Matisyahu

Matisyahu es un artista judío de reggae y rap (raggamuffin), aunque en su música mezcla influencias de los géneros sincopados como el dub y el ska. Muy afín con la cultura hip hop y reagge, utiliza en sus letras temáticas espirituales derivadas de su condición de judío jasídico. Su verdadero nombre es Matthew Paul Miller, y nació en West Chester, Pennsylvania en el año 1979. Matisyahu es el equivalente hebreo al nombre Mateo. Se le ha llegado a acusar de proselitismo.

Nombre

Originalmente Matisyahu recibió el nombre Yídish de Feivish Hershel, a la par de su nombre anglosajón, sin embargo, tempranamente en su vida su nombre yídico quedo en un verdadero desuso en su ámbito familiar, ya que sus padres se acostumbraron a llamarlo "Matisyahu" que es considerado como la forma hebrea del anglosajón Matthew y por lo tanto sería equivalente del español Mateo o Matias. Su nombre hebreo original había caído en un olvido tal que sólo lo recordó a la vuelta de unos años tras hallar su certificado de nacimiento.

Biografía

Matthew Miller nació en West Chester (Pennsylvania, Estados Unidos) el 30 de junio de 1979, que según el calendario judío corresponde al 5 de Tamuz de 5739 (Tamuz es el décimo mes del año según el cómputo de los meses desde la creación del mundo. Su signo corresponde a Cáncer). Poco después, su familia se trasladó a Berkeley (California) y más tarde a White Plains (Nueva York). A la edad de 12 uno de sus primeros sueños era convertirse en jugador profesional de hockey para la NHL. A los 14 años, Matthew Miller se había acomodado a un fácil estilo de vida hippie-adolescente. Era fan de Grateful Dead, se dejó crecer rastas, tocaba los bongos y aprendió a imitar una caja de ritmos desde los últimos pupitres de la clase. Después de casi incendiar su clase de química, decidió ir a un viaje de acampada a Colorado. En las Montañas Rocosas, lejos de la vida urbana de White Plains, Matisyahu afirma que descubrió su Dios.

Su curiosidad espiritual lo llevó a Israel en un viaje que significó un punto de inflexión en su vida. Matisyahu aprovechó el tiempo rezando, estudiando y pensando en música en Jerusalén. Su dormida identidad judía afloró a su consciencia y a su regreso acudió a un instituto en Bend (Oregon), introduciéndose en el reggae y el hip hop. Todas las semanas iba a un local de aficionados donde rapeaba, cantaba, le daba a la caja de ritmos (Beat Box) y se mantenía activo creativamente. Fue entonces cuando empezó a desarrollar el sonido [reggae]-[hip hop] que hoy le es tan característico.

Matisyahu volvió a Nueva York para estudiar en The New School, donde continuó desarrollando su música e hizo sus pinitos en el teatro. También acudía al Carlebach Shul, una sinagoga en el Upper West Side conocida por su ambiente hippie y la exuberancia de sus cantos, donde se convirtió al judaísmo jasídico. Mientras estudiaba en The New School, Matisyahu escribió una obra de teatro titulada Echad (Uno), que trataba de un muchacho que conoce a un rabino jasídico y se convierte a la religión. Poco después del estreno de la obra, la vida de Matisyahu extrañamente imitó a su arte. Años después de que prendiera en él la primera chispa de religiosidad, Matisyahu conoció al rabino Lubavitch, iniciando la transformación de Matthew en Matisyahu. La persona que había sido tanto tiempo escéptica ante la autoridad y las reglas, se adaptó a la disciplina y estructura del judaísmo, siguiendo sus leyes estrictamente y envolviéndose en un desafío intelectual y en el diálogo espiritual que había buscado durante una década. Hoy, Matisyahu vive en Crown Heights, dividiendo su tiempo entre el escenario y la Yeshiva (institución para el estudio de la Torá, el documento más importante del judaísmo).

Diego Meza fue un hombre pro-creador que en su vida fue alguien muy importante le impuso la religion, lo guio como compositor para crear "times of your song" el cual fue un tema conocido en estos ultimos tiempos.

Actualmente Matisyahu esta casado, el nombre de su esposa es Tahlia Miller (apellido de casada) y es padre de un varón, Laivy.[1]

Evolución y Estilo

Combinando los sonidos de Bob Marley y las influencias del rabino Shlomo Carlebach, aunque manteniendo la identidad de una música propia, los conciertos de Matisyahu comunican una poderosa experiencia al público. Hasta el más escéptico percibe su habilidad para combinar un asunto tan delicado como es la relación entre fe y espiritualidad. Su reciente álbum Live at Stubb’s es un buen ejemplo de como se pueden unir las fuerzas de la música y de la fe a través del reggae y del baile. Tras este disco en directo, Matisyahu piensa editar pronto un nuevo álbum grabado en estudio.

Con un primer álbum publicado en 2004 (Shake Off the Dust... Arise) que llamó la atención de públicos de diferentes modos de vida, religiones y etnias.

Pero es con un disco en directo, Live at Stubb's, grabado el 19 de febrero de 2005, en el Stubb's de Austin (Texas), con el que se monta el taco.

En 2006 publica nuevo disco, Youth. Grabado en el verano de 2005 bajo la producción de Bill Laswell, prestigioso productor, bajista y entusiasta del reggae, que ha sabido dar al disco el balance necesario entre sonidos e ideas antiguos y modernos. Tres canciones del álbum (Time of Your Song, Indestructible y Jerusalem) han sido producidas por Ill Factor (que ha trabajado con Ginuwine) y Jimmy Douglass (Destiny's Child, Missy Elliott y Jay-Z)

Banda

- Matisyahu (Matthew Paul Miller) - Voz, Beatbox
- Jonah David - Batería
- Aaron Dugan - Guitarra.
- Josh Werner - Bajo, Teclados

Discografía

- Shake Off the Dust...Arise (JDub Records 2004)
- Live at Stubb's (live) (JDub Records - Epic 2005)
- Youth (JDub Records - Epic 2006)
- Youth Dub - (Extending Play 2006)
- No Place To Be - (Extending Play 2007)
- King Without a Crown - Live at Stubb's (Live)

Canciones

Quizás King Without a Crown (Literalmente: "Rey sin corona") sea su sencillo más representativo hasta la producción de su tercer disco (Youth). La canción esta presente en sus tres primeros discos: Shake off the Dust... Arise (2004), Live at Stubb's (2005) y Youth (2006), en tres versiones distintas: la original de cinco minutos y una atmósfera más tranquila y relajada; la segunda, interpretada en vivo, y la tercera, que es más corta y animada, haciéndola más apta para su difusión en un publico más amplio y general.

En la letra se pueden encontrar alternativamente el empleo de terminos y palabras en hebreo (que junto como los terminos en Yidish son comunes en las letras de Matisyahu), así como dilucidar distintos grados de fe, que se movilizán desde el orgulloso hasta el humilde, reflejados (respectivamente) en cierta forma en los siguientes versos correspondientes a la versión original:

"But I believe, yes I believe, I said I believe I'll stand on my own two feet Won't be brought down on one knee Fight with all of my might and get these demons to flee Hashem's rays fire blaze burn bright and I believe Hashem's rays fire blaze burn bright and I believe"... "Said, thank you to my G-d, now I finally got it right And I'll fight with all of my heart, and all a' my soul, and all a' my might"

que se traduciría aproximadamente como:

"Pero yo creo; si, yo creo, y lo digo: yo creo Me sostengo en mis dos pies No volveré a ser reducido de nuevo a una rodilla; Peleo con todas mis fuerzas para lograr la retirada de esos demonios; Brazas de rayos de fuego de Hashem arden radiantes y yo creo, Brazas de rayos de fuego de Hashem arden radiantes y yo creo"... "Digo, agradezco a mi D-s, Ahora, finalmente estoy en lo correcto, Y luchare con todas mí corazón, toda mi alma y todas mis fuerzas"

y

"Where ya been Where ya been Where ya been for so long It's hard to stay strong been livin' in galus for 2000 years strong Where ya been for so long"

que se traduciría aproximadamente como:

"¿Donde has estado? ¿Donde has estado? ¿Donde has estado por tanto tiempo? Es dificil mantenerse fuerte viviendo en Galus por 2000 años ¿Donde has estado por tanto tiempo?"

En cuanto a los terminos hebreos, es de destacar en el primer verso que la transcripción de la palabra inglesa para dios, "God", a una forma sin vocales, obedece a la prohibición hebrea de asignar una representación sonora (un nombre) a la máxima deidad creadora, de la misma forma que esta prohibida su representación visual (Prohibición compartida con el Islam y la mayoría de las iglesias crsitianas posteriores a la Reforma Protestante). La palabra original para designar a "Dios" en el hebreo paracía ser algo similar a "Ywh" (sin vocales, puras consonantes), que posteriormente evoluciono al conocido "Yahveh". Por su parte, "Galus" no significa otra cosa que "Exilio".

En cuanto al estilo, King Without a Crown combina un ritmo de reggae con pop-rock alternativo, logrando así un encanto especial, efecto también logrado en Exaltation (Lit: "Exaltación"), canción hallada en el primer y segundo disco. Por su parte, Chop´'Em Down ("Cortarlo y Derribarlo"), que menciona brevemente la tradición hebrea que habla de 40 años en los que este pueblo transito en el Sinaí tras su liberación de Egipto por parte de Moisés, es una canción de un estilo más constante y deliberadamente monótono.

También son de mencionarse Warrior ("Guerrero"), Altar of Earth (Altar de la Tierra), Youth (Jovén), el primer sencillo de su disco homónimo (su primera producción de estudio), y Jerusalem, el tercer sencillo del mismo disco.

De esta última canción se libero oficialmente en internet una segunda versión, siendo que de hecho, el vídeo que se ha realizado corresponde a esta versión y no a la del álbum. La canción esta basada en el Salmo 137. En las biblias católicas (más comunes y difundidas en nuestra Iberoamérica dado la preponderancia del Catolicismo) los versos en los que concretamente está basada la canción aparecen como el cinco y el seís, a saber, dichos versos rezan:

¡Si me olvido de ti, Jerusalén, que mi derecha se olvide de mí! Que mi lengua se me pegue al paladar si de ti no me acuerdo, si no consdidero a Jerusalén como mi máxima alegría

Con respecto a estos versos quizás conviene aclarar que por "mí derecha" se refiere a la mano derecha, en el sentido de perder la desterza manual así como luego arriesga la destreza verbal. La segunda versión de la canción de "Jerusalem" también ha dado en ser conocida por el sobrenombre de "Out Of The Darkness Comes Light", que literalmente se traduce del inglés algo así como "Fuera de la osucridad llega la luz" o "Tras la oscuridad llega la luz", y es también un verso de la versión original de "King without a Crown"

Time of your song ("Tiempo de su canción") trata sobre temas sencillos de la vida diaria, combinando un ritmo de reggae con un toque especial de rap. Shalom/Saalam (De las palabras hebreas y árabes para saludar) es puramente instrumental. En el primer álbum, la canción Close my Eyes ("Cierro mis ojos") se detiene a la mitad para intercalar unas palabras en hebreo.

En su último material, el combo de Cd / DVD de "No Place To Be", Matisyahu interpreta en vivo un Cover de Bob Marley ("Rastaman Chant") y en el albúm uno de The Police ("Message in a Bottle").

Reconocimientos

En el 2007 fue nominado para competir por el Premio Grammy en la categoria de mejor álbum de reggae. Sin embargo, el albúm ganador resultó ser "Love Is My Religion" de Ziggy Marley

Notas

Como judío practicante Matisyahu observa la prohibición del Shabat, por lo que es reconocido por no ofrecer conciertos en el séptimo día de la semana del calendario hebreo

Aparece como intérprete invitado en las canciones "Strength of My Life" y "Roots in Stereo", del disco "Testify", de la banda de estadounidense de Nu metal P.O.D., que es ampliamente reconocida por permear su religiosidad cristiana en sus letras.

