The Good, the Bad and the Queen

The Good, the Bad and the Queen es el nombre del álbum debut de una banda de rock alternativo sin nombre liderada por el cantante de Blur y Gorillaz Damon Albarn.

Historia

A pesar de que la banda no tiene nombre suele ser conocida precisamente como "The Good, the Bad And The Queen". Inicialmente se pensó que se trataba de un proyecto en solitario de Albarn, que contaría con la producción de Danger Mouse. La revista británica New Musical Express reveló a finales de julio del 2006 que el proyecto en solitario se había transformado en una nueva agrupación formada por Albarn.

El grupo, el cual está formado por Albarn, el ex bajista de The Clash Paul Simonon, el ex guitarrista de The Verve Simon Tong (quien tocó la guitarra durante la gira Think Tank de Blur, tras la salida de Graham Coxon y tocó la guitarra para Gorillaz en su álbum Demon Days), y el pionero del afrobeat y baterista de Africa 70, Tony Allen, lanzó su primer sencillo, "Herculean", el 30 de octubre de 2006. El sencillo fue acompañado por una presentación en el festival musical de la BBC, Electric Proms, el 26 de octubre, donde tocaron todo el álbum.

El grupo lanzó un segundo sencillo, "Kingdom of Doom", una semana antes de la salida de su álbum debut, el cual fue puesto a la venta el 22 de enero de 2007. El álbum fue producido por Danger Mouse y las letras de sus canciones tratan sobre la vida moderna en Londres. Un tercer sencillo, "Green Fields", fue lanzado en abril de 2007.

Pagina: http://www.thegoodthebadandthequeen.com/

The Cure

The Cure es una banda inglesa de rock que comenzó su carrera a finales de los setenta con la edición del LP Three Imaginary Boys, en un momento musical conocido como Post-Punk.

Es muy difícil categorizar a The Cure en un sólo estilo musical tomando en cuenta el sonido de la banda a lo largo de su dilatada carrera, ya que en algunos trabajos se puede escuchar un sonido claramente gótico o dark wave (new wave oscuro), mientras que en otros se pueden encontrar música new wave[1] alegre u optimista y ciertos toques de electrónica.

No obstante, la apariencia estética “dark” característica del líder de la banda, Robert Smith, frecuentemente vestido con ropa negra y mostrando un rostro pálido y un lápiz de labios borroneado en la boca, sumado a letras que con frecuencia son introspectivas y tenebrosas, han hecho que la banda sea asociada generalmente con el rock gótico. Smith rechaza esta categorización y se niega a enmarcar a la banda dentro de un único género: "Es tan triste que a the Cure se le siga llamando gótico [...] No somos categorizables. Supongo que eramos Post-Punk cuando salimos, pero globalmente es imposible categorizarnos. [...] Yo toco música de the Cure, sea lo que sea que esto signifique.".[2]

Entre el año de su formación (1976) y (2004), the Cure había logrado vender alrededor de 27 millones de discos en todo el mundo.[3]

Hasta 2007, The Cure ha editado 12 álbumes de estudio, treinta singles y numerosos recopilatorios y reediciones. El decimotercer álbum de la banda, previsto para 2008, está actualmente en fase de desarrollo.

Historia

Experiencias previas: de The Obelisk a Easy Cure

La primera banda antecesora de The Cure se llamó The Obelisk, banda formada en 1973, en el Notre Dame Middle School en Crawley, Sussex, y compuesta por Robert Smith (piano), Michael Dempsey (guitarra), Lol Tolhurst (batería), Marc Ceccagno (guitarra solista) y Alan Hill (bajo). Tres años más tarde, en enero de 1976, Marc Ceccagno formaba una nueva banda, Malice junto a Robert Smith (ya a la guitarra) y Michael Dempsey (cambiando al bajo) y otros dos estudiantes del St. Wilfrid's Catholic Comprehensive School. Ceccagno dejó pronto el grupo, para formar una banda de fusión Jazz-Rock llamada Amulet. Los miembros restantes de Malice, Smith y Dempsey cambiaron su nombre por Easy Cure en enero de 1977. En este momento, la influencia del omnipresente punk rock se comenzaba a hacer patente en el estilo musical del grupo. La entrada de Lol Tolhurst como baterista, y el fichaje de Porl Thompson a la guitarra solista terminaron de configurar el primer plantel de Easy Cure. La banda probó durante estos meses a distintos vocalistas sin tener mucho éxito, hasta que Smith asumió finalmente el papel de vocalista y de líder del grupo en septiembre de 1977.

Ese mismo año de 1977, Easy Cure ganaba una competición de talentos con el sello alemán Hansa Records, recibiendo como premio un contrato de grabación. El resultado de esta colaboración fueron algunas canciones de Easy Cure que nunca han sido editadas. En marzo de 1978, tras desencuentros con el sello acerca de la dirección que el grupo debía tomar, Easy Cure decidía romper su contrato con Hansa. Según Smith, el sello quería convertirlos en una banda para adolescentes, realizando versiones de otros grupos, lo que iba en contra del espíritu de la banda.

Inicios de The Cure

En mayo de ese mismo año, Thompson dejaba la banda. El trío restante, (Smith/Tolhurst/Dempsey) era rebautizado por Smith en ese momento, para asumir ya su nombre definitivo, The Cure. A finales de mayo, la banda realizaba sus primeras sesiones de estudio en los estudios Chestnut de Sussex. La maqueta resultante de estas sesiones sería enviada a una docena de sellos importantes. Chris Parry, por entonces buscador de talento de Polydor, se puso en contacto con la banda tras escucharla. Se despidió de Polydor, formando el sello Fiction, y contratando a The Cure en septiembre de 1978. Entre septiembre y diciembre de ese mismo año, Parry negoció con Polydor un acuerdo de distribución para Fiction, acuerdo que se materializaba el 22 de diciembre con la edición del sencillo de debut de la banda Killing an Arab, inspirada en El extranjero, de Albert Camus. Tras las acusaciones de racismo recibidas por el sencillo desde algunos medios poco informados, motivadas por el título del mismo, la banda ponía una pegatina en la reedición de 1979 del sencillo negando connotación racista alguna. Días antes de la edición del sencillo, la banda recibía una de sus primeras críticas. NME escribía que "The Cure son como una bocanada de aire fresco suburbano en el circuito contaminado de pubs y clubs de la capital [...] Con una sesión de John Peel y la continuación de su gira por Londres en su agenda más inmediata, falta por ver si The Cure puede mantener su refrescante joie de vivre."[4]

De Seventeen Seconds a Pornography

En los comienzos de su carrera musical alcanzaron altas cuotas de popularidad en Inglaterra con sus singles "A Forest", perteneciente a su segundo trabajo Seventeen Seconds de 1980 y en EE. UU. con "Boys Don't Cry", perteneciente a su primer LP (edición americana) Boys Don't Cry (1980). El nihilismo musical que caracteriza sus primeros discos y una estética rupturista ideada por su líder, Robert Smith, impulsó a la banda al éxito, primero en el Reino Unido y luego en otros muchos países.

Tras el suicidio de Ian Curtis en 1980 (vocalista de Joy Division) el movimiento musical y cultural conocido en Inglaterra como "siniestro" convirtió a The Cure en su abanderado.

En su primera etapa musical, The Cure desarrolló un estilo propio dentro de la corriente del post punk, siendo considerados un grupo del culto en la primera mitad de los años 80. Su punto álgido en la consecución de un sonido oscuro fue su álbum Pornography de 1982. Después de la publicación de este disco, y la consecuente gira promocional Fourteen Explicit Moments el grupo quedó inactivo por un periodo, por problemas internos, que llevaron a Robert Smith a plantearse seriamente la separación. La salida de Simon Gallup de la formación tras los incidentes que protagonizó junto a Smith durante la gira de Pornography había dejado al grupo como un dúo, compuesto solamente por el propio Smith y Lol Tolhurst.

De Japanese Whispers a The Head on the Door

El punto de inflexión de esta tendencia destructiva llegaría a finales de ese mismo año 1982, con la publicación del sencillo Let's go to bed, una canción de carácter jovial y cierto aroma electrónico, que rompería con el carácter musical de la banda en sus primeros trabajos. A Let's go to bed le seguirían, en 1983 dos sencillos de carácter electrónico más acusado que el anterior, The walk y The lovecats, tema jazzístico basado en la película Los aristogatos, que se convertirían en los primeros éxitos comerciales de importancia (#12 y #7 en el Reino Unido, respectivamente), y que relanzarían la carrera del grupo. Todos los sencillos y las caras-b de este período se compilarían en el álbum de 1983, Japanese Whispers.

Tras varios festivales con la nueva banda (que incluía al productor de Pornography Phil Thornalley, y al percusionista Andy Anderson), y la posterior incorporación del viejo componente de la misma Porl Thompson, el grupo volvió a grabar en estudio nuevo material compuesto por Robert Smith, en este caso se trató del LP The Top (1984), disco difícil en su elaboración al asumir Smith casi todas las tareas relativas al mismo (músico, compositor, productor) y además compatir su tiempo con el grupo Siouxsie and the Banshees, con quienes se había reunido en 1983, como un medio de huir de la atmósfera opresiva de los Cure de 1982. Durante la gira mundial de The Top, el grupo vuelve a sufrir cambio en la formación - sale Andy Anderson y entra Boris Williams - y al finalizar la misma, el bajista Phil Thornalley deja el grupo y vuelve Simon Gallup. En estos momentos, ya eran reconocidos por la crítica musical y al publicar su álbum The Head On The Door en 1985 volvieron a recuperar el reconocimiento de sus adeptos con singles como "A Night Like This", "In Between Days" o "Close To Me", tema éste último que les proporcionó su primer #1 en el Reino Unido.

En 1986, coincidiendo con el décimo aniversario de la formación de la banda, se publica Standing on a Beach: the Singles 1978-1986, también titulado Staring at the Sea en su versión de Vinilo. En este recopilatorio se recogen todos los Singles de la banda entre 1978 y 1986.

Éxito Internacional: de Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me a Wish

Un año más tarde, en 1987, The Cure lanza el doble álbum Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me. Gracias a la ascendente popularidad del grupo en ese momento, el trabajo alcanza el número 6 en las listas del Reino Unido, entra entre los 5 más vendidos en muchos otros países europeos y asciende hasta el puesto 35 en Estados Unidos, donde recibiría el Disco de platino. El primer sencillo del disco es Why Can't I Be You? (Top 30 en el Reino Unido, España, Francia, Alemania, Italia y otros países). El tercer sencillo, Just Like Heaven se convirtió en el de mayor éxito hasta ese momento, el primero en entrar en el Billboard Top 40. Tras el lanzamiento del álbum, la banda se embarca en el Kiss Tour, que se convierte en un rotundo éxito de público. No obstante, durante la gira, Lol Tolhurst encuentra problemas para tocar por su excesivo consumo de alcohol. Para solventar el problema, la banda acude con frecuencia a Roger O'Donnell, teclista de los Psychedelic Furs para sustituirle.

