Caetano Veloso

1942:
Caetano Veloso nació en Bahia (Brasil), región pintorescamente denominada ‘Santo Amaro da Purificacao’. Antes de que cumpliese un año su familia se muda a la región rural de Salvador, y es allí donde, por primera vez, Caetano Veloso se enamora de la música. Frente al deseo de la mayoría de los padres brasileños de que sus hijos se conviertan en profesionales de carrera, el niño Caetano ya sabía lo que sería de mayor: artista. Pronto ansía emular a su colega compositor Dorival Caymmi, que logra viajar a Río de Janeiro, sede del apogeo musical. De momento Veloso depura el tiempo entre la poesía y la música esperando que llegue su turno. Sin embargo, sucederá antes de lo que se imaginaba.

1965:
En la capital la cantante Nara Leao brilla en el musical “Opinion”, donde interpreta la canción cumbre del espectáculo, “Carcara”, compuesta por Joao do Vale. El cartel de “no hay entradas” se cuelga a diario, pero el infortunio está por llegar. Leao abandona el show y éste se encuentra en peligro de desaparecer si no se encuentra una sustituta de garantías. Entre todos los nombres de candidatas apuestan por la recomendación de la propia Leao, que no es otra que Maria Bethania, casualmente la hermana de Caetano Veloso (que acompaña a Bethania a Río de Janeiro con un equipaje reducido a sus canciones y sueños).

Gracias a la poderosa voz de su hermana, Caetano consigue grabar sus primeras canciones que, inevitablemente, suponen sus primeros éxitos.

1966:
Veloso gana el premio de Mejor Letrista con la composición “Um Dia” en el Festival de TV-Record. Esto le permite firmar su primer contrato con el sello Philips. Junto con Gal Costa graba su primer álbum, “Domingo”, cuya pieza central se titula “Coracao Vagabundo”, dedicada a la chica que se convertiría en su esposa: Dedé.

1967:
Sus apariciones frecuentes en el programa de TV “Esta Noite Se Improvisa” le convierten en un personaje cada vez más popular. Su canción “Alegria” logra el cuarto premio en el III Festival de TV-Record. Pero en sí el hito está en que es la primera vez que una pieza premiada contiene un acompañamiento de guitarras eléctricas. Esto le catapulta a la máxima popularidad. Se casa con Dedé en una ceremonia hippie que marca época y crea escuela en Brasil.

1968:
Por razones meramente políticas Caetano Veloso se ve obligado a exiliarse (pasa un tiempo en la cárcel con Gilberto Gil acusados de ser los máximos alentadores tropicalistas). Pero antes de emigrar a Londres, Veloso y Gilberto Gil actúan en el teatro Castro Alves en Salvador, la ciudad donde vivió su niñez. El concierto se graba en directo y se publica un álbum, “Barra 69”. Desde la capital británica Veloso envía sus composiciones a Elis Regina (“Nao Tenha Medo”), a Gal Costa (“London London” y “Voce Nao Entende Nada”), a Erasmo Carlos (“De Noite Na Cama”) y a Roberto Carlos (“Dois e Dois”). Él mismo publica un single que se convierte en un gran éxito, “Irene Rír” y consigue grabar su primer trabajo en inglés. Comienza a actuar en diferentes países europeos.

1972:
Después de realizar algún que otro viaje aislado para visitar a sus padres, Caetano regresa a Brasil definitivamente. Comienza a aparecer en diferentes festivales de Rio, São Paulo y se recorre todo el país actuando fundamentalmente en universidades. Graba el álbum “Transa” y produce el nuevo trabajo de su hermana Bethania, “Drama - Anjo Exterminado”, el cual contiene muchas canciones suyas. En noviembre la ciudad de Salvador acoge un concierto histórico: “Caetano e Chico Buarque ao Vivo na Bahia”, que se publica en un álbum en directo. Caetano tiene su primer hijo: Moreno.

1975:
Salen al mercado dos nuevas entregas de Caetano, “Joia” y “Qualquer Coisa”, que contienen muchas canciones de los Beatles. Un año después se junta con Gilberto Gil y Gal Costa, así como con su hermana Bethania y se autodenominan Grupo Ballano, nombre bajo el que recorren Brasil con su espectáculo “Doces Bárbaros”. Como ya empieza a ser costumbre, de esta gira nace un álbum. Pero, además, es la primera vez que también se filma el acontecimiento en una película.

1978:
Aparece una antología de todas las canciones que Caetano ha compuesto anualmente expresamente para cada Festival de Rio de Janeiro. Él y Bethania actúan por primera vez solos. En un principio se trataba de un concierto único en Salvador, pero el éxito les permite comenzar una gira por todo el país. Los críticos califican el encuentro (publicado en otro álbum) como la cúspide de la creatividad, talento y sensibilidad, lo que ayuda para que “Caetano&Bethania” se convierta en un best-seller. Caetano es ya una estrella mundial y su música se disfruta regularmente en el Olimpia Theatre de Francia o en Argentina. Sus discos se venden por toda Europa, Latinoamérica, Estados Unidos, Israel y Australia.

1980:
Aparece una recopilación titulada “Brasil” con canciones de Caetano, João Gilberto, Maria Bethania y Gilberto Gil. El álbum triunfa alrededor del mundo y en Brasil es considerado una antología de su historia musical.

1981:
Caetano publica “Outras Palabras”, su primer trabajo que logra un disco de oro y el trofeo Vinicius de Moraes, en la categoría de mejor cantante. El famoso periodista brasileño Liuz Carlos Maciel escribió sobre Caetano: “Puede ser comparado con John Lennon y Bob Dylan en cuanto a la influencia que ha ejercido sobre su generación”.

1983:
El año más internacional de Caetano hasta entonces. Entrevista a Mick Jagger durante la inauguración del programa de TV “Internacional Connection”. Actúa en París, en Israel y, por primera vez, en los Estados Unidos. Las entradas para sus tres conciertos en Nueva York se agotan con mucha antelación. Y Robert Palmer, crítico musical del New York Times, califica a Veloso como “el ganador. Quien ha traído los nuevos ritmos de Brasil”. Después de celebrar su 41 cumpleaños regresa a Europa acompañado de Gal Costa, Gilberto Gil, Joao Gilberto y otros artistas para celebrar un macroconcierto en Roma, denominado “Bahia de Todos os Sambas”. Caetano consigue su tercer disco de oro por “Uns” y “Queixa”, y su álbum “Voce e Linda” se convierte en el mayor éxito radiofónico. El primer compact disc brasileño se publica en Alemania para su distribución mundial y contiene la canción de Caetano “Queixa”.

1985:
Caetano actúa tres noches en Lisboa (6.000 asistentes cada día) y una en Madrid (8.000), junto con su hermana. Un año después dirige su primera película, “Cinema Falado”, que se paseará por festivales cinematográficos en el 87. En este mismo año actúa en España, Portugal y Nueva York, y comienza a preparar su 21º álbum, “Caetano”.

1992:
Es el año de “Circulado Vivo”, para muchos su obra maestra, salpicada de bosanova y tango. Sus conciertos consiguientes son los más bellos que jamás haya ofrecido y se editan en video.

1993:
“Tropicalia 2”, un disco en directo con Gilberto Gil, celebra sus 25 años de amistad y otros tantos del nacimiento del movimiento.

1994:
Caetano sorprende con un disco enteramente cantado en español titulado “Fina Estampa”, el más popular en los países hispanohablantes por razones obvias (sin desdeñar su indudable magia y calidad). Es la primera vez que interpreta canciones ajenas, clásicos de la música latina que Caetano solía escuchar durante su infancia. Es su trabajo que más copias ha vendido fuera de Brasil.

1995:
El proyecto “Fina Estampa” se completa con “Fina Estampa ao Vivo”, una grabación en directo arropada por la compañía de una orquesta sinfónica (dirigida por Jacques Morelembaum, personaje ‘oculto’ pero clave en los discos de Caetano) grabada en el Teatro Metropolitan de Río de Janeiro. Incluye cinco canciones de antiguos álbumes de Caetano más piezas clásicas de los años cuarenta y de la historia de la música latina -la esencia de la obra.

1996-2000:
El cine atrapa a Caetano después de su fructífera escapada latina ( en 1996, 97 y 99, por dos veces, edita sendas bandas sonoras). Debe reseñarse específicamente su homenaje a Fellini en “Omaggio a Federico e Guilietta”, grabado en directo, en el que Veloso explora las partituras de Nino Rota, el compositor favorito del legendario director de cine italiano. Pero en 1998 marca un hito en su discografía con “Livro”, uno de sus mejores álbumes. Similar en estilo y producción al extravagante tecno-pop de “Estrangeiro” (1989), “Livro” culmina esos devaneos conectándolos íntimamente con los ritmos brasileños más ancestrales. Consigue un disco audible para oídos poco educados y para los que tienen costra de bosanova. Así, logra aunar público, crítica y búsquedas estilísticas en una de sus obras cúspide, lo que es decir mucho en la extensa despensa de Caetano.

2000-2002:
El año 2000 fue otro año agitado para CV: le invitaron al acontecimiento del año " Pavarotti and friends" y a finales de año publica "Noites do Norte". El álbum fue recibido de nuevo con entusiasmo por el público y los críticos que elogian la capacidad del artista por mantener su creatividad en constante renovación. Después de un corto descanso, Caetano comenzó una extensa gira en junio del 2001 por todo el mundo: "Noites do Norte"- El tour- le llevó por todo Brasil, Francia, Portugal, Alemania y Argentina. En Italia, además, dio un concierto privado para celebrar el 80 cumpleaños de Michelangelo Antonioni y recibió de éste, el premio "Antonioni" creado por el prestigioso director para honrar a las personalidades que más contribuyen al mundo del arte.

Caetano Veloso participa en la película "Hable con ella" de su amigo Pedro Almodóvar. La versión de "Cucurrucucú Paloma" toma nueva dimension entre las manos de estos dos genios. Esta versión queda incluida en el último disco de Caetano Veloso: Freequency (Gran Vía Musical) edita ''Lo Mejor de Caetano Veloso" en España, la recopilación definitiva de toda la trayectoria de este mito y genio de Bahía.

2002-2004:
Después de dar conciertos por todo el mundo durante dos años, al principio con la banda de Noites Do Norte y posteriormente en solitario, publica en el 2004 la versión anglosajona del Fina Stampa, A Foreign Sound, sus canciones preferidas del otro lado del océano.

Pagina: http://www.caetanoveloso.com.br/

Antonio Birabent

La trayectoria de Antonio Birabent se ha consolidado por diferentes caminos artisticos y expresivos si bien la musica siempre ha sido su base y su esencia. Desde la grabación de su primer disco en 1993 hasta el 2005 ha compuesto, producido y registrado nueve discos. Sus primeras composiciones datan de fines de los '80, cuando volvió a vivir a la Argentina despues de una larga etapa en España. En el año 1990 formó parte de la banda de su padre, Moris, como guitarrista, y posteriormente inició su carrera solista (su caso es prácticamente excepcional en el rock argentino ya que nunca tuvo un grupo con el que llegara a ser conocido, siempre se mostro como solista), al principio en pequeños shows y a partir de 1993 (con el estreno de la película "Tango Feroz" y la grabación de "Todo este tiempo") para un público más masivo.

Pero además Antonio ha participado como actor en peliculas ("Tango Feroz", "El Impostor", "Lisboa", "Sabes nadar", "Stephany o Pequeños Milagros") prestigiosas series de television ("Verdad-Consecuencia", "Por ese palpitar" o "Epitafios") y se ha desempeñado como conductor de dos programas que hicieron historia en el rock argentino ("Rocanrol" y "La Cueva") y actualmente en un programa radial.

Su nombre trascendió en la escena del rock a poco de nacer: un amigo de su padre, nada menos que Litto Nebbia, le había dedicado un tema de Los Gatos, "Antonio". Gran debut para un chico cuyo crecimiento no sería fácil. Porque Antonio, siendo un niño, tuvo que cambiar de barrio, de ciudad y de país, en el 76, cuando su padre armó las valijas porque aquí se había hecho la noche, y toda la familia Birabent se instaló en Madrid. Allí Antonio pasó por el colegio, tuvo su primera novia y su primera guitarra, y también insinuó allí sus primeras canciones. Hasta que entrados los 80, siempre de la mano de sus padres, volvió a su Buenos Aires natal.

