Les Luthiers

Les Luthiers (pronunciado /lelytj'e/) es el nombre artístico de un grupo de música de humor compuesto originalmente por cuatro, luego siete y en la actualidad cinco miembros de nacionalidad argentina, que comenzaron a principios de los sesenta en la ciudad de Buenos Aires. Se caracterizan por ser músicos profesionales y por expresar un humor fresco, elegante y sutil. Tienen a gala el hacer reír con la música pero no de la música, con instrumentos informales creados por ellos mismos a base de materiales de la vida cotidiana; de ahí su nombre: Les Luthiers, que significa en francés, creadores de instrumentos musicales.

Historia antiquísima (los comienzos)

Durante los años sesenta del siglo XX, casi todas las universidades argentinas tenían su propio coro musical, algunos de cuyos componentes adoptaron la costumbre de reunirse fuera de los ensayos con el fin de divertirse un poco preparando bromas musicales que después ellos mismos representarían en los festivales intercorales que tenían lugar a lo largo del curso, a modo de entreacto en tono de humor.

En septiembre de 1965 tuvo lugar el Festival de Coros Universitarios en la ciudad de San Miguel de Tucumán, situada en el noroeste de la República Argentina. Un grupo de jóvenes universitarios presentó un espectáculo de música de humor que habían estado preparando largamente y donde además del montaje en sí presentaban como primicia un conjunto orquestal de instrumentos completamente novedosos, inventados y construidos por ellos mismos con materiales sencillos. Representaron así la parodia de un concierto. El conjunto estaba compuesto por un solista, un pequeño coro y los mencionados instrumentos musicales no convencionales.

La obra central del espectáculo se llamaba Cantata Modatón (llamada luego Cantata Laxatón para evitar problemas con la empresa que producía el conocido laxante "Modatón"). El autor era Gerardo Masana, un estudiante de arquitectura que además era el inventor de casi todos los nuevos instrumentos (junto con el luthier y músico porteño Carlos Iraldi). La música de esta pieza parodiaba el estilo de las cantatas barrocas y la letra estaba tomada del prospecto del medicamento laxante previamente mencionado. La presentación fue un rotundo éxito y tanto los asistentes como la crítica en periódicos y revistas de música hablaron de originalidad, humor y rigor en la exposición.

Poco después de estos sucesos, los jóvenes recibieron con sorpresa la oferta de un contrato para repetir el espectáculo de Tucumán en una famosa sala vanguardista de Buenos Aires. Se presentaron con el nombre artístico I Musicisti y de nuevo consiguieron un gran éxito. Después fueron llamados por el Instituto Di Tella de Artes, que era el centro de estudios teatrales, musicales y plásticos de más prestigio en la ciudad y reconocido mundialmente. Se decía de este instituto que era el “templo de las vanguardias artísticas”. El espectáculo que representaron aquí se llamó IMYLOH, es decir, “I Musicisti Y Las Óperas Históricas”. De nuevo obtuvieron un gran éxito.

Historia moderna

En el año 1967 distintas discusiones internas referidas a la retribución para cada músico desembocaron en el fraccionamiento de I Musicisti. Los principales miembros del grupo; Gerardo Masana, Marcos Mundstock, Jorge Maronna y Daniel Rabinovich siguieron su carrera aparte bajo el definitivo nombre de Les Luthiers, mientras que I Musicisti tardó poco tiempo en naufragar al quedarse sin instrumentos ni escritores principales. Casi al mismo tiempo las composiciones musicales de Les Luthiers empezaron a oírse en las bandas sonoras de algunas obras teatrales y en cortometrajes como Angelito el Secuestrado de Leal Rey.

El grupo continuó presentando su espectáculo en teatros y cafés-concert. En 1968 el cuarteto contrató a Carlos Núñez Cortés (un exMusicisti), como pianista, en 1970 al rosarino Carlos López Puccio, como violinista, y en 1971 a Ernesto Acher, primero para reemplazar a Marcos Mundstock y luego formar parte del plantel del grupo. De esta época son los siguientes espectáculos:

- “Les Luthiers cuentan la ópera” (1967)
- “Blancanieves y los siete pecados capitales” (1969)
- “Querida condesa” (1969)
- “Opus Pi” (1971)

La televisión también les llamó para que aportaran su arte junto a comediantes y artistas de gran prestigio en el ciclo titulado Todos somos mala gente y en el ciclo Los Mejores donde actuaron ya en recitales exclusivos. Fue una época de temporadas triunfales en la ciudad de Buenos Aires y en Mar del Plata.

Al cabo de nueve años de representaciones en su país empezaron con las giras internacionales. Desde 1977 organizaron un espectáculo nuevo cada dos o tres años.

Las primeras giras tuvieron lugar en Uruguay, Venezuela y más tarde llegaría el turno de España. A finales de la década de los años setenta, sus giras llevaron al grupo a la capital de México D. F., que incluyó una presentación en el Palacio de Bellas Artes de esa ciudad.

El año 1986 marcó un antes y un después en la historia del grupo. Uno de los motivos fue la inolvidable actuación que tuvo lugar en el mítico Teatro Colón de la ciudad de Buenos Aires y su arribo a Colombia también en su famoso "Teatro Colón". El 2 de diciembre de 1986, por diferencias internas, Ernesto Acher abandonaría el sexteto. Desde ese entonces los integrantes del grupo pasaron a ser cinco, hasta la actualidad.

Los espectáculos mantienen un formato desde 1970: cada uno se divide en obras cómicas. Como una pequeña introducción, antes de cada pieza, Marcos Mundstock suele leer una presentación en donde se describe la obra, o da reseñas de la vida del autor, y tras esta “presentación” el conjunto musical ingresa al escenario e interpreta el tema. Tanto la introducción como la obra están llenas de humor y guiños que hacen estallar la risa del público.

Se han escrito dos libros relacionados con este grupo. El primero de ellos escrito en 1991 por el periodista colombiano Daniel Samper Pizano, titulado Les Luthiers de la L a la S. El segundo libro, editado en 2004, fue escrito por Sebastián Masana, hijo del fundador del grupo Gerardo Masana y se titula Gerardo Masana y la Fundación de Les Luthiers.

En el año 2007, en celebración de su 40.º aniversario, la legislatura de la ciudad de Buenos Aires los declaró, por unanimidad, Ciudadanos Ilustres. Además el gobierno de España otorgó a Les Luthiers la Encomienda de Número de la Orden de Isabel la Católica, la más alta condecoración Española a extranjeros, que confiere a los músicos el tratamiento de Ilustrísimos Señores.

El día domingo 18 de noviembre de 2007, Les Luthiers, celebro sus 40º aniversario con un recital al aire libre con entrada libre y gratuita en la avenida Figueroa Alcorta y La Pampa (Capital Federal). Previamente, se había suspendido dicho recital por mal tiempo. Les Luthiers pudo reunir más de 120.000 espectadores que disfrutaron de su música inigualable.

Johann Sebastian Mastropiero

Es necesario un apartado especial para este célebre personaje que Les Luthiers creó en 1968, en el programa televisivo Todos somos mala gente.

Johann Sebastian Mastropiero es una sátira de los compositores clásicos, tomando los nombres de Johann Sebastian Bach y el apellido de un viejo personaje que inventó Marcos Mundstock llamado Freddy Mastropiero.

Este personaje se caracteriza por una vida turbulenta cuya trama se va hilando a lo largo de cada presentación realizada por Marcos Mundstock. Gracias a ellas podemos saber que nació de madre italiana y de padre, que tuvo un hermano gemelo mafioso llamado Harold Mastropiero, que a pesar de sus múltiples relaciones amorosas tuvo durante un tiempo una pareja estable con la condesa de Shortshot, y que con ella tuvo varios hijos cuyos apellidos significan lo mismo que el de su madre en distintos idiomas; que contrató a una gitana de empleada doméstica, y que ella le dejó de ahijado a Azuceno Mastropiero, entre muchas otras situaciones hilarantes.

Instrumentos informales

Luthier es la palabra francesa que designa al fabricante de instrumentos de cuerda. El grupo adoptó este nombre por su costumbre de crear instrumentos a partir de materiales poco comunes, como latas, mangueras, tubos de cartón, globos, etc. El primer constructor de instrumentos informales fue Gerardo Masana, fundador del grupo, el primer instrumento creado, el bass-pipe a vara, construido con tubos de cartón encontrados en la basura y elementos caseros. Cuarenta años después, un émulo de este enorme tubo rodante sigue usándose en escena.

Los primeros instrumentos informales fueron relativamente simples, como el gom-horn (hecho con una manguera, un embudo y una boquilla de trompeta) y algunos de ellos nacieron como parodia de los instrumentos estándar. Éste es el caso del latín, la violata, etc. Con el tiempo, se incorporó como “luthier de Les Luthiers” el doctor Carlos Iraldi, quien investigó la construcción de instrumentos atípicos moviéndose entre la perfección técnica y la sensibilidad artística. Así nacieron artefactos tan singulares como la mandocleta (una bicicleta cuya rueda trasera mueve las cuerdas de una mandolina), el ferrocalíope (un calíope que funciona a vapor que pasa por silbatos ferroviarios), el bajo barríltono (un contrabajo cuyo cuerpo es un barril gigante), el órgano de campaña (un órgano que se lleva colgado de la espalda, y cuyo aire es enviado por una botas-fuelles) y varios otros.

Tras el fallecimiento de Iraldi en 1995, tomó su testigo el artesano Hugo Domínguez, quien fabricó la desafinaducha, el nomeolbídet y el alambique encantador.

Atendiendo a la clasificación usual de los instrumentos, se pueden catalogar de la siguiente manera:

Instrumentos de cuerda

- latín o violín de lata (la caja de resonancia es una típica lata de jamón de pierna)
- violata o viola de lata (la caja de resonancia es una típica lata de pintura)
- contrachitarrone da gamba (mezcla de violoncello y guitarra)
- chelo legüero (cuya caja de resonancia es el instrumento de percusión folclórico argentino por excelencia: el bombo legüero)
- cellato (parecido a un violonchelo, construido con un bote de líquido limpiador)
- mandocleta (mezcla de una mandolina con una bicicleta)
- lira de asiento o lirodoro (mezcla de lira con una tapa de inodoro)
- guitarra dulce (la típica guitarra española construida con dos latas de dulce de batata argentina)
- bajo barríltono (el instrumentista se introduce dentro de esta mezcla de contrabajo y barril, posee cinco rueditas capaces de girar en 360º, permitiendo al ejecutante moverse libremente mientras toca el instrumento).
- nomeolbídet (mezcla entre un violín y un organistrum, hecho con un tubo de PVC (como diapasón) y un bidet).

