Caifanes

Caifanes fue una banda de rock mexicana liderada por Saúl Hernández. Fue un elemento importante en el renacimiento de la escena rockera de su país a finales de los ochenta, en que los grupos comenzaron a promoverse en los medios y ganaron mercado frente al pop. Para muchos se trata del grupo mexicano más representativo de los noventa.

Óscar López, productor argentino, preparará para finales de 2009 un espectaculo llamado "Rock en tu idioma", en el cual se contará con grandes bandas representativas de Argentina, México y España, entre ellas el reencuentro de la formación orginal de Caifanes, es decir : Saúl, Diego, Sabo y Alfonso.

Historia

Caifanes, un grupo que surgió de entre lo que fue el desastre del terremoto de 1985 en la Ciudad de México tras el deceso de Rodrigo González, junto a grupos como Neón, Maldita Vecindad, entre otros.

En 1984, el entonces estudiante de cine Carlos Márcovich, necesitaba recaudar fondos para realizar su tésis y obtener la titulación. Para ello el futuro cineasta (quién más tarde se encargaría de dirigir los últimos videos de la agrupación); requirió de la ayuda de su hermano Alejandro, para que se organizara una fiesta en casa de los Marcovich, y así poder recaudar dinero.

Marcovich se dio a la tarea de encontrar músicos y en una presentación que tuvo Frac, (banda en la que Hernández militaba junto con Leoncio Lara, quien más tarde seria conocido por su trabajo con Bon y los Enemigos del Silencio), encontró al citado Saúl Hernández.

Al plantearle dicha situación por la que estaba buscando músicos, Hernández, accedió y, junto con Alfonso André (quien fuera recomendado por Carlos), dieron vida a las Insólitas Imágenes de Aurora, con Saúl Hernández en el bajo y voz, Alejandro Marcovich en la guitarra y voz, y Alfonso André en la batería y coros.

La banda, atravesó por muchos inconvenientes, primero, era una época en donde no había espacios suficientes para hacer Rock, y si los había, habría que hacerlos de forma clandestina; el dinero se volvía insuficiente para adquirir equipo e instrumentos e incluso, los tres miembros de las Insólitas, se "aventuraron" a tocar en playback para artistas como Miguel Bosé, Fresas con Crema, y quizás del que más se recuerda es de Laureano Brizuela, con quien los tres trabajaron un tiempo.

De esta aventura musical y "esquizopsicodélica" (como así lo llamáse Saúl); surgieron dos demos, uno en vivo grabado gracias a la colaboración de Marcelo Arámburu, y Jaime "El Oso" Pavón, en donde se pueden encontrar los temas «La vieja», «Hasta morir», «El safari», «Bienvenidos», «Pero nunca me oye», entre otras. Además de un demo grabado en los estudios Acento, con varios de estos temas, y dos videos que realizaron para el "Canal Once" de los temas «Rosa» y «El safari». En 1986 se unieron los músicos Armando Martín en las percusiones, Alejandro Giacomán en los teclados, Federico Fong en el bajo y Alberto Delgado en el saxofón; para ésta última etapa de las "Insólitas", Saúl deja el bajo por la guitarra. Además, aquí se tiene el primer registro de los roces entre Hernández y Marcovich, lo que provocó la desintegración de dicha banda, sin saber que se repetiría la misma historia con Caifanes.

Tras esto, cada uno de los integrantes se integró a distintos proyectos, Saúl Hernández junto con Diego Herrera estaban planeando un proyecto musical al que denominaron "Caifanes", Alejandro Marcovich se unió al grupo de músicos que acompañaron a Laureano Brizuela, mientras Alfonso André se unió de forma temporal a Bon y los Enemigos del Slencio.

Caifanes, originalmente fue conformado en enero de 1987 por: Saúl Hernández (voz y guitarra), Sabo Romo (bajo), Diego Herrera (teclados y saxofón), Juan Carlos Novelo (batería) y Santiago Ojeda (guitarra). Su primera presentación fue el 11 de abril de 1987 en [[[1]]]. La expectación creada en el underground rockero mexicano fue tanta que mucha gente se quedó fuera del recinto.

Después de su presentación aquel 11 de abril, Juan Carlos Novelo decide abandonar la agrupación, y en su lugar entro como soporte para la segunda presentación en Rockotitlan, Jorge "El Gato" Arce, (baterista de Ritmo Peligroso), pero por incompatibilidad con los tiempos de ambas agrupaciones, Arce vuelve a abandonar a los recién formados Caifanes.

Alfonso André (batería y percusiones) se uniría a la banda a partir de su tercera presentación en vivo, Santiago Ojeda se integra a Botellita de Jerez reduciendo al grupo en un cuarteto integrado por Sabo Romo, Saúl Hernández, Alfonso André y Diego Herrera.

Si bien, Caifanes era un grupo nuevo, Sabo Romo con sus proyectos anteriores (Cherry, Manhattan, Ruido Blanco, El Método del Ritmo, Taxi, Briseño y el Séptimo Aire); y la anterior banda de Saúl, Alfonso y Alejandro Marcovich, Las Insólitas Imágenes de Aurora, tenían ya, una amplia base de fanáticos.

La explosión de grupos originarios de España y Argentina, y la etiqueta de "Rock en tu idioma", hicieron que las casas disqueras comenzaran a dar apoyo a las agrupaciones que llevaban tiempo pululando en los bares y "hoyos funky" de México.

Rock en tu idioma, fue lo que marcó el renacimiento de un movimiento que se encontraba sepultado gracias a las disposiciones de un gobierno autoritario que reprimía a la juventud y a las generaciones posteriores a la Matanza de Tlatelolco; los artistas que sobrevivieron a Avándaro, poco a poco perdían frescura, y la escena rockera mexicana poco a poco se dirigía al estancamiento.

En 1987, Caifanes comenzó a crearse una base de admiradores, un plus que comenzaron a forjar y que fue adicional al culto que habían provocado Las Insolitas Imágenes de Aurora.

El trayecto no fue fácil, la banda había juntado un presupuesto, y tenían en mente grabar un disco bajo el cobijo de algún productor español; pero lamentablemente, el dinero comenzó a escasear y solo alcanzó para grabar un demo de cuatro canciones.

Las canciones elegidas habían sido: «Mátenme porque me muero», «Nada», «Sera por eso», y «Amanece».

El primero de estos temas fue enviado a la extinta estación, Espacio 59, en donde se programaban los demos de las agrupaciones que querían darse a conocer; y en donde comenzaron a ganarse el gusto del público "radioescucha".

La primera parada en una casa disquera fue en la desparecida CBS México, y en donde el director general de aquella casa disquera; al ver su aspecto "Gothic", similar al de The Cure, no tuvo otra descripción de ellos y sus palabras solo alcanzaron para decirles:

"Parecen putos".

El gerente de la sucursal mexicana de CBS escuchó con atención aquella cinta que la agrupación llevó, el trabajo fue de su agrado, pero por su aspecto les negó algún contrato en firme, argumentando lo siguiente:

"En CBS, nuestro negocio es vender discos, no ataúdes".

Cosa que hasta hoy, Saúl cuenta como anécdota y no lo olvida.

Por un momento, el grupo, frustrados de tanta búsqueda, recibieron el soporte temporal de CBS, pero después recibirían su "carta de retiro". La verdadera oportunidad llegó cuando Ariola convocó a las dos bandas que estaban provocando "eco" en la escena "Under" de la época en la Ciudad de México, a abrir el concierto de Miguel Mateos en el desaparecido Hotel de México (hoy el World Trade Center México) el 31 de Octubre de 1987, Caifanes y Neón eran esas bandas.

Lugar en donde por cierto, se encontraba Oscar López, productor de Miguel Mateos, quién a su vez, estaba midiendo el poder de convocatoria de ambas agrupaciones, y en donde Caifanes salió triunfante sobre Neón, y Miguel Mateos, no vaciló en darles su apoyo incondicional. El resultado, la grabación de un primer LP bajo la dirección y realización del productor Oscar López, también productor del argentino.

Caifanes accedió a firmar con RCA Ariola, a cambio de que también Maldita Vecindad firmara y así ocurrió. Para noviembre de 1988 Maldita Vecindad se encontraba grabando en los Estudios PolyGram lo que sería su primer material.

Su primer disco, Caifanes salió a la venta en Agosto de 1988 y el sencillo «Mátenme porque me muero» fue su primer éxito, seguido por, «Viento», «Amanece» y «Cuéntame tu vida». El también llamado Volumen 1, fue precedido por un EP con tres canciones producido con la intención de probar la aceptación del grupo entre la posible audiencia; el resultado fue la venta de más de trescientas mil copias y, por lo tanto, la edición del primer LP.

De este album salieron canciones como, "La negra Tomasa", "Matenme porque me muero", "Perdi mi ojo de venado", y "Viento". En estos tiempos,Caifanes era una banda de cuatro miembros: Saul Hernandez: voz, y guitarra, Sabo Romo : bajo, Alfonso Andre : bateria y percusiones y Diego Herrera : teclados y sax.

El disco en sí, mostraba claras influencias del grupo británico The Cure y del resto del movimiento dark. Gustavo Cerati, guitarra de Soda Stereo, participó como músico invitado en la grabación del álbum tocando la guitarra en «La bestia humana».

En Diciembre de 1988, graban een la Ciudad de México el Maxi-single, La Negra Tomasa. Dicho trabajo incluía tres versiones del cover cubano «La negra Tomasa» adicionando el tema «Perdí mi ojo de venado».

En el verano de 1989 tras llenar dos días consecutivos el Auditorio Nacional( De hecho fue la primer banda en lograr esto), teniendo como teloneros a Maldita Vecindad y a Fobia; el grupo prepara canciones para lo que sería su segundo material; temas como «Detrás de ti» y «Antes de que nos olviden» ya eran habituales de la agrupación por estas fechas (ésta última fue con dedicatoria a los caídos de Tlatelolco el 2 de octubre de 1968).

En una presentación del grupo en un "Bar", se encontraba el ex-compañero de grupo de Saúl y Alfonso en "Las Insólitas Imágenes de Aurora", Alejandro Marcovich. Hernández tuvo un encuentro con el guitarrista, en donde comentaron asuntos sobre los proyectos de cada uno, (Marcóvich se encontraba de gira con el cantante argentino Laureano Brizuela); y en donde. Hernández le comentaba el gran peso que le causaba el ser guitarrista y vocal de una agrupación.

Por su parte, Marcóvich recomendó: "-¿Por que no buscas a un guitarrista que te apoye?"-

A lo que Hernández respondió: "¿Y por que no tu?".

En septiembre de 1989, el guitarrista Alejandro Marcovich se integra al grupo; su presencia resultó notoria desde un principio y su estilo fue fundamental en lo que comenzaría a ser el sonido de Caifanes.

Con una formación sólida, como quinteto, se dirigen a Nueva York a grabar su segunda placa, de nuevo bajo la dirección de Oscar López en colaboración con Gustavo Santaolalla, Daniel Freiberg, y Caifanes.

El resultado de este trabajo fue el Volumen II, mejor conocido como El diablito (esto se debe a la inclusión de la imagen de un diablo, que recuerda una tarjeta de lotería, acompañado por una leyenda que dice justamente El diablito).

Para su segundo trabajo, Caifanes integro a un nuevo miembro a la banda. Alejandro Marcovich, que se unio al grupo como guitarrista para la salida del segundo album de Caifanes. "Caifanes vol.2", o "El Diablito". Fue este album, donde se escuchaba ya la influencia de Marcovich en el grupo. De este se desprendieron canciones como, "La celula que explota", "Los dioses ocultos", "Detras de ti", y "Antes de que nos olviden".

Dentro de esta producción destacan «Detrás de ti», «Antes de que nos olviden», y «Los dioses ocultos»; también aparece una de las canciones más populares del grupo, «La célula que explota».

Esta canción, mezcla de balada rockera con música de mariachi, apunta muy claramente la dirección que Caifanes habría de tomar a partir de ese punto: una mezcla de rock con elementos de la amplia gama de estilos que comprende la música popular mexicana.

1990 fue un año de arduo trabajo, realizan una serie de conciertos con las agrupaciones más fuertes de esa época, Caifanes, Fobia, Neón, Maldita Vecindad y Los Amantes de Lola; en una gira que bien denominaron Rock de los 90's, en Diciembre de ese mismo año. Después se presenta la oportunidad de hacer una presentación "Mano a Mano" con los argentinos Soda Stereo, en el Palacio de los Deportes.

Después la grabación de un próximo material discográfico, en donde se barajaron nombres de productores como Phil Manzanera, Don Was, Gustavo Santaolalla, Adrian Belew, y Brian Eno. Finalmente se dirigen a Wisconsin a grabar con Adrian Belew.

En 1992 se edita El Silencio, de este álbum se incluye gran parte del repertorio clásico de Caifanes, como: «No dejes que...», «Miércoles de ceniza», «Nubes», «Nos vamos juntos» y «Piedra», en este último, Saúl cuenta su adicción a las drogas. Antes de que saliera El Silencio, The Cure estaba en México y se propuso a Caifanes abrirle pero se rehusaron puesto que primero querían presentar El Silencio antes de hacer otra cosa. Cuando este disco salió a la venta el grupo ya era un éxito en México, Centroamérica, algunos países de Sudamérica y entre la comunidad hispana de Estados Unidos. En agosto de 1992 llenaron por completo el Hollywood Palladium de Los Ángeles.

