Negu Gorriak

Negu Gorriak (que en castellano significa «Inviernos Crudos» ) fue un grupo de música rock de fusión fundado en Guipúzcoa en 1990. Su influencia ha sido muy grande en el desarrollo del rock tanto en el País Vasco como en el resto de España y Francia. Han sido calificados como una de las bandas de rock español «más importantes de los noventa».

El grupo lo formaron los hermanos Fermin e Iñigo Muguruza (ex-miembros del grupo Kortatu) junto a Kaki Arkarazo (miembro de M-ak y también ex-Kortatu). En 1990 se unió Mikel «Anestesia» (guitarrista de Anestesia) y en 1991 hizo lo propio Mikel «BAP!!» (batería del grupo BAP!!), manteniéndose esta formación hasta su disolución en 1996.

Musicalmente hablando practicaban una música de fusión que pivotaba sobre tres estilos fundamentales para la banda: rock, rap y reggae, además de la música tradicional vasca.

Su compromiso político fue total, empezando por la elección del euskera y siguiendo tanto en la forma de trabajar como en la temática de sus canciones. Eligieron la autogestión y para ello crearon el sello Esan Ozenki. Bajista y batería fueron insumisos, realizaron una gira por El Salvador de apoyo al FMLN, su primer concierto lo ofrecieron frente a la cárcel de Herrera de la Mancha...

Fueron denunciados por el general de la Guardia Civil Enrique Rodríguez Galindo por la letra de su canción «Ustelkeria», en la que mencionaban las acusaciones de tráfico de drogas que se le hacían desde diferentes medios de comunicación, aunque fueron absueltos en 2001. Con motivo de su absolución, celebraron tres conciertos de despedida (aunque oficialmente se disolvieron en 1996, la disolución legal no fue hasta 2001) a los que acudieron en total más de 30.000 personas.

Publicaron un total de seis discos de estudio, un directo y un recopilatorio con material que el grupo había esparcido entre singles, colaboraciones con otros músicos y grupos (Mano Negra, Inadaptats, BAP!!...) y aportaciones a diferentes recopilatorios. Su tercer álbum, el doble LP Borreroak Baditu Milaka Aurpegi (1993) es considerado su obra maestra, y ha sido calificado como «la bomba ... uno de los mejores CDs editados, en cualquier lengua y en cualquier lugar, en los 90».
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Historia

«Si pensamos que en el futuro vamos a perpetuar el estilo, disolveremos el grupo. Si pensamos que vamos a seguir haciendo algo rompedor y vamos a estar muy convencidos de ello, entonces seguiremos adelante»

Fermin Muguruza.

Los comienzos: 1989-1990

Después de disolver Kortatu, los hermanos Fermin e Iñigo Muguruza acordaron con Kaki Arkarazo (quien ya había trabajado con ellos produciendo Kolpez Kolpe y ejerciendo de segundo guitarrista de Kortatu en la última gira del grupo) hacer algo juntos en el futuro, pero sin concretar nada. En 1989, los tres se pusieron a trabajar en la bajera de la casa de Kaki, donde éste tenía un pequeño estudio de grabación. Fermin se ocupaba de los textos, mientras que Iñigo y Kaki (sobre todo este último) se ocupaban de musicarlos y de grabar los diferentes samplers que utilizaron, explorando la fusión del rock con nuevos sonidos. Entre ellos, están el rap (los tres son grandes fans de Public Enemy ) y la música negra en general como soul y funk (de la que Kaki es un gran aficionado), además de hardcore, ritmos latinos, etc.

A finales del 89, Xabier Montoia (cantante de M-ak) habló con Fermin para encargarle una canción para un disco tributo a Mikel Laboa que estaba coordinando. El disco iba a contar con grupos veteranos y nuevos. Fermin tomó el testigo y, junto a Kaki e Iñigo, empiezaron a preparar diferentes temas bajo un secretismo absoluto. Más tarde, Fermin admitiría que la excusa de estar trabajando para el disco homenaje le permitió ocultar el nacimiento de Negu Gorriak. El disco fue, pues, la excusa perfecta para que los tres pudiesen ensayar sin que empezasen a propagarse rumores.

Así, el grupo se presentó en Txerokee, Mikel Laboaren Kantak (1990). Eligieron hacer una versión de «Gaberako aterbea» («Refugio nocturno»), una canción basada a su vez en el poema «Die Nachtlager» de Bertolt Brecht, que apareció en el LP de Laboa 12 (1989). De algunos versos del poema obtuvieron el nombre del grupo, Negu Gorriak:

Kontatu didaten Nueva York-en
Broadway eta 26 karrikaren kantoian,
negu gorrian, gizon batek gauero ...


Me han contado que en Nueva York
en la esquina de la calle 26 con Broadway
en los meses de crudo invierno, hay un hombre todas las noches que ...

Fermin presentó oficialmente al grupo en la columna en la que escribía entonces en el diario Argia. La formación entonces era la de Fermin a la voz principal y Kaki e Iñigo a las guitarras.

En junio de 1990 apareció su primer disco: Negu Gorriak (Oihuka), donde suplieron la falta de base rítmica con una caja de ritmos. El grupo decidió no salir de gira por el momento. Su primer gran concierto lo reservaron para la marcha que hacen todos los años familiares de presos de ETA a la cárcel de Herrera de la Mancha, organizado por la Gestoras Pro Amnistía. Para este concierto se les unió como bajista Mikel «Anestesia», guitarrista del grupo Anestesia. A la marcha acudieron unas 13.000 personas. Después de los mítines políticos le tocó el turno a Negu Gorriak, quienes interpretaron las canciones de su primer álbum además de «Oker dabiltza», en homenaje a Josu Muguruza y una versión del villancico popular «Hator, hator», canciones que habían aparecido en un single editado con Basati Diskak. El concierto apareció en 1991 en formato vídeo: Herrera de la Mancha. 90-12-29. El vídeo fue co-editado por Esan Ozenki y las propias Gestoras. Los beneficios de su venta fueron donados a éstas.

La consagración: 1991-1993

En 1991 hubo dos acontecimientos en torno a la banda fundamentales para su devenir. El primero fue la consolidación de una formación estable con la incorporación de Mikel «BAP!!» a la batería, con lo que el trío inicial se configuró definitivamente como quinteto. El segundo fue la fundación de su propia compañía discográfica: Esan Ozenki Records («Grítalo Alto»). Además de sus propios discos, decidieron hacer lo propio con otros grupos vascos que cantaran en euskera. Posteriormente crearían el sub-sello Gora Herriak («Vivan los Pueblos») con el queían a bandas que cantaban en otras lenguas.

La noticia de la creación de Esan Ozenki fue paralela al anuncio de la publicación de su nuevo disco Gure Jarrera («Nuestra Posición»), que fue unánimemente alabado por la crítica musical. Desde Radio 3 (les premió como «banda en directo del año» ), El País («una de las bandas más innovadoras de Euskadi» ), El Independiente («El primer disco de Negu Gorriak era tremendo. Éste es aún mejor» ) o El Correo, que destacó el álbum como «disco de la semana», ) hasta la prensa musical especializada, como Bat, Bi Hiru («su mundo musical es infinito» ) o Rockdelux, que eligió Gure Jarrera como mejor disco nacional del año.

Durante 1991 y 1992 el grupo realizó dos giras internacionales. La primera fue Gora Herria/Power to the People Tour 91 que les llevó por países como Francia, España, Italia, Reino Unido o Cuba. La segunda fue el Tour 91+1. Tocaron en Alemania, Francia, España, Italia y, por primera vez, México y Estados Unidos (donde telonearon a Fugazi). Como testimonio de ambas giras aparecieron dos referencias: la primera fue el maxi-single Gora Herria (1991), que contenía una remezcla de la canción «Gora Herria» (en la que colaboraron Manu Chao y Joseba Tapia) y varios cortes grabados en directo durante la gira del 91. La segunda fue el vídeo Tour 91+1 (1992), con imágenes de las dos giras.

En 1993 apareció, según la crítica, la obra cumbre del grupo, el doble vinilo Borreroak Baditu Milaka Aurpegi («El verdugo tiene mil caras»). Aunque hubo medios que entonces calificaron el trabajo de «pretencioso», el hecho es que incluso diarios conservadores como ABC o El Correo Español se mostraron elogiosos respecto al nuevo álbum de Negu Gorriak. Rockdelux volvió a premiarles con el primer puesto de la lista de mejores discos nacionales (algo que, hasta 2006, no se repitió: sólo Negu Gorriak y Sr. Chinarro han colocado dos discos en el número uno de la citada revista) y con el puesto número 30 en la lista de «los 100 mejores discos españoles del siglo XX».

En mayo, el Teniente Coronel de la Guardia Civil Enrique Rodríguez Galindo demandó a Negu Gorriak y a Angel Katarain (técnico de sonido de la banda) por un delito de «daños al honor y difamación del buen nombre». El motivo fue la canción «Ustelkeria» (del álbum Gure Jarrera), en la que Negu Gorriak acusaron al Coronel de narcotráfico, basándose en un informe del fiscal donostiarra Luis Navajas que había sido previamente publicado por diferentes medios de comunicación. Galindo exigió un pago de 15 millones de pesetas (90.000 euros), además de no poder tocar la canción en directo, ni incluirla en futuras reediciones del disco. Esta denuncia dio origen a una larga batalla legal, que terminó resolviéndose a favor del grupo en 2000.

En septiembre el grupo se embarcó en su gira europea más ambiciosa, Itxurakeriari Stop!! Hypocrisy Tour 93, la más larga que realizaron en su historia y que les llevó hasta Austria, la República Checa, Italia, Alemania, Países Bajos, Bélgica, Francia y España, terminando el 30 de octubre en Bilbao ante 9.000 personas. El concierto se grabó y se editó como Hipokrisiari Stop! Bilbo 93-X-30 (1994).

El impacto de Latinoamérica

A lo largo de 1994 Negu Gorriak no editó ningún trabajo de estudio. Kaki se perdió la gira solidaria que Negu Gorriak realizaron por El Salvador en apoyo del FMLN, debido a una operación en la que le extirparon el bazo y la vesícula. Debido a su ausencia, el grupo giró con el nombre de NG Brigada.

Con Kaki recuperado, el grupo al completo marchó a una nueva gira por América Latina, el Hegoamerikan Tour 94. Durante los últimos días de septiembre y los primeros de octubre los vascos recorrieron Chile, Argentina y Uruguay. La gira fue muy accidentada (con varias fechas canceladas), debido a los incidentes ocurridos meses atrás, cuando el el Gobierno de Uruguay decidió extraditar a tres supuestos miembros de ETA, quienes iniciaron una huelga de hambre y sed. La decisión del Gobierno originó una serie de protestas civiles que se saldaron el 24 de agosto con la muerte, a manos de la Policía, de dos ciudadanos uruguayos: Fernando Morroni y Roberto Facal (ambos por heridas con armas de fuego).

A modo de resumen de lo hecho durante el año,on otro vídeo, Negu Gorriak Telebista.

Las experiencias en Latinoamérica marcaron profundamente al grupo, que dio un giro en su sonido hacia ritmos latinos. Así, en mayo de 1995 apareció el cuarto trabajo de estudio de los vascos, Ideia Zabaldu («Difundir la idea»). La introducción de este tipo de sonidos hizo que el disco resultase mucho más positivo que el claustrofóbico Borreroak.

Al álbum le siguió una nueva gira, el Ideia Zabaldu Tour 95, una gira de un mes por Europa. Durante su periplo español, estuvieron acompañados por Todos Tus Muertos, con quienes habían organizado el Hegoamerikan Tour 94.

La campaña «Hitz Egin!»
Fermin Muguruza durante un concierto de Negu Gorriak en Pamplona en 1992.

Aunque la demanda de Galindo fue desestimada en los Juzgados de Primera Instancia, la Audiencia Provincial de Donostia falló a favor de éste, lo que hacía peligrar el futuro del grupo y la discográfica, ya que no disponían de los más de 90.000 euros que les pedía el recién ascendido a General. El grupo recurrió ante el Tribunal Supremo.

Aunque la sentencia estaba en espera de ejecución hasta que se fallase el recurso interpuesto por el grupo, Negu Gorriak empezaron a prepararse por si el resultado final les era desfavorable. Los 90.000 euros implicaban que el grupo debería vender Esan Ozenki, junto con todos los másters de grabación de los álbumes editados hasta el momento por el sello.

El grupo comenzó la campaña internacional de solidaridad Hitz Egin! («¡Habla!», en castellano), en «apoyo de la libertad de expresión» y con la idea de recaudar el dinero necesario para hacer frente a los costos de la demanda en caso de perderla.

Esan Ozenki organizó un festival en el que tocaron gran parte de los grupos que grababan para el sello. El macro-concierto se celebró el sábado 28 de octubre en Oyarzun (Guipúzcoa). Dos días antes, las entradas se agotaron: acudieron más de 12.000 personas. En total fueron 9 horas para los 15 grupos, que estuvieron repartidos en dos escenarios: BAP!!, Nación Reixa, Xabier Montoia, Deabruak Teilatuetan, Ama Say, Su Ta Gar, Banda Bassotti, Anestesia, Kashbad, Baldin Bada, Dut, Lin Ton Taun, EH Sukarra, Etsaiak y los propios Negu Gorriak.

Además, en 1996 aparecieron tres grabaciones solidarias para recaudar fondos para el grupo. La primera fue Ustelkeria. El álbum contenía rarezas, material esparcido en sus singles y un tema inédito. Se realizó una tirada limitada (1.500 copias) que se vendieron a 5.000 pesetas (unos 30 euros) cada una. El disco no se distribuyó por tiendas, se vendió sólo por correo y acompañado de un libreto con información sobre el juicio. ,

La segunda grabación solidaria fue Irabaziko dugu, un single editado en Francia con dos canciones, una de Negu Gorriak y otra de BAP!!.

La tercera fue en recopilatorio editado junto con la discográfica italiana Radio Tandem: Parla! Libertà d'espressione, editado en Italia por Radio Tandem y en España por Esan Ozenki-Gora Herriak. En el recopilatorio apareció el tema de Negu «Ume hilak» («Niños muertos»).

La disolución: 1996

1996 empezó para Negu Gorriak con varios conciertos, actuando como cabezas de cartel en el Espárrago Rock (Granada) y, junto a Zebda, Dut y Ice-T & Body Count en las jornadas organizadas por las asociaciones juveniles de la izquierda abertzale Jarrai y Gazteriak.

En abril realizaron una nueva gira americana: el Begirunea Tour 96, en el que tocaron en Los Angeles y México, en unas jornadas solidarias con el EZLN. Mikel «BAP!!» y Fermin decidieron viajar a La Realidad, un Municipio Autónomo Zapatista donde conocieron al Subcomandante Marcos y otros líderes zapatistas. Cuando el grupo volvió al País Vasco, Mikel «BAP!!» decidió quedarse una temporada más en México, siendo detenido cuando se presentó en la Oficina de Migración a regularizar su situación. Fue liberado tres días más tarde y expulsado del país. Las autoridades mexicanas informaron al Consulado Español de que el músico había sido detenido por «entrar al país con documentos falsos y actuar en locales pese a carecer de una visa que le permitiese actuar para obtener ganancias», pero Mikel manifestó en una entrevista en Egin que pensaba que la detención estuvo relacionada con su visita a La Realidad.

El 31 de octubre, Fermin anunció en el diario Egin la disolución del grupo. En la columna, Fermin sintetizó la trayectoria del grupo (habló de la creación de Esan Ozenki y de una «internacional del rock»), anunciando también que el punto y final lo pondría un nuevo disco de estudio, Salam, Agur, compuesto enteramente por versiones de grupos que les habían influenciado como The Clash, Minor Threat, Bob Marley, Redskins, The Who u Otis Redding. El grupo prometió volver si ganaban el juicio pendiente contra Galindo.