Mientras componía y cantaba y formaba un par de bandas que nunca salieron de las salas de ensayo, escribía en el diario El Cronista y Clarín (sobre musica y sobre Buenos Aires, su gran pasión) y comenzo a conducir en TV en el ciclo Rocanrol, que arrancó por América y siguió en cable. Y a mediados de aquel decisivo año 93, con El oso que había cantado en la película Tango Feroz sonando en las radios, Antonio tomó la decisión que venía madurando y dejó las demas actividades de lado para dedicarse de lleno a la música.

Tomó una sala de ensayo en los legendarios estudios TNT, contigua a la que tenía Moris, y con el entusiasmo de los debutantes comenzó a definir los temas que estarían en el repertorio de su primer álbum. Y en diciembre de ese mismo año grabó su primer disco, "Todo este tiempo", producido por el chileno (radicado en Europa) Carlos Narea, y acompañado por su banda. Tuvo además dos invitados famosos y de lujo: Andrés Calamaro en órgano, en "Soñando por mí", y Fito Páez en piano y órgano en "Tan frágil".

El disco salió en marzo del '94 saltó a las bateas. Ese debut fue auspicioso. Las radios eligieron "Salgo a caminar", "Yo nunca te dije" y "A mí la lluvia". Las ventas de "odo este tiempo" llegaron a las 30 mil unidades, con lo cual ganó un disco de oro que jamás recibió y además su nombre trascendió incluso fuera de las fronteras argentinas, a través de la rotación de sus videos. Por eso no extrañó que tuviera la oportunidad de hacer un segundo disco. En esa obra, "Morir y matar" (editado en el '95) contó con la producción de un experimentado Cachorro López y con otro famoso como invitado: León Gieco cantó con él en "Siete vidas". Este segundo disco presentó otros temas interesantes, como el difundido "Vi-Viví", donde aparecen rastros de su pasado madrileño: "Y al final de todo, solo estás vos, y si quieres digo tú y te lo digo en español: con tu sexo y tu pasión, ¡oye, niña, me alucinas mogollón!". También se destacaban "Hay pibes", "Oasis", "El juego", "Tres de Amor" y la version de "Across the Universe" junto al stickista Guillermo Cides. El disco ya preanunciaba su contacto con las máquinas y una busqueda artístita distinta. Pero la repercusión comercial fue menor que en la vez anterior: el disco vendió 12 mil unidades. Y eso, para una compañía multinacional con mayores aspiraciones y requerida de éxitos instantáneos, era poco. Tambien para esa compañía participa en varios discos entre los que se destacan el homenaje a Sumo y a Carlos Gardel en el Teatro Cervantes (con "Ojos de terciopelo" y "Melodia de arrabal", respectivamente).

En 1996 se le presentó la oportunidad de incursionar en la actuación en TV (en esa epoca estudiaba teatro junto al actor Julio Chávez). Así, Antonio asumió uno de los principales roles del ciclo "Verdad Consecuencia", y lo hizo con mucho éxito. Tal es así, que muchos dudaron de que volviera a la música. Dudaron muchos, pero él no. Durante los dos años de trabajo en la tele siguio experimentando con la y ampliando su círculo artístico. De hecho, durante los años 96 y 97 piensa y graba el disco "Azar" y lo produce junto a Luis Volcoff y Andres Fogwill. Convencido de que publicar discos por una compañía multinacional no era lo más conveniente, decidió armar una compañia propia (Sitos Laterales) con la que graba y presenta el disco en su propia casa. "Azar" fue un disco de canciones llenas de texturas sonoras, en el que se relacionó con la canción electrónica. "Son canciones ambientales, de living contemporáneo, y de búsqueda", dijo al presentar el disco en junio de 1998. "Siempre fui amante de las máquinas, para mí son elementos totalmente artísticos. Además es una música que hoy interesa: Masive Attack, Portishead, Tricky. Y Gustavo Cerati, que es un gran referente musical argentino. Está en una búsqueda sonora con la que estoy hermanado."

"A mi modo, siempre corrí por un camino alternativo", le dijo Birabent a la revista Rolling Stone. "Me fui de lugares que muchos pagarían por ocupar. Y me dediqué a no lucrar con el privilegio de pertenecer. No le temo a las contradicciones. Me gusta la musica en si, puede ser un tango o un rock furioso".

Las canciones de "Azar" son relajadas y muy intimistas. Quizá presintiendo qué vendría poco después, cantó "Madrid": "Ya no puedo recordar lo que hice ese día, si fui o si volví, si tenía expectativa. Hoy te vuelvo a imaginar en Madrid o en cualquier otro sitio". "Linterna" es otro tema clave de este disco introspectivo, porque allí hay pistas para entender por qué llegó a esa instancia creativa: "Ayer salí a caminar y me sentí iluminado, una linterna bajó del cielo y se durmió en mi mano. Ahora ya no salgo más, la diversión (diversidad) está en mi cuarto, con la linterna ilumino el techo y Neptuno".

Con "Azar" bajo el brazo -literalmente-, Birabent se fue a Madrid para filmar la pelicula "Lisboa". Y él sabía que también para cantar. Desde setiembre del 98 vuelve a ser madrileño durante un tiempo. Como lo era cuando niño, en los días en que su papá, Moris, les descubría a los españoles que era posible cantar buen rock en castellano. Le fue bien como actor y como músico: "Lisboa", el film que protagonizó nada menos que junto a Federico Luppi y Carmen Maura y "Azar", el disco en el que hizo una experiencia ligada a la canción tecno, fue editado allí y se convirtio en un referente para buena parte de la escena independiente y de la prensa especializada.

Mientras ultima detalles para entrar en los estudios de grabación a registrar un vuevo album ("Anatomia") edita un extended play de cinco canciones, cuatro extraídas de Azar -dos de ellas en versiones inéditas, una, "Linterna", a dúo con Javier Alvarez, y otra, "Madrid", interpretada por Carlos Jean, figura de la nueva música electrónica madrileña. Completa el disco "Demasiadas mañanas" (One Too Morning) de Bob Dylan, versionada por Antonio junto a Nacho Mastretta.

La aparición de "Azar" y de "Ep" en España fue responsabilidad de Subterfuge Records, sello que produjo la incorporación de dos bonus tracks al disco conocido en la Argentina. Los agregados fueron una versión de "I'm Waiting For The Man" y un remix del tema "Madrid" hecho por Big Toxic, technomaster español que ha compuesto música para los espectáculos de la Fura dels Baus y que fue convocado para remezclar a Nich in Nails. Birabent y Big Toxic estrenaron el remix en vivo, durante un show celebrado en la sala El Sol de la capital española. También el diseño del disco argentino fue modificado. Allí Antonio perdió el Antonio y se llamó solo Birabent. En el librillo de esta nueva edición, Birabent: "Los aviones y los planes entre España y Argentina me persiguen hace más de veinte años. azar, que empezó en Buenos Aires y ahora continúa su viaje aquí, es la prueba sonora de este turismo constante, sentimental, melancólico y fabuloso".

El elegido como primer corte, "Linterna", empezó a sonar rápido en las radios madrileñas, mientras el disco conseguía sus primeras críticas. Tomás Fernando Flores, prestigioso conductor de programas radiales de vanguardia, escribió en El Mundo: "En su primer disco en España, Birabent da lecciones de nueva sensibilidad, del manejo de todos los artificios musicales contemporáneos para hacer canciones emocionantes. Temas increíbles, repletos de detalles, de alquimia sentimental. Asi como Moris nos enseño a cantar rock en español, ahora Antonio hace lo propio con la cancion moderna".

"Anatomía" (2000) fue presentado primero en España y luego en Argentina. Grabado en Buenos Aires, Villa Gesell, Madrid y Barcelona durante mediados del '99, contiene trece temas e incluye en la edición argentina un bonus track del tema de Sandro "Porque yo te amo". Es un disco poético, con menciones al mundo oriental y una continuación en algun sentido del camino sonoro iniciado con "Azar". Se destacan los temas "A descansar", "Nada Bueno", "Princesa oriental", "Desliz" y la canción que da título al álbum. Participan músicos españoles como Mastretta y argentinos como Claudio Gabis y Tito Fargo, además de Leo García, Moris, y un trío de chicas formado por Josi Palmas, Guillermina Casey y Mariana Melero. El material fue presentado en julio de ese año en el Club del Vino.

"Cardinal" es su séptima producción discográfica y marcó su debut con el sello multinacional Virgin Records. Cuenta con la participación de tres invitados: Gustavo Cerati, Deborah De Corral y León Gieco. El melancólico "Hoy" fue el primer corte de difusión. En este disco Antonio muestra una cancionística muy heterogénea: cuerdas, máquinas, oboes, guitarras acústicas y distorsión. "Cardinal" oscila de la furia de "Aminoacido" al clima folclórico y litoraleño en "Rio en espiral", que terminó sumando a su repertorio Mercedes Sosa. Este disco lo puso nuevamente en contacto con público en todo el país, ya que en un año y medio realizó mas de setenta shows.

Su disco "Buenos Aires" (nuevamente en la independencia discográfica) fue editado originalmente en noviembre de 2003 y reeditado un año despues con el agregado de la canción "La Academia de la Nada" (cortina del programa radial de Roberto Pettinato) y los videos de las canciones "Bienvenida seas" y "Montevideo". Fue una vuelta al rock, a las canciones directas, claras y guitarreras sin perder por eso su estilo descriptivo y su particular vocabulario en las letras. Vuelve a estar Tito Fargo como invitado y también su amigo el pianista Lolo Micucci.

"Tiempo y espacio" fue su noveno disco, producido junto a Ezequiel Araujo y Leha y contó con la participación de Moris, Flavio Ciancarullo y Pity Alvarez.

Pagina: http://www.birabent.com.ar/
Fuente: Rock.com.ar

Epica

Epica es un grupo holandés de Metal gótico y Metal sinfónico que mezcla la voz mezzo-soprano de Simone Simons acompañada con guitarras melódicas y contundentes, usando voces guturales, coros y pasajes en latín.

Historia

La banda fue fundada en abril del 2002 por el ex integrante de After Forever, Mark Jansen. En sus inicios la banda se llamó Sahara Dust y tenia como vocalista a la cantante noruega Helena Michaelsen que antes formo parte de Trail of Tears. En octubre de 2002, Mark Jansen invito a Simone Simons con apenas 17 años de edad (y su pareja en ese momento), para ser la vocalista definitiva. En noviembre, la banda entro a grabar al estudio en la ciudad de Rotterdam (donde After Forever grabó Prison of Desire), para grabar su primer demo Cry For The Moon, que seria lanzado el mes siguiente. Este trabajo tenia el nombre de Illusive Consensus. Su primera presentación en vivo fue el día 15 de diciembre, en Tilburg, Holanda. En enero de 2003 iniciaron las grabaciones en Alemania del álbum The Phantom Agony. Por lo que los fans han declarado: "Epica es un grupo humanista del que se puede aprender mucho".

En marzo, para darle una nueva identidad (más que nada por el cambio de vocalista) surgió la idea de cambiar el nombre a la banda a Epica. Mark Jansen afirma: Epica es un lugar del universo donde podemos encontrar las respuestas más importantes sobre las preguntas de la vida. La mayoría de nuestras letras son parecidas al significado de Epica. El nombre del grupo surgió ya que Kamelot acababa de grabar su álbum intitulado Epica. En palabras de la banda: "Adoramos el título, ahora nosotros adoramos escuchar a Kamelot. Y decidimos cambiar el nombre a Epica".

The Phantom Agony fue producido por de Sascha Paeth (productor de Rhapsody, Kamelot, Angra, entre otros) fue lanzado en junio de 2003, con una gran influencia de música árabe, como Seif al Din, y del Metal melódico. Optaron por combinar la voz mezosoprano de Simone Simons y la voz gutural de Mark Jansen. En la canción Run for a Fall que fue escrita por Mark Jansen, describe sobre su salida de After Forever. Façade of Reality aborda los atentados de 11 de Septiembre, incluyendo declaraciones de Tony Blair; de esta manera Epica demuestra que tiene una consciencia humanista y social entre los integrantes, sobre todo Mark Jansen, compositor de siete canciones del álbum.