En 1993 hicieron lo mismo en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México, hazaña que ningún otro grupo de rock mexicano había logrado hasta el momento, con Santa Sabina, como teloneros.

En este mismo año, la agrupación parecía cada vez más sólida, pero Sabo Romo y Diego Herrera se encargan de desmentirlo. Con dicho concierto en el Palacio de los Deportes, Sabo Romo, se despidió de la agrupación argumentando problemas personales y económicos, después argumentaba que ya no había esa "Magia", y esa armonia dentro del grupo; además que la vida privada del músico se había puesto en descuido. Diego Herrera lo seguiría poco tiempo después, al concluir esa gira.

El final de una historia

Al llegar 1994, Caifanes queda reducido a un trío conformado por Saúl, Alfonso y Alejandro acompañados en el bajo por Federico Fong y en los teclados por Yann Zaragoza. Juntos dan forma al último álbum de los Caifanes, El nervio del volcán. Se eligen como sencillos las canciones «Afuera», «Miedo», «Aquí no es así» y «Ayer me dijo un ave». Su presencia en los medios de comunicación crece y es seguida muy de cerca por los noticiarios de MTV Latino para quien realizaron un unplugged, y donde se documentaron tanto el creciente éxito internacional del grupo (por ejemplo, en esos días abrieron el concierto de los Rolling Stones en la ciudad de México y participaron en el festival WOMAD, organizado por Peter Gabriel, rechazaron después, la invitación de asistir al festival de Woodstock).

Las crecientes diferencias entre Saúl Hernández y Alejandro Marcovich, llevarían a la disolución del grupo, (en una entrevista a MTV Latinoamérica, en Bogotá, Saúl le pregunta a Alejandro: ¿Qué tenemos en común? y éste responde: ¿El número de cromosomas?).

Caifanes ofreció su último concierto el 18 de agosto de 1995 en la ciudad de San Luis Potosí, pese a toda la cantidad de desmentimientos hacia la prensa el grupo inevitablemente llego a su fin. Durante este último recital, Carlos Marcovich, cineasta y hermano del guitarrista , trataba inútilmente de juntar a Saúl Hernandez y a Alejandro Marcovich al terminar dicho concierto; fue una lucha de "egos" en la que se llegó a rumorar que Marcovich y Hernández incluso llegaron a los golpes.

Al final de dicho recital se pudo escuchar la canción "Sabor a Mi", de la mano de Alejandro Marcovich; fueron las ultimas notas de la tan característica guitarra Ibanez de Marcovich, su hermano, Carlos, ante la expectación de la multitud, anunció el fin de Caifanes.

Tras la desintegración del grupo, Saúl Hernández se dedica a recuperarse de un mal en las cuerdas vocales, e invita a Alfonso André, a un nuevo proyecto que posteriormente sería lo que hoy es Jaguares. Alfonso, en ese momento se encontraba tocando en La Barranca con Federico Fong (bajo) y José Manuel Aguilera (guitarra) y propone a Saúl incorporarlos a la nueva banda.

Estilo

Aunque en un principio la música de Caifanes parecía ser simplemente una versión en español de la música de The Cure, la inclusión de «La negra Tomasa» en el repertorio del grupo no era casual: Hernández y Romo tienen raíces en colonias populares de la ciudad de México por ello utilizó el ritmo de cumbia como base. Sin embargo, Caifanes no volvió a apropiarse tan marcadamente de un estilo musical distinto del rock; por el contrario, incorporó elementos de la música popular mexicana en el esquema general de éste.

Si bien en El diablito la mayor parte de las canciones puede ser calificada simplemente como rock, las letras comienzan a tomar elementos populares (como la integración total del dicho «De noche todos los gatos son pardos» en la canción homónima) y con «La célula que explota» se marca en gran medida el estilo clásico de Caifanes: letras demandantes y poéticas y música a caballo entre el rock y la música mexicana. La presencia de Alejandro Marcovich, a partir de este disco se vuelve fundamental en el sonido del grupo, a tal grado que para muchos fanáticos la diferencia principal entre Caifanes y Jaguares consiste en el estilo del guitarrista.

«La célula que explota» construida como una balada rock con arreglos de mariachi y marimba, es la primera de una serie de amalgamas. En El silencio las fusiones tocan de nuevo la música con una fuerte cadencia rítmica que en México se tilda de guapachosa («Nubes», «Hasta morir», «Para que no digas que no pienso en ti»), pero también la banda («Piedra»), e incluso aparece una versión de un son veracruzano, «Mariquita», donde se combinan las tradicionales jaranas con las guitarras eléctricas de Marcovich. Por último, en El nervio del volcán experimentaron con rítmicas indígenas («Afuera»), dieron un toque de bolero a las percusiones de «Ayer me dijo un ave» y construyeron «La llorona» sobre el vals tradicional del mismo nombre.

Impacto e influencia en la cultura musical Mexicana

No se puede hablar de un rock mexicano sin hacer mención de Caifanes, Caifanes podría parecer un grupo de las tantas propuestas surgidas en los años ochentas, sin embargo marca una gigantesca influencia para la sociedad mexicana y para los artistas que surgieron tras su aparición.

La agrupación se caracterizaba por tener unos excelentes músicos, y por los paisajes crípticos de sus letras, y claro, la guitarra de Marcovich, caracteristicas que hacian a Caifanes una banda que movía a las masas de todos los estratos sociales de México. A los Caifanes se les da el crédito de hacer masivo el rock Mexicano. Una banda que colaboró a "desatanitzar" al rock que se encontraba sepultado y marginado por la sociedad conservadora de los entonces años ochenta, y por el Gobierno Mexicano desde aquél memorable Festival de Rock y Ruedas de Avándaro.

Su aparición fue una ruptura total de esquemas y de muchos tabúes para la época, el look Dark era una cosa impactante y fuera de lo común para una agrupación mexicana; la población no podía entender una imagen tan fuerte como lo era la imagen de los jóvenes altos, de tez blanca maquillados, vestidos de negro y con los pelos erizados, imagen popularizada en aquel entonces por Robert Smith de la banda británica The Cure (grupo que influyó bastante a Saúl Hernandez). La profundidad de sus letras, algunas veces indescifrables y las atmósferas que evocan al movimiento Dark, y la fuerza de los cortes del "Volumen 1".

El rock mexicano era un hecho, la presencia de Caifanes y el cobijo de los medios, hicieron que las compañias disqueras se fijaran en los grupos existentes en la epoca, y también a la revitalización de algunas figuras que ya tenían un largo trayecto en el medio (el Tri es un claro ejemplo).

Es considerado uno de los trabajos mas vendidos en el país, y de su casa disquera BMG. A la fecha se tiene un registro de 7 millones de copias vendidas del Volumen 1.

Con Caifanes, surge la primera camada de grupos rockeros con enfoque a las masas, algunos quedaron en la mitad del camino, Neón, Bon y los Enemigos del Silencio, Alquimia y Maldita Vecindad, son los primeros fichajes, y grupos como Maná y El Tri que ya tenian discos editados se convierten tambien en parte de ese movimiento y aprovechan la oportunidad en los medios, los discos de Los Amantes de Lola, (ganadores del certamen nacional de Rock en tu Idioma de 1987)", son editados, Fobia' le da un enorme credito a Saul y la influencia de Caifanes en su música (Saúl colaboró en la produccion de los demos "Puedo rascarme solo", "La iguana", y "Moscas", para una presentación en televisión, además que, tras haber sido expulsados del certamen nacional de Rock en Tu idioma, les ofrece su apoyo incondicional y moral para su carrera, asi lograron entrar en BMG Ariola).

Muchas bandas deben su existencia y su presencia a los medios gracias al apoyo de Caifanes, Santa Sabina, La Castañeda, Los Amantes de Lola, Maldita Vecindad, Cuca, La Lupita, Sekta Core, Victimas del Doctor Cerebro, Fobia, y unos renovados Botellita de Jerez", entre otras mas; han hecho mención del apoyo del grupo, y sus buenos comentarios en las casas disqueras, y por consecuente, el fichaje de éstas.

Trás su desaparición, se ha desarrollado la teoría de una decadencia en el Rock hecho en México, muchos grupos que surgieron o fueron contemporáneos de Caifanes desaparecieron, o sus respectivas casas diqueras les dieron la "Carta de retiro", muchos grupos surgieron también, y otros continaron en el camino pero ya en una linea Pop y demasiado digerible a las emisoras de radio. Aparte, la sociedad mexicana ha mitificado la imagen de Saúl Hernandez, la comunión de sus grupos con la gente y sus letras hacen que la sociedad misma se sienta identificada con la propuesta tanto de Caifanes como de su proyecto posterior a la ruptura del grupo, Jaguares; y que también, de alguna forma, las liricas tomen un tinte místico, y su adopción de estas en la población. En la historia musical mexicana nunca se habia visto una respuesta tan enorme del publico hacia un grupo, un cariño que no se ha repetido ni con Jaguares; y nunca se habia visto que un grupo mexicano moviera a tanta gente, sin tener intenciones demagógicas ni politicas.

Caifanes, de alguna forma fue clave y punto de partida de la revitalizacion del rock latino, su influencia es reconocida por muchos intelectuales como lo son Carlos Monsiváis, Elena Poniatowksa, y de artistas de la talla de Adrian Belew, Keith Richards, Peter Gabriel, Gustavo Cerati (con quien hay una relación artística y mutua tras la participación de este musico en el tema "La bestia humana) y Enrique Bunbury.

Sin lugar a dudas, Caifanes ha marcado una pauta en la cultura y en la sociedad mexicana de las últimas 5 decadas.

Integrantes

- Saúl Hernández (1987-1995, voz y guitarra)
- Alfonso André (1987-1995, batería y percusiones)
- Diego Herrera (1987-1993, teclados, saxofón y jarana)
- Salvador "Sabo" Romo (1987-1993, bajo y guitarra acústica)
- Alejandro Marcovich (1989-1995, guitarra y requinto jarocho)

Pagina: http://www.caifanes.com.mx/

Bob Sinclar

Bob Sinclar (Douarnenez, Finistère; 1967) también conocido por como The Mighty Bop, Africanism , Chris the French kiss o Reminiscence Quartet, es un músico francés del llamado French touch, subgénero musical nacido de la música house y el dancehall. De nombre real Christophe Le Friant aparte de DJ, mezclador y productor discográfico es co-propietario (junto a DJ Yellow) de la casa discográfica "Yellow Productions".

Ha logrado alcanzar la popularidad a nivel mundial, con sus temas Love Generation y World, Hold On de su álbum Western Dream del año 2006. Los temas son cantados por Gary Nesta Pine en "Love Generation" y Steve Edwards en "World Hold On".

Biografía

Sinclar comenzó su carrera como DJ cuando tenía 18 años de edad, con el nombre de Chris The French Kiss. Su primer éxito fue "Gym Tonic", que fue coproducido por Thomas Bangalter de Daft Punk, y cuyo coro fue sacado de un video de ejercicios de Jane Fonda. Pero no fue hasta 2005 que alcanzó mayor éxito con su hit "Love Generation", que llegó a los primeros lugares de las listas de popularidad de todo el mundo, además de que fue una de las canciones oficiales de la Copa Mundial de Futbol 2006. Sus siguientes sencillos, World, Hold On y Rock this Party (Everybody Dance Now) también llegaron al top 10 de muchos países.

Además, creó el proyecto Africanism, donde un conjunto de artistas producen música house con una combinación de sonidos latinos, tribales y de jazz.