Terminada la gira en 1988 el grupo se toma un paréntesis de un año. Tras este paréntesis, en 1989, the Cure lanza Disintegration, en el que se retoma la estética oscura de trabajos anteriores. Se convierte inmediatamente en su mayor éxito hasta ese momento, entrando en las listas británicas en el tercer puesto. Tres de los sencillos del disco, Lullaby, Lovesong y Pictures of you entran entre los treinta más vendidos en varios países, incluyendo el Reino Unido. Disintegration alcanza el puesto número 12 en las listas de Estados Unidos. Fascination Street, el primer sencillo en ser editado en este país, alcanza el primer puesto en la "American Modern Rock Chart". El tercero, Lovesong, alcanza el segundo puesto en las listas absolutas. Tan sólo 3 años después de su edición, en 1992, Disintegration había vendido tres millones de copias en todo el mundo.

Durante las sesiones de grabación de Disintegration, la banda se enfrentó abiertamente con Lol Tolhurst. Estos hechos desembocaron en la salida de Tolhurst en febrero de 1989. Como resultado, Roger O'Donnell se convirtió en miembro permanente del grupo. Smith se quedaba de este modo como único miembro fundacional en la banda. A pesar de su salida, Tolhurst aparece en los créditos del álbum, tocando "otros instrumentos". No obstante, algunos opinan que no contribuyó en absoluto a la grabación del disco. El tour subsiguiente se denominó Prayer Tour. Su popularidad en Estados Unidos era ya de tal calibre por aquel momento que el grupo dejó de tocar en salas de conciertos para tocar en estadios en muchas ciudades de aquel país.

En mayo de 1990, Roger O'Donnell deja la banda. Le sustituye Perry Bamonte, técnico de guitarras del grupo. En noviembre, The Cure edita una colección de remixes titulada Mixed Up. De este álbum se extrae una canción nueva, Never Enough, editada posteriormente como sencillo. La compilación no alcanzaría el éxito de ventas del disco precedente, ni mucho menos del posterior.

En 1991, The Cure recibe el BRIT Award para la mejor banda británica del año. También en 1991, Lol Tolhurst demanda a Robert Smith y a Fiction por el pago de los derechos de autor. En la demanda se incluye también la aspiración de Tolhurst a compartir la propiedad del nombre "The Cure" con Smith. La demanda se resolvería en 1994 a favor de Smith.

Dos años después de editar Mixed Up, en 1992, la banda lanza Wish, su disco más vendido hasta el momento. Wish fue número uno en el Reino Unido, y número dos en los Estados Unidos. Los sencillos High y Friday I'm in love se convirtieron en éxitos internacionales. En dicho disco, el nombre de la banda se transformaría de "The Cure" a simplemente "Cure". No obstante, dicha denominación no duraría, ya que se retomaría el tradicional "The Cure" en Wild Mood Swings.

De la gira que acompañó al álbum, el Wish Tour, la banda extraería dos álbumes en directo, Show y Paris, editados en septiembre y octubre de 1993, respectivamente.

De Wild Mood Swings a la actualidad

Posteriormente, y tras varios cambios en la formación, se edita Wild Mood Swings, en 1996, disco éste de irregular contenido y en el que se parece advertir una pérdida de sentido musical en el seno de la banda. El disco fue acogido con frialdad por la crítica, pero sobre todo por los tradicionales seguidores del grupo.

En 1997, la banda publica un recopilatorio de singles Galore, de algún modo continuador de Standing on a Beach, publicado once años después de éste, y en el que se recogen los sencillos publicados entre 1987 y 1997.

Tras un período de reformación y descanso, el grupo recupera sus esencias en 2000 con Bloodflowers, disco que completa, en palabras de Robert Smith, la trilogía oscura del grupo (iniciada con "Pornography" y seguida por "Disintegration"). La publicación de este álbum vendría acompañada de una gira mundial extensa y de gran reconocimiento, tanto mediático como de público, hecho éste que hizo a Smith reconsiderar su decisión de disolver la banda tras la gira.

El DVD "Trilogy", que incluye dos conciertos en Berlín en los que The Cure interpretan en directo y en el mismo orden que en los discos, todas las canciones de "Pornography", "Disintegration" y "Bloodflowers", cierra en 2003 esa trilogía oscura mencionada por Robert Smith.

En 2001, The Cure abandona su tradicional sello discográfico Fiction Records para firmar con Geffen Records. Como despedida de Fiction, Smith accede a la publicación de un grandes éxitos, a condición de que el repertorio de canciones fuese elegido por él. Resultado de este acuerdo es el recopilatorio Greatest Hits, que incluye singles y otras canciones de toda la carrera de la banda, desde 1978 hasta 2000.

En 2004, ya en Geffen, tras varios proyectos menores del grupo, The Cure lanza su álbum homónimo. De carácter variado como "Wild Mood Swings",no fue recibido positivamente por crítica y público. Ese mismo año Fiction lanza un recopilatorio llamado Join the Dots, en el que publica mucho del material inédito que la discográfica histórica de la banda aún posee en sus archivos.

Tras una gira mundial en el ámbito de los festivales, a mediados 2005 Robert Smith decidió prescindir del teclista Roger O'Donnell y del guitarrista Perry Bamonte, poco antes del inicio de la gira que debería llevarles por Europa en su habitual encuentro con los diferentes festivales de importancia (FIB de Benicássim, entre otros)

El grupo recluta de nuevo a Porl Thompson y siendo ahora un cuarteto (hecho que no ocurría desde 1994), están preparando su nuevo trabajo, que estaba previsto inicialmente, para principios de noviembre de 2006, pero que a finales de 2007 todavía no había sido publicado. El nuevo trabajo, que al parecer será un álbum doble, será presentado durante la gira que la banda dará por Europa en 2008.

Para finalizar 2006, The Cure aparece en el regreso de la serie de MTV Unplugged. El encargado del Unplugged en esta ocasión es Korn, y tocan con ellos la canción "Make Me Bad" e "In Between Days". El resultado del MTV Unplugged ofrecido por Korn se encuentra en el disco de la presentación, en el que también se puede encontrar la canción con la aparición de The Cure. En el año 2007, The Cure apareció en los MTV latinos, la cual su participación fue la más notoria y aclamada de la noche.

Pagina: http://www.thecure.com/

Soziedad Alkoholika

Soziedad Alkoholika, abreviado a menudo como S.A., es un grupo de música fundado en Vitoria, País Vasco (España). Su estilo musical es definido normalmente como Thrashcore, unión del thrash metal con el hardcore punk, y viene de la oleada de bandas vascas que cambiaron su sonido punk hacia un sonido más metalero. En sus letras suelen criticar con dureza el militarismo, el fascismo, el racismo o el sexismo, entre otros asuntos.

Historia

Soziedad Alkoholika nace en 1988 en Vitoria, con Juan como vocalista, Jimmy (ex Hipólito y Los cafres) y Oskar en las guitarras, Roberto (ex Ley Seca) en la batería e Iñaki en el bajo. En un principio deciden llamarse Amonal, nombre que tuvo que cambiarse al coincidir con el de otra banda. En 1990 Oskar deja el grupo y se incorpora Pedro, que unos años después dejó el grupo sustituido por Jabi (ex Beer Mosh) para centrarse exclusivamente en la discográfica Mil A Gritos Records creada por la propia banda. A finales de 1996 Pirulo (Vitu's Dance) sustituye a Iñaki al bajo.

Su disco Ratas de 1995 fue Disco de Oro (más de 50.000 copias vendidas en España). A lo largo de su carrera han vendido en España más de 350.000 discos.

En diciembre de 2006 editan el DVD titulado Corrosiva! manteniéndose varias semanas entre los más vendidos de España llegando a ocupar el segundo puesto en la lista oficial de ventas Promusicae.

El 21 de abril de 2008 publicaron un nuevo trabajo llamado Mala Sangre, grabado en los estudios 'Uno' de Madrid durante los meses de octubre y noviembre del 2007 y mezclado por Tue Madsen durante las primeras semanas de febrero en Dinamarca. El grupo cambió de discográfica, siendo fichados por el sello internacional Roadrunner. En este trabajo aparecen dos colaboraciones: una de João Gordo, cantante del grupo brasileño de hardcore punk Ratos de Porão (en la canción «Dios vs. Alá») y otra del grupo zaragozano de Rap Violadores del Verso (en la canción «Política del miedo (Rap Solo remix)»).

Enfrentamiento con la AVT

Desde el año 2002, la presión de la AVT y de algunas organizaciones conservadoras, como el Partido Popular, han conseguido que múltiples conciertos del grupo hayan sido cancelados; El Corte Inglés llegó a retirar temporalmente los discos que tenía a la venta del grupo.

En mayo de 2004 la Asociación Víctimas del Terrorismo (AVT) presentó una denuncia contra el grupo por supuesto enaltecimiento del terrorismo de ETA en canciones como «Explota Zerdo» y «Síndrome del Norte». En septiembre de ese mismo año el juez Baltasar Garzón archivó las diligencias abiertas. En febrero de 2005 rechazó un nuevo recurso contra el grupo y acordó el sobreseimiento libre y el consecuente archivo de las actuaciones abiertas contra Soziedad Alkoholika. Sin embargo, la AVT presentó otro recurso que fue estimado por la Audiencia Nacional en diciembre de 2005 y en enero de 2006 el juez Fernando Grande-Marlaska ordenó que se continuara la tramitación de la causa. Marlaska también archivó el caso pero su decisión fue revocada por la Sala de lo Penal.

El grupo ha asegurado en numerosas ocasiones antes y durante esta polémica que nunca ha apoyado a ETA y que la AVT malinterpreta las letras de sus canciones.

En noviembre de 2006 fueron juzgados y finalmente absueltos del delito de enaltecimiento del terrorismo.

Miembros

La formación actual de la banda es la siguiente:

- Juan - voz
- Jimmy y Javi - guitarras
- Pirulo - bajo
- Roberto - batería

Pagina: http://www.soziedadalkoholika.com/

Germán Díaz

Nace en 1978 en Valladolid. Comienza sus estudios de solfeo en el Conservatorio y posteriormente los de guitarra en un centro privado. Estudia Filología Clásica en la Universidad de Valladolid y el Curso de postgrado Especialista Universitario en estudios sobre la Tradición.

En los seminarios coordinados por la A.I.Z. (Asociación Ibérica de la Zanfona) estudia zanfona con Laurent Tixier, Rafael Martín, Isabelle Pignol, Gilles Chabenat, Patrik Bouffard, Nigel Eaton, Valentin Clastrier, Pascal Lefeuvre, Matthias Loibner... y asiste a Master Class de zanfona bajo la dirección de Pascal Lefeuvre, Isabelle Pignol y Laurence Bourdin.

Estudia percusión con Pedro Estevan y Dimitri Psonis y vihuela con Fernando Reyes. Perteneció a formaciones como la VIELLISTIC ORCHESTRA (hasta su desaparición en el año 2004), MARIA SALGADO, UXIA, lAIO...