El 7 de junio de 2000, el Tribunal Supremo absolvió a Negu Gorriak de todos los cargos al considerar que la querella de Galindo estaba mal planteada, pues se había de aplicar un litisconsorcio pasivo necesario, y no se había llamado a juicio ni dado posibilidad de defensa a uno de los coautores de la canción. Los abogados de éste no recurrieron, y los componentes de Negu Gorriak anunciaron, en enero de 2001, su absolución y la celebración de dos conciertos como despedida final y agradecimiento a todo el apoyo recibido durante el proceso.

Los conciertos se celebraron en febrero en Bayona (4.000 personas) y en el velódromo de Anoeta en San Sebastián (13.000 personas). Debido a la venta masiva de entradas (se agotaron en menos de un mes) y a la expectación creada, el grupo anunció que se realizarían dos conciertos en Anoeta. Además, se reeditó Ustelkeria para su venta en tiendas. El grupo, como muestra de agradecimiento, hizo llegar dos entradas y la nueva edición de Ustelkeria a todas las personas que habían colaborado con ellos en sus campañas de solidaridad.

Como teloneros llevaron a Banda Bassotti y Selektah Kolektiboa. Los italianos llegaron justos al concierto de Bayona, ya que en el aeropuerto de Roma, cuando salían hacia el País Vasco, fueron agredidos por grupos de skinheads neonazis, quienes les impidieron tomar el avión a su hora. Tuvieron que salir del aeropuerto escoltados por la policía italiana, aunque finalmente consiguieron llegaron a Bayona in extremis.

Alrededor de 30.000 personas fueron testigos de los tres últimos conciertos de Negu Gorriak.

Trayectorias posteriores

Tras su separación en 1996 todos los componentes, excepto Fermin, tenían proyectos en paralelo a la banda con los que continuaron sus carreras musicales.

Fermin Muguruza

Fermin Muguruza se unió al grupo Dut editando en 1997 el disco Ireki Ateak (acreditado a Fermin Muguruza eta Dut). Un año más tarde apareció un disco recopilatorio de toda su carrera anterior, con canciones de los grupos en los que había participado o con los que había colaborado: Amodio eta gorrotozko kantak/Canciones de amor y odio (1984-1998).

Posteriormente comenzó su carrera en solitario, profundizando en la fusión de ritmos como el reggae, drum'n'bass, dub, soul, rap y rock. En 2008 apareció su último trabajo, Asthmatic Lion Sound Systema. Con este trabajo, el músico de Irún contabiliza siete discos de estudio (Brigadistak Sound System, 1999; FM 99.00 Dub Manifest, 2000; In-komunikazioa, 2002, Xomorroak (Bizitza lorontzian)/Bichitos (La vida en el tiesto), 2005 y Euskal Herria Jamaika Clash, 2006), dos discos de remezclas (ErREMIXak, 1999, remezclas de Brigadistak... e Irun Meets Bristol. Komunikazioa, 2003, remezclas de In-Komunikazioa) un disco en directo (Sala Apolo, Barcelona 21/01/04, 2004) y dos recopilatorios (el citado Amodio... y un DVD/CD 99-04, 2005; con canciones inéditas en ninguno de sus álbumes) y Bass-que Culture. Además, en 2007 apareció un documental sobre la grabación de Euskal Herria Jamaika Clash en Jamaica. Ha compuesto las bandas sonoras de varios cortos (aparecidas en 99-04) y de Mirant al cel, un documental sobre el bombardeo de Barcelona durante la guerra civil (aparecido en 2008 en CD como Mirant al cel).

En 2006, con motivo del cierre de Metak, Fermin volvió a apostar por la autogestión lanzando un nuevo sello: Talka Records.

Iñigo Muguruza

Iñigo continuo con la carrera de Joxe Ripiau (grupo que había formado en 1996 junto a su hermano Jabier y Sergio Ordóñez), con quienes dio rienda suelta a su pasión por los ritmos caribeños, mezclando el ska con merengue, cumbia, salsa o raggamuffin. En 1998 se incorporó Asier Ituarte. Grabaron cuatro discos hasta su disolución en 2000: Positive Bomb (1996), Karpe Diem (1997), Paradisu Zinema (1998) y Bizitza Triste eta Ederra (2000).

En el año 2001 fundó el grupo Sagarroi junto a dos jóvenes músicos: Uno de Irún, Carlos Zubikoa y otro de Eibar, Gorka Baskaran, ex-miembro del grupo de hardcore Be Quiet. El grupo se mantiene actualmente en activo y han editado cuatro álbumes: Meatzaldea (2001), Euria ari duela (2003), Toulouse (2004) y Baleike (2006). Sagarroi surgió en un principio como un grupo de hardcore, punk y rock (muy influenciados por Fugazi), en el que Iñigo dio cabida a los ritmos y canciones que no encajaron con el repertorio de Joxe Ripiau. Con la entrada de Asier Ituarte en 2002, el sonido giró hacia el ska y los ritmos latinos, volviendo así a la onda de los Ripiau.

Kaki Arkarazo

Kaki Arkarazo continuó junto con Antón Reixa en el grupo Nación Reixa. En 1994 habían publicado su primer álbum (Alivio Rápido). Con la incorporación de Mikel Abrego, publicaron su segundo y último trabajo: Safari Mental (1997). Se separaron y ayudó a Antón con su primer álbum en solitario: Escarnio (1999).

Además, Kaki se dedica a la producción discográfica (carrera que inició desde sus comienzos en la música), habiendo producido discos de grupos como Fermin Muguruza, Dixebra, Os Diplomáticos de Monte-Alto, Chucho, Kashbad, Anari, Amparanoia, Betagarri, Banda Bassotti, Atom Rhumba, Manta Ray, La Muñeca de Sal, Inoren Ero Ni , Los Deltonos o Guerrilla Urbana.

En el año 2000, fundó su propio estudio de grabación: los Estudios Garate.

Mikel «Anestesia»

Mikel Kazalis continuó su carrera con su antigua banda Anestesia, con los que lleva publicados el EP Toki berean (1991) y los álbumes Gorrotoaren Ahotsa (1993), Erantzun (1995), Gu (1997), Ultra-komunikatzen (2000) y, tras un parón de varios años, Terapia (2006).

En 1997 apareció un nuevo proyecto de rock industrial llamado 2 Kate, junto a Izaskun Forkada. Publicaron un par de LPs (Bide Laburra, 1997 y Birziklatu, 1999). Se disolvieron en 1999 sin alcanzar mucho éxito.

En 2001, después de aparcar momentáneamente a Anestesia, Mikel comenzó a tocar con Kuraia, grupo de punk-rock que pretendió ser un proyecto puntual pero que todavía hoy siguen en activo. Con su primer álbum se convirtieron en todo un fenómeno, alcanzando un gran éxito de crítica y público, en gran parte debido a su directo. Actualmente son una de las puntas de lanza del nuevo rock vasco. Han editado tres álbumes: Kuraia (2001), Iluntasunari Barre (2003) y Piztu da Piztia (2005).

Mikel «BAP!!»

Mikel Abrego ha sido el más prolífico de los cinco miembros. Además de tocar la batería en todos los álbumes en solitario de Fermin Muguruza (excepto Euskal Herria Jamaika Clash) y de formar parte de las banda de éste en concierto (Fermin Muguruza Dub Manifest, Fermin Muguruza Kontrabanda y Afro-Basque Fire Brigade), ha colaborado en varios proyectos musicales.

En 1996 se incorporó a dos grupos ya existentes: los mencionados Nación Reixa y Parafünk. Con los primeros publicó Safari mental (1997), mientras que con los segundos grabó Prologo (1996), Disco Nudo, Desenlace y Epïlogo (estos tres últimos en 1997).

Finiquitados ambos proyectos, comenzó a colaborar con la cantautora Anari, con la que participado como batería en sus tres álbumes: Anari (1997), Habiak (2000) y Zebra (2005).

En 2002 comenzó dos nuevas aventuras. Junto a Javi P3z (con quien coincidió en Parafünk) y Mikel Unzurranzaga «Makala» creó el Trío Kempes, de corta existencia y con sólo un single en su haber: «Summer City Love» (2002). Junto al video-creador Luis André formó -Gailu, un proyecto más personal en el que Luis creó la parte visual y Mikel musicó las imágenes. Para ello se rodeó del Trío Kempes, Anari, Fernando Sapo (cantante de El Corazón del Sapo y Kuraia), su hermano Eneko y varios músicos más. El resultado fue Kutxa Beltza (2002).

En la actualidad, Mikel forma parte de dos conjuntos. El primero es Inoren Ero Ni, junto a dos compañeros de BAP!!, con los que lleva publicados: Inoren Ero Ni (2004) y Gronhölm (2008). Además, junto a Javi P3z y varios músicos formó la Javi P3z Orquesta, con los que lleva publicados tres trabajos: Sports (2004), Ping Pong (2004) y El Pinball, Domino, Futbol-in (2005).

En 2007, junto a sus compañeros de Inoren Ero Ni, Anari y Lisabö, creó el sello Bidehuts.

La música de Negu Gorriak

Las diferentes influencias en Negu Gorriak

En Negu Gorriak confluyeron varios factores que hicieron que sus referencias musicales fuesen muy variadas, aunque de fácil rastreo. Desde los agradecimientos en sus discos hasta las menciones a éste o aquél autor en las letras o en las entrevistas; todo lo escrito relativo al grupo guipuzcoano está salpicado por menciones a diferentes músicos y grupos, con una gran variedad estilística: desde De La Soul, N.W.A. y Public Enemy a Sam Cooke, James Brown, Aretha Franklin, pasando por Red Hot Chili Peppers, Metallica, Nirvana, Lynyrd Skynyrd, Neil Young, Bad Religion, Living Colour, Rollins Band, Fugazi, Os Resentidos o Mikel Laboa.

Así, las influencias en la música de Negu Gorriak son muy claras y siempre han estado presentes en los numerosos samples de sus discos o en el puñado de versiones que han tocado.

Este amplio abanico de influencias es consecuencia de las diferentes peculiaridades de sus miembros. Por un lado, Fermin e Iñigo han hecho gala de su melomanía. Este último, en una entrevista concedida al diario El Correo, afirmó que, cuando su hermano Jabier se marchó del domicilio familiar, la colección de álbumes de los tres hermanos rondaba los 2.000 ejemplares. Por otro lado, Kaki Arkarazo siempre fue un gran admirador de la música negra, desde el rock and roll hasta el soul o el rap. Fue él quien introdujo a los hermanos Muguruza en el mundo del hip hop y Public Enemy:
«El rap, el hip-hop, es un movimiento que maravilla a los Muguruza. Igual que a finales de los 70 la explosión del punk fue la piedra de toque inspirador para el inicio de sus aventuras en Kortatu ... es ahora la cultura del rap, que emerje a finales de los años 80 en Estados Unidos lo que ha atrapado a los hermanos Muguruza. Kaki Arkarazo, un enamorado de la música negra en general, es sobre todo, el que comienza a iniciar a los dos de Irún en este nuevo camino.»

Además, con la incorporación de Mikel Kazalis y Mikel Abrego a la base rítmica, el abanico de influencias se abrió: Mikel «Anestesia» militaba en bandas de heavy y thrash metal, mientras que Mikel «BAP!!» tocaba en un grupo de hardcore punk con inclinaciones al emocore.

No es de extrañar que el grupo siempre haya abanderado la cultura del mestizaje, aunque este eclecticismo no les hizo perder el camino. Es comúnmente aceptado que la música de Negu Gorriak es muy personal, en el sentido de que fagocitaron todas esas influencias y las devolvieron envueltas en un sonido propio:
«Negu Gorriak domina todos los recursos que tienen a su alcance y enriquecen continuamente su música como se ésta fuera una porrusalda sonora. Hardcore, rap, tradición musical vasca, reggae o heavy se entremezclan sin complejos con el sampleo como arma eriquecedora. Contrastes como las aportaciones del sampler ... o la utilización del suprino (un instrumento autóctono que casi nadie toca hoy en día), muestran sin ambages el brillante futuro que tienen por delante los mestizajes inteligentes.»
«... propongo que consideremos el prodeso de traslación del hip hop al mundo del rock radical vasco como un proceso de domesticación, en vez de imitación. Recordemos que domesticar quiere decir literalmente, traer algo a casa.»
«"Hard-core" rap y reggae siguen siendo ingredientes de las rotundas composiciones de la bandfa, pero aderezados a su modo, y pasados por el cedazo estilístico de la factoría Muguruza.»

Versiones que han tocado en sus álbumes

Otra de las pruebas del eclecticismo musical de la banda es la variedad de versiones que han incluido en sus álbumes. La mejor representación es Salam, Agur, un álbum compuesto exclusivamente de versiones de BAP!!, Otis Redding, The Who, Macka B, Minor Threat, Bob Marley, Public Enemy, The Clash, Redskins, Poison Idea, Errobi, Dead Kennedys, Linton Kwesi Johnson, Anestesia y N.W.A. Además, estas son todas las versiones que el grupo ha ido colocando a lo largo de su discografía:

- «Gaberako aterbea» («Refugio nocturno») y «Arrano beltza» («El águila negra») de Mikel Laboa.
- «Bide baten bila» («En busca de un camino») de Rich Kids on LSD.
- «Song number one» («Canción número uno») de Fugazi.
- «Zu atrapatu arte» («Hasta atraparte») de Kortatu.
- «Jainkoak gorde beza lehendakaria» («Dios salve al lehendakari») de Derribos Arias
- «Pistolaren mintzoa» («Que hablen las pistolas») de M-ak.
- «Kaixo» («Hola-adiós») de Delirium Tremens.
- «Apatxe gaua» («Noche Apache») de Bérurier Noir.

Otra característica es que todas estas versiones las tradujeron al euskera (cuando no era ésta la lengua original de la canción).

La evolución de su música: Negu Gorriak disco a disco

La evolución de la música creada por el grupo es evidente según se analizan sus primeros cuatro álbumes de estudio.

En el primer álbum, Negu Gorriak, el mestizaje entre el rock y el rap es más grosero que en los discos que vendrían más adelante. Los sonidos más habituales en su primer álbum son el hardcore en las guitarras y los fraseos de Fermin en un estilo hip hop, siendo claramente diferenciables unos sonidos de otros. Así, en «Irakatsi ziguten historia» o «Seinalea» el ritmo es rápido y furioso, mientras que en «Esan ozenki» o «Radio Rahim» la fusión con el hip hop es más clara (llevada al extremo en «Bertso-Hop», donde mezclan bertsos con el hip hop). Este álbum es considerado por la crítica como un buen pistoletazo de salida para lo que estaba por llegar.

En Gure Jarrera (calificado por la crítica como su primer gran álbum) el sonido evoluciona hacia el hardcore, manteniéndose las guitarras afiladas en primer plano, igual que en Negu Gorriak, a pesar de contar ya con una base rítmica «de carne y hueso». Pero la entrada de los dos Mikeles se nota en el resultado final, las guitarras se vuelve más duras, más thrash. La fusión rock (hardcore punk)-rap es ahora mucho más orgánica que en la primera entrega, Fermin es capaz de mantener fraseos de hip hop frente al muro de guitarras, bajo y batería.

En Borreroak Baditu Milaka Aurpegi (calificado por la crítica como su obra maestra) la banda se muestra mucho más compacta que en su anterior álbum. No en vano llevaban dos años de giras y tantos conciertos juntos terminaron por compactar su sonido. Las guitarras se relajan y el bajo entra casi en primer plano. Aparecen vientos y hay menos samples que en los dos anteriores. El mestizaje se hace más sutil (excepto en la skatalítica «Kolore bizia» y en la salsa «Chaquito»). Fermin hace suya la voz de Delirium Tremens, M-ak o Mikel Laboa, de los que hacen sendas versiones. El propio Fermin lo describió como «más variado y abierto que Gure Jarrera. ¿Continuismo? Como un camino que se ensancha, que se convierte en pista».

En Ideia Zabaldu es el disco en el que Negu se muestran más rupturistas, apostando abiertamente por un rock mestizo con sonidos latinos como samba o son cubano, además de elementos de raï o los ya habituales de soul, funk o rap. Al contrario que en Borreroak, los samples vuelven a tomar el protagonismo que tuvieron en sus dos primeros álbumes. La forma de cantar de Fermin sufre un cambio perceptible, hay menos fraseos hip hop y más melodía a la hora de cantar. A pesar de ser el favorito de varios miembros de la banda, la crítica lo calificó como un pequeño paso atrás: «...la calidad baja de obra maestra a simplemente muy bueno».