Discografía

Singles

- "Les Jazz Electroniques EP" (1994), como The Mighty Bop
- "Messe Pour Les Temps" (1995), como The Mighty Bop
- "A Space Funk Project" (1996)
- "A Space Funk Project" II" (1996)
- "Ult Violett Sounds EP" (1996), como The Mighty Bop
- "Eu Só Quero um Xodó" (1997), con Salomé de Bahía
- "Gym Tonic" (1998), con Thomas Bangalter
- "My Only Love" (1998), con Lee Genesis
- "Super Funky Brake's Vol. I" (1998)
- "The Ghetto" (1998)
- "Ultimate Funk" (1998)
- "Feelin' Good" (1998), como The Mighty Bop
- "Bisou Sucré" (2000), como Africanism
- "I Feel For You" (2000), con Cerrone's Angels
- "Darlin" (2000), con James "D-Train" Williams
- "Greetings From Champs Elysées EP" (2000)
- "Do It" (2000), como Africanism, con Eddie Amador
- "Freedom" (2001), con Gene Van Buren
- "Ich Rocke" (2001)
- "Kazet" (2001), como Africanism
- "Save Our Soul" (2001)
- "The Beat Goes On" (2002), con Linda Lee Hopkins
- "I Go Crazy" (2002), como The Mighty Bop
- "Viel Ou La" (2002), como Africanism
- "Kiss My Eyes" (2003), con Camille Lefort
- "Lady" (2003), como The Mighty Bop, con Duncan Roy
- "Prego" (2003), con Eddie Amador
- "Slave Nation" (2003)
- "Amour Kéfé" (2004), como Africanism
- "Kalimbo" (2004), como Africanism
- "Sexy Dancer" (2004), con Cerrone's Angels
- "Wonderful World" (2004), con Ron Carroll
- "You Could Be My Lover" (2004), con Linda Lee Hopkins
- "Steel Storm" (2004), como Africanism, con Ladysmith Black Mambazo
- "Love Generation" (2005), con Gary Pine
- "Summer Moon" (2005), como Africanism, con David Guetta
- "World, Hold On (Children of the Sky)" (2006), con Steve Edwards
- "Rock This Party (Everybody Dance Now)" (2006) con Cutee B feat. Dollarman & Big Ali
- "Tennessee" (2006) with Farrell Lennon
- "All around the world" (2007) con Lionel Richie
- "Give A Lil' Love" (2007)
- "Sound of Freedom" (2007) con Cutee B, Gari Nesta Pine & Dollarman
- "What I want" (2007) con Fireball
- "Together" (2007)
- "What a Wonderful World" (2008)
- "Lala Song" (2009)

Álbumes

- A Finest Fusion Of Black Tempo (1994), como Yellow Productions
- Ritmo Brasileiro (1994), como Reminiscence Quartet
- Psycodelico (1995), como Reminiscence Quartet
- La Vague Sensorielle (1995), como The Mighty Bop
- The Mighty Bop Meets DJ Cam & La Funk Mob (1995), como The Mighty Bop, con DJ Cam and La Funk Mob
- Autres Voix, Autres Blues (1996), como The Mighty Bop
- Paradise (1998), como Bob Sinclar
- More Psycodelico (1999), como Reminiscence Quartet
- Champs Elysées (2000), como Bob Sinclar
- Spin My Hits (2000), como The Mighty Bop
- Africanism Allstars Vol. I (2001), como Africanism
- The Mighty Bop (2002), como The Mighty Bop
- III (2003), como Bob Sinclar
- Africanism Allstars Vol. II (2004), como Africanism
- Enjoy (2004), como Bob Sinclar
- Africanism Allstars Vol. III (2005), como Africanism
- Western Dream (2006), como Bob Sinclar
- Soundz of Freedom: My Ultimate Summer of Love (2007), como Bob Sinclar

Pagina: http://www.bobsinclar.com/

Avril Lavigne

Avril Ramona Lavigne Whibley (n. 27 de septiembre de 1984) es una cantante canadiense de punk rock y pop rock nominada a los Premios Grammy, diseñadora de una linea de ropa y actriz.

Biografía

Avril Lavigne nació en Belleville y después se mudó a Napanee a los cinco años, ambos pueblos situados al este de la provincia de Ontario, Canadá. Hija de padres devotos cristianos; John Lavigne, de origen francés, y Judy Lavigne, de origen franco-canadiense. Tiene una hermana menor, Michelle y un hermano mayor, Matt. Desde pequeña mostró aptitudes para ser cantante, cuando comenzó a cantar acompañada del piano con su madre una canción religiosa y a los 5 años comenzó a cantar gospel en el coro de la iglesia.

En el año 1998, Avril ganó un concurso para cantar con la cantante canadiense Shania Twain en un concierto en Ottawa, en el que cantaron a dúo What Made you say that?.

Avril Lavigne y Deryck Whibley dieron a conocer su noviazgo en febrero de 2004. Finalmente se comprometieron el 27 de junio de 2005. El 15 de julio del 2006, un año después de haberse comprometido, Avril y Deryck contrajeron matrimonio mediante el rito católico a las cinco de la tarde, en una finca privada en Montecito (California) a unos kilómetros de Los Ángeles.

Carrera musical

Disputa de géneros

El género musical al que pertenece la música de Avril Lavigne generalmente está considerado dentro del género rock, pero también punk-rock. Igualmente ella afirma en su MySpace ser de género "Pop/Punk/Rock".[15] también famosas páginas al calificar a un artista en género tales como Allmusic (AMG) le han catalogado su música como "Alternative Rock, Rock, Punk-Pop, Post-Grunge". Estos géneros varían de acuerdo a cada álbum que ha sacado , en cada disco que ha sacado mantiene un estilo diferente.

Evolución de su carrera musical

En primer lugar fue descubierta por el mánager Cliff Fabri, mientras cantaba música country en una librería en Kingstone, Ontario.[11] Un tiempo después el cantante folk Steve Medd la invitó a cantar con él la canción Touch The Sky, y dos temas más llamados Temple of Life y Two Rivers en el año 2000.

Cuando Avril tenía 16 años, firmó papel con Ken Krongard, de artists-and-repertoire (A&R) representantes de Arista Records, quien invitó al director de Arista, Antonio "L.A." Reid, a escucharla cantar en el estudio de Nueva York del productor Peter Zizzo.

Hizo un contrato discográfico con Arista Records, con la ayuda del compositor Clif Magness y con The Matrix en el timón empezó la grabación de Let Go.

Empezó a trabajar en su primer proyecto, (Let Go) a los 16 años, insistiendo en hacerlo sola, y con 17 su primer álbum salió a la venta en Estados Unidos, el 4 de junio de 2002. De éste se extrajeron como sencillos Complicated, Sk8er Boi, I'm With You y Losing Grip. Su primer álbum ha vendido hasta la fecha más de 16 millones de copias.

Su segundo álbum de estudio se tituló Under My Skin, salió a la venta en Estados Unidos el 25 de mayo de 2004, y contó con la producción de numerosos compositores, artistas y productores entre los que se encontraban Chantal Kreviazuk, Ben Moody (ex-guitarrista de Evanescence y ex novio de Amy Lee), Butch Walker y Evan Taubenfeld, coescribendo con él varios temas del álbum. De ese disco se extrajeron los singles Don't Tell Me, My Happy Ending, Nobody's Home, He Wasn't y solo en Estados Unidos, Fall To Pieces. Gracias a Under My Skin ganó numerosos premios alrededor del mundo, sin importar el ligero cambio de sonido. Hasta el momento ha vendido más de 8 millones de copias.

Su tercer disco, titulado The Best Damn Thing, salió a la venta el 17 de abril de 2007 y ha vendido más de 6 millones de copias en el mundo. Este ha sido mucho mas difundido y aceptado por otro publico diferente al que solia agradar. Multiventas, De éste se han extraído los singles Girlfriend, When You're Gone, Hot y the best damn thing. En este disco Avril ha contado con las colaboraciones de Butch Walker, Deryck Whibley, Travis Barker, (baterista de Blink-182) y Rob Cavallo, el disco ha sido producido por Dr. Luke, Deryck Whibley, su marido, y por la misma Avril.

El 18 de febrero del 2007 Avril cantó en las sesiones AOL en directo los sencillos Everything Back But You, I Can Do Better y When You're Gone.

Su nueva gira mundial con el álbum The Best Damn Thing llamada The Best Damn Tour comenzó en Calgary, Canadá, y acabará en breve tras sus últimos conciertos en Asia. Una carta que envió a sus fans confirma que no habrá mas fechas, por lo que no irá a Latinoamérica ni volverá a España (donde se canceló su único concierto, según se dice, por la huelga de camioneros del país).

En ésta gira por primera vez estuvo indispuesta por padecer laringitis aguda, lo cual tuvo que cancelar varias fechas de su tour. En septiembre de 2008 saldrá a la venta el DVD de este tour, "The Best Damn Tour - Live in Toronto" con el concierto allí grabado y extras no confirmados.

Filmografía y apariciones en TV

2002

- Apareció en un capítulo de Sabrina, la bruja adolescente, como ella misma haciendo una performance de Sk8er Boi con su banda.

2004

- Lavigne hace una aparición en la película Going the Distance.

- Graba una canción para la banda sonora de Bob Esponja La Película, llamada The SpongeBob SquarePants Theme (El tema de Bob Esponja pantalones cuadrados).

2006

- Avril hace su gran debut en la gran pantalla, dandole voz a una adolescente zarigüeya llamada Heather, en la versión original en inglés de la película animada en 3D Over The Hedge (Vecinos Invasores), trabajando junto a Bruce Willis y Nick Nolte entre otros.

- También actuó en la película Fast Food Nation, como Alice.

2007

- Actuó en la película llamada en idioma original "The Flock", en español se le otórgo el nombre "El Caso Wells" en España, "Justicia a Cualquier Precio" en gran parte de America del Sur como Chile y Argentina, y "Desaparecidas" en Mexico estrenada recien el pasado enero del 2008. En esta película protagonizada por Richard Gere y Claire Danes. Lavigne interpretó a una joven llamada Beatrice Bell, la novia de un sospechoso de cometer un crimen.

- Escribe y graba la canción Keep Holding On con el productor Dr. Luke, para la Banda Sonora Original de la película Eragon. Esta canción debutó mundialmente en las radios el 17 de noviembre del 2007 y fue puesta para su descarga digital en internet el 28 de noviembre del 2007. Este tema también se encuentra en el tercer disco de estudio de Lavigne lanzado en abril del 2007, titulado The Best Damn Thing.

2008

Recientemente Lavigne dijo en una entrevista a The London Paper, que tiene una propuesta para un papel protagonista en una película, ella se refirio a esto diciendo: I've got a film role coming up - something you wouldn't expect from me, something deep and dark ( Obtuve un papel protagónico en una película - algo que no esperarían de mi, algo profundo y oscuro).

Imagen y vida privada

Cuando salió a la venta su primer disco, Avril era conocida por usar corbatas, pero en el año 2003 dejó de usarlas ya que se convirtió en un símbolo de la moda. Con las salida de Under My Skin, Avril adoptó las calaveras como símbolo personal. Con su nuevo álbum, The Best Damn Thing, Avril ha adoptado una imagen más femenina que en los álbumes anteriores, pasando a utilizar faldas y haciendo una gran identificación con el color rosa, al mismo tiempo que muestra un lado alegre y divertido mas fashion que nunca. En el video 'Girlfriend' su hermano mayor es quien toca el bajo.

En el 2003 presento un concierto en Dublin, el cual fue un exito y la cantante canadiense se mostraba radiante y alegre al principio, pero casi terminando el concierto, la artista volvio para la ultima canción y anunció que su abuelo habia fallecido, entonces dijo que quería dedicar esta ultima canción a su abuelo. La canción que le dedica a su abuelo en este concierto es Tomorrow. A la cantante se le hizo muy dificil poder cantar esta canción y claramente se pudo notar que varias veces se le iba la voz. Finalmente la cantante no pudo terminar la canción ya que termino rompiendo en llanto. Agradeció al publico y se retiro. En el disco Under My Skin dedica una canción a su abuelo, Slipped away, la cual habla de la dificil situacion que paso dentro de sí cuando el murió. Con esta última canción, Avril, para sorpresa de todos sus fans, cierra el concierto en Budokan de "Bonez Tour" en el 2005, tocando el piano.

Avril Lavigne no ha tenido una vida privada muy abierta de cara al público. Siempre ha habido rumores que la han ligado sentimentalmente a su ex-compañero y amigo de toda la vida Evan Taubenfeld, situación que siempre ha desmentido alegando que "Evan es su mejor amigo".

Con quien sí mantuvo una relación sentimental fue con el ex-guitarrista Jesse Colburn, pero esa relación terminó en malos términos cuando Jesse se fue de la agrupación.

Avril finalmente se ha asentado con su amigo canadiense Deryck Whibley, el cantante del grupo Sum 41.[22] Dieron a conocer su noviazgo en febrero de 2004. Finalmente Avril y Deryck se comprometieron el 27 de junio de 2005. El 15 de julio del 2006, un año después de haberse comprometido, Avril y Deryck contrajeron matrimonio mediante rito católico a las cinco de la tarde, en una finca privada en Montecito, California, a unos kilómetros de Los Ángeles.

Alegaciones de Plagio

La banda The Rubinoos acusó en el año 2007 a Avril Lavigne de plagiar parte de su canción I Wanna Be Your Boyfriend para componer Girlfriend, el primer sencillo de su último álbum. Por este motivo, Tommy Dunbar y James Gangwer, autores del tema de The Rubinoos, presentaron una demanda contra la cantante canadiense.[cita requerida]

Lavigne comunicó en su blog, Luke Gottwald y yo escribimos Girlfriend y no tiene ninguna similitud con esa canción de la que hablan. Su demanda se basa en la copia de cinco palabras, añade.

La solista reconoce en su tema un estilo parecido a Get Off My Cloud de The Rolling Stones y I Wanna Be Your Boyfriend de The Ramones, pero todas las canciones mezclan letras y emociones parecidas. Como humanos hablamos un solo lenguaje, puntualizó Lavigne.

Pagina: http://www.avrillavigne.com/

Anni Piper

Anni Piper comenzó a tocar la guitarra eléctrica a la edad de 12 años, pero se convirtió en una devota de la música cuando tuvo su primer bajo a los 14.
Rápidamente descubrió su afinidad para el instrumento, prefiriendo mantenerse detrás en los temas antes que ejecutar solos. La habilidad musical de Anni y su firme enfoque le permitieron completar el Bachillerato en Arte (Música Contemporánea) en la Southern Cross University de Lismore con solo 19 años.
Anni recuerda con claridad la primera vez que escuchó un blues en sus días de escuela ("Era la Paul Butterfield Blues Band tocando ‘Born in Chicago’ - Supe inmediatamente que era la dirección que estaba buscando", cuenta).
En 2004 Anni toma la desición de grabar Jailbait, su CD debut. El álbum fue un suceso inmediato ganando en la categoría "Nuevo Mejor Talento" en los premios Australian Blues Music de 2005, más una nominación como "Mejor Voz Femenina". Anni ha obtenido además el primer premio en el concurso "Fresh Air" de ABC Radio en el 2004.

