Canteca de Macao

Con poco más de tres años de vida a sus espaldas, los componentes de Canteca de Macao han pasado de tocar en las mañanas del rastro madrileño a los escenarios de algunos de los festivales musicales más importantes del panorama sonoro español y extranjero. Los nueve integrantes de esta banda mestiza han sabido plasmar la multiculturalidad presente en las de cualquier ciudad en un estilo musical propio; una fusión de ska, reggae y ritmos de rumba conjugados con un directo frenético que ha logrado conectar con el público en cada uno de los países que han visitado.

Canteca de Macao ha sabido salir de los pequeños locales en los que empezó actuando casi por afición pese a la singularidad de no haber puesto jamás un disco a la venta en los stands de los grandes centros comerciales. La única publicidad con la que han contado hasta el momento ha sido la noticia de sus conciertos en múltiples escenarios de Europa, América Latina u Oriente Próximo saltando de un oído a otro con el boca a boca de los que han podido asistir a sus potentes directos.

Aún así, el grupo supo arriesgar en su momento y apostar por el proyecto Canteca con un primer disco, ‘Cachai?’. Grabado en los estudios Hispana de Madrid sus 13 frenéticos y comprometidos temas lograron vender las únicas 4.000 copias de este primer álbum, pese a que las salas en las que han actuado han sido hasta ahora su único punto de venta.

La gira de presentación de ‘Cachai?’ llevó a la banda por una gira de más de 100 conciertos a lo largo y ancho de la geografía española; una experiencia que les permitió subir a los escenarios de toda España y parte de Europa. En Alemania incluso pudieron ver el cartel de ‘sold out' colgado en la puerta de la sala Gloria Theater, donde más de mil personas asistieron al espectáculo de música, danza y malabares de Canteca de Macao.

Los buenos resultados de ese primer experimento animaron a la banda a plantearse un nuevo reto: el segundo disco de la banda “Camino de la vida entera” en proceso de mezcla y masterización en los estudios de Jose Luis Garrido, estará en la calle en Junio. Aunque esta vez con el sello de una gran multinacional (Dro East West/ Warner Music Spain) arropándoles en lo que supondrá su entrada directa al mercado.

Con todo, Canteca de Macao ha logrado mantener sus principios fundacionales en las distintas negociaciones con su discográfica actual, que tras un año y medio de tiras y aflojas con todas las multinacionales e independientes de España y parte de Europa ha aceptado conservar intacto el derecho a la libre descarga de la música de la banda. En virtud de éste, cualquier persona del mundo con acceso a la red de redes puede descargarse los dos álbumes del grupo, referente del género musical español más mestizo, en su página Web.La propia banda reconoce el mérito a la discográfica por el compromiso a la libre circulación del arte que supone, pese a que, en el fondo, “le estás pidiendo a una empresa que se dedica a vender discos que regale el de tu grupo a través de una página Web”, admiten. Una iniciativa pionera en el panorama musical que pocos grupos han llevado a cabo de momento y con la que los integrantes de Canteca de Macao esperan poder alcanzar la máxima difusión posible.

Pagina: http://www.cantecademacao.org/

Benedictum

Benedictum es un grupo estadounidense de heavy metal proveniente de San Diego (California).

Biografía

El grupo fue fundado por la vocalista Veronica Freeman y el guitarrista Pete Wells después de disolverse su anterior banda, Malady. Después de que se incorporasen a sus filas Blackie Sanchez y Chris Morgan preparó su primera demo con la ayuda del productor discográfico Jeff Pilson, que también los proveyó de bajo, cello y teclados adicionales. Más adelante firmaron con Locomotive Records y grabaron más canciones para completar su álbum de debut, Uncreation, que fue publicado oficialmente el 29 de enero del 2006 en Europa y el 14 de marzo del mismo año en Norteamérica.

Durante el verano del 2006 se dedicaron a girar por varios escenarios europeos, incluyendo los del Metal?ay en Gernika y en Jerez.

Discografía

- Uncreation (2006)
- Seasons of Tragedy (Promo 2008)

Miembros

- Veronica Freeman - voz
- Pete Wells - guitarra
- Chris Morgan - teclado
- Jesse Wright - bajo
- Blackie Sanchez - batería

Curiosidades

- Autoproclamando que Veronica es la contrapartida femenina de Ronnie James Dio[cita requerida], incluyeron la canción Rainbow in the Dark de Dio en su primera demo.
- Por la misma razón, su álbum Uncreation tiene dos versiones de canciones de Black Sabbath en su época con Ronnie James: Heaven and Hell y The Mob Rules.
- Esa misma versión de The Mob Rules tiene como estrella invitada a Jimmy Bain, ex miembro de Rainbow y de Dio.
- En la última canción de Uncreation, Valkyrie Rising, también colabora Craig Goldy, actual guitarrista de Dio.
- Su productor Jeff Pilson fue el bajista de Dokken y Dio, y todavía toca en War and Peace, Lynch/Pilson y Foreigner.

Pagina: http://www.benedictum.net/

Alice Cooper

Alice Cooper fue una banda de rock and roll, más en concreto heavy rock, pionera del género conocido como glam rock. Surgida en 1964 en Arizona, Estados Unidos, logró su mayor auge durante los años 70. Posteriormente, su líder, continuaría como solista tomando el antiguo nombre de la banda, Alice Cooper, y moviéndose hasta nuestros días entre géneros tan dispares como el heavy metal (siendo considerado un relevante precursor de éste), la new wave o el Pop rock, a lo largo de los 80 y 90, y retomando a principios de los años 2000 con álbumes como "The eyes of Alice Cooper", el rock and roll y hard rock de sus inicios.

Historia

1964 - 1970: Los inicios y la influencia de Frank Zappa

Hijo de un predicador, Vincent Furnier (nacido el 4 de Febrero de 1948 en Detroit Michigan) luego conocido como "Alice Cooper" fue uno de los pioneros en asociar Rock y espectáculo en sus conciertos y en montar pequeñas historias teatrales encima de un escenario donde a la vez tocaba un grupo de rock y crear de sí mismo un personaje surgido de la más sórdida de las pesadillas, con permiso de Arthur Brown o Screamin' Jay Hawkins, otros pioneros del llamado shock-rock y anteriores a él. Con maquillajes de aspecto siniestro, inquietantes letras y provocativas representaciones que abarcaban ejecuciones con guillotina y sillas eléctricas o actos con enormes serpientes, que ilustraban los contenidos de sus álbumes, muchos de los cuales narraban una historia, en la más pura línea del Álbum conceptual. Alice Cooper, eso sí, sería el primero en desarrollar con más sofisticación las puestas en escena respecto a otros músicos influenciados por la estética "glam-teatral" como David Bowie o Peter Gabriel, inspirado notablemente por el citado Arthur Brown. Esta característica escénica influenciaría notablemente a grupos como KISS, White Zombie, Mötley Crüe, Twisted Sister, Marilyn Manson, Lordi, etc. Dentro de su actitud irreverente destaca el show de cortar bebés con un hacha, filetear una dama frente a un refrigerador abierto e incluso presentarse para presidente contra Richard Nixon en Estados Unidos de America. La banda en sus inicios acusó una gran influencia de Frank Zappa, mentor de la formación; Zappa aconsejó al grupo incorporar elementos extravagantes en sus actuaciones, tales como tirar gallinas al público; los primeros álbumes de la formación, acusaron de esta manera una influencia del genio, que perviviría a lo largo de su carrera, en elementos de Rock progresivo que se pueden apreciar en los álbumes clásicos del grupo.

1971 - 1973: los años clásicos de la Alice Cooper band

Su estilo quedaría más definido a partir del álbum "Love it to death" (1971), su primer disco de éxito, que incorpora el himno generacional "I'm Eighteen". Posteriormente, publicarían entre 1971 y 1973 lo que se considera como su trilogía clásica, "Killer", "School's out" y el exitoso "Billion dollar Babies", discos que, junto con "Love it to death" contienen su repertorio más recordado, temas como "Under my Wheels", "Elected", "Is it my body" "Desperado" o "School's out".

El grupo desarrollaría en estos años un estilo personal, que se movería entre un Rock and roll y Hard rock de corte clásico, que incluiría en temas como "Halo of flies" o "Killer", desarrollos cercanos al Rock progresivo, y por la teatralidad de sus directos, que incluyen números escénicos como el ahorcamiento o guillotinamiento de su líder.

La banda cae en un pequeño bache artístico y comercial en 1973 con el álbum "Muscle of love", lo que conduce a su disolución, y al inicio de la carrera de Alice Cooper como solista, mientras que los integrantes de su antigua banda seguirían durante un corto período de tiempo bajo el nombre de "Billion Dollar Babies".

1975 - 1983: Welcome to my nightmare; decadencia

Alice Cooper inicia en 1975 su carrera como solista, con otro álbum elevado a la categoría de clásico por la crítica, como es "Welcome to My Nightmare", un disco lleno de eclecticismo y cuidados arreglos, además de un sonido ligeramente más endurecido en ciertos cortes del álbum. A este álbum pertenecen temas tan recordados como "Department of youth", "Devil's food" o la exitosa balada "Only women bleed". Su siguiente trabajo, "Goes to hell" (1976), mantendría el tipo artísticamente, sin alcanzar el nivel de su predecesor, pero Alice se hundía cada vez más en graves problemas de alcoholismo que afectarían negativamente a su carrera, llevando incluso a su ingreso en un centro psiquiátrico, experiencia que sirve de leit-motiv para su álbum "From the inside"; en esta época graba maquetas con el entonces desconocido "John Bongiovi" a quien luego se conocera por su banda Bon Jovi. En 1977 lanza su álbum "Lace & Whiskey" el cual contiene el famoso tema "You And Me" dedicado a su esposa.

Entre 1978 y 1983, Alice publica una serie de LP's como "Da Da" "Flush the fashion" o "Special forces", discos con escasa repercusión comercial que se mueven entre el New Wave, el Rock y un Pop ligeramente surreal. Estos discos, sin embargo, contienen temas muy apreciados por los fans más acérrimos, tales como "Clones (we're all)" (del LP "Flush the fashion" y versioneada por Smashing Pumpkins) o "Who do you think we are" (de "Special forces", un tema recientemente recuperado en los directos de la banda).

