Danni Carlos

Desde Bahia nos llega Danni Carlos, nació en Rio de janeiro el 2 de julio de 1975. Empezó a componer sus canciones a los 16 años de edad, pronto ella demostró su trabajo y su voz presentandose en los bares dela noche carioca. Ella estudió astrología, el tarot y teatro, con 21 años de edad decide aventurarse a Europa, el continente donde viajo como "mochilera", se pintó el pelo de rojo.

En esas andanzas llegó a vivr un corto periodo con un grupo de monjas en un convento italiano, dentro de un clima "Zen", que por más extraño que parezca, esto tiene que ver con la fomración del temperamento de la cantante de rock.

De regreso a Rio de Janeiro y con muchas historia que contar, la espigada y rubia Danni (que visualmente es una mixtura de Sharon Stone y Courtney Love) logró que la compañia BMG registrara 20 composiciones suyas, algunas de ellas en inglés.

Esto llamó finalmente la atención de los ejecutivos de la disquera y recibió una propuesta suficientemente tentandora: reeditar, con esa cálida voz, en formato acústico, algunos hits del rock internacional, como "Wherever You Will Go" (The Calling), "I Was Born you the Love You" (Freddie Mercury) and "Missing" (Everything But the Girl).

El resultado fue el disco Acoustic Rock'N'Road (2003), en corto tiempo el disco batio la marca de las 130 mil copias vendidas y definitivamente esto impulsó a la joven mujer por seguir la carrera de cantante (al mismo tiempo, Danni participaba como actriz de la serie "Heavy Load" y participaba de la novela "He is that they are they", ambas de la red brasilera O'Globo).

J.J. Cale

J.J.Cale nació en Oklahoma (EEUU) en 1938.Empezó a ser conocido cuando los años 70 iniciaban su andadura gracias al album «naturally».

Este L.P.contenía ya algunos de sus clásicos, como «call me the breeze», «after midnight o «crazy mama». Su estilo era una extraña, innovadora y personalísima mezcla de blues, country y rock and roll.

Cale se caracteriza por una voz suave y sugerente, y una manera de tocar la guitarra que ha influenciado claramente a otros grandes del instrumento como Mark Knopfler o Eric Clapton.

A este último le debe la popularidad de muchas de sus canciones y la suya propia,Clapton lleva desde 1970 versioneando canciones de Cale en muchos de sus discos.

La más conocida de todas las versiones que ha hecho ha sido, por supuesto, «cocaine», pero hay muchas más:
«after midnight»,»I´ll make love to you anytime»,»same old blues»,etc.

En 2006 unieron fuerzas y grabaron un album:»The road to escondido».La carrera de Cale se ha caracterizado por tener pocos altibajos, siendo casi todos sus trabajos de un gran nivel.

J.J.Cale es muy poco parecido a una estrella del rock, es más bien una especie de ermitaño, le gusta disfrutar de la tranquilidad y sencillez de su vida diaria y siempre ha sido asi.

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The Black Keys

The Black Keys son un duo de blues-rock formado por Dan Auerbach y Patrick Carney en la ciudad estadounidense de Akron, Ohio.

Historia

El nombre de la banda se inspiró en un artista amigo del grupo que padecía de esquizofrenia y que usaba el término black keys para describir a "las personas que no estaban del todo bien". Un doble significado también puede interpretarse como el hecho de que las teclas negras (black keys) de un piano comprenden una escala pentatónica menor empezando en mi bemol mayor, que se asocia frecuentemente con el blues y el rock.

Seguido se les compara con los White Stripes — otro duo de música lo-fi con influencias blues y que tuvieron su primer éxito significativo en el 2001, varios meses antes que The Black Keys.

El grupo editó su primer álbum The Big Come Up en el 2002, seguido por Thickfreakness en 2003 y Rubber Factory en 2004. En ocubre de 2005 salió a la venta su DVD en vivo, Live que fue grabado en el Metro Theatre de Sydney el 18 de marzo del mismo año. Para 2006 editaron Magic Potion y el menos conocido EP Chulahoma.

Han logrado gran reconocimiento y aclamación por parte de la crítica desde que su álbum debut fuera ovacionado por la revista Rolling Stone[1]. La revista Time los nombró como uno de los "10 mejores actos del 2003"[2] (detrás de OutKast y The White Stripes). Le han abierto a varios grupos como Beck y Radiohead, salido de gira con otros como Sleater-Kinney y participaron en el festival Lollapalooza de 2005. Además, recibieron gran apoyo del influyente locutor británico John Peel, aparecieron en el Late Night with Conan O'Brien y el Late Show with David Letterman

Robert Plant (el líder de Led Zeppelin), Billy Gibbons de ZZ Top y Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead son todos fans de The Black Keys[3]. Kirk Hammett, el guitarrista de Metallica también ha declarado en una entrevista que disfruta estuchar de su música. Matt Helders, baterista de los Arctic Monkeys, fue visto con una playera del grupo en una entrevista para MTV.

Estilo

Uno de sus rasgos característicos es su preferencia por las técnicas de grabación de baja fidelidad, tales como el uso de grabadoras de cinta y efectos analógicos. La banda misma realiza la mayoría de la grabación, producción y mezcla de sus trabajos. Una gran parte del álbum Thickfreakness fue grabado en tan solo 14 horas en el sótano de Carney en una grabadora de ocho pistas Tascam 388 de los 80s. De vez en cuando experimentan con técnias de producción y grabación un tanto extrañas, como dejar ruidos de fondo.

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Willie Nelson

Willie Hugh Nelson (Abbott, Texas, 30 de abril de 1933) es un compositor, letrista, cantante y guitarrista estadounidense de música country, que se hizo célebre como representante del llamado movimiento "outlaw country" durante los años 70.

Biografía

Comienzos

Tras el divorcio de sus padres, Willie y su hermana Bobbie fueron educados por sus abuelos. Se interesaron muy pronto por la música, y, con otro amigo, llegaron a formar un grupo, los Bohemian Fiddlers, mientras Willie estudiaba todavía en el instituto. Acabados los estudios, se enroló en la Fuerza Aérea, pero tuvo que abandonarla por problemas de espalda. Asistió a clases durante un año en la Universidad de Baylor, pero abandonó los estudios y encontró trabajo pinchando música country en una emisora de Fort Worth, al tiempo que cantaba en bares honky-tonk. En 1956 se trasladó a Vancouver, en el estado de Washington, donde comenzó su carrera musical grabando el tema "Lumberjack", compuesto por Leon Payne. El sencillo fue un éxito de ventas, pero Nelson no logró iniciar una sólida carrera musical, y continuó trabajando en la radio y cantando en clubes. Vendió, por cincuenta dólares, una canción compuesta por él, titulada "Family Bible", que fue un éxito en la versión de Claude Gray y desde entonces ha sido interpretada por numerosos músicos y es considerada un clásico del gospel.

Escritor de canciones

Se trasladó al estado de Tennessee, pero no logró ningún contrato discográfico, aunque sí un contrato publicitario con Pamper Music. Cuando Ray Price grabó su tema "Night Life" (tal vez la canción country más veces versioneada), se unió al grupo de Price para su gira como bajista. Mientras tocaba con Ray Price and the Cherokee Cowboys, muchas de las canciones de Nelson fueron éxitos en las voces de otros intérpretes country, entre ellas "Funny How Time Slips Away" (interpretada por Billy Walker), "Hello Walls" (por Faron Young), "Pretty Paper" (por Roy Orbison) y, sobre todo, "Crazy" (por Patsy Cline). Firmó por Liberty Records en 1961 y editó varios singles, entre ellos "Willingly" (con su esposa, Shirley Collie) y "Touch Me."

Tampoco entonces fue capaz de iniciar una sólida carrera musical. Sus grabaciones de la época durante la que fue compositor para Pamper Music fueron posteriormente editadas como Crazy: The Demo Sessions (2003). Su vida personal durante este período fue bastante agitada, por decirlo suavemente. Tuvo problemas de alcoholismo, faltó varias veces a su trabajo y fue condenado por tenencia de armas.

Austin

En 1965, Nelson fue contratado por RCA Victor Records y se unió al Grand Ole Opry. Siguieron una serie de éxitos menores. Decepcionado por el negocio musical, que trataba de ahormar su impulso creativo, se retiró a la ciudad de Austin, en Texas. Pronto se vio envuelto en los ambientes musicales hippies (ver Armadillo World Headquarters) y decidió regresar a la música. En Austin alcanzó gran popularidad, ya que interpretaba un estilo de country muy personal, con influencias del rock and roll, el jazz, el western swing y el folk.

Outlaw Country

Con Atlantic Records, Nelson grabó Shotgun Willie (1973), muy bien recibido por la crítica, pero escasamente vendido. Phases and Stages (1974), un álbum conceptual inspirado por su divorcio, incluía el éxito "Bloody Mary Morning." Más tarde fichó por Columbia Records, donde se le dio pleno control creativo sobre su obra. El resultado fue un álbum inmensamente popular y unánimemente aclamado por la crítica, Red Headed Stranger (1975). Aunque Columbia puso al principio dificultades para editar un disco con una guitarra y un piano por todo acompañamiento, Nelson insistió (con ayuda de Waylon Jennings) y el álbum fue un gran éxito, en parte a causa de la inclusión en él de una popular versión del tema "Blue Eyes Crying in the Rain" (compuesto por Fred Rose en 1945).

Junto a with Nelson, Waylon Jennings alcanzó también un gran éxito en el mundo del country a comienzos de los 70, y pronto se acuñó la etiqueta outlaw country para definir el tipo de música que ambos practicaban. El término "outlaw" ("proscrito") hacía referencia a que su música no se ajustaba a los cánones de Nashville. Esta imagen de proscrito de Nelson se afianzó con su siguiente álbum, Wanted: The Outlaws! (1976, junto a Waylon Jennings,jessie jennings Tompall Glaser), el primer álbum country en convertirse en disco de platino. Nelson continuó copando las listas con canciones de éxito durante la segunda mitad de la década. Entre estos éxitos destacan "Good Hearted Woman" (a dúo con Jennings), "Remember Me", "If You've Got the Money I've Got the Time", "Uncloudy Day", "I Love You a Thousand Ways" y "Something to Brag About" (dúo con Mary Kay Place).

En 1978, Nelson grabó dos nuevos álbumes que serían también discos de platino: Waylon and Willie (una colaboración con Jennings que incluye una de las canciones más características de este último, "Mammas Don't Let Your Babies Grow Up to Be Cowboys") y Stardust, un inusual disco de standards interpretados a la guitarra, producido por Booker T. Jones. Aunque la mayor parte de los críticos predijeron que Stardust acabaría con su carrera musical, terminó siendo una de sus más exitosas grabaciones.

Carrera como actor

Nelson empezó también una carrera como actor. Apareció en El jinete eléctrico (1979), y fue el protagonista de varias producciones, como Honeysuckle Rose (1980), Barbarosa (1982), Red-Headed Stranger (1986, con Morgan Fairchild), Wag the Dog (1997), Gone Fishin (1997), en el papel de Billy 'Catch' Pooler, y el telefilme de 1986Stagecoach (junto a Johnny Cash, Waylon Jennings y Kris Kristofferson, con quienes formaría un grupo llamado The Highwaymen). Después de esto, Nelson ha continuado trabajando como actor, pero generalmente solo en pequeños papeles y cameos, como en Half Baked, película en la que interpreta a un anciano "fumador histórico" que, mientras fuma marihuana, recerda lo que solía hacer en su juventud; apareció también en la película de 2006 Beerfest, en el que busca compañeros de equipo para un imaginario campeonato del mundo de fumadores de marihuana que tiene lugar en Amsterdam. Ha hecho también apariciones como estrella invitada en varias series de televisión, como Corrupción en Miami, Delta, Nash Bridges, Los Simpson, Monk and El rey de la colina. Interpretó a "tío Jesse" en la película The Dukes of Hazzard, versión cinematográfica de una serie de televisión, y retomó el papel para la segunda parte de la película, The Dukes of Hazzard: The Beginning (2007).

De los años 80 a la actualidad

Durante los 80 publicó una serie de singles de éxito: "Always on My Mind" (tema antes popularizado por Elvis Presley), "On the Road Again", de la película Honeysuckle Rose y "To All the Girls I've Loved Before", un dúo con Julio Iglesias que obtuvo notable éxito y ayudó a impulsar la carrera de Julio en EE. UU.. También editó algunos álbumes más populares, como Pancho and Lefty (1982, en colaboración con Merle Haggard), WWII (1982, con Waylon Jennings) y Take it to the Limit (1983, también con Jennings).

A mediados de la década, Nelson, Waylon Jennings, Kris Kristofferson y Johnny Cash formaron un grupo llamado The Highwaymen, que tuvo un éxito inesperado, con ventas masivas y giras mundiales. Por la misma época, se implicó en obras de caridad, como la creación de los conciertos Farm Aid, en 1985.

En 2004 grabó un tema de Bob Dylan, "He was a friend of mine", para la BSO de la multipremiada película "Brokeback Mountain"; dicha grabación ha de tomarse como muy audaz por sus connotaciones gay, ya que por contexto, la "amistad" descrita en la letra adopta el componente amoroso de la película.

Pagina: http://www.willienelson.com/

Los Violadores

Emulos locales de The Clash, Los Violadores son la primer banda punk argentina en lograr repercusión masiva. Ya por 1980 sus presentaciones en pequeños reductos underground convocaban a cientos de seguidores... y a la policía que inevitablemente interrumpía los shows. Por ese entonces, la censura les prohibió el nombre, y entonces se hacían llamar "Los Voladores". «Queríamos hacer algo punk pero enraizado en nuestra realidad. No queríamos ser parte de ese rock argentino complaciente y callado ante la dictadura, cómplice de las barbaridades».

Luego del primer disco ("el más rabioso de la historia del rock nacional", según el mismo Pil Trafa), Stuka pasó a ocupar el lugar dejado vacante por Harry B y Robert "El Polaco" Zelazek se incorporó en el bajo.

