Joe Lynn Turner

Joe Lynn Turner, JLT, (nacido el 2 de agosto de 1951 en Hackensack, New Jersey) fue el cantante del grupo Fandango y de dos grupos de hard rock: Rainbow (1980-1984) y Deep Purple (1989-1992). También es letrista y ha colaborado con los guitarristas Yngwie J. Malmsteen y Ritchie Blackmore.

Se unió a Glenn Hughes bajo el nombre de Hughes Turner Project y con el guitarrista búlgaro Nikolo Kotzev y su banda Brazen Abbot.

Actualmente está trabajando en Over The Rainbow, una gira por europa con los antiguos miembros de Rainbow a excepcion de Ritchie Blackmore, al que sustituye su propio hijo Jürgen Blackmore. Si Over The Rainbow es bien acogido por los fans,Joe Lynn Turner y el grupo Rainbow seguiran trabajando en el grupo e incluso puede que publiquen un nuevo álbum.

Editaron cuatro albums con el sello RCA Records entre 1977 y 1980. Fandango era una combinación de R&B, pop, rock sureño y blues, con reminiscencias de artistas como Steely Dan y los Allman Brothers. El trabajo de Joe en Fandango llamó la atención del renombrado guitarrista de Deep Purlpe, Ritchie Blackmore, que estaba en la búsqueda de un cantante para su banda Rainbow.

En 1980, JLT recibió una llamada de teléfono de un asistente de Blackmore. Luego del "llamado del destino" Joe se encontró con Blackmore en un estudio de grabación en Long Island, NY. Para el final de la audición Joe ya estaba escribiendo y grabando con Rainbow como su nuevo vocalista.

Rainbow siempre fue popular alrededor del mundo, pero Blackmore quería conquistar el mercado de los Estados Unidos. Y con Turner a bordo como su nuevo frontman, eso fue exactamente lo que hicieron. Con JLT, Ritchie encontró un cantante versátil con una veta comercial, un cantante que tenía la habilidad musical de adaptarse a una balada, como también material de rock más pesado.

Rainbow editó tres albums con JLT: Difficult to Cure, Straight Between the Eyes y Bent out of Shape. Los discos dieron frutos para las radios tales como Can´t Happen Here, I Surrender y Jealous Lover. Stone Cold, editado en 1982 ayudó a Rainbow a alcanzar el Top 40 de singles en Estados Unidos por primera vez! Un año más tarde el grupo duplicó el suceso con la hipnótica Street of Dreams.

En lo más alto de la carrera de Rainbow en 1984, Ritchie Blackmore disuelve su grupo para reformar Deep Purple con Roger Glover (que también estaba enrolado en Rainbow).

Libre para seguir con otros asuntos musicales JLT editó su primer registro solista en 1985, Rescue You, producido por Roy Thomas Baker (Queen, The Cars). Al mismo tiempo Michael Bolton introdujo a Turner en el negocio de cantar jingles para la TV y Radio. A través de los años JLT se ha convertido en uno de los más importantes cantantes sesionistas en demanda. Su voz ha aparecido en publicidades para Budweiser, Domino´s Pizza y Gadetorade (por nombrar solo algunas). Turner además ha co- escrito canciones para muchos otros álbumes de diversa gama de artistas, desde Cher a Billy Joel.

En 1988 JLT se une al virtuoso guitarrista Yngwie Malmsteen y graba Oddyssey. El álbum produjo el éxito de Radio/Mtv, Heaven Tonight. Esto ayudó a JLT para retornar a la "visibilidad" que había tenido cuando estaba en Rainbow. La unión Malmsteen/Turner llevó a la banda hasta Rusia para 10 shows con localidades agotadas. Los resultados aparecieron en la continuación de Oddyssey: Live in Leningrad (en vivo en Leningrado).

En 1990 JLT se reunió con sus compañeros de Rainbow: Blackmore y Glover, en Deep Purple. Slaves and Masters fue editado ese año. Su primer single - la gema AOR, King of Dreams recibió una gran difusión en radios y la Mtv. Deep Purple recorrió el mundo para promover el album. Con JLT como cantante la banda pudo resucitar en concierto clásicos como Burn y Hush, canciones que no habían sido tocado en vivo desde que habían sido editadas.

Las grabaciones para un album que diera continuación a Slaves and Masters habían empezado, pero debido a políticas internas de la banda, Deep Purple decidió volver a llamar al vocalista, Ian Gillan.

Después de tomarse un tiempo para reorganizarse de la separación, Joe editó su grabación más personal e intimista, Nothing Changed aclamado por la critica y los fans. Mientras tanto manteniéndose ocupado con trabajos de sesión JLT se comprometió con proyectos paralelos como Brazen Abbot y Mother´s Army. Además ayudó con su voz camaleónica para temas en una inmensa colección de albums tributo. En 1997, JLT grabó la primera de dos de su propia grabación de tributos: Undercover donde da homenaje a sus raíces de rock and roll, versiones actuales de artistas como Bad Company y Marvin Gaye.

Lo más notable es su reciente trabajo con el ex-bajista/vocalista de Deep Purple, Glenn Hughes. Luego de que JLT le pidiera a Glenn su colaboración para su gira en Japón del album Holy Man formaron el Hughes Turner Project (HTP). Lanzaron tres albums y estuvieron de gira promocional en Japón y Europa.

Pagina: http://www.joelynnturner.com/
En Argentina: http://www.joelynnturner.8k.com/

Hot Tuna

Biografía

Hot Tuna comenzó como una aventura musical de los miembros de Jefferson Airplane Jack Casady y Jorma Kaukonen a comienzos de los 70. Ambos eran amigos de infancia en Washington D.C.. Tras el Instituto los padres de Jorma, trabajadores al servicio del Gobierno tuvieron que trasladarse a Filipinas pero él regresó a San Francisco cuando afloraba la psicodelia y fundó Jefferson Airplane en 1965. Al poco se añadiría al grupo el bajista Jack Casady que ayudaría al masivo éxtio del grupo.

Originalmente quisieron llamar a su grupo "Hot Shit" (Mierda Caliente) pero los ejecutivs de RCA les convencieron para buscar un nombre menos ofensivo. El grupo empezó a tomar forma en 1969, cuando Casady y Kaukonen eran todavía miembros de Airplane; de hecho sus primeras actuaciones fueron encajadas entre las de Jefferson airplane. El grupo fue completado con el instrumentista de armonica Will Scarlet y alguna intervención ocasional de otros miembros de Airplane como Marty Balin y Spencer Dryden. Debutaron en 1970 con un disco de blues tradicional y ragtime grabado en vivo en el New Orleans House de Berkeley. En los años siguientes llegarían los más rockeros First Pull Up, Then Pull Down, junto al violinista Papa John Creach y el baterista Sammy Piazza. El tercer álbum, Burgers vendría después sin Scarlet en 1972. David Crosby les hizo coros en el tema Highway Song de dicho álbum.

Con la aparición en 1974 de The Phosphorescent Rat dejaron de lado el sonido acústico y Papa John Creach abandonó el grupo por continuar con Airplane; Casady Y Kaukonen dieron por finiquitado Jefferson Airplane y el sonido de Hot Tuna se hizo más eléctrico derivando hacia una banda de heavy rock. Esto sería notorio en los siguientes álbumes America's Choice(1975), Yellow Fever(1975) y Hoppkov(1976) con la adición del baterista Bob Steeler. Esta época de trío es referida en la historia de la banda como los años alborotados. Aclamada la banda por su capacidad para improvisar durante horas y horas (hasta 6 en alguna ocasión) en jam sessions.

La edición de un doble en directo titulado Double Douse en 1977 y la recopilación Final Vinyl en 1978 marcó el fin de grupo. Casady y Kaukonen inciaron sus experiencias en solitario en la nuevas bandas SVT y Vital Parts. Para entonces Kaukonen ya había sacado un disco en solitario titulado Jorma.

En 1984 ambos retornaron a sus raíces: Casady se unió a su compañero Marty Balin y Paul Kantner en la K.B.C. Band y Kaukonen volvió al blues acústico de sus años iniciales. A partir de 1986 hicieron alguna sesión de reunificación de los Tuna toncando juntos en varias ocasiones, reforzándose en 1990 con el multinstrumentista y cantante Michael Falzarano. Publicaron una recopilación de material de estudio inédito de la última década así como un directo titulado Live at Sweetheart en 1992.

En 1997 publicarían Splashdown Two y en 1999 And Furthurmore. En los años venideros Hot Tuna continuó tocando varios shows en directo con diversas configuraciones. Un recopilatorio de los años en RCA vería la luz en el 2006: Keep on Truckin'. En ese mismo año también aparecerían en el festival de Merlefest, el mayor festival acústico de EE.UU.

Pagina: http://www.hottuna.com/

Kudsi Erguner

Kudsi Erguner (nacido en Diyarbakir, Turquía, en 1952) es un músico turco. Se le considera un maestro en las tradiciones Mevlevíes y sufies, y es uno de los intérpretes más famosos de la flauta turca ney.

Biografía

De niño, Kudsi y su padre, Ulvi Erguner, interpretaron danzas hipnóticas y espirituales típicas de la tradición sufí-Mevleví en ceremonias derviches. Comenzó su carrera musical en Radio Estambul en 1969. Durante varias décadas, ha investigado los orígenes de la música otomana, que también ha enseñado, interpretado y grabado.

En la década de los setenta se trasladó a París, donde, a comienzos de la década de los ochenta, fundó el Instituto Mevlana, dedicado al estudio y la enseñanza de la música clásica sufí. Junto con el Kudsi Erguner Emsemble desarrolló profundos conocimientos sobre la diversidad de su cultura: el grupo transmite auténticas, y a menudo improvisadas formas de expresión clásica de la cultura otomana, así como un amplio repertorio de piezas clásicas y modernas que se remontan al siglo XIII.

La Deambulante

La Deambulante comienza a consolidarse en el año 2005 en la Escuela Popular de Musica.

Anibal "Chusa" Vecchio , Martin Vecchio , Leandro Leone y Juan "Richo" Montenegro durante este año comparten varios escenarios y la banda graba su primer demo de estudio.

En el año 2006 La Deambulante se forma como proyecto solido tras el ingreso a la banda de Ignacio Piana (Bateria) y Sebastian Murena (Guitarra)
Durante el 2006 la banda comienza la busqueda de un estilo propio sumergiendose en las ramas de la fusion musical nutriendose de jazz, blues, latin, candombe y rock.