Influencia de Negu Gorriak
Países (en verde) en los que se ha editado y/o distribuido alguna referencia de Negu Gorriak (singles álbumes o recopilatorios).

Negu Gorriak es uno de los grupos vascos que mayor proyección internacional tuvo durante la década de 1990. Negu Gorriak aprovecharon la pequeña red de contactos que Kortatu había tejido en Europa para terminar extendiendo ésta a lo largo de todo el mundo. Sus álbumes se han editado y distribuido en muchos países europeos, además de en Estados Unidos, México, Sudamérica y Japón. Sus cifras de ventas fueron (son) relativamente altas: más de 25.000 ejemplares de cada uno de sus álbumes.

Muchos músicos han tenido en especial consideración al grupo, desde personalidades como Jello Biafra o Ian MacKaye a Fidel Nadal (de Todos Tus Muertos):
«En América tenemos relación ... con toda la gente de Alernative Tentacles, sobre todo con Jello Biafra, que nos suele escribir, pedir los discos y, en una entrevista del Ruta 66 decía que en Estados Unidos nunca podría salir un grupo tan interesante como Negu Gorriak. Como te puedes imaginar, eso lo tenemos enmarcado»

De ellos se ha dicho:
«... una referencia ya ineludible en nuestra historia.»
«Surgido tras la separación de Kortatu, el segundo proyecto de Fermín (sic) e Iñigo Muguruza resultó ser una de las bandas de rock nacionales más importantes de los años 90. ... el legado de las hachas cruzadas sigue vigente como una de las propuestas más reales, excitantes y combativas del rock nacional.»
«Queríamos haber hecho nuestro regalo a Negu, publicando una columna que recogiera opiniones de la calle y de la redacción sobre las aportaciones que han supuesto a la escena ... pero son tantos, en tan diversos campos que ... hemos optado por dejarlo. Vaya desde aquí nuestro agradecimiento al grupo por todo ello y simplemente dejar constancia de que... Negu Gorriak son el más grande grupo de rock de los 90, en Euskadi y en el Estado Español.»
«Posiblemente el grupo estatal más importante de los 90.»

Han sido portada en varias revistas musicales: El Tubo, Free Rock, Popular 1, Factory, Entzun!, Algara o en el suplemento musical de Egunkaria.

Versiones de otros grupos de canciones de Negu Gorriak

- Nación Reixa: «Denok gara Malcolm X».
- Pirineos Jazz Orchestra: «Esan Ozenki».
- Betagarri: «Hiri gerrilaren dantza».
- Mallacan: «Gora Herria (Entalto lo pueblo)».
- Todos Tus Muertos: «Lehenbiziko bala».
- Speereth: «Podridura».
- La Gran Orquesta Republicana: «Si estuvieras aquí» («Hemen izango bazina»).
- Los Miserables: «Gora herria» y «Lehenbiziko bala».
- C.O.V./DNE: «Putridume» («Ustelkeria»).

Militancia política

Algo inseparable a Negu Gorriak ha sido su militancia política, que siempre ha estado unida a su discurso musical («lo creativo y lo político son aspectos difíciles de separar», declaró Fermin en una ocasión). Esta relación, además, ha sido siempre muy íntima en todos los grupos de la órbita del denominado rock radical vasco. Esta relación entre música y política ya estaba presente en los anteriores grupos en los que militaron sus miembros. Kortatu, BAP!! o Anestesia eran grupos de «rock politizado».

La militancia de Negu Gorriak no sólo se circunscribió al entorno de la izquierda abertzale. Aunque las relaciones entre Negu Gorriak y grupos relacionados con la izquierda abertzale han sido fluidas, Fermin (como portavoz del grupo) siempre intentó mantener la distancia para que no se viese al grupo como un mero aparato de propaganda del MLNV (Movimiento de Liberación Nacional Vasco) o de Herri Batasuna.
—Es verdad lo que se comenta, que sólo tocáis para vosotros o para el M.L.N.V.?
—Bueno, nosotros no hemos tocado ningún concierto para el M.L.N.V., al menos como organización política. Para organizaciones sociales como decimos nosotros, sí que hemos tocado. A esto que digo que preste atención la gente y que analice el hecho antes de hablar. Sí que hemos tocado para Gestoras, para Comités Internacionalistas, Nafarroa Oinez, contra el V centenario del descubrimiento de América, Herri Urrats, Insumisos. Para mí M.L.N.V. son las organizaciones políticas como por ejemplo K.A.S. o Herri Batasuna y lo demás es intentar meter a toda la gente en el mismo saco.

Además de dar muchos conciertos en eventos relacionados con ésta (como su primer concierto junto a las Gestoras Pro Amnistía, contra el cierre de Egin o en jornadas organizadas por Jarrai), se implicaron en diferentes causas más allá del mundo vasco como la insumisión o las giras solidarias con el FMLN o los Zapatistas de Chiapas. En Negu Gorriak siempre consideraron las cuestiones nacionalistas íntimamente ligadas con un sentir internacionalista:
«Nos comprometemos con la autodeterminación y la independencia de Euskal Herria, nuestra lengua y cultura, igual que lo hacemos con con el movimiento internacionalista y solidario cada vez que salimos al exterior.»
«Nosotros no sólo somos solidarios en Euskal Herria. Hemos estado apoyando la campaña electoral del FMLN en El Salvador, hemos tocado en Cuba rompiendo el bloqueo, hemos estado con las Madres de la Plaza de Mayo en Argentina, En Chile, con la peña del sello que grabó a Víctor Jara y a todos los cantautores de la época y que ahora graba a todos los grupos punk de la zona, en Uruguay con la gente que bloqueó el traslado de los presos vascos.»

El euskera: «¡soy vasco y estoy orgulloso!»

La primera y más importante decisión política del grupo fue la elección del euskera como lengua de expresión. Aunque la lengua no pueda parecer una factor político, en el caso de Negu sí lo es (además abiertamente admitido por ellos) ya que eligieron el euskera por su nacionalismo militante.

El euskera no era la lengua materna de los hermanos Muguruza. Fermin e Iñigo aprendieron el euskera a finales de los ochenta, por lo que escribir textos en la lengua vasca no era algo «natural» para Fermin. A pesar de que Fermin no se consideraba a sí mismo un buen comunicador en euskera, decidieron que ésta sería su lengua de expresión. El idioma se convirtió así en una bandera para el grupo.
«A través de su producción musical, crearon una imagen de una nación euskaldun militante no aislada, situada dentro de y en comunicación con un mundo más amplio de influencias transnacionales, caracterizada por flujos globales de personas, música, imágenes y culturas.»

Esta militancia vasca a la par que internacionalista está presente en el propio logotipo del grupo: dos hachas cruzadas formando una «X». Así, el grupo conjugó el sentir vasco (el hacha es un símbolo de lo vasco ) con su sentir internacionalista, ya que la X simbolizaba también a Malcolm X. Una nueva muestra de la asimilación de la cultura del hip hop por parte del grupo.

Las intenciones de reivindicar la lengua y cultura vascas fue algo que el grupo dejó claro desde el primer corte de su primer álbum: «Esan Ozenki» («Dílo en alto»), en la que cambiaban el grito de James Brown «¡Soy negro y estoy orgulloso!» por «¡Soy vasco y estoy orgulloso!»:

James Brownek
anai-arrebei
idatzizako kanta
Esan ozenki.
Beltza naiz
eta harro nago!

Gure ordua
heldu da txo:
Euskalduna naiz
eta harro nago!
Aski da txo, esan ozenki:
Euskalduna naiz
eta harro nago!


La canción que escribió
James Brown
a los hermanos y hermanas.
Dílo en alto,
¡Soy negro
y estoy orgulloso!

Nuestra hora
ha llegado tío:
¡Soy vasco
y estoy orgulloso!
Es suficiente tío, dílo en voz alta:
¡Soy vascoparlante
y estoy orgulloso!

La violencia y el «problema vasco» en las canciones de Negu Gorriak

La violencia está muy presente en la obra de Negu Gorriak bajo diferentes aspectos. El grupo ha defendido el uso de la violencia como un mecanismo moralmente aceptable para defenderse de la opresión del estado. En sus tres primeros álbumes de estudio hay varias canciones en las que se trata el tema del uso de la violencia, bien porque la canción hable específicamente de ello («Seinalea» —«La señal»—, «Pistolaren mintzoa» —«El lenguaje de la pistola»—, «Begipuntuaren xedea» —«El objetivo del punto de mira»— o «NG, geurea da garaipena» —«NG, la victoria es nuestra»—) o bien se trata de manera anecdótica («Esan Ozenki» o «Sabel-hiztunaren ordu ikaragarria» —«La hora terrorífica del ventrílocuo»—). También tratan el tema de la violencia sufrida desde el Estado por las personas disidentes («Euskaldunok eta zientzia» —«Los vascos y la ciencia»—). Esta violencia no siempre está enfocada hacia el problema vasco en concreto, sino que la mayoría de estas canciones hablan de violencia hacia el sistema, sin hacer particularidades.

Al ser preguntado sobre si creía en «su apología de la violencia», Fermin respondió lo siguiente:
«Por supuesto. Estoy bien convencido: o esto estalla o vamos a la mierda. Aquí lo que se mueve, ese ambientazo de conciertos de cada fin de semana, viene de colectivos concienciados. Mira lo de los insumisos. Es una bomba de relojería.»

Negu Gorriak nunca se han afirmado explícitamente como simpatizantes de ETA. Sí se han solidarizado con los presos de ETA, haciendo conciertos para Gestoras Pro Amnistía y acudiendo a las marchas organizadas hacia la cárcel de Herrera de la Mancha. El tema de los presos también se ha tratado en algunas canciones, como «Amodiozko kanta» («Canción de amor»), en la que se describe la visita de una persona a su pareja en la cárcel (aunque en ningún momento se dice que la presa sea de ETA; se describe como una persona que está en una cárcel lejos de su hogar). En una entrevista en 1997 (cuando la banda ya estaba disuelta), Fermin se lamentaba de que como grupo no hubiesen vivido la vuelta de todos los presos de ETA al País Vasco:
«Nos duele el no haber podido tocar en concierto de bienvenida a casa de todos los presos. Algún día lo conseguiremos y para ese día, creo que hasta se reorganizaría Kortatu.»

A lo largo de sus años de carrera, Negu han opinado sobre el llamado «conflicto vasco». Con el tiempo del grupo ha ido virando hacia una clara apuesta por el diálogo como solución a éste. Según Fermin, una de las cosas que más impactó al grupo fueron las diferentes visitas a América Latina durante 1994, 1995 y 1996. Esta evolución ideológica también se puede apreciar en las letras de las canciones. Así lo describía el crítico musical Xabier Cervantes al hablar sobre Ideia Zabaldu:
«Negu Gorriak han encauzado su lucha política a través de la música. La radicalidad llegó a su límite en el disco anterior. Negu Gorriak apretaban el puño y la mandíbula con firmeza. Ahora abren la mano, no como signo de debilidad, sino de entereza. La clave, más allá del "problema vasco", está en el diálogo.»

La solución dialogada al conflicto vasco ha sido repetida muchas veces por Fermin en varias entrevistas:
«En El Salvador se nos abrió la cabeza. Estar con gente que había vivido la guerra más deshumanizante que ha podido haber en toda Latinoamérica y ver que te hablan con sencillez y naturalidad, prácticamente sin odio.
... Tiene que haber voluntad para resolver los problemas, lo hemos dicho un montón de veces. Realmente ha habido voluntad para resolver los problemas en Irlanda por parte del gobierno inglés y tiene que haber voluntad por parte del gobierno español, porque ya hubo un momento en el que parecía que se podían resolver un montón de cosas cuando se entablaron las conversaciones de Argel. Y nosotros estamos deseando que suceda algo así.»
«En cuanto a Euskal Herria, pienso que tenemos que construir puentes que faciliten el encuentro entre la gente, la discusión eliminando la descalificación y el insulto fácil (españolazo versus terrorista), que permitan el inicio de un proceso de negociación entre ETA y Estado, en el cual participemos todos y decidamos qué tipo de modelo de vida queremos.»

La independencia musical

Negu Gorriak también han sido abanderados de la independencia musical frente a las multinacionales de la música. Su primer álbum lo publicaron en Oihuka, de la que Fermin declaró «para mí, hoy en día, hay una única discográfica, Oihuka».

Más adelante decidieron dar un paso hacia la autoedición y autogestión, siguiendo la filosofía punk del hazlo tú mismo. Por ello, crearon su propio sello discográfico: Esan Ozenki Records con lo que el grupo terminó de tomar el control al 100%. Excepto en la distribución (labor que Esan Ozenki no ejercía), todo lo relativo a sus álbumes (diseño, composición, mezclas, producción y edición) estaba controlado perfectamente por el grupo y sus personas de confianza. En el tema de la distribución, Negu Gorriak operaban vendiendo el álbum a distribuidoras alternativas que no trabajaban con multinacionales.

La independencia fue siempre sagrada para el grupo. A lo largo de su carrera Negu Gorriak recibieron ofertas de diferentes discográficas (algunas, llegaron a ofrecer comprar todo el catálogo de Esan Ozenki), pero el grupo se mantuvo en sus trece. «Las hachas no se venden», era siempre la respuesta de Fermin a este tipo de proposiciones.

La insumisión

Durante los primeros años de la década de los 90, el fenómeno de la insumisión al servicio militar obligatorio y a la prestación social sustitutoria explotó en España. De los 371 insumisos que había en 1989, se pasó a la cifra de 10.800 en 1994. Especialmente importante fue el aumento de insumisos entre 1992 y 1993, pasando de 3.500 a 9.353.6

En el País Vasco y Navarra, el movimiento por la insumisión fue especialmente fuerte, con más del 50% de sus jóvenes declarados objetores o insumisos.6 No sólo se partía del antimilitarismo, sino también de posiciones cercanas al nacionalismo vasco, es decir, había jóvenes que se negaban al hecho de servir en un ejército en tanto que ejército y otros que se negaban a servir en un ejército español.

La insumisión es un movimiento al que no fue ajeno el grupo. Mikel «Anestesia» y Mikel «BAP!!» se declararon insumisos, mientras que Fermin, Iñigo y Kaki se autoinculparon junto con 3, 2 y 1 insumisos, respectivamente. Además, el grupo colaboró con el movimiento por la insumisión con varios conciertos benéficos.

A principios de 1994, Mikel «BAP!!» fue juzgado y condenado a un año de cárcel. El baterista desapareció durante una temporada, por lo que estuvo en situación de búsqueda y captura hasta que le fue concedida la libertad provisional.6

Por otro lado, Mikel «Anestesia» decidió seguir la estrategia de no comparecer el día de su juicio. El juicio estaba programado para el día 27 de junio en la Audiencia Provincial de San Sebastián. Ese día, a la hora a la que Mikel debía comparecer para la vista oral, Negu Gorriak aparecieron por sorpresa con un camión-escenario frente a los juzgados. Durante quince minutos interrumpieron el tráfico, tocaron cinco temas y se marcharon. El único que no tocó fue Mikel «BAP!!», debido a que por entonces se encontraba en busca y captura.6 El grupo fue multado con 50.000 pesetas (unos 300 euros) por «obstaculizar el tráfico».

Miembros

- Fermin Muguruza - Voz solista.
- Iñigo Muguruza - Guitarra y voces.
- Kaki Arkarazo - Guitarra y voces.
- Mikel «Anestesia» (Mikel Kazalis) - Bajo y voces.
- Mikel «BAP!!» (Mikel Abrego) - Batería.

Pagina: http://www.negugorriak.net/

Nada Surf

Banda de power-pop y pop-rock alternativo estadounidense, cimentada en guitarras prominentes, melodías bien construidas, estribillos de fácil recuerdo y energía y emocionalidad a nivel parejo con influencias sonoras de Cheap Trick, Teenage Fanclub, Weezer, Pavement, Foo Fighters, Posies o Pixies.