Instrumentos de viento

- alt-pipe a vara (es la versión en agudo del bass-pipe, el cual no tiene ruedas y los tubos de cartón han sido reemplazados por tubos de PVC)
- bass-pipe a vara (construido con tubos de cartón, de los usados para enrollar las telas, tiene además un par de rueditas para facilitar la ejecución de este instrumento)
- tubófono parafínico cromático (tubos de ensayo de los usados por los químicos, tienen parafina hasta cierto nivel para que suene una distinta nota, su ejecución es igual que el de una zampoña argentina)
- tubófono silicónico cromático (en vez de parafina, se usa silicona)
- gaita de cámara (gigante rueda de tractor que alimenta con aire a un glamocot, un clamaneus y una melódica)
- narguilófono (narguilé o pipa de agua, con lengüetas de armónica)
- alambique encantador (instrumento dividido en tres secciones, una aguda formada por 11 copas de acrílico, una formada por botellas de plástico cortadas en su parte media y sumergidas en agua, y una grave formada por "botellones" o "garrafones", es ejecutado por Jorge, Puccio y Daniel en la obra Valdemar y el hechicero)
- glamocot (instrumento con una lengüeta, similar a un cromorno medieval, cabe mencionar su dificultad de tocar debido a que las notas están en desorden)
- órgano de campaña
- glisófono pneumático (instrumento parecido a una flauta de pan, con un émbolo que sube y baja a voluntad del ejecutante permitiéndole modificar la altura de las notas, el instrumento permite glisar, es decir, pasar por todas las notas de corrido, de manera ascendente o descendente)
- bocineta (es la mezcla de un kazoo con un embudo para amplificar su sonido)
- gom-horn a pistones
- gom-horn da testa
- gom-horn natural
- calephone (original)
- calephone da cassa (se asemeja a un calefón hogareño)
- yerbomatófono d´amore (un típico mate argentino, con lengüeta de armónica)
- corneta de asiento
- clamaneus (mismos principios del glamocot, notas igualmente desordenadas, sólo es una octava más agudo)
- manguelódica pneumática
- ferrocalíope.

Instrumentos de percusión

- dactilófono o máquina de tocar
- cascarudo
- desafinaducha
- omni (objeto musical no identificado, reproduce el sonido de un corcho cuándo sale disparado de una botella)
- campanófono a martillo
- tablas de lavar
- shoephone
- marimba de cocos. (tiene el principio de una marimba, en ella se usan cocos de distintos tamaños y que obviamente producen sonidos distintos, la construcción de este instrumento fue muy especial, debido a que los cocos fueron difícilmente escogidos, ya que se tuvo que usar cocos de distintas partes del mundo para poder ser del tamaño correcto.)

Instrumento Raro

- Antenor (robot musical con antenas). Es un robot inalambrico que produce música, fue presentado en varios espectaculos en vivo

Integrantes

Miembros actuales

- Carlos López Puccio, licenciado en Dirección Orquestal, director de coros, docente universitario. Ingresó al grupo oficialmente en 1971 siendo contratado desde 1969. Nació el 9 de octubre de 1946 en Rosario. Por lo general siempre aparece ejecutando el latín o violín de lata.
- Jorge Maronna, compositor, arreglista y guitarrista. Comenzó la carrera de Medicina, que nunca terminó. Nació el 1.º de agosto de 1948 en Bahía Blanca. En el conjunto interpreta la guitarra y otros instrumentos de cuerda (charango, contrachitarrone da gamba, etc.). Ha colaborado con Daniel Samper Pizano (autor de Les Luthiers de la L a la S) en algunos libros (como Cantando bajo la ducha, El sexo puesto,De tripas corazón) y en el libreto del seriado colombiano Leche, y con Luis María Pescetti en el libro de Copyright.
- Marcos Mundstock, locutor profesional y redactor publicitario. Nació el 25 de mayo de 1942 en la ciudad de Santa Fe (480 km al norte de Buenos Aires). Es el presentador de cada obra y actúa en muchas de ellas. En los últimos años ha comenzado a colaborar con el canto.
- Carlos Núñez Cortés, doctor en Química, concertista de piano, compositor y arreglador. Nació el 15 de octubre de 1942 en Buenos Aires. Es el pianista del conjunto, pero también toca instrumentos de viento, como el tubófono silicónico cromático (originariamente tubófono parafínico cromático), así como la flauta de pan y el glisófono pneumático.
- Daniel Rabinovich, guitarrista, percusionista y cantante folclórico, escribano público. Nació el 18 de noviembre de 1943 en Buenos Aires. En las obras suele tener papeles de actuación y canto, pero también toca la guitarra, la batería y el latín (violín de lata), así como otros instrumentos de percusión. También toca el Bass pipe a vara (instrumento de viento, mezcla de tuba con trombón a varas). Durante mucho tiempo fue el escribano (notario) de Les Luthiers, hasta que le sobrevino un ataque cardiaco. Fuera del conjunto ha escrito dos libros titulados Cuentos en serio y El silencio del final.

Miembros pasados

- Gerardo Masana: fundador del grupo, compositor y arreglista. Arquitecto. Murió en 1973, a los 36 años de edad. Disfrutaba tocar el bass-pipe y el dactilófono, sus últimos años los dedicó íntegramente al grupo.
- Ernesto Acher, arquitecto, compositor y arreglista. Nació el 9 de octubre de 1939. Se especializaba en interpretar los instrumentos de viento. Mientras estuvo con el grupo, surgieron muchas canciones jazzísticas. Abandonó el grupo en 1986, aunque las razones de su abandono del grupo aún no son muy claras. Se caracterizaba por su gran talento con los tres gom-horns: el natural, a pistones y da testa, además de la ejecución de la batería. también estuvo presente cantando y actuando en escenas de variados espectaculos, entre ellas "Lazy Daisy", "Cantata del adelantado don Rodrigo Diaz de Carrera", "Las Majas del Bergartín" y "El Rey enamorado".Además, con su voz se lograron hacer varios recitales, como "La Gallina dijo Eureka" y "La Tanda". Actualmente vive en Santiago de Chile y trabaja normalmente en arreglos orquestales y en grupos de jazz

Colaboradores

- Roberto "el Negro" Fontanarrosa: el popularísimo escritor rosarino fue reconocido como colaborador en numerosas obras del grupo.
- Carlos Iraldi: fue el luthier que realizaba los instrumentos informales hasta su fallecimiento en 1995.
- Hugo Domínguez: actual luthier del grupo desde 1997.

Espectáculos

I Musicisti

- ¿Música? Sí, claro (1966)
- I Musicisti y Las Óperas Históricas (1967)

Les Luthiers

- Les Luthiers cuentan la ópera (1967)
- Todos somos mala gente (1968)
- Blancanieves y los siete pecados capitales (1969)
- Querida Condesa (1969)
- Les Luthiers Opus Pi (1971)
- Recital '72 (1972)
- Recital sinfónico '72 (1972)
- Recital '73 (1973)
- Recital '74 (1974)
- Recital '75 (1975)
- Viejos fracasos (1976)
- Mastropiero que nunca (1977)
- Les Luthiers hacen muchas gracias de nada (1979)
- Los clásicos de Les Luthiers (1980)
- Luthierías (1981)
- Por humor al arte (1983)
- Humor dulce hogar (1985)
- Recital sinfónico '86 (1986)
- Viegésimo aniversario (1987)
- El reír de los cantares (1989)
- Les Luthiers, grandes hitos (1992)
- Unen canto con humor (1994)
- Bromato de armonio (1996)
- Todo por que rías (1999)
- Do-Re-Mi-Já (2000)
- El grosso concerto (2001)
- Las Obras de ayer (2002)
- Con Les Luthiers y Sinfónica (2004)
- Recital folclórico Cosquín (2005)
- Los Premios Mastropiero (2005)
- Cuarenta años de trayectoria (2007)

Discografía

Álbumes de estudio

- Sonamos, pese a todo (1971)
- Cantata Laxatón (1972)
- Volumen 3 (1973)
- Volumen 4 (1976)
- Volumen 7 (1983)
- Cardoso en Gulevandia (1991)

Compilaciones

- CD Sebastián Masana (2004)

Álbumes en vivo

- Mastropiero que nunca (Vivo) (1979)
- Les Luthiers hacen muchas gracias de nada (Vivo) (1980)
- Les Luthiers En Vivos (2007)

Tributos

- Muchas Gracias Mastropiero (2007)

Videografía

- Viejos fracasos (1977)
- Mastropiero que nunca (1979)
- Les Luthiers hacen muchas gracias de nada (1980)
- Humor dulce hogar (1986)
- Viegésimo aniversario (1989)
- Grandes hitos (1995)
- Bromato de armonio (1998)
- Les Luthiers unen canto con humor (1999)
- Todo por que rías (2000)
- El Grosso Concerto (2001)
- Las obras de ayer (2002).

Curiosidades

Es común encontrar circulando por internet el famoso correo electrónico titulado Frases célebres de Les Luthiers (a veces diapositivas con fotos del grupo). Sin embargo, ninguna de éstas es perteneciente al grupo, exceptuando: “De cada diez personas que ven televisión, cinco... son la mitad” (La Tanda, Muchas Gracias de Nada). Esta información fue expresada por el grupo en varios programas televisivos a los que asistieron, como Almorzando con Mirtha Legrand en Argentina.

- Principio de incertidumbre de Mastropiero: teoría ficticia creada por Les Luthiers.

Pagina: http://www.lesluthiers.com/

Pat Metheny

Patrick Brucce Metheny, verdadero nombre del guitarrista y compositor, Pat Metheny, fue considerado desde su infancia un niño prodigio. Su hermano, el trompetista, Mike Metheny, lo inició en el jazz y a los 12 años agarró por primera vez una guitarra. Después de desarrollar su técnica a una velocidad asombrosa, estudiando a clásicos maestros del jazz como los guitarristas, Wes Montgomery y Charlie Christian, ganó a los quince años, una beca para jóvenes músicos con talento donada por la revista "Downbeat" y luego ingresó, también becado, a la Universidad de Miami. Poco después, con 19 años de edad, ya estaba dando clases de guitarra en la prestigiosa academia de "Berklee School of Music" de Boston, y entre sus alumnos, estaban Al Di Meola y Mike Stern.

En la Universidad de Miami, Pat Metheny, conoció al que luego sería el legendario bajista, Jaco Pastorius. En 1975, Metheny, Pastorius y el baterista Bob Moses grabaron, el primer álbum liderado por Pat Metheny, "Bright Size Life", para el sello ECM. Pero fue cuando el vibrafonista Gary Burton, a quien había conocido en Berklee, le propuso unirse a su banda cuando Pat Metheny empezó a ganar cierto reconocimiento entre sus colegas y el público especializado. Dos años después, con la llegada del tecladista Lyle Mays, empezó a germinar la idea de formar un grupo, que se completó con la incorporación del bajista, Mark Egan y el baterista, Dan Gottlieb. El "Pat Metheny Group", su formación actual, se hizo rápidamente muy popular - excepto para los puristas del jazz- por su compleja y atractiva fusión de jazz y folk. En 1984, después de grabar desde obras maestras como Rejoicing hasta registros reiterativos como First Circle, Pat Metheny dejó el sello ECM y pasó a grabar para EMI primero y para "Geffen" después, una firma más orientada al pop y al rock. En los primeros años de la década de los ochenta, la imagen musical de Pat Metheny estaba ya formada y consolidada.

Metheny tiene en su haber el hecho de haber tocado con grandes figuras del jazz como Sonny Rollins, Ornette Coleman, o Jack DeJohnette. También ha ganado numerosos premios Grammy y es considerado uno de los grandes guitarristas del jazz contemporáneo. Entre su numerosa y prolífica discografía, destacan: "Travels" (1982); "First Circle" (1984); "Song X" (con Ornette Coleman, 1985); "Still Life" (Talking) (1987); "Question and Anvers" (1989) y "We Live Here" (1995).