La convocatoria crece considerablamente y graban el demo en vivo "Andemos Vivos"
Durante el 2007 la banda realiza gran cantidad de presentaciones y se produce la salida de Richo y el ingreso de Astor Barrientos a la formacion.

En el verano del 2008 La Deambulante realiza su primer gira en la costa en busqueda de aun mas oidos sedientos y la grabacion de su ultimo Demo "Necios"

En el verano del 2009 La Deambulante realiza su segunda gira en la Costa Atlantica llevando su musica a nuevos lugares.

Fiel a sus sensaciones, La Deambulante busca llevar su palabra y musica a todo aquel que se permita escucharlos.

A mediados de ese año presentaron "Bailando tiempos", el primer disco de la banda, grabado en el estudio El Hornero, mezclado y masterizado en los Estudios El Pie bajo las órdenes de Norberto Hegoburu.

Pagina: http://ladeambulante.com.ar/

Jaime Sin Tierra

Biografía

La historia de Jaime Sin Tierra se remonta a principios de 1996, en la ciudad de Buenos Aires. En mayo de ese año empezaron a tocar en vivo y en diciembre editaron un demo en cassette, grabado en una computadora, al igual que su segundo demo titulado Vacío, editado en mayo de 1997. En diciembre de 1997, cargados con sus propios equipos de grabación, se recluyeron en un campo de Chascomús para grabar su primer disco, que con el titulo de «El avión ya se estrelló y yo sigo volando» , fue editado por el sello Ultrapop en mayo de 1998. En agosto de 1999 editan «Caja Negra», con remixes, demos y temas en vivo provenientes de su primer disco.

Participan en los tributos a The Cure «Into a sea of Cure» (junto a bandas argentinas) con el tema Plainsong y «Pinkpigs» (junto a bandas de todo el mundo) con el tema Snakepit y en el tributo a Charly García con «Ojos de videotape». Desde Octubre a Abril del 2000 estuvieron grabando en su propio estudio Sin Tierrita Records su tercer disco, «Autochocador» -considerado por la revista Los Inrockuptibles como uno de los 5 discos imprescindibles del 2001-, que fue editado en Argentina por su propio sello Discos Sin Tierra y en España a través del sello Everlasting Records.

Tras la participación de la banda en el festival Primavera Alternativa junto a Sonic Youth y Sean Lennon, el baterista Lucas Cordiviola dejó el grupo y fue reemplazado por Javier Diz. Con esta ultima formación siguieron presentándose en vivo en varios lugares, incluyendo La Trastienda, el Centro Cultural San Martín, el Centro Cultural Recoleta, Cemento y el Buenos Aires Hot Festival, junto a Oasis y Neil Young. En septiembre del 2001 compartieron escenario con los neoyorquinos Luna.
Luego de la partida del guitarrista, Sebastián Kramer, a principios del 2002, la banda se concentró en la grabación de «…lo que va a encandilar es el día», su nuevo disco que verá la luz a fines de agosto. Para fin de año se espera además el lanzamiento de un nuevo EP con nuevas canciones. Jaime Sin Tierra también está actualmente trabajando en la producción de un disco en el que bandas de la escena local y otras del exterior remixarán sus canciones.

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Howlin' Wolf

Chester Arthur Burnett (White Station,10 de junio de 1910 - Hines, 10 de enero de 1976), conocido como Howlin' Wolf fue un músico afroamericano, cantante de blues, guitarrista y tocador de armónica.

Con una voz y una presencia física características, Burnett se colocó entre los principales artistas del blues eléctrico; el músico y crítico musical Cub Koda declaró, "nadie puede igualar a Howlin 'Wolf en su singular capacidad para el rock."

Con sus 1,98 m de estatura y cerca de 136 kg de peso, fue una figura imponente con una de las voces más memorables entre todos los cantantes de blues "clásicos" en el Chicago de los años 50. Su voz ha sido comparada con "el sonido de las máquinas pesadas que operan en un camino de grava". Junto con su contemporáneo y rival profesional Muddy Waters, formaron los dos pilares del Chicago blues.

Biografía

Comienzos

Hijo de plantadores de algodón, Howlin' Wolf trabajó de granjero en la década de los 30, siendo uno de los pioneros entre los negros que emigraron en los años 40 a Chicago, aunque siempre mantuvo sus raíces. . Sirvió durante la Segunda Guerra Mundial en el ejército norteamericano.

Carrera

En 1948 formó una banda que incluía guitarristas como Willie Johnson y M. T. Murphy, el tocador de armónica Junior Parker, un pianista llamado Destruction y el tambor Willie Steele, y en 1951 comenzó a actuar en radio en West Memphis, Arkansas.

Su álbum de 1962 Rockin' Chair Album es uno de los más famosos discos de blues, conocido por la ilustración de su cubierta con una mecedora. Este álbum contenía "Wang Dang Doodle," "Goin' Down Slow," "Spoonful" y "The Red Rooster", canciones que sirvieron de base a los repertorios de las bandas inglesas y americanas enamoradas de los blues de Chicago. En 1965 apareció en el show televisivo Shindig junto con los Rolling Stones. Wolf dio varios conciertos en Chicago en 1972, grabados por la discográfica Chess en su álbum Live and Cookin y en 1973 produjo su último álbum The Back Door Wolf. Tuvo especial resonancia su álbum "London Sessions", grabado en Londres junto a una super-banda de estrellas británicas (Eric Clapton, Stevie Winwood, Charlie Watts, Bill Wyman) y su inseparable Hubert Sumlin.

El inimitable estilo abrasivo de Howlin´ Wolf ha imposibilitado cualquier imitación. Dotado de una técnica musical rudimentaria (tanto en la armónica como en la guitarra slide), su peculiar sentido del tempo y sus aullidos (como en la célebre "Smokestack Lightning") confirieron siempre a sus interpretaciones un vigor inigualable.

El rock psicodélico de los sesenta tuvo en Howlin' Wolf a uno de sus máximos inspiradores. Jimi Hendrix comenzó su actuación en el festival de Monterrey, en 1967, (su primera aparición al nivel de las grandes estrellas) con una frenética versión de un clásico de Howlin' Wolf, "Killing floor". Los Cream convirtieron en éxito otra de las grandes piezas de Howlin' Wolf (aunque compuesta por Willie Dixon), la febril "Spoonful", y también legaron una recordada recreación de "Sittin' on the top of the world". Los Doors versionaron "Back door Man" y los Rolling Stones tuvieron unos de sus hits más tempranos con la inefable "Little red rooster". El estilo vocal de John Fogerty, cantante de Creedence Clearwater Revival, debe también mucho a Howlin´ Wolf, lo que se hace patente en canciones del grupo como "The Graveyard Train" entre otras.

Howlin' Wolf murió de cáncer en el Hospital de Veteranos de Hines, Illinois, el 10 de enero de 1976.

Pagina: http://www.howlinwolf.com/

Marc Bolan

Marc Bolan, pseudónimo de Marc Feld (30 de septiembre de 1947 - 16 de septiembre de 1977), cantante de rock, una de las figuras más populares del glam rock de los años 70. El falso apellido Bolan es la contracción de su admirado BOb dyLAN (BO-LAN)

Vida

Primeros Años

Nació en Hackney, al este de Londres el 30 de septiembre de 1947, siendo el hijo de un camionero. Luego de que su familia viviera en Hackney, esta se trasladó a Wimbledon, en el suroeste de Londres.

Sus primeras influencias musicales fueron Gene Vincent y Chuck Berry. Él llegó a ser mod, pasando por distintos bares de Soho.

John's Children

Tras grabar varios discos bajo el nombre de Toby Tyler (sonando muy folk, como sus admirados Donovan y Bob Dylan), ingresa a la banda proto punk y mod John's Children, la cual pareció esperanzadora, ya que era aclamada por sus recitales y vendió algunas grabaciones. Una de sus primeras gran canciones sería "Desdemona" de 1967, escrita por el mismo Bolan, la cual fue vetada por la BBC por sus letras controvertidas.

Junto al percusionista Steve Peregine Took fundó, en 1967, la banda Tyrannosaurus Rex, luego llamada T. Rex. Bajo este nombre grabaron tres álbumes: My People Were Fair and Had Sky in Their Hair But Now They're Content to Wear Stars on Their Brows (1968), Prophets, Seers and Sages, The Angels of the Ages (1968) y Unicorn (1969). A comienzos de los años 70 la formación original se separó y Bolan se unió a Mickey Finn para formar T.Rex. Sus éxitos más recordados son canciones como Children of the Revolution, Ride a White Swan, Hot Love y Get it on, ambas nº 1 en el Reino Unido. A mediados de los años 70, la popularidad de Marc Bolan descendió pese a que T. Rex continuó sacando discos a la venta. Falleció el 16 de septiembre de 1977 en un accidente de coche en Londres, contando 29 años (irónicamente, Bolan adoraba los coches, como se puede observar en canciones como Cadillac o Get it On, pero a la vez les tenía miedo y nunca se sacó el carné de conducir). La banda desapareció en 1978.

Su nombre, Bolan es en homenaje a Bob Dylan.

En el principio fue el glitter, albor en destello frío y cegador, con Marc Bolan aparece la luz, pero ya no es luz iluminadora, como pudiera ser la que emana de la densa sabiduría de las bandas rockeras legendarias, sino brillo puro, puro brillo, sin moraleja existencia ni hondura espiritual.

El glamour en todo su superfluo esplendor nace dentro del rock hegemónico con Marc Bolan y su grupo Tyrannosaurus Rex, llamado después simplemente T- Rex. Es gracias a T- Rex que el Glam- Rock tuvo lugar en el mundo.

Marc Bolan y compañía aparecen en 1967 en Londres, T- Rex surge como Fanes, en fulgor prístino, dando paso a la develación fashionista del leopardo y el cuero rojo envolviendo el cuerpo que se mueve al ritmo de melodías duras y dulces a la vez.

La banda comenzó a editar discos desde finales de los 60´s, sin embargo su apogeo fue hasta el primer lustro de los 70´s. Con Marc Bolan se levanta una nueva estética dentro del Rock.

Ante la proliferación del rock progresivo T- Rex opta por traer frescura al Rock, retomando el Rock & Roll clásico, en un acto que no es pura retrospección, sino apropiación creadora, incorporando más decibelios, dándole más velocidad, tornándolo ácido y cínico a través de letras con obvia referencia a una sexualidad ambigua vivida salvajemente, así como a una vida superflua y sin sentido que se padece gozosamente. A principios de los 70´s el Glam – Rock, aún exclusivo de T-Rex, era también llamado Gay -Rock, ambos términos se usaban de forma indistinta. El motivo se debía a la actitud de Bolan.