En aquel entonces, el principal "enemigo" de la banda era el régimen militar y, en segundo término, la ideología hippie. Si bien comportían ese enemigo en común, mantenían una fuerte confrontación con los músicos líderes del momento: Serú Girán, León Gieco y Spinetta Jade.

Gracias a los contactos con Michel Peyronel, el baterista de Riff, el grupo logra grabar el primer LP. La presentación del material tuvo lugar en Obras, con todas las características del punk, que incluyen los salivazos entre público y músicos.

Las diferencias de criterio musical entre Stuka y Pil Trafa pueden apreciarse en los discos. "Fuera de Sektor" (1986) tiene el estilo de Stuka: más cercano al dark de The Cure y a U2. "Mercado indio" (1987), por su parte, sigue la línea más punk de Pil Trafa. Justamente para la época que se editaba ese trabajo, Pil comentaba: «A mí me gusta la música que me emociona, y esto que hacemos es un sentimiento (...) Las letras no me salen por querer componer un soneto. No, son desgarradísimas (...) Yo estoy viviendo en esto, estoy sufriendo la gran ciudad, estoy gozando y me estoy muriendo, lleno de smog, de humo, de cemento, de cal. Yo no podría hacer otra cosa que no fueran Los Violadores. Creo que con Los Violadores se acaba mi carrera en la música, no podría estar en otro lado, no me sale, no me da y ni siquiera lo intento» (G.Guerrero, pág 214). En 1989 se incorporó el baterista Sergio Vall.

"En vivo y ruidoso" (1990) fue grabado en Obras con hits viejos y también material nuevo. El show comenzó con el tenor Carlos Saidman interpretando el Himno a la Alegría, de la Novena Sinfonía de Beethoven, en versión punk, desde ya.

La banda se despidió en 1992, con unos shows en Obras, cuando ya las diferencias entre Stuka y Pil Trafa eran insostenibles. Este juró no volver más a reunirse "por respeto a su gente" y creó el grupo Pilsen. Stuka creó Stukas en vuelo.

A fines de 1995 «sentimos la necesidad de volver a tocar juntos», confesaron. Se reunieron con Stuka y con Sergio Vall para intentar rearmar el cuarteto, pero las expectativas económicas fueron diferentes. La banda quedó integrada por Pil Trafa (voz), Polaco Zelazek (bajo), Anel Paz (guitarra) y Adrián Blanco (batería). Prometieron disco nuevo, gira por el interior y "seguir tocando por un largo rato".

Stuka y Pil Trafa editaron un disco a duo en 1999, con el seudónimo Stuk@pil.

Luego de todo un 2000 de presentaciones en vivo, finalmente en el 2001 editaron "Lo mejor de Los Violadores", un disco de temas clásicos, pero en nuevas versiones. Desde ese momento, la quedó integrada por Pil (voz), Stuka (guitarra), El Niño (bajo) y Sergio Vall (batería).

"En vivo y ruidoso II" fue grabado en vivo el 25 de octubre del 2002 en Cemento. Incluye 16 clásicos de la banda, más tres temas nuevos: "El día que no hubo aviones", "Todo fue hecho por amor (pero fracasó)" y "Santa Bailanta". Y un bonus track: "Viva la revolution", grabado en estudio con la participación de los alemanes Die Toten Hosen.

Oficializando que "no estamos peleados, pero tampoco somos amigos", Pil lideró la banda para "Y va... sangrando", un disco de seis temas que tiene a Tucán como guitarrista y co-compositor.

En el 2006 editaron "Bajo un sol feliz" a través de EMI. Pil (voz), Tucán (guitarra), El Niño (bajo) y Sergio Vall (batería) festejaron los 25 años de la banda.

Formacion:
Pil Trafa: voz
El Niño: bajo
Tucán: guitarra
Sergio Vall: batería

Discografía:
Los Violadores, 1983
Y ahora qué pasa, eh?, 1985
Uno, dos, ultravioladores, 1986
Fuera de sektor, 1986
Mercado indio, 1987
Y que Dios nos perdone, 1989
En vivo y ruidoso, 1990
Otro festival de la exageración, 1991
Grandes éxitos, 1992
Violadores histórico - La verdadera historia, 1996
Otra patada en los huevos, 1996
Lo mejor de Los Violadores, 2001
En vivo y ruidoso II, 2003
Y va... sangrando, 2004
Bajo un sol feliz, 2006

Pagina: http://www.violadores.com/
Fuente: Rock.com.ar

Cabezones

Integrantes
Alejandro Collados: batería y percusión
César Andino: voz

Ex integrantes
Esteban Serniotti: guitarra, segunda voz, coros, pianos y programaciones
Gustavo Martínez: bajo
Leandro Aput: segunda guitarra

Cabezones es una banda que se inició en 1994 en la provincia de Santa Fe, en medio de numerosos grupos de diversos estilos que poblaron al escena under del momento.

"Un grito más" no fue otra cosa que un demo de cuatro temas que editaron en forma independiente, y vendían en los shows. De su relación con A.N.I.M.A.L. (Andrés Giménez, cantante y guitarrista, les mezcló el demo) surgió la posibilidad de girar por el interior del país, ya con el disco debut, "Electroshock".

Fueron convocados por el sello independiente Mentes Abiertas para participar de un compilado. Cabezones aportó "Promesas" y "Buscando una Salida". Tan conformes quedaron con el resultado que editaron "Hijos de una nueva tierra" (1997), que obtuvo excelentes críticas de la prensa especializada.

Apadrinados por el ex-Soda Stereo Zeta Bossio llegaron a la multinacional Sony para grabar "Alas", en el 2000.

En el año 2002 se editó "Alas" en México y la banda emprendió una gira de ocho meses en ese país.

"Eclipse (Sol)" (2003) fue editado a través de PopArt, acentuando el power dark alternativo. La composición de éste material se vió influenciada por el desarraigo de su ciudad natal y de su país. Ya en Buenos Aires seleccionaron una veintena para comenzar a grabar, producidos por Juan José Burgos. Finalmente, sobrevivieron diez temas que fueron mezclados en el estudio de Mario Breuer.

"Intraural" (2004) es un acústico de seis temas que, según explica Andino, "representa las canciones que más nos conmueven".

"Jardín de extremidad" se lanzó en abril del 2005, a través del sello Pop Art. La placa, de 12 temas, consigue mayor potencia que las anteriores y recibió muy buenas críticas.

Un show realizado en febrero '06 en El Teatro fue registrado para editar en vivo, tanto en CD como en DVD, bajo el título "Bienvenidos". A fines de ese año se presentaron por primera vez en Obras.

A través de un comunicado de prensa, Serniotti, Martínez y Aput anunciaron su alejamiento de la banda, en julio de 2007. Con Andino como el único integrante de la formación original, la banda editó "Solo", en 2008, un disco que no puede evitar de ninguna manera ese cambio tan importante, ni desde lo musical ni de la temática de las canciones. Incluye una versión dark de "Vencedores vencidos", el tema de Los Redondos.

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Fuente: Rock.com.ar

Blur

Blur es un grupo de Rock, Britpop formado en 1989 en Colchester. La banda está integrada por el vocalista / tecladista Damon Albarn, el guitarrista / vocalista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. El grupo se convirtió en uno de las bandas más grandes en el Reino Unido durante el movimiento Britpop de mediados de la década de 1990.

Las influencias originales de Blur están en su álbum debut, Leisure, incluyendo tendencias de Rock alternativo británico contemporáneo tales como Madchester y Shoegazing. Después de un cambio de estilo a mediados de 1990, bajo la influencia de grupos de guitarra ingleses como The Kinks, The Beatles, y XTC, la banda lanzó Modern Life Is Rubbish, Parklife y The Great Escape. Como resultado, la banda ayudó a popularizar el género Britpop y logró una masiva popularidad en el Reino Unido, con la ayuda de un famoso cuadro de batalla con sus rivales Britpop Oasis.

En la década de 1990, con el lanzamiento de su quinto álbum, Blur, la banda sufrió otra reinvención, influenciado por el indie-rock y el estilo lo-fi americano de bandas como Pavement y R.E.M., en el proceso de obtener un difícil éxito Americano con el single "Song 2". El último álbum de la banda con la formación original, 13, se encuentra a Blur experimentando con la electrónica y la música gospel.

En mayo de 2002, el miembro fundador Graham Coxon dejó la banda a principios de la grabación de las sesiones Think Tank, el séptimo y último álbum. Blur continúa en su ausencia, siendo vistos por última vez en su gira para el álbum Think Tank. Desde el final de su gira de 2003, la banda está inactiva, como banda están trabajando en proyectos en solitario. En septiembre de 2007, la banda se reunió con Coxon por primera vez en 5 años. En octubre de 2007, se publicó un mensaje en su página web diciendo que, si bien las relaciones son sanas entre los cuatro miembros, actualmente no están planeando hacer un nuevo disco.

Historia

Raíces e Influencia

Blur fue una de las bandas británicas que aparecieron en el inicio de la caída del grupo británico The Stone Roses, mezclando psicodelia pop rock con fuertes guitarras. Siguiendo el cambio de imagen a mediados de los 90, el grupo se erigió como uno de las más populares bandas de Reino Unido, proclamándose como herederos de la tradición Pop inglesa de grupos como The Kinks, The Small Faces, The Who, The Jam, Madness y The Smiths. En el proceso, el grupo abrió las puertas a una nueva generación de bandas cuyo movimiento se engloba en el Britpop. Las letras irónicas de Damon Albarn, el trabajo remarcado de Graham Coxon y la maestría pop del resto del grupo, les concede ser uno de los líderes del Britpop. Sin embargo, pronto se vieron atados por él; porque fueron una de sus principales bandas, estuvieron cerca de caer con el movimiento cuando este decaía o ya no interesaba. A través del reinvento de sí mismos, Blur reclamaba su posición como una banda art pop-rock en los 90 mediante la incorporación de indie rock e influencias lo-fi procedentes de bandas de los Estados Unidos en el estilo de Pavement o R.E.M., lo cual les dio el difícil reto de triunfar en Norteamérica en 1997. Pero el legado de la banda todavía permanece en Reino Unido, donde ayudaron a reinventar la música pop de guitarras con un enriquecimiento sabio de las tradiciones pop del país.

Debe anotarse que Blur salió de Goldsmith's College. Otros alumnos de la escuela son Damien Hirst que trabajó con Blur en un vídeo y con miembros de la banda en otra banda llamada Fat Les, y Julian Opie, quien creó las imágenes vectoriales realistas usadas en la carátula de la colección de singles. El impacto del Goldsmith's College en la banda no puede menospreciarse.

Ascenso al éxito (1991-1993)

Después de "She's So High", el primer single del grupo, que salió en el programa Top 50 - el productor de Morrissey Stephen Street contactó con la banda y les propuso producir su álbum. La banda aceptó inteligentemente, teniendo en cuenta el éxito posterior de la banda. La asociación entre Blur y Stephen fue exitosa y perduraría durante la siguiente mitad de década. La ayuda de Street en la producción, que ayudó a la banda en su camino al estrellato, hizo que fuese considerado como el quinto miembro de Blur por fans y prensa.

El siguiente single a "She's So High" - "There's No Other Way" - entró en el Top Ten. Ambos singles se incluyeron en su álbum debut, Leisure. Aunque recibió buenas críticas, el álbum fue encajado entre la escena pop Madchester prácticamente muerta y la escena Shoegazing ya decadente, haciendo que algunos periodistas y críticos musicales desecharan a la banda al considerarla ídolos hechos para jóvenes. Durante un par de años, Blur luchó para abandonar este título y probar que los críticos se equivocaban.

Durante su tour por América, documentado en la película Starshaped, el grupo perdió la felicidad, muchas veces ventilando sus frustraciones entre ellos y llevando a cabo varios enfrentamientos violentos. La banda (y especialmente Albarn) empezó a desarrollar la idea de un álbum dirigido contra la cultura estadounidense, originalmente titulado "Blur vs América", con lo que empezaron a trabajar en su regreso a Reino Unido. Andy Patridge, de XTC, fue en un primer momento encargado de producir el siguiente álbum a Leisure - lo que se convirtió posteriormente en Modern Life Is Rubbish. Sin embargo, la relación entre él y la banda pronto se deterioró, así que Street fue de nuevo conducido a producir la grabación. Tras estar casi un año en el estudio, la banda publicó el álbum en Food Records. Sin embargo, la compañía rechazó el álbum, declarando que necesitaba un hit. La banda volvió de nuevo al estudio y grabó "For Tomorrow", que se convirtió en un hit en Reino Unido. Food estaba preparada para publicar el álbum, pero su compañía en Estados Unidos, SBK, dijo que no había un hit para el público estadounidense, así que pidió el regreso de nuevo al estudio de la banda. Entonces crearon y grabaron "Chemical World" que satisfizo a SBK; la canción fue un hit alternativo menor en Estados Unidos y alcanzó el puesto 28 en la lista británica. Modern Life... estaba preparado para ser publicado en la primavera de 1993, cuando SBK pidió a Blur regrabar el álbum con el productor Butch Vig (Nirvana, Sonic Youth y Smashing Pumpkins). La banda muy enfadada e irritada decidió rehusar la petición. El álbum fue publicado en mayo en Reino Unido; apareció en EE.UU. ese otoño. Modern Life Is Rubbish recibió buenas críticas en RU, alcanzando el puesto 15 en las listas, pero falló estrepitosamente en EEUU. A pesar del desdén de Albarn por la cultura estadounidense, particularmente el grunge, las notas del álbum llevaban una cita directa del escritor canadiense Douglas Coupland que escribió la "novela grunge" Generation X: Tales for an Accelerated Culture (Generación X: Historias para una cultura acelerada). La cita decía "Legislated nostalgia: to force a body of people to have memories they do not actually possess" (Nostalgia legislada: forzar a un cuerpo de personas a tener memorias que de hecho no poseen).