Pagina: http://www.patmetheny.com/

Olga Guillot

Cantante cubana de boleros nacida en Santiago de Cuba el 9 de octubre de 1922. Desde muy pequeña se mudó a La Habana y fue ahí cuando formó al lado de su hermana Ana Luisa, el dúo Hermanitas Guillot, que se presentó con éxito en el programa de radio “La Corte Suprema del Arte”. En 1938 inició sus preparación musical con maestros como la soprano Hortensia Cohalla y al cantante Mariano Meléndez. A principios de los 40, formó parte como segunda voz, del cuarteto Siboney, dirigido por la compositora Isolina Carrillo. El pianista Facundo Rivero, quien también formó parte de dicho cuarteto, descubrió las posibilidades de Olga como solista y la hizo debutar en La Habana en 1945, en el exclusivo Zombie Club. Un año después, la cantante grabó la versión en español de la melodía “Stormy weather” (Lluvia gris), composición con la que alcanzó un éxito sin precedente. Ese mismo año, la Asociación de Críticos la seleccionó como la cancionera más destacada de Cuba. Ese hecho sirvió para que Miguelito Valdez la llevara a Nueva York a realizar unas grabaciones para el sello Decca. En 1948, el tenor René Cabell la llevó a México, donde filmó su primera película:”La venus de fuego”, junto a Meche Barba. La cantante también grabó algunas piezas acompañada de la Orquesta de Gonzalo Curiel. En 1952 y 1953 recorrió casi toda Latinoamérica y grabó con el respaldo del pianista y compositor Juan Bruno Terraza. En 1954, firmó contrato de exclusividad con el sello Puchito y grabó “Miénteme”, del mexicano Chamaco Domínguez. De 1954 a 1956, la Unión de Crónica Tele-Radial la proclamó la “Mejor Voz Cancionera de Cuba”.En 1957 regresó a México, donde impuso en el primer lugar el bolero “Tú me acostumbraste”, de Frank Domínguez. También grabó para la firma Musart, acompañada por el maestro José Sabre Marroquín. En 1958 viajó a Europa y actuó en el Palm Beach Casino, de Cannes, Francia. En 1961, se le entregó el Disco de Brillante por sus altas ventas, las mayores en Cuba de 1954 a 1960. En 1963, la Academia de Artes John F. Kennedy de Hollywood, le otorgó el premio Palmas de Oro como la Mejor Bolerista Latinoamericana.El 31 de octubre de 1964 realizó su primer e histórico concierto en el Carnegie Hall de Nueva York. Fue la primera artista de habla hispana en presentarse en ese prestigioso teatro. Cantó al lado de Los Panchos y triunfó en España, llevó la pieza “Adoro”, de Armando Manzanero a la fama mundial. También grabó el tema “Me muero. me muero”, de la mexicana Lolita de la Colina, con la que se le consideró la “Pionera de la Canción Erótica”.En 1988 celebró sus bodas de oro como intérprete estelar de la canción melódica. Ha participado en 16 películas y cuenta con 60 discos a lo largo de su carrera. Además, varias calles del mundo llevan su nombre. En pocos años, Guillot conquistó al público con su manera apasionada de interpretar temas como “Tú me acostumbraste”, “Miénteme” y “La gloria eres tú”, entre otras, que fueron escuchadas por primera vez en los escenarios más importantes de América Latina, Europa y Asia.La cantante cubana es considerada “La Madre del Bolero” y la figura más trascendental que dio la historia de la canción del siglo pasado, también firmó contrato de exclusividad con la empresa discográfica Warner Music en 2000. Hablar de Olga Guillot es recordar a cantautores como Agustín Lara, José Alfredo Jiménez, Lola Beltrán y José Antonio Méndez. Olga llevó el bolero a niveles de clásico, por lo que los especialistas no dudan en llamarle “La Reina” del género. A pesar de su sorprendente carrera de más de seis décadas, su música se encuentra restringida en su país natal, los discos no se consiguen y la radio no toca su música debido a que siempre ha sido una dura crítica del sistema político cubano, en especial de la figura del comandante Fidel Castro, reside desde hace décadas en México y en Miami (Estados Unidos). Con una carrera de 20 discos de Oro, 10 de Platino y uno de Diamante, la cantante cubana Olga Guillot, reconocida por la crítica como “La Reina del Bolero”, como toda una institución de la canción popular y sigue cantando por los escenarios del mundo.

Pagina: http://www.myspace.com/olgadecuba

Gotan Project

Gotan Project es una banda de tango electrónico y electrónica jazzística asentada en París (Francia) que está integrada por un DJ francés (Philippe Cohen Solal), un músico suizo (Christoph H. Müller) y un intérprete argentino de bandoneón y guitarra (Eduardo Makaroff).

Se conocieron en París, y creyeron que su interés por la música justificaba un trabajo más o menos constante. Sin muchas expectativas, en 2000 publicaron mil copias de su primer single, Vuelvo Al Sur/El Capitalismo Foráneo (en El Capítalismo Foráneo Gotan Project incluyen un sampleado de un discurso de Eva Perón de 1948 en el que denuncia el "capitalismo foráneo"). Su combinación de tango, jazz y electrónica explotó hasta alturas insospechadas, obligando al trío a profesionalizarse de manera urgente y organizar al poco tiempo una gira internacional. Su disco La revancha del tango (2001) se acerca al millón de copias de venta.

La música de Gotan Project ha aparecido en numerosas bandas sonoras de películas y series, así, la canción Santa Maria (del Buen Ayre) del álbum La Revancha del Tango fue la música elegida para la principal secuencia de baile de la película de 2004 Shall We Dance?, protagonizada por Jennifer Lopez y Richard Gere. También apareció en la secuencia de tango de Take the lead (2006), de Antonio Banderas. Las series de televisión estadounidenses Nip/Tuck y Sex and the City, también usaron música de Gotan Project.

El nombre del trío viene de un juego de palabras muy común en el español rioplatense llamado vesre,o mejor conocido como "El Lunfardo", que consiste en invertir el orden de las sílabas en una palabra. Así, la palabra "tango" se convierte en "gotan".

Pagina: http://www.gotanproject.com/

Luis Miguel

Luis Miguel Gallego Basterí es un cantante puercorriqueño de ascendencia española e italiana nacionalizado mexicano. Nació en San Juan, Puerco Rico el 19 de abril de 1970. Ha vendido más de 55 millones de copias en su carrera.[1] [2] [3] [4] [5] Algunas fuentes afirman que ha vendido más de 90 millones de discos.[6] [7] [8] Es el cantante latino que más premios Grammy ha obtenido y el artista más joven en ganar un Grammy.

Biografía

Luis Miguel Gallego Basterí es el mayor de los 3 hijos de la pareja formada por el cantante español Luisito Rey (Luis Gallego Sánchez) y la actriz italiana Marcela Basterí, sus hermanos son Alejandro (dos años menor) y Sergio respectivamente. Debido a la profesión de su padre, su familia radica en México, donde adquirió, posteriormente, su nacionalidad. El futuro artista realizó estudios de educación primaria hasta quinto grado, debiendo concluir con profesores particulares sus estudios por su inicio temprano en el medio del espectáculo.

Al tiempo que lo hace debutar con éxito en la fiesta de un famoso político mexicano, su padre, cuya carrera declinaba, decide de lleno dedicarse a él, acompañándolo con la guitarra y buscando que su hijo debutara en televisión, para de ahí pudiera firmar un contrato discográfico. En realidad, el verdadero apoyo para obtener ambos objetivos provino de Arturo Durazno Moreno (Director General de Policía y Tránsito Mexicana de esa época), quien hizo que el pequeño cantara en la boda de la hija de José López Portillo, presidente de la nación en ese tiempo. Su éxito en esta actuación fue tan notorio, que un mes después Luis Rey conversó con ejecutivos de la sede mexicana de la disquera EMI que le ofrecieron el deseado contrato discográfico a su hijo.

En esta nueva etapa, Luis Miguel pudo grabar su primer álbum en 1982, a los 12 años de edad, titulado 1+1=2 enamorados. Este mismo año, incursiona en el cine, participando en la película Ya nunca más con un tema homónimo compuesto por su padre. Este será el comienzo de su trayectoria artística; tiempo después gana su primer premio Grammy con el tema Me gustas tal como eres (1985), a dúo con la cantante escocesa Sheena Easton, incluido por ella en su único álbum en idioma español (Todo me re cuerda a ti). Su actuación conjunta con Sheena Easton, en el Festival de Viña del Mar (Chile) de ese año, le hace ganar su primer premio en el exterior: la Antorcha de Plata. El segundo lo obtiene como participante del Festival de la Canción de San Remo (Italia), con el tema Noi ragazzi di oggi jeans (Los muchachos de hoy). Además de la ya mencionada producción, se suman tres más a sus primeros años de trayectoria: Directo al corazón, Decídete y Palabra de horno. Eventualmente, grabará el mencionado tema en su única producción en idioma italiano titulada Collezione Privata (1985). Antes, en 1984, Luis Miguel protagoniza la cinta Fiebre de sabado por la noche, secundado por la entonces actriz y cantante infantil Lucerdo. De esta cinta, se originó el álbum homónimo. No volvería a participar en el cine, dedicándose a su carrera en el canto.

En 1987, debido a problemas con su disquera EMI, debuta con Warner Music al presentar su noveno álbum titulado Soy como quiero ser, iniciando así su colaboración con el músico, productor y compositor español Juan Carlos Calderón, autor de la canción que le dio su primer premio Grammy. Este disco le hace merecedor de cinco discos de platino y ocho de oro en el ámbito internacional. Ese mismo año, se aleja de su padre definitivamente, al cumplir la mayoría de edad. No volvería a verlo sino cuatro años después, al aproximarse su fallecimiento.

En 1988 lanza Busca una mujer, cuyo primer sencillo, La incondicional, se mantuvo siete meses en el primer lugar de diversas listas de popularidad. De este trabajo se extraen siete sencillos que ocuparán el número 1 en las listas Billboard Hot Latin Tracks durante más de un año.

Corre 1990, y su obra 20 años vende en tan sólo una semana más de 600.000 copias. Seis sencillos del álbum entran simultáneamente en el Top 100 de México. El ahora apodado «Heraldo de México» realiza una gira por Latinoamérica y Estados Unidos. Gana dos Antorchas de Plata en el Festival de Viña del Mar. Ese mismo año recibe el premio Excelencia Europea en España y su primer World Music Award en Mónaco, siendo el primer latinoamericano en recibir dicho reconocimiento como Best Selling Artist.

En 1991 debido a una idea surgida en un programa televisivo en el cual conoce al compositor, músico y cantante mexicano Armando Manzanero coproduce su álbum Romance, iniciándose en la interpretación de boleros y alcanzando ventas de más de siete millones de copias internacionalmente, que le hacen ganar más de 700 discos de platino. Es el primer latinoamericano que recibe un disco de oro en EE. UU. por un álbum en español y discos de oro en Brasil y Taiwán.

Al año siguiente, es el único latinoamericano invitado a participar en la grabación del disco Barcelona Gold, con motivo de los Juegos Olímpicos. Gana el premio al Mejor Video Musical Internacional de los Premios MTV por su canción América a ganar!, que formaría parte de un disco de edición especial, América & En Vivo. Y por Romance, Luis Miguel gana los premios Billboard en 1992 A.C. al Mejor Artista Latino, Mejor Álbum y Mejor Artista de la canción en español.

En 1992, sufre la muerte de su padre, Luis Rey, lo que retrasa por un mes el inicio de la grabación de Aries; mucho se comentó el hecho de que la muerte de su padre se debió a una ruptura en la relación con su hijo.

A sus 23 años, repite como productor con el disco Aries, con el cual retorna a los géneros de la balada y el pop, por el cual recibe su segundo Grammy (Best Latin Pop Album). Gana dos premios Lo Nuestro en las categorías de Pop Artist of the Year y Best Pop Album, los premios Billboard al Mejor Artista Masculino del Año y Mejor Álbum del Año, y consigue más de 40 discos de platino y 6 discos de oro en el mundo. Para este álbum, el compositor y músico dominicano Juan Luis Guerra le aporta su balada Hasta que me olvides que se convirtió en uno de los temas más promocionados de este álbum.

