Massive Attack

Massive Attack es una banda formada en la ciudad portuaria de Bristol, Inglaterra. Hasta la fecha han editado cinco discos. Considerados los padres del trip-hop, pese a que siempre han renegado de esa palabra, este estilo puede clasificarse como música electrónica, aunque combina elementos del jazz, rap y otros géneros como el soul y el dub jamaicano contando con una potente influencia del rock en sus ramas más oscuras.

Carrera

Massive Attack nació fruto de una comunidad artística denominada The Wild Bunch. El grupo lo forman entonces Andrew "Mushroom" Vowles y Grant "Daddy G" Marshall que incorporan a 3D (Robert del Naja) un artista grafitero. Otro miembro inicial que deja el grupo antes de grabar el primer single es Nellee Hooper, que se une a otro proyecto conocido, Soul II Soul. Graban su primer single en 1990 "Daydreaming," con la colaboración de otro miembro del Wild Bunch, Tricky. En ese momento se da a conocer su vocalista Shara Nelson. Los siguientes singles son "Unfinished Sympathy" y "Safe From Harm". En 1991 editan su primer álbum, Blue Lines.Con un pobre éxito comercial en su momento y un gran éxito de crítica, posteriormente este disco se transformaría en uno de los discos más influyentes de la industria británica de los noventa, inspirando otros proyectos como Portishead y Morcheeba. Blue Lines se clasifició en un nuevo género musical conocido como “Sonido Bristol”, al cual la prensa llamaría trip-hop.

Durante la primera guerra del golfo, los medios británicos evitaron utilizar términos que recordaran la guerra y la violencia, y Massive Attack (en aquel entonces luchando por posicionarse en la escena) se vieron forzados a cambiar temporalmente su nombre solamente a Massive por consejo del por su entonces mánager. Robert Del Naja, estaba abiertamente en contra de la intervención militar de Estados Unidos en el tercer mundo en nombre de la democracia y hasta el día de hoy sigue arrepintiéndose de haber accedido a este cambio de nombre.

Tras una ruinosa y fracasada gira por EE.UU, Shara Nelson deja la banda y comienza su carrera en solitario.

En 1994 Massive Attack lanza su segunda producción llamada Protection. Figurando dos arreglos instrumentales de Craig Armstrong, este álbum presenta un sonido más elaborado y profundo que su primer trabajo, marcando la última colaboración de Tricky, miembro de la agrupación Wild Bunch, quien comienza su carrera como solista (Maxinquaye). Dentro de este disco destaca el single Protection, que contó con la voz de Tracey Thorn del dúo Everything But The Girl, cuyo vídeo destacó por el trabajo visual del director francés Michel Gondry. Otros singles son "Karmacoma" y "Sly". El álbum fue remezclado por Mad Professor y retitulado "No Protection".

Durante los siguientes años el grupo se dedica a remezclas, una larguísima gira y colaboraciones varias (Garbage, Madonna, etc.). Por fín en 1997 y previo a su aparición en el festival de Glastonbury, publican el EP "Risingson". También en 1997, el grupo registró un nuevo título "Superpredators", una versión de la canción "Metal Postcard" de Siouxsie and the Banshees para la música de la película "The Jackal".[1]

El tercer álbum de Massive Attack, Mezzanine fue editado en 1998, mostrando a la banda trasladándose a terrenos musicales oscuros, y dominados por el sonido de guitarras eléctricas distorsionadas, siendo, en la voz de críticos y fanáticos, una significante evolución.iEl disco cuenta con la colaboración de Horace Andy, que lo convierte en el único colaborador en sus tres discos. Otra colaboración es la de Elizabeth Fraser de los "Cocteau Twins" y la recién llegada Sara Jay. Mezzanine se convirtió en un disco de culto entre críticos y clubs. Se publicaron singles como "Teardrop" e "Inertia Creeps." Durante una gira por EEUU y Europa, Volwes deja el grupo por "desacuerdo artístico" con el rumbo del grupo. Mushrom y 3D siguen en la brecha pero Mushrom se retira por "agotamiento" y para estar con su familia.

Un cuarto álbum, 100th Window, fue editado el 10 de febrero del 2003 entrando directamente entre los 10 más vendidos del Reino Unido. Ese mismo mes, Del Naja fue acusado de posesión de drogas. Aunque algunos críticos no sitúan al álbum 100th Window a la par de sus obras precedentes, muchos valoran la condensación de un sonido que merece ser tomado en cuenta. El disco cuenta con la colaboración en la voz y las letras de Horace Andy y Sinéad O'Connor. Sus singles son "Special Cases" y "Butterfly Caught".

El quinto álbum Danny The Dog, es el Soundtrack de la película de artes marciales Unleashed, escrita por Luc Besson y dirigida por Louis Leterrier, temas que se alejan de los trapecismos sonoros de Massive Attack; donde se dejan sentir con facilidad temas como “Simple Rules” o “I Am Home”. La canción “Right Way to Hold a Spoon” se convierte, desde la primera escucha, en uno de los momentos de mayor intensidad del álbum. El disco está lleno de sorpresas, “Two Rocks & a Cup of Water”, que se inicia con el agónico vaivén de las agujas de un reloj, y que es, junto a “Sam”, un buen ejemplo del misticismo tétrico que impregna las canciones de Massive Attack. La pieza que da título a la película, podría haber sido extraída de Mezzanine o Protection, dos de los discos clave en la carrera de la banda, por su atmósfera calmada y vibrante a la vez. La banda sonora creada por Massive Attack es un rompecabezas perfectamente ensamblado de música ambiental a ratos depresiva, a ratos esperanzadora. Sin perder en ningún momento el aura misteriosa y cerrada que destila la película de Luc Besson.

En 2006 editaron un disco doble Collected que es un recopilatorio de sus mejores temas, más un disco de canciones b sides y rarezas y un DVD con todos sus vídeos. El single es Live With me.

Colaboradores

Cada obra de Massive Attack tiene un gran número de vocalistas invitados, tales como: Tricky, Shara Nelson,Caroline Lavelle , Tracey Thorn de Everything But The Girl, Nicolette, Sara Jay, Elizabeth Fraser de Cocteau Twins, Dot Allison, Sinead O'Connor y la leyenda jamaicana del reggae Horace Andy.

Curiosidades

Neo, el protagonista de la película The Matrix, escucha Dissolved Girl del álbum Mezzanine, sin embargo, esta canción no aparece en ninguna banda sonora oficial.

Pagina: http://www.massiveattack.co.uk/

Carmina Burana

"Carmina Burana" es una ópera de Carl Orff que rescata aquellos versos. Esta banda, oriunda de la localidad de Firmat (cercana a Rosario) se basó en ese principio y comenzó su rodaje en 1995.

Inspirados por aquellos poetas, basaron sus letras en la mitología argentina: historias de tierra adentro, leyendas de campo importadas desde Europa por sus abuelos; y se lanzaron en una áspera crítica contra la sociedad actual, del mismo modo que lo había hecho aquel movimiento en la Edad Media.

La banda combina diversos géneros, como el hardcore elemental, el rock "alterlatino" patentado por Mano Negra, el reggae, y los sonidos tribales.

"El Galpón Okupa" de Rosario (un centro cultural instalado en un edificio abandonado a metros del Río Paraná), fue el lugar que les permitió a los Carmina Burana difundir su música.

A lo largo de los años, compartieron escenario junto a bandas de la talla de El Otro Yo, Turf, Actitud María Marta, Catupecu Machu y Bersuit Vergarabat, entre otros.

A fines del 2000 lograron registrar el primer álbum, "El sendero de los pajaritos primaverales", producido y distribuido por Universal.

"Hermoso, todo junto, difunto y podrido", el cuarto disco, está compuesto por canciones compuestas en el '95. Hicieron un preproyecto de 24 canciones para sacar las 14 definitivas del disco.

«La seleccion la hicimos junto a el Goy, guitarrista de Karamelo Santo, que fue quien que coordinó toda la grabación y la mezcla en el estudio que tienen los pibes en La Boca», comenta Poila. «Lo grabamos en pro tools entre finales de mayo y principios de junio, terminamos la gráfica en Firmat y lo editamos en forma independiente, con los proveedores de la Unión de Músicos Independientes».

Formacion:

Kamono: voz
Manavella: guitarra
Pachulli: bajo
Poila: trompeta
Titi: saxo
Billie Gómez: batería


Pagina: http://www.carminaburana.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar

Cat Stevens

Steven Demetre Georgiou, conocido en el mundo de la música como Cat Stevens nació en 1948 en Londres, Inglaterra.

Cat Stevens estuvo desde pequeño muy involucrado en la música, pues a la edad de 12 años, ya tocaba el piano, la guitarra y escribía canciones propias. A los 16, tras terminar la escuela, es aceptado en el Instituto de Arte Hammersmith en Suecia.

Paralelamente, comenzó a tocar en cafés y pubs locales. A partir de ese momento se dio cuenta de que su nombre (de ascendencia griega) no resultaba muy commercial, así que decidió cambiarlo por el de Cat Stevens.

En 1966, a la edad de 18, conoce al productor Mike Hurst, quien le propone grabar una demo para conseguir un contrato discográfico. Es así como aparecen sus primeros temas, "I Love My Dog" y "Matthew and Son". Ambas canciones formaron parte de su album debut, “Matthew and Son”, lanzado en 1967. Este disco logró situarse dentro del Top 10 de las listas de éxito.

Ese mismo año aparece una nueva producción, bajo el título de “New Masters”, del que se extrae el sencillo “The First Cut Is The Deepest”, que se convirtió en un éxito internacional y ganó una serie de premios. A pesar del éxito de la canción, el álbum no logró ingresar en las listas de ventas.

Los siguientes dos años, Cat Stevens se los pasó escribiendo nuevos temas para futuras producciones, así como de gira promoviendo su último material. Para ese entonces, Cat Stevens era considerado una sensación joven del pop que se mantenia bien ubicado en las listas inglesas.

En 1968, Cat Stevens enferma de tuberculosis, lo que le lleva a permanecer en el hospital durante varios meses. En este tiempo, se dedica a repasar aspectos de su vida personal, tomó la meditación como una forma de vida, leyó libros de religión y se volvió vegetariano. Para ese entonces, había escrito ya cerca de 40 canciones, mucho más introspectivas que sus trabajos anteriores.

Ya curado y con una nueva perspectiva del mundo y de la música, firma un nuevo contrato con una compañía discográfica americana (Island Records) en 1970. Al poco tiempo aparece “Mona Bone Jakon” (1970), un disco folk que contenía canciones como "Lady D'Arbanville", "Pop Star", y "Katmandu" (la cual contó con la colaboración de Peter Gabriel en la flauta). Ese mismo año presenta lo que sería su escalón a la fama, el álbum “Tea for the Tillerman”, que se convirtió rápidamente en el número uno de la lista Billboard. Además, alcanzó el status de disco de oro a las 6 semanas de haber sido lanzado. “Tea for the Tillerman” dio como resultado grandes éxitos, como "Wild World", "Hard-Headed Woman", y "Father and Son".