En octubre fue lanzado el single The Phantom Agony, que tras el título tuvo varias versiones, como Façade of Reality y la inédita Veniality. En enero 2004, llego el single Feint, después se realizó la versión en piano tras la reedición de Seif al Din salió la nueva que era Triumph of Defeat. Seguido de la canción salió el videoclip de Feint. En mayo fue lanzado el single Cry for the Moon. En septiembre de 2004, es lanzado el DVD We Will Take You With Us, incluyendo videoclips, making off y presentaciones acústicas, en vivo y en estudio. Las presentaciones continuaron en el 2004. las presentaciones europeas fueron en Inglaterra, Alemania, Turquía, España, Portugal y otros países.

En diciembre, México presencio el show de Epica. Al final del año la banda entro a los estudios para grabar su segundo álbum: Consign to Oblivion. Este trabajo aborda a la cultura maya, y fue lanzado en abril del 2005 y producido por el alemán Sascha Paeth y por el brasileño Philip Colodetti. En septiembre del mismo año fue lanzado el álbum The Score – An Epic Journey. En este trabajo algunas canciones fueron grabadas, originalmente, para componer la banda sonora del filme holandés Joyride. En octubre, Epica lanzo el single Quietus. Este trabajo tiene dos versiones, también contiene vídeo-clip, y canciones inéditas como Linger y Crystal Mountain.

En el 2006 Jeroen Simons abandona la banda. Se dice que su ida es por buscar otros rumbos, manteniendo la amistad con los integrantes del grupo. Sin embargo para el próximo disco Ariën van Weesenbeek tocará la batería para el grupo. Ariën van Weesenbeek es actualmente miembro de la banda alemana God Dethroned.

Desde el 28 de Agosto del 2007 ya se encuentra a la venta en Estados Unidos el nuevo álbum de Epica], The Divine Conspiracy, que cuenta con la colaboración de Sander Gommans de After Forever en las voces guturales. Este trabajo trata de demostrar que Dios creo muchas religiones en el mundo, pero deben superar sus diferencias superficiales, y descubrir que su verdadera naturaleza es igual o independiente de sus creencias. El álbum se encontrara a la venta en Europa en Septiembre del 2007.Su sello discográfico es Nuclear Blast

En un fragmento de una entrevista, vemos lo que Mark Jansen de Epica habla de el nuevo álbum The Divine Conspiracy, estas fueron sus palabras :

"En este trabajo nos hemos respetado muchísimo a nosotros mismos, y hemos compuesto el disco con dos fuerzas principales: La primera ha sido pensando en la parte "mainstream", el lado más conocido de la banda, pero luego hemos escuchado más que nunca a nuestro corazón que nos pedía hacer música más heavy. En este caso no ha habido restricciones de ningún tipo y hemos hecho exactamente lo que queríamos. Por esto ha resultado un disco más duro que nunca, y posiblemente esto haga que alguna gente considere "The divine conspiracy" demasiado heavy para ellos, pero no podemos hacer nada por esto. Yo sé que nuestros fans más leales es lo que prefieren y nosotros también así que la cosa está clara."

Actualmente Epica estará en México el 1º de diciembre del 2007 presentando su nuevo álbum en Café Iguanas, Monterrey. Mark Jansen afirmo: "Quisiera ver algunas de las obras de la cultura maya, es por eso que quiero regresar a México no solo para dar conciertos".

El 1° de diciembre del 2007 la vocalista Simone Simons se enfermó de la garganta y canceló su concierto en el Café Iguanas, Monterrey. En enero de 2008 un comunicado en la web oficial del grupo declaraba que Simone padece del SARM y que por ello se habían visto obligados a cancelar sus próximos conciertos para los meses de enero y febrero.

Pagina: http://www.epica.nl/

Alpha Blondy

Seydou Koné (más conocido como Alpha Blondy, n. 1 de enero de 1953 en Dimbokoro, Costa de Marfil) es un cantante de reggae. Es muy popular en África occidental. Ha cantado con el grupo Los Wailers. Estudió Inglés en el Hunter College en Nueva York, y posteriormente en el programa de Idioma Americano (American Language Program) de la Universidad de Columbia.

Canta principalmente en dioula, francés e inglés, pero también ocasionalmente en árabe o hebreo. Las letras de sus canciones expresan fuerte actitud y humor relacionados con la política. Inventó la palabra "democrature" (la cuál se traduce como "democratura", combinación de democracia y dictadura) para calificar algunos gobiernos africanos.

El seudónimo surge gracias a su abuela, la pobre señora no podía controlar al “diablillo” de su nieto y, como le costaba pronunciar la palabra inglesa “bandit” (bandido), lo más parecido fue la palabra Blondy. La otra parte de su nuevo nombre la creó él mismo, anteponiendo la primer letra del alfabeto griego al sobrenombre conocido por todos y se formó ALPHA BLONDY (que significa “el primer bandido”).

Su juventud transcurrió normalmente, escuchaba bandas como The Beatles, Led Zeppelin, Jimi Hendrix y Otis Reding (un eximio y poderoso “soulero”). Pero fue cuando escuchó por primera vez al gran Bob Marley que su mentalidad cambió y decidió volcarse al reggae y hacer canciones de protesta. El heredero de Bob Marley, como se lo conoce y denomina en el ambiente, canta en diferentes idiomas y lenguas como francés, inglés, árabe, hebreo, baoulé, malinké, wolof, ashanti y dioula (lengua hablada en la etnia africana que lleva el mismo nombre).

El 5 de julio del 2005 y después de 3 años editó su nuevo disco llamado “Akwaba, The Very Best” (Akwaba significa bienvenido en lengua akan). Este disco posee 16 grandes temas, no es sólo una recopilación, es, además, una revisión de clásicos de Alpha Blondy acompañado por grandes artistas, tal es el caso de Sweet Sweet, con el músico franco-marfileño Lester Bilal, Cocody Rock, junto con dj Neg´Maroon, cuenta con la colaboración de la exitosísima banda británica UB40 en el tema Young Guns, entre otros.

Pagina: http://www.alphablondy.info/

Skunk D.F.

La historia de Skunk D.F. es una muestra de la constancia personal y musical de Pepe Arriols (bajista) y de Germán González (cantante, letrista y programaciones). Sin su insana insistencia y constante convicción en la banda hoy no podríamos estar hablando de su nuevo disco “Esencia”. Sin duda esa ha sido clave para la vigencia y longevidad de Skunk D.F.

Pepe: “Claramente ha sido un ejercicio de perseverancia, mucho trabajo y seguir siempre adelante durante todo este tiempo.”

German: “Supongo que la clave es creer en ti, la musica es nuestra forma de vida y siempre lo hemos tenido muy claro, con la cabeza fría, sin idas de olla y pensando siempre lo mejor para el grupo.”

¿Cuál es el nexo personal entre vosotros dos que rige para mantener en pie Skunk D. F.? Muchos (y diversos en la manera de tocar) músicos han pasado por la banda pero tan solo vosotros dos permanecéis como núcleo primigenio de la misma desde 1995.

German: “Bueno, somos personas muy distintas, pero nos conocemos de sobra y sabemos muy bien como tratarnos y plantearnos las cosas, imagínate, llevamos juntos más tiempo que con nuestras respectivas!”

Pepe: “Jajaja es cierto... yo creo que lo nuestro es tema de respeto y complicidad. Es algo muy especial que esperamos dure mucho más y de muchos más frutos.”

Echando la mirada atrás ¿cómo valoráis estos años de trayectoria y los siete discos editados? ¿Os habéis sentido infravalorados o poco entendidos en este país durante estos pasados años y/o en la actualidad?

German: “Ya son casi doce años, somos un grupo honesto que estamos aquí para hacer musica y expresarnos, puede que no te guste el grupo pero al que le gusta lo siente de una manera muy fuerte, la gente que nos apoya nos valora al 100% y eso es lo importante. Quizá con más medios y más inversión podríamos llegar a más gente pero todos sabemos como esta la industria musical.”

Pepe: “Infravalorados en absoluto, nosotros trabajamos a nuestra manera no dependemos de nadie y sobretodo sabemos en que país vivimos... este país es muy especial y único en muchos aspectos hay que aprender a sobrevivir como banda, tenemos la suerte de ser absolutamente independientes en todos los sentidos.”

¿Pensáis que se ha producido, en estos diez últimos años, en España una evolución de los gustos musicales en las audiencias?, es decir ¿hoy el público es menos fundamentalista y puede escuchar tanto metal como otro tipo de sonidos?

German: “Totalmente y eso es muy positivo, yo cuando era un adolescente solo escuchaba heavy y rock, lo demás era una mierda y me perdía grandes grupos con los que ahora flipo en colores, es un error cerrarse, sobre todo si haces musica.”

Pepe: “A mi me paso algo igual pero con el punk... hasta que aprendí a pasar de todo el mundo y pasar de prejuicios estupidos referentes a todas las músicas. Hay que coger solo lo bueno y pasar de lo que diga la gente.”

¿Qué han aportado los nuevos y actuales compañeros de viaje al sonido, núcleo y proceso de composición de los actuales Skunk D. F.? Alberto Marín es un guitarrista brillante llamado a escribir buenas páginas en la historia de las seis cuerdas nacionales

Pepe: “Para mí es uno de los mejores guitarras de este país y es un orgullo poder contar con el, es un lujazo tenerle y contar con su amistad y su buen trabajo, pero no te olvides de Roy Wasercier y Edu Brenes que también han aportado lo suyo.”

German: “Tu lo has dicho, es un tío con talento y musicalmente ha dado un giro muy interesante al sonido y canciones del grupo. Los cambios son positivos para un grupo cono nosotros que no se repite disco a disco, trabajar con gente diferente te da mas amplitud de miras.”

¿Cómo se consigue distanciarse de los anteriores discos y proponer algo nuevo en el sonido de Skunk D. F.? Lo más difícil, en le terreno dela creación artística y musical, no es ser solo brillante sino no caer en la repetición sistemática de formulas

Pepe: “La verdad es que no lo sé, nosotros vamos a lo nuestro y nos ha salido así, estoy orgulloso de todo lo realizado y sobretodo de ser especiales y únicos en este país”

¿Qué tipo de ejercicios compositivos realizáis para desvincularos de lo anteriormente desarrollado?

Pepe: “Nada en especial solo hacemos lo que nos sale, no hay ningún misterio”

Alberto Marín (guitarrista): “Ninguno, creo personalmente, que escuchar otros estilos diferentes al tuyo e incluso tocar con otros músicos te enriquece y te hace abrir el enfoque para componer cosas nuevas y no estancarte. German con su voz y sus letras hace que todo se una del todo y suene a Skunk D.F.”

Parece importante tener los oídos bien abiertos y escuchar muchas y nuevas músicas, como intuyo que vosotros hacéis porque sois actores activa de la escena que asisten a los conciertos de otras bandas y estáis a la ultima de lo que sale, es decir ser permeable a la vanguardia metalera para luego llevarlo al territorio propio.

German: “Es importante estar al tanto de las músicas actuales pero personalmente me gusta descubrir joyas antiguas, me inspira mucho la musica de los 80's.”

Pepe: “Yo creo que lo mejor de la musica se creó en los 80 y 90 ahora me cuesta mucho encontrar algo que no sea demasiado pasajero.”

Alberto: “Como dicen Germán y Pepe, creo que todos amamos la musica de los 80 y creo que "Esencia" tiene bastante de esa década. Personalmente escucho de todo: death metal, jazz, electrónica, fusión, etc... Y me gustan algunas bandas actuales, no muchas, como Adrift, Autumnal, Stravaganzza nacionales o Mastodon, Porcupine Tree, Opeth de fuera.”

Germán, ¿cómo afrontaste desde el punto de vista vocal la composición y grabación de “Esencia”? Siempre has mantenido una carismática manera de encajar la métrica, y un personal modo de respirar durante la narración en cada uno de los discos. Al ser el único instrumento orgánico ¿cómo crees que ha evolucionado tu voz en estos años?

“Pues llevo ya unas cuantas grabaciones a mis espaldas, tengo mi forma de hacer las cosas, esta vez he trabajado algunas melodías con un piano para evitar mis dejes habituales. No paro de aprender y evolucionar, creo que mi voz ha madurado, es mas versátil y se nota disco a disco, el resto es dejarte llevar por la musica y trasmitir emoción.”