1986 - 1991 Kane Roberts y "Poison": el Heavy Metal

1986 vería el regreso de Alice Cooper al primer plano de la actualidad musical, abrazando de lleno el Heavy Metal, de la mano del fornido guitarrista Kane Roberts, con el exitoso "Constrictor". Una línea que tendría su continuidad en el álbum "Raise your fist and yell"; estos dos discos dejaron para la posteridad temas como "Teenage Frankenstein" o "Freedom". Su siguiente trabajo, ahondaría en la misma línea, pero su sonido se dulcificaría incluyendo coros y melodías similares a las del Glam metal, un estilo que se encontraba en pleno auge, y contando para ello con el exitoso compositor y productor Desmond Child, que había trabajado para bandas como Bon Jovi. El resultado fue el exitoso "Trash" (1989), un disco recordado por el megahit "Poison", cuyo video fue fuertemente promocionado por MTV y por otros como "Bed of nails" o "Spark in the dark". Su siguiente trabajo, "Hey Stoopid" (1991), seguiría la misma línea que su predecesor, pero sin alcanzar su éxito, y dejando temas como "Love is a loaded gun". Habían comenzado los años 90, y el Glam metal había perdido su popularidad ante el auge del Grunge.

1994 - actualidad; bandazos estilísticos y regreso a los orígenes

En su siguiente álbum, "The last temptation" (1994), Alice intentaría recuperar algo de su sonido clásico en temas como "Lost in America", y retomaría algo de su estética más "Pulp" y "kitsch", incluyendo un cómic inspirado en la historia del álbum, que además incidiría en otro concepto rescatado de su etapa más clásica: la del Álbum conceptual, un trabajo en el que todos los temas conforman una sola historia. Para este trabajo, Alice contó con la colaboración de Chris Cornell, líder de Soundgarden, con el que escribe el tema "Stolen prayer".

Sus siguientes trabajos, del 2000 y 2001, "Brutal planet" y "Dragontown", retomarían el Heavy metal, desde un concepto endurecido, en una aproximación al rock industrial y el metal más en boga de grupos como Nine Inch Nails o Marilyn Manson.

Finalmente, Alice recluta para su banda a todo un equipo de músicos jóvenes, admiradores del sonido de la Alice Cooper band que triunfó en los años 70, lo cual precipita una vuelta de lleno al Rock and roll y Hard rock de los inicios de la banda, en una aproximación mas rotunda que la de "The last temptation". "The eyes of Alice Cooper" (2003) y "Dirty diamonds"(2005), siguen este esquema, y se vieron acompañados de sendas giras en las que el grupo intenta recuperar su faceta más clásica, sin olvidar otras fases de su carrera.

Recientemente, Alice Cooper ha aparecido en el último disco de Avantasia (The Scarecrow) como colaborador, en una canción llamada "The Toy Master", que interpreta junto a Tobias Sammet.

Pagina: http://www.alicecooper.com/

Alejandro Lerner

Alejandro Lerner, (n. Buenos Aires, 8 de junio de 1957) es un cantante, compositor y músico argentino.

Biografía

La historia inicial de Alejandro Lerner está asociada a los primeros años del rock argentino.

Nació en 1957 y ya en la escuela secundaria integró algunas bandas juveniles ANACONDA, TONELADA PLÁSTICA.

Pero a mediados de los '70, Raúl Porchetto descubrió el talento de este porteño que por entonces tenía sólo 16 años y lo convocó para participar de su grupo Reino de Munt. Muy poco después, debutó discográficamente como invitado en el segundo LP de León Gieco, "La banda de los caballos cansados", de 1974. Tuvo un paso fugaz por Los Desconocidos de Siempre, el grupo que armó Nito Mestre luego de la disolución de Sui Generis, y como invitado junto a Miguel Cantilo, Punch, Piero y Prema. Había estudiado piano con dos prestigiosos maestros, Antonio De Raco y Juan Carlos Cirigliano.

Incursionó en la carrera de composición y musicología en la Facultad de Música de la Universidad Católica Argentina. Mientras tanto, seguía tocando con distintos solistas como Porchetto en los álbumes "Raúl Porchetto" (1976) y "Chico Cósmico" (1977). En el '76 se integró a Soluna, un grupo que había armado el ahora productor Gustavo Santaolalla luego de su separación de Arco Iris. Y fue allí, en el único disco que editó esa banda ("Energía natural", 1977) que apareció por primera vez de manera pública como compositor, con el tema "Detrás del vidrio roto", una de las experiencias profesionales más importantes para su formación. Compartió luego con Rinaldo Rafanelli (otro ex-Sui Generis), Gustavo Bazterrica y Gonzalo Farrugia, una formación con la que no llegó a grabar. Luego de sus primeros años como pianista de otros grupos, crea su primera banda de música instrumental como director, arreglador y compositor: Solopororo, un grupo de jazz rock latino que dejó un simple publicado y un álbum que se editó tiempo después como maxi, en 1984, bajo el nombre de Lerner ("Sus primeras canciones").De todos modos, es evidente que su gran espaldarazo llegó cuando se sumó, como pianista y compositor, a la banda de Sandra Mihanovich en 1980. Mientras tanto, le daba forma a un nuevo proyecto personal, La Magia. En 1982 editó su primer álbum solista ("Alejandro Lerner y la Magia"), se convirtió en consagración del Festival de la Falda y en el legendario festival BAROCK, con canciones irónicas y arreglos de rock sinfónico que inmediatamente llamaron la atención tanto del publico como de la prensa especializada. Con ese disco, que incluía temas como "Nena neurótica" y "Por un minuto de amor" -dos clásicos de su repertorio- su nombre se hizo definitivamente popular. Su primer álbum llegó a triple platino, lo que equivalía a una cifra de más de 180.000 discos vendidos. Al año siguiente, cuando grabó y editó el LP "Todo a pulmón", la carrera de Alejandro Lerner alcanzó uno de sus picos más altos. Con su estilo inconfundible bien consolidado, publicó dos nuevos álbumes; LERNERTRES con más de 300.000copias vendidas y CONCIERTO su primer disco en vivo. Para ese entonces canciones como TODO A PULMON y NO HACE FALTA QUE LO DIGAS se habían convertido en clásicos populares en todo hispano América. En 1985 decide alejarse del ambiente argentino de la música y radicarse en los Estados Unidos. Allí perfeccionó su formación musical estudiando arreglos con DON SEBESKY y piano con ANDY LAVERNE.Regresa a Buenos Aires en el '87 con un nuevo disco bajo el brazo, "Algo que decir".Una de las primeras publicaciones como sello independiente.

Se transformó en artista de repertorio y en una voz emblemática de la música popular argentina. Siguió grabando discos y presentándolos en conciertos cuya masividad nunca ha decaído, pero amplió su actividad hacia otros terrenos. Ha escrito música para cine, televisión, teatro-, música electrónica en series de ciencia ficción para tv, que le han valido recibir en dos oportunidades premios Martín Fierro, nominaciones a los premios GRAMMY en 4 oportunidades, numerosos premios KHONEX, Gardel, SADAIC el premio de la sociedad de autores y compositores argentinos y el premio ASCAP de la sociedad de autores de Estados Unidos.

Sus canciones han sido interpretadas por artistas de la talla de Mercedes Sosa, SANTANA, MIGUEL RIOS, Luis Miguel, ARMANDO MANZANERO, Gino Vannelli, CAROLE KING, Cristian Castro, MARK ANTHONY, La Ley, AIR SUPPLY, ALEJANDRA GUZMAN, entre otros,

Intervino como coproductor e intérprete en el disco de dúos que hizo Paul Anka, junto a Celine DION, BEE GEES, Tom Jones, Julio Iglesias junto a su gran amigo y mentor el productor HUMBERTO GATICA, con quién produce también dos de sus discos en Los Ángeles California, AMOR INFINITO Y PERMISO DE VOLAR.

Como productor Alejandro trabajó en el proyecto de CLAUDIA BRANT para Warner y en el 2001 el álbum LIBRE de la artista SOLEDAD para la SONY de Argentina.

Fue convocado para el homenaje a Carlos Gardel organizado por la Secretaría de Cultura y el Multimedios América en 1995, y para un disco de canciones patrias producido por Lito Vitale. En 1999, editó un álbum de grandes éxitos ("20 años") con más de 150. 000 placas vendidas. Con un nuevo trabajo de estudio, dos años después del anterior "Volver a Empezar", con el mismo nivel de éxito. Ya nadie se pregunta por su pertenencia al rock o a la balada; tanto que en su nuevo disco incursiona inclusive en otros géneros latinos. La salsa en "Si quieres saber quién soy", y melodías sentidas como "Se ríe de mí", en la que Alejandro describe escenas y personajes de su barrio, el gran tema romántico "Amarte así", con las guitarras - según expresa el artista - convertidas en el "alma de ese álbum".

En 1996 produce para UNICEF el megaconcierto TENGO UN SUEÑO, para difundir y apoyar los derechos de los niños en la reunión cumbre de presidentes de Hispanoamérica en la ciudad de Panamá. con artistas como Mercedes Sosa, RUBEN BLADES, ARMANDO MANZANERO, LEON GIECO, VICTOR HEREDIA y otras figuras de todo el continente.

Su labor solidaria lo llevó a apadrinar a distintas fundaciones y grupos de autoayuda participando de conciertos con fines solidarios en todo Latinoamérica.

En Diciembre de 2001 graba en vivo "Lerner. Vivo", con la participación de amigos de distintos géneros musicales en el escenario del Teatro Gran Rex, disco de oro en la Argentina. Con estos dos últimos trabajos recibe 4 nominaciones a los premios GRAMMY LATINO.

En el 2002 participó como compositor e intérprete en el último disco de Carlos Santana, "Shaman", quien lo invitó a compartir el escenario en más de 10 ciudades en su gira por USA.

También ha participado como autor he intérprete en el más reciente álbum del guitarrista de STING, DOMINIC MILLER.

"Buen Viaje", producido junto a CACHORRO LOPEZ e IGNACIO ELISAVETSKY, el cual contiene temas como "Después de ti" alcanzaró las 17 semanas consecutivas en primer lugar en radios y primer lugar en ventas, no sólo en Argentina - donde ha recibido el galardón de 6 nominaciones a los premios GARDEL 2004 a entregarse a fines de marzo - sino en países como COSTA RICA y FRANCIA donde ha sido recientemente lanzado.

En el año 2006 Alejandro Lerner cumplió un sueño llamado "Canciones para gente niña", CD que grabo de forma independiente con aquellos temas para niños chicos y grandes que ninguna discográfica le había permitido grabar.

Este CD fue en colaboración con la empresa Petrobras y la productora Fenix y toda su recaudación fue destinada al Hospital de Niños Garraham

Desde abril hasta octubre del 2007, Lerner se ocupó de la grabación de su álbum "Enojado" en la ciudad de Los Angeles, Estados unidos.

Este material tiene músicos invitados como Dominic Miller, guitarrista de Sting, quien viajó desde Londres para participar en el disco.

También cuenta con la colaboración Vinnie Colaiutta, baterista de Sting; Jeff Beck y Eric Clapton; así como el percusionista Luis Conte, quien ha trabajado con Phil Collins y Madonna.