Pronto aparecería un nuevo álbum, “Teaser and the Firecat” (1971), que lograría situarse en la segunda posición de las listas. De esta manera el LP consiguió nuevamente convertirse en disco de oro a las 3 semanas de haber salido a la venta. De este disco se extraen los sencillos "Peace Train", "Morning Has Broken" y "Moonshadow".

Por otro lado, también en 1971, muchas de sus canciones fueron usadas en la banda sonora de la película “Harold and Maude”.

Su siguiente producción sale a la luz en 1972, y se titula “Catch Bull at Four”. Este disco fue con el que pudo conseguir más méritos en menos tiempo: consiguió disco de oro a 15 días de haber sido presentado, y permaneció en la primera posición de la lista Billboard durante 4 semanas consecutivas.

A lo largo de la década de los setenta, Cat Stevens presentó muchos otros discos tales como: "Foreigner" (1973), “Buddha and the Chocolate Box” (1974), el disco en vivo “Saturnight (Live in Tokyo)” (1974), “Numbers”(1975), “Izitso” (1977) y “Back to Earth” (1978).

En 1977, Cat Stevens se convierte al Islam y cambia su nombre a “Yusuf Islam”, en 1978. Este cambio de religión se debió a un accidente que tuvo en Malibu en 1975, donde casi piede la vida. Según cuenta el propio Cat Stevens, de pronto vio a Dios, y le pidio que si lo salvaba trabajaria para él. Es así como se acerca a distintas religiones, pero ninguna lo convence. Hasta que su hermano David le entrega una copia del Corán, y ahí en donde encuentra la paz que tanto anhelaba.

En 1979, hace su última presentación pública, en el concierto “The Year of The Child” en el estadio Wembley.

De esta manera, Yusuf Islam abandona su carrera como estrella de pop, pues el uso de instrumentos musicales así como el hecho de cantar canciones es un tema de debate en el mundo musulmán. Fue tanto su compromiso con esta nueva postura radical, que llegó al punto de pedirle a las compañías discográficas que dejaran de distribuir sus discos anteriores, hecho que, obviamente, nunca se produjo.

Tras su alejamiento de la música, se dedica a hacer obras filantrópicas y educacionales hacia colegios musulmanes en todo el mundo.

Paralelamente, las compañías discográficas lanzan un disco recopilatorio en 1994, tituladoo “Footsteps in the Dark: Greatest Hits, Vol. 2”.

En 1989, Yusuf Islam visita la Universidad de Kingston en Londres para hablar con los estudiantes acerca del Islam, y pide la ejecución del escritor Salman Rushdie, lo que se convierte en un escándalo mediático.

En 1995 retorna a la música no comercial, sino para promover su religión con el disco “The Life of the Last Prophet”. Ocurre lo mismo 4 años más tarde con “Prayers of the Last Prophet” (1999).

A partir del año 2000 lanza 5 discos más bajo la misma temática: “A is for Allah” (2000), “I Look I See” (2003), “Indian Ocean” (2005), “Footsteps In The Light” (2005) y “An Other Cup” (2006).

Pagina: http://catstevens.com/

Mägo de Oz

Mago de Oz es un grupo español de Folk Metal. En sus inicios, la banda no se llamaba Mago de Oz, sino Transilvania en tributo a Iron Maiden, pero el nombre fue cambiado por Txus porque le agradó el tema del que trata la película El Mago de Oz:

La vida es un camino de baldosas amarillas en la que andamos en compañía de otros buscando nuestros sueños.

Historia

Mago de Oz se originó en 1989 cuando Txus, junto a Juanma (ex-cantante) decide formar una banda de rock a la que llamaron Transilvania en honor del grupo inglés Iron Maiden; poco después cambian su nombre por MAGO DE OZ. Esta primera formación estaba compuesta por Juanma -como cantante-, Charlie y Chema -como guitarristas-, Salva al bajo y Txus como batería. En 1989 graban su primera maqueta titulada Y qué más da, seguida por Canción de cuna para un bohemio -que más tarde se conocería como MAGO DE OZ.

En 1992 grabaron otra maqueta que incluyó Maruja', Rock Kaki Rock, Gerdundula, Para ella (versión 1992), y elEl tango del donante, para ello necesitaron a un violinista, Mohammed, que más tarde se negó a marcharse de la banda.

Su música estaba abierta a una gran cantidad de estilos e influencias, pero todo su potencial musical se basaba en el folk y la música celta.

En 1992 el grupo fue finalista en el Concurso Villa de Madrid, pero Chema, el guitarrista, decidió dejar el grupo entrando en su lugar Juan Carlos Marín. Además, Txus deja el equipo de fútbol donde jugaba y se centra en el grupo, que comenzaría a grabar su primer álbum.

Primeros álbumes

Tras dos grabaciones y la expulsión de Charlie y la reentrada de Chema en el lugar de éste, lanzaron su primer autofinanciado CD en 1994 producido por Txus y Alberto Plaza bajo el nombre de Mago de Oz. Este disco tuvo escaso éxito y apenas dio a conocer al grupo, debido a su pésima distribución. En ese momento Mago de Oz tuvo una de sus épocas más difíciles puesto que Chema, Charlie y Juanma abandonan definitivamente al grupo.

En 1996 se formó la composición que ha perdurado casi hasta la actualidad: entra Jose Andrëa en sustitución de Juanma, Frank en sustitución de Chema y Carlitos sustituye a Charlie

El mismo año empezaron a grabar el disco Jesús de Chamberí, que aborda la temática del regreso de Jesús al madrileño barrio de Chamberí, producido por Alberto Plaza y Mago de Oz. El CD fue editado en 1996 con el sello discográfico Locomotive Music.

El grupo empieza desde entonces a caracterizarse por un ácido sentido del humor en las ilustraciones de las portadas de sus discos y en sus libretos. El portadista oficial del grupo, Gaboni, fue quien se ocupó de plasmar ese toque personal en los trabajos de la banda.

Por otra parte y de un modo paralelo, Jorge Ontalba (revistas Heavy Rock, Kerrang!, Rock & Gol, etc) ocupa el lugar de fotógrafo oficial de Mago de Oz creando el entorno gráfico para los medios de comunicación de las fotos promocionales, portadas de singles y libretos de Cd,s durante los siguientes años entre el grupo y la compañía de discos.

La gira que apoyó este segundo disco tomó el nombre de "Via Crucis Tour".

La leyenda de la Mancha

En 1997 Mago de Oz decide volver a grabar cinco temas de su primer disco, con una mejora notable de sonido y con la participación de los dos nuevos componentes, Jose y Frank. Esta producción fue realizada por G. Sider.

Fieles al estilo ópera rock e inspirados en los paisajes y la temática de la inmortal obra de Miguel de Cervantes: Don Quijote de la Mancha, nace su tercer CD La leyenda de la Mancha (1998), que muy posteriormente recibió el disco de oro.

La gira de este disco se llamó The Riiiichal Tour, siendo ésta la gira que les llevó por primera vez a Latinoamérica.

Tras La leyenda de la Mancha y con motivo del décimo aniversario de su fundación, deciden sacar un home-video cuya temática recogiera la trayectoria del grupo. Este fue Resacosix en Hispania.

Finisterra: Primer doble CD

A finales de 1999 decidieron embarcarse en un ambicioso proyecto: un disco doble. Este fue su cuarto LP y se llamó Finisterra. Para este disco se incorporaron al grupo Sergio Cisneros "Kiskilla" a los teclados y Fernando a los vientos. El primer sencillo de éste disco fue Fiesta Pagana, que supone la entrada de la banda al gran público. La gira de este disco también fue muy ambiciosa, con luces, pirotecnia e hinchables. Santiago y Vuelca España Tour, que así se llamó, incluyó una para en la sala La Riviera, ( Madrid) en la que tocaron 3 días seguidos y consiguieron llenarla hasta los topes los 3 días. Ésto hizo que los medios españoles más importantes fijaran sus focos en ellos. Decidieron sacar un disco con temas en directo, que recogiera la gira y parte de él fue grabado en ésta sala. El disco se tituló Fölktergeist, que se grabó también en las Fiestas del Pilar, en Zaragoza. Y con motivo de este nuevo disco se embarcaron en otra gira grabando un DVD llamado A Costa Da Rock, con su primera escenografía seria: un cementerio. Es en este momento es cuando Salva decide abandonar el grupo sustituyéndole un joven bajista: Sergio Martínez (ex- Ankhara).

Gaia

En 2003 se embarcan en el proyecto de realizar tres álbumes que compondrán la trilogía de Gaia: el primero con título Gaia, que fue lanzado ese mismo año al mercado, superando su propio record de ventas de discos. Con la temática de Cortés y la conquista de los españoles a los aztecas, de este disco se desprendieron los sencillos La costa del silencio, La rosa de los vientos y El atrapasueños. Mago de Oz ha realizado varios conciertos en Sudamérica. Para ésta gira, la banda usó una escenografía aún más ambiciosa: un galeón pirata giró por la península y sudamérica llevándoles a tocar en lugares de aforo más grande que lo que fueron sus anteriores giras.

Belfast

Para el 2004, la banda regresa al estudio a grabar lo que sería su sexta placa discográfica: Belfast, en honor a la ciudad irlandesa del mismo nombre. Este disco, lanzado después de Gaia pero antes del verdadero sucesor del mencionado, es según ellos "un recreo donde jugamos a ser Elvis, Whitesnake, Deep Purple..." pues está compuesto de versiones de bandas a quien Mago de Oz admira, además de algunas versiones de sí mismos; por ejemplo, Alma (del disco Gaia) tiene arreglos orquestales, y se incluye, además, una versión metal de La rosa de los vientos, entre otras. También estuvo a cargo de Locomotive Music, producido por Sergio Marcos.

En este momento se producen importantes cambios en Mago de Oz: el 20 de mayo de 2004 Carlitos es operado (con un mes de convalecencia) de un ganglión que le estaba afectando los huesos de la mano, por lo cual Jorge Salán entra en su reemplazo durante tres conciertos. Cuando Carlitos se recuperó completamente, Jorge Salán no abandonó el grupo, por lo cual Mago de Oz quedó con tres guitarristas. Por otra parte, Sergio Martínez, bajista, abandona la agrupación, reemplazándolo Luis Miguel Navalón, quien según Txus era el mejor bajista de estudio que había conocido, pero que sin embargo no cumplía con el carácter de músico canalla que necesita cualquier integrante de Mago de Oz a la hora de tocar en vivo. No obstante, Navalón actuó en algunos conciertos, pero fue sustituido rápidamente.

Madrid Las Ventas

En el año 2005 salieron dos discos de Mago de Oz. El primero fue Madrid Las Ventas, disco grabado en directo en la plaza de toros madrileña de Las Ventas; fue un disco con mucha polémica ya que lo publicó Locomotive Music sin tener en cuenta al grupo, que ya había sido contratado por otra discográfica. El DVD iba a contar con dos partes: una grabada en Madrid y otra en México, pero tampoco se respetó eso.

