Enrique Symns

Memorias de un viejo indecente

Enrique Symns no se cansa de decir que ya tiene sesenta años y que quiere vivir en la leyenda. Con su melena de canas largas encarna una especie de profesor Locovich diabólico, que afirma que no se avergüenza de no tener nada: “Esta ropa que tengo puesta no es mía, me la regalaron”, se confiesa mientras se le escapa su rosada panza por entre los huecos de una camisa a la que le faltan algunos botones.

“Y que querés: me quedé pelado, estoy gordo, las chicas no me quieren besar porque se me cayeron los dientes”, se lamenta por celular ante un hipotético Sebastián Ortega en un pasaje de su obra Un guión para Tinelli, que estuvo en cartel en el Café Ghandi hasta comienzos del mes de abril. La pieza, que contó con la presencia del actor Héctor Ledo, fue escrita por Symns en sus días como habitante de el Bolsón –paraíso hippie que lo encontró fugazmente haciendo radio en FM Alas-. “Tres días sin dormir, mucha merca, pum-pum y listo”, cuenta riéndose y acaparando la tensión de todo el bar La Perla, donde estamos realizando la nota.
Aunque lejos del sur, Symns volvió a la radio y hoy se ocupa de conducir La noche del cazador todos los viernes de 22 a 01 por Radio Ciudad, algo que, según él, lo hace “sólo para poder pagar el alquiler en Buenos Aires”.

El héroe del Whisky, como lo llamó alguna vez el Indio Solari, saborea su ginebra de las cinco de la tarde y muestra su libro próximo a salir. De acuerdo a sus palabras, En busca del asesino es un thriller real sobre un crimen en el que él estuvo involucrado. “Es mejor que el otro pero se va a vender menos”, analiza refiriéndose a la publicación El señor de los venenos, que ya va por la tercera edición y en el que cuenta sus aventuras y recuerdos de la época en la que era el monologuista oficial que abría los shows de los Redonditos de Ricota, oficio que se extendió hasta comienzos de los noventa. Época en que flameaba como bandera under su revista Cerdos y Peces. En ésta, además de notas a las nuevas figuras de rock (el Indio llegó a publicar poesía y dibujos bajo un pseudónimo) o del teatro independiente, Symns inventaba fabulosas entrevistas a Micky Rourke o firmaba notas simulando ser el escritor William Burroughs.

De allí surgió su Teoría del Complot, por la cual afirma: “todavía hoy, que la humanidad está controlada por leyes absurdas, considerando la familia y el hogar como uno de los instrumentos de dominación que posee el sistema”. En este contexto, aparece el espacio de lo salvaje del bar como lo opuesto a la domesticación familiar.
¿Qué te sugiere que en Castelar haya un bar que se llame Tarzán?

Y mirá, dentro de lo que es la construcción tremenda que esa la ciudad, que consiste en la eliminación de toda trasgresión con lo regular de sus calles y sus veredas, es la encarnación del capitalismo. Te educan desde niño para tres cosas: estudiar, trabajar y casarte. Eso es el proyecto de la ciudad. Y ahí se terminó la aventura. Dejás de ser un niño y te convertís en uno de esos bastardos que andan por acá. El bar, ante esto, es el último lugar en donde todavía existe la aventura posible de que te pase algo distinto. En los otros lugares nunca te va a pasar más nada, ¡y menos en el hogar! En el bar entonces están las conversaciones transgresoras, están los amigos marginales, los intelectuales, las putas. Hasta los posibles romances. Por lo tanto lo llamo la selva. De ahí puede estar la posibilidad de ser un Tarzán, aunque sea por un rato. Porque el bar, si bien es el último reducto, la última porción de selva que le queda a la ciudad, es muy pequeño.

El repaso por el oeste nos lleva a los vagos recuerdos de Enrique por esta zona y sus visitas al Indio Solari cuando residía en Ramos Mejía. Pero como en esta vasta porción de tierra todo está conectado, de allí nos vamos a Hurlingham y su música.



¿Cuánto creés que hay de Sumo en Divididos y Las Pelotas?

Son los hermanitos menores de Luca... muy menores. Divididos no me gusta. Las Pelotas un poco más, por su experimentación, pero no es lo mismo, yo lo extraño a Luca. Era un gran creador, el mejor de todos. Un tipo de una enorme cultura. Él se hacía el bruto pero no lo era. La última vez que lo encontré estaba haciendo algo distinto en el Parakultural y ya estaba podrido de Sumo, del éxito. Porque él vino y trajo una música alucinante, pero era todo lo que ya sabía, por eso creo que de lo que estaba podrido era de él. Además no tenía competencia porque los Redondos no existían comparados con él. Ellos nunca podrían haber llegado a tanto si Luca no se moría. No porque no tenga talento el Indio, sino porque Luca era lo máximo. Tenía algo que ellos no tenían, era un Jim Morrison. Yo siempre lo digo: vos veías caminar a Luca por la calle Corrientes y la calle se movía. Un loco, un demente... Y no hay más de esa especie.



Lo último que había escuchado de vos antes de los libros fue el tema “Soy un virus”, que grabaste con los uruguayos de La Tabaré. ¿Con esto te referís al viejo complot?

Sí, pero es algo serio. Lo he hablado con virólogos. La palabra es un virus traído por extraterrestres para dominarnos. Ellos se alojaron en el cerebro de los monos hace millones de años y les enseñaron a hablar para poder sobrevivir. Cuando los monos hablaban ellos respiraban. Pero es una teoría que no es mía. Lo podés rastrear en Tótem y tabú de Freud o en El trabajo de Burroughs. Porque el origen de la palabra es un misterio, pero lo han logrado junto con otras invenciones: palabras, letras, el dinero, el trabajo, Dios. Imaginate, ¡la nada!



¿Y la noción del tiempo cómo juega?

Otra invención. Porque los científicos se olvidan de que el tiempo y el espacio no existen, son leyes creadas por la mente. ¿Qué es lo que nos transforma en esta especie de monos especiales? La invención del calendario. Porque, como diría Artaud, cuando crearon el reloj “nos hicieron esclavos de nuevo”. Nos sacaron el grillete de los tobillos y lo pusieron en la pulsera. El reloj te mata, te va envejeciendo, te va destruyendo la vida. Por eso es hermoso ver a un hombre con el ojo de un tigre acechando al tiempo para matarlo.



¿La educación es parte del complot?

Al final tenés que estudiar porque tenés que aprender a utilizar el lenguaje. Yo veo a los niños chiquitos y es maravilloso. Un niño hasta los tres años vive 7 mil años, porque no existe el tiempo. Luego, con el lenguaje, se le empiezan a transmitir conocimientos, como el tiempo. Lo agarra una maestra y lo convierte en un panadero, en un estudiante de sociología, ¡en una mierda! Sin sueños, sin poesía. ¿Cuántos quedan que sobreviven a ese matadero de almas en que consiste la educación? Porque un ser humano lo que tiene que hacer es nunca dejar de ser niño. O sea, ser un duende. Porque un duende es eso: un ser escondido en el rostro de un viejo.



¿Y ser un duende qué implica?

Nunca rendirse. No saber nada. Es como si vos fueras el extraterrestre que mira a los mandriles vivir... y encima una vida impiadosa, desagradable. ¡Viven en parejas! No conozco una sola pareja que sea feliz. Se casan y dejan de flotar. Empiezan a preocuparse, dejan de coger, de besarse la concha. Se convierten en cajas de seguridad, cuidan la economía. Porque la base del capitalismo no es la familia, es la pareja. La base de la maldición del mundo es que un hombre y una mujer se enamoren. El amor es una psicosis colectiva. Cuando el hombre se enamora se convierte en un imbécil, en un degenerado. Lo dijo Freud: “el encuentro entre el hombre y la mujer es imposible porque cuando el hombre se enamora busca a su madre”. Y la mujer busca en el hombre a Dios, busca algo más misterioso, pero no lo encuentra. Ninguno encuentra al otro. Entonces se forma ese nido de frustraciones donde comen, duermen, cagan, tienen hijos y reproducen la maldición.


Vos siempre dijiste que la única manera de escapar al Complot era a través de la locura. Hoy en tu obra Un guión... el discurso que primero es políticamente correcto cambia cuando las drogas hacen efecto. ¿El punto de contacto es que el gobierno del inconsciente es lo que permite sustraerse, aunque sea por un momento, del Complot?

Puede ser. Yo, por ejemplo, a la locura la pude experimentar a través de las drogas. La que más me llevó adentro fue la cocaína. No el ácido lisérgico o la mezcalina que me metieron en experiencias excepcionales o que me asustaron. La cocaína es la que me introdujo en el manicomio de mi cerebro, que es como una radio en la que hablan los demás. Porque yo soy un sujeto hablado, en el que hablan mis padres, mis abuelos, no yo. Entonces cuando vos tomás cocaína y te pasás días sin comer y sin dormir, llegás a lugares del cerebro impensados. Nietzsche lo decía así: “cuando vos mirás e abismo, el abismo te mira. Y le gustás”. El inconsciente quiere que vos hagas eso, que sufras para que él goce.



En tus notas y libros es constante la mentira, como citar autores o firmar con nombres falsos. ¿La mentira es un recurso para salir del Complot?

Pero esas no son mentiras, son trucos lingüísticos. Por ejemplo: si yo tengo algo importante para decir se lo adjudico a otro, porque si lo digo yo nadie me da bola. Pero la mentira es otra cosa. Por ejemplo, vos estás casado. Conocés a una chica, te la cogés. Vas a tu casa y no tenés por qué contarlo. ¿Por qué vas a hacer daño? Eso es una mentira. Hay derecho a tener secretos. Pero te dio el teléfono. La llamás y le decís a tu mujer que vas a trabajar. Dos mentiras dan un engaño. Y después con el tiempo se hace tu amante. Muchos engaños dan traición. Entonces la gente está acostumbrada a traicionar. Todos viven traicionando.

¿Vos por qué creés que los rockeros no me dan bola? Tipos que son ricos, que hasta hace poco tiempo veía. Porque yo soy testigo de esa traición que hicieron. Porque siempre quisieron eso: tener una pileta llena de conchas, con cámaras de video, sanguches de solomillo de no sé donde y viajar en un avión con el jet-set.


Después de aquella discusión sobre el caso Bulacio, donde les reprochaste el no haberse puesto al frente de los reclamos. ¿Volviste a tener contacto con alguno de Los Redondos?

Al Indio nunca más lo vi desde aquello, pero me gustaría. Cuando llegué a Buenos Aires los vi a Skay y a Poli. Están hechos dos gorditos, dos pelotudos. En cambio el Indio sigue siendo el mismo tipo sufrido. Millonario, pero malo. Siempre le molestó la gente, nunca podría haber estado como nosotros en este bar. Por eso me gusta, porque es un jodido.



A pesar de la pelea siempre noto en vos un tono de cariño para con él, por más que lo critiques.

Sí, porque yo lo amo. A él y al Semilla (Bucciarelli). Por ejemplo, las canciones que me dedicó son geniales. En “El héroe del Whisky” él me trata de frívolo y tenía razón. Yo cogía todo el tiempo y me encantaba. Y en el otro (“El blues de la artillería) también todo es cierto. Que “cabe todo lo mío en una maldita valija”. Estoy orgulloso de eso, de no tener nada. Ese tema es todo un halago. Pero después se metió con que yo vendía merca (“líder dealer sin freno...”) y era cierto también. Pero, como dije en ese momento, yo vendía cocaína porque era un tipo honesto. No andaba inventando canciones sobre que “viajo en trenes” y resulta que después me compro mansiones de lujo. Pero bueno, fue una pelea muy dura, muy desgarrante. Pero yo los amo. Es más, el disco que más me gusta es justamente La mosca y la sopa. Después de eso no hicieron nada más bueno.



¿Qué te parece lo que están haciendo hoy?