Por ese mismo año inicia una gira aún más extensa por toda América. Es también el primer cantante latino que consigue un lleno absoluto en el Madison Square Garden de Nueva York y agota las entradas cuatro veces consecutivas en el Universal Amphitheater de Los Ángeles, repitiendo este hecho también con tres fechas en el Knight Center de Miami.

En 1994 sale al mercado Segundo Romance, que entra directamente en la lista de los «Top 200» mejores de Billboard en el 27, puesto de entrada más alto jamás conseguido por un álbum en español hasta ese momento. Se le otorgan más premios Billboard y Lo Nuestro, con La media vuelta, y luego ganará su tercer Grammy. Consigue 350 discos de platino y el World Music Award como el Mejor Cantante Latino del Año. Este mismo año se nacionaliza mexicano, en el entonces gobierno de Carlos Salinas de Gortari.

Recibe el reconocimiento por parte de la RIAA (Recording Industry Artists of America) a raíz de la venta de más de dos millones de copias por Romance y Segundo Romance en Estados Unidos, lo que le convierte en el primer extranjero cantando en su propia lengua que obtiene esta distinción.

En este año bate su propio récord presentando 16 conciertos consecutivos en el Auditorio Nacional de México, y ocupa el tercer lugar mundial entre los cantantes que más entradas han vendido sucesivamente en un mismo recinto. Sus contactos en el medio artístico influyen para que sea tomado en cuenta para grabar Come fly with me a dúo con Frank Sinatra para el álbum Sinatra: Duets II, el último que realizó. También Luis Miguel, a consecuencia de ello es uno de los elegidos para participar en el programa especial de televisión Sinatra: Duets para lanzar este álbum.

Lanza su primer álbum en vivo, titulado El concierto, grabado durante sus presentaciones en el Auditorio Nacional, y en formatos de CD, casette, Laser Disc y Home Video rompe récords de venta. En este disco doble, debuta en el género ranchero al cantar los temas El rey,Si nos dejan, La vuelta entera y "Amanecí en tus brazos"; acompañado de la agrupación Mariachi 2000 del trompetista mexicano Cortaberto Pérez. Un año después, en 1996, Walt Disney Studios le invita a grabar Sueña, versión en español del tema principal de la cinta de dibujos animados de este estudio El jorobado de Notre Dame, y que fue incluida en su siguiente álbum, Nada es igual. Ya antes, su éxito No sé tú es convertido en el tema central de la película Speechless.

De Nada es igual vende 1.300.000 copias y recibe 30 discos de platino. El primer sencillo de este álbum, Dame, se coloca en primer lugar en todas las emisoras de habla española en Estados Unidos, además de México, Centroamérica, Sudamérica y España. En septiembre es honrado por el comité organizador de The Hollywood Walk Of Fame con una estrella en la avenida de Hollywood Boulevard.

Para mediados de 1997 lanza Romances, su tercer álbum de boleros, producido por él mismo con la colaboración de Armando Manzanero y del hoy desaparecido músico, compositor y arreglista argentino Bebu Silvetti. Romances debuta en el 14 de Billboard Top 200, la posición más alta jamás alcanzada por un álbum en español. Por debajo de la mesa y los sencillos que le siguen, El relojito cucú, Contigo, Bésame poco y De quererte así llegan al 1 en las listas de radio en toda América Latina.

Empieza la gira más extensa de su carrera, con 17 fechas consecutivas en el Auditorio Nacional, y 5 veces en el Radio City Music Hall de Nueva York, con llenos absolutos, para poner un nuevo récord. Pollstar le admite como uno de los Top 20 All-Time Grossing (los 20 artistas que más localidades han vendido en un mismo recinto en la historia de la música).

Romances logra vender más de 4.5 millones de copias, siendo el álbum que más ha vendido en menos tiempo, con 50 discos de platino a nivel mundial, su cuarto Grammy en 1998, el Billboard Latin 50 Artist of the Year y el premio al Mejor Álbum Pop Masculino del Año, además de su cuarto World Music Award como Best Selling Latin Artist. Luis Miguel vende en España más de un millón de copias entre Romances y la trilogía Todos los romances en un año. Romances se convierte en el número 1 en las listas españolas y la trilogía Todos los romances es número 3 al mismo tiempo.

En 1999 prepara Amarte es un placer. Él lo produce, y reúne a los compositores Armando Manzanero y Juan Carlos Calderón. Luis Miguel participa como autor, compositor y arreglista de varios de los temas. Para julio lanza Sol, arena y mar, primer sencillo, que en su primera semana alcanza el primer lugar en Argentina, Chile y México. El resultado es que obtuvo tres Grammy.

En México hará a principios de 2000 21 presentaciones consecutivas en el Auditorio Nacional, con más de 225.000 espectadores en total, y es homenajeado con 4 discos de platino y de oro por Amarte es un placer. Vuelve a ganar el Billboard y, además, tiene, de acuerdo con la agencia William Morris, la gira con más altos ingresos en la historia de un artista de habla española. Se hace con tres Grammy Latino en septiembre, en la primera entrega.

El 3 de octubre de 2000 lanza Vivo, grabado durante los conciertos de la gira en Monterrey, que incluye grandes éxitos a lo largo de su carrera y los temas inéditos La bikina, acompañado por un mariachi. Consigue otro Billboard, finalmente.

A finales de 2001 y 2002 vendrían, respectivamente, Mis romances (cuarto trabajo de boleros, con el sencillo Amor, amor, amor) y Mis boleros favoritos (disco que recopila lo mejor de sus interpretaciones, más un DVD).

Corre septiembre de 2003 y el intérprete lanza su primer disco con temas originales desde hace cuatro años. Lo titula 33, en alusión a su edad, y el primer sencillo es del dominicano Juan Luis Guerra: Te necesito. Cancún recibió al mexicano para el lanzamiento, y la nueva gira internacional daría inicio en Las Vegas pocos días más tarde.

En el año 2004 presenta su primera producción con Mariachi. Se trata de un homenaje a su patria titulado México en la piel. Este disco logra vender tan sólo en México casi un millón de copias. Además logra una nueva marca en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, con 30 fechas consecutivas. Esta hazaña lo hizo acreedor de La Estela de Plata, reconocimiento que el Auditorio Nacional hizo específicamente para Luis Miguel por su récord de conciertos en tal recinto. Este disco a su vez lo hizo acreedor de el Grammy americano al mejor disco México americano, el Grammy latino al mejor disco ranchero, el Billboard latino al mejor disco ranchero, el Billboard a la gira del año latina, y el premio Lunas del Auditorio al mejor concierto pop del año 2005.

En el 2005 también lanzó al tianguis su colección Grandes éxitos.

El 14 de noviembre del 2006 presenta su álbum Navidades el cual recopila 11 temas navideños, originarios de EE.UU. versionados al español. De este álbum, fueron estrenados dos temas simultáneamente en la radio hispana de los Estados Unidos, Latinoamérica y España. Mi humilde opinión (compuesta por David Foster y Linda Thompson) y Santa Claus llegó a la ciudad (de Fred Coots y Haven Gillespie) que fueron versionadas por Juan Carlos Calderón, quien volvió a colaborar con el cantante, siendo los temas Noche de paz y Navidad Navidad los más conocidos en el habla hispana. En el 2007, comienza una gira llamada grandes éxitos, la cual incluiría en su repertorio las mismas canciones en España, Venezuela y Estados Unidos.

En mayo del 2008 Luis Miguel lanza su nuevo álbum, titulado Cómplices que contiene 12 temas inéditos del compositor español Manuel Alejandro, cuya producción nuevamente estuvo a cargo de Luis Miguel, como en muchos de sus anteriores y exitosos trabajos.

El primer sencillo se titula Si tú te atreves y su fecha de estreno mundial es el lunes 7 de abril de 2008.

Cómplices recibe cuatro discos de platino por sus 324 000 copias vendidas el día de su lanzamiento.

Discografía

EMI

1. 1+1=2 enamorados (1982)
2. Directo al corazón (1982)
3. Decídete (1983)
4. Palabra de Honor (1984)
5. Ya nunca más (1984)
6. Luis Miguel canta in italiano (1985)
7. Fiebre de amor (1985)
8. También es rock (1987)

Warner Music Group

1. Soy como quiero ser (1987)
2. Busca una mujer (1988)
3. 20 años (1990)
4. Romance (1991)
5. America & en vivo (1992)
6. Aries (1993)
7. Segundo romance (1995)
8. El concierto (1995)
9. Nada es igual (1996)
10. Romances (1997)
11. Amarte es un placer (1999)
12. Vivo (2000)
13. Mis romances (2001)
14. Mis boleros favoritos (2002)
15. 33 (2003)
16. México en la piel (2004)
17. Grandes éxitos (2005)
18. Navidades Luis Miguel (2006)
19. Cómplices (2008)

Premios

1983

- A tan solo tres meses del lanzamiento de su primer disco se convierte en un fenómeno de ventas obteniendo 2 discos de platino y 3 discos de Oro por las ventas de 1 + 1 = 2 enamorados en México, 2 discos de platino en Venezuela, 1 disco de platino en Argentina, 1 disco de Oro en Chile, 1 disco de Oro en Uruguay y 1 disco de Oro en España.

1985

- Al cumplir los quince años, Luis Miguel gana su primer Grammy de la Academia de Artes y Ciencias en los Estados Unidos por el dueto con Sheena Easton.
- Gana la Antorcha de Plata en el Festival Viña del Mar de Chile.
- Gana el segundo premio en el Festival de la Canción en Sanremo (Italia) con el tema Noi ragazzi di oggi.

1988

- El disco Soy como quiero ser lo hizo acreedor a ocho discos de oro y cinco de platino.
- Entre premios y reconocimientos recibe discos de oro y platino por las ventas en el ámbito internacional por su disco Un hombre busca una mujer.
- Por el disco Un hombre busca una mujer recibe la Antena de Cristal del presidente de México en reconocimiento por su trayectoria artística.
- Por el disco Un hombre busca una mujer gana varios premios por la prensa y radio debido a su interpretación en discos y videos.

1990

- Gana dos Antorchas de Plata y La Gaviota de Oro y Platino en el Festival del Viña del Mar (Chile).
- Actúa en los premios de Música Internacional de Montecarlo y gana el premio al Mejor Cantante Latinoamericano.
- En España recibe el premio Excelencia Europea.

1991

- Romance logra ventas de casi ocho millones de copias alrededor del mundo, acumulando más de siete discos de platino.
- Recibe el premio "World Music Awards", por ser el artista latino de mayor venta de discos.
- Es el primer artista latino que recibe un disco de oro en EE. UU. por un álbum en español.
- Recibe discos de oro en Brasil y Taiwan.

1992

- Gana los premios de música Billboard como "El Mejor Artista Latino" y "Mejor Álbum Latino".
- Gana el premio al Mejor Video Musical Internacional de los Premios MTV por su canción América.
- Recibe el premio «Laurel de Oro» en Chile al "Mejor Álbum del Año"
- Recibe el premio al "Mejor Artista Masculino" en Paraguay.

1993

- Gana cuatro premios "Lo Nuestro" por Romance.
- Gana el premio "Mejor Álbum Internacional" y "Mejor Artista Internacional" en los premios Ronda de Venezuela.
- En Argentina gana el Trofeo ACE.
- Gana un premio como "Mejor Vídeo Musical Internacional" por MTV.