Gaia II - La voz dormida

El segundo disco, puesto a la venta el 14 de noviembre de 2005, fue Gaia II - La voz dormida, editado ya con su nueva discográfica Warner Music Latina; este disco es la segunda parte de la trilogía Gaia y su primer single fue "La Posada de los Muertos". Para Gaia II entró en el grupo un nuevo bajista llamado Pedro Diaz "Peri" (ex-Ars amandi) sustituyendo a Sergio. Posterior a este primer single, aparecieron las canciones Hoy toca ser feliz y el ambicioso single que el grupo tanto había esperado Diabulus in Musica. Este último single ha sido sometido a una gran polémica por su alto contenido antireligioso. El disco superó las 200.000 copias en España, Latinoamérica y Estados Unidos. Además en España recibieron el disco de platino de mano de Carmen Calvo, la ministra de cultura vigente en España por aquel entonces.

El disco fue producido por Big Simon, fallecido posteriormente, al que Txus le preparó una canción de homenaje llamada Y serás canción. Este tema fue incluido en un disco-libro de poemas llamado El cementerio de los versos perdidos creado por Txus, que incluye temas originales y grabado con artistas de otros grupos, como Savia, Saratoga etc.

En la gira de Gaia II - La voz dormida, el batería y líder, Txus abandonaba el grupo temporalmente a causa de agotamiento y de compromisos a los que tenía que dedicar su tiempo.

En un periodo de tiempo no superior a un mes y medio Mago de Oz siguió dando conciertos por toda la geografía española ya con Joaquin Arellano "El Niño" a la batería sustituyendo a Txus. Algunos lugares donde actuaron fueron Miajadas (Cáceres) o Chiclana (Cádiz).

Finalmente el día 8 de septiembre de 2006 Txus volvería a bordo de Mago de Oz y reaparecería en directo ese día en el concierto que el grupo ofreció en Rivas Vaciamadrid.

The Best Oz

El 23 de octubre del 2006 se lanzó el libro El cementerio de los versos perdidos con una recopilación de 50 poemas y un disco, todos de la autoría de Txus y con la música de Juanmi Rodriguez (Cuatro Gatos); este salió bajo el sello de Pägana Records, firma creada por el grupo Mago de Oz y que reside bajo la tutela de Warner Dro (División de Warner music en España). El 5 de diciembre de 2006, Mago de Oz saca su disco: The Best Oz, un recopilatorio de 3 CDs y un DVD en el que resumen su carrera, y que tuvo cierta polémica cuando el cantautor chileno Fernando Ubiergo comunicó a los medios que iba a demandar a la banda por adaptar la canción Para ella y no constatar en los créditos que la canción era del artísta. Txus pidió públicamente perdón y declaró que todo fue un error de tipografía. Después de aclarar las cosas, Fernando Ubiergo decidió no demandarles.

El 1 de mayo de 2007 empiezan un festival organizado por los mismos, llamado Mago de Oz Fest en cuatro ciudades diferentes, con artistas invitados como, UDO, WarCry, Maligno, Onassis Day, Agora y Cage. La gira se extenderá con el nombre de Hasta que el cuerpo aguante Tour 2007 por otros puntos de México, Estados Unidos, Chile, Argentina, Nicaragua y por España.

En el año 2007 Mago de Oz estuvo en Monsters of Rock Zaragoza 2007 con artistas como Ozzy Osbourne, Megadeth, Motorhead, Slayer, Dream Theater, Children of Bodom , Blind Guardian, Black Label Society, Pretty Maids, Mastodon, Kamelot y Brujería.

La ciudad de los árboles

El 16 de octubre de ese mismo año presentan Y ahora voy a salir (Ranxeira), un tema folk metal con aires de ranchera mexicana, que fue el primer single de su nuevo álbum, que llega al nº1 de la lista de singles.

El 6 de noviembre de 2007, sale el que será su nuevo disco, La ciudad de los árboles, que es un disco de tránsito, intermedio antes de pasar a terminar la trilogía Gaia, de canciones muy variadas. Incluye rock'n'roll, ranchera mexicana, muñeira gallega y se aleja un poco del estilo que había tomado con Gaia II, volviendo a sus raíces, con temas como La ciudad de los árboles o No queda sino batirnos. Éste disco recibió meses mas tarde el disco de oro, de la mano de Alaska y llegó a ser Nº 1 en ventas durante varias semanas.

El 26 de enero del año 2008, durante la celebración del 25 aniversario de la revista HeavyRock, se anuncia la partida temporal de Sergio Cisneros "Kiskilla" de la banda, para dedicarse a su familia y a su pequeño hijo recién nacido. El descanso del teclista se efectuaría durante la gira Americana del disco "La Ciudad de los Árboles".

El 07 de febrero del 2008 publican en la página oficial de la banda, las fechas de los conciertos en la gira Borriquito como Tour del nuevo disco La ciudad de los árboles.

El 20 de marzo de 2008, se anuncia a través de su sitio web que el guitarrista Frank será intervenido quirurgicamente de una hernia discal, por lo cual se perdería la gira. Por otra parte, en el mismo informe, se publica que el reemplazante de Kiskilla durante la gira americana a los teclados será Javi Diez, teclista de la banda que acompaña a Jorge Salán y del grupo Arwen.

Poco después, el grupo recibe el disco de diamante por superar el millón de copias vendidas durante toda su carrera.

El último single junto con su respectivo vídeo promocional ha sido Deja de llorar.

Pagina: http://www.magodeoz.com/_new_web/

Shirley Horn

Shirley Horn comenzó a estudiar piano muy temprano, con sólo cuatro años. Después de estudiar en la Universidad de Howard, Horn forma su primer trío en 1954, y a comienzos de los años sesenta, ya atrae la atención de Quincy Jones y Miles Davis. Este último se interesó por su primer trabajo, Embers and Ashes, y la invitó a abrir sus conciertos en el Village Vanguard de Nueva York. Shirley grabó tres discos entre 1963 y 1965 para Mercury y Paramount, pero decidió formar una familia en lugar de continuar con su carrera.

A principios de los 80 retomó su camino musical y comenzó a grabar para Steeple Chase, aunque su salto más importante lo daría cuando firmó con Verve. Fue en los años 90 cuando consiguió el merecido prestigio internacional gracias a una sucesión de grabaciones maestras para esa compañía. Ocho nominaciones consecutivas a los Grammy y un premio en 1998 en la categoría de Mejor Disco de Jazz Vocal por su: I Remember Miles atestiguan por qué cada vez se la considera más como una de las mayores estilistas de la canción que hayan existido. En 1990, no mucho antes de su muerte, Miles Davis añadió las grandiosas notas de su trompeta a la canción: You Won’t Forget Me. Ocho años más tarde, ella correspondió a ese gesto con el álbum citado, maravilloso tributo por el que recibió un merecido Grammy. Con Verve también ha grabado You’re My Thrill en el año 2001 y su último disco editado hasta la fecha, en 2003, May the Music Never End, donde por primera vez canta sin su piano y cede ese instrumento a George Mesterhazy y al maestro Ahmad Jamal.

En You’re My Thrill, Horn aplica su particular alquimia a once canciones clásicas y contemporáneas con una habilidad tal que transmite una inmensa sensación de paz. Ejemplos de ello son la balada que da nombre al álbum, capaz de cortar la respiración, I Got Lost in His Arms. Este disco permitió de nuevo el encuentro de Horn con Johnny Mandel, que produjo y orquestó también su anterior trabajo, Here’s to Life.

En May the Music Never End, Horn vuelve a brillar a través de una impecable selección de temas originales y standards. La canción que da título al disco fue escrita especialmente para ella por Norman Martin, quien ya compusiera para ella uno de sus temas más conocidos, Here’s to Life, que fue también el título de su álbum de 1992, el más vendedor de sus lanzamientos hasta la fecha. Su delicioso homenaje a Duke Ellington tiene como invitado al fiscornio a una de las más jóvenes estrellas del jazz contemporáneo, Roy Hargrove. Otro invitado de lujo en el álbum es el mítico pianista Ahmad Jamal, el cual rinde homenaje a Horn al acompañarla al piano en dos de los cortes del disco. Es la primera vez que Jamal acompaña a un/una vocalista al piano. Otros temas incluidos en May the Music Never End son una maravillosa versión del Yesterday de los Beatles, o la estremecedora versión en inglés del Ne me quitte pas de Jacques Brel.

Cuando Shirley Horn canta, es capaz de cambiar nuestra manera de escuchar una canción. Es una de las últimas grandes damas del jazz vocal de siempre, el imperecedero, que sabe crear de una forma magistral y sutil una sensación de intimidad con el público. Ha sido reconocida en muchos ámbitos como la mejor cantante-pianista desde Nat King Cole, demostrando en todo momento una gran capacidad para combinar melodías y letras y para sacar todo el jugo a los standards inmortales.

Pagina: http://www.vervemusicgroup.com/shirleyhorn

Simple Plan

Simple Plan es una banda canadiense de pop punk formada en el año 1999 terminando su formación completa en el año 2000. por Pierre Bouvier (voz principal), David Desrosiers (bajo y voces), Sébastien Lefebvre (guitarra y voces), Jeff Stinco (guitarra) y Chuck Comeau (batería).

Biografía

El quinteto surgió cuando Pierre Bouvier y Chuck Comeau formaron Reset a los 13 años de edad. Este grupo tuvo cierto éxito en Canadá, donde salían a dar conciertos. El primero en abandonar Reset fue Chuck, ya que quería centrarse en sus estudios. Entonces Pierre contactó con otras personas para seguir con Reset, pero el grupo fue en declive.

Al poco tiempo Chuck se dio cuenta de que cometió un error muy grande al dejar la música y contactó con amigos del colegio: Sébastien Lefebvre y Jeff Stinco.

Ya tenían el grupo, pero les faltaba un cantante. Contactaron con decenas de personas, pero ninguna se acoplaba lo sufientemente bien para entrar al grupo. Chuck y Pierre se encontraron despues de haber perdido el contacto durante algunos meses en un concierto de Sugar Ray en Montreal. Comeau le pidió a Bouvier que se integrara a Simple Plan, y éste, aburrido de la baja recepción de Reset, se integró a la banda.

Pero les faltaba un bajista, ya que Pierre solo quería cantar, Chuck contactó con David Desrosiers (que había estado en Reset, reemplazando a Pierre en la voz) pidiéndole que fuera el bajista del grupo y este aceptó.

Empezaron con la idea de 2 voces, pero esta se complicó cuando se dieron cuenta de que Sébastien también podía cantar. Aunque, en vez de hacer un problema de esto, lo convirtieron en un plus para la banda, haciendo los conciertos más divertidos y las armonías más complejas.

Después de hacer unas cuantas giras por Canadá y grabar unos demos, Lava Records (un sello subsidario de Warner) accedió a grabarles su primer disco: No Pads, No Helmets…Just Balls que fue grabado en Toronto con Arnold Lanni como productor; con un total de 13 canciones, aunque el numero varió en distintas naciones. En el disco participaron: Joel Madden de Good Charlotte y Mark Hoppus de Blink 182.