Bueno, el Indio todavía tiene algo. Su disco tiene un tema muy bueno. Lo de Skay no me gusta. Del resto del rock de acá casi no conozco. El ‘rock chabón’ me parece patético, sin poesía, sin música. Pero además me parece asqueroso que el rock se haya puesto de moda y se codee con el jet-set. Porque lo peor que le pasó a la música es Santaolalla. Es un vendedor de almas, un Tinelli. Por eso ganó ese premio de mierda. Yo me acuerdo que los Bersuit eran buenísimos. Me encantaba el peor disco que hicieron, Don Leopardo. Era el mejor. Hasta que después los agarró este tipo y empezaron a hacer discos de mierda y a decirle cosas emocionantes y cálidas a la gente porque son un clan. A todo el arte le está pasando algo siniestro: la pintura tiene el curador. El productor es más importante que el músico. ¿Cómo es esa mierda? O sea que Van Gogh no hubiera existido, Beethoven tampoco si no fuera por el intermediario. Yo fui a presentar mi libro y cuando un editor me quiso venir a decir cómo tenía qué escribir lo mandé a la mierda.

Kyuss

Kyuss es un grupo de stoner rock, procedentes de Palm Springs, California, específicamente de Palm Desert.

Historia

Los integrantes originales de la banda son John García (vocalista), Josh Homme (guitarra), Brant Bjork (batería), y Chris Cockrell (bajo).

Kyuss surge en Palm Desert, California a finales de los 80, cuando cuatro amigos del instituto se reúnen formando lo que con el paso del tiempo será, para la mayor parte de la crítica y público, uno de los iconos más importantes de la música stoner rock. Su nombre pronunciado "kai-uss", procede del juego de rol Dragones y Mazmorras. Aunque en realidad su primera incursión en el mercado musical será bajo Sons of Kyuss grabando en 1990 un ep de título homónimo tras lo cual el nombre del grupo se acortará hasta el que conocemos hoy; entrará a formar parte del grupo Nick Oliveri sustituyendo a Chris al bajo. Con esta formación grabarán un año después " Wretch" y en 1992 "Blues for the Red Sun" este último producido por Chris Goss de Masters of Reality, el cual irá produciendo sus sucesivos discos y les dará ese sonido característico del grupo.

En 1994 graban "Sky Valley" con la incorporación de Scott Reeder de The Obsessed en lugar de Oliveri. En el posterior tour Alfredo Hernández entrará a formar parte del grupo ocupando el puesto de Bjork (ya que este último dejó la banda por problemas internos, y se unió posteriormente a Fu Manchu), formación con la que se graba "...And the Circus Leaves Town", último disco oficial, y el directo no oficial "Mercurious Pools", aunque la disolución definitiva de la banda se producirá dos años después.

En la actualidad los diferentes miembros del grupo se encuentran en diferentes proyectos : John García en Hermano, Unida, Josh Homme en Queens of the Stone Age, Eagles of Death Metal y Desert Sessions; Nick Oliveri en Mondo Generator, Brant Bjork en Brant Bjork and the Bros, Alfredo Hernandez en Orquesta del Desierto y Scott Reeder con Butcher y su proyecto solo, Scott Reeder.

Kyuss, aún siendo un grupo de corta vida, disuelto en 1995 según se dice por no conseguir penetrar significativamente en el mercado y por desmoralización temporal del guitarrista, Joshua Homme, es un grupo fascinante, técnicamente reseñable y de gran influencia en el rock de los últimos años. Hoy en día no deja de ser un grupo de culto y ciertamente 'underground' y bastante desconocido, cuyo mayor significativo es ser posiblemente el más importante predecesor de los conocidos Queens of the Stone Age.

Debajo de los feroces y graves riffs (el bajo y guitarra se afinaban en DO(C) en lugar de MI(E), 4 semitonos por debajo de lo común, al igual que los actuales Queens of the stone age) y sus interminables canciones, subyace un estimulante estilo rockero de los '70.

Como ya decían en su cuarto disco 'Welcome to Sky Valley', se recomienda escuchar sus canciones a un volumen muy alto y concentrándose en la escucha.

Pagina: http://www.stonerrock.com/kyuss/

Laura Pausini

Laura Pausini (16 de mayo de 1974, 33 años) es una cantante pop italiana, considerada por muchos como la mejor cantante italiana del mundo y de la historia.

Es conocida por sus baladas y canciones de amor, aunque ha cantado sobre otros temas como la pobreza, la guerra, el racismo, entre otras cuestiones sociales. Es conocida no sólo en Italia, sino también en otros países de Europa, España, EE.UU. y América Latina. Ha cantado, además de en italiano, en castellano, portugués, inglés y recientemente en francés, en dos duetos con los cantantes Hélène Segara y Johnny Hallyday y en una versión italo-francesa de su sencillo de 2006 Yo canto -Je chante.

Biografía

Laura nació el 16 de mayo de 1974 en la ciudad de Solarolo, Ravena, Italia, donde creció. Laura cuenta que cuando su mamá, Gianna, estaba embarazada, su papá Fabrizio solí­a colocar música para que Laura la escuchara, ya que deseaba que su hija también fuera cantante así­ como lo era él.

El padre de Laura es músico y cantante, su madre es maestra parvularia y su hermana, Silvia, es 2 años menor que ella y a quien Laura considera como la persona más importante en su vida.

Como Laura nos cuenta en su canción "La meta de mi viaje", su padre casi siempre estaba de viaje debido a que tocaba en diferentes ciudades dentro y fuera de Italia.

Cuando Laura cumplió 8 años, su padre le preguntó qué le gustaría como regalo y ella le dijo: quiero cantar junto a ti. Fabricio fue el gran y único maestro de Laura durante todos esos años, pues ella nunca tomó clases de canto. Laura dice que solí­a mirarlo tras la puerta y ver cómo él practicaba el canto. We are the World fue la primera canción que Laura cantó. Es por eso que ésta es una canción muy especial para ella. Su papá le tradujo la letra, ya que Laura era muy pequeña y no entendí­a el idioma.

A los 12 años Laura cantó por primera vez sola en un restaurante de Bologna, y a esa misma edad grabó su primer disco con ayuda de su papá. Fue el regalo que recibió al cumplir 12 años. Laura compuso a esa edad su primera canción: Laciarmi Dormire.

Durante su adolescencia Laura seguía tocando junto a su padre, pero el en año 1991 su papá la inscribió en el concurso Castrocaro. Laura tenía miedo de participar, pero lo hizo y aunque en esa oportunidad no ganó, sí conoció a Marco Maratti y Angelo Vasiglio y es con ellos que grabó "La Soledad".

En febrero de 1993 Laura se presenta en el Festival de San Remo y obtiene el primer lugar con 7.464 votos. Es en ese entonces que Laura se hace conocida en toda Italia y comienza su exitosa carrera musical en su país, así como en todo el mundo.

Tras el disco de grandes éxitos de 2001, con el éxito del sencillo Volveré junto a ti, ya en 2002, intentó triunfar en el mercado estadounidense con el álbum en inglés From the Inside, pero éste no tuvo la aceptación esperada de parte del público.

Madurez profesional

Pausini ha vendido mas de 35 millones de copias (16 millones hasta 2001) y ha conseguido más de 180 discos de platino, una serie infinita de discos de oro y un disco de diamante. Entre sus reconocimientos se encuentran tres World Music Awards en 1994 , 2003 y en 2007 , varios I.F.P.I. Platinum Europe Awards. En el 2005 ganó el premio Premio Grammy, Grammy Latino en la categoría a Mejor Álbum Vocal Pop Latino Femenino con su álbum <>. El 8 de febrero del 2006 ganó el Grammy Americano en la categoría "Best Latin Pop Album" con su disco Escucha. Después, el 23 de febrero triunfó en Premios Lo Nuestro 2006, obteniendo un premio en la categoría "Artista Femenina del Año", el 28 de febrero de 2007 obtuvo el Premio Dial ´06 otorgado por la emisora de radio española Cadena Dial a los cantantes de habla hispana, y el 27 de abril suma un premio más a su carrera, obteniendo el premio Billboard Latino en la categoría "Tema Latin Pop Airplay del Año Femenino" con su tema Víveme, canción que fue el tema principal de la telenovela mexicana "La Madrastra".

En octubre de 2006 vio la luz su sencillo Yo canto, versión de la canción de Riccardo Cocciante, de 1979. El nuevo disco incluye canciones como Estrella gemela, de Eros Ramazzotti, No me lo puedo explicar de Tiziano Ferro, y otras como Mi libre canción de Lucio Battisti cantada a dúo con el cantautor colombiano juanes, Por el camino de Claudio Baglioni, Como el sol inesperado o Destino Paraíso. El lanzamiento tuvo lugar el 10 de noviembre en Italia, y el 14 de noviembre en el resto del mundo.

El 2 de junio de 2007 se convierte en la 1ª Mujer en actuar en un estadio de fútbol en Italia. San Siro (Milan) es el lugar elegido para su mayor acontecimiento musical y lo llenó con 70.000 personas. También ha dicho que ahora tomará una pausa para escribir nuevas canciones que puede llamar sus propias.

El 29 de agosto de 2007, recibe una nueva nominación a los premios Grammy Latino 2007, por el disco *Yo Canto* en la categoría Mejor Álbum Vocal Pop Femenino.

El 30 de octubre de 2007, salió el álbum "The Best of Andrea Bocelli" (Lo mejor de Andrea Bocelli, en castellano): Vivere que incluye la canción Dare To Live (Vivere, en inglés) además de la versión en castellano Vive ya cantada a duo por Andrea Bocelli y Laura Pausini.

El 8 de noviembre de 2007, ganó el Grammy Latino en la categoría "Mejor Album Pop Femenino" con su disco Yo Canto.

El 30 de noviembre de 2007, se publicó el CD/DVD "San Siro 2007" del concierto en el estadio de San Siro.

Pagina: http://www.laurapausini.com/

Mika

Mica Penniman (18 de agosto, 1983) más conocido como Mika es un cantante de origen libanés. Actualmente vive en Inglaterra, país en el que ha cosechado un gran éxito.

Biografía

Nació en Beirut, capital del Líbano. Su nombre verdadero es Mikahil Holbrook Penniman Ismaili. Son cinco hermanos, de madre libanesa y padre estadounidense. Huyendo de la guerra del Líbano pasó con su familia por diferentes lugares (París) antes de establecerse en Londres a la edad de nueve años, al mismo tiempo que descubrieron que Mika sufría de dislexia. Más tarde, a Mika, se le contrató una profesora rusa de ópera para que le enseñara canto, lo que hizo que a los 15 años ya cantara como tenor. Se matriculó en la London School of Economics para estudiar economia y política pero dos semanas después ya estaba estudiando música en el Royal College of Music. Tiene una hermana de sobrenombre Dawak.

Antes de triunfar como cantante pop, Mika fue cantante de ópera, escribió música funcional para la aerolínea British Airways y compuso jingles publicitarios.

En el 2007 firmó un contrato con el reactivado sello de música disco de los setenta Casablanca Records y cuyo álbum debut, Life in cartoon motion, se edita bajo el sello de Island Records UK (Universal). Su primer álbum fue número uno en Inglaterra y va camino de serlo en muchos otros países. En abril de 2007 empieza a planear sus giras. Es el artista más prometedor del año según la encuesta anual que realiza la BBC entre más de 130 profesionales independientes del mundo de la música y los medios de comunicación británicos. En el Top 10 de esa encuesta, que suele ser bastante certera, están algunos de los grupos y músicos que tienen más posibilidades de triunfar y dar que hablar en el 2007 como Klaxons, The Twag, Air Traffic, Cold War Kids, Ghosts o The Rumble Strips.Segun se cuenta su tema Grace Kelly fue impulsado por la prensa debido a las intensas criticas por su parecido a Freddie Mercury en su voz, entonces él decidio sacar un tema donde habla de que "podria ser cualquier cosa que quieras" refiriendose a los comentarios de su parecido con distintos artistas.

Mika declara que ha crecido escuchando de todo, desde Queen, Freddie Mercury, Joan Baez, Bob Dylan, Serge Gainsbourg, Édith Piaf, The Beatles, hasta flamenco y que admira a los grandes compositores como Wagner, Harry Nilsson, Prince o Elton John.

La banda de Mika está formada además por Martin Waugh (Guitarra, Coro), Michael Choi (Bajo, Coro), Cherisse Osei (Batería) y Luke Juby (Teclado).