Estos no fueron los únicos espaldarazos para Jailbait y Anni continuó hasta ser una de las cinco finalistas en la categoría blues en el concurso MusicOz 2004, y alcanzó el segundo lugar en la categoría de blues en el Autralian National Songwriting Contest. El segundo álbum de Anni Texas Hold ‘Em fue grabado a principios de 2007. Esta es una grabación mucho más cruda y representa el sonido en vivo de Anni con más eficacia que su primer álbum. Tan bien dotada como bajista y cantante, Anni se ha transformado en una compositora de canciones de distinción, sus canciones tienen una sensibilidad blusera mientras habla de las cuestiones de hoy. Logros recientes incluyen una nominación como la Mejor Cantante Femenina en los 2008 Australian Blues Music (Chain) Awards. Anni también fue nominada para el premio 'Rudy Brandsma' en la Australian National Songwriting Contest de 2007.

Pagina: http://www.annipiper.com/

Zambayonny

Zambayonny nace en Suiza pero arriba casualmente a la Argentina siendo muy niño y posteriormente reside en diferentes ciudades del país, luego estudia, se recibe y ejerce de psicólogo y ya de mayor se acerca a la música y a la literatura abandonando la psicología. Realiza en dos años y medio 5 discos independientes con veinte temas cada uno (Pensando en voz alta, La pistola de carne, Salita verde, La pendeja puta que todos llevamos dentro y Milanesa de pija) que pronto ganan una inesperada masividad a través de copias clandestinas, de Internet, y de su aparición enmascarada en el programa Televisión Abierta. En 2006 le proponen grabar en vivo un show acústico con algunas de sus mejores canciones que se editará próximamente y de modo oficial bajo el título «Tu Palabra Contra la Mía». Sobre finales de ese año y principios de éste, Zambayonny toca en vivo en la fiesta de la revista Barcelona en The Roxy y también en The Cavern y en La Trastienda como telonero del Dr. Tangalanga. Actualmente Zamba se encuentra terminando de escribir su tercera novela, para la cual busca editorial, mientras compone y plasma su sexto disco independiente llamado “Salita Negra”, el cual contendrá otras veinte flamantes canciones y que al igual que su antecesor, Milanesa de Pija, estará instrumentado y tendrá varios invitados.

El cantautor que fue suceso en la Web y que saltó a los medios más importantes del país con su léxico prohibido y su aguda pluma tragicómica, después de un 2008 sin respiro en el cual se presentó en más de 70 oportunidades, incluyendo 3 noches en La Trastienda y muchos viajes para realizar recitales colmados de gente en ciudades como La Plata, Rosario, Mar del Plata, Paraná y Montevideo entre otras, finalmente acaba de editar “Salvando las distancias” un CD – DVD grabado y filmado en vivo en el lugar que lo encontró cada martes haciendo su show durante todo el año: Cava 71, en Buenos Aires. Con dieciocho canciones, entre las ya clásicas e inéditas de su extenso repertorio, interpretadas a media luz, en un pequeño escenario a escasos centímetros de las mesas rebosadas de seguidores “Salvando las distancias” resulta ser un perfecto reflejo, y aún más, de lo sucedido durante todo el 2008, donde Zamba sólo con su atril y su guitarra criolla canta, ríe y conversa con un público absolutamente fiel que participa del espectáculo como si se tratara de una ronda de amigos que encienden exactamente el mismo fuego en cada una de sus presentaciones aunque cambien las caras, la voces y las ciudades. Las generosas imágenes del show y el cálido sonido que las acompañan, invitan al espectador a sentirse inmediatamente parte de lo que fue una noche de grabación única que desde ahora se podrá revivir y disfrutar para siempre.

Nota en Revista RollingStone:

Mucho jugo de lucuma, durazno sangrando, todas esas hojas que son del viento… Sin embargo, los libros de la buena memoria de Luis Alberto Spinetta archivan el catálogo completo de los insultos clásicos y repentinos del Dr. Tangalanga, uno de sus artistas más admirados. Gracias a la doble casetera, los llamados de Raúl Tarufetti inauguraron en los 80 un método de difusión alternativa, y cautivaron al poeta más elevado del rock argentino y a una logia de fieles seguidores que lo transformaron en un personaje de culto, creador del insulto como hecho artístico. Dos décadas más tarde de la explosión Tangalanga, el artista conocido como Zambayonny reprodujo ese método (grabaciones clandestinas, humor escatológico y el insulto como acto creativo). Internet multiplicó y aceleró el proceso para transformar al trovador guarango en un fenómeno que trascendió el mundo virtual y que alcanzó casi cien shows en vivo a lo largo de 2008. Dos de esas presentaciones fueron, justamente, como telonero del Dr. Tangalanga. Sin embargo, Zambayonny sostiene que fue, más bien, algo casual: "Toda la vida escuché los casetes de Tangalanga, pero nunca lo tuve presente para hacer las canciones. Sin embargo, en los cuentos de Fontanarrosa hay un montón de ese tipo de palabras. Cuando elegí esa estética para esas canciones, decidí ir hasta el fondo".

Hasta el fondo, para Zambayonny, significa escribir una canción muy breve que, con crudeza, suena a consejo y a ruego: "No me hables de amor mientras me chupás la pija, porque no se te entiende nada". Líneas como ésa, y como las de "Averiguá si cojo mucho", le valieron la admiración y el respaldo de algunos personajes célebres, como Andrés Calamaro, que en su blog le manifestó su más profunda admiración, y el periodista académico Carlos Ulanovsky, que le rindió culto en las mañanas de la Rock & Pop.

¿Zambayonny es un chiste que salió bien? ¿Superó las expectativas?
La verdad que sí, porque empecé a hacer canciones para mostrárselas en los asados a mis amigos. Y eso se convirtió en una rutina. Y se amplió a otros grupos de amigos. Tal vez pensé que iba a tener una oportunidad con otras canciones. Pero se me fue de las manos. Y sin plan. Porque el nombre, con doble "n" e "i griega" ["y"] conspira contra la promoción.

¿Eras de putear mucho?
No. Ni siquiera ahora. Fue una decisión artística. Y tengo quinientas canciones sin insultos. De hecho, el nuevo disco tiene mitad y mitad.

¿Sería posible describir al fan promedio de Zambayonny?
De entrada pensaba en un público adolescente, o de ventipico. Pero cuando empecé a tocar, vino gente de todas las edades, de verdad. Pibes de 18 y señores de 68. Y aunque las entradas son más bien caras, viene gente de distintos niveles sociales. Todos se ríen y disfrutan de cosas distintas. Al final del show, los comentarios son distintos.

De hecho, fue a verte un pibe de la Butteler, la barra brava de San Lorenzo…
Sí, y nos quedamos tomando cerveza y hablando… más de fútbol que de música. Y aunque no hago casi ninguna referencia futbolera en las canciones, a casi todos les gusta el fútbol.

¿Cómo surgió la idea de mencionar a Juan Pablo Varsky en "Las tres cosas de la vida"?
Los nombres propios en las letras a veces funcionan como un ancla. Pero además, creo que existe un estereotípo de fan de Varsky. Y eso que a mí me gusta mucho él, de verdad. Pero me parecía que en una serie de definiciones abstractas, que aparezca es frase ["boludón, sabelotodo y fan de Varsky"] era muy efectivo.

¿Te imaginás cantantdo "La incogible" dentro de veinte años?
Salvo que seas un súper clásico, nadie canta canciones tan viejas. Yo me veo cantando la evolución de "La incogible". Pero me veo cambiando, lo que he hecho toda mi vida. No sé si evolucionás o involucionás.

¿Pero no tenés miedo de aburrirte del personaje?
Es que sería como aburrirme de mí mismo. Yo soy mi primer crítico y el primer oyente de lo que hago. Y mi lucha diaria es tratar de hacer algo interesante, sorprendente. Buscarle una vuelta a las rimas, abordar nuevas temáticas, como la de "El último peaje".

¿Cómo te cae la reivindicación que hacen los intelectuales de tus canciones? Hasta publicaron un artículo en la revista Otra Parte [dirigida por Marcelo Cohen y Graciela Speranza]…
El guiño intelectual me parece desmedido. Y peligroso. A veces siento que son los mismos que mañana te van a pegar un tiro en la cabeza. Pero de todos modos, siempre un elogio está bueno, y más si viene de gente que se sentó a escuchar y lo analizó. Muchas veces encuentran cosas que yo no puse, pero yo laburo de ese modo, tratando de que cada renglón tenga dos lecturas. Igual, no fueron tantas las reivindicaciones intelectuales.

A pesar de los insultos, las letras no son necesariamente agresivas. Hay, más bien, una complicidad y una solidaridad con los antihéroes...
Tiene que ver con que el enfoque de las canciones siempre es el de un tipo común, de los que vemos en todos lados, y de lo que es uno mismo. Alguno con más plata, otro con un viaje a Europa, o lo que sea… Cuando se sientan a hablar en el bar, son los mismos temas.

¿Es una cofradía que se va multiplicando?
Parece que sí. Incluso recibo muchos mails de argentinos que están viviendo en el exterior y se juntan a escuchar estas canciones. ¡Es increíble!

Pagina: http://zambayonny.wordpress.com/

Franz Ferdinand

Franz Ferdinand es una banda de indie rock, formada en Glasgow, Escocia en 2001 llamada así en honor al Archiduque Francisco Fernando de Austria (en inglés Franz Ferdinand). La banda está compuesta por Alex Kapranos como voz principal, guitarra solista y teclados, Bob Hardy en el bajo, Nick McCarthy en la Guitarra Rítmica, teclados y coros, y Paul Thomson en la batería, percusión y coros.

Después del poco éxito de su primer sencillo Darts of Pleasure, la banda alcanzó buenos puestos después de que su segundo sencillo, Take Me Out (publicado el 12 de enero de 2004), llegase al # 3 en los ránking del Reino Unido seguido de su álbum debut Franz Ferdinand (publicado el 9 de febrero de 2004), que debutó en el Reino Unido en el puesto número 3. La banda ganó el Mercury Music Prize 2004 y dos Brit Awards en el año 2005 para Mejor Grupo Británico y Mejor Actuación de Rock Británico. NME nombró a Franz Ferdinand como Álbum del Año. De este álbum, cuatro singles fueron top ten, el más exitoso y aclamado por la crítica Take Me Out, The Dark of the Matinée, This Fire, seguido de Michael (que llegó a # 17)El primer álbum de la banda logro vender 5 millones de copias en el mundo.

El segundo álbum de la banda, You Could Have It So Much Better, fue # 1 en el Reino Unido, al vender 101.884 copias en su primera semana, del que se extraen las canciones Do You Want To, Walk Away y The Fallen.

Historia

Formación

Todos los miembros de Franz Ferdinand estuvieron anteriormente en distintas bandas independientes en la década de los '90 como The Karelia, Yummy Fur, 10p Invaders y Embryo. Alex Kapranos y Paul Thomson tocaban juntos en Yummy Fur, y posteriormente se unieron para escribir canciones. Alrededor de la misma época Kapranos enseñó a su amigo, Bob Hardy, cómo tocar el bajo. Kapranos se reunió con Nick McCarthy en el año 2001 que regresaba a Escocia después de estudiar jazz en Alemania.

En mayo de 2003, la banda firmó con el sello discográfico independiente, Domino Records. La banda había grabado un EP Darts of Pleasure, el que pretendían lanzar ellos mismos, pero fue lanzado por Domino a finales de 2003. La cubierta del disco fue diseñada por Thomson. Llegó # 43 en el chart del Reino Unido. La banda ganó el "Premio Philip Hall Radar", en la ENM de los Premios de 2004, anunciado a finales de 2003.

Álbum Debut y el Éxito

La banda se trasladó a Gula Studios en Malmö, Suecia con Tore Johansson, productor de The Cardigans para grabar su disco de debut. En enero de 2004, el sencillo Take Me Out alcanzó el tercer puesto 3 en las listas de ventas del Reino Unido. El álbum 'Franz Ferdinand', se lanzó a principios de 2004, debutando en la tercera posición de discos en el Reino Unido en febrero de 2004 y en el décimo segundo en Australia, en abril de 2004. El álbum sólo alcanzó los niveles más bajos del Billboard 200 Album Charts en los EE.UU. a principios de 2004, pero alcanzó el top 5 de la tabla de indie rock. Después de un par de viajes de América del Norte y la gran rotación del video "Take Me Out" en MTV, el álbum alcanzó el # 32 en Billboard 200 después, en 2004, y vendió más de un millón de copias en los Estados Unidos.

Franz Ferdinand en general recibió una respuesta positiva de los críticos. ENM dice que la banda fue el más reciente que sigue la línea del arte de grupos de rock como Duran Duran, The Beatles, The Rolling Stones, The Who, Roxy Music, Sex Pistols, Wire, Travis y Blur.

En la revisión del álbum en la BBC, dice: "En sólo 38 minutos de duración "Franz Ferdinand" no podía ser un álbum largo, pero es una obra maestra de funky, punky, suave fresco de la primera canción a la última. All Music Guide clasificaron el álbum con cuatro de cinco estrellas y dijo: "Franz Ferdinand termina siendo gratificante de manera diferente al anterior trabajo banda, pero es evidente que aún son uno de los grupos más excitantes de fuera del garage-rock / post-punk revival".