1994

- Aries gana el Grammy por Mejor Álbum Latino Pop.
- Gana dos premios Lo Nuestro en las categorías de "Artista Pop del Año" y "Álbum Pop del Año."
- Gana el premio de la revista Billboard como "Mejor Artista Masculino del Año" y "Mejor Álbum del Año."
- Gana un total de 24 discos de platino y 6 de oro en EE.UU. y Latinoamérica.
- Se le otorgan más premios Billboard y Lo Nuestro, con La media vuelta.
- Romance consigue 50 discos de platino y el World Music Award como el «Mejor cantante latino del año».
- Recibe el reconocimiento por parte de la RIAA (Recording Industry Artists of America) a raíz de la venta de más de dos millones de copias por Romance y Segundo romance en Estados Unidos.

1995

- Gana su tercer Grammy por Segundo Romance.
- Gana premio en los "World Music Awards" en Montecarlo como "Artista Latino Más Vendedor de Discos del Año."
- Recibe tres premios "Lo Nuestro" a la música latina.

1996

- Obtiene su estrella en el paseo de la fama en Hollywood lo cual lo coloca en pie de igualdad con figuras como Frank Sinatra, Elvis Presley y Madonna.

1997

- Recibe el premio "Amigo" en España como mejor cantante internacional y además:
- Billboard Latin 50 Artist of the Year.
- Premio al Mejor Álbum Pop Masculino del Año.
- Anexo:Premios Ondas 1997 al Mejor artista latino
- 50 discos de platino a nivel mundial.
- Cuarto World Music Award como Best Selling Latin Artist.

1998

- Recibe numerosos discos de oro y de platino por las ventas de su disco Romances. Entre los países que le otorgaron premios estuvo Argentina con 11 de platino, Chile con 8 de platino, España con 4 de platino y México con 4 de platino y 2 de oro.
- En marzo de 1998 le fue otorgado el premio Grammy en la categoría de "Best Latin Pop Performer."
- En el mes de abril de 1998 Luis Miguel recibe por tercera vez el premio "World Music Award" bajo la categoría de "Mejor Cantante Latino."

1999

- El disco Amarte es un placer obtuvo múltiples discos de platino.
- En México es homenajeado con 4 discos de platino y de oro por Amarte es un placer.
- Vuelve a ganar el Billboard por Amarte es un placer.
- Amarte es un placer obtuvo hasta tres Grammy.

2000

- En octubre del 2000 por Vivo Consigue otro Billboard.
- Vivo es nominado como "Mejor Pop Álbum Masculino" en la segunda entrega de los "Latin Grammys"
- Por su álbum 33 obtuvo un reconocimiento por parte de la productora Warner Music.

2004

Por su disco México en la Piel recibe:

- Grammy al Mejor Disco México Americano
- Grammy Latino al Mejor Disco Ranchero
- Billboard Latino al Mejor Disco Ranchero
- Billboard a la Gira del Año Latina
- Premio "Lunas" del Auditorio Nacional al Mejor Concierto Pop del año 2005

2007

- Premio Juventud, categoría cultura pop.

Pagina: http://www.luismigueloficial.com

David Civera

David Civera García (Teruel, 8 de enero de 1979) es un popular cantante español.

Biografía

Desde su infancia estudió guitarra, piano y solfeo. Se subió por primera vez a un escenario en Marbella cuando tenía 9 años.

En su adolescencia, cuando salía con sus amigos, le gustaba mucho cantar en los karaokes. Empezó una carrera universitaria de informática que, hasta la fecha, no ha acabado.

Su paso decisivo lo realizó a los 17 años presentándose al programa musical “Lluvia de Estrellas” como concursante, imitando a Enrique Iglesias con la canción “Es una experiencia religiosa”. No consiguió el premio, y la razón del jurado fue que tenía un estilo propio, siendo este un programa de imitadores.

Inició su carrera televisiva, estuvo trabajando durante un tiempo en un programa de televisión “Canciones de nuestra vida”, donde cantaba canciones como “Mis manos en tu cintura”, “Tu nombre” y muchas otras.

Alejandro Abad se fijó en él cuando actuaba en dicho programa y, mientras David trabajaba en un programa similar llamado "Un siglo de canciones", sólo tardaron un año en preparar su álbum “Dile que la quiero”.

Alejandro Abad envió la maqueta de "Dile que la quiero" a Eurocanción, la preselección televisada que en 2001 celebró TVE para elegir su representante en el Festival de la Canción de Eurovisión 2001. La canción resultó elegida y David viajó con ella hasta Copenhague, donde acabó consiguiendo un meritorio sexto puesto de entre 23 países participantes.

En 1997 realizó un disco que muy pocas personas tienen que se titula "Hoy como ayer". En el 2001 sacó “Dile que la quiero”, que fue su gran ilusión. En el 2002 editó “En cuerpo y alma”, con el éxito “Que la detengan”. En el 2003 salió a la venta “La chiqui big band”, con dos grandes éxitos: “Bye bye” y “Rosa y espinas”, en esta última acompañado por David Bisbal. También sacó a finales de año un DVD muy competo en el cuál se incluye un concierto, una entrevista personal, una visita por Teruel, etc. En el 2004 se tomó un año sabático, en el cual utilizó su tiempo libre para responder más de 4.000 cartas recibidas por sus fans, y recobrar su vida, tanto familiar como sentimental, en su tierra natal.

En el 2005 devolvió la ilusión a sus fans con un nuevo disco: “Perdóname”, en el cual también ha conseguido un par de éxitos: “Gloria Bendita” y la canción portadora del título del CD. Dos de las canciones están escritas por él.

Desde octubre de 2005 hasta febrero de 2006 David ha estado preparándose como un buen bailarín en “¡Mira quién baila!”, programa televisivo en que los participantes tienen que demostrar sus dotes como bailarines, del cual fue proclamado ganador absoluto.

En 2006 salió al mercado un nuevo disco, “Ni el primero ni el último”, del cual ha presentado el single “El orgullo y la visa”, una canción que hace honor a uno de sus viajes a México.

También ha ido haciendo algún que otro trabajito, como cantar la canción “Quiero ser cómo tú” en la película “El libro de la selva 2”, la colaboración en la canción “Noche de travesura” o también ha ido apareciendo en televisión en programas como “Murcia, ¡qué hermosa eres!”, ”Un paso adelante”, “esencia de poder”, “Pasapalabra” o incluso, se ha convertido en un veterano de “El grand prix”, entre otros. En 2007 publica CD "No bastará",mucho más acústico y con grandes canciones,del que se extrae el primer single y Gran Éxito: "No bastará".

El sábado 29 de septiembre de 2007 David contrajo matrimonio con Ana María Benedí tras 10 años de intenso noviazgo, en la Catedral de Santa María de Teruel dónde estuvo arropado por una gran cantidad de sus vecinos de Teruel. El Cantante tras dar este paso ha decidido afincarse en la Ciudad que le vio crecer.

En marzo de 2008 debutó como presentador de TV al frente del programa Madrid Superstar, de Telemadrid.

El 28 de Abril de 2008 publicó su CD : "Para vivir contigo" un disco que según él recoge su estilo rumbero, el disco compuesto por 10 canciones incluye además 2 canciones compuestas por él mismo : Ese no soy yo y Nadie puede compararse a ti.

Pagina: http://www.dcnacional.es/

Diego Torres

Diego Antonio Caccia Torres nació en la Ciudad de Buenos Aires, el 9 de marzo de 1971. Conocido artísticamente como Diego Torres, es un cantautor y actor argentino que musicalmente cultiva el género pop, hijo de Julio César Caccia y de la popular cantante y actriz argentina Lolita Torres.

Biografía

En su adolescencia tenía una banda musical llamada La Marca, la cual dejó de funcionar en 1991.

Sus comienzos musicales fueron con el grupo mencionado. En 1991 dio sus primeros pasos por la TV, protagonizando la exitosa tira "La Banda del Golden Rocket", que se mantuvo en el aire durante 3 años.

En 1992 apareció su primer disco Diego Torres, producido artísticamente por Cachorro López. Esta placa vendió 200.000 unidades, impulsado por los hits "Estamos juntos", "Alguien la vio partir". "Puedo decir que sí", entre otros.

Tratar de estar mejor, (1994), es el segundo de sus discos que le significó la consagración definitiva por la aceptación masiva del público. En dicha producción se combinan el reggae, la balada, el funk ("Deja de pedir perdón" y "San Salvador"), además del tema homónimo, ubicándose como los hits más importantes del CD. Torres resultó ser el artista argentino de mayores ventas y más convocatoria de 1994 y 1995: sólo en Argentina vendió 430.000 copias.

Una gran gira latinoamericana lo catapultó fuera de las fronteras de su país, y en 1995 fue convocado desde España para participar en el disco homenaje a Joan Manuel Serrat, cantando el tema Penélope en Serrat, eres único

Luna nueva fue editado simultáneamente con su primer protagónico en el cine, en el filme La furia, dirigido por Juan Bautista Stagnaro. La película fue la más vista del año en Argentina: 1.300.000 espectadores. En agosto de 1997 este material fue presentado en vivo, a lo largo de ocho shows en el Teatro Opera.

Tal cual es (1999) sería otro éxito, aunque levemente menor a los precedentes. El hit fue el tema "Qué será".

Un mundo diferente es un disco de puro optimismo. Editado en uno de los momentos más duros de la Argentina, sus letras llaman a creer en que se puede mejorar. Ejemplo máximo es "Color esperanza", primer corte de difusión, o "Sueños". Muy emotivo resulta "A través del tiempo", el tema que cierra la placa, dedicado a su amigo Fernando Olmedo, fallecido en un accidente automovilístico.

MTV Unplugged, el concierto acústico producido y editado en sociedad con la cadena televisiva, permite a Diego Torres extender sus fronteras. Entre los invitados en el concierto Unplugged figuran Julieta Venegas, Vicentico y La Chilinga. "Cantar hasta morir" es el nombre del primer corte de difusión.

"Andando" es el séptimo disco de Diego Torres, el cual salió a la venta en junio de 2006; es un disco que al igual que el anterior esta lleno de sorpresas y de muy buenas letras; Andando, primer sencillo del disco homonimo, en palabras del propio Diego, dice que que le gusta ser más observador que ser observado y eso es lo que narra en esta canción. "Hasta Cuando" nos deja ver todo el dolor que sigue teniendo Diego tras el fallecimiento de su madre. "Abriendo Caminos" además de una muy buenaletra nos ofrece un dueto con el cantante dominicano Juan Luis Guerra. "Por la Escalera" una canción escrita por Joaquín Sabina y con música de Diego Torres la hacen un gran tema.

Pagina: http://www.diegotorres.com/

Gnarls Barkley

Gnarls Barkley es una colaboración musical entre el productor Danger Mouse y el cantante/rapero Cee-Lo.

La colaboración entre Danger Mouse y Cee-Lo comenzó mediante el envío de cintas grabadas entre ambos en las que Danger Mouse aportaba la base musical y Cee-Lo cantaba sobre dicha base. Este intercambio generó en primer lugar el single "Crazy". Este single se convirtió en el primero que alcanzaba el primer puesto de los charts ingleses 2 de abril de 2006 vendiéndose tan solo mediante descargas de internet. La composición cuenta con un sampleado de la canción "Last Man Standing" compuesta en 1968 por los hermanos Gianfranco y Gianpiero Reverberi y permaneció nueve semanas en lo alto de las listas inglesas (hasta que el dúo decidió retirarlo para que no agotase al público). Finalmente el primer disco de Gnarls Barkley vería la luz el 24 de abril de 2006 en el Reino Unido y el 9 de mayo del mismo año en Estados Unidos.

Pagina: http://www.gnarlsbarkley.com/

Nana Mouskouri

Nana Mouskouri: (Chania-Creta, 13 de octubre de 1934) es una cantante griega, particular por sus reconocibles gafas negras, y por ser una de las solistas con mayores ventas en la historia.