Su salida al mercado es para principios de diciembre del 2007.

Lerner es un clásico, como lo son muchas de sus canciones. Y ese lugar queda perfectamente claro en el respeto que se ha ganado entre sus colegas de todas las corrientes.

Pagina: http://www.alejandrolerner.net/

Cuatro Pesos de Propina

"Desde Uruguay llegamos los cuatro pesos de propina. Banda que comienza su formación en el año 2000 y que ha fijado el grupo a partir del 2003.

De influencias varias y por tanto variados estilos musicales, nuestro grupo se conforma de batería, bajo, percusiones, teclado, sampler, acordeón, guitarra, dos vientos y el cantante.

Hemos tocado en varios lados, pero podemos dar como punto de quiebre en nuestro proceso de banda nuestros toques en los balnearios de Rocha, durante el verano y desde entonces se comienza a forjar el crecimiento de la banda, la cual se ve cada vez acompañada por mas personas que se van acercando a los toques, donde la consigna principal es la fiesta, el combatir con alegría , y tomarnos esto como eso, como una militancia cultural. Pero cuatro pesos no solo son los músicos, hay muchísimos allegados que constituyen la gran familia.

Bandas como Mano Negra y radio bemba, así como Fermin, Amparo, Ojos de brujo y todos los demás artistas de radiochango han sido también parte de la conformación de la banda. También nuestras influencias regionales nos tiñeron mucho y agradecemos el haber escuchado alguna vez a Eduardo Mateo o al principe, y tantos otros........ desde todos tus muertos o los cadillacs hasta Daniel Viglietti o el flaco Spinetta.
Hemos compartido varios escenarios con varias bandas, siendo también teloneros de Manu Chao el año pasado cuando paso por aquí.


En cuanto a los toques, si bien aquí es difícil, tocamos donde podemos, ya sea desde los sindicatos, en la universidad, para movimientos sociales y en boliches.

Somos independientes, y por esto entendemos que dadas las condiciones que se le imponen al artista, en que el hace todo y la disquera le da unos míseros centavos, realizamos una producción independiente, porque la vía autogestionada es la forma que tenemos para no atarnos ni que nos aten."

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Bad Brains

Bad Brains es una banda musical estadounidense. Aunque han experimentado con varios estilos y fusiones, son a menudo considerados como "la primera banda hardcore", al desarrollar un estilo rápido en contraste con las otras bandas pioneras del punk.

Carrera e historia

Inicios

Los miembros de Bad Brains se conocieron en el suburbio de Washington D.C., District Heights, Maryland.

El guitarrista Gary Miller alias «Dr. Know» ya había tocado el bajo en varias bandas funk de la zona y entre esos cambios de banda conoció a Darryl Jennifer, quien más tarde sería el bajista del grupo. Luego se les unieron los hermanos Paul (alias «H.R.») y Earl Hudson (voz y batería, respectivamente) y comenzaron como una banda híbrida jazz funk llamada Mind Power. Al cabo de varios meses, un amigo los metería dentro del punk al escuchar a Dead Boys; tras ello, se transformaron totalmente y cambiaron su nombre a Bad Brains, por el título de una canción («Bad brain») de Ramones.

A principios de 1978, los miembros del grupo vivían juntos en una casa de Bayway, Maryland, que Doc consiguó gracias al mánager de Rustler Steak House, donde trabajaba. H.R. y Darryl también consiguieron trabajos, pero no duraban mucho, por lo que terminaron lavando autos. Earl trabajaba lavando ropa en el hospital. Más adelante, H.R. entró a trabajar en Atlantic Research and Development, una fábrica de bombas que manufacturaba Stinger y misiles MX. Darryl, sin permiso de conducir, pasaba a buscarlos a medianoche para ir a ensayar a la casa en Bayway.

Para comenzar a hacerse conocidos, realizaron carteles y dieron concietos gratuitos en el sótano de su casa; también vendieron ellos mismos su maqueta. Posteriormente, tuvieron una gran demanda en los conciertos punk de D.C. Antes de dejar D.C. a finales de 1978, los Slickee Boys les recomendaron que grabaran sus canciones en Inner Ear Studios, en Arlington, Virginia. Grabado en junio de 1979,[1] Black Dots es el resultado de esta sesión.

Para aquel entonces, Inner Ear Studios era el sótano de Don Zietara (lugar que sirvió para grabar numerosos clásicos del hardcore punk, tales como el EP Minor Disturbance de The Teen Idles). Para la grabación, Don estaba instalado en las escaleras que daban a la cocina, Dr. Know y Darryl tenían el espacio principal del sótano, Earl estaba sentado en la batería, con el cuerpo completamente dentro de un armario, y H.R. estaba al principio de las escaleras que daban al patio, sosteniendo el micrófono (se puede oír al hijo menor de Don hablando a H.R. y unos grillos entre canción y canción).

Todo salió bien en la grabación y Black Dots representa su primer repertorio en vivo y su primera canción propia, «Don't need it». Con los meses, las canciones eran cada vez más rápidas y caóticas y terminaron definiendo el estilo hardcore, imitado profusamente por numerosas bandas en las décadas posteriores.

La marcha a Nueva York

Cuando actuaron como teloneros de The Damned, en el Bayou, en junio de 1979,[2] los guardias arrojaron a Darryl a la calle tras un incidente y se prohibió al grupo el acceso al club. Además, The Atlantis estaba siendo reconstruido, por lo que no veían un buen futuro en D.C. Por ese motivo, se mudaron a Nueva York, donde había locales donde actuaban grupos de música punk, como el Max's Kansas City, el Tier 3, el Peppermint Lounge, el A 7, el famoso CBGB, entre otros.

Allí tuvieron la posibilidad de grabar independientemente su primer single de 7 pulgadas Pay to Cum en diciembre de 1979 e incluso un vídeo de 15 minutos, titulado My picture in the movies baby. El video consistía en una actuación en CBGB'S de 1979. Después de eso, se volvieron uno de los grupos con mayor renombre de Nueva York y comenzaron a influir en muchos otros de N.Y. y D.C., tocando un estilo que hasta el momento era conocido como thrash, movimiento del cual fueron los precursores.

El single apareció finalmente en junio de 1980,[3] autoeditado en su sello Bad Brains Records. Su primera publicación, sin embargo, tuvo lugar con la inclusión del tema «Don't bother me» (también conocido como «You») en el recopilatorio The best of Limp, editado unos meses antes.[4]

Para 1981, viajaron a tocar a California. En marzo de 1982[5] salió su primer cassette, considerado por algunos músicos como el mejor disco hardcore punk de la historia. La cinta Bad Brains, publicada por el sello especializado en cassettes ROIR Tapes, contenía sonidos thrash, punk y también reggae, ya que se habían aproximado a la cultura rastafari en 1980.

1983 vio la publicación de Rock For Light, un disco extremadamente veloz, con algunas canciones antiguas grabadas nuevamente, además de canciones nuevas, agresivas, y tres temas reggae. El disco lo produjo Ric Ocasek, el famoso líder de The Cars.

En 1984, se disolvieron por primera vez, pero volvieron a juntarse a fines de 1985 y editaron I Against I en 1986 en el sello SST, totalmente renovados y lanzándose a nuevas giras a lo largo de 1987, tras las cuales el grupo se volvió a disolver.

Tras la publicación, en 1988, de undisco en vivo (Live, también en SST), se reunieron otra vez y grabaron para el sello Caroline el LP Quickness, un disco totalmente distinto, combinando mucho metal con punk y algunos sonidos funk. Después de ese disco se produjeron grandes diferencias musicales: H.R. y Earl querían dedicarse totalmente al reggae, mientras que Dr. Know y Darryl querían tocar metal. Eso hizo que H.R. y su hermano dejaran el grupo, lo que no impidió que Darryl y Dr. Know grabasen Rise, otro disco en la línea de Quickness, con un clon vocal de H.R. y un batería blanco.

Última etapa

En 1994, se juntaron nuevamente y grabaron God Of Love al año siguiente, basado en el reggae y el heavy metal de fusión. A fin de promocionar el disco, se unieron a Beastie Boys, quienes también habían dejado el hardcore de sus inicios para convertirse en una banda que experimenta con diferentes estilos (sobre todo el hip hop). Sin embargo, para los fans de su revolucionario estilo hardcore, God of love es su peor disco.

Mientras cruzaban la frontera con Canadá, H.R. fue detenido por posesión de droga. Los miembros del grupo fueron advertidos por sus colegas de Beastie Boys de que si los problemas continuaban, la gira debería darse por concluida. Tras ese incidente, H.R. golpeó brutalmente a su mánager antes de un concierto e intentó matar a su hermano.

Durante una actuación en esa gira, H.R. golpeó con el atril de un micrófono a un par de chicos, pensando que le estaban escupiendo: ambos fueron hospitalizados y ello dio fin a la gira. Se le detectó a H.R. un nivel de esquizofrenia medio. Visto el fracaso de la gira, se disolvieron, aparentemente de forma definitiva, pero en 2001 se reunieron para un concierto, bajo el nombre de Soul Brains, tocando los antiguos temas con el furor de aquella época original del punk.

En 2003, grabaron un disco de reggae, titulado I And I Survived.

El 24 y 25 de febrero de 2006, dieron un concierto en el clásico local CBGB'S de Nueva York, asegurando que habría muchos más a continuación. Su último disco, Build A Nation, es como una versión moderna de lo que habían sido casi 30 años atrás. Adam Yauch, de los Beastie Boys, se encargó de la producción.

También participaron en una de las últimos conciertos hardcore de CBGB'S, participando en la noche de reapertura del club en Las Vegas, tras su clausura a mediados de 2006 en Nueva York.

En 2008, Bad Brains fue de gira por Latinoamérica, pasando por países como Chile, Argentina y Brasil.

Pagina: http://www.badbrains.com/

Antonio Vivaldi

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741). Compositor y músico del Barroco tardío, apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido a nivel popular por ser el autor de la serie de conciertos para violin y orquesta Las cuatro estaciones.

Biografía

El padre de Antonio Vivaldi, el pianista Giovanni Battista, apodado Rossi (el Pelirrojo), fue miembro fundador del "Sovvegno de’ musicisti di Santa Cecilia", organización profesional de músicos venecianos; así mismo fue violinista en la orquesta de la basílica de San Marcos y en la del teatro de S. Giovanni Grisostomo. Fue el primer maestro de su hijo, que también fue, probablemente, discípulo de Giovanni Legrenzi.

El 18 de septiembre de 1693, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas. En 1699 fue ordenado subdiácono (4 de abril), luego diácono (18 de septiembre de 1700) y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703. Más inclinado hacia la música que hacia las obligaciones religiosas, logró que se dispensara de decir misa por razones de salud.

