live at Missouri University 4/25/93, grabación de la primera actuación tras la reunión de la banda; Big Star Live (grabación radiofónica de una actuación del grupo en 1974 en Long Island, y Nobody Can Dance, que recoge el último concierto del grupo como trío, que tuvo lugar en Overton Park, en Memphis.

Big Star se dio a conocer ante una nueva generación de fans cuando su tema "In the Street" fue seleccionado como canción representativa de la década de los 70 para la comedia de situación That '70s Show, que lo usó como sintonía de cabecera de la serie en 1998. En 1999, Cheap Trick grabó una nueva versión del tema, rebautizándolo "That '70s Song". "That '70s Song" y la canción original de Big Star "September Gurls" fueron incluidos en un álbum editado por los productores del programa, That '70s Show Presents That '70s Album: Rockin'.

Los nuevos Big Star regresaron a Ardent Studios a comienzos de 2004 para trabajar en un nuevo álbum de larga duración. El trabajo resultante, titulado In Space, fue editado el 27 de septiembre de 2005 por el sello Rykodisc.

La compañía InVision Motion Picture Group ha comprados los derechos del libro sobre Big Star de Rob Jovanovic (Big Star. The Story of Rock's Forgotten Band) y se encuentra en las primeras fases de la realización de un largometraje sobre la historia del grupo.

Integrantes:

- Jon Auer — guitarra, voz (1993–actualidad)
- Chris Bell — guitarra, voz (1971–1972)
- Alex Chilton — guitarra, voz (1971–actualidad)
- Andy Hummel — bajo, voz (1971–1973)
- John Lightman — bajo, voz (1973–1975)
- Jody Stephens — batería, voz (1971–actualidad)
- Ken Stringfellow — bajo, voz (1993–actualidad)

Pagina: http://bigstarband.com/

Dolores O'Riordan

Dolores Mary Eileen O'Riordan (6 de septiembre de 1971 en Ballybricken, Limerick, Irlanda) es una cantante irlandesa de registro melismático, muy conocida por ser vocalista de la banda The Cranberries.

Biografía

Infancia

Dolores Mary Eileen O'Riordan Burton nació el 6 de septiembre de 1971 y tan solo dos días después su padre, Terence, sufre un terrible accidente mientras viajaba en su motocicleta. Como consecuencia, Terence queda paralítico y se ve obligado a vivir en una silla de ruedas.

Debido a la condición del cabeza de familia, quien trabajaba y vivía de sus cosechas, los hermanos de la pequeña Dolores se tienen que hacer cargo de las siembras, mientras que Eileen, la madre de Dolores, se tiene que dividir el tiempo trabajando en un pequeño snackbar y cuidando y atendiendo a sus hijos más pequeños. En ese tiempo, los O’Riordan vivían en un área agrícola en una casa muy pequeña con tan solo dos habitaciones para los 9 integrantes de la familia. Para 1974, cuando Dolores ya contaba con 3 años de edad era muy común verla cantando por todos los rincones de la casa, del colegio y de la iglesia.

A partir de los 5 años empezó a tocar el órgano en la iglesia y a cantar. Cantaba canciones tradicionales e himnos eclesiásticos, así fue como descubrió que su verdadera pasión era ésa. En 1978, con 7 años de edad, tiene uno de sus primeros traumas debido a que su hermana mayor causa accidentalmente un incendio dentro de la casa. Los O'Riordan entonces quedaron sin un techo donde vivir, por lo que entre los vecinos de la familia se organizan para ayudarlos a construir un nuevo hogar, esta vez mucho más grande que el anterior para que pudiesen vivir con un poco más de comodidades.

Dolores era una niña un poco fuera de lo común ya que no le agradaba la idea de ser una niña, ni jugar con el resto de las chicas, en cambio ella prefería pasar el tiempo jugando con sus hermanos. Desde pequeña quería ser más libre, decidir por ella misma, algo que envidiaba de sus hermanos y el resto de los chicos. Por estas y más razones, se acostumbro a llevar el cabello muy corto para confundirse entre los chicos, disfrazando y ocultando cualquier rasgo de femineidad. Dolores no estaba acostumbrada a usar ropa muy colorida ni vestidos largos, quería ser como sus hermanos; ellos siempre usaban ropa oscura, les gustaba salir en coche y divertirse.

En 1981, cuando ya tenía 10 años de edad comenzó a trabajar con su madre. En 1983, Dolores escribe su primera canción, cuando tenía 12 años de edad, el tema lo tituló “Calling”, y hablaba sobre su primer amor, un hombre mucho mayor que ella, que además era su maestro en el colegio.

En el colegio, la pequeña Dolores siempre fue tachada como la niña rara y la apodaron “The girl who writes songs”. Ahí nunca tuvo muchos amigos. Cuando Dolores era toda una adolescente le gustaba mucho la música sacra, por lo que también formaba parte del coro de la Iglesia a la que asistía. El pop formaba parte muy importante de sus gustos, le encantaba escuchar la música de grupos como Duran Duran y The Smiths, admiraba a Sinéad O'Connor y a Patsy Cline.

Comienzo con The Cranberries

Ella y su grupo se hicieron mundialmente conocidos con «Zombie», una canción que denunciaba la situación en Irlanda del Norte, región maltratada por el terrorismo. Posteriormente conseguirían otros grandes éxitos con canciones como «Ode To My Family», «I Can´t Be With You», «Salvation», «Free To Decide», «Promises», «Animal Instinct» y «Just My Imagination», pero sus primeros pasos los dieron con «Dreams» y «Linger», clásicos de la música en inglés.

Dolores O´Riordan comenzó su carrera con grandes enfrentamientos con la prensa sensacionalista británica, que la maltrató durante varios años, especialmente en 1996, cuando se dijo que Dolores sufría de anorexia y tuvo una fractura en la rótula que la obligó a suspender la gira Free To Decide World Tour. Las cosas se recondujeron cuando en 1999 publicó el disco Bury the Hatchet (reconciliémonos, literalmente: enterremos el hacha), título que dejaba bien claro su intención de partir desde cero.

Sus canciones son muy autobiográficas. Uno de sus mayores momentos de fama lo tuvo cuando interpretó el tema «Ave María» de Schubert con Luciano Pavarotti en su concierto Pavarotti and Friends en 1995, canción que posteriormente formaría parte de la banda sonora de la película La Pasión de Cristo (2004)

Carrera en solitario

Dolores firmó contrato con la compañía discográfica independiente Sanctuary Records y lanzó su disco como solista en mayo de 2007. El álbum lleva por nombre Are you listening?.