Mike D y AdRock (también judios) de los Beastie Boys han hecho remixes para Matisyahu.[2]

Matisyahu es judío, pero, concretamente pertenece al movimiento del Judaísmo jasídico (Judaísmo Ortodoxo), y más concretamente aun, es adherido de la rama de la escuela Jabad-Lubavitch, nativa de la antigua Rusia Imperial.

Pagina: http://www.matismusic.com

Kapanga

Formacion:

Claudio Maffia: batería y coros
Marcelo Spósito: bajo y coros
Mariano Arjones: teclados y coros
Martín Mono Fabio: voz
Miguel Luna Campos: guitarra y coros

Los orígenes de esta banda deben remontarse a 1989 en Quilmes, cuando Martín "Mono" Fabio y Marcelo "Balde" Spósito formaban Kapanga y sus Yacarés, en honor a Kapanga el Misionero, el personaje de Titanes en el Ring. Foco en teclados, Pablo Monteagudo en batería, el Negro Collet en percusión, Juanjo en pandereta y Polvorita en guitarra completaban esa primera formación.

Esa primera etapa transcurrió animando fiestas privadas e interpretando canciones de La Mona Jiménez. Luego de una separación volvieron a juntarse en 1995 y acortaron el nombre de la banda simplemente a Kapanga. La nueva formación era "Mono" Fabio (voz), "Balde" Spósito (bajo y coros), "Maiquel" De Luna Campos (guitarras y coros), Claudio Maffia (batería y coros) y Mariano "Príncipe" Arjones (teclados).

La compañía EMI les pidió que presentaran su material, y así lograron editar su álbum debut "A 15 cm. de la Realidad" (1998), que incluye los hits Me Mata, Agujita de Oro, Ramón y El Mono Relojero, entre otros. Las más de 35.000 copias vendidas lo transformaron en Disco de Oro.

Hacia fines de 1999 editaron "Un asado en Abbey Road", el segundo disco, en el cual se destaca la participación de importantes músicos invitados de la talla de Ricardo Mollo (Divididos) en guitarras y voz del tema "Demasiado", Andrés Giménez (A.N.I.M.A.L), voz en "Indultados", y el coro de Super Ratones en "Quiero llenarte de mí".

"Operación Rebenque" fue el tercer disco, del año 2000. A su tradicional estilo rockero-cuartetero sumó ritmos emparentados con la música beat y country. «Nosotros, como banda, tenemos la necesidad de hacer cosas nuevas y tratamos de evolucionar», comentaba El Mono. «Si escuchamos el primer disco y el tercero hay una diferencia bastante interesante tanto musical como de sonido». Este cambio está explicitado en temas como "Bailarín asesino", el corte de difusión, una canción beat-psicodélica en la que participa el Babasónico Adrián Dárgelos como invitado; "La Taberna", un tema con melodía country, o "Dame", una fusión de cuarteto y ska.

Ya desvinculados de la compañía discográfica, en el 2002 encararon una gira de un mes y medio por Puerto Rico, durante la cual dieron forma a los temas de "Botanika", el disco editado a fines de ese año por Pop Art. El primer corte difusión fue "En el camino". La gira por la Costa Atlántica, tocando gratis en distintos paradores, y los cerca de veinte shows ofrecidos en todo el país a mediados del 2003 terminaron de instalar a la banda en públicos muy amplios.

"¡Esta!" es el quinto disco de la banda, editado en 2004 con un estupendo packaging de diseño psicodélico y provocador. El tema "El beso del adiós" cuenta con la participación de Eduardo Schmidt, de Arbol, en violín y Mimi Maura aporta su voz, a dúo con el Mono. Otros invitados son Andrés Ciro en "Postal", los metales de Dancing Mood en "Locos", el Condor y Dani de Bersuit en "Desesperado" y Gustavo Rowek en la batería de "Buscar". Fue grabado en Estudios Del Cielito y mezclado en El Pie.

"Kapangstock" fue grabado en vivo grabado durante los shows de Obras y el Pepsi Music del año 2005. Editado hacia fines del 2006 en formato CD y DVD, es un recorrido a través de sus 10 años de trayectoria.

Pagina: http://www.kapanga.com
Fuente: Rock.com.ar

Arbol

Formacion:

Hernán Bruckner: guitarra
Martín Millán: batería
Pablo Romero: percusión, guitarra y voz
Sebastián Bianchini: bajo

Árbol se formó a fines de 1994 en la zona oeste del Gran Buenos Aires. Este grupo se caracteriza por mezclar instrumentos y ritmos con total versatilidad, desde el rock, el hardcore o el rap, hasta el funk, reggae, country o chacarera.

Además, se alternan a lo largo de los temas una sección de vientos, percusiones, hammond, armónica y unos cuantos instrumentos "exóticos" para el rock (como el charango, la caja, la flauta traversa y el violín), agregándo sonidos "no habituales".

En 1996 registran en forma totalmente independiente su primera producción discográfica, "Jardín Frenético". Este material fue presentado en la exposición multimedia Rock Nacional 30 años, en "Buenos Aires No Duerme" y como invitados en shows de Los Caballeros de la Quema y Bersuit Vergarabat.

A través del grupo mexicano Café Tacuba llega una copia de este disco a Gustavo Santaolalla, quien los convoca para firmar contrato con Surco. Allí editaron el primer disco.

Sus dos primeros video clips (correspondientes a "Sexo" y "Rosita") tuvieron alta rotación en las canales musicales locales.

Arbol fue elegida como banda revelación de 1999 por los lectores del Suplemento Si del diario Clarín y por la prestigiosa Revista Rolling Stone (edición sudamericana).

Junto a Attaque 77 realizaron en el 2000 una extensa gira por la costa atlántica y otra por una docena de ciudades en el interior del país. Luego encararon otra por Estados Unidos y México.

A fines del 2001 tenían terminado "Chapusong's", el nuevo disco, en el cual siguieron experimentando con diversos ritmos.

Esta placa los terminó de lanzar a la masividad, con varios videos editados y difundidos en las principales cadenas de televisión.

Con un escueto comunicado de prensa, Eduardo Schmidth comunicó su decisión de dejar la banda a finales de 2006, para continuar con su carrera solista.

Pagina: http://www.arbol.com.ar

Bajofondo Tango Club

El grupo musical Bajofondo es la fusión de varios músicos contemporáneos cuyo denominador común es la confluencia en el Río de La Plata, argentinos y uruguayos. Los integrantes son el ganador del Oscar, Gustavo Santaolalla, Juan Campodónico, Luciano Supervielle, Javier Casalla, Martin Ferres, Gabriel Casacuberta, Adrian Sosa y Verónica Loza mientras que por el lado tradicional tanguero participan en este proyecto entre otros Adriana Varela cuyo aporte en la canción "Perfume" es de incalculable valía.

Este proyecto supuso un Grammy Latino para los creadores del concepto y un auge tanto del tango de vanguardia como de esta interesante fusión que dio pie a un nuevo género musical: el tango electrónico, ya que a la movida popularizada por el Bajofondo tango club se unen otros grupos de similar sonido como Narcotango o Gotan Project

Pagina: http://www.bajofondotangoclub.com

JUGLAR

JUGLAR es una banda formada en el año 2001 en la ciudad de Bahia Blanca, provincia de Buenos Aires, Argentina. De variadas influencias compuestas por rock argentino, español, anglosajon y musica etnica que se fusionan en originales canciones que se desprenden del rock sin perder fuerza y llegada.
En el año 2005 editan su primer demo cd: NADA QUE VER que contiene 6 temas ineditos. Este album fue grabado, masterizado, diseado y distribuido por la banda. La cancion "Invocacion" (track 4 de este CD) se mantuvo por varias semanas como numero 1 del ranking de bandas locales de Radio FM Malvinas.
Actualmente la banda se encuentra ensayando con nueva formacion y componiendo nuevas canciones que integraran el segundo CD de la banda.

http://www.fotolog.com.ar/juglar
http://www.purevolume.com/juglarargentina

Kittie

Kittie es una banda de Alternative Metal de Canadá formada en 1997 por unas chicas de escuela de entre 15 y 17 años.

La banda está actualmente formada por las hermanas Morgan Lander (voz, guitarra y piano) y Mercedes Lander (batería).

Algunas de sus canciones que tuvieron o tienen mayor difusión son: Do you Think I'm a Whore, Suck, What I Always Wanted, Paperdoll, Raven, Into the darkness, Career Suicide, Inmortal , Charlotte y por supuesto Brackish.

Pagina: http://www.kittierocks.com

The Misfits

The Misfits es una banda de punk rock pionera del subgénero horror punk formada en 1977 en Lodi (Nueva Jersey) por Glenn Danzig, Jerry Only y Manny Martínez. A lo largo del tiempo el grupo se ha caracterizado por componer canciones basadas en películas de terror y ciencia ficción. La banda, que tomó su nombre de la última película realizada por Marilyn Monroe, se disolvió en 1983 y se volvió a formar en 1995 ya sin Glenn Danzig como líder creativo.

Historia

La apariencia y forma de actuar de The Misfits tanto por su imagen terrorífica como por su actitud agresiva dentro y fuera del escenario, han sido sus características distintiva en la escena hardcore punk. A lo largo de su carrera, el grupo ha pasado por dos etapas claramente definidas, la primera con el vocalista Glenn Danzig hasta 1983 y la segunda, desde 1995, primero con el vocalista Michale Graves y luego incorporando a tres integrantes de los principales grupos de punk rock de la primera ola: Marky Ramone (The Ramones) en la batería, Dez Cadena (Black Flag) en la guitarra y Jerry Only el único que ha tocado en todos los álbumes del grupo, como vocalista y bajista.

La banda fue formada en el año 1977 en los Estados Unidos. La primera etapa de Misfits duró 6 años, desde 1977 hasta 1983, y culminó debido a diferencias entre Glenn Danzig y los otros integrantes de la banda (Jerry Only y su hermano el guitarrista Doyle Wolfgang von Frankenstein). Ellos dos fueron los encargados de la llamada "resurrección" de Misfits en su segunda etapa, que se comenzó a idear a fines de los años 1980 pero debido a problemas legales con Danzig la vuelta del grupo se concretó recién en 1995 con un nuevo vocalista, Michale Graves, y baterista Dr. Chud. Sin embargo, esta etapa duró solo cinco años hasta que en el año 2000 nuevas diferencias surgieron entre los integrantes de la banda generando la salida de ella en primer lugar de Graves y Dr. Chud y luego de Doyle. Desde 2005, Misfits ya no cuenta con Marky Ramone en la batería lugar que ocupa otro veterano de la vieja escuela punk como lo es el colombiano ROBO que ya había tocado anteriormente en Misfits entre los años 1982 y 1983 cuando grabó el disco Earth A.D. En 2007 la banda celebra su 30° aniversario con una serie de recitales por Europa y los Estados Unidos.

Misfits ha influenciado, entre otros, a grupos como Metallica (que realizó covers de "Last Caress" y "Green Hell"), Pantera, Guns n' Roses, Green Day, NOFX y aiden (que realizó el cover de la canción "die, die my darling"), My Chemical Romance (que versionó el tema "Astro Zombies" del álbum Walk Among Us).

Pagina: http://www.misfits.com

A Camp

Proyecto musical liderado por Nina Persson cantante de The Cardigans. Su primer álbum se llama A Camp como el grupo y fue lanzado en 2001 en el paro que dieron The Cardigans en su carrera. “A Camp” está producido por Mark Linkous, de Sparklehorse, que debutó trabajando para otros, pero con el respaldo de las magníficas producciones para su banda. Nina grabó primero las canciones con Niklas Frisk (Atomic Swing) y luego llamo a Mark Linkous. Nina y Niclas se encontraron en un bar, su conversación derivó hacia la música, y descubrieron que les gustaban los mismos discos. Esta encuentro provocó la idea de grabar algunas canciones juntos . Y estas canciones, junto con alguna que añadió Nina Persson luego componen el repertorio de A Camp. Entre otras el disco incluye: "I can buy you" (el primer single), "Angel of sadness", "Algebra" y "Hard as a stone".