Actualmente forma parte de numerosos proyectos -BALDO MARTÍNEZ CUARTETO ACÚSTICO, SINFONIA QUARTET, NUKE TRIO, RAO TRIO, LA PARRUS DIXIE BAND- Con los que ha actuado por Europa, América y África.

Como solista o coautor ha editado casi una decena de trabajos discográficos y ha colaborado en casi un centenar de grabaciones con personalidades del mundo de la música tradicional, el pop, el rock o el jazz; Colabora con multitud de compañías de teatro componiendo bandas sonoras.

En 1999 fue galardonado con el premio Racimo de Oro de la música por su labor de recopilación y difusión de la música tradicional.

En 2004 crea su propia discográfica, Producciones efímeras, junto a Fernando Fuentes.

Pagina: http://www.germandiaz.net/

Enanitos Verdes

Enanitos Verdes es una banda de rock argentina, formada en 1979 en la ciudad de Mendoza. A lo largo de su carrera han logrado colocarse en puestos importantes de las lista de popularidad argentinas y de Latinoamérica.

Historia

"Corría el año 1979 y una familia de turistas, mientras visitaba en Mendoza el Puente del Inca, se toma una fotografía. Al revelarla aparecen a un lado de dicha familia unos enanitos verdes en ronda. Al momento de sacar la fotografía obviamente no los vio nadie pero luego del revelado allí estaban. Este hecho tuvo una trascendencia pública notoria saliendo en los periódicos locales. E inclusive dicen algunos que llegó la fotografía hasta la Nasa para comprobar su autenticidad. Leyenda o realidad un amigo nuestro que era periodista de una revista bautizó a nuestro novato grupo con el nombre de Los Enanitos Verdes de Puente del Inca y así apareció en la primera crónica nuestra. Nos quedamos con la mitad del nombre: "Los Enanitos Verdes", pero bien podríamos habernos llamado también Puente del Inca..." - Felipe Staiti -

Sus integrantes originales son Marciano Cantero, Felipe Staiti y Daniel Piccolo. Comenzaron con presentaciones en diferentes pubs, pasando luego a pequeños teatros no sólo de su provincia sino también de las vecinas, convirtiéndose en poco tiempo en la banda más popular y requerida de Mendoza y la zona de Cuyo. A principios del 83 viajan a Buenos Aires a probar suerte, presentándose en pubs y bares . a principios de 1984, viajaron nuevamente a Buenos Aires para grabar un demo, con resultado inútil pues no se publica. Pese a este fracaso continúan realizando shows, en Mendoza y en la Capital Federal.

En 1984 el trío es invitado a participar en el "Festival de La Falda". Ese año LOS ENANITOS VERDES fue elegido "Grupo Revelación" del Festival, siendo aclamados por todo el público y la prensa especializada. Después del Festival, Cantero, Staiti y Piccolo viajan a Buenos Aires se incorporan dos nuevos integrantes: Tito Dávila (teclados) junto a Sergio Embroni (guitarra y voz) como músico invitado y graban para el sello independiente MORDISCO su primer Lp, Los Enanitos Verdes. Este primer álbum incluía, el tema "Aún sigo cantando", que hizo estragos en las radios capitalinas convirtiéndose rápidamente en un "clásico" del rock argentino. En el año de 1985, Embrioni deja la banda.

En 1986 editan su segundo álbum titulado Contrarreloj con la producción artística de Andrés Calamaro. Dicho álbum incluye canciones como "Tus viejas cartas", "Cada vez que digo adiós" y "La muralla verde".

En el Otoño de 1987 graban el álbum Habitaciones extrañas producido por Calamaro, incluyendo, entre otras canciones, a "Te vi en un tren", "Por el resto", "El extraño del pelo largo". Grabado y Mezclado en Estudios Panda. Buenos Aires,

En 1988 realizan una extensa gira, siguiendo los pasos de lo que ya habían hecho Miguel Mateos/Zas y Soda Stereo. Durante seis meses se presentan en 31 oportunidades, entre las cuales se destacan tres presentaciones, las cuales fueron en Viña del Mar (50,000 espectadores) invitado al "Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar", haciéndose acreedores de dos "Antorchas de Plata", Mendoza (35,000) y Santiago de Chile (32,000) impulsados por su hit "La muralla". En ese mismo año editan su nuevo disco titulado Carrousel. La canción "Guitarras blancas" se convirtió en una de las principales del álbum, otras canciones que sonaron también fueron Sos un perdedor y No me verás. discos se editen en toda América Latina

Había una vez... es el quinto álbum del grupo Enanitos Verdes que sale en el año 1989 con esto el grupo se separa. Marciano Cantero comienza su carrera de solista. En 1992 el grupo vuelve a juntarse, grabando el álbum "Igual que ayer". Con temas como Igual que ayer y Amigos. Alcanzando rápidamente el Disco de oro. Con el "Jurasic Tour", recorren América Latina. En noviembre de 1994 se presentan ante 10.000 personas, en un concierto gratuito en los parques de ATC.

Big Bang es el septimo álbum del grupo Enanitos Verdes que sale a la venta el 15 de agosto de 1994, en este disco vienen 13 nuevas canciones, el nuevo sencillo Lamento boliviano se convierte en éxito, otras canciones que suenan fuerte son Mejor no hablemos de amor, Celdas y Mi primer día sin ti. Logran así DISCO DE PLATINO en Argentina, en el 95 es editado en España, ocupando los primeros puestos de difusión en las principales listas de España.. LOS ENANOS realizan el "Big bang Tour" recorriendo toda Argentina y resto de América Latina. en Buenos Aires convocan a más de 40.000 personas. En noviembre viajan a Caracas al "II Festival Iberoamericano de Rock" Luego Quito, Ecuador, Y el 19 de marzo, en la playa de El Silencio, en Lima, Perú, asisten a su concierto ¡60.000 personas!

La “Gira BIG BANG”, con un total de 129 shows en Argentina, resto de Latinoamérica y USA, se convierte en la más extensa realizada por una banda de rock argentina. Guerra Gaucha es el octavo álbum del grupo Enanitos Verdes que sale a la venta en 1996. Esta nueva producción discográfica, grabada y mezclada íntegramente en Los Angeles, con la colaboración en la dirección artística de Jeff Baxter (Doobie Brothers, Steely Dan). Grabado y mezclado por Gustavo Borner y producido y dirigido artísticamente por Enanitos verdes , contó con invitados de lujo: el maestro Domingo Cura (bombo y cajón peruano), Daniel Binelli (bandoneón), Luis Conte (percusión) y Cosme, de Café Tacuba, haciendo dueto con Marciano en el tema Ella. Se destacan en la placa títulos como Dale Pascual, el nombrado “cover” de principios de los 80 ¿No te sobra una moneda? y las impresionantes baladas El día es claro y Eterna soledad.

LOS ENANITOS VERDES realizaron lo que fue la primera verdadera gira de un grupo de rock argentino por territorio norteamericano. Se presentaron en nueve ciudades de la Unión Americana. Durante ese periodo la gira se extendió USA, México y Centroamérica. De vuelta en Argentina realizan una presentación multitudinaria conjuntamente con el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires en la Plaza de las Naciones, donde se calculó una asistencia de 50.000 almas. Durante Junio y Julio de 1997 terminan de grabar en los Estudios El Pie, con el ingeniero y productor inglés Nigel Walker Planetario que es el noveno álbum del grupo sale a la venta el 9 de diciembre siendo un álbum poco difundido así que no sonó mucho y no tuvo tampoco algún sencillo exitoso.

En 1998 editan su álbum Tracción acústica, con la compañíañ discográfica Polygram de Estados Unidos. Este disco los convierte en el primer grupo y tercer artista argentino en firmar para una compañíañ estadounidense. Este disco fue nominado a los premios Grammy como "Mejor disco de Rock Latino". a diferencia de los álbumes acá cantan temas conocidos en acústico solo con 2 nuevas canciones. Producido por Cachorro Lopez. Co-producido por Enanitos Verdes. Comienza una gira por México, Argentina, Bolivia, Perú y Estados Unidos

En 1999 comienza la preparación de su undécimo álbum Junto a Coti Sorokin, su coproductor. Así sale a la venta el 15 de Junio Nectar y que Contiene temas como “Cordillera”, “Luz de día” y “Rebeca” Durante los siguientes meses, la Banda realizó su gira por USA, México y Centroamérica realizando 27 shows en Guadalajara, México, y USA, con una audiencia total estimada en 80.000 personas. Una nueva nominación para la XLII edición de los Grammy Awards, la segunda consecutiva, en la categoría “Best Latin Rock/Alternative Performance”. En el Watcha Tour 2000, realizan 17 shows como figuras principales junto a Molotov, Aterciopelados, Café Tacuba, A.N.I.M.A.L. y otros. En el mes de Febrero comenzaron una pequeña gira por Usa, México y Puerto Rico. Realizan algunos shows en Argentina, destacándose la presentación en el Teatro Gran Rex en Mendoza, su ciudad natal. Participan de la gira con Jaguares, y realizan otras presentaciones. 18 shows en México. Más las 21 del Watcha Tour 2001, completando un total de 39 shows en 58 días.

Su nuevo álbum, el número 12 del grupo, Amores Lejanos salió a la venta el 29 de Octubre de 2002 con este disco el grupo reaparece. Los títulos incluidos, entre otros, son: Francés limón, Amores lejanos, Abrazando ausencias, Silencio infinito y Olvidarte. Como siempre, todos los temas compuestos por Marciano Cantero y Felipe Staiti, con colaboraciones de otros músicos argentinos. Con AMORES LEJANOS, ENANITOS realizó tres presentaciones en Europa que incluyeron las ciudades de Londres, Madrid y Barcelona. El 31 de Mayo se realizó la presentación oficial de “Amores Lejanos” en Argentina tocando en el Teatro Gran Rex en Mendoza, su ciudad natal.

Enanitos Verdes graba un disco con parte de sus presentaciones en Tijuana, México y Phoenix.El disco nuevo llamado En Vivo presenta 2 canciones nuevas dando tributo al rock mexicano y argentino estas son: Tu cárcel de Marco Antonio Solís y Mil horas de Andrés Calamaro del grupo Los Abuelos de la Nada. Rápidamente se transforma en un éxito absoluto, ingresando el primer tema de difusión “Tu cárcel” a los charts de USA, México y resto de Latinoamérica. EN VIVO llega a Disco de Oro en México y se espera lo mismo para USA donde ya vendió cerca de 80000 copias. Mientras tanto sigue la gira por toda America.

En 2006 Los Enanitos Verdes comenzó con los ensayos definitivos del repertorio para lo que sería su álbum número 14. El álbum Pescado original se grabó en Burbank, California en Igloomusic Studio, a las ordenes y coproducido por el Ingeniero Gustavo Borner durante los meses de enero y febrero de 2006. Pescado Original salió a la venta el 4 de julio de 2006 el disco incluye catorce temas, una producción con un sonido más denso y letras con mayor contenido social. La grabación la realizaron como trío y luego algunos invitados aportaron lo suyo, como el percusionista Luis Conte y el tecladista Jon Gilutin. Los tracks destacados son "Mariposas", "Me permití soñar" (junto a Julieta Venegas) y "Sola" (junto a Coti Sorokin). Lo presentaron en una extensa gira continental, en la cual también celebraron sus 25 años de carrera.