El 7 de septiembre de 2004, el álbum de 2004 fue galardonado con el Premio Mercury Music. En Australia, "Take Me Out" ganó el Triple J Hottest 100 del año 2004. Franz Ferdinand procedió a ganar un Premio Ivor Novello en 2004 y dos Brit Awards en 2005. El vanguardista video de Take Me Out ganó un MTV Video Breakthrough. La ENM llamó a "Franz Ferdinand" el mejor álbum de 2004, y también lo puso 38a en la Lista de los 100 Mejores Álbumes. La banda se presentó en los Grammy de 2005, interpretando "Take Me Out", en un Medley en vivo con Los Lonely Boys, Maroon 5, Black Eyed Peas y Gwen Stefani.

You Could Have It So Much Better

La banda pasó la mayor parte de 2005 en el estudio en Escocia trabajando en la grabación de su álbum, You Could Have It So Much Better, que fue lanzado el 3 de octubre de 2005. La intención de la banda, inicialmente, era de titular el disco igual que su debut, pero cambiaron a You Could Have It So Much Better... With Franz Ferdinand antes de nombrar definitivamente el título. El diseño de la cubierta del álbum fue el retrato de Lilya Brik de Alexander Rodchenko de 1924. La banda trató de ampliar su abanico musical en el álbum. Después de la aclamación de la crítica de su álbum debut, algunos comentarios hacia el nuevo álbum se hizo más polarizado, con algunas quejas de que la grabación fue de urgencia. Sin embargo, fue en general bien recibido en la prensa y visto como un álbum igual o mejor que el primero por la mayoría de los críticos, incluidos los ENM. En el Reino Unido, el álbum fue número 1 y número 8 en los EE.UU..

Sobre la gira que siguió al lanzamiento del álbum, Franz rompió el récord de la presentación más larga en el Alexandra Palace, al norte de Londres, tocando 4 noches con todas las localidades vendidas durante noviembre-diciembre de 2005. Para apoyar el álbum, cuatro singles fueron lanzados. Incluyendo en ese set un sencillo double A-side que contiene un video-clip (el AA-side "L. Wells" y el video-clip "Jeremy Fraser" que no fueron inluidos en el álbum grabados a principios de 2006 durante el tour de la banda en Australia en apoyo al álbum). También incluye otro video clip llamado "Wine In the Afternoon" que es un B-side de Eleanor Put Your Boots On y que no fue incluido en el álbum pero grabado en el tour por Míchigan, Estados Unidos. "Do You Want To" llegó al número 4, mientras "Walk Away" y "The Fallen" entraron al número 15 de los UK Singles Chart. El 4 y último sencillo del álbum, "Eleanor Put Your Boots On" alcanzó el número 30

Tonight: Franz Ferdinand

La banda comenzó nuevas sesiones de grabación en enero de 2006, coincidiendo con algunas fechas en vivo en Australia y Nueva Zelanda. A principios de septiembre de 2006, la agrupación manifestó que se iban a tomar un descanso después del Carling Weekend y de tocar en dos espectáculos en Brasil.

El 8 de marzo de 2007, la banda comenzó el proceso de grabación de su tercer álbum, del cual empezó a publicar información el 6 de junio de 2008, cuando se renovó el sitio oficial del la banda en Internet.

El 8 de octubre de ese mismo año, Alex Kapranos contó en un concierto de Brooklyn que el proceso de grabación del nuevo álbum había terminado, poniéndole finalmente el nombre de "Tonight: Franz Ferdinand". También indicó que el disco será más bailable que los dos discos anteriores, además de tener influencias africanas. A finales de dicho año, Franz Ferdinand presentó su nuevo sencillo "Ulysses", adelanto del nuevo disco, el cual salió a la venta el 26 de enero de 2009.

Nombre

El nombre de la banda fue inspirado en un caballo de carreras llamado El archiduque. Después de ver correr el caballo en la televisión, la banda comenzó a discutir si "Archduke Franz Ferdinand" (Archiduque Francisco Fernando) sería una buen nombre para la banda, por las consecuencias de la muerte del archiduque (su asesinato fue el más importante de los muchos factores que condujeron a la Primera Guerra Mundial).

Arte

La banda se destaca por el uso de imágenes vanguardistas rusos en el álbum y solo cubierta. Los ejemplos incluyen "You Could Have It So Much Better", que hace referencia a un retrato de 1924 de Lilya Brik por Alexander Rodchenko, "Take Me Out", que hace referencia a Una sexta parte del mundo, también por Rodchenko.

Vídeos

Muchos de los videos para promover los singles de la banda de singles fueron inspiradoes en la vanguardia rusa al igual que las tapas de sus CD.

El vanguardista video de Take Me Out, dirigido por Jonas Odell, se inspiró en dadaísmo, coreografías Busby Berkeley y diseño constructivista ruso. Alex Kapranos explica las numerosas y variadas influencias detrás de la promoción del estilo del segundo singles'Take Me Out': "Es de tipo bidimensional en un estilo tridimensional que si tiene sentido. Se trata de un montaje de imágenes; nosotros mismos, imágenes y cosas tomadas de otros lugares y ponerlas juntas de manera abstracta. Eso es lo que le da al video un estilo extraño".

Pagina: http://www.franzferdinand.co.uk/

Celia Cruz

Úrsula Hilaria Celia Caridad Cruz Alfonso más conocida como Celia Cruz (*La Habana; 21 de octubre de 1925 - † Fort Lee, Nueva Jersey; 16 de julio del 2003) fue una cantante cubana de salsa que pasó la mayor parte de su carrera viviendo y trabajando en los Estados Unidos. Reconocida por propios y extraños, Celia Cruz es sin duda la cantante cubana más conocida y mejor pagada de todos los tiempos en el género musical de salsa.

Cruz fue una de las cantantes cubanas y latinoamericanas más exitosas del siglo XX, con veintidós álbumes de oro a su nombre. Celia ha sido conocida en el mundo entero por su calidad como cantante y por su famosa frase "¡Azúcar!", símbolo de su filosofía ante la vida y de su orgullo de ser cubana.

Biografía

Celia Caridad Cruz Alfonso nació en el barrio de Santos Suárez de La Habana el 21 de octubre de 1924, si bien algunas fuentes señalan su nacimiento cuatro años antes, y otras en 1925, datos todos ellos de difícil comprobación dada la persistente negativa de la estrella a confesar su edad.

Segunda hija de un fogonero de los ferrocarriles, Simón Cruz, y del ama de casa Catalina Alfonso, Celia Cruz compartió su infancia con sus tres hermanos -Dolores, Gladys y Barbarito- y once primos, y sus quehaceres incluían arrullar con canciones de cuna a los más pequeños; así empezó a cantar. Su madre, que tenía una voz espléndida, supo reconocer en ella la herencia de ese don cuando, con once o doce años, la niña cantó para un turista que, encantado con la interpretación, le compró un par de zapatos.

Con otras canciones y nuevos forasteros calzó a todos los niños de la casa. Después se dedicó a observar los bailes y a las orquestas a través de las ventanas de los cafés cantantes, y no veía la hora de saltar al interior. Sin embargo, sólo su madre aprobaba esa afición: su padre quería que fuese maestra, y no sin pesar intentó satisfacerle y estudiar magisterio, pero pudo más el corazón cuando estaba a punto de terminar la carrera y la abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música.

Mientras tanto, Celia Cruz cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en programas radiofónicos para aficionados, como La Hora del Té o La Corte Suprema del Aire, en los que obtenía primeros premios tales como un pastel o una cadena de plata, hasta que por su interpretación del tango Nostalgias recibió en pago 15 dólares en Radio García Cerrá.

Más tarde cantó en las orquestas Gloria Matancera y Sonora Caracas y formó parte del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió Venezuela y México. En 1950 ya había intervenido en varias emisoras cuando pasó a integrar el elenco del cabaret Tropicana, donde la descubrió el director de la Sonora Matancera, el guitarrista Rogelio Martínez, y la contrató para reemplazar a Myrta Silva, la solista oficial de la orquesta.

A lo largo de los años cincuenta Celia Cruz y la Sonora Matancera brillaron en la Cuba de Pío Leyva, Tito Gómez y Barbarito Díez; del irrepetible Benny Moré, del dúo Los Compadres, con Compay Primo (Lorenzo Hierrezuelo) y Compay Segundo... La Cuba de Chico O'Farril y su Sun sun babae, la de La conga de los Habana Cuban Boys, la de Miguel Matamoros con su Mamá, yo quiero saber de dónde son los cantantes, la de Miguelito Valdés con su Babalú... Celia aportó su Cao Cao Maní Picao y se convirtió en un éxito, y otro posterior, Burundanga, la llevó a Nueva York en abril de 1957 para recoger su primer disco de oro.

Celia Cruz se había ganado ya varios de los apodos y títulos con que quisieron distinguirla. Fue la Reina Rumba, la Guarachera de Oriente y, desde las primeras giras -por México, Argentina, Venezuela, Colombia ...-, la Guarachera de Cuba.

Era la Cuba de Fulgencio Batista. Cuando el dictador se vio obligado a refugiarse en la República Dominicana ante el triunfo de los castristas, el 1 de enero de 1959, la orquesta tuvo que andar otros caminos. Según la cantante, desde entonces soportaba mal que le dijeran qué y dónde tenía que cantar. El 15 de julio de 1960 la banda en pleno consiguió el permiso para presentarse en México y, una vez allí, en parte impulsada por el agravamiento de las relaciones entre Estados Unidos y Cuba, decidió no regresar.

Después de un año de aplausos en la capital azteca, Celia Cruz se mudaba a Estados Unidos y sellaba su primer compromiso para actuar en el Palladium de Hollywood. Si bien declaró en aquellos días «he abandonado todo lo que más quería porque intuí enseguida que Fidel Castro quería implantar una dictadura comunista», su militancia anticastrista nació después, a partir del 7 de abril de 1962, cuando supo de la muerte de su madre y no pudo entrar en la isla para asistir al entierro. Llegó a confesar incluso que estaba dispuesta a inmolarse haciendo estallar una bomba si con ello hacía desaparecer «al Comandante».

Tres meses después, el 14 de julio de 1962, Celia Cruz se casó con el primer trompetista de la orquesta, Pedro Knight, quien a partir de 1965, en que ambos dejaron la Sonora, se convirtió en su representante. Celia Cruz inició su trayectoria como solista junto al percusionista Tito Puente, con el que grabó ocho álbumes. Los jóvenes hispanos de Nueva York la descubrieron en 1973 en el Carnegie Hall, cuando integraba el elenco de la «salsópera» Hommy, de Larry Harlow.

Posteriormente, participó en un legendario concierto grabado en vivo en el Yanquee Stadium con The Fania All-Stars, un conjunto integrado por líderes de grupos latinos que grababan para el sello Fania. Ya era famosa en 1974, cuando grabó el disco Celia & Johnny con el flautista dominicano Johnny Pacheco, considerado el primer clásico del género.

Inicios profesionales

Antes de ingresar a la Sonora Matancera, Celia participó en un espectáculo musical y comedia titulado "La corte suprema del arte " donde compartió escena con cantantes destacados de la época como Aurora Linchetti. Poco tiempo después, participó en la Radio Cadena Suaritos, junto a una agrupación que interpretaba coros yorubas y ritmos de batá, logrando por esa época su primera grabación junto al cantante Obdulio Morales. En 1948, Roderico Neyra Rodney, fundó el grupo Las Mulatas de Fuego y Celia fue contratada junto a este grupo de bailarinas como cantante, tuvieron gran éxito tanto así que llegaron a viajar a Cafarnaún en 1949, allá llegó a grabar con la orquesta de Leonardo Pedroza, "Leonard Melody"

- La Mazucamba (Orlando de la Rosa)
- Quédate negra (Facundo Rivero)
- Pa' gozá (Aurelio Martínez)
- Que jelengue (José Antonio Méndez)

y con la orquesta de Luis Alfonso Larrain

- Ya se Acerca la comparsa (Julio Blanco Leonard)
- Comparsa Barracón (R. Valdés)

También ese mismo año viajaron a México, regresando a Cuba grabó con la Gloria Matancera. Poco después fue contratada por Radio Cadena Suaritos. Llegó el año de 1950, cuando conoció a don Alberto Sotolongo que la fue a buscar porque quería que cantara con la Sonora Matancera, ya que Myrta Silva había decidido dejar la Sonora para regresar a Puerto Rico donde había adquirido una propiedad y quería disfrutarla, dejando disponible la vacante para una voz femenina.