Bolan, con miras en la figura de Warhol, aspiraba a ser una estrella de la cultura Pop, pero difería del estereotipo de Rockstar en pose de macho inflexible, por ello Bolan hacía gala de una ambigüedad sexual que se enfatizaba en su manera de vestir y de actuar sobre el escenario. Bolan vestía ropas con texturas de leopardo, cebra o cuero, se adorna con boas de plumas, botas plateadas de plataforma, mostrando la enorme influencia recibida por parte del travestismo neoyorquino.

T. Rex tuvo altas y bajas en los 70´s, a principios de la década la banda tuvo una serie de éxitos tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, ejemplo de ello son las canciones Debora, I love to boogie, Ride a white swan, Children of the revolution, Baby Strange, Mad Donna, Get i ton, Hot love,Teenage Dream, etc. Las cuales permitieron a la banda hacer varias giras que continuarían la difusión del Glam, logrando además dar paso a todo un movimiento cultural del cual injustamente no vendría a ser Marc Bolan el abanderado, sino el Delgado Duque Blanco: David Bowie, quien a pesar de todo nunca negó la influencia y admiración hacia el fundador de T. Rex.

En la segunda mitad de los 70´s la popularidad de la banda decayó fuertemente y se hundió en un relativo olvido tras la trágica muerte de Bolan. El lider de T. Rex sufrió un accidente automovilístico 16 de septiembre de 1977 en las calles de Londres. La influencia de Marc Bolan y T. Rex ha modelado la historia del rock de manera definitoria. Quizá David Bowie no habría sido la gran figura del Rock de no haber conocido a Marc Bolan. T. Rex ha influenciado incluso el cine, el de Almodóvar en los 80´s es un ejemplo de ello, así como clásicos de la talla de “The Rocky horror picture show”. Después del boom del Glam en el primer lustro de los setentas esta corriente se diversificó, se transformó y fue asimilado tanto por bandas posteriores a T. Rex como por bandas de previa existencia al Glam de Bolan. Iggy Pop, Roxy Music, The New York Dolls, Queen, Elton John, Alice Cooper, Siouxie and the Banshees, The human league, han aceptado una gran influencia de Bolan.

Marc Bolan como lider espiritual de T. Rex y el Glam en general ha sido piedra angular de un modo diferente de asirse al Rock como forma de ver la vida, donde el desafío de la existencia no se asume de manera desoladora sino glamourosa.

Bandas influenciadas por Marc Bolan & T-REX

La influencia de T. Rex es tan transversal que entre sus fans confesos se puede encontrar desde números como Def Leppard, Danzig, Fantomas o Guns n’ Roses (cosa de mirar a Slash, pelo y gorro, para concluir), hasta Chumbawamba(!), pasando por Oasis, Suede, Soulwax, Morrissey, Yo La Tengo, The Replacements, y la lista es larga. Y no es casualiad: en menos de diez años de vida (desde 1968 a 1977, considerando la época de dúo, Tyrannosaurus Rex), Bolan y compañía editaron doce discos(dos de los cuales, ‘The Slider’ y ‘Electric Warrior’ son considerados “indispensables” por la prensa especializada) y trabajaron con Elton John, Ringo Starr, David Bowie y Tony Visconti.

Aclaro que la inclusión de ‘Cigarettes & Alcohol’(de Oasis, que comienza en modo de homenaje a ‘Get it On’) y ‘Panic’(1986) de The Smiths (que, dicen, usa el mismo riff que ‘Metal Guru’, de ‘The Slider’ (1972)), responde a que se trata de tributos reconocidos y no a plagios.Para eso, ya tenemos a nuestro querido Gustavo Cerati (que, al fin y al cabo, ha escrito canciones buenas, “copión” y todo).Con todo, el mito de Bolan sigue vivo, casi treinta años

Pagina: http://www.marc-bolan.org/

Ryan Adams

David Ryan Adams (5 de noviembre de 1974, Jacksonville, Carolina del Norte) músico de un estilo que ha venido a ser llamado Alt-Country/Rock. A los 16 años abandonó el instituto para trabajar en una zapatería y comenzar a escribir música. Formó una banda llamada Whiskeytown en 1994 la cual se separaría en 1999. Adams publicó su primer disco en solitario en el año 2000, lleva por título Heartbreaker.

Es un artista prolífico que ha publicado ocho discos y numerosos Eps entre el 2000 y el 2005. También ha producido un álbum a Jesse Malin, ha contribuido con Beth Orton, the Walflowers o Counting Crows. Mantuvo relaciones sentimentales con Winona Ryder, Alanis Morissette (con la que aún mantiene una buena amistad), Beth Orton, Leona Naes, Carrie Hamilton y Parker Posey (musa del cine independiente norteamericano). Ha colaborado con otros músicos de renombre como Elton John, Willie Nelson o Toots and the Maytals. Publicó un disco de punk grabado con Jesse Malin con el nombre de the Finger.

El 11 de Febrero del 2009, Ryan Adams se comprometió con su intermitente novia, la actriz y cantante pop Mandy Moore.

Pagina: http://www.ryan-adams.com/

Gonzalo Aloras

Historia

Gonzalo Aloras nace en la ciudad de Rosario el 4 de octubre de 1974 en medio de una familia ligada al Arte. Desde muy chico sus inclinaciones son siempre artísticas. Comienza por el dibujo de historietas y la escritura de reflexiones en revistas escolares; luego incorpora transversalmente la filosofía a sus actividades de adolescencia a través de cursos y grupos de investigación.

Durante la década del 90 es una de las voces cantantes del rock local en el trío Mortadela Rancia con quien registra el disco Ciudad Paranoia (1994) y participa en numerosas bandas y grabaciones rosarinas (Macaferri y Asoc, Graffiti, Vandera, Fabian Gallardo, Coki & The Killer Burritos, Los Divinos, Abrepuertas, etc).

Cursa los estudios de Realizador Audiovisual en la Escuela de Cine de Rosario en la que se desempeñara más tarde como docente.

Ya en su etapa solista, graba y edita Algo Vuela (2000/2004) , un disco en el que participan Fito Páez, Charly García, Claudio Cardone, Guillermo Vadalá, entre otros músicos junto a los cuales también compartirá escenario.

Algo Vuela es presentado internacionalmente con pequeñas actuaciones en España (donde recibe la mención de Fnac a la mejor auto-producción) Colombia, Chile, EEUU, México, Uruguay y otras ciudades de Latinoamérica.

En el 2005 edita su primer simple virtual llamado Visión y recibe el premio MUSI al mejor artista pop rosarino, realizando allá su primer presentación a dúo junto a Litto Nebbia con quien comenzará de esta manera, una serie de proyectos musicales (ver Celebración del rock argentino/ Melopea ).

Forma parte de la banda de Fito Páez y participa en sus discos como intérprete y arreglador del año 1999 al año 2006. También es co-protagonista y productor musical en el film De quién es el portaligas del mismo director. La banda sonora del film De quién es el portaligas, es editada en el 2008 por Sony/BMG y recibe la nominación al premio Cóndor de Plata y Clarín, como mejor música de cine.

Es invitado por Juanse a formar parte de su banda solista y a grabar el primer dvd en vivo de esta formación especial, del líder de Ratones Paranoicos.

Edita Superhéroes , a fines del 2008, un homenaje a sus tres grandes maestros: Litto Nebbia, Charly García y Luis Alberto Spinetta, con versiones de estos autores en guitarra acústica y piano de cola.

Sigue trabajando en lo que será su próximo disco de canciones propias a editarse en el 2009. En este trabajo participarán Spinetta, Nebbia, Páez, Juanse, J. Malosetti , F. Fattoruso y F. Samalea entre otros.

Pagina: http://www.gonzaloaloras.com/

John Mayer

John Clayton Mayer (16 de octubre de 1977) es un cantante, compositor y guitarrista estadounidense ganador de varios Premios Grammy. Nació en Connecticut, luego se mudó a Boston, Massachussets donde estudió en el Berklee College of Music por un tiempo antes de mudarse a Atlanta, Georgia en 1998. Sus primeros discos de estudio, Room for Squares y Heavier Things lograron vender una gran cantidad de copias, su disco más reciente es Continuum, lanzado el 12 de Septiembre de 2006.

Otros intereses de John son la comedia, el diseño y la escritura. Ha escrito varios artículos para revistas, el más notable el de la revista Esquire. Además, tiene una fundación llamada Back to you y fomenta la concienciación sobre el calentamiento global.

Primeros años

Nació en Bridgeport, Connecticut, y se crió en Fairfield, Connecticut. Es el segundo de tres hijos. Creció siendo amigo de la futura estrella del tenis James Blake. Cursó secundaria en Fairfield High School (ahora Fairfield Warde High School). Mayer escuchaba música pop, pero su inspiración para tocar la guitarra comenzó a los 13 años. Cuando su padre, el director del Bridgeport High School, le lleva un CD de Stevie Ray Vaughan, John descubre la música blues y aprende a tocar la guitarra. Después de dos años de práctica, empieza a tocar en bares. Cuando Mayer tenía 17 años sufrió un trastorno del ritmo cardíaco, por lo que estuvo en el hospital un fin de semana. Expresa el trauma del accidente en sus primeras canciones. Después de este incidente ha sufrido varios ataques de pánico, que han sido controlados. Después de graduarse de la preparatoria, trabajó en una gasolinera durante 15 meses hasta que ahorró lo suficiente para comprar su primera guitarra profesional.

A la edad de 19 años, Mayer asistió a Berklee College of Music en Boston, Massachusetts. Después de dos semestres decide mudarse a Atlanta, Georgia. Con su amigo y baterista, Clay Cook, forman una banda llamada LoFi masters, y logran tocar en varios locales. Después de la separación de este grupo, Mayer comienza una carrera en solitario. Con la ayuda del productor Glenn Matullo, John Mayer lanza su primer disco titulado Inside Wants Out.

Evolución musical y primeros éxitos

Dos años después de publicar el álbum independiente Inside Wants Out, Mayer lanza al mercado en 2001 su primer disco de estudio titulado Room for Squares. En 2002, Room for Squares logra varias canciones en la radio, incluyendo No such thing, Your body is a wonderland y la última titulada Why Georgia. En 2003 John ganó un Grammy a la Mejor canción Pop masculina por Your body is a wonderland.