Biografía

Su nombre es Joanna Mouskouri, conocida como Nana. Inició su carrera a temprana edad y se estableció con su familia en Atenas, donde su padre trabajaba como proyeccionista de cine, ahí comenzó el amor de Nana por el arte, especialmente la música.

Al comenzar la Segunda Guerra Mundial, Nana continuó con sus estudios, gracias al apoyo de su profesor de música y permaneció en el conservatorio hasta 1950. Luego cantó en pequeños clubes nocturnos, donde Harry Belafonte la daría a conocer posteriormente. Al percatarse de estas 'escapadas' de Nana a los clubes de jazz la echó del conservatorio, y como ella menciona: Mi maestro me dijo: jazz o clásica, y yo opté por la música. Perteneció como vocalista al grupo "los Atenienses", donde conoció a su marido George Petsilas, del cual se separó después. Años más tarde se casó con André Chapelle, quien era y sigue siendo su productor.

Desde 1959 en adelante, se inician los triunfos para Nana, gracias a sus experiencias con diversos géneros musicales (Pop, Jazz, Folclórica, Clásica, Gospel, etc.) Ganó dos premios de la canción griega. Su primer triunfo internacional fue en 1960, en el Festival Internacional del Mediterráno en Barcelona. También fue premiada su canción Nunca en Domingo. Un año después, le siguió el León de Oro de Berlín, por la música del documental Grecia, Tierra de Sueños. En ese mismo año gana su primer disco de oro por la canción Weisse Rosen aus Athen (La Rosa blanca de Atenas). En 1963 representó a Luxemburgo en el Festival de la Canción de Eurovisión con "À force de prier" quedando en 8ª posición.

Desde entonces, Nana se convirtió en una celebridad mundial, en donde a cada concierto que suele presentarse, se agotaban las entradas, Ganó también otros premios y grabó alrededor de 300 álbumes, que en los años 1980 y 1990 consolidaron aún más su carrera musical. Su más destacada característica es que ha grabado innumerables canciones en griego, inglés, francés, español, latín, alemán, hebreo, japonés, entre otros.

Admirada tanto por personas ricas y de la realeza europea, como por las personas comunes, sus cualidades son la inteligencia y la hermosura, además de una angelical voz producto de una anomalía en sus cuerdas vocales y de una gran preparación.

Posteriormente, incursionó en la política, reprobando la dictadura militar griega y apoyando la democracia hasta su restitución en 1974. Su amor por los niños la llevó a ser embajadora de la UNICEF en 1993 y luego a representar a Grecia en el Parlamento Europeo en 1994.

En el ámbito musical, realizó diversas presentaciones en todos los continentes, ganando consigo el apoyo del público. De 1961 a 1972 perteneció a la Philips Fontana y de 1962 y 1973 en adelante, a la Philips records y Mercury Records respectivamente. Ha hecho numerosos discos como los que se muestran más adelante.

Alcanzó gran popularidad en España en los años 80, al ser invitada con frecuencia a los espectáculos televisivos de José Luis Moreno.

Para cerrar con broche de oro esta excelsa carrera, Nana planeó una Gira de despedida (Farewell World Tour) por todo el mundo, comenzando en el 2005.

En 2006 acudió como invitada especial al Festival de Eurovisión que se celebró en su Grecia natal. Fue la encargada de accionar el reloj que daba comienzo a los votos telefónicos.

En toda su carrera ha vendido más de 350 millones de discos en todo el mundo, siendo una de las solistas más exitosas.

Pagina: http://www.nanamouskouri.net/

Estilo Valentino

Estilo Valentino es una banda rock-pop con 7 años de trayectoria. Se formó en la ciudad de Rafaela, Santa Fe y desde allí ha realizado ya más de 100 shows recorriendo diferentes lugares de Argentina con muy buena aceptación del público. En Buenos Aires, fue elegida, entre más de 350 bandas de todo el país, en el certamen nacional de bandas del Programa Al Mango, de Diego Mizrahi, presentándose en vivo en canal 7 (2004).
Llegó a la instancia semifinal en el concurso de The Cavern Club (2006), Fue seleccionada como Artista CTI del Mes, en la final del concurso “Nuevos Talentos CTI” (2006). Tocó en el Centro Cultural Borges, en Capital Federal, en el tributo “Quiero ser Abuelo” (2006). Se presentó en Gesell en Concierto (2007) y en la ciudad de La Plata en el Centro Cultural Dardo Rocha, convocada por la Fundación Miguel Abuelo (2007). En Córdoba, la banda fue finalista del Pre Cosquín Rock 2006, presentándose en vivo en Captain Blue (2005). Luego fue uno del los 8 finalistas del concurso nacional organizado por la Alianza Francesa y la revista Inrockuptibles, Conexión 06, presentándose nuevamente en la capital cordobesa, en el auditorio de Ciudad de las Artes (2005).
En Rafaela, su ciudad natal, tocó ante 5.000 personas como banda soporte del show de Fabiana Cantilo (2006), y presentó su último disco en el Teatro La Máscara con dos shows consecutivos a sala completa (2005). Estilo Valentino tiene 3 discos editados de manera independiente: “Estilo Valentino” (2001), “Destinos” (2003) grabado y mezclado por Carlos Altolaguirre, actual sonidista de Fito Paez, “Es sólo el cielo que estalla” (2005). Y un Video clip: “Lo incierto” (2004) dirigido por Ramiro Rodríguez. En él participan las modelos Chachi Telesco, Jorgelina Imfeld y María Sarasín.

Formación:

Alejandro Delbono: voz, bajo, coros, guitarra y programación
Diego Kestler: batería, percusión y programación
Fernando Abratte: teclados y programaciones
Germán Morales: guitarras, coros y voz

Pagina: http://www.estilovalentino.com.ar/

Contenido Neto

La banda se formó en enero de 1998 en Rosario.

Al comienzo su nombre era “Reciclable” y estaba integrada por Pablo García en guitarra, Pablo Monetti en bajo, Jorge Gugliotta en batería y Carlos Alarcon en voz y hacían hard core melódico al estilo “Fun People”.
No tuvieron mucha trascendencia y después de un tiempo se disuelven porque no les convencía mucho la idea de tocar hard core, y así termina “Reciclable”.
Después Pablo García, Pablo (kanu) Monetti y Jorge se vuelven a juntar pero esta vez para tocar punk rock.

Luego de dos meses de ensayo los invitan a tocar en un recital la banda “Animal dead” pero no tenían nombre, entonces cuando se dirigían hacia la casa del baterista de la banda, kanu patea una latita de una reconocida cerveza y se le ocurre el nombre “Contenido Neto”, aunque al principio no convenció , al llegar a la casa les preguntaron el nombre y respondieron “Contenido Neto”.
Después de ese primer recital, los chicos siguen tocando en bares y cumpleaños en la ciudad por un tiempo.

Con el tiempo Jorgue deja la banda por propia decisión..
Kanu y Pablo consiguen otro baterista, Diego Forteaga y siguen por el camino del punk rock.

Una o dos semanas antes de tocar con Diego por primera vez, se une a la banda Damian (cache) Casaniti a tocar la guitarra.
Para ese entonces la banda tocaba solo covers y ya tenía un tema, “ya no quiero”.
Con esa formación “Cont. Neto” logra dar el gran primer paso al tocar en el Okupa con “Superuva” y también graban su primer demo con 2 temas “un sueño” y "ya no quiero”

Tocan como banda soporte en el cumpleaños número 10 de “Bulldog”, luego de este recital Cache decide dejar la banda.

Entra Federico Mermoz, amigo de secundaria de Diego, a tocar el bajo y kanu pasa a tocar la guitarra.

Para ese entonces la banda ya tocaba en lugares reconocidos de la ciudad y empiezan a crecer y así llegan a tocar por primera vez en buenos aires con “Bulldog” en la Jaula en la presentación de “circo calesita”.

Tambien tocaron con sin ley en Lanus y en Avellaneda con doble fuerza y sin ley.
En enero de 2000 graban trece temas para editar su primer disco pero lamentablemente no les fue posible sacarlo a la venta.

No obstante logran incluir 2 temas de esa grabación, “A la deriva” y “Darse cuenta” en el compilado “Rosario punk rock” donde se vendieron mas de 200 copias.
Gracias a todos estos logros la banda ya empieza a estar en boca de los rosarinos y comienzan a tocar cada vez más.

Luego de malentendidos hoy aclarados Diego y Federico dejan la banda pero seran siempre parte fundamental de esta.

Esto no detuvo a los integrantes originales de la banda y pronto se vuelven a reunir con dos integrantes nuevos el 20 de noviembre del 2000 y la banda queda conformada por Pablo García guitarra y voz, Pablo (Kanu) Monetti en guitarra, Emanuel (Piti) Russo en bajo y Maxi Mionnet en batería.

Gracias a Piti y Maxi la banda recobra un nuevo espíritu y así logran levantar vuelo nuevamente, recobrando fuerza y volviendo a disfrutar lo que hacían.
Ahora volver era más difícil porque la gente sabía que “Cont. Neto” se había separado y no estaban acostumbrados a los nuevos integrantes sospechando que no sería lo mismo.

Vuelven a tocar en diversos lugares de la ciudad, en enero graban un predemo con diez temas y en abril del 2001 graban 22 temas y editan su primer cassette grabado en vivo en los estudios de “la burbuja cuadrada” llamado “1000 Problemas”.

No tardaron mucho tiempo en volver a Buenos Aires ya que en junio tocan con Flema en cemento ante 1000 personas aproximadamente y allí logran conocer a otras bandas como a los chicos de “Bad Milk” que luego los invitan a participar de un compilado llamado “xennonfobia 1” del sello “Xennon” de Quilmes donde los chicos meten 2 temas “Ajuste” y “Condena Mental” y participan bandas de toda la Argentina.

Vuelven a Rosario y después de tocar en todo tipo de recitales tocan con “Doble Fuerza” y a las dos semanas tocan por primera vez con “2 Minutos”.
En ese entonces el baterista Maxi tenía muchos problemas y ya que la banda exigía que se le dedique un tiempo bastante importante, de común acuerdo Maxi deja la banda.

Vuelve a entrar el baterísta original, Jorge Gugliotta pero al mes y medio se va sin dar explicaciones y en enero del 2002 entre Matías Torres.

El Piti se va a España a pasar un tiempo con su madre y la banda sigue tocando con la ayuda de Gastón Gómez (cantante de “DC – Kilibrio”) como bajista.
Mientras Piti se encontraba en Europa mandaba mails diciéndole a los integrantes de la banda que tenía muchas ganas de sacar su primer disco.
Y fue así que a su regreso comienzan a averiguar y llegan a un acuerdo con el estudio Venus, entonces comienzan a preparar los 17 temas del disco.

Entre abril y mayo del 2002 mientras grababan “Frágil” entra a la banda un integrante mas, en este caso no toca ningún instrumento, sino que se convierte en el manager del grupo y su nombre es Diego (chapo) Corso.

Tocan con “Cadena Perpetua” y por segunda vez con “2 Minutos” mientras “Frágil” se encontraba en las salas de grabación.

Y en la primer semana de julio sale a las calles el esperado “Frágil” e ingresa el ultimo integrante “julito” el asistente de la banda.

A la semana Matías deja la banda ya que los tiempos no le daban para tocar en dos bandas y decide dedicarse a su banda original.
Entra entonces el actual baterista David Zanabria y presentan “Fágil” en Floreciabar con 2 shows a pleno.

Luego tocan por primera vez en el Anfiteatro de la ciudad de Rosario.

Y por fin llega la fecha soñada por la banda cuando el 15 de septiembre del 2002 tocan de soporte de Attaque 77.