Actualmente Nina Persson se encuentra grabando su segundo disco en solitario.

The Cardigans

The Cardigans es una banda que se formó en la ciudad de Jönköping, Suecia en 1992. El estilo de su música ha variado de álbum a álbum. En sus comienzos se los podría encuadrar dentro del indie, pasando por un pop más inspirado en los años 1960 y por supuesto por el rock.

Cada una de sus grabaciones abrió nuevos mercados y atrajo la atención de nuevas audiencias. El álbum Emmerdale (1994) les dio una sólida base en su país natal y en algunos otros países, especialmente en Japón. Pero no fue antes de su segundo albúm Life (1995) que la audiencia y críticos internacionales respondieron. La banda hoy en día es muy conocida en el extranjero por su hit "Lovefool", del álbum First Band on the Moon (1996). Este sencillo fue incluido en el soundtrack de William Shakespeare's Romeo + Juliet del director Baz Luhrmann, asegurándoles popularidad a los miembros de la banda. Aunque algunos la consideran como una banda de un solo hit, también tienen gran éxito en Suecia, Europa, Japón y América. Otras de sus canciones más populares son "My Favourite Game" y "Erase/Rewind", ambos pertenecientes a Gran Turismo publicado en 1998. En el 2003 tras una largo descanso provocado por el gran estrés de sus giras mundiales publicaron su álbum más sobrio y emotivo: Long Gone Before Daylight. Algunas canciones son: "For What It's Worth", "You're the Storm", "Live and Learn". En el 2005 publican "Super Extra Gravity" cuyo primer single fue: "I need some fine wine and you, you need to be nicer" y también contiene canciones de mayor estilo rock que su último disco como: "Godspell", "Little black cloud"

Discografía

- Emmerdale - 1994
- Life - 1995
- First Band On The Moon - 1996
- The Other Side Of The Monn - 1997 (Recopilación. Rarezas y caras B)
- Gran Turismo - 1998
- Long Gone Before Daylight - 2003
- Super Extra Gravity - 2005


Biografía

The Cardigans es un grupo nacido desde la fría y lejana Suecia, cosa curiosa teniendo en cuenta que es un grupo cálido y cercano a muchas corrientes musicales. The Cardigans se formó en 1992 en la pequeña ciudad de Jönköping, al sudoeste de Suecia, y que tiene como atractivo más interesante sus 52 iglesias. Decidieron mudarse a la gran ciudad, y la elegida por ellos fue la tercera más grande del país: Malmö.

Los integrantes de The Cardigans son Bengt Lagerberg, batería e instrumentos de viento, Lasse Johansson guitarra y teclados, Magnus Sveningsson bajista, Nina Persson vocalista principal y Peter Svensson guitarra y compositor de la banda, aunque las letras son en su mayoría, producto del esfuerzo del grupo.

Emmerdale

Su primer disco fue Emmerdale y fue lanzado en 1994. De este álbum, el primer single que se lanzó fue este Rise & Shine. Esta canción se convirtió rápidamente en una de las favoritas de las radios suecas, y Slitz, la revista de música más importante del país, calificó el disco como el mejor del año.

Life

Después de una larga serie de exitosos conciertos, The Cardigans volvieron a entrar en los Tamborine Studios de Malmö y junto con Tore Johansson, el productor de su primer disco, empezaron a componer las canciones del que sería su nuevo álbum, Life que saldría a la venta en marzo de 1995. Este álbum, editado por Stockholm Records y distribuido por Polygram, la banda recupera algunas canciones de Emmerdale, como Rise and shine. En este nuevo disco además, se incluye una versión de Black Sabbath (Sabbath Bloody Sabbath). Pero el single que dio a conocer este álbum Carnival.

Firs Band On The Moon

En septiembre de 1996, sale al mercado su tercer álbum First band on the moon. Como en sus dos discos anteriores, fue grabado en los Tamborine Studios en Malmoe y fue producido por Tore Johansson, pero a diferencia de otros álbumes en donde Peter componía la música y Magnus, las letras, en esta ocasión fue Nina Persson la que escribió el 50% de los versos. Este disco vendió más de dos millones y medio de copias, y su primer single fue el exitoso Lovefool. Este tema, con una fuerte influencia setentera estuvo incluido en la película Romeo y Julieta, versión Baz Luhrmann. Este single no solo fue de los más escuchados en Estados Unidos o Inglaterra, sino que se colocó en el número dos en la lista de ventas inglesa, donde permaneció en el Top 5 durante cinco semanas. El álbum donde se incluía esta canción fue muy polémico al respecto del sonido que usó The Cardigans. Arriesgaron con un sonido diferente, a veces con ritmo de jazz y con una instrumentación al estilo bunge. Quizás, en ese cambio radical de sonido estuvo la clave del éxito de este álbum. Llegó a ser disco de platino en Estados Unidos y Japón y disco de oro en el Reino Unido. Las actividades de promoción del single Lovefool y del álbum First band on the moon parecía que no acabarían nunca.

El grupo realizó una larga gira mundial durante un año, actuaron en unpluggeds para las emisoras de radio y se pasaron todos esos días concediendo entrevistas en prensa y televisión. Pero no solo eso, sino que incluso llegaron a participar como invitados en un capítulo de la serie Sensación de vivir. En definitiva, The Cardigans empezaron a tener por esa época un nombre por todo el mundo. Su manera de de combinar elementos de varias tradiciones musicales que por esos años parecían difíciles de unir, causó un gran impacto en la critica y en la gente que escuchaba sus canciones.

Gran Turismo

El enorme cansancio acumulado durante el año 1997, hizo que The Cardigans decidieran tomarse un merecido descanso en su casa de Malmö para recuperar nuevas fuerzas que les permitieran empezar a componer nuevas canciones. Durante aquel tiempo no se dedicaron precisamente a relajarse. A principios de 1998, colaboraron en varios álbumes de otros artistas, además de incluir un tema suyo en la banda sonora de Expediente X. Por si esto fuera poco, varios componentes del grupo empezaron a hacer cosas en solitario. En junio de 1998, el grupo empezó a grabar su nuevo disco. El CD sale a la venta en octubre de ese mismo año, y fue llamado Gran Turismo en homenaje al videojuego de coches tan famoso, y con el cual estuvieron enganchados durante esos meses de relajación. Quizás por eso, el videoclip de su primer single iba enfocado en ese estilo: carreras de coches y trompazos automovilisticos Ese primer sencillo de ese álbum fue el archiconocido "My favourite game".

El videoclip con el que se presentó este tema, fue polémico y dio que hablar a toda la prensa. En él se podía ver a Nina Persson conduciendo un descapotable, al cual le puso una piedra en los pedales para que el coche no parara en una carretera de esas largas del desierto, en la cual toda era recta. En esa aventura, el coche arrasa con todo lo que se le cruzaba por delante. Es un video con tres versiones, en dos de ellos, Nina acaba el video muriendo de manera diferente en ambos, y en otro la aventura de la cantante es más tranquila, ya que no se le cruza ningún coche. Esta última versión es bastante más aburrida, ya que durante todo el videoclip no ocurre nada especial y en los cuatro minutos que dura solo ves a Nina conduciendo. Se hizo para los países que consideraban que el videoclip original era muy salvaje.

Con Gran Turismo, The Cardigans alcanzaron la madurez, que hasta ese momento no habían alcanzado con sus anteriores discos. Este álbum, además, les dio la oportunidad de ganar cuatro Grammys, a las categorías de Mejor Álbum, Mejor Grupo/PopRock, Mejor compositor y Mejor productor. A pesar de todos estos premios, al grupo no se le subieron los humos y empezaron a trabajar para hacer cosas nuevas.

Erase/Rewind, fue el segundo single que se extrajo de Gran Turismo. Este single permitió a The Cardigans, entrar de nuevo en el top 10 de la lista británica. Además, fue incluida en la banda sonora de la película “Nunca me han besado”.

Después de otra intensa gira promocional, Nina, Magnus y Peter empezaron a principios del año 2001 a elaborar sus proyectos como solistas. Nina publicó un álbum con su nuevo grupo A Camp, con la cual afirma que ha crecido como músico y ha encontrado sus raíces musicales, con sonido mas country que pop. Magnus se fue a Righteous Boy, un grupo con música muy parecida a la de The Cardigans y Peter a la banda Paus.

Long Gone Before Daylight

Pasados cinco años después de estas experiencias y de haber colaborado en el disco de duetos de Tom Jones, The Cardigans publicaron Long Gone Before Daylight. En este disco dan un cambio drástico y emocionan con un sonido más puro y sencillo que con sus anteriores discos. El primer sencillo es For What It’s Worth. Otros singles fueron You're The Storm y Live And Learn. Long Gone Before Daylight un disco del que afirman han estado muy inspirados gracias a sus cinco años de separación.

Super Extra Gravity

En 2005 publican Super Extra Gravity. The Cardigans volvió a trabajar con el productor Tore Johansson en este álbum en el que el grupo ha querido recuperar la espontaneidad y la frescura que se echaron en falta en su más maduro Long Gone Before Daylight.

El título de su primer single, “I need some fine wine and you, you need to be nicer” , es la típica postura de Nina ante una canción de amor. I need some good wine and you, you need to be nicer es el original título de esta canción en la que Nina Persson vuelve a lucir su estupenda voz y su talento como letrista de temas relacionados con los conflictos amorosos.La ironía o la pedantería más cómica inundó sus grandes éxitos ‘Lovefool’ y ‘My Favourite Game’. Ahora que a los Cardigans les ha dado por recuperar sus sonidos más básicos, puede parecer que han cambiado pero tan sólo han evolucionado sabiamente. “Im a pitbull, you are a dog” canta una juguetona y cínica Nina Persson. Al estilo de My Favourite Game, el amor como un juego perpetuo de poder, condenado al desencuentro…

El estilo de Long gone before daylight, se advierte en canciones como Slow (”there was love ten seconds ago, In it’s place, now a tiny pain ), Little Black Cloud (”if you’re cold I’ll tell you it’s the summer breeze”) , Overload (”i’m tenderly served on your plate”) y la nueva version de And Then You Kissed Me (”when he kissed me I gladly gave in to a fight nobody could win”). Pero el prometido desenfado adolescente del primer corte, encuentra en Godspell (”it’s not a murder, it’s an act of faith”) y Losing a Friend (”I’m fickle and I’m vain and you trick me over and over again”) a dos de las mejores canciones del álbum. Si algo ha caracterizado la trayectoria de The Cardigans en los últimos años, eso ha sido la inquietud y el deseo de sorprender con cada trabajo. Tras el pop suave de inspiración sesentera de sus tres primeros álbumes, la banda sueca giró a un sonido mucho más contemporáneo en Gran Turismo (1998) para posteriormente buscar las raíces del rock atemporal en Long Gone Befote Daylight (2003).

Se quejan los fans de los Cardigans de que sus temas ya no suenan en la radio y de que por tanto ya no son tan famosos como antes. A ellos parece importarles poco, pues siguen editando sus discos en voz baja, a pesar de los resultados más que interesantes.

Su disco anterior, ‘Long Gone Before Daylight’, que ya pasó desapercibido, es una joya para todos aquellos que lo compraron. Detrás de cada melodía aparentemente inofensiva se escondía una gran canción. Este ‘Super Extra Gravity’ incluye temas tan folkies y tiernos como ‘Communication’ (’Overload’, ‘And then you kissed me II’), pero se caracteriza por ser un poco más salvaje. Como ellos dicen, si el anterior era un disco maduro, este es el adolescente indisciplinado.