Su época dorada con la Sonora Matancera

En Radio Progreso existía un programa llamado: Cascabeles cantando y cuya orquesta era la Sonora Matancera. Un buen día, Celia fue buscada y llamada por Sotolongo para ocupar la vacante que dejara Myrta Silva, recibiendo instrucciones para que fuera a Radio Progreso y se contactara con el director de la Sonora Matancera, Don Rogelio Martínez. Para esto, como ya conocía a Rodney, le pidió la presentase ante Don Rogelio y el encuentro se efectúo en el Teatro Blanquita. Rogelio Martínez pidió a Celia que fuera a Radio Progreso que era donde ensayaban de lunes a sábado de 9AM a 12PM que allí la esperarían. Llegó el anhelado día y con el primero que se encontró en el estudio fue con el que sería su futuro esposo: Pedro Knight que era el segundo trompetista de la Sonora. Habiendo llegado todos empezaron a ensayar, pero no sonaba nada bien, así que Celia como tenía sus arreglos que no coincidían con el número de integrantes de la Sonora, se los entregó para que los adecuara a Severino Ramos, y que la llamarían para cuando estuvieran listos todos los arreglos. Debutó con la Sonora Matancera el día 3 de agosto de 1950. Inicialmente no fue acogida por el público, mandando cartas al director y a la Radioemisora para que fuese cambiada, no logrando su objetivo. Rogelio Martínez, teniendo fe en ella fue a su casa discográfica SEECO Records, cuyo director y gerente era Sidney Siegel. Y allí hubo otra oposición ya que el criterio de Mr. Siegel, como le llamaban, era que las mujeres no vendían discos y no podían atreverse a cometer semejante error, pero aun así Don Rogelio, convenció al dueño retándolo y es así que grabó el 15 de diciembre de 1950 su primer disco de 78 rpm. Sus dos primeras canciones fueron:

- Cao, cao maní picaó (José Carbó Menéndez)
- Mata siguaraya (Lino Frías)

Fue tal el éxito que Mr. Siegel dio el visto bueno y así Celia empezó haciendo sus grabaciones con la Sonora Matancera, unión laboral musical que duró 15 años. Sus éxitos inolvidables: Burundanga, Caramelos, El hierbero moderno, Tu voz, Ritmo tambó y flores, Pa' la paloma, Nuevo ritmo omelenkó, Vallán vallende, La sopa en botella, etc.

Celia Cruz

El viaje sin retorno

El 15 de julio de 1960, ya iniciada la Revolución cubana dirigida por Fidel Castro, surge un contrato para La Sonora Matancera en México . Celia salió de Cuba sin pensar que no volvería jamás a su amada tierra.

Cuando cumple el mes de estancia en México recibe la noticia del fallecimiento de su padre. Trabajaron en el Terrazza Casino desde el 22 de julio del mismo año hasta el 20 de noviembre de 1961. Ese mismo año la Sonora y Celia viajaron a los Estados Unidos y comenzó a tocar Celia sin la Sonora en el Palladium Ballroom en la ciudad de Nueva York. En 1962, se volvió a integrar con la Sonora Matancera siendo contratados por Guillermo Arenas. Adquirió una vivienda en Nueva York. Un día fatal para Celia llegó el 7 de abril, cuando se estaba preparando para actuar, recibe la noticia del fallecimiento de su madre que venía luchando con un cáncer terminal de vejiga. Pero ese trago amargo se superó cuando el 14 de julio se casó en ceremonia civil con Pedro Knight. Luego hicieron gira por Europa con la Sonora Matancera y en 1964 cuando se encontraba en el Japón se presentó con Tito Puente.

En 1965 Celia culminó su etapa con la Sonora Matancera. En ese tiempo grabo con la orquesta de René Hernández y con Vicentico Valdés y con el Sello SEECO. Celia al quedar como solista, Pedro Knight decidió dejar su puesto en la Sonora Matancera para convertirse en su representante y director personal el 30 de abril de 1966. En este tiempo, Celia Cruz se había convertido en ciudadana de los Estados Unidos y juró que no volvería a Cuba mientras Fidel gobernara su país. Ese mismo año Tito Puente la llamó para trabajar junto con su Orquesta.

En 1966, Celia y Tito Puente iniciaron una asociación que editó cinco álbumes musicales. También grabó álbumes con la Orquesta de Memo Salamanca y una placa discográfica con Lino Frías, todos ellos bajo el Sello TICO. Estos álbumes no tuvieron tanto éxito como se esperaba, pero uno que otro número si pegó, es el caso de Bemba colorá. Sin embargo, después de ello, Cruz se unió a Vaya Records. Un cambio musical la hizo ingresar a la salsa. En 1973, se juntó con el pianista judío de la FANIA Larry Harlow y encabezó un concierto de música afrocubana en el Carnegie Hall de Nueva York. Allí Celia Cruz interpretó Gracia divina, su primera canción de salsa y la puerta a este nuevo ritmo. Fue producido por el ya desaparecido Jerry Masucci y quien es considerado uno de los creadores del género salsa, Johnny Pacheco.

Otros acontecimientos

Firmó Celia a largo plazo con la casa discográfica de Masucci: VAYA LABEL. Es así que lanza su álbum en 1974 con Johnny Pacheco, Celia y Johnny, todos los números fueron éxitos de aquel disco es el caso de: Químbara, Toro mata, Vieja luna, Lo tuyo es mental, entre otros. Obtuvo el disco de oro y Celia pronto se unió a la Fania All Stars, que era una combinación de los músicos de cada orquesta que tocaba para el sello musical Fania (propietario de Vaya Records). Con la Fania All Stars, Celia tuvo la oportunidad de visitar el Reino Unido, Francia, Zaire y de regresar a Latinoamérica. Siguieron las grabaciones con Pacheco, y más éxitos se sumaron: El guaba, La dicha mía, Así cantaba papá, Cúcala, entre otros. En 1977, graba con el sensacional Willie Colón, su primer sencillo, donde tuvo brillantes números como: Usted abusó, A papá, Pun Pun Pun Calatu. Volviendo a grabar con él en 1981 y en 1987, más éxitos como: Berimbau, Un bembé pa' Yemayá, Se tambalea...

Durante los años 1980, Celia Cruz grabó y realizó varias giras en Latinoamérica, dando múltiples conciertos y shows de televisión donde quiera que iba, cantando tanto con estrellas jóvenes como de su propia época. En 1982 se reencontró con la Sonora Matancera, y grabó un sensacional disco: Feliz Encuentro Ese mismo año también se le rindió un homenaje en el Madison Square Garden, y la acompañaron todos aquellos que la acompañaron en su carrera artística y también artistas invitados. En 1987 en Santa Cruz de Tenerife fue reconocida por el Libro Guinness de Récords, como el concierto más grande al aire libre que se mantiene en la actualidad, a ese mismo concierto en la Plaza de España de Santa Cruz, acudieron 250.000 personas (bailando la misma canción). En 1989, ganó su primer Premio Grammy por su disco que grabó con Ray Barretto y también fue invitada para celebrar los 65 años de la Sonora Matancera en el Central Park de Nueva York, compartiendo escenario con sus añejos compañeros: Daniel Santos, Carlos Argentino, Vicentico Valdés, Bobby Capó... En 1984 conoce a Mario Kreutzberger Don Francisco y la invita a actuar en el programa Sábado Gigante que animaba en Chile y años más tarde en Miami.

En 1990, logra viajar a Guantánamo (Cuba), para dar un concierto, ese día de la emoción las lágrimas no pudo contener ya que se le vino a la mente maravillosos recuerdos. Cuando salió se llevó en una bolsa unos gramos de tierra de Cuba, misma que acompaña el ataúd con ella.

En 1992 participó con Armand Assante y Antonio Banderas en la película Los reyes del mambo. También participó en el homenaje que se le hizo a Lola Flores, la Faraona en Miami, e inmortalizó en el disco Burundanga. En 1993, bajo el sello de Ralph Mercado, grabo su disco Azúcar negra, ese tema junto a Sazón fueron grandes éxitos. Para 1997, graba para Televisa la telenovela El alma no tiene color. Ese año el 25 de octubre la ciudad de San Francisco declara ese día oficialmente para Celia Cruz. En 1998 lanzó su disco Mi vida es cantar y un tema muy sonado fue: La vida es un carnaval. Para 1999 participó en Módena (Italia) en el concierto Pavarotti and Friends. También ese mismo año firmó para la SONY Music. La Solidaridad, también está presente, cuando el mismo Don Francisco la invita a actuar en la Teletón Chilena de 1998.

En el 2000 es nominada al Grammy y lo gana por su álbum Celia and Friends, sin pensar que ese mismo año Tito Puente, fallecía víctima de un infarto.

En el 2001 nuevamente gana el Grammy por su disco "Siempre Viviré"

Sus últimos años

En el 2002, grabó un nuevo álbum, La Negra tiene Tumbao, en el cual Johnny Pacheco fue uno de los productores.

A finales del 2002, se sometió a una cirugía para extirpar un tumor cerebral y luego intentó continuar trabajando. Grabó un disco, el último, titulado Regalo del alma. El 2003, su último año de vida, le rindieron un homenaje la cadena Telemundo. La tarde del 16 de julio de 2003, falleció en su casa en Fort Lee (Nueva Jersey). Después de su muerte, su cuerpo embalsamado, fue llevado a Miami y Nueva York, de tal manera que todos pudieran rendirle homenaje. Su sepelio reunió a más de 150 mil personas en Miami, y similar cantidad en Nueva York. El mundo entero le rindió homenajes. América Latina se rindió a sus pies y la comunidad artística mundial reconocía a uno de sus más altos exponentes. El sepelio de Nueva York constituyó uno de los más grandes que recuerda esa ciudad, superando incluso al de Judy Garland en el año 1969.

En febrero de 2004, su último álbum, publicado después de su muerte, ganó un premio póstumo en los Premios Lo Nuestro como mejor álbum de salsa del año.

Al año siguiente fue publicada una biografía titulada Celia: Mi vida, basada en más de 500 horas de entrevistas con la periodista mexicana Ana Cristina Reymundo. Se planeó llevar al cine la historia de esta gran mujer, que jamás perdió un ápice de su humildad y grandeza, propios de una verdadera reina. La actriz Whoopi Goldberg ha manifestado interés en representar a Celia en la película, pues es una admiradora de la Guarachera de Cuba. Lamentablemente el proyecto fue rechazado en el 2005.

A lo largo de una carrera de más de 50 años en los escenarios, cosechó multitud de éxitos, premios y reconocimientos. Es poseedora de una estrella en el paseo de la fama en Hollywood, cinco premios Grammy, doctorados Honoris Causa de tres universidades norteamericanas, así como recibió en 1994 el National Endowment for the Arts, de manos del entonces presidente Bill Clinton, que constituye el más alto reconocimiento que otorga el gobierno de los Estados Unidos a un artista. Multitud de discos de oro y platino, una carrera donde grabó más de 80 discos, y fue acompañada por los más grandes cantantes de su tiempo, incluidos muchos de habla no hispana, son muestra del enorme reconocimiento internacional que recibió Celia Cruz, que justamente fue llamada La reina de la Salsa.

Se le hizo una gala homenaje por toda su trayectoria, en la que participaron muchos reconocidos artistas como Gloria Estefan, Marc Anthony, Olga Tañón, rnaval.entre otros muchos, interpretando una versón del "I will survive" de Gloria Gaynor, en la que ella por supuesto también cantó. Este es el vídeo: [[1]]

En el 2004 los carnavales de Santa Cruz de Tenerife le dedicaron el carnaval a esta grandísima cantante, como tema principal del carnaval. La Gala de Elección de la Reina del Carnaval se cerró con la canción "El Cielo Tiene Azúcar" compuesta por los autores canarios Gilberto Martín y Guillermo Albelo e interpretada por el grupo tinerfeño Sound Balera. La canción fue acompañada por todos los componentes de las comparsas del carnaval de Santa Cruz de Tenerife. Este es el video: http://www.youtube.com/watch?v=lEmG80lJy8k La canción "El Cielo Tiene Azúcar" tiene su pequeña gran historia ya que el 16 de julio de 2003, fecha del fallecimiento de Celia Cruz, el compositor canario Guillermo Albelo se encontraba en Madrid conversando con su amigo y compañero, el gran pianista cubano Rolando Columbié, amigo de Celia, sobre un regalo musical que querían hacer a la gran artista cubana: la composición de varios boleros. Rolando le comunica a Guillermo Albelo que Celia está muy grave y que ya había llamado en varias ocasiones a su casa de New Jersey. Ese mismo día fallece la Reina de la Salsa y Guillermo Albelo http://www.guillermoalbelo.com decide dedicarle una canción a la gran Celia. Comunica su proyecto a su compañero Gilberto Martín y se ponen manos a la obra. El 29 de noviembre de ese mismo año "El Cielo Tiene Azúcar" se estrena en el Festival Internacional de la Canción de las Islas Canarias http://www.festivaldecanarias.net Asimismo, coincidiendo con el carnaval 2004 de Santa Cruz de Tenerife, la discográfica Tabaiba Records http://www.tabaibarecords.com edita el álbum "El Cielo Tiene Azúcar", conteniendo la canción homenaje, interpretada por Sound Balera, otros temas del mismo grupo canario, canciones del grupo Salsarrica http://www.salsarrica.es así como también del cantante cubano Leonel Aleaga, el gran Tito Puente y la propia Celia Cruz.

Pagina: http://www.celiacruzonline.com/

Beyoncé

Beyoncé (4 de septiembre de 1981) es el nombre artístico de Beyoncé Giselle Knowles, una cantante de R&B, compositora, productora discográfica y actriz estadounidense.

Nacida y criada en Houston, Texas, se inscribió en varias escuelas de artes escénicas, y se expuso por primera vez a los concurso de canto y baile cuando era una niña. Knowles saltó a la fama a finales de 1990 como la cantante principal del grupo Destiny's Child. Knowles ha vendido más de 50 millones de discos en todo el mundo con el grupo. Durante el hiato de Destiny's Child, Knowles lanzó su álbum debut como solista, Dangerously in Love, en junio de 2003. Dangerously in Love, que dio lugar a la número uno de singles "Crazy in Love" y "Baby Boy", se convirtió en uno de los más éxito de los álbumes de ese año. Knowles ganó cinco Premios Grammy en una sola noche en 2004, y su recepción señaló su viabilidad como un artista solista.La disolución de Destiny's Child en 2005 facilitó la continuación de su éxito: lanzó su segundo álbum en solitario, B'Day, en 2006, que contenía el éxito mundial "Irreplaceable". Su tercer álbum en solitario, I Am... Sasha Fierce, fue lanzado en noviembre de 2008, y generó el éxito mundial "If I Were A Boy", y número uno de los Estados Unidos Single ladies (Put a ring on it), manteniendose 4 semanas #1.