Dolores O'Riordan debió cancelar 7 presentaciones debido a una enfermedad, terminando anticipadamente la gira. El tour incluyó Asia, Europa y América (por primera vez visitó Sudamérica); sumando casi 50 presentaciones. El gran recibimiento de los de habla hispana ha sido muy grato para ella, declara Dolores: "tengo muchos recuerdos agradables... he prometido volver el próximo año a Sudamérica, lugares como Argentina, Chile, Brasil... me han dejado totalmente asombrada. Lamento mucho no haber venido antes con mis compañeros de siempre, The Cranberries".

En junio de 2007, Sanctuary Records, fue adquirida por Universal Music Group [2]. Por esto, la promoción del segundo single, «When we were young» de Are you listening? está suspendida, aún cuando ya se grabó el videoclip. Según Don Burton, no ha podido comunicarse con los representantes de Universal para intentar llegar a un arreglo.

Dolores O'Riordan hará su debut en la actuación con la película de David Grieco titulada Secrets Of Love, es una historia sobre una obsesión, relacionada con el misterioso asesinato de la cantante Sarah Blisset (interpretada por Dolores) "Sarah era hermosa, realmente especial. Era un sueño, un mito, un icono... Adorada y deseada por todos, las personas continuaron escuchando sus canciones. Nadie pudo olvidarla, por supuesto, las verdaderas estrellas nunca mueren..."

Cabe destacar, su participacion en la pelicula de Adam Snadler "Click", en la cual en la escena del casamiento del hijo de Adam Sandler en la pelicula, Adam Sandler y Kim Basinger bailan su cancion de amor, "Linger" de The Cranberries, cantada por una banda y de vocalista, Dolores.

En 24 de agosto Dolores O'Riordan publicó su segundo album como solista titulado "No Baggage?" [http://www.doloresoriordan.ie/ y su primer sencillo se titula "The Journey". Este nuevo álbum suponge una nueva inmersión en sus vivencias personales, con sonidos experimentales y con temas muy intimistas.

Un día después de la publicación de "No Baggage" en una entrevista radiofónica, la cantante anunció el regreso de The Cranberries después de seis años y medio de parón. En la entrevista explicó que en el mes de noviembre empezará la gira mundial en Estados Unidos. También se anuncia un posible nuevo disco de la banda.

Vida personal

Dolores O´Riordan tiene cuatro hijos, fruto de su matrimonio con Don Burton, ex manager de Duran Duran.

Pagina: http://www.doloresoriordan.com/

Gotthard

Gotthard es una banda de hard rock de Suiza fundada por Steve Lee y Leo Leoni. El nombre de la banda hace referencia a una montaña rocosa de su país, aunque en sus inicios se llamaron Krak.
Quince años de carrera, exitosa en su país y en su vecino , Alemania, e inédita en prácticamente el resto de Europa donde sólo los más avezados les han seguido su excelente trayectoria. En 2005 deciden jugársela, bien por motu propio, bien obligados, abandonan la multinacional que tan bien les distribuía en su territorio y tanto les ignoraba en el resto, y fichan por Nuclear Blast, la “major” del metal.

Once de sus álbumes entraron en las listas de éxitos como números uno, haciendo de ellos la banda suiza con más álbumes en las listas.
Con dos millones de álbumes vendidos ( un millón de los cuales vendido sólo en Suiza, que tiene siete millones y medio de habitantes ), lograron conseguir discos de multi - platino en diferentes partes del mundo. Son la banda de rock con más exito en su país, aunque si consideramos las ventas internacionales, siguen de cerca a otra gran banda suiza, Krokus.

Gotthard ha versionado en directo «Immigrant Song» (original de Led Zeppelin) y la incluyeron exclusivamente en un CD de rock clásico (para una revista de rock mensual de gran tirada en Inglaterra). También versionaron «Hush» en directo y se encuentra en el álbum Made In Switzerland .Tienen versiones de Bob Dylan, The Hollies y The Move.

Influencias:
Led Zeppelin, AC/DC, Whitesnake, Deep Purple, Bon Jovi, Van Halen and Aerosmith. El cantante suizo, Steve Lee, está especialmente encariñado de Whitesnake y ha basado su estilo en David Coverdale.

Miembros:
Steve Lee - voz
Leo Leoni - guitarras
Freddy Scherer - guitarras
Marc Lynn - bajo
Hena Habegger - batería

Albums de estudio:
- Gotthard (1992) platino
- Dial Hard (1994) platino
- G. (1996) platino
- Open (1999) doble platino
- Homerun (2001) triple platino
- Human Zoo (2003) doble platino
- Lipservice (2005) doble platino
- Domino Effect (2007) platino


Albums en vivo:
- The Hamburg Tapes (1996)
- D frosted (1997) doble platino
- Made In Switzerland (Live Album) (2006) platino


Recopilatorios:
- One Life One Soul (Best Of Ballads) (2002) doble platino
- One Team One Spirit (Best of Album) (2004) platino
- Metallic Emotions (CD and DVD) - incluyendo «the call» y el vídeo «lift ‘U’ up» Nuclear Blast (2007)

Pagina: http://www.gotthard.com/
Fuente: www.lastfm.es

Duke Robillard

Duke Robillard (nacido con el nombre de Michael John Robillard, el 4 de octubre de 1948 en Woonsocket, Rhode Island) es un guitarrista y cantante de blues norteamericano.

Guitarrista versátil, cantante y estudioso del género de la música negra estadounidense, Duke interpreta distintos estilos como el jazz, swing, el blues y todas sus ramas con una facilidad asombrosa. Si bien puede interpretar y emular el sonido y fraseo de diversos guitarristas del género, como lo hizo en su disco Guitar Groove-A-Rama (2006), cuando llega el momento de interpretar el estilo del guitarrista T-Bone Walker, deja en claro cual es su más marcada influencia.

Pagina: http://www.dukerobillard.com/

Dorian

Dieron el pelotazo con ‘El futuro no es de nadie’, y ahora vuelven con su nuevo largo, el que definitivamente nos permitirá dirimir si aquello fue un golpe de suerte o puro talento. Evidentemente, muchos saldrán ahora mismo a decir que de talento nada, que cómo nos atrevemos a decir semejante cosa de este grupo con las letras que tienen. Y es que otra cosa no, pero animadversión provocan un rato.

Es normal que Dorian, los OBK del indie, traigan consigo este tipo de debates. Sus letras, a pesar de que aseguren que las cuidan muchísimo, son simples, sencillas e incluso algo infantiloides. A nadie se le olvida aquella canción anterior que empezaba con “Dice la derecha…”. Por suerte esta vez han dejado de lado el tema político y ya no buscan la playa bajo los adoquines. Ahora tiran más por la cotidianidad de nuestros días, y por las historias más personales.