La génesis del grupo se establece en el encuentro entre dos amigos del colegio llamados Matthew Caws, cantante y guitarrista y Daniel Lorca, bajista de nacionalidad española. Ambos forman parte de varios conjuntos independientes que no logran repercusión alguna, como The Cost of Living. En 1994 su banda Because Because Because se convierte en Nada Surf y un año después se une al proyecto el batería Ira Elliot, quien había tocado en los Fuzztones.

En Nueva York graban algunas demos y tocan con éxito en varios clubes, logrando grabar en el sello español Roto Records. En un club de la Gran Manzana consiguen darle una demo a Rick Ocasek, el ex lider de los Cars que había conseguido el éxito con la producción de Weezer.

Publican un EP titulado “Karmic” (1995) en No 6 Records, un sello propiedad de Terry Tokin, antes de firmar por Elektra en donde aparece su Lp debut, “High/Low” (1996), un disco producido por Ric Ocasek en donde se aprecia su escritura derivativa que no impide componer temas sobresalientes como “Stalemate” o “Popular”, un single satírico que consiguió gran repercusión comercial (número 11 en el Billboard) gracias a su promoción en la MTV y al ácido miramiento a la superficialidad adolescente.
Con temas como este, Nada Surf fueron acuñados como “geek rock”, rock escrito con inteligencia e ironía por inadaptados sociales y convencidos perdedores vitales cuyo mayor ejemplo es Rivers Cuomo con su grupo Weezer.

“The Proximity Effect” (1998), un disco producido por Fred Maher, colaborador de Luna o Matthew Sweet, fue su segundo e infravalorado Lp, que seguramente se revalorizará con el tiempo. Sus composiciones resultan más lúcidas, sólidas y creativas en base a ritmos más dinámicos, melodías más pegadizas y letras más trabajadas que en su pasado álbum, con ironía, alienación e invectiva social. “80 windows”, un glorioso medio tiempo sobre la soledad, “Amateur”, excelente pieza de carácter reflexivo a lo power-pop de Weezer con un adhesivo “uh-uh-uh”, “Hyperspace”, vibrante y melódica canción que podría estar escrita por Dave Grohl para sus Foo Fighters, o la fibrosa “Mother’s Day”, con ásperas guitarras acompañando una letra que condena con acritud a los violadores, son algunas de las mejores canciones incluidas en un gran disco de escasas taras.

El fracaso comercial de “The Proximity Effect” supuso su salida de Elektra, cuyos “geniales” gerifaltes no encontraban temas de calidad para publicar como single e intentar emular el éxito de “Popular”.

“Let Go” (2002), publicado en su propio sello Bartuk con la ayuda en la producción de Chris Fudurich y Louie Lino, es su tercer LP.
Con temas como el primer single “Inside of love”, una sensible y bella canción de infusión británica, con Travis y Coldplay como referencia, el punk-pop a lo Foo Fighters o Cheap Trick en “The way you wear your head”, el medio tiempo acústico “Blizzard of 77”, el cimbreante pop-rock de “Happy Kid”, o “Blonde on blonde”, tema evasión con el disco de Bob Dylan en los cascos, los Nada Surf vuelven a grabar un álbum accesible, íntimo, melódico y sentimental, en definitiva, una estupenda tercera entrega.

Pagina: http://www.nadasurf.com/

Leftfield

Miembros:
Paul Daley
Neil Barnes

Historia:

Leftfield fue un dúo de música electrónica procedente de Londres (Inglaterra), formado por Paul Daley y Neil Barnes en 1989. Fueron pioneros en el género de progressive house, mezclando música house, dub, y reggae. Es uno de los grupos más influyentes en la música electrónica, junto a The Chemical Brothers, Orbital y Underworld.

Su estilo downtempo está relacionado con la música trip-hop y chillout.

En un concierto en Amsterdam en 1996 acudió la policía alertada por niveles acústicos ilegales. En otro concierto en Bélgica, 30 personas fueron indemnizadas por causas similares. En Brixton Academy tuvieron los mismos problemas y no han podido volver a actuar ahí.

El dúo se separó en 2002.

Pagina: http://www.leftfield-online.co.uk/

Koko Taylor

Koko Taylor nació en una granja de Memphis, Tennessee. Desde muy chica se interesó por la música a partir de la que escuchaba en la Iglesia y la que llegaba desde el receptor de la radio.

Su familia alentaba su gusto por la música gospel pero no veía de igual manera sus simpatías por el blues. No obstante siendo muy joven había podido escuchar a músicos de blues de gran jerarquía, dedicando especial atención a las mujeres, que por aquellos años eran varias las que interpretaban blues. Las que más influyeron en Koko, fueron Big Mama Thornton y Bessie Smith, pero también jugaron su papel Muddy Waters, Sonny Boy Williamson y Howlin' Wolf.

A los 18 años junto al que después sería su esposo , Robert "Pops" Taylor, deciden mudarse a Chicago a buscar nuevos y mejores rumbos. Durante el día se dedicaban a trabajar limpiando casas de familias adineradas y por las noches visitaban los clubes de Blues, donde pudieron conocer a los grandes intérpretes, no pasó mucho tiempo en el que Koko estuvo subiéndose a los escenarios acompañando a otros músicos.
En 1962 con la ayuda de Willie Dixon, que quedó admirado con las actuaciones de Koko Taylor, consiguió un contrato con la compañía musical Chess.

En esta grabadora consiguió su primer éxito en 1965, con el tema "Wang Dang Doodle" , del que se vendieron millones de copias y hoy configura uno de los clásicos del blues. Por esos años Koko fue considerada por muchos críticos como la principal figura femenina del mundo del blues, de ahí surgió que se la conociera como la "Reina del Blues".

En 1972 formó su propia banda, la "Blues Machine". En 1975 luego del cierre del sello discográfico Chess, Koko pasó a formar parte del elenco de la grabadora especializada en Blues: Allligator Records. Desde esa fecha grabó 6 álbumes para este sello.

Koko Taylor recibió 14 veces el premio W.C. Handy Award, el premio que se entrega a los músicos del blues. En 1984 ganó el Grammy. Otro de los homenajes de que fue objeto se produjo en 1993 donde el alcalde de Chicago le entregó el premio de la "Leyenda del Año".

Pero su actividad no se limitó a la música también tuvo actuaciones en el cine y la televisión. Actuó en el film "Wild At Heart" del director David Lynch, aquí interpretó, como no podía ser de otra manera a una cantante. También se interpretó a sí misma en la serie policial "New York Undercover". También intervino, aunque sólo cantando una canción junto a un elenco multiestelar, en la película "Blues Brother 2000".

Pero la tarea que mejor y con más empeño realiza Koko Taylor es la participar en infinidad de conciertos, se estima que normalmente participa en uno 200 conciertos al año.

El blues, que en sus comienzos ha tenido una gran cantidad de mujeres que hicieron aportes significativos a su desarrollo, cuenta en la actualidad con un muy reducido número de ellas que se dedican a la actividad, especialmente a partir de 1999 con el fallecimiento de otra grande, Katie Webster. Por eso los logros de Koko Taylor resaltan particularmente una personalidad que impide que los obstáculos de la vida le impidan avanzar, ella ha reconocido lo difícil de transitar este camino, en esta frase : "Es un reto. Es duro estar aquí haciendo lo que yo hago en lo que llaman un mundo de hombres. No todas las mujeres pueden hacer lo que estoy haciendo hoy en día".

Más que Reina, nos parece una plebeya que con su propio esfuerzo y trabajo constante llegó a ocupar un lugar reservado a unas pocas , y esto nos parece mucho más importante.

Pagina: http://www.kokotaylor.com/

Havalina

Formacion:
Manuel Cabezalí: Voz, Guitarra.
Nahúm García: Bajo, Coros.
Javier Couceiro: Batería.

Antes conocido como Havalina Blue, su carrera musical comienza en las Navidades de 2001 y, desde entonces, ha actuado en todo tipo de garitos y ha trabajado duro para sacar adelante 3 trabajos discográficos, siendo los dos primeros autoproducidos por él mismo y el último editado bajo la etiqueta Junk Records.

"Hacer temas, ensayarlos, grabar discos, salir de gira, darlo todo en cada concierto. Eso es lo que más nos gusta y lo que hace que tras 7 años sigamos vibrando haciendo música, con toda la ilusión y con la cabeza bien alta.

Hace poco decidimos, tras haber editado 3 LPs en inglés bajo el nombre de "Havalina Blu", pasarnos al castellano y dejarlo en "Havalina" a secas. Eso no ha conseguido que dejemos de ser pobres, pero sí ha hecho que nosotros nos sintamos más felices e identificados con nuestra música, ahora expresada en nuestro propio lenguaje.

En Febrero de este año 2008 se publicó nuestro cuarto LP, "Junio", que ahora estamos presentando en directo allí donde nos quieren, a la vez que nos enclaustramos dos días por semana en el local para armar las canciones de lo que será el siguiente LP. ¡Y es que no paramos de currar, señores!"

Antiguos componentes:
Charlie Bautista: Voz, Guitarra, Teclados (2001-2007)
Andrés Romero: Batería (2001-2004)
Sara Iglesias: Bajo (2001-2002 y 2004-2006)
Alejandro Muñoz: Bajo (2002-2004)

Gazpacho

Gazpacho se forma en octubre del 2001. Pablo Oliva –voz- y Nando Caliz – guitarra- habían coincidido antes en otros proyectos. Decididos a armar una banda suman en poco tiempo a Facundo Pereyra – bajo- y Cesar Gornalusse- batería-.

Después de haber estado tocando en el circuito under de Buenos Aires, el interior del país y Uruguay hacen contacto con Juanchi Baleiron, cantante y guitarrista de Pericos, quien sería productor artístico de su disco debut.

El 21 de mayo del 2004 Gazpacho presenta su disco debut tomando The Roxy, una de las mecas Argentinas del rock, como punto de partida en una gira de presentación que los llevaría a todo el país, haciendo shows en los más grandes festivales de rock compartiendo escenario con bandas como MOLOTOV, BERSUIT, PERICOS, LIVING COLORS, etc.

Luego de las primeras giras por el país y con su primer video rotando en cadenas televisivas como MTV, MUCH MUSIC, CANAL DE LA MUSICA Y HTV, entre otras, Gazpacho comienza a tener ofertas desde el exterior y es así que hace dos viajes a Lima - Perú - presentándose en varios shows en vivo, distintas radios y cadenas de TV locales.
De la misma manera sucede en el Uruguay donde, además de varios shows en vivo, se presentan como teloneros de LA LEY en el Hotel Conrad de Punta del Este.

A su vez, durante este tiempo Gazpacho filma su segundo y tercer video, también en rotación en las cadenas televisivas de música, y hace un especial acústico para Cablevision, la cadena de cable más importante en la Argentina, televisado por MUCH MUSIC con excelente repercusión tanto en los seguidores como en los medios. En esta instancia Gazpacho suma un nuevo integrante a la banda: Daniel Caliz –guitarra. Para octubre de 2004 Gazpacho es nominado en la tercera edición de los MTV Video Music Awards Latin America como mejor artista nuevo.

En la primera mitad del 2005 Gazpacho comienza la produccion y grabacion de su segundo disco que conto con la produccion artistica de Sebastian Perkal y Gazpacho.

Durante ese año Gazpacho siguio presentando su primer disco por el interior del país con destacadas presentaciones en Salta y Córdoba. En el mes de julio la banda realizó su segundo Teatro ND/Ateneo y se presentó en lugares como El Condado, Teatro Broadway de la ciudad de Buenos Aires. Fueron convocados para la edición 2005 del Festival Pepsi Music siendo la banda con más presentaciones, con un total de 5 shows en los diferentes escenarios.

En el verano 2006 realizan presentaciones en Punta del Este, Gesell Rock 2006, Mar del Plata, Cosquín Rock y Mendoza.

En el mes de Mayo del 2006 sale a la venta el segundo disco de la banda llamado "Tendrias Que Escuchar". Fue presentado en La Trastienda Club de Buenos Aires con entradas agotadas y una gran repercusion en los medios. Comienzan una gira de presentacion que los llevaria a lo largo de todo el pais.

Para finales de ese año Gazpacho es fichado por la discografica EMI Argentina.

El 2007 los encuentra nuevamente en el estudio para darle vida a su tercer disco. Como en el anterior , conto con la produccion artistica de Sebastian Perkal y Gazpacho.

En el 2008 con un nuevo disco bajo el brazo llamado "En el Aire" editado recientemente, Gazpacho planea recorrer todo el pais y el exterior en una extensa gira.

Lo mejor parece estar por llegar...

Aca les dejamos algo que escribio Nando sobre los comienzos de la banda , que lo disfruten..

"...Hace unos cuantos años, una novia que yo tenía me vino a decir que había una gente que buscaba guitarrista; que vaya y me pruebe. El asunto de las "pruebas" siempre me rompió bastante las bolas. los exámenes los dejé de dar cuando terminé de estudiar. De todas formas, y la verdad no sé por qué, una tarde me encontré en mi moto ─para ese momento era motoquero─ con la guitarra colgada en la espalda viajando por Av. del Libertador a probarme en esa banda.

Cuando llegué al lugar ,una casona en Martínez, entré a esta "prueba", y en un cuarto que habían convertido en sala de ensayo estaban Pablo, el negro Sánchez (bajista de Rata Blanca) y dos personas más que también estaban tocando en esa banda que comenzaba a armarse.

Arrancamos a tocar. Me acuerdo que tocamos algunos temas de los Beatles, de Aerosmith, de los Stones… Divertido, además; justo eran varias de las bandas que a mi más me gustaban y los temas los sabía bastante bien. Para ese momento, Pablo recién estaba llegando de Los Ángeles donde había estado viviendo y tocando unos cuantos años.

La cosa es que después de varios días de juntarnos a tocar, una tarde me vinieron a decir que ya era parte de ese proyecto. La banda se llamo Revolver y hasta llegamos a grabar algo que se parecía a un disco; pero más allá de que no sonaba mal, un día con Pablo decidimos separarnos de ese grupo y armar un proyecto nuestro.

De ahí en adelante pasamos casi un año los dos solos trabajando, componiendo y grabando con una portaestudio Tascam de 4 canales (quien sepa algo de estudios y grabaciones sabrá lo complicado que era grabar en esos aparatos, pifiabas una nota y tenías que grabar todo otra vez; sin contar que la programación de baterías y los otros instrumentos, también los teníamos que grabar nosotros). Por suerte ahora las computadoras te ahorran todo ese mal humor; si pifiás una nota sólo regrabás la parte que está mal y listo. (¡Viva el pro-tools!). Una vez que tuvimos listos un montón de temas empezamos con la parte más importante: buscar los músicos. Siempre teníamos charlas con Pablo y decíamos que más allá de lo que pretendiésemos de ellos como músicos, lo que queríamos era encontrar gente copada, que pudiera flashear como nosotros con la música, y que sobre todas las cosas, fuera gente que con la que supiéramos que podíamos llegar a ser amigos.

Entonces empezamos a probar un baterista. No nos cerraba del todo como tocaba pero era un tipazo. Después de una semana, más o menos, tocando con él nos comentó que conocía una persona que tocaba el bajo muy bien y que además tenía ganas de meterse en un proyecto serio con todo lo que eso significa. Así fue que al día siguiente cruzaba la puerta de la sala un chabón de pelos largos, fanático hasta las bolas de Pink Floyd, que terminó siendo nada menos que Facundo. A los veinte minutos de tocar con él ya no había ninguna duda: teníamos bajista. ¡Era el tipo que buscábamos! Y tan así fue, que quince días después estábamos en un bar del Uruguay completamente ebrios tratando de que los patovicas del lugar no nos maten por habernos llevado a las mozas. Para rematar, Facundo en ese momento se estaba armando un bar en Villa Crespo (Barret) al que en la parte de atrás le estaba construyendo una sala de ensayo. Con el tiempo el lugar se terminaría convirtiendo no sólo en nuestra sala sino también en nuestro búnker y espacio para las historias más bizarras que no puedan imaginar, pero que tampoco sacaremos a la luz.