Germán, ¿cómo afrontaste desde el punto de vista lírico la composición? ¿A qué fuentes de inspiración acudes para empezar a escribir un texto?

“Escribo desde que era pequeño, casia diario y no tiene que ser para una canción, tengo montones de textos a los que luego recurro a la hora de poner letra a un tema, cuido muchísimo la forma de expresarme, cada palabra tiene que tener su sentido. Las canciones tienen que decir cosas y yo no puedo inventar historias, escribo sobre mi, lo que siento, lo que me pasa o como veo el mundo, con honestidad, que cualquiera pueda sentirse identificado.”

La producción de “Esencia” resulta potente y brillante. Skunk D. F. han sonado en disco como nunca antes lo hicieran. Alberto Seara, y Alberto Marín han realizado, cada uno en su parcela, un sobresaliente trabajo. ¿Qué diferencias, con respecto a otros discos, habéis encontrado en el paso y en el trabajo desarrollado en Cube con Flor?

Alberto: “Creo que en este disco ha ido todo más rápido y más fluido. Cuando Alberto Seara escuchó los temas por primera vez ya tenia claro que no este no iba a ser un disco de millones de arreglos y muchos recordings de guitarra. Hemos grabado solo una guitarra por lado y prácticamente escogimos la primera toma de cada instrumento. Queríamos un disco crudo ,fresco y directo y lo hemos conseguido.”

Junto al fallecido y siempre recordado Big Simon, desde mi punto de vista, Alberto Seara es uno de los productores e ingenieros de rock y metal más frescos, dinámicos y originales de este país. ¿Qué ha aportado su trabajo al resultado final de “Esencia”?

Pepe: “Con Alberto Seara da gusto trabajar sabe perfectamente como conseguir las cosas. En este disco Alberto Marín fue el único que pudo estar todos los días en el estudio y se entendieron perfectamente. Yo estaba totalmente confiado en que el resultado seria muy bueno y así ha sido.”

Alberto: “Para mi también lo es, actualmente el mejor productor de rock de nuestro país. Ha aportado grandes ideas, ha sido un placer trabajar con el codo con codo, a veces te hace arriesgar bastante, cambiar algo que ya tenias muy claro tu del local y al principio te quedas rayao ,con desconfianza, pero el te dice: ten confianza ,ya veras y después cuando lo escuchas, dices: que cabrón! tenias razón, es la hostia! Creo que el tomar esas decisiones y dar en el clavo es lo que determina a un gran productor como lo es el.”

¿Trabajasteis arreglos y desarrollos nuevos en el estudio o todo venia ya trabajado y triturado del local de ensayo?

Pepe: “Casi todo en casa o en el local, poca cosa en el estudio.”

¿Estáis cómodos en estudio? (teniendo en cuenta que el territorio natural para la banda es el escenario? Al fin al cabo es como el paso previo para luego presentarte en vivo pero es más frió y solitario que presentarse ante la audiencia, además de que metido en estudio parece que se detiene el tiempo y las horas vuelan vertiginosamente

Pepe: “Yo prefiero tocar en directo, lo del estudio es algo que hay que hacer para poder presentar discos y giras, el estudio esta muy bien pero no hay nada como el calor del directo, por lo menos para mi.”

Tenemos entendido que este mes de octubre Pepe vas a viajar (o ya has viajado) a Estados Unidos y México para realizar una gira promocional y distribuir con Pistolero Records “Esencia” allí, además de ver la manera de tocar en esos dos inmensos países, desde el punto de vista del rock y metal. Con “El Año del Dragón” ya girasteis por Estados Unidos, ¿cómo afrontáis el futuro inmediato al otro lado del charco, edición del disco-directos (el potencial de publico al que podéis enganchar es tremendo, tan grande como los costes económicos que supone para una banda española trasladarse allí para actuar)?

Pepe: “Ahora mismo estoy contestándote a esta entrevista vía e-mail desde Texas donde estoy trabajando en todo esto. A mi me gustaría enfocar todo lo posible hacia México. El sur de EEUU también es interesante porque esta lleno de hispano parlantes pero México es especial para nosotros por eso incluimos el D.F. en nuestro nombre. Lo peor es conseguir el dinero de los billetes de avión el resto es mucho mas fácil, también solo es cuestión de dinero. Más dinero y más promoción es igual a que te conocerá mucha más gente. Nosotros vamos en plan independiente, nunca tenemos nada fácil!! Jajaja”

¿Y España? ¿Cómo esta el patio para poder actuar en condiciones en nuestro país y no tener que montar tu mismo las producciones en cada gran ciudad para poder actuar?

German: “El panorama esta mal, hay gente poco seria y hay que pelearse mucho para hacer cosas decentes. Pretendemos no dejar de tocar hasta el verano que viene, hacer todos los bolos posibles.”

Pepe: “Es mejor tocar menos veces en buenas condiciones que estar alquilando salas como hacíamos al principio y siguen haciendo muchas bandas, ahora podemos empezar a disfrutar de tantos años de trabajo. Solo vamos a tocar donde nos contratan y pagan cache.”

Por último, dada vuestra dilatada y contrastada experiencia es importante conocer vuestro punto de vista sobre el momento de la industria discográfica en España en la que el 99% de los grupos de rock y metal deben apostar por la autoproducción ya que las pocas compañías discográficas que hay no invierten en nuevos o veteranos valores.

German: “Así es, y ahí esta la clave de la supervivencia de los grupos, si piensas en vivir de esto o porque tengas varios discos crees que eres algo te estas equivocando, así que debes tener los pies en la tierra, currar, confiar ciegamente en tu trabajo, en tus compañeros y luchar.”

Pepe: “Somos afortunados por todo ese trabajo bien hecho. La industria esta muerta pero nosotros seguimos adelante y no pagamos grabaciones. Ya te digo, somos muy afortunados pero no es por casualidad.”

Pagina: http://www.skunkdf.com/

Jethro Tull

Jethro Tull es el nombre de una original banda de rock progresivo británica, de origen inglés, que comenzó sus andaduras en 1968 y que, desde entonces, ha trabajado de forma ininterrumpida hasta el día de hoy, siendo, tras los Rolling Stones el segundo grupo de rock más antiguo todavía activo.

Desde sus inicios, este original grupo ha vendido más de 60 millones de copias de sus más de 30 álbumes.

El nombre de la banda, extraño como suena, tiene un origen no menos particular. Su agente revisó libros de historia y llegó con el nombre de Jethro Tull, un agricultor inglés que había inventado un sistema revolucionario para la siembra.

Desde sus inicios, ha sido liderada por el virtuoso flautista escocés Ian Anderson. La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes históricos en la historia del rock como Thick as a Brick y Aqualung, y llegó a convertirse en un grupo de culto.

Su primera formación estuvo integrada por Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Glenn Cornick (bajo), Clive Bunker (batería) y Mick Abrahams (guitarra eléctrica). Su álbum de debut fue This Was. Al poco tiempo, Mick Abrahams se separó del grupo y fue sustituido por Martin Lancelot Barre, que forma parte del grupo desde entonces.

Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson.

Durante algunos años, el grupo incluyó dos teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido: los geniales John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todos los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años. El grupo ha pasado por diversas formaciones y estilos.

Historia

Inicios (1962-1968)

La primera banda de Ian Anderson se llamó The Blades y fue fundada en 1963.[2] Hacia 1966 se había transformado en un grupo de soul, que pasó a llamarse The John Evan Band (más tarde, The John Evan Smash),[2] denominado en honor a su pianista, John Evans, que había quitado la s final de su apellido para que resultase menos ordinario. Barriemore Barlow era el batería inicial de dicha banda, como posteriormente lo volvería a ser, ya dentro de Jethro Tull, desde 1971. Sin embargo, tras trasladarse a Londres, la mayor parte del grupo abandonó la formación, por lo que Anderson y el bajista Glenn Cornick se unieron al guitarrista de blues Mick Abrahams y a su amigo, el batería Clive Bunker, ambos miembros de la banda McGregor's Engine. En un principio tuvieron problemas para encontrar locales donde tocar, por lo que cambiaron de nombre frecuentemente, con el fin de seguir tocando en los clubes de Londres. Dichos nombres los elegían los distintos agentes que concertaban sus actuaciones, uno de los cuales, aficionado a la historia, los bautizó como Jethro Tull, en honor a un inventor agrícola que vivió en el siglo XVIII y que diseñó la primera máquina agrícola, denominada sembradera. La banda siguió usando este nombre sólo porque fue el que usaron la primera vez que el encargado de un club los invitó a tocar en el mismo nuevamente.

• El primer álbum: This Was (1968)

Después de grabar un single que tuvo poco éxito (una canción pop escrita por Abrahams llamada "Sunshine Day",[2] en el que el nombre de la banda apareció escrito erróneamente como Jethro Toe, convirtiéndose en un ítem de coleccionistas), lanzaron el álbum de inspiración blusística This Was en 1968. Con su versión de la pieza de jazz de Rahsaan Roland Kirk "Serenade to a Cuckoo" (Buscar vídeos), Anderson empezó a demostrar su talento como flautista.

Tras este álbum, debido a la competitividad en el liderazgo de la banda con Ian Anderson, Abrahams dejó al grupo para formar su propia banda, Blodwyn Pig[2] (Buscar vídeos). Existieron además otras razones que llevaron a su salida: Abrahams era un purista del blues, mientras que Anderson deseaba tocar también otros tipos de músicas; en segundo lugar, Abrahams y Cornick no se llevaban bien, y, por último, Abrahams no quería viajar al extranjero ni tocar más de tres noches por semana, mientras que los otros deseaban alcanzar el éxito tocando lo más frecuentemente posible y lograr una nutrida base de fans internacional. Anderson eligió reemplazarlo por Tony Iommi (más tarde de Black Sabbath). Iommi, sin embargo, no se sintió cómodo y abandonó tras unas pocas semanas, aunque aceptó tocar en la aparición de la banda en la película musical de los Rolling Stones The Rolling Stones Rock And Roll Circus (Buscar vídeo). Iommi fue reemplazado por un ex miembro de Motivation, Penny Peeps y Gethsemane llamado Martin Barre, que impresionó a Anderson más que nada por su persistencia, ya que, en su primera audición, estaba tan nervioso que apenas podía tocar, y, en una segunda audición posterior, apareció sin el cable para conectar su guitarra al amplificador. A pesar de esto, Barre se convertiría en el segundo miembro más estable después de Anderson (en la actualidad aún sigue en la banda) y en uno de los guitarristas de rock de mayor prestigio.

En 1968 el grupo encabezaría los festivales de Reading y Leeds, oficialmente llamados Carling Weekend, junto con The Nice y T. Rex.

Rock progresivo (1969-1976): la primera edad dorada

• Stand Up (1969)

La nueva formación publicó Stand Up en 1969, el único álbum de la banda en llegar al primer puesto en ventas en el Reino Unido.[2] Escrito íntegramente por Anderson (con la excepción de "Bourée" (Buscar vídeos), de Johann Sebastian Bach, cuya versión en esta obra adquiere toques jazzísticos), el álbum presentaba una variedad mayor que el anterior: no sólo había piezas de blues, sino elementos de jazz y folk, con toques innovadores y rockeros, aunque sin llegar a parecerse al rock progresivo que estaba surgiendo en esa época con bandas como King Crimson, The Nice y Yes. El single "Living in the Past", del mismo año, comenzó una serie de singles exitosos que duró hasta los años ochenta. Aunque inspirado en "Take Five", del músico de jazz Paul Desmond, "Living in the Past" es una composición mucho más cercana al rock que al jazz, tendencia hacia la que se orientó definitivamente la banda.

En diciembre de 1969, graban "Witch's Promise" (Buscar vídeos), el primer single grabado en estéreo de la historia de la música (el primer LP completo había sido Sgt. Pepper's, de los Beatles).

• Benefit (1970)

En 1970, se reincorporó a la agrupación el teclista John Evan (aunque, técnicamente, durante esa etapa sólo era un músico invitado), con quien la banda grabó Benefit, que presenta una continuidad de estilo con el álbum anterior y que es deudor tanto de unas innovadoras técnicas de grabación de estudio como de las habilidades compositivas de la banda. Este álbum suele dividir la opinión de los oyentes.