En 2003, Mayer lanza su tercer álbum, Heavier Things, y su primer sencillo fue Bigger than my body pero el mayor éxito fue su segundo sencillo titulado Daughters, lo que hizo que Mayer ganará el Grammy a la Canción del año en el 2005. Para este premio competía con artistas como Alicia Keys y Kanye West. Dedicó este premio a su abuela, Annie Hoffman, quien murió en mayo del 2004.

En 2004, John trabajó junto al artista y cantante de Hip Hop, Kanye West, juntos trabajaron con el rapero Common , tanto la colaboración con Kanye West y con Common fueron alabadas por artistas del rap como Jay-z y Nelly.

Durante este tiempo, Mayer comenzó a cambiar en sus intereses musicales. En 2005 hizo varias colaboraciones con varios artistas del blues incluyendo, Buddy Guy, B.B King, Eric Clapton y el artista del jazz, John Scofield. También hizo una gira con el legendario pianista de jazz, Herbie Hancock, lo que incluyó un concierto en el Bonnaroo Music Festival en Manchester Tennessee.

Con el tiempo, Mayer ha obtenido una reputación de cantante y compositor sensible y meticuloso. También ha estado acompañado por un guitarrista infuenciado por los gustos de Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Buddy Guy, Freddie King y B.B King. Mayer ha trabajado con muy importantes artistas del blues, incluyendo a Clapton (Back Home, Crossroads Guitar Festival), Guy (Bring 'Em In), Scofield (That's What I Say) y King (80).

El 2008, junto a Fall Out Boy, lanzaron el cover de Beat It canción de Michael Jackson, el rey del pop. Esta canción esta disponible el el dvd de Fall Out Boy Live In Phoenix. Mayer también grabo la canción When it Rains con Paramore para su Disco Riot!.

John Mayer Trio

En la primavera del mismo año, Mayer formó el John Mayer Trio, con el baterista Steve Jordan y el bajista Pino Palladino. El Trio formaba una combinación de música blues y rock. En 2005, el trío lanzó a la venta el disco en vivo llamado TRY!. El primer sencillo del disco fue Who did you think I was?

John Mayer Trio se tomó un receso a mediados de 2006. John declaró el final del grupo en el Tempe Music Festival en Marzo de 2006. El 12 de septiembre, anunció que el trio tenía planes de volver a trabajar en un álbum nuevo.

Continuum

El último álbum de John Mayer titulado Continuum fue lanzado el 9 de septiembre de 2006 en Australia, En Filipinas el 11 de septiembre, el 12 de septiembre en EUA y el 16 de Octubre (cumpleaños de John) en el Reino Unido. El disco fue producido por él mismo, con la ayuda del baterista de John Mayer Trio, Steve Jordan. Mayer describe el álbum como una combinación de la música pop y del sentimiento, el sonido y la sensibilidad de la música blues. Dos de las canciones que conforman TRY!, repiten en este disco: la funky "Vultures" y la balada "Gravity". John ha dicho sobre su tercer álbum de estudio: En toda trílogia, el tercer álbum es el que lo cambia todo.

El primer sencillo de Continuum es Waiting on the world to change, hizo su estreno en un programa de radio llamado The Ron and Fez Show y se puede escuchar en su página web [1].El sencillo fue el tercero más descargado de la semana en la iTunes Store el 11 de julio de 2006, debutó como el #25 en la lista Billboard Hot 100 Chart. El 23 de agosto de 2006, Mayer estrenó el álbum entero en la radio de Los Ángeles estación Star 98.7, dando un comentario a cada canción. El 22 de septiembre de 2006, John hizo una aparición en CSI tocando en vivo las versiones de Waiting on the world to change y otra canción del álbum Continuum Slow dancing in a burning room.

Últimamente la canción Waiting on the world to change es la música de las promociones de la serie de drama de de la cadena americana ABC Cinco Hermanos, cuyas protagonistas son Sally Field y Calista Flockhart.

En los Grammy de 2007, John Mayer estuvo nominado a 5 categorías, de las que ganó dos: Mejor canción Pop masculina y Mejor álbum Pop

En la premiacion Grammy 2008, John Mayer fue nominado a mejor cantante pop con su sencillo SAY (soundtrack de la pelicula The Bucket List) y gano su unica nominacion del 2008 (dvs)

Vida personal

Mayer tiene un gran número de tatuajes, tiene el brazo izquierdo completamente cubierto por un tatuaje de estilo japonés, también tiene tatuado un 77 (su fecha de nacimiento) y las palabras Home y Life.

El es colector ávido de relojes y posee piezas que cuestan en los decenas de miles de dólares. Mayer también tiene una colección extensa de zapatillas de deporte, estimada (en 2006) en más de 200 pares.

Mayer mantuvo una breve relación en 2002 con Jennifer Love Hewitt, en 2006, bromeó diciendo que nunca llegaron a mantener relaciones sexuales, de lo que se disculpó más adelante con ella por dichos comentarios. A pesar de rumores, Mayer no salió con Heidi Klum en 2003. Mayer tuvo una relación con Jessica Simpson durante cerca de nueve meses, comenzando en el verano de 2006. Las rumores comenzaron en agosto de ese año con un artículo de la revista People, pero el mayor revuelo fue cuando Mayer y Simpson asistieron a la fiesta del Año Nuevo de Christina Aguilera juntos en Nueva York. En la alfombra roja de los Grammy de 2007, le preguntaron a Mayer sobre su relación con Simpson, respondiendo él en japonés para esquivar la pregunta. A pesar de que algunas traducciones inicialmente estuvieron en conflicto, él dijo, Jessica es una mujer encantadora, y estoy contento de estar con ella. Sin embargo, la pareja terminó en mayo de 2007. El comenzó a salir con la actriz Minka Kelly en septiembre de 2007. Durante 2008 y comienzos de 2009 mantuvo una relación con la actriz Jennifer Aniston.

Mayer divide su tiempo entre su hogar en los suburbios de Los Ángeles (con su compañero de cuarto e ingeniero del sonido, Chad Franscoviak) y su apartamento en New York City de SoHo.

Pagina: http://www.johnmayer.com/

Johnny Winter

John Dawson "Johnny" Winter (Beaumont, 23 de febrero de 1944), guitarrista estadounidense de blues y de rock. Winter se convirtió en una estrella del blues eléctrico a finales de los años sesenta y para el festival de Woodstock ya era una leyenda. Durante la última etapa de Muddy Waters produjo sus 3 últimos discos.

Carrera musical

Primeros Años

Desde muy temprano Winter mostraba una fuerte atracción a la música; a la edad de 4 años en su ciudad natal se mostraba tocando el clarinete, hasta la edad de 8 cuando fue forzado a dejarlo por ordenes de su ortodoncista debido a un problema de maloclusión producido por el instrumento. Fue entonces cuando empezó a aprender a tocar el ukelele de su padre pero, a pesar del talento que mostraba con el instrumento, fue su mismo padre quien le motivo a dejarlo y cambiarlo por la guitarra a la edad de 11 años. [1] En ese entonces Winter se aficiono a un programa de radio denominado "The Big Bopper of "Chantilly Lace" que daba un recorrido por el mundo del Blues, presentado por un dj local llamado J.P. Richardson[1] .

A sus 14 y ya empapado de Blues con una larga colección de discos que había ido recopilando, forma "Johnny and the Jammers" su primera banda junto a su hermano Edgar. Pasó su temprana juventud grabando temas para disqueras de proyección regional y presentándose en los bares buscando ser escuchado y obtener una reputación dentro del mundo del blues, debido a su colaboración usual con bluemen locales como Clarence Garlow o Calvin Johnson.[2] Incluso llego a tocar, en 1962, ante B.B. King con la guitarra de éste en una visita a un famoso local de Beaumont.[1] Durante este tiempo formaría un trió “The Cyrstaliers and It and Them” que intentaría hacerse un espacio en los clubes locales, también visitaría otras ciudades satélite del Blues como chicago persiguiendo escuchando a otros artistas y captar la esencia del genero.

Estrellato

Su descubrimiento a nivel nacional llegó a través de un artículo en la revista Rolling Stone, en 1968, lo que le valió un contrato con un propietario de un club neoyorkino y una grabación con Columbia. Su disco de debut oficial, Johnny Winter publicado en 1969, año en el que tambien tocaría en distintas presentaciones y festivales incluyendo el de Woodstock.

Más tarde formó una banda con antiguos componentes de The McCoys, se llamó Johnny Winter And. Consiguió buenas ventas entre 1969 y 1970 con los álbumes “Second Winter” y “Johnny Winter”, respectivamente, Durante este tiempo Winter sufrió de una fuerte adicción a la heroína, de la que se sobrepondría rápidamente y grabaría en 1973 Still Alive and Well. Sus discos se hicieron cada vez más orientados al blues duro, a finales de los setenta produjo también varios álbumes de Muddy Waters con quien consiguiera un par de Premios Grammy, entre otras colaboraciones.

1980

En los ochenta, luego de una larga pausa grabó tres discos para el sello de blues Alligator. El primero en 1984 contenía relanzamientos de viejos temas R&B y conto con la ayuda de la “Albert Collins Icebrakers Band”, compañeros de disquera, logrando su segunda nominación a los premios Grammy. En 1986 lanza “Third Degree”, un disco que comparte con antiguos compañeros de gira. Alternativamente mantiene sus habituales giras en distintos locales, ofreciendo conciertos y colaborando con otros artistas.

1990

Marca su regreso a los estudios con una nueva nominación a los Grammy gracias a su álbum “Let Me In”. Vuelve al año siguiente con “Hey, Where's Your Brother? “, también nominado al los premios Grammy. Ese mismo año sale también a la venta el recopilatorio “Scorchin' Blues” mientras continua de gira, también colaboraría en 1996 con su hermano en el disco “The Real Deal” manteniendo sus giras; en 1998 producto del trabajo en vivo sale a la venta “Live In NYC '97” disco que recopila 5 años de concierto, las canciones fueron escogidas por sus seguidores a manera de tributo , año en el que también se cumplían 30 años de su llegada al estrellato.

2000

Winter regresó en 2004 con su primer álbum en ocho años: I'm a Bluesman con el que logró de nuevo una excelente critica y otra nominación a los Grammy. Winter continua maravillando con su peculiar estilo a sus seguidores manteniendo sus giras, aunque en últimos años se ha visto afectado de salud y se ve obligado a realizar las presentaciones sentado, producto de un problema de Síndrome Túnel Carpiano asi como problemas en la cadera. Aun así mantiene en pie su vida artística, para mayo de 2009 se prevé el lanzamiento de un nuevo recopilatorio denominado “The Johnny Winter Anthology” distribuido por Sony Music Entertainment.