La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas todas ellas -según dicen algunos- por la figura paterna[cita requerida]:

La primera fue la de la adquisición de una fama europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el editor veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de dos opus de sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo instrumento: L'estro armonico en 1711, seguido de La Stravaganza en 1714. Estas obras novedosas superaron las innovaciones de Torelli y Albinoni, y le garantizaron un éxito fenomenal que se tradujo, en particular, en la reimpresión inmediata de sus opus en Londres y París.

La segunda etapa fue la de su contrato en el Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para quienes iba dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado después de la enseñanza de la viola all’ inglese. Su función era la docencia y adquisición de ciertos instrumentos para sus alumnas y la dirección de la orquesta de aquella institución, que albergaba un famoso coro que reunía al conjunto de internas intérpretes. El nombramiento de un músico tan joven para aquel puesto envidiado da testimonio de los importantes apoyos de los que gozaba y de la fama de compositor, fundada sin duda en la difusión manuscrita de sus obras antes de ser publicadas, pero, por encima de todo, en su formidable celebridad como prodigio del violín, que durante mucho tiempo suplantaría su renombre como compositor en Venecia e Italia. Vivaldi realizó en la Pietà a lo largo de su vida una carrera tumultuosa, consecuencia de su personalidad histriónica y enfermizamente independiente. Pero sus caóticas relaciones con aquella institución, sembradas de rupturas y reconciliaciones, no le impidieron hacer de aquel puesto prestigioso su laboratorio y su santuario, al mismo tiempo.

La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de ópera, en la que cosechó grandes éxitos. En esta etapa conoció a Anna Giraud, una joven cantante, que a partir de entonces estaría siempre con él. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713, Ottone in villa, su primera ópera conocida, seguida de una auténtica conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros de Sant’ Angelo y San Moise. Las partituras de las óperas fechadas en este primer período veneciano nos muestran unas obras suntuosas, exuberantes, testimonio de un temperamento dramático excepcional. Aquellas composiciones innovadoras e inquietantes, que imponían el stile nuovo atacando frontalmente al stile antico elogiado por los conservadores, le valieron la hostilidad de una gran parte de la aristocracia veneciana, cuyos teatros le cerraron herméticamente sus puertas. Por aquellas fechas, Vivaldi se confirmó igualmente como un formidable descubridor de la voz: él es, en efecto, quien dio a conocer a cantantes famosos como Fabri, Merighi o Strada, mucho antes de que Händel los contratara en Londres. En esa misma época, el compositor veneciano se impuso también y sobre todo como "impresario" en el sentido etimológico de la palabra, es decir, como empresario de espectáculos que produce tanto óperas propias como de otros compositores, revisándolas o uniéndolas a sus propias producciones.

Los cuadernos de viaje de un rico arquitecto de Francfort, Johann Friedrich Armand von Uffenbach, que asistió a la temporada de carnaval en Sant’ Angelo en 1715, nos ofrecen un vívido testimonio de este periodo de frenética actividad. Aquel aficionado ilustrado critica en sus notas los decorados y el vestuario, y admira a los cantantes diciendo que “fueron incomparables y no desmerecieron en nada de los del gran teatro”, es decir, el de S. Giovanni Grisostomo. Pero sobre todo se muestra estupefacto por Vivaldi, que le fascina con sus prodigiosas intervenciones al violín. Uffenbach escribe lo siguiente en su cuaderno: “Hacia el final, Vivaldi interpretó un magnífico solo seguido de una cadencia improvisada que me dejó verdaderamente estupefacto, pues no es posible que alguien haya tocado o llegue nunca a tocar así. Colocaba los dedos a un pelo del puente, hasta el punto de no dejar sitio para el arco, y lo hacía además sobre las cuatro cuerdas, realizando imitaciones y tocando con una rapidez increíbles.” La carrera lírica de Vivaldi remontó así su vuelo guiada por dos consignas: reformar y sorprender, en una coincidencia llamativa y premonitoria de arte y estrategia comercial.

La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y lucrativos con una red de clientes y mecenas. Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental, con la venta de conciertos escritos o adaptados específicamente en función de los encargos; la música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y la música religiosa, mediante la composición de motetes, himnos, salmos y conciertos sacros para diferentes instituciones. Así es como Vivaldi escribió su Stabat Mater en 1712 para una iglesia de Brescia. Y así compuso también su primer oratorio, "La vittoria navale", interpretado en Vicenza en junio de 1713.

Entre 1718 y 1722 trabajó para el príncipe de Mantua y, más tarde, comenzó un período de viajes por Europa para supervisar los estrenos de sus óperas. En 1740 se trasladó a Viena, donde murió un año más tarde sin recursos económicos.

Una de sus obras más conocidas son los primeros 4 de los 12 conciertos para violín de su Opus 8 denominados por Vivaldi como Il Cimento dell'Armonia e dell'invenzione (El Cimiento de la Armonía y la Invención), conciertos que fueron conocidos luego como Las cuatro estaciones.

Vivaldi está considerado como uno de los precursores de la música romántica. Sin embargo, no todos los músicos se mostraron tan entusiasmados con las obras del compositor italiano. Ígor Stravinski dijo de forma provocativa que Vivaldi "no había escrito cientos de conciertos, sino un único concierto repetido cientos de veces". Pero es precisamente, debido al establecimiento de la estructura del concierto con solista por parte de Vivialdi, que su desarrollo culminó con los Conciertos de Brandeburgo de J.S. Bach.

Al morir en Viena cae en el olvido, y es tanta la ingratitud que Italia tuvo con él, que no aparece en los libros de música de la época.

En el siglo XX volvió a aparecer el interés por la obra de Vivaldi. Mencionemos a Antonio Fanna, Gian Francesco Malipiero, Angelo Ephrikian y en especial Alfred Einstein, quienes han difundido, editado y grabado en disco las obras de Vivaldi, muchas veces partiendo de manuscritos originales del compositor.

Formas musicales

Desde los exóticos concerti da camera, compuestos para la corte de Mantua hasta los inquietantes conciertos para violín de su última época, además de otras decenas de piezas concertantes, la música barroca italiana de Vivaldi, ofrece contrastes sutiles y emociones refinadas. Complementa la diversidad de estilos que conforman el Barroco musical, el alemán, el francés, inglés y obviamente el poderoso centro italiano. La importancia del aporte de Vivaldi radica en haber consolidado la estructura del concierto como género.

Curiosidades

- Vivaldi recibió el apodo de il prete rosso (el sacerdote pelirrojo) por el color de su cabello. De hecho, era una característica de su familia, y su padre ya era conocido con el sobrenombre de rosso.
- En 1737 fue acusado de no decir misa siendo sacerdote, pero él se defendió alegando su asma; sin embargo, su enfermedad pulmonar no le restó capacidades a la hora de viajar por Europa.
- En el funeral de Vivaldi, celebrado en la catedral de Viena, cantaron los niños del coro de la catedral, entre los que se encontraba el futuro compositor J. Haydn.

Concerto Grosso y Concerto Solli

Mientras Torelli y Corellii, entre otros, habían planteado el diálogo entre solista y orquesta, en un "balance de fuerzas" entre el grupo de solistas y el acompañamiento o "ripieno" en lo que se denominó Concerto Grosso, fue Vivaldi quien estableció una estructura compacta y orgánica del diálogo solista-orquesta, consolidando el concierto con solista o Concerto Solli.

El núcleo de esta organización en el concierto con solista radica en el desarrollo de la forma ternaria. La forma ternaria (A-B-A) consiste en A: Exposición del tema, B: Desarrollo y A: Reexposición del tema. En la parte A, el tema es el material musical que va a ser tratado en la parte central o desarrollo (B), donde se presenta el diálogo propiamente dicho entre solista(s) y orquesta, alternando con la aparición de elementos del tema e intervenciones de la parte del solo.

Esta forma musical, perfeccionada del "ritornello" donde el tema reaparece entre partes solistas, se utilizó para los dos movimientos rápidos del concierto con solista (I y III), mientras el segundo, de carácter lento, podía estar en forma binaria o ternaria, siendo el solista el que prevalece. Esta forma se difundió entre los compositores de diversos países, donde se fue aplicando progresivamente en conciertos para diversos instrumentos.

Esta forma musical es privativa de los conciertos con solista, no importa el número de solistas, sino el uso de esta forma musical como lo muestran numerosas composiciones de Vivaldi, donde la forma ternaria "ritornello" es común a las obras para uno, dos o cuatro solistas. Por este motivo, en el sentido estricto de la forma, cabe establecer que lo que se conoce como concertos grossos no utilizan este esquema formal. Ejemplo: "El estro armonico" op. 3 n.11 de Vivaldi y todo el opus 6 de Corelli.

De esta manera la mayor aportación del músico veneciano fue el desarrollo del Concierto para Solista, estructurado por el Solli, Ripieno y Bajo continuo (Tutti) que a diferencia de su antecesor, el concierto grosso, logra un desarrollo contrapuntístico y armónico más fluido, así como partes solistas más complejas en las que se concentra el desarrollo interpretativo y técnico.

Por lo expuesto, la reputación de Vivaldi se impuso asimismo en Alemania, donde Johann Sebastian Bach analizó y transcribió numerosos conciertos de violín adaptándolos para el clave.

En este proceso, J.S. Bach desarrolló aún más la forma establecida por Vivaldi, aplicando nuevos principios como la polifonía y el uso de dos secciones en la exposición del tema (Forma Ternaria Compuesta).

Vivaldi compuso desde conciertos para un solista hasta para más de una docena. Esta forma musical barroca es una redistribución de las fuerzas orquestales del tutti y del ripieno en dos bloques fundamentalmente desiguales, que oponen un tutti masivo a un solista indomable. Solli y orquesta se encuentran, planteando con claridad el diálogo entre estas dos fuerzas complementarias, al contrario de Bach, donde las ideas del tema y la parte solista se entremezclan o chocan en todas sus obras concertantes.

Para Vivaldi, el solo y el tutti son contraposición, diálogo, en Bach son dos fuerzas antagónicas. Mientras que en los conciertos de Vivaldi el tema es claramente presentado por la orquesta, el rol del solista es transformarlo armónica, rítmica o melódicamente. El solista es el primer plano, la orquesta un fondo, no un relieve.

En los conciertos de Bach, la orquesta cumple precisamente la función de relieve, no es sólo un fondo, ya que incluso toma el papel de desarrollar el tema, hecho que en Vivaldi es un papel exclusivamente aplicado al solista.

Escuchar por ejemplo: concierto en la menor BWV 1041 el 1er movimiento de J.S.Bach, y compararlo con el concierto en sol menor op 12 n.1., o el conciero para 2 violines en la menor op 3 n.8 de Vivaldi y el concierto para dos violines en re menor BWV 1043.