En el 2004 lanzaron su segundo disco Still Not Getting Any... con un total de 11 canciones; y con la producción de Bob Rock, el mismo que ha trabajado para grupos como Metallica y Aerosmith entre otros. Este mismo año, Simple Plan inicia una Fundación para Jóvenes y Niños con problemas de drogadicción, suicidio, pobreza, etc.

A mediados del 2007 comenzaron a grabar su tercer albúm de estudio con el Productor Dave Fortman, en octubre de ese año se terminó de grabar con un total de 11 canciones y 2 bonus tracks. Sin embargo el disco no fue lanzado hasta el 12 de Febrero del 2008 con el nombre de Simple Plan. El primer sencillo del disco es "When I'm Gone", que fue lanzado en octubre del 2007, y el video clip salió un mes después de la canción.

Ya han grabado y estrenado el vídeoclip del segundo single del disco Simple Plan: Your Love Is a Lie.

Pagina: http://www.simpleplan.com/

Eva Ayllón

María Angélica Ayllón Urbina, (Lima, 7 de febrero de 1956). Conocida como Eva Ayllón, es una intérprete y folclorista peruana. Interpreta géneros afro-peruanos y valses criollos.

Nacida en 1956, en Lima, fue criada en el seno de una tradicional familia limeña, encabezada por su abuela. Es devota del Señor de los Milagros.

En 1970, comienza a trabajar en peñas criollas con marcado éxito y años más tarde se integra al grupo Los Kipus siendo la voz principal y acompañándolos a recorrer todo el Perú.

En 1979 presenta su primera producción discográfica “Esta noche… Eva Ayllón”. A partir de 1980, su arte trasciende las fronteras latinas llegando a diversas ciudades de EE. UU.

Considerada como la mejor cultora de la música afroperuana, es una mujer que encanta con su voz a propios y a extraños. En base a disciplina y talento se ha convertido en una de las mejores intérpretes de la música peruana con proyección internacional. La versatilidad de su voz le permite incursionar en diversos géneros musicales, característica que la ha llevado a compartir escenario con artistas internacionales como El Gran Combo de Puerto Rico, Gilberto Santa Rosa y Marc Anthony.

En Agosto del 2006, graba su más reciente producción Eva Ayllón Live From Hollywood, DVD que cuenta con tecnología de 5.1 Surround que encuentra a EVA en su esencia en vivo, contando con grandes músicos invitados como Ramón Satagnaro, Alex Acuña, Allan Phillips, Abraham Laboriel, Harry Kim, Justo Almario, Gino Gamboa , Marco Campos, Dennis Jirón, Arturo Velasco, Luis Velásquez y Melena. Junto a su grupo musical de siempre Felipe Pumarada, Leonardo "Gigio" Parodi , Rony Campos, Luis Manrique, Rosa Ayllón y Sofia Buitrón.

Grabado en el Ford Amphitheater de Hollywood, California el DVD concentra una serie de temas inéditos y clásicos que han establecido una química eterna entre la cantante y su público. Ahí se puede apreciar un Toromata VIDEO TOROMATA recibiendo un tratamiento musical sonoro que posiciona a la música peruana con solidez en estos tiempos modernos.

Ha participado en dos oportunidades como jurado de la Competencia Folclórica del Festival de Viña del Mar, en el año 2001 y en el 2007 (en este último año fue además, Presienta de Jurado)

Entre sus conciertos más destacados se encuentra el realizado en el Estadio de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, ante 25000 espectadores.

Actualmente reside en los Estados Unidos.

Pagina: http://www.evaayllon.net/

Silverchair

Silverchair es un grupo de rock, post-grunge, una de las bandas contemporáneas más exitosas del rock de Estados Unidos y Australia. El grupo ha tenido más veinte sencillos durante la pasada década, cifra superior a cualquier otro artista local, vendiendo más de seis millones de álbumes en todo el mundo

Historia

Comienzos

Los 3 miembros principales del grupo nacieron en 1979 en el suburbio de Merewether, Newcastle, Australia. El cantante/guitarrista Daniel Johns y el baterista Ben Gillies comenzaron a hacer música en la escuela primaria y más adelante, un compañero de clases, Chris Joannou se unió en la guitarra. Provocaron un gran impacto cuando, ganaron una competencia nacional de demos, realizada por el programa "Nomad" de la CBS TV y Triple J.

La banda cambió su nombre de "Innocent Criminals" a Silverchair por sus influencias de You Am I (la canción "Berlin Chair" específicamente y "Sliver" de Nirvana) y en agosto lanzaron la demo de la canción ganadora de la competencia, llamada "Tomorrow". La canción pasó seis semanas en el #1 de las radios australianas y 20 semanas entre los top 10. En ese año convirtió en la canción mas tocada del año en radio de los E.E.U.U.

Frogstomp

Tomorrow fue todo un éxito en Estados Unidos, alcanzando el número 1, llegando a convertirse en el cuarto sencillo más vendido en la historia de Estados Unidos. En enero de ese año //¿En que año?// Silverchair lanzó su segundo sencillo: Pure Massacre. Después de su lanzamiento Frogstomp se convirtió en el primer albúm en debutar en las listas australianas en el número 1 y llegar a platino en una semana. El disco pronto se convirtió en doble platino y estuvo 6 semanas consecutivas en el número 1. El éxito de Silverchair en Londres fue prácticamente igual de rápido. Lanzado en Norteamérica en el verano, Frogstomp subió rápidamente las listas de popularidad debido a que la cadena MTV paso repetidamente el video de Tomorrow y pronto el álbum se convirtió en platino en Norteamérica y a finales del año "Pure Massacre se había convertido en un éxito en la radio y MTV. A finales del año, silverchair hace su primera gira sudamericana, la cual los lleva hacia Brasil y Argentina. En su actuación del 23 de noviembre en el Estadio de Ferro, en el Festival Alternativo, graban escenas que más tarde se incluirían en su video oficial "Outtakes & Mistakes" que básicamente es una presentación de la grabación del disco "Freak Show"

Freak Show

El 4 de febrero, Silverchair lanzó un álbum que los críticos que los habían llamado una vez One Hit Wonders quedaron sorprendidos con éste. A los 17 y 14 años demostraron una mejora en su propio estilo musical con Freak Show, con un sonido mucho más maduro que su antecesor, y logrando así un estilo propio y auténtico, silenciado ciertamente a muchos de la gente que los comparó alguna vez a las bandas de Seattle, como Nirvana, Pearl Jam y Soundgarden. La inclusión de nuevos sonidos e instrumentos hizo que fueran reconocidos por sus propios méritos recibiendo las mejores críticas que su antecesor pero no llegando al mismo nivel de ventas, logrando 1.5 millones de copias, un millón menos que Frogstomp. Por esta época la banda tuvo que hacer malabares para lograr acabar sus estudios en la secundaria y universidad para realizar sus viajes alrededor del mundo, para promocionar su disco.

Neon Ballroom

Tras problemas de anorexia y depresión del cantante Daniel Johns, la banda estuvo cerca de disolverse, pero continúan, ahora Daniel se convierte en el líder absoluto, escribiendo todas las canciones junto con el bajista y tecladista, de una forma mucho más personal y honesta. Aparece Neon Ballroom mundialmente, su primer single fue Emotion Sickness (sólo para Australia), el primer single mundial fue Anthem For The Year 2000 que con un video épico logró atraer las miradas hacia la banda otra vez, pero no fue hasta el lanzamiento de Ana's Song (Open Fire), que la banda logra tener un segundo gran éxito como fue Tomorrow. Una canción vivencial que tocó el tema de la anorexia del cantante. En el año finiquitan su contrato mundial con Sony, y se integran a "Eleven". El 20 de enero, después de un año de estar fuera de la ruta, Silverchair tiene el recital más exitoso de su historia: Rock in Rio, con una audiencia de aprox. 250 mil personas, una cifra que da un status de culto a la banda, en ese concierto fue el unico donde se presento toda la banda original completa, que más tarde se consolidaría con su épico disco: Diorama.

Diorama

Aparece Diorama. Este disco demuestra un nivel diferente de composición en Johns, que logra crear un disco que traspasa por los sonidos mas 60s que se hayan escuchado en el rock actual, y su carisma compositivo queda al reflejo, pues el disco en un 80% es compuesto en piano por él mismo. El disco circunda los pasos del pop sesentoso (en parte por la colaboración del arreglador de los Beach Boys, Van Dyke Parks) y contiene construcciones vocálicas como nunca se escucharon en Silverchair, una dulzura en la armonía jamás vista. Un disco positivo en comparación a los anteriores. The Greatest View, el primer single, es un tema tan contundente como rockero y a la vez popero. Le sucedieron los singles Without You, Luv Your Life. Daniel contrae un tipo de artritis severa que ataca sus extremidades, lo cual lleva a cancelar todas las giras, y lleva al cantante a un doloroso tratamiento. Cabe destacar, que ésta es la razón, por la cual el video de Luv Your Life es animado, y aunque Ben y Chris aparecen filmados en persona y pasados como dibujos animados, Daniel (que estaba en hospitales y centros sanitarios) aparece solamente dibujado.Luv Your Life,Across The Night y After All These Years, éstos tres últimos sólo para Oceanía e Europa.

Young Modern

Con un nuevo giro estilístico influenciado por Midnight Oil y, Fleetwood Mac, Young Modern aparece el 31 de marzo de 2007 en Oceanía. Similar a Diorama en la ensoñación, pero con un tinte mucho más directo y pop, el álbum llega al número 1 y logra distintos hitos en la historia de los rankings de ese continente gracias al single Straight Lines, el que ha generado expectación mundial. Silverchair comienza a retomar contacto con el mundo, vuelve a tocar a Estados Unidos y Europa como si fuera una banda nueva.

Pagina: http://www.chairpage.com/

Sigur Rós

Sigur Rós es un grupo islandés de post-rock, con elementos de shoegazing y minimalismo. El nombre es islandés; se pronuncia ['s???r rous'] en el Alfabeto Fonético Internacional y signífica "rosa de victoria".

Miembros

Sigur Rós estaba compuesto originalmente por Jón Þór Birgisson (Jónsi, guitarra y voz), Georg Hólm (Goggi, bajo) y Ágúst Ævar Gunnarsson (batería). Posteriormente en 1999 ingresó a la banda Kjartan Sveinsson (Kjarri, teclado) para la publicación de Ágætis byrjun. En 1999, Ágúst Ævar Gunnarsson abandonó el grupo tras la grabación de Ágætis byrjun, siendo reemplazado por Orri Páll Dýrason (batería).