Las letras de Dorian no han mejorado. No han mejorado en absoluto, pero es que tampoco era necesario. No nos vamos a encontrar grandilocuencia, ni metáforas imposibles. Es quizá esa simpleza la que permite que temas como ‘Cualquier otra parte’ y sus pastillas rosas se hayan colado en nuestro imaginario colectivo. ¿O es que hay alguien en el indie español que no tenga algún recuerdo de amor-odio asociado a esta canción? Probablemente no: la hemos escuchado en el Ochoymedio, en el Razz, en el FIB, en el Summercase. En todos lados.

La grandeza de Dorian no es esa. Lo que mejor hacen estos chicos son las melodías, que les quedan realmente pegadizas, y muy bien sincronizadas con la letra. Es fácil aprenderse sus temas, que contienen frases aplicables a casi cada uno de nosotros. Luego sus discos tienen pistas claramente desechables pero, ¿qué más da? Tienen un puñado de buenos singles y un puñado de frases verídicas como la vida misma. ¿O es que no hay idiotas encerrados en coches de mil caballos? Quien crea que no, es que no se ha dado una vuelta por el extrarradio de su ciudad.

‘La ciudad subterránea’, que así se llama su nuevo largo, no tiene canciones que funcionen tan bien como la ya mencionada -y trilladísima, pero igualmente reivindicable como himno generacional- ‘Cualquier otra parte’. Pero sí contiene temas que prometen darnos momentos igual de memorables al tiempo que provocarán sarpullidos en sus detractores. ‘Verte amanecer’ es la típica canción ñoña que nunca admitirías que te gusta (en especial por ese estribillo), pero que al final te la pones y te toca un poquito. ‘La mañana herida’ es una historia que -especialmente en estos tiempos de crisis- hemos vivido todos, ya sea en nuestra piel o en la de un amigo. Sin embargo, los Dorian mejoran claramente cuanta más sencillez aplican en sus composiciones. La segunda mitad del disco es bastante superior a la primera, sorprendentemente. Y ‘Veleros’ es un poco la culminación de este hecho y un resumen del éxito de Dorian: una canción que, de puro cursi, según te pille de estado de ánimo puede resultar francamente demoledora.

Gregg Allman

Gregory Lenoir Allman (nació en diciembre 8, 1947 en Nashville, Tennessee), es un rockero, cantante de blues, instrumentista, guitarrista y escritor de música. Mejor conocido por ser el fundador de la banda de los hermanos Allman. El ha sido introducido al salón de la fama del Rock and Roll en 1995 con la banda de los hermanos Allman. Y personalmente recibió una condecoración por una vida de éxitos por parte del salón de la fama de música de Georgia en el 2006

La banda de los hermanos Allman es una banda seminal del denominado rock sureño originaria de Macon, Georgia, EE. UU., descrita por el Salón de la Fama del Rock como «los principales arquitectos del rock sureño». El grupo se formó en 1969 y dos años más tarde George Kimball los describió en la revista Rolling Stone como la mejor banda de rock and roll que se había creado en Estados Unidos en los últimos cinco años… Sigue activa en la actualidad.

Pagina: http://www.greggallman.com/

Viejas Locas

La historia de Viejas Locas comienza en un recreo del Colegio Comercial Nº 2 de Villa Lugano cuando tres chicos empezaron con la idea de formar una "bandita" para pasar el tiempo. «Siempre decíamos que cuando tuviésemos una banda le íbamos a poner Viejas Locas porque mi apodo, al final, resultaba divertido», declaró Mauro Bonome (el primer cantante de la banda).

La primera formación de la banda fue Mauro Bonome en voz; Bachi en bajo; y Diego Cantoni en guitarra. Todos pertenecían al barrio Piedrabuena, situado entre Mataderos y Lugano. Con dicha formación empezaron a tocar covers de los Rolling Stones y Pink Floyd mientras, paralelamente, buscaban un baterista.

Así se toparon con Cristián Pity Álvarez, quien hacía seis meses se encontraba aprendiendo a tocar la guitarra y andaba buscando donde poder tocar. Cuando Pity se incorporó sumó al músico que faltaba: Gastón Mansilla tomó la posta en la batería.

Viejas Locas debutó el 3 de noviembre de 1990 en Acatraz; en dicha fecha, gracias al boca en boca, lograron convocar a 60 personas y ya comenzó a destacarse la presencia escénica de Pity. Además de los covers, tocaron dos temas de su autoría: "Descansar en paz" y "Buey".

Los tres fundadores de la banda comenzaron a perder el interés por el proyecto y casi se produce la separación; sin embargo, Pity siguió adelante y fue incorporando otros músicos. Luego de varias pruebas infructuosas para conseguir un cantante, el propio Alvarez ocupó el micrófono principal. Más tarde se sumaron Peri en Armónica, Juancho en Saxo y Burbujas en Piano.

En cuando a la composición de los temas Pity contaba "Es natural en mi hacer las letras. Es un flash, porque no podes programar hacer una letra para la gente, hacer un tema pensando en algo. Es algo que pinta. A veces, estoy durmiendo y se me ocurre un re-tema y por no levantarme, cuando me levanto ya me lo olvide. Estas son sencillas, pocas comparaciones, ninguna metáfora, son bien directas, historias que las entendemos rápido".

Para 1993, tras haberse presentado varias veces en el desaparecido local La Cueva, los dueños los convocaron, junto a otras bandas, para que participaran de un compilado que se llamo "Una noche en La Cueva". Los temas con los que participó Viejas Locas son: "Eva" (con una versión algo cambiada a la luego difundida) y "Tirado en la estación". Esto terminó siendo una mala movida porque firmaron un contrato y después estuvieron mucho tiempo para poder rescindirlo.

Pese a esos problemas legales la banda siguió tocando y en 1994 grabaron el primer demo; el mismo fue distribuido gratuitamente en las presentaciones que realizaron en Die Schulse, Museo Rock y New Order.

En uno de los tantos shows que el grupo ofreció en Capital Federal los vio un representante del sello discográfico Polygram (el mismo que llevó a La Renga a esa compañía). Quedó impresionado y los contrató para la multinacional. El primer disco salió a las calles recién en 1996 y fue conocido bajo el nombre de "Viejas locas" de ahí se destacaron temas como "Intoxicado" (tema que fue corte de la placa), "Lo artesanal" y "Nena me gustas así".

En 1997 entraron, nuevamente, a un estudio de grabación para darle forma a lo que sería "Hermanos de Sangre", el segundo trabajo de Viejas Locas. Para este disco se barajó la posibilidad de trabajar con Andrew Oldhman como productor, cosa que finalmente no sucedió. En este álbum se destacan "El chico de la Oculta", "Psicodélica mujer", "Difícil de entender" y "Perra", el corte difusión.