Si bien el progreso en el género concierto se debe al impulso dado por Vivaldi, no menos importantes son sus obras de cámara, sus sonatas a tres instrumentos, oberturas o "sinfonías", que son más bien un tipo de "concierto sin solistas", y a no dudarlo sus poco conocidas óperas y arias, así como su música religiosa, en las que el lirismo, la poesía de las melodías son la muestra más clara del talento del misterioso "cura rojo".

Tenacious D

Tenacious D (a veces llamada también «The D») es una banda musical estadounidense formada por los músicos y actores Jack Black (1969) y Kyle Gass (1961). Son famosos por sus composiciones humorísticas mezcladas con el rock clásico, punk, country rock, folk, etc. El grupo logró la fama en el año 1999 con una serie del mismo nombre en HBO, en la que Black y Gass se identificaban como «The D» y «la mejor banda del mundo».

Historia

Inicios (1984-2000)

En 1985, Jack Black y Kyle Gass (de 16 y 24 años respectivamente) se conocieron en el festival de arte Edinburgh Fringe (en Edinburgo, Escocia). Ambos formaban parte de la compañía de teatro The Actor’s Gang (‘la pandilla del actor’), en Los Ángeles (EE. UU.). Aunque Black y Gass no se llevaban muy bien en un principio, con el tiempo lograron superar sus diferencias y Gass le enseñaría a Black a tocar la guitarra, para más tarde ofrecerle formar una banda. Aunque ambos cantaban y tocaban guitarra, a Jack Black se le suele considerar el cantante y a Kyle Gass el guitarrista líder.

Primer disco (2001-2004)

Tenacious D lanzó su primer disco, homónimo, en 2001. Fue producido por The Dust Brothers, y en él trabajaron también Dave Grohl (ex-baterista de Nirvana, vocalista y líder de Foo Fighters), Page McConnell (tecladista de Phish), Warren Fitzgerald (guitarrista de The Vandals) y el bajista Steve McDonald. La mayoría de las canciones en el disco provinieron de versiones anteriores vistas en su programa de HBO.

De él se desprende su canción más conocida hasta la fecha: Tribute, un tributo a «la mejor canción del mundo», la cual fue escrita improvisadamente por The D para poder vencer a un demonio (representado por Dave Grohl en el vídeo). Lamentablemente, la olvidaron, y esta canción tributo no se parece en nada a aquella. El actor Ben Stiller también hace una corta aparición en el video. Algunas de las primeras versiones de Tribute tenían ciertas similitudes con Stairway to Heaven, de Led Zeppelin sugiriendo así que «la mejor canción del mundo» era, de hecho, aquélla. En la versión final, sin embargo, los indicios casi desaparecieron por completo.

Tres canciones siguieron a Tribute: Wonderboy, Dio y Fuck her gently. Dio es un tributo al músico Ronnie James Dio, en donde le piden que deje de hacer rock y darles tiempo para alcanzarlo como músicos. A Dio le gustó tanto la canción que invitó a Tenacious D a participar en su video Push. El video de Fuck her gently (de mayo de 2004) mostraba animaciones de Spümcø, el estudio creador de la serie animada Ren y Stimpy.

Gran parte de las canciones en el disco vienen precedidas de sketchs en los que Jack y Kyle pasan por una discusión o por el proceso creativo que termina finalmente en la canción. La mayoría de estos sketchs fueron adaptados de episodios de la serie Tenacious D, pasada en HBO.

Pagina: http://www.tenaciousd.com/

Portishead

Portishead es el nombre de un grupo musical británico, de tendencia trip hop, formado en Bristol en 1991.

Historia

La banda fue formada en 1991 por el teclista Geoff Barrow y la cantante Beth Gibbons que tomaron el nombre de la localidad natal de Barrow, situada a 15 km al oeste de Bristol. Barrow había trabajado anteriormente con otras dos bandas de trip hop de Bristol, Massive Attack y Tricky.

Después de estrenar el cortometraje "To Kill A Dead Man", Portishead firmó un contrato con la discográfica Go! Beat que editó su primer álbum Dummy en 1994, con la colaboración del guitarrista Adrian Utley. A pesar de la nula campaña de publicidad de la banda, el álbum fue un éxito en Estados Unidos y Europa, los sencillos "Glory Box" y "Sour Times" alcanzaron la cabeza de las listas de éxitos.

Su segundo álbum Portishead, salió a la venta en 1997 e incluyó en sencillo "All Mine". Además, grabaron un concierto con acompañamiento de orquesta en Roseland, Nueva York, donde fueron interpretadas sus canciones más famosas. Éste, salió a la venta en 1998 con un DVD del concierto. En 1999 colaboraron con Tom Jones en una canción de su álbum Reload.

Portishead y otros grupos de Trip hop no están conformes con este término [cita requerida], argumentando que es sólo una invención mediática para catalogar su música inclasificable.

El 24 de enero de 2008 Portishead anunció la salida de un nuevo disco, titulado "Third", programado para el 14 de abril del mismo año.

Pagina: http://www.portishead.co.uk/

Aphrodite's Child

Aphrodite's Child fue un grupo Griego de Rock progresivo formado en 1967 por Vangelis Papathanassiou (teclados); Demis Roussos (bajo y voces), Loukas Sideras (percusión y voces), y Anargyros "Silver" Koulouris (guitarra). Papathanassiou y Roussos habían tenido éxito previamente en Grecia (en las bandas Formynx y Idols respectivamente) cuando se juntaron con Sideras y Koulouris para formar una nueva banda. Su primera grabación como grupo fue en el disco de George Romanos In concert and in Studio, en el que tocaron cuatro canciones bajo el nombre de "Vangelis and his orchestra". En el mismo año grabaron una maqueta con dos canciones que fue enviada a Philips Records.

De Atenas a París

Probablemente fue idea de Vangelis el traslado Londres, siendo todavía unos desconocidos, debido a la atmósfera más propicia para la banda. Esta decisión no estuvo exenta de problemas. Koulouris tuvo que permanecer en Grecia para cumplir su servicio militar mientras que el resto grupo permaneció en París al no disponer de permiso de trabajo, viviendo los acontecimientos de Mayo del 68.

En París firmaron un contrato con Mercury Records, adoptaron el nombre de "Aphrodite's Child" y realizaron su primer single, "Rain and Tears", una adaptación del Canon en Re mayor de Pachelbel. Con esta canción se convirtieron en una sensación en Francia y otros países europeos, a pesar de que la canción no estaba cantada en francés. En octubre de ese mismo año, la banda realizó su primer álbum, "End of the World", mezclando de canciones de pop psicodélico y baladas del estilo de Procol Harum o The Moody Blues.

La banda empezó una gira europea, y en enero de 1969 grabaron un sigle en italiano para el Festival de San Remo en el que a pesar de ello no participaron. Su siguiente single fue "I want to live", una versión de la canción "Plaisir' d'amour". Para la grabación de su segundo álbum la banda se trasladó a los estudios Trident de Londres. El primer single de este nuevo álbum se tituló "Let me love, let me live" y salió al mercado en octubre, mientras el álbum "It's five o'clock" salía a la luz en diciembre de 1969, una mezcla de géneros desde la balada de la exitosa canción titulada igual que el disco al country rock.

Después de su segundo álbum, la banda volvió a realizar una gira, esta vez sin Vangelis, que prefirió permanecer en París para grabar la banda sonora de la película de Henry Chapier "Sex Power". Vangelis fue sustituido por Harris Chalkitis. 1970 finaliza con la promoción de su último álbum y con el lanzamiento en agosto del single "Spring, Summer, Winter and Fall".

666

La banda empezó a grabar una adaptación del Libro de la Revelación de la biblia a finales de 1970, su título era 666. Silver Koulouris terminó su servicio militar y volvió a unirse al grupo. Sin embargo, las relaciones entre los miembros de la banda no eran buenas y empeoraron a lo largo de la grabación del disco.

666 era un concepto de Vangelis, creado junto a un letrista ajeno al grupo, Costas Ferris. La música que Vangelis creó para 666 era mucho más |psicodélica y orientada al rock progresivo que la grabada por el grupo hasta el momento. Esto no sentó bien al resto de miembros de la banda, que deseaban continuar en la dirección pop que les llevó al éxito. Además, Roussos se estaba preparando para su carrera en solitario, grabando su primer single "We shall dance" (con Sideras a la batería) y su primer álbum, On the Greek side of my mind mientras Vangelis grababa la música para la serie documental L'Apocalypse des Animaux y trabajaba en un single junto a su novia Vilma Ladopoulou, tocando con Koulouris y usando el pseudónimo "Alpha Beta".

Para cuando el doble LP 666 salió al mercado, a finales de 1971, la banda ya se había separado. El disco vendió alrededor de 20 milliones de álbums en apenas cinco años[1]. Vangelis y Demis Roussos siguieron con exitosas carreras en solitario, Roussos como cantante pop y Vangelis como uno de los pioneros del género New Age. Koulouris trabajó con ambos ocasionalmente. Loukas Sideras siguió una carrera en solitario menos exitosa que la de sus compañeros realizando el álbum "Rising Sun" después de la ruptura.

Pagina: http://www.demisroussos.info/

Amistades Peligrosas

Miembros

Cristina del Valle (voz) y Alberto Comesaña (voz)

Amistades Peligrosas fue un dúo musical de España formado por Cristina del Valle (Asturias, 1960) y Alberto Comesaña (Galicia, 1961).

Historia

Origen de los miembros

Alberto Comesaña había sido el líder de Semen Up, grupo cuyo estilo fue denominado con el término “porno pop” y con el que había grabado seis discos entre 1985 y 1990.

Cristina del Valle, tras haber formado parte de Vodevil, una banda que estuvo poco tiempo sobre los escenarios, había grabado dos discos en solitario con el nombre artístico de Cris en 1988 y 1989.

Primera etapa

Tras haberse conocido en una fiesta, Alberto y Cristina se fueron a vivir juntos a Madrid y formaron Amistades Peligrosas.

En sus primeros trabajos se explotó su imagen de pareja, caracterizada por la defensa de posturas liberales y transgresoras, con unas letras y unas actuaciones en directo que reflejaban una alta tensión sexual. En canciones como “Estoy por ti” o “Hágase tu voluntad”, para que no se les pudiera acusar de sexistas, ambos tenían un papel activo sin que predominase una parte masculina o femenina.

Su primer álbum, Relatos de una intriga, llegó en 1991. Contenía “Estoy por ti”, que se convirtió en uno de los mayores éxitos del dúo. Aparte, destacaron otras canciones como “Sólo pienso en ti”, un tema de amor más convencional, versión del que grabaron Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, o como “Africanos en Madrid”, un tema con el que fueron pioneros al hablar de la vida de los emigrantes en las grandes ciudades.