Pagina: http://www.losenanitosverdes.com/

Nagual

Todo ser humano tiene la necesidad de expresar su visión del mundo, de una u otra forma. Nagual encontró en la música, mas allá del rock, un vínculo perfecto para traducir a nuestros iguales, los ideales, creencias y el cierto desequilibrio que hoy fluye en nuestra cultura".-

NAGUAL es una banda de rock independiente, que surge a principios del 2001, entre "zapadas" en el sótano de una pizzería, en el barrio de Mataderos, entre amigos.-

En la música, se respetan las ideas y las influencias de todos los que forman la banda, así es como se puede definir un Rock Fusionado con varios géneros musicales; las letras hablan de los hechos sociales; de los principios, orígenes y simpleza del hombre, manteniendo una notoria ideología y un sonido propio y contundente.

La banda se mueve por todo el circuito under, ofreciendo recitales en la Ciudad de Bs. As., y en el Interior, y recientemente realizó su primer fecha en Montevideo, también participa en ocasiones en eventos a beneficio y en fiestas de radios comunitarias.

Pagina: http://www.nagualrock.com.ar/

LCD Soundsystem

LCD Soundsystem es un grupo de música punk-funk neoyorquino formado por James Murphy y Tim Goldsworthy. En las actuaciones en vivo, se les une Nancy Whang al teclado y a los coros, Pat Mahoney a la batería, Tyler Pope al bajo y Phil Mossman a la guitarra, a la percusión y al bajo. Murphy y Goldsworthy son también conocidos como el equipo de productores The DFA, y propietarios del sello del mismo nombre.

Biografía

Los inicios

LCD Soundsystem se inicia como proyecto personal de James Murphy y Tim Goldsworthy, dos neoyorquinos admiradores de Suicide, New Order, Siouxsie and the Banshees,[1] Daft Punk y The PLOOM !!!, entre otros. En 2000, decidieron crear un sello, The DFA, para editar su propia música y la química empezó a fluir. De su laboratorio salieron singles de 12 pulgadas como Losing my edge, de ritmo persistente e irónica letra, donde resumen las últimas y enfervorecidas musicalmente décadas del siglo XX además de dejar claras sus influencias; el bailable Give it up; y el más conocido, Yeah.

La escena punk-funk neoyorquina

El sello de Murphy y Goldsworthy dio cobijo a grupos primerizos como The Rapture y The Juan MacLean, convirtiéndose rápidamente en el centro de una escena conocida como disco-punk, punk-funk o rock bailable. The Rapture y Radio 4, cuyos debuts (Echoes y Gotham, respectivamente) fueron producidos por el dúo The DFA; así como Out Hud y !!!, quienes publicaron su primer disco en el mismo año que el de LCD Soundsystem (2005), fueron las caras más destacadas del complejo poliedro que era esta escena neoyorquina. Aún sin tener ningún disco editado, el grupo fue invitado a actuar en varios festivales, entre ellos, los españoles Primavera Sound y el Festival Internacional de Benicàssim de 2004.

LCD Soundsystem: El disco

A partir de 2005, las cosas se precipitaron y llegó el primer disco de LCD Soundsystem, homónimo. Un doble CD que recopilaba los singles publicados por el grupo hasta el momento (con sus correspondientes caras B) y añadía nueve canciones nuevas a la colección. El LP, con referencias y homenajes (la mayoría implícitos) a figuras como los Beatles y Brian Eno, proporcionó al grupo tres portadas de tres de las revistas independientes más importantes de España (Go Mag, Rockdelux y Mondo Sonoro) el mes de su lanzamiento. Este éxito también quedó reflejado en el puesto 35º de los mejores discos del 2005 según la revista Rolling Stone, el 5º según Spin, el 8º según Pitchfork y el 21º según New Musical Express;[2] así como en nuevas invitaciones para tocar en festivales durante ese año, como el español SONAR. El segundo single extraído de su primer álbum, Daft Punk is playing at my house, entró en el Top 40 del Reino Unido en marzo de 2005 y fue incluido en las bandas sonoras de videojuegos como SSX on Tour y FIFA 06. Además, el grupo fue nominado a dos Grammy: al mejor disco electrónico, y a la mejor grabación dance por Daft Punk is playing at my house.

Proyectos paralelos

Durante 2006, LCD Soundsystem se dedicaron casi exclusivamente a la creación de un nuevo disco, encargo de Nike para su serie Original Run: una sesión de 45 minutos pensada para hacer footing titulada 45:33 y puesta a la venta en octubre sólo a través de iTunes. Como anécdota, la sesión no dura 45 minutos y 33 segundos como reza el título, sino 45 minutos y 58 segundos. El año también sirvió para hacer recuento de sus colaboraciones como remezcladores a través de un álbum (The DFA Remixes) dividido en dos partes, la primera lanzada a principios de 2006 y la segunda, a finales. El álbum incluye remixes de grupos como Hot Chip, Goldfrapp, Gorillaz y The Chemical Brothers.

2007: Sound of silver

Entre las actividades de 2007 cabe destacar la publicación de Sound of Silver el 20 de marzo (su segundo álbum, que se filtró en su totalidad a través de Internet en diciembre de 2006), así como una gira por Europa.

Pagina: http://www.lcdsoundsystem.com/

Justice

Justice es un dúo francés de música electrónica compuesto por Gaspard Augé (n. el 21 de mayo de 1979) y Xavier De Rosnay (n. el 2 de julio de 1982). bajo el sello discografico Boombox Records,representado por el integrante principal Jamie Reynolds,de la banda britanica,Klaxons.Son el grupo más exitoso del sello Ed Banger Records, discografica comprada por Boombox Records y son representados por el director de la discográfica, Pedro Winter ("BusyP")y Jamie Reynolds (The Cat). Su marca registrada es una larga cruz luminosa que brilla durante sus shows. Es considerado un grupo controvertido entre los fanáticos de la música dance, conocidos por incorporar un fuerte influencia rock a su música e imagen.

Historia

Justice se hicieron conocidos a través del remix que hicieron en el 2003 de una "pista" del grupo Simian "Never Be Alone", creado para un concurso de remixes de la estación de radio de una universidad parisina. Ese remix hizo que el dúo fuera firmado por Ed Banger (quien lanzó el remix) y se convirtió en un himno de los clubes y en un éxito en Internet. La canción fue re-lanzada en el 2004 en el International DeeJay Gigolo Records de DJ Hell y se le dio eventualmente un lanzamiento comercial en el Reino Unido en el verano de 2006, bajo el título de "We Are Your Friends", en Ten Records, una discográfica derivada de Virgin Records.

Después del lanzamiento original de "We Are Your Friends", Justice trabajó en mezclas para varios grupos franceses (Vicarious Bliss, Scenario Rock) como también para artistas más conocidos como Britney Spears, N*E*R*D, Fatboy Slim y Daft Punk. El primer sencillo de Justice, Waters of Nazareth, fue lanzado en Ed Banger Records en Septiembre de 2005 y fue abanderado por Dj's tales como Erol Alkan, Tiga, 2 Many Dj's e Ivan Smagghe. La pista fue re-lanzada en el 2006 con mezclas adicionales.

El prolífico trabajo de remezclas del dúo continuó, ya que hicieron mezclas para Franz Ferdinand, Mystery Jets, Soulwax y Mr. Oizo.

Justice ganó el premio a Mejor Video en los MTV Europe Music Awards 2006, por Justice vs. Simian "We Are Your Friends". Augé y De Rosnay no estuvieron presentes en la ceremonia y el premio fue aceptado por el director del video Jérémie Rozan y el director de arte So_Me.

So_Me fue interrumpido por el rapero norteamericano Kanye West, quien subió al escenario arguyendo que debía haber sido él el ganador del premio.

El álbum debut de Justice, titulado "†", fue lanzado en Ed Banger Records en Junio 11, 2007 (Junio 10 en EE.UU.). El álbum fue precedido por por el EP de D.A.N.C.E. en Mayo 28, que presentó las pistas de "B.E.A.T." y "Phantom".

Pagina: http://www.justice-legroupe.fr/

Julian Lennon

John Charles Julian Lennon, nació el 8 de abril de 1963, en Liverpool, Inglaterra. Cantante, compositor y músico. Hijo único del matrimonio conformado por el Beatle John Lennon y Cynthia Powell y medio hermano de Sean Lennon. El nombre de Julian viene a ser un homenaje a la madre de John, Julia.

Brian Epstein, mánager de The Beatles y padrino de Julian, sugirió a John ocultar su matrimonio y paternidad por un tiempo para no afectar la popularidad del grupo. Fue así que Julian vivió alejado de los medios y de la publicidad de la Beatlemanía. A raíz de ello, Julian vivió su infancia con un padre ausente, por lo que se muestra frío al referirse a John, a su medio hermano Sean y en especial a Yoko Ono.

Julian inspiró ciertas composiciones musicales de The Beatles, como la conocida canción Lucy in the Sky with Diamonds, a partir de un dibujo que él había hecho; inspiró a Paul McCartney en la canción Hey Jude y John escribió Good Night, cantada por Ringo Starr.

El debut musical de Julian fue a temprana edad, a los 10 años, tocando la batería en la canción Ya-Ya del álbum Walls and Bridges de John Lennon. Su carrera artística se hizo popular con el debut de su disco Valotte y con la canción Too late for Goodbyes en 1984. Luego del gran éxito, hubo tiempos de ventas bajas y Julian recurrió al alcohol y drogas. Mantiene muy buenas relaciones con los ex integrantes de The Beatles, en especial con Paul McCartney, quien para el lanzamiento del disco debut de Julian, le envió un telegrama deseándole suerte. Incluso, Julian ha admitido que prefiere el trabajo musical de Paul McCartney al de su padre.

Su voz, aspecto y estilo musical son muy similares a los de John Lennon, por lo que se especuló alguna vez con el retorno de The Beatles con él como integrante, lo que nunca sucedió.

En su MySpace se pueden escuchar tres nuevas canciones y una versión nueva de la canción Saltwater. Julian lanzó un álbum al año pasado (2007) llamado Conscious ("Consciente").

Julian Lennon es también el productor del documental llamado "WhaleDreamers" que trata acerca de una tribu aborigen de Australia y de su relación especial con las ballenas. Este documental también trata acerca de muchos asuntos del medio ambiente. Esta película ha recibido muchos premios y fue presentada en la Fiesta Cinematográfica de Cannes 2007.

Soledad Pastorutti

Soledad Pastorutti más conocida como La Sole (* Casilda, provincia de Santa Fe (Argentina); 12 de octubre de 1980), es una famosa cantante de expresión folclórica argentina.