El crecimiento de la banda era innegable. Para ese entonces los Rolling Stones volvían a la Argentina y Los Ratones Paranoicos, por cuestiones económicas, rechazaron ser teloneros e inmediatamente se pensó en Viejas Locas; por lo que fueron la banda soporte en cuatro, de los cinco, shows que los Stones dieron en el país.

Luego de esa satisfactoria experiencia dieron un show gratuito en Quilmes para todos los seguidores que no pudieron pagar la entrada para estar en River; dicho recital marcó el record de asistencia en un show de Viejas Locas ya que llevaron 10.000 personas.

Antes de entrar a grabar el tercer disco, se produjo otro gran acontecimiento que esperan todas las bandas de rock en la Argentina: tocar en Obras. Al show asistieron algo más de 5.000 personas y tuve como invitado especial a Chizzo de La Renga.

"Especial" es el tercer disco, que contó con la producción de Nigel Walker. Se editó en marzo del '99 y resultó el mayor éxito comercial de la banda. El hit "Me gustas mucho" tuvo alta rotación en las radios porteñas. Éste CD fue el que les permitió cruzar las fronteras y salir a tocar a países limítrofes.

A mediados del 2000, Pity se retira de la banda y realizan un último recital en La Matanza, sin anunciar que era el último.

«La separación de una banda es como pelearse con una chica con la que estuviste casado diez años: no la aguantás más, pero todavía tenés sentimientos hacia ella. Yo me fui de la banda», comentaba Pity en una entrevista para Página/12 (26/12/2001).

De esta disolución surgen tres bandas: Intoxicados (con Pity y Abel Meyer), Motor Loco (la banda de Fachi) y La Lengua (la banda de Pello).

En el año 2002 sale un CD recopilación titulado "Sigue Pegando - Grandes Éxitos", el que contiene los más grandes éxitos de Viejas Locas y un tema inédito: "El hombre suburbano", con la participación de Pappo en guitarras.

A mediados de 2003 se edita el DVD "Viejas Locas", que contiene un recital grabado en vivo en el estadio Obras ante 6.000 personas y 6 video clips de la banda.

El 2009 se inició con el rumor del retorno de la banda, con una gira nacional y un nuevo disco, que fue confirmado en una conferencia de prensa en Puerto Madero.

Formación:
Abel Meyer: batería
Christian "Pity" Alvarez: voz y guitarra
Fabián "Fachi" Crea: bajo
Sergio "Peluca" Hernández: guitarra

Ex integrantes:
Bachi: bajo
Diego Cantoni: guitarra
Gastón Mansilla: batería
Mauro Bonome: voz
Sergio "Pollo" Toloza: guitarra

Discografía:
Viejas Locas, 1996
Hermanos de sangre, 1997
Especial, 1999
Sigue pegando - grandes éxitos, 2002

Pagina: http://www.viejas-locas.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar

Cuby & The Blizzards

Grupo de R&B y blues-rock holandés, surgido en el año 1964 en la localidad de Grollo. Cuby & The Blizzards fueron una de las bandas con sonido bluesy más sugestivas del momento, admirados por nombres tan importantes como Van Morrison, Alexis Korner o John Mayall.

El grupo estaba liderado por el cantante Harry “Cuby” Muskee y el guitarra líder Eelco Gelling, veteranos de la escena holandesa que habían pasado por formaciones como The Rocking Strings y The Sharks. Completaban el quinteto el guitarra rítmico Hans Kinds, el bajista Willy Middell y el batería Dick Beekman.

Harry era un amante del jazz, había tocado el contrabajo en un conjunto jazzístico denominado The Old Fashioned Jazz Group, del rock’n’roll, siendo sus preferidos a finales de los años 50 los Everly Brothers, los Shadows, Elvis Presley y Buddy Holly, y del blues de Chicago, música que adoptó como identidad sonora a comienzos de los años 60, época en la que también interpretaba música beat.

Estas aficiones, con adoración por John Lee Hooker o Elmore James, las compartía con Eelco Gelling, estupendo guitarrista y compositor con el que configuró el esquema sónico de los Blizzards en 1965. El seudónimo de Cuby fue adoptado por Harry al apropiarse del nombre del perro de un vecino.

En 1965 y en el sello CNR publicaron el single “Stumble and fall”, continuado en 1966 por temas como “LSD (got a million dollars)” (con la cara b incluyendo la enérgica y garajera “Your body not your soul”, uno de sus temas más famosos del grupo al ser popularizada en diversas colecciones posteriores), “Back home”, “Richard Cory” y el Lp lleno de blues “Desolation” (1966), publicado en Phillips.

En 1966 se incorporó el teclista Herman Brood al grupo, que variaría de componentes con asiduidad a excepción de Cuby y Eelco Gelling, tentado sin éxito por John Mayall para que se uniera a sus Bluesbreakers.

Un año después grabaron dos Lps, uno junto al bluesman Eddy Boyd llamado “Praise the blues” (1967) y “Groeten uit Grollo” (1967), uno de los títulos clave de su discografía. Los singles de 1967, incluidos varios de ellos en “Groeten uit grollo”, fueron “Just for fun”, “Another day another road”, “Distant smile”, “The sunshine of your shadow” y “Another Land”.

El sonido blues-rock de la banda prosiguió durante los últimos años sesenta, actuando con éxito en toda Europa y grabando cortes como “Window of my eyes”, una de sus canciones más recordadas, “Nostalgic toiler” o “Appleknockers flophouse” y los Lps “Trippin' thru a midnight blues” (1968), “Live at Dusseldorf” (1968), con la participación de Alexis Corner, los recopilatorios “On the road (Boek en Plaat)” (1968) y “Cuby’s Blues” (1969), y “Appleknockers flophouse” (1969).
Durante los primeros años 70 el grupo prosiguió esta profusa creatividad con discos grandes como “Too blind to see” (1970), la compilación “King of the world” (1970), “Simple man” (1971) o “Sometimes” (1972).

Los continuos cambios de formación llevaron a la banda a la ruptura en 1972 para iniciar los dos principales componentes y compositores del grupo, Cuby y Gelling, una nueva andadura musical con Red White & Blue Band, que a mediados de la década volvería a retomar su nombre original.

Posteriormente sus miembros formarían otras bandas como Golden Earring, Muskee Gang, The Blues Connection o la Eelco Gelling Band.

Sus discos previos serían reeditados en diferentes ocasiones para solaz de los amantes de los sonidos blues-rock con aristas jazz.