En Enero de 2008, Mika, Take That y Leona Lewis encabezan las nominaciones a los premios Brit Awards de la música británica, que se entregarán en una gala el próximo 20 de febrero. El grupo Take That y los dos solistas (Mika y Leona Lewis) reúnen cuatro nominaciones cada uno, entre ellas a “Mejor Álbum” y “Mejor sencillo,” sin embargo el artista libanes solo fue premiado como el mejor artista revelación en directo (British Breakthrough Act).

Pagina: http://www.mikasounds.com/

Everything But The Girl

Como tantas otras agrupaciones, Everything But The Girl tiene origen universitario. Fundado en 1982 por los estudiantes Tracey Thorn y Ben Watt en el Hull University, el dúo adquirió su nombre gracias a un cartel que colgaba de la vidriera de un local de muebles que anunciaba poseer todo para armar su dormitorio menos la chica. Ambos integrantes ya poseían alguna experiencia en el campo de la música. Tracey había formado parte de una agrupación femenina llamada Marine Girls, mientras que Ben adquirió alguna experiencia editando dos singles bajo el nombre de Roberto Watt. Debutan como Everything But The Girl con una canción que se convierte en un éxito de los charts independientes de Inglaterra. La misma consistía en un cover de Cole Porter llamado “Night And Day”, y en ella demostraron finesa y olfato comercial, ingredientes que años más tarde los lanzaría a la fama. Luego de nuevos intentos solistas, la dupla vuelve a reunirse en 1983 para dejar registrado otro cover. Esta vez la elección recayó sobre un clásico de The Jam, “English Rose”. Esta versión impresionó a Paul Weller, autor del tema que, en 1984 como recompensa, invitó a ambos a participar de Café blue el debut discográfico de su nuevo proyecto, The Style Council.

Con estas credenciales llegan a Eden, un álbum debut donde Tracey y Ben muestran influencias que van desde la bossa nova al jazz, pasándolos por un filtro pop con delicadeza y buen gusto. El trabajo ingresa al Top 40 inglés y les ofrece una buena plataforma para el próximo trabajo. Love not money saldría al año siguiente y revalidaría las virtudes que ya había mostrado EBTG. El casi orquestal Baby, the stars shine bright (1986) se convertiría en un buen preámbulo para su gran obra hasta la fecha: Idlewild. Este disco extraería los mejores elogios de la siempre exigente prensa inglesa y, gracias a “I Don´t Want To Talk About It” (composición del Crazy Horses, Danny Whitten), EBTG volvería a ingresar a los rankings británicos, pero esta vez en los primeros tres lugares.

Habiendo logrado aceptación en sus tierras, el dúo viaja a Los Angeles (Estados Unidos) para, junto al afamado productor Tommy LiPuma, registrar su nuevo disco. Con el mítico y genial Stan Getz en carácter de invitado, durante 1990 llega a las bateas The language of life, donde el dúo se acerca más que nunca al pop, poniendo el foco en las canciones y no tanto en los ritmos. Una continuación lógica sería su nueva placa, Worldwide, lanzada a los doce meses. Un puñado de conciertos acústicos brindados en lugares pequeños, arrojan como resultado el registro en vivo llamado Acoustic. En sincronía con el nacimiento del formato Unplugged, EBTG diseñaba un repertorio desenchufado que incluía composiciones de Elvis Costello, Bruce Springsteen y Cyndi Lauper, más los clásicos propios que habían sabido conseguir.

En 1993 Ben Watt es afectado por el síndrome Churg-Strauss, un extraño virus que afectó su sistema inmunológico y que lo llevó al borde de la muerte. La dupla se toma un descanso para, ya con Ben recuperado, volver en 1994 gracias a un puñado de canciones que el guitarrista había compuesto durante su recuperación. Antes de ello, Tracey grabaría junto a los Massive Attack el tema “Protection”, que daría nombre la encumbrada obra del trío de Bristol. El año sabático por el padecimiento de Watt y la colaboración de Thorn con los creadores del trip hop, llevaría a EBTG a replantear su sonido. Pero antes de volcarse definitivamente hacia la electrónica, en 1994 sacan al mercado Amplified heart que contendría “Missing”, una canción convertida en hit mundial gracias al remix realizado por el DJ Todd Terry. Si hacía falta un motivo más para que el dúo se volcara a la electrónica, este suceso lo reafirmaría. Una temporada después, Walking wounded se convertiría en el ingreso por la puerta grande de EBTG al mundillo dance. La delicadeza que, a esta altura era una marca registrada de la dupla, se potencia con la utilización de programaciones y sintetizadores. Tracey y Ben se reinventaban con un éxito absoluto. Por esa época la cantante dobla la apuesta y graba otra colaboración que sería furor de las pistas de baile. Junto al dúo de DJ´s iraníes, Deep Dish, en 1996 sale el single “Future Of The Future”, una canción armada a la medida de la voz de Tracey y de los charts, obviamente.

Everything But The Girl cerraría el milenio con Temperamental, otro de los puntos altos de su carrera discográfica. En el 2001, la colección Back to mine pone en el candelero otra faceta del dúo: la de pinchadiscos en un DJ Set. En el 2005, salió a la luz un compilado de remixes titulado Adapt or die.

Formacion:

Tracey Thorn Cantante
Ben Watt Tecladista

Pagina: http://www.ebtg.co.uk/

Aquelarre

Historia:

Aquelarre fue una banda argentina de rock formada en 1971 por Rodolfo García (batería), Emilio del Guercio (bajo y voz), Hugo González Neira (teclados) y Héctor Starc (guitarra).

La base rítmica, bajo y batería, era la misma de Almendra, conjunto del que Emilio del Guercio y Rodolfo García se habían separado hacía poco. Se presentaron por primera vez en público en el segundo festival Buenos Aires Rock, también conocido como B.A. Rock II en noviembre de 1971.

La banda se disolvió en 1977 luego de realizar una extensa gira por España y volvió a juntarse en 1998.

Sus éxitos más logrados fueron Violencia en el parque, Silencio Marginal, Cruzando la calle, Ceremonias para Disolver y Parte del día.

Nota de Revista Pelo 1973:

Más de un año tuvo que esperar el publico porteño para poder escuchar en un recital a uno de sus grupos favoritos: Aquelarre.
Diversas circunstancias (relacionadas con el cambio de sello y la reestructuración de sus sistemas de amplificación) determinaron que el grupo -uno de los más exitosos de los últimos tiempos- no se presentara en salas durante el último año. La expectativa generada rebasó las localidades disponibles y, para evitar disturbios los organizadores debieron abrir las puertas en forma gratuita para mucha gente que se había quedado sin localidades. Jorge Pistocchi fue encomendado por Pelo para que presenciara y describiera ese regreso de Aquelarre. Lo que sigue es su informe.

El mes pasado se cumplieron tres años de la separación de Almendra. Pero sus ex integrantes se encontraron dentro de ese lapso con sus actuales grupos (Aquelarre, Invisible, Color Humano) en distintos recitales, reuniendo a unas nueve mil personas a las que brindaron, quizás, la mejor música que se está haciendo entre nosotros.
Todo esto constituye, tal vez, la mejor respuesta a lo que de sus vidas y obras se ha dicho hasta hoy.
Su respuesta, Aquelarre la dio el miércoles 26 en el Opera. Todo lo que dieron esa noche en una sala repleta donde fueron ovacionados pocos lo hubieran imaginado cuando éstos decidieron formarse como grupo. Cada uno tenía una trayectoria musical muy definida a sus espaldas y eso complicaba las cosas. Por un lado, Rodolfo y Emilio luego de la separación de Almendra tocaron esporádicamente durante el tiempo que duró el servicio militar de este último, con el agravante de tener que sacarse de encima los rótulos de "exs". En una de esas ocasiones fue cuando conocieron musicalmente a sus futuros compañeros, Héctor Starc y Hugo González Neira. Héctor con un estilo muy definido que hizo que lo bautizaran como "la Bola de Ruido", parecía imposible de integrar algún grupo estable. Hugo, por su parte, un excelente tecladista, nunca había tenido la oportunidad de tocar en forma continuada en un grupo y poder desarrollar todos sus posibilidades musicales.
Y así nació Aquelarre. Muchos a! principio no comprendían su música. Pera algunos resultaba un poco fría, tal vez porque se buscaba o una forma de continuación de la música de Rodolfo y Emilio en Almendra o iban a ver los desbordes de Héctor, pero quedaron defraudados porque Aquelarre no hacía concesiones para ganar publico. No apartándose de una búsqueda bien definida de su propia música.
Por eso, este último recital fue más que nada la culminación de un proceso de despojamiento en el que encontraron juntos una libertad creativa. Los progresos individuales, en sus instrumentos son muy grandes y se notan más claramente en Rodolfo, que está tocando con mucha más soltura y creatividad y en Héctor que después de un tiempo en que se lo veía demasiado contenido con su viola (probablemente por sacarse de encima a la "Bota de Ruido") está encontrando el punto de equilibrio entre su temperamento y las necesidades del grupo. Todo esto repercute en una forma cada vez más audaz de encarar sus temas con el agregado de que ahora los cuatro integrantes cantan como primeras voces.
Pero más allá de todo esto, es difícil hablar de lo que pasó en un recital quedándose solamente con la música, las anécdotas, o e! sonido que se pueda haber escuchado porque tal vez todo eso junto sea sólo la respuesta de cuatro hombres recorriendo un mismo camino. Y ya sabemos que las respuestas de un creador son intransferible en boca de otro.

Scissor Sisters

Los Scissor Sisters (traducido como Las Hermanas Tijeras) es un grupo musical estadounidense formado en el 2001 y que ha gozado de gran éxito en el Reino Unido y en Australia. Sus ventas en los Estados Unidos sin embargo son modestas en comparación con las cifras que han alcanzado en el Reino Unido, donde son considerados uno de los grupos que más han vendido en la década.

Sus influencias musicales abarcan la música disco, glam rock/pop y el ambiente de los centros nocturnos de la ciudad de Nueva York. El nombre del grupo viene de una posición sexual entre mujeres (Las tijeras). Su nombre originalmente era Dead Lesbian and the Fibrillating Scissor Sisters (La lesbiana muerta y las hilarantes hermanas tijeras).
Tabla de contenidos

Los miembros de la banda son:

- Jake Shears (su nombre verdadero es Jason Sellards) - Voz
- Babydaddy (su nombre verdadero es Scott Hoffman) - Bajo, teclado, coros, guitarra
- Ana Matronic (su nombre verdadero es Ana Lynch) - Voz, percusiones, "Mistress of Ceremonies"
- Del Marquis (su nombre verdadero es Derek Gruen) - Guitarra principal
- Paddy Boom (su nombre verdadero es Patrick Seacor) - Batería, percusiones

En presentaciones en vivo han incluido a John "JJ" Garden, hijo de Graeme Garden de The Goodies, en el teclado/guitarra.

Pagina: http://www.scissorsisters.com/

Eros Ramazzotti

Eros Luciano Walter Ramazzotti Molina (Roma, Italia 28 de octubre de 1963), mundialmente conocido como Eros Ramazzotti. Intérprete de música pop y reconocida figura de la escena musical en Italia, su país de origen, Europa e Hispanoamérica.

Biografía

Hijo de Rodolfo Ramazzotti y Raffaela Molina, Ramazzotti nació el 28 de octubre de 1963 en el hospital de San Giovanni, en Roma. Vivió en el barrio de Cinecittà en Roma, junto a los grandes estudios de cine. En su infancia Eros participó de extra junto a sus amigos en algunas películas, se dice que sale en Amarcord de Federico Fellini (película que ganó el Oscar a la mejor película extranjera en 1973). En la adolescencia estuvo a punto de emigrar a Australia con su familia, de hecho toma clases de inglés en una academia cercana a la estación de Termini, pero la solicitud fue rechazada. Su padre era pintor (de brocha gorda), si bien en el pasado intentó dedicarse a la canción (llegó a grabar dos canciones Lui è uno y Voglio andare sulla luna. Tras el intento fallido intentó entrar en el conservatorio, pero es rechazado por no saber leer música. Se presenta con una canción de Francesco De Gregori ("Pezzi di vetro").

Deja el colegio (el "Margarita Bosco", que aún existe, el mismo colegio donde más tarde estudiarían los futbolistas Nesta y Totti). Estudió Contabilidad durante dos años, pero lo dejó a finales de los años 80 y comenzó a dar su primeros pasos en la música.