Britpop y la altura de la fama (1994-1998)

Modern Life... se convirtió en una carrera árida para llegar al álbum rompedor de Blur - Parklife, cuyo estilos del East End de Londres se inspiraron en la novela de Martin Amis, Campos de Londres (London Fields). El álbum entró en las listas directamente al número uno y catapultó a la banda al estrellato en Reino Unido. El single "Girls & Boys" de estilo nuevaloero dance pop entró en las listas en el puesto quinto; al single le costó quince semanas entrar en las listas estadounidenses, alcanzando el puesto 52, pero el álbum nunca rompió en las listas estadounidenses. La historia fue completamente diferente en Reino Unido, donde Blur tuvo una cadena de hits, incluyendo la balada "To The End" y el himno mod "Parklife", que contaba con la colaboración en forma de narración de Phil Daniels, la estrella de la versión en película de Quadrophenia de The Who.

Con el éxito de Parklife, Blur abrió la puerta a muchas bandas británicas que dominaron la cultura pop británica a mediados de los años 90 y que fue etiquetado como Britpop.Elastica, Pulp, the Boo Radleys, Supergrass, Gene, Echobelly, Menswe@ar, Mansun,Suede y otras numerosas bandas se beneficiaron del éxito de la banda. A comienzos del año 1995, Parklife se convirtió en un disco triple platino y la banda se convirtió en superestrellas. La banda estuvo la primera mitad del año 1995 grabando su cuarto álbum y tocando varios conciertos multitudinarios, incluyendo espectáculos en estadios llenos. Febrero de ese año vio como Blur recibía 4 premios en los Brit Awards, por mejor álbum (Parklife), mejor video (Parklife), mejor single (Parklife) y mejor grupo británico.

Blur publicó "Country House", el primer single de su nuevo álbum, en Agosto con la total atención de la prensa, ya que Albarn había pedido que la publicación del single se adelantara una semana para competir con la publicación de "Roll With It", un nuevo single de los principales rivales de Blur, Oasis. La estrategia sin embargo no fue acertada. Aunque la banda ganó la batalla, con "Country House" convirtiéndose en el primer single número uno, perdieron finalmente la batalla, ya que Oasis se convirtió en la banda con más ventas con su albçun miltiplatino, (What's the Story) Morning Glory?, que vendio mas de 20 millones de copias, ensombreciendo The Great Escape.Al principio de 1996, Blur fueron vistos como lo que podía haber sido, porque volvieron a fallar para dar buena impresión en el mercado estadounidense, donde Oasis había tenido mucho éxito.

Enfrente de la negativa prensa y la débil ayuda del público, Blur estuvo a punto de separarse al principio de 1996, siguiendo una trifulca grande causada por las drogas entre los jefes del grupo Coxon y Albarn. En cambio, la banda decidió estar todo un año fuera de las cámaras, trabajando y diseñando silenciosamente el siguiente álbum a The Great Escape. Al final del año, Albarn declaró que ya no estaba interesado en la música británica y estaba fascinado con la rock indie estadounidense (especialmente Pavement), un género en que Graham Coxon llevaba interesado durante muchos años.

Estas influencias se vieron reflejadas en su quinto álbum homónimo, Blur, que fue publicado en febrero de 1997 con críticas fantásticas, rivalizando de cerca con las publicadas por Parklife. Sin embargo, la reinvención de la banda no hizo ganar críticas positivas en Reino Unido - el álbum y su primer single, "Beetlebum" (se dice que fuertemente influenciado por la banda indie estadounidense Pavement) debutó en el número uno pero pronto cayó en las listas - ya que la audiencia masiva de grupo no aceptaba del todo esta encarnación. En EEUU el álbum recibió fuertes críticas y el álbum y su segundo single "Song 2" que se convirtió en un gran hit, ayudado por su popularidad como hit previo a los partidos de hockey. El álbum alcanzó el puesto 61 en la lista Billboard Top 200, mientras que "Song 2" alcanzó el sexto puesto en la lista de la revista Modern Rock, y desde entonces se ha convertido en un icono de la cultura rock. El éxito en América se repitió finalmente en RU y al final del año Blur volvió a entrar fuerte en las listas. Este álbum mostraba las mejores cualidades de la evolución natural de la banda más allá de sus raíces, ya que combinaba su trabajo previo con una exitosa mezcla entre la música estadounidense y el Britpop.

13 y el paréntesis (1999-2002)

Cuando el movimiento Britpop murió, la banda decidió tomar una visión diferente para su siguiente álbum, así que decidieron dejar de trabajar con el productor y colaborador Stephen Street, quien les ayudó mucho en el establecimiento como una banda importante. Sin embargo, muchos fans no estaban de acuerdo y criticaron a la banda. Sin embargo, en 1999, Blur volvió con 13, un disco mucho más maduro que cualquiera de los álbumes que había publicado Blur hasta esa fecha. Las letras del álbum estaban dominadas por el tuburlento final de Albarn y Justine Frischmann, cantante de Elastica, también sobre sus batallas con la heroína y las adiciones al alcohol provocadas por esa relación. Más oscuro, el álbum fue muy bien recibido, aunque no de la misma manera que los discos de la época del Britpop. Además, al final de ese año se publicó una caja celebrando el décimo aniversario de Blur como banda. El set contenía los 22 singles de la banda y todas las caras-b que les acompañaban.

Exhaustos por la incesante vida musical (grabaciones y conciertos a lo largo del mundo), la banda se tomó un paréntesis. Albarn dijo que no habían parado durante toda una década, así que necesitaban un descanso. Durante un par de años los miembros de Blur se embarcaron en varios proyectos paralelos: Coxon hizo varios discos en solitario, Alex James se unió al actor Keith Allen y el artista Damien Hirst (ambos habían contribuido previamente en el video del single "Country House") para formar Fat Les, mientras Albarn hizo el grupo musical de dibujos animados Gorillaz, viajó a Mali como ayudante de Oxfam, produciendo el álbum Mali Music para recoger fondos para la ONG.

La salida de Graham Coxon y Think Tank (2002-presente)

La grabación de su siguiente álbum había comenzado en Marrakech, Marruecos, justo cuando las tensiones entre Coxon y el resto de la banda escalaron de manera irreversible. Coxon parecía que estuviera distante tanto emocionalmente, personalmente como creativamente del resto de sus compañeros, cuando fue culpado de haber faltado a las sesiones de grabación. Él estaba aparentemente disgustado con la posibilidad de que el DJ dance Fatboy Slim (también conocido como Norman Cook) fuera el productor de las sesiones. Tras varias semanas de rumores e incertezas, Coxon confirmó que le habían pedido que abandonara la banda por razones relacionadas con su "actitud" desde el momento que había dejado el hábito del alcohol. Desde entonces Albarn ha dicho que la puerta siempre está abierta para la vuelta de Graham, pero un posible proyecto o un trabajo en colaboración de toda la formación no es muy probable en un futuro cercano. Coxon sólo aparece en la pista final del último álbum "Battery in your leg" de la que Albarn dice que es la única canción que alguna vez ha escrito sobre la banda.

Más tarde, Albarn dijo a un periodista que había habido una gran pelea entre él y Coxon. El álbum resultante de las grabaciones, Think Tank, fue publicado en mayo de 2003, un disco que paso casi desapercibido, prácticamente lo único que se escucho del disco fue Crazy Beat, el cual fue elegido como Single promocional. El ex-guitarrista de The Verve Simon Tong ha estado ocupando la plaza de Coxon en los conciertos. Irónicamente, Coxon ha decidido volver a trabajar con el productor Stephen Street, para publicar su más exitoso y accesible disco hasta la fecha Happiness in Magazines el 17 de mayo de 2004.

En mayo de 2005 se publicó otro álbum de Gorillaz Demon Days, recibiendo buenas críticas. Damon Albarn, quien estuvo de gira con Gorillaz, ha dicho que está esperando a Graham Coxon para que vuelva a la banda antes de poder comenzar la grabación de un nuevo disco de Blur.

Sin embargo, sus esperanzas para tal álbum fueron tiradas a la basura por los tenaces rechazos de Coxon para trabajar con sus compañeros iniciales otra vez. Coxon entrevistado en The Sunday Mail dijo que "Blur tuvo mucho de cosas de chicos. Estoy encima de eso... hace 10 años que Blur estuvo en lo más alto así que soy una persona muy diferente ahora". "No estoy en contacto con Damon en absoluto y no me arrepiento de eso ahora mismo... para ser sinceros, no hemos estado mucho en contacto incluso cuando éramos Blur... No es como cuando Damon era mi mejor amigo ya que hubo un gran distanciamiento", añadió.

Actualmente Damon Albarn se encuentra desarrollando un nuevo proyecto musical, una banda sin nombre establecido y conocida por el título de su primer álbum The Good, the Bad and the Queen. Los rumores sobre la posible reunión de Blur para la grabación de un nuevo álbum han sido abundantes desde el 2006 debido a que se ha especulado en numerosas ocasiones sobre posibles planes del grupo como tal. Estos rumores alcanzaron su punto más alto cuando a principios de Octubre de 2007 se confirmó que el grupo en pleno (Con Graham Coxon) se reuniría para un almuerzo; debido a las especulaciones sobre un nuevo álbum de Blur, la página oficial del grupo ha sacado a la luz un comunicado en el cual aclara que si bien la banda se había reunido, esto era solo por la amistad que entre ellos existe, pero que no tienen planes fijos sobre la grabación de un nuevo álbum.

A pesar de ello, tampoco se han cerrado por completo las puertas a esta posibilidad. Ha dicho Damon Albarn, quien igualmente anunció que no está pensando en continuar con el proyecto musical de Gorillaz salvo por la posible realización de una película, que no está en sus planes decir adiós al grupo sin antes intentar grabar de nuevo, pero que no es confirmado que de esto pueda salir un trabajo discográfico. Los fanáticos de Blur están a la espera de nuevas noticias al respecto.

Pagina: http://www.blur.co.uk/

Nora Luca

Atraídos por el Klezmer y la música de los Balcanes, Martín Yubro, Martín Longoni y Marcelo Borrello se juntaron a fines del 2004 a
versionar algunos temas tradicionales que habían sacado de discos del género.
Paralelamente y a medida que fueron incorporando los ritmos de está música antes desconocida, comenzaron a surgir composiciones
propias que fueron construyendo, junto a la influencia de la música de Buenos Aires, la identidad estética de la banda.
Nora Luca comenzó a hacer conciertos en Buenos Aires y en Junio de 2005 Martín Longoni y Marcelo Borrello se establecieron en Bariloche donde armaron Nora Luca junto a Marcos Bagnato en percusión y Ricardo Villar en vientos.
En 2006, de regreso a Buenos Aires, volvió a armarse el trío original junto a Martín Yubro y después de un año de conciertos grabaron el disco “Siamo Fuori” (2007, Independiente). El disco fué presentado en Buenos Aires, Mendoza, Rosario, Bariloche, El Bolsón, Lago Puelo y Santiago de Chile.
Actualmente la banda organiza una gira por Europa, Canadá y EE.UU mientras trabaja sobre el material que conformará su proximo disco.

Pagina: http://www.noraluca.com.ar/

Yazoo

Yazoo (conocidos como Yaz en los Estados Unidos) fue un dúo de synthpop de Basildon, Inglaterra, cuya carrera tuvo una corta duración pero un gran éxito comercial al principio de los '80.

El grupo se formó en 1981, utilizando un apodo que Alison Moyet, veterana de numerosas bandas de punk y rock del sudeste de Essex, Inglaterra, había extraído de las etiquetas de viejos álbumes de blues: 'Yazoo'. La otra mitad del dúo, Vince Clarke, había sido fundador y principal compositor de Depeche Mode, con quienes había editado un álbum y tres sencillos para Mute Records, incluyendo los éxitos "New Life" y "Just Can't Get Enough". Clarke -sorpresivamente para muchos- abandonó a Depeche Mode cuando comenzaban a disfrutar del éxito, afirmando que "simplemente no se estaban llevando bien", formando Yazoo con la relativamente desconocida Moyet. Mute Records continuó editando este nuevo proyecto de Clarke.

El single debut de la banda, "Only You", con "Situation" como lado B, fue lanzado en abril de 1982 y trepó al número 2 en el Reino Unido. Clarke había ofrecido la canción como un regalo de despedida para sus antiguos compañeros de Depeche Mode, pero fue rechazada por ellos. Yazoo obtuvo rápidamente otro éxito con su siguiente corte, "Don't Go", que llegó al número 3 en Inglaterra y se volvió popular en los Estados Unidos gracias a la rotación que recibió en MTV el video inspirado en Frankenstein. La racha exitosa continuó con su primer álbum, "Upstairs at Eric's", obteniendo la certificación de platino en Inglaterra. La banda obtuvo críticas farovables por su sonido de vanguardia. Fueron galardonados en 1983 con el Brit como mejor nuevo artista británico. Clarke y Moyet estuvieron brevemente de gira, mientras lanzaban un single, "The Other Side of Love", para llenar la espera por el siguiente álbum.

El segundo álbum del dúo, "You and Me Both", obtuvo mayor éxito, alcanzando la cima de los charts del Reino Unido y dando un single. Sin embargo, el éxito fue afectado por la decisión de Clarke y Moyet de seguir caminos separados.

Con gran influencia de bandas como Kraftwerk, Yazoo expandió la fórmula del synthpop mediante la unión de la voz emocional e influenciada por el blues de Moyet y el sonido electrónico Clarke. Su sonido contenía referencias a la música disco pero le agregaba una actitud más desafectada que el disco no poseía. Su segundo álbum incluyó una mayor presencia en la composición de Moyet, lo que incorporó un sabor más maduro y triste, particularmente en el corte de difusión "Nobody's Diary".