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Crowded House

Crowded House fue un importante grupo de rock australiano/neozelandés, activo entre los años 1986 y 1996.

Los miembros fundamentales fueron Neil Finn como autor de la mayoría de sus canciones, guitarrista y cantante, Paul Hester en la batería y Nick Seymour en el bajo. Adicionalmente, Mark Hart (guitarra y piano, también miembro de Supertramp) colaboró en Together Alone y Recurring Dream (1992–1996) y Tim Finn (compositor y piano, hermano de Neil Finn) participó en Woodface (1990–1992).

En 2006 Neil Finn y Nick Seymour se juntaron para trabajar en un nuevo disco en solitario de Neil Finn. Dada la gran química que se mantenía entre ellos decidieron volver a unirse para sacar un nuevo disco como Crowded House aprovechando las canciones en las que ya habían trabajado. Mark Hart volvió con ellos a la guitarra y piano, y para ocupar el lugar del difunto Paul Hester, contrataron a Matt Sherrod. Como resultado de este trabajo surge en 2007 el álbum Time on Earth y una subsiguiente gira mundial.

Sus canciones más conocidas incluyen "Don't Dream It's Over", "Something So Strong", "Better Be Home Soon", "Weather with You" y "Fall at your feet".

Origen

Antes de formar Crowded House, Neil Finn y Paul Hester habían participado ocasionalmente en la banda de rock Split Enz fundada por, entre otros, Tim Finn.

La banda que luego será Crowded House nació con el nombre de The Mullanes en 1985 incluyendo al guitarrista Craig Hooper, antiguo miembro de The Reels. Firmaron un contrato con Capitol Records y fueron a Los Ángeles, donde Hooper deja el grupo. Por petición de la editorial, cambiaron el nombre a Crowded House (Casa repleta) refiriéndose al pequeño lugar donde vivían durante la grabación del álbum, en 1902 N. Sycamore St.

Pagina: http://www.etext.org/Mailing.Lists/house/hyperdiscog.html

Chris Isaak

Christopher Joseph Isaak (26 de junio de 1956) es un músico de rock y actor ocasional de Estados Unidos.

Biografía

Vida personal

Isaak nació en Stockton, California. Hijo de Dorothy Vignolo, trabajadora de una industria de patatas fritas, y de Joe Isaak, conductor de grúas. La madre de Isaak es ítalo-americana, originaria de la ciudad de Génova.

Carrera musical

En 1984, firma un contrato con Warner Bros. Records para su primer álbum, Silvertone. Su contrato fue renovado el año 1988, cuando la Warner decidió pasarlo a su filial Reprise Records.

Un año después (1989) lanza el disco Heart Shaped World, el cual incluye su canción más conocida: Wicked Game. Este tema sería usado más tarde, en una versión instrumental, en la cinta Corazón salvaje del director David Lynch, y también en la película Hombre de familia (2000). Lee Chesnut, director musical de una estación radial de Atlanta, obsesionado con las películas de Lynch, comenzó a pasar la versión completa del tema que rápidamente comenzó a trepar en las listas de su país. El video, dirigido por Herb Ritts y protagonizado por el propio Isaak junto a la modelo danesa Helena Christensen, fue un éxito en importantes cadenas como MTV y VH1. También existe un video menos conocido dirigido por el propio David Lynch y contiene escenas de la película.

En 1999, el tema Baby Did a Bad, Bad Thing, incluido en su disco Forever Blue (1995), es usado por el director Stanley Kubrick en su última película titulada Eyes Wide Shut. El video es dirigido por el mismo Herb Ribbs y, de nuevo, protagonizado por Isaak junto a otra modelo, esta vez la francesa Laetitia Casta.

Isaak también compuso un tema musical para el programa de televisión The Late Late Show with Craig Kilborn. En 2001 presenta su propio programa de televisión, The Chris Isaak Show, el cual estuvo en el aire entre marzo del 2001 hasta marzo del 2004 y era transmitido por la cadena de cable estadounidense Showtime. El 2004, su tema Life Will Go On fue usado en la banda sonora de la película Chasing Liberty (dirigida por Andy Cadiff). También su tema Two Hearts se usó en los créditos finales de la película de 1993, Amor a quemarropa, dirigida por Tony Scott.

Actuación

Isaak ha aparecido en numerosas películas, en la mayoría interpretando papeles pequeños, aunque tuvo una aparición importante en la cinta Little Buddha (1993) de Bernardo Bertolucci y en Twin Peaks: Fire Walk With Me de David Lynch. También ha sido actor invitado en la serie de televisión Friends y participó en la miniserie de HBO From the Earth to the Moon. En 2004 interpretó al esposo de Tracey Ullman en la comedia A dirty shame del director underground John Waters.

Pagina: http://www.chrisisaak.com/

Raphael

Miguel Rafael Martos Sánchez (Linares, Jaén, 5 de mayo de 1943), conocido internacionalmente como Raphael, es uno de los cantantes insignia de España. Su calidad vocal, unida a una gran capacidad histriónica y expresiva, han conquistado al público de todo el mundo hispano como también de otras culturas, por más de cuatro décadas.

Biografía y carrera

Niñez

Mundialmente conocido en su etapa juvenil como "El Niño", Miguel Rafael Martos Sánchez nació en Linares, provincia de Jaén, España, el 5 de mayo de 1943, en el seno de una humilde familia. Su padre era obrero ferrallista (operario de la construcción encargado de colocar los esqueletos de hierro en las vigas de hormigón) mientras su madre se prodigaba en los quehaceres hogareños y el bienestar familiar. Tuvieron cuatro hijos varones: Francisco -el mayor-, Juan, Miguel Rafael (El Niño) y José Manuel.

Cuando el pequeño Rafael tiene apenas nueve meses, su padre, que trabajaba para el ayuntamiento, es trasladado a Madrid, a donde emigra con toda la familia.

Acostumbrado desde siempre a oír cantar a su madre, doña Rafaela, que tenía muy bonita voz, resultó muy natural que "Falín" -como le llamaban en su casa- además de jugar como todos los niños, pasara el día cantando.

Y quiso la suerte que la escolanía de la Iglesia de San Antonio de Madrid necesitara por esos días una primera voz para el coro. Enterado de ello, su hermano Juan intermedia y el pequeño "Falín", pese a su corta edad, es integrado a él inmediatamente, y así, con apenas cinco años, comienza a solventar sus estudios en ese colegio capuchino. Hiperactivo y travieso, varias veces fue expulsado del colegio y otras tantas vuelto a incorporar (su presencia en el coro sería a la postre, imprescindible).