"I need some fine wine and you, you need to be nicer" son clásicos instantáneos y la balada "Don’t blame your daughter"

Curiosidades

The Cardigans es un grupo que hace versiones de grupos que consideran grandes y que no tienen nada que ver con su estilo de música. Es el caso del anteriormente mencionado Sabbath Bloody Sabbath y Iron Man, dos temas del grupo rock Black Sabbath. La historia de estos temas es muy atípica: Peter, el guitarrista del grupo comenzó a comprar discos de “hard rock” hace aproximadamente cuatro años y trató de sacar algunos acordes de las canciones de Black Sabbath. En esos tiempos, los integrantes de The Cardigans vivían todos juntos, y fue entonces cuando Peter los llamó a todos a su cuarto y les tocó los acordes en su versión original y luego en su versión más popera. A los demás componentes les gustó la idea y decidieron incluir esta canción dentro de Life. Cuando se lanzó este álbum, un fan inglés les preguntó si harían también un cover de Iron Man y después de haberla ensayado muchas veces, la lanzaron como cara B de la versión japonesa del single Rise and shine para después incluirla en el álbum First Band On The Moon.

Pagina: http://www.cardigans.com

Logos

Formacion:

Alberto Zamarbide: voz
Marcelo Ponce: batería
Miguel Roldán: guitarra
Wálter Scasso: bajo

Esta banda de heavy metal nace en 1991, integrada por tres ex-V8 (Zamarbide, Roldán y Cenci) y el bajista José Amurín. Dos años más tarde, llegaron a grabar su disco debut, "La industria del poder" en DBN.

La segunda placa se tituló "Generación mutante" y se editó en 1995 con la producción de Rudy Sarzo (ex bajista de Ozzy Osbourne, Quiet Riot y por entonces músico de Whitesnake). Los temas más destacados son "Arden en el cielo" y "Muerte sin gloria".

Ese mismo año participaron del festival "Monsters of Rock", que se desarrolló en Ferro a comienzos de septiembre, junto a Megadeth, Alice Cooper y Therapy?. Fueron invitados por la cadena MTV Latino a realizar varios shows en Nueva York y Miami.

Pagina: http://logosmetal.sion.com

Arbolito

Arbolito es una banda musical argentina compuesta por egresados de la Escuela de Música Popular de Avellaneda. Fue creada en 1997 y se caracteriza por su estilo profundamente ecléctico que fusiona músicas folclóricas de la región (chacarera, huayno, saya, zamba, candombe, entre otros) con ritmos extranjeros de amplia difusión en el país (principalmente rock y reggae). La banda también destaca por su destreza multi-instrumentística y por sus letras con fuerte contenido social. Arbolito también puede ser considerado como una expresión cultural del Revisionismo histórico que está ganando amplia difusión en la actualidad argentina. En ese sentido, la banda toma su nombre de "Arbolito, el vindicador", un texto de Osvaldo Bayer que reivindica las luchas aborígenes del siglo XIX en el contexto de las primeras "Campañas del Desierto". El personaje histórico que parece corresponder al poético Arbolito de Bayer es Nicasio Maciel.

Formación

- Ezequiel Jusid: Voz, guitarra acústica, guitarra eléctrica
- Agustín Ronconi: Voz, flauta traversa, quena, charango, violín, guitarra
- Andrés Fariña: Bajo eléctrico, coros
- Pedro Borgobello: Clarinete, quena, coros
- Diego Fariza: Batería, bombo legüero
- Sebastián Demenstri: Percusión, accesorios

Pagina: http://www.arbolitofolklore.com.ar

Foo Fighters

Foo Fighters es una banda americana de rock alternativo proveniente de Estados Unidos y que fue creada en el año 1995 por el (ex)baterista de Nirvana, Dave Grohl.

La banda ha conseguido varios reconocimientos y han marcado muchisimos exitos alrededor del mundo, tales como This is a Call, Everlong, Monkey Wrench, Learn to Fly, All My Life, Times Like These, Best Of You, DOA , No Way Back y "The Pretender" su ultimo single, el mismo que alcanzó el puesto #1 en los Hot Modern Rock Tracks el sabado 1ro de Setiembre del 2007.

Historia

Durante el tiempo en el que fue miembro de Nirvana, Dave escribió varias canciones por su cuenta que no le parecieron del todo acorde al sonido de esa banda. Por esta razón no introdujo la totalidad de ellas a sus compañeros, y decidió grabar un demo por su cuenta bajo el pseudónimo Late!, nombrando el álbum como Pocketwatch. La edición de este demo se hizo en apenas un ciento de cassettes, que Grohl repartió únicamente entre sus amistades y sin pretensión alguna de editarlo comercialmente.

Tras la muerte de Kurt Cobain, Grohl decidió seguir adelante con su carrera musical. Regresó al estudio por cuenta propia para grabar otras cuantas canciones más que ya había escrito, esta vez bajo el pseudónimo de Foo Fighters. Él mismo grabó todos los instrumentos en todas las canciones, a excepción de una guitarra de acompañamiento cortesía de su amigo Greg Dulli (guitarrista de Afghan Wigs). Igualmente editó esta grabación en cassette y la repartió entre sus amigos. Sin embargo en esta ocasión, recibió muy buenos comentarios e incluso una de las canciones, This is a Call, empezó a tener rotación en la radio angelina; razón por la cual decidió formalizar lo que hasta el momento era sólo un proyecto y reclutó a otros músicos para formar una banda oficialmente.

Fue así que dio inicio a los Foo Fighters, cuyo nombre proviene de la forma en que llamaban los alemanes a los objetos voladores no identificados (OVNI) durante la Segunda Guerra Mundial. Invitó como guitarrista a su compañero de reciente ingreso a Nirvana, Pat Smear, y a Nate Mendel y William Goldsmith del grupo Sunny Day Real Estate para tocar el bajo y la batería, respectivamente. Este primer disco cosechó buenos comentarios por una parte de la crítica profesional, y en el plano comercial no le fue nada mal, consiguiendo disco de platino. Algunas canciones de este álbum fueron compuestas mientras era miembro de Nirvana, siendo por ejemplo Big Me (mejor video del '95 según MTV) tocada en algunas ocasiones con Dave Grohl en la batería.

Tras el súbito éxito que tuvo la banda, estuvieron de gira durante varios meses presentándose por todo Estados Unidos y algunas ciudades en Europa (incluido el éxito masivo en el Reino Unido). Aun así, tras casi dos años de gira exhaustiva Pat Smear decide dejar la banda debido al agotamiento. En 1997 regresan al estudio para grabar su segundo álbum, The Colour And The Shape, el cual contiene grandes éxitos como Monkey Wrench, My Hero, Hey, Johnny Park! y Everlong. Para la grabación del disco, William Goldsmith fue requerido sólo en Doll y Up in Arms, siendo así que deja el grupo. Cabe destacar que este disco no tuvo éxito comercial, aunque una parte de la crítica lo proclamó como uno de los mejores discos de rock de la década de los '90.

Después de reclutar a Taylor Hawkins (ex-miembro de Hot Chocolate, la banda en vivo de Alanis Morissette) para tomar las labores de la batería, y a Franz Stahl (ex-compañero de Grohl en la banda Scream) en las guitarras, volvieron a salir de gira para promocionar el nuevo disco. En esta ocasión pudieron visitar aún más ciudades en Europa, así como lugares en Asia y Australia.

En 1999, Grohl decide tomar un descanso y regresar a su natal Virginia. Después de un par de meses de radicar ahí, convierte el sótano de su casa en estudio de grabación donde comienzan a trabajar en lo que se convertiría en su tercer álbum, There is Nothing Left to Lose. Este disco contaría con un tono mucho más melódico que sus predecesores. De éste se desprenden temas como Breakout (que se incluiría en la banda sonora de la película Irene y yo, y mi otro yo), Next Year (banda sonora de la serie televisiva Ed), Generator, Stacked Actors y Learn to Fly. Poco antes del lanzamiento del disco, el grupo inicia una serie de castings para encontrar a su nuevo guitarrista; y fue así que Chris Shifflet de Me First and the Gimme Gimmes fue reclutado y se embarcó con ellos a una nueva gira mundial.

A finales del 2001 con su nuevo guitarrista regresan a Virginia para trabajar en un nuevo disco que no satisfizo las expectativas de Grohl, razón por la cual decide abandonar las sesiones de grabación y tomar un receso. Durante este tiempo grabó las baterías en el disco Songs for the Deaf de Queens of the Stone Age, saliendo también de gira con ellos durante 2002. Shifflet trabajó también en un proyecto propio durante este tiempo, un grupo de punk llamado Jackson (ahora Jackson United). Habiendo retomado nuevos bríos, la banda regresa al estudio para grabar en tan sólo dos semanas One by One, su nueva producción. Esta grabación se compuso de canciones como All my Life, Low, Overdrive, Comeback, Have it All y Times Like These. El video de Low fue tremendamente criticado y censurado en muchas emisoras del mundo. Este disco les sirvió para consolidarse definitivamente como una de las propuestas de rock alternativo más importantes y vigentes de nuestros días, viajando nuevamente de gira por todo el planeta.

Para el 2004 deciden mudarse a Los Angeles y construir un nuevo estudio en una gran bodega. Sin embargo, la grabación de un nuevo álbum debía justificarse con la redefinición del sonido del grupo. Por esta razón deciden llevar a los extremos sus composiciones trabajando en un álbum doble que se compondría de un disco con canciones rockeras y potentes; y otro más con canciones sólo acústicas. El día 14 de Junio de 2005 sale a la venta"In Your Honor". Dave Grohl admitió que estaba enojado consigo mismo ya que grabó muy rápido el disco One by One y no le gustó el contenido; así pues le puso más atención a éste nuevo. Según sus palabras, Dave Grohl dijo: "Si en 20 años más un hijo le pregunta a su padre, ¿conoces a los Foo Fighters?, ¿Qué disco debería tener?, sin duda alguna la respuesta seria, "In Your Honor". Con esta declaración Dave Grohl deja más que claro, que este disco es el primero que ha realizado con tanto trabajo y que le parece simplemente fenomenal. En este álbum se destaca por ser un disco doble DualDisc, en el primer disco se puede notar bastante influencia del Heavy Metal especialmente en canciones como "Free Me", las demás estan dentros de los parametros del Hard Rock, entre ellas sobresale "No Way Back", "Best Of You", "End Over End", "DOA" y otras. En el segundo disco se puede notar influencias del rock alternativo, además de tener formato acústico, es más relajante y melancólico que el anterior, y a momentos la voz de grohl se compara a la de un trovador, las canciones más rescatables son: "Miracle", "Over and Out", "Friend of a Friend", "Virginia Moon" con Norah Jones y otras más

El año 2006 Foo Fighters ha lanzado su último disco, Skin And Bones (2006), en el cual han grabado en vivo sus canciones más conocidas en un formato acústico. El disco de 15 canciones fue grabado en Agosto del 2006 en el Pantages Theater de Los Angeles

El próximo 25 de septiembre Foo Fighters estará presentando su nuevo trabajo discográfico que tentativamente llevará en nombre de Echoes, Silence, Patience & Grace.

El disco contará con 12 temas y éste ha contado con la colaboración del guitarrista Kaki King en el tema “The Ballad of the Beaconsfield Miners”, por ahora se puede escuchar su primer sencillo titulado The Pretender. Asimismo, la banda tiene previsto comenzar su gira por los Estados Unidos en Septiembre, en el Reino Unido en Noviembre y en Australia en el mes de Diciembre.