Moyet decidió aventurarse en su carrera solista, firmando un contrato con Columbia Records. Se trató del primer artista en dejar Mute Records. Alcanzó un éxito inicial importante y su carrera, con altibajos, aún se encuentra activa. Vince Clarke grabó un single con el productor Eric Radcliffe (el mismo Eric del título del álbum debut de Yazoo) y el vocalista de los Undertones, Feargal Sharkey, bajo el nombre de The Assembly. Clarke fundó posteriormente el altamente exitoso dúo Erasure con el vocalista Andy Bell.

Pagina: http://www.yazooinfo.com/

Tony Levin

Conocido por su espíritu innovador, Tony Levin es el principal responsable de popularizar el Chapman Stick. Tony es un bajista altamente respetado y es citado continuamente como influencia.

Si bien su línea de bajo en el tema de Peter Gabriel Sledgehammer es prácticamente reconocida por todos, los fans y colegas del instrumento coinciden que su mejor trabajo se puede oír en el material de King Crimson.

Biografía

Tony Levin nació en Boston, Massachusetts y nació en el suburbio de Brookline. A los 10 años empezó con la música tocando el contrabajo. Ya en la secundaria, optó por la tuba, logrando el status de solista en la banda del colegio. También creó su cuarteto vocal (llamados Barbershop Quartet). Por ese entonces, tocaba principalmente con el contrabajo música clásica, logrando su momento más notable al tocar en la Casa Blanca con una orquesta juvenil para John F. Kennedy y Jackie Kennedy.

Luego asistió a la Eastman School of Music en Rochester, NY y formó parte de la Rochester Philarmonic Orchestra. En la escuela también asistía Steve Gadd, hoy en día un renombrado baterista de sesión, quien le mostró a Tony la música Rock y Jazz. Levin tuvo tanto entusiasmo que intercambió su baby bass eléctrico por un viejo Fender Precision Bass, que fue su instrumento por muchos años.

Años 70 e inicios

En 1970, Tony se mudó a Nueva York y se unió a una banda llamada Aha, the Attack of the Green Slime Beast con Don Preston de The Mothers Of Invention. Al tiempo, empezó a trabajar como músico sesionista durante toda la década, en donde tocó el bajo en muchos albums.

A finales de los años 70, buscando propuestas para salir de gira, Levin formó parte de la banda de Peter Gabriel gracias al contacto que le dio el productor Bob Ezrin. Levin y Ezrin trabajaron juntos anteriormente en los discos de Alice Cooper, Welcome To My Nightmare y Berlin, de Lou Reed. A partir de entonces, Levin es el bajista estable de Gabriel, tanto para las grabaciones en estudio como para las giras en vivo. Como dato anecdótico, en su primer trabajo de estudio con Gabriel, además de tocar el bajo, Tony tocó también la tuba.

Fue en los primeros años junto a Gabriel que Levin fue seducido por el Chapman Stick del cual hoy se considera uno de los pioneros con este instrumento. Tiempo después, mientras probaba la canción Big Time (del disco So, de Gabriel), Levin tuvo la idea de crear los Funk Fingers, que simplemente consisten en dos palillos de batería sujetados a sus dedos para golpear las cuerdas del bajo. Levin siempre dio crédito a Peter Gabriel por la idea. Andy Moore, su técnico por ese entonces, desarrolló esta idea por completo para que funcionara. Más adelante, Levin también utilizará sus Funk Fingers en la canción Steam de Peter Gabriel o la versión en vivo de The Talking Drum, de King Crimson.

En 1978, Tony se mudó a Woodstock, Nueva York, para integrar una banda llamada L'Image, que, además de incluir a su viejo amigo Steve Gadd, también contaba con Mike Mainieri y Warren Bernhardt. La banda se disolvió un año después, y Levin permaneció en Woodstock, donde aún vive.

Años 80, Gabriel y Fripp

Durante la grabación del primer álbum de Peter Gabriel, Levin conoció a Robert Fripp y, en 1980, luego de ser invitado por el mismo Fripp para participar de su álbum Exposure, se convirtió en un miembro de la nueva formación de King Crimson, que por esos días aún se hacía llamar Discipline.

A través de los años, Tony estuvo de gira con muchos artistas, pudiendo nombrar entre ellos a: Pink Floyd, Paul Simon, Gary Burton, James Taylor, Herbie Mann, Goro Noguchi, Judy Collins, Joe Yamanaka, Dire Straits, Carly Simon, Peter Frampton, Anderson Bruford Wakeman Howe, Tim Finn y Richie Sambora.

En 1984, Levin lanzó su Road Photos, una colección de fotos en blanco y negro que él mismo tomaba durante sus tours con Crimson, Gabriel, Simon y otros. Pete Levin, su hermano, es un tecladista newyorkino, conocido por su trabajo junto a Gil Evans. Volviendo a los años 70, Tony y Pete colaboraron juntos con Steve Gadd en una comedia llamada The Clams. Tony aún sigue bromeando amenazando con mostrar ese material grabado algún día.

Años 90, muchos proyectos

Levin fue miembro de King Crimson hasta la disolución de la formación "Doble Trio", que la integraba junto con Robert Fripp, Adrian Belew, Trey Gunn, Pat Mastelotto y Bill Bruford. Años más adelante, Fripp nuevamente reuniría a King Crimson pero ya sin contar con Levin ni Bruford. Por otro lado, Levin también formó parte de dos sub-grupos experimentales de la banda, llamados ProjeKct One (1997) y ProjeKct Four (1998).

En 1998, Tony unió fuerzas con Mike Portnoy y John Petrucci, miembros de Dream Theater junto con el tecladista Jordan Rudess para un proyecto llamado Liquid Tension Experiment. El cuarteto grabó dos discos, Liquid Tension Experiment y Liquid Tension Experiment 2, en los años 98 y 99 respectivamente. Esta formación únicamente dio algunos shows en Nueva York, Philadelphia y Los Angeles.

El 2000 y el presente

En el 2004, Trey Gunn dejó King Crimson y Robert Fripp consideró y reclutó a Levin como bajista nuevamente. Más allá del posible futuro de King Crimson, y con muchas más dudas si van a volver a las giras, Tony Levin ahora es nuevamente miembro de la legendaria banda.

Pagina: http://www.tonylevin.com/

MagmaMix

MagmaMix es un grupo de música electrónica procedente de Chile, cuyas canciones se caracterizan por contener letras mayoritariamente incoherentes. Sus integrantes son también los conductores del programa radial chileno El Portal del Web, el cual es transmitido de lunes a sábado de 14:00 a 16:00 por radio Rock & Pop.

Historia

La formación de MagmaMix ocurrió en el año 2004. Todo comenzó un día cualquiera, durante la transmisión de El Portal del Web. Los conductores DJ Black (Cristián Jara), Freddy (Freddy Guerrero) y Magmanaman (Christian Aguayo) recibieron un llamado telefónico de un auditor. Durante el transcurso de la llamada se manifestó un desperfecto técnico, por lo que el auditor cortó el teléfono sin que ellos se dieran cuenta. En ese momento, Magmanaman se encontraba hablando con el auditor, y al darse cuenta de que él no respondía comenzó a repetir la palabra "aló" para saber si él seguía ahí. Como nadie le contestaba, Magmanaman comenzó a repetir una y otra vez "aló, aló, aló". En ese instante, DJ Black colocó una base electrónica de fondo para que Magmanaman dijera "aló" al ritmo de ésta. Después de unos cuantos "aló"s, Magmanaman empezó a repetir la frase "eso no se hace, no se hace eso". Fue así como surgió la letra de la primera canción del grupo, Eso No Se Hace. Al lanzamiento de esta canción le siguieron el de Peo en la Cara, Pelusa en el Ombligo y I Wanna Be a Cowboy, cuyas letras se originaron de situaciones desconocidas. Es por esto que son consideradas como incoherentes, a pesar de que puedan llegar a tener cierto sentido que sólo los creadores logran entender.

Estas canciones fueron tocadas constantemente en el programa, y luego de su publicación en la página web oficial de radio Rock & Pop comenzaron a hacerse populares. Después de un tiempo salió al aire una nueva canción, la cual llegó a ser la más popular del grupo: Soy Electrónico. La letra de esta canción hace referencia a distintos músicos electrónicos y sus "costumbres electrónicas". Soy Electrónico fue un hit absoluto; la canción podía ser escuchada en casi cualquier parte. Fue de esta manera como MagmaMix alcanzó la popularidad. A mediados del año 2004, el primer disco del grupo fue lanzado: MagmaMix: Portal del Web. El disco contiene (salvo Pelusa en el Ombligo) versiones "remasterizadas" de todas las canciones anteriormente mencionadas, además de una canción nueva. Fue tal el éxito de ventas que alcanzó a tener el disco que no tardó en tener una secuela, llamada MagmaMix II: The Cantimplors. Éste último incluye la versión "remasterizada" de Pelusa en el Ombligo, además de otras canciones completamente nuevas y las versiones karaoke de Soy Electrónico y I Wanna Be a Cowboy. Ambos discos lograron alcanzar el premio del "Disco de Oro".

A comienzos del año 2005, DJ Black participó en el reality show La Granja VIP, lo que hizo que tanto MagmaMix como su programa se hicieran mucho más conocidos. En junio del mismo año, DJ Black fue expulsado del reality show por una supuesta acción en contra de una de sus compañeras de encierro. Esto causó una gran polémica, pero DJ Black estaba tranquilo ya que él confiaba plenamente en su versión de los hechos, la cual decía que él no había hecho nada malo y que todo había sido un malentendido. Este problema nunca fue solucionado, por lo que la figura de DJ Black quedó un tanto opacada. Sin embargo, su salida del reality show lo ayudó bastante, ya que coincidió con el lanzamiento del tercer y último disco del grupo, y él pudo estar presente. El tercer disco, MagmaMix III: Fetas de Pimiento (Hasta Chao), incluye una canción acerca del ingreso de DJ Black al reality show, titulada Black Entró a un Reality. Además de esto, el disco también incluye más canciones nuevas, además de algunas "rarezas", como las llamaron sus creadores. Tras el lanzamiento de este disco, MagmaMix decidió cesar su producción de canciones. Según ellos el grupo no se iba a disolver, sino que simplemente iba a "regresar al monte". El dia 13 de Septiembre del 2007 el grupo lanzo un nuevo single tras 2 años de su disolucion: "Transantiago". A diferencia de sus anteriores producciones ,este tema tiene un contenido social y conto con la coolaboracion del grupo Tronic. Actualmente estan trabajando en su cuarta placa que se estima saldra a la venta el año 2008.

Miembros

- DJ Black (Cristián Jara) - Nacido el 2 de diciembre de 1973. Su afición es simplemente ser DJ. Trabaja en radio Rock & Pop como conductor de los programas El Portal del Web y Hasta que Choque el Hueso.
- Freddy (Freddy Guerrero) - Nacido el 25 de noviembre de 1969. Su afición es la escritura (actualmente escribe un libro que quizás algún día sea publicado). Trabaja en radio Rock & Pop como conductor del programa El Portal del Web.
- Magmanaman (Christian Aguayo) - Nacido el 3 de marzo de 1977. No tiene una afición muy definida. Trabaja en radio Rock & Pop como conductor del programa El Portal del Web.

John Mayall

John Mayall (Macclesfield, Cheshire, 29 de noviembre de 1933) cantante y compositor británico de blues. Precursor de la invasión del blues inglés junto a Alexis Korner.

John Mayall nació el 29 de Noviembre de 1933 en Macclesfield, un pequeño pueblo inglés cercano al centro industrial de Manchester. El mayor de tres hermanos de una humilde familia trabajadora, este flaco inglés creció escuchando la inmensa colección de jazz de su padre para caer rendido a los pies del blues. Fuertemente influido por los grandes, como Leadbelly, Albert Ammons, Pinetop Smith y Eddie Land, a los 13 años se convirtió en un autodidacta del piano de su vecino, de guitarras prestadas y de harmónicas de segunda mano.

El primer contacto de John Mayall con la fama no fue por su música. Siendo un adolescente, decidió mudarse y, dando cuenta ya de las excentricidades personales y las cualidades artísticas que se han sumado a su leyenda, se trasladó a la caseta del jardín de su casa. Esto le hizo obtener la suficiente notoriedad como para ganarse la atención de los diarios. Y aún más todavía, ya que, de vuelta a casa, tras pasar una temporada en Korea, se llevó a su primera esposa, Pamela, a vivir con él allí.

Durante el tiempo que dedicó sus esfuerzos a estudiar en un instituto de arte, a pasarse tres años con la Armada inglesa en Korea y desarrollando una exitosa carrera como diseñador gráfico, su manera de cantar y tocar blues pasaron a segundo plano, hasta que cumplió 30. Desde 1956 a 1962, John actuó liderando dos bandas por puro hobbie: The Powerhouse Four y, más tarde, The Blues Syndicate. Fue entonces cuando los Blues Incorporated de Alexis Korner se convirtieron en pioneros de lo que se habría de llamar el "boom del blues británico" de finales de los '60. Alexis animó y ayudó a John a mudarse a Londres, donde pronto se aseguró tantos conciertos en clubs como para poder hacerse profesional bajo el nombre de John Mayall's Bluesbreakers.

Después de que Clapton y Jack Bruce dejaran la banda para formar Cream, toda una ristra de músicos definieron sus raíces artísticas bajo el liderazgo de John, quien se hizo conocido tanto por descubrir nuevos talentos como por sus contundentes interpretaciones del apasionado estilo del blues de Chicago con el que había crecido. Mientras unos miembros se iban a formar sus propios grupos, otros ocupaban su lugar. Peter Green, John McVie y Mick Fleetwood se convirtieron en Fleetwood Mac. Andy Fraser formó Free y Mick Taylor se unió a los Rolling Stones. Como Eric Claptón afirmó, "John Mayall ha dirigido una escuela de músicos realmente increíble."