Ok, pero todavía pasaba algo que había que solucionar: el baterista mas allá de lo buen tipo, definitivamente no era ,a nivel musical, lo que buscábamos. Después de una charla con él dejamos de tocar juntos. En ese momento Facundo se acordó que en el lugar donde él estudiaba música había tocado unas cuantas veces con un flaco que no sólo parecía buena gente sino que era un enfermo de la batería y que se pasaba los días tocando jazz. Y así fue que llego César (el Grillo) a Gazpacho. Sólo pudimos ensayar con él una semana y partimos rumbo a Uruguay, nuevamente. El dueño del bar nos propuso: “ustedes vienen a mi bar y tocan todas las noches, yo a cambio, no les doy ni un centavo pero la barra es completamente libre y sin límites para ustedes”.

Trato hecho.

El que estaba sentado en la batería, el Grillo, todavía era un extraño para nosotros hasta que llegó el primer show. El tipo no tocaba la batería, más bien parecía que quería matarla! En medio de un tema y de esto no me olvido más, giro para mirarlo y no sólo continuaba como queriendo romper todo su instrumento sino que, además, lo hacía en un estado de quien sabe que tipo de trance, pero tenía los ojos en blanco!

Estaba clarísimo. Ya teníamos baterista.

Asi pasamos bastante tiempo. Tocamos mucho y grabamos nuestro primer disco, los detalles de cómo fue y cómo pasó no vienen al caso. El punto que me lleva a contarles todo esto es otro.

Después de el primer disco surgió la idea de sumar otra guitarra a la banda; ahora el problema era quién. Cuando en una banda dos tocan el mismo instrumento, o se tienen que entender muy bien o terminan odiándose en poco tiempo. Desde que soy muy pendejo que toco en bandas y siempre que tenía que componer una canción o practicar arreglos, lo que hacía era llegar a la casa donde vivía con mi vieja y mis hermanos, y le decía a Dani ─mi hermano menor─ que agarre otra guitarra y practicaba con él. Así que en ese momento estaba claro, la persona con la que más cómodo me sentía tocando era él. A la bolsa. Gazpacho ya era una familia cerrada..."

Pagina: http://www.gazpachomusic.com/

Las Pastillas del Abuelo

Historia:

La banda se formó en noviembre de 2002 y, luego de algunos cambios de formación, quedó con la alineación que actualmente conocemos. Debutaron en mayo en Sadem y en julio ya habían grabado su primer demo de seis temas.

Una de las características pricipales de que éste grupo de chicos es que, no sólo son músicos natos, sino que, también, todos siguieron estudios relacionados a éste arte, lo cual les permite fusionar los distintos géneros que los influyen.

Toda la difusión inicial de la banda se dio por internet. Prácticamente en todos los foros sobre música se hablaba de Las Pastillas y el tema "El Sensei" encabezaba los rankings de canciones más bajadas. Esa canción no fue incluida en ninguna de las grabaciones "oficiales" de la banda ni forma parte del repertorio habitual en vivo.

En setiembre de 2005 grabaron su primer disco: "Por colectora". Con doce temas, es una demostración de la variedad de estilos que la banda ofrece: rock, country, jazz, reggae, chacarera, candombe.

Gracias a un concurso radial, que les permitía a las bandar under darse a conocer, Las Pastillas tuvieron la oportunidad de presentarse en el Pepsi Music del 2005 y, en el verano del 2006, tocaron en el cierre del Gessell Rock como teloneros de Las Pelotas.

El 31 de marzo del 2006 se presentaron en El Teatro de Colegiales y, causa de la rapidez con la cual se agotaron las entradas, debieron agregar una función más. Tres mil personas, aproximadamente, fueron las que se congregaron en éstas fechas, número mas que significativo para ésta banda que recién estaba siendo difundida masivamente.

Eso mismo se repitió durante el 16 y 18 de junio en El Teatro Flores, el cual cuenta con una capacidad mayor, y permitió que sean cuatro mil los espectadores que pudieran disfrutar del show.

La presencia de ésta banda en el Pepsi Music se repitió durante 2006, sólo que ésa vez miles eran los que fueron a verlos exclusivamente a ellos. A mediados de noviembre, en El Teatro Colegiales presetaron su segundo disco, el cual fue producido por Martín "Tucán" Bossa (tecladista de Ataque 77) y Daniel "Piti" Fernandez (guitarrista de los Piojos). La grabación se realizó nada mas ni nada menos que en los estudios Circo Beat (de Fito Paez). Fueron tres noches repletas de pastilleros que agotaron las entradas ni bien salieron a la venta... dentro de los temas nuevos se encontraron: "Tantas escaleras" y "Candombe de resacas".

El 2006 lo despieron el 27 de diciembre en un show impecable en el Teatro Flores y el verano 2007 los llevó a recorrer toda la costa Atlántica.

A mediados de año presentaron su primer video clip, el cual pertenece al tema "Los Oportunistas". Desde ese momento, se presentaron en diferentes escenarios de todo el país y continuaron con un sostenido crecimiento, que culminó en abril de 2008 con un show en el Luna Park de Buenos Aires.

"Crisis", el tercer disco oficial de la banda, fue presentado en agosto 2008 en el Estadio Malvinas Argentinas de Argentinos Juniors. El material, grabado en los estudios "Del Abasto" y "El Abastito", tuvo a Las Pastillas y a Tucán Bossa como productores artísticos.

La banda se caracteriza principalmente por la fusión de Rock con estilos musicales como Reggae, Candombe, Chacarera, Jazz, Country y otros.

Esta característica les permite disponer de un mosaico musical que, teniendo el rocanrol como base, les abre un amplio abanico de posibilidades de letras y armonías, y es en ese amplio universo donde buscan y encuentran el color y la temperatura de los sonidos que sienten como propios.

La banda ha encarado su emprendimiento en el mundo de las siete notas de una manera profesional, ya que todos sus integrantes cursaron carreras afines con el instrumento que ejecutan en escuelas de música de Buenos Aires, y además varios de ellos se desempeñan como profesores particulares.

El 31 de mayo de 2002 Las Pastillas del Abuelo dieron su primer recital importante y fue en su propio barrio. El show se llevó a cabo en "La Colorada", a metros de la estación Primera Junta del subte A, y esa fecha la recuerdan los muchachos de "la 20" como la de su bautismo como seguidores de la banda, ya que marcharon con trapos desde el colegio Mariano Acosta hasta la sala, ocupando parte de la Av. Rivadavia, con la algarabía acostumbrada.

En enero de 2003 el baterista Hernán Sileoni dejó la banda para formar su propio grupo, y tomó su lugar Juan Comas, uno de cuyos antecedentes es haber tocado en varias oportunidades con Los Iracundos, muy famosos en los '60s con su tema Puerto Montt.

En setiembre de 2005 grabaron su primer disco, al que denominaron "Por colectora". Tiene 12 temas, y es un botón de muestra de la variedad de estilos y riqueza de armonías y melodías que son capaces de crear y presentar sobre un escenario.

En "El bombardeo del demo" del programa "Day Tripper" de la FM Rock&Pop fueron elegidos, por el voto de los oyentes, para tocar en la sala "La Trastienda" con otras dos bandas, Capaudaz y Nagual, para que una de las tres tocara en el Pepsi Rock 2005 mediante el voto de un jurado. Al día siguiente se informó por la radio que "Las Pastillas del Abuelo" resultaron elegidas para actuar en Obras el día 12 de octubre de 2005, lo que hizo explotar de algarabía a los centenares de seguidores de la banda. Ese día se presentaron en el Escenario 2, y coincidió con el último recital de la banda española Ska-P antes de su disolución.

Otra movida grossa que tiene como protagonistas a Las Pastillas del Abuelo es la actuación en el "Gesell Rock 2006", que les permitió ser escuchados por numerosos seguidores de otras bandas de relevancia nacional.

Otro hito para destacar lo fue por partida doble: el 31 de marzo de 2006 en "El Teatro" de Colegiales, en Buenos Aires, y debido a que se agotaron las entradas 15 días antes se agregó otra fecha para dos días después, el domingo 2 de abril, en el mismo lugar. Casi 3.000 personas se sumaron viernes y domingo para ver a Las Pastillas, que nunca antes habían tocado ante tal cantidad de público propio.

Y ese doblete se repitió al poco tiempo. El 16 y 18 de junio de 2006 la banda tocó en "El Teatro", pero en la sala del barrio de Flores, con mayor capacidad. Y la historia fue la misma, una doble fiesta de la que participaron cerca de 4.000 personas.

Luego, durante el resto del año Las Pastillas se presentaron en varias localidades de la provincia de Buenos Aires, siempre con buen suceso de público tanto en locales cerrados como en lugares al aire libre, lo que les permitió el contacto directo con muchísimos pastilleros que los conocían sólo por fotografías y grabaciones de sus temas.

Otro mojón destacado en la ruta pastillera es el show del 26 de setiembre en el marco del "Pepsi Music". Fue la segunda vez que estuvieron en el escenario de Obras, pero esta vez ante un estadio repleto de público en gran parte pastillero.

Los días 10, 11 y 12 de noviembre de 2006 Las Pastillas presentaron su segundo disco en "El Teatro" de Colegiales, con entradas agotadas en las tres jornadas. La placa tuvo muy buena aceptación, y a partir de entonces el repertorio de los shows alterna temas de las dos placas y acústicos inéditos.

Desde entonces y hasta fin de año, Las Pastillas tocaron en Mar del Plata, Mercedes, Gálvez, Esperanza, La Plata, Buenos Aires y Temperley, presentando su música a la consideración de un público cada vez más numeroso.

El 2007 comenzó con actuaciones en los festivales de Burzaco y Arrecifes, y luego de un show en Gualeguay se inició la Gira por la Costa, con shows en días consecutivos en Tandil, San Bernardo, San Clemente, Mar del Plata, Necochea y Villa Gesell. Fue la mejor gira de Las Pastillas hasta ese momento, ya que miles de personas presenciaron los recitales y pudieron conocer la fiesta pastillera que se genera cada vez que la banda toca en vivo.

Luego de unas breves y merecidas vacaciones, en Febrero estuvieron en el Cosquín Rock y en el Olavarría Rock, para luego continuar con shows en Mendoza, Paraná, Navarro, Chascomús y Zárate.

En Abril Las Pastillas volvieron a subir al bondi para hacer una Gira por el Sur, con presentaciones en Neuquén, Plaza Huincul, Junín de los Andes y Bariloche, lugares en los que se pudo comprobar que la música de Las Pastillas del Abuelo llega con buen suceso a lugares de la Argentina muy alejados de Buenos Aires.

El reencuentro con el público porteño se produjo, de regreso de esa gira, en la sala de "El Teatro" del barrio de Flores, con dos shows con localidades agotadas que obligaron a armar una tercera fecha.

En mayo de 2007 se presentó en Internet, en el sitio YouTube, el primer video de Las Pastillas, con el tema "Oportunistas", que cuenta con casi 140.000 visitas.

Desde entonces la banda actuó en localidades tan disímiles como Ituzaingó, Areco, Córdoba, Río Cuarto, Temperley, Rosario, La Plata, Moreno, San Miguel, Chivilcoy, Trenel, Jacinto Aráuz, Intendente Alvear, Gral. Pico, San Juan, Mendoza, Rivadavia, Campana, Florencio Varela, Santa Fe, Río Tercero, Villa Mercedes, Laboulaye, Concepción del Uruguay y Basavilbaso.

Ya en Buenos Aires, se produce otro hecho destacado: fue en el mes de Agosto, y la banda se presentó 7 veces en El Teatro de Flores, a sala llena y con entradas agotadas varios días antes de los conciertos.

Siguiendo con la idea de hacer conocer su música en todo el pais, Las Pastillas del Abuelo se presentaron luego en Claypole, Dolores, Gral. Roca, Gral. Lamadrid, Las Heras, Pilar, Quilmes, Tucumán, Santa Fe, Tandil, Mar del Plata, Cañuelas, La Plata, Río Tercero, Córdoba, Rosario, Villa Ballester, San Juan, Temperley, Gral. Belgrano, Castelar, Berazategui y cerraron el año tocando el 29 de diciembre en Mendoza.

El 2008 comenzó con una gira que incluyó Bahía Blanca, Carhué, Villa Carlos Paz, Río Cuarto, Villa Mercedes, Las Varillas, Villa Gesell, San Bernardo y Mar del Plata. Luego de unas vacaciones, la banda cumplió con un anhelo de todos: el 11 de abril el show fue en el Luna Park, con localidades agotadas un mes antes del concierto. Fueron más de tres horas con muchos músicos invitados y una lista de 36 canciones, representativas de toda la trayectoria de Las Pastillas.

Después de varios shows en el Gran Buenos Aires, los músicos grabaron su tercer disco, Crisis.*, cuyo lanzamiento se llevó a cabo en el estadio Malvinas Argentinas del club Argentinos Juniors.

Formacion:
Alejandro Mondelos: teclados
Diego Bozzalla: guitarra
Fernando Vecchio: guitarra
Joel Barbeito: saxo
Juan Comas: batería
Piti Fernández: voz
Santiago Bogisich: bajo

Pagina: http://www.pastillasdelabuelo.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar

Chambao

Historia

Chambao es una banda de música flamenca-electrónica, conocida como Flamenco Chill. Originales de Málaga (Andalucía, España) su música mezcla los sonidos del flamenco y palos (formas) con música electrónica. Según el dialecto andaluz, un "Chambao" es una tienda de campaña improvisada para protegerse del sol y la brisa de la tarde en la playa, utilizada normalmente en la noche de San Juan.

Chambao nació cuando el músico holandés Henrik Takkenberg conoció a tres malagueños (María del Mar, eledi y Dani, componentes del grupo) en la barriada malagueña de Pedregalejo y decidieron formar un grupo musical fusionando el flamenco con sonidos electrónicos.

Su primer trabajo, Flamenco Chill, fue un éxito de ventas. Su segundo disco, Endorfinas en la mente, ya sin Henrik entre ellos, les afianzó en el panorama musical, consiguiendo un Premio Ondas. Su sencillo, Ahí estás tú, fue todo un éxito en España al convertirse en banda sonora de un spot publicitario para el turismo de Andalucía. El tercer trabajo de Chambao se llama Pokito a poko y, de los co-fundadores de la formación ya sólo queda La Mari, vocalista y alma del grupo, que se ha hecho rodear de nuevos músicos para continuar con Chambao. Actualmente, La Mari, recuperada de un cáncer, ha participado en el álbum de Ricky Martin MTV Unplugged cantando a dúo con él Tu recuerdo. Chambao ha vendido más de 1.000.000 de copias en todo el mundo de sus trabajos. Ahora con su nuevo sencillo, Papeles mojados, esperan repetir éxito tanto en España como en Europa (donde ya son bastantes conocidos). En este último trabajo además de ritmos flamencos y chill out, fusionan ritmos árabes y letras de denuncia social. En 2008 colabora con la ganadora del 51 Festival de Eurovisión , Helena Paparizou con la que realiza un dueto de su canción ya editada en España Papeles mojados.

Pagina: http://www.chambao.es/

Gala Évora

Gala Évora, cantante flamenca y actriz española, (1983)

Biografía

Gala Évora nació el 8 de febrero de 1983 en Sanlúcar de Barrameda (Cádiz), en el seno de una familia de artistas. Su padre, José Miguel Évora, era productor musical, y su tío era el guitarrista Manolo Sanlúcar. Tenía solo ocho años cuando debutó en el cine, gracias a un pequeño papel en 'El día que nací yo' (Pedro Olea, 1991), cinta hecha para el lucimiento de Isabel Pantoja.

Creció escuchando a artistas como Carmen Linares, Enrique Morente, Camarón de la Isla o Falete, a quienes hacía los coros. Pero el éxito le llegó con Papá Levante, grupo descubierto por el productor José Luis de Carlos y compuesto por María, Pao, Iren, Sonia, Sandra y la propia Gala Évora.