Cornick dejó la banda tras la grabación de Benefit, y fue reemplazado por Jeffrey Hammond (también conocido como Jeffrey Hammond-Hammond), amigo de la infancia de Anderson a cuyo nombre hacen referencia las canciones "A Song for Jeffrey" (Buscar vídeos, "Jeffrey Goes to Leicester Square" y "For Michael Collins, Jeffrey, and Me". Fue el mismo Anderson el que enseñó a tocar el bajo a su amigo para que se incorporase a la banda.

En 1970 participaron también en el histórico concierto de la Isla de Wight (Inglaterra), junto con otros grupos y músicos que también harían historia en en el mundo del rock (Buscar vídeos).

• El gran éxito: Aqualung (1971)

Esta alineación lanzó la obra más universal de Jethro Tull, Aqualung, en 1971 (Buscar vídeos). Este álbum es una combinación de hard rock (en los temas que tratan sobre la marginación o la religión oficial), y acústicas y poéticas canciones —como el tema "Wond'ring Aloud" (Buscar vídeos)— sobre lo insulso de la vida diaria. Aqualung es amado y odiado por igual, aunque la canción titular y "Locomotive Breath" se escuchan frecuentemente en las emisoras de radio de rock clásico. El álbum fue incluido en la posición 337 de la lista que, en 2003 la revista Rolling Stone hizo de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos".

Las letras de Anderson expresaban en el álbum opiniones críticas sobre la religión y la sociedad. El personaje principal de "Aqualung" es un mendigo alcohólico, sin techo y, para más inri, pedófilo; mientras que "Cross-Eyed Mary" (María la Bizca) es una prostituta menor de edad (Buscar vídeos). "My God" (impresionante en su solo de flauta) es un ataque directo a la Iglesia de Inglaterra. En la cubierta, la polémica frase "En el comienzo, el hombre creó a Dios, y le dio poder sobre todas las cosas", está inspirada en la filosofía de Feuerbach. Algunas partes de este disco (así como, posteriormente, de Thick as a Brick) fueron censuradas en España durante la dictadura de Francisco Franco.

El baterista Clive Bunker fue reemplazado por Barriemore Barlow a principios de 1971[2] (primero grabó con la banda el EP Life is a Long Song y apareció por primera vez en un LP de la banda en Thick as a Brick, en 1972).

• Thick as a Brick (1972) o la apoteosis creativa

Thick as a Brick (1972), considerado el mejor LP de la banda, es un álbum conceptual, consistente en una única y larga canción dividida en dos partes (una por cada cara del vinilo), compuesto por una serie de movimientos sin solución de continuidad y con una serie de leitmotivs que se repiten y dan unidad al conjunto. El primer movimiento, con su distintivo riff de guitarra acústica, fue relativamente difundido en las emisoras de rock en su momento, y de vez en cuando se puede escuchar en las emisoras de rock clásico actuales. Thick as a Brick fue el primer álbum de Jethro Tull en llegar al primer puesto en la lista de Billboard de Estados Unidos[2] (el álbum del siguiente año, A Passion Play fue el otro; las canciones de ambos álbumes superaban los 40 minutos de duración). Con este álbum, mezcla de música medieval y rock, los Jethro Tull llegan al culmen de su virtuosismo instrumental. El quinteto que aparece en este álbum fue una de las alineaciones más duraderas de Jethro Tull, que perduró hasta 1975.

• Living in the Past (1972)

También en 1972 se publicó Living in the Past, álbum doble que compila singles, caras B y outtakes (incluyendo el EP Life is a Long Song entero, que cierra el álbum), con una cara entera grabada en vivo en 1970 en el Carnegie Hall de Nueva York. En relación con las canciones grabadas en estudio que incluye, muchos fans lo consideran una de las mejores obras del grupo. El tema que da título al LP es uno de los singles más conocidos de Jethro Tull.

• A Passion Play (1973)

En 1973, la banda intentó grabar un álbum doble (desde un exilio autoimpuesto fuera de Gran Bretaña, para ahorrar impuestos) en el Chateau d'Herouville (algo que muchos músicos, como los Rolling Stones y Elton John acostumbraban a hacer en esa época), pero no contentos con la calidad del estudio de grabación, lo abandonaron, junto con el proyecto; más tarde se burlarían del mismo llamándolo "Chateau d'Isaster" (estas canciones fueron lanzadas más tarde en el disco de recopilación Nightcap, de 1993). En cambio, aprovechando algunas de estas grabaciones, editaron inmediatamente A Passion Play, otro álbum conceptual de una sola canción con letras muy alegóricas. Tras varios años de creciente popularidad, A Passion Play se vendió bien, pero en general recibió críticas desfavorables por parte de la crítica especializada. Hasta este momento, Ian Anderson había mantenido una relación amistosa con la prensa, pero desde este álbum la misma desapareció, aunque la banda siguió siendo popular entre el público. Tras este álbum, se difundió el rumor de que la banda se separaba.

• War Child (1974)

War Child, un álbum publicado en 1974 y que originalmente iba a ser la banda de una película que se grabaría en Suiza, llegó al segundo puesto en la lista de Billboard y recibió opiniones favorables por parte de la crítica. En él se incluyó el hit "Bungle in the Jungle". También estaba incluida en el álbum una canción, "Only Solitaire", dedicada supuestamente al crítico del L.A. Times Robert Hilburn, uno de los críticos musicales más duros con Anderson.

• Minstrel in the Gallery (1975): el genial trovador

En 1975 la banda editó el magistral Minstrel in the Gallery, un álbum que se asemejaba a Aqualung en el hecho de que contrastaba hábilmente canciones suaves, basadas en el uso de suaves guitarras acústicas, con piezas más largas y duras en las que sobresalía la guitarra eléctrica de Barre. Esta obra provocó reacciones dispares entre los críticos, pero el álbum se convirtió en uno de los más adorados por los fans de la agrupación, aunque no haya sido tan exitoso en ventas. Tras este álbum, el bajista Jeffrey Hammond-Hammond dejó la banda, y fue reemplazado por John Glascock.

• Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die! (1976): nunca demasiado viejos

En 1976 salió a la venta Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die!, otro álbum conceptual, esta vez sobre la vida de un rockero que se sentía envejecer. Anderson, afectado por las críticas (en especial las que había recibido anteriormente por A Passion Play), respondió con letras aún más duras. La prensa se preguntó si la canción titular era autobiográfica, algo que Anderson negó.

• Sus actuaciones en vivo

Desde principios de los setenta, los Tull habían pasado de ser un grupo de rock progresivo a una de las bandas más populares y espectaculares en vivo en todo el mundo. En sus conciertos, la banda era reconocida por su teatralidad y sus largos medleys con pequeños interludios instrumentales. Mientras que el Jethro Tull temprano mostraba a un maniático y gesticulante Anderson con largo pelo y barba, vestido con ropa harapienta, cuando la banda comenzó a volverse popular comenzó a utilizar disfraces diversos. Los otros miembros hicieron lo mismo, con Jeffrey Hammond-Hammond vistiéndose con un traje de rayas diagonales blancas y negras, John Evan vestido siempre con un traje blanco, etc. Los shows en vivo también se caracterizaban por interludios interactivos que incluían llamadas telefónicas en el escenario, pequeños films, y performances como la del cuento infantil "The Story of the Hare Who Lost His Spectacles" (incluido en A Passion Play).

A medida que la banda se orientaba hacia un estilo más estable a fines de los años setenta, también comenzaron hacer shows más tranquilos y menos extravagantes, aunque sus presentaciones aún incluían instrumentales ampulosos y los famosos globos gigantes que Anderson hacía rebotar sobre su cabeza antes de lanzarlos volando al público.

Folk rock (1977-1979): la segunda edad dorada

La banda cerró la década con una trilogía de álbumes geniales, con influencias de folk rock: Songs from the Wood, Heavy Horses y Stormwatch. Songs from the Wood, inspirado totalmente en el folk medieval inglés, fue el primer álbum de Jethro Tull en recibir críticas unánimes positivas desde la época de Benefit y Living in the Past. Heavy Horses siguió la misma línea y recibió numerosos premios.

Jethro Tull ya habían colaborado con la banda de folk rock Steeleye Span durante años. Aunque no solían ser considerados como parte del movimiento folk rock (que había surgido casi una década antes con bandas como Fairport Convention), había un claro intercambio de ideas entre los Tull y otras bandas de folk. Además, en esta época Anderson se había mudado a una granja en zona rural, y su nuevo estilo de vida quedó claramente reflejado en estos álbumes.

La banda siguió haciendo giras, y lanzó un magistral álbum doble en vivo en 1978, titulado Bursting Out, que contenía impresionantes interpretaciones en vivo de la alineación que los fans consideran la era dorada de la banda. Destaca especialmente el solo de flauta que Anderson realiza en dicha obra. El álbum se adereza, además, con las típicas bromas que realiza Anderson al público y a la banda. La edición original en vinilo contenía tres canciones que no aparecieron en las ediciones iniciales en CD: dos solos de guitarra de Martin Barre ("Quatrain" y "Conundrum") y una versión del exitoso single de 1969 "Sweet Dream". Estas canciones fueron agregadas de nuevo en la edición doble y remasterizada en CD que fue lanzada al mercado en el año 2004.

En esta etapa, David Palmer, quien se había encargado de los arreglos de cuerdas para algunos álbumes anteriores del grupo, se unió formalmente al mismo, para encargarse principalmente de los teclados y de los arreglos orquestales.

El 17 de noviembre de 1979 el bajista John Glascock falleció tras una intervención quirúrgica en el corazón mientras grababan el álbum Stormwatch, que tuvo que ser completado sin su presencia (Anderson tuvo que tocar el bajo en algunas canciones). Muchos críticos consideran a Stormwatch como el último gran álbum de Jethro Tull. En esa época, Anderson decidió grabar también su primer álbum como solista, Walk into Light.

• Songs from the Wood (1977)

Songs from the Wood fue el décimo álbum del grupo, que presentaba una serie de finos y cuidadosos arreglos de tipo folk. El equilibrio de dulces melodías campestres inglesas con el sonido eléctrico de la guitarra de Martin Barre, los arreglos orquestales y la delicadeza acústica de las flautas y guitarras del propio Anderson rozan la perfección. Fue el primero desde hacía mucho tiempo en recibir críticas positivas unánimes entre toda la crítica musical.

La portada refleja a un campestre Ian Anderson en pleno bosque.

• Heavy Horses (1978)

Undécimo álbum de estudio de Jethro Tull en el que Ian Anderson reivindica la pérdida progresiva del trabajo de los caballos en el campo sustituidos por tractores y artilugios mecánicos. Sigue la línea acústica de su anterior trabajo, aunque empiezan a volver a tomar relevancia los riffs eléctricos de Martin Barre (por ejemplo, en "No Lullaby").

• Bursting Out (1978)

En ese período de tiempo se publicó el primer disco en directo del grupo, Bursting Out, en una época en que las nuevas corrientes musicales iban por otros derroteros de la mano de, por ejemplo, el punk.

• Stormwatch (1979)

Con Stormwatch, el estilo cálido y acústico de Jethro Tull comenzaba levemente a cambiar dando origen a un sonido un poco más frío, aunque todavía dentro de la trilogía folkie mencionada más arriba.

Tras la grabación de este LP, cambió la totalidad de los componentes del grupo, excepto Ian Anderson y Martin Barre.

Rock electrónico (1980-1984) y época de decadencia

Con la llegada de los años 80 comienza una etapa de decadencia en la música del grupo. Ante el giro hacia la música electrónica que Anderson quería imprimir a la banda, la mayoría de sus miembros se separan, quedándose sólo Anderson con Barre y teniendo que incorporar nuevos miembros que los sustituyeran. La inspiración del grupo queda notablemente mermada, porque, aunque el alma de la banda había sido Ian Anderson, las aportaciones que John Evan, David Palmer y Barriemore Barlow habían conferido a su música eran insustituibles. Con la marcha de estos miembros, se vio más claro que nunca que Jethro Tull había sido esos años no sólo Ian Anderson, sino un auténtico grupo en el que la complementaridad de sus miembros aportaba una innegable riqueza musical.