En 1969, con una popularidad incipiente en los EEUU, John causó una especie de revuelo con el lanzamiento del directo acústico sin batería titulado The Turning Point, del cual el tema "Room To Move" se vió destinado a convertirse en un clásico del rock. Obtuvo un disco de oro por este álbum. Motivado por el clima y la cultura de la Costa Oeste, John se mudó permanentemente de Inglaterra a Laurel Canyon, en Los Angeles, y comenzó a montar bandas con músicos americanos. Durante los '70, John fue aún más reverenciado por sus innovaciones jazz/rock/blues junto a músicos de la talla de Blue Mitchell, Red Holloway, Larry Taylor y Harvey Mandel. También acompañó a grandes del blues como John Lee Hooker, T-Bone Walker y Sonny Boy Williamson en sus primeras giras por clubs ingleses.

1979 fue un año crucial, de transición, para John Mayall, tanto personal como profesionalmente. Con el clima de audiencia bajo de forma para la música blues, Mayall luchó para mantener a flote su carrera discográfica y en directo. Personalmente, sin embargo, inició una relación de más de 20 años de matrimonio con su actual esposa, Maggie Parker, una cantautora de Chicago que había sido contratada por la banda de Harvey Mandelas como apoyo de Mayallas. Una infortunio extremo le sobrevino cuando un repentino incendio destruyó su legendario hogar de Laurel Canyon, construida a mano, llevándose consigo sus diarios guardados escrupulosamente, los diarios de su padre, másters de grabaciones, su gran colección de libros y revistas, los diseños gráficos de John Mayall y mucho más. Decidido a levantarse de entre las cenizas, Mayall perseveró.

Motivado por la nostalgia y los buenos recuerdos, en 1982, John (junto con Mick Taylor y John McVie) decidió reformar los Bluesbreakers originales para realizar un par de giras y grabar un concierto bajo el título de Blues Alive, en el cual aparecería Albert King, Buddy Guy, Junior Wells, Etta James y Sippie Wallace, entre otros. Una nueva generación de seguidores pudo hacerse una idea de cómo sonaba su directo dos décadas atrás, en plena explosión del blues británico. En el momento en que Mick y John regresaron a sus respectivas carreras, la reacción del público convenció a John Mayall para volver a sus raíces de blues de carretera. Ya que John McVie volvió con Fleetwood Mac y Mick reemprendió su carrera en solitario, Mayall regresó a Los Angeles para seleccionar candidatos para unirse a una nueva encarnación de los Bluesbreakers. Oficialmente en marcha en 1984, la formación incluía grandes promesas por méritos propios, como Coco Montoya y Walter Trout, así como el batería Joe Yuele, quien hoy en dia sigue siendo el cimiento rítmico de John.
Con una creciente popularidad año tras año, los 90 comenzaron con el lanzamiento de algunos álbumes de John Mayall que han establecido nuevos estándards del blues-rock. Behind The Iron Curtain, Chicago Line, A Sense of Place y Wake Up Call, nominado a un Grammy y en el que colaboraron Buddy Guy, Mavis Staples, Albert Collins y Mick Taylor. En 1993, el guitarrista texano Buddy Whittington se unió a los Bluesbreakers y, durante los últimos 7 años, ha dado energía a la banda con sus apasionadas y genuinas ideas. Debutando en el álbum Spinning Coin, ha demostrado estar a la altura sobradamente con respecto a sus predecesores. Desde entonces, John lanzó otros dos clásicos modernos: Blues For The Lost Days y Padlock On The Blues, este último coproducido por John y su esposa, Maggies y con la colaboración con la gran leyenda del blues John Lee Hooker, quien ha sido gran amigo de Mayall desde los '60. Estos álbumes han obtenido excelentes críticas, clamor popular y representan la maestría actual del blues de John y su continuada importancia dentro de la música contemporánea. Además, ha lanzado tres CD's sólo disponibles en su nueva página web: Time Capsule (con actuaciones antológicas realizadas entre 1957 y 1962), UK Tour 2K (grabaciones en vivo de los Bluesbreakers durante su gira británica del 2000) y una selección de actuaciones en solitario de John titulada Boggie Woogie Man. Mayall continúa esforzándose para permanecer fiel a la música atemporal que inspiró a este pequeño delgaducho inglés para aprender por sí mismo a tocar la guitarra, la harmónica y el piano hace tantos años.

En su lanzamiento del 2001 (bajo el motivo de "John Mayall and Friends"), Along For The Ride, Mayall se reunió con algunos de sus viejos compañeros, incluyendo a Peter Green, Mick Taylor, Mick Fleetwood y John McVie, así como Billy Gibbons (ZZ Top), Johny Lang, la banda de Steve Ray Vaughan y Shannon Curfman para un despliegue asombroso del mejor blues.

Producido por David Z, este álbum contiene duetos de Mayall con el gigante del soul Billy Preston, la leyenda del blues Otis Rush y la joven estrella del blues/rock Shannon Curfman. Along For The Ride también presenta la primera aparición en conjunto en 30 años de los Bluesbreakers Peter Green, Mick Fleetwood y John McVie, quien apereció junto a miembros de los Fleetwood Mac originales.
Continuando la línea de este álbum, Mayall amplió la formación de los Bluesbreakers a 5 miembros, incorporando al teclista Tom Canning, mientras Hank Van Sickle dirige la banda al bajo, con los veteranos Joe Yuele y Buddy Whittington completando tan poderosa agrupación.

Justo después de la gira de presentación del álbum, Mayall volvió al estudio en Febrero del 2002 con los Bluesbreakers. Esta vez grabaron un disco de los Bluesbreakers, sin artistas invitados, de nuevo producidos por David Z. La salida fue el 27 de Agosto del 2002 bajo el título de Stories, que debutó en el Billboard de blues en el número 1.

John Mayall & the Bluesbreakers continúan un año más con la gira de promoción de este increíble álbum y están planeando proyectos muy atractivos para fechas próximas. En cuanto a la persona en cuestión, padre de 6 hijos y abuelo de 6 nietos, a sus recién cumplidos 70, John Mayall no muestra ni un solo signo de debilidad y piensa seguir manteniendo vivo el blues durante muchos años. Su última señal de buena forma es el nuevo CD/DVD commemorativo en directo, 70th Birthday Concert, grabado en directo el 19 de Julio del 2003 junto a Mick Taylor, Eric Clapton y Chris Barber.

Pagina: http://www.johnmayall.com/

Kraftwerk

Kraftwerk (en alemán, central de energía) es un grupo alemán de música de vanguardia cuya contribución fue decisiva para el desarrollo de la música electrónica.

El grupo lo formaron Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970, pero su fama la hicieron como cuarteto, con Wolfgang Flür y Karl Bartos.

Las técnicas que introdujeron en su música, así como el equipo que desarrollaron son hoy omnipresentes en la música moderna. Son considerados por muchos como los padres de la música electrónica que si bien ya venía de tiempo atrás, ellos fueron los responsables de llevarla a un nuevo nivel y asentar las bases de lo que hoy conocemos. Ellos formaron un estilo propio y no solo experimentaron con sonidos. Su influencia en la música de la segunda mitad del siglo XX, hace que se compare su legado con el de los Beatles.[1]

Historia

Los comienzos

En 1968 Ralf Hütter (teclados) y Florian Schneider (flauta) (hijo del arquitecto Paul Schneider-Esleben), que se habían conocido estudiando juntos a finales de los 60, fundaron el grupo Organisation, precursor de Kraftwerk, un quinteto de krautrock, con el que grabaron el álbum Tone Float. A principios de 1970 montaron su propio estudio: Kling Klang y emprendieron el proyecto musical que tomaría el nombre de Kraftwerk.

El álbum Kraftwerk, grabado en julio y agosto con la ayuda de Klaus Dinger Andreas Hohmann y bajo el sello de nueva creación Philips-Label. El álbum se situó en el puesto 30 de las listas alemanas y la canción Ruckzuck se usó como sintonía en el programa de televisión Kennzeichen D. El 26 de diciembre Kraftwerk dio un concierto, y en aquel momento la banda estaba integrada por Florian Schneider-Esleben, Eberhard Kranemann (Bajo, Violonchelo), y Karl 'Charly' Weiss (Batería), pues Hütter interrumpió su participación en el grupo durante un mes.

A causa de la entrada en el grupo del guitarrista Michael Rother y Klaus Dinger en sustitución de Charly Weiss, Kraftwerk estuvo formado durante dos meses por Schneider, Hohmann, Krahnemann, Rother y Dinger. En el estudio de Conny Plank grabaron una sesión, pero este trabajo nunca se publicaría. El trío formado Schneider, Dinger y Rother apareció en el programa Beat Club, un programa de música en directo de la televisión alemana, con su canción Rückstoss Gondoliere. A finales de 1971 Ralf Hütter y Florian Schneider grabaron Kraftwerk 2.

Su segundo álbum Kraftwerk 2 apareció a principios de 1972 bajo el sello de Philips. Kraftwerk fue elegido mejor grupo por la revista Sounds. Florian Schneider consiguió el segundo lugar en la categoría Músico del año, y su canción Ruckzuck sería canción del año. Kraftwerk 2 fue grabado entre el 26 de septiembre y el 1 de octubre en su propio estudio.

El tercer álbum Ralf und Florian se acabó en julio de 1973 y se publicó en octubre por Philips. Wolfgang Flür fue el batería en la aparición en el programa de televisión Aspekte, de la cadena ZDF. La imagen pública del grupo solía ser ellos dos como dúo, y en aquella época estuvieron influenciados por artistas ingleses Gilbert and George, que presentaron por esos años sus performances en una galería de Düsseldorf.

Giro hacia el Electronic Pop

Los primeros tres álbumes de Kraftwerk de Hütter y Schneider fueron todavía parcialmente acústicos y experimentales, pero en 1973 el sonido de Kraftwerk pasó a ser decididamente electrónico con rasgos de Pop melódico. El resultado fue su álbum Autobahn, considerado por muchos expertos un punto de inflexión que constituyó uno de los primeros álbumes de electropop. Las canciones estaban compuestas por fragmentos de melodías alargados y reducidos, con efectos de sonido alternados -una característica que hasta hoy determina la esencia de Kraftwerk. Además, Hütter y Schneider cantaron por primera vez. Autobahn es el último álbum que publicaron con Philips. Con Autobahn consiguieron su primer Disco de Oro, y el single encabezó las listas de éxitos de Estados Unidos. Gracias a este éxito, firmaron con EMI en 1974, apoyados por su propio sello discográfico, Kling Klang.

En febrero de 1975 Klaus Roeder dejó el grupo, y sería reemplazado por el batería y músico de estudio Karl Bartos. En verano de 1975 grabarían su álbum Radioaktivitat, que se publicó en noviembre de 1975. De nuevo alcanzaron el éxito con el single Radioaktivitat, concretamente en las listas francesas alcanzaron la primera posición en 1976 a principios del verano y se mantuvo durante varias semanas. En consecuencia, Hütter y Schneider visitaron Francia tomando el Trans Europa Express, y los aficionados del ciclismo invitaron a Ralf Hütter a acompañar al Tour de Francia como espectador.

A finales de 1976 apareció el sexto álbum de Kraftwerk, llamado Trans Europa Express, que se publicaría en el primer cuarto de 1977. La canción que le daba título Trans Europe Express tenía una base rítmica que sería utilizada por otro músico estadounidense, Afrika Bambaataa, para dar forma a un nuevo estilo musical emergente, el rap.

Siguieron unos meses de ausencia en televisión hasta la aparición del 29 de marzo de 1978, día en el que volvieron a la pantalla y ofrecieron una puesta en escena sin igual. Se presentaron ante el público como robots vivientes (con pantalones negros, camisas rojas, corbatas negras y LEDS rojos sincronizados) su nuevo single (Wir sind...) Die Roboter. En abril de 1978 aparecería el siguiente álbum de Kraftwerk, Die Mensch-Maschine con el hit Das Modell. Una vez más establecieron la norma de la industria musical y los siguientes estilos musicales.

Las aportaciones, los conocimientos y la influencia del productor Conny Plank también fueron decisivas para definir el sonido del grupo. Plank trabajó con otros grupos alemanes, como Can, Neu!, Cluster y Harmonia. Gracias al trabajo con Kraftwerk, el estudio de Plank cerca de Colonia se convirtió en uno de los estudios más solicitados de Europa en los años 70. Plank produjo los primeros cuatro discos de Kraftwerk, pero dejó de trabajar con ellos tras Autobahn (1974), su primer éxito comercial.

El pintor Emil Schult fue un colaborador habitual del grupo desde 1973, primero tocando el bajo y el violín eléctrico, y luego diseñando las portadas y escribiendo letras.

La "formación clásica" de Kraftwerk se formó en 1975 para la gira de Autobahn. El grupo se presentó como cuarteto electrónico, con Wolfgang Flür y Karl Bartos a cargo de las percusiones electrónicas. Esta formación fue la imagen pública del grupo hasta finales de los años 80. (Flür se unió al grupo en 1973 como batería, para una actuación en televisión en la que usaron por primera vez su percusión electrónica, construida por ellos mismos.)

Con esta formación grabaron y presentaron en directo por todo el mundo sus álbumes más conocidos: Radio-Activity (1975), Trans-Europe Express (1977), The Man Machine (1978), Computer World (1981) y Electric Café (1986), así como el tema oficial del Tour de France de 1983. Poco después de la edición de Electric Café Flür abandora el grupo, y Bartos lo haría en agosto de 1990, durante los preparativos del siguiente album The Mix.

La crisis del grupo fue provocada por el cambio tecnológico que Hütter y Schneider querían llevar a cabo, digitalizando todo su catálogo de canciones y sonidos. Esta tarea agotó a los "otros dos" miembros del grupo. El primer fruto de ese trabajo, ya sin Bartos ni Flür, fue el recopilatorio The Mix (1991), que recogía los temas clásicos de Kraftwerk reprogramados.