Sacaron su primer disco, 'Tomacalafé', a finales del año 2000, consiguiendo la popularidad gracias a la canción 'Me pongo colorada'. En 2003 salió al mercado 'Sopla levante', un álbum que tuvo dos singles, 'Comunicando' y 'Gorda'. La trayectoria de Papá Levante se cerró en 2005, con el lanzamiento de 'Pa ti, pa mí', cuyo primer sencillo se titulaba 'Chiquilla'.

A partir de ese momento, Gala Évora se centró en su carrera cinematográfica, asumiendo el papel de Lola Flores en 'Lola. La película' (Miguel Hermoso, 2007), cinta por la que estuvo nominada al premio Goya a la Mejor Actriz Revelación.

'Agua y luz' es el primer disco en solitario de Gala Évora. Incluye seis canciones de Carlos Sanlúcar, así como versiones de Salif Keita, Quique González, Lila Downs o Luis Pastor. El álbum comienza con la canción 'Al otro lado del mundo', para continuar con 'Tengo un amor', una apuesta por la sencillez y la calidad. 'Sabré que eres tú', un acercamiento sutil ensoñador a Brasil; 'Agua de rosas', compuesta por la mexicana Lila Downs, o 'Quiero volar', un acercamiento al flamenco a través de una voz llena de matices, son otras de las propuestas.

Pagina: http://www.galaevora.es/

Dr. Feelgood

Doctor Feelgood es un grupo de blues-rock inglés que comenzó su andadura en 1972 de la mano del cantante y armonicista Lee Brilleaux (1948-1994) y del guitarrista Wilco Johnson (1950).

Desde un principio destacaron por unos directos magníficos, caracterizados por el derroche escénico de Brilleux y la guitarra machacona y poderosa de Johson, haciéndose muy conocidos en el circuito de pubs y salas pequeñas.

El disco en directo «Stupidity» y la canción «Roxette» les reportó un notable éxito, lo que no impidió unos continuos cambios en la formación que duran hasta nuestros dias.

Johnson abandonaría la formación dejando como lider absoluto a Brilleaux, que seguiría manteniendo alto el nivel de los Feelgood hasta su muerte en 1994.

Los restantes miembros seguirían con el proyecto a pesar de esta irreparable pérdida, esta vez bajo la batuta del guitarrista Steve Walwyn, lugarteniente de Brilleaux durante los últimos años.

Pagina: http://www.drfeelgood.de/

Christian Stephen (Christianstephen Banda CS)

Christian Esteban Proaño (Ibarra, Imbabura, Ecuador, 14 de abril de 1978), mejor conocido como Christian Stephen, es un Diseñador, Artista, Productor y Poeta, que actualmente esta considerado como uno de los padres del género autodenominado Post-grunge latino. Stephen ha sido el líder y fundador de las bandas Calvario (Banda) con la cual fue su diseñador y manejo su imagen y Christianstephen (Banda CS) con esta última como solista proyectó este género. Christian también es dueño de la compañía de productos y servicios CS Pro. Christian Esteban Proaño lleva una carrera en el mundo de la música de más de 15 años donde se ha involucrado con los géneros rock: Grunge, Post-grunge, Hard rock, Groove metal,Rock latino, Canción social, Thrash metal, Punk, Heavy metal, Blues, Folk-rock, Metalcore, Thrash-core. Afincado en la Ciudad de Cotacachi, Imbabura ha organizado con varios colegas eventos entre festivales y conciertos tales como Rock del parque fest, Festival de cantautores: “Un sueño hecho realidad”, y Diablo calle fest. Como artistade la pintura creo una muestra llamada Cosmovision errante

Biografía

Sus inicios se dieron en la pintura desde 1991 al ingresar al Colegio Daniel Reyes, En 1994 forma parte de Calvario (Banda) al ingresar como su bajista, desde este tiempo comienza a escribir varios temas destinados a ser parte de los proyectos de esta banda algo que no se cumplió y tuvo que comenzar con una carrera solista, Desde 1995 organiza varios eventos asociados con el rock dentro de su ciudad tales como el Rock del parque fest. Desde 1998 realizo sus primeras obras inéditas de pintura que formarían parte de su muestra “Cosmovision errante” A fines de año a sabiendas que la banda comenzaba con su descenso y que iba a disolverse entre otros por que no estaban de acuerdo con sus propuestas, tuvo la convicción de proyectarse como solista y preparo su lanzamiento cambiando su segundo nombre Esteban al ingles quedando como Christian Stephen y prepara su repertorio. En 1999 realiza un evento entre músicos locales donde vendría su debut. El festival Concierto de cantautores presentado en el teatro “Ciudad por la paz” de la ciudad de Cotacachi donde el mayor clímax lo obtuvo con la canción Astros, y aquí también presento una parte de “Cosmovisión errante”. Desde esta época viene proyectando una carrera en constante evolución dentro del grunge, desde sus demos acústicos hasta álbumes como Proyecto caminantes latinoamericanos y Canciones que se pierden en la luna considerados como obras de culto dentro del Grunge hispanoamericano y mundial.

Christianstephen (Banda CS) es el lanzamiento como solista del ex -líder de Calvario (banda) Christian Stephen, fundado en Quito en Noviembre de 1998 y lanzado desde Agosto de 1999 en el concierto de cantautores Cotacachi, Este artista Ibarreño de nacimiento salto a escena con un grunge acústico fundido años atrás siendo el primer cantautor y precursor del grunge en los años 90`s que luego se destino a consolidar el post-grunge Alterlatino al reformar el estilo con otras cosas por decir y una banda de Hard rock desde la mitad del mundo con total sentido ecléctico. Tanto en solitario como con banda es un hito histórico presenciar su particular estilo, desde el 2004 luego de lanzar su primer álbum “Proyecto caminantes latinoamericanos” empieza a formar Banda CS, una banda alineada para acompañarlo en escena. Con una proyección inspirada en los mochileros como una etapa de vida y su Rock Alternativo o más bien “Alterlatino” es considerado un hijo del rock latino y un repertorio a cuestas inspirado en el Grunge de Seattle, Canción social, Hard rock, Groove metal, con el que se ha dado a conocer con un genero inconfundible y su ego de “frontman” lo ha llevado a proyectar su personalidad dentro de sus inmortales temas.

Siendo uno de los importantes artistas y diseñadores más completos del Ecuador es una imagen del rock nacional en su germinación siempre visitando más lugares con su propio estilo, auto superación y sus ya legendarias vivencias experimentales dentro y fuera de escena donde ha proyectado una enigmática personalidad.

Pagina: http://www.christianstephen.tk/

Cypress Hill

Cypress Hill es un grupo latino de hip-hop de South Gate, California. Fue formado en 1986 y a lo largo de su amplia y exitosa carrera han vendido 10 millones de álbumes en todo el mundo.

El grupo está formado por DJ Muggs (Lawrence Muggerud, DJ y productor, 28 de enero de 1968), B-Real (Louis Freese, Mc, 2 de junio de 1970), Sen Dog (Senen Reyes, Mc, 20 de noviembre de 1965) y Eric Bobo (Eric Correa, percusionista, 27 de agosto de 1968, que se integró en 1994). Uno de los aspectos de su popularidad es su compromiso con la legalización del consumo de marihuana o cannabis. Cypress Hill es el primer grupo latino en obtener un disco platino, oro y multi-platino y son los artistas latinos que más han vendido.

Carrera

Nombre del grupo

El nombre Cypress Hill hace referencia al lugar donde los primeros miembros de la banda vivieron, en la Avenida Cypress en South Gate, Los Ángeles, Cabe recalcar que en dicho lugar hay muchos árboles de ciprés, un árbol de la familia de los pinos. El nombre original del grupo era "DVX", pero fue cambiado tras la salida de Mellow Man Ace (Ulpiano Sergio, el hermano menor de Sen Dog) del grupo para iniciar su carrera como solista. A veces incorrectamente se cree que el nombre del grupo se refiere a la sección de Cypress Hills en East New York, Brooklyn.

Comienzos

El primer álbum, titulado igual que ellos, fue lanzado en noviembre de 1991. El primer single fue "Phuncky Feel One", pero fue la Cara-B "How I Could Just Kill A Man" (primeramente llamado "Trigga Happy Nigga") el que más éxito tuvo en las radios urbanas. Gracias al éxito del single "Hand On The Pump" y a otras canciones como la bilingüe canción "Latin Lingo" y la española "Tres Equis", el álbum vendió dos millones de copias solamente en Estados Unidos. Posteriormente, DJ Muggs produjo el primer álbum de House of Pain, y trabajó con Beastie Boys y Funkdoobiest. La banda hizo su primera aparición en el festival musical Lollapalooza en 1992.

Black Sunday, el segundo álbum del grupo, debutó #1 en la lista Billboard 200 en 1993. Todavía con su álbum debut en las listas, se convirtieron en los primeros artistas de rap en colocar dos álbumes en el Top 10 de Billboard 200 al mismo tiempo. Con el éxitazo "Insane in the Brain", el álbum fue doble-platino en Estados Unidos y vendió 3.25 millones de copias.

Como uno de los primeros grupos de rap que luchan por la legalización de la marihuana, Cypress Hill fue prohibido en Saturday Night Live después de que DJ Muggs se fumara un porro de marihuana y la banda destrozara sus instrumentos musicales mientras interpretaban su segundo single "I Ain't Goin' Out Like That". El grupo tituló su gira con el nombre "Soul Assassins", en acompañamiento de House of Pain y Funkdoobiest, y más adelante hicieron lo propio con Rage Against the Machine y Seven Year Bitch. En 1993, Cypress Hill grabó dos temas para la banda sonora de la película Judgment Night, "Real Thing" con Pearl Jam y "I Love You Mary Jane" con Sonic Youth.

La banda tocó en 1994 en el Festival de Woodstock introduciendo a su nuevo miembro Eric Bobo, antiguo percusionista de Beastie Boys. Bobo es el hijo del famoso cantante de salsa Willie Bobo. La revista Rolling Stone nombró a Cypress Hill como el mejor grupo de hip hop en sus premios de música votados por críticos y lectores. Cypress tocó por segundo año consecutivo en Lollapalooza encabezando el cartel en 1995. También aparecen en el capítulo de Los Simpson llamado Homerpalooza, en el que Homer, Bart y Lisa asisten al Festival Hullabalooza (inspirado en el Lollapalooza). El tercer álbum, Cypress Hill III: Temples of Boom, fue lanzado en 1995, vendiendo 1.5 millones de copias y alcanzando la tercera posición de Billboard 200 a pesar de no incluir ningún single de éxito.

Carrera continuada

Sen Dog se distanció un poco del grupo para formar una banda de punk-rap de Los Ángeles llamada SX-10. Sin embargo en 1996, Cypress Hill apareció en la primera gira Smokin' Grooves, con Ziggy Marley, The Fugees, Busta Rhymes y A Tribe Called Quest. El grupo también liberó el EP Unreleased and Revamped con raros y remixes.

En 1997 los miembros del grupo se centraron en sus carreras en solitario. Muggs lanzó Muggs Presents... the Soul Assassins con contribuciones de miembros de Wu-Tang Clan, Dr. Dre, KRS-One, Wyclef Jean y Mobb Deep. B-Real apareció con Busta Rhymes, Coolio, LL Cool J y Method Man en la canción "Hit Em High" de la multi-platina banda sonora de la película Space Jam. También colaboró con RBX, Nas y KRS-One en "East Coast Killer, West Coast Killer" del álbum Dr. Dre presents...The Aftermath de Dr. Dre, y lanzó el álbum The Psycho Realm, de su proyecto de mismo nombre. A pesar de que el grupo estaba inactivo esos años, Cypress Hill apareció en Smokin' Grooves con George Clinton y Erykah Badu.

En 1998 volvieron para lanzar el álbum IV, siendo oro en Estados Unidos aunque con unas críticas un tanto negativas, respaldadas por el éxito "Tequila Sunrise" y otro tributo a fumar marihuana "Dr. Greenthumb". Sen Dog también lanzó Get Wood como parte de SX-10 en el sello Flip.

En 1999, tres de sus canciones aparecieron en el videojuego de PC Kingpin: Life of Crime. B-Real también contribuyó con alguna de las voces de la gente del juego. Ese mismo año lanzaron un álbum de grandes éxitos en español, Los grandes éxitos en español. Cypress Hill fusionó géneros en el 2000 con su doble-álbum Skull & Bones. El primer disco, "Skull", estaba compuesto por canciones de rap mientras que "Bones" estaba más centrado en el rock. El álbum fue un Top 5 en Billboard 200 y #3 en Canadá. El primer single fue "Rock Superstar" para la radio de rock y "Rap Superstar" para la radio urbana, un tema que sin duda puso a la banda nuevamente en el firmamento musical, y que le vino como anillo al dedo, ya que en ese tiempo canciones con ese estilo, más del Nu Metal que también usaron en la canción "Can´t get the best of me", estaban pegando como nunca. El grupo también lanzó Live at the Fillmore, un disco del concierto de Fillmore, San Francisco en 2000.

Cypress Hill continuó con experimentación en el rock con el álbum Stoned Raiders de 2001. Sin embargo, las ventas fueron una decepción y el álbum no alcanzó ni las 50 primeras posiciones de la lista de álbumes estadounidense. Algunos singles fueron "Lowrider" y "Trouble".

En el 2002, participaron del primer Projekt Revolution juntos a Linkin Park.

El grupo lanzó el 23 de marzo de 2004 el álbum Till Death Do Us Part. El álbum vio un experimento de la banda con el reggae, especialmente en el single principal "What's Your Number". En la canción colaboran Tim Armstrong de Rancid en los bajos y Rob Aston de The Transplants en los vocales. El tema está basado en el clásico "The Guns of Brixton" de The Clash, y el resultado fue un éxito en las listas de rock moderno. En el álbum también aparecen Damian Marley, hijo de Bob Marley en la canción "Ganja Bus", Prodigy y Twin de Mobb Deep, y el productor The Alchemist.

La canción "How I Could Just Kill A Man" esta incluida en el popular videojuego GTA San Andreas (2004) de Rockstar, en la Radio Los Santos.

En diciembre de 2005 salió a la luz Greatest Hits From the Bong, que incluía nueve éxitos de antiguos discos y dos nuevas canciones.

Pagina: http://www.cypresshill.com/

Die Happy

Die Happy es una banda alemana de Rock alternativo procedente de Ulm. Esta banda fue formada en 1993 por la cantante Checa Marta Jandová y el guitarrista alemán Thorsten Mewes. Las canciones de esta banda son en inglés a pesar de su nacionalidad. El 18 de Abril del 2008 será lanzado el quinto álbum de estudio de la banda.

Historia

La banda empezo en 1995 a grabar su primer álbum independiente titulado "Ich Bin Wichtig". Thorsten, Ralph y Jürgen decidieron invitar a la Checa Marta Jandová a cantar en su nueva banda.

El primer concierto fué previsto para el 19 de Febrero en Ulm en el "Büchsenstadel". Carsten, que organizó el concierto y el sonido hizo por primera vez esa noche, que iba a ser el 5 º miembro de la banda.

Ellos hicieron todo lo posible y desempeñaron un buen número de conciertos entre los que estaba también el primer show en Praga en el Rock Café. Ese verano tuvieron las primeras camisetas de Die Happy.

El LP Dirty Flowers fue oficialmente lanzado en Praga, el cual lo presentaron el 4 de Marzo con un concierto en el Lucierna Bar, y el 6 de Marzo en Ulm.

En 1997 lanzan su tercer álbum independiente "Promotion" el cual dio un gran paso para el primer álbum de estudio.

En enero de 1999 el jefe de Epic / Sony estaba sobre la mesa, todo lo que tenía que hacer era firmar, pero nada salió como debería. Después de un concierto en Frankfurt.


En el 2000 lanzan el primer single y video "Supersonic Speed" el cual tuvo gran exito y el video fue transmitido en el canal VIVA Zwei.

En el 2001 la banda lanza el primer álbum de estudio con el mismo nombre "Supersonic Speed" bajo la firma de la discográfica Sony BMG.