Biografía

Soledad Pastorutti es oriunda de Arequito, pequeño pueblo de unos 7.000 habitantes ubicado al sur de la provincia de Santa Fe. Nació el 12 de octubre de 1980 -al igual que muchos arequitenses- en la vecina ciudad de Casilda.

Desde niña, compartió la pasión de su padre por la música folclórica argentina. Ya en su preadolescencia, acompañada por músicos de su pueblo y alrededores, desembarca en distintos escenarios de peñas folclóricas del interior del país.

En el verano de 1995, llega a la ciudad de Cosquín -donde se realiza uno de los más importantes festivales de música folclórica-. La repercusión que tuvo en las peñas que circundan al escenario mayor hizo que la gente pidiera un lugar para ella en el mismo. La noticia corrió y Arequito estuvo expectante ante la inminente presentación de Soledad, aunque, debido a una disposición municipal de esa ciudad -la cual no permitía que menores de edad sean expuestos en televisión pasada la medianoche- su presentación se frustró.

Su actuación del sábado 4 de noviembre de 1995 en la Fiesta Nacional de la Flor (realizada en la ciudad de Escobar, provincia de Buenos Aires) marca el inicio de su carrera como cantante profesional.

En 1996, un año después de la frustrada actuación en Cosquín y con apenas 15 años, Soledad vuelve a esa ciudad y esta vez sí se presenta junto a su hermana Natalia en el Festival de la Canción Cosquín. El éxito de esa actuación, en la cual Soledad se consagró como revelación del festival y recibe el premio “Cosquín de Oro” y que además, fue televisada en vivo para todo el país, marca un antes y un después de Soledad para la música popular argentina. La Argentina folclórica habló durante semanas del “Huracán de Arequito”, tal como fuera bautizada por los medios periodísticos.

Soledad firmó con la discográfica Sony Music, la cual edita su primer álbum oficial, “Poncho al Viento”. Este trabajo que la compañía consideró de venta regular y que no contó en un comienzo con una gran campaña de marketing, marcó un hito en la industria discográfica argentina, al provocar una explosión de ventas que supero la barrera de las 800 mil unidades en muy poco tiempo.

Su vida se convierte en una gran gira por el país, llegando en 1997 a cantar en 181 pueblos y ciudades del la Argentina. Edita su segundo álbum, “La Sole” y los ecos de su voz comenzaron a llegar a Buenos Aires. Sus dos álbumes trepan en las listas de ventas a tal punto que ambos compiten y se alternan en el primer puesto de ventas. Soledad finaliza el año llenando diez veces el teatro Gran Rex, la sala teatral más importante de Buenos Aires.

Ya en 1998 duplica la cantidad de presentaciones en Buenos Aires realizando más de veinte conciertos, nuevamente en el teatro Gran Rex. Se convierte en la representante Argentina seleccionada por Sony Music para componer una canción (“Los sueños de todo el mundo”), e incluirla en el álbum editado a nivel internacional con motivo de la realización del Campeonato mundial de Fútbol. También acompañó oficialmente al Seleccionado Argentino a Francia.

Luego del mundial, recibió en Madrid (España) una distinción de Sony Music Internacional por haber alcanzado 1.000.000 de unidades vendidas con sus dos primeros álbumes. En su regreso al país, Sony Music Argentina la reconoce públicamente como la artista que produjo las mayores ventas en menor tiempo de la historia de la compañía, tomando en cuenta a todos los artistas, de todos los géneros musicales.

Aquellos conciertos en el teatro Gran Rex se convirtieron en su primer álbum en vivo, editándose a finales de año bajo el título de “A mi Gente”. Muchas discotecas y radios FM pasaban canciones de Soledad, produciendo una revolución musical ya que se trataba de un género relegado de esos ámbitos.

Durante los primeros meses de 1999 Soledad se sumerge en la filmación de “La Edad del Sol”, su primer experiencia en el cine. El guión de la película gira en torno a una historia que cuenta como un viaje de egresados, donde uno de los jóvenes es una muy famosa artista (Soledad), se complica de forma sorpresiva. La película fue catalogada por los críticos y expertos en cine como un fracaso total. Sólo tuvo una efímera acojida entre los seguidores de la cantante Soledad.

El productor cubano Emilio Estéfan, viaja a la Argentina para conocer a Soledad y sería luego el productor artístico de su cuarto álbum, “Yo sí Quiero a mi país”, editado durante el mismo año (1999). Este álbum, grabado en Miami, acerca a Soledad a ritmos de distintos lugares de Latinoamérica. En consecuencia, trasciende fronteras, llevando consigo la música popular argentina de gira por Uruguay, Paraguay, Chile, Perú, México, Estados Unidos y España, entre otros países.

El nuevo milenio encuentra a Soledad cantando en numerosos escenarios argentinos y llegando por primera vez, como invitada gracias a su exitoso paso por el Festival Chileno de Olmué, al prestigioso y difícil Festival de Viña del Mar (también en Chile), donde le otorgaron uno de los premios del festival, la "Gaviota de Plata".

A mediados de año vuelve a presentarse en la ciudad de Buenos Aires, tras casi dos años de ausencia, y colma en tres oportunidades la capacidad del Estadio Luna Park.

En el mes de agosto actuó durante cuatro noches en el Festival Folclórico de Martigues (Francia), donde fue declarada revelación. Las críticas de los diarios franceses hablaron de la posible llegada del “Fenómeno Soledad” a Europa, cosa que nunca sucedió ni sucederá.

A su regreso de Francia, se embarca en la grabación de su quinto álbum, “Soledad”, que salió a la venta a mediados del mes de octubre de 2000. Entre el final de la grabación y la publicación del álbum, Soledad se presentó en el “Barbican Center” de Londres ante 1800 espectadores en el marco del Festival de Cine y Música Argentina de la capital inglesa.

En el 2001 Soledad convoca Alejandro Lerner como productor artístico de “Libre”, el álbum discográfico editado ese año. “Libre” llegó a los principales medios radiales de la mano de “Tren del Cielo”, cuyo video clip fue uno de los más rotados en la televisión argentina. La presentación de la obra se realiza en el teatro Gran Rex, de la ciudad de Buenos Aires.

La primera etapa de "Libre" fue coronada con una nueva invitación al Festival Internacional de Viña del Mar a principios de 2002, donde su actuación fue reconocida como una de las más importantes esa noche, recibiendo la codiciada “Antorcha de Plata”. Soledad realiza shows en Argentina, Bolivia, Brasil, Canadá, Chile, Costa Rica, Perú y Uruguay.

En Octubre de 2002 Sony Music decide relanzar “Libre” con nuevo arte y un bonus track.

Soledad decide finalizar el año homenajeando a Horacio Guarany, uno de loa cantautores más influyentes en sus inicios y uno de los referentes de la música popular argentina. Realizan juntos un único show en el estadio Luna Park de Buenos Aires, recorriendo las canciones cumbres de sus repertorios. Este suceso musical argentino, se convierte en el álbum en vivo “Sole y Horacio juntos por única vez”.

En abril de 2003, Soledad participa del Festival Argentino en Miami (Estados Unidos) y también realiza shows en Los Ángeles y West Palm Beach.

Debuta como actriz de televisión en la tira diaria “Rincón de Luz”. Trabajar en esta tira la ayuda a Soledad a trascender fronteras, volviéndose minimamente conocida en Israel, no por su música sino por su "actuación" en Rincón de Luz. A pesar tiempo que le insumieron las grabaciones de la tira televisiva, continúa realizando shows en Argentina, Chile y Uruguay. Esto le dio a la cantante cierto reconocimiento internacional, pero no llego a superar las espectativas, pues no logró la internacionalización esperada como la que obtuvieron Romina Yan y Grecia Colmenares, anteriores protagonistas de la tira Chiquititas.

Junto a Pablo Santos (bajista y director musical de su banda), produce artísticamente “Adonde Vayas”, álbum que cuenta con 7 canciones de su autoría.

En enero de 2004 la actuación de Soledad en el festival de la ciudad cordobesa de Jesús María fue record de público. “Rincón de Luz”, la tira televisiva grabada y emitida en la Argentina durante el 2003 llega a distintos países e incluso, en Abril, llegó a ser presentada como show musical en 7 oportunidades en el Estadio “Nokia” (con capacidad de 10.000 personas) de Tel-Aviv (Israel).

Luego de la gira con el elenco de “Rincón de Luz”, Soledad presenta “Adonde vayas” con 3 conciertos en el estadio Luna Park de Buenos Aires. La respuesta del público obligó a presentar el álbum con la misma puesta en escena en las ciudades de Rosario (Santa Fe), Córdoba y Santiago (Chile).

En Chile participó del Festival de Punta Arenas, donde fue galardonada con los premios “Ñandú” (otorgado por artistas) y “Ovejero” (otorgado por el público).

Al igual que a comienzos de 2004, Soledad vuelve a obtener un récord de público con su recital en la “Exposición Rural de Palermo” (la exposición rural más importante de Argentina, la que se realiza todos los años en la capital del país). El día de su presentación se contabilizaron 153.600 personas en el predio.

Participa como actriz en los programas de mayor audiencia de la televisión argentina por ese entonces, “Los Roldán” y “Pensionados” y además, condujo “El Llamado Final”, reality show emitido por Canal 13.

El grupo mexicano “Elefante”, autores e intérpretes originales de la canción “Adonde Vayas”, convocó a Soledad para cantar en “Píntame de Azul”, canción incluida en el álbum lanzado en Octubre de 2004 en México.

Pagina: http://www.lasole.com/

Secret Garden

Secret Garden es un grupo de música irlandés-noruego. Se caracteriza por hacer música instrumental, o como algunos le han llamado neo-clásica, con sonidos new age.

Está formado por la violinista Fionnuala Sherry y el compositor Rolf Løvland, nominado a un Grammy en 2004 por una composición para Josh Groban. En 1995 ganaron el Festival de Eurovisión por Noruega con el tema Nocturne. Ha sido la primera y la última vez que una pieza principalmente instrumental ha ganado el Festival de Eurovisión. "Nocturne" incluía una parte cantada en noruego (interpretada en el festival por la cantante Gunnhild Tvinnereim), para asegurar la adecuación de la canción a las normas. Además Rolf Løvland también fue coautor de la canción "La det swinge" que hizo conseguir la victoria de Noruega en el Festival de Eurovisión de 1985

Ser los ganadores en Eurovisión, ayudó al éxito de su primer álbum, Songs from a Secret Garden. Vendió un millón de copias en todo el mundo, fue disco de platino en Noruega, doble platino en Hong Kong y Corea, oro en Irlanda y Nueva Zelanda y permaneció 101 semanas en el Billboard New Age Charts de Estados Unidos. Desde entonces tiene nueve álbumes en el mercado y han actuado por todo el globo. Han estado dos veces nominados para los World Music Awards de Mónaco. Han actuado en los Premios Nobel de la Paz y han vendido más de 4 millones de discos, medio millón en China.