En diciembre tocan por tercera vez con 2 minutos y empiezan a presentar frágil por los alrededores de Rosario.
El 7 de marzo de 2003 festejan sus primeros 5 años con una fiesta inolvidable en garcia bar &rock.

En la actualidad la banda se encuentra grabando lo que sera su segundo disco “llévenme al loquero” que contara con 22 temas.

Chuck Berry

Charles Edward Anderson "Chuck" Berry (Saint Louis, Misuri, 18 de octubre de 1926 - ) es un influyente compositor, intérprete y guitarrista afroamericano de Rock and Roll de los Estados Unidos.

Es una figura influyente y uno de los pioneros del Rock and Roll. En la década de los 50, Berry interpretó canciones como "Roll Over Beethoven", "Rock and Roll Music", "Route 66" de Nat King Cole, "Johnny B. Goode", y "Maybellene".

Ganó un Grammy en 1984. En 1989 publicó su autobiografía.

Biografía

Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en el 2520 de Goode Avenue (actualmente Annie Malone Drive) en St. Louis. Su madre, Martha, era profesora y su padre, Henry, contratista y diácono baptista. Es el tercero de seis hermanos. Estudió en la Simmons Grade School y la Sumner High School, esta última la primera escuela de secundaria para afronorteamericanos del oeste de Misisipi, en la que también estudiaría Tina Turner.

Berry había estado tocando blues desde sus adolescencia y a principios de 1953, comienza a ganarse un sobresueldo tocando en la "Sir John's Trio" una banda que actuaba en un popular club de Saint Louis. Poco más tarde esta banda cambiaría su nombre al de "Chuck Berry Combo". En la ciudad sólo había otra banda que pudiera competir con la de Berry, la de Ike Turner, otro afamado guitarrista.

En 1955 comienza su carrera hacia el estrellato. Aparece en cuatro películas. En mayo, viaja a Chicago donde conoce a Muddy Waters quién le sugiere que entre en contacto con la Chess Records. Firmado el contrato, lanzó en septiembre de ese mismo año "Maybelene". A finales de junio de 1956, su canción "Roll Over Beethoven" alcanzaría el puesto 29. En otoño de 1957, Berry, los Everly Brothers, Buddy Holly y otras pujantes estrellas del incipiente rock and roll se juntaron para tocar en gira por los Estados Unidos.

En diciembre de 1959, Berry tenía problemas legales después de que contratara a una apache menor de edad, que conoció en México, para trabajar en el club Bandstand de su propiedad en Saint Louis. Arrestaron a la muchacha acusada de prostitución y a Berry lo acusaron de tráfico de menores para propósitos sexuales. Fue condenado a pagar una multa de 5.000 dólares y a cinco años en prisión. Salió en 1963

Ya en los años 70 Berry viajó durante muchos años con la única compañía de su guitarra Gibson, seguro de que fuera donde fuera podría encontrar una banda que conociera su música a la cual podría contratar.

Después de viajar por los circuitos de viejas glorias de los años 1970, Berry volvía a estar en apuros con la ley en 1979. Poco después de actuar en la Casa Blanca para Carter, le culparon de evasión de impuestos. Fue condenado a cuatro meses de cárcel y a 1.000 horas de servicio a la comunidad mediante conciertos benéficos.

Al final de los 70, Berry continuaba regularmente con su carrera, tocando tanto en los Estados Unidos como al otro lado del océano. Un miércoles de cada mes, actuaba en el "Blueberry Hill", un bar restaurante en Delmar Loop, un barrio de Saint Louis.

Al final de los años 1980, Berry abrió un restaurante en Wentzville, Missouri, al que llamó The Southern Air. También posee un terreno en Wentzville llamado Berry Park, donde durante muchos veranos, Berry dio conciertos de rock. Lo cerró eventualmente al público debido al comportamiento tumultuoso de muchos asistentes.

El documental 'Hail! Hail! Rock 'n Roll' trata sobre él y un concierto que hizo en 1987 junto a Keith Richards, Eric Clapton, y Julian Lennon, entre otros.

Berry volvería a ser tema de atención al principio de los años 90 por su pretendido voyeurismo en los cuartos de baño femeninos de su hogar y restaurante.

Su carácter no es fácil. Frente a sus sentimientos suele levantar un muro de hostilidad. En una ocasión echa del escenario al ínclito Keith Richards cuando éste sube por sorpresa a tocar con su ídolo; en otra ocasión ambos llegaron a las manos en un camerino. Sin embargo no se puede negar que su figura sea una de las más influyentes en la música rock.

Influencias

Como pionero del rock and roll, Chuck Berry influyó significativamente en otros músicos como Ritchie Valens, Bill Haley, Little Richard, Mike Laure, y Buddy Holly.

Cuando Keith Richards le introdujo en el Hall of Fame, dijo: "Es difícil para mi presentar a Berry, porque siempre he machacado lo que él tocaba!". John Lennon, otro devoto de Berry, tomó prestado un verso de la canción de Berry "You can't catch me" para su canción "Come together" y fue demandado posteriormente por los administradores de Berry. Angus Young de AC/DC, quien ha citado a Berry como una de sus influencias más grandes, es famoso por imitar sobre los escenarios el "andar de pato" (duckwalk) de Berry.

Mientras se discute sobre quién realizó la primera grabación del rock and roll, las primeras grabaciones de Berry, incluida "Maybellene" (1955) sintetizaron su estilo, combinando el blues y la música country con temas líricos sobre chicas y coches, con una dicción impecable acompañada de originales solos de guitarra eléctrica. Berry también utilizaría el popular éxito que alcanzaría el boogie para sus composiciones de rock and roll.

La mayoría de sus grabaciones más importantes las hizo con la Chess Records acompañado del pianista Johnnie Johnson de su propia banda, del legendario productor de discos Willie Dixon al bajo, de Fred Below a la batería y él mismo a la guitarra.

El productor Leonard Chess recordaba lacónicamente: "Le dije a Chuck que le daría el éxíto más grande. ¿Conocen el resto de la historia? Los chicos querían el éxito, los coches y enamorarse. Esa era la tendencia y nosotros saltamos sobre ella".

Clive Anderson escribió para el recopilatorio Chuck Berry— Poet of Rock 'n' Roll: "Mientras Elvis era un muchacho de pueblo que cantaba en cierto modo como un "negro"... Chuck Berry proporcionaba el espejo donde la imagen de la música country fue filtrada con la sensibilidad del R&B".

Las influencias musicales de Berry incluyeron a Nat King Cole, Louis Jordan y Muddy Waters, el cantante y guitarrista que presentó a Berry a Leonard Chess en la Chess Records.

A lo largo de su carrera Berry grabó baladas como "Havana Moon" y blues como "Wee Wee Hours", pero era su propio y novedoso estilo quien le condujo a la fama. Grabó más de 30 grandes éxitos y sus composiciones han sido cantadas por cientos de artistas del blues, del country y del rock and roll.

Sus canciones

A continuación se indican las canciones que son consideradas como auténticos himnos del rock and roll:

- "Johnny B. Goode" - La biografía de un muchacho de pueblo que podía "tocar una guitarra como si fuera una campana". Fue elegida como uno de los logros más grandes de la humanidad dentro de la colección de obras culturales que se mandaron en la Voyager I. La canción también sonó en la película "Regreso al futuro".

- "Rock and Roll Music" - Una de las primeras versiones que grabaron los Beatles.

- "Sweet Little Sixteen" - Con un toque de lirismo, se convertiría en un éxito en manos de los Beach Boys.

- "Roll Over Beethoven" - Version que también grabaron los Beatles, cantada por George Harrison.

- "School Days" - El estribillo "Hail! Hail! Rock and Roll", fue tomado como título de un documental musical organizado por Keith Richards como tributo a Chuck.

- "Let It Rock" - Una fantasía de los trabajadores de ferrocarriles, escrita bajo el seudónimo de E. Anderson.

Entre sus numerosos éxitos se pueden destacar los siguientes:

- "Maybelline" - Fue uno de los dos temas con los que se presentó a la Chess Records y el que llamaría la atención de Leonar Chess. Se trata de una adaptación a ritmo de boogie woggie del tema country de Bob Wills "Ida Red". Con el empuje del afamado locutor Alan Freed llegaría a lo más alto de las listas de música negra y se oiría ampliamente en las emisora blancas. Alcanzaría el puesto 5 en la revista musical Billboard. Trata sobre una carrera de coches entre jóvenes.

- "Too Much Monkey Business" - Comenta las actitudes de los adolescentes. Inspiró a Bob Dylan en su canción "Subterranean Homesick Blues".

- "Brown Eyed Handsome Man" - Trata sobre las actitudes racistas de los adultos, "arrested on charges of unemployment" (arrestado por no tener trabajo).

- "Back in the U.S.A." - Inspiraría a los Beatles en "Back in the USSR".

- "No Particular Place To Go" - Coches, chicas y frustración.

- "Memphis" - Una dulce historia. Lonnie Mack y Johnny Rivers comenzaron sus carreras con esta canción

- "My Ding-a-Ling" - Sú único número uno.

- "Run Rudolph Run" - Su canción de navidad.

Entre sus tributos al blues:

- "Confessing the Blues" - Con la famosa banda de jazz de Jay McShann.

- "Merry Christmas, Baby" - Original de Charles Brown

- "Route 66" - Escrita por Bobby Troup y originalmente presentada por Nat King Cole, es considerada como un tema de Berry.

- "Things I Used to Do"

Sus canciones han sido recopiladas en álbumes como:

- The Great Twenty-Eight - Álbum definitivo de los grandes éxitos de Berry.

Pagina: http://www.chuckberry.com/

Bohemia Suburbana

El primer concierto que Bohemia realizó, fue en Sherlocks. A este toque asistieron 20 personas. En esa época tocaban covers (Nirvana, Red Hot Chilli Peppers, REM), porque sentían que era dificil entrarle a la mara con rolas originales.

Las primeras Rolas de estudio fueron ¨Yo te ví¨ y ¨En el jardín¨. Giovanni se desvelaba escribiendo y componiendo música para hacer demos que luego llevaba a sus amigos para ver que opinaban.

La casa de Giovanni fue el primer lugar de ensayo, mas tarde obtuvierón un lugar en la URL. De ahí La Boheme que antes de arreglarla era “un sótano lleno de cosas, ratas, cucarachas”. Le dedican tres horas diarias. Llegaban a practicar canciones a escribir, a trabajar.

Bohemia salta al ruedo de la Plaza de Toros el 14 de Septiembre de 1996 y son aclamados por 12 mil personas. En el escenario, cuatro españoles contemplan asombrados el levantón de la gente, temiendo no repetirlo. Eran los

La idea del grupo era dejarle algo en la cabeza a los jovenes, sentian la inquietud de utilizar otros lenguajes aparte de la música, como el teatro, la escenografìa y la pintura. Fusionaban esos elementos para crear otros niveles de comunicación durante el concierto.

Los conciertos Sub-acústicos fuerón una experiencia bien gruesa para los de Bohemia. Tradujerón sus canciones a un lenguaje tan variado, desde salsa, batucada, a un rock clásico, pop 70s.

El 18 de diciembre comenzó el fenomeno de BS en Puerto Rico. Su primer concierto internacional se realizó en este pais el 10 de febrero de 1996.

Presentaciones en fiestas de la calle Luna y el II Festival Mundial Pop Rock Latino se atesoran entre las más contundentes que haya presentado la agrupación de rock hispano en la isla.