Pagina: http://www.johnnywinter.net/

Mike Stern

Mike Stern (* 10 de enero de 1953 en Boston) es un guitarrista norteamericano de jazz que ha trabajado con músicos como Miles Davis, Stan Getz, Jaco Pastorius, Joe Henderson, Jim Hall, Pat Martino, Tom Harrell, Arturo Sandoval, Tiger Okoshi, Michael Brecker, Bob Berg, David Sanborn, Steps Ahead y los Brecker Brothers.

Graduado en el Berklee College de Boston, se orientó hacia el jazz desde su formación. Se unió a Blood, Sweat & Tears durante una gira en 1977 y participó en dos de sus discos: More than Ever y Brand New Day. Desde entonces ha trabajado con multitud de músicos, destacando su colaboración con Miles Davis desde 1981 hasta 1983.

Su primer álbum de estudio, Upside Downside, salió al mercado en 1986 en el sello Atlantic Records, y contó con la colaboración de Jaco Pastorius, David Sanborn y Bob Berg. Su segundo trabajo, titulado Time in Place, fue publicado en 1988 e incluye a Peter Erskine en la batería, Jim Beard en el teclado, Jeff Andrews en el bajo, Don Alias en la percusión y Don Grolnick al órgano. A este disco le siguió Jigsaw un año después, cuando formó un grupo con Berg, Dennis Chambers y Lincoln Goines que duró hasta 1992. En 1993 grabó su mejor disco, Standards (And Other Songs), que le valió para ser proclamado como Mejor guitarrista del año por la revista Guitar Player. Recibió dos nominaciones a los premios Grammy en 1994 y 1996 por los discos Is What It Is y Between the Lines.

Pagina: http://www.mikestern.org/

La Sonora de Bruno Alberto

La Sonora de Bruno Alberto estaba liderada por Daniel "Tuerto" Wirzt, hermano del cantante, compositor, mimo y conductor de televisión Manuel Wirzt.La banda editó en 1987 "Perez-Troika", su primer disco, el cual contenía temas como "Tu tienes que entregármelo", "Yo llevo la pala" (¿hace falta decir de que habla?), "El play boy de la grasada total" y el increíble "Tirá la goma". Este último tema, es sin duda el primer registro (y tal vez el nacimiento) del concepto de "tirar la goma" tal como lo conocemos hoy en día...

Su segundo trabajo saldría recién en 1991. "Cuando debute" contaba con canciones como "Tereso", "Marijuana", "Me llora el nene" y el super hit "La canoa" (la de "y ahora, y ahora, se me hunde la canoa").
"La canoa" fue sin duda el éxito que le dio popularidad a la banda y le permitió permanecer en la memoria popular, ya que (aunque muchos no lo saben) la melodía del tema es una de las más cantadas en las canchas y manifestaciones (es aquella que dice "y ahora, y ahora, que nos chupen bien las...."). Ejemplos de esto sobran: la cantan en Argentina, Uruguay, México y Honduras, por citar solo a algunos paises.
Fue en esa época en donde firmaron un contrato con Tinelli, se convierten en la banda estable de "Ritmo de la noche", y son contratados por Sony.

La Muerte de Daniel Wirtz

El baterista Daniel Wirtz, que tocó con Fito Páez, Luis Alberto Spinetta y Juan Carlos Baglietto, entre otros, falleció el viernes pasado víctima de un cáncer de cerebro. Wirtz, apodado "El Tuerto", hermano del cantante y conductor televisivo Manuel, participó en discos como Ciudad de pobres corazones, de Páez, y Spinetta y los socios del desierto. El músico, que tenía 49 años y estaba casado con Virginia Querejeta, con quien tenía dos hijos -Brenda y Bruno-, fue enterrado en su San Nicolás natal, en una ceremonia a la que asistieron sus hermanos Manuel y Javier y sus suegros Marta y Francisco, además de amigos.

Daniel comenzó su carrera en Irreal, la primera banda que lideró Juan Carlos Baglietto y que también integraban Sergio Sainz, en bajo; Juan Chianelli, en teclados; Piraña Fegúndez, en percusión y flauta y Beto Corradini, en guitarra. Ya instalado en Buenos Aires junto a los miembros de la denominada Trova Rosarina que desembarcó aquí hacia 1982, pasó a militar en la agrupación que acompañaba a Fito, con quien grabó en sus tres primeros discos: Del 63 (1983), Giros (1985) y Ciudad de Pobres Corazones (1987). También participó en el álbum doble La La La que Fito y Spinetta grabaron y presentaron durante 1986.

Por aquellos días, Wirtz creo La sonora de Bruno Alberto, con la que grabó canciones de humor y doble sentido y registró con su hermano Manuel En funcionamiento (1987) y Mala Información (1989).

Posteriormente integró la banda de Lito Vitale, para sumarse en los 90 al grupo de apoyo de Luis Alberto Spinetta, con quien grabó la banda de sonido de la película Fuego Gris (1994), Los socios del desierto (1997), Estrilicia: MTV Unplugged (1997), Los ojos (1999) y Silver Sorgo (2001).

Hilda Lizarazu

Hilda María del Pilar Lizarazu (nacida el 12 de octubre 1963 en Curuzú Cuatiá, Corrientes) es una cantautora y compositora de rock and roll y fotógrafa argentina.

Biografía

Hilda Lizarazu nació en Curuzú Cuatiá, en la provincia de Corrientes. Durante su niñez vivió en Nueva York. En su adolescencia vivió en la Ciudad de Buenos Aires, realizando sus estudios secundarios en el colegio Dámaso Centeno del barrio de Caballito, al que también habían concurrido Charly García y Nito Mestre.

Se inició como cantante a comienzos de la década del 80, integrando diversos grupos. Luego integró Los Twist y Suéter. Fue corista de Charly García entre 1987 y 1993.

Entre 1988 y 1999 fue la principal vocalista y teclista del grupo Man Ray, junto al guitarrista Tito Losavio, con quien formó pareja durante cinco años. Abondonó Man Ray después del disco Larga Distancia (1999) y se fue a vivir a Sinsacate, un pequeño pueblo en el norte de la provincia de Córdoba a modo de "retiro espiritual". En este período fue elaborado su primer disco solista Gabinete de Curiosidades, que vio la luz en 2004 y fue ganador del premio Carlos Gardel en la categoría "Mejor disco pop de cantante femenina".

Gabinete de Curiosidades fue editado por PopArt Discos y producido por ella misma. Cuenta con las colaboraciones de Miguel Botafogo, Roque Narvaja, Ciro Fogliatta, Black Amaya, Leo García, Fernando Lupano y Gringui Herrera, entre otros.

En el 2005 Lizarazu realizó una serie de shows: el ciclo Elegante Sport en el Club del Vino, donde presentó junto Charly García, León Gieco, Fabiana Cantilo y Ricardo Mollo nuevas canciones y versiones renovadas de sus temas clásicos. Poco después formó parte del ciclo Noche de Divas en el Cabaret del Faena Hotel. También presentó su álbum debut en el teatro ND/Ateneo y en La Trastienda.

Participó como artista invitada en el disco Inconsciente Colectivo de Fabiana Cantilo, BH+ de Bahiano, La tranquilidad después de la paliza junto a Francisco Bochatón, y Clásicos de Miguel Cantilo.

Además, protagonizó un rol de policía experto en la película Geisha Gang Bang (1995).

En 2007 editó a través de Leader Music su segundo disco, Hormonal, producido nuevamente por ella junto a Federico Melioli y Lito Castro. El primer corte de difusión fue D10S.

Actualmente el grupo está conformado por Hilda Lizarazu, Federico Melioli, Lito Castro, Amílcar Vázquez y Claudio Salas.

Fotógrafa

Paralelamente a su carrera como música (aunque postergada por ésta última), Hilda Lizarazu también se ha dedicado a la fotografía, destacándose sus trabajos relacionados con el mundo del rock, aunque no limitados a ellos. En la década del 80 trabajó para la revista Humor, retratando a los músicos más importantes del rock argentino. El hecho de haberle puesto el nombre del fotógrafo Man Ray a la banda formada con su pareja de entonces, Tito Lovasio, tiene que ver con esta pasíón de Lizarazu.

Pagina: http://www.lizarazu.com.ar/

La Barranca

La Barranca surge de manera informal a finales de 1994, cuando el guitarrista José Manuel Aguilera y el bajista Federico Fong se juntan en la Ciudad de México para grabar algunas canciones en una grabadora de cinta de 4 canales. Las canciones ahí grabadas (Al Final de la Playa, Los Muertos, El Sur y Tu Boca) señalan a los músicos la posibilidad de una ruta nueva, de un sonido diferente que los impulsa a trabajar más piezas en esa dirección.

José Manuel y Federico habían tocado juntos por primera vez en un escenario al lado del Doctor Fanatik en 1992, en un proyecto de música y performance llamado La Suciedad de las Sirvientas Puercas. De corta duración, este proyecto también representó la posibilidad de tocar con el baterista Alfonso André, con quien ambos ya habían trabajado por separado en diferentes ocasiones.

Al concluir esta banda, José Manuel invita a Federico a colaborar con Sangre Asteka, grupo con el que había grabado un disco homónimo en 1990, al lado del acordeonista Humberto Álvarez, y al que se incorpora Federico para darle vida en los escenarios. José Manuel y Alfonso André también continúan viéndose eventualmente y hacen música como dúo, aunque sin presentarse nunca en vivo.

Federico colabora así con Sangre Asteka hasta finales del 93. Pero el contacto con José Manuel permanece y es así que, tras la disolución de Sangre Asteka en el 94, los músicos se juntan para trabajar ese grupo original de canciones.

A estas se suman algunas otras que José Manuel había desarrollado por su cuenta en las etapas finales y posteriores a Sangre Asteka, entre las que se encontraban La Barranca y El Síndrome. Tras un periodo de composición que arroja temas como Reptil, Quémate Lento y Esa Madrugada Aguilera y Fong han acumulado suficiente material como para grabar un disco, y se avocan a esta tarea. Aun no tienen nombre para esta grabación ni para el grupo, ni se han presentado en vivo.

Para la realización de este disco era necesario encontrar a un baterista. Tras varios intentos y pruebas, José Manuel y Federico acaban por decidirse por su conocido colega, Alfonso André, quien se integra a la música de manera natural y entusiasta, dándoles a estas piezas el ingrediente final para que cobren vida.

Es así como se embarcan en la producción de lo que sería El Fuego de la Noche. La grabación se realiza en Guadalajara, en la semana santa de 1995. Es ahí cuando, a sugerencia de Alfonso, la banda decide adoptar como nombre el de una de las canciones grabadas ese fin de semana, una que los convence de haber dado vida a una nueva entidad musical: La Barranca.