El éxito de sus discos como solista la ha establecido como una de las artistas más comerciales en la industria de la música, y ha expandido su carrera para actuar y endosar productos. Comenzó su carrera en 2001, apareciendo en el musical de la película Carmen: A Hip Hopera. En 2006, protagonizó el papel principal en la adaptación de la película del musical de Broadway de 1981 Dreamgirls, por la que obtuvo dos nominaciones Golden Globe. Knowles lanzó su línea de moda de la familia, la Casa de Deréon, en 2004, y se ha comprometido a respaldar marcas como Pepsi, Tommy Hilfiger, Emporio Armani y L'Oréal.

Biografía

Beyoncé Knowles es la hija mayor de Tina y Mathew Knowles Beyoncé. Sus abuelos paternos, Lumis y Beyoncé Agnes Dereon, eran de Louisiana, lo que explica que hable también francés. Sus padres decidieron que su nombre sería un homenaje al nombre de soltera de su madre. Su hermana, Solange Knowles, es actriz y cantante.

Se crió en el cinturón de la American Bible, que se extiende alrededor de Houston (Texas), donde la cantante inició su carrera en el coro de la Iglesia Metodista Unida de San Juan y fue bautizada.

Su pastor Rudy Rasmus sigue siendo su asesor espiritual. Donaciones de Beyoncé para la congregación permitieron la construcción de un gran centro para la rehabilitación de jóvenes.

Durante siete años ganó un premio al mérito por la escuela versión de la canción Imagine de John Lennon. Conoció y se hizo amiga de Kelly Rowland, cuya madre trabajó para la familia Knowles; entonces vivían en la misma casa. Viendo que la intención de las dos niñas, para dedicarse a la música era seria, Mathew Knowles, padre de Beyoncé, comenzó a buscar un sello musical. Él vio cómo su trabajo muy bien pagado era rebajado por su empresa, lo que afectó a toda la familia. El alquiler se redujo a la mitad de ellos, y tuvieron que trasladarse a dos apartamentos. Cuando el trío firmó con Columbia en 1996, dio a la familia una segunda oportunidad para mejorar la situación.

Como adolescente, Beyoncé estudio en la Escuela Secundaria para la Realización y Artes Visuales, en Houston, donde mostró su talento musical. Más tarde, ella se dirigió a la Alief Elsik Alto School, también en Houston.

Carrera musical

Destiny's Child

Beyoncé formaba el grupo con LeToya Luckett, LaTavia Roberson y Kelly Rowland. Tras problemas con el representante, LeToya y LaTavia se fueron del grupo y llegaron como suplentes Michelle Williams y Farrah Flankin; esta última abandonó al poco tiempo alegando que era demasiada presión para ella. Formaron el trío finalmente Beyoncé, Kelly y Michelle.

Muchos de los éxitos de Destiny's Child, con más de 60 millones de discos vendidos en todo el mundo, fueron co-escritos y coproducidos por la propia Beyoncé. En 2004 el grupo se volvió a unir para realizar el disco Destiny Fulfilled, con el que alcanzaron los primeros puestos en las listas de éxitos con los sencillos Lose My Breath y Soldier. En 2005, para finalizar la carrera del grupo, sacaron 1#'s, una recopilación de todos sus éxitos con tres nuevas canciones: Stand Up For love , Check On It (Beyoncé Feat. Slim Thug) y Feel The Same Way I Do.

Carrera en solitario

En 2001, se convirtió en la primera mujer negra y la segunda mujer en recibir el premio El compositor del año de la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores. Beyoncé también se ha incluido numerosas veces en la lista de las 50 mujeres más sexys del mundo.

Durante el otoño de 2002, Knowles hizo una participación especial (featuring) en el éxito Bonnie & Clyde 03, el rapero Jay-Z. En la primavera de 2003, grabó a dúo con Luther Vandross The Closer I Get To You, originalmente hecho famoso por Roberta Flack y Donny Hathaway. En esta nueva versión, las partes vocales fueron modificadas con Vandross para que él cantase las partes de Flack. La canción fue incluida en el primer disco en solitario de Beyoncé y en uno de Luther Vandros, Dance With My Father. Ambos ganaron el Grammy a la Mejor Interpretación de R & B por un Grupo o Dúo en este mismo año.

Dangerously in Love

En 2003, Knowles lanzó su primer álbum en solitario, Dangerously in Love. El álbum se estrenó en el Billboard 200 en la primera semana llegando directamente al 1º lugar, con una venta de 317.000 copias en la primera semana.
Beyoncé en una actuación en Estocolmo, Suecia.

Fue certificado de platino un mes más tarde, el 26 de julio de 2003. El primer single, Crazy In Love(posiblemente su canción más conocida), con la participación especial del rapero Jay-Z, se convirtió rápidamente en uno de los más grandes éxitos de ese verano (y de todo el año), permaneciendo en la cima de la lista Billboard Hot 100, 8 semanas consecutivas. Dangerously in Love llegó también al nº 1 de las listas del Reino Unido y Canadá. El álbum vendió más de 4 millones de copias en los Estados Unidos y 11 millones de copias en todo el mundo. Cuando su primer single y su álbum se reunieron el primero de los EE.UU. y el Reino Unido, se convirtió en la primera artista que alcanzaba este hecho desde los Beatles, Simon y Garfunkel, y Rod Stewart en los años 60 y 70. Beyoncé fue, por lo tanto, uno de los artistas que más discos vendidos de 2003.

A finales de verano, Baby Boy, el segundo single de Dangerously in Love, tuvo la participación especial de Sean Paul, empezó a aumentar en las listas y se convirtió en uno de los más grandes éxitos de 2003, que dominó las frecuencias de radio en el otoño de 2003: 9 semanas en el primer lugar - una semana más que Crazy In Love.

Viniendo para el éxito de Baby Boy, lanzó su tercer single me, "myself and I", a finales de 2003, el cuarto single, Dangerously in Love, Naughty Girl, se puso en marcha en el medio de 2004. Estos dos últimos alcanzaron el cuarto y tercer lugar en el Billboard Hot 100, respectivamente.

En la ceremonia de los Premios Grammy en el 2004, Beyoncé ganó 5 Grammys por su trabajo en solitario. Estos premios incluyen Mejor Performance Vocal Femenino, R & B por Dangerously In Love 2, y Mejor Álbum de R & B de Contemporáneo.

En diciembre de 2005, Beyoncé grabó Check on it, con la participación de Slim Thug y de Bun B.en el remix oficial. La música fue en el primer álbum de Destiny's Child y la banda sonora de la película El Color De Pantera Rosa.

Los Premios Grammy de 2006, Beyoncé ganó un Grammy en la categoría Mejor R & B Peformance Para Doble O Grupo por la música lo tanto, Amazing, un dueto con Stevie Wonder para el álbum Así Amazing: Un All-Star Tribute to Luther Vandross.

B'Day

B'Day se dio a conocer en todo el mundo el 4 de septiembre de 2006 y 5 º en el mismo mes y año en los EE.UU, para celebrar el 25 aniversario de Beyoncé. Este nuevo álbum incluye canciones nuevas co-escritas y producidas por Knowles. Déjà Vu, el primer single del álbum, con la participación especial del rapero Jay-Z, y está co-producido por Rodney Jerkins. Otros co-productores de B'Day son: Rich Harrison, The Neptunes y Swizz Beatz. Knowles ha terminado el trabajo sobre su segundo álbum en solitario en dos semanas.
Beyoncé durante una actuación.

El primer sencillo, Déjà Vu, fue Top 5 en los EE.UU. y en el # 1 de R & B en el gráfico de los EE.UU.. También alcanzó el # 1 en el Reino Unido.

El segundo single, Ring the Alarm", lanzado en Internet el 8 de agosto de 2006. El vídeo, Ring the alarm se inició el 16 de agosto, en Yahoo.com. El tema trata sobre la obsesión de ella por no dejar escapar a su pareja, con la que está por dinero, por lo que no le interesa que éste se largue con otra porque se terminarían los lujos.

Poco después, la diva lanzó Irreplaceable, ha sido el mayor éxito de su carrera, que fue de 10 semanas en primer lugar en los Estados Unidos. En este tema (que escribió rápidamente después de un día de rodaje de la película Dreamgirls inspirándose en la situación que vivía su personaje, Deena Jones, con su marido) Beyoncé le deja claro a su pareja que se puede ir, que no le necesita y que no piensa seguir aguantando a alguien como él.

En 2007, Beyoncé B'Day lanzó la Deluxe Edition, una versión especial de B'Day disco doble. Fue la edición Deluxe que lanzó Beautiful Liar, una canción que no estaba en la primera edición del álbum. A pesar de las diferentes versiones de la música (incluyendo una versión en solitario de Beyoncé, una versión en español y un remix), que resultó solo con la participación de Shakira y convertirse en uno de los grandes éxitos de el 2007(saltó del 93 al 3 en el Hot 100 de USA, y llegó a ser número 1 mundial) y la entrega de los dos VMA Premio a la mejor dúo de 2007.

Get Me Bodied y Green Light fueron los 5º y últimos singles de B'Day (en EE.UU y Europa respectivamente). De Get Me Bodied se hicieron tres versiones. Las dos primeras se encuentran en se encuentran en B'Day y B'Day deluxe Ediditon. Y la última versión es un remix de Timbaland con el rapero latino Voltio. Get Me Bodied aunque no ha sido el gran éxito de la diva entró en Billboard Hot 100 ocupando posiciones bastante elevadas mucho antes de ser nombrado single. B'Day ha vendido más de 6 millones de copias alrededor de todo el mundo. El álbum ha permanecido en las listas dos alrededor de dos años, convirtiéndose en uno de los discos más vendidos de el 2006 y el 2007.

I Am... Sasha Fierce

I Am... Sasha Fierce és el tercer álbum de la cantante norte-americana. El álbum se estrenó mundialmente el 18 de Noviembre, aunque en Japón vio la luz una semana antes. El disco vendió más de 42.000 en su primera semana en Japón, entró en el #1 en Estados Unidos con 482.428 y se colocó en el #1 mundial con un total de 591.000. El disco contaría con singles dobles, es decir, el primer single, no sería una canción, sino dos. Así Beyoncé sacó como primeros sencillos If I Were A Boy y Single Ladies (Put A Ring On It). If I Were A Boy se convirtió rápidamente en un éxito en US y Europa. Al cabo del tiempo Single Ladies (Put A Ring On It) se escaló posiciones en las listas Estado-Unidenses llegando al #1, durante 4 semanas consecutivas, convirtiendo en su nueva seña de identidad.

Los segundos singles son Halo y Diva.

Filmografía

En 2001, Knowles decidió actuar, protagonizada por el actor junto a Mrkhi Phifer, la película de la MTV Carmen: A Hip Hopera.

En el verano de 2002, Knowles co-estrella en la película Austin Powers, el miembro de oro, que hace el papel de Foxxy Cleopatra y contracenando con Mike Myers y Michael Caine. Knowles también grabó la banda sonora de la película, Work it out.ncé El 3 de noviembre de 2002, Beyoncé firmo un contrato publicitario junto a Pink y Britney Spears para Pepsi, las tres juntas hicieron el anuncio. Más tarde Beyoncé hizo otro anuncio junto a Jennifer López y David Beckham, pero no fue tan exitoso.

En 2003, Beyoncé junto y el actor Cuba Gooding Jr. protagonizaron, The Fighting Temptation y grabó una canción para ellos, Fighting Temptation, con la participación especial de Missy Elliot, MC Lyte y Free.

La cuarta película de Beyoncé fue, La Pantera Rosa (2006), haciendo el papel de Xania, una cantante de pop, junto a Steve Martin, que hizo atrapalhado papel del Inspector Clouseau. La película fue lanzada el 10 de febrero de 2006.

Su mayor éxito fue Dreamgirls (2007), su última película, en la que trabajó junto a grandes estrellas, incluyendo Eddie Murphy y Jennifer Hudson. Por esta película, obtuvo una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical, siendo ganada por Meryl Streep por El diablo viste de Prada.

Se espera para inicios de diciembre de 2008 su película Cadillac Records en la cual también están Adrien Brody y Jeffrey Wright, ésta es una película ambientada en los años 50's en Estados Unidos y en la cual Beyoncé interpreta a Etta James. Su última película es Obssesed la cual protagoniza y se espera para abril de 2009 en los Estados Unidos.

Pagina: http://www.beyonceonline.com/

Illya Kuryaki and the Valderramas

Illya Kuryaki and the Valderramas fue un duo de rock, hip-hop, funk y soul conformado por Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur. Con sus espectaculares canciones lograron marcar un antes y un despues en la historia del rock argentino.

Historia

Inicios

Se conocieron desde muy chicos, gracias a la amistad que tenían sus padres, Luis Alberto Spinetta y Eduardo Martí.

En 1987, con sólo 12 y 11 años, Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur deciden formar junto a sus hermanos menores (Emmanuel, Lucas, Guadalupe, Dante, Valentino y Catarina) Pechugo, una versión roquera de Menudo.