Miembros

- Dave Grohl - Guitarra rítmica, vocales, batería
- Chris Shiflett - Guitarra principal y rítmica, coros (1999-presente)
- Nate Mendel - bajo (1995-presente)
- Taylor Hawkins - batería, percusiones y vocales(1997-presente)

Pagina: http://www.foofighters.com

Tool

Tool es una banda contemporánea de rock de los Estados Unidos cuya música se basa fuertemente en los sonidos del rock y el metal alternativo, con algunos tintes de Metal progresivo (la banda cita como influencia al sonido de King Crimson [1]). Formada en 1990 en Los Angeles, California, cuando Danny Carey (batería) se unió a su vecino Maynard James Keenan (voz), Adam Jones (guitarra) y Paul D'Amour (bajo) para ensayar. Desde ese momento Tool ha sido conocida como una banda algo oscura, con un sonido apreciado por su complejidad. Además, Tool se caracteriza por sus canciones largas, generalmente de más de seis minutos, temas cortos y completamente instrumentales ("Eon Blue Apocalypse") y el contenido de sus letras, que tratan temas que van desde el abuso sexual (“Prison Sex”), la religión (“Sober”), la trascendencia (“Lateralus”) y la comunicación (“Schism”), así como por sus complejos cambios de ritmos y la voz de Maynard James Keenan. Tool se ganó la admiración de la crítica con su disco más destacado: Anima. Además, los integrantes de Tool rara vez conceden entrevistas y solo aparecieron en dos de sus siete vídeos: en “Hush” y brevemente en el video de “Sober”.

La banda ha citado a bandas como King Crimson [2], The Melvins [3] y Meshuggah [4] como sus influencias. De acuerdo a All Music, Faith No More [5] y Pink Floyd [6] se cuentan también entre sus influencias. El New York Times ve influencias de Led Zeppelin [7].

Tool se forma a fines de la década de los 80 en Los Angeles. Llamaron la atención de la escena del metal alternativo con su primer EP, Opiate (1992) y su primer LP Undertow (1993) y por las curiosas historias que giraban alrededor de la banda, como la de la “lacrimología” (ver etimología de Tool) y por sus polémicos videos “Prison Sex” y “Hush”. En 1995 D’Amour dejó la banda, siendo reemplazado por Justin Chancellor. Tool gana aun más popularidad con Anima (1996), que contiene la canción "Anema", que les haría ganar un premio Grammy; pero vuelve a tener problemas con sus videos, en este caso por el de “Stinkfist”. Keenan, cantante de Tool, funda una banda paralela: A Perfect Circle. Luego de alejar los rumores que hablaban de una posible separación con el box set de rarezas, versiones y temas en vivo Salival (2000); Tool, ya famosa en todo el mundo, graba su tercer disco de estudio: Lateralus (2002) que le da su segundo premio Grammy por la canción “Schism”. Luego de editar unos DVDs, la banda lanzó en 2006 10,000 Days, iniciando una gira por Europa, EE.UU., Japón y Australia.

Historia

Formación, Opiate y Undertow (1990-1995)

Durante los 80, los que luego serían los miembros de la banda, el guitarrista/bajista Paul d'Amour, el baterista Danny Carey, el guitarrista Adam Jones y el cantante Maynard James Keenan, se movieron coincidentemente a Los Angeles. Tanto d’Amour como Jones querían entrar a la industria del cine, mientras que Carey se convirtió en un baterista profesional tocando para bandas como Carole King, Pigmy Love Circus y Green Jellÿ.

Keenan, junto con d’Amour y Jones habían armado su propia banda a finales de la década. Carey conoció a Jones por Tom Morello, un viejo amigo de la secundaria de Jones. En 1990, cuando Carey, por entonces vecino de Keenan, se unió en un ensayo, se formó Tool. Al año siguiente Tool comenzó a girar con bandas como Rollins Band, Fishbone, y Rage Against The Machine [8].

Tool recibió la atención de la crítica con su primer lanzamiento: el EP “Opiate”, que toma el nombre de la famosa frase de Karl Marx: "La religión es el opio del pueblo”. El EP de seis canciones mostraba a una banda de sonidos duros cercanos al rock y al metal; e incluía los singles “Hush” y “Opiate”. El vídeo musical de "Hush" fue creado por el miembro de Failure, Ken Andrews, y mostraba a los miembros de la banda apareciendo desnudos pero con una cinta negra en la boca, en una protesta simbólica contra la censura. Irónicamente, el video fue censurado, mostrando a los miembros de la banda con sus genitales tapados con una cinta negra.

Tool lanzó su primer larga duración, Undertow, tan solo un año después, en 1993, debido a que muchas de las canciones de Undertow ya estaban escritas para el momento del lanzamiento de Opiate [9]. Finalmente fueron contratados para tocar en el segundo escenario del festival Lollapaloza en 1993, donde llamaron la atención. Rápidamente fueron movidos al escenario principal, lo cual ayudó a impulsar la popularidad de Undertow, que al poco tiempo fue certificado disco de oro por la RIAA. El 14 de mayo de 2001 sería certificado como álbum de doble platino.

Sin embargo, la banda también recibió severas críticas con el lanzamiento en 1994 del single “Prison Sex” y de su video musical, creado y dirigido por Adam Jones (a partir de ese video, Jones dirigiría todos los videos musicales de la banda). El video de Prison Sex, creado con animación cuadro por cuadro (o “stop motion”), fue considerado como muy “gráfico” y ofensivo, debido a que la canción trata de forma simbólica el tema del abuso infantil. MTV dejó de emitir el video luego de un corto tiempo.

En mayo de 1993 Tool fue programado para tocar en el Garden Pavilion en Hollywood. Sin embargo, en el último momento la banda supo que el edificio pertenecía a la iglesia de la Cienciología de L. Ron Hubbard, la cual traiciona la ética de la banda de que ninguna persona debería seguir un sistema de creencias que restrinja su desarrollo como ser humano [10]. En una entrevista reciente Maynard recordó que pasó la mayor parte del show balando como una oveja ante la audiencia [11]. En esa entrevista Maynard dijo que antes de comenzar el show un hombre trató de intimidarlo “mostrándole una pistola” y Maynard le dijo que si lo molestaba armaría un disturbio. [12].

En septiembre de 1995, poco después de que la banda comenzara a grabar su segundo álbum, D’Amour dejó la banda, aunque de una forma amistosa. En noviembre fue reemplazado por Justin Chancellor, un miembro de Peach, una banda inglesa con la cual Tool había tocado previamente en una gira en Europa.

Anima, problemas legales y Salival (1996-2000)

Después de que se sumara a la banda Justin, Tool finalizó Anima, que fue lanzado en octubre de 1996. Anima es, hasta la fecha, el álbum de Tool más alabado por la crítica. Con sonidos que combinan el metal y el rock progresivo con algunas atmosferas cargadas, produjo los singles para radio “H”, “Eulogy” y "Forty-Six & 2"; además de los videos de ”Anema” y “Stinkfist”.

Una vez más, un single de Tool, “Stinkfist”, tuvo problemas para ser emitido en televisión. MTV renombró el video musical de la canción a “Track #1”, debido a su connotación ofensiva, y se hicieron múltiples ediciones en la radio, tanto como para acortar la canción como para cambiarle las letras. Algunos fans intentaron obligar a las estaciones de radio a emitir la canción sin editar. Además, Matt Pinfield, un presentador de MTV, respondió a las quejas de los fans agitando su puño en el aire mientras explicaba las razones por el cambio de nombre mientras presentaba el video [13]. Anima sería el último disco de estudio de la banda en cinco años.

Anima fue dedicado al cómico satírico Bill Hicks, quien había muerto dos años y medio antes de la salida del álbum. Algunos fragmentos de sus interpretaciones pueden escucharse en Anima, (en el track "Third eye") y Undertow, como múltiples sketches suyos sobre drogas y un sampleo de ovejas balando. "Anema", del disco Anima le haría ganar a Tool su primer premio Grammy.

Durante su gira de 1997 para promocionar el álbum, Tool volvió a tocar en Lollapalooza, pero esta vez como la banda principal; ganándose las alabanzas de la crítica de periódico New York Times.

Ese mismo año, Volcano Records denunció a Tool por incumplimiento de contrato: según Volcano Tool había buscado ofertas de otras discográficas, lo cual estaba prohibido por contrato. Después de que Tool respondiera que Volcano “incumpliera en el uso de una opción de renovación en su contrato", las partes solucionaron el conflicto fuera de la corte. Acordaron un contrato nuevo y un trato por tres discos mas. Este conflicto legal creó una gran tensión en la banda y demoró la salida de su siguiente disco. Durante ese tiempo, Keenan fundó una banda: A Perfect Circle, con Billy Howerdel, quién había trabajado con Tool en sus discos.

En este punto, los rumores de que Tool estaba a punto de separarse comenzaron a extenderse, hasta que la banda lanzó un CD-DVD titulado Salival recogiendo lados B, rarezas y temas en vivo. Salival contenía un disco nuevo, titulado “Merkaba”, varias versones, como la de la canción de Led Zeppelin “No Quarter”, la de “You Lied”, de Peach; y una nueva versión de “Pushit”, que se hizo muy popular entre los fans. También estaban incluidos los cinco vídeos de la banda hasta ese momento: “Stinkfist”, “Anema”, “Prison Sex” y “Sober”; además de “Hush” (del EP Opiate) que era el video bonus del DVD. Si bien este lanzamiento no produjo ningún single, la canción escondida “Maynard’s Dick” (una canción proveniente de los tiempos de Opiate) encontró cierto espacio en las radios FM, cuando algunos DJs decidieron emitirla sin permiso.

Lateralus (2001-2005)

En enero de 2001 los rumores alrededor de la banda cobraron nueva fuerza cuando esta anunció la salida de su nuevo álbum, Systema Encéphale, junto con una lista de canciones con nombres oscuros y extraños como “Numbereft”, “Encephatalis”, “Musick”, y “Coeliacus”. Durante ese tiempo las redes de internet de intercambio de archivos, se llenaron de archivos falsos con los nombres de esas canciones [14]. Mientras, los miembros de la banda criticaban duramente a estas redes, como Napster, debido al impacto negativo que tenían en los pequeños artistas, que dependían de un éxito comercial inicial para continuar sus carreras. En una entrevista con Maynard en el 2000, este dijo que los que salían dañados por los MP3s no son las compañías discográficas o los negocios, sino que son los artistas los perjudicados: gente que trata de escribir canciones [15].

Solo un mes después la banda anunció que su álbum se titularía en realidad Lateralus, y que en realidad, el nombre Systema Encéphale y la lista de canciones dadas eran una truco, para la consternación de muchas revistas de música y sitios webs comerciales, que se habían tragado el título falso.

Lateralus fue lanzado en mayo de 2001 y profundizaba la tendencia del disco anterior: canciones largas, de más de seis minutos en promedio –-llegando hasta los 11 de “Reflection”-- de rock/metal progresivo, separadas por pequeñas canciones instrumentales como “Eon Blue Apocalypse” o “Mantra” (Keenan ha dicho de esta canción que se trata de una grabación ralentizada de uno de sus gatos siameses siendo apretado. También la canción suena como el ruido de unas ballenas debajo del mar, y otros alegan que se trata de la grabación ralentizada de alguien- tal vez una anciana- diciendo “I Love You” [“Te Amo”]). La duración del vídeo de “Parabola” es de unos inauditos 10 minutos y medio, condenándolo a prácticamente no ser pasado en ningún canal de música.

Sin embargo, el álbum fue un éxito en todo el mundo, llegando al puesto #1 del chart Billboard Top 200 álbum en su semana de debut [16]. Tool recibió su segundo premio grammy por la canción “Schism” y durante la ceremonia, el baterista Carey agradeció a sus padres (por aguantarlo) y a Satán [17]

Después de una extensa gira a lo largo de 2001 y 2002, incluyendo un mini tour de 10 shows en agosto junto a King Crimson, la gira llegó a su fin el 24 de noviembre de 2002. A pesar que el final del tour pareció ser el comienzo de otro largo período de inactividad para la banda, Tool siguió lanzando material. Mientras Keenan grababa y estaba de gira con A Perfect Circle, los otros miembros de la banda lanzaban una entrevista exclusiva para los fans y una grabación de algo de su nuevo material. Una edición especial de trescientas copias autografiadas en un vinilo doble con arte del disco Lateralus, edición que saldría a la venta el 23 de agosto de 2005, estuvieron también disponibles.