En 1993 grabaron La última tentación, con una mejor producción y con una temática continuista. Los temas más destacados fueron “Me haces tanto bien” y “Casi nunca bailáis”.

Segunda etapa

Alberto y Cristina rompieron como pareja sentimental, pero continuaron su relación profesional. En sus posteriores trabajos, La profecía (1995) y Nueva era (1997), predominaron temas religiosos, espirituales y sociales, reflejando algunas preocupaciones que ya habían manifestado anteriormente en declaraciones públicas. Destacaron canciones como “El príncipe valiente”, “Quítame este velo” y "Me quedaré solo".

Su interés por el mestizaje fue patente en sus espectáculos, que tuvieron como colaboradores a artistas de otras culturas. Radio Tarifa, Suhail Serghini y Hevia, el nuevo compañero sentimental de Cristina, fueron los invitados en su gira de 1998, que empezó siendo la más exitosa de su carrera y acabó con la ruptura del dúo, anunciada desde el escenario. Tras ello, se editó un recopilatorio denominado Grandes éxitos.

Reaparición en 2003

Después de diversos proyectos en solitario, los dos componentes de Amistades Peligrosas volvieron a juntarse para grabar un álbum en el año 2003 dedicado al pueblo saharaui, La larga espera, en el que nuevamente combinaron canciones eróticas con otras que trataban causas sociales.

Pagina: http://www.amistadespeligrosas.net/

Marc Ford

Marc Ford Nació en Los Angeles,California, el 13 de abril de 1966 es un guitarrista de Blues-Rock.

Burning Tree

Marc Ford comenzó su carrera a finales de los años 1980 formando Burning Tree,un trío de poderoso Rock con el que graban un disco en 1990 para Epic Records. Aunque fue un fracaso en lo comercial, cosechó muy buenas críticas lo que hizo que Burnig Tree estuvieran de gira por los Estados Unidos,teloneando a The Black Crowes.

The Black Crowes

Su talento y extraordinaria sensibilidad tocando su instrumento no pasó desapercibido para los hermanos Robinson, que le brindaron la oportunidad de unirse al grupo tras el despido de Jeff Cease.

A partir de ahí, cualquiera que haya seguido medianamente a fondo la escena del rock americano de los 90’s conocerá la historia. The Black Crowes enriqueció su sonido progresivamente, en detrimento de una cierta pérdida de la frescura que derrochaba su primer álbum, y siguió publicando discos ejemplares, más oscuros y con ramalazos blues y soul, como Southern Harmony Musical Companion, Amorica o Three Snakes And One Charm.

Carrera en Solitario

Pero sus devaneos con las drogas interrumpieron la meteórica ascensión de Ford, y en 1997 abandonó el grupo. A partir de ahí, colaboraciones con Gov’t Mule y Ben Harper… y una muy recomendable carrera en solitario.

It’s About Time, su primer álbum, data de 2002, y es un brillantísimo manual de cómo hacer música de cantautor sin caer en el tedio. Así, a su natural inclinación de guitarrista de rock y blues se le unió un intimismo y una sensibilidad bien entendidas, y con canciones inspiradísimas como Hell Or Highwater demostró que continúa en plena forma.

Cinco años después, y tras un fugaz paso por su antigua banda para una gira, acaba de publicar Weary And Wired, donde los matices y la exquisitez de su primer álbum han dado paso a un rock más grueso y espontáneo, pero sin perder un ápice de calidad.

Pagina: http://www.marcford.net/

Kaki King

Biografia

Desde chica, su padre la animó a participar en la música, y aunque ella empezo a tocar la guitarra a una edad temprana, el tambor fue el primer instrumento. En su adolescencia, King tocaba en la banda de la escuela, junto a su novio Morgan Jahnig, ahora bajista de Old Crow Medicine Show. Al graduarse, ella y su amigo fueron a New York University. Durante su tiempo ahi, Katherine adopto la guitarra, y tocaba en fiestas o en los subtes de Nueva York.

King combina el estilo fret-tapping con el slap bass, así como loops, que crea un sonido de percusión complejo. Su estilo de tocar es similar al de Michael Hedges y Preston Reed, el último de los cuales ella cita como influencia. A pesar de que ella tiene un estilo parecido y el mismo apellido que Justin King, no tienen parentejo.

Las primeras grabaciones de ella, son composiciones más acústicas, pero en sus viajes del 2005 se vio un mayor uso de guitarras eléctricas y loops. Durante algunos espectáculos, ella hizo saber que habia firmado un contrato con Sony. Para su tercer álbum ...Until We Felt Red, Kaki tomó la decisión de apartarse de su anterior estilo, más bien por un deseo de escapar de ser encasillada como una artista solista instrumental. El álbum se caracteriza por mostrar más la voz de King que en otros álbumes. Con la preeminencia de guitarras electricas en su nuevo álbum, la pagina web sobre música AV Club, llamo a su estilo post-rock.

En un boletin de Myspace enviado el 5 de Julio de 2006, Kaki anuncio que saldria de gira con la banda entera. Recientemente, ella fue nombrada la primer mujer "Guitar God" (Díos de la guitarra), por la revista Rolling Stone.

Ella, también contribuyó en el ultimo álbum de Foo Fighters, Echoes, Silence, Patience and Grace, en la canción "Ballad of the Beaconsfield Miner". Y también, toco junto a esta banda el 18 de Noviembre del 2007, en el O2 Arena en Londres.

King también aparecio en una nueva película, August Rush, desempeño el papel de personaje principal y aparece en varias partes, tocando la guitarra. Además, contribuyó en la música para la película del 2007, Into the Wild, producida y dirigida por Sean Penn.

Pagina: http://www.kakiking.com/

Tesla

Tesla es una banda de Rock estadounidense originaria de Sacramento, California. La banda se formó en 1984 y fue nombrada Tesla en el momento en que se grababa su primer albúm en el Estudio Bearsville de New York, fue la primera vez que salieron de Sacramento. El nombre de la banda, algunos títulos y contenidos de canciones se derivan de eventos relacionados con Nikola Tesla, un inventor e ingeniero eléctrico nacido en el Siglo XIX.

Historia

Sus Integrantes son: Jeff Keith vocalista, Frank Hannon y Tommy Skeoch guitarristas, Brian Wheat bajista y Troy Luccketta baterista.

La música de Tesla puede ser catalogada como Heavy Metal, pero con gran influencia del blues

Del Mechanical Resonance sobresalieron las canciones Cumin' Atcha Live, Modern Day Cowboy, Little Suzi y Getting' Better. Pero, sin duda alguna, su canción más reconocida es Love Song del álbum The Great Radio Controversy de 1989; canción que a su vez fue la que "los puso en el mapa", en palabras de Jeff, quien considera a ese albúm como su favorito. De su primer albúm compilatorio de 1990 recuerda con gracia Brian que fue la grabación más barata, pero el disco de mayores ventas.

Su tercer albúm, el Psychotic Supper, puede relacionarse en su sentido al Houses of the Holy (álbum) de Led Zeppelin, pues en él se contó principalmente cómo eran sus vidas en ese tiempo. Con Five Man Acoustical Jam (1990, live) inician la moda de lo que después serían los típicos discos "desenchufados" que la MTV supo explotar comercialmente.

Al año 2000 con 16 años de historia y seis albums en su haber, tenían registradas ventas por cerca de 14 millones de copias. El 25 de Octubre de 2001, se reunieron los miembros originales de la banda en su pueblo natal. El 11 de Septiempre fue lanzado el RepluggedLive de Tesla. Este albúm captura la esencia del performance de la banda, con más de 140 minutos de música en vivo, se pensó como una dedicación a los fans de Tesla. Su último disco, Real to Rell, que fue lanzado el cinco de Junio de 2007, es un set de dos cds con un total de 25 canciones.

Pagina: http://www.teslatheband.com/

Ill Niño

Nacionalidad: Estadounidenses

Formacion:

-Christian Machado (voz)
-Marc Rizzo (guitarra solista)
-Jardel Paisante (guitarra rítmica)
-Lázaro Pina (bajo)
-Roger Vasquez (batería)

Biografía:

Bienvenidos a la colisión del sonido. Angustia latina y un alma totalmente cabreada chocan con guitarras demoledoras, percusión sin freno y melodías de guitarra inspiradas en el flamenco que tanto relajan como hacen que brote la sangre. Con miembros suramericanos y latinos, el grupo de Nueva Jersey Ill Niño ha emergido rápidamente como uno de los grupos más dinámicos y explosivos que han entrado en el reino del heavy hoy en día. “La idea está en ser tan bestia como sea posible pero también en ser lo más melódico posible – con un giro latino,” dice el batería Dave Chávarri.

Desde el brutal y melódico “God Save Us”, tema que abre el debut del sexteto en Roadrunner, "Revolution, Revolucion", Ill Niño no se disculpa para nada de sus raíces. “La mayoría de nosotros somos suramericanos y eso sale en nuestra música,” dice el cantante Christian Machado. “Para nosotros es intentar mostrar cuánto pueden llegar a hacerte mover las guitarras y los ritmos. No podemos renegar de lo que está en nuestra sangre.”

Las raíces de Ill Niño se remontan dos años atrás en el grupo El Niño de Chávarri (a su vez ex miembro del grupo Pro-Pain). El Niño marcó la base: guitarras crujientes, voces en agonía tanto en inglés como en español y ritmos que mezclaban el metal con la sensibilidad más latina. En poco tiempo, El Niño se ganó un grupo de admiradores sólido y apoyo radiofónico local. Tocando junto a Fear Factory y Hatebreed sólo prepararon el ambiente para lo que aún estaba por llegar.

El hecho que hizo que renacieran bajo el nombre Ill Niño fue que Soulfly probaran distintos baterías en una de sus giras y que Dave Chávarri se probara como el mejor hombre para ese puesto. Dos meses después, Dave volvió a casa lleno de fuego. Tanto él como sus compañeros Christian Machado y Marc Rizzo sabían lo que realmente querían conseguir musicalmente. El nuevo material del grupo mezclaba cada vez más con melodías, lo cual requería una nueva voz. Después de una búsqueda intensa, decidieron que el brasileño de nacimiento machado fuera el nuevo cantante. Con una formación nueva completada por el guitarrista principal tanto eléctrico como acústico Marc Rizzo, el guitarrista rítmico Jardel Paisante, el bajista Lázaro Pina y el percusionista Roger Vasquez (ex Ricanstruction), el ente latino ya estaba completo.