Aunque durante la década de los 90 actuaron en directo por todo el mundo, no publicaron nada más hasta diciembre de 1999, cuando los organizadores de la Exposición Universal de Hanover les encargaron el tema oficial: Expo 2000, que se publicó como single en diferentes versiones, y que fue muy polémico en Alemania, por tratarse simplemente de un jingle de veinte segundos en los que un vocoder repetía las palabras "Expo 2000" en diferentes idiomas.

En 2003 publicaron un álbum con temas nuevos, Tour de France Soundtracks, basado en la carrera ciclista, e incorporando una nueva versión del tema Tour de France, que cumplía 20 años. Un álbum en directo (Minimum Maximum) y una reedición de sus álbumes clásicos (The Catalog) han sido los siguientes proyectos del grupo.

Música

Tras sus primeros discos experimentales, la fama les llegó en 1974 con Autobahn y su tema de 22 minutos, que fue un éxito en todo el mundo y demostró su creciente confianza con los sintetizadores. Después siguieron tres álbumes que ejercieron una gran influencia en la música popular: Radioactivity (1975), Trans-Europe Express (1977) y The Man Machine (1978).

Kraftwerk fueron uno de los primeros grupos en usar únicamente instrumentos electrónicos. Incluso muchas de las partes de voz de las canciones estaban procesadas por un Vocoder o generadas por síntesis de voz, abundando en la idea de "mensaje transmitido" que tienen sus letras.

Letras

Las letras de Kraftwerk se enmarcan en la vida urbana y la tecnología de la Europa del siglo XX: los viajes en coche, en tren, los ordenadores personales, el teléfono, etc. Según sus propias palabras, los artistas alemanes de su generación debían intentar continuar avanzando a partir del punto muerto en el que quedó Alemania en 1933 con la llegada al poder de los Nazis.

Sus letras son muy sintéticas, muy simples en su forma, y expresan gracias a esa sencillez una ambigüedad compleja y controvertida, siendo al mismo tiempo una celebración ingenua del mundo moderno, sus costumbres e inventos, y una sabia advertencia acerca de sus consecuencias.

De una forma magistral consiguen transmitir simultáneamente un efecto alienante, nostálgico y escapista, y una cierta incomodidad y preocupación.

Su idea base era convertir al grupo en una estación de radio que emitía mensajes para todo el mundo. Mensajes sencillos, que cualquiera podía hacer suyos.

Hay que destacar que, a partir de Radio-Activity empezaron a publicar dos versiones distintas de cada álbum: una con las letras en alemán para el mercado alemán, y otra con las letras en inglés para el mercado internacional. Además, también grabaron temas en otros idiomas, como el francés (Tour de France) o en español (Objeto sexual). Es interesante darse cuenta de como, en muchos de sus temas, se alternan frases en varios idiomas. Podemos comprobarlo ya en Die Roboter (álbum: Die Mensch Maschine) con las frases en ruso "Ya tvoi sluga, ya tvoi rabotnik" intercaladas en la letra en alemán. Su álbum Electric Café (1986) mezclaba en sus temas los idiomas alemán, francés, inglés y español.

Pagina: http://www.kraftwerk.com/

Scarlett Johansson

Scarlett Johansson nació el 22 de noviembre de 1984 y es una actriz de cine estadounidense natural de la isla de Manhattan en Nueva York.

Hija de padre danés (Karsten Johansson) y madre de ascendencia judía polaca (Melanie Sloan). Dos de sus hermanos también son actores, Vanessa Johansson y Hunter Johansson.

Biografía

Desde su niñez se preparó para ser actriz y para ello estudió primero en el Professional's Children School de Manhattan y cuando fue un poco mayor en el prestigioso Lee Strasberg Theatre Institute. Después de haberse presentado a varios castings para anuncios de televisión, Scarlett debutó en el teatro a los ocho años. A partir de ahí, consiguió varios papeles cinematográficos de personajes secundarios hasta alcanzar su primer rol protagónico como Amanda en Manny & Lo de Lisa Krueger.

Scarlett no fue una estrella infantil como los demás niños prodigio de Hollywood. Uno de sus primeros papeles determinantes fue interpretar a Kate Armstrong, la hija de Sean Connery en una película de acción y suspense, Causa justa de Arne Glimcher, pero no tuvo mucho éxito. Aunque continuó su carrera cinematográfica, no volvió a conseguir un papel destacado hasta cuatro años después. El actor y director Robert Redford, la eligió para el papel de Grace MacLean, una niña que se queda discapacitada tras caerse de un caballo en El hombre que susurraba a los caballos. Fue en ese momento cuando Scarlett Johansson dejó la adolescencia a un lado y se convirtió en una actriz más madura capaz de interpretar variados papeles.

Es en el año 2003, cuando Scarlett obtiene proyección internacional y empieza a ser reconocida en los medios de comunicación. En La joven de la perla de Peter Webber, basada en la novela de Tracy Chavalier que trata sobre un famoso cuadro de Johannes Vermeer, la interpretación de Scarlett como Griet es celebrada por la crítica. Este film fue el más exitoso que había interpretado hasta entonces, pero al estrenarse Lost in translation de Sofia Coppola, Johansson (en el papel de Charlotte) vuelve a llamar la atención de la crítica. Este filme independiente, que protagoniza junto a Bill Murray, recibió cuatro nominaciones a los premios Oscar de la Academia de Artes Cinematográficas de Estados Unidos. Otro éxito como actriz se lo proporcionó Match Point de Woody Allen, donde interpreta a la hermosa Nola Rice, papel por el que fue nominada a mejor actriz secundaria en los Globos de Oro de 2006, premio que finalmente se llevó Rachel Weisz, por su papel de Tessa Quayle en El jardinero fiel de Fernando Meirelles. En 2006 trabajó con Brian de Palma en La Dalia Negra, adaptación de la famosa novela de James Ellroy, y ha vuelto a trabajar con Woody Allen en la comedia Scoop.

Desde entonces, Johansson ha mantenido un ritmo constante de trabajo tanto en el cine como modelo de anuncios publicitarios.

Johansson pertenece al grupo de actores contrarios a la política de Bush como por ejemplo: Susan Sarandon, Tim Robbins, Sean Penn, Richard Gere, Angelina Jolie, George Clooney, Charlize Theron, Rachel Weisz, Woody Harrelson, Tommy Lee Jones, Marisa Tomei, Diane Kruger o Cameron Díaz, entre otros.

Información miscelánea

- No está operada ni de los pechos ni de los labios. Tampoco de la nariz, como ha sido publicado en la revista US Weekly. Scarlett ha emprendido acciones legales contra ella.
- Se le ha relacionado románticamente con el actor Benicio Del Toro, Jared Leto y el músico Jack Antonoff del grupo Steel Train.
- Mantuvo un noviazgo con Josh Hartnett y se rumoreó (falsamente) que hizo lo propio con Justin Timberlake.
- Se ha comprometido con el actor Ryan Reynolds, como ya aseguró su publicista, Marcel Pariseau. Aún no hay fecha para el enlace.
- Scarlett mide 1,63 metros de estatura.
- Tiene un hermano mellizo llamado Hunter.
- Ha hecho anuncios de publicidad para el perfume "Eternity Moment" de Calvin Klein y la casa francesa Louis Vuitton.
- En la película Lost in Translation canta el tema "Brass in Pocket" de The Pretenders, tema de 1980 escrito por Chrissie Hynde y James Honeyman-Scott.
- Según apuntan algunos rumores, la actriz en los contratos de sus películas incluye una clausula para no aparecer desnuda en las mismas.
- En la película "La isla" se interpreta a sí misma cuando su clon ve el anuncio de la "auténtica Scarlett" para Calvin Klein.
- Participó en el episodio piloto de la serie El cliente (The Client) (1995-1996) en el papel de Jenna, en la serie de animación Robot Chicken (Robot Chicken) (2005) poniendo la voz al personaje de Darlene en los episodios 5 y 7, y como invitada en el episodio 10 de la temporada 31 de Saturday Night Live (Saturday Night Live) (1975-2006).
- Es zurda.
- Sufrió un accidente al caer de su caballo durante el rodaje de The Other Boleyn Girl.
- Ha creado una línea de ropa deportiva de la marca Reebok
- El estreno de la película Diario de una niñera fue retrasado de abril del 2007 a septiembre del mismo año para que tuviera más oportunidades en los festivales de cine.
- Apoyó a Barack Obama en las primarias demócratas de 2008 apareciendo en el vídeo "Yes, we can".
- La revista People publicó el 6 de Mayo del 2008 la intención por parte de Scarlett y Ryan Reynolds de casarse. Noticia muy impactante que ha suscito un cierto escepticismo pero al no haber sido desmentida por la pareja y tratándose de la revista People una de las revistas más prestigiosas del corazón la mayoría de la gente la asume como verdadera.
- Ocupa el 12º lugar de 20, en la lista de jóvenes millonarios menores de 25 años del 2007, con $5 000 000, según la revista Forbes

Carrera musical

- Grabó una canción, Summertime, de George Gershwin.
- Se anunció que podría protagonizar un musical en Broadway, Al sur del Pacífico.
- El 20 de Mayo de 2008 publicó su primer disco, Anywhere I Lay My Head, un álbum de versiones de Tom Waits y David Bowie
- Apareció en el videoclip de Bob Dylan When the Deal Goes Down.
- Apareció como protagonista en el videoclip "What Goes Around.../...Comes Around", de Justin Timberlake.
- Cantó junto a la banda escocesa The Jesus and Mary Chain en el festival de Coachella en abril de 2007

Pagina: http://www.scarlettjohansson.org/

Los Simpson

Los Simpson (en inglés, The Simpsons) es una serie de dibujos animados de televisión, de origen estadounidense creada por Matt Groening y que es vista en varios países del mundo.

Narra la vida y el día a día de una familia de clase media estadounidense — cuyos miembros son Homer, Marge, Bart, Lisa y Maggie — que vive en un pueblo ficticio llamado Springfield (en Estados Unidos hay 26 localidades con el mismo nombre).

En palabras de su creador, Groening, la serie es una sátira y crítica hacia la sociedad estadounidense: su forma de vida, sus valores, sus prejuicios, su sistema político, etc.

La serie fue concebida por Groening de la producción de una serie de cortos con el productor James L. Brooks. Groening creó una familia disfuncional y nombró a sus personajes en honor a los miembros de su propia familia, sustituyendo su propio nombre por Bart.] Los cortos se convirtieron en parte de The Tracey Ullman Show el 19 de abril de 1987. Después de tres sesiones se decidió convertir los cortos en una serie de episodios de media hora en prime time que se convirtió en un éxito de la cadena Fox.

Desde su debut el 17 de diciembre de 1989 la serie ha emitido 421 episodios en 19 temporadas. Actualmente se está emitiendo la decimonovena temporada. En el final de la temporada 18, el 20 de mayo de 2007 se emitió en Estados Unidos el episodio 400.

Los Simpson han ganado docenas de premios desde su estreno como serie, incluyendo 23 Premios Emmy, 24 Premios Annie y un Premio Peabody. La revista Time del 31 de diciembre de 1999 la llamó la mejor serie de siglo XX,] y el 14 de enero de 2000 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Los Simpson es una de las series estadounidenses de dibujos animados de mayor duración.[ ]

Historia

Groening pensó a Los Simpson en el vestíbulo de la oficina de James L. Brooks. Brooks había hablado con Groening sobre la creación de una serie de cortos animados, que Groening iba a presentar como su serie Life in Hell. Al darse cuenta de que el animar Life in Hell supondría la rescisión de los derechos de publicación de la obra de su vida, escogió otra aproximación y creó su modelo de familia disfuncional,] ] cuyos personajes nombró como los miembros de su propia familia pero sustituyendo "Matt" por "Bart".

La familia Simpson apareció por primera vez en los cortos del Tracey Ullman Show el 19 de abril de 1987. Groening presentó sólo unos bocetos básicos a los animadores y asumió que serían corregidos en producción. Sin embargo, los animadores se limitaron a seguir su esquema, resultando en la cruda apariencia de los personajes en los cortos iniciales.

En 1989 un equipo de productoras adaptó Los Simpson al formato de serie de media hora para la Fox Broadcasting Company. El equipo incluía lo que es hoy la casa de animación Klasky Csupo. Jim Brooks negoció una cláusula con Fox, que le impedía a esta última interferir en el contenido de la serie.] Groening dijo que su intención al crear la serie era ofrecer una alternativa a lo que llamaba la "basura establecida" que estaban viendo.[ La serie de media hora se estrenó el 17 de diciembre de 1989 con "Simpsons Roasting on an Open Fire", un especial de Navidad.] "Some Enchanted Evening" fue el primer episodio en producirse pero no se emitió hasta mayo de 1990 por problemas con la animación.

Los Simpson fue la primera serie de Fox en colocarse en el ranking de las 30 series más vistas. Este éxito hizo que la Fox programara a Los Simpson en el mismo horario que La hora de Bill Cosby para hacerle competencia, un cambio que dañó los datos de audiencia de Los Simpson En 1992, Tracey Ullman demandó a Fox argumentando que su show había sido la fuente del éxito de Los Simpson y exigiendo a la Fox un porcentaje sobre los beneficios de la serie, petición que fue denegada por las cortes.

La serie fue controvertida desde sus comienzos. El personaje rebelde del momento, Bart Simpson, frecuentemente quedaba sin castigo por su mal comportamiento, lo que llevó a muchos padres y conservadores a presentarlo como un mal ejemplo para los niños. El entonces presidente George H. W. Bush llegó a decir que "queremos lograr que la familia americana sea más como Los Walton y menos como Los Simpson". Varias escuelas públicas incluso prohibieron merchandising y camisetas de Bart. A pesar de las prohibiciones el merchandising de Los Simpson se vendió tan bien como para generar dos mil millones de dólares de ingresos en sus primeros 14 meses de ventas.