Los comienzos

En 1981 participó en el festival de Castrocaro con la canción Rock'80, compuesta por él mismo. Ganó Zucchero. A Eros le valió para que una pequeña discográfica milanesa, la DDD (La Drogeria di Drugolo), se fijase en él, y le ofreciera su primer contrato discográfico. Esto le obligó a trasladarse a Milán, su ciudad de residencia actual. Vivió en un apartamento en los estudios de la DDD y se dedicó en los tres años siguientes a tomar clases de canto y de guitarra.

En 1982 lanzó lo que fue su primer sencillo Ad un amico, dedicado a sus dos amigos Ivano y Marco, que murieron en la adolescencia (por accidente de coche y enfermedad pulmonar, respectivamente). Con ellos había formado un grupo en su juventud, se llamaban "I Santana".

A su primera participación en el Festival de la Canción de San Remo en 1984, categoría de Nuevas voces, se presentó con su segundo sencillo Terra promessa (Tierra prometida), compuesta por el mismo y ayudado por reconocidos compositores italianos, Alberto Salerno en la letra y Renato Brioschi en la música, finalmente gana. Después se contrata a Piero Cassano como productor y a partir de ahí Eros inicia su carrera internacional.

Lanza su primer álbum Cuori agitati (Almas rebeldes) en 1985, y el sencillo Una storia importante (Una historia importante) vende sólo en Francia un millón de copias. Además con esa canción se presenta al Festival de la Canción de San Remo de ese año, ahora ya entre los grandes, y queda sexto. Comienzan a pararle por la calle.

Con el pensamiento y la espina clavada de no haber ganado en año anterior en el Festival de la Canción de San Remo se lanza el segundo álbum en 1986, Nuovi eroi (Héroes de hoy), en el que va incluido Adesso tu (Ahora tu), canción con la que sí logra ganar en San Remo y convertirse así en el primero en conseguir ganar el Festival dos veces en menos de tres años. La canción, autobiográfica, del ...ragazzo di periferia... se convierte así en un himno para toda una generación.

La confirmación

El tercer álbum In certi momenti (En ciertos momentos) incluye el primer dueto de su carrera, algo que ahora se ha convertido en normal en los disco del cantante, La luce buona delle stelle cantada con Patsy Kensit vocalista del por aquel entonces afamado grupo Eighth Wonder. En el mismo disco está Ma che bello questo amore (Fantástico amor), una de las canciones que no pueden faltar en sus conciertos y otras como Occhi di speranza (Ojos de esperanza), canción dedicada a la gente que dona sus órganos.

En 1988 se lanza Musica è (Música es), un mini álbum que contiene la canción que da título al álbum Musica è (Música es), una canción de 11 minutos en la que Ramazzotti cuenta qué es para él la música. La discográfica lanzó este mini álbum como tributo a los fans, pero a la postre se convirtió en el disco más vendido del cantante hasta la fecha.

La consagración

Tras un parón de dos años sin lanzar nada nuevo al mercado, llega en 1990 In ogni senso (En todos los sentidos), en él se incluyen canciones tales como Se bastasse una canzone (Si bastasen un par de canciones) y Amarti è l'immenso per me (Amarte es total) cantada a dúo con Antonella Bucci. El disco incluye también Dolce Barbara (Un atardecer violento) dedicada a la madre de Bárbara Polidori, una joven fan del pueblo de Caserta, enferma de esclerosis lateral amiotrófica. Eros, conocedor de su enfermedad, se vuelca con ella, la lleva a conciertos, queda con ella, y cuando fallece su mejor homenaje lo realiza en forma de música.

A este disco le siguió una gran gira mundial que fue culminada con la aparición del doble álbum Eros in concert donde se recoge el hacer del cantante encima de los escenarios de toda Europa. Su fama alcanza los EE.UU donde viaja para tocar en el Radio City Music Hall de Nueva York. Fue el primer italiano en actuar en ese escenario y agotar todas las entradas.

En el año 1993 Eros sorprendió con Tutte storie (Todo historias) y los acordes del primer sencillo Cose della vita (Cosas de la vida), lo más rock que ha hecho el cantante. Dicho sencillo tuvo otra sorpresa, el vídeo fue dirigido por Spike Lee que era la primera vez que el director de color trabajaba con un europeo. En el mismo disco se encuentra Silver e Missie (Silver y Missie), canción que trata sobre la historia de dos delfines, que formaban parte del proyecto, 'Into the blue, se trató de salvarlos y liberarlos, y se consiguió movilizar a todo el país transalpino. También es de destacar la canción Favola (Fábula), inspirada en el cuento "Las transformaciones de Píktor", de Hermann Hesse. Esodi (Éxodos) que habla de los exiliados de la antigua Yugoslavia, Un'altra te (Otra como tu)...

Tras la gira de Tutte storie world tour, Eros junto con Pino Daniele y Jovanotti inventarón trío, un espectáculo conjunto que les llevó de gira por casi toda Italia y algunos países europeos.

En 1996 sale Dove c'è musica (Donde hay música), el disco que más ha vendido (más de siete millones por todo el mundo). Este disco es importante por ser el primero que el propio Eros produce con su recientemente creada Radiorama, una agencia musical que dirige su hermano Marco y porque es el primero que lanza el artista sin la colaboración de su productor habitual, Piero Cassano. Più bella cosa (La cosa más bella) fue el sencillo más radiado en 1996. L'Aurora (La Aurora) está dedicada a su hija Aurora Sophie. Lettera al futuro (Carta al futuro) está inspirada en La máscara de la muerte roja, un cuento de Edgar Allan Poe. Yo sin ti que es la única canción que está presente en castellano en ambas ediciones de los dos discos (versión en castellano y en italiano). Eros compuso la música y le propuso a Juan Luis Guerra que compusiera la letra. Dicen las malas lenguas que Juan Luis Guerra se negó y que esa es la razón por la que Eros nunca ha pisado República Dominicana en una gira. La canción finalmente la compuso Nacho Mañó, uno de los componentes del grupo Presuntos Implicados y el mejor traductor de las canciones de Ramazzotti. Con este disco también se gesta lo que será el futuro grupo de trabajo de Eros, ya que conoce a su actual co-autor de las melodías de Eros, el profesor Claudio Guidetti.

Colaboraciones y trabajos para otros

Además de sus propios discos Eros comienza a producir a otros cantantes y grupos italianos, Gianni Morandi es el primero. Además escribe Nadie para Cristian Castro, That's all I need to know para Joe Cocker, además de otras muchas canciones para cantantes italianos. Además de las colaboraciones ya citadas Eros ha cantado con Biagio Antonacci (Almeno non tradirmi tu), Giorgia (Amarti è l'immenso per me), Umberto Tozzi (Tu vivrai), Gianni Morandi (Cosí vanno le cose), Laura Pausini (Volare), Massimo di Cataldo (Una ragione di più) y Luciano Pavarotti (Se bastasse una canzone) entre otros.

Algo personal

A finales de 1996 Eros tiene a su hija (Aurora Sophie) con la modelo/presentadora Suiza Michelle Hunziker. Años más tarde, en 1998, Eros se casa con Michelle Hunziker en el castillo de Bracciano, en las afueras de Roma. En el 2002, tras más de siete años de relación y cuatro años de matrimonio, se produce la separación del cantante con la modelo. En la actualidad ambos comparten la custodia de Aurora Sophie.

Grandes éxitos

1997 es el año elegido por Eros para que salga el primer disco del cantante de grandes éxitos Eros, y en él hay incluido un dueto con Tina Turner, es una versión de Cose della vita/Can't stop thinking of you (Cosas de la vida/Can't stop thinking of you) cantada en italiano (castellano y portugués) e inglés. También incluye una versión de Musica è (Musica es) cantada con Andrea Bocelli que salió solamente en italiano.

Cuando parecía que iban a pasa otros tres años para que apareciese un nuevo disco del cantante, sale Eros live, (Eros en directo) en 1998, una auténtica joya de música en directo, un disco que recoge los duetos en con Tina Turner (Cose della vita/Can't stop thinking of you) y Joe Cocker (That's all I need to know/Difenderò) en el concierto que Eros dio en Munich en julio de ese año.

La década del 2000

Tras el parón, en el 2000, Eros volvió a escena con Stilelibero (Estilolibre) producido a medias entre Eros y su amigo-compositor-ayudante Claudio Guidetti además de Rick Nowell, Trevor Horn, y Celso Valli (su arreglista de toda la vida). En él vuelve con otro dueto Più che puoi, esta vez con Cher y otras canciones como Fuoco nel fuoco (Fuego en el fuego), primer sencillo y Per me per sempre (Para mi será por siempre).

En 2003 ve la luz "9", el disco mas autobiográfico que ha hecho el cantante, en el disco se encuentran Un'emozione per sempre (Una emoción para siempre), primer sencillo del disco y originalmente escrito para su amigo Alex Baroni, pero que nunca pudo cantar, ya que meses antes moría tras un accidente de moto en Roma, Piccola pietra (Piedra pequeña) que está basada en el libro "La danza inmóvil", del escritor peruano Manuel Scorza. Ti vorrei rivivere (Revivirte otra vez) que está dedicada a Donatella, la chica que aparece en la portada de In certi momenti (En ciertos momentos) junto a él y que fue su primer gran amor. El disco, que batió todos los récords de permanencia en las listas de ventas de Italia, le hace, de nuevo, embarcarse en una nueva gira mundial, que pasa por Roma el 7 de julio de 2004, ante 60.000 expectadores en el Estadio Olimpico. Meses después el concierto fue publicado en DVD llamado Eros Roma Live.

En 2005 aparece en octubre y en el día de su cumpleaños, como otras veces, el álbum Calma apparente (Calma aparente), que contiene un dueto con Anastacia, cuya canción se llama I belong to you/Il ritmo della passione (I belong to you/El ritmo de la pasión), el regreso lo hace con La nostra vita (Nuestra vida) batiendo el record de emisiones de una canción en las emisoras italianas .

Casi simultáneamente salió en Italia "Eros, lo giuro", el primer libro autorizado sobre la vida de Eros Ramazzotti, fruto de conversaciones con el periodista y escritor Luca Bianchini. Se convierte en el libro más vendido de Italia.

Otros datos de interés

Eros, es el compositor de sus temas, tanto la letra (ayudado por su amigo Adelio Cogliati), como la música y toca la guitarra, la percusión, el piano y la batería.

Si no hubiese sido cantante siempre dice que hubiera sido futbolista (el fútbol y la Juventus es su otra gran pasión), de hecho es presidente de la Nazionale Italiana Cantanti un equipo compuesto por cantantes italianos que juegan partidos a beneficio de los más desfavorecidos. Además le gustan las motos, los coches en especial los Ferrari. El año 2004 que Gianmaria Bruni corrió en Fórmula 1 con un Minardi, Eros fue uno de los patrocinadores.

Aparte de Italia sus mayores éxitos los ha cosechado en Alemania, España e Hispanoamérica (cantando en castellano).

En noviembre de 2006 salió al mercado el último álbum de la italiana Laura Pausini, titulado Yo Canto (Io Canto en italiano); el cual recoge canciones que han marcado la vida de la artista y viene a ser como un homenaje a los compositores italianos de las últimas décadas. En este álbum ella interpreta la canción Estrella Gemela (Stella Gemella en italiano), compuesta por Eros Ramazzotti.

El 26 de octubre de 2007 vió la luz una antología doble, cuyo nombre es e² (e al cuadrado), y que conmemora los 25 años de carrera de Eros. El primer sencillo de este disco es un dueto con Ricky Martin que se llama Non siamo soli (No estamos solos) . Además este Grandes Éxitos contiene un dueto con Amaia Montero, ex-vocalista del grupo español La Oreja de Van Gogh, una colaboración con Carlos Santana, otra con el mítico Steve Vai, con el grupo vocal Take 6 y otras muchas sorpresas, lo que pone muy en alto las expectativas de éste. Paralelo a esto, Eros ha colaborado con el grupo sardo Tazenda cantando Domo Mia y recientemente fue invitado a cantar a dúo con el cantautor Ricardo Arjona en su nuevo disco Quién dijo ayer, el tema A ti.