• A (1980)

Debido a presiones de Chrysalis Records, Anderson lanzó el que iba a ser su primer álbum como solista como uno de Jethro Tull en 1980. A (nombre que provenía de las etiquetas de las cintas, que se habían llamado simplemente A por Anderson), contaba con la presencia de Barre en la guitarra eléctrica, Dave Pegg (de Fairport Convention) en el bajo, y Mark Craney en la batería. El álbum tenía elementos marcadamente electrónicos, aportados por el teclista y violinista invitado Eddie Jobson (ex Roxy Music y UK). Ofrecía un sonido completamente distinto a todo lo que Jethro Tull había hecho con anterioridad, gracias al predominante uso de sintetizadores.

Slipstream (1980)

Los Tull grabaron en esa época un vídeo titulado Slipstream, una película sobre su concierto en el Royal Albert Hall de Londres en septiembre de 1980, con la formación de A. El estilo electrónico de ese álbum era aún más prominente en estas presentaciones en vivo y fue usado con un efecto muy llamativo en algunas de sus canciones más viejas como "Locomotive Breath". El sonido más reconocible de Jethro Tull se mostraba en una versión acústica de "Skating Away on the Thin Ice of the New Day", con Pegg a la mandolina.

Slipstream, durante mucho tiempo una rareza en VHS, fue incluido en 2004 como DVD bonus en la versión digitalmente remasterizada de A.

• The Broadsword and the Beast (1982)

Jobson y Craney abandonaron el grupo tras la gira de A y los Jethro Tull pasaron por un período en que hubo diversos baterías (entre ellos Gerry Conway y Doane Perry). Peter-John Vettese reemplazó a Jobson en los teclados, y la banda retornó a un sonido más cercano al folk, pero aún con sintetizadores, en 1982, con el álbum conceptual The Broadsword and the Beast, con una estética en la portada cercana a El Señor de los Anillos, de Tolkien. 1981 había sido el primer año en que la banda no había editado ningún disco.

• Ian Anderson por fin en solitario: Walk into Light (1983)

El primer álbum como solista de Anderson finalmente vio la luz en 1983. Se tituló Walk into Light y contenía muchos elementos electrónicos, como en los álbumes de esa época de Jethro Tull. Al igual que con muchas otras experiencias solistas de Anderson y Barre, algunas de sus canciones eran tocadas más tarde en los shows de la banda.

• Under Wraps (1984)

En 1984 la banda editó Under Wraps, otro álbum con una fuerte carga electrónica. Aunque la banda aparentemente quedó satisfecha con su sonido, el álbum no fue muy bien recibido, en especial en Estados Unidos, y, como resultado de diversos problemas de garganta que tuvo Anderson, los Tull interrumpieron su actividad durante tres años, situación que Anderson aprovechó para fundar un negocio altamente lucrativo de cría de salmones.

• A Classic Case (1985)

En 1985 publicarían el único disco enteramente instrumental del grupo, grabado con la London Symphony Orchestra, dirigida por David Palmer.

• Original Masters (1985)

En 1985 Crhysalis publicó un nuevo Grandes Éxitos del grupo, Original Masters, el tercero tras M.U. - The Best of Jethro Tull y Repeat - The Best of Jethro Tull - Vol II. Aunque fue editado en esa fecha, los temas son todos anteriores a 1977.

Hard rock (1987-1990): un tímido renacer

• Crest of a Knave (1987) y el Grammy de 1989

El grupo retornó en 1987 con Crest of a Knave. Sin Vettese (Anderson se hizo cargo de los sintetizadores), y con la guitarra eléctrica de Barre como centro de atención, el álbum fue un éxito tanto de crítica como comercialmente, y ganó el premio Grammy de 1989 por The Best Hard Rock/Metal Performance (Mejor Performance de Hard Rock/Metal), derrotando, contra todo pronóstico, a los favoritos Metallica.

El premio fue particularmente controvertido, ya que muchos no consideran a Jethro Tull como una banda de hard rock, y mucho menos de heavy metal. El hecho adicional de que ésta fuera la primera ocasión en que se entregaba un Grammy de heavy metal fue visto como un insulto para los fanáticos del género. Tal vez como consecuencia de esto, desde entonces se entregaron Grammys para bandas de heavy metal y hard rock por separado. Por recomendación de su manager, ninguno de los integrantes del grupo había asistido a la ceremonia (parecía que no tenían posibilidades de ganar), afortunadamente para ellos, ya que apenas fueron anunciados como ganadores, parte de la audiencia abucheó el resultado. La banda, como consecuencia de las críticas, respondió lanzando un anuncio en una revista musical británica en el que se decía: "The flute is a heavy, metal instrument!". El estilo de Crest of a Knave ha sido comparado con el de Dire Straits, en parte porque Anderson había perdido gran parte de su registro vocal tras una complicada operación de garganta.

• 20 Years of Jethro Tull (1988)

En 1988 se editó 20 Years of Jethro Tull, un álbum recopilatorio compuesto por 5 LPs (también lanzado en una versión de 2 LPs más corta, llamada 20 Years of Jethro Tull: Highlights, y posteriormente reeditado en 3 CDs, que estaba compuesto por outtakes de toda la historia de la banda, y de una gran variedad de versiones en vivo y de canciones remasterizadas digitalmente. Además, incluía un cuadernillo que detallaba la historia de la banda.

• Rock Island (1989)

En 1989 publicaron Rock Island, álbum de similar estilo que Crest of a Knave, pero de inferior calidad. Durante la gira del mismo, se proyectaban siluetas de bailarinas durante la canción "Kissing Willie", y la proyección concluía con una imagen que bordeaba lo pornográfico. Otra canción del álbum llamada "Big Riff and Mando" reflejaba la vida de la banda de gira, y hacía referencia al robo de la mandolina de Barre por parte de un apasionado fan.

• Live at Hammersmith '84 (1990)

Los años 90

Durante la década siguiente, la banda lanzó una serie de álbumes menos influidos por el hard rock: Catfish Rising (1991), Roots to Branches (1995) y J-Tull Dot Com (1999), aunque este último puede considerarse como el iniciador de la siguiente etapa de los Jethro Tull.

• Catfish Rising (1991)

Catfish Rising recoge influencias del blues y del folk estadounidense de ascendencia irlandesa. También se deja notar cierta influencia de los Dire Straits.

• A Little Light Music (1992)

En 1992 apareció A Little Light Music, un álbum en vivo, acústico en su mayor parte, que tuvo una buena aceptación entre los fans por sus versiones de antiguas composiciones de la banda.

• Nightcap 1993)

• Roots to Branches (1995) y J-Tull Dot Com (1999)

Estos dos álbumes mostraron una mayor inspiración en el folk y en la world music, reflejando distintas influencias musicales recibidas tras décadas de giras por todo el mundo. En canciones como "Out of the Noise" (Roots to Branches) y "Hot Mango Flush" (J-Tull Dot Com), Anderson describe vívidas imágenes de las calles del tercer mundo. Estos últimos álbumes reflejaban la aceptación, por parte de Anderson, del hecho de que ya era una vieja estrella del rock, con canciones como "Another Harry's Bar", "Wounded, Old and Treacherous" (ambas de Roots to Branches) y "Wicked Windows" (de J-Tull Dot Com), que trata sobre unas gafas para leer.

En 1995 Anderson lanzó su segundo álbum como solista, Divinities: Twelve Dances with God, obra de doce piezas instrumentales que giran alrededor de su prodigiosa flauta.

En 1996 salió al mercado un álbum de tributo a Jethro Tull titulado To Cry You a Song: A Collection of Tull Tales?. En él colaboraron antiguos miembros de Jethro Tull, así como otros artistas y grupos, entre los que caben destacar Keith Emerson, Tempest y Wolfstone.

La cuarta década de Jethro Tull (desde 1999 en adelante)

2006 - 2007

La última etapa puede caracterizarse por el lanzamiento periódico de discos por parejas: a cada disco de Jethro Tull le seguirá otro de Ian Anderson en solitario de similares características.

La etapa se inicia con la edición de dos discos de excepcional calidad: uno de Jethro Tull, J-Tull Dot Com (1999), y otro de Ian Anderson, The Secret Language of Birds (2000), ambos relacionados en su estilo, que siguen mostrando influencias de la world music.

Al comienzo del nuevo milenio, la voz de Anderson parecía haber recuperado parte de sus antiguos registros.

En 2003 se editó The Jethro Tull Christmas Album, en el que la banda interpreta canciones tradicionales de Navidad, junto con composiciones originales de Jethro Tull sobre este tema. Algunas de estas canciones son totalmente nuevas y otras, como "A Christmas Song", ya habían sido grabadas en álbumes anteriores, aunque en éste se ofrecía una nueva versión.

Este disco se vio acompañado por otro de Ian Anderson en solitario, Rupi's Dance (2003), que mantiene las características de The Secret Language Of Birds, aunque sin alcanzar sus cotas de calidad.

Sorprendentemente, también en 2003, el antiguo componente de la banda David Palmer, de 66 años, anunció que se había cambiado de sexo y que, a partir de entonces se llamaría Dee Palmer. La noticia sorprendió a los miembros de la banda y fue noticia mundial, pues nadie se esperaba que Palmer, casado, con hijos, que siempre había mostrado un aspecto barbudo y que había pertenecido a los Royal Horse Guards, hubiera deseado ser mujer desde hacía años. David Palmer esperó al fallecimiento de su mujer para dar dicho paso.

En 2005 se editó un álbum doble en vivo y un DVD de Ian Anderson llamado Ian Anderson Plays the Orchestral Jethro Tull, al igual que un DVD de Jethro Tull titulado Nothing is Easy: Live at the Isle of Wight 1970 y otro álbum en vivo titulado Aqualung Live (grabado durante el año 2004).

El ex batería Mark Craney, componente de la formación entre 1980 y 1981, murió de diabetes y pneumonía el 26 de noviembre de 2005. Había padecido a lo largo de los años un largo historial de problemas de salud, con afecciones renales, cardíacas y parálisis; unos cuantos miembros del grupo (incluyendo a Anderson) ayudaron a Craney en el pago de sus elevadas facturas médicas, mediante su colaboración en el álbum Something with a Pulse.

En la primera mitad de 2005, en un anuncio publicado en el sitio oficial del grupo, Anderson afirmaba que la banda no tenía planes de grabar nuevos discos de estudio en un futuro próximo y que quería dedicar su tiempo a tocar en vivo tanto con Jethro Tull como con su banda solista, los Rubbing Elbows. También indicó que le gustaría realizar esporádicas colaboraciones con otros músicos.

En diciembre de 2007, la reina Isabel II de Inglaterra, en reconocimiento a sus servicios al mundo de la música, otorgó a Ian Anderson la Orden del Imperio Británico en calidad de Oficial (OBE) (Officer of the British Empire).

La censura sobre Jethro Tull

En España, debido a la censura imperante durante la dictadura del franquismo, el álbum Aqualung (1971) no fue publicado hasta 1976, y en una edición en la que la canción "Locomotive Breath" había sido censurada, siendo sustituida por "Glory Row". Esta última canción aparecería después en los demás países en recopilaciones o como bonus track. Esto convirtió a la edición española del álbum en una pieza muy apreciada para coleccionistas de otros países.

Una censura similar sufriría su siguiente álbum Thick as a Brick, que también quedó mutilado en algunos de sus temas.

Igualmente en los años 70, durante una actuación en Barcelona, funcionarios de la censura se empeñaron en revisar sus ropajes medievales con mallas ajustadas. Sobre esta situación, Ian Anderson ha bromeado en multitud de ocasiones pues, hasta ese momento, según él decía irónicamente, nunca se había considerado un "sex symbol" que pudiera excitar la libido de sus fans.

Pagina: http://www.j-tull.com/

TriciclosClos

Formacion:
TRICICLOSCLOS

Rodeada de misterio, intrigas, sexo y miles de locas y delirantes anécdotas de la noche porteña, la mítica agrupación rocanrolera TRICICLOSCLOS es desde 1990 sin lugar a dudas la peor banda de rock de todos los tiempos.