Historia

Jón Þór Birgisson (Jónsi), Georg Hólm y Ágúst Ævar Gunnarsson formaron el grupo en Reykjavík, Islandia, en agosto de 1994. El nombre del grupo fue tomado de la hermana menor de Jónsi, llamada Sigurrós, la cual nació el mismo día. El grupo pronto ganó un contrato con la discográfica local, Bad Taste. En 1997, lanzaron Von (Esperanza) y en 1998 la colección de remezclas Von brigði (Vonbrigði significa en islandés "decepción", pero Von brigði significa "alteración de la esperanza"). En inglés, el álbum Von brigði es conocido usualmente por su nombre alternativo, "Recycle Bin", que significa Papelera de reciclaje.)

El reconocimiento internacional llegó en 1999 con el lanzamiento de Ágætis byrjun (Un buen comienzo), para lo cual el grupo integró a Kjartan Sveinsson.

En 2002, el anticipado álbum ( ) fue lanzado. Todas sus canciones fueron publicadas sin título, siendo posteriormente publicados sus nombres en el sitio web oficial. Todas las canciones son cantadas completamente en un lenguaje fonético improvisado llamado "vonlenska" (de von, 'esperanza' e íslenska, 'islandés'), creado por Jón Þór Birgisson, que integra sonidos del idioma islandés. La razón es que el oyente debe interpretar su propio significado de las letras, las cuales puede escribir en las páginas blancas que trae el libreto del álbum.

En octubre de 2003, Sigur Rós junto con Radiohead compusieron música para la pieza de danza de Merce Cunningham, llamada Split Sides; las tres canciones de Sigur Rós fueron llamadas Ba Ba/Ti Ki/Di Do y fueron lanzadas en marzo de 2004. En octubre de 2004, el primer álbum de 1997, Von fue puesto finalmente en venta en Estados Unidos y el Reino Unido. Su último álbum, Takk... (Gracias...), fue lanzado el 3 de septiembre de 2005, con la descarga legal de su primer sencillo, Glósóli, publicado el 15 de agosto. Para los fanáticos de norteamérica, Sæglópur fue puesta a disposición para su descarga el 16 de agosto. Hoppípolla, el segundo sencillo oficial de Takk..., fue lanzado el 28 de noviembre junto con una nueva remezcla de estudio de Hafssól, una canción que fue previamente lanzada por la banda en el primer álbum de 1997, Von. a finales del 2005 lanzaron el EP de Sæglópur, el cual incluye dos cd el primero con tres temas nuevos y el segundo con tres videos. El grupo también ha escrito el libreto del video musical Sæglópur, que fue dirigido por ellos.

Recientemente han publicado el último álbum de estudio "Hvarf-Heim" (2007).

Sigur Rós ha vendido cerca de dos millones de álbumes alrededor del mundo.

Paginas:

http://www.sigur-ros.co.uk/
http://www.ocnos.com/

Badfinger

Aunque todo el mundo (o casi) conoce la balada “Without you”, preferentemente por la versión de Harry Nilsson (otros por la de Mariah Carey, lo que ya tiene narices), pero poca gente sabe que sus autores e intérpretes originales eran los magníficos Badfinger, un grupo de power pop y pop-rock con influencia de los Beatles, pop guitarrero de inclinación melódica y gusto por las armonías vocales que grabó sus mejores trabajos en Apple, el sello propiedad de los Fab Four.

El grupo, derivado de un grupo de pop llamado The Iveys, estaba integrado por el cantante, guitarrista y teclista Pete Ham, el vocalista y bajista Tom Evans, el guitarrista Joey Mollan y el batería Mike Gibbins.

Su debut en el sello manzanero fue con el single “Come and get it”, un tema escrito por Paul McCartney. La canción apareció en el debut de la banda en formato LP, “Magic Christian Music” (1969), disco producido por Paul McCartney, Tony Visconti y Mal Evans, en el cual se mostraba el talento de su principal pareja compositiva, Pete Ham y Tom Evans, en canciones como “Carry on til tomorrow”, “Midnight sun” o “Maybe tomorrow”.

Su disco más popular, y uno de los mejores de su carrera, es “No dice” (1970), LP co-producido por Mal Evans y Geoff Emmerick en el cual suena el citado tema “Without you”. Junto a él cortes como “No matter what” o “I can’t take it”.
Molland también se destapaba como escritor de buena piezas como “Love me do”.
“No dice” no logró la repercusión comercial esperada, al igual que otros meritorios discos como “Straight up” (1971), LP con “Day after day” y “Baby Blue”, producido por Mal Evans, George Harrison y Todd Rundgren, y “Ass” (1973), con Rundgren y Chris Thomas en la producción.
Esto, unido a la crisis económica de Apple, conllevó el cambio de sello de Badfinfer que comenzaría a grabar en Warner.

Su primer LP en la nueva compañía fue el homónimo “Badfinger” (1974), con Thomas dirigiendo el cotarro y resultados inferiores a su discos en Apple. Por el contrario “Wish you were here” (1974), con temas como “Just a chance”, “You’re so fine” o “Denise”, fue uno de sus mejores discos.

Lamentablemente las ventas no acompañaban a su buen tino en la composición, hecho que provocaba la desazón entre sus componentes. Tras “Head first” (1975), gran LP de portada leonina que no vería la luz hasta el año 2001, Pete Ham terminaría ahorcándose.

Los restantes miembros prosiguieron con Badfinger editando en Elektra el disco “Airwaves” (1980), álbum con el single “Love is gonna come at last” que presentaba la incorporación del guitarrista y vocalista Joe Tansin.

Al año siguiente, sin Tansin, pero con el teclista Tony Kaye (que ya había tocado en “Airwaves”), el guitarrista Glenn Sherba y el teclista Richard Bryans en la formación oficial, el grupo publicaría en Radio Records “Say no more” (1981), último LP con Tom Evans, ya que siguiendo los pasos de Ham, Evans terminaría suicidándose en el año 1983.
Con posterioridad Joey Mollan intentó seguir infructuosamente con Badfinger.

Pagina: http://badfingerlinks.com/

Anthony Pappa

Natural de Australia, Anthony Pappa tuvo que trabajar en el negocio familiar de bien pequeño. Hasta que su espíritu rebelde le empuja a dejar de trabajar con sus padres y decide emprender una carrera artística que le ha llevado a ser una gran estrella en el panorama británico de Dj’s. Pone la primera piedra para apuntalar tan fantástica carrera en el ‘DMX Mixing Championships’. Lo gana de calle con tan solo 15 años. Tal espaldarazo le anima a empezar una residencia en su Melbourne natal donde empieza a forjarse un nombre. En 1993 la publicación Mixmag organiza otra competición de Dj’s en la que Pappa vuelve a imponerse con una mezcla de funk y house vocal que embelesa por su belleza y ritmo. Después de pinchar ante 8000 personas, en 1994 Pappa decide que Australia se le queda pequeña a nivel artístico y emprende viaje a Southamptom cargado con una maleta de discos que serán su salvación en sus islas de adopción, las islas británicas, fuente de incontables hypes musicales y espejo en que la Europa musical no deja de fijar la vista. Allí conoce a Dave Seaman y una serie de Dj’s que le introducirán en la movida inglesa. También hace buenas migas con el que se convertirá en uno de sus mejores amigos, el ingeniero de sonido y productor musical, Alan Bremner. Los dos juntos comparten el proyecto Freefall. Los empresarios de la noche empiezan a fijarse en su particular sentido del ritmo y empieza a pinchar por toda la isla. Su proyecto Freefall le supone su primer contrato discográfico con Stress Records. Alan y él firman dos singles, "Shrug" y "Skydive". Además, la pareja se va a encargar de sus primeros remixes, como el "Sun rising" de Beloved. En cabina, Anthony se decanta por una mezcla entre el house y el funk electrónico, en el que no tiene cabida el trance más comercial. A partir de aquí empieza a girar por todo el mundo, sobretodo gracias a su participación en la colección Nubreed de la poderosa colección Global Underground.

Pagina: http://www.anthonypappa.co.uk/

Trisha Yearwood

Trisha Yearwood (nacida el 19 de septiembre, 1964) es una cantante de la música country. Nació en Monticello, Georgia (EE.UU.), pero desarrolló sus talentos en Nashville, Tennessee, donde era estudiante en la Belmont University. Su primer sencillo fue "She's in Love with the Boy" en 1991.

Se casó por primera vez con Christopher Latham en 1987 pero se divorciaron en 1991. Trisha después se casó con Robert Reynolds, miembro del grupo country The Mavericks, el 21 de mayo del 1994, y se divorciaron en 1999.

El 25 de mayo del 2005, Yearwood se prometió con Garth Brooks, un amigo suyo y otra super-estrella del country, ante 7.000 fans. El 10 de diciembre del 2005, se casaron en una ceremonia privada en su casa en Oklahoma. Fue el segundo matrimonio para él y el tercero para ella. Brooks tiene tres hijos de su primer matrimonio; Yearwood no tiene ninguno.

Yearwood dice que Linda Ronstadt es su mayor influencia en música, y se notan el sonido y efectos vocales de ella en la música de Yearwood. Otras influencias incluyen Emmylou Harris, Patsy Cline, y Elvis Presley.

Su último disco, estrenado en 2005, vio un retorno a un sonido más puro de country después del sonido más pop de sus previos discos.

Yearwood ha ganado tres premios Grammy, entre muchas nominaciones. También ha ganado premios de la Country Music Association y la Academy of Country Music para La Mejor Cantante (CMA en 1997 y 1998; ACM en 1997).

Pagina: http://www.trishayearwood.com/

Tina Arena

Filippina Lydia ("Tina") Arena (nacida en Moonee Ponds, Melbourne, Victoria, Australia el 1 de noviembre de 1967) es una cantante melódica y actriz australiana de ascendencia italiana.

Comenzó con 7 años cuando la seleccionaron como corista regular para un programa de televisión por su potente voz. Sacó Strong as Steel, en 1990. Tras firmar un contrato con Sony Music, Arena sacó el álbum Don't Ask en 1994, que tuvo mucho éxito en Australia y el Reino Unido, entre otros países. Simultaneó In Deep (1997), con la interpretación de la canción de The Mask of Zorro con Marc Anthony: "I Want To Spend My Lifetime Loving You". Este disco contenía canciones en francés, lengua por la que ha cosechado gran éxito en la Francofonía hasta el punto de grabar íntegramente su último disco en francés. También ha cantado en italiano y en español (Luna de Sorrento), y cantó un dueto en directo con Donna Summer.

El 17 de noviembre de 2005, Tina y su compañero sentimental Vincent Mancini fueron padres de su primer hijo, Gabriel Joseph, nacido en París.

Tras convertirse en la cantante femenina de mayores ventas de la historia en su Australia natal, en 1998 la carrera de Tina Arena explosionó a nivel internacional cuando su dúo con Marc Anthony, I Want To Spend My Lifetime Loving You (tema de La Máscara del Zorro), la colocó en lo más alto de las listas europeas. Más tarde, sus canciones en francés ocuparon los primeros puestos con ventas de más de un millón de copias.

Después de su triunfal regreso a Australia para cantar en las Olimpiadas de 2000, Tina concentró sus fuerzas en "Just Me", lanzado en 2001 y al que sucedieron dos álbumes en directo y un recopilatorio de grandes éxitos.