Apoyados fervientemente por la radio universitaria más grande del mundo, WSOU, los recientemente renombrados Ill Niño entraron con la misma fuerza tanto en escenarios como en ondas radiofónicas como bien refleja su nombre. Gracias a conciertos en 2000 junto a gente como Kittie, Soulfly, Snapcase y co-liderando el cartel del Metal Down Festival de Nueva Jersey, el impacto de Ill Niño fue inmediato y ferviente: con la combinación metalúrgica de su energía salvaje, su pasión multilingue y multicultural y su brutal pero melodiosa forma de escribir el mensaje era muy claro: Ill Niño habían llegado.

Después de encontrar rápidamente representación con Andy Gould Management (Rob Zombie, Static-X, Powerman 5000, Linkin Park), el poder reflejar la energía y la emoción de Ill Niño en una grabación era la hazaña prioritaria. El grupo contactó con el productor veterano Ron St. Germain (Tool, 311, Soundgarden, Creed) para que se uniese a Chávarri en la producción. Después de largas y cansinas semanas en el estudio, los resultados hablan por sí solos. "Revolution, Revolucion" pega con un poder y una gravedad sin precedentes. Desde la llamada a las armas espiritual de “Rumba” hasta las connotaciones bilingües de “Nothing’s Clear”, pasando por los giros de la mecánica “I Am Loco” o la fricción melódica de “Unreal”, Ill Niño han creado un disco tan inesperado como pegadizo, además de ser devastador.

Pagina: http://www.illnino.com/

Keane

Keane es un grupo musical de piano rock y rock alternativo procedente de Battle, East Sussex, en la Inglaterra del sureste. Sus dos primeros álbumes, Hopes and Fears y Under the Iron Sea, fueron directos al número 1 de la lista de ventas del Reino Unido inmediatamente después de su lanzamiento. Han logrado considerables ventas alrededor del mundo, especialmente en Europa.

Los miembros actuales son Tim Rice-Oxley, compositor y pianista, Tom (Oliver) Chaplin como vocalista y organista y en algunas ocasiones guitarrista, y Richard Hughes en la batería. Dominic Scott era el guitarrista del grupo hasta que desistió en 2001.

Keane es conocido por usar el piano como su principal instrumento en lugar de guitarras, al contrario de muchas bandas de rock. Sin embargo, hacen uso de pedales de efectos y sintetizadores, dándoles un gran rango de sonidos no limitados al tradicional sonido del piano. La voz de Tom Chaplin es considerada uno de los factores en el éxito del grupo. Los miembros del grupo han citado a bandas como A-ha, Beatles, Depeche Mode, U2, Radiohead y Pet Shop Boys como sus principales influencias.

Rice-Oxley y Scott eran los compositores principales de las canciones del grupo durante sus primeros años. Cuando Scott se retiró, Rice-Oxley se convirtió en el único. Sin embargo, Tim acredita al resto de la banda en todas las composiciones, para que los beneficios generados sean repartidos.

El manager de Keane es Adam Tudhope, amigo de Rice-Oxley desde la universidad y que está involucrado en la producción de filmes a través de su compañía, White House Pictures (Películas Casa Blanca). Ha contribuido a filmes británicos como Love Actually.

Historia

Primeros años (1995-1999)

El hermano de Tim —también llamado Tom— nació en el mismo hospital con un mes de diferencia que Chaplin, el 8 de marzo de 1979. Sus madres se volvieron amigas, como lo hicieron Chaplin y Rice-Oxley.[2] Ambos fueron a Vinehall School, (y posteriormente a Tonbridge School, en Kent) donde conocieron al tercer miembro de la banda, Richard Hughes.

El deseo de formar un grupo apareció cuando Rice-Oxley aún se encontraba estudiando la escuela secundaria en Tonbridge. Sin embargo, siendo una escuela altamente relacionada con los deportes, a él y a Hughes les costó mucho lograrlo, como se denota en un comentario por parte de Hughes: "la idea de formar una banda en ese tipo de ambiente es realmente un reto. Si no hay un bate y una pelota involucrados, simplemente te ven como un completo loco."

Finalmente, estudiando la carrera de Humanidades en la University College London (UCL, Universidad de Londres) en 1995, Rice-Oxley formó un grupo de rock con su amigo Dominic Scott e invitaron a Richard a tocar la batería. Comenzaron como una banda de covers, tocando canciones de sus artistas favoritos, incluyendo U2, Oasis y The Beatles, ensayando en sus casas.

Aunque Hughes y Scott se opusieron al principio, Chaplin se unió al grupo en 1997 y se encargó de la voz y la guitarra acústica. La unión de Tom a la banda también marcó un cambio de nombre, de "The Lotus Eaters" ("Los comedores de Lotus") a "Cherry Keane", en honor a una amiga de la madre de Tom, a quien Tim y Tom conocieron de pequeños y que fue una gran influencia en sus vidas. El nombre fue acortado a "Keane" pronto.

En una entrevista con The Irish Times el 2 de junio del 2006, se afirmoó que Rice-Oxley dijo que la banda se había llamado originalmente "Coldplay", pero este comentario fue desmentido posteriormente. Sin embargo, después de escuchar los talentos de Rice-Oxley con el piano durante un fin de semana en Virginia Water, Chris Martin lo invitó a unirse al emergente Coldplay pero Rice-Oxley no aceptó al no querer abandonar a Keane: "Estaba seriamente interesado, pero Keane ya estaba funcionando y la idea de ser el tecladista de Coldplay fue deshecha".

Teniendo muchas canciones propias listas para ser interpretadas, Keane hizo su debut en el "Hope and Anchor" el 13 de julio de 1998[2] Después de este concierto, a través de 1998 y 1999, el grupo se presentó en muchos pubs de Londres. Fue en estos tiempos también que Tom dejó sus estudios de Historia del arte para mudarse a Londres y dedicarle tiempo completo a su carrera musical.

Primeros lanzamientos y abandono de Scott (1999-2003)

A finales de 1999 y sin un contrato discográfico, Keane grabó su primer sencillo promocional, "Call Me What You Like". Lanzado en formato CD, fue vendido después de los conciertos en los pubs donde solían tocar durante febrero del 2000. Se cree que alrededor de quinientas copias fueron vendidas. Algunas de las canciones de esta primera etapa se pueden descargar en internet de forma ilegal. El grupo ha declarado que no están en contra de los fans compartiendo las canciones que no fueron grabadas en CD, como "More Matey" y "Emily", con Chaplin comentando: "Seguramente ven esas grabaciones como un extra para aprovecharse - No veo que cause ningún daño. Si fuera el álbum que lanzaremos ("Under the Iron Sea") entonces tal vez me sentiría diferente" El EP fue revisado profesionalmente por Bec Rodwell de eFestivals, quien clasificó "Closer Now" como la mejor canción del disco El CD fue lanzado bajo el sello propio de la banda, Zoomorphic ("Zoomorfo" en español) Cuatro meses después de la regrabación de "Call Me What You Like" en Febrero del 2001, su segundo sencillo, "Wolf At The Door" fue lanzado. Se cree que solo cincuenta copias hechas a mano fueron producidas, usando CD-Rs. Ambos sencillos son muy valorados como artículos de coleccionista por los fans. Particularmente, "Wolf At The Door" a alcanzado precios de £1000 en ebay.

Debido al limitado éxito que estaban teniendo, Scott decidió abandonar el grupo un mes después de que este sencillo fuera lanzado, para continuar con sus estudios en la London School of Economics. En julio de 2001, el grupo fue invitado por el productor James Sanger a su estudio de grabación en Les Essarts, Francia, donde grabaron algunas canciones, incluyendo "Bedshaped" y "This Is The Last Time". Fue durante estas sesiones cuando surgió la idea de usar un piano como instrumento principal. Sanger apareció en los créditos de cuatro canciones del álbum. Poco después de su regreso a Inglaterra en noviembre del 2001, firmaron a BMG para publicar su música. En diciembre del 2002, el grupo decidió volver a las presentaciones en vivo. A uno de los conciertos, en el Betsey Trotwood de Londres, asistió Simon Williams de Fierce Panda Records. Williams ofreció a la banda sacar su primer sencillo comercial, "Everybody's Changing", el cual Steve Lamacq de la BBC Radio 1, eligió el sencillo de la semana el 19 de abril del 2003. El CD sencillo fue lanzado el 12 de mayo de ese año. Como resultado de la atención creada por este sencillo, una batalla se libró entre las discográficas, y Keane acabó firmando con Island Records el verano de 2003. Después de ello, la banda lanzó "This Is The Last Time" con Fierce Panda el 13 de octubre del 2003.

Hopes and Fears (2004-2005)

El primer single de la era Hopes And Fears fue "Somewhere Only We Know", que debutó el 16 de febrero del 2004. Fue todo un éxito, alcanzando el Top 3 singles en Inglaterra, un número solo alcanzado de nuevo por "Is It Any Wonder?" en 2006.

Su álbum debut Hopes and Fears salió a la calle el 10 de mayo del 2004. Alcanzó el puesto número uno en las listas de ventas y fue el segundo disco más vendido del año en el Reino Unido, después del disco de Scissor Sisters, perdiendo el primer puesto el último día del año por solo 501 copias.

La banda ganó dos Premios Brit, mejor álbum por Hopes and Fears y banda del año. En mayo de 2005 recibieron el Premio Ivor Novello como compositores del año. "Everybody's Changing" fue nominada como canción del año pero el premio acabó recayendo en The Streets por "Dry Your Eyes".
Keane ganó fama en los EE.UU. actuando como teloneros de U2 en la gira mundial del grupo irlandés. Además, el grupo fue nominado al Grammy como Mejor artista revelación de 2006, que acabaría ganando John Legend, lo cual suscitó polémica ya que John Legend no era una "revelación": en la edición pasada ya había sido premiado.

Under the Iron Sea (2006-2007)

Desde abril de 2005 la banda preparó su segundo álbum de estudio, producido por Andy Green. La grabación se hizo entre Rye, East Sussex (donde se grabó Hopes and Fears) y Nueva York. El lanzamiento oficial del segundo compacto cuyo título es Under the Iron Sea fue el 12 de junio de 2006 en Europa y ocho días más tarde en Estados Unidos y Canadá. En abril fue estrenado el video "Atlantic" y posteriormente, el 29 de mayo el sencillo "Is It Any Wonder?". El álbum llegó al top 1 en su primera semana, y permaneció ahí una semana más. Actualmente ha vendido cerca de 1.700.000 copias.

El tercer sencillo del álbum fue "Crystal Ball", lanzado el 21 de agosto de este año. También está previsto para el 30 de octubre el lanzamiento de "Nothing In My Way" como el cuarto sencillo del álbum.

Hay dos cuartos sencillos que son "A Bad Dream" (lanzado a la venta el 22 de enero de 2007), y "Try Again", puesto a la venta en la misma fecha pero sólo en Alemania. De él se pueden encontrar tres versiones con portadas de diferentes colores, aunque con la misma imagen. Todas ellas incluyen rarezas, "caras B" o material multimedia.