A los nueve años, participa en un festival en Salzburgo, Austria, con el coro del colegio, y es reconocido como niño prodigio, al recibir el premio como solista, a la mejor voz infantil de Europa.[1]

Pocos años después ingresa como cadete y aspirante en la Academia y editorial musical del maestro Francisco Gordillo, con vistas a lanzarse en la carrera artística.

Primeros éxitos

Ya con Francisco 'Paco' Gordillo -hijo del maestro Manuel Gordillo- como representante, se inicia Raphael como cantante profesional, firmando contrato como artista exclusivo para Discos Philips (de allí tomó la "ph" que agregó a su nombre). Sus primeros éxitos fueron: Te voy a contar mi vida, Llevan, A pesar de todo, Cada cual e Inmensidad.

Se asocia entonces con el joven pianista y compositor Manuel Alejandro, también de origen andaluz, futuro autor de muchos de sus éxitos, como Yo soy aquél, Cuando tú no estás, Digan lo que digan, Desde aquel día, Amor mío, Qué sabe nadie y En carne viva, entre otros.

A los diecisiete años participa en el IV Festival Español de la Canción de Benidorm. Obtiene el galardón de “Mejor intérprete”, y son también galardonadas seis canciones que presenta en dicho festival: un Primer premio para la canción Llevan de Regueiro y Llorente, y son premiadas también Quisiera (2º Premio), Cada cual (3º), A pesar de todo (5º), No (8º) y Lazarillo (9º Premio).

Posteriormente, tras breve pasaje por el sello francés Barclay, para el que graba un EP en 1963, firma contrato también como artista exclusivo con la casa discográfica Hispavox.

En sus comienzos acude a programas radiofónicos en Radio Madrid y Radio Intercontinental del veterano Ángel de Echenique -que se celebran en directo- donde gana al concurso Ruede la Bola y numerosos premios más.

Breve pero auspiciosa fue su aparición en la película Las gemelas (1962), donde interpreta apenas dos temas.

Apogeo: cine y Eurovisión

En 1966 filma su primera película como protagonista, Cuando tú no estás, dirigida por Mario Camus, a la que seguirían, en años sucesivos, siete producciones más (ver filmografía), todas con gran éxito internacional de taquilla, hasta inclusive en Rusia.

Raphael inaugura en noviembre de 1966 con un concierto en el madrileño Teatro de la Zarzuela, para España e Hispanoamérica, lo que sería su marca artística en lo escénico: los recitales unipersonales de más de dos horas de duración continuada. Verdaderos maratones interpretativos donde da rienda suelta a todo su caudal vocal e histriónico y hace plena entrega de sí ante su público.

Entre sus canciones más famosas de este período -además de las ya mencionadas-, se encuentran: Yo no tengo a nadie, Poco a poco, Al ponerse el sol, Hablemos del amor, Mi gran noche, Cierro mis ojos, Huapango torero, Sandunga y Llorona, estos tres últimos temas de origen mexicano.

En 1966 y 1967 representó a España en el Festival de Eurovisión con sus éxitos Yo soy aquel y Hablemos del amor quedando en 7º y 6º posición, lo que coadyuvó a su lanzamiento internacional, comenzando una interminable serie de giras.

Incursiona en la radio y la TV españolas conduciendo shows como El mundo de Raphael mientras sus especiales de Nochebuena comienzan a ser cita y referencia que, con el tiempo, se harían tradición.

Década de 1970

El 25 de octubre de 1970 se presenta en el famoso Ed Sullivan Show, de la cadena televisiva estadounidense CBS, cantando en vivo en español, inglés e italiano, volviendo a aparecer en el mismo a los pocos meses.

En 1972 funda su propia productora, Zzelesta --de corta existencia-- quedando Hispavox como distribuidora asociada para España, y firma contrato internacional con Parnaso Records.

El 14 de julio de ese mismo año, contrae enlace con la periodista y escritora Natalia Figueroa. La boda se realiza en la ciudad de Venecia (Italia), para evitar el acoso periodístico. Tuvieron tres hijos: Jacobo, Alejandra y Manuel, de los cuales Raphael siempre acota: «Han sido mis mejores conciertos».

Tiene cinco nietos: Nicolás y Julia (hijos de Jacobo y la actriz Toni Acosta), Manuela y Carlos (hijos de Alejandra y Álvaro Arenzana) y Jorge, hijo de Manuel y Amelia Bono (hija del político José Bono), el último en incorporarse a la saga.

También incursiona en la telenovela, con la producción mexicana Donde termina el camino, transmitida en la primavera de 1978 en México y posteriormente en países sudamericanos como Perú y Chile.

Años 80-90: de Qué sabe nadie a Escándalo

A principios de los ochenta graba canciones como: Qué sabe nadie, ¿Qué tal te va sin mí?, Como yo te amo, En carne viva y Estar enamorado. En 1984 graba su primera producción con composiciones de José Luis Perales como Ámame, Yo sigo siendo aquel, y Estoy llorando hoy por ti.

Posteriormente ingresa a CBS Columbia (hoy Sony Music), donde continuó su carrera con composiciones de Roberto Livi como Toco madera y Maravilloso corazón. A principios de los años 90 logra un hit con Escándalo, de Willy Chirino, en muchos países, e inclusive alcanza la posición N°1 en el top ranking de ventas en Japón.

A finales de los años 90, tras pasar por PolyGram, regresa a EMI (actualmente propietaria del sello Hispavox).

En 1998 publica la primera parte de sus memorias, ¿Y mañana qué?, que abarca desde su niñez hasta la época de su casamiento.

Década de 2000: enfermedad, transplante y poderosa madurez

En el año 2000 Raphael interviene en teatro, asignatura pendiente para el artista, con la puesta en escena del musical Dr. Jekyll y Mr. Hyde, que se mantuvo en cartel durante siete meses.

En 2001, el audaz álbum Maldito Raphael estrecha la relación entre este cantante y estilos musicales variados. Incluye duetos con diversas figuras que confiesan su admiración por él, desde Jeanette hasta Alaska.

Desde 1985 la salud de Raphael se veía afectada por un problema hepático que fue resuelto en 2003 con un trasplante, lo que convirtió al cantante en un activo impulsor de la donación de órganos. Su convalecencia fue sorprendente por su rápida recuperación, y Raphael anunció que empezaba «una segunda vida». A finales de 2005 participa en el espectáculo de TVE Rocío...siempre, protagonizado por Rocío Jurado, con quien graba a dúo una canción ya clásica de ella: A que no te vas.

En 2006 estrena otro disco --Cerca de ti (EMI)-- que muy pronto recibe un Disco de Oro en España. En 2006 inicia una gira mundial comenzada en 2006 --también llamada Cerca de ti-- en la cual presenta una selección de sus éxitos sin orquesta, prefiriendo el acompañamiento íntimo de un piano.