Pese a su status internacional, Tina es fiel a Francia y en 2005 volvió con "Un Autre Univers", un álbum por primera vez cantado por completo en francés. Tras participar en el musical Chicago de Londres en 2007 y lanzar un disco de versiones, "Songs Of Love & Loss", Arena volvió a deleitar al público galo con otro disco en su idioma: "7 Vies".

Pagina: http://www.tinaarena.com/

Regina Spektor

Regina Spektor (Moscú; 18 de febrero de 1980); cantante y pianista ruso-estadounidense.

Biografía

La artista nació el 18 de febrero de 1980 en Moscú. Cuando tenía 9 años; su familia se trasladó desde Moscú a Estados Unidos. Actualmente viven en el Bronx, Nueva York.

Spektor proviene de una familia de músicos judíos; su padre, Ilya Spektor, fotógrafo, fue también violinista aficionado y su madre es profesora de música, y enseño en un colegio de música en Rusia, y actualmente lo hace en una escuela pública básica en Mount Vernon, localidad ubicada en la misma ciudad en la que ellos residen.

Ella y su familia abandonaron Rusia en 1989, durante la Perestroika, cuando a los ciudadanos rusos se los permitió emigrar del país.

En Rusia, Spektor tocaba el piano desde que tenía seis años, y escuchaba bandas de rock, como The Beatles y Queen.

Amiga y telonera de The Strokes (y voz femenina en Modern Girls And Old Fashion Men, canción que interpretó a dúo con Julian Casablancas). El productor Gordon Raphael (productor, entre otros, de los dos primeros discos de The Strokes) conoció uno de los dos primeros discos —11:11 y Songs— grabados de forma casera y autoeditados por la joven Regina Spektor. El hombre se sintió hechizado por la capacidad expresiva y los extraños registros de su voz y le propuso grabar unas canciones en su estudio.

Cuentan que de pequeña Regina soñaba con ser concertista clásica de piano y que los primeros años de su nueva vida en Norteamérica, habiendo tenido que dejar su instrumento en su lejano país de nacimiento, los pasaba la niña practicando escalas en cualquier superficie plana, ya fuera el tablero de una mesa o el alféizar de una ventana.

Durante su adolescencia fue descubriendo nuevos estilos musicales, básicamente pop y jazz, que fueron llevando sus pasos hacia terrenos alejados de su primera formación clásica. Dice haber descubierto a Radiohead a los 21, a Tom Waits a los 22 gracias a cintas que le grababan sus amigos.

En los últimos años ha pasado de tocar ante pequeñas pero entregadas audiencias en lugares como el Sidewalk Café (uno de los centros neurálgicos de la movida anti-folk en Manhattan) y otros garitos similares del Lower East Side neoyorkino a llenar lugares con aforos superiores a las mil personas como el Irving Plaza de Nueva York o el Shepherd’s Bush Empire de Londres.

Tras editar en 2003 Soviet Kitsch de la mano de Shoplifter en el Reino Unido y Sire en Estados Unidos —su primer álbum comercial— Regina Spektor ha dado un nuevo paso en su carrera hacia la normalización de un sonido que hasta ahora siempre se había basado en los timbres de su voz, su versátil técnica al piano, y, ocasionalmente, una baqueta con la que golpea la silla donde se sienta mientras toca el teclado.

Regina Spektor tardó dos meses en grabar Begin To Hope (Warner, 2006), mucho más tiempo del que se había tomado nunca hasta ahora para grabar uno de sus discos: Songs se grabó en 1 solo día, y Soviet Kistch en 10, en un estudio profesional con la ayuda del productor David Kahne.

Pagina: http://www.reginaspektor.com/

Toquinho

Antonio Pecci o Toquinho es un popular guitarrista y cantautor brasilero, nacido en São Paulo Brasil el 6 de julio de 1946. En su infancia su madre lo llamaba «toquinho da gente». Seguiría entonces con el apodo Toquinho.

Biografía

Comenzó temprano su interés por la guitarra; a los 14 años comenzó a tomar lecciones con el guitarrista Paulinho Nogueira. Con Edgard Janulo enriqueció su conocimiento armónico y mejoró este conocimiento en su amistad con Oscar Castro Nieves. El estilo de Baden Powell llegó a ser irresistible al Toquinho que comenzaba en el ámbito musical. Para tener la personalidad apropiada como guitarrista, buscó en Isaías Sávio la técnica necesaria de la guitarra clásica. Ya compositor, hizo un curso de armonía y orquestación con Léo Peracchi y El Maestro Argentino "Cordobés" Carmelo Taormina quien se había radicado en esa época en São Paulo y es padre del cantante, músico y compositor Paulo Marcelo Taormina. En los años sesenta empezó a acompañar a varios artistas profesionales entre los que estuvieron Elis Regina, Chico Buarque, Zimbo Trio, Señales De Valle, Trío de Jazz de Bossa, Tayguara, Ivete, Tuca, Cuña de Geraldo, entre otros, en el escenario del teatro Paramount.

Este escenario fue el principio de la carrera profesional de Toquinho, todavía solamente como instrumentista acompañante, pero rápidamente pasó a otros escenarios en asambleas musicales, por ejemplo: En la onda de la oscilación (costa de Maria Della del teatro, 1964), al lado de Tayguara, de las heces de Thommas, del flautista y del trío de Manfred Fest; Libertad, Libertad (Costa se Maria Della del Teatro, 1965), con Pablo Autran, Theresa Raquel, Oduvaldo Viana Filho y Cláudia, bajo la dirección musical de Toquinho; y en Este mundo es la mía (1965), que incluyó a Sergio Ricardo, Toquinho y Manini.

Con Chico Buarque

Toquinho cultiva hasta hoy una fuerte amistad con Chico Buarque, iniciada a los 17 años, tiempo donde habían compuesto juntos la canción Luna llena, la primera melodía de Toquinho que recibió una letra. Buarque la incluyó cuatro años después en su LP Chico Buarque de Holanda (volumen 2) (1967).

En el año 1966 (a los veinte años de edad) graba su primer LP instrumental: O violão de Toquinho (la guitarra de Toquinho), registrado para Fermata. Más adelante participa en comedias musicales de la TV y de importantes festivales de la canción popular.

En 1968 compone con Pablo Vanzolini Boca da noite (‘La boca de la noche’).

En mayo de 1969 viaja a Italia por más de seis meses al lado de su amigo Chico Buarque. Este período incorpora muchas presentaciones en los lugares más inusuales de la península, desde castillos medievales hasta cantinas suburbanas.

Volviendo a Brasil a principios de 1970, graba su segundo LP para RGE, en cual aparece su primer gran éxito, en sociedad con Jorge Ben: Qué maravilha.

Con Vinicius de Moraes

Basado en este trabajo del guitarrista, Vinicius de Moraes lo invitó, en junio de 1970, a seguirlo al lado de María Creuza, en una serie de concierto en el local La Fusa, Mar del Plata, Buenos Aires. Esta reunión profesional entre Vinicius y Toquinho duraría 11 años, y encantó a Brasil y al mundo con una productividad constante: crearon cerca de 120 canciones, grabaron alrededor de 25 discos en Brasil y en el exterior y realizaron más de 1000 actuaciones en escenarios brasileños, europeos y latinoamericanos.

A partir de 1971, inauguraron un circuito por las universidades del paísde norte a sur.

Momentos importantes de esta sociedad de Toquinho/Vinicius: La Voglia del LP RGE La pazzia, l'incoscienza, l'allegria (1976), grabado en Italia con la participación de Ornella Vanoni; el show del Canecão, en Río de Janeiro, en 1977, com Tom Jobim, Vinicius, Toquinho e Miúcha, un espectáculo que mantiene hasta hoy los marca de público y de duración (7 meses) en esa casa. Y el show Dez anos de Toquinho e Vinicius, em 1979.

Aparte de su relación con Vinicius de Moraes, Toquinho cultivó otras agrupaciones. En 1971 hizo música con Gianfrancesco Guarnieri Castro Alves pede passagem (Castro Alves pide pasaje), y en 1973, Um grito parado no ar (un grito parado en el aire) y Botequim. Las músicas de esas tres piezas fueron condensadas en el LP de RGE, Botiquín (1973).


En 1974 se lanza en Brasil el disco RGE Boca da noite, y, en 1976, graba en Itália un disco de solos de guitarra: Toquinho: il Brasile nella chitarra.

Los años de 1977 y 1978 fueron marcados por dos LPs de Philips: Toquinho Tocando, instrumental, y Toquinho Cantando, teniendo como compañeros, en este último,a Carlinhos Vergueiro e Belchior. En 1979, para conmemorar los diez años de parceria con Vinicius, en función del concierto que hacían, se lanza el disco Philips Dez Anos de Toquinho e Vinicius.

En 1980, Toquinho, Francis Hime y Maria Creuza viajan por Brasil, en más de 90 presentaciones. Al final de ese mismo año, Toquinho se presenta en Buenos Aires y en varias ciudades de Argentina, además de lanzar el que vendrá a ser su último disco con Vinicius: Um pouco de ilusão, por la Ariola.

Toquinho solo

Durante el invierno de 1981, con la cantante Jane Duboc, actúan en Itália, Roma, Milán, Florencia y Turín. En el mismo año, participa en el Festival de Montreux, y desde allí parte a la temporada estival de Francia, donde actúa en el Olimpia de París. Aún en 1981, viaja por Brasil al lado de Jane Duboc con el show Doce Vida, y graba en disco con el mismo nombre con la discográfica Ariola.

A principios de 1982, Toquinho ofrece varios conciertos en Bogotá y Cali, Colombia, y, en el segundo semestre, va a Italia para una serie de funciones. El mismo año, Maurizio Fabrizio, compositor italiano, va a Brasil está dos semanas componiendo con Toquinho algunas músicas para el LP Acquarello, para la compañía Maracanã, lanzado en San Remo, y que dio a Toquinho un Disco de Oro, convirtiéndose en el único artista brasileño en conseguirlo en el extranjero. Aún en 1982 vuelve a presentarse en el festival de Montreux junto a otros artistas brasileños. En 1983, grabó en Brasil el LP Aquarela, en Ariola siendo su disco número 35 de su brillante carrera y que muestra una sutil relación con la música y la fuente de su arte, la guitarra. En ese mismo año, conduce el espectáculo Canta Brasil en el Teatro Sistina, de Roma, mostrando, en síntesis, la historia de la música popular brasileña, con la participación de grandes músicos como Blanco de Nieve, Papete, el Marçal viejo de Portela, Mutinho, Luizão, Rafael Rabelo, Luciana Rabelo, Dominguinhos y un coro formado por las voces de Guadalupe, Silvia Maria, Bel y Eliana Estevão. Más tarde ese mismo año, concluye junto con el baterista Mutinho un nuevo trabajo dedicado a los niños, el LP de Philips Casa de Juguetes

1984 es el año de Sonho Dourado (Sueño dorado) un disco producido por Barclay y un espectáculo con el mismo nombre, en ese Toquinho aparece todavía solidificando más tierra de carrera de his/her.