Pagina: http://www.secretgarden.no/

Robert Palmer

Robert Allen Palmer (19 de enero de 1949 – 26 de septiembre de 2003), nacido en Batley, Yorkshire, fue un cantante inglés. Era conocido por su presentación en ropa formal y elegante, su emotiva voz y la mezcla equilibrada de estilos musicales en sus albums, combinando soul, jazz, rock and roll, reggae, blues, e incluso canto tirolés. Además son famosos sus video clips con su banda coreografica de bellas mujeres-maniquíes.

1964-1973: Primeras bandas

Hijo de un militar británico destinado en Malta, Palmer se fue con su familia a Scarborough, Yorkshire en 1959. Influenciado desde niño por el blues, el soul y el jazz, Robert Palmer juntó su primera banda, The Mandrakes, a la edad de 15 años cuando aún estaba en el instituto de chicos de Scarborough. Su primera y principal ruptura vino con la salida del cantante Jess Roden de la banda The Alan Bown Set en 1969, después de que invitaran a Palmer a Londres para que cantara su single "Gypsy Girl". Las voces del álbum The Alan Bown!, originalmente grabadas por Roden, fueron re-grabadas por Palmer tras el éxito del single.

En 1970, Palmer juntó Dada, banda de 12-piece jazz-rock fusion, con el destacado cantante Elkie Brooks. La banda duró un año, después Brooks y Palmer formarían el críticamente alabado pero comercialmente fracasado grupo de rythm and blues Vinegar Joe, en el que Palmer cantaba y tocaba la guitarra rítmica. Lanzaron tres albums grabados por la compañía Island Records: Vinegar Joe (1972), Rock 'n' Roll Gypsies (1972), y Six Star General (1973).

1974-1984: Temprana carrera en solitario

Basándose en su look joven, su fuerte presencia y su emotiva voz, Island Records, firmó con Palmer un contrato en solitario. Su primer álbum Sneakin' Sally Through the Alley grabado en Nueva Orleans, Luisiana en 1974, estaba fuertemente influido por la música de Little Feat y la fusión funk de The Meters, quienes acturaron como banda de apoyo con el productor/guitarrista Lowell George, de Little Feat. Su primer single era una versión del tema "Sailin' Shoes" de Little Feat. Aunque con éxito moderado en el Reino Unido, tanto el álbum como el single alcanzaron el Top 100 en Estados Unidos.

Posteriormente se traslada con su mujer de Londres a Nueva York, y lanza el álbum Pressure Drop en 1975 (con el famoso bajista de Motown Records James Jamerson). Éste es un álbum influido por su interés en el reggae y la música rock. Giró con Little Feat en la promoción de este álbum.

Sin embargo, con el fracaso del siguiente álbum Some People Can Do What They Like, Palmer decidió mudarse a Las Bahamas; tras esto, su "estilo de vida emigrante" recibía más atención por parte de los diarios británicos que su propia música.

En 1978, lanzó Double Fun, una colección de rock caribeño influenciado, incluyendo una versión sincopada de "You Really Got Me". El álbum alcanzó el Top 50 en la revista estadounidense Billboard magazine y llegó al Top 20 de los singles con "Every Kinda People" de Andy Fraser. Con su mezcla de instrumentos caribeños, violines y buena letra, "Every Kinda People" se convirtió en una de las más queridas canciones de Palmer, versionada múltiples veces por otros artistas (incluyendo Chaka Demus y Pliers, Randy Crawford y Amy Grant) y citada por fans de la música y grupos esperituales por su mensaje positivo.

El siguiente álbum de Palmer fue una novedad artística, concentrándose en una dirección más rockera. Secrets, de 1979, produjo su segundo Top 20 de singles con "Bad Case of Loving You (Doctor, Doctor)", de Moon Martin, que junto con el single "Every Kinda People" formó una de sus canciones más reconocidas.

En los años 1980 Palmer experimentó un aumento de su éxito comercial. El álbum Clues, producido por Palmer junto con Chris Franz y Gary Numan, generó hits en ambos lados del Atlántico, primero con el single "Johnny and Mary" y después con "Looking for Clues". Los pegadizos videos musicales que mezclaban los estilos synth pop y new wave le permitieron llegar a una audiencia más joven. Este éxito fue repetido en 1982 con el lanzamiento de Some Guys Have All the Luck.

En 1983 Palmer experimenta con percusión techno, sampling y más instrumentos de la música de las islas que descubrió en Bahamas (incluyendo caribeños) en su atrevido álbum Pride.

"You Are In My System" era un ejemplo de la pasión de Palmer por las versiones de Rhythm and Blues. El introdujo la canción en el álbum Pride una vez que el resto de canciones ya estaban acabadas. Escuchando la canción en un club de Paris, Palmer se apresuró en volver a su hogar en Las Bahamas, donde la banda reconvocada (incluido Frank, el co-compositor) tocó junta el tema.

1985-1995: Power Station

1985 fue un año fundamental para Palmer. Tras el parón de Duran Duran, su guitarrista Andy Taylor y su bajista John Taylor se juntaron con el batería Tony Thompson y Palmer para formar la banda Power Station. Su álbum homónimo, grabado en su mayor parte en el estudio de Nueva York (Avatar Studios) por el cual la banda fue nombrada, alcanzó el Top 20 en el Reino Unido y en Estados Unidos, y supuso dos hit con los singles "Some Like It Hot" y una versión de la canción "Get It On" de la banda T. Rex.

En 1985 Palmer también grabó el álbum Riptide, con Thompson y Andy Taylor tocando algunas canciones y el productor de Power Station Bernard Edwars, quien trabajó con Thompson en la banda CHIC, para agarrar las riendas de la banda.

Riptide produjo un número 1 con el single "Addicted to Love", que estaba acompañado por un memorable y muy pariodado vídeo musical, dirigido por Terence Donovan, en el que Palmer es rodeado por una bandada de "mujeres músico". Los singles "Hyperactive" y su versión de la canción de Cherrelle "I Didn't Mean to Turn You On" también se realizaron bien. Otra canción, "Trick Bag", fue escrita por una de sus mayores influencias, el artista de jazz de Nueva Orleadns Earl King. En 1987, ganó el premio Grammy al mejor cantante masculino de rock por su canción "Addicted to Love".

En 1987, Palmer se trasladó a Lugano, Suiza y montó su propio estudio de grabación. Produciendo Heavy Nova en 1989, Palmer de nuevo volvió a la experimentación, esta vez con ritmos de bossa nova, rock duro y baladas de soul blanco. Repitió lo que anteriormente pasó con "Addicted to Love" en el vídeo de "Simply Irresistible", de nuevo Palmer con una trupe de "mujeres músico". La balada "She Makes My Day" también resultó ser un éxito. En 1989, ganó su segundo premio Grammy al mejor cantante de rock masculino por "Simply Irresistible", que sería posteriormente incluida en el musical de Tony-winning "Contact". La revista Rolling Stone votó a Palmer como la estrella de rock mejor vestida de 1990

Palmer colaboró con UB40 en su siguiente álbum Don't Explain. Lanzado en 1990, presentó el éxito de Bob Dylan "I'll Be Your Baby Tonight" y la versión de Marvin Gaye "Mercy Mercy Me". A lo largo de los 90 Palmer se aventuró más en diverso material, como el álbum de 1992 Ridin'High, un tributo a la era de Tin Pan Alley

En 1994, Palmer lanza el álbum tropical Honey, que aunque no consigue gran difusión en Estados Unidos, obtiene éxito en el Reino Unido con los singles "Girl U Want", "Know By Now" y "You Blow Me Away".

En 1995, Palmer se reúne con otros miembros de The Power Station para grabar un segundo álbum. El Bajista John Taylor eventualmente salía del proyecto debido a problemas personales, y era reemplazado por Bernard Edwards. Palmer y el resto de la banda completaron el álbum Living In Fear (Lanzado en 1996), y justo habían empezado a girar cuando Edwards murió de una neumonía.

1996-2003: Último trabajo en solitario y blues

Los siguientes años Palmer hizo más giras y más trabajos; el siguiente lanzamiento de nuevo material fue Rhythm and Blues (1999), que contenía una mezcla de canciones influyentes de Little Fear, rock y pop. Palmer lanzó un single de éste álbum llamado True Love que resultó tener poca importancia en el Reino Unido.

Su último lanzamiento, Drive (2003), fue señalado como el álbum más sentido de su carrera. Inspirado por una colaboración previa con Carl Carton en un disco tributo a Robert Johnson, en Drive hace versiones de quince estandars de blues, más la canción original "Lucky". A su vez hizo giras a pequeña escala, la mayoría alrededor del circuito de casinos.

Muerte

Palmer, quien tenía su hogar establecido en Lugano, Suiza en los últimos 15 años, murió en París en el año 2003 a causa de un ataque al corazón a la edad de 54 años. Fue enterrado en el cementerio de Lugano

Pagina: http://www.robertpalmer.com/

Joe Vasconcellos

La ruta de vida de Joe Vasconcellos se asemeja a la bitácora de un marino que recorre puertos, ciudades y vive en permanente movimiento. Nacido en Chile, hijo de madre chilena y padre brasileño, Joe Vasconcellos partió de niño a Brasil, país donde transcurrió su infancia, para luego desplazarse a tierras tan dispares como Ecuador, Japón e Italia. Fueron las labores diplomáticas de su padre las que motivaron estos viajes, e Italia, el lugar donde siendo adolescente, Joe Vasconcellos se acercó a la música. Ingresó primero al Conservatorio Nicolo Paganini y colaboró luego, con distintos artistas. Previamente asumió otras labores. “Dentro de las cosas que hice en Génova, fui DJ: hice programas de música brasileña y trabajé en discotecas. Además toqué en transatlánticos, hice dos cruceros increíbles. También toqué guitarra en un grupo al que le pusimos Génova Río. Tocábamos en un teatro-cabaret muy frecuentado, un lugar donde Iban desde estibadores hasta gente famosa. Ese fue mi primer trabajo como músico”.

De su incial interés por la trompeta, hacia el Oboe, del Oboe a la guitarra y de las cuerdas a la percusión, Joe Vasconcellos descubrió en los tambores su pasión: se acercó entonces al fascinante universo de “los cueros”. Tal interés lo llevó a descubrir músicos cubanos, suceso que despertó en el la necesidad de regresar al continente para estudiar y conocer a fondo el área donde anhelaba especializarse.
De regreso en Chile, un por entonces veinteañero Vasconcellos, pronto fue invitado a sumarse a Congreso, seminal grupo chileno de jazz-rock, cuya carrera se encontraba en suspenso y que reapareció con él como cantante y percusionista.