Disco de Uranio

Su historia discográfica es impresionante, como lo atestiguan sus 350 discos de Oro, 50 de Platino, y el disco de Uranio. El Disco de Uranio, fué otorgado a Raphael, por las ventas de su disco "Raphael: ayer, hoy y siempre" en 1982. Era un LP/cassette doble que recopilaba sus grandes éxitos y del cual se vendieron 50 millones de copias. Como Raphael ya tenía muchos discos de oro y platino, crearon especialmente esta categoría para que en uno solo se viera representada semejante cifra. Así es como nació el famoso "Disco de Uranio", único existente en el mundo para un artista de habla española. Ha grabado más de 60 discos de larga duración en Español, así como otros en Italiano, Francés, Alemán, Inglés y Japonés [1]

Discografía

Su discografía es extensa y, haciendo abstracción de las innumerables compilaciones y reediciones internacionales, se resume en varios EP, Sencillos, Álbumes y CD. Ha grabado en varios idiomas (inglés, francés, alemán, portugués, italiano y japonés) temas lanzados casi exclusivamente en esos mercados. Su tarea se expande por cinco décadas (60's, 70's, 80's, 90's y 2000's) y en su mayoría fue lanzada en España primero que en otros países, por lo que, cuando no se indica especial procedencia, se trata de ediciones allí originadas.

- Raphaël! (Tú, Cupido - etc.) - EP Philips 1962
- Llevan (Raphaël en Benidorm) - EP Philips 1962
- Quisiera (Raphaël en Benidorm) - EP Philips 1962
- Cuando Calienta El Sol - EP Philips 1963
- Raphael (Tu Conciencia) - EP Barclay 1963
- Raphael (Ma Vie, etc.) - Álbum EMI Music 1965
- Dis-moi Lequel (En francés) - EP Vogue (France) 1966
- Canta... (BSO "Cuando Tú No Estás") - Álbum EMI 1966
- Yo soy aquel / Ti amo tanto (En italiano) - Sencillo Derby (Italia) 1967
- Al Ponerse El Sol (BSO Film) - Álbum EMI 1967
- Please, Speak To Me Of Love / While I Live (En inglés)- Sencillo Columbia (UK) 1967
- Digan Lo Que Digan (BSO Film) - Álbum EMI Music 1967
- Nocturne (En francés)- EP EMI 1967
- El Golfo (BSO Film) - Álbum EMI 1968
- El Barco Del Amor - EP (FAO - Campaña Contra El Hambre) 1969
- Ave Maria / Please, Keep Loving Me (En inglés) - Sencillo Columbia (UK) 1969
- Huapango Torero - EP EMI (México) 1969
- El Ángel (BSO Film) - EP EMI 1969
- El Ángel - Álbum Orion/Ifesa (sólo Ecuador) 1969
- Raphael - Álbum Fontana (Te voy a contar mi vida, Que no me despierte nadie - etc.) 1969
- Aquí! - Álbum EMI 1969
- Live At The Talk Of The Town - Álbum EMI 1970
- Aleluya... - Álbum EMI 1970
- Gelosía /... (En italiano) - Sencillo (Ita) 1970
- Show Us The Way / Maybe (En inglés) - Sencillo U.Art's (USA) 1970
- Wie ein Bajazzo / Luciana (En alemán) Sencillo Polydor (Alemania) 1970
- Halleluja / Natascha (En alemán) Sencillo Polydor (Alemania) 1970
- Chissà, Chissà / Non è vero niente (En italiano) - Sencillo EMI (Italia) 1970
- Sirocco /..... (En alemán) - Sencillo (Alemania) 1970
- Algo Más... - Álbum Hispavox 1971
- Háblame De Amor - 1 Tema (ÁlbumTop Star Fest) Universal Music 1971
- Volveré A Nacer - Álbum EMI 1972
- Le Llaman Jesús! - Álbum EMI 1973
- Israel / I Can't Remember - Sencillo Zzelesta (USA) 1973
- From Here On... (En inglés) - Álbum Zzelesta/Parnaso(USA)1973
- Raphaël! (Ven Conmigo, etc.) - Álbum Zzelesta/EMI 1974
- Raphaël! (Dama Dama, etc.) - Álbum Zzelesta/Parnaso(Amér)1974
- Qué Dirán De Mí - Álbum Parnaso (América) 1974
- Sombras / Vasija De Barro / etc. - EP Orion (Ecuador) 1974
- Amor Mio - Álbum Zzelesta/EMI Music 1974
- Amor Mio (En japonés) - Sencillo Columbia Nippon (Japón) 1974
- No Eches La Culpa Al Gitano - 1 Tema (Álbum Juntos Para Ayudar) UNICEF/EMI Music 1974
- Recital Hispanoamericano(c/Los Gemelos) - Álbum EMI 1975
- Con El Sol De La Mañana - Álbum EMI 1976
- Raphael Canta… (Boleros) - Álbum EMI 1976
- El Cantor - LP EMI 1977
- Juro Que Nunca Volveré / Con Todo y Mi Tristeza - Sencillo EMI (México) 1978
- Una Forma Muy Mía De Amar - Álbum EMI 1978
- Y... Sigo Mi Camino - Álbum EMI 1980
- Vivo Live Direct (20º Aniv.) - Doble Álbum EMI 1980
- En Carne Viva - Álbum EMI 1981
- Enamorado De La Vida - Álbum EMI 1983
- Eternamente Tuyo - Álbum EMI 1984
- Yo Sigo Siendo Aquel (25º Aniv) - Álbum EMI 1985
- Toda Una Vida - Álbum EMI 1986
- Las Apariencias Engañan - Álbum Sony BMG Music 1988
- Maravilloso Corazón, Maravilloso - Álbum Epic/Sony BMG 1989
- Andaluz - Álbum Epic/Sony BMG Music 1990
- Ave Fénix - Álbum Epic/Sony BMG 1992
- Fantasía - Álbum Sony BMG 1994
- Desde El Fondo De Mi Alma - Álbum Epic/Sony BMG 1994
- Punto y Seguido… - CD Universal Music (España) 1997
- Vete - 1 Tema (CD Duetos 2 de Nino Bravo) Polydor/Universal Music 1997
- Jekyll & Hyde - CD Pygmalion/EMI 2001
- Maldito Raphael - CD EMI 2001
- De Vuelta - CD EMI 2003
- Vuelve Por Navidad - CD EMI 2004
- A Que No Te Vas - 1 Tema (CD Rocío... Siempre - con R. Jurado) 2006
- Cerca de ti - CD & DVD EMI 2006
- Maravilloso Raphael - 2 CD & 1 DVD EMI/Sony/BMG/RTVE 2007
- Raphael 50 años después - CD EMI 2008