Producción

Lista de productores a lo largo de la emisión de la serie:

- Temporadas 1–2: Matt Groening, James L. Brooks, & Sam Simon
- Temporadas 3–4: Al Jean y Mike Reiss
- Temporadas 5–6: David Mirkin
- Temporadas 7–8: Bill Oakley y Josh Weinstein
- Temporadas 9–12: Mike Scully
- Temporadas 13–presente: Al Jean

Productores ejecutivos

Matt Groening y James L. Brooks han sido los productores ejecutivos de la serie durante toda su historia y también han servido como consultores creativos. Sam Simon, que trabajó como supervisor creativo durante las primeras cuatro temporadas, también sigue recibiendo crédito como productor ejecutivo, a pesar de no haber trabajado en la serie desde 1993. Existe un puesto con más implicación, el de show runner, que actúa como jefe de guionistas y dirige la producción de la serie durante una temporada completa.

Guión

El equipo de guionistas de Los Simpson consta de 16 escritores que proponen ideas a principios de diciembre. Luego hay sesiones de reescritura durante las que se cambian, añaden o eliminan líneas y se llama a los actores de voz para que relean el guión. El líder de estas sesiones es George Meyer, que lleva desarrollando la serie desde su primera temporada. Según uno de los guionistas más veteranos, Jon Vitti, Meyer suele inventar las mejores líneas en cada episodio, aun cuando otros escritores puedan recibir el crédito de las mismas. Cada episodio tarda 6 meses en producirse, así que la serie rara vez trata de temas de actualidad. De todas formas, es posible que haya referencias a eventos planificados como los Juegos Olímpicos o la Superbowl.

Acreditado en más de 60 episodios, John Swartzwelder es el guionista más prolífico del equipo. Uno de los antiguos guionistas más conocido es Conan O'Brien que contribuyó en varios episodios a principios de los 90 hasta que fue a sustituir a David Letterman como anfitrión del talk show Late Night. El cómico inglés Ricky Gervais escribió el episodio "Homer Simpson, This Is Your Wife", convirtiéndose en el primer famoso en escribir y actuar al mismo tiempo en un episodio.

Actores de voz

Salvo una excepción, los títulos de crédito de los episodios sólo muestran la lista de los actores de voz y no los personajes a los que interpreta cada uno. Tanto la Fox como el equipo de la serie querían mantener las identidades en secreto durante las primeras temporadas, por lo que las grabaciones se hacían a puerta cerrada y se rechazaba la realización de fotos del equipo de grabación. De todas formas, la cadena finalmente reveló que papel interpretaba cada uno en el episodio "Old Money", ya que los productores dijeron que los actores debían recibir crédito por su trabajo. En 2003, el equipo apareció en un episodio de Inside the Actors Studio, interpretando en directo las voces de sus personajes.

Los Simpson tiene seis actores principales. Dan Castellaneta interpreta a Homer Simpson, Abraham Simpson, Krusty el payaso y otros hombres adultos. Julie Kavner realiza las voces de Marge Simpson y Patty y Selma, además de otros personajes menores. Nancy Cartwright da vida a la voz de Bart Simpson y otros niños. Yeardley Smith, es la voz de Lisa Simpson, es el único miembro de la plantilla que normalmente da voz sólo a un personaje, aunque ocasionalmente representa otros personajes episódicos. Hay otros dos actores que no hacen voces de miembros de la familia protagonista pero interpretan a la mayoría de los hombres de la ciudad como Moe, Jefe Wiggum, y Apu. Harry Shearer presta su voz al Sr. Burns, Smithers, Director Skinner, Ned Flanders, y Dr. Hibbert. A excepción de Harry Shearer, todos los principales miembros del equipo han ganado un Emmy a la Outstying Voice-Over Performance.

Además del equipo principal, Pamela Hayden, Tress MacNeille, Marcia Wallace, Maggie Roswell y Russi Taylor hacen la voz de personajes de apoyo. Desde 1999 a 2002, los personajes de Maggie Roswell son interpretados por Marcia Mitzman Gaven. Karl Wiedergott ha aparecido en papeles pequeños, pero no da voz a ningún personaje habitual. Entre los miembros que frecuentemente han aparecido de "estrellas invitadas" se incluyen Albert Brooks, Phil Hartman, Jon Lovitz, Joe Mantegna y Kelsey Grammer.[3

En la serie aparecen a menudo de forma destacada voces invitadas de un amplio espectro de profesiones incluyendo actores, atletas, autores, grupos, cantantes, músicos y científicos. En las primeras temporadas la mayoría de estas voces aparecían interpretando a otros personajes, hasta que finalmente empezaron a aparecer como ellos mismos. Tony Bennett fue la primera estrella en salir como él mismo, apareciendo brevemente en el episodio de la segunda temporada "Dancin' Homer".[3 Los Simpson ostenta el récord mundial de "Mayor número de estrellas invitadas en una serie de televisión". [3

El reparto principal se ha visto envuelto en disputas ampliamente publicitadas con Fox por temas de salario en más de una ocasión. En 1998 amenazaron con ir a la huelga, lo que obligó a 20th Century Fox a incrementar sus salarios de 30.000 a 125.000 dólares por episodio. El creador de la serie, Groening, apoyó a los actores en esta acción.[3 Los ingresos de la serie continúan creciendo por su emisión en cadenas sindicadas y las ventas de DVD. El reparto principal dejó de ir a las lecturas de guión en abril de 2004, esto ocurrió después de varias semanas de negociaciones infructuosas con Fox, en las cuales los actores pedían pasar de cobrar 360000 dólares por episodio a 8 millones por una temporada de 22 episodios. El 2 de mayo de 2004 se llegó a un acuerdo.[3

La serie ha sido doblada a muchos idiomas incluyendo el español, japonés, alemán y portugués. Es además uno de los pocos programas que ha sido doblado tanto al francés como al francés quebequense.[3 Los Simpson ha sido también emitido en árabe, pero debido a las costumbres islámicas se han cambiado numerosos aspectos de la serie. Por ejemplo Homer bebe soda en lugar de cerveza y come salchichas de vaca egipcias en lugar de perritos calientes. Debido a esos cambios la versión árabe de la serie fue mal recibida por los antiguos fans de Los Simpson de la zona.[3

Doblaje en español

El doblaje en español de la serie se realiza en dos versiones diferentes, una en México y otra es España. Ambas difieren en ciertos aspectos, principalmente en los nombres de algunos personajes. El doblaje mexicano ha sido realizado en distintos estudios; las primeras temporadas fueron realizadas en Audiomaster 3000. Debido al conflicto que se sucitó con la Asociación Nacional de Actores de México, se realizaron cambios en la producción. Es así como a partir de la temporada 16, los nuevos episodios son doblados en Grabaciones y doblajes S.A., ambos estudios están ubicados en Ciudad de México. La versión de doblaje mexicana es emitida también en toda Hispanoamérica.

Animación

Estudios internacionales de televisión involucrados:

AKOM

- Produjo en exclusiva las dos primeras temporadas de la serie.
- Ha producido episodios a lo largo de la serie.

Anivision

- Produjo la animación de episodios de las temporadas 3–10.

Rough Draft Studios

- Produjo la animación de episodios desde la cuarta temporada hasta la actualidad.

U.S. Animation, Inc.

- Produjo "Radioactive Man" junto a Anivision.
- Produjo "The Simpsons 138th Episode Spectacular"

Toonzone Entertainment

- Produjo "The Fat and the Furriest" y "She Used to Be My Girl".

La serie ha sido animada por varios estudios tanto estadounidenses como internacionales. Durante la emisión de los cortos de The Tracey Ullman Show, la animación se producía de modo doméstico en Klasky Csupo.[3 Al comienzo de la serie, con el consiguiente aumento de la carga de trabajo Fox subcontrató la producción con varios estudios internacionales localizados de Corea del Sur. Los artista del estudio de EE.UU, Film Roman, dibujan los storyboards, diseñan nuevos personajes, escenarios y apoyos que se convierten en animatics que se proyectan a los escritores de Gracie Films para cualquier cambio que se haya de realizar antes de que el trabajo sea enviado a ultramar. Los estudios de ultramar dibujan los inbetweens, ink y paint y empiezan a grabar la animación antes de que se envíe de vuelta a los estudios de Fox en EE.UU. tres o cuatro meses más tarde. [3

Durante las tres primeras temporadas, Klasky Csupo animó Los Simpson en EE.UU. En 1992, la compañía productora de la serie, Gracie Films, cambió la animación doméstica a Film Roman,[3 que continúa realizándola hasta 2007.

En la decimocuarta temporada, se cambió la producción de la cel animation a la digital ink y paint. El primer episodio con coloración digital fue "Radioactive Man" en 1995. Los animadores usaron digital ink y paint durante la producción del episodio "Tennis the Menace", pero Gracie Films retrasó el uso del digital ink y paint hasta dos temporadas más adelante.

Personajes

Los Simpson son una familia típica que vive en Springfield, una ciudad ficticia de la "América Media". Homer, el padre, trabaja como inspector de seguridad en la planta de energía nuclear de Springfield - posición que contrasta con su personalidad descuidada y bufonesca. Está casado con Marge Simpson, una estereotípica ama de casa y madre estadounidense con la cual tiene tres hijos: Bart, un problemático chico de 10 años, Lisa una precoz activista de 8 años y Maggie un bebé que no habla pero se comunica succionando un chupete. La familia posee un perro, Santa's Little Helper y un gato Snowball II (Bola de Nieve). Ambas mascotas han protagonizado algún episodio. A pesar del paso de los años Los Simpson no envejecen y siguen manteniendo el mismo aspecto que tenían a finales de los 80.

La serie incluye además un auténtico arsenal de personajes secundarios: compañeros de trabajo, profesores, otros familiares, amigos de la familia, gente de la ciudad y estrellas locales. Según Matt Groening la serie tomó la idea de incluir un gran reparto de la telecomedia canadiense Second City Television.

Escenario

Los Simpson tiene lugar en la ficticia ciudad estadounidense de Springfield, sin coordenadas geográficas o localizaciones concretas que permitan conocer en cual estado de Estados Unidos se encuentra. A pesar de esto los fans de la serie han tratado de identificar la localización de la ciudad prestando atención al paisaje, vecindario, marcas geográficas y otras pistas. Como respuesta, la serie se muestra intencionalmente evasiva a facilitar la localización. El nombre "Springfield" es tan común en EE.UU que aparece en la mitad de estados. La geografía de Springfield y alrededores contiene costas, desiertos, zonas agrícolas extensas, altas montañas y cualquier cosa necesaria para el desarrollo del argumento o de los chistes. De todas formas, Groening ha dicho que Springfield tiene mucho en común con Portland, Oregon, la ciudad donde creció.

La familia Simpson probablemente vive en la Avenida Evergreen Terrace 742 (en Hispanoamérica: Avenida Siempreviva 742), Springfield, en honor a la calle donde vivía Matt Groening cuando era niño. Se dan varios números alternativos de la casa Simpson en varios episodios, incluyendo 59, 94, 723, 743 y 1094, además de Spalding Way 430. El hecho se usa repetidamente para evitar ubicar específicamente a Springfield sobre un mapa de los Estados Unidos. Se ha sugerido que la dirección usada en Kamp Krusty apunta al actor y comediante Spalding Gray.

El número de teléfono de los Simpson también puede variar entre episodios. Según la agenda del director Skinner, de la Escuela Primaria de Springfield, los teléfonos de Homer han sido: 555–6528 (casa) y 555–7334 (trabajo); 555–6832 (casa) y 555–6754 (trabajo). En la tercera temporada era el 555–8707 y en el episodio de debut televisivo Mr. Plow fue el 555–3223 en casa y 555–3226 en el trabajo.

Temas

Los Simpson usa la fórmula de la comedia de situación o sitcom. Se centra en las aventuras de una familia media estadounidense. Sin embargo, dado su carácter de animación, el ámbito es mayor que el de una sitcom común. La ciudad de Springfield actúa como un universo completo que permite a los personajes enfrentarse a los problemas de la sociedad moderna. El tener a Homer trabajando en una central nuclear permite comentar el estado del medio ambiente. Seguir los años de Bart y Lisa por la Escuela Primaria de Springfield permite a los guionistas de la serie ilustrar asuntos controvertidos sobre el tema de la educación. La ciudad posee además un amplio número emisoras de televisión que permite a los realizadores hacer chistes sobre sí mismos y el mundo del entretenimiento.

Algunos comentaristas han notado que la serie es política en su naturaleza y susceptible de un sesgo de izquierdas. Al Jean admitió en una entrevista que "Nosotros [la serie] somos de inclinación liberal". Los escritores a menudo evidencian su inclinación por ideas progresistas, pero hacen chistes con todo el espectro político. La serie a menudo presenta gobiernos y grandes empresas como entidades insensibles dispuestas a aprovecharse del trabajador medio. Por tanto, los guionistas a menudo presentan las figuras de autoridad con una luz oscura y desfavorable. En Los Simpson, los políticos son corruptos, los ministros eclesiásticos como Reverend Lovejoy se muestran indiferentes hacia los feligreses y los policías locales son unos incompetentes. La religión es otro de los temas principales, en tiempos de crisis la familia frecuentemente vuelve sus ojos a Dios y la serie se ha ocupado de la mayoría de las religiones mayoritarias.

Señas de identidad

Secuencia de apertura

La secuencia de apertura de Los Simpson es una de las señas de identidad más memorables de la serie. La mayoría de episodios comienzan con la cámara acercándose al título de la serie hacia la ciudad de Springfield. Luego la cámara sigue el regreso a casa de los miembros de la familia. Al llegar a casa la familia se sienta en el sofá a ver la tele. Esta secuencia fue creada por David Silverman. La sintonía característica de la serie fue compuesta por el músico Danny Elfman en 1989, después de que Groening le solicitara una pieza estilo retro. Esta pieza, que tardó dos días en crear, ha sido reconocida por Elfman como la más popular de su carrera.