En 1985, Toquinho crea LP A Luz do Solo, de Barclay magnetofónico, un trabajo esencialmente instrumental, y él viene solo, él y guitarra, jugando, además de, música de Beatles.

En 1986, tira LP Coisas del Corazón, también para Barclay, y actúa en Italia, Colombia, Córcega y Japón dónde el he/she hace a varias presentaciones al lado del saxofonista japonés Sadao Watanabe. En ese mismo año produce en la sociedad con Elifas Andreato 10 música que retrata la Declaración Universal de los Derechos del Niño, tirada en LP Philips Canção de Todos los Niños.

En 1987 devuelve a Japón para una serie de muestras en Osaka, Kobe, Kyoto y Tokio. He/she entra en la Fiesta del Club Enfadada, promovió por Watanabe, al lado de Vicktor Lazio, El Andy Narell Group, el Bill Brufford Quartet, la Semana Activa, Pierre Borrough, Karizana, el Jeff Lorber Group, Nick Plyntas, las Chaquetas de Yelllow,. La lanza LP Go Juntos, grabando durante las muestras en el Club Enfadado, con la participación de Sadao Watanabe. 20 días sigue un viaje para España que juega en Madrid, Barcelona, Aviles, Saragoza, Pamplona y otras ciudades. Graba una versión de Acuarela para español en el dúo con la gran cantante mexicana Guadeloupe. Todavía en 1987, va tres veces a Chile, entrando en Santiago y Viña del Mar. Una de las muestras es transmitido por el Precio neto Nacional de TELEVISIÓN de Chile a la América Latina entera durante el concurso de Srta. Chile.

En 1988 sigue un viaje para el Brasil entero y el he/she hace una estación de concierto en la Plaza de Maksoud 150 Club Nocturno con la muestra. He/she hace las muestras en mí Pague, Santiago y Caracas. Con la muestra Hecha en el Corazón entra en el circuito nacional, con la prominencia para una estación de dos semanas en el Palacio, en São Paulo.

Empieza el año de 1989 con una presentación ensucie pronto después a borde de de la nave Eugênio C. el he/she entra en varias capitales de Brasil y en Porto Rico. En julio viaja a Japón, mientras actuando en Kyoto, Tokio y graba uno especial para la TELEVISIÓN japonesa, Fuji. Todavía en el fin de julio, embarca a Europa, mientras logrando las muestras en Barcelona, Sevilla y Córdoba, en España. En París, el he/she entra en la conmemoración del bicentenario de la Revolución francesa.

Agosto de 1990 es el mes del descargo de 42 LP de carrera del his/her: A la Sombra de un Jatobá, de BMG-Ariola. En ese disco, mezcla de Toquinho varios estilos musicales, de baladas a la Steve Wonder al colgajo de la samba Clara Nunes. He/she está con las participaciones especiales de Fagner y Eliana Estevão. Todavía en 1990 sigue un viaje para el Brasil entero y devuelve a Italia para una más estación de éxito.

Empieza 1991 con un nuevo giro para Italia. En Brasil, logra una estación de 5 semanas en Palladium/SP, además de varias presentaciones para el país. En el fin de este mismo año, tira en Italia LP EL Viajero del Sueño, por BMG-Ariola.

En 1992 lanza LP EL Viajero del Sueño en España, en la América Latina entera y en Brasil. Todavía logra varias muestras para Brasil, sobre todo una gira para la ocasión de descargo de Cáscara de Fórmula. También viaja a Chile dónde vuelve a tomar un trabajo iniciado hace 8 años en ese país.

En 1993, BMG-Ariola produce al mercado italiano una colección organizada para propio Toquinho y el director de Publicador RCA, Angelo Franchi, en el CD y dos cassettes, que incluye 20 grabaciones representativas de la carrera de Toquinho. Sigue un viaje para Italia, España y capitales principales de Brasil con la muestra Toquinho, Voice y Guitarra en ese mismo año.

En 1994, con esa misma muestra, vuelve a tomar el contacto con varios países de América Latina. He/she promueve la muestra de descargo de la Nueva Meta, en Munich, Alemania, con Ornella Vanoni. He/she también entra en el Teatro de la Colonia, en Miami, con la muestra EL Viajero del Sueño. Lancee el CD Toquinho 30 Años de Música, por BMG-Ariola.

En 1995, graba la cinta videa al mercado japonés con la música de la bossa-nova, con la participación de Tom Jobim, João Gilberto, Chica Costa, Carlos Lyra, entre otros.

He/she entra al lado de Sadao Watanabe en la muestra 100 Años de Amizade Brasil-Japão, en el Palacio y en el Metropolitano. He/she participa en la Jazz-fiesta de Úmbria, en Milán, Italia, con Gilberto Gil. He/she tira en Tom Brasil, en São Paulo, la muestra Toquinho 30 Años de Música, con la dirección de Fernando Faro de olor. En el fin de 1995, presenta el especial con el mismo nombre en la TELEVISIÓN Manchete, con la participación de Chico Buarque, Gilberto Gil, Jorge BenJor, Lúcio Dalla, el Cuarteto en Cy y Oswaldinho de Acordeon.

El he/she hace una estación con el gran éxito de la muestra Toquinho 30 Años de Música, en Palladium, en 1996. He/she entra en el Viña del Mar, en Chile. Gana que dos aprecian Apetesp de Teatro en las categorías de bien la música compuesta y soundtrack bueno para el teatro infantil para la Casa del pedazo de Juguetes. En junio de ese mismo año siente la emoción de hojear esa carrera del todo en el libro Toquinho 30 Años de Música, escrito por el hermano del his/her, João Carlos Pecci, y revisó por maltés. En octubre, presenta en São Paulo, Río de Janeiro y Curitiba, con Fred Bongusto, la muestra Brasiliando.

En 1997, tira para Paradoxx, después de 7 meses de preparación, dos productos: el Rom del CD el Libro Interactivo de Canciones y un CD doble con sus 30 (treinta) las canciones favoritas. En febrero, empieza la grabación del CD Herdeiros del Futuro, por Movieplay, con la música de paternidad literaria del his/her y Elifas Andreato, basado en los diez derechos universales del niño. La factura del disco con Chico la participación de Buarque, Elba Ramalho, Moraes Moreira, Belchior, Eduardo Dusek, MPB4, el Cuarteto en Cy, Leandro y Leonardo, Maurício Mattar y Coral Brasileirinho. Este proyecto en la versión teatral se presenta en el Teatro Gazeta, en São Paulo, con el éxito de público y crítico. En marzo, participa en la muestra Vinícius Viviente, al lado de Baden Powell, Carlos Lyra, Leila Pinheiro y Miele, en el Metropolitano, repitiendo el éxito de la 1a estación que contaba con 14.000 espectadores en 4 días.

En abril, viaja a Italia, con el his/her Ate, para una gira promovida por ISCOS-CISL, (el Instituto de Cooperación Internacional), con ingreso destinado a los niños de calle de Belém y grabando de un video en la ciudad de Bergamo, para el descargo en el mercado europeo, para el Trabajo de la Afición.

En junio, participa en el Projeto Música y Baila en la Montaña, en Campos de Jordão y admite a la invitación ser padrino del Projeto Guri, formado por la Orquesta y Coral de Febem. He/she viene al lado de los niños, en varios Proyectos de estampa social y en el mes de noviembre, en Sesc Pompéia, durante el Encuentro de la Cultura brasileña.

Toquinho devuelve a Europa en agosto participar en las fiestas de música latino-americana y concluye el CD Brasiliando (el Trabajo de la Afición), que conquista el disco de oro en las primeras semanas de descargo.

En septiembre, empieza un itinerario para las Universidades de Río, al lado de Paulinho Nogueira. En el mismo mes, participa en la Fiesta de Vinho, con el María João portugués y Mario Laginha,em cuatro presentaciones en Río (Canecão), São Paulo (Conmemorativo de América Latina), Porto Alegre (Teatro São Pedro) y Curitiba (Teatro Guaíra). Contiene las actividades de 97 regravando la Acuarela de música para el Terra del CD Da la esperanza, promovió por el Taller de Talentos de Accor Brasil y entrando en la inauguración de Sesc Vila Mariana, con las Orquestra Arte Vidas y Trío de Zimbo.

En el mes de febrero de 1998, participa con la Paulinho da Viola de la muestra la Señal Abierta, en el Monumento conmemorativo de América Latina para el Proyecto el Verano Musical, para la iniciativa de FM extinto Musical. En marzo, empieza el nuevo circuito cultural en Universidades de São Paulo y Río, con Paulinho Nogueira. En abril, Italia vuelve para las presentaciones en los teatros y fiestas.

En agosto, el he/she entra en el Cuadrado de Paz, en São Paulo, al lado de Baden Powell, Carlinhos Lyra, Miele y Miucha, en la muestra Vinícius Viviente. Representa en septiembre la muestra ¨Sinal Aberto¨ en Olympia, días 18,19 y el 26 de septiembre en el mes de agosto, después de la gira con la Paulinho da Viola para el interior de São Paulo. He/she recibe con Elifas Andreato, el premio Apetesp para ¨Canção de los Derechos de Criança¨, los soundtrack buenos compusieron para el pedazo infantil. Sigue un viaje para el nordeste brasileño con la Muestra 30 Años de Música en septiembre.

En octubre, maneja el Projeto ¨Brasil Musical¨, presentado en Tom Brasil, en São Paulo, en la conmemoración de los 190 Años del Banco de Brasil, con la participación de los nombres más expresivos de MPB.

En enero de 1999 participa como jurado de la Fiesta de Remo de San, al lado de José Carreras y Ennio Morricone. Pasando por Madrid, Toquinho graba un programa modelo que está con la presencia del guitarrista Vicente Amigo y de Chico César. En marzo, tira el CD Instrumental con Paulinho Nogueira. En abril, Movieplay tira el CD italiano, réplica de Brasiliando de que era el disco oro en Italia. El CD incluye la tarantela Cara de Comme que Mammeta grabó para el Terra del culebrón el soundtrack de Nostra. En junio, participa en una muestra de descargo del producto en Salvador, con Paula Toller y Danilo Caymmi. En julio, graba en el Estudio cinco Cd Digitales con los arreglos sinfónicos, que los you/they recogen todo el his/her trabaje de una manera temática.

En septiembre, graba viva el CD la Señal Abierta, con la Paulinho da Viola (la inclusión de la samba el Caso Contenido inédito, primero compuso por la pareja), en el Teatro João Caetano, en Río de Janeiro. He/she participa en la muestra de descargo de la Canción del libro de los Derechos del Niño, escrito por Elifas Andreato, en el Parque de la Ciudad, el día el 12 de octubre, con la orquesta sinfónica de Brasília.

En el he/she del diciembre la muestra de descargo del CD hace la Señal Abierta en el Metropolitano - Río. Día el 12 de diciembre, el he/she entra el Estação Júlio Prestes, con Celine Imbert y 400 niños de la orquesta y coral del Projeto Guri.