Dos discos grabó Vasconcellos junto a Congreso: “Ha llegado carta” y “Viaje por la Cresta del mundo”, elepé este último al cual aportó “Hijo del sol luminoso”, pieza clave del repertorio de la banda y que alude al encuentro con el ancestro y la raíz del Ser Americano. Un tema que ha trascendido como un clásico de la música popular chilena y que refleja lo que el conjunto entregaba a su público en dicha época. En pleno régimen militar, Congreso brindaba poesía y esperanza, un respiro y una mirada optimista en cuanto al Chile que vendría. “Congreso significaba lucha, resistir en un lugar, resistencia cultural. Éramos los reyes de la metáfora, para sobrevivir, pero la gente que entendía nuestro mensaje, lo entendía muy bien. Era un grupo de una calidad altísima y me siento orgulloso de haber sido integrante”.
Después de esa enriquecedora experiencia, Vasconcellos toma una decisión: dejar la banda y viajar con el objetivo de medirse y perfeccionarse. “Dejé Congreso en un momento en que se me ofreció irme con mis tambores a Brasil y me pareció que no podía dejar pasar la oportunidad. Quería ir a probarme, saber cuánto medía en el universo de los grandes percusionistas”.

El viaje resultó fructífero. En Brasil profundizó sus estudios de percusión y tocó con importantes artistas, entre ellos, Maria Creuza. Sin embargo su mirada siguió siempre atenta a Chile. “Como músico de María Creuza tuve la oportunidad de viajar a Chile varias veces y me di cuenta que había una efervescencia tremenda en 1989. Llegaba la alegría y aunque tenía contactos en Estados Unidos y España, mi corazón me decía que tenía que venirme acá”
A principios de los 90 y antes de regresar, compuso y grabó “Esto es solo una canción”, un álbum registrado en Brasil, pero cuyas piezas evocan añoranza hacia Chile.

El debut fue bien comentado. Vasconcellos decidió entonces establecerse definitivamente en Chile, país que se encontraba retomando su democracia y en 1992 lanza “Verde Cerca”, para muchos, su mejor álbum. Y es que este es el disco que definió su estilo musical. El CD abrió un espectro para fusiones poco experimentadas y que fueron muy bien recibidas por un Chile sediento de baile y movimiento de caderas. Cumbia y Samba- Reggae, afro-rock, raíces, modernidad y urbanidad, el álbum presentó el beat latino que hacía falta.

“Toque” (1995) fue su sucesor, con una gran producción a cargo del argentino Guido Nisenson. El ritmo brasilero, el pop latino y el blues a la chilena de Vasconcellos se apoderaron del dial y llevan al músico por todo Chile.

“Transformación” (1997) siguió el camino de la exploración por los ritmos del continente y las temáticas ecologistas y contingentes, pero incluyó además nuevos elementos, experimentos electrónicos e interesantes colaboraciones y donde participó el poeta mapuche Leonel Lienlaf, quién recitó en mapudungún – lengua originaria de esta etnia chilena – en el tema que dio nombre al disco.

Para entonces Vasconcellos suena en radios y recorre el país. De esta forma se concibió “Vivo” ( 1999), un CD que registró fielmente la comunión entre el artista y su público y resumió las canciones más importantes de su carrera. Este trabajo llevó a Joe Vasconcellos al Festival de Viña del Mar (2000) donde su presentación marcó un hito, por la recepción eufórica del público.
Y llegó la necesidad de realizar una pausa en su carrera que le permitió recobrar cierta tranquilidad y acercarse al cine. De esta forma compone y aporta canciones para las películas chilenas “Taxi para Tres” y “Ogú y Mampato Rapa Nui”, y posteriormente, “Cachimba”.

En el 2003 editó “En Paz”, donde el músico se dio el lujo de convocar a importantes artistas chilenos e internacionales, entre ellos Lunwisga Plaatjies, la sudafricana cantante de Amampondo, cuya participación fue definida por el músico como “una bendición”. Dicho intercambio inauguró una serie de otras colaboraciones y trabajos orientados a la proyección internacional de su trabajo.

Durante ese periodo, se edita en Perú su primer Grandes Éxitos “Dejando Huellas” (2004), trabajo que lo lleva a tocar en el país vecino, graba junto al dominicano Chichi Peralta y realiza sus primeras incursiones en Estados Unidos, donde realiza giras en festivales de World Music, circuito internacional que lo recibe con los brazos abiertos.

El 2005 edita “Banzai” su primer disco independiente, CD para el cual retoma el trabajo con el productor Guido Nisenson y convoca a una banda de lujo. Comprometido con la fundación Oceana e incorporando temáticas referidas a la preservación de los mares y océanos del mundo, el disco lo lleva nuevamente a Estados Unidos, así como también a Suecia y España, país este último donde – mediante un convenio establecido entre la Sociedad Chilena del Derecho de Autor y la SGAE – “Banzai” es editado y el artista realiza un trabajo de promoción orientado a reforzar su presencia en dicho mercado.

Actualmente se prepara para editar un nuevo disco que será lanzado simultáneamente en Chile y España. El noveno disco en su carrera: “Un día nueve, número que para mí tiene muchos significados, nació mi noveno trabajo, “DESTINO”. La reciente pérdida de mi viejo me hizo analizar mi vida de un modo retrospectivo. Chile, mi familia, las “cirandas” de San Juan en Brasil, mi infancia marcada por una realidad latinoamericana, mi mamá enamorada de la cultura española y mis posteriores viajes por el mundo, conforman todo ello un DESTINO, esa cosa mágica que no se puede explicar. Este disco lo considero libre, ecléctico y nada liviano, forma un universo común, pues parte de la cumbia sin ser un disco de cumbias y sabe a flamenco sin ser un disco flamenco. Procuro letras con sentimiento, de doble lectura, todo un legado en sus canciones. Libertad como modo de expresión, grito ante hechos trágicos, ante la hipocresía y el día a día. Posee, al mismo tiempo, el espíritu de hacerlo con alegría, no importa lo que estés diciendo, estás disfrutando de la poesía, la música y la vida”.
Y es que ese es Joe Vasconcellos: un artista con 35 años de carrera, maduro y a la vez, plenamente actual; un músico que sabe combinar como pocos, su amplia experiencia con una energía inagotable. Esa capacidad para fundir raíces y modernidad, lo conecta directamente con el presente, y hace que sus canciones suenen sabrosas y vitales, orgánicas y urgentes. La necesidad de trasmitir su verdad artística y compartir su mensaje humanista y ecologista, lo llevan a buscar continuamente nuevas formas de trabajar y relacionarse con distintos actores que le permiten llevar ese latido esencial a los distintos rincones de Chile y el mundo, donde pueda encontrarse con devotos del tambor y de estas músicas. Crear, renovarse, generar instancias de encuentro, son sus actuales motivaciones, las aspiraciones que lo mantienen vigente y vivo: su más importante desafío.

Pagina: http://www.joevasconcellos.com/

Joe Satriani

Joe "Satch" Satriani es un guitarrista instrumental de rock. Ha recibido 13 nominaciones a los Premios Grammy y ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo.

Satriani está considerado por muchos expertos como uno de los guitarristas más técnicos del rock. Según éstos ha conseguido dominar casi todas las técnicas de ejecución de su instrumento, incluyendo tapping a dos manos, sweep picking, volume swells, tap harmonics, etc. Además es reconocido como un gran profesor de guitarra, entre cuyos alumnos se incluyen Steve Vai, Riff Raff (Halcon), David Bryson (Counting Crows), Kirk Hammett (Metallica), Larry LaLonde (Primus, ex-Possessed), Charlie Hunter, Kevin Cadogen (Third Eye Blind), Alex Scolnick (Testament), el ex-Megadeth, Marty Friedman y Reb Beach (Winger) entre otros.

Historia

Joe Satriani nació el 15 de julio de 1956 en Westbury, New York. Se decidió por la guitarra tras escuchar a Jimi Hendrix. Durante los '70 Satriani se mudó a Berkeley, California persiguiendo una carrera como músico. Fue inspirado por músicos como Allan Holdsworth y Lennie Tristano. Cuando su amigo y antiguo alumno Steve Vai alcanzó la fama tocando con David Lee Roth en 1986, Vai alabó a Satriani en multitud de entrevistas a revistas de guitarra.

Su segundo álbum editado en 1987 y llamado "Surfing with the alien" se considera como el mejor álbum de guitarra instrumental del rock, conteniendo temas como "Always with me, always with you" o "Midnight", según los lectores de la edición española de la revista "Guitarra Total".

En 1989, la canción de Satriani "One Big Rush" (originalmente lanzada como "Flying in a Blue Dream") fue incluida en la banda sonora de Say Anything. En 1994, Satriani ingresa en Deep Purple sustituyendo a Ritchie Blackmore durante la gira de la banda.

En 1996, Satriani forma el G3, una gira de conciertos de tres guitarristas instrumentales de rock -- originalmente Satriani, Steve Vai, y Eric Johnson.

Satriani es criticado habitualmente por la "esterilidad" de su música. Al momento de crear es muy variado y utiliza todo lo que sabe con tal de expresar lo que quiere. Este adjetivo es causado por su música sencilla, donde muchos encuentran clichés en exceso y pocos cambios armónicos. La aparente perfección de su técnica como guitarrista hace que a veces sea descrita como robótica. Por otro lado sus defensores argumentan el hecho de que muy pocos guitarristas pueden alcanzar esta técnica y profundizar con éxito en los más simples estilos como el blues y el rock and roll. En comparación con otros virtuosos contemporáneos, como Yngwie Malmsteen, Paul Gilbert o John Petrucci, Satriani es más lírico.

Satriani ha creado la serie de guitarras Ibanez JS, el amplificador Peavey JSX y el pedal de distorsión SATCHURATOR de la linea Vox.

Pagina: http://www.satriani.com/

P.O.D.

Payable On Death o mejor conocido con sus iniciales P.O.D. es un grupo estadounidense de rapcore/nu metal cuyo nombre significa Pagable al morir (basado en las creencias cristianas del grupo).

Historia

Directamente desde San Diego, California, P.O.D. trajo una fresca mezcla de rock duro, rap, ritmo latino y reggae, y sus creencias a la escena del rock después de formarse en 1991.

El guitarrista Marcos Curiel y el baterista Noah "Wuv" Bernardo formaron la banda, reclutando al primo rapero de Wuv, Sonny Sandoval. El año siguiente la adición de Traa Daniels de Cleveland, Ohio hizo que la banda estuviese completa.

Después de tener todo listo, empezaron a tocar en cualquier parte que los contratara de los cafés a los auditorios. Inicialmente P.O.D. fue estrictamente una sensación subterránea, vendiendo tres EPs caseros en su propio sello, distribuidos por Tooth and Nail y Rescue Records -- Snuff the Punk, Brown y Live, ahora propiedad de flyingleaprecords.net.

Para 1998, con la banda vendiendo más de 40.000 copias de sus lanzamientos hechos por ellos mismos, los sellos importantes empezaron a tomarlos en cuenta y Atlantic finalmente contrató a la banda.

Después de un lanzamiento independiente final, The Warriors EP en 1998, P.O.D. dio el salto a las ligas mayores con The Fundamental Elements Of Southtown, un título de homenaje a sus compañeros de San Diego. El álbum, producido por Howard Benson, creó verdadero revuelo con lo que P.O.D. logró varios premios en los Premios Musicales de San Diego 1999.