Es con este nombre como se presentan finalmente en el escenario del Bar Mata, en el centro de la Ciudad de México, en septiembre de 1995.

El proceso de terminación del disco es prolongado y aparecerá hasta mediados del 96. Para entonces los músicos han incorporado algunas piezas más, entre ellas El Alacrán, para la cual invitan a colaborar al violinista Jorge Cox Gaitán.

Cox graba también partes de violín en Akumal, otra de las piezas del disco y, cada vez que es posible, acompaña a La Barranca en el escenario.

Algo similar sucede con la cantante Cecilia Toussaint, quien graba varias armonías y arreglos vocales para el disco, y es también frecuente invitada en las presentaciones en vivo de la banda.

A su salida, El Fuego de la Noche recibe incontables reconocimientos y nominaciones. Es considerado como el mejor disco del año por la crítica de la publicación argelina La Banda Elástica. En México su impacto es similar, y las revistas especializadas de la época los incluyen unánimemente entre los mejores de ese año y a La Barranca como grupo revelación. Algunos años después el disco será también considerado entre los 50 mejores del rock en español, tanto por la revista La Banda Elástica, como por Switch de México.

Pero es la relación que establece el disco con el público y el efecto que tiene para la banda, como la piedra inicial de su trayectoria, la que lo vuelve aun más especial. El Fuego de la Noche es también pionero en la producción independiente, pues pese a licenciarlo después a varias compañías, la producción original del mismo es realizada por el propio grupo para el sello independiente Opción Sónica, hoy extinto.

Antes de la salida del disco, también, José Manuel y Federico son invitados por André y Saúl Hernández para grabar un disco en Los Ángeles, de lo que sería una nueva banda llamada Jaguares. Los músicos aceptan la invitación, a condición de continuar paralelamente con su trabajo con La Barranca. El resultado de esta grabación es El Equilibrio de los Jaguares, disco debut de la banda, que aparece en septiembre de 1996.

Tras hacer giras por México y Estados Unidos en apoyo de ambos trabajos, para 1997 Aguilera y Fong deciden continuar exclusivamente con La Barranca. Para entonces se ha integrado formalmente a la banda Cox Gaitan. Y es así, como cuarteto, que la banda graba su segunda producción: Tempestad.

El disco se graba en la Ciudad de México en 1997 para BMG-Ariola. Aparecen en él las piezas primigenias de la asociación Aguilera–Fong, Al Final de la Playa y Los Muertos. Pero a estas se unen muchas más, compuestas específicamente para el disco, entre las que están Tempestad, Como una Sombra, La Caída y Día Negro. Esta última recibe, por única vez, cierta difusión radial e incluso genera un video. Acaba siendo una de las piezas más conocidas del grupo.

El disco es reconocido como Mejor del Año por la revista La Mosca, quien años más tarde lo incluiría también como uno de los primeros discos mexicanos en su sección central, La Nueva Música Clásica.

Pero el reconocimiento al disco se expande por todas las publicaciones. A mediados del 98 Día Negro da pie a un maxi-single que incluye varias versiones remezcladas por el pianista Alex Synteks. La Barranca empieza a realizar viajes al extranjero.

A mediados del 99 el grupo se embarca en su tercera producción, de nueva cuenta independiente y como trío, llamada Rueda de los Tiempos. El disco incorpora toda una variada gama de instrumentos a los arreglos, desde pianos hasta loops electrónicos, lo que le imprime diversidad a cada una de las piezas. Entre estas, algunas se vuelven definitivas en las presentaciones en vivo de la banda: Llueve, Paraíso Elemental, Estallido Interno y el danzón La Fuga de Rubén.

El disco nuevamente acumula reseñas favorables y La Barranca se establece como una referencia en el rock hecho en México.

Entre la larga lista de créditos, aparece el nombre de Alejandro Otaola, guitarrista del grupo Santa Sabina, quien desde hace algunos meses había venido colaborando con la banda en sus presentaciones en vivo. José Manuel y Alejandro habían coincidido en el escenario en algunas presentaciones de ambas bandas, y de ahí había surgido el interés por trabajar juntos.

En el 2001 La Barranca hace una pausa. Federico se va a radicar al extranjero y José Manuel Aguilera edita un disco de música instrumental, Yendo al Cine Solo. Para las presentaciones en vivo del mismo se conforma una banda con algunos de los participantes en el disco, entre los que está el propio Otaola, José Maria Arreola en la batería (quien había estado alternándose en las presentaciones en vivo de La Barranca con Alfonso André, desde la salida de Rueda de los Tiempos) y su hermano Alonso, en el bajo.

Es con esta formación de cuarteto con la que La Barranca entra al estudio para continuar su trayectoria, en una segunda reinvención.

Así, graban Denzura en el 2003, al que le sigue, en 2004, un EP de distribución exclusiva a domicilio vía internet llamado Cielo Protector. Ambos trabajos, de alguna manera relacionados, continúan desarrollando las búsquedas y hallazgos de La Barranca, e incorporan las aportaciones musicales de los nuevos integrantes. De ahí se desprenderían un par de videos (entre ellos el de Animal en Extinción, que contó con la participación del actor Daniel Jiménez Cacho).

Los discos continúan generando respuestas altamente positivas en los medios especializados. La Barranca visita ciudades de México, Estados Unidos y viaja a Francia. Con los hermanos Arreola y Alex Otaola, La Barranca adquiere una nueva continuidad y sus presentaciones en vivo se convierten en plataforma para el virtuosismo instrumental de sus integrantes.

En 2005, con esta misma formación, graban El Fluir, en la ciudad de Monterrey. El disco es grabado parcialmente en vivo en el estudio, con un mínimo de elementos adicionales. Considerado entre los 10 mejores del año por la revista Rolling Stone y como el Mejor del año por La Mosca, del disco se desprenden temas como Zafiro, El Fluir, Ser un Destello y Por Donde Pasas, que rápidamente son incorporadas al repertorio en vivo de la banda. Así como Pare de Sufrir, de la que se graba un video.

La Barranca se presenta en el Festival Mexico Now, en la ciudad de Nueva York y también participa como invitada a la FIL en Guadalajara.

En el 2007, Alfonso André y Federico Fong retornan a La Barranca para una tercera reinvención de la misma. Así, nuevamente como trío y de manera independiente, el grupo se reúne en el Submarino del Aire, estudio de larga trascendencia para ellos, donde han sido grabados los discos Tempestad, Rueda de los Tiempos, Denzura y Cielo Protector.

En estrecha colaboración con Eduardo del Águila, responsable y coproductor de los tres últimos discos del grupo, Alfonso, Federico y José Manuel graban Providencia, el séptimo disco de La Barranca.

A la par de PROVIDENCIA, sacan un disco con 22 cortes melodicos llamado CONSTRUCCIÓN, un album que recoje las bases musicales de PROVIDENCIA, adicionandole un nuevo material grabado ex profeso para el disco, así como piezas inéditas.

Pagina: http://www.labarranca.com.mx/

Etta James

Jamestta Hawkins (Los Ángeles, 25 de enero de 1938), más conocida por su nombre artístico Etta James, es una cantante estadounidense de géneros soul y rhythm and blues.

Inicios

James fue prodigiosa en su tono de voz y produjo que se convirtiera en una cantante de gospel, interpretando en el coro de su iglesia de barrio en Los Ángeles. Empezó a interpretar en la radio a los cinco años, bajo la tutela e instrucción del profesor James Earle Hines. Se trasladó a San Francisco en 1950, formando de inmediato un grupo con otras dos cantantes. Cuanto tenía 14 años, presentó su primera audición con el director de orquesta Johnny Otis.

Carrera musical

Carrera con Peaches

Gracias a los deseos de su madre, Etta regresó a Los Ángeles para grabar "Roll With Me Henry" con la banda Otis y el vocalista Richard Berry para la compañía discográfica Modern Records. Otis al trio vocal como Peaches (más tarde, un apodo de Etta). "Roll With Me Henry" llegó a los primeros puestos de las listas de éxitos en 1955.

The Peaches se disolvió pronto y Etta siguió cantando para Modern Records a lo largo de toda la década de los cincuenta (frecuentemente bajo la supervisión del saxo Maxwell Davis). "Good Rockin' Daddy" fue otro éxito a finales de 1955, aunque otras canciones como "W-O-M-A-N" y "Tough Lover" no lo fueron tanto.

Carrera como solista

En 1960 pasó a la discográfica Chess Records de Chicago, cantando para la subsidiaria Argo. Inmediatamente, su carrera alcazó un nivel altísimo de popularidad; no sólo hizo un par de dúos con su novio (el cantante líder de los Moonglows, Harvey Fuqua), sino que individualmente grabó canciones como la apasionada balada "All I Could Do Was Cry", alcanzando lo más alto de las listas de éxitos de R&B. Leonard Chess entendió a Etta como una cantante clásica de baladas con un potencial añadido para la canción popular, e hizo que la acompañase una orquestación de violines para su grabación de los temas At Last y Trust in me en 1961. No obstante, Etta no abandonó su lado más áspero: en 1962 grabó "Something's Got a Hold on Me", con tonos de gospel, en 1963 un vibrante disco en directo (Etta James Rocks the House) grabado en el New Era Club de Nashville, y en 1966 un dueto blusístico, "In the Basementcon", con su amiga Sugar Pie De Santo.

En 1967 grabó uno de sus temas clásicos, "Tell Mama", una balada soul optimista que contrastaba con otros temas más dramáticos de la misma sesión como "I'd Rather Go Blind". A pesar de la muerte de Leonard Chess, Etta permaneció en la compañía hasta 1975, aproximándose hacia el final a la música rock.

Tras unos años difíciles, regresó en 1988 con un disco para Island titulado Seven Year Itch, que reafirmó su maestría en el soul sureño. Sus siguientes discos fueron variados, aproximándose tanto a la música más contemporánea (en 1990 con Sticking to My Guns) como a la emotividad más explícita (en 1992 con The Right Time), pasando por algunas aproximaciones al jazz y a la música navideña, como en 1998 con Etta James Christmas.

Pagina: http://www.etta-james.com/

Ian Hunter

El veterano Ian Hunter, uno de los iconos decisivos del rock de nuestro tiempo regresa e españa a ofrecernos una autentica velada de rock n roll, como ya lo hiciera en el 2004 en unos conciertos en los que contó con el gran mick ralphs, guitarrista de mott the hopple y bad company, como apoyo indispensable y dejó la impronta de ser uno de los pocos rockers que juegan en la liga de las estrellas, esa que alinea, entre otros a Dylan, Petty, Mellencamp, Young, Hiatt...