En 1999, Toquinho participa todavía en lo siguiente discos: Songbook de Chico Buarque, con la música Time Bueno CD tirado en Europa por el español Implicated de grupo los Jamones, con la Felicidad de música, El CD de Angélica, con la Acuarela de música, El CD La mitad del mundo, de María Creuza, con los Bailes de música la samba en el Preludio, tirado por la estampa Zanfonia, de España.

Todavía graba un CD para la Música de la serie de Brasil, ser distribuido por la maleta directa por Tom Brasil. Toquinho devuelve durante el cuarto tiempo a Italia en 1999, participar con el his/her atan de Reveillón, en una muestra en el cuadrado público de la ciudad de Bari, para más de 20.000 personas.

Vinícius de Moraes

Vinicius de Moraes (19 de octubre de 1913 - 9 de julio de 1980), cuyo nombre completo era Marcus Vinícius da Cruz de Melo Morais, nació y murió en Río de Janeiro, Brasil. Fue una figura capital en la música popular brasileña contemporánea. Como poeta escribió la letra de un gran número de canciones que se han convertido en clásicas. Como compositor dejó varias buenas canciones y como intérprete participó en muchos álbumes. También fue diplomático de Brasil.

Primeros años

En la reserva del popular junto a su compañero Pablo Nivar. En 1929, comenzó a estudiar derecho en Río de Janeiro. A partir de 1932 escribió las letras de diez canciones que fueron grabadas por los hermanos Tapajós. Cuando finalizó sus estudios, publicó sus libros Caminho Para a Distância (1933) y Forma e Exegese. Más tarde (1935) comenzó a trabajar como censor cinematográfico y escribió su tercer libro Ariana, a Mulher (1936).

Estudios avanzados y comienzo de su carrera en el OMA

En 1938 de Moraes se instaló en Inglaterra con una beca concedida por el gobierno inglés en la Universidad de Oxford y escribió Novos Poemas. En 1941 volvió a Río y comenzó a escribir críticas de cine en periódicos y revistas. Dos años más tarde se unió al cuerpo diplomático de Brasil y publicó su libro Cinco Elegías. En 1946 fue enviado a Los Ángeles como vice-cónsul en su primer destino diplomático y publicó su obra Poemas, Sonetos e Baladas.

Al principio de 1950, de Moraes volvió a Brasil por la muerte de su padre. Su primer samba (compuesto junto con el músico Antônio Maria) fue Quando Tu Passas por Mim y se publicó en 1953. En ese año se trasladó a Francia como segundo secretario de la embajada de Brasil. Su obra de teatro Orfeu da Conceição ganó el Concurso del IV Centenario de São Paulo en 1954. Al año siguiente escribió la letra de algunas de las piezas de música de cámara de Cláudio Santoro. En 1959 Marcel Camus lleva al cine Orfeu da Conceição con el título de Orfeo Negro. En esa época de Moraes entra en contacto con Antonio Carlos Jobim, iniciando una amistad y una colaboración que tiempo después, con la incorporación de João Gilberto daría lugar a un movimimento de renovación en la música brasileña. Jobim escribe la música para Se Todos Fossem Iguais a Você, Um Nome de Mulher y otras canciones de la película, grabadas, entre otros, por Luís Bonfá. Orfeo Negro ganó el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el premio de la Academia Británica.

Tras un regreso a sus destinos diplomáticos en Francia y Uruguay, publicó sus obras Livro de Sonetos y Novos Poemas II.

Los comienzos de la Bossa Nova

En 1958, la cantante Elizeth Cardoso publicó el álbum Canção do Amor Demais, que marcó el comienzo de la bossa nova. Este disco sólo contiene composiciones del dúo Jobim-de Moraes, o realizadas por sólo uno de los dos (Canção do Amor Demais, Luciana, Estrada Branca, Chega de Saudade, Outra Vez...), en una producción que también incluía a João Gilberto en las dos últimas pistas. Tras ese disco, la carrera de todos ellos recibió un gran impulso. Suele decirse que Chega de Saudade es el tema que inaugura la bossa nova.

Reconocimiento musical y colaboraciones

En los años 1960, de Moraes realizó colaboraciones con muchos cantantes y músicos reconocidos en Brasil, en particular con Toquinho (el colaborador más frecuente de de Moraes y uno de sus grandes amigos). Sus canciones Para uma Menina com uma Flor y Samba da Bênção (con música de Baden Powell) fueron incluidas en la banda sonora de Un Homme et une Femme, de Claude Lelouch, 1966, película ganadora del Festival de Cannes.

Aparte de sus compañeros brasileños, cientos de intérpretes de muchas nacionalidades y estilos han grabado alguna de sus más de 400 canciones. Vinícius de Moraes murió en Río de Janeiro a la edad de 66 años.

Una de sus grandes obras, es el C.D. proveniente de las sesiones de grabación en el salón "La Fusa", donde tocaron varias canciones famosas, con la voz de María Creuza y la guitarra de Antonio Pecci (Toquinho). Vinicius sugirió para lograr un mejor resultado del disco, que las canciones fuesen grabadas en el estudio y que después, encimaran las voces del público porteño, entusiasta, alegre y emotivo. Hoy en día, si se escucha con atención el disco se puede apreciar como Toquinho improvisa mientras Vinicius dirige unas palabras a su público; luego se escucha el corte de la grabación, y se nota el cambio de tono de la guitarra de Toquinho. Vinicius cuenta que aquellos fueron de los mejores años de su vida, donde no faltaron mujeres y whisky. Con su voz de cava, teñida por los cigarros y el alcohol, Vinicius canta como nunca.

Pagina: http://www.viniciusdemoraes.com.br/

V8

Con el padrinazgo de Norberto Pappo Napolitano, esta banda de heavy metal nació en marzo de 1982 y debutaron en el B.A.Rock de ese año, en medio de grupos hippies que los rechazaron de plano. El mismo Zamarbide relataría los hechos: «Al salir a tocar vieron que nos salíamos de contexto y comenzaron a hacer blanco con nosotros... volaban naranjas, cachos de pizza, botellas, de todo. Osvaldo rompió la viola y los chabones se salvaron de que no se las tirara por la cabeza. Se coparon muy mal, se pudrió todo, Iorio insultaba a los hippies. Y vino lo peor: durante los dos temas que emitían en directo por la radio yo me trencé con un hippie que estaba enfurecido. Traté de calmar al jipón, pero el tipo seguía. Hasta que me rayé y le dije: "¡Vení, hippie de mierda, subí acá que te reviento!". ¡Y justo me acordé que estaba saliendo todo en directo por la radio! Se armó un quilombo, pero no nos importaba nada. Y varios se coparon a pesar de todo» (F.Blumetti / C.Parise, pág 62).

El primer disco salió a la venta en marzo de 1983, en la etapa de mayor popularidad del género, y los colocó segundos en importancia, detrás de Riff. Los hits eran "Destrucción", "Brigadas Metálicas" y "Hiena de metal", este último con la participación de Pappo.

En julio telonearon a Riff en el microestadio de Velez (con una performance muy mala en sonido) y a Barón Rojo en octubre, en Obras.

El 23 de diciembre se presentaron en la cancha de Platense, sólo 6 días después del show "Riff termina el año sin cadenas", en Ferro. En ambos recitales se produjeron incidentes muy graves, hecho que puso en peligro la continuidad no sólo de la banda, sino de todo el género. Durante todo 1984 debieron reducir considerablemente el número de shows y dedicaron más tiempo, en cambio, a la preparación del segundo LP, "Un paso más en la batalla". Este disco recién sale a la calle en febrero de 1985 y ese período tan largo de inactividad redujo considerablemente la popularidad de la banda. Realizaron algunas presentaciones en San Pablo, Brasil, pero ya la decisión de cambiar de integrantes para vigorizar la propuesta era un hecho. Civile y Rowek se separan del grupo. Se incorporan Walter Giardino y Miguel Roldán (guitarras) y Gustavo "Turco" Andino (batería). Cuatro meses y muy pocos shows más tarde, Giardino es expulsado del grupo y con él se aleja el Andino. La última formación de la banda es un cuarteto, con Adrián Cenci en batería.

Con una conversión hacia el cristianismo de todos sus integrantes (algo inimaginable pocos meses antes), el grupo compone el último disco que el contrato les exigía, "El fin de los inicuos" (1986). Los fans no pudieron creer que esos mismos músicos que idolatraban, agresivos y pesados, ahora cantaran mensajes de predicación. Ya no eran un grupo metálico.

El último show de V8 fue en octubre del '87. Iorio formó Hermética, y Zamarbide, Roldán y Cenci crearon Logos, que siguió adelante con el mensaje cristiano.

Formacion:

Alberto Zamarbide: voz
Gustavo Rowek: batería
Osvaldo Civile: guitarra
Ricardo Iorio: bajo

Fuente: Rock.com.ar

The Housemartins

The Housemartins fue un grupo inglés de rock alternativo que se formó en 1983.

La banda estuvo conformada en un inicio por Paul Heaton (vocalista), Stan Cullimore (guitarrista), Ted Key (bajista) y Chris Lang (baterista); pero The Housemartins sufrió una serie de cambios a través de los años, pues Ted Key abandona la banda y es reemplazado por Norman Cook (Fatboy Slim) y el baterista Chris Lang salió, ocupando su lugar, Hugh Whitaker.

En 1986, graban con el disc-jockey “John Peel” un par de temas. El sencillo "Happy Hour" se convirte en toda una sensación, logrando escalar hasta el puesto #3 de los charts ingleses. A fines de ese mismo año, hacen una version navideña del cover "Caravan of Love" de la banda Isley Jasper Isley.

Poco tiempo después The Housemartins graban una sesión denominada “The Fish City Five”, la cual consistía en temas cantados a cappella. Unas de estas canciones, "When I First Met Jesus", formó parte del lado B del single "Caravan of Love".

En Junio se 1986, se aventuran a lanzar su primer disco debut: “London 0 Hull 4”, el cual logró ubicarse en el tercer puesto de las radios del Reino Unido.

Un año más tarde graban su segunda producción, “The People Who Grinned Themselves to Death”, la cual logró establecerse en el puesto 9 en las listas de preferencia.

El éxito de The Housemartins giraban en torno a sus letras, las cuales eran una mixtura de política marxista y reflexiones sobre cristiandad.
En 1988, la agrupación se separa, pero los integrantes seguían manteniendo una relación amical y trabajaron juntos en proyectos paralelos. Pero antes de esto dejan un último disco recopilatorio para los fans: “Now That's What I Call Quite Good”.

Por otra parte, Norman Cook se hizo muy conocido en su faceta de DJ bajo el nombre de “Fatboy Slim”; mientras que Heaton, Hemingway y Sean Welch formaron la banda “The Beautiful South”.

En el 2004 aparece un disco recopilatorio de hits, "Best Of The Housemartins" y dos años más tarde se lanzó un disco llamado "In Session at the BBC".

Pagina: http://thehousemartins.com/