Una de las características más notables de esta secuencia es que hay varios segmentos que cambian de un episodio a otro. Bart escribe cosas diferentes en la pizarra de la escuela, Lisa a veces toca un solo distinto de saxo y hay un gag visual distinto cada vez que la familia entra al cuarto de estar.

Especiales de Halloween

El episodio especial de Halloween se ha convertido en una tradición. El primer especial de Halloween, Treehouse of Horror, se emitió en la segunda temporada de Los Simpson y estableció el patrón de contar tres historias autoconclusivas por episodio de Halloween. Estos segmentos normalmente presentan a la familia en algún escenario terrorífico, de ciencia ficción o sobrenatural que a menudo parodian u homenajean otras obras de esos géneros. Estos segmentos están siempre fuera de la continuidad normal de la serie. Aunque los episodios de Halloween se supone que deben ser vistos en esa fecha, en los últimos años son emitidos más tarde debido al contrato de la Fox con la Serie Mundial de Grandes ligas de béisbol.

Chistes

La mayoría de los personajes principales y secundarios de la serie tienen un latiguillo (frase o expresión que repiten con frecuencia). Entre las expresiones más notables se encuentra el gruñido fastidiado de Homer "D'oh!", el "Excelente" del Sr. Burns o la risa de Nelson Muntz "¡Ja! ¡ja!". Algunos de los latiguillos de Bart como "¡Ay, caramba!" aparecieron en camisetas durante los primeros años de la serie. Sin embargo, Bart no volvió a usar esas frases desde que se volvieron famosas por el merchandising. El uso de muchos de los latiguillos ha ido reduciéndose en las últimas temporadas. El uso de latiguillos como forma de hacer humor fue parodiado en el episodio "Bart Gets Famous" en el que Bart adquiere una inmensa popularidad tras decir en el show de Krusty el payaso la frase "I didn't do it." ("Yo no he sido" en España y "Yo no fui" en Latinoamérica)

La serie también inserta referentes culturales que cubren un amplio espectro de la sociedad, para que espectadores de todas las generaciones puedan disfrutarlas. Dichas referencias pueden venir del cine, la televisión, música, literatura, ciencia e historia. Siempre que les es posible, los animadores introducen chistes ocultos en forma de textos incongruentes en carteles, periódicos o donde sea. El público a menudo no percibe todos los chistes visuales en un primer visionado. Kristin Thompson argumenta que Los Simpson incluyen "una batería de referencias culturales, caracterización intencionadamente inconsistente y considerable auto-reflexión acerca de las convenciones televisivas y el status del programa."

Influencia

Influencias en el lenguaje

Los Simpson ha originado un buen número de neologismos que han calado en inglés como el famoso grito "D'oh!" de Homer que se ha vuelto tan ubicuo hasta llegar a aparecer en el Oxford English Dictionary, aunque sin el apóstrofe.

Expresiones aparecidas en Los Simpson han entrado en el lenguaje popular como el "¡Yuhuu!" de Homer o el "¡Ja! ¡Ja!" de Nelson.

Influencia en la televisión

Los Simpson fue la primera serie animada en emitirse con éxito en prime time desde Wait Till Your Father Gets Home en los años 70. Durante la mayor parte de los 80, los expertos consideraban que las series animadas sólo eran apropiadas para niños y que la animación de una serie era demasiado cara como para alcanzar la calidad esperada en un programa del prime time. Los Simpson cambió estas creencias. El uso de estudios de animación coreanos para hacer los in-betweening, colorear y filmar redujo los costes. El éxito de Los Simpson y la reducción de costos animó a las cadenas a producir otras series animadas. Esto llevó a un boom de series de prime time animadas en los años 90 como South Park, Padre de familia, King of the Hill, Futurama (del mismo creador que Los Simpson), y El Crítico. South Park rindió homenaje a Los Simpson con el episodio "Simpsons Already Did It".

Los Simpson también ha influenciado a series no animadas como Malcolm in the Middle, estrenada el 9 de enero de 2000 en el fragmento horario posterior a Los Simpson. Malcolm in the Middle también utiliza chistes ocultos y no usa risas enlatadas como la mayoría de las sitcoms. Ricky Gervais considera Los Simpson una influencia principal en su telecomedia británica The Office, también carente de risas enlatadas.

Reacciones, críticas y logros

Premios

Los Simpson ha ganado docenas de premios desde su estreno como serie, incluyendo 23 Premios Emmy, 24 Premios Annies y un Premio Peabody. El número de la revista Time dedicado a los logros en el arte y el entretenimiento, la revista nombró a Los Simpson la mejor serie de televisión del siglo XX. En ese mismo número Time incluyó a Bart Simpson en su lista de las personas más influyentes del siglo XX. Bart fue el único personaje ficticio en aparecer en la lista. El 14 de enero de 2000 Los Simpson obtuvieron una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. También en 2000 el crítico de TV del Entertainment Weekly Ken Tucker nombró Los Simpson la mejor serie de televisión de los años 90. Además los espectadores de la cadena británica Channel 4 llevaron a Los Simpson a lo más alto de dos encuestas: 100 Greatest Kids' TV shows (los 100 mejores programas infantiles) en 2001 y 100 Greatest Cartoons (los mejores dibujos animados) en 2005, además de poner a Homer Simpson en primer lugar en la lista de 2001 de los 100 mejores personajes de televisión. En 2002 consiguió el octavo puesto en TV Guide's 50 Greatest TV Shows of All Time, (lista de las mejores 50 series de todos los tiempos), así como en 2007 fue incluida en la lista de los 100 mejores programas de todos los tiempos." La serie ha sido premiada en la categoría de 'Mejor episodio de comedia' por el capítulo 'Crook and Ladder' por combatir el consumo de tabaco, drogas y alcohol.

Logros de mayor permanencia

El 9 de febrero de 1997 Los Simpson sobrepasó a Los Picapiedra como la serie animada estadounidense de mayor permanencia en prime time con el episodio "The Itchy & Scratchy & Poochie Show". En 2004, Los Simpson reemplazó a The Adventures of Ozzie and Harriet (1952 - 1966) como la sitcom (animada o no) de mayor permanencia en Estados Unidos. En octubre de 2004, Scooby-Doo sobrepasó brevemente a Los Simpson como la serie americana con mayor número de episodios. Sin embargo, la cancelación de la serie tras 371 episodios, hizo que Los Simpson pudiera recobrar el título con 378 episodios al final de la decimoséptima temporada. En mayo de 2007, Los Simpson alcanzó el episodio 400 al final de la decimoctava temporada. Sin embargo, aunque Los Simpson ostenta el récord de mayor número de episodios de una serie animada americana. Es, también, es sexto dibujo animado con más capítulos de la historia. Sobre Los Simpson están animaciones como Dragon Ball (508 episodios, ya finalizada),Detective Conan (509 episodios y aún en el aire), Pokémon (530 episodios y aún al aire), Doraemon (1700 episodios, ya finalizada) y Sazae-san (1820 episodios, ya finalizada).

El año 2007 marca el 20º aniversario de la franquicia Simpson. Tras diecinueve años (en 2007–2008), la serie está sólo una temporada por detrás de Gunsmoke en igualarla como serie televisiva estadounidense más longeva (duró 20 temporadas). De todas formas, Gunsmoke's alcanzó los 635 episodios, algo que Los Simpson sólo conseguiría si llegara a las 29 temporadas, en las condiciones de programación actuales.

Crítica del declive en la calidad

Durante muchos años, la crítica alabó la serie Los Simpson por su ingenio, realismo e inteligencia. Sin embargo, a mediados de los 90 el tono y énfasis de la serie comenzó a cambiar. Algunos críticos empezaron a decir que la serie estaba "cansada".[8 Para el 2000, algunos de los fans más veteranos empezaron a desilusionarse con la serie y señalar su vuelco de argumentos basados en las características de los personajes hacia lo que ellos perciben como un exceso de situaciones estrafalarias.[8 [8

En 2003, para celebrar el episodio 300 de la serie, "Barting Over", el USA Today publicó un par de artículos relacionados con Los Simpson: Una lista de los 10 mejores episodios seleccionados por el webmaster del fansite The Simpsons Archive,[8 y una lista de los 15 mejores episodios de Los Simpson según los propios guionistas.[8 El episodio más reciente de la lista de los fans fue uno de 1997, "Homer's Phobia"; la elección más reciente de los guionistas fue uno de 2000, "Behind the Laughter". En 2004 Harry Shearer criticó lo que él percibe como un descenso en la calidad: "Creo que las tres últimas temporadas están entre lo peor, por lo que la cuarta temporada me parece bastante buena ahora."[8

A pesar de estas críticas Los Simpson ha logrado mantener una buena audiencia y atraer nuevos fans, si bien la primera temporada fue disfrutada por una media de 13,4 millones de espectadores por episodio en EE.UU.,[8 mientras que la decimoséptima temporada finalizó con una media de 9,2 millones de espectadores.[8 En una entrevista concedida en 2006, Matt Groening afirmó que: "Sinceramente, yo no veo ningún fin a la vista. Creo que es posible que la serie llegue a ser económicamente demasiado incómoda..., pero por ahora la serie es creativamente, creo, tan buena o mejor que siempre. La animación es increíblemente detallista e imaginativa y las historias hacen cosas que nunca habíamos hecho antes. Así que creativamente no hay razón de marcharse."[8

Merchandising

La popularidad de Los Simpson ha creado una industria de merchandising de miles de millones de dólares. La familia protagonista y personajes secundarios aparecen en multitud de productos de camisetas a pósters. El 24 de abril de 2007 se anunció oficialmente la instalación de una atracción llamada The Simpsons Ride en Universal Studios Orlando y Universal Studios Hollywood. Se espera que esté lista para primavera de 2008.[8 Los Simpson ha inspirado además ediciones especiales de juegos de mesa muy conocidos como el Clue, Scrabble, Monopoly, Operation y The Game of Life, así como juegos de preguntas como What Would Homer Do? o Simpsons Jeopardy!. Varios juegos de cartas como The Simpsons Trading Card Game también existen en el mercado.

Se han editado numerosas publicaciones relacionadas con Los Simpson a lo largo de los años. hasta ahora 9 series de historietas han sido publicadas por Bongo Comics desde 1993. las series de cómics Los Simpson y Bart Simpson se imprimen también en Reino Unido con los mismos títulos. También han aparecido recopilaciones de varias historietas en un solo tomo.

También han aparecido recopilaciones de la música original de los episodios en álbumes como Songs in the Key of Springfield o Go Simpsonic with The Simpsons. Varias canciones se grabaron con propósito de un single o álbum, aunque no aparecieran en la serie. El single más conocido es Do the Bartman que fue coescrito por Michael Jackson, y se convirtió en un éxito internacional alcanzando los puestos más altos del UK Singles Chart durante tres semanas, y certificado como single de oro por la British Phonographic Industry. En Reino Unido se lanzó la canción Deep, Deep Trouble para aprovechar el éxito de "Do The Bartman". Los álbumes The Simpsons Sing the Blues y The Yellow Album contienen covers y canciones originales.

En la promoción de Los Simpson: La película 12 tiendas de 7-Eleven fueron en Kwik-E-Mart y vendieron productos relacionados con Los Simpson tales como "Buzz Cola", cereales "Krusty-O" o donuts rosas con virutas.

DVD

Muchas temporadas de la serie han sido lanzados en DVD o VHS a lo largo de los años. Cuando la primera temporada se lanzó a la venta en 2001, se convirtió rápidamente en el DVD televisivo más vendido de la historia, aunque más tarde fue superado por la primera temporada de Chappelle's Show . En concreto, las temporadas a la 10 han salido a la venta en DVD en EE.UU, Europa, Australia, Nueva Zelanda y Latinoamérica, con más temporadas dispuestas a ser lanzadas en el futuro.

Videojuegos

La industria de los videojuegos se adaptó rápidamente a los personajes y el mundo de Springfield. Entre los primeros juegos se encuentran el arcade de Konami Los Simpson (1991) y el juego de Acclaim Entertainment The Simpsons: Bart vs. the Space Mutants (1992) Entre los juegos más modernos se encuentran The Simpsons Road Rage (2001), The Simpsons Hit & Run (2003) o The Simpsons Game (2007). Se produjeron dos máquinas de pinball relacionadas con Los Simpson, una de los cuales sólo estuvo disponible breve tiempo después de la primera temporada y otra todavía disponible.

La película
Artículo principal: Los Simpson: La película

20th Century Fox, Gracie Films, y Film Roman produjeron una película animada de Los Simpson que fue estrenada el 27 de julio de 2007. La película fue dirigida por David Silverman y escrita por un equipo de guionistas de Los Simpson comprendido por Matt Groening, James L. Brooks, Al Jean, George Meyer, Mike Reiss, John Swartzwelder, Jon Vitti, David Mirkin, Mike Scully, Matt Selman, y Ian Maxtone-Graham. La película se produjo con la serie todavía en emisión, a pesar de que el equipo de la serie había declarado previamente que sólo harían una película cuando la serie hubiera concluido. El primer intento de llevar Los Simpson a la gran pantalla fue con la trama del episodio "Kamp Krusty", pero los guionistas encontraron problemas para alargar la historia como para hacerla disponible para largometraje.0 Una dificultades fue no encontrar una historia capaz de mantener el interés durante el tiempo que dura una película.

Tras ganar un concurso de Fox y de Usa Today la ciudad de Springfield, Vermont fue la elegida para el estreno mundial de la película.0 Los Simpson: la película generó un total de 74 millones de dólares en su semana de estreno en EE.UU., llegando a lo más alto de la taquilla,0 siendo además el récord de mayor recaudación en el estreno de una película basada en una serie de televisión superando a Misión: Imposible II.0 El 17 de diciembre de 2007 la película recaudó en todo el mundo más de 525.495.894 millones de dólares.

Pagina: http://www.thesimpsons.com/