Gira mundial

A principios de 2007, Keane inició su gira mundial, actuando en varios países de Europa. Prosiguieron la gira en Sudamérica: el 13 de abril actuaron en Buenos Aires (Argentina), en el festival Quilmes Rock 2007. Luego de Argentina, Keane se presentó en Chile, actuando en el festival Vive Latino el 15 de abril. Posteriormente actuaron en Brasil: el 17 y el 18 de abril lo hicieron en el Credicard Hall de São Paulo, y el 19 de abril en el Claro Hall de Río de Janeiro. Acabando su gira por Sudamérica, se presentaron el México. El 24 de abril dieron una concierto en el Auditorio Coca-Cola de Monterrey, el 26 de abril en el Arena VFG de Guadalajara, y el 27 de abril en el Auditorio Nacional de Ciudad de México, siendo éste el último concierto del tour latinoamericano.

En mayo de 2007 realizaron su gira norteamericana, y en junio actuaron por toda Inglaterra.

Durante el verano de 2007 estaba prevista la actuación de la banda dentro del festival Aguaviva Canarias, que se celebra en Tenerife (España). La actuación fue finalmente cancelada. Actuaron en el Natural Music Festival que se celebró en El Ejido (Almería, España), el 4 de agosto de 2007.

Perfect Symmetry (2008)

La banda se encuentra preparando actualmente lo que será su tercer álbum de estudio. Trabajaron últimamente en Sussex (Gran Bretaña), París, Francia y Berlín, Alemania. Se utilizarán guitarras por primera vez debido a fotografías en la página web oficial así como al cambio de sonido, a uno más "funky" y al estilo de los años 60. Han citado influencias entre las cuales figura Depeche Mode. También se especuló sobre la aparición de un cuarto integrante, Jesse Quin, como bajista del grupo, pero fue desmentido al aparecer los tres integrantes sin el bajista en las fotos promocionales del álbum. La grabación de este disco fue registrada en una serie de publicaciones de blog con fotografías y videos en la página web oficial.

El título del album es Perfect Symmetry, a la venta el 13 de octubre de 2008. El primer single se llama "Spiralling", y fue posible descargarlo durante una semana de forma gratuita en su página web oficial, a partir del día 4 de agosto de 2008.

Pagina: http://www.keanemusic.com/

Dave Matthews Band

Historia

En noviembre de 1990 David John Matthews trabajaba como bartender en el bar Millar, de Charlottesville, lugar donde conoció al abogado Ross Hoffman, quien era dueño de un estudio de grabación. Matthews, un tanto reacio a tocar en vivo, fue convencido por Hoffman para completar algunas canciones que tenía inconclusas y grabar un demo.

En 1991, después de grabar «Recently», «The Song That Jane Likes», «I’ll Back You Up», y «The Best Of What’s Around», Dave Matthews se contactó con los músicos de jazz LeRoi Moore y Carter Beauford para grabar otro demo, ambos aceptaron la propuesta de Matthews y comenzaron a trabajar juntos en sus tiempos libres.

John D’earth, un músico local y director de la orquesta de la Universidad de Virginia que había tocado junto a Moore con anterioridad, recomendó para la banda a un joven bajista de 16 años, alumno suyo en el Tandem Friends School, colegio en el cual D’earth daba clases de música. Stefan Lessard, el joven en cuestión, aceptó colaborar en la grabación del nuevo demo.

Peter Gresier, empleado en el mismo bar que Dave, que también formaría durante algún tiempo parte de la banda, sería el siguiente en unirseles como tecladista, una vez en que el bar había quedado vacío debido a una inspección y la banda lo utilizó para practicar. La última vez que Peter estaría en un show con ellos sería en marzo de 1993. Boyd Tinsley fue el último en unirse a la banda. No contaba con mucho tiempo para ella ya que manejaba otras también. Aún así confirmó su participación al grabar junto con el resto de la banda, menos Peter, el demo. Boyd tendría tiempo completo para la DMB tan solo a mediados de 1992. Desde ahí empezarían con los trabajos más serios. Un miembro no reconocido de la banda es Butch Tylor, quien hace de tecladista, desde que Peter abandonó la banda.

El primer demo, que constaba de las canciones The Song That Jane Likes, Recently, y Triping Billies, estaría listo a principios de 1991, con la participación de todos los integrantes, excepto Peter. Boyd, sin embargo, solo participaría en Triping Billies.

Gira por Sudamérica

En el año 2008, la banda realizó el "Dave Matthews Band South American Tour", gira durante la cual llevaron a cabo cuatro conciertos, tres de ellos en Brasil y el restante en Argentina. Durante estas presentaciones la banda contó con la participación de Jeff Coffin, saxofonista de Béla Fleck and the Flecktones, quien remplazó a LeRoi Moore, fallecido poco tiempo antes de comenzar este tour.

Brasil

Realizaron una presentación en Manaus el día 26 de septiembre, la segunda fue en Sao Paulo el 28 de septiembre y la tercera y última realizada en ese país fue la de Rio de Janeiro, el 30 de septiembre.

Argentina

La presentación de Dave Matthews Band en la Argentina, primera de la banda en ese país, se realizó el día viernes 3 de octubre de 2008 en el Club Ciudad de Buenos Aires, en el marco del Pepsi Music, festival que en esa edición contó con la participación de 160 bandas, entre ellas Nine Inch Nails, The Cult, Stone Temple Pilots, The Hives, Mötley Crüe y músicos argentinos como Fito Paez y Babasonicos.

En dicha oportunidad la banda actuó ante 12000 personas que los ovacionaron. Al comienzo del segundo tema, un corte de energía dejó sin sonido a la banda, quienes a pesar de no poder ser oídos por medio de los altavoces siguieron tocando hasta que el audio retornó. Durante esos minutos Dave Matthews bajó del escenario y se dirigió a saludar al público que estaba ubicado en cercanías del vallado de seguridad.

El desperfecto técnico llevó a quienes presenciaban el show a entonar, como muestra de descontento ante la situación, un canto que reiterada e irónicamente decía “Coca Cola, Coca Cola” en alusión a la marca rival de la empresa auspiciante del evento.

Pagina: http://www.davematthewsband.com/

Death Cab for Cutie

Death Cab for Cutie es un grupo de indie-rock original de Bellingham, Washington. Se formó en 1997 y toma su nombre de una canción escrita por Vivian Stanshall, que forma parte del disco Gorilla (1967) de The Bonzo Dog Band y de la película experimental de The Beatles: Magical Mistery Tour.

Death Cab for Cutie comenzó como un proyecto en solitario de Ben Gibbard mientras era el guitarrista de Pinwheel. Como «Death Cab for Cutie», B. Gibbard sacó un cassette llamado You Can Play These Songs With Chords. Sorprendentemente fue un éxito, por lo que B. Gibbard decidió completar su proyecto y convertirlo en un grupo completo. Entraron a formar parte de Death Cab for Cutie Chris Walla (que había participado en You Can Play These Songs With Chords) como guitarra eléctrica, Nick Harmer como bajo y Nathan Good como batería.

Los cuatro sacaron el álbum Something About Airplanes el 18 de Agosto de 1998. Fue acogido favorablemente dentro de la escena musical independiente y en el año 2000 sacaron We Have the Facts and We’re Voting Yes. Nathan Good abandonó el grupo durante la producción de este álbum. Su participación en EscucharThe Employment Pages y en EscucharCompany Calls Epilogue se mantuvieron, pero fue B. Gibbard quien tocó la batería en el resto de canciones.

Michael Schorr apareció por primera vez en The Forbidden Love E.P., puesto a la venta el 24 de Octubre del 2000. En el 2001, sacaron un nuevo LP titulado The Photo Album. Una edición limitada de este álbum contenía tres ‘bonus tracks’ que, posteriormente, aparecerían por separado en The Stability EP.

En el año 2003 hubo un nuevo cambio de batería, Jason McGerr, de Eureka Farm, reemplazó a M. Schorr. J. McGerr sería el batería del siguiente álbum de la banda: Transatlanticism.

Transatlanticism vio la luz en Octubre del año 2003. Fue aclamado por la crítica y se convertió en el álbum con mayor volumen de ventas del grupo con 225.000 copias vendidas durante el primer año.

En Marzo del 2004, grabaron un EP en directo llamado The John Byrd E.P. (en honor al técnico de sonido del grupo). En Noviembre del mismo año, Death Cab for Cutie firmó un contrato con Atlantic Records, abandonando su anterior productora, Barsuk Records. B. Gibbard declaró a través de la pagina web oficial del grupo (www.deathcabforcutie.com) que nada iba a cambiar, exceptuando que «Next to the picture of Barsuk holding a 7, there will be the letter ‘A’ on both the spine and back of our upcoming albums.» [junto a la ilustración de Barsuk sujetando un 7, aparecerá una letra ‘A’ tanto en la portada como en la trasera de nuestros futuros discos]. Esto supuso un cambio significativo en el punto de vista de B. Gibbard que, con respecto a las relaciones con la productora, dijo que «are set up to fuck you and take all your money.» [están hechas para joderte y llevarse todo tu dinero]. Después de firmar con Atlantic Records, el grupo aún animaba a sus fans a descargar sus canciones a través de internet.

El primer y el segundo single del grupo que vieron la luz con Atlantic Records fueron EscucharSoul Meets Body y EscucharCrooked Teeth, ambos pertenecientes a su álbum Plans, que salió a la venta en Agosto del 2005. Este disco tuvo una buena acogida tanto entre los críticos como entre los fans, recibió una nominación para los Grammys como Mejor Disco Alternativo del 2005 e incluso llegó a Disco de Oro en el 2006, tras 47 semanas consecutivas en las listas de ventas.

El grupo sacó un DVD de gira llamado Drive Well, Sleep Carefully en el 2005. Conocido por su actitud a favor de los derechos de los animales, el grupo apoya a PETA («People for the Ethical Treatment of Animals», su traducción oficial en español es «Personas por la Ética en el Trato de los Animales») regalando copias del DVD para promover los derechos de los animales.

A principios de 2006, el grupo anunció la salida de Directions, un conjunto de once cortometrajes inspirados por las canciones del álbum Plans, dirigidos cada uno por personas diferentes. Los videos vieron la luz uno a uno en la pagina web del grupo y el DVD salió a la venta el 11 de Abril del año 2006.

El 19 de Diciembre del 2007, el grupo anunció en su pagina web que estaban trabajando en su siguiente álbum de estudio, que estará disponible en tiendas para Mayo del 2008. Según un artículo aparecido en la revista Spin Magazine el nombre del disco será Narrow Stairs.

Pagina: http://www.deathcabforcutie.com/