Nacido en 1946, cantante, compositor y pianista, se incorporó a moot the hopple en 1969, siempre estuvo muy influenciado por Bob Dylan y de su gusto de mezclar las letras inteligentes con el poder de las guitarras.

Tras probar suerte en el mercado discográfico con cuatro autenticas gemas musicales que, sin embargo, no tuvieron una gran repercusión en ventas (Mott the hopple (1969), Mad shadows (1970), Wildlife (1971) y Brian Capers (1972), fueron rescatados, antes de su separación por un David Bowie que realizó un giro en su trayectoria hacia un extremo más glam, tanto en su imagen como en su música, de esta manera grabaron su clásico all the young dudes (1972) , autentica obra maestra del género, que con la producción del “duque blanco” les catapultó a lo más alto de las listas de ventas y popularidad.

Tras este disco vendría mott (1973) cuyas ventas fueron también notables en el mercado norteamericano, sin embargo las rencillas personales con mick ralphs llevaron a este a abandonar el grupo para formas bad company junto a paul rodgers.su sustituto fue mick ronson, guitarrista de david bowie, con quién, tras grabar un exitoso live (1974) se instaló en solitario.

Artista de culto y leyenda del rock, ha grabado y tocado con todos los grandes nombres del firmamento rockero y a colaborado y promocionado a bandas que más tarde se convertirían en leyenda, como los generation x de un primigenio billy idol.

Grandes discos en solitario como los clásicos you´re never alone with a schizophrenic (1979), yui orta (1989), o más recientemente heaven and hull (1994) en homenaje al fallecido mick ronson u once bitten twice shy (2000), le han mantenido al pie del cañón, aunque de una manera más relajada, en el mundo de la música.

Su última visita a nuestras tierras data del 2004, en el cual y con su banda ian hunter & the rant band sacudió europa en una autentica demostración de cómo se hacen las cosas bien y como rodearse de grandísimos músicos, como son mick ralphs, andy york ( john mellencamp, nils logfren) ian gibson (the kinks) o steve holley (joe cocker band).

Pagina: http://www.ianhunter.com

Colin James

Colin James es un viajero. Como uno de los mejores guitarristas de Canadá, ha sido visto en casi todo el mundo, ha ganado muchos premios de la industria y un reconocimiento internacional por su versatilidad como guitarrista y por su inolvidable voz. Su variado catálogo de estilos incluye el blues/rock que le ha dado a conocer, la big band y sobre todo su primer amor musical: el blues. Su música es un viaje que le ha transportado hasta su octavo disco de larga duración, Traveler. El álbum producido por el canadiense Mark Howard (Lucinda Williams), fue grabado y mezclado básicamente en el fabuloso estudio Paramour de Los Angeles.

“Cuando vi por primera vez el Paramour, venía para una escucha de lo que estaban grabando (Lucinda y el productor Mark Howard), para el último disco de Lucinda Williams. Era ya el final de la jornada y cuando me acercaba a la entrada, me encontré con una enorme piscina de mármol, mientras caminaba hacia la sala principal donde se realizó la grabación. Las luces del centro de Los Angeles estaban justo ahí abajo y desde la colina donde se encuentra la casa hay una perspectiva de 360 grados”, recuerda Colin. “Mark y yo veníamos hablando de trabajar juntos en un proyecto de grabación que se convertiría en una experiencia muy excitante”.

Como en su anterior álbum, Fuse, Colin colaboró con su buen amigo Craig Northey para escribir una serie de canciones para Traveler. “Siempre quise escribir una balada al estilo Motown”, dice. “Cometí un error, fue lo más parecido que nunca pude haber hecho, lo cual me gratificó cuando con Craig lo terminamos”. El tema Know How To Love You es la canción escrita solo por él en el álbum. “Escribí la letra en una larga parada en el aeropuerto de Nashville después de un concierto en Ft. Lauderdale y entre St. Paul y Vancouver la terminé”.

Jeff Trott co-autor con Sheryl Crow colaboró con Colin en You And Whose Army y vino a Los Angeles a grabar con él. Fue en el Paramour donde se escribió Skydiving un día antes de grabarlo. Además de Northey y Trott, también pasó por el estudio el legendario bajista Daryl Johnson (Emilou Harris, Neville Brothers), el prestigioso batería de estudio Victor Indrizzo (Depeche Mode) y el batería Dean Butherworth
(Ben Harper).

Traveler contiene tres versiones. La que abre el disco, I’m Losing You, fue escrita por Lennon, de quien Colin James siempre quiso grabar alguna canción.

“Hay una gran base de blues que pensamos que podría funcionar como base vocal y guitarrística” dice Colin. “Cuando terminamos el tema nos dimos cuenta hasta que punto nos recordaba a veces al original”.

El icono de los 70 de Nick Drake, Black Eyed Dog, es para Colin una de las grabaciones memorables y con más solera que nunca ha hecho. “Puedes escuchar cortes grabados con micrófonos en el estudio que hacen que sea imposible cualquier grabación posterior” comenta. “Se nota la tensión que se producía al no poder cometer fallos”.

Rainy Day, Dream Hawai, de Jimi Hendrix, es un ejemplo de como Traveler representa la habilidad de crecer y avanzar con su música, aprendiendo y progresando.

Con la habilidad de Howard en las técnicas de grabación, Colin disfrutó aún mas de la espontaneidad de las sesiones. El empeño de Howard de conseguir los objetivos en el mínimo de grabaciones hizo que la mayoría del álbum se realizase a la primera toma.

En 1988 Colin apareció en la escena musical como un joven genio de la guitarra de Regina con un sonido que recordaba a los grandes maestros del blues, pero al mismo tiempo con un estilo personal. Hay que decir que el mundo de la música se percató enseguida. En los años posteriores, ha conseguido muchos discos de platino con sus álbumes de rock, discos de big band superventas y canciones en lo más alto de las listas. Ha subido en seis ocasiones para recoger premios Juno (los Grammy canadienses).

Colin ha tocado con músicos como su mentor Stevie Ray Vaughan y Keith Richards (Rolling Stones), y el talento de Mavis Staples, Lenny Kravitz y Bonnie Raitt ha aparecido en sus trabajos en inolvidables colaboraciones. Su primer disco de blues, Colin James and The Little Big Band, fue doble platino en Canadá y supuso el renacimiento de las Big Bands de blues en la segunda mitad de los 90. Su álbum acústico Nacional Steel ganó el premio Juno como el mejor disco de blues y fue nombrado mejor productor en 1999 por Colin James and The Little Big-Band II. “Para mí este disco supuso una oportunidad para escribir de una manera mas personal” dice Colin. “Es bastante diferente a la mayoría de mis grabaciones de blues y me encanta tener la oportunidad de extenderme a una mayor variedad de sonidos y estilos que la mayoría de las grabaciones contemporáneas”. Nuevo sonido, nuevas canciones, nuevo viaje. Traveler.

Además, Colin James ha demostrado su compromiso social colaborando en el proyecto del Vancouver Sun, por el diversas personalidades se recaudan fondos para el programa de alfabetización vendiendo este diario en las calles de Canadá.

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Iggy Pop

James Newell Osterberg, Jr., más conocido por su nombre artístico, Iggy Pop, nació en Muskegon, Míchigan el 21 de abril de 1947. Al igual que James Newell Osterberg, es un cantante estadounidense de punk rock. Es considerado uno de los mayores innovadores en el punk rock y estilos relacionados.

Iggy Pop fue el cantante y líder de The Stooges, una pionera banda de fines de los 60 y principio de los 70 muy influyente en desarrollo del punk. The Stooges se hizo famosa por sus actuaciones en vivo, en donde Iggy saltaba del escenario (inventando así el stage diving o salto al público), se tiraba carne cruda y manteca de cacahuete sobre el pecho y se cortaba con botellas rotas. Muchos otros han imitado las travesuras de Iggy.

Iggy Pop tuvo distinto grado de éxito en sus 25 años de carrera como solista. Sus temas conocidos incluyen Search & Destroy, Lust for Life, I'm Bored, The Passenger, I Wanna Be Your Dog y Candy.

Biografía

Inicios: The Stooges

Nacido en Muskegon (Míchigan) y crecido en Ann Arbor, empezó en el mundo de la música como batería en varias bandas de instituto, entre ellas estaba The Iguanas, donde recibió su nombre artístico Iggy. Gran fan del blues, de vez en cuando se escapaba de la universidad y se iba a Chicago (Illinois) para aprender más del blues. Inspirado por ello, al igual que The Doors, formaron The Psychedelic Stooges y se apodó a él mismo Iggy Stooge, y después Iggy Pop. Después de dos años de ensayos, la banda hizo su debut en Ann Arbor, Míchigan.

Su debut, considerado el primer disco de The Stooges, se editó en 1968. Los dos primeros álbumes, The Stooges y Fun House, no tuvieron repercusión en las listas de ventas, aunque estos discos fueron una gran influencia en el naciente movimiento punk. Después de que los nuevos miembros se unieran a la banda, se separaron por la adicción de Iggy a la heroína.

David Bowie les produjo un álbum en Inglaterra, el famoso Raw Power («Poder crudo», literalmente), considerado uno de los primeros álbumes punk rock de la historia, un disco cargado de provocación y contenidos sexuales.

En él se encuentra su clásico Search and Destroy, posiblemente una de sus canciones más populares. El disco no estuvo exento de problemas y polémica desde su gestación: la portada fue escogida por Tony DeFries (manager de Bowie), y la mezcla se hizo en Los Angeles, lejos del alcance de Iggy, quien proyectaba para el álbum un sonido más crudo del que finalmente resultó.

Ello provocó una polémica que durante años marcó la historia del álbum, llegando a circular, en forma de Bootleg o Disco pirata, una versión titulada Rough power, con las mezclas de Iggy; éste vio editada en 1997, a través de Sony, una versión remezclada personalmente por él, y que representaba su visión sobre cómo debería haber sonado el disco en su día, dándole una mayor presencia a las guitarras y a la batería, en busca de un sonido más agresivo; la nueva remezcla despertó tanto adhesiones incondicionales como rechazos entre sus seguidores.