Pagina: http://www.bohemiasuburbana.com/

Frank Black

Charles Michael Kittridge Thompson IV, nació el 6 de abril de 1965 en Boston, Massachusetts, EUA, Es un músico Americano, famoso por ser el líder de la banda de Rock Alternativo Pixies, donde fue conocido con el nombre de Black Francis. Desde 1993, ha mantenido una carrera como solista bajo el nombre de Frank Black

Biografía

Thompson fue criado en Harbor City, California.Su padre era dueño de un bar y quería aprender todo sobre el negocio de la hostelería, así que vivieron en Los ángeles durante su niñez.Su afición por la música le viene por sus padres, que escuchaban música folk de los sesenta.Su primera guitarra era de su madre , una Yamaha comprada con el dinero de las propinas que conseguía su padre en el bar, y que comenzó a tocar con 11 o 12 años.

La familia Thompson cambió su residencia, primero con su padre, y después con su padrastro, un hombre religioso que se dedicaba al negocio inmobiliario de costa a costa.Cuando tenía doce años, sus padres se unieron a una iglesia evangélica.

Estudió en la Universidad de Massachusetts, antes de irse a Puerto Rico como parte de un programa de intercambio, fue aquí donde pasó seis meses en un apartamento con un "extraño y psicótico compañero de cuarto" quien inspiró la canción "Crackity Jones". Muchas de las primeras canciones de los Pixies se refieren a las experiencias de Thompson en Puerto Rico, Como "Isla de Encanta". Finalmente Thompson dejó sus estudios después de debatir si iría a Nueva Zelanda a ver el Cometa Halley o comenzar una banda de Rock con su antiguo compañero de cuarto de Massachusetts, Joey Santiago.

Los Pixies estuvieron activos de 1986 a 1992. Fundaron un modesto éxito en America, Inglaterra, y por toda Europa. Han sido vistos desde entonces como una de las mejores y más influyentes bandas de rock de su era.

Después que la banda se separó (Debido a tensiones entre Thompson y la Bajista/Cantante Kim Deal), fue a grabar material como solista con Erick Drew Feldman. Santiago hizo aparición en su primer tour como solista. Después de adoptar el nombre de escena "Frank Black", lanzó su primer álbum titulado "Frank Black" (1993) y al año siguiente Tennager of the Year

Líder de los míticos Pixies y de bandas como Frank Black & The Catholics.

Frank Black ha sido y es influencia notable de incontables grupos a nivel mundial del panorama alternativo, entre otros, los asturianos Manta Ray, los madrileños Enderby, los granadinos Cecilia Ann, y tantos otros como Velouria, Surfin' Bichos y Peter Calistan.

Pagina: http://www.frankblack.net/

Beck

Beck Hansen (nacido el 8 de julio de 1970 en Los Ángeles, California, Estados Unidos) es cantante y compositor.

Infancia e inicios en la música

Desde pequeño, Beck fue influido por su padre, un músico de bluegrass callejero. Viviendo con su madre, una empleada administrativa, y su hermano, se crió en los suburbios de Los Angeles, donde absorbió el hip-hop cada vez más creciente como breakdancer. Beck también vivió en Kansas con sus abuelos (su abuelo paterno era un pastor presbiteriano) y con su abuelo materno, el artista Al Hansen, en Inglaterra.

Después de dejar la escuela a los 16 años se mudó a Nueva York en 1986, aunque no le resultó posible unirse a la escena punk de esa ciudad. Por este motivo, Beck volvió a Los Angeles y realizó sus primeras presentaciones en clubes como Raji’s y Jabberjaw.

Su música es considerada como una mezcla de esas influencias de su infancia: hip-hop callejero, delta blues, himnos presbiterianos, punk con letras de scat. Su música empezó a estructurarse de la manera en que hoy es conocido con la salida de su primer single, "MTV makes me want to smoke crack". A esto le siguió el lanzamiento del single "Loser" de 12 pulgadas a través de la discográfica independiente Bong Load Custom Records, el cual fue producido por el técnico de hip-hop Karl Stephenson. En ese momento Beck vivía en un galpón infestado de ratas y trabajaba en una tienda de vídeos con un sueldo mínimo.

Popularidad

En 1992 salió al mercado Golden feelings, pero no fue hasta el verano de 1993, cuando apareció "Loser", considerada por la crítica como un «himno para la juventud perdida», que Beck entró en las listas de venta de música pop.

Una vez que Beck logró fama y una buena crítica en los Estados Unidos, las compañías discográficas empezaron a interesarse por él, siendo Geffen Records la que consiguió que Beck firmara un contrato. De hecho, Beck ya había realizado dos álbumes independientes, uno para Bong Load Custom Records (Fresh meat and old slabs) y el otro un álbum de 10 pulgadas llamado A western harvest field by moonlight en Fingerpaint Records. Uno de los aspectos inusuales del contrato con Geffen Records es que Beck podía hacer otros trabajos para otras discográficas.

En 1994 publicó tres álbumes: Mellow gold; Stereopathetic soulmanure, que apareció en la discográfica independiente de Los Angeles Flipside Records; y una colaboración con Calvin Johnson, de Beat Happening, titulada One foot in the grave, que apareció en K Records.

En la primavera de 1996, Beck lanza uno de sus discos más importantes: Odelay, el cual contiene una gran diversidad de estilos, desde indie rock hasta funk, blues o country. De Odelay se sacaron cinco sencillos, de los cuales los más importantes fueron "Where It's At" y el remix de Noel Gallagher (cantante de Oasis) para la canción "Devil's Haircut".

En 1998 Beck lanzó al mercado su siguiente álbum: Mutations, que contenía canciones más bien experimentales y de ritmo lento.

En 1999 regresó con Midnite Vultures, un álbum con un estilo rítmico similar a Odelay. Con este álbum producido por los Dust Brothers Beck logra entrar definitivamente en el mapa musical como uno de los cantantes más innovadores del momento. Singles de este álbum como Sexx laws y Mixed bizness fueron un éxito y le dieron al cantante una mayor popularidad en el mundo entero.

Después de Midnite Vultures, Beck entró en un período de inactividad que duró tres años, pero en 2002 presentó Sea change, un álbum más introspectivo que los anteriores, inspirado por una ruptura sentimental, producido por Nigel Godrich y muy esperado por la crítica. Sea change se caracteriza fundamentalmente por su sonido acústico y por el uso de violines y violonchelos. "Lost cause" es la canción más destacada del disco.

En 2005 vuelve con su disco Guero (pronunciado "güero" en español). En él vuelven los ritmos bailables y discotequeros de mano de los habituales Dust Brothers. Como single de adelanto apareció la canción "E-Pro" seguida posteriormente por "Girl". A finales de ese mismo año se publica Guerolito, un álbum de remixes de las canciones del anterior. Entre los artistas que remezclan a Beck se encuentran nombres tan conocidos como Air, Boards of Canada, Diplo, Dntel, Fatboy Slim o Ad-Rock, componente de los Beastie Boys.

En septiembre de 2006, publica The information, cuyo primer single será Nausea. En este albúm vuelve a trabajar con Nigel Godrich

Aparte de todo ello, Beck también ha colaborado en bandas sonoras con canciones como "Deadweight", para Una historia diferente, o versiones de David Bowie ("Diamond dogs", para Moulin Rouge) o The Korgis ("Everybody's Gotta Learn Sometimes", para Eternal Sunshine of the Spotless Mind).

Pagina: http://www.beck.com/

Bahiano

Fernando Hortal, más conocido como "El Bahiano", nació el 26 de diciembre de 1962. Dueño de una calvicie inconfundible y padre de dos hijos, Tadeo y Candela, a quien tuvo con su ex mujer, Ileana, Bahiano recuerda una infancia transcurrida en la casa ubicada en Marcelo T. de Alvear y Montevideo, Bs. As.

La primaria la hizo en el colegio Argentina Modelo. Y de chico trabajó en la panadería de su padre llamada "Sportman" que quedaba en la avenida Córdoba y Paraná. Bahiano comenzó a relacionarse con la música desde muy chico, cuando escuchaba a Los Beatles, Iron Maiden y a Los Rolling Stones, hasta que un día descubrió un disco de Bob Marley en una disquería, que lo enamoró perdidamente del reggae.

Con una voz simpática aunque muy particular, comenzó como cantante en 1985 en el grupo "Signos", en el cual tocaban música influenciada por grupos como "The Cure" y "Depeche mode". Pero como sus preferencias pasaban por el reggae se incorporó en 1987 a un grupo llamado Los Pericos, quienes ya habían tocado una vez en vivo pero no tenían cantante. Ni él ni el resto de la banda se imaginaron la trascendencia que el grupo conseguiría con los años.

A partir de la llegada de Bahiano, iniciaron una carrera ascendente con él como frontman de la banda. Con el perico más famoso como líder "Los Pericos" grabaron 12 discos y llegaron a tocar más de 1200 veces en los 17 años que esta familia permaneció unida.

En el 2004 Bahiano inició una transformación personal y decidió dejar a la banda por motivos que nunca fueron explicados. Todo parecía derrumbarse para el resto del grupo y para sus fans, que creían que jamás iban a recuperar a ese referente que los había hecho cantar y bailar durante tanto tiempo.

Con una Ballano más naturista en 2005, el cual se dedicaba a salir a correr varios kilómetros para mantener un excelente estado físico, saca su primera producción discográfica como solista llamada "BH", producida por Afo Verde. El disco contó con la participación de Vicentico y de Miguel Botafogo, Mientras que el corte difusión fue "Oyelo".

Consagrado como artista ganó el premio MTV Video Music Awards 2005 como Mejor Artista Nuevo Sur. Asimismo, su disco solista fue parte del tributo a Andrés Calamaro con el tema "A los ojos", y también en el de María Elena Walsh con "Canción para tomar el Té".

Con un talento digno de envidiar, Bahiano se destacó tanto en radio como en televisión. En TV se mostró con gran soltura al frente de MP3, (Música Para el Tercer milenio) por Canal 7, un programa que consiste en mostrar la música de las provincias argentinas, y descubrir futuros talentos. Tampoco pasó inadvertido en la radiofonía con su programa "Casa Babylón", que ya pasó por distintas emisoras como La Metro, Radio Uno, Disney y FM Hit.

Pagina: http://www.bahiano.com/

A.L.I.A.S.

Alias es una banda de hard rock argentina nacida en 2004 tras la disolución de Oro Negro.

A principios del 2004 surge la idea de crear a Alias entre Alejandro Patriarca, Mariano Colaneri y Francisco Mascia. Al poco tiempo se plasma la primera formación, que completarían Rodolfo Pettinari en batería y Beco Estrada en bajo. Tras la primera presentación del grupo, B. Estrada decide abandonar la banda y es reemplazado Juan Pablo Massaniso (ex compañero de M. Colaneri en Temperia).

Durante su primer año de vida, Alias realiza numerosas presentaciones y al mismo tiempo comienza la grabación de su primer disco. El mismo se termina en diciembre de ese año y es presentado en abril de 2005.

Con posterioridad a la presentación del disco, M. Colaneri y R. Pettinari deciden separarse de Alias en busca de un nuevo proyecto musical. Tiempo más tarde, Juan P. Massanisso los acompañaría en dicha decisión, formando Madison. Durante el 2005 la banda trata de consolidarse nuevamente, pero no es hasta principio del 2006 que ingresan Matias Sentous como nuevo baterista (ex compañero de A. Patriarca, M. Colaneri y F. Mascia en Oro Negro) y Juan Pablo Videla como bajista.

Hacia mediados de 2006, Alejandro Patriarca decide abandonar la banda dando paso a la incorporación de Pablo Manlio (Transitoria Domus) consolidándose así la formación actual, la cual abandona el esquema original de dos guitarras, para abordar un renovado sonido.