El resto del mundo también estaba sintiéndolo. El álbum llegó a ser platino con ventas de 1 millón de copias y la banda logró un espacio en la muy influyente gira OzzFest. También ganó exposición en cines, con "School Of Hard Knocks" incluida en la banda sonora Little Nicky de Adam Sandler.

Todos eso, sin embargo, era sólo un comienzo de las cosas por venir. Su segundo álbum en un sello grande, Satellite lanzado el fatídico 11 de septiembre de 2001, puso a la banda en órbita estelar gracias al himno rockero "Alive." La canción logró volverse un impacto Top 10 en las estaciones de radio de la corriente principal y de Rock moderno.

Una pista siguiente, "Boom" no funcionó tan bien, pero "Youth Of the Nation" marcó el segundo impacto Top 10 Rock en la corriente principal de la banda, y la letra de la canción incluso ingresó al Salón de la Fama del Rock 'n' Roll.

Extrañamente, hubo poca celebración en el campamento de P.O.D. Luego de un tiempo de vacaciones en febrero de 2003 la banda anunció que Marcos se había separado amistosamente de la banda para seguir su propia visión musical.

Con Satellite alcanzando ventas de más de 6 millones de copias, la banda reclutó al nuevo guitarrista Jason Truby como reemplazo y grabó una pista para la banda sonora The Matrix Reloaded, "Sleeping Awake."

La banda resurgió con un nuevo álbum, Payable On Death a finales de 2003 y tempranamente cosechó éxitos como ser certificado Oro por la RIAA a sólo 4 semanas de salir a la venta y obtener el #1 en TRL de MTV con el vídeo para "Will You" en su semana de estreno. Luego con la siguiente pista "Change The World" salió un vídeo grabado en diferentes lugares mostrando unión entre diferentes culturas del mundo, excepto porque el sello nunca lo envió a MTV y no hizo mucho por este disco por renovación dentro de la empresa con todo esto Payable On Death solo logro vender 1.000.000 copias.

El 15 de noviembre del 2005 los rockeros sacaron su segundo "Warriors EP" un mini disco con 7 canciones entre ellas demos y canciones nuevas. En 11 de noviembre se embarcaron en La gira nacional “Fall Brawl”, que también incluye a Taproot obtiendo regulares resultados de el público.

El 24 de enero de 2006 se lanzaron 2 versiones del disco "Testify"¨este disco habla acerca de su fe Cristiana tras su conversión, una ilimitada y una limitada, con canciones inéditas y con bonustrack donde se incluían vídeos y otras cosas. El vídeo del primer single, "Goodbye For Now", alcanzó el puesto número #1 en TRL de MTV obteniendo así un nuevo record con #4TRL en MTV. P.O.D. hizo presentaciones en shows como Wrestlemania 22 de la WWE, en donde cantaron una canción de presentación al luchador Rey Mysterio. En abril comenzaron una nueva gira llamada: The Warriors Tour 2 que cuenta con bandas Pillar, The Chariot, Maylene y The Sons Of Disaster.

El 21 de noviembre de 2006 lanzaron el disco de recopilación de todos sus años en el sello Atlantic Records, llamado "Greatest Hit: The Atlantic Years". Donde, además de poner temas ya concidos, sacan un nuevo tema llamado "Going In Blind".

El 20 de diciembre anunciaron el regreso de Marcos Curiel al grupo que fue anunciado por su sitio. Jason Truby se despidió del grupo para buscar a su familia. Se ha hablado de un nuevo y muy esperado lanzamiento en el 2007 de su nuevo álbum, sin embargo saldrá a la venta hasta el 8 de abril del 2008 con el título "When Angels and Serpents dance".

Pagina: http://www.payableondeath.com/

The B-52's

The B-52's son una banda de New Wave y Rock formada en la ciudad de Athens, Georgia, un importante centro de rock alternativo. El nombre de la banda viene del avión Boeing B-52, bombarderos usados por la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, pero también se refiere al peinado apodado B-52 por su semejanza con la nariz del avión, aunque otra teoría refiere a que el origen del nombre de la banda no esta relacionada con el famoso bombardero americano, sino con un sueño que tuvo Ricky Wilson donde figuraba una banda con el nombre B-52's. Durante los primeros años de la banda, las cantantes Cindy Wilson y Kate Pierson solían llevar estos peinados.

Historia

Wilson y Pierson formaron la banda con el baterista Keith Strickland, el guitarrista Ricky Wilson (hermano mayor de Cindy) y el vocalista Fred Schnaider, luego de una noche en un restaurante chino, y tocaron por primera vez en 1977, en una fiesta del día de San Valentín, para algunos amigos. La música de B-52's está marcada por las voces de Wilson y Pierson, y el tono generalmente monótono (o directamente hablado) de la voz de Schneider. El sonido "new wave" de la banda era una combinación de dance y música de surf, junto con los extraños sonidos de guitarra de Ricky Wilson. También eran distinguibles por su vestuario. Durante el tour "Mesopotamia", las famosas pelucas de la banda fueron encomendadas al cuidado de Jackie Slayton, artista de Athens y amiga de la banda.

Su primer single, "Rock Lobster", grabado en 1978 por DB Records, fue un éxito underground, que llevó a los B-52's a tocar en lugares com CBGB en Nueva York. El lado B de este single era "52 Girls". Se lanzaron dos versiones de este single en el Reino Unido, que tenían como lado B "Running Around". Su primer álbum, "The B-52's", incluía versiones regrabadas de "Rock Lobster" y "52 Girls", junto con seis temas originales y una nueva versión del clásico de Petula Clark "Downtown". El álbum tuvo un éxito inesperado, especialmente en Australia, donde llegó a ser disco de platino. "Rock Lobster" le dio a la banda su primer entrada en el listado Billboard Hot 100. Su siguiente álbum, "Wild Planet", alcanzó el Top 20 en el Billboard 200 en 1980, y obtuvo el disco de oro. "Private Idaho" fue su segunda entrada en el ranking Hot 100; en esta época, los B-52's tocaron en Saturday Night Live y también se presentaron el festival Heatwave en agosto de 1980. "Party Mix!" fue su álbum siguiente, un álbum con remixes que incluía temas de sus dos primeros discos y los presentaba en forma extendida.

A pesar de que las sesiones de grabación con David Byrne (de Talking Heads) fallaron, las grabaciones fueron lanzadas como el disco "Mesopotamia" ("Party Mix!" y "Mesopotamia" luego serían unidos y lanzados juntos en un solo CD). El álbum "Whammy!" en 1983 llevó a la banda hacia música más electrónica y hacia la experimentación con caja de ritmos. Así, "Legal Tender" se convirtió en su tercera entrada a los rakings. Luego de las primeras ediciones de "Whammy!", problemas legales con Yoko Ono sobre copyright, llevaron a reemplazar la canción "Don´t worry" en las nuevas ediciones con "Moon 83", una variación de su tema "There's a Moon in the Sky (Called the Moon)" de su primer álbum. Ricky Wilson, guitarrista de la banda, falleció de SIDA en 1985.

Uno de los puntos más altos de la carrera de la banda, fue su participación en el "Rock-in-Rio" festival de 1985, en Rio de Janeiro, Brasil. En 1989, lanzaron el álbum "Cosmic Thing" (ultimo disco con la participación de Rick Wilson) donde entre otros se destaca el super conocido tema "Love Shack" posicionando la banda nuevamente en el puesto nº 1 de los USA y tornandose un éxito mundial.

En los años '90 fueron elegidos para elaborar la banda sonora de la película Los Picapiedra (1994), con su tema principal Meet the Flinstones (en el videoclip se lee Meat the Flintstones). Aparecen en el largometraje con sus respectivos atuendos prehistóricos, cantando el tema The Bedrock Twitch.

Últimamente la banda esta enfocada en muchas labores de apoyo a ONG's asociadas a los temas de salud y preservación ambiental.

El 25 de marzo de 2008 fue lanzado el más reciente trabajo discográfico de la banda bajo el nombre de "Funplex", este es el primer álbum de estudio de "The B-52's" después de 16 años.

Pagina: http://www.theb52s.com/

James Blunt

James Blunt, nacido como James Hillier Blount el 22 de febrero de 1974 (34 años), es un músico británico cuyo álbum, "Back to Bedlam", y más concretamente el primer sencillo del mismo, "You're Beautiful", le dieron fama en 2005. Su estilo es una mezcla de jazz y soul del norte.

Recientemente una famosa radio británica "vetó" el tema de You´re Beautiful por "hartazgo de la audiencia". Seguramente debido, entre otras cosas, a la incomprensión del sentido dual de la letra. La canción trata supuestamente el tema del amor a primera vista. Pero en el fondo toca otro tema diferente, de ahí el video y el intento de huir de la vida.

Con tan sólo 2 discos en el mercado (2004 y 2007) ha conseguido vender más de 17 millones de copias en sólo 3 años.

Carrera musical

Con el primer debut de James Blunt en el Reino Unido, "You're Beautiful" publicado en mayo de 2005, obtuvo éxito a nivel mundial, siendo número uno en Gran Bretaña varias semanas, por encima de Coldplay, y en multitud de países como: España, Alemania, Italia, Estados Unidos y Argentina.

Su segundo sencillo "High" fue elegido para un anuncio publicitario de Vodafone en Italia, lo que le catapultó a la fama, alcanzando con dicha canción el Top 10. Asímismo, fue elegida para el anuncio de las noticias de Antena 3. Su tercer sencillo, "Wisemen", se quedó en el puesto 44º.

Con su cuarto sencillo "Goodbye my lover" continúa sacando partido a canciones melancólicas con letras tristes y cautivadoras.

En el 2006 sacó su nuevo álbum "Chasing Time: the Bedlam Sessions"; el cual es un cd+dvd. Este incluye grandes de sus temas como "You're beautiful", "High", "Tears and Rain" o "Goodbye my lover", que también figuran en su primer CD. Además en el dvd (en vivo desde los estudios de la BBC) y también en el cd aparece una nueva canción: "Where is my mind", que es un cover de Pixies. Por otra parte en el cd aparecen canciones como "Sugar Coated", "Where is my mind" (ya mencionada), y "Fall at your Feet"; algunas de las cuales figuraban en sus singles.

Existen canciones que no son de James, pero si cantadas por él, y otras que no están en ningunos de sus cds (inéditas), o que están en alguno de sus singles, como: Alright Tonight, Breathe, Chocolate, Close your eyes (En el single "Goodbye my lover"), Dancing days, Don't go, Fall at your feet (Original de Crowded House, en el single "You're beautiful"), Here we go again, I really want you, I want you (Original de Bob Dylan), If there's any justice (Original de Lemar), In a little while (Original de U2, en el single "High"), In flowers, Rocky Racoon (Original de Los Beatles), Same mistake, Sugar-coated (En el primer single de "High"), y Where is my mind (Original de Pixies).

Pagina: http://www.jamesblunt.com/