Los TRICICLOSCLOS nacieron en 1990 como un desprendimiento del FRECOPO ( frente de resistencia cómico popular) que funcionaba en el teatro escuela CALIBAN, en la Ciudad de Buenos Aires. Argentina bajo la dirección de Norman Briski.

El debut escénico se produjo en 1989 en el ya desaparecido pub llamado Sr. Chinasky, en el barrio de San Telmo con la siguiente formación:

Daniel Araoz: Voz
Rik Streiff: Bajo y voz
Aranovich: Guitarra y silbato y voz
Santiago Lanzilotta: Teclado y bateria electrónica
Coy: Coro, cornetas y pito catalán
Julio Cosquilla Duhay: Aparición demencial
Berta Granowsky: Aparición demencial

A pesar de que la formación original ha pasado por cambios varios, en líneas generales todos los integrantes del grupo se encuentran bajo estricto tratamiento neuropsiquiátrico. Demencial, no cabe duda!!! ...Un repertorio lamentable y estupidizante, presentando un espectáculo deplorable interpretado por verdaderos abortos de la naturaleza.

En 1990 graban su primer Demo, con la incorporación de Adrian Bar en guitarra solista y Ricky Rios en Batería. El demo incluía los temas Dame mas leche y Comicos paranoicos cantados por Araoz. Sobre las composiciones y arreglos musicales de Streiff.
Araoz y Ríos abandonaron la banda en 1991 y a partir de ahí la banda tomó un compromiso mas profesional apuntando a grabar un segundo Demo. Con la incorporación de Tin Ontiveros en Batería, y utilizando el slogan :"Ni con el Diablo ni con Dios... TRICICLOSCLOS" graban su segudno demo con Felix Vals como ingeniero de sonido.

Este segundo Demo incluia solo tres temas, Tundachacha, Cucarachas y New York City.
La música de los TRICICLOSCLOS pasa por varios estilos desde el punk a las canciones rancheras, manteniendo siempre un sonido característico gracias a la poderosísima base rítmica y la mágica guitarra de Adrián Bar (ex Orions Behetoven).
En cuanto a la voz de Streiff, se diría que canta el mismísmo hombre de las cavernas.

En Septiembre de 1992graban para EMI su primer CD titulado: "MERDE!!!...ninguno de nosotros tiene los ojos claros"que fue grabado con singular cuidado y esmero por el maestro Amilcar Gilabert en Valentín Alsina. De alguna manera, en una visión cosmogónica, Amilcar Gilabert, habia presentido que el CD llamado "MERDE, ninguno de nosostros tiene los ojos claros!!!" iba a ser utilizado por la NASA para mantener alejadas del planeta a potenciales civilizaciones alienígenas invasoras.

El CD incluye temas cantados por Streiff como "Cucarachas", "Esbirros" y "Dulce amor mio" entre otros.

Durante ese período eran acompañados celosamente por su mítico manager el POLLO que luego se dedicaría a regentear un prostíbulo en Bahía, Brasil.

Cuando grabaron el primer CD, la formación de la banda incluía a

STREIFF: bajo y voz
BAR: Guitarra
TIN: Batería
ARANOVICH: Guitarra y voz
NEGRO COY:coro, pitos y cornetas

Y músicos invitados.
Después de grabar este primer CD necesitaron varios meses para encontrar la pista de aterrizaje.

A este punto y por si pudiera interesarles, les recomendamos entrar en la pagina oficial de esta banda de inútiles, cretinos y bastardos en:

www.triciclosclos.tk

pagina WEB en la que, haciendo click en las fotos o siguiendo las instrucciones, podrán acceder a videos, curiosidades, anécdotas y un gran catálogo de fotografias que incluyen fotos de muchos shows y la tapa del CD original..

El contrato por el disco pasa a Polygram y ambas ediciones inmediatamente se agotan, sin embargo, por secretos y oscuros motivos, el stock nunca se repuso en las bateas.

Los directivos de la altas esferas de la discografía mundial se reunieron secretamente en Canadá y acordaron amalgamar esfuerzos y recursos para que los Triciclosclos no volvieran a grabar.

Ustedes podrán sacar su propias conclusiones y tal vez, entender porqué las principales compañías áiscográficas que habitualmente compiten entre si, quitaron este disco del catalogo, y complotadas no permitieron que se volviera a grabar otro.
Tal vez, corroboren que se trataba de la peor banda de todos los tiempos.

En 1993 conducen "El Show de los Triciclosclos" programa radial que se emite de 3 a 6 de la mañana por FM Rock & Pop, manteniéndose todo el año en las mediciones como el programa más escuchado en esa franja horaria, aunque quizás por vanguardistas y/o atentar contra lo establecido, el contrato no fue renovado por la emisora al finalizar el ciclo.

A lo largo de sus 16 años de permanencia en el circuito del rock, muchos talentosísimos músicos , actores y artistas han pasado por las filas del proyecto TRICICLOSCLOS:

Daniel Araoz: voz
Santiago Lanzilotta: batería electrónica y teclados
Ricky Ríos: batería
El Griego: batería
Gonzalo Aquista: Bateria
Fabian Rootz: Bateria
Gonzalo Mazar: teclado
Marcelo Dutreich: teclado
Damian Nissenson: saxo
Safo: samplers
Carlos Sturze: Dirección actoral
Marcos Gil: bajo
Diego Leske: percusión
Santiago Pedroncini: teclado
Diego Bernasconi:Guitarra electrica
Fabián Rootz: Bateria
Willy Candia: Diseño de tapa del CD y afiches.
Faviana Valgiusti: escenografia viviente
Eduardo Torres: escenografia
Silvana Sosto: Coro

Y también han compartido el escenario en eventuales zapadas y/o shows con geniales músicos amigos como Jorge Pinchevsky en Violín , Sergio Dawi en saxo, Pato Losa en Batería, Marcos Cabezas en vibráfono, Felix Vals en guitarra y Zeta Yeyati en saxo entre otros talentosísimos músicos que la memoria del que suscribe no alcanza a recordar.

En los años sucesivos,
Durante algunos de sus conciertos, logran grabar algunos temas en vivo que no estaban incluidos en el CD Merde,
canciones que saldrán a relucir alguna vez, siempre y cuando los principales integrantes de TRICICLOSCLOS recuperen momentáneamente la cordura perdida hace ya muchos años seguramente durante el backstage de alguno de sus shows..., entre lo bahos de las drogas y el alcohol, en un sucio, oscuro y olvidado camarín en un inmundo boliche de Buenos Aires, la locura general hace que nadie sepa o recuerde donde están esas grabaciones.

También una gran cantidad de videos inéditos andan dando circulando sin que alguien atine a recopilarlos o esté interesado en estos bochornosos shows.

Resumiendo, Los Triciclosclos fueron un grupo anárquico rocanrolero responsable por deteriorar y corromper los cerebros de toda una generación de argentinos dejándolos literalmente anulados y transformándolos en una suerte de zombies, inútiles crónicos para la sociedad.

Para que esta atrocidad no se repita impidan que sus hijos escuchen temas de estos cretinos bastardos o asistan a los conciertos de esta banda tan reñida con la moral y las buenas costumbres al menos hasta que los TRICICLOSCLOS se encuentren tras las rejas, de donde nunca debieron haber salido.

La ultima vez que los TRICICICLOSCLOS tocaron en vivo, fue en CBGB el 30 de noviembre del 2007.

Rob Zombie

Rob Zombie es un músico de hard rock/heavy metal e industrial, director de cine y escritor. Su estilo vocal y su fascinación con las películas clase B lo han ayudado a convertirse en un elemento distintivo en la música heavy metal norteamericana. Rob Zombie es más conocido como el fundador, vocalista principal, escritor y caricaturista de la banda White Zombie. En años recientes se ha establecido como solista y director. Su carrera de director comenzó con las cintas de terror, House of 1000 Corpses, y su secuela Los renegados del diablo, lanzada el 22 de julio de 2005.

Biografía

Sus comienzos

Rob Zombie nació con el nombre Robert Cummings el 12 de enero de 1965 en Haverhill, Massachusetts). Como sus padres trabajaban en una feria, Rob y su hermano Michael crecieron en la ruta, y ambos compartían intereses por la contracultura, las películas clase B, las películas del oeste y los cómics de fantasía. Esto probablemente los ayudó a definir sus gustos musicales.

Rob Zombie ha sido por mucho tiempo fanático de The Ramones, Alice Cooper, los pioneros del Heavy Metal británico Black Sabbath, Judas Priest y muchos otros. Los estilos de estos músicos continuan siendo una fuerte influencia para él hasta la actualidad.

Ambos hermanos fueron al colegio, pero Rob lo abandonó para perseguir ideas diferentes. Rob comienza a trabajar como técnico de Pee Wee's Playhouse. Fue durante este período cuando conoció al que sería su futuro compañero de banda en White Zombie Sean Yseult.

White Zombie (1985-1998)

Véase White Zombie.

Carrera Solista (1998-Presente)

En 1996, Rob Zombie colaboró con su idolo Alice Cooper en la canción “Hands of Death (Burn Baby Burn)”. Fue el primer trabajo de Rob Zombie fuera de su banda White Zombie. La canción fue nominada a un Grammy como Mejor Interpretación de Metal, pero perdió con Nine Inch Nails y su canción "Happiness in Slavery".

Rob Zombie formó su propia banda solista en 1998. John Tempesta (baterista) vino directamente de White Zombie, y tocó junto a Mike Riggs en guitarra y Blasko (Rob Nicholson) en bajo. Ellos grabaron y lanzaron el álbum debut de Rob, Hellbilly Deluxe en 1998. Rob Zombie realizó una larga gira para promocionar este disco, lanzando American Made Music to Strip By en 1999, un álbum de remixes de Hellbilly Deluxe.

El siguiente lanzamiento de Rob Zombie, “The Sinister Urge” en el 2001 fue producido otra vez por Scott Humphrey. Contiene los sencillos "Never Gonna Stop (The Red Red Kroovy)", "Feel So Numb" y "Demon Speeding". Aunque el álbum todavía mantenía un sonido Heavy Metal, era más experimental que el disco anterior.

Rob lanza su primer disco de grandes éxitos, “Past, Present & Future” en el 2003, conteniendo éxitos solistas y de White Zombie. También incluye una nueva canción ("Pussy Liquor"), covers ("Brick House" de The Commodores y "Blitzkrieg Bop" de The Ramones) y canciones inéditas ("Two-Lane Blacktop" y "Girl on Fire").

Después de la gira mundial 2002-2003, Mike Riggs y John Tempesta dejan Rob Zombie para formar una banda similar, Scum Of The Earth. Esto pone en espera la realización de otra gira y la salida del nuevo disco.

En el 2005, Rob Zombie retorna a la música reclutando al guitarrista de Marilyn Manson, John 5 y al baterista de Alice Cooper, Tommy Clufetos. Junto a Blasko y Humphrey grabaron su tercer disco “Educated Horses” en el año 2006. En cuanto a su estilo, “Educated Horses” es el disco más experimental de Rob. En contraste con el sonido metalero de los primeros dos álbumes, este tiene un sonido más cercano al Metal Alternativo.

Si bien Blasko tocó en el álbum, él no estuvo en la posterior gira del disco, ya que abandonó la banda para tocar con Ozzy Osbourne. Para reemplazarlo Rob llamó a Piggy D. de Wednesday 13. Recientemente, Ozzy terminó su gira, y Blasko dijo que quería volver a tocar con Zombie.

En el 2006 participó en el primer VH1 Rock Honors, haciendo un homenaje a Kiss cantando "God of Thunder" junto a: Scott Ian, Slash, Tommy Lee, Gilby Clarke y la super leyenda del rock Ace Frehley.

Carrera como director

"House of 1000 Corpses" (conocida en latinoamérica como 1000 cuerpos y en España como La casa de los 1000 cadáveres) fue el debut de Rob como director y su primera película de terror. Le tomó cuatro años realizarla (1999-2003) y fue lanzada finalmente por Lion's Gate Films en el 2003, después de que Stacy Snider la entonces cabeza de Universal Pictures, les vendiera el film ya que ella no quería que fuera lanzado por Universal. Después fue revelado que a Snider no le gustan las películas de terror. La película contenía una impresionante cantidad de violencia y sangre derramada.