El 20 de diciembre de 2005, Tool lanzó dos DVDs, uno conteniendo el single “Schism” y el otro “Parabola”. Los dos DVDs contienen los vídeos musicales de cada single, los comentarios y una remezcla de cada single hecho por Lustmord. Los dos DVDs fueron lanzados el 9 de enero de 2006 en Europa.

10,000 Days (2006)

Después de otro prolongado descanso, durante el cual Keenan se reincorporó a A Perfect Circle para grabar y hacer una gira, Keenan se volvió a unir a sus compañeros para trabajar en un nuevo disco. Los rumores acerca del nombre del nuevo disco (se llegó a rumorear como posible nombre el título Teleincision) aparecieron, al igual que algunos detalles del nuevo material, como la influencia de sus compañeros del tour de Lateralus Fantômas y Meshuggah. Finalmente, en el sitio web oficial de la banda apareció el nombre del nuevo álbum: 10,000 Days, dedicado a la madre de Keenan, Judith Marie, quien pasó 27 años de su vida en silla de ruedas, aproximadamente 10.000 días, y a quién se refieren los temas "Wings for Marie Pt. 1" y "10,000 days (Wings Pt.2)".

Sin embargo, los rumores acerca del nuevo disco no desaparecieron, hasta se llegó a especular que la banda había creado un disco “señuelo”, un álbum falso que engañaría a la audiencia hasta el lanzamiento [18]. Las aguas se calmaron cuando una copia del álbum se filtró ilegalmente en las redes de intercambio de archivos, anticipando el lanzamiento dos semanas. Finalmente el disco se lanzó según lo previsto el 2 de mayo de 2006 en los EE.UU., debutando en los primeros puestos de varios charts mundiales. A pesar de haber estado disponible en Internet semanas antes del lanzamiento, 10,000 Days vendió en su primera semana, en los EE.UU. 564.000 copias.

El primer single de 10,000 Days fue la canción “Vicarious”, la primera del disco. A pesar de haber vendido más de medio millón de copias en su primera semana, las críticas del álbum fueron, en general, menos favorables que la de sus anteriores discos [19].

La gira de 10,000 Days llevaría a la banda a los EE.UU., Europa, Australia, Japón y Nueva Zelandia. Todas las fechas del tour pueden verse en la página oficial de la banda. La gira fue suspendida durante un par de meses después de los conciertos en Japón (del 15 de febrero hasta el 26 de abril del 2007), debido a que el baterista Danny Carey tuviera que ser sometido a una operación en uno de sus brazos, luego del breve descanso, continuaron con las fechas atrasadas debido al incidente.

Géneros de la banda y categorización

Debido al acercamiento experimental de Tool a la música, es discutible su lugar en los géneros tradicionales de música. Tool es, sin dudas, parte del género del rock, pero a cual sub-género de este pertenecen y cuanta influencia han tenido en Tool grupos anteriores, es objeto de debate entre fans y críticos.

En muchos casos, Tool es catalogado como metal alternativo, una género muy amplio para catalogar a bandas que abarcan la estética y a los fans del metal y el Rock Alternativo.

En el mismo sentido, Tool es catalogada como una banda de Rock Progresivo. Aquellos que sienten que Tool es una banda progresiva citan la definición clásica de “progresivo”: es un género de música rock que busca alejarse de la música “mainstream” o popular, “empujando” los límites del rock, creando nuevos sonidos y estilos, que a menudo poseen un alto grado de complejidad y de capas de sonido, elementos que pueden ser fácilmente encontrados en la música de Tool: sean los complejos ritmos utilizados en canciones como “Schism” (de 5/8 a 7/8) o en “Lateralus”, que se mueve de 9/8 a 8/8 a 7/8 o la incorporación de sonidos inusuales producidos por la experimentación con instrumentos (como en “Jambi”). Combinando el aspecto progresivo de Tool, con su sonido del metal, se podría arrimar a un género como “metal progresivo”

En una entrevista con un diario, Keenan dijo, medio en broma, que el género de Tool es un “stew of progressive rock, Bulgarian folk metal, rock ’n’ roll, '80s disco and Christian rap that we like to call Munge” (“guiso de rock progresivo, folk metal bulgaro, rock & roll, la música disco de los 80 y rap cristiano que gustamos de llamar ‘Munge’”).

Tal vez, la influencia mas mencionada de Tool es King Crimson, admitida por los mismos miembros del grupo como una de sus bandas favoritas. Cuando Tool no es llamado progresivo, a menudo se lo cataloga dentro de algún género del metal. A veces se los cataloga como un género extendido del metal, como “math-metal psicodélico” ("psychedelic math-metal"), a diferencia de otras bandas que caen en subgéneros más comunes. También han sido puestos ocasionalmente en géneros de los cuales la gente normalmente no los considera parte, como jazz rock (una clasificación relacionada con su aspecto progresivo), y hasta trip-hop, aunque esto se debe principalmente a un único set en vivo junto a Tricky.

Cuanto se aplica cada uno de estos géneros a Tool es una cuestión de gustos. Mucha gente desconfía que los “géneros musicales” tradicionales puedan aplicarse a la banda, debido a que es inútil y hasta limitante.

Etimología de Tool

La banda ha hecho correr varias historias acerca del origen del nombre “Tool” (“Herramienta” en inglés). Una de las historias más comunes es que el nombre tiene que ver con la “lacrimología” (“lachrymology”), una pseudo-filosofía que la banda afirmó fue creada en 1949 por Ronald P. Vincent luego de la muerte de su esposa en un accidente con un quitanieves. El baterista Danny Carey dijo que el nombre “Tool” (“Herramienta”) significaba que la banda servía a sus fans como una “herramienta” a través de la cual esa gente podría entender el concepto de lacrimología. Sin embargo, es más probable que la banda haya hecho esto para crear un trasfondo único para sus propias creencias personales.

El cantante Maynard James Keenan dijo algo más acerca del significado del nombre de la banda en una entrevista de 1994 (Ver completa –En Inglés-), diciendo que “Tool es tu herramienta, un catalizador en el proceso de encontrar lo que sea que necesites descubrir, o lo que sea que estés tratando de conseguir”

Curiosidades

- Alex Grey hizo el arte del álbum Lateralus y 10,000 days, el cual además aparece en su libro Transfiguraciones.
- Henry Rollins, de la banda Black Flag, aparece brevemente en el álbum Undertow, en la canción “Bottom”.
- El comediante estadounidense Bill Hicks ha sido una gran influencia para Tool. Muestras de su comedia “Las drogas han hecho buenas cosas por nosotros” son puestas en la canción "Third Eye" y en el folleto de Anima hay una pintura, tributo a él con la cita “Bill Hicks, otro héroe muerto”.
- Timothy Leary es también una gran influencia para la banda, su monólogo "Piensa por ti mismo y cuestiona a la autoridad" es la introducción de la versión en vivo de "Third Eye" del álbum Salival.
- Tricky, un artista del trip-hop, aparece en el video de "Parabola", además de haber estado abriéndoles conciertos durante varias giras a Tool.
- Él EP Opiate tiene una pista oculta llamada "The Gaping Lotus Experience." La canción se acaba en seis minutos, seis segundos, hacia la pista número seis ("666").
- La última pista de Undertow, llamada “Disgustipated”, aparece como la pista número 69 en la versión estadounidense del disco: luego de “Flood” (canción número 9) vienen 59 canciones de 1 segundo y una de 2 segundos (la número 68), justo antes de “Disgustipated”. En la versión Europea y otros lanzamientos la canción aparece como la pista número 10, seguido de un lapso de silencio y la canción “Flood”.
- En los primeros segundos de la Canción "Crawl Away" se pueden escuchar sonidos de música Andina, para escucharlos bien, se debe aumentar el volumen. Éste es un pedazo de la canción "Oruro, Tierra De Ensueños", canción folcklorica Boliviana, además interpretada por varios grupos de música nacional de Bolivia, como en éste caso el grupo "Marka" (http://idd00i1h.eresmas.net/grupos/g/marka.htm)
- La canción “Lateralus”, de su álbum Lateralus fue tipeada incorrectamente durante el lanzamiento del disco, diciendo “Lateralis”; el error fue posteriormente corregido.

Integrantes

Danny Carey (Batería)
Artículo principal: Danny Carey

- Usa uno de los sets de batería más grandes de la música moderna – conteniendo aproximadamente 25 diferentes instrumentos de percusión.
- También baterista de la banda Pigmy Love Circus.
- Tiene una banda de jazz fusion llamada VOLTO!
- Posee una batería hecha enteramente a partir de platos fundidos Paiste.
- Fue el primero en utilizar un aparato llamado "Mandala Drum" en una de las cuales tiene sampleado los golpes de su ya difunto profesor de Tabla, Aloke Dutta, el cual es invitado a tocar en la version de "Push It" de Salival.
- Hace sus secuencias de percusión basándose en secuencias numerológicas.

Justin Chancellor (bajo)
Artículo principal: Justin Chancellor

- Ex-bajista de la ya disuelta banda Peach.
- Participo en el disco Panopticon de la banda Isis.

Adam Jones (Guitarra)
Artículo principal: Adam Jones

- Entrenado en efectos especiales y maquillaje para películas, ha dirigido todos los videos de Tool con excepción de “Hush” y “Sober”. Ha trabajado en efectos especiales en películas como Terminator 2: El juicio final, Parque Jurasico, y Depredador 2.
- Ha aparecido en álbumes de The Melvins y toca como guitarrista adicional de giras cuando no está trabajando con Tool.

Maynard James Keenan (Vocalista)
Artículo principal: Maynard James Keenan

- También vocalista de A Perfect Circle.
- Tenía un proyecto llamado Tapeworm con integrantes de Nine Inch Nails. Fruto de este proyecto nace la canción VACANT que actualmente puede ser escuchada como PASSIVE en su álbum Emotive.
- Es amigo de los integrantes de Rage Against the Machine, y canta en un par de tracks de esta banda, tales como "Know your Enemy". Además en presentaciones de A Perfect Circle, porta playeras con la leyenda "I Love Brad Wilk", quien es miembro de Rage Against the Machine.
- En 1997 con Tori Amos cantó en vivo la canción "Muhammad my friend" en beneficio de RAINN
- Aparece en el álbum White Pony de Deftones, en el track "passenger".
- Ha actuado en películas cortas llamadas Bikini Bandits, personificando a satán.
- Tiene cuadros de hecherrod colgando de las paredes de su apartamento.

Pagina: http://toolband.com

El Reloj

Formacion:

Gustavo Cipriano: voz
Juan Espósito: batería
Luis Valenti: teclados
Osvaldo Zabala: guitarra
Polaco Riedel: bajo

Esta banda de heavy-rock es creada en 1971 con marcadas influencias de Deep Purple. Debutaron en el cine Monumental y por sus filas pasaron varios guitarristas invitados: Osvaldo Frascino, Osvaldo Blanco y Carlos Mira. La formación original de la banda estaba integrada por Luis Valenti (teclados y voz), Willy Gardi (guitarras), Osvaldo Zabala (guitarras), Eduardo Freza (bajo) y Juan Espósito (batería).

En 1973 grabaron el primer simple: "El mandato" / "Vuelve el día a reinar", con el cual lograron vender 30.000 unidades. Continuaron presentándose en pubs y reingresaron a los estudios para el segundo simple ("Alguien más en quien confiar" / "Blues del atardecer"), que vendió 100.000 copias. El primer LP se grabó en 1974.

Para el año siguiente lanzaron otro disco, cambiando el rock pesado por una variante más sinfónica (en boga en ese momento). El momento de mayor popularidad se registró para los dos shows en el estadio Luna Park y las posteriores y extensas giras por el interior del país.

En el año 1978, saturados por el arduo trabajo el grupo decide separarse para continuar con proyectos individuales.