En el 2002 es lanzado el álbum "Beautiful Morning" en el cual lanzaron los singles "Goodbye" y "Not That Kind Of Girl".

Luego de varias giras en el Die Happy lanza "The Weight Of The Circumstances" gran paso para la banda hacia la fama.

Después de dos años la banda lanza el single "Big Big Trouble" el cual se dice que es la continuación del video "Big Boy" del álbum "The Weight Of The Circumstances" el mismo año seía lanzado el cuarto álbum de estudio de la banda titulado "Bitter To Better".

En el 2006 se lanzan los singles "Wanna Be Your Girl" y "The Ordinary Song" y el álbum "No Nuts No Glory".

En el 2007 la vocalista Marta Jandová participo en el Bundesvision Song Contest 2007 junto a la banda OOMPH! interpretando el tema "Träusmt Du?" con el cual ganaron el primer lugar.

Este viernes será lanzado el video del nuevo álbum "Peaches" disponible en su blog oficial de MySpace.

El 18 de Abril se pondrá a la venta el sexto álbum de estudio de la banda titulado "Six".

Pagina: http://www.diehappy.de/

Jaque Reina

Formacion:
Facundo Gattelet: voz y guitarra
Gustavo Gerán: bajo y coros
Leandro Gattelet: batería

Jaque.reina se formó en 2002, originalmente como iniciativa de los hermanos Leandro (bateria) y Facundo Gattelet, junto a Mariano Gaztelu (guitarra), Emiliano Rubinsztejn (voz) y Lucas Florio (bajo). Grabaron "Arterias", la primera producción de la banda y luego Nicolás Tassitani reemplazó a Florio.

El 2005 llegó con cambios: Gustavo Martinez (ex bajista de Cabezones) produjo el segundo disco, "4 Alas", para el cual volcaron su sonido hacia el nü rock, nü metal y pop rock. Se incorporó Jorge Abed como nuevo vocalista, en una placa que se ofreció libremente por internet y se presentó en Capital y Gran Buenos Aires, y también en Chile en dos ocasiones.

Para el 2007 quedaron formados como power trío, luego de la incorporación del actual bajista, Gustavo Gerán y con Facundo asumiendo la voz líder. Así llegó "Tres", un EP.

Pagina: http://www.jaquereina.com.ar/

Malpaís

Malpaís: un lugar hecho de canciones

El grupo costarricense Malpaís debe su nombre a un rincón alejado de la península de Nicoya, una playa agreste y olvidada, que en los últimos años ha ganado gran popularidad debido, sin duda, a la impresionante acogida que ha tenido esta banda entre los costarricenses de todas las generaciones.

Integrado por seis músicos de gran trayectoria en círculos tan diversos como el de la nueva canción, el jazz, el rock y la música clásica, Malpaís se formó en 1999 y dio sus primeros conciertos en el 2001.

Desde la salida de su primer disco, llamado lacónicamente “Uno”, en el año 2002, Malpaís fue recibido como un fenómeno con personalidad propia - Sus canciones sonaban distinto a todo lo que se había hecho antes en Costa Rica (o en otras partes, dirán algunos), y sin embargo el público se identificó con ellas de inmediato.

Los personajes entrañables, salidos de la vida cotidiana, las referencias al ayer mítico de la infancia, entre patios azules y potreros infinitos, los desasosiegos de la vida urbana, el amor y el desamor - El universo de Malpaís, recogido en las canciones de Fidel Gamboa, y en las letras de su hermano Jaime, ya han pasado a formar parte del imaginario colectivo de los “ticos”, más allá de si tienen 15 u 80 años.

La mezcla de ritmos, las influencias variadas, que oscilan entre el folclore centroamericano, los sonidos celtas, la balada rock, el son caribeño y el jazz fusión, le han permitido a Malpaís proponer una novedosa experiencia a quienes los escuchan “en vivo” - La gran ductilidad, la experiencia y destreza técnica de los músicos hace que los conciertos resulten contagiosos incluso para quienes no conocen las letras de las canciones.

Aparte de Fidel Gamboa, quien canta, toca la guitarra, la flauta, compone, arregla y dirige la agrupación, y de su hermano Jaime Gamboa, quien se encarga del bajo, coros y parte de las letras, Malpaís está compuesto por el tecladista Manuel Obregón, que es una de las figuras más destacadas de la escena musical centroamericana, por sus aportes en el campo de la fusión y recuperación de las tradiciones musicales - Iván Rodríguez toca el violín, la mandolina, las flautas celtas y hace coros; Gilberto Jarquín toca la batería y Carlos “Tapao” Vargas (ganador de dos premios Grammy, como parte de la banda de Rubén Blades) suma otra batería y un variado set de percusión - Finalmente, la joven Daniela Rodríguez hace coros, voces de apoyo y algunos solos de voz fundamentales, que forman parte de la “firma” musical de Malpaís.

Actualmente la banda cuenta con tres discos a su haber: “Uno” (2002), “Historias de nadie” (2004) y, más reciente, “Malpaís en vivo” (2006) - Todos, incluso el último, han obtenido Disco de Oro por sus venrtas en Costa Rica.

Malpaís ha actuado ya en Centroamérica, México y EE.UU., pero su verdadera proyección internacional recién comienza.

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Fuzzy Duck

Los Fuzzy Duck solo editaron un LP y dos singles, y puede ser de lo mejor del hard rock con órgano Hammond, guitarras contundentes y buenas melodías.

Fuzzy Duck estaba formado por Grahame White a las guitarras y voz, Mick Hawksworth ( antes en Andromeda) al bajo y guitarra de 12 cuerdas, Roy Sharland al órgano y Paul Francis a la batería. Este LP (acompañado de un single) fue editado por una subsidiaria de Decca, pero fue de escaso éxito en ventas, sacaron otro single pero al final deciden separarse para buscar fortuna en otras bandas.
Se abre el disco con "Time will be your Doctor", una canción bastante marchosa, muy buena pero que no se aleja demasiado de la órbita del hard rock típico de principios de esa década. Destaca por el momento la gran guitarra de White. Llega después "Mrs. Prout", y aquí ya estamos ya en otro rollo más original, es además un proverbial tema que pone los pelos de punta. Increible introducción de órgano, una melodía vocal preciosa y sobretodo una base rítmica que te hará mover la cabeza sin descanzo. Buenísimo el bajo de Hawksworth y su conjunción con la batería de Francis.

A partir del centro del tema una parte instrumental brutal de puro ritmo sententero ( una de las mejores bases rítmicas de la historia del rock sin duda), un riff de guitarra chulesco y unas entradas de órgano de espanto. Cuando aun la emoción no se ha esfumado entra "Just look around you", un tema rápido y melódico absolutamente adictivo. Despues mi tema preferido, la increible "Afternoon Out", con unas voces preciosas y un órgano que esta vez sirve de mero apoyo a la fenomenal guitarra de White. Un tema que por sus entradas de guitarra llega casi a la hard psicodelia en ciertos momentos. El solo final de guitarra ácida es realmentes antológico. "More than i am" es un tema que puede recordar mucho a los mejores Atomic Rooster, contundente a la vez que melódico. La conjunción entre guitarra y órgano es sublime, las voces otra vez realmente buenas. "Country Boy" es otro tema muy compacto, con unos solos espectaculars de órgano y guitarra en su final. "In our time" es un corte que me recuerda especialmente a Uriah Heep, con una buena melodía de voz y unos esquemas que parecen adelantar algo del heavy metal que llegaría en el futuro aunque con un espíritu muy progresivo.

Fuzzy Duck nos ofrecen un universo de melodía, guitarras contundentes aderezadas con un órgano Hammond realmente impresionante y creativo, un buen trabajo a la voz a cargo del señor Graham White, demostrando su buen hacer y un registro versátil dejando claro que el psych es uno de sus fuertes, pues aunque en FUZZY DUCK destacan más el hard y el prog también tienen tiempo de mostrarnos su parte más ácida que siempre se agradece.

Poco más se puede decir de esta verdadera joya, simplemente que contaban en sus filas con el ex componente de los míticos ANDRÓMEDA Mick Hawksworth que siempre es un aliciente y algo atener muy en cuenta.

Pues ya sabéis, si queréis pasar un rato agradable y disfrutáis con bandas como Atomic Rooster,
Eloy, Uriah Heep, etc.... por nombrar las más conocidas, no os queda otra cosa que haceros con este monumento a la buena música y pieza clave del Hard Rock más clásico.

Steve Winwood

Steve Winwood (nacido como Stephen Lawrence Winwood el 12 de mayo de 1948 en Handsworth, Birmingham, Inglaterra) es un cantante, tecladista y compositor inglés. Sus primeros pasos los dio en la banda Spencer Davis Group y Blind Faith en los años sesenta y luego en el grupo inglés Traffic, para posteriormente iniciar a mediados de los setenta una exitosa carrera como solista que tuvo su punto cúlmine en la segunda mitad de los años ochenta. Su sonido se caracteriza por el uso del teclado como instrumento principal adornado con influencias de jazz, el R&B y el pop.

Carrera como solista

En 1977 Winwood publica su primer álbum solista "Steve Winwood", con el cual consigue estatus de doble platino. Este álbum contiene los temas "Midland Maniac" y "Vacant Chair". No sería hasta la publicación del álbum "Arc Of Diver" de 1980 que Winwood consolidaría su éxito como solista. Este disco contiene la canción éxito "While You See A Chance" y el Hot 100 "Arc Of Diver", elevando el disco a la categoría de multiplatino.

En 1982 el álbum "Talking Back To The Night", que contiene la canción del Hot 100 "Valerie" no tuvo el mismo éxito del anterior y eso lo llevo a modificar el trabajo de producción de su siguiente álbum incluyendo la participación de otros artistas. Hasta esa fecha Winwood asumía tanto la producción como la grabación de sus discos en su estudio privado ubicado en su casa de Gloucestershire.

En 1986 aparece "Back in the high Life", grabado íntegramente en Nueva York, con la coproducción de Russ Titelman, incluye la participación de un selecto grupo de artistas como Chaka Khan, James Ingram, Nile Rodgers, James Taylor, Joe Walsh, Jocelyn Brown, Steve Ferrone y Randy Brecker. Este álbum se convirtió en el punto más alto de la carrera de Winwood, con los éxitos "Higher Love" (Nº 1 por una semana), "Freedom Overspill" (Nº 20), "The Finer Things" (Nº 8) y "Back in the High Life Again" (Nº 13). El éxito de "Back in The High Life" permitió a Winwood triunfar en los premios Grammy de 1987 en donde obtuvo los galardones de "Álbum del año" y "Mejor vocalista masculino".

En 1987 edita el álbum "Chronicles", un recopilatorio con versiones remasterizadas de sus éxitos. Este disco le ayudó a colocar en los Hot 10 el tema "Valerie" del álbum "Talking Back To The Night". En 1988 Winwood lanza el álbum "Roll With It", cuyo tema homónimo se mantendría en el Nº 1 por cuatro semanas. Otros temas destacados de este álbum son "Don't You Know What The Night Can Do?" (Nº 6) y "Holding On" (Nº 11). Con este disco Winwood adquiere definitivamente la categoría de clásico y alcanza la cumbre de su popularidad.

Luego del éxito de "Roll with It", los álbumes posteriores de Winwood no lograrían mayor repercusión. En 1990 lanza "Refugees Of the Heart", que pese a llegar a la categoría de platino, no colocaría ningún Hit en los Hot 10. En 1995 Winwood lograría colocar en el Nº 1 del Hot 10 el tema principal de la película "Balto" "Reach for The Light". Los restantes álbumes de Winwood "Junction Seven" de 1997 y "About Time" de 2003 confirmarían el bajo perfil de este artista lo que no resta su estatus de leyenda ni tampoco su calidad como músico, lo que queda demostrado con la invitación a participar en la película "Los Hermanos Caradura II" integrando una superbanda junto a Eric Clapton, B.B. King e Isaac Hayes.

Pagina: http://www.stevewinwood.com/

Keith Emerson

Keith Emerson (nació el 2 de noviembre de 1944 en Todmorden, Inglaterra) es un pianista, teclista y compositor británico. Comenzó su carrera integrando el grupo The Nice, y después pasó a formar parte de Emerson, Lake & Palmer (ELP), uno de los primeros super grupos de los años 70. Con dicho grupo, publicó una serie de LP's de gran calidad, tanto en lo que se refiere a la composición, con temas de una gran complejidad y duración, fusionando rock, jazz y música contemporánea, en los que el protagonista era Emerson, y baladas en las que el peso lo llevaba el bajista Greg Lake, como en la interpretación de una gran sensibilidad y fuerza, y con un virtuosismo que coloca tanto a Emerson como al batería Carl Parlmer entre los más grandes instrumentistas de la historia del Rock. Asimismo, realizaban versiones de composiciones clásicas o contemporáneas de autores como Bartok, Mussorgsky, Ginastera o Aaron Copland. Sus primeros cinco LP's son clásicos del rock de los 70, tontamente olvidados como consecuencia del estancamiento que fue sufriendo la crítica y el público mayoritario de rock a partir de 1977, anclados en una serie de criterios fosilizados, más propios de los 50 o los 60, como las canciones de tres minutos, la espontaneidad, la rebeldía juvenil (o su continuador, el nihilismo punk) o la "energía" (confundiendo muchas veces energía con el volumen de los amplificadores). En ese mismo año, precisamente, realizan un evento único, la unión en una gira de una orquesta de tipo clásico con un grupo de rock integrando ambos sonidos (es decir, no intercalandose ambos, sino con una verdadera compenetración), experimento exitoso en lo creativo pero desastroso en lo económico, lo que obligó a continuar la gira sin la orquesta al cabo de poco tiempo, y que probablemente significó la puntilla para el grupo.

Después de la disolución de ELP, volvió a reunirse con los integrantes de The Nice a mediado de los años '90 para hacer una gira de conciertos.

Emerson nació en Todmorden, Inglaterra. De niño aprendió a tocar el piano con orientación a la música clásica europea, del cual derivó mucha inspiración para crear su estilo propio, combinando música clásica, jazz y rock en sus obras. Como ejecutante de órgano Hammond, Emerson encontró en 1969 una oportunidad para colaborar con Robert Moog, y trabajó con su invención, el módulo Moog, un sintetizador analógico. Mientras otros músicos, tales como los Beatles y los Rolling Stones habían usado el Moog, Emerson fue el primer músico en hacer una gira con uno de estos sintetizadores.

Emerson es conocido por su técnica virtuosística y por su forma de manejar el teclado en el escenario, incluyendo el uso de cuchillos para oprimir las teclas del órgano durante sus solos, tocando el órgano al revés mientras lo tiene acostado sobre sí y empleando un dispositivo especial para rotar su piano mientras lo está tocando (esto era puramente teatral, ya que los pianos acústicos no pueden funcionar cuando son rotados de este modo). Junto a sus contemporáneos como Richard Wright de Pink Floyd, Tony Banks de Genesis , Rick Wakeman de Yes y Jon Lord de Deep Purple, Keith Emerson es ampliamente reconocido como el mejor teclista de rock progresivo y probablemente el mejor teclista del rock.

Pagina: http://www.keithemerson.com/

Carlitos Balá

Carlitos Balá es el nombre artístico de Carlos Salim Balaá (nacido el 13 de agosto de 1925 en Buenos Aires), un actor cómico argentino famoso por su dedicación al entretenimiento de los niños. Realizó destacados espectáculos en televisión, cine, circo, y teatro.

Biografía

Carlos Salim Balaá, descendiente de inmigrantes sirio-libaneses, nació en Buenos Aires en 1925, en el Barrio de Chacarita.

El nombre

El propio Balá cuenta que su primer nombre artístico fue «Carlitos Valdéz», con el que ganó un concurso de imitaciones y ruidos en la radio, pero que lo cambió por «Carlitos Balá», recuperando el sonido de su propio apellido, cuando su padre, luego de haber escuchado el concurso, no se enteró que su hijo había ganado.