La sequela de 1000 Corpses fue The Devil's Rejects (2005), que mostraba un estilo diferente. Mientras su primera película era cómica y bizarra a la vez, The Devil's Rejects era más oscura, seria y áspera y era más una película al estilo western que una absoluta película de terror.

Rob Zombie ha retornado recientemente al negocio del cine. En el 2007 colaboró en la película Grindhouse de Robert Rodríguez y Quentin Tarantino. Dirigió un trailer llamado Werewolf Women of the S.S., protagonizado por su esposa y con la participación de Udo Kier, Sybil Danning y Nicolas Cage, quién aparece gratis como un favor.

Rob también está trabajando en su tercer film, The Haunted World of El Superbeasto, basada en su serie de cómics 'The Adventures of El Superbeasto'. Este film de animación verá la luz en el 2007. Él también estuvo a cargo de un "remake" de Halloween, el clásico de 1978, que se estrenò el 31 de Agosto del 2007. El remake de Halloween, película de John Carpenter, fue proyectada en el festival de cine fanástico de Sitges 2007, donde tuvo una muy buen acogida del público.

Pagina: http://www.robzombie.com/

Rosana

Rosana Arbelo (Lanzarote, Canarias, 24 de octubre de 1963) es una cantautora española.

Rosana ha vendido más de 4.000.000 de copias a nivel internacional y nacional desde que en 1996 a los 33 años lanzase su primer disco "Lunas Rotas".

Trayectoria artística

Rosana nació en Lanzarote, Islas Canarias. Es la pequeña de una familia de ocho hermanos. A los 20 años se trasladó a Madrid donde estudió armonía y guitarra. En 1994 una canción de su autoría: Fuego y miel ganó el primer premio en el Festival de Benidorm; a partir de entonces sus composiciones empezaron a interesar a muchos artistas.

En 1996 envió una maqueta a MCA, y consiguió un contrato discográfico. Su primer álbum Lunas rotas fue publicado en junio de ese año, y tuvo un notable éxito, convirtiéndose en álbum de diamante en menos de dos años. Incluía el tema El talismán, el mayor éxito de España en 1996. Decidió cantar ella misma sus propias composiciones y publicó su primer álbum: Lunas rotas. Un disco que alcanzó una proyección inesperada, sin pretenderlo se convirtió en todo un fenómeno. La sencillez, naturalidad y emoción de su trabajo tocaron el corazón de cientos de miles de personas. Su entrada en la lista de superventas fue la entrada más fuerte de un artista nuevo en la historia de la música en España. Consiguió unas ventas de más de 1.600.000 de copias de nuestro país, y más de 900.000 en el resto del mundo. Lunas rotas se publicó en más de 30 países, entre ellos: México, Brasil, EE.UU., Francia, Alemania, Japón y Corea. Incluso el director y productor cinematográfico Quentin Tarantino utilizó dos de sus canciones en la película Tú asesina, que nosotras limpiamos la sangre.

Durante los siguientes años, Rosana continuó editando álbumes y realizando giras por Europa y Latinoamérica. En 1998 se ocupó de la composición y producción del himno oficial de la Selección Española para el mundial de Fútbol de Francia. En el mismo año publica su álbum Luna Nueva que obtuvo gran éxito en ventas, aunque nunca alcanzó los logros de Lunas Rotas. Luna nueva fue su segundo trabajo, un disco más maduro y profundo que mantenía la frescura, naturalidad y sentimiento que caracterizan a Rosana.

Rosana actuó en el Festival Viña del Mar de Chile y allí le fue entregado el máximo galardón del certamen, la Gaviota de Plata, premio otorgado por el público.

En septiembre del 2001 Rosana rompe tres años de silencio discográfico, durante los cuales ha seguido componiendo para otros cantantes, y sale a la venta su disco de nombre homónimo Rosana. Su nuevo trabajo, producido, compuesto e interpretado por ella, experimenta nuevos ritmos, producto directo de haber nacido en las Islas Canarias donde los géneros musicales se funden. Éste y los siguientes discos tuvieron unas ventas más limitadas, coincidiendo con la crisis de la industria discográfica, su Rosana (2001) alcanzó el puesto #1 en ventas en España, aunque sólo por una semana, y Magia, en 2005 fue su primer disco de estudio que falló en alcanzar la primera posición, alcanzando el puesto #3.

El 23 de mayo del 2003, en el Círculo de Bellas Artes, Rosana presenta su primer libro Rosana. Material Sensible. Canciones y Poemas editado por Ediciones Aguilar. Es una de selección de pensamientos, poemas, canciones escritas para otros intérpretes, canciones ya interpretadas por ella y otras inéditas que quizás la cantante elija para un nuevo álbum. Carlos Tena, uno de los mejores críticos de la música española, presenta el libro calificando a la cantautora como “una poetisa que sabe hacer canciones o una cantante que sabe hacer poemas […] una novia del mar”. En este mismo año la cantautora trabaja en la creación de un nuevo sello discográfico desde el que se lanzarán artistas noveles.

El 1 de diciembre de 2003 Rosana publica un doble CD grabado en directo con 10 canciones nuevas, 12 de sus éxitos y dos videos.

Marca Registrada, el cuarto álbum de Rosana, es un disco diferente, ya que no sólo reúne éxitos y canciones queridas de sus tres anteriores discos; también estrena canciones inéditas. La grabación se realizó en dos lugares diferentes, antes dos públicos diferentes, con dos ambientes diferentes, con dos planteamientos musicales diferentes. El CD se grabó en agosto de 2003 en Manilva (Málaga); el otro, en septiembre del mismo en el Teatro Coliseum (Madrid).

Actualmente Rosana tiene en el mercado su 5º disco. “Magia”, álbum que al mes de su salida ya es disco de platino.

Tras un cambio de compañía discográfica, la canaria ha regresado con más ilusión y fuerza que nunca, para emocionarnos de nuevo con sus composiciones.

Decir que Rosana lleva más de 10 años de carrera musical es una aberración ya que artista no se hace, se nace, por lo tanto tendríamos que decir que lleva toda una vida de carrera, y no lo decimos nosotros, lo dicen las cifras: más de 6 millones de discos vendidos en todo el mundo y más de 500 conciertos en España y América; y los premios, que la avalan como la artista española más importante de la última década.

Pagina: http://www.rosana.net/

Simply Red

Simply Red, grupo musical británico de soul y pop.

Fue formado en 1984 por el cantante Mick "Red" Hucknall (nacido Michael James Hucknall el 8 de junio de 1960 en Manchester), quien contó para ello con tres ex miembros del grupo Durutti Column: Tony Bowers (n. 31 de octubre de 1952) al bajo, Chris Joyce (n. en Manchester el 11 de octubre de 1957) a la batería y Tim Kellett (n. en Knaresborough el 23 de julio de 1964) al teclado; además de con Sylvan Richardson (guitarra) y Fritz McIntyre (n. en Birmingham el 2 de septiembre de 1956) al teclado.

El grupo firmó con Elektra Records y realizó Picture Book (octubre de 1985), que contenía los temas "Money's Too Tight (To Mention)" y "Holding Back the Years", que fueron grandísimos éxitos, conviertiendo al grupo en uno de los protagonistas del año musical en 1986.

Men and Women (marzo de 1987), que contenía dos colaboraciones entre Hucknall y el letrista de soul Lamont Dozier, fue menos exitoso, aunque generó temas muy populares como "The Right Thing", "Infidelity" y "Ev'ry Time We Say Goodbye".

Richardson abandonó el grupo en 1987 y fue reemplazado por el guitarrista Aziz Ibrahim, quien a su vez fue reemplazado por el brasileño Heitor T.P.

El tercer álbum, A New Flame (febrero de 1989), fue disco de oro gracias a la versión del tema de 1972 de Harold Melvin & the Blue Notes "If You Don't Know Me By Now"; también fueron éxitos temas como "It's Only Love" y "A New Flame".

Tras el cuarto disco, Stars (septiembre de 1991), Bowers y Joyce abandonaron la banda, y se unieron a ella Shaun Ward en el bajo y Gota Yashiki en la batería, además del saxofonista Ian Kirkham. El disco fue un relativo fracaso en Estados Unidos ("Something Got Me Started" y "Stars" fueron, no obstante, temas exitosos) pero un grandísimo éxito en el Reino Unido, donde fue el disco más vendido de 1991. Vendió en todo el mundo casi 8 millones y medio de copias.

Ward y Gota se marcharon al ir a realizar el quinto álbum, Life (octubre de 1995), incorporándose, en cambio, la cantante Dee Johnson.

Blue apareció en 1998 y un año después lo hizo Love and the Russian Winter.

Tras crear su propio sello discográfico, simplyred.com, editaron Home en 2003, con éxitos como "Sunrise", "Fake" (con un popular videoclip), "You Make Me Feel Brand New" y, por último, "Home", cuyo videoclip fue grabado en Málaga.

Dos años después, la banda produjo Simplified, una colección de viejos y nuevos temas, del que se extrajo un sencillo nuevo Perfect Love y otro renovado Something Got Me Started y se lanzó el Dvd CUBA!

El 25 de Septiembre de 2006 se lanzó a la venta el sencillo Oh! What A Girl! un nuevo éxito, y que cierra el ciclo del DVD Cuba! grabado en el Teatro más importante de La Habana.

El último disco que salió de Simply Red se publico el 12 de Marzo de 2007, lleva por título "STAY" y del cual el primer sencillo extraído es "So Not Over You" que ya ha comenzado a ser radiado en todo el mundo. El sencillo salio a la venta el 5 de Marzo de 2007 en el Reino Unido.

Recientemente, el pasado 18 de Junio, Mick Hucknall fue padre de una niña llamada Romy True Hucknall nacida en Londres.

Pagina: http://www.simplyred.com/

Real de Catorce

Real de Catorce es un grupo de Blues, procedente de México.

Historia

Real de Catorce se formó en 1985, dando su primer concierto en el mítico Rockotitlán en la Ciudad de México el 12 de diciembre. De inmediato comienza a sobresalir de entre el resto de los grupos de la época al apostar por el Blues, un género musical que, si bien tiene una buena cantidad de seguidores en México, no tenía ningún representante sobresaliente, lo que los convirtió en el principal exponente del género en su país. Dentro de las estructuras propias del blues han realizado fusión con géneros como el rock, jazz y swing. Las composiciones líricas y musicales de José Cruz siempre han tenido un soporte musical por músicos virtuosos en sus respectivos instrumentos. A ello sumado el talento poético de Cruz, ha convertido a Real de Catorce en un grupo respetado y popular, considerados junto a La Barranca y Santa Sabina como grupos de culto.

Se caracterizan, igualmente, por ser ejemplo de la promoción y distribución cultural independiente de las grandes discográficas. Además, su trabajo es reconocido por público de todas las edades, quienes mantenían sus presentaciones por todo el país con una asistencia nutrida.

El grupo ha suspendido temporalmente su actividad, debido a las tensiones generadas entre los miembros del grupo derivadas de la esclerósis múltiple detectada a Cruz en años recientes, que le ha imposibilitado de continuar presentándose de manera regular agravando su salud y estado anímico de sobremanera.

Entre sus canciones más populares están Azul (su primer éxito), El ángel, Al rojo de la tarde, Pago mi renta con un poco de blues, Blues del atajo, Dorina y Abel, Beso de ginebra, Mujer liviana, La venenosa, El anticuario, Agua con sal, No soy el hombre de tu vida, El Gárgaras y Dramas para piano y violín.

Miembros

- José Cruz Camargo - Composición, Voz, Armónica, Guitarra, Slide
- Fernando Ábrego - Batería.
- Julio Zea - Guitarra
- Neftali López - bajo.

Miembros anteriores

- Severo Viñas Montes- Bajo, 1985 a 1990
- Rafael Herrera Bajo
- Juan Cristóbal Pérez Grobet - Bajo, de 1992 a 1998
- José Iglesias †(1952-2004)- Guitarra, de 1985 a 1997
- Jorge Velasco - bajo.de 1999 a 2002
- Carlos Torres - Violín, Teclados.de 1998 a 2002
- Bernardo Fernández Yah (El pollo) † (-2005)- bajo, sax]], percusiones. 2004-2005.
- Salvador Arceo - bajo. 2003

Pagina: http://www.realdecatorce.com.mx/