Pagina: http://www.erosramazzotti.net/

El Cuarteto de Nos

El Cuarteto de Nos es un grupo uruguayo, formado en 1980 en Montevideo. Se destacan el humor de sus letras y sus originales puestas en escena.

Historia

Cuarteto de Nos comienza en el año 1980 (aunque Tavella y los hermanos Musso ya tocaban juntos). En ese mismo año dan su primer recital en el Teatro "El Tinglado", siendo éste totalmente instrumental.

A su vez componían, y mientras buscaban su propio estilo musical, tocaban en el Teatro "La Máscara", en "El Circular", en el "Teatro de la Alianza Francesa", etc. A raíz de estas presentaciones el sello Ayuí les propone grabar su primer (medio) disco, que seria compartido con Alberto Wolf. La propuesta es aceptada y en el año 1984 sale a la luz.

También en 1984 se suma el cuarto integrante Álvaro Pintos como baterista fijo, ya que hasta el momento Leonardo Baroncini era quien los acompañaba como invitado.

En 1985 suben al escenario ubicado en la feria de Villa Biarritz con papel de aluminio en las piernas y globos sujetos a la cabeza, generando interés en el público.

Desde esa época la originalidad de sus multiples shows ha dado frutos y tienen una amplia lista de seguidores de todas las edades.

Soy una Arveja, su primer LP, sale en 1986 y se presenta en 1987 en el teatro El Galpón, donde hacen oficiales los disfraces de viejas (referidos al tema undécimo del mismo disco). Estos disfraces fueron usados en innumerables presentaciones.

Realizan su primer ciclo de actuaciones Homenaje a Cuarteto de Nos en 1988 en "El Tinglado" mientras graban Emilio García, su siguiente disco. El nombre del LP hace referencia al manager imaginario que la banda tenía en esa época, así como "Tajo" refiere al origen imaginario de la banda, la ciudad de Tajo. La presentación de este disco se realiza en un ciclo en el Teatro del Notariado, donde Los Bedronclos y Tuquito Y Sus Cowboys (parodias realizadas por ellos mismos) actúan de teloneros.

En 1989 recorren el país con sus presentaciones y en diciembre de 1991 se presentan por 1º vez en Argentina en la Segunda Bienal del Arte Joven

La grabación de su siguiente disco Canciones del corazón comienza en 1990, al tiempo que se presentaban un ciclo en "La Tramoya" y otro en el teatro del Notariado

El disco "Canciones del Corazón" (Orfeo), fue presentado en Teatro El Tinglado.

En 1994 se edita "Otra navidad en las trincheras", que es inmediatamnete aceptado por público y prensa. El CD, obtiene por sus ventas los galardones de cuádruple disco de platino en Uruguay y es hasta la fecha el disco de rock más vendido en la historia del país.

En el 2007 Cuarteto de Nos es nominado al Grammy Latino con "Yendo a la casa de Damián" del disco Raro. Además ha promocionando su último trabajo por todo el continente, realizando presentaciones impecables tanto en el Festival Vive Latino en México, como en el Festival Rock al Parque en Colombia.

El próximo show es en Buenos Aires-Argentina, el Sábado 8 de marzo en The Roxy Club (Colegiales) a las 20:00 hs.

Integrantes

- Roberto Musso - "Rover" (Guitarra y voz)
- Ricardo Musso - "Riki" (Guitarra y voz)
- Santiago Tavella - "Santi" (Bajo y voz)
- Álvaro Pintos - "Alvin" (Batería y voz)

Discografía

- El Cuarteto de Nos - Alberto Wolf - 1984
- Soy una arveja - 1986
- Emilio García - 1988
- Canciones del Corazón - 1990
- Otra Navidad en las Trincheras - 1994
- Barranca Abajo - 1995
- La misma porquería (compilado) - 1995
- El Tren Bala - 1996
- Revista ¡¡Ésta!! - 1998
- Cortamambo - 2000
- El Cuarteto de Nos - 2004
- Raro - 2006

La canción de la polémica

La primera canción del disco El Tren Bala contenía el tema que causó una polémica muy grande con el grupo, este era El día que Artigas se emborrachó, por el cual el Ministerio de Educación y Cultura hizo en 1996 una denuncia penal a la justicia por entender que se estaba difamando al prócer nacional de Uruguay José Gervasio Artigas. El juicio finalmente quedó nulo porque el fiscal entendió que no se había cometido ningún delito. Luego intentaron que juzgara la justicia militar en plena democracia, porque se creía que vilipendiaba la bandera de Artigas. Finalmente el INAME (actual INAU) prohibió que el disco se vendiera para menores de 18 años y no se podía irradiar en el horario de protección al menor. Fue el único caso de intento de censura en Uruguay de un tema musical luego del retorno de la democracia en 1985.

Pagina: http://www.cuartetodenos.com.uy/

Brazilian Girls

Brazilian Girls es un cuarteto de Nueva York (EE.UU.), conocido por su música electrónica ecléctica, la que incorpora elementos de bossa nova, reggae y jazz entre otros géneros musicales. Sus canciones también están cantados en varias lenguas: además del inglés, se usa francés, alemán, italiano y español.

A pesar del nombre Brazilian Girls, ninguno de los miembros es de Brasil, y sólo la cantante, Sabina Sciubba, es una chica.

Didi Gutman es el teclista de la banda, Aaron Johnston el percusionista y Jesse Murphy el bajista. La banda sacó su álbum de debut en 2005 siendo muy aclamado por la crítica y obteniendo un gran éxito entre el público por su enérgico espectáculo en vivo.

Pagina: http://www.braziliangirls.info/

Motel

Motel, una banda formada en la extraña pero única Ciudad de México a inicios del 2002, presenta este año su disco "Motel" lanzado por Warner Music México, con gran talento y además con la promoción de una de las dos televisoras grandes de México se espera que esta banda ocupe y llene las expectativas que se han creado entorno a ella.

Billy Méndez (compositor y músico), Rodrigo Dávila (cantante), Pepe Damián (baterista) y Rubén Puente (bajista) son quienes conforman esta agrupación, la cual se espera sea la revelación de este año o por lo menos mantener su concepto de hacer música para la gente, como se presentan en su disco homónimo.

El disco de Motel es completamente un estilo rock pop, aunque en realidad es mucho mas pop que rock, con música tranquila y letras ligeras, sin toques rebuscados, parece ser el inicio de algo prometedor para estos chicos, con 11 temas todos creados por Motel, con la producción de Aureo Baqueiro y Jay de la Cueva (vocalista de Moderatto).

El sencillo que se desgaja de este disco es "Dime ven", una canción que se puede catalogar como la mejor del disco, sin menospreciar las otras canciones que también son buenas aunque un poco superficiales dentro de esa burbuja de amor, pero en especial este sencillo ha tenido ese impacto de captar la atención de la gente, una canción de esas que se quedan en la mente con solo escucharlas (y como no si es promocionada por la televisora del Ajusco), la cual nos da un referéndum a lo que podemos escuchar en los demás tracks de este disco, que aunque en música no es muy parecido pero las letras van por este mismo camino de hablar de este globo mágico de amor.

Un disco para enamorados, románticos, soñadores, dolidos y hasta para los que gusten pasar una noche linda y tierna con una chica, dedicando rolas y cantando al odio, con letras llenas de ternura y dulzura, de amor y sutileza, pero con una buena propuesta y diferente a lo que se ha venido escuchando, parece ser el grupo de rock pop con la mejor proposición este año (aunque ya no haya muchos) y con un gran futuro dentro de la industria de la música, además de ser arriesgados para lanzar una propuesta de ese tipo, algo que no es bien aceptada hoy en día, donde todo es pesado y un poco mas clavado en cuanto a letras dentro del mundo del rock, pero cabe decir que es sin lugar a duda recomendable seguir a estos chicos del defectuoso México City y sobre todo deseando que no solo se queden en una buena propuesta y se conceptualicen con mas canciones y mas producciones creadas por ellos.

Abriendo paso con talento y con buena música, Motel, una banda que solo necesita soñar y pensar en el inicio para saber lo que les traerá el destino.

Pagina: http://www.motelmx.com/

Jaime Urrutia

Jaime Urrutia Valenzuela (Madrid, 21 de junio de 1958), también conocido como Jaime de Urrutia, es un compositor y músico de la llamada Movida madrileña.

Fue miembro de Ejecutivos agresivos, uno de los grupos seminales de la nueva ola, de la que surgieron también grupos como Derribos Arias o Décima víctima, y que iniciaron las hordas llamadas «siniestras» de la movida, cuyas principales influencias eran combos británicos como The Cure, Joy Division o Bauhaus. Cuando el grupo se disolvió, fundó junto a Ferni Presas y Edi Clavo Gabinete Caligari, cuyo nombre se basaba en la famosa película del expresionismo alemán.

Tras una primera época oscura —con temas como Tren especial, Olor a carne quemada y Cómo perdimos Berlín—, las composiciones de Urrutia fueron siendo más eclécticas, recuperando temas ajenos al universo del rock en cuanto a las letras, como aquellas que son estupendos lienzos del mundo del toreo —no en vano su padre fue crítico taurino— y aderezándolas con melodías influidas por la tarantela o el pasodoble.

Tras Gabinete Caligari, su primer disco en solitario fue Patente de corso (2002), del que se extrajeron temas como Qué barbaridad o Castillos en el aire, y que lo devolvió a la actualidad musical, hecho al que contribuyeron las colaboraciones con artistas como Loquillo o Andrés Calamaro. El disco incluía incursiones en la bossanova y los ritmos latinos, y supuso ampliar la paleta musical de Jaime como compositor respecto a los estilos desarrollados en Gabinete Caligari.

En 2004 editó El muchacho eléctrico, de éxito y difusión más moderados. No obstante, Jaime Urrutia mantiene el pulso compositivo, creando letras muy cercanas a cierta época de Gabinete Caligari, pero muy alejadas de lo que es el patrón compositivo de los cantautores españoles.

A pesar de que Gabinete Caligari era un grupo solvente en vivo, jamás editó ningún concierto grabado, por la reticencia de sus miembros hacia los discos en directo. Únicamente se registraron varios temas sueltos en algunas reediciones posteriores de sus discos de estudio. Sin embargo, el 20 de febrero de 2007 Jaime Urrutia grabó En Joy, su primer disco en directo en la sala Joy Eslava junto a músicos de su generación como Ariel Rot y Loquillo, y otros de actualidad como Eva Amaral de Amaral, Dani Martín de El Canto del Loco o el dúo Pereza, entre otros. El disco fue editado unos meses más tarde, junto con el DVD del concierto.

Actualmente Jaime Urrutia aparece semanalmente (los miércoles) en el programa La Ventana de la Cadena SER junto con su amigo Ariel Rot donde charlan de música y radian una selección de canciones de grupos o solistas que han influído en sus carreras musicales, o por los que sienten una especial debilidad . La sección se llama "Long play".

Pagina: http://www.jaimeurrutia.com/

Alma y Vida

Pionero del jazz-rock, este grupo nació como acompañamiento del cantante Leonardo Favio, de quien se abrieron en 1970. Esta fue una agrupación fundada por músicos enamorados del jazz que se habían volcado paulatinamente al rock y a la llamada música beat de principios de los '70 sin olvidar sus raíces. Los primeros pasos de la agrupación estuvieron directamente emparentados con el estilo de bandas extranjeras como Blood, Sweet & Tears y Chicago, formaciones que también contaban con una raíz jazzística pero que se movían cerca del rock.

Alma y vida debutó durante un ciclo efectuado los domingos por la mañana en el teatro Opera, junto a nombres como los de Manal, Arco Iris y Vox Dei.

Con el ingreso de Gustavo Moretto en reemplazo de Mario Salvador, Alma y Vida encontró su mejor forma y cumplió una destacada actuación en las dos primeras ediciones del mítico festival B.A.Rock, en el ex velódromo Municipal. Este éxito los impulsó a registrar el primer álbum, en 1971. A base de varios hits como "Salven a Sebastián" u "Hoy te queremos cantar", la banda consiguió gran repercusión entre un público no estrictamente rockero y de ese modo logró erigirse en una asidua animadora de bailes en los clubes "de moda".