Premios

Entre sus muchos premios, destacan:

- 3 Nominaciones a los Premios Grammy (EE.UU.)
- Un disco de Uranio (único para un cantante hispano) por la venta mundial de más de 50 millones de copias de su álbum Ayer, hoy y siempre (1982) bajo el sello Hispavox (España)
- 350 discos de oro en todo el mundo.
- 50 discos de platino en todo el mundo.
- Premio Amigo de la Industria Musical Española a toda su carrera.
- Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes (España).
- Premio de Honor de la Academia de la Música por más de 4 décadas de éxito en todo el mundo.
- Nombrado Ilustrísimo Señor de la Orden de Cisneros.
- Nombrado Excelentísimo Señor Comendador de Isabel la Católica (entregado por S.M. el Rey Don Juan Carlos I).
- Medalla de Oro de Andalucía (2007).
- 4 veces Popular, Diario Pueblo, (Madrid).
- 3 veces Super Popular, Diario Pueblo, (Madrid).
- 4 premios "Aplauso".
- 7 veces "Ole" de la Canción, (Barcelona).
- 3 Heraldos de México (máximo premio de este país).
- Premio Rafael Guinad (Venezuela).
- Premio Hoja de Plata (Madrid).
- 2 Premios Quijote de Oro de Televisión Española.
- Medalla de Oro del Círculo de Escritores de Madrid.
- 6 veces Campeón Super-Ventas de discos.
- 4 Premios ACE al mejor concierto del año, por la Asociación de Críticos de Espectáculos de Nueva York (EE.UU.)
- 2 Premios El Sol Azteca (México).
- Disco de Oro al mejor cantante en Midem (Cannes, Francia).
- 4 veces Guaicaipuro de Oro (Venezuela).
- Premio al mejor cantante español pop.
- Premio Sindicato Nacional del Espectáculo.
- Medalla de Oro y Brillantes del Departamento de Turismo (México).
- 5 Antorchas de Plata, en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, (Chile).
- 2 Antorchas de Oro, en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, (Chile).
- 1 Gaviota de Plata, en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, (Chile).
- Gran Galardón de la Sociedad General de Autores (España).
- Hijo predilecto de: México, Colombia, Ecuador, Chile, Argentina, Venezuela y Perú.
- Llaves de Oro de: Nueva York, Los Angeles, Chicago y Miami (5 veces).
- Nombrado Español Universal por la Cámara de Comercio Española en Miami.
- Nombrado Andaluz Universal por la revista "Andalucía en el Mundo".
- Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo (España).
- Estrella con su nombre en la Avenida de la Fama (Los Angeles).
- 2 Calles con su nombre, una en Linares (Jaén) y otra en Estepona (Málaga), ambas en España.
- Premio 'Estrella de Oro' concedido por el Club de Medios en reconocimiento a su larga y consolidada trayectoria profesional.
- Premio Especial Shangai a toda una carrera.
- Premio a toda una vida del Foro del Espectador.
- Premio “Hipódromo de la Américas" a su trayectoria artística internacional (México).
- Premio Júbilo 2005.
- Premio al Jiennense del Año 2004
- Premio Linarense del Año 2004
- Con Raphael en vivo se inauguraron las transmisiones de televisión a color en Puerto Rico, en el año 1969.
- Premio Las Lunas del Auditorio Nacional de México (2006)
- Medalla Lumiére de Cine, concedido en La Solana, Ciudad Real, España (2007)
- Premio "New Yorkers" concedido por la Cámara de Comercio de España - EE.UU. (2007)
- Premio "Jaén, paraíso interior" concedido por la Diputación Provincial de Jaén, España (2007)
- Medalla de Oro de los Amantes por sus 50 años en los escenarios, concedida por el Centro de Iniciativas de Teruel, España (2008)
- Premio A.R.T.E (Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo), recibido en el Circo Price de Madrid, España (2008)

Filmografía

Entre finales de los sesenta y principios de los setenta, Raphael concreta una exitosa carrera cinematográfica. Contando con una muy cuidada producción y directores del prestigio de Mario Camus y Vicente Escrivá, su filmografía estuvo centrada a su lucimiento como cantante, más que al desarrollo de argumentos originales y su crecimiento actoral, por lo que sus películas pagaban tributo a sus canciones de éxito. No obstante, la calidad y esmero general de estas producciones las sitúan muy por encima del promedio habitual del género, tan frecuentado en esos años por las cinematografías de España, México, Argentina, Italia, Francia y EE.UU.

Películas

- 1962 "Las Gemelas", con Jaime de Armiñán, Camilo R. Murillo y Concha Castaños, con escrita y dirigida por Antonio José del Amo. Es el debut cinematográfico de Raphael y sólo participa en algunas escenas y canta un par de canciones: 'Bailando twist' (en off) y 'Te voy a contar mi vida'.

- 1966 "Cuando tú no estás", con Leonardo Martín, Juan Cobos y Miguel Rubio, escrita y dirigida por Mario Camus (Incluye 8 canciones).

- 1967 "Al ponerse el sol", con Leonardo Martín, Juan Cobos y Miguel Rubio, escrita y dirigida por Mario Camus (Incluye 10 canciones).

- 1968 "Digan lo que digan" -coproducción con Argentina- sobre una idea de Antonio Gala y Miguel Rubio, con la colaboración de Ulyses Petit de Murat, sobre argumento de Horacio Guisado. Escrita y dirigida por Mario Camus (Incluye 8 canciones).

- 1968 "El golfo" -coproducción con México- con Shirley Jones (U.S.A.), escrita y dirigida por Vicente Escrivá (Incluye 10 canciones).

- 1969 "El ángel", con José Sacristán, escrita y dirigida por Vicente Escrivá (Incluye 8 canciones).

- 1970 "Sin un adiós" -coproducción con Inglaterra- con Lesly-Ann Down. Escrita y dirigida por Vicente Escrivá (Incluye 9 canciones).

- 1973 "Volveré a nacer" de Antonio Fos, Alfredo Tocildo Martínez y Gabriel Moreno Burgos, dirigida por Javier Aguirre Fernández (Incluye 4 canciones).

- 1981 "Ritmo, amor y primavera" -producción argentina- dirigida por Enrique Carreras. Raphael sólo participa de una escena del film, donde se le muestra cantando el tema "Gracias" grabado en los estudios de Argentina Televisora Color (ATC), Canal 7 de Buenos Aires.

Pagina: http://www.raphaelnet.com/