Con James Williamson como guitarrista, tuvieron problemas para buscar sección rítmica. Y tuvieron grandes problemas para encontrar los miembros, así que decidieron reunir a los Stooges. No era técnicamente una auténtica reunión, pues Dave Alexander no iba a tocar en el álbum, por sus problemas con el alcohol. Debido a ello murió en 1975. También, Ron Asheton cambió la guitarra por el bajo para dejar a Williamson su lugar. Después de la salida del álbum se añadió un miembro a la banda y Bowie siguió con su apoyo, pero los problemas tóxicos de Iggy persistieron. El último concierto de los The Stooges acabó en una pelea entre la banda y un grupo de moteros documentado en el Bootleg Metallic KO. La drogadicción de Iggy puso un paréntesis en su carrera por varios años.

Como solista; de Kill City a Blah Blah Blah

En 1977, Iggy grabaría el álbum Kill city, con otro ex-Stooge, James Williamson; el disco incluiría temas inéditos que formaron parte del repertorio de los Stooges, como I got nothin, y orientaría el clásico sonido de los Stooges hacia un campo que recordaría al estilo de los Rolling stones; las letras del disco hablan de decadencia, vicio y desesperación: «Til you wind up in some bathroom, overdosed and on your knees» («Hasta que acabas en algún váter, con sobredosis y de rodillas»), diría en el tema Kill city, que da título al álbum. Este disco, a pesar de ser un trabajo de Iggy y Williamson, es a menudo considerado como un disco más de The Stooges, por contener parte del material que formaba parte de su repertorio, y gran parte de la esencia de la banda.

David Bowie e Iggy se instalaron en Berlín para desengancharse de la gran cantidad de cocaína que tomaban al día; en esos tiempos Bowie solo se mantenía de leche y cocaína. Pop firmó con RCA y Bowie ayudó a componer y producir los álbumes The Idiot y Lust for Life, que fueron considerados como dos de sus mejores trabajos por muchos de sus fans. Entre 1979 y 1982 editaría una serie de álbumes con escasa repercusión, como Party o Zombie birdhouse y un cierto sesgo pop ligeramente naif y psicodélico.

Volvió en 1983 después de tres años de pausa, en los que se desintoxicó de la heroína y se casó, con un nuevo disco en el mercado influenciado por el New Wave Blah Blah Blah.

El retorno al rock: de Instinct a American Caesar

Su siguiente disco, Instinct, supuso su celebrado regreso al rock, acompañado a la guitarra de Andy McCoy, ex guitarrista de Hanoi Rocks, con el cual emprendería una exitosa gira; en el disco se podía apreciar una cierta influencia del Hard rock que se escuchaba en aquellos años.

Pero sería con Brick by Brick, considerado por muchos de sus fans como uno de sus mejores y más completas obras, con el que Iggy tomaría el primer plano de la actualidad rockera. El disco contó con la colaboración de los miembros de Guns N' Roses Slash y Duff McKagan, que aparecerían en el videoclip de Home, una canción que se convertiría en uno de los grandes éxitos de Iggy junto con el Hit Candy, un medio tiempo melódico cargado de dramatismo, que se convertiría en uno de sus mayores éxitos; en el, Iggy cantaría a dúo con la vocalista de B-52's, Kate Pierson. Main street eyes, I Won't crap out o The undefeated son otros temas recordados de este álbum, que supondría un acercamiento al Rock americano más clásico, y una profundización a nivel lírico y compositivo de un Iggy más maduro y reflexivo, emulando a los cronistas sociales del Rock Americano como John Hiatt, músico del del cual se incluiría una composición, el tema Something Wild.

American Caesar (1993), seguiría la línea marcada por Brick by brick, combinando potentes temas de Rock and roll, como Wild America, uno de los éxitos del disco, que contaría con la colaboración de Henry Rollins, Beside you, un medio tiempo que contaría con un video musical muy publicitado en la MTV, y una versión que Iggy llevaba años interpretando en directo, pero que jamás había grabado; el hit de los '50 Louie Louie.

De Naughty Little Doggie a The Weirdness; la reunión de The Stooges

Naughty little doggie, su disco de 1996, retomaría una línea rockera más básica, apartándose de la madurez y eclecticismo de sus dos anteriores discos. Durante los años de Instinct, Brick by brick y American Caesar, Iggy viviría una de las épocas de mayor éxito comercial de su carrera, en parte gracias al auge del rock que se vivió a finales de los 80, con bandas como Guns N' Roses, y posteriormente con la llegada del Grunge

En 1997 remezcló Raw Power para darle un sonido más duro, llevado en parte por las quejas de los fans por la poca consistencia de la remezclas de Bowie. Coprodujo en 1999 Avenue B con Don Was, y Beat 'Em Up en 2001, un trabajo que se acercaba ligeramente al Nu-Metal, anque con un enfoque más crudo, en algunos de sus arreglos, apártandose de los clásicos patrones en los que se venía moviendo su sonido. En su trabajo de 2003, Skull Ring colabora con Sum 41 y Green Day, y con los hermanos Asheton, en lo que en la práctica supuso la reunión de los Stooges, que interpretaron varias canciones del disco, como Little electric chair; ello llevó a la organización de una gira como The Stooges, y a consolidar la reunificación de la mítica banda.

Tras varios años de gira, en los que el grupo interpretó fundamentalmente material de sus dos primeros discos The Stooges y Funhouse, además de los temas grabados para Skull Ring, obviando de esta manera Raw Power, por considerarlo más un disco de Iggy que un trabajo de la «auténtica» formación de The Stooges, el grupo edita en 2007 The Weirdness, el primer trabajo que firman The Stooges desde 1973, año de la edición de Raw Power.

Curiosidad: homenaje a Madonna

De manera sorprendente, Iggy participó en un homenaje a Madonna el 11 de marzo de 2008, con motivo de la inclusión de ésta en el Museo del Rock. Si Justin Timberlake se arrodilló ante Madonna, Iggy interpretó a su manera dos éxitos de ella (Burning Up y Ray of Light), y terminó gritándole un juego de palabras sobre Like a Virgin.

Cine

Iggy ha actuado en contadas películas tanto como actor como autor de bandas sonoras. Hasta la fecha, ha hecho 15 películas, entre ellas Cry Baby, Sid and Nancy, El color del dinero, The Crow 2, Hardware, Rugrats, la Película, Snow Day, Coffee and Cigarettes, y Dead Man. Así mismo, protagonizó una película española, dirigida por Oscar Aibar, llamada Atolladero. Ha salido en cinco series de TV, Corrupción en Miami, Historias de la Cripta, Las Aventuras de Pete y Pete, y Star Trek: Deep Space Nine.

Aunque Iggy no tenga que ver con la película, un ambiguo Ewan McGregor, drogado en Velvet Goldmine, está considerado ser modelado a su imagen. Del mismo actor, en Trainspotting es el ídolo del protagonista y aparece en la BSO. Su música también sale en Cocodrilo Dundee, así como puso voz a la música de Goran Bregovic en la BSO de Arizona Dream.

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Melissa Etheridge

Etheridge grabó nueve álbums desde que firmó su contrato en 1987. Tres de ellos ganaron el disco Multi-Platino: Melissa Etheridge (1988), Yes I Am (1993) y Your Little Secret (1995).

Etheridge ganó el premio a la Mejor Cantante de Rock Femenino en los Grammy dos veces por las canciones "No es pesado" en 1992 y "Ven a mi Ventana" en 1994.

Etheridge es fan de Bruce Springsteen, y ha interpretado algunas de sus canciones como "Thunder Road" y "Born to run" durante conciertos en vivo.

En Octubre del 2004, Melissa Etheridge fue diagnosticada de cáncer de mama. En los Grammy del 2005, volvió al escenario, aunque sin pelo debido a la quimioterapia, y cantó "Pedazo de mi Corazón" de Janis Joplin. Etheridge fue aclamada por la canción y considerada como una de las mejores actuaciones de la noche.

Etheridge admitió que usaba marihuana como medicina cuando hacía quimioterapia. Ella dijo que la marihuana le mejoraba el humor y el apetito.

El 10 de septiembre del 2005, Etheridge participo en "ReAct Now": Musica & Relax, un Programa por la gente afecta por el Huracán Katrina. ReAct Now: Musica & Relax, es parte del esfuerzo que hizo MTV, VH1, CMT, para juntar fondos para la Cruz Roja, el Ejército de Salvación y la Hambruna de América. Etheridge hizo una canción para la ocasión que se titula "Cuatro Días". Esta canción acapella incluía imágenes del desastre del huracán Katrina.

El 15 de noviembre del 2005, Etheridge apareció en el "Tonight Show" para cantar "Yo corro por vida" que se refiere a su lucha por el cáncer de Mama y su determinación por recuperarse por completo, y diciéndole a las personas que lograron recuperarse y a sus familias que sigan luchando. Después de cantar Jay Leno le dijo "Gracias por ser una luchadora" .

En el 23 de febrero del 2007, Etheridge recibió un Premio de la academia a la canción original por "I Need To Wake Up", la misma canción que uso Al Gore para su documental "Una verdad inconveniente".

El 25 de febrero del 2007, ganó un Óscar por la misma canción contra pronóstico, imponiéndose a las tres nominaciones de la película Dreamgirls.

Etheridge es famosa por defender los derechos homosexuales y por declararse lesbiana durante la inauguración de la presidencia de Bill Clinton en 1993.

Etheridge tuvo una relación de hace años con Julie Cypher, con quien tuvo dos hijos, Bailey Jean, nacida en febrero de 1997 y Beckett, nacida en noviembre de 1998, via esperma donado por David Crosby. Cypher hizo público su noviazgo, pero en el 2000, Cypher empezó a reconsiderar su sexualidad. El 19 de Septiembre del 2000, Etheridge y Cypher anunciaron que se separaban.

En el 2001, Etheridge documento su separación de Cypher y otras experiencias en su libro autobiográfico: "La verdad es...Mi vida en la música y el amor". En el libro dice que fue abusada sexualmente a los cinco años por su hermana Jennifer y que Julie Cynpher mantenía una relación con K.D. Lang.

Después de cortar con Cypher, Etherdige contrajo matrimonio en el 2003 con la actriz Tammy Lynn Michaels. En Abril del 2006, la pareja anunció que Michaels estaba embarazada de mellizos vía un donador de esperma anónimo. Michaels dio a luz a un niño, Miller Steven, y una niña, Johnnie Rose, el 17 de Octubre del 2006.

En Octubre del 2005, en honor al Mes del Cáncer de Mamas, Etheridge apareció en la línea de NBC con Michaels para contar sobre su lucha contra el Cáncer de Mamas. Para cuando se hizo la entrevista, el pelo le había crecido de vuelta, dijo que su pareja la había apoyado durante su enfermedad.

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