A fines de 1974 Gustavo Moretto se alejó de la formación para incursionar en una música mucho más compleja y elaborada con el trío Alas. Su partida aceleró un proceso de crisis interna en la agrupación que el ingreso del vientista Osvaldo Lacunza no pudo salvar.

En 1976, Alma y Vida grabó su quinto y último LP y a poco de editado, la agrupación se desmembró a raíz de la partida de Carlos Mellino.

Formacion:

Alberto Hualde: batería
Bernardo Baraj: saxo
Carlos Mellino: teclados y voz
Carlos Villalba: bajo
Juan Barrueco: guitarra
Mario Salvador: trompeta

Ringo Starr

Richard Starkey (Liverpool, 7 de julio de 1940), más conocido como Ringo Starr, es un músico, cantante, compositor y actor británico, reconocido por ser baterista del grupo The Beatles. De los cuatro miembros del grupo, fue el último en incorporarse a la formación definitiva. Le dicen así porque siempre usa anillos, aunque en una entrevista dijo "Yo lo elegí porque es nombre de perro y los perros me agradan".

Biografía

Los primeros años

Richard Starkey nació en el seno de una familia trabajadora el 7 de julio de 1940 en el 9 de Madryn Street de Dingle, un suburbio portuario de Liverpool, Inglaterra. Sus padres, Elise Gleave y Richard Starkey, prontamente se divorciaron, quedando el joven al cuidado de su madre. Ambos se mudaron al 10 de Admiral Grove, a la vez que su madre alternaba distintos trabajos para subsistir.

Ingresó en la escuela de St. Silas, pero a los 6 años se vería obligado a abandonarla debido a una grave peritonitis. Permaneció en coma durante dos años y diez semanas en el hospital. A los trece, después de que su madre contrajera matrimonio con Harry Greaves, un resfriado se convirtió en pleuresía, lo que le obligó a ser ingresado en el Myrtle Street Hospital, donde permaneció hasta 1955.

Su ausencia del aula le dificultó el aprendizaje, por lo que a su salida apenas sabía leer y escribir. Trabajó, gracias al apoyo de su padrastro, para la British Rail de Inglaterra como mensajero, aunque a las seis semanas fue despedido por no pasar el examen médico. Poco después, Harry Greaves logró encontrarle trabajo como aprendiz de ensamblador en una compañía mecánica local llamada H. Hunt & Son.

Pese a todo, y debido al auge del skiffle, la mayor afición de Ringo era la música. Durante su estancia en el hospital, aprendió a tocar el tambor en las clases de música que se impartían. A su salida de éste, Harry Greaves le compró una batería de segunda mano. Tocó para algunas bandas locales: primero en bailes junto a Eddie Clayton y más tarde con The Darktown Skiffle Group, aunque alcanzó cierta reputación en el grupo Rory Storm & The Hurricanes, donde cambió su nombre por el de Ringo Starr (Ringo debido a los numerosos anillos que usaba, y Starr para anunciar su solo de batería como Starr Time).

En otoño de 1960, y después de numerosos conciertos en su Liverpool natal, Ringo, junto a Rory Storm and the Hurricanes, tocó en Hamburgo, Alemania, donde conoció a The Beatles. En varias ocasiones sustituyó a Pete Best a la batería debido a su ausencia, y entabló una fuerte amistad con el resto de la banda.

Con los Beatles
Artículo principal: The Beatles

En 1962, The Beatles consiguen su primer contrato discográfico con Parlophone gracias a la ayuda de Brian Epstein y George Martin. Pese a todo, a George no le gustaba el ritmo de Pete Best a la batería, por lo que propuso sustituirle por un profesional llamado Andy White. Sin embargo, el grupo se presentó en la siguiente sesión con Ringo Starr. A pesar de las reticencias, finalmente contó con el apoyo de George Martin e ingresó oficialmente en el grupo [1] .

A pesar de ser zurdo, Ringo toca una batería para diestros. Su tendencia a dirigir el ritmo con su mano izquierda contribuyó al distintivo estilo de tocar la batería de Ringo.

John Lennon dijo de Ringo:

Ringo era un estrella en su justa medida en Liverpool, antes de que le conociéramos. Por entonces era un batería profesional que cantaba y tocaba y tenía su propio espectáculo y estaba en uno de los grupos más importantes de Gran Bretaña pero especialmente de Liverpool... Ringo es un maldito buen batería [2] .

Por su parte, Steve Smith dijo de él:

Antes de Ringo, los bateristas seguían el ritmo con su habilidad y su virtuosismo. La popularidad de Ringo trajo un nuevo paradigma en la forma de que el público veía al batería. Comenzamos a ver al batería como un participante igualado en todos los aspectos de la composición. Una de las mejores cualidades de Ringo era que componía la pista de la batería con un estilo único para las canciones de los Beatles. Las partes de la batería suponían una firma tan personalizada que podías escuchar a Ringo sin el resto de la música e identificar de inmediato la canción[3] .

Muchos bateristas, entre ellos Max Weinberg, de la E Street Band, Dave Grohl, de Nirvana, Danny Carey, de Tool, Liberty deVitto de la banda de Billy Joel, Phil Collins y Mike Portnoy, han reconocido la influencia de Ringo a la hora de tocar la batería[4] .

Según Phil Collins:

"Starr es enormemente menospreciado. La pista de batería en "A Day in the Life" tiene cosas muy complejas. Puedes contratar a un buen batería hoy en día y decirle: "Quiero que lo toques como tal", sin que sepa cómo hacerlo [5] .

En su extenso estudio sobre las sesiones de grabación de The Beatles, Mark Lewisohn confirmó que Ringo era hábil y notablemente formal. Según el autor, a lo largo de ocho años de sesiones hubo menos de una docena de ocasiones en la que tuviera que interrumpirse la grabación por un error de Ringo, recayendo la mayor parte de los errores en los otros tres componentes de The Beatles[4] .

Ringo es asimismo considerado por introducir aspectos modernos en las técnicas de la batería, como es la forma de coger las baquetas por ambas manos de la misma manera, a diferencia de la forma tradicional en la que ambas eran cogidas de manera diferente, o el aspecto de emplazar el instrumento en una plataforma para hacerlo más visible de cara al público.

Existen dos canciones donde Ringo es reconocido por su labor como batería: en "Rain", por su sincronización con el bajo de Paul McCartney en la parte final, y en "She Said, She Said", por la forma de cubrir sin inconvenientes el cambio de compás de 3/4 a 4/4.

Tanto John Lennon como Paul McCartney y George Harrison han reconocido, a modo de halagos y de compañerismo, a Ringo como el mejor batería del mundo. Durante la grabación del Álbum Blanco, McCartney sustituyó a Ringo en las canciones "Back in the U.S.S.R." y "Dear Prudence" tras la salida de Ringo debido a su disgusto por las crecientes tensiones entre los miembros del grupo y por el tiempo que tenía que pasar abandonado en el estudio mientras sus compañeros no le requerían para la batería. Pasó dos semanas con el actor Peter Sellers en su yate, cerca de Grecia, donde escribió la canción "Octopus' Garden". Lennon mandó telegramas a Ringo, y Harrison llenó el estudio de flores para agasajar a Ringo en su vuelta a Londres [6] . Asimismo, el 31 de enero de 1969, un día después del último concierto ofrecido por el grupo en la azotea de Apple Studios, McCartney mandó una postal a Ringo diciendo textualmente: "Tú eres el mejor batería del mundo. De verdad", que se puede leerse en el libro de Ringo Postcards From The Boys [7] .

McCartney también tocó la batería en el tema "The Ballad of John and Yoko", grabado el 14 de abril de 1969 exclusivamente junto a John Lennon [8] . Ringo comentó en ese aspecto que tenía suerte de 'estar rodeado por tres baterías frustrados' que sólo podían tocar con un único estilo [9] .

Ringo generalmente cantó al menos una canción por cada álbum de estudio, como parte de un supuesto pacto por plasmar las voces de los cuatro miembros del grupo en cada disco. En algunos casos, Lennon o McCartney escribían las letras y la melodía especialmente para él, como en el caso de "Good Night" para el Álbum Blanco o en el de "Yellow Submarine" para Revolver. En otros casos, las melodías eran hechas a medida para el rango vocal de Ringo. Aunque algunas reseñas criticaban la voz nasal de Ringo en comparación con las voces de sus compañeros, se volcó en la interpretación de canciones de otras estrellas musicales con una voz parecida a la suya, haciendo una gran contribución al grupo. La voz de Ringo también se puede escuchar en canciones como "All Together Now", "Carry That Weight" o "The Continuing Story of Bungalow Bill".

Indudablemente, Lennon y McCartney fueron los compositores más prolíficos dentro de The Beatles. Harrison escribió, asimismo, cierta cantidad de canciones, mientras Ringo es acreditado como único compositor en los temas "Don't Pass Me By", del Álbum Blanco, y "Octopus's Garden", de Abbey Road, en la cual fue ayudado por su compañero George Harrison. Su nombre figura también en los créditos del tema "What Goes On", del álbum Rubber Soul, junto al de Lennon y McCartney, mientras las canciones "Flying", procedente de Magical Mystery Tour, y "Dig It", de Let It Be están acreditadas a Lennon, McCartney, Harrison y Starr.

De forma adicional, Ringo escribió "Taking a Trip to Carolina" (publicada en el segundo disco de Let It Be... Naked) y fue acreditado junto a los otros tres Beatles en los créditos de las canciones "12-Bar Original", "Los Paranoias", "Christmas Time (Is Here Again)", "Suzy Parker", del filme Let It Be, "Jessie's Dream", de la película Magical Mystery Tour, y la versión de "Free As A Bird" incluída en el proyecto Anthology. La película Let It Be también incluye "Jazz Piano Song", acreditada como una composición de "McCartney/Starkey".

Asimismo, cada miembro de The Beatles contribuyó a las canciones sin estar específicamente mencionado en sus créditos. Es el caso del tema "Eleanor Rigby", cuyo verso "writing the words to a sermon that no one will hear" fue una aportación de Ringo reconocida por McCartney. Por su parte, Lennon utilizó expresiones de Starr para los títulos de canciones, como es el caso de "A Hard Day's Night" y "Tomorrow Never Knows".

En el proyecto Anthology, Ringo reconoció que en la etapa previa a sus únicas dos composiciones dentro de The Beatles, solía presentar material a los otros tres miembros del grupo que ellos reconocían al instante como música de otros artistas, generalmente de Jerry Lee Lewis.

Después de los Beatles

Tras la separación oficial de The Beatles el 10 de abril de 1970, Ringo continuó una carrera en solitario que había inaugurado con el disco de versiones clásicas Sentimental Journey, publicado el 27 de marzo de 1970. Seis meses después, edita un disco con temas country titulado Beaucoups of Blues, grabado en Nashville junto al músico Peter Drake. Orquestó, además, singles de éxito con "It Don't Come Easy" y "Back Off Boogaloo", siendo este último su mayor éxito en el Reino Unido al alcanzar el puesto #2. En Estados Unidos, logró la primera posición de las listas de éxitos con los singles "Photograph", co-escrita con George Harrison, y "You're Sixteen", ambos en 1973.

En 1971, participó en The Concert for Bangladesh, organizado por George Harrison con el objetivo de recaudar fondos para los refugiados de Pakistán del Este, así como en los álbumes All Things Must Pass y Living in the Material World, de George Harrison, Plastic Ono Band de John Lennon, y el primer trabajo de Yoko Ono. Poco después hizo su debut como director con el documental Born to Boogie sobre T. Rex.

A día de hoy, Ringo es el único Beatle que no ha conseguido un primer puesto en las listas de singles británicas como artista en solitario, si bien en Estados Unidos logró dos números uno. Asimismo, es el único Beatle sin un número uno en las listas británicas de álbumes, alcanzando como puesto más alto el #7 con los discos Sentimental Journey y "Ringo". En Estados Unidos, su disco homónimo se izó hasta la segunda posición de las listas de éxitos.