Carrera

En sus inicios y a modo de práctica realizaba monólogos y hacía gracias a los pasajeros de la línea de colectivos nº 39 (transporte público de Buenos Aires), que le sirvió para ponerse ducho y desarrollar el coraje para establecer contacto con el público. Siendo muy joven integró un famoso trío cómico junto a Jorge Marchesini y Alberto Locati. Posteriormente y después de haber celebrado unos cuantos éxitos con el mencionado grupo, cada uno inició su propia carrera en forma individual, logrando Balá afirmarse muy sólidamente en el mundo del espectáculo, convirtiéndose en una figura de permanente presencia en los medios, aún hasta el día de la fecha -si bien con no tanta regularidad- continúa realizando espectáculos y desplegando un humor sano y muy gracioso, que hace especialmente felíz a los niños y a quienes -no siendo tan niños- lo recuerdan por sus programas infantiles tan seguidos en épocas de sus respectivas infancias.

Gags

Su marca registrada es su "flequillo", y sus "frases celebérrimas" (muy pegadizas), que él repite en gags:

P: ¿Qué gusto tiene la sal? R: Salado
Ea-ea-ea pe-pé
Sumbudrule (mientras inadvertidamente colocaba su mano por detrás de la nuca de sus oponentes como una araña, en señal de burla o disgusto, aunque sin posarla sobre su cabeza)
P: El chupete es... R: "Feo" (diálogo con los niños que asistían a su programa, que ayudó a muchos progenitores y niños a que estos últimos dejaran el chupete).
"¡Mirá cómo tiemblo!" (ante un enemigo que en realidad era temible)
¿Mamá, cuándo lo vamo' ? (caracterizado como niño, indicando aburrimiento)
"¿Un gestito de idea?"
Fabulósico y palabras de forma similar terminadas en "ósico" o en general esdrújulas inventadas a partir de palabras graves.
"Está un kilo y dos pancitos".
"Más rápido que un bombero".
"Seriola (modo de afirmación irónica inventado por él mismo) con techito por si llueve".
"Zazaza zazaza".
"Te pasaste, Petronilo, pegá la vuelta", habitualmente seguida por "La Argentina te queda chica, comprá dos números más".
"Señoras, señores y por qué no lactántricos, tengan ustedes muy buena imagen" (La frase incluye una versión específica de la creación de neologismos esdrújulos.)
"Ya mismo y sin cambiar de andén"
P: Ta-ta Ta-ta-tá R: "Ba-lá"

En TV, Carlitos tenía un amigo invisible: el perrito Angueto, con quien desarrollaba un sketch en el que el perro lo arrastraba a su antojo. Hizo también famosas bromas telefónicas, el trío acrobático Los Malerva, El Indeciso, Petronilo el paisano ingenuo, El mago Mersoni (al que los trucos siempre le salían mal) y Don Generoso.

Curiosidades

Trabajó en filmes, muchos notables como Canuto Cañete Detective Privado en los 1960s, y en otras películas familiares que abrían las vacaciones escolares. Hizo grandes giras teatrales por Argentina, con suceso en Mar del Plata. Durante algunos años, las acciones actorales se desarrollaban en su circo.
En los años previos a la televisión por cable, Balá tenía un programa semanal, llevándolo al status de top en el entretenimiento infantil junto con el Capitán Piluso y Pepitito.

Canteca de Macao

Con poco más de tres años de vida a sus espaldas, los componentes de Canteca de Macao han pasado de tocar en las mañanas del rastro madrileño a los escenarios de algunos de los festivales musicales más importantes del panorama sonoro español y extranjero. Los nueve integrantes de esta banda mestiza han sabido plasmar la multiculturalidad presente en las de cualquier ciudad en un estilo musical propio; una fusión de ska, reggae y ritmos de rumba conjugados con un directo frenético que ha logrado conectar con el público en cada uno de los países que han visitado.

Canteca de Macao ha sabido salir de los pequeños locales en los que empezó actuando casi por afición pese a la singularidad de no haber puesto jamás un disco a la venta en los stands de los grandes centros comerciales. La única publicidad con la que han contado hasta el momento ha sido la noticia de sus conciertos en múltiples escenarios de Europa, América Latina u Oriente Próximo saltando de un oído a otro con el boca a boca de los que han podido asistir a sus potentes directos.

Aún así, el grupo supo arriesgar en su momento y apostar por el proyecto Canteca con un primer disco, ‘Cachai?’. Grabado en los estudios Hispana de Madrid sus 13 frenéticos y comprometidos temas lograron vender las únicas 4.000 copias de este primer álbum, pese a que las salas en las que han actuado han sido hasta ahora su único punto de venta.

La gira de presentación de ‘Cachai?’ llevó a la banda por una gira de más de 100 conciertos a lo largo y ancho de la geografía española; una experiencia que les permitió subir a los escenarios de toda España y parte de Europa. En Alemania incluso pudieron ver el cartel de ‘sold out' colgado en la puerta de la sala Gloria Theater, donde más de mil personas asistieron al espectáculo de música, danza y malabares de Canteca de Macao.

Los buenos resultados de ese primer experimento animaron a la banda a plantearse un nuevo reto: el segundo disco de la banda “Camino de la vida entera” en proceso de mezcla y masterización en los estudios de Jose Luis Garrido, estará en la calle en Junio. Aunque esta vez con el sello de una gran multinacional (Dro East West/ Warner Music Spain) arropándoles en lo que supondrá su entrada directa al mercado.

Con todo, Canteca de Macao ha logrado mantener sus principios fundacionales en las distintas negociaciones con su discográfica actual, que tras un año y medio de tiras y aflojas con todas las multinacionales e independientes de España y parte de Europa ha aceptado conservar intacto el derecho a la libre descarga de la música de la banda. En virtud de éste, cualquier persona del mundo con acceso a la red de redes puede descargarse los dos álbumes del grupo, referente del género musical español más mestizo, en su página Web.La propia banda reconoce el mérito a la discográfica por el compromiso a la libre circulación del arte que supone, pese a que, en el fondo, “le estás pidiendo a una empresa que se dedica a vender discos que regale el de tu grupo a través de una página Web”, admiten. Una iniciativa pionera en el panorama musical que pocos grupos han llevado a cabo de momento y con la que los integrantes de Canteca de Macao esperan poder alcanzar la máxima difusión posible.

Pagina: http://www.cantecademacao.org/

Benedictum

Benedictum es un grupo estadounidense de heavy metal proveniente de San Diego (California).

Biografía

El grupo fue fundado por la vocalista Veronica Freeman y el guitarrista Pete Wells después de disolverse su anterior banda, Malady. Después de que se incorporasen a sus filas Blackie Sanchez y Chris Morgan preparó su primera demo con la ayuda del productor discográfico Jeff Pilson, que también los proveyó de bajo, cello y teclados adicionales. Más adelante firmaron con Locomotive Records y grabaron más canciones para completar su álbum de debut, Uncreation, que fue publicado oficialmente el 29 de enero del 2006 en Europa y el 14 de marzo del mismo año en Norteamérica.

Durante el verano del 2006 se dedicaron a girar por varios escenarios europeos, incluyendo los del Metal?ay en Gernika y en Jerez.

Discografía

- Uncreation (2006)
- Seasons of Tragedy (Promo 2008)

Miembros

- Veronica Freeman - voz
- Pete Wells - guitarra
- Chris Morgan - teclado
- Jesse Wright - bajo
- Blackie Sanchez - batería

Curiosidades

- Autoproclamando que Veronica es la contrapartida femenina de Ronnie James Dio[cita requerida], incluyeron la canción Rainbow in the Dark de Dio en su primera demo.
- Por la misma razón, su álbum Uncreation tiene dos versiones de canciones de Black Sabbath en su época con Ronnie James: Heaven and Hell y The Mob Rules.
- Esa misma versión de The Mob Rules tiene como estrella invitada a Jimmy Bain, ex miembro de Rainbow y de Dio.
- En la última canción de Uncreation, Valkyrie Rising, también colabora Craig Goldy, actual guitarrista de Dio.
- Su productor Jeff Pilson fue el bajista de Dokken y Dio, y todavía toca en War and Peace, Lynch/Pilson y Foreigner.

Pagina: http://www.benedictum.net/

Alice Cooper

Alice Cooper fue una banda de rock and roll, más en concreto heavy rock, pionera del género conocido como glam rock. Surgida en 1964 en Arizona, Estados Unidos, logró su mayor auge durante los años 70. Posteriormente, su líder, continuaría como solista tomando el antiguo nombre de la banda, Alice Cooper, y moviéndose hasta nuestros días entre géneros tan dispares como el heavy metal (siendo considerado un relevante precursor de éste), la new wave o el Pop rock, a lo largo de los 80 y 90, y retomando a principios de los años 2000 con álbumes como "The eyes of Alice Cooper", el rock and roll y hard rock de sus inicios.

Historia

1964 - 1970: Los inicios y la influencia de Frank Zappa

Hijo de un predicador, Vincent Furnier (nacido el 4 de Febrero de 1948 en Detroit Michigan) luego conocido como "Alice Cooper" fue uno de los pioneros en asociar Rock y espectáculo en sus conciertos y en montar pequeñas historias teatrales encima de un escenario donde a la vez tocaba un grupo de rock y crear de sí mismo un personaje surgido de la más sórdida de las pesadillas, con permiso de Arthur Brown o Screamin' Jay Hawkins, otros pioneros del llamado shock-rock y anteriores a él. Con maquillajes de aspecto siniestro, inquietantes letras y provocativas representaciones que abarcaban ejecuciones con guillotina y sillas eléctricas o actos con enormes serpientes, que ilustraban los contenidos de sus álbumes, muchos de los cuales narraban una historia, en la más pura línea del Álbum conceptual. Alice Cooper, eso sí, sería el primero en desarrollar con más sofisticación las puestas en escena respecto a otros músicos influenciados por la estética "glam-teatral" como David Bowie o Peter Gabriel, inspirado notablemente por el citado Arthur Brown. Esta característica escénica influenciaría notablemente a grupos como KISS, White Zombie, Mötley Crüe, Twisted Sister, Marilyn Manson, Lordi, etc. Dentro de su actitud irreverente destaca el show de cortar bebés con un hacha, filetear una dama frente a un refrigerador abierto e incluso presentarse para presidente contra Richard Nixon en Estados Unidos de America. La banda en sus inicios acusó una gran influencia de Frank Zappa, mentor de la formación; Zappa aconsejó al grupo incorporar elementos extravagantes en sus actuaciones, tales como tirar gallinas al público; los primeros álbumes de la formación, acusaron de esta manera una influencia del genio, que perviviría a lo largo de su carrera, en elementos de Rock progresivo que se pueden apreciar en los álbumes clásicos del grupo.

1971 - 1973: los años clásicos de la Alice Cooper band

Su estilo quedaría más definido a partir del álbum "Love it to death" (1971), su primer disco de éxito, que incorpora el himno generacional "I'm Eighteen". Posteriormente, publicarían entre 1971 y 1973 lo que se considera como su trilogía clásica, "Killer", "School's out" y el exitoso "Billion dollar Babies", discos que, junto con "Love it to death" contienen su repertorio más recordado, temas como "Under my Wheels", "Elected", "Is it my body" "Desperado" o "School's out".

El grupo desarrollaría en estos años un estilo personal, que se movería entre un Rock and roll y Hard rock de corte clásico, que incluiría en temas como "Halo of flies" o "Killer", desarrollos cercanos al Rock progresivo, y por la teatralidad de sus directos, que incluyen números escénicos como el ahorcamiento o guillotinamiento de su líder.

La banda cae en un pequeño bache artístico y comercial en 1973 con el álbum "Muscle of love", lo que conduce a su disolución, y al inicio de la carrera de Alice Cooper como solista, mientras que los integrantes de su antigua banda seguirían durante un corto período de tiempo bajo el nombre de "Billion Dollar Babies".

1975 - 1983: Welcome to my nightmare; decadencia

Alice Cooper inicia en 1975 su carrera como solista, con otro álbum elevado a la categoría de clásico por la crítica, como es "Welcome to My Nightmare", un disco lleno de eclecticismo y cuidados arreglos, además de un sonido ligeramente más endurecido en ciertos cortes del álbum. A este álbum pertenecen temas tan recordados como "Department of youth", "Devil's food" o la exitosa balada "Only women bleed". Su siguiente trabajo, "Goes to hell" (1976), mantendría el tipo artísticamente, sin alcanzar el nivel de su predecesor, pero Alice se hundía cada vez más en graves problemas de alcoholismo que afectarían negativamente a su carrera, llevando incluso a su ingreso en un centro psiquiátrico, experiencia que sirve de leit-motiv para su álbum "From the inside"; en esta época graba maquetas con el entonces desconocido "John Bongiovi" a quien luego se conocera por su banda Bon Jovi. En 1977 lanza su álbum "Lace & Whiskey" el cual contiene el famoso tema "You And Me" dedicado a su esposa.

Entre 1978 y 1983, Alice publica una serie de LP's como "Da Da" "Flush the fashion" o "Special forces", discos con escasa repercusión comercial que se mueven entre el New Wave, el Rock y un Pop ligeramente surreal. Estos discos, sin embargo, contienen temas muy apreciados por los fans más acérrimos, tales como "Clones (we're all)" (del LP "Flush the fashion" y versioneada por Smashing Pumpkins) o "Who do you think we are" (de "Special forces", un tema recientemente recuperado en los directos de la banda).

1986 - 1991 Kane Roberts y "Poison": el Heavy Metal

1986 vería el regreso de Alice Cooper al primer plano de la actualidad musical, abrazando de lleno el Heavy Metal, de la mano del fornido guitarrista Kane Roberts, con el exitoso "Constrictor". Una línea que tendría su continuidad en el álbum "Raise your fist and yell"; estos dos discos dejaron para la posteridad temas como "Teenage Frankenstein" o "Freedom". Su siguiente trabajo, ahondaría en la misma línea, pero su sonido se dulcificaría incluyendo coros y melodías similares a las del Glam metal, un estilo que se encontraba en pleno auge, y contando para ello con el exitoso compositor y productor Desmond Child, que había trabajado para bandas como Bon Jovi. El resultado fue el exitoso "Trash" (1989), un disco recordado por el megahit "Poison", cuyo video fue fuertemente promocionado por MTV y por otros como "Bed of nails" o "Spark in the dark". Su siguiente trabajo, "Hey Stoopid" (1991), seguiría la misma línea que su predecesor, pero sin alcanzar su éxito, y dejando temas como "Love is a loaded gun". Habían comenzado los años 90, y el Glam metal había perdido su popularidad ante el auge del Grunge.

1994 - actualidad; bandazos estilísticos y regreso a los orígenes

En su siguiente álbum, "The last temptation" (1994), Alice intentaría recuperar algo de su sonido clásico en temas como "Lost in America", y retomaría algo de su estética más "Pulp" y "kitsch", incluyendo un cómic inspirado en la historia del álbum, que además incidiría en otro concepto rescatado de su etapa más clásica: la del Álbum conceptual, un trabajo en el que todos los temas conforman una sola historia. Para este trabajo, Alice contó con la colaboración de Chris Cornell, líder de Soundgarden, con el que escribe el tema "Stolen prayer".

Sus siguientes trabajos, del 2000 y 2001, "Brutal planet" y "Dragontown", retomarían el Heavy metal, desde un concepto endurecido, en una aproximación al rock industrial y el metal más en boga de grupos como Nine Inch Nails o Marilyn Manson.

Finalmente, Alice recluta para su banda a todo un equipo de músicos jóvenes, admiradores del sonido de la Alice Cooper band que triunfó en los años 70, lo cual precipita una vuelta de lleno al Rock and roll y Hard rock de los inicios de la banda, en una aproximación mas rotunda que la de "The last temptation". "The eyes of Alice Cooper" (2003) y "Dirty diamonds"(2005), siguen este esquema, y se vieron acompañados de sendas giras en las que el grupo intenta recuperar su faceta más clásica, sin olvidar otras fases de su carrera.

Recientemente, Alice Cooper ha aparecido en el último disco de Avantasia (The Scarecrow) como colaborador, en una canción llamada "The Toy Master", que interpreta junto a Tobias Sammet.

Pagina: http://www.alicecooper.com/