En 1983 Gardi decidió reflotar el nombre El Reloj para editar un nuevo trabajo, "La esencia es la misma", aunque con una nueva formación: Petty Guelache (voz), Daniel Telis (guitarra), Cristian Hubert (teclados), Daniel Carli (bajo) y Norberto Di Bella (batería). El nuevo Reloj pasó desapercibido.

En 1989 reintentaron reflotar la banda, con Valenti, Espósito, Alberto Ceriotti (bajo), Gustavo Mirande (voz) y Claudio Marciello (guitarra), pero pese a varias presentaciones en discotecas como Halley, no lograron mayor trascendencia, por lo que se disolvieron definitivamente. Gardi murió en un accidente automivilístico, en 1995, luego de la edición de "Santos y verdugos".

Valenti, Espósito y Zabala se unieron a Rodolfo Riedel (bajo) y Jorge Martínez (voz) para editar un nuevo disco en 1998: "Hombre de hoy".

En junio del 2002 ingresaron nuevamente en estudios para registrar un nuevo trabajo discográfico: "Mercado de almas", que incluye nueve temas propios y una versión de "Hombres de Hierro", de León Gieco, elegido por la actualidad de su letra, pese a tener casi treinta años.

Como una declaración de principios, la banda define el nuevo disco: "Intenta una crónica desesperada de éste tiempo, en que los hombres venden su dignidad, desde el gobernante hasta el ciudadano. El mundo como un torrente en donde todos los seres humanos son arrastrados a ahogarse en aguas contaminadas por el fraude y el terror".


Discografía:

El mandato (simple), 1973
Alguien más en quien confiar (simple), 1974
Vuelve el día a reinar (simple), 1974
El Reloj, 1975
El Reloj II, 1975
La esencia es la misma, 1983
Santos y verdugos, 1994
Hombre de hoy, 1999
Cronología II, 2000
Cronología, 2000
Mercado de almas, 2002

Pagina: http://www.elrelojrock.com.ar

Grateful Dead

Grateful Dead (también conocidos entre sus seguidores como "The Dead") fue un grupo de rock americano influido por la psicodelia. Creado en 1965 por integrantes de otro grupo, "Mother McCree's Uptown Jug Champions", Grateful Dead se dieron a conocer gracias a su estilo de composición único y ecléctico --que fusionaba elementos del rock, folk, bluegrass, blues, country y jazz-- y por las largas improvisaciones que realizaban en sus actuaciones.

Algunos de los fans del grupo les siguieron de concierto en concierto durante años. Estos seguidores, denominados "Deadheads" ('cabezas muertas'), fueron conocidos por su dedicación a la música del grupo.

Grateful Dead comenzaron su carrera en Palo Alto, California, con el nombre de "The Warlocks" ('Los Brujos'); nombre que tuvieron que cambiar para conseguir un contrato discográfico debido a que otra banda (como dato interesante, se trataba de la futura "The Velvet Underground") estaba ya grabando bajo ese nombre. Finalmente se trasladaron a la zona de Haight-Ashbury, en San Francisco. Muchas bandas de esta zona, como Jefferson Airplane, Big Brother & the Holding Company y Santana, llegaron a la fama nacional, dándole a San Francisco la imagen de capital de la contracultura hippie de la época. De todas estas bandas, los componentes de Grateful Dead eran los que gozaban del más alto nivel musical, incluyendo a Jerry Garcia a la guitarra y banjo, el músico de blues "Pigpen" McKernan, Phil Lesh (proveniente de la música clásica) y Bill Kreutzmann a la batería, pesadamente influída por el jazz. Grateful Dead personificaba "todos los elementos de la escena de San Francisco y llegaron, consecuentemente, a ser los representantes de la contracultura en el resto de su país".

El nombre "Grateful Dead" ('Muertos Agradecidos') fue escogido aleatoriamente de un diccionario. Algunos dicen que fue un "Funk & Wagnalls", otros un "Oxford Dictionary", pero citando la biografía de Phil Lesh (pág. 62) "...Jer (Garcia) cogió un viejo "Britannica World Language Dictionary [...](y) [...] con aquella voz élfica plateada me dijo, 'Eh, tío, qué tal the Grateful Dead?'"

Grateful Dead se convirtió en la banda residente de facto de los Merry Pranksters (Bromistas Alegres) de Ken Kesey, con su sonido primerizo altamente influenciado por los Acid Tests ('Tests de Ácido') empapados de LSD de Kesey, así como por el R&B. Sus influencias musicales variaron ampliamente basándose en la música psicodélica de la época, combinándola con blues, jazz, rock and roll y bluegrass. Estas distintas influencias fueron destiladas en un todo diverso y psicodélico que convirtió a Grateful Dead en "los padrinos pioneros del mundo de las bandas de improvisación (jambands)".

Componentes

El líder del grupo, Jerry Garcia, era el guitarrista principal —-a pesar de que tanto el público como los medios lo veían como el 'líder' o portavoz principal de Grateful Dead, él se mostraba reacio al respecto, considerando que tanto él como los demás miembros del grupo eran participantes ecuánimes y contribuidores por igual a su creatividad y música colectiva. Jerry nació en San Francisco y creció en el distrito de Excelsior. Una de sus principales influencias en su estilo musical era el bluegrass, y García también tocaba --el banjo, su otro gran instrumento amado—- en la banda de bluegrass "Old & in Way", con el mandolinista David Grisman. Con una formación clásica, el trompetista Phil Lesh tocaba el bajo. Bob Weir, el miembro original más joven del grupo, tocaba la guitarra rítmica. Ron "Pigpen" McKernan tocaba el órgano, la armónica y también fue vocalista del grupo hasta poco antes de su muerte en 1973, a la edad de 27. Todos los miembros de Grateful Dead previamente mencionados cantaban en las canciones, a pesar de que ninguno de ellos tenía una voz particularmente fuerte o melodiosa. Bill Kreutzmann tocaba la batería, y en 1968 se le unió un segundo batería, el neoyorquino Mickey Hart, que tocaba además una amplia gama de instrumentos de percusión. Hart dejó Grateful Dead en 1971, avergonzado por la mala gestión económica de su padre, el manager Lenny Hart, y dejando a Kreutzmann nuevamente como percusionista solista. Hart volvió en 1975. Tom "TC" Constanten estuvo al teclado harpsicord junto a Pigpen desde 1968 hasta 1970. Dos años después, a finales de 1971, otro teclista se unió a Pigpen, Keith Godchaux, tocando el piano junto al Hammond B-3 de Pigpen. A principios de 1972, la esposa de Keith's, Donna Jean Godchaux, entró como corista. Keith y Donna dejaron el grupo en 1979 y Brent Mydland entró como teclista y vocalista. Keith Godchaux murió en un accidente de coche en 1980, Brent Mydland ejerció como teclista durante 11 años hasta que murió en 1990, convirtiéndose en el tercer teclista fallecido. Casi inmediatamente el teclista de The Tubes, Vince Welnick, entró como teclista y corista. Durante un año y medio, Welnick solía estar acompañado Bruce Hornsby al piano como invitado especial. Robert Hunter y John Perry Barlow fueron los principales letristas de la banda. Owsley "Bear" Stanley fue el técnico de sonido de Grateful Dead durante muchos años; y también uno de los principales proveedores de LSD.

Giras

Grateful Dead son muy conocidos por sus constantes giras a lo largo de su extensa trayectoria musical. Promovían el sentimiento de comunidad entre sus fans, conocidos como Deadheads, muchos de los cuáles seguían sus giras durante meses e incluso años. En los primeros años, la banda se comprometió también con su comunidad, la zona de Haight-Ashbury en San Francisco, proporcionando comida, alojamiento, música y atención médica gratuitos a todos sus contendientes; ellos fueron los "primeros en entregarse de forma altruista a la cultura hippie, ofreciendo 'más conciertos gratuitos que ninguna otra banda en la historia de la música'".

Con la excepción de 1975, período durante el cuál la banda estuvo en "hiato" y actuó solamente en cuatro ocasiones, Grateful Dead dieron giras regularmente por Estados Unidos desde invierno de 1965 hasta el 9 de julio de 1995, con unas cuantas visitas a Canadá, Europa y tres noches en la Gran Pirámide de Giza de Egipto en 1978. (También apareció en el legendario Monterey Pop Festival en 1967 y en el todavía más famoso Woodstock Festival en 1969; su concierto con mayor audiencia fue en 1973, junto con The Allman Brothers Band y The Band, ante 600.000 personas estimadas en el Summer Jam at Watkins Glen).

Sus numerosos álbumes de estudio se componen generalmente de canciones nuevas que habían tocado previamente en directo. La banda era famosa por sus jams prolongadas, que congregaban tanto improvisación individual como una distintiva improvisación con "mentalidad de grupo", donde cada uno de los miembros improvisaba individualmente, a la par que se mezclaba con una unidad musical cohesionada, a menudo desencadenando vuelos de improvisacionalidad extravagante. Un sello propio de sus directos eran los sets de música continuos, en los cuáles cada canción terminaba mezclándose con la siguiente (un segue). Musicalmente esto se podría ilustrar como si la banda no sólo improvisara con la forma de una canción concreta, sino que además lo hiciera con la forma global.

Muro de sonido

El muro de sonido (Wall of Sound) era un enorme sistema de sonido diseñado específicamente para Grateful Dead. El grupo nunca quedaba satisfecho con los sistemas propios de los locales donde tocaban, entre ellos el prestigioso "Fillmore East" manejado por Bill Graham; así que en sus inicios, el técnico de sonido Owsley "Bear" Stanley les diseñó una PA y un sistema de monitoraje. Los sistemas de sonido de Stanley eran delicados y remilgados, teniendo que detener conciertos frecuentemente debido a causas técnicas. Tras la encarceración de Stanley por producción de LSD en 1970, el grupo volvió a utilizar durante un breve tiempo PA's locales, hasta que les parecieron menos fiables aún que los sistemas concebidos por su técnico. En 1971 compraron a Alembic Inc Studios su primer sistema de sónido sólido. A raíz de esto, Alembic jugaría un rol integral en la investigación, desarrollo y producción del muro de sonido. El grupo también contrató a Dan Healy aquel año en lo que sería un cambio hacia una base permanente; Healy era mucho mejor ingeniero que Stanley y continuó mezclando los directos de Grateful Dead hasta 1993.

La razón que llevó al desarrollo del muro de sonido era conseguir un sistema de sonido libre de distorsión que funcionara al mismo tiempo como sistema de monitoraje. Tras la liberación de Stanley de la prisión a finales de 1972, éste, junto con Dan Healey, Mark Raizene del personal de sonido de Grateful Dead, y Ron Wickersham, Rick Turner y John Curl de Alembic Inc lo consiguieron combinando once sistemas de sonido independientes. Voces, guitarra solista, guitarra rítmica y piano disponían de su propio canal y conjunto de altavoces. El bajo de Phil Lesh era cuadrafónico, con cada una de sus cuerdas asignada a un canal y conjunto de altavoces propio. Un canal amplificaba el bombo, y dos más amplificaban el resto de la batería en estéreo. Debido a que cada altavoz emitía el sonido de sólo un instrumento o voz, el sonido era excepcionalmente claro y no se producía distorsión por intermodulación de instrumentos.

El muro de sonido fue diseñado para servir como sistema de monitoraje propio, y consecuentemente se montaba detrás del grupo, de forma que sus miembros puedieran escuchar exactamente lo mismo que escuchaba la audiencia. Debido a esto, se tuvo que diseñar un sistema especial de microfonía para evitar el feedback. Dead utilizaba agrupaciones de pares de micrófonos condensadores separados 60 mm entre ellos y desincronizados. El cantante cantaba en el micrófono más alto, y el bajo captaba cualquier otro sonido presente en el entorno. Las señales se sumaban, y se cancelaba el sonido que era común a ambos micros (el sonido del muro), amplificando sólo las voces.