En 1971, fundó junto a Robin Cruikshank una compañía de muebles. Entre los diseños exclusivos de Ringo figuraban mesas con flores en forma de corazón que incluían pétalos ajustables.[10]

Su álbum de 1973 Ringo supone el mayor éxito comercial de su carrera. Producido por Richard Perry y con la colaboración por separado de los otros tres miembros de The Beatles, Ringo se convierte en el Beatle más exitoso. Su siguiente álbum, Goodnight Vienna, mantendrá el listón de su predecesor y se convertirá en otro éxito del artista. Éxitos y notables temas de ambos discos son "Photograph" y "You're Sixteen", que alcanzan el primer puesto en las listas de éxitos estadounidenses, así como "I'm The Greatest", compuesta por John Lennon, "Only You (And You Alone)" y "No No Song". A finales de 1975, estos temas, junto a a otros éxitos anteriores, serán recopilados en el álbum Blast From Your Past, que supone la última publicación bajo el sello Apple Records.

La carrera musical de Ringo comenzó a disminuir posteriormente en relación a su impacto comercial, si bien continuó grabando discos y reteniendo la presencia de celebridades musicales. A mediados de los años 70 firmó un contrato con Atlantic Records, publicando en 1976 Ringo's Rotogravure. A pesar de convertirse en un éxito menor, el álbum alcanzó buenos niveles de ventas. El siguiente álbum de estudio, Ringo the 4th, fue un fracaso comercial, por lo que pronto tendría que firmar un nuevo contrato con Portrait Records. Su comienzo en la discográfica fue prometedor: 1978 vio la edición de Bad Boy y de un especial de televisión titulado Ognir Rats ('Ringo Starr' al revés). Tristemente, ambos resultaron un fracaso, por lo que Ringo no volvió a publicar un álbum bajo el sello Portrait.

En 1975, Starr fundó su propia compañía discográfica, llamada Ring O'Records, publicando cuatro discos entre 1975 y 1978: Startling Music, de David Hentschel; Graham Bonnet, de Graham Bonnet, Restless, de Rab Noakes, y The Whale, de John Tavener, así como dieciséis singles de artistas como Bobby Keys, Carl Grossman, Colonel Doug Bogie, David Hentschel, Graham Bonnet, Suzanne, Johnny Warman, Stormer, Rab Noakes y Dirk & Stig.

En 1980, George Harrison escribió "All Those Years Ago" para el álbum de Ringo Can't Fight Lightning, publicado posteriormente como Stop and Smell the Roses. Sin embargo, y tras el asesinato de John Lennon el 8 de diciembre de 1980 en Nueva York, Harrison publicó la canción en su disco Somewhere in England, con la colaboración de Paul, Linda McCartney y Ringo Starr en el tema.

Stop and Smell the Roses fue un álbum bien recibido por la crítica, si bien supuso un fracaso comercial. La composición de Harrison "Wrack My Brain" supuso la última entrada, hasta la fecha, de Ringo entre los primeros cuarenta puestos de las listas de éxitos. Accidentalmente, Lennon tenía preparados dos temas para el álbum Stop and Smell the Roses: "Nobody Told Me" y "Life Begins At 40". Sin embargo, tras el asesinato de Lennon, Ringo no se sentía a gusto grabando las canciones, de modo que fueron entregadas a Yoko Ono para posteriormente ser publicadas en el álbum póstumo de Lennon Milk and Honey.

El 27 de abril de 1981 contrae matrimonio con Barbara Bach, actriz principal en la película de 007 La espía que me amó. En 1983 edita el álbum Old Wave, producido por Joe Walsh, el cual únicamente verá la luz en Alemania, Canadá, Australia, Brasil, México, Japón, Nueva Zelanda y Holanda.

En 1984, Starr trabaja como narrador de la serie infantil de televisión Thomas the Tank Engine and Friends. En un principio se sintió inseguro en su nueva faceta al no haber leído los libros del reverendo Awdry. Sin embargo, cambió de opinión y tomó parte de la serie, narrando las primeras dos temporadas. Además, Ringo representó el papel de Mr. Conductor en el programa Shining Time Station, haciendo su debut en 1989.

Dentro del campo de la música, su problema con el alcohol le apartará relativamente de los estudios de grabación hasta finalizar su rehabilitación a comienzos de 1989. Un año antes, graba junto a George Harrison el tema "When We Was Fab", del álbum Cloud Nine. A comienzos de 1989, tras colaborar junto a Harrison y a Jeff Lynne en el tema de Tom Petty "I Won't Back Down", Ringo organizó una serie de conciertos bajo el nombre de Ringo Starr and His All-Starr Band, reuniendo en el grupo a conocidos músicos de distintas décadas. El formato de los conciertos consistía en una selección de canciones interpretadas por Ringo, tanto de su carrera en solitario como de su etapa en The Beatles, alternadas con temas de los músicos que lo acompañaban mientras Ringo regresaba a la batería. La novena gira de la All-Starr Band tuvo lugar en el verano de 2006.

El éxito de su primera gira animó a Ringo a trabajar en un nuevo álbum de estudio, Time Takes Time, finalmente publicado en 1992. Recibió una sustancial promoción al tiempo que el single "Weight Of The World" fue notablemente radiado. Los críticos consideraron Time Takes Time, producido por Phil Ramone, Don Was, Jeff Lynne y Peter Asher, como el mejor trabajo discográfico de Ringo desde su disco homónimo. Asimismo, para su grabación contó con la colaboración de Brian Wilson y Harry Nilsson.

En 1997, tras el éxito del proyecto Anthology que rescata el legado musical de The Beatles para acercarlo a un público más joven, Ringo es invitado por Paul McCartney para participar en dos canciones del álbum Flaming Pie. En él, el tema "Little Willow" es dedicado a la primera esposa de Ringo, Maureen Starkey, fallecida a causa de un cáncer. La grabación de "Beautiful Night" incluye a Ringo en la batería, mientras al día siguiente ambos grabaron una tema improvisado titulado "I Really Love You", acreditado a McCartney/Starkey.

1998 vio la publicación de dos álbumes bajo el sello discográfico Mercury. El álbum de estudio Vertical Man, que recibió buenas reseñas por parte de los críticos musicales, supuso el inicio de una relación laboral con Mark Hudson, productor de los siguientes cuatro álbumes, junto a la banda The Roundheads. De forma adicional, varios artistas invitados se unieron en la grabación de cierto número de canciones, incluyendo entre ellos a George Martin, Paul McCartney y George Harrison. Asimismo, The Roundheads y Joe Walsh se unieron a Ringo en su aparición en el programa VH1 Storytellers, que fue publicado posteriormente como álbum bajo el mismo título. A lo largo del concierto, alternó las canciones con detalles y anécdotas sobre su composición.

En 2001, Starr y Harrison fueron invitados a la grabación del álbum Zoom de Electric Light Orchestra, tocando en dos temas. A finales del mismo año, Ringo sufrió una fuerte conmoción por la pérdida de su compañero y amigo George Harrison el 29 de noviembre a causa de un cáncer de garganta.

En 2002, Ringo fue admitido en el Percussive Hall of Fame, que incluye a celebridades como Buddy Rich, William F. Ludwig, Sr. y su hijo.

El 29 de noviembre de 2002, Ringo interpreta las canciones "Photograph" y "Honey Don't" en el concierto homenaje a George celebrado en el Royal Albert Hall, al cumplirse el primer aniversario de la muerte de Harrison. Según palabras de la web oficial, "Ringo cautivó a todos con una interpretación de "Photograph" que parecía resumir el sentimiento general." La canción incluye los versos "Every time I see your face / it reminds me of the places we used to go / But all I've got is a photograph / and I realize you're not coming back anymore", que, en palabras de Ringo, tenían un significado diferente tras el fallecimiento de Harrison.

Un año después, Starr graba para el sello independiente Koch Records y publica Ringo Rama, avalado por la crítica como el mejor disco de su carrera musical. En él incluye el tributo a George Harrison "Never Without You" y aparecen Billy Preston, Eric Clapton, David Gilmour y Willie Nelson como artistas invitados. En 2005, publica Choose Love, que incluye la colaboración de Billy Preston y Chrissie Hynde.

El mismo año, Ringo anuncia públicamente la realización de un cómic de manos de Stan Lee para producir un nuevo superhéroe basado en la personalidad de Starr. Asimismo, en septiembre, el Ayuntamiento de Liverpool anuncia el derribo de la casa de nacimiento de Starr por no tener 'significado histórico' [1], a pesar del indulto concedido en julio [2]. Posteriormente, el Ayuntamiento anunció la desestructuración del edificio ladrillo a ladrillo para preservarlo.

A mediados de 2006, Ringo se embarca en su novena gira con la All-Starr Band, con Sheila E. en la percusión, el bajista Hamish Stuart y Edgar Winter como incorporaciones. El día de su sexagésimo sexto cumpleaños, el 7 de julio de 2006, la gira recala en Florida. Poco después, participa en el álbum de duetos de Jerry Lee Lewis, Last Man Standing, cantando el tema de Chuck Berry "Sweet Little Sixteen".

En junio de 2007 era de esperar la publicación del nuevo álbum de estudio de Ringo, titulado provisionalmente Liverpool 8 y producido por David Stewart y Mark Hudson. Sin embargo, su publicación ha sido aplazada hasta comienzos de 2008 debido a un enfrentamiento entre Hudson y Starr que provocó cierto distanciamiento entre ambos. Bruce Grakal, compañero de gira de Ringo, declaró a la prensa que la relación laboral entre Hudson y Starr estaba rota y que no volverían a trabajar juntos, debido al cese del primero como director musical de la última gira para hacer un programa televisivo [3].

El 26 de junio de 2007, Ringo participó en el programa de la CNN Larry King Live junto a Paul McCartney, Yoko Ono, Olivia Harrison y el fundador del Cirque du Soleil Guy Laliberté para la promoción del espectáculo circense "Love" que se desarrolla en Las Vegas, Nevada. El 28 de agosto de 2007, coincidiendo con la edición en formato digital de sus cuatro primeros álbumes editados bajo el sello EMI, se publica el recopilatorio Photograph: The Very Best of Ringo.

¿Caballero del Imperio británico?

En diciembre de 2006, el columnista de The Times Daniel Finkelstein dio comienzo a una campaña [11] para solicitar el título de Sir para Ringo [12] . Si bien supone un intento para probar el recién introducido sistema de peticiones en la web del Gobierno británico, Finkelstein admite que "él (en referencia a Ringo) merece el título" y parte de las siguientes razones sin respuesta por las cuales debe ser investido Caballero:

1. The Beatles no son sólo un grupo de música pop, sino que cambiaron la cultura popular.
2. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Tom Jones es Caballero.
3. ¿Han oído la batería del álbum Abbey Road?
4. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Cliff Richard es Caballero.
5. The Beatles son un símbolo de la creatividad del país que es reconocida en cualquier parte del planeta.
6. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Errol Brown, de Hot Chocolate, es Miembro también.
7. Antes de que Ringo se uniera al grupo no había nada.
8. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Gerry Marsden de Gerry and the Pacemakers es Miembro también.
9. ¿Han visto la película Help!?
10. Ringo es Miembro del Imperio Británico; Jeffrey Archer es noble.

La petición fue generalizada a los periódicos The Sun[13] y Canada National Post[14] , recibiendo un total de 1887 firmas. Aún así, el propio Ringo declaró que no tiene interés en dar promoción a la Familia Real británica y que no está interesado en ser Caballero, según declaró en una entrevista publicada en la edición deluxe de Ringo Rama:

Entrevistador: Al final de la canción [en referencia a "Elizabeth Reigns"], ¿cuál es tu opinión acerca de la Reina y compañía?. Al final dices, "Bien, ahí viene mi título de Caballero."
Starr: "Ahí viene mi título de Caballero." Sí, creo que se eso ya es pasado.
Entrevistador: ¿Te molesta no recibir el título?
Starr: No, no quiero ser un Caballero, prefiero ser un duque o un príncipe. Así que si me proponen eso, me lo pensaría seriamente.

Premios y reconocimiento

El 12 de junio de 1965, Ringo y el resto de The Beatles fueron reconocidos como Miembros de la Orden del Imperio Británico, recibiendo una insignia de manos de la Reina Isabel II en su investidura en el Palacio de Buckingham el 26 de octubre.

En 1970, The Beatles ganaron el Premio de la Academia del Cine por la mejor Canción Original del filme Let It Be. Cada Beatle recibió un Oscar.