Un año después, Luis Alberto Spinetta, incluyó en su disco Téster de violencia la canción "El mono tremendo", en la que el estribillo es interpretado por Pechugo. Con esta banda, participaron en un recital del Teatro Brodway, en donde interpretaron la canción, siendo elegida como la mejor del año según varias encuestas.

Ya para 1990, Emmanuel y Dante abandonan Pechugo y forman Illya Kuryaki & the Valderramas, nombre que proviene de dos cosas: el primero, Illya Kuryaki es como se llamaba el personaje de El agente de CIPOL y el otro, The Valderramas hace referencia al apellido del eterno colombiano Carlos Valderrama; representando lo blanco/sajón y lo negro/latino de su música. Algunos de los integrantes de Pechugo siguieron con proyectos paralelos, como A-tirador Láser, creado por Nahuel Vecino y Lucas Martí (hermano de Emmanuel); y más tarde Geo Ramma formado por Valentino Spinetta y Alejandro Tocker.

Fabrico cuero (1991-1992)

Recién en 1991, editan su primer álbum Fabrico cuero, donde sintetizan sonidos raperos, con letras irónicas y melodías pegadizas, como "Es tuya Juan".

Para ese momento, los medios públicos los acusaban de ser populares gracias a sus respectivos apellidos, en vez de sus habilidades musicales. Pero, esto cambió cuando el reconocido músico Charly García los invitó a tocar en uno de sus shows de ferro, para interpretar "Fabrico Cuero" y "Rap del Exilio".

Ese mismo año debutan en el festival de La Falda, y son elegidos como grupo revelación en el suplemento Sí de Clarín. Al año siguiente compartieron escenario con L.A. Spinetta en Venezuela.

Horno para calentar los mares (1993-1994)

En 1993, sacan a la venta su segundo trabajo, titulado Horno para calentar los mares, con un nuevo sello discográfico, PolyGram. A pesar de haber evolucionado musicalmente, este disco no tuvo gran difusión. Recién en este año, ellos mismos empiezan a grabar sus instrumentos, Dante en guitarras y Emmanuel en bajos. El álbum contó con la participación de Tweety González. Su actual sello, tenia fijado para no rescindir el contrato, una venta mínima de 20.000 discos. El álbum solo tuvo 15.000, por lo que se quedaron momentáneamente sin casa discográfica.

Chaco (1995)

Con los ahorros que tenían, se metieron de lleno a grabar lo que sería su más exitoso álbum. Para este trabajo, optaron por fundar su propia discográfica, Gigoló Productions.

Chaco fue todo un éxito, ya que vendió la cantidad de 250.000 copias y les permitió llenar el estadio Obras. El primer corte del álbum, fue el famoso tema "Abarajame". El video del tema "Abarajame" (dirección A. Hartmann / A. Taube), recibió el premio MTV latino al mejor video del año 1996.

Según los miembros de la banda: "Chaco es un resumen de lo que nos pasó musical y socialmente en los últimos tiempos. El disco propone una nueva mente en la que no haya lugar para las discriminaciones ni la opresión". De ahí sale el nombre Chaco, que es una de las pocas provincias de la Argentina en donde todavía habitan aborígenes.

En este año, comenzaron a mostrar en sus videos su fanatismo por las artes marciales.

Ninja Mental MTV Unplugged (1996)

Luego de su gran éxito con Chaco, Mtv los llama para grabar una versión acústica de sus canciones. Grabado el 20 de abril de 1996, el Illya Kuryaki & the Valderramas Unplugged demostró la calidad del sonido en vivo que puede tener la banda. Hicieron versiones diferentes de temas muy conocidos e incluyeron dos nuevas canciones que luego se integrarían a lo que sería Versus.

Versus (1997-1998)

Ya en Estados Unidos, empezaron la preparación de Versus, su quinto album de estudio. Trabajaron enteramente en dos estudios de ese país, Ocean Recording Studio en California y Battery Studio en Nueva York. Este trabajo, se inclina más por el Soul y el Funk y deja un poco de lado el Rap y el Acid Jazz.

El resultado, fue un disco muy elaborado. El primer corte fue "Expedición al Klama Hama". Y un año más tarde,su segundo corte "Jugo" se hizo popular,tanto que,fueron nominados en 1998 en dos categorías de los MTV Music Awards 98 por el video "Jugo". Ese año MTV dividio los premios para "la Gente" en dos categorías: Uno para el mejor video de señal Norte y el otro para mejor video según la señal del Sur. Y su video fue nominado en esas dos categorías.

Leche (1999-2000)

El 26 de junio de 1999, logran empapelar la ciudad de Buenos Aires, con afiches que decían: "A mover el coolo (se acaba la era)". Lamentablemente, un funcionario (se supone el militar Ais) intimó a levantar los carteles del sello publicitario Universal alegando que era un "escrache personal".

A las horas, El Sindicato de la Moral de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires amenazó con quitarle la licencia a la compañía discográfica si no quitaba los carteles en 24 horas.

Luego de esto, aparece Leche, un disco cargado de Música afroamericana y Funk, pero nunca olvidando las baladas características de esta banda. Se caracteriza por temas que hablan del apocalipsis y el fin del milenio, como "se acaba la era". Este disco tuvo difusión en México, el video de Jeniffer del Estereo fue grabado en el Mercado de La Merced

El disco contó con la participación especial del bajista norteamericano Bootsy Collins que produjo junto a Dante y Emmanuel la canción 'DJ Droga', el ex bajista de Funkadelic y Parliament, se presenta en la introducción de la canción con la frase 'My Name is Bootsy Collins, vieja!"

Kuryakistán (2001-2002)

Este fue el álbum con el que Illya Kuryaki and the Valderramas se despidió del público. Dante, dijo respecto a este álbum: "Nosotros no estamos haciendo quilombo con lo de la separación, así que podremos volver cuando queramos". Este disco, incluye nuevas versiones de viejos temas, remixes y los hits más elocuentes de su carrera, más otros cuatro temas nuevos.

Estilo Musical

El estilo musical de los Illya Kuryaki siempre fue cuestionado. Se decía mucho que abarcaban mas el soul y el funk. Tambien abarcaban otros géneros como Rock Fusión y Música Alternativa sin dejar de lado el hip-hop y un estilo afroamericano de categoria sensual. Tambien entre sus influencias se destacan artistas como Prince y Música de los 70's y 80's, asi mismo como Bruce lee, en cuanto al estilo luchadores y aficionados a las artes marciales y Michael Jacksonen cuanto a sus pasos y bailes musicales. Y también otro artista que vemos como una influencia musical para los IKV Jamiroquai.

Artistas Similares a IKV

Podemos mencionar a muchos artistas del rock latino como : Los Aterciopelados, Café Tacvba, Soda Stereo y Azul Violeta. Y en cuanto al Rap Latino: Geo Ramma, Los Tetas, Control Machete o la Mala Rodríguez.Y sin dejar de lado la influencia que provocaron, pués se le consideraron como grupo raro, y entre algunos grupos mencionamos a Julieta Venegas y Chetes. Entre otros.

El fin del precipicio rojo

Como titula una de sus grandes canciones del disco 'Versus', después de 11 años de carrera juntos, el fin estaba cerca. La trágica muerte del manager y amigo del dúo, José Luis Miceli, marcó un antes y un después en ambos músicos. El disco 'Kuryakistan' dedicado en la memoria de José Luis, que tanto había colaborado con el crecimiento de la banda, quedó inmortalizado por dos canciones como 'A-Dios' y 'Hermano'.

La banda se disolvió en el 2001 y su última presentación en La Trastienda, un espectáculo memorable. Creadores de un estilo único en la Argentina, con su 'Deformidad' lograron ser reconocidos en toda Latinoamérica.

Luego de la separación

Tanto Dante como Emmanuel continuaron con sus carreras, pero en forma solista. Emmanuel se concentraría en el Rock-Pop y actualmente Pop; mientras que Dante preferiría el Hip-Hop.

Para sorpresa de todos, Dante y Emmanuel se reúnen en el mismo escenario otra vez, para tener una presentación especial en el Festival Vive Latino 2008, es la última vez que se les vio tocando como Illya Kuryaki and the Valderramas. Alli interpretaron "Abarajame" y "Jugo".

Cabe destacar que en sus respectivos discos solista, ambos han colaborado mutuamente en algunas canciones.

Pagina: http://www.mundokuryaki.com.ar/

Rock and roll

Rock and roll, rocanrol, rock'n'roll o meramente rock es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de folclore estadounidense (rhythm and blues, hillbilly, country y western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1950.

El vocablo "rock" deriva del término rock and roll y hoy día conserva dos significados según la Real Academia Española: "un género musical característico y popularizado en los 50" (que se corresponde con la definición de rock and roll[3] ) y cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll, (que sería la definición del género contemporáneo música rock, y que históricamente vino cumpliendo el término rock and roll). Sin embargo, independientemente en la práctica existen muchos artistas dentro de la música rock que, sin realizar rock and roll de los 50, continúan denominando a su música "rock and roll".

Por otro lado, aunque el Diccionario de la lengua española en su vigésima segunda edición reconoce el término rock and roll como voz inglesa a modo de anglicismo, en el avance de la vigésima tercera edición el artículo ha sido enmendado tomando rocanrol como término en español derivado del inglés.

Historia

Primeros cantantes y orígenes

En la década de 1950, en Estados Unidos, los adolescentes buscaban nuevos sonidos, nuevas sensaciones. Por primera vez, una música se dirigía directamente a ellos: el rock and roll

En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cánticos religiosos y ritmos propios que marcaban los días de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel entonces. A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos africanos se hacían presentes generando en un estilo propio y diverso que luego se materializó en el blues, el cual se convertiría en el ingrediente musical que más tarde revolucionaría la música a nivel mundial. Por otro lado también la influencia de los músicos blancos a través del género musical denominado country y la aparición de la guitarra eléctrica daría nacimiento a lo que se llamó rhythm and blues, padre del rock and roll. Uno de sus precursores fue Muddy Waters en 1949.

El término rock and roll empezó a utilizarse para aminorar musicalmente el popular ritmo rhythm and blues, el cual denotaba en demasía las luchas raciales para la época, y aunque en esencia los dos géneros musicales representaban lo mismo, se quiso diferenciar uno del otro para dar paso a los cantantes blancos y a la música que no mencione el conflicto racial.[cita requerida]

El rock and roll (o rocanrol) emergió como un género musical definido en Estados Unidos en la década de 1950. Los inicios del rock and roll combinan elementos del blues, boogie woogie, y jazz con influencias de la música folclórica Apalache (hillbilly), gospel, country y western especializado. Muddy Waters muchas veces ha sido acreditado como el músico que "pavimentó" el camino hacia el rock and roll.

Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley's Comets, especialmente con Crazy man crazy (1954) y su gran éxito Rock Around the Clock (1955), que tanta influencia tendría en John Lennon. Otros consideran como creador a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha del comienzo del rock and roll a 1954, año en el que Presley editó su primer disco. Entre los músicos destacados de la época se pueden citar a Little Richard, Bo Diddley, Fats Domino, Buddy Holly, Gene Vincent entre otros.

Desarrollo y evolución

A partir de los años 60 el rock and roll tuvo un importante desarrollo y evolución que se expresó a través de una gran cantidad de bandas y variedad de ritmos y estilos que convirtió el rock and roll en un fenómeno cultural y musical que se extendió alrededor del mundo. El estilo es una conjunción rítmica que se cimenta esencialmente sobre la música negra. La popularización del rock and roll sirvió para que muchos músicos, pudiesen expresarse y llegar a difundirse en medios locales y nacionales. Esa es la historia de muchos rockeros negros, como el mismo Chuck Berry, quien plasma la realidad social de su entorno en la canción "Johnny B. Goode".

No es sino a partir de los años 1960, cuando el rock and roll decae y deja de ser el ritmo que representaba a los jóvenes rebeldes en los 50, dando paso al género denominado rock o música rock, que marcaría un hito entre la naciente generación joven de los 60.

Sin embargo, del rock and roll nacieron distintos subgéneros como el rockabilly, doo wop o el hard rock, y fenómenos como el de los Teen Idols o las Girl Groups, estos últimos patrocinados principalmente por Phil Spector[5] y de él han derivado géneros como el heavy metal, el garage rock, el punk rock, el rock progresivo o el glam, y entre todos ellos siguen existiendo elementos comunes provenientes del rock n' roll. Así, Lennon definió al Glam, como "rock n' roll con pintalabios", y a algunos artistas de hard rock o heavy metal como Motörhead o AC/DC les agrada definirse como músicos de rock n' roll.

Análisis musical

En sus inicios y en el estado menos evolucionado, el rock and roll fue un estilo de música sin ninguna influencia blanca,[cita requerida] que se sirvió de las nuevas técnicas de amplificación de guitarra para comenzar a darle el rol fundamental que lo caracterizaría el resto del siglo. Aparte de la guitarra, la batería y el piano fueron elementos igualmente fundamentales.

La progresión de acordes es originaria del blues, es decir, Fundamental - Subdominante - Fundamental - Dominante - Subdominante - Fundamental; pero el tempo es elevadisímo, además incluía arreglos y voces para secciones de metal y coros.

La improvisación también juega un papel dentro del género, utilizando la escala pentatónica con un par de alteraciones, lo que pasará a ser conocido posteriormente como "escala de blues".