El Muro de Sonido empleaba 89 amplificadores sólidos de 300 Watios y tres a válvulas de 350 Wattios para generar un total de 26.400 Watios RMS de potencia. Era capaz de producir sonido audible a un cuarto de milla y un sonido excelente hasta los 600 p, distancia a partir de la cuál se empezaba a distorsionar a causa del viento. Fue el sistema de sonido portable más grande jamás construido (aunque "portable" es un término relativo). Se necesitaban cuatro camiones y 21 miembros del personal para transportar y ensamblar el muro de 75 de toneladas.

Aunque el montaje inicial y una especificación rudimentaria del sistema se desarrollaron en febrero de 1973, Grateful Dead no empezó a dar giras con el sistema completo hasta un año después, en 1974. El muro de sonido era muy eficiente para su época, pero tenía sus inconvenientes, además de un tamaño exagerado. El teclista Ned Lagin, que estuvo de gira con el grupo durante 1974, nunca dispuso de una entrada exclusiva en el sistema, viéndose forzado a utilizar el subsistema de voces como amplificación. Como el sistema de voces se modificaba a menudo, muchas de las partes de Lagin se perdían en las mezclas. El formato cuadrafónico del Muro nunca se registró correctamente a las cintas de grabación de ese período, quedando el sonido comprimido en un formato estéreo poco natural.

El elevado coste de combustible y personal, así como las fricciones con muchos miembros del personal (y parásitos asociados), contribuyeron al "retiro" de la banda en 1974. El Muro de Sonido fue desmontado, y cuando Dead volvieron de gira en 1976, lo hicieron con un sistema de sonido más práctico en cuanto a logística.

Steal Your Face

Citando las palabras de Owsley Stanley:

"En 1969 tenían alquilado un almacén en Novato, California. Por aquél entonces, yo era técnico de sonido de la banda, y vivía en Oakland. Bob Thomas, un viejo amigo mío, se había trasladado recientemente desde Los Ángeles a la zona de la bahía y necesitaba un lugar donde quedarse, y nosotros necesitábamos a alguien que vigilara el almacén, que había tenido algún problema de pillaje."

"Bob era un artista gráfico soberbio cuyo trabajo resulta ahora familiar a la mayoría de Deadheads plasmado en la portada del álbum Live Dead y la de Bear's Choice, en la cuál aparecían los populares Osos Danzantes."

"Por aquél entonces los Dead tenían que tocar en muchos festivales en los cuáles el equipo se guardaba desordenado detrás del escenario. Como cada grupo utilizaba el mismo tipo de equipo, todo parecía igual. Pasábamos mucho tiempo removiendo las piezas para poder leer los nombres de las cajas. Decidí que necesitábamos alguna especie de marca que pudiéramos identificar a distancia."

"Tenía la costumbre de conducir de Oakland a Novato en un pequeño MGTF que tenía cortinas laterales de plástico, no muy transparentes debido a la edad del plástico. Un día que llovía, miré hacia afuera y vi un signo en la autopista que era un círculo con una barra blanca atravesándolo, la parte superior del círculo era naranja y la inferior azul. No podía leer el nombre de la marca, así que me fijé sólo en la forma. Se me ocurrió una cosa: Si el naranja fuera rojo y la barra a lo largo un relámpago cortando el círculo en ángulo, obtendríamos una marca bonita, única y fácilmente identificable para poner en el equipo."

"En el almacén le conté a Bob la idea que tuve, e hizo un esbozo rápido. Un amigo mutuo, Ernie Fischbach, que estaba de visita junto a Bob, dijo "Dejámelo a mí, te enseñaré una forma de ponerlo en las cajas". Acto seguido empezó a cortar agujeros en un par de plantillas de papel. Un agujero era circular, de aproximadamente 5 pulgadas y media de diámetro, y el otro era un semicírculo de 5 pulgadas de diámetro. Pero era medio círculo con el borde mellado. Entonces aguantó la plantilla sobre un ampli y lo roció con spray de pintura blanca. Luego con una cara hacia arriba, pintó el semicírculo rojo sobre la pintura blanca seca y tras acabar con el rojo y girar la plantilla hacia abajo, aplicó el azul. Esta fue la primera versión, y la pusimos en todo nuestro equipo. Nos ayudaba a encontrar más fácilmente nuestro material entre todo el meollo. Todavía conservo una vieja caja de herramientas con una de las plantillas."

"Unos días después estuve hablando con Bob y le sugerí que quizás se podrían poner las palabras "Grateful dead" bajo el círculo, usando un tipo de letra que pareciera una calavera a cierta distancia (supongo que estaba influenciado por demasiados pósters de la época). En cualquier caso, al cabo de unas horas volvió del loft con el diseño que todos conocemos y amamos."

Deadheads

Muchos de sus fans, comúnmente conocidos como Deadheads (Cabezasmuertas), seguían las giras de la banda. A diferencia de muchos otros grupos, Grateful Dead animaban a sus fans a grabar sus conciertos. Durante muchos años, casi todas sus actuaciones tenían secciones dedicadas a la grabación. La banda permitía que las grabaciones de sus conciertos se compartieran, siempre y cuando no se obtuvieran beneficios vendiéndolas. En los años 80, el grupo llegó al top 40 con la canción "Touch of Grey" (del álbum In the Dark), captando nuevos fans mucho más jóvenes y típicos a los que se consideraba muy distintos a los Deadheads tradicionales. Los fans más asentados denominaron a estos nuevos seguidores "Touchheads", en referencia a su relativa inexperiencia con el grupo. A finales de los 80 y durante los 90 Grateful Dead atrajeron a tantos nuevos seguidores que muchos de los antiguos Deadheads empezaron a dudar si la gente iba a los conciertos para ver al grupo, o simplemente para formar parte de la atmosfera. Cualesquiera que fueran sus diferencias, los Deadheads son considerados a menudo como los fans más devotos en el mundo del rock.

La zona de aparcamiento de un concierto de Grateful Dead era una parte importante del concierto en sí. Se podían encontrar objetos en venta en muchos de los coches aparcados, desde sandwiches de queso fundido hasta brebajes "especiales" y globos nitrosos. (Algunos deadheads se financiaban las giras vendiendo estos objetos.) Los asistentes al concierto se congregaban normalmente en el aparcamiento horas antes de la actuación, tocando la guitarra y tomando drogas. Después de un concierto, un deadhead podría hacerse fácilmente con un sandwich de queso fundido cocinado en la puerta de una furgoneta VW con una estufa de camping por un hippie amistoso.

Conciertos editados

Desde 1991, Grateful Dead editaron numerosas actuaciones en directo de sus archivos, en dos series concurrentes: la serie From the Vault son remezclas multipista, mientras que la serie Dick's Picks (que debe su nombre al último archivista de la banda, Dick Latvala) está basada en remezclas de dos pistas tomadas en tiempo de grabación. Ha habido por lo menos 36 publicaciones de las series Dick's Picks (hasta Noviembre de 2005). Se publicó una serie de videos aparte, iniciada con View From the Vault (grabado en Pittsburgh el 8 de julio de 1990 en el Rivers Stadium) y View From the Vault II (grabado en Washington, D.C. el 14 de junio de 1991 en el RFK Stadium); estas publicaciones vienen acompañadas de la edición simultánea equivalente en CD. Las tres series continúan publicándose actualmente.

En verano de 2005 Dead empezaron a ofrecer versiones descargables de ambas series de directos, y una nueva serie exclusivamente a través de Internet, The Grateful Dead Download Series, que sólo está disponible a través de su propia GDStore.com (que ofrece los álbums tanto en ficheros mp3 a 256 Kbps como en FLAC --un estándar de audio preferido por aquellos que coleccionan Dead y otras compilaciones de directos hechas por fans en Internet) e iTunes Music Store (que los ofrece a 128 Kbps en formato AAC). Estos álbums de venta exclusiva en Internet han alcanzado el mismo éxito que sus equivalentes en CD.

En noviembre de 2005, los managers de Dead indignaron a sus fans cuando solicitaron a los operadores del popular Internet Archive (archive.org) que dejaran de publicar descargas de sus conciertos, y ofrecieran en su lugar únicamente grabaciones en streamcast. El portavoz del grupo, Dennis McNally, afirmó que tal repositorio "no representa los valores de Grateful Dead" ya que no fomentaba las conexiones "uno a uno" entre fans. De todos modos, David Gans, anfitrión del programa de radio "The Grateful Dead Hour", especula que la banda está motivada por el dinero, remarcando que "cuando estaban ganando 50 millones de dólares al año en la carretera, no había demasiada presión para beneficiarse de sus archivos".

La eliminación de los conciertos de Dead de Archive.org generó una tormenta de protestas, además de un boicot al resto de productos comerciales de la banda que se difundió rápidamente. Varios días tras el anuncio de que todos los conciertos habían sido eliminados, Brewster Kahle de Archive. Org anunció de forma críptica que las grabaciones en directo del público volverían a estar disponibles, pero que las denominadas "board tapes" (grabaciones de mesa) sólo estarían disponibles a través de streaming audio. Kahle afirmó que todo había sido un "malentendido", pero John Perry Barlow, uno de los letristas del grupo, afirmó que los conciertos habían sido restaurados después de que varios miembros del grupo replantearan su postura anterior al darse cuenta de que habían creado una "catástrofe" de sus relaciones de públicas.

Historia

Grateful Dead se formó en la época en la que grupos como los Beatles y los Rolling Stones dominaban el panorama musical. La estrella consolidada de la escena de folk Bob Dylan había editado recientemente un par de grabaciones de instrumentación eléctrica. Los componentes de Grateful Dead han mencionado que fue tras acudir a un concierto del grupo neoyorkino de "folk-rock" The Lovin' Spoonful que decidieron "pasarse a la eléctrica". Gradualmente, muchos de los músicos de folk de la costa este americana, se estaban decantando hacia la eléctrica. Era natural que Jerry Garcia y Bob Weir, que estuvieron inmersos en el revival de la música folk americana de finales de los 50 y principios de los 60, estuvieran abiertos a las guitarras eléctricas. Pero la música de Dead era también distinta en esnecia de la de grupos como Dylan o los Spoonful, en parte porque su socio musical Phil Lesh procedía de un entorno de escuela clásica y electrónica, mientras que Ron "Pigpen" McKernan era un profundo amante incondicional del blues y el batería Bill Kreutzmann procedía del jazz. Escuchando su primer LP (The Grateful Dead, Warner Brothers, 1967), se percibe que fue grabado sólo unos años después de la moda de la "surfing music", en la cuál el sonido del rock de California se rezumaba.

La música primeriza de Grateful Dead (a mediados de los 60) fue parte del proceso del establecimiento de lo que fue la "música psicodélica", pero la suya era en esencia una versión "callejera" de ésta. Esto era natural, puesto que tocaban en fiestas psicodélicas, eventos en parques al aire libre, y fiestas privadas en Haight-Ashbury. Dead no tendían a encajar su música en un estilo determinado como el pop, rock, blues, folk rock o country/western. Melodías individuales de entre su repertorio podrían identificarse bajo uno de estos sellos estilísticos, pero en conjunto su música se inspiró en todos estos géneros y más, con frecuencia mezclando varios de éstos. A menudo (tanto en directo como en grabaciones) Dead dejaban lugar a escapadas musicales exploratorias, espaciales -una forma de psicodelia que estaría a medio camino entre extraña y exóticamente bella. Muchos entendidos creen que el auténtico espíritu de Grateful Dead no solía quedar bien captado en estudio.

Las grabaciones más antiguas reflejaban el repertorio en directo de Dead --jams instrumentales largas con solos de guitarra de Garcia, ejemplificadas perfectamente en "Dark Star"-- pero en ausencia de la energía de las actuaciones, no obtuvieron muchas ventas. El álbum en directo Live/Dead de 1969 capturó más de su esencia, pero el éxito comercial no les llegó hasta Workingman's Dead y American Beauty, ambos publicados en 1970. Estas grabaciones ofrecían más respaldo acústico y estructuras de canciones tradicionales.

Pagina: Pagina: http://www.dead.net