Figura, además, como miembro de The Beatles en el Rock and Roll Hall of Fame desde 1988. Desde entonces, Lennon en 1994, McCartney en 1999 y Harrison en 2004 fueron inducidos como reconocimiento a sus carreras en solitario. Pese a todo, el 5 de septiembre de 2007 fue anunciado su inclusión en la votación para figurar como miembro del Rock and Roll Hall of Fame por su carrera musical en solitario.

El asteroide (4150) Starr, descubierto el 31 de agosto de 1984 por B. A. Skiff en la Estación Anderson Mesa del Observatorio de Lowell, fue nombrado como tal en su honor [15].

Pagina: http://www.ringostarr.com/

Zero 7

Zero 7 es un grupo de música electrónica, procedentes del Reino Unido se les asocia específicamente de la corriente denominada Downtempo.

Historia

Zero 7 está formado por Henry Binns y por Sam Hardaker, ambos amigos desde adolescentes, ingenieros de sonido y nacidos al norte de Londres.

Cuando terminaron la escuela consiguieron un trabajo de chicos de los recados en un estudio de grabación, donde veían cómo trabajaban los grupos que estaban del otro lado del vidrio y aprendieron a grabar discos. Esta experiencia fue la que los llevó años después a instalar un estudio propio, del tamaño de un cuarto de lavado.

Nigel Godrich, mago detrás de la cortina de discos de bandas como Radiohead, Beck o Travis, les dio la oportunidad de remezclar el tema Climbing Up the Walls de Radiohead, que aparece en el álbum OK Computer de 1997.

La primera versión que produjeron del tema les fue devuelta porque Radiohead no quedó satisfecho con el resultado. Esto les impactó tanto que se concentraron en darle un mejor acabado. Su trabajo con Climbing Up the Walls de Radiohead fue suficiente para que el grupo y el productor guiñaran el ojo y levantaran los pulgares; en ese instante nació Zero 7, nombre de un club nocturno en Honduras. A partir de ese trabajo les llamaron para hacer otros remixes de bandas como Lambchop o Lenny Kravitz.

En 1999, Zero 7 lanzó su primer EP oportunamente llamado EP1, del cual solo fueron hechas unas cuantas copias y lograron venderlas en pocos días. Un destino similar le esperaba a su segundo EP, llamado EP2.

Primer LP: Simple Things

En el 2001 firmaron contrato con la discográfica Ultimate Dilemma. Su primer álbum, Simple Things, apareció a mediados del año 2001 y es a menudo es descrito como una mezcla entre Air y Portishead. En este álbum participan Mozez, Sia Furler y Sophie Barker como vocalistas. El disco es un manifiesto a favor de los pequeños detalles, a partir de canciones que recuerdan instantes cotidianos: perder el tiempo en una fila, pasear al perro en un día soleado, el momento en que un extraño nos sonríe, una visita solitaria al supermercado, o conducir en la ciudad cuando es de noche. Simple Things sugiere desde su título hacia dónde apunta su concepto: la reunión de las cosas sencillas más allá de los estereotipos.

Pagina: http://www.zero7.co.uk/

Lifehouse

Lifehouse es un grupo musical de rock melódico de los Estados Unidos

Los componentes actuales son el cantante, compositor y guitarrista Jason Wade, el baterista Rick Woolstenhulme, y el bajista Bryce Soderberg, última incorporación a la banda.

Historia de la Banda

Llegaron al éxito en el año 2000 con el single "Hanging by a Moment", contenido en su primer álbum, "No Name Face". El single ganó ese mismo año el premio Billboard Music Award como el éxito más sonado del año, batiendo los números 1 de Janet Jackson y Alicia Keys. El segundo single del álbum fue "Sick Cycle Carousel". En el año 2002, Lifehouse lanzó su segundo completo, el álbum titulado "Stanley Climbfall", cuyos temas "Spin" y "Take Me Away" lograron un inesperado éxito y aceptación; no alcanzando, de cualquier modo, el logrado por "Hanging by a Moment". En el año 2005 la banda sacó a la venta su tercer disco, titulado "Lifehouse". Este álbum hizo su presentación en la aparición del grupo en el capítulo "Spirit", de la cuarta temporada de la serie Smallville. En este capítulo la banda norteamericana tocó cuatro canciones del nuevo disco, lo que le sirvió como plataforma de lanzamiento. El single "You and Me", primero del tercer disco, rompió todos los records de ventas de la propia banda y ha sido declarado por variedad de expertos, como la mejor canción del año 2005. El segundo single del álbum es "Blind". Ahora en 2007 sacan a la venta su cuarto album "who we are" fue un exito rotundo con su single first time, unos de los discos mas descargados de la internet. Who we are refleja como fueron los chicos a principios de su carrera musical en el sub-urban de LA (CALIFORNIA)

Pagina: http://www.lifehousemusic.com/

Miguel Botafogo

Miguel "Botafogo" Vilanova nació el 7 de Febrero de 1956. Comenzó a tocar la guitarra clásica a los 9 años y a los 12 tuvo su primer guitarra eléctrica. Su debut profesional fue a los 17 años con Pappo's Blues. A partir de allí participó en Engranaje, Avalancha (graba un single), Carolina y Studebaker.

Entre 1977 y 1984 se radicó en Madrid (España) donde integró, entre otros, el grupo Cucharada (graban el disco El limpiabotas que quería ser torero); Joaquín Sabina (graban Viceversa); Antonio Flores (graban Antonio, Al caer el sol, y la música para la película Colegas); Mariscal Romero (graban Zumo de radio). Asimismo tocó, junto a Pappo, Micky, Ramoncín, Kevin Ayers, Whisky David y Ciro Fogliata.

A su vuelta a la Argentina forma Durazno de Gala (graban siete discos). Paralelamente integró las bandas de Rinaldo Rafanelli, Miguel Cantilo, Vitico, Pappo's Blues, Las Blacanblus, Los Guarros y Javier Calamaro.

En 1995 Botafogo emprende su carrera solista, que ya cuenta con cuatro producciones discográficas editadas por Distribuidora Belgrano Norte - "Trío" (1995), "Botafogo y Amigos" (1997), Cambios (1998), Solo-Acústico (1999).

Tanto con Pappo, con Durazno de Gala, o Botafogo solista, realizó actuaciones como soporte de B. B. King (en sus presentaciones en la Argentina 1991,1992, 1993, 1994, y 1995), James Cotton (1993), Guns & Roses (1993), Carlos Santana (1993), Buddy Guy (1995), Scott Henderson (1998) y de Jeff Beck (1998). Grabó junto a Taj Mahal (1994). Actuó como músico de Deacon Jones y de Johnny Rivers (en el canal 13 para Badia y Compañía). Participó en zapadas en vivo con músicos de blues que visitaran nuestro país como Hubert Sumlin y Larry Mc Cray.

En Julio - Agosto de 1997 Botafogo viaja a los Estados Unidos, invitado por el armoniquista Bruce Ewan, presentándose en Twist & Shouts de Washington, compartiendo el escenario con la Carey Bell Chicago Blues Band. Anunciado como el Gran Bluesman Argentino y acompañado por Iko - Iko Rhythm & Blues Band, mostró su talento en Miami, más exactamente en Tabacco Road. Terminó su estadía en un lugar mítico del Blues: Chicago donde se presentó en Legends el club de Blues de Buddy Guy, y finalmente en Blues Etcétera.

A mediados del '99 encara una gira por Japón. Acompañado por el bajista Gustavo Gregorio, el australiano Alan Tilsley en guitarra rítmica y el japonés Hideo Ono en batería, se presentan en las ciudades de Tokio, Osaka, Kyoto, Nakamura, Kochi, Takamatsu, Nagoya y Tokushima. De regreso, realiza una escala para registrar "Live in Hollywood" en Jacks Sugar Shack de Hollywood Boulevard, en Los Angeles, el 14 de julio de ese año. Botafogo estuvo acompañado por el organista Deacon Jones, arquetipo del bluesman norteamericano. La banda la completaron Paul Eckman en bajo y el baterista argentino Fabián Jolivet.

A comienzos del 2000 regresó a Oriente para encarar una segunda gira por Japón, visitando las ciudades anteriores más Fukuchiyama, Kumamoto, Hiroshima, Matsuyama y Kochi. Precisamente en ésta ciudad, ubicada en la isla de Shikoku, graba "En vivo en Japón", con 18 temas entre los cuales se destacan dos, cantados por el propio Botafogo en japonés.

Después de cuatro años sin editar un nuevo trabajo, presentó "Don Vilanova", un disco de 16 temas, 12 de los cuales son de su propia autoría. Con la producción artística de Botafogo y Andrés Vilanova, quien también es responsable de las baterías, cuenta con la participación de Germán Weidemer en teclados, Cristina Dall y Laila Vilanova en piano, José Balé en percusión, Miguel A. Talarita en Trompeta, Martín Laurino en Trombón, Dante Medina en saxo y Fabricio Rodríguez en armónica.

Pagina: http://www.lacasadelblues.com.ar/botafogo/
Fuente: Rock.com.ar

DragonForce

DragonForce es una banda de estilo Power Metal. Fue formada en el año 1999, en Londres, Inglaterra

Historia

Formada el año 1999 a partir de los remanentes de una banda de Power Metal llamada Demoniac y de otras agrupaciones, tomaron en un principio el nombre de "DragonHeart", que tuvieron que cambiar posteriormente debido a la existencia de de una banda brasileña llamada de la misma manera y que también tocaba Power Metal.

Bajo el nombre de DragonHeart sólo sacaron un Demo llamado Valley of the Damned que un tiempo después, ya bajo el nombre de Dragonforce, sacaron como disco completo. Este demo fue publicado en una página de internet donde se convirtieron en éxito rotundo captando la atención inmediata de Noise Record.

Han tocado en compañía de bandas como Distorción, a quienes les cancelaron en su gira 2006 en Finlandia, donde fueron teloneros de Stratovarius junto con Metal Church, por acusaciones de satanismo. Esto mismo les sucedió a DragonForce en Italia. se espera que hagan un disco de heavy thrash juntos.

Este grupo se diferencia de las otras bandas de Power Metal por la velocidad de sus temas, sus solos rápidos, la influencia de los sonidos del teclado (semejantes a los videojuegos antiguos) y el uso del blast beat en la batería, lo que le da un sello inconfundible a esta banda.

La voz de ZP Theart es perfecta para el estilo que maneja la banda y así logran un power metal único que sobrepasa muchas fronteras.

Comenzaron con su gira por Rusia el 2007, luego en Norteamerica. Dragonforce ha demostrado ser una banda consagrada al metal, cosa que es muy favorable para ellos ya que prometen algo nuevo y contemporáneo. Su último disco, Inhuman Rampage, obtuvo muy buen recibimiento por sus seguidores, en marzo se publica la edición especial de este disco con un dvd. El sencillo Through the Fire and Flames aparece en el videojuego Guitar Hero III como un tema jugable, quizá el más difícil de la serie entera de Guitar Hero.

Categoría musical

Se puede añadir que, la mezcla única de tipos y técnicas que combina este grupo lo hace un emblema en su categoría; Power Metal, Speed Power Metal y Speed Epic Power Metal.

Sin embargo, ellos mismos le han llamado "Power Metal Extremo" a lo que tocan. Este estilo está influenciado por música de videojuegos, por lo tanto a veces lo han llamado "video game metal"[1]. Se caracteriza por el énfasis en armonías con ambas guitarras (por lo cual Kirk Hammet ha dicho que son los guitarristas más rápidos que ha visto[2]),letras con naturaleza épica o fantástica, ruidos y sonidos de videojuegos, gran uso del teclado y de Blast beats en la batería.

Integrantes de la banda

- ZP Theart (Sudafricano) – Voces y coros
- Herman Li (Hongkonés) – Guitarras y coros
- Sam Totman (Inglés) – Guitarras y coros
- Vadim Pruzhanov (Ucraniano) – Teclados, piano y coros
- Dave Mackintosh (Inglés) – Batería y coros
- Frédéric Leclercq (Francés) - Bajo y coros

Discografía

- Valley of the Damned (2003)
- Sonic Firestorm (2004)
- Inhuman Rampage (2006)

Pagina: http://www.dragonforce.com/